Transcrições
1. Trailer: [ MÚSICA] Olá. Hoje vamos fazer uma viagem comigo, menino malvado Julian. Esse é o meu nome, conhecido como professor de cinema do dia. Isso sou eu. Quando comecei a fazer filmes, não
havia YouTube, não
havia Skillshare. Eu fui para a escola de cinema e eu
disse, “Eu quero ser um diretor.” Então eu ainda não aprendi a fazer nada disso na escola. Então, quando saí da escola e tentei fazer meus próprios filmes, eles não saíram como eu os imaginava na minha cabeça. Porque fazer filmes é muito sobre os detalhes e tanto sobre assistir e aprender pessoas. Eventualmente tive que me tornar amigo de muitos cineastas, ir para a escola de pancadas duras como estragar tudo, fazer filmes ruins para aprender a fazer as coisas certas. Agora olhe para nós, estamos aqui. Espero poder compartilhar o que estou apaixonado e entusiasmado, que é fazer filmes. Eu ensinei uma aula de Skillshare antes e que se chamava 'Como fazer
filmes dope de baixo orçamento' , desde a escrita até a direção para a pós-produção, que é a edição. Certo para essa aula, só
quero focar na direção. Acho que sou eu massageando diretamente. Não sei o que minhas mãos fazem às vezes, peço desculpas. Há muita coisa que vai para essa direção. É muito técnico às vezes. Mas também é realmente imersivo e é sempre essa dança de
ida e volta que é preciso aprender os meandros de. É para isso que estou aqui hoje, é para realmente me concentrar na parte de direção do cinema. É por isso que estou super animado porque vamos aprender. Prove que sua mãe está errada. Ela acha que você não pode aprender. De qualquer forma. Tenho certeza que ela quer, ou talvez não. Vamos provar que alguém está errado.
2. Introdução e visão geral do curso: Olá, meu nome é Julian. Hoje vamos fazer uma jornada onde aprendemos o básico da direção e como direcionar o início. O que é realmente legal sobre esta aula especial hoje é que você vai realmente
me ver enquanto eu faço um filme especial só para você nesta aula. Vamos ver como eu vou nos bastidores e filmar um filme e vamos cortar isso com o que estou dizendo agora. Isso é fixe. Eu sou um fã de aprendizagem imersiva e esta é como minha primeira oportunidade de fazer isso com o Skillshare. Estou entusiasmada. O título desta classe é Dirigir 101: o 5 Filme Shot. Isso é porque vamos aprender a fazer o filme em cinco tiros. Então temos mais alguns lá dentro. Mas realmente o coração, a carne e o suco do nosso filme vão acontecer em cinco filmagens simples. Eu vou nos levar através desse processo e nós vamos
aprender tudo o que vai para dirigir. Isso é como configurar a câmera, como trabalhar com um diretor de fotografia, como você dirige os atores, qual é o sequenciamento que você faz, todas essas coisas divertidas que vamos aprender hoje e vamos vê-lo. Sim, vamos ficar entusiasmados. Vamos fazer a rolagem. Não sei se isso vai te ajudar a dirigir, mas você pode fazer o que quiser. Obrigado.
3. Projeto de classe: Então vamos falar sobre o projeto da turma. Você vai escrever um roteiro ou fazer um esboço de um tiro que envolve dois estranhos que entram em conflito um com o outro. Então você vai filmar aquela peça que você tem, seja lá o que for, e você tem cinco fotos para fazer esse filme. Você pode fazê-lo em seu iPhone, você pode fazê-lo em um bom telefone, você pode fazê-lo em qualquer coisa que você quiser, desde que ele grave coisas. Não faça isso com sua avó, você sabe que isso não grava coisas. E mais uma coisa a aparecer logo após este vídeo é o meu projecto da turma. Veja, eu fiz o meu próprio, eu bebo meu próprio Kool-Aid, e eu fiz um curta-metragem onde a maior parte da história é contada em cinco tiros. Fiz alguns extras, não diga nada. Escreva um cabeçalho. Não gostamos de regras aqui. De qualquer forma, aproveite, e então nós vamos fazer referência mais tarde quando a aula acontecer. Obrigado.
4. Projeto de Exemplo: The Moment (O Momento): Então este é o filme de cinco tiros que eu fiz especificamente para Skillshare para que vocês possam ver como vocês veem o processo de mim, Julian, dirigir e criar um filme. Nota, Levou cerca de uma hora e meia para filmá-lo, um dia para editar e apenas um pouco de tempo de ensaio. Você pode fazer algo assim sozinho. Vá em frente, olhe, eu disse o suficiente. Agora, se eu não disser alguma coisa. Vou estourar porque isso foi loucura. Talvez eu esteja interpretando mal. Porque acho que tivemos algo agora. Não. O que? Não banque o tímido. Você está jogando tímido. Eu nem sei o seu nome. Então eu sou louco. É isso, estou louco? Ok. Acho que tivemos um momento. Isso não aconteceu. Tudo bem, só tivemos um momento. Nós fizemos, não foi? Tivemos um momento. Isso é ótimo. Momentos, eu os amo.
