Transcrições
1. Introdução: Oi. Eu sou Karim Darwish, artista
teatral e criador de conteúdo, e esta é uma introdução à criação de personagens. Neste curso, vamos aprender os blocos de construção para criar um personagem tanto para o palco quanto para a câmera. Você aprenderá a analisar um roteiro, construir uma história de fundo de personagem, entender os objetivos e desafios do personagem, e construir a fisicalidade e qualidades vocais do personagem. Tenho um bacharel em Artes Plásticas em Atuação. Eu me apresentei no palco, na câmera, e estou tão animado para ensinar este novo curso online. Cada lição deste curso apresentará uma etapa no processo de criação de personagens e incluirá uma planilha e uma atividade opcional para você concluir. Cada atividade se baseia na anterior, e no final do curso, você terá construído uma base para um personagem que está pronto para ganhar vida das páginas do roteiro. Este é um curso de nível introdutório. Se você é novo em atuar, pensando em atuar, ou precisa de uma atualização depois de um longo tempo longe de atuar, este curso é para você. Se você está pronto para começar, eu vou vê-lo na lição 1, a história de fundo.
2. Construa a história de pano de fundo: Bem-vindo à lição 1 do curso de criação de personagens. Antes de começarmos, vamos falar sobre quais ferramentas você como ator tem para construir o personagem. O roteiro é a principal fonte de informação sobre o seu personagem e cada escolha que você como ator faz tem que, em última análise, honrar o roteiro e as intenções do escritor. Você como ator terá que fazer mais pesquisas sobre a hora e local onde a história ocorre e qualquer outro fator que possa ser parte de sua educação e desenvolvimento de personagens, tais como os tempos e localização, quando, e onde a história acontece. Quanto mais informações você tiver sobre o personagem, mais rico será o seu personagem. Mas nem tudo estará disponível para você no roteiro ou na pesquisa, especialmente para personagens fictícios ou história antiga, e é aí que sua imaginação de atores entra em jogo. Você terá que usar sua imaginação para preencher os espaços em branco e fazer escolhas que ainda honram o roteiro e o mundo criado pelo escritor. O primeiro passo para construir um personagem como ator é saber quem realmente é o personagem. O script irá fornecer-lhe informações essenciais sobre o personagem, incluindo o nome do personagem, relacionamento, ocupações, status social, e assim por diante. Primeiro, leia o roteiro e
anote todos os detalhes sobre seu personagem que você encontrar, não importa o quão pequeno ele é. Se está no roteiro, ele está lá por uma razão e um bom ator vai encontrar uma maneira utilizar cada bit de informação que eles têm para o personagem. Após os roteiros, faça sua pesquisa sobre os horários e locais onde seu personagem nasceu, cresceu e vive na história. Descubra quais fatores influenciaram seu desenvolvimento, qual foi a cultura em que eles cresceram. O que estava acontecendo em torno de seu personagem socialmente, politicamente ,
economicamente, foi guerra, dificuldades econômicas, revoluções, mudanças políticas, como eram os tempos, e quais os efeitos que qualquer um desses fatores poderia ter em seu personagem. Depois do roteiro e da pesquisa e é
aí que você tem a oportunidade de co-criar com o escritor. Use sua imaginação de atores para preencher os espaços em branco onde o roteiro e a pesquisa não forneceram informações. Esta é uma das coisas que separa bons atores de grandes atores,
os detalhes e a profundidade do personagem que eles criam. Por exemplo, o script pode não incluir informações suficientes sobre os pais do personagem, mas você como ator pode fazer uma escolha educada e decidir com base no que faz mais sentido e honra o roteiro, se os pais tiveram um feliz casamento ou divórcio, ou se um deles morreu, e o que afeta qualquer uma dessas escolhas pode ter sobre o personagem, e qualquer uma dessas escolhas faz sentido com o que você já sabe sobre a vida e comportamento do personagem a partir do roteiro. Da mesma forma, você pode fazer escolhas em relação às experiências de infância, relacionamentos,
sonhos e aspirações do personagem , mas não se empolgue demais e acabe escrevendo uma história totalmente diferente da que o escritor tinha em mente. Todas as escolhas que você faz devem respeitar as intenções do escritor e honrar o roteiro. Nesta aula, exploramos as ferramentas do ator para construir um personagem,
o roteiro, a pesquisa e a imaginação dos atores. Sua atividade é encontrar uma peça ou um roteiro de filme que você gosta, escolher um personagem que você gostaria de jogar, ler o roteiro, usar sua pesquisa e imaginação e escrever uma biografia de três a quatro páginas sobre o seu personagem desde o seu nascimento para Morte. Você encontrará uma planilha de análise de script para ajudar a guiá-lo através desta atividade. Se você quiser me ver passar por esta planilha, você pode assistir o próximo vídeo. Caso contrário, espero vê-lo na lição 2 quando
falamos sobre os objetivos e desafios do personagem.
