Faça você mesmo: animação para iniciantes

1. Introdução: Olá, meu nome é Ryan Consbruck, e esta é a animação DIY para iniciantes. Sou ilustrador e animador com formação em arquitetura. Eu tomei o desenho em habilidades de modelagem 3D que eu aprendi em arquitetura e apliquei-os em vários projetos pessoais animados. Alguns desses projetos incluem um fundo animado que eu fiz para um comediante e videoclipe. Atualmente eu estou trabalhando em minha própria série animada que eu planejo lançar no YouTube. Neste curso, vamos estar olhando para os fundamentos da animação. Isso inclui design de personagens, design de fundo, movimento e princípios básicos de edição e produção. Esta aula é para iniciantes que gostam de desenhar e querem dar vida aos seus desenhos. As habilidades neste curso podem ser usadas para desenvolver storyboards, animatics e animações totalmente realizadas. Basicamente, quando queremos ajudá-lo a pegar seu, o núcleo de sua idéia criativa e trazê-lo para o mundo. Neste curso, vou ensinar meu processo específico, que envolve desenhar no Photoshop com um iPad Pro e modificar esses desenhos e o After Effects. Você pode optar por usar outros programas além do Photoshop e do After Effects, como o Flash. Mas espero que as habilidades ensinadas neste curso se traduzam em outros meios e processos. Ao longo deste curso, vamos trabalhar em um projeto que consiste em escolher um dez, a 30 segundos peça de áudio. Isso pode ser uma música, um podcast, um filme, apenas algo que estaremos usando para desenvolver storyboards e animatics, e eventualmente uma animação final. Para a primeira parte deste projeto, eu gostaria que você escolhesse seu pedaço de áudio e talvez olhar para algumas animações diferentes on-line, como as animações para o podcast meu irmão, meu irmão e eu ou o flop house. Há um monte de boas animações lá fora que passam pelos princípios básicos da animação e traduzem áudio em visuais. Obrigado por se juntar a mim e mal posso esperar para ver o que você inventou. 2. Ferramentas e materiais: Para este curso, você precisará de alguns itens. Você precisará de um caderno de esboços, uma grande parte do papel de jornal para desenhar storyboards rapidamente. Você também pode usar um caderno de esboços de storyboard. Você precisará de um computador capaz de executar o Adobe Creative Suite, especificamente o Photoshop, o After Effects e o Adobe Media Encoder, além de alguns softwares de edição de vídeo, como o Premiere ou o iMovie. Finalmente, você precisará de algum tipo de dispositivo de desenho digital, como um Cintiq, que é muito mais caro, mas tem uma tela nele, ou um tablet Wacom Bamboo, que é muito mais barato, mas obviamente não tem uma tela. Pessoalmente, eu uso um iPad Pro com um aplicativo chamado Astropad, que espelha o que está acontecendo na tela do meu computador no iPad, então eu sou capaz de desenhar em programas como o Photoshop. 3. Objetivos e estilo: Nesta lição, vamos falar sobre o que você está tentando realizar com sua animação e como você pode desenvolver um estilo pessoal e consistente. Agora, há algo único na animação em que ela é quase completamente desligada pela realidade. Queremos identificar quais são as partes da sua história que se prestam a ser contadas através da animação e garantir que estamos mantendo essas ideias centrais para a sua animação durante todo o projeto. Dadas essas infinitas possibilidades, você quer começar a pensar sobre quais são as regras que você começa a criar para si mesmo enquanto você começa este processo de construção do mundo. Também é importante identificar o que está dentro do seu reino de habilidade. Você não quer decidir que você vai assumir tudo e então perceber que você não pode fazer isso. Comece a pensar sobre o que você pode fazer com a equipe que você tem. Você pode querer fazer um diálogo muito limitado ou apenas focar no movimento. Tente mantê-lo pessoal e mantê-lo relevante para suas habilidades. Eu começaria com um teste rápido. Desenhe seu personagem ou plano de fundo, descubra quanto tempo leva para criar algo com o qual você está satisfeito. Se você multiplicar o tempo que leva para fazer o elemento singular, ele é gerenciável em uma escala maior? Este processo pode levá-lo a