5. Como escrever sua cena: Então eu não quero que você se concentre em escrever muito. Porque, nós pensamos, “qual é a minha história? Como é que vai ser?” Há muita coisa que vai junto com isso. Há um modelo básico que vamos
seguir que vai permitir que você faça um filme de cinco tiros. Primeiro, a nossa história começa com dois estranhos e, em seguida, surge algum conflito entre estes dois estranhos e é aí que a carne da nossa história acontece. Começamos com estranhos, depois há tensões, há um conflito, e depois temos uma resolução. Sua resolução não tem que ser como um show de comédia de sketch onde só resolve e eles se abraçam. Pode ser uma resolução anti-resolução. Quero que se concentre em contar histórias interessantes. Isso é como a abordagem Mad Libs para roteiristas e eu acho que podemos preencher qualquer desejo de nosso coração e é amplo o suficiente para você fazer algo interessante. Uma coisa que é importante nas nossas histórias ter
certeza de que há subtexto lá dentro, ok? Há algo não dito, então há tensão no conflito, mas talvez essa tensão seja sobre algo mais profundo. Talvez um personagem esteja esperando online e ele esteja muito zangado e realmente não esteja zangado por estar esperando online. Ele está com raiva porque seu amigo está doente e como
revelamos que talvez aconteça quando há uma briga entre duas pessoas, quem sabe. Subtexto é realmente interessante e faz uma cena apenas pop. Essa é a primeira coisa que você precisa fazer.
6. Aprenda a fazer a pré-produção: Então esta é uma aula de direção. Como eu disse, esta não é uma aula de escrita e não é realmente uma aula de pré-produção, mas precisamos rever algumas coisas antes de fazermos o nosso filme. Primeiro, você escreve o filme. Foi sobre isso que falámos no projecto da turma. Então, você deve lançar seu filme. Se você conhece alguém que é um ator incrível, talvez adapte sua cena para ele ou pergunte aos seus amigos quem eles sabem que é realmente super talentoso ou vá fazer um Craigslist ou um post nos bastidores e tente encontrar alguém dessa maneira. Use todos os recursos que puder para tornar seu filme interessante. Para o filme que eu fiz, eu ouvi sobre Theo e ele era um ator estranho e
interessante, e eu pensei, eu sei
que eu tenho que trabalhar com esse cara de alguma forma. Escrevi o guião e disse “Theo seria muito bom. Ele leu a cena comigo. Fizemos um ensaio e ele foi incrível. Em seguida, o outro papel, eu coloquei uma chamada de elenco na Craigslist onde as pessoas enviam um vídeo deles dizendo: não. Eu realmente tenho uma boa sensibilidade de quem ele era. Eu liguei-lhe. Nós conversamos um pouco e eu o escolho porque nós realmente nos conectamos assim. Simples assim. Isso é o elenco. Número dois, ensaiando. Se tiver tempo, ensaie as cenas com seus atores. Com o meu filme, com Theo e eu passamos pelo roteiro. Eu vi que o que ele era realmente bom, que era ser muito honesto e vulnerável e mudou a direção do que eu queria para este filme por causa disso. Escotismo de localização. Há muitas maneiras diferentes de fazer isso. Eu sempre digo escrever um local ao qual você tem acesso para que você nem sempre tenha que estar na ponta dos pés em torno da localização de alguém que você realmente não tem acesso. É uma experiência estranha. Você quer se sentir confortável e livre enquanto está fazendo filmes. Não como se estivesses numa prisão. Talvez esse seja o seu trabalho. Talvez essa seja a sua casa, e talvez seja em algum lugar ao ar livre, como um parque. Eu filmei nossa cena especificamente na varanda porque é onde eu moro. Eu originalmente ia filmá-lo em uma loja vintage. Mas a loja vintage não tinha espaço suficiente e eu queria ter
certeza de que poderia levar o tempo que eu precisasse. Se você está indo para ir para um lugar para filmar sua cena, eu digo ofereça-lhes, veja se você pode escapar com apenas 50 dólares ou talvez 75. As pessoas estão muitas vezes muito felizes em ajudar, mas você só tem que andar por aí. Seja confiante. Peça às pessoas uma localização. Os locais são importantes e você quer se certificar de que eles podem adicionar a uma cena. Listagem de tiro. Você escreve um script, e então você deve entender quais tiros vão corresponder com quais linhas do diálogo. Talvez você tenha um tiro principal, um tiro médio, outro tiro médio, e depois dois closeups. Está bem. Foi exatamente o que fiz pelo filme que fiz. Então você pode preencher com close ups ou quaisquer outros detalhes que você precisa para completar seus cinco tiros. Agora, se você está fazendo coisas como, tipo de corte. Para quando filmamos um filme, cortávamos algumas coisas que estão no chão ou que estão na cena. Isso é bom. Eu nem sequer chamo isso de tiro. Está bem. Então eu só quis dizer que a maior parte do nosso filme vai acontecer em cinco cenas. Planeje cinco cenas em que você vai fazer o seu filme. Como eu disse, você pode filmar isso no seu iPhone e pode ser só você fazendo isso. Ou pode contratar pessoas para fazer o seu filme. Quando você contrata pessoas, você contrata um diretor de fotografia na maior parte do tempo. Eles são a pessoa com a câmera. Você paga ou não, talvez eles sejam seus amigos. Isso seria super legal. Eles vão compor e filmar sua cena. Você tem que ter uma relação de trabalho com essa pessoa e você tem que comunicar claramente exatamente o que você quer. Eles estão lá para executar sua visão, mas você também está colaborando com eles. Então você não pode ser um ditador para eles porque é um empurrão. Você meio que diz a eles o que você está procurando e então eles ajudam a alcançá-lo. Então você dá notas a eles. Mas você também não deve ser subserviente a essa pessoa. Eles não deveriam dizer, “Eu consegui”, e depois fazer o que quiserem. Você está no comando do set de filmagem e tem a palavra final. Você é o diretor. Então, trabalhe com seu diretor de fotografia para criar uma visão do que você está vendo e como você quer que ele se pareça. Como você quer que se sinta? Quando você faz seu filme, saiba tudo sobre ele. Quero que conheças todas as tuas batidas e quero que saibas todas as palavras. Você precisa fazer o máximo de preparação possível antes para que você possa ter uma visão muito específica em seu cérebro de como sua cena precisa se parecer. Tudo isso é importante porque isso vai ajudá-lo a ser o melhor diretor que você pode ser. Então, quanto mais tempo você pensa sobre isso, mais coisas você planeja, mais coisas você escreve, até mesmo como referências. Tudo isso realmente ajuda a criar sua cena e dar detalhes a ela. Este é o momento em que falamos sobre o projeto da classe. Só para recapitular, há cinco coisas que você precisa fazer antes de fazer seu filme. Elenco, ensaio, reconhecimento de localização, lista de tiro e contratação de pessoal.