3. Atividade: escreva uma biografia: Oi de novo. Espero que tenham gostado da lição 1 e estejam entusiasmados com esta primeira atividade do curso. Nesta atividade, você vai escrever uma biografia sobre seu personagem explorando três dimensões da vida do personagem: física, social e psicológica. Caso ainda não tenha feito isso, certifique-se de baixar o folheto de atividades do curso na seção de recursos do curso e acompanhe. Você pode imprimi-lo ou tê-lo aberto em seu computador
, o que funcionar para você. Na planilha de atividade, você verá três tabelas ou caixas. Um para a dimensão física, dimensão
social e dimensão psicológica. Começando com um físico, isso descreve o lado externo do personagem, tudo o que pode ser visto e como eles aparecem. Coisas como nome, sexo, idade coloração, que se refere a cabelo, olhos e cores da pele, marcas como marcas de nascença, cicatrizes, tatuagens, condições de
saúde que são visíveis, como um membro ou uma lesão. Este final é para se divertir, mas ainda conta muito sobre o personagem, animais de estimação. Eles têm animais de estimação? Eles são uma pessoa de gato ou um cão ou eles
são uma daquelas pessoas que têm um tigre no porão? Então, para cada um desses pontos, certifique-se de elaborar o máximo possível. Certifique-se de que suas respostas são específicas e detalhadas tanto quanto possível. Social descreve um personagem em sua comunidade e como eles se encaixam. Essa dimensão inclui status, ocupação, educação, família, nacionalidade, raça e crenças. Status é sua posição em sua sociedade. Eles mantêm uma posição alta ou uma posição baixa e quão respeitados eles são em seu trabalho e comunidade? Ocupação é o que eles fazem para viver e como eles se sustentam financeiramente. Educação é que nível de educação eles têm, quantos anos letivos eles completaram, qual é seu grau ou diploma mais alto? Família é quem é sua família, quantos irmãos eles têm, eles
são casados, eles vivem com alguém? Da mesma forma, você pode abordar sua nacionalidade, raça, que crenças espirituais e políticas eles têm. Na dimensão final, a psicologia, descreve o lado interno do personagem, como eles se vêem e seu lugar na vida. Coisas como a vida romântica. Você geralmente pode descrever como é a vida amorosa deles. Eles têm sentimentos românticos por alguém? Como são esses sentimentos? Se eles não sentem nada por ninguém, como é que isso os faz sentir? Muitos sentimentos neste, padrões
morais são sobre seus personagens, caráter, e o que eles representam, o que é importante para eles. Não diga apenas padrões altos ou baixos, mas descreva ainda mais o que o personagem valoriza e vive. Será que eles valorizam, honestidade, qualidade, justiça, por exemplo? Ou eles estão bem em mentir ou enganar os outros para conseguirem o que querem? Ou talvez eles tenham dois padrões sobre alguns desses valores morais. Eles não aceitam certas coisas feitas com eles, mas fazem com outros. Uma pequena dica. Um personagem bem escrito será complexo e será multicamada. Eles não serão todos bons ou todos maus. Esses são todos bons ou todos os personagens ruins não têm profundidade suficiente. Então, mesmo se você estiver jogando o vilão na história, descubra seu lado bom também, e o que eles representam quando se trata de suas regras sobre a vida, sua família e seus entes queridos. Objetivos pessoais são quaisquer sonhos e aspirações que seu personagem tem, como eles se sentem sobre eles. Eles estão entusiasmados para alcançá-los ou estão intimidados por eles? Arrependimentos são as coisas que seu personagem está desapontado. Estas podem ser coisas como esperar muito tempo para alcançar um objetivo e agora o
perdeu a oportunidade e é tarde demais ou decisões
erradas que eles tomaram e desejam não ter feito. Ou entrar em um relacionamento ruim, eles se arrependem de ter ou quebrar um bom relacionamento em que desejam ficar. Pet pieves são todas as coisas que irritam o seu personagem. Mesmo se você acha que estes são bobos, pequenas coisas, eles são importantes para as pessoas que têm este animal de estimação mijadas e será importante para o seu personagem. Então, venha com algumas coisas que irritam seu personagem. Talvez seja um vizinho com um carro de motor barulhento que acorda todos de manhã cedo, ou aquele amigo que sempre come suas batatas fritas, ou pessoas que sempre fazem perguntas durante os filmes. Finalmente, pontos fortes e fracos são sobre o que o personagem sente que eles são bons e não bons em. De que aspectos eles se orgulham e em que aspectos eles querem melhorar? Pense em pontos fortes como as qualidades que fazem o personagem ter sucesso na vida e as fraquezas são aquelas que impedem o personagem de resolver seus problemas. Os pontos fortes podem ser coisas como criatividade, flexibilidade, fortes habilidades de liderança e fraquezas podem ser coisas como autocrítica, inseguranças, medo de socializar ou falar em público. Fraquezas não significam que seu personagem está condenado e nunca
pode realizar nada por causa dessas fraquezas. Não, fraquezas são simplesmente áreas onde seu personagem só precisa melhorar. fraquezas são oportunidades de crescimento. Então, à medida que você está abordando essas três dimensões, você pode rabiscar, escrever marcadores ou qualquer outra maneira que funcione para você. Então, quando você terminar, reorganize todas as notas que você coletou e escreva uma biografia de 3-4 páginas sobre a vida de seu personagem desde seu nascimento até sua morte. Obviamente, você não pode encaixar tudo em 3-4 páginas, então concentre-se nos destaques
da vida, nos detalhes importantes sobre a vida do seu personagem que você pode construir quando você está criando seu desempenho. Não se preocupe se você não é um bom escritor, esta não é uma aula de escrita e você não tem que ser um bom escritor. Como ator, você não precisa mostrar isso a ninguém. A biografia do personagem é apenas para lhe dar uma base forte para criar seu personagem. Não se concentre muito na gramática ou na estrutura da escrita, basta escrever do jeito que você fala como se estivesse contando a um amigo sobre seu personagem em uma conversa casual. Apenas certifique-se de escrever na primeira pessoa usando declarações I. Eu tenho, eu quero em vez de meu personagem tem, meu personagem quer. Isso ajuda a conectá-lo ao personagem quando você estiver executando a função. Demore o tempo que precisar para concluir esta atividade e consulte a lição novamente se precisar. Você pode ir para a lição 2 quando estiver pronto.
4. Identifique os objetivos e desafios: Na primeira lição, você construiu uma história para o personagem e escreveu uma biografia. Se você fez a atividade sobre sua vida desde o nascimento até a morte, incluindo o máximo de informações sobre o personagem que você poderia coletar a partir do roteiro, pesquisa, e sua imaginação e escolhas informadas. Nesta lição, vamos ficar mais específicos
focando nos objetivos e desafios do personagem na história. Grandes histórias envolventes são sobre conflitos e resolução de conflitos. Ninguém quer assistir a um filme sobre a família feliz que vive
na aldeia feliz e tem todos os seus desejos e necessidades cobertos e ninguém quer nada. Isso seria chato. Queremos ver histórias que reflitam nossas vidas. Personagens que têm necessidades e desejos, que são confrontados com desafios e obstáculos, e como eles superam esses desafios. Mesmo em comédia ou desenhos animados, cada personagem quer algo que ainda não