descobrir que seu projeto deve ser de três minutos em vez de 30. Uma maneira de começar a construir seu estilo pessoal é começar uma coleção de diferentes qualidades que você gosta em outras obras de arte. Isso é realmente fácil de fazer com o Pinterest ou alguma outra colagem visual. Na série em que estou trabalhando, muitos dos personagens são retirados de um mural que eu fiz há alguns anos, e isso me permitiu construir uma biblioteca visual rápida. À medida que você continua este processo de coleta de todas essas imagens visuais, você deve começar a notar padrões que aparecem que irão ajudá-lo a construir sua própria biblioteca de imagens. Você quer ter cuidado para diferenciar seu trabalho da sua inspiração e identificar o que é único em sua visão de mundo e como você pode aplicar isso ao seu próprio estilo pessoal. Outra coisa a considerar é se seu projeto requer ou não um script. Um roteiro pode parecer um obstáculo para o seu processo criativo, afinal, isso é animação e presumo que você esteja aqui porque está animado com o visual. Mas um script pode ser extremamente útil para ajudá-lo a delinear e entender a estrutura da sua história. O script também serve como um documento que traduz claramente sua visão e intenção para outras pessoas antes de você ter a chance de criar os visuais. Inicialmente, eu descobri que eu meio que temia escrever um roteiro, mas uma vez que eu fiz, foi emocionante. A formatação de script é relativamente simples, mas vamos entrar um pouco mais nisso na próxima lição. Finalmente, antes de começar sua animação, comece a pensar em quanta ajuda você pode precisar. Você talvez tenha outros amigos artistas que estariam dispostos a colaborar em design de personagens ou de fundo? Comece a pensar em quanto controle criativo você pode estar disposto a compartilhar. Para mim, eu queria ter total controle criativo sobre o visual, mas eu estava mais do que feliz por ter meus amigos fazendo algumas vozes. Para a atribuição desta lição, escolha um personagem e um plano de fundo que acompanhem o clipe selecionado na última lição. Desenhe o personagem e o fundo e tente incorporar algumas das qualidades comuns do seu quadro de inspiração. Pense sobre o movimento que seu personagem estará fazendo na cena. Como eles estão interagindo com seu ambiente ou objetos dentro de seu ambiente? O que podemos aprender sobre o personagem pela forma como eles se movem? Uma vez que você tenha um personagem e um plano de fundo esboçado, passe para a próxima lição, onde falaremos sobre como planejar as cenas para o seu projeto. 4. Planejamento: Olá, e bem-vindo novamente à animação DIY para iniciantes. Nesta lição, vamos falar sobre planejamento. Como a animação é [inaudível] um meio visual, você pode se sentir mais confortável usando storyboards para planejar seu projeto. Storyboards são uma maneira rápida e descartável de obter todas as idéias que estão flutuando em sua cabeça e colocá-los no papel. Também é uma boa maneira de ver como essas imagens funcionam com tempo, ação e diálogo. Quando o Story-boarding, tentei pensar em termos de qualidades cinematográficas. Pode ser útil organizar cada quadro pela regra dos terços. Se você está fazendo isso mentalmente ou às vezes isso requer realmente desenhar a grade. Ouvi dizer que é bom pensar nos cortes de cada cena como se fosse a câmera piscando. Se você ficar em uma cena, ele pode adicionar um efeito dramático, mas na maioria dos casos você provavelmente quer cortar em torno de cada três segundos. Obviamente, isso deve depender da criação do sênior, mas essas são boas regras para começar. Você não precisa bloqueá-lo ainda, mas você deve ter uma noção de qual proporção você deseja que sua animação seja. Se você está planejando colocar seu projeto no Instagram, você pode querer quadrado proporção. Mas se você está fazendo algo um pouco mais tradicional, você provavelmente quer ficar com 1080 até 1920. Se você planeja eventualmente ter sua animação no teatro, você pode querer ir tão alto quanto 4K. Bem, parece técnico. Você quer descobrir isso no início de sua fase de planejamento para que você não se esforce muito em desenhar coisas no perímetro que acabarão por ser cortadas. Escrever um script pode parecer assustador e pode