7. Direção no set de filmagem: Uau, você sabe que horas são? Está na hora de fazermos a parte de dirigir esta aula. Então você vai me observar, isso é um imersivo, enquanto eu faço o projeto junto com essa coisa de falar que eu faço. Super empolgante porque veremos do início ao fim o que é ser diretor. Passo 1, diga às pessoas quando devem vir e cumprimente-as. Faça como um desses, aperte as mãos deles ou o que quer que faça. Mas você está lá como um diretor, você lá como um embaixador, se você notar as pessoas, isso é legal, obviamente, apenas ser regular. Mas você está lá para fazer as pessoas se sentirem confortáveis, especialmente se você é diretor de fotografia em seus atores. Quanto mais confortável as pessoas estiverem, melhor elas vão trabalhar. Então você tem que criar um ambiente onde as pessoas estejam confortáveis. Muitas vezes é bom ter comida, algumas bananas, um pouco de café, e depois ir lentamente para o que você vai fazer para o dia. Uma gorjeta profissional. Mentir para as pessoas sobre a hora de começar. Porque as pessoas adoram chegar tarde. Não sei porquê. Mas as pessoas adoram chegar tarde. Na verdade, eu sei por que eu estou atrasado às vezes também, só porque as pessoas são ruins no momento. Shaheem estava uma hora atrasado, mas não importava porque menti para ele sobre a hora que precisávamos começar. Dica profissional. Quando todos estão lá, você precisa fazer uma coisa básico.Você precisa dizer a todos como a corrida para baixo para o dia vai parecer. Isso é muito importante porque as pessoas gostam de ter uma idéia do que estão fazendo e quanto tempo alguma coisa vai levar. Sempre que um veio, eu dei uma pequena conversa animada e eu vou dizer a todos, primeiro, que queremos estar lá fora, vamos filmar a nossa mestra. Então vamos nos aproximar da maior parte de tudo que ia acontecer dentro do nosso close-up médio. Então nós vamos atirar cinco tiros, e então nós vamos terminar. Deixo as pessoas terem uma ideia do que vai acontecer e depois quando vão comer. Porque as pessoas realmente todo tipo de perguntas
irritantes em vez de se concentrar na arte, mas é como válido para eles. Mas eles são como, “quando a comida chegar”. E eu: “Por que você está falando assim? É uma maneira muito estranha de perguntar sobre comida.” Mas eles vão ser como, “Estou com fome” e eu sou como, “ok”, e eu sou como “Eu estou tentando fazer arte”. Mas, de qualquer forma, se você contar às pessoas antes do tempo, então elas não fazem perguntas. É por isso que eu sempre digo para revisar o que você está fazendo. Depois de ver como cena vai ser,
então vá para onde quer que seja a sua localização e converse com seu diretor de fotografia primeiro, onde é que isso vai acontecer? Em seguida, eles vão começar a iluminar a cena ou configurar a câmera, descobrindo qual lente combina com a foto. Vamos falar sobre lentes um pouco mais tarde. Isso é uma coisa técnica importante. Mas você dá a alguém essa idéia básica de como você quer que o primeiro tiro se pareça. Eu gosto de usar microfones de Lalier e [inaudível] mostrar aqui só porque isso é ótimo filmar, mas muitas vezes você só grava um microfone no plex solar de alguém, nesta área aqui. Você pode fazê-lo com fita de gaffe ou seu especial como fazer fita que você começa e, em seguida, você ligá-lo em um receptor externo como um H estrangeiro, e você faz isso com o outro personagem. Adoro microfones de lavalier. Algumas pessoas não gostam de lav de microfones. Eu não entendo completamente por que, mas eles soam tão bem e isso realmente dá seu personagem como um umph para suas vozes. Você vai microfone as pessoas antes do tiro e se você tem uma pessoa de som, usa uma pessoa de som se você pode pagar,
é tão útil, ok, você não deve se concentrar no som. Eu não tinha uma pessoa de som, mas isso é porque eu já fiz isso antes e eu sei como microfone pessoas. Se você também não sabe como microfone há vídeos do YouTube, obter dois amores e um receptor, e então você apenas bateu gravar. Aí vem uma coisa muito importante. Encontre seus atores. Você os configura no quadro onde eles deveriam estar e você passa por cima do bloco. O que está bloqueando? Bloquear é direção básica sobre onde, as pessoas devem se mover dentro da cena. É muito importante que seus atores entendam onde ficar, onde estão suas marcas. Muitas vezes, tipo, “onde está a minha marca nesta cena?” Isso significa exatamente onde eles devem ficar e o que estão fazendo. Ação. Para fazer o bloqueio corretamente, você tem que olhar atrás da câmera e você teria que direcionar
os atores para que eles saibam exatamente onde eles estão naquele retângulo, para que fique bem. Você sempre dá notas entre as cenas sobre o bloqueio com frequência, mas uma vez que um ator recebe, eles entendem. Eu sabia na minha cena que Theo viria subir os degraus, e você olhava através da encurvada obsoleto. Então sua cabeça subia e ele visse os olhos com Shaheem. Então tive que me certificar de que preparamos nossa chance e que Theo andasse perfeitamente. Mas então lá ele não estaria fora do quadro ou ele não estaria muito longe no quadro. Foi quando fui com o Theo e montei ao Shaheem exactamente onde ele estaria sentado e o que estava a fazer. É sempre importante que as pessoas saibam o que estão fazendo. Você como diretor, seu trabalho é garantir que as pessoas saibam o que estão fazendo porque você está trabalhando com uma equipe e você é o chefe dessa equipe. Você é o chefe de uma equipe. Isso é legal. Tom do quarto, é muito importante que você tenha o tom do quarto. Isso somos nós recebendo o tom do quarto porque há uma máquina cantarolando