consegue , porque há algo ou alguém em seu caminho e eles têm que tomar alguma ação para superar que o que está no caminho para obter o que Eles querem. Eles podem ter sucesso ou falhar, mas é que puxar e empurrar, esse contraste, que torna uma história envolvente, às vezes inspiradora, e definitivamente mais divertida do que a família feliz da aldeia feliz. Cada personagem da estrela da história para o menor papel tem um objetivo, algo que eles querem realizar. Isso é chamado de objetivo. Eles enfrentam um desafio que os impede de alcançar seu objetivo, o obstáculo, e eles fazem algo para superar esse desafio e que algo é chamado de tática ou ação. O objetivo é o que motiva o personagem a dizer suas linhas e se comunicar com outros personagens. Ele pode ser dividido em objetivos menores, contribuindo para o que é chamado de super-objetivo. Este super-objetivo é o objetivo final o personagem quer alcançar em toda a história. Os objetivos menores são o que o personagem quer realizar na cena para, eventualmente, chegar ao seu super-objetivo. Então, para o seu personagem, pergunte a si mesmo, o que meu personagem quer? Por que eles estão na história? Por que dizem o que dizem? Novamente, se está no roteiro, está lá por uma razão. Se o personagem se repete, diz a mesma coisa novamente, não
é um erro ou
redundância, é por uma razão. Não importa o quão grande ou pequeno, importante ou tolo o que o personagem diz, você ainda precisa saber qual é o objetivo para cada cena e como esses objetivos menores contribuem para o super-objetivo do personagem. O objetivo precisa ser específico, um verbo de ação específico que possa ser expressado fisicamente, como
inspirar, manipular, desafiar. Não deve ser uma emoção como ser feliz ou geral, gostaria de não ser demitido. Estes não são específicos e não são aplicáveis. Mas porque boas histórias são sobre conflito, o personagem não estará recebendo o que eles querem imediatamente, ou talvez nunca. Precisamos saber o que está no caminho do personagem para atingir seu objetivo. Qual é o obstáculo? Para cada objetivo que você identificou para seu personagem, pergunte a si mesmo, o que está impedindo que eles atinjam esses objetivos? É uma pessoa, uma circunstância, uma crença, uma falta de habilidade ou conhecimento? Agora, quanto maior o obstáculo, mais envolvente é a história. Não queremos ver um filme de duas horas sobre um personagem que
diz que quer uma xícara de café e todos os problemas dele são que ele esqueceu sua carteira. Talvez você saiba, sem julgamento aqui, mas tem que haver algo grande em jogo. Tem que haver uma sensação de urgência ou perigo de algum tipo se o personagem não conseguir o seu caminho porque bons escritores não escrevem histórias sobre outro dia na vida para um monte de personagens, eles escrevem histórias sobre a época em que essa coisa enorme aconteceu. Pergunte a si mesmo, quais são as apostas? O que acontecerá se os personagens não conseguirem o que
queriam, não alcançarem o objetivo? Eles vão perder o emprego, perder dinheiro, perder relacionamentos, ou morrer? Cada cena terá suas próprias apostas. Agora sabemos o objetivo e conhecemos o obstáculo, e sabemos o que está em jogo. Em seguida, precisamos saber o que o personagem fará sobre tudo isso? Que ação ou tática o personagem tomará para superar o obstáculo para alcançar o objetivo? A ação será sua escolha, desde que
faça sentido para o que o personagem está dizendo, e para a história. Não há uma ação certa porque o personagem pode superar o obstáculo através de várias maneiras diferentes. Nesta lição, aprendemos sobre os objetivos do personagem, obstáculos, estacas e táticas. Sua atividade é escolher uma cena do roteiro que você usou para a atividade 1 da lição e identificar seus personagens, objetivos, obstáculos, estacas e táticas. Você vai encontrar uma planilha de análise de caracteres para ajudar a guiá-lo através desta atividade e se você quiser me ver passar por essa planilha, você pode assistir o próximo vídeo. Caso contrário, espero vê-lo na lição 3 onde falamos sobre a fisicalidade do personagem.
5. Atividade: analise uma cena: Para esta atividade, você vai praticar a identificação de seus personagens, objetivos, obstáculos, estacas e ações. Assim como o que falamos na lição 2, escolha uma cena do roteiro usado para biografia de personagens na primeira atividade. Eu sugiro que você escolha uma cena onde alguma boa ação está acontecendo, talvez no meio do roteiro, onde personagens foram totalmente apresentados e agora
estão em um lugar elevado na história. Não escolha a primeira cena onde ainda não está acontecendo muita coisa, mas isso é apenas uma sugestão, você pode escolher a cena que funciona para você. Basta ter em mente que a cena que você escolher agora, você vai continuar trabalhando para as próximas atividades quando você adicionar a fisicalidade e a voz do personagem. Uma vez que você tem a cena, lê-lo várias vezes, em
seguida, responder as perguntas nesta planilha, você vai encontrar uma folha de verbo ativa neste curso, certifique-se de usá-lo quando você está identificando o objetivo. Digamos que Bob tenha um acidente de carro, ele está bem, mas o carro não está, perda total. Este carro era novo, só comprado no mês passado. Há um pequeno problema, este carro não era do Bob, era do pai dele. Outro probleminha, Bob pegou o carro pelas costas do pai. Ele queria impressionar alguns amigos. Agora Bob tem que ir para casa e dar a notícia ao pai que ele acabou destruir o carro novo do pai que ele dirigiu pelas costas do pai. Bob tem certeza quando ele sabe que ele vai ficar tão louco que ele pode punir Bob impedindo-o de ir ao baile, mas Bob não pode ir ao baile. Ele tem juntado sua coragem o ano todo e no outro dia finalmente pediu sua paixão para o baile. Agora você pode estar julgando Bob e dizendo que isso é bobagem, mas para Bob, é um grande negócio. Pode ser o amor da vida dele. Bob decide se esconder da situação e entrar tarde da noite quando todos estão dormindo. Desta forma, ele evitará um confronto com seu pai até que ele pense em uma solução melhor. O pai dele acordou e pergunta por que Bob está atrasado e por que o carro não está na garagem? Neste ponto, Bob decide mentir e diz que não dirigiu o carro. Para surpresa de Bob, seu pai disse que ele estava no telefone mais cedo com um amigo da família que viu Bob passar no carro de seu pai. Bob, em seguida, decide confessar e possuir suas ações e assume a responsabilidade e diz a seu pai a verdade. pai do Bob é incrível, tudo o que ele se importa é que Bob é saudável e seguro e ele está orgulhoso que Bob assumiu a responsabilidade. Ele decide não deixar de ir ao baile. Depois do baile, no entanto, Bob não terá seu telefone por um mês, mas isso é um obstáculo para outra cena. A partir desta cena boba que inventei, podemos dizer que para Bob, o objetivo desta cena é fugir da punição. O obstáculo é que papai está acordado e quer ouvir o que aconteceu com seu carro. O que está em jogo? Bob poderia ser impedido de ir ao baile com a paixão de sua vida. Táticas? Bob primeiro tenta negar suas ações, depois aceitar a responsabilidade e implorar por perdão. Para esta cena, ele foi capaz de escapar da punição do baile. Para a cena escolhida, certifique-se de fazer a mesma coisa, encontrar quais são os objetivos, obstáculos, apostas e táticas. Certifique-se de que o objetivo está em um verbo de ação que pode ser interpretado. Quando estiver pronto, te vejo na lição 3.
