Desenho para storyboards

1. Introdução: Oi lá. Bem-vindo à turma. Estou tão feliz que você se inscreveu e estou muito animado que vamos fazer essa jornada juntos para explorar desenhos para animação e storyboards. Neste vídeo de introdução, vou explicar como a aula é disposta para que você saiba o que esperar. Eu também vou te dar algumas dicas sobre como tirar o melhor proveito disso. Nos primeiros vídeos, vou falar um pouco sobre desenho no papel. Muitos alunos dos meus outros cursos desenham em papel, não em formato digital. Eu realmente queria aproveitar a oportunidade aqui para compartilhar algumas dicas e truques que podem ajudá-lo em seu processo de desenho, especialmente para storyboard. Também eu queria explicar como importar seu desenho para o Photoshop se você quiser pegar sua arte desenhada à mão e, em seguida, trabalhar nele em um formato digital. Em seguida, o resto da classe está em três seções principais; caracteres, planos de fundo e sequências de desenho. Quando se trata de desenhar personagens, vou mostrar-lhe a abreviação e as convenções de desenho que são mais amplamente utilizadas em toda a indústria de animação. Vou mostrar-lhe como posar seus personagens e também como desenhar emoções e expressões de caracteres fortes. Você não precisa ser um designer de personagens, mas você será capaz de pegar qualquer personagem que é dado a você e redesenhá-lo em uma infinidade de poses. Em seguida, na seção sobre planos de fundo, vou mostrar-lhe como visualizar rapidamente e facilmente uma cena. Também lhe darei uma visão geral da perspectiva de um artista de storyboard. Que perspectiva é, quando usá-lo em seu trabalho e também porquê. Na última seção, então vamos olhar para como colocar todas essas técnicas de desenho juntos quando estamos desenhando sequências para storyboard. Isso significa que imagens e ângulos você pode usar, quais padrões de storyboard são e quando você pode usá-los. Em seguida, finalmente, maneiras que você pode entender a linguagem visual do filme que você possa criar seu próprio estilo único para visualizar histórias, para fazer filmes e para animação. Durante toda a classe, há tarefas para você fazer. Você terá que desenhar uma folha posada de personagem, bem como desenhar fundos, e no final haverá um grande projeto de classe. Vou te dar o que se chama um pacote de diversão e um roteiro. Se você estivesse trabalhando em um estúdio de animação em um programa de TV, isso é provável que você receba. Um pacote divertido contém desenhos de personagens, bem como layouts. Eu também vou te dar um script de uma página que você vai começar a desenhar seu próprio storyboard do zero. Há muito para cobrir. Estou muito animada por você estar aqui. Eu acho que esta aula vai ser uma excelente adição ao seu conjunto de habilidades visuais e criativas existentes. Isso abrirá portas para que você promova seu trabalho e até mesmo seu caminho de carreira. Obrigado por se juntar a mim nesta jornada de desenho. Vamos mergulhar. 2. Desenhando em papel: Uma grande parte de alunos em ambos os meus cursos de storyboarding realmente fazem seu trabalho no papel. Eu queria encorajá-lo que se você não tem software ou equipamento para desenhar digitalmente, então você ainda pode fazer storyboards com lápis e papel. Para materiais, você pode usar qualquer coisa que você realmente gosta. O básico seria papel simples no seu caderno de esboços e alguns lápis. Mas você pode até usar uma caneta, ou um marcador, ou uma vara de carvão, lápis de carvão, se isso funcionar para você. Tenho uma borracha amassada. Mas se você tem uma borracha normal, normal , então tudo bem também. Eu queria compartilhar uma dica com você para desenhar à mão se você está desenhando storyboards. Especificamente, isto é, em vez de trabalhar no seu caderno de esboços, você pode usar apenas uma pilha de papel cartucho ou papel de impressão. Este é o papel da nossa impressora doméstica. É tamanho padrão, peso padrão. A coisa sobre isso é que você pode usar muitas e muitas folhas de papel e você não está trabalhando em papel de rascunho caro. Agora, obviamente, a coisa sobre desenhar digitalmente é que você tem um monte de escopo para alterar seu desenho, ou exclusão, ou até mesmo refazê-lo. Você não tem essa opção com lápis e papel. Meu conselho é esboçar suas linhas de construção ásperas muito levemente ou desenhar seus esboços ásperos separadamente e depois redesenhá-los com detalhes mais precisos. Acho que a chave é trabalhar o máximo que puder. Você pode começar suas linhas de construção. Nem sei se consegues ver isto, de forma extremamente leve. Entenda onde vai, o que vai fazer com seu desenho. Então você pode voltar e colocar em uma linha mais definida. O que costumávamos fazer antigamente na escola de animação, quando eu estava estudando animação, que se tivéssemos que desenhar no papel, usávamos um lápis azul ou vermelho para o esboço inicial, e então íamos sobre ele com um lápis de chumbo. Agora, a marca que usávamos naquela época chamava-se Lápis Col-Apagar. Eles tinham uma borracha na ponta e você poderia obtê-los em cores diferentes. Eu não tenho certeza, eu não estou 100% certo por que usamos lápis de cor, mas eu poderia estar errado aqui, eu acho que tem a ver com isso nos velhos tempos de animação desenhada à mão, eles costumavam fotocopiar desenhos muito. Eu acho que se você desenhar com um lápis azul, as linhas não são copiadas quando você fotocopiá-las. Não tenho 100% de certeza. Não me cite nisso, mas acho que foi daí que veio a ideia. O que você faz é digamos que estamos desenhando um painel de storyboard e temos alguns painéis exatamente como esse. Eu não tenho um lápis Col-Erase, eu só tenho um vermelho, mas é o mesmo princípio. Vou esboçar rapidamente na minha composição, ver o que eu quero neste quadro. Estou fazendo a coisa padrão que sempre faço. Olha, aqui está uma paisagem com uma árvore. Não vai ser muito interessante, mas quero que entenda a ideia. Então digamos que temos um close-up do cowboy do curso de storyboarding anterior, temos o seu close-up lá. Talvez ele esteja olhando para a arma em suas mãos. Temos aqui um close-up extremo da arma dele. Então o que vemos na final? Talvez voltemos para a paisagem. Eu inventei isso completamente. Isso não tem nada a ver com nada, mas eu estou apenas mostrando isso para que você possa ver como você pode trabalhar com um lápis colorido e depois revê-lo. Eu vou levar, este é apenas um lápis para B. Mas digamos que descobri o que quero nestes desenhos. Eu vou dizer, “Agora eu