parecer um impedimento para o seu processo criativo. Mas eu descobri que é essencial para manter tudo funcionando sem problemas. Eu acho que escrever um script se torna mais fácil quando você faz um acordo com você mesmo que você pode reescrevê-lo quantas vezes você precisar e você vai, então é importante começar isso muito cedo em seu processo. Alguns projetos podem não exigir um script. Quando eu estava trabalhando em um videoclipe, eu apenas trabalhei em um storyboard. Mas escrever um script permite que você trabalhe através várias idéias sem ter que animar cada pequena cena. Ele também permite que você compartilhe essas ideias com amigos e colaboradores e obtenha feedback imediato. Antes de entrar no script, é melhor escrever um esboço solto. Isso tira parte da pressão de sentar para uma página em branco. Quais são as principais batidas da história? Quais cenas deixam você animado com o seu projeto. Você não precisa saber como o projeto terminará ou começará. Comece nas cenas que são interessantes para você e tire o resto como você vai. Eu não tenho nenhum treinamento de roteirização real, então você pode querer fazer alguma pesquisa sobre o que é o formato oficial de roteirização. O importante é que a cena seja clara para você e clara para as pessoas com quem você compartilhará o roteiro. Há alguns scripts úteis executando plug-ins para o Google Docs. A maneira como eu tenho o meu configurado é o título e visto no topo. Você pode usar isso para explicar o ambiente e o humor da cena, fornecer algumas descrições para os personagens gerais. Uma vez que você começa um recuo de diálogo e chamar o personagem. Talvez fornecer alguma direção para como o personagem está falando, abaixo disso entre parênteses. Se você estiver mudando de personagem, comece de novo e forneça direção adicional. Eu também gosto de usar o roteiro como uma forma de me dar direção em obras de arte ou talvez coisas específicas que eu não quero esquecer mais tarde. Para a tarefa desta lição, ouça o áudio que você selecionou na primeira lição. Pode ajudar a escrever qualquer diálogo ou descrições da ação. Comece a dividi-lo em pedaços e escolha onde você gostaria de cortar a cena. Esboçar aproximadamente como cada corte se parece. Como você está enquadrando isso? É um tiro de perto, um tiro médio, ou um tiro largo? Será que a cena requer um tiro determinante ou começa no meio da ação? Pense sobre o movimento que vai acontecer na cena e como você pode enquadrar esse movimento. Quando estiver satisfeito com o estado do seu storyboard ou script, passe para a próxima lição, onde discutiremos a produção de visuais para sua animação. 5. Visual: Nesta lição, vamos falar sobre os visuais do seu projeto, especificamente o estilo e a identidade que você criará com seus personagens e fundo. Primeiro, você precisa decidir se seu projeto será ou não em cores ou preto e branco. Isso vai depender muito de quanta experiência você já tem. Se este é um dos seus primeiros grandes projetos, eu recomendo trabalhar em preto e branco porque ele apenas torna as coisas muito mais fáceis. No entanto, se você quiser usar cores, sugiro que você crie algo como uma marionete no Photoshop e mova as partes no After Effects. Falaremos um pouco mais sobre como fazer isso na próxima lição. Se você acabar usando cores e quiser animar quadro a quadro, sugiro ações de programação no Photoshop. Vou te mostrar como fazer isso no final desta lição. Lembre-se de usar uma referência sempre que puder. Pinterest é seu amigo aqui. Eu também gosto de usar um programa 3D chamado Rhino e vou modelar a forma básica que eu tenho em mente e esboçar sobre ele no Photoshop, mas você também pode animar o modelo 3D também. Google SketchUp é um programa gratuito que você pode usar para fazer modelagem básica, mas também não tenha medo de construir pequenos modelos ou tirar selfies apenas para que você tenha uma referência para o que algo parece. Também pode ser muito útil passear pelo bairro e tirar algumas fotos ou vídeos para pegar detalhes que você pode não ter considerado de outra forma. Com base em seus storyboards, quantos fundos você precisará? Se você estiver ampliando e diminuindo o zoom do mesmo plano de fundo, verifique se o arquivo é grande