no fundo. O que é o tom do quarto? O tom da sala é de 30 segundos de áudio onde ninguém está falando ou é apenas o som ambiente na cena. Estávamos lá fora e havia carros passando, e também às vezes há um avião acontecendo lá em cima. Então queríamos ter 30 segundos ou, às vezes, mais tempo disso acontecer, todo mundo ficava quieto e você grava o tom da sala ou o tom de fora, e você tem 30 segundos disso. Então, quando você está editando seu filme, você coloca esses 30 segundos em um loop. Então isso está por trás de toda a cena. Sempre que você corta para outro tipo, então eu compensar o meu tiro largo e um carro está chegando e então quando eu cheguei ao meu tiro médio, o carro não é a sua vinda e isso pode ser realmente chocante. O que você tem é este tom de sala atrás de lá para criar suavizar os cortes entre as cenas. É muito importante. Você precisa de tom de quarto. Dica profissional. Você faz microfone,
você as configura,
você passa por cima do bloqueio, seu diretor de fotografia configura a primeira foto, certifique-se de que é exatamente o que você quer que seja. Então você está quase pronto para bater, que como a forma como os filmes são feitos. Você não pode fazê-los sem bater recorde, mas antes de bater gravar, há algo que você faz. Ou você ou seu diretor assistente, e diretor assistente apenas ajuda a gerenciar o set e certificar-se de que tudo vai na hora certa. Se você não tem o dinheiro para um, você é seu próprio diretor assistente, eles vão para a frente da câmera e eles vão -. Muito no set Atores você está pronto? Eles vão se virar para eles e dar um pouco de aceno ou algo assim e então eles vão embora. “ Câmeras, estão filmando?” E então isso significa que a pessoa da câmera bate o recorde e eles dizem de volta para você, “rolando”. É muito importante que você tenha essa troca. Sei que pode não parecer muito, mas aconteceu em grandes sets onde alguém
diz “oops, eu não gravei” que muitas vezes porque eles não tinham aquela troca verbal. A outra coisa que você diz é, “som, velocidade” e eles vão “excesso de velocidade”, o que significa que eles estão gravando também. Ambas as pessoas que têm que fazer a coisa mais importante, que é gravar vídeo e gravar som, eles têm que confirmar para você que eles estão fazendo isso. Uma vez que eles fazem isso, você diz: “Cena 1, tomada 1.” Se é a sua primeira tomada, então o aplauso permite que você, quando você está fazendo vídeo de pós-produção, sincronize seu áudio com o vídeo porque você tem uma referência visual e as mãos vão bater palmas. Então haverá um pico no áudio, e então você emparelha esses dois juntos. Muitas vezes as pessoas fazem uma ardósia e ele vai ter essas coisas escritas lá. É por isso que fazem isso. Você bate palmas, mesmo que você não tenha uma gravação de áudio para fazer, basta fazê-lo de qualquer maneira. Ele se sente bem. Uma vez que você configurar a cena e você andar atrás da câmera, você se certifica de que todos estão prontos e cena está quieto, você olha para trás da câmera. É uma grande gorjeta profissional. É uma obrigação, você deve concentrar toda a sua energia e todo o seu pensamento naquele pequeno retângulo. É o que está acontecendo lá dentro? Como é que parece, há muita luz ali? É aí que sua energia e é aí que seu foco está, o retângulo. Muitas vezes, é útil se você tem um monitor maior, mas se você não se contentar com o que você tem. Uma vez que você está olhando para trás do retângulo, todos definam que é quando você pára e você chama, “ação”. Adoro ouvir isso, é bom chamar ação. Você está no comando, você no poder. É quando a cena começa, quando você chama ação, e seus personagens vão passar por sua cena. Eles vão fazer o primeiro run-through e no primeiro tiro,
que é o seu tiro principal, deixá-los fazer a cena inteira a menos que eles estraguem completamente tudo. Deixe-os ir para frente e para trás, deixe-os fazer isso e deixe-os obter essa energia nesses reis. Quando eles fazem a cena deles, você está olhando para trás. Não os interrompa. Quando terminar, e esta é outra dica profissional, dê tempo antes de chamar corte, deixe ser completamente feito, e então você chama 'corte'. É quando todos param de gravar. Dê tempo a si mesmo para ter certeza de que você pode obter mais. É por isso que você espera um pouco para chamar o corte. Essa é a sua primeira tomada. Aqui é onde a arte de ser um diretor acontece depois de sua primeira tomada. É onde você faz ajustes. Theo, eu sei que não estava no lugar exato. Ele não estava centrado para o que fez composição interessante para mim. Então eu tive que voltar a falar sobre como ele deveria fazer o bloqueio um pouco diferente. Eu disse a ele que ele deveria dar a volta na esquina e ficar bem ali. Eu queria que meu outro personagem, Shaheem, estivesse um pouco mais focado na leitura, mesmo