posso apenas escolher uma linha e trabalhar muito limpo, com muito cuidado.” Temos colinas ao fundo. É uma boa maneira de trabalhar. Você tem um guia embaixo de uma cor diferente. Mesmo se você desenhar escuro o suficiente com seu trabalho de linha, você provavelmente poderia voltar e apagar as linhas vermelhas. Praticamente. Eu não faria os quatro painéis inteiros. Isto é só para te dar uma ideia, talvez haja uma pedra na frente. Essa também é uma daquelas formações rochosas do tipo ocidental. Minha última dica para desenhar no papel é um pouco estranha, mas é bom saber porque na animação, o que você está fazendo praticamente todo o tempo é redesenhar as coisas uma e outra vez. Todos sabemos que esse é o processo para animação, para storyboard de qualquer maneira. Talvez seja necessário redesenhar um plano de fundo. Certamente, você vai estar redesenhando personagens em painéis o tempo todo. Se estivéssemos em um estúdio e você estivesse desenhando no papel, então o que você faria seria usar uma caixa de luz. Você colocava seu desenho na caixa de luz, ligava a caixa de luz, e colocava outra folha de papel em cima. Então você pode traçar seu desenho e alterá-lo para o próximo painel ou adicionar mais caracteres, seja qual for o caso. Já que não estamos em um estúdio, se quiser rastrear seu trabalho, sugiro que use essa dica muito estranha. Primeiro de tudo, deixe-me fazer um desenho. Para efeitos deste exercício, vou redesenhar este painel do cowboy. Acelerei o vídeo para poder passar por ele e mostrar o processo se eu quisesse redesenhar esse personagem ou rastreá-lo. Vou fazer o melhor esboço possível. By the way, este também é um processo extremamente bom se você quiser traçar sobre o seu desenho áspero. Tenho o meu desenho. Eu vou levá-lo para uma janela, acredite ou não, e apenas colocá-lo na janela ou usar o que eu estou usando lá, que é pressionar tique-taque e apenas colocar uma folha de papel limpa em cima dela. Agora, se eu aumentar o zoom, você pode realmente ver o quão claro que sob o desenho brilha através de sua folha de papel. Realmente, é apenas uma questão então de seguir o trabalho de linha e traçar o seu desenho. Agora, não é o método mais fácil do mundo porque você está de pé e você está tendo que desenhar na janela. Pode ser um pouco cansativo. Não é o ideal, obviamente, mas é um bom hack se você estiver em casa. Se você precisa limpar seus desenhos ou adicionar mais detalhes em um desenho existente ou copiar um desenho, então esta é apenas uma solução muito boa se você não tiver uma caixa de luz. Estou tentando manter minha linha de trabalho super limpa e nítida, e não desenhar áspero. Essa é a beleza desta forma de desenhar. Na verdade, desenhar no painel de vidro é uma superfície muito boa para trabalhar para linhas limpas, na verdade. Bem, para mim de qualquer maneira, meu segundo desenho nunca será exatamente como o primeiro. Eu sempre tendo a perder as linhas. Mas você começa a idéia mesmo assim. É basicamente isso. Se eu tirar esse desenho e compará-los lado a lado, você verá como isso é eficaz. Levei apenas alguns minutos. Essas são minhas dicas para desenhar storyboards no papel. Agora, alguns de vocês podem preferir fazer seus desenhos em papel, e depois digitalizá-los para o computador para que você possa trabalhar neles com cores. Colore seu trabalho artístico em um programa como o Photoshop. 3. Demonstração de como desenhar em papel: Este é realmente apenas um vídeo de processo rápido para desenhar personagens. Só queria mostrar-te como podes abordá-lo se estiveres a desenhar no papel. Mais tarde no curso, vou entrar em muito mais detalhes sobre a abordagem adequada ao design de personagens, como construir seus personagens, como trabalhar com formas básicas. Se você quiser trabalhar comigo neste vídeo, talvez vá e confira esses fundamentos, esses princípios no início e depois volte. Mas eu queria ter algo, algum tipo de desenho em papel que eu pudesse usar para mostrar como digitalizar seu trabalho e como preparar sua arte de papel para um formato digital. Vou fazer um esboço rápido de um personagem pirata. Tenho trabalhado numa linha de personagens piratas para o meu guião. Estou desenhando muito levemente, muito gesturalmente, muito, muito solto e áspero. Ele colocou as mãos nos quadris. Deixe-me ver. Eu poderia fazer outro também, talvez uma forma de personagem contrastante. Estou usando um lápis de cor sepia muito leve então vou repassar esses desenhos ásperos ao lado com meu lápis de chumbo. Mas esta é apenas uma maneira muito difícil de esboçar minhas idéias iniciais. Deixe-me fazer mais uma. O capitão. Eu fiz esse personagem uma e outra vez, então você pode estar completamente entediado de me ver desenhar esse personagem pirata, mas é só que é fácil para mim desenhar. Eu acho que é por isso que eu recuo com bastante frequência. Agora que eu tenho um desenho extremamente áspero para baixo na minha página, eu vou mudar para o meu lápis de chumbo e começar a desenhá-lo novamente. Obviamente, não há muitos detalhes para eu trabalhar, mas pelo menos na minha mente, eu coloquei um guia. Coloquei algumas formas básicas que vou seguir. Só estou usando meu lápis para redesenhar isso. Na verdade, estou mais ou menos a inventar, mas sinto que tenho alguma base para trabalhar. Como eu disse, vou falar com vocês sobre um processo muito mais detalhado mais tarde. Se você sentir que há alguns passos faltando aqui, basta ter comigo e nós vamos chegar a isso no vídeo de design de personagens mais tarde. Como você pode ver, eu só estou exagerando um pouco e inventando. Mas eu queria salientar que quando eu estou trabalhando com lápis sobre papel, eu tento variar meu trabalho de linha um pouco. Vou desenhar um pouco levemente em algumas áreas e, em seguida, um pouco mais definido e mais pesado em outras áreas. Esta é uma boa prática porque torna o seu trabalho de linha um pouco variado, e ajuda você a praticar um bom trabalho de linha limpa também. Isso ajuda você a ganhar confiança em seu trabalho de linha. Esse cara tem as mãos nos quadris. Estou apenas bloqueando em algumas formas para a mão e seguindo os ombros até o outro lado e desenhando este braço. Ele sai até o cotovelo e depois entra na cintura novamente assim. Simples, blocos básicos de forma realmente. A idéia para este vídeo processo é mostrar como digitalizar seus desenhos em. Com isso em mente, eu não preciso necessariamente fazer um desenho totalmente acabado, totalmente definido no papel. Porque eu vou digitalizar isso, há uma