o suficiente para não degradar a qualidade ao ampliar. Você pode querer desenhar um ângulo diferente para adicionar alguma diversidade às cenas. Ao projetar seu personagem, você pode querer criar uma folha de caracteres para que você tenha uma referência para a aparência desse personagem de ângulos diferentes. Eu realmente não faço isso para minhas animações, mas eu gosto de ter um caractere padrão que eu uso como uma referência de tamanho para outros personagens. Mas em uma série animada, pode ser útil ter essas folhas de caracteres para consistência. Se você estiver criando um personagem que precisa se mover, certifique-se de que suas camadas estão organizadas muito bem com convenções de nomenclatura adequadas e que é muito claro para você. Primeiro desenhe seu personagem, depois redesenhe todas as partes individuais do corpo sobre esse desenho áspero, cada uma em sua própria camada. Vamos usar isso para criar uma hierarquia de todas as camadas no After Effects para que todas elas se movam simultaneamente. No Photoshop, você pode usar ações para reduzir a quantidade de tarefas repetitivas que você tem. Eu gosto de usá-lo quando estou selecionando uma região e eu quero preencher e, em seguida, eu quero criar um traçado nessa mesma região para que não haja uma borda branca estranha ao redor. Mas você pode usar ações para muitas coisas diferentes. Para o projeto desta lição, escolha uma cena de sua animação onde um personagem se moverá. Desenhe o personagem no início da cena, no final da cena e no meio da cena. Pense em quanta ação ocorre entre o espaço desses momentos e pense em como seu personagem se moveria especificamente entre eles. Na próxima lição, falaremos sobre como representar esse movimento de maneiras diferentes. 6. Temporização e movimento: Nesta lição, vamos falar sobre movimento e tempo. Este é o coração da animação. Isso pode ser feito de muitas maneiras diferentes, mas nesta lição, vamos estar falando sobre animação quadro a quadro e animação de marionetes. Meu método preferido é usar o Photoshop para criar animações quadro a quadro. Basicamente eu vou para Janela, linha do tempo, e isso irá criar uma sequência de quadros que você pode controlar com base em quais camadas você está ativando e desativando. Na linha do tempo, você pode definir o período de tempo que cada quadro durará. Como ir aqui e selecionar a quantidade de tempo que você deseja que o quadro dure. Quando eu estou planejando a animação, eu vou pegar o tempo que a cena é suposto para durar e, em seguida, dividi-lo por alguns segmentos geralmente cerca de seis ou oito, algo limpo e uniforme, então eu vou apenas aproximadamente esboçar cada um desses quadros individuais, às vezes em uma cor diferente para que eu possa ter uma idéia melhor do quanto ele está mudando. Então, quando eu tiver um movimento suave, eu vou voltar e redesenhar com linhas mais limpas. Se suas camadas são realmente bem organizadas, você pode apenas precisar animar uma parte do corpo. Então, com esta gaivota, você pode ver que o braço é a única parte que está se movendo, e eu vou apenas desenhar as linhas individuais da mesma maneira que eu fiz com a mão anterior. Assim que o movimento se acalmar, vou voltar e recolorir tudo. Depois de ter trabalhado o movimento principal que você está tentando transmitir, você pode voltar e adicionar outros detalhes sutis, como respirar ou olhar ao redor. O outro método é usar o After Effects para criar uma marionete com base no personagem que você criou. Depois de criar seu personagem no Photoshop, você pode arrastá-lo para o After Effects. Depois de adicionar seu personagem, selecione a ferramenta de pino “Puppet” e ela permitirá que você coloque pinos em todo o seu personagem onde você quer que ele seja móvel. Assim, você pode simplesmente mover esses pontos individuais ao longo do tempo, e fazendo isso você pode começar a criar movimento no personagem. Há muitas outras maneiras complicadas de fazer isso. Mas para os propósitos desta lição, vamos mostrar a mais simples. A outra coisa que o After Effects é bom para criar movimentos de câmera falsos. Vou mostrar a vocês como fazer o efeito de paralaxe, que basicamente cria a ilusão de que uma câmera está ampliando seu plano de