Transcrições
1. Introdução ao curso: Você é um fotógrafo querendo entrar no cinema. Como alguém que já esteve lá, eu sei como é fácil sentir-se intimidado por todos os departamentos de engrenagem e muitos esquemas de planejamento que você vê em equipes de cinema. Bem, eu tenho boas notícias para você. Como alguém bem versado em tirar imagens, você já sabe a maioria dos itens essenciais para ir e fazer filmes. Há apenas algumas outras coisas que você precisa aprender para ir de foto
para filme e você pode aprender tudo isso em menos de uma hora. Ao contrário de outros cursos de cinema, que começam do zero com o básico da câmera, este curso é projetado para fotógrafos que já sabem como compor e usar exposição manual. Vou ensinar-lhe passo a passo todas as coisas que você precisa em cinematografia,
áudio, edição e planejamento de filmagens para fazer a transição do fotógrafo para cineasta. Essas lições resultam de meus anos de trabalho como cineasta profissional
na indústria e todas as lições são projetadas para serem aplicáveis e ir direto ao ponto. No final deste curso, você terá todo o conhecimento necessário para ir e fazer filmes. Acredite em mim, fazer essa transição é muito mais fácil do que você pensa. Vamos começar.
2. As três diferenças na câmera: Vamos mergulhar diretamente no departamento de câmeras, onde vamos olhar para três áreas principais de diferença entre fotografia e filmagem. Estes são exposição, estabilização de imagem e movimento da câmera. Para expor manualmente uma imagem na produção de filmes, os princípios são os mesmos que na fotografia. Você tem três elementos compreendendo o triângulo de exposição: abertura, velocidade
do obturador e ISO. Com a produção de filmes, há duas diferenças importantes a ter em mente. No entanto, a primeira diferença é a taxa de quadros. Agora, isso é encontrado na fotografia, mas é um elemento crucial na produção de filmes, porque um filme é basicamente uma sequência de fotografias reproduzidas em um curto período de tempo. A taxa de quadros é basicamente quantos quadros ou fotos sua câmera está tirando por segundo. Defina a taxa de quadros antes de definir os outros elementos do triângulo de exposição. Quanto maior a taxa de quadros, mais agitado será o seu filme. Alguns filmes, como Saving Private Ryan, usam
criativamente uma taxa de quadros mais alta para fazer o filme parecer gaguento. No entanto, para imagens em movimento, a taxa de quadros padrão é 23,97 ou 24 quadros por segundo. Isso lhe dará um borrão natural de movimento orgânico que você encontra no cinema.
3. Velocidade do obturador: A próxima diferença importante é a velocidade do obturador. Na produção de filmes, a velocidade do obturador é fixada em duas vezes sua taxa de quadros. Se estiver fotografando 24 quadros por segundo, você definirá a velocidade do obturador em 148º de segundo. Como você não pode alterar a velocidade do obturador quando você está filmando, isso torna os filtros ND uma ferramenta incrivelmente útil porque você não pode aumentar a velocidade do obturador muito escuro em sua imagem. Se você quiser manter sua profundidade de campo superficial, você precisará colocar um filtro ND. Então, na produção de filmes, para definir a exposição, você primeiro define a taxa de quadros e, em seguida, a velocidade do obturador, que permaneceria constante, em
seguida, definir a abertura e ISO de acordo, tendo em mente, as câmeras de
vídeo geralmente têm um ISO nativo ou ISO ideal determinado pelo fabricante da câmera para preservar a quantidade máxima de alcance dinâmico.
4. Estabilização de imagem: Agora, com a exposição sob controle, vamos falar sobre a segunda grande diferença entre fotografia e produção de filmes, que é estabilização de imagem. Como você está criando uma continuidade de quadros fazendo imagem de emoção, manter suas fotos estáveis e firmes é incrivelmente importante, menos que você esteja intencionalmente indo para o visual portátil. Para fazer isso, certifique-se de manter sua câmera em um tripé e nivelá-la. Para fotos que se movem ou seguem um assunto, use um controle deslizante ou um cardan, que compensa eletronicamente qualquer agitação que sua câmera esteja experimentando.
5. Foco: A última diferença principal entre fotografia e cinema na esfera cinematográfica é o foco. Esta é provavelmente uma das partes mais difíceis
do processo cinematográfico e é por isso que os heróis desconhecidos do cinema,
chamados de puxadores de foco, são especificamente contratados para este trabalho. Especialmente, se você estiver usando lentes com distâncias focais mais altas e, portanto, planos
mais finos estão focados. Manter seus assuntos, especialmente enquanto eles estão se movendo em foco pode ser especialmente desafiador. Aqui estão algumas dicas: Primeiro, saiba em que direção você focaliza o anel para manter o foco mais próximo ou mais longe. Dois, pratique o foco algumas vezes antes de começar a rolar. Em terceiro lugar, há também uma função, ou a maioria das câmeras hoje chamado foco pico, que descreve qual área do seu quadro está em foco. Basta ligá-lo e ele vai ajudar a guiá-lo.