oportunidade para eu retrabalhar isso no Photoshop e arrumá-lo naquele estágio. Ele vai comer peixinho, talvez sem sapatos. Só vemos os dedos dos pés e os pés dele assim. Depois pernas magras. Vou seguir em frente e fazer apenas mais um desenho. Acho que só vou trabalhar até dois personagens. Este é o capitão pirata. Estas serão as sobrancelhas dele. Eu gosto de tentar obter as características para baixo, as principais características do rosto para que o resto da cabeça possa caber em torno disso. Uma vez que eu tenho o rosto trabalhado para fora, então eu sinto que eu sei muito mais e explorar o resto do desenho precisa ir. Ele tem um bigode grande. Ele tem seu grande chapéu de pirata. Então sua barba longa e selvagem. Vou indicar os ombros dele, puxar os braços dele para baixo como este para a frente. Para as proporções gerais, vou manter seus pés bem pequenos. Ele está usando botas. A idéia é que a forma principal deste personagem é esta grande barriga redonda, e ele tem pernas pequenas por baixo, pequenos pés. Então o outro braço dele vai lá assim. Vou acabar com a barba. Não vou trabalhar muito mais neste desenho. Eu só quero chegar o mais perto possível de terminar. É basicamente isso. Vou deixá-lo lá para estes dois desenhos. Em seguida, no próximo vídeo, vou mostrar meu processo para digitalizá-los para poder colorir ou, pelo menos, refiná-los no Photoshop. Junte-se a mim no próximo vídeo. 4. Digitalizando sua obra de arte: Deixe-me mostrar o que eu faria se eu digitalizasse este desenho. Primeiro de tudo, eu colocaria de cara para baixo no meu scanner. Este é o meu scanner específico que estou usando, é parte da minha impressora. Depois vou para as preferências do sistema porque estou em um Mac e abro impressoras e scanners. Vou clicar em “Scan” e, em seguida, abrir o scanner. Uma vez que o scanner é aquecido, ele lhe dá esta visão geral aqui à esquerda. Só para ter certeza, eu sempre clicar e arrastar em torno da imagem que eu quero ser digitalizada, é praticamente o mesmo que toda a página. Você pode deixá-lo em Cor, mas aqui é onde eu mudaria de qualquer coisa baixa, como 75 para 300 DPI. Em seguida, você pode escolher para onde deseja enviar a digitalização. Você pode escolher outro se você quiser colocá-lo em uma pasta específica, mas para mim documentos é bom. A única coisa que eu mudaria é isso, eu não quero que ele seja chamado Scan, então eu vou apenas digitar o nome do arquivo e clicar em “Scan”. É assim que vai ser enviado para o meu computador. Se você não tiver um scanner, basta tirar uma foto com seu telefone ou com uma câmera digital e enviá-la para o computador dessa forma. Agora que o desenho é digitalizado, vou trazê-lo para o Photoshop, ajustá-lo ligeiramente para que ele esteja pronto para trabalhar em software de desenho digital como Photoshop. Você pode simplesmente arrastá-lo para baixo em seu aplicativo e ele aparece aberto assim. Agora ele veio nesta orientação, então eu vou para Imagem, Rotação de Imagem e Girar 90 graus no sentido horário. O que vou fazer é tentar aumentar o contraste, torná-lo um pouco mais escuro. Talvez apagar essas linhas que eu não preciso porque no fim das contas você quer fazer uma de duas coisas. Você deseja redesenhar este esboço no Photoshop e torná-lo desenho digital, usando isso como um guia, ou você deseja manter sua linha de trabalho e cor abaixo dele. Com a camada de fundo selecionada, vou apenas fazer alguns ajustes muito ligeiros. Você pode brincar com isso o quanto quiser. Há uma carga de diferentes maneiras de aumentar o contraste em seu desenho. Este é apenas o fluxo de trabalho que eu costumo fazer. Aumento o brilho, digo ao brilhante lá, talvez não tão brilhante. Talvez aumentar o contraste, ver o que acontece. Basta clicar em “OK”, por enquanto. O que eu poderia fazer agora é tentar brincar com os níveis da imagem um pouco. Os níveis afetam a escuridão e o brilho do seu desenho. Você pode aumentar a escuridão, e você pode ver lá meu desenho está ficando um pouco mais escuro. Eu também posso ajustar o valor médio arrastando esse controle deslizante, incrementalmente para a frente. Eu não daria grandes passos com seus níveis porque você pode perder muita integridade em seu desenho. Como, por exemplo, se eu empurrar o branco até lá em cima, você vê que eu estou perdendo muito dele. Apenas experimente em fases graduais com isso. Vou clicar em “OK” por enquanto. Está um pouco melhor. Outra coisa que você poderia fazer é trazer o editor de curvas. Vamos para Imagem, Ajustes e escolha Curvas ou pressione Command Control M no teclado. Uma maneira muito útil de fazer isso é arrastar o gráfico inferior esquerdo para baixo e empurrar o canto superior direito para cima. Talvez tão levemente. Você entendeu a idéia. Ele faz praticamente a mesma coisa neste caso como os níveis. Agora o que eu vou fazer é apenas apertar M no meu teclado, clicar e arrastar sobre este Command ou Control C para copiar e Command Control V para colar. Agora eu posso me livrar dessa camada de fundo, e eu vou preencher uma camada abaixo dela, você poderia escolher o mesmo tom que sua página se você quisesse. Aperte G no teclado. Não vai ser exatamente o mesmo porque o papel tem tons diferentes derivados, mas isso é perto o suficiente. Em seguida, arraste isso para o meio, ajuste-o ligeiramente. Agora você está pronto para, como eu disse, pintar por baixo disso ou redesenhá-lo. Se você quiser redesenhar esta imagem, basta criar uma nova camada acima do seu desenho, eu vou trazer a opacidade desta camada para baixo um pouco para que você possa ver o que você está fazendo e literalmente entrar realmente super perto e com um para começar a redesenhar com uma linha muito mais limpa e suave. Mas porque você tem seu desenho áspero por baixo, vai ser muito fácil. Essa é uma maneira. Se você não queria fazer isso, se você queria manter seu lápis original e você queria pintar por baixo dele. Digamos que queremos dar-lhe um tom de pele. Vou pintar por baixo disto. Coloque um pedido para que a tinta realmente apareça por baixo da linha de trabalho. Preciso mudar o modo de mesclagem da minha camada de desenho para Multiplicar. Basicamente, a camada que seu desenho digitalizado está em que precisa ir para Multiplicar. Assim você terá seu desenho de linha. Agora, se você quiser fazer isso, você provavelmente tem que praticar esta imagem muito mais. Você pode ir para Imagem, Ajustes e exibir a saturação de matiz. Eu levaria a saturação para baixo e a leveza para cima um pouco. Então eu iria voltar para os meus níveis e muito lentamente apenas começar a arrastar os níveis para os níveis direita para a esquerda. Lá você se livrou de praticamente a maior parte da página. Agora você pode continuar a trabalhar na camada abaixo disso e pintar. Essas são apenas algumas opções básicas para você digitalizar sua arte, ganhar e prepará-la no Photoshop. 