assim engajado com Theo. Então você está fazendo ajustes. Você está trabalhando com o ator ou ajustando o bloqueio, você está ajustando a câmera, você está ajustando a luz que você está deixando entrar, talvez você ouça a reprodução do som e você ajustando talvez como níveis ou onde é microfone, Você está sempre fazendo pequenos ajustes. Isso é o que um diretor faz. É assim que você faz cada fita melhor, ouvindo. Uma vez que você tenha tudo configurado e exatamente como você quer, faça a mesma coisa.” Atores de início silencioso, estão prontos? “ Câmeras são você velocidade”, “câmeras você está rolando” e eles dizem, “rolando”,” Velocidade do som” .Eles dizem, “velocidade”. Então você diz, “cena 1, pega 2" e você anda atrás da câmera, todo mundo fica pronto e você chama, “ação” e acontece de novo, simples assim. Agora, faça isso até acertar. Mas a coisa é, você não pode gastar para sempre, especialmente na sua primeira tomada. Odeio perder tanto tempo porque o tempo é um recurso finito, eu estava prestes a dizer infinito, e isso teria sido tão errado, você deve ser diligente com seu tempo.
8. As cinco tomadas: Revisamos tudo o que você faz para sua primeira chance. Mas quero falar um pouco mais sobre o tiro principal. O tiro principal é uma coisa incrivelmente importante no cinema. tiro principal é o tiro largo que permite que sua cena completa aconteça. Isso significa que você está assistindo seus dois personagens neste tiro largo. Como fazer toda a cena que está acontecendo, e você sempre começa com essa foto porque digamos que algo terrível acontece como uma vez eu tive um backup de ônibus por 45 minutos. Eu fui um caminhão na verdade por 45 minutos e não conseguimos um áudio limpo, mas eu tenho uma foto principal que era boa ou talvez você estivesse atrasado e você só teve tempo para tirar uma foto de uma cena. Se tiveres a tua fotografia principal, pelo menos
tens a tua cena que é uma dica profissional. Certifique-se de obter o seu mestre tiro primeiro. Período. Mas eu não gosto de usar fotos principais para fazer a maior parte do meu filme. Eu gosto da maioria das cenas que eu estou fazendo, especialmente entre personagens para acontecer em suas fotos singulares que é apenas como média ou média largura ou close up em um dos personagens. Porque há mais edição que posso fazer, mais variantes e tomadas. Não passo muito tempo na minha mestra. Se não acabar perfeito, tudo bem. Nem todos os pedacinhos precisam fluir perfeitamente. Você acabou de configurar este tiro e que sempre vai ser o seu primeiro tiro, mas ao mesmo tempo, você pode querer perfeito olhar mestre tiro. Woody Allen vai fazer suas cenas, vai segurar, apenas ter cenas inteiras e um realmente lindamente bem iluminado mestre tiro, e ele apenas deixou seus atores ir. Tudo depende do que você está fazendo e qual
é a sua visão para mim e para a cena que fizemos aqui hoje, eu não queria não me concentrar na foto principal porque não era onde a maior parte da cena eu sabia como eu queria olhar e edição. Não era nisso que eu queria me concentrar. Eu queria estar lá com o único personagem principal. Tiros mestres. Eles são importantes. Agora, o sequenciamento de seus tiros, é por isso que você atira seu tiro principal primeiro. Então atire nosso tiro principal e então nos aproximamos. Você se aproxima mais e mais perto de seus personagens. Então, na segunda foto que fiz no filme, eu queria ter um close-up médio sobre Theo. Este foi, de longe o tiro mais importante da peça porque Theo tinha a maior parte do diálogo. Ele era a pessoa dirigindo esta cena e eu queria que ele tivesse máximo de tempo possível nesta foto para experimentar coisas novas. Então foi lá que passei a maior parte do meu tempo, e uma vez que eu tive aquela foto e eu toquei naquele segundo, porque uma vez que eu consegui isso, eu sabia que minha cena poderia ser boa e eu sabia que era realmente bom porque Theo fez uma incrível trabalho naquele tiro e que é onde a maior parte do meu corte iria acontecer. Planeio isso como a minha segunda hipótese só para ter a certeza que conseguimos isso e eu tinha o máximo de tempo possível a fazer isso. Depois disso, porque estávamos ali e usávamos a mesma lente para o terceiro tiro, fizemos os close-ups do Theo. Tudo o que eu literalmente tinha que fazer era mover a câmera para lá. Então essa foi minha terceira chance. Então nós viramos a câmera e chamamos isso de tiro, tiro reverso, e nós levamos um tiro médio Shaheen, aquele que corresponde ao segundo tiro de Theo. Principalmente quando eles atuam para frente e para trás, você vai ver Shaheen naquele tiro médio. Foi um tiro importante, mas ele não era um personagem central para a história, mas ele não tinha tantos diálogos. Posso mandá-lo ir depois que o Theo Shoes tiver um close-up médio, médio. Depois filmámos de perto dele. Essa era a maior parte do cinema. Período. Essa foi a maior parte dos nossos tiros. Era um filme de cinco tiros. Nós temos tudo lá dentro e eu só fui capaz de tirar o meio dele de perto e então apenas me mover um pouco mais simples. Mais uma vez, o tempo é um recurso finito em um set de filmagem, você deve ser capaz de passar e planejar judiciosamente o que você vai passar o tempo fazendo.