6. Diferenças: Agora que abordamos a exposição, vamos dar uma olhada em outra área, planejamento de
filmagens e as principais diferenças entre fotografia e filmagem. Ao contrário da fotografia, que tira fotos congeladas no tempo. Na produção de filmes, você está realmente pegando uma sequência de imagens reproduzidas ao longo do tempo. Você tem que ajustar sua mentalidade visual de contador de histórias para levar em conta o papel do tempo. Realmente pense em como vincular seus tiros para criar continuidade para que não vejamos sua história como uma sequência de tiros separados, mas como uma suave e contínua. Aqui estão dois truques para ter em mente no seu planejamento de tiro que ajudam a criar continuidade. Um, tiros de close-up. O maior erro que eu já vi em cineastas iniciantes é fotografar todos os tiros como tiros largos ou meados tiros para obter cobertura, mas não o suficiente close-up tiros. Não só as fotos de close-up parecem mais cinematográficas e dão detalhes importantes sobre sua cena ou personagem. Eles também servem uma função crucial na criação de uma sensação de continuidade quando você corta entre dois tiros. A chave para levar. Certifique-se de gravar pelo menos 50% de todas as suas fotos como closeups. Dois, comprimento do tiro. Outro erro que vejo em cineastas iniciantes é pressionar o botão de gravação logo quando a ação principal está acontecendo e parar logo após a ação principal ter parado. No entanto, isso geralmente torna as fotos muito curtas para serem usadas para uma edição suave. Em vez disso, mantenha fotos no mínimo 10 segundos para editar alças. Ao fazer isso, você terá vezes suficientes em sua foto para criar transições realmente legais na edição, como dissoluções lentas. Terceiro, filmar para a edição. Acho que essa mentalidade é o que diferencia os cineastas. Embora adquirir essa mentalidade leve tempo, você pode começar a desenvolvê-la agora. Fotografar para a edição basicamente significa que você tem em mente como o tiro pode ser usado quando você filma-lo. Mesmo que você não tenha certeza do que vai acontecer, talvez você esteja atirando em um pato, pelo
menos fique de olho quando estiver filmando para possíveis fotos que tornarão sua edição muito mais suave. Pense criticamente e o que eu gosto de chamar, sentir
criticamente as fotos que você está recebendo. Verifique se você tem pelo menos uma boa chance de estabelecer, que dará aos espectadores uma sensação de lugar e tempo. fechamento, tiros de transição e tiros de close-up. Acredite em mim, essa habilidade se torna mais automática à medida que você pratica. Outra ótima maneira de desenvolver essa mentalidade é
assistir seu filme favorito com o som desligado. Veja criticamente a sequência de tiros e a função de cada tiro. Veja como eles servem a história. Fazer isso ajudará você a entender intuitivamente quais tipos de tiros são necessários para contar uma história convincente.
7. Introdução ao áudio: Então, a última grande diferença entre fotografia e produção de filmes é o áudio. Na indústria, temos um ditado que diz: “O áudio é o rei do vídeo”. Isto significa que a qualidade percebida do seu filme é mais influenciada pela qualidade do seu áudio e,
em seguida, pela qualidade dos seus visuais. Então, primeiro, vou ensiná-los a usar seus microfones para gravar um som excelente. Então eu vou te ensinar como melhorar seu espaço de gravação de áudio e, finalmente, vou mostrar dois truques essenciais que você precisa para suavizar seu áudio na edição.