5. Introdução ao desenho de personagens: Para os próximos vídeos, vamos analisar convenções e técnicas para desenhar personagens para animação ou storyboard. Vou mostrar a maneira como configuei meu documento no Photoshop. Vou abrir Photoshop e ir para Criar novo. Em seguida, você pode escolher predefinições anteriores ou um conjunto de predefinições salvas ou aquelas que são específicas para foto ou impressão. Eu costumo fazer algo como eu vou para aqui e eu vou colocar em 1080 por 1920, e isso é pixels. Isso é simplesmente porque esse tipo de resolução corresponde à gravação de tela que estou fazendo. Mas se você quiser, outra dica útil é passar por cima para imprimir, escolher letra ou A4, e simplesmente virar a orientação para horizontal. Carregue em “Criar”. Então você tem uma tela grande e bonita para trabalhar. A primeira coisa que eu sempre faço é criar uma nova camada acima dessa camada de fundo. Como você pode ver, esta camada de fundo está bloqueada. Agora você pode desbloqueá-lo simplesmente tocando no cadeado. Mas já está cheio de branco. O que isso significa é que se eu desenhar nele, não posso acessar essas marcas do jeito que posso se estiver na camada superior. Se eu desfizer isso e desenhar na camada superior, você pode ver que eu posso acessar essa linha sozinho, que é realmente muito útil. Então vou desfazer isso. Você pode até mesmo excluir essa camada completamente, se quiser. Mas é bom ter uma camada de fundo para trabalhar em cima. Agora, algumas pessoas não gostam de trabalhar em um fundo branco. O que você pode fazer é talvez mudar a cor. Então eu tenho uma cor aqui embaixo que talvez seja uma cor de papel. Se eu ir para a ferramenta balde e tocar lá, isso me dá um bom fundo tonificado para trabalhar. Uma coisa útil a fazer é bloquear essa camada novamente apenas para que você não desenhe acidentalmente sobre ela e apenas venha até a camada acima dela para começar a desenhar. No próximo vídeo, vamos entrar em algumas convenções e algumas técnicas para desenhar personagens. Há definitivamente um conjunto de convenções que você pode seguir. Se você está tentando aumentar suas habilidades de desenho e tentando aumentar suas habilidades de desenho, então sabendo escrever essas técnicas simples, essas abordagens simples para desenhar figuras e desenhar personagens realmente, realmente ajudar você a ficar bom em desenhar personagens de animação. Vejo você no próximo vídeo. 6. Linguagem das formas: Neste vídeo, vou explicar algumas das convenções de curta distância para desenhar personagens em filmes que você pode aplicar ao seu trabalho de storyboard, ao seu trabalho de design conceitual e à animação. O que eu vou falar é se aplicar a personagens estilizados, não personagens de aparência realista, porque na maior parte da animação, você está trabalhando com desenhos estilizados, personagens estilizados e ambientes. Por várias razões, uma razão é que personagens estilizados são mais fáceis de desenhar uma e outra vez e, portanto, são mais fáceis de animar e mais fáceis de posar. Para começar, vou explicar o que é a linguagem de forma e como isso é usado em animação e storyboard. A linguagem de forma é muitas vezes referida como sendo realmente importante em seus projetos porque formas comunicam idéias. Isso é crucial para o design do personagem porque desde o início, a forma ou o design real de um personagem vai muito longe para dizer ao público algo sobre esse personagem, dando-lhes um pouco de insight ou algum visual dicas sobre sua personalidade e até mesmo sobre sua história de fundo. É realmente crucial quando você se senta para desenhar personagens ou para criar personagens para si mesmo, para pensar sobre suas formas e o que as formas dizem sobre sua personalidade específica. Aqui eu tenho três formas básicas, provavelmente as formas mais básicas no design. Você tem o círculo, o quadrado e o triângulo. As formas são mais universalmente compreendidas do que as cores. As cores podem significar coisas diferentes em culturas diferentes, mas as formas comunicam a mesma ideia através das fronteiras culturais. Por exemplo, um círculo, se você pensar em formas na natureza, nuvens macias redondas, ou flores redondas, ou até mesmo o sol no céu, todas essas formas transmitem idéias que são seguras, reconfortantes, amigáveis, e que você pode usar para sua vantagem no design de personagens. Igualmente, um quadrado tem um conjunto específico de conotações. Se você pensar em um quadrado e você olhar ao seu redor, você imediatamente pensa em objetos fortes, imóveis e resistentes como edifícios ou grandes blocos de granito. Um triângulo pode implicar nervosismo. Definitivamente na natureza pode implicar perigo, como um ouriço espetado, ou até mesmo pensar em um cacto. audacioso, o espanto e o perigoso são muitas vezes associados a formas triangulares, mas há outro aspecto importante para o triângulo que você pode usar no design de personagens, e que é que ele pode transmitir desequilíbrio, ou Eu deveria dizer desequilíbrio. Se você tem um triângulo que está equilibrando em um dos ápice , então isso mostra que este personagem é provavelmente instável, imprevisível. Tudo bem. O que eu vou fazer é pegar essas três formas e eu vou começar mostrando a vocês como extrapolar, como desenhar idéias dessas formas para desenhos de personagens. Vamos começar primeiro de tudo em caras. Para cada uma dessas três formas, eu vou desenhar um rosto baseado nessa forma particular. Uma forma redonda é muito fácil de desenhar rostos de personagens, você apenas desenhar um círculo, e olhos, e narizes redondos. Então, para um quadrado, você tem que pensar agora em termos de mais bloqueio como uma cabeça de bloco, coisas assim, cabeça quadrada, ombros robustos. Você apenas começa desenhando a forma e, em seguida, construir o rosto e as características em torno disso. Estes são muito difíceis, a propósito, eu não estou fazendo nenhum desenho de personagem. Só estou me aquecendo e me afrouxando e mostrando como jogar uma forma básica e construí-la a partir daí. O que eu sempre faço é apenas indicar a linha do olho, o nariz e a boca, para que eu saiba o paradeiro da forma que as características