Florais orgânicos e cheios de vida com aquarela e tinta

1. Introdução: Há anos que uso aquarela e tintas em muitas das minhas peças do caderno de esboços. Oi, eu sou [inaudível], e este caderno de esboços é o meu 21º caderno de esboços, que eu dediquei especialmente às flores selvagens, que me permitiu explorar maneiras de adicionar mais profundidades e interesse textural em meus botânicos. Meus florais apareceram em cartões, papel de embrulho, sacos de presente e tecido. Esta classe tem uma exploração descontraída de florais expressivos estabelecidos em Aquarela com detalhes essenciais de tinta no topo. Como um professor de topo aqui, no Skillshare, muitos alunos têm se perguntado como eu aparentemente conseguir florais sem esforço Watercolor que permanecem vibrantes e frescos, em vez de amarrar a overworked. Mas como vamos fazer isso? Nesta aula, vou compartilhar insights e melhores práticas para produzir aguarelas expressivas, incluindo limpar o espaço livre para nossos florais floridos. Usando exercícios lúdicos, podemos mudar nossa atenção da necessidade de retratar representações precisas e, em vez disso simplificá-la para capturar a essência de sua flor. Como perfeccionista em recuperação, criar obras de arte em aquarela e tinta apela ao meu gosto pessoal e capacidades pois me permite ter o equilíbrio entre o meu lado despreocupado e a necessidade de alguns detalhes. Os princípios orientadores que apresento, como as pontas de mistura de forma, valor e cor podem ser facilmente aplicados a qualquer assunto que você decidir pintar e ainda conseguir os mesmos resultados espontâneos. Pincéis grandes e cores vibrantes podem ocupar o centro desta abordagem, juntamente com contraste de pedregulho e inclinações descritivas. Há três demonstrações completas em que te levo ao longo de todo o meu processo. Se você está apenas começando com aquarelas ou é bem versado neste meio, vou apresentar uma maneira realmente única e intuitiva de trabalhar que irá produzir em encantadoras representações de flores silvestres. 2. Seu projeto: Muito obrigado por se juntar a mim. Eu realmente tentei dividir este curso em segmentos fáceis de gerenciar. Como eu sinto, se eu te pedisse para mergulhar direto na pintura, um estilo floral mais solto, haveria muita frustração e ansiedade, e você realmente não iria gostar tanto da prática, e eu realmente quero que você aproveite isso totalmente. Como tal, quero introduzir alguns exercícios de aquecimento relacionados para facilitar suavemente e guiá-lo nesta técnica. Isso deve promover sua prática de aquarela para qualquer assunto, não apenas florais. Por favor, note que, embora esta classe use a técnica molhada sobre molhada, não se trata especificamente de misturar aquarelas, ou teoria de cores. Parte da luz do ponto será em alcançar, um olhar expressivo solto, mudando nossas atitudes em relação a como um floral deve olhar. O resto será uma visão geral de como suas aquarelas se comportam sob condições ligeiramente diferentes, como variações de pigmento, mais para carregar no pincel, até mesmo até o papel que você usa. Seu projeto é usar técnicas de aquarela e tinta, descritas nesta classe, para descrever uma flor silvestre, ou flor de sua escolha, idealmente, uma que você escolheu. Use a guia projetos e recursos para carregar seu projeto. Eu adoraria ver seus exercícios de aquecimento, a forma, valor e estudos de tinta, seu floral principal, e uma breve visão geral de seus pensamentos sobre o processo, com destaques, e algumas lições aprendidas. Tudo bem para ser honesto, eu não estou aqui para julgar, eu realmente quero te apoiar. Você pode postar seu progresso em etapas se quiser, e eu tentarei o meu melhor, para dar feedback antes de embarcar na versão colorida ou versões. Por favor, publique quantos florais quiser. À direita aqui, estão recursos do projeto. Eu tenho PDFs para download, incluindo as formas de folhas para tentar o exercício de aquecimento de mistura de cores, uma lista de pigmentos coloridos de água que eu uso nesta classe, minha lista de materiais, incluindo todas as pontas e papéis aquarela. Esses documentos estarão na seção de recursos aqui, juntamente com links para outras classes do SkillShare que mencionei ao longo desta classe. Se você gostaria de compartilhar os esboços que você cria, então por favor use #ohnmarskillshare, para que eu possa ver seu progresso no Instagram. No entanto, eu peço que você poste dentro desta sala de aula para um feedback completo de mim. 3. Materiais necessários: Escovas redondas são bastante versáteis e o são provavelmente o pincel mais comumente usado. Eu sempre pintei com estes, mas enquanto eu estava passando por este caderno de esboços em particular, eu comecei a usar alguns pincéis diferentes. Você absolutamente não precisa ter nenhum dos pincéis que eu vou te mostrar a seguir. Este era um pincel de estilo chinês que eu tive na minha coleção por um número de anos e eu nunca tinha usado e eu realmente queria apenas dar as coisas um ir realmente. Se eu molhar, você vai ver que ele vai para um ponto encantador. Eu comecei a pesquisar um pouco mais e como eu estava atrás de muita carga de água, eu descobri que essas escovas de penas poderiam ser muito valiosas para mim. vez, eles vêm em uma variedade de tamanhos e eu diria que este número zero como eles têm na série de Jackson, é equivalente ao pincel chinês, que eu diria que é equivalente a aproximadamente um número 12. Estes são feitos com uma mistura de fibras e porque é tão grosso, pode conter muita água. Vou explicar isso muito mais em um vídeo posterior. Um último ponto é, por favor, não pense que você tem que sair e comprar pincéis de penas. Isso era apenas algo com que eu queria brincar e eu descobri que eu gostava deles. Se você não tem um pincel redondo é perfeitamente bom. Você também precisará de pelo menos um conjunto de aquarela de qualidade de estudante. Parece muito básico, mas tem dois amarelos, dois vermelhos, dois azuis e dois verdes, dois marrons, e isso é perfeitamente adequado para o que vamos fazer hoje. Eu uso Winsor e Newton pan set, é claro, se você está usando tubos de aquarela, isso é absolutamente bom. Mantenho-o bem confuso e este ano não pude evitar e comprei algumas panelas extras. Fico entusiasmado com coisas assim. O que mais precisaremos é papel de impressora padrão de pântano, que usaremos para o aquecimento. Eu não quero que você seja precioso sobre o aquecimento, eu só quero que você produza o máximo possível e se você acha que cometeu um erro, basta pegar outra folha de papel. Para algumas das práticas de aquarela, você pode usar papel cartucho pesado se você não quiser papel aquarela mais caro. Tenho uma variedade de papéis em aquarela que usarei, Winsor e Newton, o Hahnemuhle e vocês verão que a maioria destes são 300 GSM ou 140 libras. Para uma das demonstrações, usarei meu Moleskine, que é um artigo de 200 GSM, mas acho que é bastante adequado para minhas necessidades. Você pode usar uma variedade de papéis, você pode apenas usar seu caderno de rascunhos que depende de você. Se você tem porta-caneta, isso será ótimo. Eu tenho uma variedade aqui e, claro, você vai precisar de nibs. Eu guardo o meu neste pequeno recipiente de metal. Tenho uma variedade de pontas porque estou um pouco obcecado com elas. Este é o suporte Kuretake, e este é o bico Brause. Você vai descobrir que a maioria dos detentores vai levar a maioria das pontas. Aquele vai lá e isto é, na verdade, uma caneta de mapeamento. Vou ficar neste suporte de Curtisward. Lá vamos nós. Eu prometi quando chegarmos à seção de tinta da classe, vou explicar como usá-los com muito mais detalhes. Você pode realmente comprar isso como crianças como este. Comprei isto para a minha filha porque ela está sempre a usar as minhas coisas e acho que devia comprar as dela. Você vai precisar de um pouco de tinta. Eu tenho uma variedade, eu tenho tinta acrílica de dólar redondamente. O meu favorito é este castanho de pico de Winsor e Newton. Se você não tem caneta e tinta, você pode usar uma caneta-tinteiro ou forros finos. Isto é apenas uma caneta-tinteiro padrão de livros que uso para esboços urbanos. Não lhe dará uma variedade de linha, mas é uma boa alternativa e isso é apenas o uniball. Este é o pigma mícron. Estes estarão na seção de recursos de classe. Alguns itens finais vale a pena ter é apenas um pouco de rolo de cozinha para limpar a escova ou secar e também um temporizador que vamos precisar para alguns dos aquecedores. 4. Por que flores SILVESTRES?: Alguns de vocês podem se lembrar da minha classe criar livremente com aquarela renda que teve projetos divertidos baseados em frutas e vegetais simples. Eu tenho explorado essa técnica frequentemente nos anos seguintes, então eu sou capaz de agora apresentar um olhar muito mais aprofundado sobre os fundamentos e a mentalidade dessa abordagem. É um estilo evolutivo para mim e que tenho praticado ao longo de vários anos. Na primavera de 2020, descobri que poderia facilmente adaptar este método para retratar flores silvestres, o tipo de flores que eu mais adoro. Minha relação com flores silvestres remonta a um longo caminho, muitas vezes vê-las quando eu estava caminhando de e para a escola quando era jovem. Estariam emergindo de antigas pontes ferroviárias com papoilas e gramíneas crescendo ao longo da beira da estrada ou nas áreas arborizadas sombrias que eram atalhos para minha escola. Eu não sabia seus nomes na época, eu só sabia que eu amava os ângulos estranhos em que eles cresciam, especialmente porque na época nós não tínhamos um jardim próprio. Esta classe foi filmada durante o bloqueio COVID da primavera de 2020. Eu fazia longas caminhadas socialmente distanciadas com minha filha no sol da primavera e notávamos todas as flores, flores, cascas de ovos e abelhas que faziam parte daquela estação. Era parte do aprendizado em casa dela também. Esses passeios diários despertaram minha curiosidade e esse avivamento me obrigou a começar a narrar as flores silvestres que vimos. De certa forma, acho que foi uma reação ao bloqueio em que estávamos. Usando a liberdade de movimento que nos foi permitido explorar. Também sabendo que era sempre seguro explorar dentro do meu caderno de esboços. Como muitas vezes no passado, eu me retirava para a segurança do meu caderno de esboços por causa de circunstâncias pessoais. Este foi muito um forro de prata maravilhoso como ele desencadeou um charme latente que me pediu para sair em uma tangente um dia. Uma manhã, decidi retirar raízes de dente-de-leão e tudo, e decidi pintar a coisa toda. Eu nunca tinha pintado um dente-de-leão que estava na fase de floração. Eu certamente nunca tinha prestado muita atenção às folhas distintivas ou à raiz, nunca pintado raízes em nenhum esboço. Achei que era uma maneira interessante de encher um novo livro de esboços. Eu poderia documentar as flores silvestres ou ervas daninhas que eu vi em meus passeios diários. Existem alguns outros fatores que realmente me ajudaram a gostar de preencher meu caderno de esboços. Eu era capaz de transformar os retratos do caderno de esboços para que ambas as páginas deram uma área muito alongada com a qual jogar e apresentou uma oportunidade diferente para preencher este espaço e isso foi algo que eu nunca tinha feito antes. Embora muitas vezes pinte várias vezes, descobri que pintar estas flores me deu uma apreciação muito mais profunda e única de cada flor. Isso, por sua vez, realmente ajudou minhas habilidades de observação. Outro trunfo para produzir esboços como este foi explorar as texturas ou florescimento que ocorrem sob certas condições com aquarelas, que é uma das muitas alegrias para mim ao trabalhar com este meio. Finalmente, eu queria continuar jogando com linhas de tinta e especificamente compreender o nível mínimo de detalhe que pode ser adicionado, a fim de fornecer informações suficientes, e também para contrastar contra a frouxidão da cor da água. No momento desta gravação, tenho quase 30 páginas de folhas duplas de flores silvestres que me trazem muita felicidade quando olho para elas. Eu sempre acreditei que o prazer é um aspecto muito importante e fator motivador para mim. Como eu não dedicaria um livro inteiro a flores silvestres de outra forma. 5. Minha versão de florais expressivos: Muitas pessoas são atraídas pela noção de aquarelas soltas que eu posso aparentemente conseguir com facilidade. Quero explorar várias facetas deste olhar. Meu método tem sido estabelecer a aquarela primeiro com base em uma forma refinada antes de adicionar detalhes de tinta suficientes para que os dois meios possam se comunicar, as características de cada flor. Acho que seria muito útil explorar este relacionamento um pouco mais antes de irmos mais longe. É um processo de duas partes, mas onde ambos têm a responsabilidade de fornecer informações. Deitar a aquarela, e assistir a todas essas interações espontâneas do pigmento preenche várias caixas para mim é enérgico, impressionista e expressivo. Esta camada de aquarela é como estabelecer o essencial, os fundamentos sobre os quais a tinta vai assentar. Em seguida, adicionando os detalhes da tinta, marca as caixas de específico e detalhado. Eu acho que esses dois aspectos atraem a minha personalidade porque uma grande parte de mim quer ser livre e expressivo, mas uma pequena parte de mim ainda quer aquele pouco de controle, e detalhe que a tinta fornece. É importante salientar, nesta fase, que não há relação fixa entre linhas de aquarela e tinta. Antes de franzir a testa, quero que você saiba que todos os exercícios de aquecimento o ajudarão a avaliar em uma escala deslizante do que é apropriado de um esboço para o próximo. Assim como cada um de nós é único, cada flor é única, então temos que avaliar nossas respostas a essa flor em particular de acordo. Embora não seja um tamanho único, eu acredito que o que eu apresento irá ajudá-lo a lidar com qualquer flor ou mesmo qualquer assunto de sua escolha, depois que você terminar esta aula. Por exemplo, você pode ver aqui que eu costumo adicionar apenas um pouco de linha de tinta aqui e ali para preencher o espaço negativo, e não tem cor de água no fundo. Em algumas flores, há muito pouca linha de tinta. Em outros, a linha de tinta é bastante dominante. Eu gostaria que você estivesse aberto ao processo colaborativo. Embora a aquarela ocupe a grande maioria da página, ela depende da entrada da tinta. Imagine se você tirar toda a camada de aquarela, o que lhe resta não faria muito sentido, já que a tinta não pode contar a história sozinha. Se você não preencheu a tinta, há uma sensação que não é completamente completa. este respeito, a camada de aquarela pode ser muito mais pouco trabalhada, do que o que você pode estar acostumado. Esta aquarela e em combinação é uma parceria. Na verdade, eu descobri que é uma abordagem de dois passos, alivia alguns do excesso de trabalho que às vezes encontramos. É como se você tivesse uma segunda oportunidade para fazer as coisas certas. A tinta nem sempre tem que seguir os contornos da aquarela que você colocou. Ele pode funcionar de forma independente se você acha que precisa se ajustar para comunicar algo melhor nas hastes ou nas folhas, você está livre para alterar e ajustar quantas vezes ao longo do processo, já que estaremos tomando tempo para puxar para trás antes Tomando a melhor decisão. Mesmo que sejam apenas alguns segundos, você fará toda a diferença. Eu só quero passar rapidamente sobre o que eu entendo ser aquarelas soltas. Diferentes artistas terão definições e abordagens diferentes. Grande parte da fluidez é alcançada usando esta técnica de aquarela particular. Molhado em molhado é adicionar tinta molhada, para lavagens molhadas e permitindo que o pigmento para espalhar flores e folhagem sem impedimentos ou para uma boa plataforma para praticar molhado sobre molhado, porque as formas orgânicas e cores ricas se prestam a um mais aplicação descontraída. Elise abordagem terá variadas arestas de difícil a suave e eles podem até perder imagens. Então você não conseguirá necessariamente linhas limpas e nítidas. Nós definimos arestas o tempo todo. Uma pintura pode ser descrita como livre, pois apenas os elementos essenciais são incluídos para se comunicar visualmente, e fornecer informações suficientes para uma crença na pintura. Não estamos tentando capturar cada detalhe ou retratar algo que é exatamente fiel à vida. Não é o que você deixa dentro, é o que você deixa de fora. O que quero dizer com cores expressivas e realistas é que as cores tendem a ser bastante próximas do assunto. No entanto, muitas vezes é a resposta criativa pessoal do artista ao assunto ou flores, neste caso, que lhes permitirá interpretar as cores como desejarem. Freestyle greves fluidos são criados quando as linhas e cores, misture no próprio papel. A escova molhada muitas vezes caras uma lavagem em uma nova direção do que o movimento da água irá atuar como uma corrente para a tinta fluir. Alterações de valor distintivas. Com isso, quero dizer contrastes fortes, leves e escuros. As variações de tom e valor ajudarão com a percepção do tom e adicionando pontos focais. Finalmente, os detalhes mínimos da tinta equilibram a abordagem solta que acabei de discutir. À medida que continuamos com esta aula, falarei mais sobre como esse aspecto será incorporado. Uma abordagem de aquarela solta não deve ser confundida com apenas jogar pintura bagunçada que é preguiçosa ou desleixada. Tentei abordar todos os florais muito atenciosamente e extremamente intencionalmente. Então eu não fico atolado com muitos detalhes desnecessários. Também significa operar pela intuição mais do que intelecto. Para mim o meu trabalho tornou-se um pouco mais frouxo da minha confiança foi construído, e eu me tornei livre com minhas greves, deixando-os fazer o trabalho em vez de sobre áreas de pintura. No entanto, vale a pena mencionar que encontrar esse equilíbrio levará algum tempo. No entanto, virá com o tempo e a prática. Analistas rápidos podem não ser para todos. Só posso ensinar-lhe a minha abordagem, e as minhas preferências e perspetivas em relação ao estilo da pintura. Eu realmente queria compartilhar isso com você porque isso me excita, e me inspira e me faz sentir estupidamente feliz. 