6. Construa as características físicas do personagem: Agora, o que fizemos todo o trabalho preparatório nas aulas um e dois, estamos prontos para começar a tirar esse personagem das páginas explorando a fisicalidade deste personagem. fisicalidade é tudo sobre o que o personagem faz com seu corpo, como eles se sentem, sentam, caminham, como eles se expressam não-verbalmente, como eles se comunicam, emoções de felicidade, raiva, frustração, tudo o que personagem faz com suas expressões faciais, mãos, pés, e todo o seu. Há duas maneiras de abordar a fisicalidade do personagem: interior-externo ou exterior-interno. A maneira interna e externa começa com a primeira exploração da psicologia do personagem, como eles se sentem por dentro, e isso influencia como seu corpo se move para fora. A maneira exterior-interior começa com mover o corpo primeiro, e isso influencia como o personagem se sente por dentro, qual caminho você escolhe depende de você e o que funciona para você e para a história e você pode usar uma mistura de ambos. A partir de todas as informações que você coletou e construiu sobre o personagem você terá um monte de dados para trabalhar como uma estrutura de partida que você pode construir sobre. Por exemplo, quantos anos tem o personagem? Como é a saúde deles? Eles praticam esportes? Trabalhar num trabalho de escritório? Eles têm alguma deficiência física? As respostas a todas essas perguntas lhe darão uma idéia de como esse personagem pode se comportar fisicamente. Como é a vida do personagem? Eles são ricos, pobres, em um relacionamento feliz ou ruim? Eles têm um problema financeiro, eles
perderam um ente querido? Eles têm um problema de dependência ou raiva? As respostas a essas perguntas lhe darão uma idéia sobre como esse personagem pode se comportar emocionalmente. O tópico da fisicalidade é enorme e pode levar vários cursos para cobrir, mas eu quero dar-lhe algumas ferramentas como iniciante. Para esta lição, vamos explorar três elementos de fisicalidade, peso, chumbo e ritmo. Peso refere-se ao peso emocional de um personagem que pode ser leve ou pesado. Quanto mais feliz e relaxado o personagem é mais leve seu corpo se sente e seu movimento flui livremente. Quanto mais triste e tenso o personagem é mais pesado seu corpo se sente e seu movimento será pesado para baixo do pescoço ou ombros, braços. O chumbo refere-se a qual parte do corpo lidera o movimento do personagem. Eles conduzem da cabeça, do peito, pelve, pés? Como se sente e olha cada um desses movimentos, posturas? O que podemos dizer sobre uma pessoa que se move assim? ritmo refere-se a quão rápido e repentino ou lento e contínuo o personagem se move. Eles se movem rápido ou lento? Têm um forte impulso fiscal ou estão mais contidos? Com base nas informações que você tem sobre o personagem, brinque com esses três elementos, misture e combine peso, leve e ritmo e veja o que você descobre. Caminhe em seu espaço e sente-se e fique em diferentes pesos. Explore a sensação de liderar de diferentes partes do corpo. Tente mudar seu ritmo e faça escolhas com base em suas experiências e no que as faz melhor sentido para o personagem e a história. Outra ferramenta bônus é a memória muscular. Nossos corpos se lembram de como eles se moveram durante certas experiências, especialmente experiências com emoções elevadas como alegria ou dor. Você pode lembrar essas memórias e trazê-las para a fisicalidade do seu personagem. Lembre-se de como seu corpo se sentiu pesado quando você estava com raiva de alguém, ou como ele era leve quando você estava apaixonado por alguém. Quão lento era quando você estava cansado ou triste e quão
repentino e rápido ele se moveu quando você recebe notícias emocionantes. Lembre-se de como seus ombros se sentiam, como seu braço balançava, como seus pés apontavam. Você tem uma experiência em primeira mão como um
ser humano à sua disposição quando você está construindo seu personagem. A menos que, seu personagem é um alienígena ou um animal, o que requer um nível diferente de habilidades físicas e imaginação do ator. Escolher a memória muscular permite recriar a fisicalidade da emoção sem necessariamente reviver a emoção. Mas nossos corpos e mentes estão conectados e muitas vezes, a maneira como nos movemos afeta como nos sentimos e a maneira como nos sentimos afeta como nos movemos. Certifique-se de que você cuida do seu bem-estar emocional e físico e não use quaisquer memórias ou emoções que você ainda não tenha resolvido completamente. Não tente nada para o qual você não está pronto ou confortável. Como garantimos que essas emoções e fisicalidades não se sintam ensaiadas e não naturais? Uma maneira de fazer isso é focar na ação, não na emoção de um personagem. Por exemplo, o personagem pode estar torcendo por outra pessoa. Você pode escolher o sentimento de felicidade e tentar agir feliz, que poderia olhar em natural. Sentimentos não são ações que você pode agir, eles são os subprodutos da ação. Além disso, a felicidade não é a única emoção que você pode ter enquanto torce alguém. Você poderia estar animado, orgulhoso, ou chorando alegremente. Então, em vez de escolher uma emoção, escolha a ação que melhor se encaixa na cena, para animar, apoiar, elogiar, e deixar as emoções fluírem naturalmente, e que influenciem suas expressões faciais e inspiram seu físico escolhas. Nesta aula, aprendemos três elementos para movimento, peso, chumbo e ritmo. Exploramos as ferramentas da memória muscular e discutimos como tornar o seu desempenho mais natural. Sua atividade é usar a biografia do personagem que você escreveu para a primeira lição e construir um perfil físico para o personagem. Certifique-se de incluir todos os elementos que você aprendeu até agora nas lições passadas. Você encontrará uma planilha de análise física para guiá-lo através desta atividade, e se você quiser me ver passar por essa planilha, você pode assistir ao próximo vídeo. Caso contrário, espero vê-lo na lição quatro onde falamos sobre a voz do personagem.