9. Como dirigir os atores: Dirigindo atores. Esta é uma parte crucial da produção de filmes. Você tem que ter certeza que eles se sentem confortáveis e eles estão se sentindo bem com o que estão fazendo. Então eu sempre animo as pessoas. Ok? Você está lá como diretor, você tem que manter as coisas positivas. A maioria das pessoas não funciona bem com feedback negativo. Não diga: “Gosto do que está fazendo, mas acha que podemos fazer isso com um pouco mais de paixão?” Isso não ajuda. Ok? Porque o “mas nessa cláusula negou tudo o que veio antes disso. Ninguém ouve que gosto do que estás a fazer. Eles apenas ouvem o mas, e depois o feedback negativo. Então eu diria para tomar a abordagem especialmente como um diretor de sim, ok? Gostei do que estava fazendo. Nós realmente batemos algumas notas importantes lá e eu estou pensando, desta vez, ser um pouco mais de fogo, me
dê um pouco mais de paixão, mas mantenha a paixão em seus olhos. Eu quero que você realmente sinta isso. Então é assim que eu adoro dar feedback às pessoas, mesmo que seja meu diretor de fotografia ou para meus atores. Estamos sempre tentando manter algo positivo. Você é o líder, este é um processo divertido para fazer um filme, mantê-lo positivo. Mesmo que
finja, tente não fingir. Mas você precisa ser o líder. Então eu tive várias vezes em que um ator realmente se deita a si mesmo ou algo acontece, e alguém simplesmente não está lá e não está presente. Então, aqui está a minha dica profissional neste cenário. Puxe alguém de lado, tire um pouco de tempo, se ele não estiver lá, não estiver presente, tenha uma conversa com ele, envolva-o. Ser diretor não é só latir suas ordens. É sobre ouvir outras pessoas. Então deixe alguém falar, deixe-o estar presente, e depois ajude-o a redirecionar qualquer energia, quer esteja nervoso ou triste em seu processo. Você é como um Mestre Tai Chi. Você está lá para redirecionar energia e deixar as pessoas serem livres. Então esse é sempre um bom conselho que eu posso dar a vocês para apenas encurralar a energia em um set. Uma das maiores notas que você quase sempre vai ter que dar aos atores é, eles vão ser um pouco grandes em seus gestos ou fazer algo realmente grandioso, e na maioria das vezes um diretor sempre tem que ser como, você
pode fazer isso um pouco menos? Isso não ajuda muito. O que eu preciso que você diga é para ser mais específico. Então, se suas mãos estão se movendo demais, eu vou até eles e vou dizer algo realmente simplesmente como, “Você pode fazer isso, mas mais em seus olhos.” Tome essa confusão em vez de olhar ao redor assim. Mantenha o foco do corpo e ainda me mostre isso em seus olhos. Você tem que ser capaz de dirigir atores e ser muito específico sobre o que você quer deles. Se você está pedindo a eles para fazer menos, diga a eles que façam menos, mas faça-os ter um foco. Ok? A outra coisa é é sempre importante que um ator tenha algo a ver. Então, se estou nervoso ou se estou fazendo uma cena, é sempre útil fazer algo com um adereço. Isso me tira de fazer como ator,
isso como um grande gesto, onde eu estou nervoso e eu sou como [inaudível]. Isso é um ato nervoso. Em vez disso, eu posso realmente colocá-lo em um detalhe visual. Eu não fiz uma quantidade enorme de dirigir no
tiro principal porque eu sabia que não era lá que eu ia passar a maior parte do meu tempo. Eu fiz muito da minha direção no close-up médio. É por isso que estou atrás das câmeras. Estou olhando para eles e deixei a cena acontecer. Alguns diretores, eles vão chamar atores bastante iniciantes que estão prontos, cena um, tomar uma ação. Se algo estragar tudo eles vão cortar e eles vão refazer a mesma coisa uma e outra vez. Eu não faço isso. Isso faz com que seja um pouco mais chato para o editor porque eles têm as coisas do catálogo. Deixei a câmera continuar rolando. Então, depois que meu ator no meio de perto, há uma chance importante que eu sei que eles vão fazer um monte de atuação em, faz uma fita completa. Então eu começo a dirigi-los enquanto a câmera está rodando. Então eu vou ser como, “Theo, tente essa linha novamente, tente isso um pouco diferente, tente isso talvez um pouco mais em seu corpo. Talvez use menos mãos.” Então eu vou deixá-los fazer como duas linhas ou algo assim, e então eu vou interrompê-los porque eu sei que quando eu estou editando, tudo que eu preciso é de duas ou três linhas, e então eu vou cortar para outra coisa. Vou cortar para o outro personagem. Então você pode meio que interromper um ator para ajudar, persuadi-lo a ter um desempenho melhor. Assim você não tem que esperar até o final da cena e dizer: “
Jack, você pode mudar isso? Você não pode simplesmente mudar isso. Não. Você quer ter certeza de que está acontecendo. Bem, aconteceu, mas você também dá a eles a liberdade de fazer