6. Deixar fluir e abraçar a intuição: Eu não quero fazer este som muito simplista quando digo que pintar vagamente é um estado de espírito. Isso é muitas vezes o que ouço de estudantes. Eles querem saber sobre deixar de lado a necessidade fazer seus esboços perfeitos ou a necessidade de controlar a tinta, tentando capturar cada detalhe, e não querer fazer uma bagunça. Além disso, há muito medo de cometer um erro e não ser capaz de corrigi-lo. Vamos dar uma olhada em algumas dessas questões. Eu sei que alguns de vocês querem chegar à parte real da pintura, mas muita da nossa criatividade acontece em nossa mente que isso absolutamente tem que ser abordado. Por favor, ouça-me. A narrativa pode dizer: “Se o que criamos não se parece com o objeto à nossa frente, então fizemos uma pintura defeituosa.” Podemos sentir que é de menor valor e talvez, talvez você tenha perdido seu tempo porque não atendeu às suas expectativas, e isso, por sua vez, traz outros sentimentos desconfortáveis. Eu tenho uma aula inteira sobre me inclinar para o desconforto na minha aula de perfeccionismo ou como parte do meu desafio mental de 14 dias. Eu não vou entrar em muita profundidade aqui, mas vale a pena mencionar porque para alcançar a frouxidão, temos que adotar uma abordagem diferente onde não estamos preocupados ou fixados pela peça final parecendo uma representação real. Se você pode ver esses esboços como estudos lúdicos, suas próprias investigações sobre a mistura de cores, sua própria pesquisa sobre pigmentos, maneiras lúdicas de entender a relação de água, você terá um relacionamento muito melhor com seu Pincel e papel. Esta abordagem descontraída a que cheguei voa contra décadas de todo condicionamento e certas tendências perfeccionistas em que ainda me envolvo. Eu mesmo, eu sou o produto de uma educação artística formal aqui no Reino Unido, onde fui ensinado a desenhar e sombra realisticamente, quase ao ponto de hiper-realismo. Muitas vezes, meus tutores ficavam satisfeitos com o esforço que coloquei, e involuntariamente me deram a impressão de que criar arte realista valia mais à medida que eu recebia notas mais altas. Pergunto-me se uma representação solta vai contra o que muitos de vocês podem ter sido ensinados que a arte deve ser ao criar ou avaliar a arte. Você pode ter ouvido isso de um professor ou outras pessoas importantes em sua vida. Mesmo agora, depois de muitos anos, há uma pequena voz na minha cabeça acenando, dizendo, “Ei, lembre-se de mim, não esqueça esses detalhes.” Chegar à fase solta levou anos a desfazer-se para desfazer parte deste condicionamento. Este gráfico demonstra como os contratempos realmente fortalecem e escalam a taxa de aprendizagem. Eu não sei há quanto tempo alguns de vocês têm usado aquarelas, talvez cinco meses ou cinco anos no meu caso, então, por favor, estejam cientes de ir para os exercícios que eu tenho nos pego deitado de frente em alguns de vocês, e não vá com a noção de que você tem que acertar na primeira vez, ou na terceira vez, ou mesmo na nona vez. Quero que nos posicionemos melhor e abraçamos a aplicação de aquarela solta e sem impedimentos. Para fazer isso, temos que correr o risco, fazer muita bagunça, jogar um pouco mais, e aprender com essas bagunças. É aqui que a magia vai acontecer entre a confusão e as tentativas fracassadas. Ao deixar essa zona de conforto, você está deixando para trás os can'ts, mostos , não deve, deve e deve, e todos os outros pensamentos negativos. Algumas pessoas chamam isso de zona cultivada, a área onde estamos expostos a um nível de incerteza, e temos que lidar com todas as mensagens insidiosas dos direitos e da maneira errada de pintar. É a economia da pintura solta que torna tão difícil fazer bem. Para conseguir isso, vamos rever alguns dos pontos importantes antes de introduzir a parte da intuição. Este é um problema difícil. Entregue a necessidade de resultados. Este ponto anda de mãos dadas com ser destemido. Você não pode ser destemido se você está sempre pintando para obter resultados quando estamos orientados para o processo. Assim, existem vários warm ups que eu gostaria que você fizesse, e não resultados orientados. Você é capaz de deixar de lado a necessidade de resultados surpreendentes todas as vezes. Os resultados mais eficazes virão do processo de pintura, do processo de aprendizagem. Por último, quero que aceitem a experimentação. Quando estiver pintando, não tenha medo de correr riscos. Pergunte a si mesmo, o que acontece se eu fizer isso? O que acontece se eu mudar isso? O que acontece se esta for uma cor diferente ou se eu colocá-lo para baixo em um lugar diferente. Não pense muito nisso. Basta agir, observar os resultados, e seguir em frente. Através de toda essa prática significativa, estaremos a uma distância impressionante da intuição. Você pode já ter experimentado isso, quando você está tão perdido em sua pintura que você perdeu a noção do tempo. Isso às vezes é chamado de estado de fluxo quando parece que você e seu pincel. Acredito que esta é a nossa conexão pessoal com o processo de arte que permite que a arte lidere o caminho. Vem depois de muito tempo em parceria com meu pincel, minhas panelas, meu caderno de esboços e minhas flores selvagens quando começamos a confiar. É algo que só posso descrever como um guia de dentro. Confiar em confiar no processo é assustador e vai levar tempo. Assim como a intuição levará tempo para se construir. Steve Jobs chamou a intuição mais poderosa que o intelecto, e Einstein disse: “A única coisa valiosa é a intuição. Infelizmente, é muito fácil ficar tão ocupado que abafamos essa orientação intuitiva que todos nós naturalmente temos. Tente pensar na pintura intuitiva como a prática do mindfulness com um pincel em sua mão. À medida que você libera seu apego ao julgamento dos resultados, prática da pintura permitirá que você se abra para estar mais presente. Ser intuitivo quando a pintura permite ao seu eu criativo alguma compaixão e bondade. Seus canais intuitivos se abrem enquanto você está totalmente envolvido no momento. Deixar a intuição guiar você permite que você deixe de lado as coisas que atrapalham sua expressão criativa completa, como perfeccionismo, comparação e a necessidade de aprovação externa. Quando nos envolvermos com confiança, ela irá apoiar-vos e ajudar-vos-á a ganhar coragem para explorar e experimentar. Quero terminar dizendo, ao pintar, às vezes você tem que estar disposto a aceitar o que a tinta e o papel lhe dão. Você deve literalmente ir com o fluxo. Às vezes, a tinta mistura-se de maneiras que não queriam acontecer, ou os gotejamentos extras de tinta podem ser adições interessantes ao seu trabalho. Tente ver isso como oportunidades em vez de erros. Uma das maiores alegrias para mim de pintar em aquarela é a espontaneidade. Não tente analisar ou controlar o que sai. Basta deixar o pincel mover-se instintivamente na página. Tente não pensar no resultado. Se você se encontrar parando ou ficando preso, apenas repita para si mesmo : “Não há erros, há apenas oportunidades. Estou aprendendo tanto com essa bagunça, que não há erros.” 7. Selecionando suas flores: Esta é uma das partes mais agradáveis para o seu projeto. Como eu disse antes, eu sou naturalmente atraído por flores selvagens por causa de seus quarks naturais. Mas você pode escolhê-los em seu próprio jardim ou até mesmo comprá-los se você quiser. Por favor, não sinta que você tem que sair e encontrar a flor perfeita para esta aula. Lembre-se, este livro de esboços em particular surgiu porque eu simplesmente queria pintar ervas daninhas que cresciam em ângulos estranhos e têm torções estranhas. Eu acho que é essencial ter alguma conexão com as flores que você escolher e, eventualmente, pintar como ele vai ajudar enormemente para dar-lhe significado para o que você cria. Sou atraído por certas plantas. Por exemplo, eu não gosto sobre os delicados, e eu tenho certeza que você terá suas preferências. Isso faz parte do que torna suas pinturas únicas. Eu honestamente acredito que se você não está particularmente interessado em uma flor, então isso provavelmente virá através da pintura. Não se acomode na primeira flor. Andar por aí, escolher alguns, talvez cheirá-los, ver como eles se sentem na sua mão. Muitas vezes acabo com flores pequenas quando estou voltando para casa. Você pode tomar a decisão mais tarde. Ao caminhar, mantenha os olhos abertos para pontos brilhantes dentro da vegetação rasteira ou sebes. A coisa maravilhosa sobre flores silvestres e ervas daninhas são, você pode encontrá-los em quase todos os lugares. Eles podem estar crescendo nas rachaduras dos pavimentos ou na beira da estrada, mesmo em parques de estacionamento. Claro que você pode escolher uma flor do seu jardim, mas parte da diversão para mim é procurá-los enquanto eu estou caminhando. Se você quiser identificar uma flor ou erva daninha, então há um aplicativo realmente útil para o seu telefone que minha filha e eu adoramos usar. Sei que há muitas versões diferentes. Costumamos usar isso quando estamos fora e por aí. Você simplesmente iniciar o aplicativo, tirar uma foto da flor misteriosa. Vai aparecer com uma lista dos candidatos mais prováveis. Neste caso, é a cenoura selvagem ou o nome bonito para ele é rendas da Rainha Anne como também é conhecido. Eu sempre escolho várias flores do mesmo tipo. Então eu tenho muitas referências no caso de eu decidir pintá-las. Às vezes, eu costumo colocar minhas posições improvisadas em frascos de água por um dia ou dois enquanto eu decido, e eles sentam lá esperando pacientemente para serem pintados. Vamos falar um pouco mais sobre intuição, mas é aqui que começa. A escolha que você faz. Uma flor pode falar com você mais do que com as outras. Há algumas perguntas que me faço ao considerar uma flor para colorir água. Primeiro de tudo, eu estaria realmente animado para pintar isso. O que eu quero pintá-lo várias vezes mais então eu entendi esta erva daninha ou planta mais. Além disso, posso ter notado se as folhas são bastante incomuns ou crescem de forma diferente à medida que se movem para baixo em direção às raízes. Basicamente, essa erva ou flor silvestre sustentaria meu interesse por 30-40 minutos? Se for um sim, será um bom ajuste para você. Você também pode estar se perguntando, por que não apenas tirar uma foto da flor em vez de pegá-la. A resposta simples, sem entrar em uma longa discussão, é que não será a mesma. Ser capaz de ver sua flor em um ângulo de 360 graus, olhar para ela de perto, sentir as pétalas ou cheirar qualquer fragrância, tudo contribui para a experiência e afeta camadas e camadas de informação que uma imagem 2D simplesmente não pode transmitir. Por esta razão, eu realmente adoraria se você saísse e encontrasse sua própria flor. Eu acho que você provavelmente vai aprender duas vezes mais fazendo isso do que me copiar. 8. Sobre aquecimentos: O que estou prestes a mostrar nos vídeos a seguir pode parecer inacabado, confuso e não refinado. No entanto, esses warm-ups também podem ser vistos como rascunhos ásperos que executarão trabalhos de importância vital. Eu realmente crio pilhas e pilhas de rugosas, a fim de entender a forma e também aumentar minhas próprias habilidades de observação. Então eles ficam por aqui por um tempo até eu jogá-los fora. Eles serviram ao seu propósito. Quando você está obcecado em alcançar um bom resultado, muitas vezes cria uma barreira mental realmente grande para muitos de nós, incluindo eu mesmo. Como iniciante, muitas vezes eu tinha medo de estragar tudo. Eu acredito que isso é uma grande frustração para muitos artistas. Espero que a produção de versões muito simples de uma flor seja um ingrediente valioso para a pintura floral bem sucedida mais abaixo da linha. Warm-ups tem que fazer parte do processo, especialmente se você não está acostumado a trabalhar dessa maneira. Saber quanta água nosso pincel pode conter, ou olhando para o valor na teoria das cores em aquecimentos. Antes de passar para a versão de cores principal, aprenderemos duas vezes mais. As chances de produzir um floral solto deslumbrante serão grandemente aumentadas. Trate cada aquecimento como um trabalho em andamento e ninguém tem que vê-lo além de você. Estes aquecimentos também irá fornecer-lhe um bom kit de ferramentas básicas que você pode usar e se adaptar a qualquer flor e, de fato, qualquer objeto como os princípios permanecerão os mesmos. Trabalhar desta forma pode ajudá-lo a evitar ou estar mentalmente preparado para quaisquer dificuldades que possa encontrar em vez de saltar diretamente para uma aquarela maior ou mais acabada. Usar um pincel maior do que você pensa irá ajudá-lo a evitar se concentrar muito em detalhes. Eu sei como iniciante, eu usei um pincel pequeno como eu me sentia mais confortável e seguro. Você pode pensar que não faz diferença ao usar um pincel pequeno para preencher uma forma em comparação com o uso de um pincel grande. No entanto, usar menos traços quando você tem um pincel grande em sua mão ajudará a manter sua peça mais fresca. Sei que para alguns de vocês será um grande pedido. Para esta classe, tente ir pelo menos o próximo tamanho para cima. Tenho usado o pincel redondo número nove ou dez nos últimos quatro anos. Enquanto continuo a preencher o meu caderno de esboços florais especial, procuro pincéis maiores e maiores, passando para o número 12 e o número 14. Como eu estava em um clima experimental um dia, decidi usar o pincel de estilo chinês para esta peça. Fiquei espantado com o quão versátil era para fazer movimentos arrebatadores. Então eu pesquisei um pouco mais e decidi passar para esses pincéis de penas. Eles têm um invólucro de plástico transparente que mantém a base das cerdas juntas e exatamente ligado com alguns fios pequenos rígidos em vez do tradicional metal farrell. Eles são tão versáteis. Eles podem fazer tudo. É grande o suficiente para cobrir áreas amplas rapidamente, mas também pode chegar a um ponto muito fino para itens menores, como hastes delicadas. Ter um pincel grande permite que você cubra uma área mais rapidamente, o que ajuda com esse loop espontâneo. As escovas de coroa que eu uso podem conter não apenas uma tonelada de água, mas também cargas de pigmento. Carregar completamente um pincel é essencialmente saturar completamente um pincel. Aplicar uma lavagem com uma escova totalmente carregada é um elemento importante que ajudará na mistura das diferentes cores no papel. Primeiro, precisamos preparar o pincel molhando-o completamente em nossa água. Isso garantirá que ele será capaz de pegar a tinta facilmente. Em seguida, precisamos criar a consistência certa e o valor certo para nossas necessidades antes de carregá-lo totalmente em nosso pincel. Solte e dilua a tinta adicionando água para torná-la mais transparente. Aperte o pincel na parte superior do pigmento. Estou usando ópera rosa, mas tente com qualquer cor. Leve seu pincel de volta para sua poça de água e misture os dois juntos sem enxaguar seu pincel. Continue a adicionar mais pinceladas da cor escolhida até obter o valor correto da cor que você está tentando alcançar. Podemos pegar a quantidade máxima de cor girando este pincel algumas vezes e carregando cada lado. Agora está essencialmente carregado com toda a umidade que pode transportar sem pingar. Embora você vai ver em alguns dos meus demo é que eu realmente sobrecarregou meu pincel, o que é bom. Quando você tocar no papel, aquele grão de água no final vai liberar muito rapidamente. A proporção certa de água e tinta está relacionada ao valor e opacidade e pode ser bastante complicado conseguir esse equilíbrio no início, mas acabará por se tornar parte do seu instinto. Com prática e observação suficientes, será de segunda natureza. Ao saturar seu grande pincel suculento com tinta, você ficará surpreso com a forma como ele libera automaticamente sua mente e afrouxa sua abordagem. Estaremos a olhar para os limites de tempo ao realizar o aquecimento. Trabalhar rápido, mas intencionalmente também ajuda com essa necessidade de adicionar muitos detalhes. Se você imaginar que você literalmente não tem tempo para adicionar detalhes, ele irá ajudá-lo a se concentrar nos principais elementos. Pintar rapidamente também significa que você vai parar mais cedo. Vale a pena ver seu esboço floral como um exercício para começar, não uma obra-prima. Se o excesso de trabalho de pintura é uma de suas lutas, impor um limite de tempo irá ajudá-lo a obter o essencial feito sem exagerar as coisas. O outro fator envolvido é trabalhar enquanto o papel está úmido. A aquarela pode fazer algumas coisas inesperadas. Flores e fundos são uma frustração comum para artistas de aquarela. Tente deixar essas coisas acontecerem sem se preocupar muito com elas. Você aprende em que condições eles acontecem para que você possa controlar melhor as aquarelas no futuro. Lembre-se de usar muita água para permitir que as cores fluam e apenas espalhá-los ao redor nos exercícios de aquecimento e ver o que eles fazem. Vamos ver como as flores podem ser incorporadas em seus florais em um vídeo de aquecimento posterior. Uma palavra rápida sobre pincelada, é uma habilidade manual que se desenvolverá ao longo do tempo. memória muscular desempenha um papel importante. Não há substituto para a prática. Se você considerar a habilidade em suas sessões de pintura, você logo verá a diferença. Olhe para o seu pincel como parte do processo criativo, pois ele irá ajudá-lo a traduzir suas idéias mentais em forma física. Finalmente, vamos dar uma olhada no papel. Eu falei sobre diferentes tipos de papel na minha aula de fundamentos de aquarela. O que eu vou dizer nesta classe é que cada marca e peso vai se comportar de forma diferente, dando-lhe resultados diferentes. Tendo em mente, estamos todos usando papel diferente, diferentes marcas de aquarela e diferentes pincéis. Estaremos a alcançar vários resultados. Os papéis que eu escolhi, escolha pessoal porque eu sei como eles vão reagir sob certas condições como eu pratiquei extensivamente neles. Este é um estudo de papoula que eu fiz como parte de uma série quando filhotes estavam apenas crescendo em todos os lugares que parecia. O papel que usei é um cartucho de peso pesado. Fiz outro estudo onde usei Winsor e Newton. A razão pela qual estou a mostrar-te isto é porque quero que estejas aberta a tentar papéis diferentes. Embora eu ame meu esquema de boca, esta é a versão do esquema de boca. Isso só significa que eu posso brincar com papel liso, papel muito texturizado, e o esquema de boca não é tão texturizado. Usar escalas diferentes também é algo que estou experimentando. Isso realmente depende de suas preferências e do que você finalmente quer alcançar. Você pode decidir usar uma marca de papel para a primeira demonstração e, em seguida, um papel diferente para a segunda. Cabe a você se divertir tanto com isso e não se preocupar demais. 