são, e então começar a construir características a partir daí. Para um rosto triangular, vamos ver se eu derrubo um triângulo como este e atiro um nariz e um par de olhos para lá. Isso já é um personagem muito interessante. Basta praticar com isso, desenhar sua forma básica primeiro de um par de maneiras diferentes e, em seguida, apenas começar a construí-lo colocando feições nessa forma e vendo o que você pode criar. Agora, você pode dar um passo adiante e começar a usar essas formas básicas para construir um personagem inteiro. Se você fosse começar com um círculo, novamente, apenas esboçando fora realmente áspero e frouxamente grande forma oval redonda. Agora, obviamente com formas circulares redondas como esta, o personagem que mais imediatamente vem à mente é caráter rotundo, uma figura alegre como Papai Noel ou algo assim. Trabalhe com isso se puder. Adicione as pernas, você realmente não precisa fazer nenhum detalhe nesta fase. Estas são ideias ásperas, esboços de conceitos ásperos. Se você apenas indicar onde estão os membros e tentar praticar o desenho dessa maneira, desenhando realmente solto e áspero, você terá muito tempo depois para refinar suas idéias e desenhar os detalhes. Para este último personagem circular vou tentar fazer uma personagem feminina. Isso poderia ser praticamente toda a massa do corpo realmente e eu poderia apenas apenas colocar um par de pequenos pés no final aqui e isso seria bom. Em seguida, no topo, um rosto circularmente ish. Talvez ela esteja usando um cachecol sobre a cabeça e ela tem avental e ela está carregando algo em suas mãos, exatamente assim. Eu vou fazer isso para o resto das formas com um quadrado e para o triângulo. Vou selecionar estes e reduzi-los para baixo. Eu vou esconder essa camada e adicionar outra em cima dela, que eu possa continuar a desenhar grande e então eu vou reduzi-los. Mas eu quero mostrar a vocês no final disso como todos esses personagens parecem em um alinhamento. Eu vou seguir em frente e esboçar algumas idéias para o quadrado e o triângulo e você pode acompanhar comigo, isso seria ótimo e espero que você tenha algumas idéias muito, muito melhores do que eu tenho e você é capaz para fazer alguns personagens muito legais e interessantes dessas formas básicas. A idéia é que você está apenas anotando idéias visuais, para que não tenha que ser perfeito ou incrível. Certamente, não precisa ser detalhado. A razão pela qual caras em forma de quadrado, novamente, eu vou apenas encolher eles para baixo, Command ou Control T para a ferramenta de transformação livre. Reduzi-los, coloque-os fora do caminho. Então eu vou criar outra camada. Então eu vou esconder essas duas camadas e colocar outra camada no topo e apenas fazer mais três desenhos para os personagens em forma de triângulo. Agora, você pode ver que eu tenho todos esses personagens feitos. Isso não me levou muito tempo, talvez 10 ou 15 minutos. Usar uma forma básica para começar seu desenho ou suas ideias conceituais para personagens é muito fácil. Espero que tenha visto que é muito fácil. Isso é uma coisa importante a ser observado sobre o uso de formas, mas há outra coisa importante que eu quero explicar, e que é que se você usar formas como esta em seus designs, você é capaz de adicionar variação dentro de seus designs e Essa é uma das principais coisas. Se eu fosse mostrar a vocês agora, se eu pegar, digamos, três caracteres aleatórios de todos esses, eu vou colocá-los todos em uma camada e colocá-los em um pouco de formação. Então eu quero entregar esse cara para que ele esteja olhando para a direita. Então eu vou para a silhueta porque eu quero que você veja como se sua silhueta fora assim, eles imediatamente se registram como caracteres distintos e separados. Não há confusão, todos eles parecem totalmente diferentes e é isso que você quer em seus desenhos de personagens. Você quer variação para que os caracteres possam ser distinguidos uns dos outros. Eles não parecem todos exatamente iguais, eles têm variação quando comparam um com o outro. Em última análise, você quer ter variação dentro de um experimento específico. Pense em usar um círculo e adicionar uma cabeça triangular ou uma cabeça quadrada. Pense em usar um quadrado e adicionar uma cabeça circular ou pense em usar um triângulo com um corpo quadrado. No próximo vídeo, vou falar sobre como você pode começar a posar seus personagens e por que posar é tão importante para desenho, animação e storyboard, além de algumas dicas realmente fáceis e simples sobre como fazer com que suas poses sejam realmente fortes e dinâmicas. 7. Poses de personagens: Neste vídeo, eu quero falar sobre como você pode praticar o desenho de poses dinâmicas. Isso é fundamental para um bom desenho de storyboard, bem como para animação e ilustração em geral. Uma pose é a forma como um personagem fica ou a forma como ele ou ela faz uma ação. A razão pela qual posar é tão importante em storyboards é porque ele diz ao diretor, ao animador e a qualquer pessoa envolvida no processo como o personagem está se movendo dentro de uma cena. Você pode pensar, bem, isso não é realmente o trabalho do diretor e do animador determinar como um personagem se move por aí? A resposta, na verdade, nem sempre é. Na verdade, é mais frequentemente o trabalho do artista de storyboard. Se você desenhar uma pose atraente em seus storyboards e entregar isso aos animadores, os animadores saberão exatamente como animar esse personagem, se isso faz sentido. Seu desenho indicará a ação, indicará a emoção, e às vezes indicará a atuação de uma cena. Ser capaz de desenhar poses dinâmicas é realmente, muito crucial. É um dos aspectos mais importantes de um artista de storyboard de animação. O que eu vou fazer é tomar essa idéia de usar uma forma básica como ponto de partida para um projeto, e eu quero mostrar a vocês como você pode entender isso em termos de estrutura porque obter a estrutura certa é o que é vai ser a única coisa que permitirá que você desenhe seu design em qualquer pose que você quiser. Bem aqui, eu tenho esta forma redonda básica. Quero mostrar-lhe como construir uma visão de três quartos. Imagine que estamos vendo esse personagem de uma visão frontal de três quartos. Pensando nisso em um sentido 3D em vez de simplesmente como um círculo plano, posso estimar que os ombros do personagem estão aqui e aqui. Imagine por um momento que isso é totalmente transparente para que um esteja ali daquele lado. Então os quadris estão aqui, um aqui e outro ali. Agora eu posso desenhar um braço estendido