a cena completa porque alguns atores gostam de entrar em um ritmo. Tudo depende de com quem você está trabalhando. Mas quando dou notas, sou muito específico. Estamos tentando coisas novas, mas também estamos tentando ter certeza de que estamos conseguindo de uma maneira. Então, às vezes, a performance é um pouco maior e eu sou como sim ir para isso ou às vezes como razoavelmente feito, e nós estamos passando pela cena. Assim que nos
separarmos o suficiente, passamos para as próximas linhas. É assim que eu estou dirigindo meus atores, eu realmente estou deixando eles fluírem e trabalhando com eles, mas dando-lhes uma direção específica ao mesmo tempo. Sê específico, está bem? Além disso, às vezes é muito bom ter linguagem
florida ou você pode dar a um ator algo como, eu quero que você seja mais como um tigre enrolado quando você está fazendo a cena. Eu amo isso. Eu também sou ator às vezes. Então, quando alguém me permite ter essa interpretação poética das palavras na cena. Você pode realmente gostar de me irritar. Isso é uma gorjeta pró-profissional. Seja poético. Como ator, não me dê muita informação. Só um pouco de cada vez ou duas coisas de cada vez e deixa-me gabar-me. O que tem aí dentro? Uma boa tomada. Por quê? Porque você me deu espaço para balançar um gato. É o que eu sempre digo, preciso de um pouco de espaço para balançar um gato. Há uma pequena marca que disse isso uma vez e eu uso essa linha. Que é que preciso de um pouco de espaço. Além disso, deixei meus atores improvisar um caso. Mas, tentamos as cenas uma vez como estão, mas então eu permito que ele ou ela ou eles façam
a cena da maneira que eles sentem que está atingindo eles na hora. Isso dá espontaneidade. Nunca se sabe o que acontece quando alguém melhora. Você está sempre tentando coisas. Ok? Outra nota importante sobre atuar. Muitas vezes, as pessoas sobrescrevem coisas e você não precisa de diálogo. Então quase sempre terei meus atores em uma de suas falas não-verbalmente. Considerações não-verbais podem ser como eu estou bravo com você ou Lie-Cube que é tão bom como cara de raiva ou eu amo cubos de gelo cara de raiva. Como por isso você entende que estou chateado com você contra eu estar tipo, “Estou chateado com você”. Ok? Não verbal. Aqui está uma tomada
verbal de você cheira mal como “Você cheira mal. Versus como. Isso está bem? Sim, então isso pode ser como se você estivesse bem ou poderia ser tipo, foi uma má atuação. Eu sou incapaz de fazer isso. É por isso que você faz várias tomadas porque eu sou um bom ator, mas pelo menos eu gosto de pensar que sim, mas às vezes eu não sou incrível. Algo ao longo das linhas disso. Quando você tem essa tomada não-verbal, você pode usá-lo em sua edição. Aposto que vamos usar um monte de tomadas não-verbais assim como esta coisa de ida e volta porque tanto pode ser transmitido não-verbalmente que você acha que precisa de palavras para. Você não precisa de palavras para tudo. Ok? Atuação não-verbal. São as minhas coisas. Isso é outra dica profissional. Certifique-se de obter uma tomada de tudo não verbalmente.
10. Lentes e estilo visual: As lentes são importantes. Câmera VF DSLR, você tem a capacidade de mudar diferentes lentes. Diferentes lentes dão um efeito diferente, e é muito importante que você entenda o efeito de cada um. Você pode estar dizendo a si mesmo, Julian ou bad boy, Julian, o que eu preciso saber sobre lentes? Eu sou apenas o diretor. Isso é o que aquele nerd ou garota atrás da câmera deveria estar fazendo, e eu tipo, não. lentes são parte integrante de como você realmente faz sua cena parecer boa. Vou dar-te umas notas sobre como gosto das minhas lentes. Eu gostaria de apertado. Eu explico o que tudo isso significa porque parece confuso no começo. Gosto de lentes compridas e compridas com um baixo f-stop e uma ampla profundidade de campo aberto e
raso. Talvez esteja confuso, talvez saiba do que estou falando. Realmente simplesmente profundidade de campo superficial é quando há menos coisas e foco, ponto. Um foco mais profundo significa que há mais coisas e foco, ponto final. Isso é tudo que você precisa saber. Lentes largas permitem capturar um pouco mais amplo da cena. Mas eu não amo usá-los, mas às vezes você precisa usá-los. Por exemplo, eu os uso na cena que filmamos hoje porque eu queria tirar uma foto de toda a minha rua e ser capaz de ver os degraus castanhos. Às vezes eu realmente amo minhas fotos largas, e então você precisa de uma lente que seja um pouco mais larga, e isso é, em qualquer lugar entre 10 milímetros, que era como uma lente olho de peixe. Você vê como uma sala inteira para cerca de 24 milímetros onde é um pouco mais para dentro e você ainda vê uma sala ampla. Dois, lentes apertadas, lentes mais apertadas são cerca de 70 milímetros e para cima para 100 milímetros, eles estão muito ampliados. Neste momento, esta lente é de 85 milímetros. É ampliado em mim e você pode chegar até