9. Aquecimento 1: forma: A natureza é preenchida com uma incrível quantidade de detalhes em todas as formas e tamanhos. Isso é o que o torna bonito e uma fonte de interminável assunto para a arte. No entanto, não é uma boa idéia para pintar todos os detalhes que você vê como você pode ficar sobrecarregado muito rápido. Nesta seção, vamos realizar alguns estudos monocromáticos da nossa flor em duas etapas com a ênfase na forma e no valor. Espero que esses exercícios, abordem alguns dos problemas comuns que surgem ao procurar pintar de forma mais solta, expressiva. Enquanto eu estava criando essa classe, perguntei aos meus seguidores no Instagram onde seus maiores desafios estavam ao tentar aquarelas soltas. Um tema recorrente foi adicionar muitos detalhes ou ficar fixado em detalhes ao ponto de frustração. Vou explicar como parte dessa preocupação com detalhes pode ser aliviada através do processo de simplificação do floral que vemos na nossa frente. O dicionário de Cambridge define simplificação como o processo de tornar algo menos complicado e, portanto, mais fácil de fazer ou entender ou a coisa que resulta deste processo. A fim de retratar nossa flor e transmitir nossa visão sem incluir cada pequeno detalhe, temos que descobrir qual é a essência da nossa flor, o que dá a cada flor sua própria personalidade, quais são suas características características que podemos gravar em nosso papel. Espero que reconheçam que, como artistas, vocês estão em posição de interpretar o assunto de acordo com suas necessidades e gostos. Você pode gerenciar como a flor ou qualquer outro assunto pode ser traduzido através de tinta no papel. Embora possamos instintivamente querer pintar a flor exatamente como ela é, sem alterá-las, isso pode levar a um esboço ocupado e confuso. É importante ser capaz de conceituar ou, pelo menos , visualizar formas planas para o seu papel aquarela plano. Hans Hoffman, uma figura no movimento do expressionismo abstrato, disse: “A capacidade de simplificar significa eliminar o desnecessário para que o necessário possa falar. No momento em que você deixa algo de fora que você vê, digamos algumas folhas ou algumas cabeças de flores, você realmente simplificou. No entanto, existem vários graus de simplificação. A primeira maneira que podemos simplificar é através da forma. No estudo da arte, uma forma é um espaço fechado onde você está criando duas dimensões, comprimento e largura e você pode adicionar valor à forma, que é adicionar realces e sombras tornando-a mais tridimensional. Vou explicar isso com mais detalhes mais tarde, porém. Como artista, somos tradutores, por isso precisamos adaptar os detalhes que vemos olhando para as principais formas e formas. Formas mais simples podem transmitir a essência de um assunto melhor do que seus detalhes. Quando você se concentra apenas na forma, é menos provável que sinta a atração de detalhes esmagadores. Quando pensamos em áreas, torna-se mais fácil mudar e editar formas para se adequar à sua pintura, talvez movendo ou removendo desordem que não adiciona mais nenhuma informação. Se você apenas pintar o que você vê sem pensar, avaliar ou redesenhar, você pode acabar com uma pintura que é apenas muito confuso. Isso faz sentido em teoria, mas é hora de colocar um pouco em prática. Também nos ajudará a tomar consciência do nosso assunto, aumentando nossas habilidades observacionais. Pintando uma forma, por isso é mais legível, não precisa ser difícil, mesmo que seja uma planta complexa. Eu realmente gostaria que estes fossem estudos rápidos usando papel de impressora, apenas quatro ou cinco minutos cada e eu sugiro que você use um temporizador. Durante este exercício uma vez seria ótimo, mas fazê-lo duas ou três vezes, editar cada vez será ainda melhor. Outra maneira que eu quero explicar isso é imaginar sua farinha em forma de silhueta. Então imagine que há uma luz poderosa brilhando em sua flor e ela lança uma sombra. Eu tenho delphinium aqui e se eu brilhar uma luz brilhante nele, podemos ver a sombra, a forma dela, a silhueta no fundo. Se eu virar, você pode ver todas as formas diferentes estão sendo feitas e isso é uma característica forte de cada flor. Se eu tivesse que segurar uma flor diferente ao lado dela, essa é a característica dessa flor. Com este delphinium, você pode ver que eles ainda não estão totalmente abertos. Então eles formam esses pequenos nódulos, digamos, e não há necessidade de incluir todos eles. Vamos tentar simplificá-los, mas usando a forma como nosso guia. Vou mostrar-vos alguns exemplos diferentes. Este é o yarrow. Você pode ver que é muito distinto. Se eu te mostrar esta seção aqui, você pode ver que é apenas uma massa de aglomerado aqui em cima onde as cabeças de flores estão e eu só quero que você desenhe, pinte assim com estes 1, 2, 3 pequenos caules de uma haste central, olhar para coisas assim. Este é o arbusto de borboleta ou a camada de broto e se eu segurá-lo bem contra a parede, se fosse em flor cheia, pareceria uma massa de flor. Mas você pode ver que há realmente luz brilhando através dela, então isso é algumas das coisas que podemos estar atentos sobre. Adoro essas coisinhas de ambos os lados, isso é muito fofo. Então vamos começar com alguns estudos de forma. Esta é a primeira flor que usarei para o meu estudo de forma. É chamado de yarrow e eu literalmente o encontrei na berma da estrada. Não vou a lugar nenhum especial para escolher isto. Basicamente, é uma erva daninha, não é cultivada. Vamos dar uma olhada nas principais características. Temos um monte de flores aqui e um monte de flores aqui, há uma forma de V aqui onde os caules se encontram e eles descem para este caule central aqui com folhas irradiando para fora, é tudo muito irregular. Primeiro de tudo, eu não posso tentar adicionar todos os pequenos pais aqui, os recipientes. Então eu vou fechar um pouco os olhos, apertinho. Com olhos apertados contra este fundo branco, posso ver em contraste como isso faria uma sombra e é isso que vamos tentar recriar. Então eu vou carregar meu pincel com um monte de água, você pode ver que está brilhando. Largue isso aí. Muito pigmento foi liberado nesta paleta aqui. Eu não quero que esta lavagem seja muito escura porque eu tenho planos para isso. Queremos uma lavagem leve a meio tom, acho que é o suficiente. Lembre-se de colocar cinco minutos no seu temporizador. Primeiro de tudo, eu vou fazer com os aglomerados de cabeças de flores aqui e se eu realmente piscar de olhos, eles formam pequenas seções V com tops bobbly, essa é a única maneira que eu posso descrevê-lo, algo assim. O outro grupo é sobre aqui, seção V ali e há dois menores que realmente vão atrás dele. Sei que parece completamente sem forma, mas quando digo que estamos lidando com a forma, não precisamos olhar para muitos detalhes. Isso é parte do oprimido que sei que alguns de vocês sentem quando são apresentados com toda a trama como esta. Vou desenhar nesta seção V agora. Não consigo ver o caule central no início porque está coberto de folhas, mas isso é suficiente por enquanto. Há pequenas formas de bolha como essa e sob este dossel que ele se junta semelhante a este, eu sei que há pequenas hastes lá, mas eles criam uma massa. Então eu não consigo entender todos eles, eu só sei que eles estão lá, mas não é com isso que eu estou muito preocupado no momento. Isso provavelmente precisa de um pouco mais lá. Manter isso simples pode ser um slogan ao longo deste exercício. No entanto, a simplicidade pode parecer um desafio, então temos que quebrá-la. Olhando para ela como forma, podemos nos libertar das distrações de cor e valor. Embora vamos olhar para pintar folhas em contexto em uma aula posterior, por enquanto, vamos tentar usar a pressão do pincel, empurrando um pouco mais para criar áreas maiores de folha ou o lado do pincel para realizar este exercício de forma. Prefiro que faça isso do que usar uma ponta de pincel para desenhar um contorno e preencher as formas. Isso não vai ajudar com a espontaneidade. Continue apertando os olhos. Eu vou pintar no caule central mesmo que eu não possa ver, ele faz algo assim e há uma folha que faz isso. Há um por trás dele fazendo esse tipo de negócio, um sai em um ângulo como esse. Tudo o que estou fazendo é usar a pressão do meu pincel para criar essas marcas, eu não estou tentando usar as dicas para adicionar muitos detalhes porque estamos literalmente apenas trabalhando com forma e eu vou revelar para você, por favor Acredite em mim, por que vamos trabalhar assim primeiro. Vamos gastar mais e mais tempo adicionando detalhes, mas não nesta fase. Eu preciso que você entenda como esta planta é criada. Ele faz mais assim. Acho que passei menos de cinco minutos, mas vou fazer outro porque tenho tempo. Estamos começando com uma simples lavagem de uma cor, porque estamos tentando nos familiarizar com o olhar para a forma. Isso nos ajudará a nos concentrar, pois é apenas uma das maneiras de nos prepararmos para uma tarefa maior mais tarde. Se você pode ver, que eu estou segurando o pincel para o fim, porque eu não quero colocar muita pressão enquanto eu adicionar estes pequeninos caules aqui. À medida que completamos os warm-ups, nos tornaremos especialistas em avaliar e medir o nível de informação, portanto, os detalhes que queremos incluir. Eu entro em muito mais detalhes sobre o papel da repetição no meu desafio mental de 14 dias. O ponto principal que vale a pena repetir aqui é com cada versão ou cada repetição do seu floral, sua confiança crescerá, e você encontrará suas próprias soluções únicas e formas de fazer as coisas. Estas são as setas que eu fiz, e você pode ver como eles progridem, há um pouco mais de informação que eu estou adicionando, estou me tornando um pouco mais confiante. Eu adicionei mais formulários. Estes são os dois que você me viu pintar e sim, eles ainda são formas. Ainda estou estudando a forma. Mas acho que quando cheguei a este estágio, fiz um pouco mais de distinção, e isso só vem com o tempo com confiança. Isso é cinco minutos de estudo, 10 minutos de estudo, a terceira vez é 15, e isso é após 20 minutos. Eu entendi que estão planejados muito melhor. Então eu acho que meu aquecimento definitivamente valeu a pena. Agora estou passando para essa Jasmine e misturei um pouco mais de lavagem porque eu estava um pouco baixo. Exatamente a mesma luz para lavagem de valor médio. Primeiro de tudo, vamos começar por aqui com uma das flores brancas do jasmim. Há outra flor que faz isso, mas então as pétalas se fundem e eu não estou tentando desenhar pintando as pétalas individuais. Estou pintando nas formas que as pétalas fazem. Parece que eles quase caíram em um caule. Há outra flor. Parece espetado [inaudível]. Você pode ver que eu estou segurando no final aqui. A pétala neste não se sobrepõe, as outras duas. Mas dizendo que eu acabei de notar que há realmente uma folha atrás dela. A folha vem redonda assim, e dois pedaços saindo assim, e há uma folha maior lá. Quando eu estou pintando as folhas, eu estou empurrando muito mais para baixo, e usando o local do pincel também. Seus resultados têm outro caule. Há muito como meu pincel aqui. Essa folha realmente toca aquele caule de flores, algo assim. Então temos outra flor. Então há uma pétala, começar pétala até aqui, bordas, bordas. Essa é a parte do trompete desce, caule muito esbelto ou algo assim. Então este caule se junta aqui, e então há outro conjunto de pétalas que se juntam a ele, logo abaixo. Quando você esboça um floral, você aprenderá um conjunto de informações. Mas se você pintá-lo mais vezes, você terá reunido quatro vezes a quantidade de informações. Lembre-se desses primeiros estudos de cinco minutos, e com cada estudo, você pode se apoiar no desconforto da imprevisibilidade. É melhor ficar confortável com o desconfortável. Nestes estágios de aquecimento formulativos. Cinco degraus para baixo, e depois há outro conjunto de hastes por aqui. Em um ângulo como esse. Outra maneira de trabalhar é olhar para o espaço negativo que as folhas sobrepostas ou flores deixam para trás, que é o espaço em branco. Você pode ver quanto mais observação foi melhorada. Na verdade, eu me surpreendi. Por favor, não subestime o quanto você pode aprender sobre seus florais com este exercício de forma simples. Vamos dar uma olhada. Comparar e contrastar com os estudos de formas que eu fiz. Eles agora estão secos. Vamos dar uma olhada mais de perto. Você pode ver que eu mudei o ângulo ligeiramente e há informações diferentes que estão vindo através cada vez que eu decidi que eu não preciso de algumas coisas que eu deixei de fora ou eu adicionei parece que flores extras aqui que eu não fiz incluir nesta primeira versão. Então eu estava obviamente pegando mais informações ao longo dos cinco minutos cada vez que eu experimentava. Nesta versão aqui, você pode ver que eu realmente fiz uma declaração ousada sobre onde as flores brancas estão, mesmo que eles são whit. Eu ainda adicionei a forma lá. Estou muito satisfeito com isso, e no geral a progressão é ótima. Eu acho que a vantagem para mim é o quão ousado as formas estão se tornando aqui em comparação com esta primeira versão que eu mostrei, ainda é reconhecível como Jasmine, e isso é o que eu quero levar adiante quando eu passar para as versões de cores. Quando estamos definindo apenas a forma, estamos realmente construindo uma base melhor para entender a estrutura dos florais. Deste ponto de vista, podemos trazer os outros elementos para construí-los um por um. A forma é a base desta construção, e este é frequentemente o caso. Tudo o que você está pintando, de paisagens a edifícios, a frutas. Esta é a madressilva que eu pintei. Não há tanta informação como quando começo a procurar. Depois de 10 minutos, depois de 15 minutos, posso ver muito mais acontecendo nesses dois. Se eu fosse para ir para o estágio de cor imediatamente, Eu sei que eu construí informações suficientes para mim para estar satisfeito que eu entendi esta planta muito melhor do que se eu apenas entrou imediatamente tentando fazer a versão de cor. Teria acabado em algo assim. Ele não tem tanta informação em comparação com este, especialmente onde você pode ver muito mais das declarações distintivas saindo da trombeta como madressilva. 