fundo. Isto é relativamente simples. Para fazer isso, crie um arquivo do Photoshop com três camadas, o primeiro plano, o meio termo e o plano de fundo. Depois de reduzir as três camadas, arraste o arquivo do Photoshop para o After Effects. Em seguida, você pode modificar cada uma dessas camadas para que elas aumentem em porcentagens diferentes. O mais próximo que você deseja ampliar, a maior porcentagem como 150, o chão médio que você vai querer ampliar em um menor, que é como 125, e então mesmo no fundo e você ainda quer que ele zoom um pouco pouco. Mas apenas um pouco tão 105 ou 110. Depois de dimensionar cada uma dessas camadas, ela começará a criar o efeito de ampliar a cena. Para a tarefa desta lição, pegue o personagem que você criou na última lição e crie algum movimento usando qualquer uma dessas duas técnicas. Na próxima lição, falaremos sobre como dar vida ao seu personagem, afundando o som que seu dublador está fazendo com o movimento da boca do personagem. 7. Voiceover: Nesta aula, vamos discutir como dar direção aos seus dubladores e como animar o movimento da boca do seu personagem para corresponder ao som da voz desse personagem. Há uma abundância de microfones relativamente baratos que você pode obter que irá funcionar muito bem. Quando gravo uma voz, uso o Samson Go Mic e é um microfone de boa qualidade, mas você precisa se lembrar de mantê-lo cerca de 9 polegadas na frente do rosto da pessoa. Para essas aulas, eu tenho usado o Microfone de Lavanela PowerDeWise. Se você está procurando algo um pouco mais profissional, eu recomendo ir a Marco.org para encontrar uma extensa revisão de diferentes podcasts e microfones de voz. É importante gravar seu dublador primeiro, que você tenha algo para combinar com os visuais também. Quando estou trabalhando com alguém fazendo o dublê, eu gosto de fazê-los ler um drive as primeiras tomadas sem efeito, apenas para que eles possam se familiarizar com as linhas e então uma vez que eles estão confortáveis lendo as linhas, você pode dar alguma personalidade ao personagem. Eu acho que também é importante tentar algumas interpretações diferentes sobre o personagem. Você pode dizer, faça isso em uma voz mais áspera, faça em uma voz mais alta. Tente obter uma gama de habilidade dessa pessoa e, em seguida, você pode escolher o que você mais gosta no final. Quando você está gravando o voice over, é hora de experimentar e experimentar muitas coisas diferentes, porque é fácil gravar várias tomadas. Você pode gravar em tempo rápido gravação de áudio, banda de garagem ou audácia, entre outras coisas. Olá, aí. Sou o encarregado e esta é a Cidade Espacial. Para animar a fala, seu personagem vai precisar de cerca de nove formas de boca diferentes. Você pode usar mais ou menos, mas essas nove formas devem cobrir o alcance da fala. Nesta fase, você quer manter suas camadas bem simples. Eu só tenho o meu personagem e, em seguida, cada uma das formas de boca individuais em sua própria camada. Você pode reutilizar essas formas de boca para cada um de seus personagens diferentes, mas se você quiser que ele seja relevante para esse design de personagem específico, você pode querer usar boca diferente. Eu gosto de exportar cada forma de boca como seu próprio arquivo PNG, modo que quando eu trazê-lo para efeitos após, eu posso muito firmemente controlar quanto tempo essa forma vai demorar. Você abrirá um novo arquivo do After Effects e importará o fundo, o caractere, as formas da boca e o áudio gravado nesse arquivo. Primeiro, arraste o fundo para a composição e, em seguida, arraste o personagem, bem como as bocas. Selecione o seu personagem e cada uma das camadas da boca e mova-os como um grupo juntos, coloque-os em posição na cena e, em seguida, traga seus áudios, para que você possa descobrir que forma cada um desses mouse precisará ser. Olá, aí. Abra seu telefone e entre em modo selfie e veja a forma que sua boca faz quando você diz cada uma dessas palavras. Isso deve ajudá-lo a determinar quais camadas combinariam melhor com o que está sendo dito. Então você pode começar a posicionar cada uma dessas bocas com base no que seu personagem está dizendo. Se houver um som H, você usaria a boca H-E. Se houver um som O, você usaria a boca O e