7. Atividade: crie uma sequência de movimento: Nesta atividade, você vai praticar a construção da fisicalidade do personagem. Para a cena em que você trabalhou na atividade da Lição 2, você vai construir uma sequência de movimento para o seu personagem. Pense em onde o personagem está fisicamente no início da cena. Eles estão sentados? Eles estão de pé? Eles estão deitados? Ao longo da cena, para onde eles se movem? Eles se levantam, caminham? Eles se aproximam dos outros personagens na cena em momentos e ficam mais longe em outros momentos? Tente mapear um plano de movimento que faça sentido para a cena e para o que o personagem está dizendo e sentindo. Se eles estão feridos ou excitados, que padrão de movimento eles poderiam estar tendo? Se eles estão tendo uma conversa divertida ou uma discussão com alguém, quão perto ou longe eles estarão de pé um do outro? Para cada linha, o personagem diz na cena, faça uma escolha sobre como eles estão se movendo ou não, e então comece a adicionar mais camadas à sua fisicalidade a partir das caixas de peso, chumbo e ritmo aqui. Pense em quão pesado ou leve seu corpo se sente durante cada linha em que são sincronizados. Se eles se movem, quais partes do corpo conduzem o movimento? Alguém levando da cabeça talvez em um pensamento profundo ou ferido ou é mais velho em idade. Eles podem ter dor nas costas que faz com que eles se inclinem para a frente. Alguém levando do peito talvez tentando expressar coragem ou confiança, que pode ser o que eles realmente estão sentindo ou eles podem estar fingindo. Alguém saindo da pélvis se sentiria um pouco cômico no começo, se você tentar, como alguém que é tão calmo, relaxado, caminhando na praia. Mas experimente e veja o que descobre. O que poderia fazer alguém andar por aqui? Para os pés, os pés do seu personagem apontam para dentro ou para fora quando andam? Eles andam os dedos dos pés primeiro, depois os calcanhares, ou os calcanhares primeiro depois os dedos dos pés? Seu personagem estará usando vários destes em seus movimentos. Eles podem começar um movimento da cabeça e, em seguida, ele se mistura em um chumbo no peito. Brincar e experimentar com esses movimentos. Claro, para alguns personagens, esses movimentos serão exagerados, especialmente na comédia. Para outros personagens, será sutil. Finalmente, o ritmo, quão rápido ou lento cada movimento é. Novamente, o personagem usará ritmo diferente durante diferentes momentos na cena. Pense em todos esses elementos de peso, chumbo e ritmo como uma escala, organize. Quanto mais exagerado
for, sentirá e parecerá mais cômico e irrealista, que funciona muito bem na comédia. Quanto mais precisos e especificamente são, mais realistas eles vão olhar e sentir, o que funciona muito bem no drama. Divirta-se. Não tenha medo de parecer um pouco tolo quando você está tentando esses movimentos, e comece a se tornar mais consciente de como as pessoas ao seu redor se movem, mas não seja muito assustador e perseguir pessoas ou qualquer coisa. Quando estiveres pronto, vemo-nos na Lição 4.
8. Expresse a voz do personagem: Bem-vindo à Lição 4. Espero que tenha gostado deste processo de criação de personagens até agora. Até agora, você deve conhecer a história, a personalidade e a fisicalidade do seu personagem. Nesta lição, vamos explorar a voz de um personagem. Como a fisicalidade na lição 3, voz é outro tópico enorme que pode levar vários cursos para cobrir completamente. Para esta lição, vamos rever alguns dos conceitos básicos da voz. A voz pode ser dividida em duas categorias, física e performativa. Uma categoria física inclui todas as partes físicas reais que formam os sons que fazemos para falar. Estes são os lábios, dentes, língua, paletes bucais, que são chamados de articuladores, bem
como suas cordas vocais, os músculos da mandíbula e todas as diferentes partes da anatomia humana envolvidas na criação de uma voz. Você como o ator, terá que treinar essas partes assim como um atleta treina seus músculos. Isso pode ser feito por exercícios vocais, técnicas de
respiração, trava-línguas e muito mais abordagens. Incluí recursos adicionais para vocês nesta lição. Obviamente, você estará expressando seus personagens, então quaisquer ferramentas físicas que você tem,
você vai trazer para o personagem e, em seguida, você vai ter que identificar ou fazer uma escolha que faz sentido sobre quais qualidades únicas adicionais, se houver, seu personagem pode ter. Eles têm um queixo? Eles usam aparelho? Os velhos não têm dentes? Uma vez que você está ciente de suas ferramentas vocais físicas e identificar quaisquer ferramentas adicionais que seu personagem pode ter, comece a praticar engajar todas essas ferramentas enquanto você fala. Esteja ciente de como sua mandíbula se move, como sua língua atinge o teto de sua boca, quando e como seus dentes se juntam, quantas palavras você pode dizer antes de sentir a necessidade de respirar novamente. Jogue e ative todas as suas ferramentas vocais físicas. A categoria performativa é onde muita diversão e criatividade entram em jogo. Esta categoria inclui tempo, articulação, dicção, volume, pitch, tom, ênfase, pausas. Vamos rever alguns desses brevemente para lhe dar uma ideia de todas as diferentes maneiras pelas quais usamos nossas vozes para nos
expressar e nos comunicar com os outros. Primeiro, respire. Respirar é como continuamos vivos e fazemos todo o resto. Na fala, é tão importante entender
a relação entre nossa respiração e nossa voz. Falamos em nossa expiração. O ar que sai é o que usamos nossos articuladores para moldar e fazer sons. Quanto mais eficaz, nossa respiração, mais forte e mais eficaz nosso discurso se torna. Então explora a tua respiração. Fique ciente de como você inala e expira. Você usa principalmente o nariz ou a boca para respirar? Quantas palavras você pode dizer confortavelmente antes de ficar sem fôlego? Como seu movimento enquanto fala afeta sua respiração e como isso afeta seu discurso? Articulação ou enunciação é o quão claro você pronuncia suas palavras e quão bem as pessoas podem entendê-lo. Alguns personagens podem ter menos articulação como o papel pode exigir, como Jack Sparrow de Piratas do Caribe. Outros podem ter uma articulação afiada como Snape de Harry Potter. Seja como for, garanta que o público ainda te entenda. Dicção é o estilo da expressão vocal. Isso inclui acentos e dialetos, vocabulário e gírias. dicção pode nos dizer muito sobre o status do personagem, educação e nível de inteligência. Tempo é a velocidade com que o personagem fala. Isso reflete a energia dos personagens. Mais velocidade pode indicar uma energia mais alta, menos velocidade pode indicar uma energia mais baixa. Alta energia pode ser alegria ou raiva. baixa energia pode ser calma ou tristeza. Ritmo é o tempo e ritmo das palavras e sons em um discurso. Isso inclui quando o personagem faz uma pausa, quantas palavras eles dizem antes de tomar um novo fôlego. Ritmo é mais perceptível em poesia e versos
clássicos escritos como algumas das peças de Shakespeare. O tom é o humor do discurso. Será que o personagem soa sério, ou eles estão brincando? Estão sendo reais ou sarcástico? A ênfase é uma forma de destacar vocalmente informações importantes em um discurso. Qual palavra é enfatizada pode mudar o significado do que um personagem está dizendo. Um exemplo famoso disso é de Hamlet por Shakespeare para ser ou não ser. Essa é a questão. Que palavra você enfatiza nesta frase não mudará o significado de uma frase? pausas são a ausência de som, que é se usado sabiamente, são ferramenta muito eficaz de comunicação. Pausa ajuda com o ritmo e musicalidade dos textos. pausas também podem ajudar a enfatizar palavras e frases. pausas podem criar tensão entre os personagens ou podem quebrar a tensão. Eles permitem que o personagem processe informações e também dão tempo ao público para absorver o que acabou de acontecer. No entanto, com pausas, é importante ter em mente duas coisas. Pausar não é parar seu desempenho. Os pensamentos de seu personagem e monólogo interno ainda estão acontecendo, e você ainda está se comunicando não-verbalmente com seu corpo. Você tem que ganhar essas pausas. Se você exagerar, o desempenho vai arrastar e vai ser lento e se você sob fazê-lo, seu público não terá tempo suficiente para processar completamente o que está acontecendo na cena e pode perder informações importantes. Uma pausa ainda comunica algo. Não é uma pausa de falar e não é aleatório. Quanto mais experiência de desempenho você tiver, melhor você conseguirá usar essas pausas. Nesta lição aprendemos as qualidades físicas e performativas da voz, a importância do controle da respiração e da comunicação não verbal. Sua atividade nesta lição, é usar os elementos de voz que você aprendeu
nesta lição e a atividade que você completou para a Lição 3, gravar vídeo de 30 a 60 segundos de você como seu personagem, e ter o personagem se apresentarem. Faça o personagem falar sobre sua carreira ou objetivos na vida ou o que você decidir para o personagem. Vejo você na lição 5 quando falamos sobre a aparência do personagem.