10. Aquecimento 2: valor: O assunto do valor pode ser imensamente detalhado porque cobre tudo relacionado à renderização. No entanto, tentei simplificá-lo para o contexto desta classe. No seu mais básico, olhar para o valor quando a pintura é muito um estudo de luz e sombra. Isso pode ser transmitido pelo quão clara ou escura é a cor. Fazer um estudo de valor é uma boa maneira de descobrir quão intensas ou leves diferentes partes de um assunto precisam ser. Além disso, estudar valor também ajudará você a melhorar sua seleção de cores mais tarde. valor tonal descreve como uma cor clara ou escura é independente de sua tonalidade. seja, sendo a aparência de cor de vermelho, verde ou azul, por exemplo, porque vemos e entendemos objetos como resultado de quão claros ou escuros eles são. O tom é muito importante. A pintura em aquarela é muito sobre equilibrar a leveza e a escuridão. Eu costumo usar um monte de contraste dentro dos meus próprios florais. Variações no tom e valor, podem ajudar a sua percepção da forma, o que será muito útil quando pintarmos nossos florais. Ao entender e usar o tom corretamente dentro da nossa flor, pode ter um grande impacto na peça acabada. Para usar bem o tom, você precisa desenvolver uma maneira diferente de olhar cor e interpretá-la em seu papel. Como artista, ele realmente ajudará a reconhecer os diferentes valores da luz e da escuridão. Isso pode ser feito usando uma escala de valor. A escala de valor tradicional usada pelos artistas normalmente inclui nove tons cada vez maiores do preto puro ao branco puro. Possuir tonificação em preto e branco é bastante simples. No entanto, quando se trata de julgar o valor de uma tonalidade colorida, torna-se muito mais complicado tornar mais fácil avaliar o valor tonal de diferentes caixas. Aqui está uma versão em preto e branco da mesma foto. Embora as caixas abaixo tenham sido pintadas em vermelho Windsor, quando convertidas em preto e branco, elas parecem praticamente iguais. Ao controlar o valor das cores que você aplica, você pode obter uma impressão de forma. Vamos dar uma olhada na nossa planta. Sombras são lançadas na ausência de luz, então sempre há uma parte deste objeto ou nossa flor recebendo mais luz do que outras partes. Observar onde a luz atinge a planta e onde partes das folhas estão na sombra requer uma observação cuidadosa. Olha só para a tua flor. Ignore todas as cores, formas e texturas, finja que não estão lá. O método que eu uso é fechar ligeiramente os olhos ou os olhos pois isso nos ajuda a ver os valores de uma forma simplificada. Você verá sombras provavelmente difusas em vez de cores, pois há menos luz entrando no seu olho. Procure três valores distintos: luz, meio e escuro em sua flor. Outra ótima dica que podemos usar como referência é tirar uma foto de sua flor em seu telefone e usar uma das configurações que a transformam em uma versão em preto e branco. Se você conseguir usar a função de exposição na câmera para contrastar ainda mais entre a luz e a escuridão, isso também pode ajudá-lo, pois funciona quase da mesma forma que apertar os olhos. É basicamente filtrar as massas de sombra e luz. Então, mais uma vez, anote onde estão os mais escuros e onde estão as áreas mais claras. Para este estudo de valor, vamos misturar apenas uma cor. Isto é ultramarino, e novamente, eu queria bastante leve. Vamos dar uma olhada rapidamente. Acho que ainda mais leve que isso, ainda está dentro da seção de tom médio. Um pouco melhor. Tenho planos para isso e serei capaz de revelar tudo um pouco melhor. Estamos começando com esta ervilha doce aqui, e vamos muito bem seguir o que fizemos em nosso estudo de forma. Mas quando chegarmos a um certo ponto, seremos capazes de soltar pigmento muito mais concentrado nas áreas onde pensamos que já está muito escuro. Posso ver que está escuro aqui nesta folha e no meio daqui. Mais uma vez, temos que trabalhar rápido. Espero que consigamos fazer isso em menos de cinco minutos. Então, começando com aquela folha, eu disse que estava particularmente escuro. É sobre lá e há outra pequena folha que se junta a ele assim. Novamente, estes são apenas estudos em que estamos tentando observar, mas também estamos tentando trabalhar muito rápido. Porque mesmo que seja apenas papel impresso, quando chegarmos à cor, estaremos seguindo os mesmos princípios. Outra seção do caule vem aqui, e agora chegamos à primeira das hastes de ervilha doce que vão até lá com dois pequenos botões aqui, e eles são muito, muito leves. Então, na verdade, vou lavar o meu pincel de cor de água. Eu não sei se você pode pegar isso. É a menor quantidade de pigmento no meu pincel. Eu ainda vou adicionar a forma, mas usando basicamente água. Vou mostrar o que acontece, e podemos usar a mesma técnica quando chegarmos ao estágio de cores. Então volte e pegue um pouco mais da minha roupa. Há uma folha que vem aqui e uma pequena, assim. Há uma massa de flores de ervilha doce por todo o caminho. Uma das coisas, se você piscar de olhos, como fizemos com os outros estudos de forma, não tente escolher pétalas individuais, apenas pinte nos formulários. Há um caule que vem aqui que junta às folhas que eu já tinha pintado, bem grossas. A ervilha doce é quase como um pouco de forma redonda, algo assim. Você pode ver o caule saindo de lá indo para baixo. Talvez seja um pouco curva demais, mas não importa. Continuando para baixo, caule mais grosso lá, e então um neste ângulo que não se junta ao anterior. Tão bom para melhorar as habilidades de observação. Vou dizer novamente, se você for capaz de fazer isso duas, três vezes, isso vai realmente, realmente ajudá-lo mais tarde quando viermos fazer nosso trabalho de cor. Há um caule que vem aqui. Há os pequeninos tendrils pequeninos, que são adoráveis, mas acho que não tenho tempo para incluí-los no momento. Há mais uma folha lá. Esqueci todas as pétalas que estão acontecendo aqui. As hastes, eu já notei não muito. Sim, eles são bem escuros como eles encontram a pétala, mas as pétalas que eles se juntam em si mesmos são bastante leves. Não vou tentar pintar. Novamente, é apenas uma impressão de pétalas, há uma massa inteira delas ali. Agora, estamos em um estágio onde podemos misturar um pouco mais de pigmento em nosso lavado. Vamos fazer isso nesta seção aqui. Eu provavelmente vou fazer isso um pouco mais escuro do que o necessário porque eu quero que você veja o que eu estou tentando fazer aqui quando eu falo sobre estudo de valor. Olhando para esta parte da ervilha doce, parece uma das folhas que parecem vir em dois, pelo menos uma delas é escura. Vamos começar com este. Você pode ver imediatamente como isso fez a diferença. Se eu piscar de olhos, a parte intermediária dessa faz a diferença. Há um caule, este caule que vai lá para cima é mais leve do que a folha debaixo dele, mas eu não vou me preocupar com isso. Eu só vou preencher esta folha, que é muito mais escura e você pode ver o contraste que já está acontecendo. Esta pequena lasca de caule é mais escura, a parte inferior é escura, e entre todas essas flores, há muita luz e escuridão acontecendo. Então a melhor coisa é espreitar. O receptáculo está escuro lá dentro. Há uma espécie de entrar e sair das pétalas. A seção média de cada pétala parece ser mais escura, e as hastes são escuras em certos lugares. É mais como fazer os receptáculos. Este conjunto de receptáculos aqui em cima são muito escuros, e então atrás disso há outro conjunto de pétalas que perdi completamente. Vamos pintá-los. Sim, é algo assim. Adoro quando fazem isso. botões pequeninos também são escuros. Vamos pegar um pouco mais do pigmento concentrado e essa folha é muito mais escura. Estou perdendo uma seção aqui. Sim, estes pequenos tendões são muito escuros. Enquanto estou aqui, há muito contraste acontecendo dentro destas flores de ervilha doce aqui em cima. Está um pouco mais no meu pincel. Sim, estou usando os recipientes como guia. Isso é um receptáculo. Aquele é este atrás dele também, e um caule de um lado parece ser mais escuro. À medida que vem até aqui, isso é escuro e isso é escuro. Também esta folha aqui em baixo é muito escura. Você pode ver que as cores estão se fundindo, e isso é semelhante ao que eles vão fazer quando chegarmos à versão colorida. Isso nos ajuda a ver as coisas em termos de luz e escuridão, e há um belo contraste aqui. Quanto mais você faz esses estudos de valor, mais suas habilidades observacionais melhoram sua coordenação mão-olho, sua memória muscular. Eu realmente encorajo você a gastar mais cinco ou dez minutos repetindo alguns desses estudos. Eu acho que realmente vale a pena dar uma olhada nesses estudos de valores uma vez que eles estão secos, mesmo que eles são apenas em papel impresso. Claro, ele não vai reagir da mesma forma que se você estivesse pintando em papel de cor de água. Você pode ver quanto contraste havia, e é por isso que eu queria começar com uma lavagem leve. Você pode ver aqui que a cegonha quase desapareceu. Ser capaz de soltar pigmento mais escuro enquanto o papel ainda está úmido é uma parte muito valiosa de ser capaz de pintar florais soltos. Além disso, a memória muscular envolvida irá ajudá-lo com certeza quando chegamos a fazer os estudos de cor, tudo isso está se construindo para os estudos de cor. Você pode ver que eu fiz três versões diferentes. Cada um destes é um pouco diferente. Há muito valor em olhar e pintar e conectar com seu pincel e seu papel. Você percebe que eu continuo pedindo para você trabalhar rápido dentro de um curto período de tempo para todos esses aquecimentos. Porque você está produzindo tanto, ajuda desligar esse lado analítico da sua mente e você vai começar a confiar mais na intuição. Além disso, adicionar pigmento escuro em direção à cor é simples, mas adicionar leveza não pode ser feito. A transparência da aquarela significa que você precisa fazer avaliações sobre o tom no início do processo de pintura. Com cores de água, uma vez que você dá forma um certo valor, é realmente complicado torná-lo mais leve, então é por isso que fizemos este exercício. 11. Aquecimento 3: nanquim: Um dos maiores desafios que um artista enfrenta é saber quando parar de pintar. Muitas vezes nos encontramos em um fluxo artístico, criação de trabalho é tão divertida que não queremos termine ou pensamos que podemos adicionar um pouco mais para melhorar a pintura. Infelizmente, com pinturas em aquarela, é fácil sobrecarregar e saber quando parar é especialmente importante. Todas essas páginas e páginas de nossas flores são minhas interpretações de comunicação visual. Sugestões de como pensei que seríamos de acordo com o meu pincel. Não me senti obrigado a preencher todos os pormenores, mas continua a ser bastante identificável porque a informação essencial está disponível no papel. Referindo-se a alguns dos comentários que recebi sobre a expressiva cor da água e linha dos alunos. Eles tinham problemas em saber quando parar de adicionar detalhes ou pensar. Precisava de mais detalhes em tinta ou aquarela, e pode ser porque você não confia que há informações suficientes para se comunicar eficazmente a partir da aquarela ou da tinta. No entanto, nossos cérebros são realmente maravilhosos, porque será capaz de pegar o que nossos olhos vêem e compensar qualquer informação que falta. Realmente não há necessidade de acumular detalhes extras. Você nem percebe que seu cérebro está te compensando. Este órgão dentro do nosso crânio interpreta as pistas visuais que ele apresenta. Aviso justo, não sou cientista. No contexto de fazer arte, o cérebro pode processar e filtrar informações externas e para dar sentido ao mundo externo, ele combina informações de várias fontes, e assim ele fornece sua própria percepção ao longo a sua interpretação quando pensa que falta informação, faz um palpite confiável. É por isso que você provavelmente pode dizer nesta peça aqui, é um me esquecer não, apesar de não ter quaisquer linhas descritivas, Eu pintei apenas o suficiente de suas características básicas para descrever a me esquecer não flor, em vez do que outra flor com pétalas azul.Todos os warm ups que fizemos, eles só sugerem um aspecto do todo. Os aquecimentos com ar para nos ajudar, para nos guiar através de confiança técnica suficiente através da prática. Quanto mais você estiver demonstrado com o essencial e os produtos que você está usando, mais fácil será focar nas possibilidades artísticas de nossa pintura floral colorida final. Queria mostrar-lhe uma versão muito mais próxima da relação entre a tinta e os florais. Na maioria desses exemplos, há muito poucos casos em que eu delineei toda a pétala. Podemos ter momentos em que eu sinto que o espaço negativo precisa ser preenchido e eu vou dar um esboço de uma planta que não está lá, que eu não tinha preenchido, em aquarela. Mas se eu mostrar esta seção aqui, você pode ver que a aquarela fez um trabalho maravilhoso de capturar a forma dessas pétalas. Essa muito mais informação onde eu incluí está nos recipientes e no talo aqui e em algumas das pétalas onde eu senti que ele só precisava de um pouco mais de forma para defini-lo. Neste exemplo, eu realmente usei tinta carmesim. Se eu aproximá-lo um pouco mais da câmera, você pode ver que eu delineei pequenas mãos individuais em flor. Eu sei que eu disse antes, eu não os delineio. Porque há uma massa inteira de cabeças de flores aqui. Não vou pintar cada um deles. Neste caso, a aquarela fez o trabalho de dar a forma. Então eu entrei com a tinta e escolhi algumas flores individuais, não todas, algumas delas. Ele dá esse contraste adorável entre a frouxidão da aquarela e a qualidade da linha mais gráfica que a tinta carmesim comprou in.I'm finalmente vai revelar por que fizemos tantos estudos sobre papel bruto, estudos de valor e as formas estudos. Todos os esboços que podemos usar para nos acostumarmos a manusear a tinta. Eu tenho um monte aqui, eu tenho outros no fundo também, e é difícil. Se você cometer um erro não é um incômodo. Vou mostrar-te como vamos fazer isto. Aquecedores que fizemos. Vamos dar uma linha muito tênue. Vou entrar em mais detalhes sobre onde aplicar a tinta. Mas você pode ver se eu estou apenas pressionando muito levemente e é uma bela linha fina. Mas usando a abóbora azul, vou dar uma linha ligeiramente diferente. Se eu fizer o mesmo do outro lado e eu nem estou aplicando muito mais pressão. Consegue ver a diferença de cal? Depende realmente do gosto pessoal, da dependência da abordagem, da sua própria interpretação. Eu posso te dar todas as pontas e todos os suportes de caneta que eu uso, mas você pode achar que eles são bem horríveis. É mesmo para você. Este é um novo para mim, e eu só vou desenhar um tendril aqui. Oh, tem um monte de primavera nele. Não dá uma linha fina como a caneta de mapeamento, várias pontas sobre estes suportes de caneta, e eu vou usá-los todos nesta peça. Lembre-se, temos esses aquecimentos que não imprimem papel. Bem, não há bordas aqui, mas vou explicar isso. Se você estiver usando tinta, você precisa preenchê-la ou mergulhar sua ponta até chegarmos a esta seção aqui. Não muito mais, caso contrário você vai ficar muito gorducho. Se você der uma olhada aqui, eles são muito pálidos, esses botões, e eles simplesmente desaparecem no papel. Neste caso, penso que temos de acrescentar a informação. Nós só vamos fazer isso e isso desaparece demais aqui. Eu só vou adicionar um pouco lá, e isso já fez a diferença, eu sinto. O mesmo novamente, do outro lado porque é tão pálido. A máquina de lavar tão pálida, você não pode ver bem a borda disso, mas isso torna muito melhor. Vamos fazer o mesmo de novo, volta e escolher áreas que achamos que precisam de um pouco mais de informação. Na verdade, vamos lidar com essas cabeças de flores aqui, e elas são bagunçadas. Precisamos dar uma definição do que está acontecendo aqui, porque também há chumbo em segundo plano. Eu posso ver que algumas das pétalas estão na frente. Estou fazendo essa linha aqui para definir a idade de uma pétala e eu não vou ficar na borda. Não vai parecer uma ervilha doce, e tem outra pétala vindo aqui, o receptáculo. Ele vai, então esta linha vai aqui. Sim. Eles perseguem lá. Isso faz sentido, e o receptáculo está lá. Acho que isso faz sentido. Dentro desta massa, eu tenho apenas definir alguns destes em uma pétalas, e eu posso ver o talo se juntando a lá. Isso faz sentido para mim, este é assim. Isso está muito quebrado. Ele precisa de um pouco mais de definição, então eu vou adicionar isso a ele e tudo bem. As folhas são, na verdade, eu vou deixar isso como está. Lembre-se que este é apenas um estudo antes do evento principal. Esta folha não termina abruptamente assim. Vou continuar com isso. Em seguida, dá-lhe mais de uma borda pronunciada. A outra coisa que eu posso adicionar usando minha inclinação são as tendrils. É muito mais fácil usar um dependente para adicionar essa informação, em seguida, confiar na cor da água. Sei que comecei a usá-lo. Isso já parece adorável. Estou gostando muito dessa parte. Preciso te mostrar o resto. Passando para esta seção aqui, temos receptáculo. Tem que haver um pouco de um tronco acontecendo aqui. A borda de uma pétala, eu posso ver o que está acontecendo aqui, vai lá, e outra parte dos caras das pétalas assim. Você pode ver que nós não temos que ficar com os contornos da aquarela. Se você acha que precisa de um pouco mais de definição, então, por todos os meios, desenhe na borda da pétala, neste caso são as ervilhas doces. Tem isso acontecendo lá. Eu realmente gosto do jeito que está. Tem uma pétala aqui que faz isso. Agora, esta loja vai para a frente, então eu posso dar um pouco de impulso. No entanto, onde aqui você pode ver que está desaparecendo. Isso não lê. Bem, então eu vou dar uma vantagem lá. Esta é, na verdade, uma folha e que também não lê bem. Tenho que ajudar um pouco. Não vou delinear a coisa toda. Acho que é o suficiente. Porque eu gosto tanto, que quero ter as tendrils. Sei que só estamos usando algumas peças de aquecimento. Mas isso, novamente, estamos adicionando à nossa memória muscular, estamos adicionando às nossas habilidades observacionais, e estamos nos familiarizando com o uso de tinta se você não estiver acostumado a isso. Vou fazer mais um pouco. Eu realmente espero que quanto mais você pratica, mais reações intuitivas virão até você. Especialmente, digamos que quando finalmente pintamos nossa flor final, todos podem ter elementos de controle e caos. Quando este equilíbrio é justo, pode parecer que o trabalho ganhou uma vida própria, o que às vezes me surpreende. Lembre-se, cada detalhe não precisa ser explicado para o espectador, e a tinta conservada fortalece, auxilia e apoia a aquarela. Na verdade, vou trocar agora, e mostrar uma versão usando o Universal Fineliner. Só para provar que você ainda pode usar o mesmo princípio onde estamos apenas desenhando em formas para nos ajudar a explicar o que está acontecendo nesta camada de botão. Você pode usar o Fineliner ou a Caneta-tinteiro para o mesmo efeito. Isso é adorável, isso é tudo. Vamos fazer um pouco deste lado, na verdade, não deixe este site de fora. Vou mostrar-lhe rapidamente este lado aqui. Eu os amo como eles são. No entanto, acho que ajudaria se eu desse um pouco mais de definição do que a borda da flor. Estou feliz em usar toda a caneta e tinta ou um Fineliner, ele alcança os mesmos resultados. Eu realmente adoraria que você carregasse qualquer versão que você se sentir feliz com. Se você não tem caneta e tinta, não é grande coisa, basta usar um biro preto se isso é tudo que você tem. Há um espaço lá e sinto que tenho que somar. Isso é adorável. É realmente fácil de limpar a ponta que tem tinta seca sobre ele, ou mesmo depois de terminar, se a tinta ainda estiver molhada, você pode simplesmente lavá-la. Caso contrário, basta pegar rolo de cozinha padrão e dar-lhe um esfregaço, e você pode ver que ele saiu muito facilmente. 