assim por diante. Reserve um pedaço de tempo para trabalhar nisso porque pode ser muito demorado. Bem, basta fazer uma versão rápida disso aqui. Olá, aí. Como seus olhos percebem um pouco mais lento do que seus ouvidos, você vai querer mover os quadros dos movimentos da boca para trás cerca de um a quatro quadros. Olá, aí. Você pode querer renderizar sua composição algumas vezes, para que você possa ajustar a posição dessas bocas. Para a tarefa desta lição, grave seu próprio áudio e, usando o arquivo que acompanha esta lição ou seus próprios arquivos, sincronize a boca com o discurso em seu áudio. Na próxima lição, vamos abordar alguns princípios básicos de edição de vídeo e fluxos de trabalho. 8. Edição: Nesta lição, vamos falar sobre alguns fluxos de trabalho básicos de edição e como adicionar alguma atmosfera à sua animação com efeitos sonoros e música. Usando o After Effects, há duas maneiras diferentes de exportar uma cena. Você pode renderizar sua composição do After Effects ou usar o Adobe Media Encoder, que produzirá algum arquivo mais gerenciável. Quando sua composição estiver pronta no After Effects, vá para a composição, adicione a Fila de renderização. Aqui você pode modificar seu tipo de arquivo. Eu recomendo Lossless se você quiser qualidade total. Existem alternativas para isso no Adobe Media Encoder. Como você deve ter notado antes, na composição do After Effects, você pode selecionar, adicionar à Fila do Adobe Media Encoder. Uma vez que todas as configurações estão onde você deseja, você pode pressionar Render. Para os fins deste tutorial, vamos renderizar no Adobe Media Encoder. Depois de salvar o arquivo do After Effects, abra o Adobe Media Encoder. Clique neste pequeno sinal de adição e você pode adicionar seu arquivo do After Effects a partir daí. Dependendo do tamanho do seu arquivo, pode levar algum tempo. Você pode selecionar o formato do seu arquivo aqui. Estou usando H.264. Nesta caixa de diálogo, você pode selecionar o formato que melhor se adapta à sua animação. Depois de selecionar o formato desejado, pressione o botão de reprodução no canto superior direito para renderizar. Se desejar, você pode montar toda a animação no Adobe After Effects e exportar usando esse método. Prefiro exportar cenas individuais no After Effects e depois importá-las todas para o iMovie para montá-las juntas. Acho que isso torna mais fácil coordenar música e outros sons. Quando as cenas estiverem prontas, arraste-as para o iMovie e comece a colocá-las na linha do tempo na ordem desejada. Você pode começar colocando suas cenas e descobrindo sua sequência com base nisso, ou você pode começar com a música que você quer e layout as cenas com base em como elas se encaixam com essa música. Quando as cenas estiverem mais ou menos dispostas, selecione a música e qualquer outro áudio e arraste-a para o iMovie. Você pode usar uma cena em branco como um suporte de lugar para começar a preencher as cenas com base no tempo do áudio. Use este controle deslizante aqui para alterar a escala de suas cenas. Se você quiser vê-los todos ao mesmo tempo ou você quer ficar realmente estreitado em uma cena específica. Isso ajuda muito com a edição de mais detalhes minuciosos. Você verá nesta cena que eu estou tentando colocar tudo para fora baseado em como a cena se alinha com a música. Há um riff de guitarra que tem cerca de três segundos duração e eu estou combinando cada cena com aquele riff. Depois de ter as cenas maiores, você pode começar a ajustar cada uma das cenas individuais em meio segundo ou quarto de segundos. Quando tudo é exatamente do jeito que você gosta, você pode exportar sua cena usando este ícone no canto superior direito. Esse é o arquivo com uma seta apontando para cima. Certifique-se de escolher a resolução adequada. Obviamente, quanto maior, melhor. Você pode precisar dele para fins diferentes. Basta usar o que você acha que é melhor para o que você está fazendo e inclinar-se para uma maior qualidade. Você pode aprimorar sua animação adicionando música. Você pode encontrar algumas músicas gratuitas no Free Music Archive ou em outros sites com música gratuita. Se você quiser criar algo próprio, existem algumas maneiras diferentes para criar facilmente sua própria