8. Gravação de som de alta qualidade: Para usar o microfone lav, é simples. Coloque-o em volta do esterno, seis a oito polegadas abaixo da boca, e aponte o microfone para cima. Tenha cuidado para não ter qualquer pano, joias ou cabelo por lá microfone, porque estes podem colidir com o microfone e abafar o som. Para gravar o que está sendo dito do seu microfone lav, você precisará de um gravador externo. Para usar o gravador externo, primeiro certifique-se de que você tem um cartão de memória dentro. Em seguida, insira o microfone lav, e defina o formato de gravação para WAV 48 kilohertz, 16 bits, que é um arquivo de qualidade superior, em seguida, o MP3. Em seguida, observe seu medidor de áudio. Isso registra o alcance de decibéis ou o volume do que está sendo captado pelo seu microfone. Você quer que seus níveis de áudio saltem entre seis negativos e 12 decibéis negativos. Para definir os níveis de áudio, faça um teste com o assunto antes da mão. Diz-lhes que vais verificar os níveis de áudio. Pergunte a eles sobre como foi o dia e pressione os botões de nível de entrada para cima e para baixo na lateral do gravador até que os níveis de áudio saltem entre 12 negativos e seis negativos. Em caso de dúvida, é mais seguro manter o áudio na faixa inferior de decibéis, já que é quase impossível corrigir sons muito altos. , se seus sons forem muito baixos No entanto, se seus sons forem muito baixos, você ouvirá estática. Usar um microfone de espingarda, é simples. É só ligar o microfone na câmara e ligá-lo. Se você estiver filmando fora em um dia ventoso, certifique-se de cobrir o microfone com um tampão de vento, que parece uma cauda de gato. Você pode ajustar o nível de áudio do som e da câmera da sua espingarda. Apenas certifique-se de que ele não está atingindo as marcas vermelhas no medidor de áudio da câmera.
9. Otimização de som: Para o seu ambiente de gravação de áudio, você idealmente quer escolher um lugar tranquilo. Antes de começar sua entrevista, ouça sons concorrentes. Você quer ter certeza de que não há ruídos vindo das janelas. Você quer fechar portas, desligar aparelhos elétricos, desligar seus celulares,
desligar a geladeira, relógios e ar condicionado, o que
quer que isso deixe um zumbido sutil em seu áudio. Outra coisa para ter cuidado é a Echo. O eco vem do som que salta em superfícies
duras ao viajar do assunto para o microfone. Parece assim: No início, acho que é útil ter uma visão geral de todo o processo de produção de vídeo. Como você pode ver, ele reágua o seu som. Então gravar em uma sala alcatifada com superfícies macias é uma ótima idéia. Porque superfícies macias absorverão o eco. Se isso não for possível, você pode tentar cobrir as superfícies duras, como mesas e pisos, com tapetes, travesseiros e tecido grosso.
10. Truques de áudio essencial para uma edição suave: Agora vamos aprender dois truques centrais em gravação de
áudio para tornar suas edições muito mais suaves na estrada. Número um, tom de quarto. quarto vazio é completamente silencioso? Se estiver sozinho, feche os olhos e ouça. Mesmo que a sala pareça silenciosa, você ouvirá que ainda há um som distinto nessa sala ou espaço de filmagem. Embora o som seja baixo, este som, ou o que chamamos de tom de sala, será útil quando você quiser suavizar os cortes na sala de edição. Por exemplo, quando você deseja tirar algumas palavras em uma entrevista, você deseja sub-colocar as exclusões com tom de sala para torná-lo natural. Principais opções, certifique-se de gravar 30 segundos de tom de sala antes de iniciar a entrevista ou cena e logo após
o término da cena, porque
o tom da sala pode mudar com o tempo. Número dois, bata palmas no início da cena. Você conhece aquelas icônicas ardósias de Hollywood. Bem, você deve saber que eles marcam a cena, o que ajuda os editores de cinema a manter o controle de tudo. Mas essas ardósias também servem outra função crucial, criando marca permitida para que os editores possam facilmente sincronizar áudio com vídeo e postar. Key takeaway, bata palmas no início da sua cena para facilitar a sincronização de áudio mais tarde.
11. Conclusão do curso: Parabéns por terminar este curso. Espero que até agora você se sinta animado para ir
lá e fazer a transição do fotógrafo para cineasta. Se ainda tiver dúvidas, envie-as para mim, pois estou aqui para apoiá-lo. Se você quiser desenvolver seu filme e contar histórias ainda mais, confira meus outros cursos na página de perfil do meu professor, como meu curso de edição de vídeo do Power, Adobe Premiere Pro em 45 minutos. O que leva a aula tradicional de três horas e a condensa até seus itens essenciais de ouro para que você termine com edição refinada em uma fração do tempo. Muito obrigado por passar o tempo comigo e
desejo-lhe todo o melhor para a sua jornada cinematográfica.
12. Atualizações empolgantes: Ei pessoal, eu tenho duas atualizações emocionantes. A primeira é que eu criei um mapa do curso que liga todos os meus cursos de cinema e edição em sequência, você pode avançar com confiança como cineasta. A segunda atualização é que eu comecei um boletim informativo de um minuto que mostra inspiração curada e insights de alto valor sobre cinema, criatividade e arte da vida autêntica. Confira os dois na página do meu instrutor do curso.
Dandan Liu, Filmmaker | Contemplative Creative