12. Aquecimento 4: mesclagem de cores: Verde é definitivamente a cor favorita da mãe natureza. Cada árvore, arbusto e caule de flores vem em sua própria sombra única. Você provavelmente sabe que misturar amarelo e azul faz verde. É óbvio. No entanto, é um pouco mais complicado se você quiser fazer uma seleção de tons naturais. A chave é brincar com todos os diferentes tons de amarelo e azul e diferentes proporções de cada pigmento à medida que os misturam uns com os outros. Em seguida, adicionando água em diferentes quantidades, juntamente com azuis, vermelhos, cinza de Payne, até mesmo roxos, e rosa, você tem infinitas variações de verdes à sua disposição. Um dos aspectos mais desafiadores da pintura em aquarela para muitos é a incerteza elementar em relação à quantidade de água para usar e também como as cores irão interagir no seu papel. A fim de limitar um pouco dessa incerteza, eu acho que devemos ter um mergulho muito rápido na teoria das cores para entender melhor como essas cores poderiam interagir. Sem algum conhecimento prático da teoria das cores, você pode acidentalmente enlamear sua pintura enquanto você experimenta no papel. Deixe este método brincalhão, há muita mistura de cores no papel. Vamos criar nosso próprio gráfico para desenvolver algumas de suas sombras que você ama. Vou mostrar-lhe muitas misturas de cores, mas por favor, não pense que você tem que usar as mesmas cores que eu. Há tantas variáveis junto com diferentes proporções de água para amarelos e verdes e adicionando pequenos pedaços de vermelho. Minha abordagem visa compreender os conceitos básicos de mistura de cores para que você possa facilmente trabalhar para fora para si mesmo o que você gosta de usar. Este método não deveria ser sobre regras rígidas e rápidas, mas mais como uma orientação. Há, claro, muitas outras maneiras. Enquanto eu estou aqui, eu só quero ter uma análise muito rápida de todas as diferentes lavagens que você pode ouvir artistas usar. O primeiro provavelmente será lavagem plana. É onde é a mesma cor e está mesmo em todo o lado. O próximo será lavagem gradiente, onde começa muito escuro e gradualmente se torna mais leve e mais leve. Essa não é a melhor versão porque há muita água lá dentro, mas solte um pouco mais lá dentro. Você pode ver está ficando mais leve e mais leve. A terceira versão é chamada de lavagem variegada, onde se eu aplicar, este é o viridiano, e eu decido que eu quero adicionar um pouco de ópera rosa, uma das minhas cores favoritas, eles estão se misturando. Se eu derrubei a ópera lá dentro, isso é parte da coisa variegada acontecendo. Este é apenas um run-through muito rápido, mas vamos usar isso no nosso próximo aquecimento. Só quero nos familiarizar com a mistura no papel. Vamos começar com a mistura de lavagens no paladar. Isto é amarelo limão e eu vou adicionar um pouco de verde seiva. Lá vamos nós. Este é um papel contra rico. Eu só vou fazer uma forma de folha e depois cair em cores. Eu tenho um PDF para download de formas de folha que você pode brincar com. Estes são comuns. Eu não sei como você pronuncia alguns desses termos, mas vamos apenas brincar. primeiro chamava-se Lanceolate. Acho que não disse isso direito. Vamos fazer a forma da folha, que era muito pontuda no topo. Vou fazer outro porque quero comparar ligeiramente o tempo de secagem. Eu acho que no primeiro, eu vou cair em algum ocre amarelo, eu vou ajeitá-lo dentro e ver o que acontece. No segundo, vamos tentar um pouco de wintergreen. Lá vamos nós. Estamos vendo como vai se espalhar. Vamos fazer um pouco disso com ele. Já isso está secando a taxas ligeiramente diferentes, fica misturar-se um pouco mais amarelo limão, modo que é um valor ligeiramente mais leve. Veja como isso afeta a mistura de cores. Carregando muito no pincel porque queremos permitir que os pigmentos se misturem dentro da forma. É por isso que fizemos os estudos de formas também, havia muito naquele pincel. Um pequeno gotejamento ali. Acho que neste, vou tentar um pouco de turquesa em pousio. Oh, isso vai deixar adorável, eu acho. Vamos fazer outra versão. Eu não enxaguei isso, mas é tudo parte da experiência. O próximo a partir daí é o ultramarino. Isso é um pouco diferente de novo. Não saberemos exatamente como vai acabar até que seque. Vamos seguir em frente. Acho que o próximo conjunto de folhas é longo. Vamos tentar adicionar um pouco de ocre amarelo ao que já tínhamos misturado. Parece muito amarelo, mas poderia ser muito importante para descobrir o que ele vai fazer nesta forma de folha que eu estou fazendo agora é chamado cordate. Vamos tentar o próximo azul para mim, que é índigo. Eu acho que eu poderia ter bebido um pouco demais naquele pincel, um pouco intenso demais. Vamos adicionar um pouco de água a isso. Oh, meu Deus, olha para isso. Adorável. Enxaguar minha escova porque teria um índigo, e pegar um pouco mais da lavagem ocre amarelo. Vamos fazer outra forma de folha cordada. Azul para baixo a partir disso é realmente cinza de Payne. Misture isso com um pouco do ultramarino, só para ver o que ele faz. Eu só vou deixar cair. Novamente, certifique-se de que seu pincel está totalmente carregado e é agradável, molhado e suculento, porque queremos que esses pigmentos fluam um para o outro. Vamos experimentar o verde azeitona. Adorável. Eu mantive estes muito simples porque quando aplicamos mais pigmento, ele tende a ficar muito enlameado e nós não queremos isso. Por enquanto, vamos apenas mantê-lo simples e vamos adicionar à mistura que já temos, um pouco de amarelo cádmio. Estamos adicionando um pouco de azul prussiano. Oh, tem um pouco de vermelho nisso. De qualquer forma, está tudo bem, porque é tudo uma boa informação para nós. Vamos tentar o que é chamado de folha reniforme. Acho que é assim que se chama. É bastante redondo. Faça outro reniform ao lado dele. Dentro disso, acho que vou adicionar um pouco, talvez um pouco de azul Windsor. Maravilhoso. Voltando a talvez alguns dos Payne são cinzentos, já que já temos isso misturado. Quão maravilhoso é isso? Vamos continuar assim, misturando formas diferentes, pigmentos diferentes, diferentes proporções de água. É muito melhor testá-lo assim, praticar apenas papel cartucho em vez sobrecarregar uma peça quando chegamos à nossa cor floral final. Eu vou te mostrar como deixar um pouco do branco é pintar apenas metade da folha. Em seguida, preencha, mesmo que eu não descreva, com apenas um derrame como esse. Lave sua escova e você deve ser capaz de ver apenas com a água pura que já está começando a misturar. Tente isso novamente com cádmio amarelo e forma de folha ligeiramente diferente, algo assim. Nós delineamos o outro lado. Então vamos começar a colocar algumas cores aqui, e talvez ao longo desta linha aqui. Você pode ver como o pigmento só pode viajar nas áreas onde realmente há água lá. O amarelo cádmio volta aqui para que ele faça mais alguns truques para mim. Acabei de lavar minha escova e usar a água, é apenas água pura. Não há mais nada naquele pincel e é só fazer isso, que é realmente adorável de se ver. Vamos traçar uma linha aqui e ver o que acontece. Oh, meu Deus, isso parece adorável. Talvez eu tenha que fazer outro rápido porque isso é realmente lindo. Só onde está se espalhando lá, eu vou usar água pura e não há nada naquele pincel além da água para apenas puxá-lo para fora, para este lado. Adoro brincar com coisas assim. Você pode introduzir muito disso em seu trabalho de cores. Agora estou voando de um lado para o outro. Eu só quero voltar e fazer um pouco mais porque isso parece meio cozido. Acho que um pouquinho de ouro poderia funcionar bem, eu acho. Vale a pena adivinhar. Oh adorável. Lembre-se que eu disse que a tinta só pode se espalhar, onde o papel está úmido ou molhado. Vou criar outro esboço. Oh, muito bom. Basta adicionar mais algumas listras lá. Temos que esperar para ver o que acontece, mas estou ansioso para ver os resultados. Estou ficando um pouco empolgada. Comecei a colocar um pouco de ouro e estou segurando isso. Vamos deixar cair um pouco de verde azeitona e começar a fazer isso com ele. Estou inclinando. Novamente, oh meu Deus, olhe para isso. Ele está criando todos os efeitos maravilhosos e você pode fazer isso dentro da peça de cor. Vamos tentar adicionar um pouco de ultramarino. Sóte Só mostro mais uma. Só vou deixar um pouco da rosa da ópera. Eu estou segurando uma manga, então ela está viajando para baixo. Que tal se eu continuar apresentando de cima? Oh, eu adoro isso. Vou colocar o papel de volta no chão. Vai ser ótimo para folhas de outono. Só mais uma. Isso foi dois. Não, temos algum movimento lá. Vejo que está viajando para lá. É adorável ver isso. Eu mostro-te isto quando eles secarem. Provavelmente o mais próximo de como eu trabalho, mesmo que isso seja apenas um aquecimento. Eu tento deixar um pouco do papel mostrando porque aumenta o contraste. É incrível o que a ópera Rose faz com uma peça. Você pode ver como seca, ele é puxado. Outra razão pela qual é uma boa ideia não sobrecarregar alguma coisa. Deixe a tinta fazer o seu trabalho. Deixe a tinta secar neste processo. Com o tempo, você começará a confiar. Quero que veja o trabalho de Skillshare Stephanie Ryan. Ela também tem uma aula sobre florais multicoloridos. Isto é o que ela diz sobre a cor. “ Deixe de lado o controle e aborde sua arte com um senso de admiração. Gotejando cor e água e confiança que eles vão se misturar de maneiras bonitas. Permita que os materiais reajam como precisam, e lembre-se de que a beleza é encontrada nas imperfeições. Deixe os materiais fazerem o trabalho por você. Solte o controle e confie no processo.” É definitivamente vale a pena conferir classe de Stephanie Ryan para obter uma perspectiva diferente sobre as cores do mundo floral. Como já passamos por todo esse processo de aquecimento, estamos prontos e estamos preparados para trabalhar em nossa cor floral. Passando para este estágio, você vai ter muito mais confiança. Esteja muito melhor ciente das capacidades do seu pincel e você pinta em seu papel. 13. Demonstração: Delphinium — parte 1: Primeiro, o pincel que usarei é o Número 2, Quill de Jacksons. Antes de começar, quero ter certeza de que minhas canetas estão molhadas. Olhando para as outras cores que vou precisar, vou precisar de um pouco de amarelo. Eu só estou molhando-os através de modo que quando chegar a hora que eles são agradáveis e pegajosos em vez de rígidos. Eu posso precisar de um pouco de tintas de cinza, que eu tenho muito pouco sobrando para cima. Você pode precisar de uma caneta nova depois desta sessão. Vamos começar. Primeiro de tudo, acho que precisamos misturar uma cor de base. Lembre-se, criamos uma lavagem de valor médio leve. O que eu quero fazer é pegar no valor que estamos vendo aqui. É um verde claro, então vou misturar isso. Acho que vou adicionar um pouco de verde seiva a isso. Realmente, eu acho que precisa de um pouquinho de blues, então eu vou pegar um pouco daquele ultramarino. Acho que isso está certo. Então vamos começar. Vou mostrar-te o meu pincel. Parece que há muita água lá. Então eu vou apenas levá-lo para a borda da minha paleta e tirar um pouco, só um pouquinho. Estou começando com isso, a gorjeta. À medida que o caule fica cada vez mais baixo, ele muda de cor. Mas lembre-se que vamos formar a forma primeiro e eu serei capaz de cair em cores. Então este é apenas o começo disso. Vamos misturar um pouco deste roxo azulado. Este é o Winsor Violet. Se você não tem um roxo, misture um vermelho fresco com o azul fresco. Novamente, temos que manter a luz para atender a cor valor apenas nesta fase inicial. Porque lembre-se, podemos cair em pigmentos mais escuros. Mas se está muito escuro para começar, é muito difícil em estágios posteriores. Há muita água nisso, só tirei um pouco do pincel. Não quero que entre em pânico. Tente lembrar o que você fez nas sessões de forma e nas sessões de valor. Eu não vou fazer um temporizador, mas eu quero trabalhar rápido. Se você não tem papel aquarela liso, papel cartucho, papel cartucho pesado é realmente ótimo. Eu notei que, à medida que os botões vão mais para baixo, eles ficam mais escuros. Então eu acabei de adicionar um pouco mais de pigmento, e você vê já é apenas ligeiramente misturado em si mesmo no caule. Vamos rapidamente fazer este lado aqui. Quero dizer, alguns destes botões são mais verdes do que roxos. Assim, podemos lidar com esse aspecto em apenas um momento. Sim, à medida que se movem mais para baixo, também percebo que se forma como um triângulo muito agudo. Oh, há mais no topo que perderam completamente. Há algo assim. Se houvesse uma linha imaginária, um triângulo lá, e a outra linha estaria lá aproximadamente. Então eu vou lavar minha escova. Acho que é hora de introduzir um pouco de verde para alguns destes. Eu só vou adicionar um pouco de amarelo limão e usar o que eu tenho no pincel. É bastante brilhante, então há um pouco justo lá dentro. Oh, eu adoro isso. Eu só toquei nele. Porque já existe, o pigmento ainda está na superfície, eu posso manipulá-lo. Oh, eu adoro isso. Eu estou segurando o pincel para o final, usando-o, usando essa ponta apenas para fazer essas formas de copo que eu mencionei antes. Oh, isso é adorável. Acho que preciso de um pouco mais amarelo no meu pincel. Acho que há muito. É só um pouquinho brilhante demais. Adoro ver isso acontecer. Tipos de lírio sortudo roxo acontecendo lá dentro. Daqui a pouco vou entrar. Também este verde, preciso escurecê-lo. Não sei se devo fazer isso agora porque vejo que ir para baixo está se tornando um escuro azulado, verde. Sim, acho que está tudo bem. Eu acho que podemos começar a adicionar essa cor porque é, eu posso ver um roxo acontecendo que trabalhar o roxo para isso. Há uma folha que vem aqui em cima, que vai precisar de mais verde. Então carregue o pincel com verde. Lembre-se que não estamos tentando incluir tudo porque temos os detalhes de tinta adoráveis para adicionar ainda. Notei que discutimos isso no aquecimento que a parte de baixo da folha é mais leve do que a outra. Já se fundiu com a outra coisa. Provavelmente há o suficiente aqui. Vou entrar de novo com esta folha. Enquanto ainda há água parada lá, eu vou entrar com um pouco mais roxo. Eu só vou arrumar esta paleta porque eu quero limpar um periférico, que tinha um pouco verde misturado com ele. Quero algo que tenha um valor mais sombrio e acho que precisa de um pouco de azul. Vou adicionar uma gota deste ultra marinho. Lembre-se que vamos adicionar em detalhes. Só vou acrescentar. Se eu levar isso para a câmera, a tinta ainda está na água. Se você pode ver que quando eu me envolvi, ele se espalhou muito rapidamente porque eu não deixei a tinta mergulhar tanto quanto eu esperava. Eu vou encontrar outro botão para experimentar isso, onde ele não está muito parado na superfície. Ou que um ainda fez a mesma coisa , mas eu posso adicionar um pouco mais de forma para aquele e este também. Acho que estes podem estar bem, na verdade. Eu vou adicionar o pigmento mais escuro indo para baixo porque parece estar bem na ponta. Acho que se eu deixar isso acontecer, vai ser o suficiente. Há algumas coisas acontecendo em segundo plano, que eu vou voltar. Deixe-me arrumar esses florais principais em primeiro plano. Este junta-se assim, quando eu fiz o estudo de valor, que o verde ficou muito mais escuro à medida que progredimos para baixo. Acho que é hora de adicionar um pouco de roxo azul. Isso foi apenas ultra marinho, e isso faz algo assim. Eu quero adicionar aqueles florais, os insetos que estão no fundo. Desculpe, eu deveria ter colocado isso aí. Eu posso vê-lo apenas no fundo lá. Eles não se destacam assim. t Eu acho que ajudaria a fornecer um pouco mais de informação. Então há um, há dois ali. Tem um aqui que precisa de um pouco de verde, de qualquer maneira, eu gosto do jeito que ele fez isso? Só um pouquinho mais amarelo. Acho que este aqui. Sim, estou feliz. Ele não tinha desenhado e eu estava pensando que ele precisa de um pouco de verde e este que secou. Não importa pode adicionar um pouco de amarelo lá e ali. Ótima. Enquanto eu estou nisso, vamos adicionar mais alguns dos bugs que estavam no fundo nesta seção da mão direita sobre lá, e havia um aqui. Oh, isso é muito bom. Não se preocupe muito quando isso acontecer, porque acho que você acrescenta ao general, que um está lá. Eu sei que não há outro botão aqui neste espaço negativo, mas eu realmente quero enchê-lo. Então eu vou fazer isso. Acho que vai servir. Tudo bem, então agora vamos para este caule muito mais escuro. Vamos nos misturar. Consigo ver quase um pouquinho de vermelho. Então eu vou adicionar como uma magenta a isso. Vamos ver o que acontece. Sim, é quase isso. Isto ainda está em seu bloco. Eu sou capaz de pegar o bloco. Você pode ver que eu estou inclinando agora? O que eu queria fazer era adicionar água a esta seção aqui e vê-lo gotejar para baixo. Se eu aproximar um pouco mais. Adoro ver isso acontecer. Vou adicionar um pouco mais de magenta porque está misturado com o verde, o verde claro pouco demais. Enquanto em minúsculo, ainda estamos falando sobre o valor, esta seção do caule é muito escura. Então, vou entrar com mais violeta. Eu acho que isso é muito, muito adorável. Realmente não há muito mais do que eu acho que isso precisa. A única coisa que eu acho que a folha precisa é um pouco mais de informação. Consegui derramar um pouco de roxo lá. Ele secou um pouco, mas tudo bem. Isso é bom. Eu só vou usar a ponta do meu pincel para adicionar alguns destes ligeira borda serrilhada e, em seguida, ele se enrola ao redor assim também. Então eu realmente vou deixá-lo agora e eu vou usar um secador de cabelo para secar muito mais rápido do que secá-lo naturalmente. 