9. Atividade: filme seu desempenho: Estamos prestes a fazer um filme de uma cena. Neste momento, se você completou as atividades anteriores, você deve agora saber, para esta cena, os objetivos, os obstáculos, as ações e os antecedentes do personagem. Você deveria ter construído uma sequência de movimento com elementos de espera, liderança e ritmo. Mas ainda não ouvimos a voz do personagem, então vamos fazer isso. Para cada linha da cena e
das categorias físicas e performativas que você aprendeu na lição 4, crie uma expressão vocal que
corresponda à fisicalidade do personagem que você construiu na última atividade. Se o personagem está animado ou ansioso, como sua voz pode mudar. Pense no tempo, dicção, todos os elementos sobre os quais falaremos na lição 4. Se o objetivo do personagem é inspirar, por exemplo, versus intimidar, como seu volume pode mudar. Depois de criar a expressão vocal, vamos juntar todos esses elementos e ver o que você criou até agora. Você encontrará uma folha de exercícios vocais nos recursos do curso. Heads up, você vai se sentir tolo fazendo a maioria deles. Outras pessoas ao seu redor vão pensar que algo está errado com você. Não deixes que isso te afecte. É tudo normal. Todos os atores, inclusive eu, fazem esses exercícios e nos divertimos muito sendo bobos com isso. Se não é divertido, você está fazendo errado. Apenas poucos são confortáveis e gostariam de participar desta atividade. Você pode filmar-se em personagem falando e se movendo como seu personagem iria falar e se mover. Você pode escolher uma parte da cena em que trabalhou e executar essa parte ou escolher qualquer um dos tópicos listados nesta planilha. Não torne isso muito complicado. Apenas algumas linhas simples que lhe permitirão mostrar o seu trabalho físico e vocal que você fez até agora. Este não é um desempenho, este não é um produto acabado. Tire a pressão de você mesmo para ser um nível da Broadway ou Oscars ainda. Este é apenas um trabalho em andamento e para lhe dar um ponto de referência que você pode olhar para trás. Você terá mais tempo para desenvolver suas habilidades de atuação. Quando você filma a si mesmo, você pode usar seu telefone. Coloque-o em algum lugar que possa mostrar seu corpo inteiro. Você pode olhar diretamente para a câmera como seu parceiro de cena ou olhar para um ponto fixo em uma parede atrás da câmera como se estivesse olhando para os olhos de alguém. Ninguém tem que ver essas filmagens se você não estiver confortável mostrando isso a ninguém. Isso é apenas prática e referência para você mesmo para acompanhar seu progresso. Quando você estiver pronto, eu vou vê-lo na lição 5, quando dermos a este personagem algum estilo de moda.
10. Entenda os trajes e os objetos cênicos: Espero que seu personagem agora esteja cada vez mais vivo com a história, a fisicalidade e a voz. Agora, esse personagem só precisa do estilo de moda. Agora você como ator, não terá que se preocupar com a aparência do personagem. Esse seria o papel do figurinista que estará encarregado dos trajes, adereços, cabelo e maquiagem do seu personagem. No entanto, em algumas produções de orçamento menor ou menor, os atores podem ser convidados a trazer suas próprias roupas ou fazer sua própria maquiagem, mas isso não é geralmente o caso. Mesmo que você, o ator, não
esteja encarregado de como seu personagem
parece, é importante saber como seu personagem deve olhar. De seu trabalho no roteiro e construindo a fisicalidade do personagem, você deve ser capaz de dizer como é o senso de moda do seu personagem? Que cores eles gostam de usar? Que penteado eles são mais propensos a ter? Se eles têm algum adereço, o que poderiam ser? Usam relógio, óculos? Eles têm um acessório favorito? Seu personagem usa saltos altos ou segura uma bengala? Eles têm tatuagens ou cicatrizes? Conhecer as respostas para essas perguntas, vai ajudá-lo a construir um personagem mais rico, e você pode começar a ensaiar a fisicalidade do seu personagem com essas coisas em mente. Pratique andar nos sapatos que seu personagem mais provável de usar. Pratique seu discurso com adereços ou acessórios que seu personagem é mais provável de ter em. Mesmo se você acabar não usando nenhum desses itens no desempenho real, você ainda vai ter um monte de idéias para construir os traços físicos e emocionais do personagem. Também é bom vir preparado para reuniões de produção e discutir com o diretor e os designers quaisquer idéias que você possa ter sobre o desenvolvimento do seu personagem. Um bom diretor estará aberto a ouvir os pensamentos do ator sobre os personagens. Só saiba que, em última análise, é a decisão
do diretor no final que você deve respeitar porque é a visão do diretor para a produção. Não leve para o lado pessoal se suas ideias não foram aprovadas. Nesta lição, falamos sobre a aparência do personagem, moda, estilo, cabelo e maquiagem, adereços e acessórios. Sua atividade é usar a planilha do traje incluída nesta lição e projetar um visual para o seu personagem. Pense em quais são as cores do personagem, seu penteado, adereços e acessórios. Você pode desenhar, colorir ou juntar itens da Internet ou revistas.