200 milímetros a 300, até mais do que isso. Essas são aquelas lentes telefoto super longas. Na verdade, amei a aparência desses. Eu os amaria, eu os amo.. Eu amo usar lentes longas novamente em que um pouco mais. Estávamos em silêncio conosco, que acontece nos filmes, a propósito. Eu disse que gosto de usar lentes apertadas. Por quê? Aqui está uma coisa da veia. Às vezes estou na câmera, quanto mais apertada
a lente, os rostos mais magros. Eles realmente atiram modelos de maiô apenas com lentes longas como essa. Estou veia agora. Estou a 85 milímetros meu rosto está menos gordo. Vou para aqui mesmo. Eu realmente acho que isso realmente faz as pessoas parecerem melhores. Quando você tem uma lente mais larga, imagine que torna seu rosto um pouco mais largo. Quando você tem uma lente mais apertada, ela traz coisas. Lentes compridas e apertadas. Isso é em qualquer lugar de 50 milímetros para cima. Quanto mais apertado você for, mais ele o traz para a cena e quanto mais você é capaz de fazer, ele foca exatamente o que suas cenas sobre. Ele permite que você tenha mais obstruções em suas cenas e você pode ter como uma pequena coisa difusa no canto e que dá profundidade à sua imagem. Adoro profundidade de campo rasa, especialmente para close-ups. Porque quando você tem profundidade de campo superficial, quando as coisas estão embaçadas por trás de seu personagem, você está apenas focando no personagem. Você não está focado em todas as outras coisas por aí. Você só está olhando para essa pessoa e isso realmente cria um olhar cinematográfico interessante também. A dificuldade com isso é que, às vezes, as coisas estarão dentro e fora de foco. Você tem que ter certeza de que seu DP claramente se concentrou e então seu ator não está se movendo muito dentro e fora de foco. É muito importante que entenda. Pro tip é que o bloqueio corresponde com o quão superficial, quanto foco e como o assunto está em sua cena. Mas vou dizer que alguns DPs não gostam de se arriscar assim. Eles querem mais coisas em foco. Eu estava pensando que isso é brega e não faz com que pareça bom. Eu realmente não gosto disso. Eu sempre sugiro arriscar mais, correr mais riscos, manter a cena, você é baleado em uma profundidade superficial de campo. Observe que se você estiver trabalhando em um iPhone, você não tem essa habilidade. Um iPhones é um iPhone porque tem apenas uma lente e mantém tudo em foco. Você tem uma lentes variáveis em câmeras DSLR para que você possa ter diferentes focos e diferentes tipos de efeitos de lente. Você não tem isso no iPhone. Acho que o novo iPhone tem três lentes, mas não são. O que eu estou falando, onde você pode colocar as coisas dentro e fora de foco. Foco permite que você se concentre no que é importante.
11. Recapitulando o projeto e outras informações: Quero deixar-te com isto. É muito simples, eu tenho uma mensagem muito simples que é que você pode fazer isso por qualquer meio necessário. Faça com um telefone, faça. Era uma câmera, faça com o que tiver. Você tem isso em você. Tudo que você tem que fazer é ser apaixonado, descobrir os detalhes e apenas ir em frente. Não pense demais. Tentei pensar o mínimo possível. É por isso que sou meio burro. Mas pessoas
estúpidas fazem coisas. Sobre pensadores são sempre como [inaudível] e eu penso demais às vezes também. Então não estou brava se você é um pensador exagerado. Mas vá lá fora e faça isso e se divirta um pouco. Faz de conta, aproveite essas coisas. Fazer filmes é ótimo. Estou orgulhoso de você. Vamos fazer isto. Este é o momento em que falamos sobre o projeto da classe. Vamos filmar a coisa. Você escreveu seu roteiro, entende a base da direção, e agora, estamos prontos para fazer um filme. Divirta-se com ele, esculpir o tempo. Faça todas as coisas que eu descrevi para vocês no início deste processo e apenas aproveite o processo de filmagens. Estás a fazer acontecer algo que só existia no teu cérebro. Então todo mundo pode assistir isso. Isso vai ser incrível. Estou orgulhoso de você. Faça o filme. Observe também que esta não é realmente uma classe de edição, mas você precisará editar isso em determinados pontos. Então eu recomendo que há tantos tutoriais de edição on-line e eu dou um breve primer sobre os conceitos básicos de edição na minha primeira aula. Quero dizer, filmes “Dope Low Budget”. Tudo bem, tenha um ótimo dia. Divirta-se. Faça esse filme. Você fez seus cinco tiros, você fez um filme. Você chama embrulhar. Estou muito orgulhoso de você. Sim, espero que tenha gostado disso porque estou super no processo de fazer filmes. Estou feliz por poder compartilhar com você o que me importo tanto. Se você tiver alguma dúvida, comentários ou preocupações, eu ficaria muito feliz em escrever de volta para você. É assim que eu escrevo. Eu estou apenas geralmente animado para ouvir ou ver qualquer uma dessas coisas e apenas para me envolver com você ainda mais. Então viva, levantando o telhado de novo. Vou levantar o telhado. Outro, este é o seu outro, e eu estou levantando o telhado. Sinto muito, não vou mais levantar o telhado. Foi levantado alto o suficiente. Ok, eu terminei. Divirta-se.