14. Demonstração: Delphinium — parte 2: Agora, vou usar o porta-canetas Curtisward com a ponta da caneta mapeada da Brause. Olhando cuidadosamente para este delphinium, há estes pequenos tendões. Eu quero dar uma indicação de que eles estão lá, então essa é uma das razões pelas quais eu escolhi a caneta de mapeamento porque ela é tão delicada. Sinto que fiz um bom trabalho dando as bordas dos botões. Bem, como esta seção aqui, eu não preciso fazer muito mais. No entanto, este lado, eu acho que o contorno, a forma não está bem. Eu só vou melhorá-lo, tornando-o um pouco mais assim. Também este que está por baixo. Isso é muito melhor. Já a inclinação está aumentando e é assim que eu gosto de usar a inclinação. Eu não adicionei um caule a este broto em particular que fica por trás dele, então eu estou apenas adicionando essa pequena seção agora e essas tendrils aqui também. Este é o botão que está na frente dele, então apenas para defini-lo e a informação que está na frente, eu vou colocar uma linha definida lá. Eu vou dar apenas um pouco de informação, mas logo atrás dela. Eu me movi um pouco. Talvez o delphinium tenha sido movido ligeiramente, por isso estou a ver um ângulo ligeiramente diferente. Está tudo bem, eu ainda posso obter um monte de informações com isso. O botão vai atrás dele assim. Embora a informação seja realmente importante, a melhor maneira de explicar é, há apenas o suficiente? Eu não sinto a necessidade de adicionar cargas mais como todas as pequenas tendrils. Há coisas suficientes acontecendo aqui onde se eu adicionasse cada tendril, seria muito ocupado. Acho que vou fingir que há outro botão lá, há nesta versão que estou vendo agora. Lá vamos nós. Isso é legal. Este aqui é um pouco torto, digamos que vou continuar com uma inclinação para dar-lhe uma forma mais completa. Esta área aqui é onde as pétalas se abrem, e está fazendo esse tipo de coisa. A partir desta área para baixo, os botões parecem estar mais formados. Este pequeno V que está acontecendo aqui, é a borda do botão. Eu não preciso colocar uma inclinação lá. Não há necessidade de delinear cada flor ou cada caule, só queremos fornecer informações suficientes. É quase como se você estivesse desenhando em uma camada extra de apenas informações suficientes para que o espectador possa compreender o que está acontecendo. Nem sei o que fiz aqui. Parece que estou no ângulo certo. Acho que sei o que fiz. Eu mudei tudo para que eu pudesse encaixar tudo. Tudo bem, eu sei quais solavancos correspondem a quais seções agora. Então este se estende ainda mais, é isso. Quando se trata deste pequeno ponto antes de formar esse caule. Este é o que eu disse, Eu quero algo por trás disso, então se eu continuar esse caule que dá a impressão de que este caule está na frente desta seção amarelo-limão atrás dele. Eu só vou desenhar uma indicação de um lado do caule lá, que serve. Agora eu sei o que está acontecendo que precisa de uma vantagem lá e ali. Há aquela coisinha que vai para trás, preciso descobrir como se chama. Em seguida, movendo-se para esta seção aqui onde eles apenas insinuando em florescer e você quase pode ver as pétalas individuais aqui. Acho que serve para isso. Isso é apenas abrindo. Chegando às folhas, acho que as folhas jovens não têm muito detalhe. É tudo o que precisa. Ele só se dobra para baixo. Eu não tenho o ângulo certo, é mais assim. Sim, faz isso e acho que vou parar por aí. Isso volta a um ponto aqui. Você pode dizer que é uma folha, você não precisa delineá-la. Lembre-se que seu cérebro funcionou para você aqui. Como você acha que ele precisa equilibrar aqui fora eu poderia adicionar uma folha que realmente não existe, mas eu acho que ele precisa dela para equilíbrio. Usando esta folha como referência, eu só vou adicionar algo semelhante no outro lado apenas para equilibrá-lo. Acabei de notar, sei que tirei essa folha, mas deve ter havido uma folha aqui. Deve ter saído lá fora. Eu estou apenas copiando uma imagem espelhada impressão da folha que eu não posso ver também a quantidade de papel que eu deixei compartilhar através para que você possa dizer que eles são botões bastante delicados. Eles não são pesados até chegar ao fundo, até que o caule fique muito escuro. Se eu aproximar para que você possa ver o resultado final. Estou muito satisfeita com isso. Acho que as cores funcionaram muito bem juntas. Minha parte favorita é possivelmente esta seção onde o talo vai realmente escuro, e então eu adicionei pigmento extra. Essa é provavelmente a minha parte favorita, é quando eu sou capaz de adicionar pigmento extra e, em seguida, assistir para ver o que acontece. Eu acho que tonalmente, isso realmente atrai seus olhos para ele. Além disso, eu acho que adicionar o trabalho extra caneta no lado definitivamente fez equilibrá-lo para fora. Isso foi um pouco de uma bagunça. Mas aconteceu e eu tive que trabalhar com isso. Você ainda tem a impressão de que esta folha está se desenrolando, no geral eu acho que eu fiz um trabalho muito bom e eu estou muito feliz com isso. Uma última coisa que eu notei que eu realmente preciso discutir é o uso do espaço negativo e onde eu deixei áreas de branco. Não tentei preencher todas as áreas ruins. Se você der uma olhada aqui e aqui, o branco realmente acrescenta a sensação de que este é um delphinium que ainda está em broto, não é pesado e não está aberto a plena floração ainda. 15. Demonstração: Buddhleia — parte 1: Para esta demonstração, eu vou usar o Winsor Newton pressionado a frio, e se eu segurá-lo para a câmera, você vai ser capaz de ver que ele é apenas um pouco mais áspero. É um pouco para [inaudível]. Isso afetará como a tinta corre, mas eu acho que será interessante ver o que acontece em comparação com quando eu uso o suave e a medula. Hoje, vamos usar o número para bobina só porque nós vamos estar pintando esses pincéis de borboleta ou buddleia. Como você pode ver, se olharmos de perto para estes, você pode ver que eles são feitos de lotes e lotes de minúsculos trompete como flores, mas não vão ser capazes de pintar todos eles. Vamos criar uma silhueta desta formação triangular. Eu vou mostrar a vocês, como eu faço, o que eu quero dizer, e também o que eu acho que seria realmente interessante é tentar capturar alguns dos detalhes cor-de-rosa. Um outro ponto que eu gostaria de mencionar sobre buddleia é quando ele cresce na natureza, muitas vezes se dobra e você pode ver que há uma ligeira curva aqui. Eu sei que estou enfatizando isso, mas você costuma vê-los fazendo isso. Gostaria de incorporar isso. Eles seriam muito fáceis de fazê-los crescer em linha reta. Mas acho que vou começar neste canto e fazer uma curva como essa, espero. Comece misturando um pouco desse rosa brilhante que eu posso ver lá dentro. Vamos usar isso como um pouco da base. Eu acho que também vamos precisar de um pouco de verde pálido lá em cima eu acho que antes de tudo, começar com um verde amarelo pálido. Isso é um pouco verde demais para mim. É todo o meu verde prateado. Tem muita água e um pouco mais. Sim. Isso provavelmente é melhor. Eu vou ter isso pronto e porque eu quero misturá-lo com um pouco do rosa, eu quero ter, eu acho que eu preciso ter um pouco de rosa pronto também. Isso parece sobre o valor certo sábio. Vamos começar com a ponta verde. Vou me livrar deste porque preciso estar, estou tentando usar essa versão específica, esse grão. Opa, muito no meu pincel. Mas vamos usar o que aconteceu lá. Isso é bom. Porque nós vamos ser, vai se confundir de qualquer maneira. Se você olhar de perto, ele segue este tronco central que corre para baixo nessa curva. Vem de lá para fora. Vamos torná-lo um pouco mais definido, formas de pedra. Lembre-se, vamos adicionar detalhes cor-de-rosa, então não há necessidade nesta fase de acertar essa dica. Passando para as áreas cor-de-rosa que eu posso ver. Eles fizeram essas trombetas. Vamos fazer isso também. Sim, isso misturar-se um pouco e eles ainda estão acontecendo até aqui. Apenas aumentando o pigmento, parece ser muito mais forte à medida que descemos e há áreas de rosa aqui e aqui. Vamos mover-se com um pouco mais do roxo. Eu tenho um pouco de roxo misturado lá em cima, que eu vou adicionar a este rosa, a ópera rosa. Vamos dar a volta pelo lado de fora e é irregular. Não é, mesmo que seja um triângulo curvo. Não é um triângulo reto como esse. Tem uma curva suave e bonita. Isso já parece legal. Não consigo ver o caule debaixo dele, mas sei que ele gira assim. Digamos que finja que há uma haste central e no meio, é um púrpura maciça, mas só lá fora você pode ver que há pequenas trombetas durante esta formação social. Vamos tentar atualizar bits, ainda usando uma mistura de rosa e roxo. Para o fundo eu posso ver um pouco mais do caule verde também. Vai ser uma boa adição. Acho que precisamos de mais roxo aqui. Uma coisa que vou dizer é, não cubra toda esta área em roxo. Deixe alguns pedaços do papel mostrando para dar esse contraste. Porque mesmo que eu diga que é massa de roxo, não é roxo sólido. É muito textural, e essa é a impressão que eu gostaria de dar. Trabalhando muito rápido e misturando o rosa e roxo dentro, desculpe, sobre a página mesmo. Diga, estamos quase lá. Então podemos passar para o caule e as folhas. Acho que precisamos de um pouco mais poderoso aqui para alguns sim, então deste lado, o valor é muito mais sombrio. Digamos que vamos adicionar um pouco mais de pigmento lá, não a toda essa área. Vamos deixar essas pequenas lacunas porque eu não posso ver pedaços do caule vindo aqui ou isso parece bom. Agora, passando para o tronco, é uma variação do que estamos vendo no topo. Acho que o verde é um pouco brilhante demais. Eu vou cair em um pouco de água, apenas água pura para diluí-la. Pode misturar-se com um pouco daquele rosa. Está tudo bem. Na verdade, eu só ajudei um pouco. Diluir este amarelo em particular porque eu percebi que era apenas um pouco brilhante demais para mim e eu posso vê-lo caindo. Posso ver o caule daqui. Diga, vamos cair um pouco de, Alex, legal. Lá vamos nós. Um pouco de verde lá, pode ser um pouco demais sobre isso não um incômodo e o caule começa a curva ao redor. Ou você pode ver isso acontecendo, você pode ver como isso seguiu através dos caras todo o caminho? Redondo assim. O caule aqui embaixo, faz uma luz e escuridão também e isso acontece também. Ou logo abaixo, o caule se ramifica, há pouca substância ou identidade, o que você os chama, algo assim e há um roxo verde também, que eu vou adicionar em apenas um minuto. Vamos colocar isto e também há uma folha por baixo. Este buddleia em particular é muito ondulante. Lá vamos nós. Eu sei que é realmente verde brilhante no momento, mas eu vou adicionar roxo às seções. Sim, nas pontas. É um grande verde. Selecione demais no meu pincel. Não importa. Posso incorporar estes. Esta seção aqui é definitivamente verde e esta é verde e começa a se transformar em um roxo. Não muito, eu posso adicionar em detalhes com certeza e você pode ver algumas das formações tipo trompete mais abaixo. Eu gosto de se fundir com o Alex muito legal. Bom. Vamos tentar as folhas. Eu posso ver que a parte de baixo é definitivamente muito pálida e é de um valor muito mais leve. Acho que vamos misturar um pouco de roxo neste verde que eu já tenho. Use isso como o, muito do meu pincel. Podemos adicionar algumas outras cores depois e ele faz essa coisa ondulante. Este aponta para baixo, mas não muito. Acho que ficou um pouco obscuro, então vamos entrar um pouco mais verde. Bem aqui eu acho, lá vamos nós. Adicione as outras folhas agora. Este vai daqui. É muito pontudo lá. Olhando para esta folha contra o caule, o caule é definitivamente vermelho roxo. Precisamos fazer algo sobre isso daqui a pouco. Vamos apenas colocar esta folha e há uma folha que cai na frente dela, mas eu não acho que isso vai ajudar a nossa compreensão disso. Espere, fica mais escuro aqui, só estou adicionando um pouco de roxo. Vou começar a cair em cores em pouco tempo. Tem um aqui, completamente esquecido. Você vê que esta folha toca aquela. Eu deveria ter deixado um pouco de espaço para isso. Isso vai ficar bem por enquanto. Há pequenos caules saindo de lá e eles estão muito pálidos, com pequenos botões e novamente por aqui. Vamos nos divertir um pouco e começar a cair em algumas cores nessas folhas porque esse verde, para mim, pessoalmente, é apenas um pouco brilhante demais. Valor sábio, se eu piscar de olhos, as flores são definitivamente mais escuras, mas alguns aspectos das folhas, especialmente este aqui, é muito escuro e esta parte aqui. Vamos brincar com isso. Acho que este se fundiu demais. Vou secar o meu pincel e recolher um pouco desse pigmento porque está muito sujo. Eu gostaria que as folhas tivessem uma pitada de roxo, mas isso estava ficando muito estranho. Vamos tentar alguns cinza de Payne misturado em para adicionar a ligeira mudança nos valores aqui. Sim, assim é melhor. É baseado no tronco central que fica escuro lá. Eu acho que dentro disso seria bom para cair em um pouco de roxo. Isto é apenas cinza de Payne com um pouco de ultramarino. Vejo que o roxo funciona bem lá. A folha ondula-se ali e deste lado é muito mais escura. Lá vamos nós e aqui embaixo está escuro. Na verdade, os botões roxos misturam-se com isso. Vamos colocar um pouco de roxo aqui, precisa de um pouco mais de água. Isso parece muito bom e também os botões roxos. Na verdade, há mais roxo aqui do que eu pensava. Vou adicionar isso. Eu vou usar um pouco do rosa para ajudar esta seção ao longo porque o valor é ligeiramente diferente aqui. Isso já está muito melhor e eu posso ver que o rosa está tentando se misturar com aquela folha no canto superior esquerdo. Eu vou ajudar com isso. Isso já está melhor. Estou feliz por ter feito uma mudança lá. Eu ia adicionar a parte pálida da folha, mas acho que vou fazer isso com a tinta, um pouco de linha de tinta. Eu amo o que está acontecendo aqui, mas eu acho que ele também precisa harmonizar a peça inteira. Acho que precisa de algumas gotas de roxo mindinho. Vamos adicionar esses. Adoro todas essas coisas acontecendo. Eu poderia apenas adicionar um pouco lá e também se eu piscar de olhos, digamos nas seções aqui, se eu adicionar rosa nas seções mais escuras. Eu também disse, eu ia adicionar rosa às hastes também. Vamos fazer isso agora. Um truque que eu realmente gosto de usar é inclinar o papel. Vou deixar cair um pouco, começa a ficar um pouco rosa a partir daqui. Vamos colocar um pouco mais de pigmento nesse pincel. Vou segurar isso em um ângulo de 10 graus, tão superficial. Mas eu quero deixar isso aqui e parte dele já está reagindo. Este caule também precisa ser um pouco mais grosso. Se você pode ver que ele está correndo para baixo. Só ajudando. Lá vamos nós. Preciso esperar que isto seque e espero que o efeito seja esplêndido. Antes de lhes mostrar o close-up desta versão seca do Buddleia, outra razão pela qual é uma boa ideia trabalhar rápido é porque as flores vão murchar muito rapidamente. Este não é tão ruim porque é bem amadeirado, mas algumas das flores silvestres mais delicadas vão murchar dentro de uma hora, então você realmente tem que trabalhar muito rápido. Vamos dar uma olhada nesta versão seca. Estou absolutamente emocionado com o que estou vendo aqui. Há tanto esplendor onde ele se misturou e criou essas lindas formaturas. Esta área aqui fez o que eu esperava. Este rosa se dispersou e as seções aqui são absolutamente deslumbrantes. Vou trabalhar com a tinta para desenhar alguns desses aspectos maravilhosos. Porque estou tão satisfeito com a forma como isso acabou, lembre-se onde eu disse na seção de tinta que não há proporção, nenhuma fórmula para a quantidade de tinta que eu aplicarei a isso. Isto é tão bonito como é. Acho que vou escolher algumas áreas. Podemos aproveitar ao máximo o que aconteceu uma vez que secou. 16. Demonstração: Buddleia — parte 2: Para esta camada de botão particular, eu vou estar usando a ponta de abóbora azul com a alça [inaudível]. Eu escolhi este porque ele vai dar alguns bons efeitos blobby que eu gosto bastante. Começando nesta seção aqui. Eu só vou escolher esses pequenos detalhes aqui, e estes são literalmente bolhas, literalmente. Basta pintar alguns desses e não todos eles, apenas uma indicação e à medida que descemos, eles começam a formar essas pequenas formas de lágrima. Eu poderia adicionar algumas formas como essa enquanto descemos. A aquarela fez um trabalho maravilhoso, mas eu acho que ele só precisa de um pouco mais de informação para dizer que estes são botões fechados e eles são muito pequenos e minúsculos e a aquarela ainda não transmitiu isso como é. Só vou usar a tinta para melhorar. Você pode ver que há formas de luz de botão aqui, mas eu acho que só precisava de um pouco mais. Novamente, não é como se eles caíssem em linha reta. É tudo desigual. Vamos fazer isto. Sim, agora as formas mais longas como trompete estão vindo aqui. Não estou a seguir nada em particular. Eu só estou escolhendo formas, e eles ainda fazem coisas assim. Eu não quero fazer muito aqui, ou nesta seção aqui eu posso ver que o fundo das trombetas é, e eu poderia trabalhar com eles. Eles estão apenas começando a abrir e eles têm essas três pétalas no final. Sim, por aqui. Começam a abrir muito mais. Eu estou olhando em volta e pensando, onde ele precisa de um pouco mais de informação, mas eu poderia voltar para ele. Tenho que esperar e avaliar a cada poucos minutos. Digamos que há uma bolha adorável, vamos apenas acontecer lá. Nesta seção central aqui, eu acho que isso provavelmente está ficando um pouco todos os botões estão fechando, mas ontem, ele definitivamente foi completamente explodido. Você podia ver que eles eram muito abertos. Vou colocar o que me lembro. Eram quatro pétalas. Sim, todo o caminho até a secção central. Os botões estavam fora. Eu poderia adicionar mais um aqui, e então eu vou mudar de tática. Digamos que em ambos os lados, as formas da trombeta aparecem. Isto está muito bonito. Estou muito satisfeito com isso. Eu amo estes como eles são. Eu realmente quero. Sei que as pétalas não são totalmente distintas, mas acho que seria uma pena estragá-las. Vou adicionar mais algumas formas de trombeta deste lado. Estou chegando ao fundo e percebi que não estamos preenchendo. Parece normal aqui. Estou a fazer um esforço bastante concertado para tornar esta margem em particular irregular. Eu sei que há uma certa necessidade de regularidade, mas eu não penso em formas orgânicas, ele sempre funciona assim e deste lado também, eu quero ter certeza de que o espectador entende que esta não foi uma peça reta. Agora, passando