11. Atividade: faça o design de um estilo de moda: atividade da Lição 5 é bastante simples. Eu incluí várias figuras que você pode imprimir e levar o artista dentro de você se divertir criando a aparência do seu personagem. Você pode desenhar na figura diretamente, você pode desenhar o cabelo,
as roupas, quaisquer acessórios ou adereços que eles têm, você pode colorir, você pode usar amostras de tecido e colá-los no papel, ou cortar e colar quaisquer itens de fantasia que você gosta de qualquer revista que você possa ter. O objetivo desta atividade é que você obtenha uma melhor compreensão de seu personagem e como eles se apresentam publicamente. Qualquer escolha artística que você fizer precisa fazer sentido para todo o trabalho que você fez até agora para o personagem neste curso. Sinta-se livre para olhar para cima sobre os exemplos da Internet de desenhos de fantasia e idéias quando você estiver concluindo esta atividade.
12. Revisão e próximos passos: Parabéns, você concluiu o curso introdutório de criação de personagens, e agora você conhece os blocos de construção da criação de um personagem para o desempenho. Aqui está uma breve recapitulação do que aprendemos juntos neste curso. Para criar um personagem, você precisa de cinco coisas, história de fundo de personagem, que você pode obter a partir do roteiro, pesquisa e imaginação de seu ator. Análise de personagens, que é identificar os objetivos do personagem, desafios, estacas e ações, e você vai encontrar aqueles do script. fisicalidade do caráter, que pode ser construída para dentro, para fora, permitindo que as emoções do personagem influenciem a fisicalidade, ou para fora, para dentro, permitindo que a fisicalidade influencie as emoções. Voz de personagem, que é dividida em categorias físicas e performativas. O físico inclui seus articuladores, como lábios, língua, dentes, e o performativo inclui tempo, articulação, dicção, volume, tom, ênfase, pausas. Finalmente, aparência do personagem, que inclui traje, cabelo, maquiagem, adereços e acessórios. Os elementos de aparência essenciais serão encontrados no roteiro e elementos
adicionais serão baseados na escolha artística do designer. Lembre-se que qualquer escolha artística que você fizer deve fazer sentido para a história e deve honrar as intenções do escritor. Agora que você tem algumas ferramentas para começar a criar seu personagem, seu próximo passo é obter o máximo de experiência possível. Aqui estão algumas dicas sobre como obter essa experiência. ler peças ou scripts de filmes e começar a criar personagens. Você pode encontrar muitos scripts on-line gratuitamente no domínio público. Você pode alugá-los em sua biblioteca pública ou campus escolar. Você também pode comprá-los, usados ou novos, se você quiser. Assista a filmes que têm personagens que foram interpretados por diferentes atores como Batman, James Bond, e compare como cada ator abordou o papel. Pense no que cada ator fez de forma diferente ao criar sua versão desse personagem. Obtenha experiência de atuação juntando-se a grupos de teatro e cinema em sua comunidade ou fazendo testes para filmes estudantis em campi universitários. Estudantes de cinema estão sempre à procura de atores para seus projetos de campo. Faça uma aula de teatro em um teatro local. É uma ótima oportunidade para obter educação de qualidade, experiência de
atuação e construir uma rede de atores. Filme seus próprios monólogos. É uma ótima maneira de continuar praticando suas habilidades, mesmo quando você não está atuando em nenhum projeto. Leia em voz alta. Trabalhar em diferentes fisicalidades e qualidades vocais. Finalmente, procure feedback construtivo. Feedback é tão importante. Não tenha medo de pedir às pessoas em quem confia, sua família e aos seus amigos feedback construtivo honesto. Esteja aberto para ouvir o que funcionou e o que não funcionou. Pergunte a eles se seu desempenho foi claro, se eles foram capazes de dizer como o personagem estava se sentindo ou pensando. Muito obrigado por assistir. Espero que você tenha achado este curso útil e espero que você se sinta um pouco mais animado e pronto para aumentar suas habilidades de atuação. Continue contando histórias e continue criando arte. Tudo de melhor.
13. Como memorizar suas falas? (Bônus 1): Uma das perguntas mais feitas por novos atores é como você memoriza todas essas linhas? Essas são perguntas válidas. Os atores têm muitas palavras para lembrar. Aqui estão sete etapas para ajudá-lo a memorizar suas linhas. O primeiro passo para memorizar todas as suas linhas é não tentar memorizar suas linhas. Familiarize-se com a história
antes de tentar memorizar qualquer linha. Vá a algum lugar relaxante, pegue seu café e leia o roteiro uma vez do começo ao fim e aproveite a história sem qualquer pressão para memorizar nenhuma linha. Leia por diversão como você leria um romance que você gosta. Não se preocupe com nomes, locais e outros personagens e
nem pense em seu desempenho ainda. Basta ler e se familiarizar com os scripts. Deixe passar algum tempo após a primeira leitura do roteiro. Pode ser algumas horas depois ou no dia seguinte. Em seguida, leia o roteiro pela segunda vez. Desta vez, divirta-se com as palavras. Seja brincalhão enquanto lê. Mude o volume, mude o tom. Use uma voz séria ou uma boba, fale alto ou sussurre. Seja exagerado dramático ou relaxado. Brinque e divirta-se. Não tente memorizar suas linhas ainda. A pontuação do script identifica por que os personagens dizem e fazem o que dizem e fazem. Este é um passo essencial para memorizar suas linhas, criar o personagem e desempenhar o papel. Ao memorizar suas falas, você deve primeiro entender o que seu personagem diz e por que eles dizem isso. Sem entender o que você está dizendo, será como aprender uma língua estrangeira. A memória muscular é uma ferramenta poderosa que pode ajudá-lo a lembrar suas linhas mais rapidamente. Ao praticar suas linhas, comece a adicionar algumas ações físicas que façam sentido ao personagem e como eles se comportam. A ação física pode ser um gesto de mão, um movimento como andar por uma sala, sentar-se ou usar um acessório como um relógio,
uma bengala ou um telefone. Quando você vincula suas palavras à ação física, seu corpo o lembrará com suas palavras toda vez que você executar essa ação. Apenas esteja atento a não direcionar todos os seus movimentos, pois esse é o papel do diretor. Quando você bloqueia suas cenas e adiciona mais ações durante os ensaios, memorizar suas linhas ficará mais fácil. Como você sabe quando dizer suas falas? O script informa se seu personagem reage a um evento ou responde à linha de outro personagem. Há uma razão pela qual seu personagem diz cada palavra que ele diz. Seu personagem não fala só porque eles sentem vontade. Quando você pratica com alguém, você ouve as linhas às quais seu personagem está respondendo e se familiariza com as pistas para entregar sua linha. Saber o que acontece antes de você dizer suas falas e ouvir suas dicas ajudará você a memorizar suas linhas. Até agora você está familiarizado com a história, você entende o que seu personagem diz e por que você está ensaiando e adicionando ações físicas e movimentos a textos e você provavelmente quase totalmente memorizou todas as suas linhas. Seu próximo passo é continuar praticando suas falas todas as chances que você tiver. Você pode praticar no carro enquanto está preso no trânsito, você pode praticar enquanto espera em alguém, você pode praticar em uma longa caminhada no chuveiro em uma longa viagem e você pode praticar toda vez que estiver sozinho e pode praticar. Isso pode parecer estranho para você, mas é isso que os atores fazem. Eles ensaiam suas falas todas as chances que têm e você nem sempre precisa praticar em voz alta. Você pode passar por cima de suas linhas em sua cabeça também. Durante sua apresentação, você não pode se perder
pensando em sua próxima linha e certificando-se de que ainda se lembra dela. Isso adiciona muita pressão e estresse em você e pode fazer que você esqueça suas linhas e não esteja totalmente presente na cena. Confie no processo e no trabalho árduo que você fez, estudando e ensaiando o papel e solte. Esteja presente no momento e
divirta-se compartilhando a história com seu público. Todos são diferentes e cada ator tem seu processo de memorizar suas falas. Algumas das etapas deste vídeo podem ser familiares para você e outras podem não e tudo bem. Não há maneiras certas ou erradas, você faz o que funciona para você. Quanto mais experiência de atuação você tiver, mais você poderá
desenvolver seu processo.