assim porque ele está vindo direto do ombro, ele está vindo em minha direção um pouco, e eu sei do outro lado exatamente onde o braço vai estar porque eu tenho identificou onde esse ombro está. Então eu vou desenhar no esboço e muito rapidamente, a cabeça pode ir lá. Agora, neste caso, a cabeça inclina-se para baixo em direção ao ombro, então você realmente não vê o pescoço. Mas mapear os ombros é muito importante. Da mesma forma, eu sei exatamente onde as pernas vão desde que elas vêm direto dos quadris. Você quer saber onde estão os quadris e onde estão os ombros, aqui e aqui. Olhando para isso, sinto que a cabeça pode estar um pouco fora. Se eu desenhar uma linha reta no meio do meu design, eu acho que é a linha central, você pode ver que parece que a cabeça está ligeiramente para trás. Na verdade, é provavelmente bom neste caso porque eu acho que sua barriga redonda compensa isso e equilibra-os um pouco, mas eu vou fazer um ligeiro ajuste, mover a cabeça dele para a frente. Então é assim que você trabalha sua estrutura, como você entende onde os quadris e os ombros estão, e então obtém esse equilíbrio dentro da figura geral. Agora, lembre-se que isso é realmente em perspectiva. Vou te mostrar o que quero dizer. Se eu desenhar um cubo em torno deste personagem, você pode ver que nós realmente estamos vendo parte da vista lateral, bem como a vista frontal ao mesmo tempo. Você pode ver se eu desligo essa camada o que eu quero dizer. Não é perfeitamente desenhado, mas você entendeu a idéia. Agora posso desenhar esse cara em poses diferentes porque conheço a estrutura. Digamos que eu quisesse atraí-lo para pegar algo do chão. Vou começar com a grande forma redonda e colocar os quadris onde eles estariam, e daqui eu posso desenhar as pernas. Esta perna não vai ser tão visível, está do outro lado dele. Farei o mesmo com os ombros e depois com os braços. É tão fácil. Eu não acho que você pode dar errado depois de identificar essas coisas, quadris e ombros. Vamos fazer outro esboço rápido. Digamos que desta vez ele está correndo em velocidade. A cabeça dele vai ser arremessada para trás assim. Você pode ver que ele corre para a frente. Seu único quadril vai estar indo para a frente assim, o que significa que ombros e braço correspondentes, ele vai voltar. Então aquela perna distante vai voltar. Digamos que ele está no ar e nem sequer está tocando o chão. Então esse antebraço pode ir para a frente assim. Lá vai você. Lá está ele correndo muito, muito rápido. Você pode aplicar essa ideia de estrutura a todas essas formas básicas. Obviamente, a forma quadrada é a mais fácil entender porque é uma estrutura fácil de ver em 3D. Deixe-me mostrar-lhe como você pode construí-lo se você apenas identificar quadris e ombros primeiro. Desenhe seus quadris e ombros assim como círculos redondos com a linha, que são os ombros. Então uma coisa a saber é que ombros e quadris sempre se contraíram. Eu não sei se acabei de inventar essa palavra, contraposta, mas basicamente, se os ombros estão em um ângulo, então os quadris estarão sempre no ângulo oposto. É como se você pudesse pensar em um acordeão. Um lado vai ser espremido e o outro lado vai ser longo. Uma vez que você baixar isso, você pode então construir o corpo em torno disso. Esta perna vai ser dobrada assim. Vamos desenhar a mesma coisa com formas triangulares. Digamos que estamos desenhando um personagem feminino. Agora, se eu escolher uma cor azul, aqui é onde seus ombros estão, aqui e aqui, e os quadris estão aqui e aqui. Agora, se você está lutando, você sempre pode começar com a pose do braço dianteiro se isso ajudar você a entender melhor a estrutura. Agora, com isso trabalhado, você pode desenhá-la em uma pose muito mais dinâmica. Digamos que vamos fazer outro esboço rápido. Ela está apoiada em algo assim para que um ombro fique mais alto, que vai jogar seus quadris para fora assim. Um quadril vai ser mais alto que o outro, e isso significa que, digamos que uma perna vem para a frente, a outra perna está voltando. Então, uma vez que você tem seu esboço trabalhado fora, você pode rever isso e refinar o desenho e adicionar mais detalhes e torná-lo mais carnudo. Junte-se a mim no próximo vídeo e eu vou mostrar a vocês como ficar realmente bom em fazer grandes expressões faciais. 8. Expressando emoções no desenho: De longe, o aspecto mais importante da pose do personagem será a expressão facial ou a emoção. Neste vídeo, quero mostrar a vocês que não tem que ser difícil desenhar emoção, ou sua história, ou animação. Na verdade, há uma maneira muito fácil de acertar as expressões faciais, e isso é, primeiro lugar, mantê-lo muito simples. Quero dizer usar algumas convenções de animação padrão ou mãos curtas. O que eu vou fazer é, em primeiro lugar, escrever algumas emoções que você provavelmente será chamado para desenhar como artista de história. Obviamente coisas como feliz, triste, irritado, talvez medo, e talvez medo, algo assim. Agora, a primeira coisa a fazer se você está tentando desenhar a emoção de um personagem é basicamente apenas fazer um esboço áspero do aspecto mais imediato dessa emoção. Então, mais tarde, você pode construir seu personagem em torno dele. Eu anotei essas palavras. O que eu vou fazer é extrair rapidamente os indicadores mais básicos de cada uma dessas emoções. Quando estiver fazendo isso, pense em emojis no telefone quando estiver enviando mensagens de texto. Tudo que você precisa ver são os olhos e a boca. Por exemplo, feliz. A coisa básica absoluta que transmite feliz é um grande sorriso e olhos brilhantes. Para a expressão triste, a abreviação vai ser para inclinar o topo dos olhos assim. Imagine que as sobrancelhas estão puxando para baixo nas extremidades e inclinando-se para cima, e talvez os olhos estejam olhando para baixo assim. Se você pensa sobre a idéia de triste, tudo se arrasta para baixo, a boca incluída. Por raiva, pense em como se sente quando está com raiva. Seus olhos ficam focados a laser, então você pode classificar as pupilas bem no meio assim. Então o que você vai fazer é inclinar as sobrancelhas para baixo em direção ao meio. A boca, se você realmente quer empurrar o design, é que você pode mostrar os dentes porque às vezes tendem a apertar os dentes quando estamos realmente irritados e talvez apenas mostrar um canto da boca. Novamente, é como os emojis simplistas nesta fase. Você só está mantendo isso em três elementos: os olhos, o nariz e a boca. Isso é tudo que você precisa desenhar agora. Por medo, digamos que o personagem