para esta seção aqui, eu estou em duas mentes se eu quero adicionar alguma coisa aqui porque é tão [inaudível] juntos e eu acho que a única coisa que eu diria é ele só precisa de um pouco de vantagem aqui. Só acho que isso ajudaria. Sim, acho que aqui também precisa de outra forma trombeta. Você pode ver que eu coloquei na parte inferior das trombetas que realmente ajuda. Eu não preciso preencher um pouco dos botões aqui. Vou acrescentar um pouco mais. Eles são muito delicados, então eu não quero pesá-los, e no topo eles não estão totalmente formados. Acho que vou deixar a gorjeta assim e, em seguida, apenas adicionar os espelhos dicas desses pequenos botões formando e eu acho que isso é tudo o que precisa aqui. Estes são dois mini botões. Comecei a adicionar um pouco e pensei que tudo isso serviria. Mas eu não acho que isso seja muito bem. Eu acho que eles precisam de um pouco mais apenas na base para dar um pouco mais de informação porque ele está apenas desvanecendo em segundo plano demais. Lá vamos nós e o mesmo novamente aqui. Comecei a adicioná-lo meio coração, e há uma folha aqui que eu acho que precisa ser vista. Eu realmente sinto muito em dizer que eu não tinha esta câmera em particular em execução quando eu preenchi essas folhas. Eu pensei que havia um pouco de espaço negativo demais, então eu realmente os desenhei. Eu só quero demonstrar a vocês como eu rapidamente desenhei em uma folha de papel separada. Peço desculpas por não ter capturado o momento em que desenhei estas duas folhas na demo real. Às vezes acontece. Vou demonstrar em apenas um pedaço de papel, porque era isso que era. Usei tinta para preencher o espaço negativo. Eram estas duas folhas que eu estava tentando desenhar e eu basicamente usei a ligeira pressão na ponta. Estou pressionando um pouco mais. É uma folha relativamente estreita e vem para fora. Preciso de um pouco mais de tinta nisto. direção à base e, em seguida, ele entra novamente, em um ângulo engraçado que faz este negócio. Eu só vou fingir que havia um caule que se aguentava, eu tenho uma idéia. Digamos que o meu caule estava a fazer isto e eu mostro-te a outra folha. É ondulado junto. Esta folha em particular era muito ondulada. Essa outra borda não era e então torceu assim. O que eu também fiz foi desenhar nas veias, que normalmente não faço com folhas. Mas nesta ocasião eu apenas gostei que a formação que eles estavam criando. Esta é outra área onde você não precisa adicionar todas as veias. Você pode se sentir inclinado a querer fazer isso. Mais uma vez, sua mente pode funcionar. Sim, há veias de cada lado e eram irregulares. Lá vamos nós e o mesmo novamente aqui. Notei que eles não foram direto para o limite mesmo com isso. É que nesta versão eu notei que se eu voltar e mostrar-lhe o meu original, eu não observá-lo corretamente, então eu aprendi algo novo lá. Então eles ficam um pouco mais finos aqui em cima. Obrigado por me acompanhar. Vou voltar e mostrar-lhe a camada de brotos. Acho que é sempre uma boa ideia fazer uma rápida avaliação subjetiva da sua peça acabada. Seja qual for a peça de arte que seja. No geral, adoro a vibração que consegui alcançar. Eu sei que esta camada de botão particular não tem grandes extensões de rosa brilhante, áreas rosa quase luminosas. Mas foi algo que eu peguei nas profundezas do fim das seções de trompete e eu apenas fui com ele. Esta área equilibra o roxo aqui que é de valores muito mais escuros. Há um belo contraste lá e eu estou tão feliz que eu fui capaz de deixar alguns espaços brancos lá. Eu diria que minha seção favorita é esta parte aqui. Há uma harmonia encantadora sobre isso. Pequenas coisas como essa me emocionam. No geral, eu gosto das pequenas indicações do jovem budly um hastes em ambos os lados também. Passando para as folhas que eu amo ver toda essa formatura e efeitos na maneira que este rosa em particular correu para esta folha. Eu queria incluir este conjunto de folhas. Eu poderia ter deixado como espaço negativo, mas eu acho que para equilibrar o que estava acontecendo no topo e movendo-se para baixo, ele só continua com esse tipo de pirâmide tema. Acho que esta é uma peça muito bem sucedida para mim. 17. Demonstração: Queen Anne's Lace — parte 1: Para esta demonstração, vou pintar rainha e deitar-se. Geralmente eles são bastante longos, mas eu encontrei este que era bastante baixo em estatura e eu consegui puxá-lo para fora com a raiz, que eu acho que é bastante definido. Eu acho que este seria um bom desafio para mim também para encher minhas toupeiras novamente. Devido à natureza delicada das hastes, decidi usar o pincel zero g-air. Olhando para a forma rapidamente, temos um caule central vindo abaixo da cabeça da flor principal, e ele sai em um pouco de um ângulo, e então na parte inferior temos a raiz, que provavelmente ocupa cerca de um terço deste todo plantas, então, eu acho que valor sábio, as hastes são realmente pálidas e, obviamente, as flores brancas são as áreas mais pálidas, então, precisamos misturar uma lavagem leve média. Acho que vou querer um amarelo cádmio e um verde de jade, e vamos tentar, talvez seja só um pouquinho do azul de Windsor. Tudo bem. Vamos dar uma chance a isso. A haste central está um pouco fora do centro. Preciso de mais água nisso. Isso é muito sombrio em valor. Bem na frente dele, vai para cerca de lá. Há dois outros caules em miniatura e eles são ainda mais leves, então, eu vou apenas adicionar uma gota de amarelo apenas nesta parte da paleta e isso faz uma curva, é como uma curva S. Desce para onde fica muito mais escuro. Mas vamos apenas obter as principais características e também há um caule em miniatura logo ao lado que vem a cerca de aqui, e o próximo caule sozinho à esquerda é quase paralelo na verdade, e há uma ligeira torção nele. Sim. Isso é quase certo e então temos algumas folhas acontecendo, mas vamos adicioná-las em pouco tempo, e então há um caule à direita. Sim. Tem uma torção nele também. Eles se fundem assim na haste central, e a haste central é distorcida se fizer isso, e então começamos a descer nas raízes, e é uma maneira maravilhosa de adicionar um pouco de cor a isso também. Pensando nestas pequenas áreas aqui, e esta é a parte lassy que provavelmente lhe dá esse nome. Se eu piscar de olhos, não posso vê-los, mas temos que estar atentos às pétalas brancas em cima e estou tentando descobrir como vou fazer isso. Estou ciente de que alguns desses caules já estão começando a secar. Basta colocar as partes lassy. Um pouco espetado. Estou um pouco nervoso, estava segurando assim. Eu não quero segurá-lo assim, eu quero segurá-lo no final aqui, ele vai me dar um pouco mais de manobrabilidade e menos pressão. Isso é muito melhor, e os pequenos pedaços que vão para cima são ainda mais pálidos. Eu poderia colocar um pouco de água sobre isso como provavelmente um pouco de pigmento deixado na minha escova e isso pode ser suficiente. Vamos fazer o mesmo novamente com alguns dos outros e eu estou pensando, como eu vou adicionar as sementes, quero dizer, não as sementes, as pétalas reais mesmo que sejam minúsculas. Eu sei que essas coisas estão começando a secar, então, eu vou trabalhar super rápido. Vamos pegar essas saídas e então eu posso adicionar pigmentos diferentes e brincar com os valores, e também descer aqui, há todas as folhas aqui embaixo, que são muito, muito escuras. Como estamos falando de folhas, o valor aqui em baixo é muito mais escuro, então, vamos introduzir um pouco de ultramarino lá, e se eu fechar meus olhos como mesmo, apenas um pequeno toque de roxo mindinho, então, o folha de maior valor é por aqui. Isso vai servir por agora, e então a próxima folha ao longo que é de maior valor. Há outra, um pouco mais de água nisso, outra folha tipo frond vindo por aí, descendo até a raiz. Está ficando um pouco mais marrom, então, eu poderia usar um pouco de ouro na verdade. Acho que vai funcionar muito bem. Sim, isso é muito bom como ele vai para baixo na raiz, que vai ficar muito incrível eu acho. Basta carregar o meu pincel apenas com o ouro, apenas algo assim e há uma raiz que vai aqui também. [ Risos] Isso é adorável. Temos o básico e é hora de começar a se divertir um pouco com os valores. Vamos trabalhar rápido porque esperei um pouco demais, mas podemos trabalhar com isso. Eu não posso ver vermelho laranja se eu piscar de olhos, então, vamos apenas adicionar um pouco de marrom ao verde, apenas um pouquinho e deixá-lo cair aqui também. Sim, isso é adorável e as outras áreas onde há alto valor. Na verdade, há outra haste vindo de trás desta fronda, quase faz isso. Não é assim tão vermelho. Posso ver pedaços de vermelho aqui. Acho que preciso adicionar um pouco do radiante, desculpe, aqui. Acho que vou começar a adicionar ouro. Eu realmente gostei de como isso acabou. Sim. Isso é adorável. Em direção ao topo, há este hugh amarelado. Perfeito. Descendo este também. Vamos tentar fundir estes juntos. Vou ter que inclinar o livro de esboços daqui a pouco. Eu acho que isso precisa de um pouco mais de água só para ajudar as coisas, porque eu estou começando a desenhar nas fronds, e eu estou ciente de que eu provavelmente deixá-lo secar muito rápido. Eu tenho falado com vocês também. Normalmente, eu entro em um estado de fluxo. Então há outro frond que se junta aqui. Isso parece adorável. Lá vamos nós. Eu só estou usando este ouro e que umidade ou pigmento de pé que está no papel está apenas fazendo sua coisa, o que é absolutamente maravilhoso. Sim. Só checando meus dados. Só pegando um pouco de verde para adicionar a esta folha em particular aqui. Gosto da forma como se juntaram lá em cima, isso é adorável. Eu só fiz de novo. Muito agradável. Pode dizer onde está na sarjeta do caderno de esboços? Isso é absolutamente bom. Podemos usar um pouco do pigmento que é colocado lá e espalhá-lo um pouco. Então, há outros recursos frond-like. Na verdade, o que eu acabei de notar é que provavelmente há um pouco demais pool lá. Só vou mergulhar um pouco usando meu tecido. Faz quatro. Meu Deus, isso parece muito bom. Quase parece marrom, um brownie vermelho. Isso é lindo. Há outro ligeiramente mais alto do lado esquerdo. Novamente, na ponta parece um pouco dourado, e isso vem para baixo. Esta área aqui é perfeita, na verdade. É muito sereno porque esse é o começo da raiz. Você pode ver aqui que está muito escuro. Então isso está funcionando a nosso favor. Há sempre uma pequena voz pensando : “Isso não vai funcionar.” Se você assistiu a alguma das minhas outras aulas, acho que vai me ouvir discutir que quando houver uma fase, você passa. Quase todos os artistas vão passar, e você acha que isso está parecendo um pouco de padrões, parecendo um pouco lixo. Isso funciona. Apenas continue indo. Você tem que empurrar através das frondas, faça isso. Você só vê a visão lateral neste particular. Talvez eu deixe assim. Há outra folha lá, mas acho que não tenho espaço suficiente para uma estrela aqui. Eu só vou adicionar mais algumas folhas aqui só para preencher esse espaço negativo lá. Oh, meu Deus. Agora vamos dar uma olhada nessa raiz. Eu não quero muito. Mais uma vez, está tudo a juntar-se lá. Acho que vou ter que pegar no caderno de esboços e incliná-lo. Não, acho que preciso de um pouco mais de viridiano porque o valor não está lá. Talvez eu tenha que manter o livro de esboços ligeiramente inclinado. A raiz é bastante grossa lá também. Não vou preencher tudo. Acho que chega lá. O que eu vejo saindo desta raiz em particular são apenas pequenos tendrils que são tão fofos, e apenas por aqui também. Agora preciso fazer algo sobre as cabeças de flores. Valuewise, são absolutamente as partes mais leves desta planta. Então eu não acho que eu possa transmitir isso usando apenas inclinações. Em algumas áreas há um verde amarelado nebuloso. Não quero aquele marrom e aquele ouro. Estou pensando que se eu misturar um ouro muito claro com apenas um pouco desse verde. Vamos apenas colocá-lo nas áreas mais escuras das cabeças de flores ou apenas abaixo de onde a flor vai, algo assim. É quase como um guarda-chuva de cabeça para baixo, mas irregular, digamos. Acho que estou quase lá. No meio, haverá pequenos bolsos de valor mais escuro. Sim, eu entendi. Guarda-chuva de cabeça para baixo e alguns pontos. Acho que posso adicionar o resto usando tinta. Se eu não tentar, não saberei. Sim. Isso é escuro lá embaixo, e é o mais escuro que ainda era um pouco despejo, mas não se preocupe. Esta cabeça de flor é muito maior, estende-se até aqui. Tem algo mais acontecendo lá. Segure para baixo. Há outra pequena cabeça de flor lá, então eu só vou para aquele guarda-chuva de cabeça para baixo como uma forma lá e algumas pequenas manchas. Vamos esperar que isto seque e ver o que acontece. 18. Demonstração: Queen Anne's Lace — parte 2: Eles provavelmente ainda estão no botão, e eu pressionei um pouco forte porque isso é realmente um frond que eu estou tentando descrever. Estes sobem em um pouco de forma em U. Alguns se juntam a eles lá, outros fazem isso. Eu não quero delinear isso. Estes são brancos, está em uma mesa escura. O que eu poderia fazer é literalmente com a ponta da minha ponta, apenas dar uma sugestão de que esses pequenos pontos são a borda de onde essas pétalas minúsculas estão. Agora, a próxima é, na verdade, bem, eu tenho minhas proporções um pouco erradas. Não importa. Estas partes parecem ser as mais escuras nesta flor em particular. Selecione alguns desses e eles estão em um pouco de um oval. Posso precisar de um pouco de linha só para ajudar. Eu acho que se eu definir a borda deste só para diferenciar do outro caule, não atrás dele, mas é mais perto da mesa. Passando para este, o maior. Este é o único que tem pétalas abertas, aberto. Até certo ponto, vamos tentar fazer isso. vez, eu só vou usar pequenos pontos para me dar uma indicação áspera e ele vai lá em cima, de onde está a borda desta cabeça de flor. Para ajudar este, posso ter de fingir que mudei o meu ângulo e adicionar apenas alguns. Estou tentando manter isso irregular. Depois, as flores, tantas lindas. Eu só vou pegar algumas flores aqui e ali. Eles parecem ser muito mais nesta área por causa da perspectiva. Há um monte deles aqui. Veja agora que eu mudei ligeiramente o ângulo que eu estou olhando para isso, as pequenas flores se estendem para lá, e eles vêm todo o caminho até cerca de aqui. Você pode ver pequenos raios com flores no final apenas aqui, que eu acho que vou adicionar, o que é muito bom. Se eu olhar novamente agora que eu mudei o ângulo, isso acontece também deste lado, então eu vou apenas incluir isso apenas para equilibrar os lados. Há uma cabeça perdida de pétalas, acho que vale a pena incluir lá dentro. Agora, este não está aberto. Se fechar os olhos que estes caules se encontram, é onde ficam as áreas mais escuras. Eles estão praticamente em todos eles então eu poderia apenas voltar aqui e adicionar isso também. As fronds debaixo desta cabeça de flor principal, que são as partes mais escuras, mas eu estou me perguntando se eu posso incluí-lo em tinta. Oh, isso é adorável. Vamos fazer o lote todo agora. As pontas destes são especialmente escuras. Oh, eu não sei o que está acontecendo lá. Algo não fica bem, certo? Acho que isso precisa de um pouco mais de pontos e outras coisas. Precisa de um pouco mais de definição. Se eu colocá-los no final, se eu atraí-los mesmo que eu não possa vê-los, mas eu preciso que ele leia como florais em talos pequeninos. Veja, agora estou fazendo minha cabeça de 1, 2, 3, 4, 5, 6ª flor. Estou de muito melhor humor para entender e só vem com o tempo. Eu não poderia saber disso antes porque eu nunca pintei o laço da Rainha Anne. Pintado semelhante, mas sabe exatamente. Agora tenho um controle melhor, o que é fantástico. Eu saberei isso para a próxima vez, se eu fosse pintar mais ou algo parecido. Todos esses pedaços aqui embaixo são muito escuros. Acho que este papel ainda pode estar um pouco úmido. Não, acho que estamos bem. Oh, meu Deus, isso é adorável. Eu acho que precisa apenas de algo aqui para dizer, esta parte é separada desta parte aqui. Sim, está muito escuro lá dentro. Eu poderia usar tinta. Agora, olhando para trás para este primeiro, eu disse, “Oh, eu acho que é o suficiente,” mas eu acho que ele precisa de um pouco mais agora. Esse trabalho de linha é tão expressivo. Estou ficando surpreso. Eu não fiz nada tão detalhado com pequenos pontinhos, mas tem sido divertido muito bom. Olhando para as folhas, eu estou pensando, eu preciso adicionar um pouco? Não quero tomar uma decisão. Eu sei. Há este espaço aqui e acabei de notar que há apenas uma pequena folha encaracolada ali. Vou incluir isso usando a tinta. Adorável. Este aqui, nunca foi totalmente formado usando a aquarela então, eu vou adicionar mais alguns pedaços de linha, não delineando. Precisa da parte de trás aqui, precisa de alguma informação. Oh, isso é adorável. Este aqui poderia fazer com um pouco mais de informação que, lá vamos nós e aquela. Muito agradável. Eu disse que há uma folha aqui. Desculpe, eu disse que não tinha espaço para adicionar, mas olhando para ele, é muito bom. Vou tomar uma decisão. Vou adicioná-lo aqui apenas em tinta. Ele se dobra. Ele vai até a seção raiz onde fica muito escuro. Eu tenho o trabalho de moldura lá. Eu só estou fazendo uma versão simplificada, e obviamente eu vou estar revisando algumas dessas linhas. Isso aumenta o efeito, eu acho. Mais alguns pedaços aqui. Isso é muito bom para mim. Vamos dar outra olhada nisso. Se estou apertando os olhos, não consigo entender a borda, que é aqui. Posso entrar de novo com um pouquinho de aquarela, só para dar essa impressão ou usar tinta. Só precisa de uma pequena quantidade de tinta. Simplesmente assim. Só para dizer que esta é a vantagem. Esta é a borda externa desta cabeça de flor em particular. Como isso. Sim, acho isso maravilhoso. Eu sempre tive problemas tentando definir as bordas de flores pálidas ou brancas e eu acho que nesta versão, eu fiz um bom trabalho usando a tinta para dar uma indicação de onde as bordas podem estar. No geral, estou muito feliz com o resultado. 