14. Atuação é para você? (Bônus 2): Atuar para você? Você deve ser um ator em tempo integral, meio período, ou você deve continuar atuando como um hobby e seguir outra carreira? Aqui estão cinco sinais
para procurar ao tomar essa decisão. Quando as pessoas falam sobre um evento, elas geralmente dizem o que aconteceu, não você. Você mostra o que aconteceu. Você traz seu corpo, voz e imaginação para ele. Você transforma isso em uma história elaborada com um começo, meio e fim. Você gosta de apresentar os personagens, construir suspense e recriar o humor do evento, usar seus gestos de mão e interpretar todos os personagens da história imitando como eles soaram e agiram. Onde quer que você vá, você é o falador do grupo. Na escola, no trabalho, em casa, no carro, na mesa de jantar, lá está você, expressando-se com
confiança e compartilhando histórias com a família, amigos e todos que você conhece. Você gosta de ter conversas e
se sente confortável em falar com grupos de pessoas. Às vezes, as pessoas pensam que você fala muito, mas tudo bem. Você pode ser um artista performático e ainda não sabe disso. Cada história tem seus personagens e cada personagem tem circunstâncias de vida únicas, relacionamentos, objetivos, desafios e qualidades físicas e emocionais. Como ator, você usará seu corpo, sua voz e imaginação para dar vida a cada personagem. Cada desempenho vem com seus próprios desafios e demandas. Para ser um ator de sucesso, você precisará aproveitar esse processo de criação de personagens e encontrar maneiras de tornar cada performance única e memorável. Procure sinais em sua vida onde você gosta de ser outros personagens, mesmo por um curto período de tempo. Você gosta de fazer impressões de pessoas que você conhece? Você assiste filmes e executa sua cena favorita depois para ver se consegue fazer melhor? Ou festa à fantasia é divertida para você? Seja honesto consigo mesmo antes de
decidir fazer da atuação sua carreira. Você se juntou a um grupo de teatro em sua escola e fez o teste para suas peças. Você fica tão animado quando vê seu nome
na lista de elenco e começa se preparar para a função imediatamente. Você não tem problemas em perder eventos familiares ou pular noites com amigos porque você tem ensaios, e mal pode esperar para experimentar as fantasias e os adereços pela primeira vez e entrar no personagem visual final. Você não se importa se eles não pagarão nada porque você simplesmente adora se apresentar. Seu amigo cineasta pede que você esteja no curta-metragem deles. Você imediatamente diz sim, mesmo que seu pagamento seja pizza e crédito no IMDb. Isso não o impede porque a experiência de estar em um set de filmes é emocionante para você. Você simplesmente gosta do processo de ensaio, criação de
personagens e desempenho. Se isso soa como você, reflita sobre suas experiências de atuação passadas. Como você se sentiu? Você se importou de não ser pago o suficiente? Se você é novo em atuar, pergunte a si mesmo, você
estaria bem em não ser pago no início e apenas se concentrar em obter experiência de atuação? Se você quer ser ator apenas pelo dinheiro, provavelmente não terá sucesso nessa carreira. Não há nada de errado em querer dinheiro, atuar é uma profissão e você deve ser pago pelo seu trabalho e ganhar a vida. Apenas certifique-se de que o dinheiro não seja sua força motriz. dinheiro não deve ser o motivo número um. Se você gosta de atuar com e sem dinheiro, isso é um sinal de que uma carreira de ator poderia ser para você. [MÚSICA] Todo artista
quer ser reconhecido por seu talento. Eles querem que seu trabalho seja visto e apreciado. Você também, como ator, deve se sentir capacitado para mostrar seu talento e compartilhar seu trabalho com seu público. Não há nada de errado em querer fama e reconhecimento. Assim como com o dinheiro, fama não pode ser sua força motriz ou seu objetivo número 1. Caso contrário, você não terá sucesso
como ator e provavelmente não deve seguir essa carreira. Em vez disso, você deve se concentrar em crescer como artista. Você age porque quer se expressar artisticamente e compartilhar
histórias empoderadoras com seu público. Atuar lhe dá realização criativa e você não se importa com quantas pessoas sabem disso. Você é um artista e continuará fazendo arte. Você deve se concentrar em ficar tão bom no que você faz, e dinheiro e fama serão uma consequência natural. Eles não devem ser o objetivo principal. Como artista performático, você tem um papel significativo e influente. Você pode usar sua arte para inspirar, educar, capacitar e entreter pessoas em todo o mundo, rompendo barreiras culturais e linguísticas. A narrativa é universal e todos, não importa quem sejam, de
onde vêm, ou no que acreditam, podem se relacionar e se inspirar nas histórias que assistem. Artistas bem-sucedidos não pensam apenas em si mesmos, eles pensam em seu público e os colocam em primeiro lugar. Como ator, você precisa se conectar com pessoas e compartilhar histórias que agregam valor ao seu público. Se isso soa como você, considere ser ator e usar sua arte para tornar o mundo um lugar um pouco melhor. Claro, esses sinais não são
os únicos sinais para saber se você deve continuar atuando em tempo integral. Todos são diferentes e você pode ter outros pensamentos e experiências que orientam sua decisão, tudo bem. Este vídeo mostra a mentalidade que você deve ter antes de decidir fazer da atuação sua carreira. Também é totalmente bom continuar atuando como um show de meio período ou mesmo como um hobby.
Karim Darwish, Marketing Guide