música. Sou um grande fã dos Teenage Engineering Pocket Operators. Eles são estes 50 a US $80 pequenos sintetizadores e máquinas de bateria que são realmente fáceis de jogar com e você pode criar algumas trilhas sonoras muito legais para o seu trabalho. A outra alternativa é usar o GarageBand, o que tornou muito fácil criar suas próprias trilhas sonoras e integrar instrumentos reais e instrumentos de software. Eu também sou um grande fã do aplicativo FunkBox Drum Machine que lhe dá um monte de máquinas de bateria vintage e ajuda você a criar batida bastante simples que pode funcionar muito bem como música de fundo. Para o seu projeto final, monte todas as cenas individuais que você criou nesta classe e sincronize-as com algum áudio, seja fala ou música. Bem, isso deve ser o suficiente para começar. Na próxima lição, fornecerei algumas recomendações para as próximas etapas como como promover seu trabalho e algumas outras leituras. 9. Compartilhamento e recomendações: Parabéns, você completou os primeiros passos para terminar sua própria animação. Nesta lição final, analisaremos algumas maneiras de promover seu trabalho e alguns recursos adicionais para aprender sobre animação. Eu acho que o Instagram é a maneira mais fácil de compartilhar seu trabalho. Você pode obter um monte de feedback muito rapidamente e você pode construir sobre um público que você já tem. É importante certificar-se de que suas configurações de exportação estão otimizadas para a versão mais recente do Instagram. Googlear o ano e o melhor formato de vídeo para Instagram deve fornecer a versão mais recente de quais configurações usar. Se você ainda não tem uma página do YouTube, eu criaria uma e começaria a colocar seu trabalho lá também. É importante colocar o seu trabalho em tantos lugares quanto possível. Quando lancei meu videoclipe, fui ao Reddit e procurei por subreddits diferentes, como animação, videoclipes, qualquer coisa que eu achasse que combinaria com o videoclipe que eu fiz. Muitos desses subreddits são muito acolhedores com as pessoas que compartilham seu trabalho. Certifique-se de olhar para as regras para esse SubredDit para garantir que você não está violando nenhum dos termos deles. Outro grande recurso para compartilhar seu trabalho é FilmFreeway. É um banco de dados de milhares de festivais de cinema diferentes em todo o mundo e alguns deles permitem que você envie seu trabalho gratuitamente. Essa é uma ótima maneira de criar um público fora do seu público normal. Este é tolo, mas pode ser realmente gratificante criar uma página IMDb para si mesmo e começar a postar seu trabalho lá também. Toda quinta-feira à noite, Adult Swim organiza uma reunião de desenvolvimento onde as pessoas ligam e divulgam suas ideias. Essa pode ser uma ótima maneira de mostrar algum trabalho no qual você está trabalhando ou receber feedback sobre o que você precisa mudar. HowStuffWorks produziu um fabuloso podcast chamado Drawn: The Story of Animation que atravessa a história da animação e quantos desenhos animados contemporâneos são criados. Dois dos meus YouTubers favoritos são kindoflinc e Vewn. Kindoflinc tem um ótimo resumo de cinco minutos sobre seu processo de animação e eu recomendo olhar para ele. Vou postar um link para este vídeo na página da turma. Outro animador único artista é Vewn e ela cria essas incríveis animações emotivas e super detalhadas que ela lança a cada poucos meses. Se você ainda não viu isso, eu recomendo Storyboards de Alberto Mielgo para Spider-Verse. Três anos atrás, quando eles estavam começando a produção de Into the Spider-Verse, ele e uma pequena equipe basicamente montaram um pequeno vídeo que geraria a maior parte do estilo para o último filme animado Homem-Aranha. Finalmente, se você está procurando um recurso mais antigo, Richard Williams, um dos animadores de Who Framed Roger Rabbit, criou este grande livro chamado The Animator's Survival Kit. É um ótimo recurso para técnicas de animação desenhadas à mão. Obrigado por reservar um tempo para assistir a esses tutoriais. Espero que eles foram úteis em saltar começando seu interesse em animação. Compartilhe seu trabalho na comunidade Skillshare e assista a esse espaço no futuro para obter mais tutoriais. Boa sorte.