19. Considerações finais: Passamos por todos os tipos de etapas em nosso desenvolvimento artístico e é divertido experimentar e aprender ao longo do caminho. Esta expressiva aquarela e tinta é apenas um caminho que eu estava explorando agora. Ao renunciar a alguns dos detalhes, ainda podemos contar a história da sua flor silvestre expressivamente através da forma, valor, cor e linha. Você pode se concentrar na aparência geral de sua pintura. Uma vez que as partes maiores como as folhas e as hastes estão no lugar, os detalhes cuidariam de si mesmos. Por favor, confie neste processo. Faça o seu melhor para colocar seu pincelado, todas as linhas de sua tinta com intenção e, em seguida, deixá-los em paz. Permita que as ocorrências orgânicas aconteçam e pense em como você pode usar esses efeitos a seu favor, em vez de tentar corrigi-los. Pense neles como acidentes muito felizes. Tente parar de avançar com ações que realmente não são necessárias. Só para lembrá-lo, vou passar por algumas dicas importantes. A simplificação é a chave. Menos é mais. Concentrando-se apenas em itens essenciais que ajudam você a não se preocupar com detalhes sem importância. Corra riscos trabalhando molhado sobre molhado e permitindo que a cor se funda no papel em vez da palete. Use o pincel grande e não se sinta tentado a ir para um pincel menor para adicionar mais detalhes. Mantenha suas opções de cores simples. Escolha apenas quatro ou cinco cores para que você não sobrecarregue seu esboço com muitas cores e enlameá-las. Tente segurar o pincel perto do meio ou da extremidade em vez de perto da cabeça para uma abordagem mais espontânea. Afaste-se do seu trabalho de vez em quando para avaliar antes de seguir em frente para que você tome decisões intencionais. Provavelmente a coisa mais importante é a sua mentalidade. Aproxime-se da sua pintura floral com confiança e tente manter esse elemento de diversão, durante todo o processo. Se você começar a vacilar ou se sentir ansioso e frustrado, faça uma pausa e depois retome. Finalmente, eu realmente quero encorajá-lo a desenvolver seu próprio estilo criativo pessoal. Use esta classe e qualquer uma das outras aulas por mim ou outros artistas aqui no SkillShare como um ponto de partida. Arte é tudo sobre experimentação. Todos nós podemos continuar desenvolvendo nossas habilidades e estilos, inclusive eu, experimentando novas técnicas, novos materiais e empurrando nossos próprios limites criativos. Cada artista ou artista brotante é um indivíduo único com talentos e gostos únicos. Cada artista terá seu próprio senso e visão diferentes do mundo ao seu redor. Nosso papel é comunicar através da pintura. Eu realmente acredito que podemos ser bons comunicadores na arte e em nossas vidas. Ruby, você pode por favor sair disso, eu preciso disso. Ruby vamos lá, [inaudível] fora disso. Oh, minha palavra. Ruby, preciso do meu microfone. Ruby, vamos lá, isso é o suficiente. 20. O quarto de estrela GazerLilly DEMO 1: Olá, e bem-vindo a esta aula bônus especial. Vamos pintar lírios Stargazer com base no que você aprendeu aqui com a expressiva aquarela e tintas. Tive muita sorte de que, como resultado dessa aula específica da Skillshare, flores orgânicas expressivas, uma editora entrou em contato e agora tenho um livro chamado Go with the Flow Painting. Nesse livro, tenho um guia passo a passo para os lírios Stargazer e vou compartilhá-lo com você hoje. São minhas flores favoritas, então espero que você goste tanto quanto eu. Aqui estão os materiais que vou usar para a demonstração de hoje. Eu tenho meu papel de aquarela da Hahnemuhle, que custa 200 libras. Além disso, temos a caneta de imersão e ela tem a ponta de abóbora azul. Meu tipo favorito de pincel é o pincel de pena. Este é da Jacksons, mas eu sei que existem muitos, muitos tipos diferentes de pincéis de pena oferecidos por outros fabricantes de arte. Além disso, a tinta. Você pode usar qualquer tinta marrom que tiver. Eu tenho Winsor e Newton e também essa tinta acrílica líquida da Liquidtex. Quero começar mostrando a estrutura desse lírio Stargazer, como você pode ver, ele tem seis pétalas. Essa versão em particular, eu sei que existem algumas variedades, fica um pouco encaracolada e lanosa nas bordas. Mas se você observar a estrutura básica, há três pétalas na frente e três pétalas atrás dela. Se quiser facilitar, você pode começar a pintar essa pétala primeiro. No meio, você tem os estames. É um verde bem brilhante lá dentro. A parte do pólen está bem escura. O que vamos fazer é recriar uma versão dela em todo o nosso papel aquarela, não vai ser formal. Será bem solto e orgânico. Quero começar contando um pouco sobre as cores que vou usar. Rosa permanente, que eu adoro, mas você não precisa muito disso e talvez misture com talvez um pouquinho do vermelho Winsor e do carmesim aqui para ver as partes mais escuras desse lírio. As folhas serão uma mistura do amarelo Winsor e do verde seiva. Você usa o equivalente. Deixe-me mostrar que misturando um pouquinho da Opera Rose, você pode ver como ela é forte, mas você vai precisar de muita dessa lavagem porque temos algumas pétalas para pintar em. Gosto de pegar muita água no meu pincel. Essa é uma das razões pelas quais eu uso uma pena. Vamos começar. Começando com a primeira pétala, vai funcionar muito rapidamente. Você pode ver como eu acabei de definir isso usando uma única pincelada e nós só queremos criar uma forma de lágrima. Fique atento para deixar um pouco de branco. Você não quer preencher a pétala inteira. Isso provavelmente é o suficiente por enquanto. Vamos ter outro aqui embaixo. Só estou pensando no espaço que vai ser usado por aqui. Eu queria mostrar a vocês um resumo da quantidade de água parada nessas pétalas. Você pode ver como a água já se encharcou no primeiro conjunto de pétalas que eu pintei. Este, existe muito e há um propósito para isso, então eu começo a colocar o resto dos pigmentos. Agora temos as primeiras três pétalas de cada flor. Vamos adicionar as pétalas que estão por trás dela. Eles são um pouco menores, mas podem se estender um pouco. Não deixe que ele toque no primeiro conjunto de pétalas só para que os pigmentos não se fundam muito. Especialmente porque vou começar a aplicar um sabonete muito mais pigmentado em pouco tempo. Você pode ver que estou trabalhando muito rápido. Estamos apenas lidando com a forma no momento. Preciso esperar que um pouco disso penetre na água porque está acontecendo um pouco demais. Se eu adicionasse o pigmento agora, ele iria para qualquer lugar. Além disso, uma das coisas que preciso ter em mente é que estou filmando isso no inverno, embora o aquecimento central esteja ligado, está um pouco mais frio do que estou acostumado. Isso pode demorar um pouco mais para secar. Onde quer que você esteja no mundo, que época do ano você está pintando, é algo que você aprenderá com a experiência. Você aprenderá a ler seu artigo quanto mais praticar. Você saberá quando é a hora certa descartar o próximo conjunto de pigmentos. Vou fazer outro conjunto de pétalas só neste espaço aqui. Pessoalmente, há um pouco de água parada demais nesta. Vou usar apenas um rolo de cozinha para absorver um pouco disso porque, caso contrário, ficarei esperando para sempre. Agora vamos pegar o vermelho ou a rosa permanente. Já dá para ver o quanto isso é mais pigmentado e vibrante. Vamos criar a linha que vai até lá. [inaudível] está lindo, ou você pode simplesmente seguir uma linha reta no meio. Na verdade, depende de um lírio para o outro. Eles são todos um pouco diferentes , dependendo da loja em que os comprei. Você pode ver este em que deixei o espaço em branco, vou ter que pintar um pouco ao redor dele. Você pode ver como o pigmento se espalhou nas áreas úmidas. Este, não estava tão úmido, provavelmente estava secando um pouco demais, então não se espalhou muito em comparação com este, onde você pode ver que ainda há muita água naquela superfície, então se espalhou bastante. Essa é uma das coisas que você aprenderá com a experiência. Vamos continuar com eles. Eu perdi completamente a pétala aqui. Pinte essa rapidamente. Há muita roupa na escova. Tudo bem, eu o salvei. Está tudo bem. Agora, vamos voltar ao pigmento pesado um pouco mais pigmentado. Aqui vamos nós. Veja que um não vai se espalhar porque está muito seco. Se você virar a cabeça para o lado, poderá ver se está úmida ou nas diferentes fases do desenho. Na verdade, é uma questão de você avaliar quando adicionar o próximo conjunto de pigmentos, porque depois disso vamos adicionar o verde. Agora, vamos misturar o verde que vai ficar no meio. Além disso, comece a fazer algumas, na verdade, eu tenho esse espaço aqui. Acho que o que vou fazer é preencher esse espaço como uma vista lateral de um dos lírios porque também é bom ter um número ímpar na página. Acho que um pouco mais de lavagem nisso, fazemos uma forma como essa e depois ela se expande para fora assim. Voltando ao verde antes que eu esqueça, então esse é o meu amarelo-limão. Vou adicionar uma pequena gota da seiva verde. Parece ótimo. Vamos colocá-lo no meio de cada um, ou você pode ver como isso acabou de ficar rosa, o que é absolutamente bom. Essa vai ficar deliciosa. Oh, isso vai ficar muito bom. Eu já posso ver isso se espalhando entre o rosa. Vai ficar glorioso. Esse aqui também. Acho que a parte de baixo disso fica verde. Vou colocar isso por baixo e acabar com este também. Precisamos considerar a adição de alguns botões. Novamente, preenchendo esse espaço negativo. Acho que provavelmente alguém poderia ir aqui, e talvez haja espaço para um aqui. Vamos adicioná-los agora. Vamos criá-los apenas com traços longos para baixo, talvez haja um por aqui. Brilhante. Agora que entramos, podemos preencher o restante do espaço usando folhas e alguns talos. Por favor, não se preocupe muito com a mistura de pigmentos. Pessoalmente, adoro ver todos os pigmentos mesclados assim. É uma das belezas de trabalhar dessa maneira. Há um elemento inesperado, porque só quando elas estiverem totalmente secas é que você verá como as aquarelas se comportaram e terá que deixar de poder controlar com exatidão. o que sua água e sua lavagem farão. É muito libertador. Aproveite esta parte do processo. Sem ser muito técnico porque não pretendo ser ilustrador botânico. Precisamos juntar essas flores para que não sejam tão aleatórias. Se eu fingir que há um talo aqui, e há um talo aqui. Esta, [RISOS] Gosto da forma como ela se espalha lá dentro, vamos nos juntar a esta. Venha aqui e este se juntará e surgirá no fundo, por volta daí. Antes que eu esqueça, você se junta a esse amigo aqui. Perfeito. Esse botão se juntará a essa flor em particular. Surgirá assim. Acho que na verdade tenho espaço para outro botão aqui ou uma folha ou algo assim, mas gosto muito de colocar o botão lá porque esqueci que preciso adicionar um pouco da cor rosa. Apenas alguns dos botões os têm, outros não. Mas eu não quero perder algumas das lindas propagandas que também podem acontecer. Você pode ver isso simplesmente acontecendo lá. Adorei, e também está lá. Você não precisa incluí-lo em todos eles. Mas eu, pessoalmente, adoro ver um pouco disso. Novamente, basta uma lavagem bem leve, apenas de um lado normalmente. Agora podemos nos concentrar em algumas folhas. Voltar para a folha verde pode sair daqui. Além disso, se surgisse aqui, passasse por trás desse broto, digamos, e depois saísse do outro lado. Isso vai ser bom. As folhas podem ficar um pouco maiores na parte inferior para que, proporcionalmente, pareçam um pouco mais pesadas, e eu preencho esse espaço aqui também. Eu sei que parece muito brilhante no momento, mas estamos prestes a adicionar um pouco mais de seiva verde e colocá-la também. Isso provavelmente é um pouco concentrado demais. Justamente naquele caule, na lateral da folha, está muito claro. Estou literalmente apenas tocando a folha com a ponta do meu pincel, assim. Não estou pressionando. Agora, temos algumas lacunas aqui e aqui, e provavelmente também quase aqui. Temos a opção de adicionar folhas extras ou colocar mais brotos. Acho que aqui precisa de um pouco mais de verde. Vou fingir que há uma folha que veio daqui. Está emergindo por trás dessa pétala. Isso é bom. Provavelmente o mesmo novamente aqui. Agora acho que os botões vão ocupar espaço na parte superior. Adoro a forma como está mesclado assim, isso é lindo. O que mais eu disse? Devo fazer um pequeno aqui? Sim, você está bem. Basta fazer uma muito fraca. Pode ser um pouco mais amarelo nesse. Adorável. Acho que estamos praticamente lá. Eu tenho que deixar isso secar. Sempre usei um secador de cabelo desde que era artista interno da Hallmark e estamos sempre sob muita pressão [RISOS] para que os cartões sejam apresentados à Marks and Spencer. Se você usar um secador de cabelo, não o deixe em uma configuração muito forte, caso contrário, ele se espalhará por toda parte, então um calor bastante suave. 21. O quarto SKILLSHARE StatGazer 2: Agora que a aquarela está totalmente seca, podemos apreciar como os pigmentos realmente se misturaram. Veja esse verde contra o rosa e, se olharmos em volta, esse é na verdade um dos meus caminhos favoritos apenas para fazer uma pausa rápida e realmente apreciar o que aconteceu aqui. Os pigmentos acabaram de seguir com o fluxo, literalmente seguiram o fluxo e fizeram suas próprias coisas, e mal posso esperar para começar a adicionar alguns detalhes de tinta. Agora, para a parte da pintura, e eu gosto de descrever isso como um exercício louco de confiança, porque muitas vezes as pessoas querem descrever a coisa toda e essa não é realmente a minha abordagem. Outras pessoas fazem isso, o que é absolutamente bom, mas eu quero adotar uma abordagem mais intuitiva. Se olharmos o exemplo que tivemos, você pode ver que esse pecíolo em particular se estende dessa forma. Mesmo que minha aquarela termine aí, quero estender minha linha de tinta até lá. Se fizermos isso e não for perfeito, isso é suficiente para dar a impressão de que a pétala está na frente. Precisamos fazer um pouco de atenção plena aqui, permitindo que o espectador saiba qual dessas pétalas está na frente. Este, você pode fingir que esse branco faz parte da borda. Digamos que isso se estenda até aqui. Sei que está passando por cima de um pouco daquela folha verde, mas não estou muito preocupado com isso e também precisamos informar ao espectador que ela realmente está na frente dessa pétala. É por isso que adicionei a linha de tinta lá. Não quero adicionar muitos detalhes às pétalas na parte de trás. Embora eu gostaria de estender este. Uma das melhores coisas sobre a caneta de imersão é que, se você variar a pressão, você pode simplesmente criar uma linha muito fina como essa e isso é tudo que eu realmente quero. Com cada uma, sabemos que há declarações, então vou acrescentá-las agora. Nem todos, mas provavelmente há cerca de 10 no meu exemplo em particular, mas não sei quantos vão caber aqui e há esse pólen no final. Talvez só um aqui embaixo. Eu gostaria de adicionar um aqui porque há um pouco de espaço negativo demais lá. Agora, eu tenho uma coisa real sobre isso. [RISOS] Agora, precisamos adicionar as marcas, as marcas distintivas, como os pontos que vemos aqui embaixo. Pressionar com mais força significa que você obterá pontos maiores como esses e você pode simplesmente pressionar para baixo assim ou criar pequenos círculos como esse. Na minha referência, a maioria dos pontos está no meio da flor e eu os estou adicionando de forma bastante aleatória. Lamento muito, essa parte do vídeo está um pouco fora de foco, mas estamos usando praticamente a mesma abordagem de antes, que a aquarela e a tinta são uma parceria. Acho que essa abordagem em duas etapas alivia parte do excesso de trabalho que às vezes encontro. A tinta não precisa seguir os contornos da aquarela que você definiu para que possa funcionar de forma independente se você achar que precisa ser ajustada ou se comunicar melhor. Não há uma proporção fixa entre aquarela e tinta. É um processo muito orgânico. Eu vario a quantidade de tinta que pode ser necessária de uma peça para a outra. Gosto muito de usá-lo para enfatizar contraste, pois a densidade e o peso da linha realmente ajudam a comunicar áreas de luz e sombra. Quando um iniciante começa, pode ser um pouco estranho usar tinta. Temos que aprender a variar a pressão ao criar traços que as linhas sejam infundidas com mais dinamismo e para que elas ganhem vida. Eu acho que a tinta o ajudará com confiança e paciência, porque você deve estar muito atento a cada marca que você coloca, porque, ao contrário do grafite, se você cometer um erro com a tinta, você tem que descobrir como encobrir isso ou aceitá-lo. Eu realmente acho que vale a pena praticar em um pedaço de papel separado, um pedaço de papel, e descobrir como sua caneta de imersão específica funciona. Estou muito satisfeito com o resultado. As cores são lindas juntas e o trabalho de linha ainda é muito expressivo. Conta uma história. Não precisei delinear muito, embora tenha feito algumas bolhas aqui, mas tudo bem. Isso acontece com tinta, vamos abraçar isso. Você pode ver que nesta área aqui há uma quantidade enorme de tinta que eu coloquei lá e isso realmente aumenta o contraste, a delicadeza das pétalas, mas também as marcas muito vívidas. Sim, eu deixei cair um pouco de tinta naquele canto. Mas eu realmente espero que você tenha gostado dessa demonstração e pinte sua própria versão desses lírios. Se você fizer isso, use a hashtag ohnmargowiththeflow e eu ficaria muito feliz em ver sua versão. Divirta-se com isso e relaxe de verdade, aproveite todo esse processo. Isso é para que você saiba que existem vários projetos florais em meu livro go the flow painting, incluindo um para douglass asda, peônias e também flores de cerejeira.