tenha um susto? Bem, com isso, você está voltando ou puxando para cima e longe da coisa que te assustou. Vou até inclinar os olhos um pouco assim. As sobrancelhas gostam disso. Então a boca está caindo, mas abre um pouco em uma expressão de suspiro ou choque. Agora, eu poderia realmente mudar as pupilas para ser realmente pequenas pontas porque até mesmo as pupilas estão se contraindo aqui na frente. Para o último. Acabei de perceber que coloquei o medo para o último, que na verdade é mais ou menos o mesmo que assustado. Então deixe-me apenas fazer uma emoção diferente completamente, dizer algo realmente como rir em voz alta. Isso é bom para fazer porque é mais extremo do que feliz e na verdade é um desenho diferente. Então vamos fazer isso. Por rir, você poderia realmente fechar os olhos completamente. Só tem duas linhas como esta mostrando que estão fechadas, fechem bem. Em seguida, uma boca grande e aberta talvez mostrando apenas uma linha de dentes no topo, o interior da boca assim, e estes dois vincos mostrando que as bochechas estão empurrando para cima. Uma boa idéia é anotar essas emoções apenas trabalhando com os olhos, nariz e boca. Agora, uma vez que você tenha feito isso, você pode aplicar essas expressões ao seu personagem. Digamos que estamos trabalhando com um personagem muito genérico de um menino. Esta vai ser a posição neutra dele aqui, só para começar. Vou esboçar rapidamente a forma básica da cabeça, colocar na orelha, os olhos. O cabelo dele vai subir e girar e passar. Esta é uma linha de mandíbula e bochecha. É uma posição muito neutra, garoto genérico, é fácil o suficiente. Agora vou desenhar o mesmo rosto, mas tente fazê-lo parecer feliz. Vou começar com a mesma forma geral, a estrutura subjacente do personagem, e então lembre-se, as características desta emoção simplificada de olhos felizes ou grandes olhando para cima e um grande sorriso com as bochechas sendo empurrado ligeiramente para cima. Você entendeu a idéia. Basta trabalhar através de todas essas emoções, primeiro desenhando a estrutura do seu personagem de forma muito leve, e depois aplicar a abreviação ou as convenções dessa emoção na expressão facial. Então você pode voltar para dentro, apertar o desenho para que o personagem permaneça no modelo e para que fique claro que é o mesmo personagem. Lembre-se para cada emoção, há uma pose ou uma postura para o desenho, bem como, como raiva poderia estar vindo em sua direção, talvez você queira desenhar os ombros se curvando ao redor das orelhas. medo está inclinado para trás, então talvez toda a pose do personagem esteja inclinada para trás e talvez o rosto em si seja puxado para baixo, está esticado um pouco. Para o riso, talvez o rosto do personagem esteja um pouco esmagado. As bochechas podem empurrar para cima em direção aos olhos. Acabou para você. Eu quero que você escreva algumas emoções em uma folha de papel ou no Photoshop. Em seguida, passe algum tempo para tentar destilar essa emoção apenas para os olhos e a boca; como você poderia descrever essa emoção se você apenas tivesse que usar os olhos, nariz e boca primeiro. Depois de ter feito isso, veja se você pode aplicar essa versão simplificada no rosto de um personagem e dar à pose e ao personagem todo esse sentimento de emoção. 9. Criando uma folha de poses para os personagens: Depois da emoção, a próxima coisa importante a praticar é desenhar poses. Falei muito sobre poses de personagens. Neste vídeo, quero mostrar como trabalhar a dinâmica física de um personagem através de diferentes poses. O que tenho aqui é isto é apenas uma linha áspera de ideias de personagens para a minha história de piratas chamada “Rainha do Metal”. Isso vai fazer parte do seu projeto geral de classe no final deste curso, onde você vai começar a storyboard o script. Esta linha aqui é algo que muitas vezes você encontrará em uma produção de animação. Estes desenhos ainda são muito ásperos, eles ainda não foram limpos linha de trabalho final. Mas o que eu quero que você faça é escolher um desses personagens agora e criar uma folha de pose. Uma folha de pose é onde você desenha o mesmo personagem em um número de poses diferentes. A razão pela qual você faz isso é para explorar não apenas a amplitude de movimento e ação que o personagem pode fazer, mas também para explorar se o seu design de personagem está funcionando ou não. Se a construção subjacente é algo que você pode trabalhar com a fim de colocar este personagem em diferentes poses. Se você colocar seu próprio personagem original em que gostaria de trabalhar, então eu realmente o encorajo a fazer isso. Basta pegar o seu personagem e colocá-lo em completamente novas poses dinâmicas diferentes e ver quantos você pode fazer. Mas se você não tem seu próprio personagem, então você pode pegar um desses desenhos aqui, não tem que ser o mesmo que eu vou fazer, mas escolha um e tente resolver como eu vou te mostrar agora. Para mim, digamos que eu vou escolher o personagem capitão, então o que eu vou fazer é copiar este desenho e criar uma nova tela aqui e eu vou colá-lo. Muito parecido com as expressões faciais no vídeo anterior, este desenho agora é sua pose neutra. Coloque-o para o lado. Agora vou fazer estilo livre algumas poses dinâmicas de atuação. Isso significa desenhar muito áspero no início como de costume. Digamos que eu vou atraí-lo reunindo as tropas ou convocando a tripulação para resolver e ir para a batalha ou algo assim. Eu vou começar nesta pose com a cabeça e eu vou novamente simplificar a forma primeiro e obter a direção da cabeça com os olhos e o nariz, modo que tudo vai estar olhando para este lado. Esta é a barba dele. Na minha mente, vejo esta pose, vejo a cabeça dele virada para este lado, mas ele vai virar e como se estivesse indo para a esquerda. Eu vou simplesmente desenhar a forma do corpo e da perna assim, como se ele estivesse avançando em alguma coisa, e este braço vai ficar para cima. Eu vou desenhar isso lá e eu vou ter este outro braço movendo para que os outros se juntem a ele. Agora, o resto do desenho é realmente apenas uma questão de preencher a roupa, descobrir como ele se move ao redor do corpo. Eu acho que o movimento geral da pose é bom. Estou tentando manter os elementos básicos iguais, os mesmos volumes e a mesma construção. É isso. O que vou fazer agora é deixar como está. Eu não vou trabalhar mais nisso, apenas reduza. Vou tirá-lo do caminho e trabalhar em mais algumas poses. Para o próximo, pensei em querer desenhá-lo a meio passo, como se ele estivesse andando, com as mãos para cima. Como eu desenhei, a direção geral da pose vai ser inclinada para trás assim, seus braços estarão no ar. Essa forma das grandes barrigas redondas é tão importante para descer. Posso trabalhar os detalhes da fantasia mais tarde. Então digamos que ele tem uma perna para frente e outra para trás. Agora posso ampliar e trabalhar nos olhos e no nariz e conseguir alguma expressão. É realmente importante não ampliar muito quando você está desenhando assim porque é mais provável que você fique preso em detalhes do desenho e o que você quer fazer é simplesmente realmente ficar áspero e solto. Para fazer isso, é sempre melhor desenhar suas poses enquanto você está ampliado e você pode ver toda a pose de uma só vez. Então novamente, quando eu terminar com isso, eu apenas escala para baixo, movê-lo para o lado, e eu vou trabalhar talvez mais duas ou três poses. Você entendeu a idéia. Você pode usar emoções como, digamos, surpresa, raiva, confusão ou riso, coisas assim, você pode usá-los como pontos de partida ou trampolim para suas idéias para a pose, se você quiser. Ou você pode simplesmente começar a desenhar seu personagem e ver onde o desenho em si leva você. Acho que foi o que eu fiz com esses desenhos. Consegui deixar a pose emergir enquanto desenhava o personagem. Isso em si foi realmente um exercício muito bom para desenhar poses dinâmicas interessantes. Você começa muito duro, você não tem nenhuma expectativa de onde você está indo, mas quando o desenho começa a tomar forma, então você segue isso realmente e vê se você pode chegar a uma pose interessante. No final de cerca de meia hora ou uma hora, acho que fiz uma pausa no meio desses desenhos, mas em pouco tempo, consegui chegar a uma página de desenhos para um personagem. Se você quisesse, você poderia limpar esses desenhos, até mesmo colori-los, talvez, e então você teria uma ótima folha de pose pronta para o seu portfólio. Mas a principal razão pela qual eu queria que você fizesse este exercício é para que se você alguma vez receber uma folha de modelo para trabalhar ou um design de personagem neutro, então este exercício é realmente bom para ajudá-lo a desenhar seus storyboards, é algo que você poderia fazer para aquecer antes do storyboard, ou como uma forma de realmente construir uma biblioteca de poses com as quais você pode trabalhar durante todo o processo de embarque. Você pode voltar a esta planilha e ver como o personagem se move e age e, em seguida, aplicar essas poses em seus painéis de storyboard. 10. Blocos de fundos: Nesta próxima seção de vídeos, vou levá-lo através do processo de criação de ambientes e planos de fundo. Isso não só ajudará suas habilidades de storyboard, mas também lhe dará habilidades adicionais de produção de animação. Porque como design de personagens, arte de fundo e layout são realmente conjuntos de habilidades distintos em que você pode se especializar se você continuar trabalhando na indústria. Primeiro, vou definir um pouco os termos. Um layout é um desenho de linha bloqueada finalizado. Por trancado, quero dizer que foi aprovado pelo diretor. Muitas vezes, um artista de layout vai pegar um desenho realmente áspero que o artista de storyboard fez e dimensioná-lo para cima e torná-lo em um desenho de linha de chegada adequado para a arte de produção. Então esse desenho de linha irá para o artista de fundo ou o estilista de cores para colorir. Mas, na maioria das vezes, o artista de fundo também é o artista de layout. O artista de fundo vai pegar o painel de storyboard, desenhar o layout e completar a coloração final ou pintura. Se você está interessado em criar arte de fundo e pinturas para animação, então você precisa se concentrar em ficar realmente bom em desenhar em perspectiva, desenhar detalhes em ambientes e coisas assim. Eu vou fazer um curso dedicado separado sobre arte ambiental e design de fundo e, nesse curso, eu vou orientá-lo através do processo passo a passo. No entanto, para este curso, estamos interessados em aprender a desenhar cenas a fim de levar seu storyboard a um nível muito mais profissional. O que vou te mostrar dos próximos vídeos vai te ajudar a conseguir exatamente isso. A primeira coisa que quero falar neste vídeo é como usar o bloqueio e o sombreamento para iniciar seu processo, iniciar sua mente criativa, visualizar a cena e ajudar você a trabalhar suas composições. Em vez de pular direto com grades de perspectiva complexas e governantes e conspirar coisas, eu sempre começo duro. Às vezes é muito difícil visualizar a cena se você começar a desenhar linhas retas imediatamente. Sempre que estou preso, eu literalmente fecho meus olhos, imagino a cena que eu quero desenhar, e então uso blocos muito grandes de tons para descobrir onde os elementos dentro dessa composição irão. Fiz uma nova tela no Photoshop. Este tem 1920 pixels por 1080 pixels, então é grande o suficiente para desenhar um grande desenho áspero. A próxima coisa que vou fazer é apertar “M” no meu teclado para a ferramenta de seleção de letreiros e vou clicar e arrastar um retângulo. Em seguida, vou até Editar e escolher Traçado e, nesta caixa aqui, alterarei a largura do traçado para cerca de quatro pixels. A cor já é preta, então vou deixar assim e apertar “Ok”. Depois, aperto “Command” ou “Control D” para desmarcar. Basicamente, eu agora tenho esse retângulo, ele foi criado na minha camada de fundo, que está bloqueada. Faço isso simplesmente para me dar um quadro para trabalhar. Eu não estou apenas começando em uma tela completamente vazia. É muito útil ter sempre um limite de enquadramento. Vou criar uma nova camada acima da camada bloqueada e, em seguida, escolher um grande pincel macio. Estes são todos os pincéis padrão dentro do Photoshop 2020, mas eu estou escolhendo este que eu realmente baixei todo o conjunto de pincéis do site da Adobe. Vou deixar esses pincéis para você para que você possa tê-los também na seção de download. Agora, quando eu estava fazendo este vídeo, eu tentei pensar em exemplos de arte de fundo que eu poderia trabalhar para mostrar a vocês esse processo e eu pensei em usar como um conto de fadas padrão como um exemplo. Algo como Chapeuzinho Vermelho, porque todos conhecemos essa história. Estamos todos familiarizados com isso. Digamos que você tem um roteiro de Chapeuzinho Vermelho e você precisa seu storyboard em toda a história e você precisa desenhar uma cena para a casa da avó que está na floresta. Agora o que eu faria é pegar este pincel e muito cruelmente bloquear em tom de tom. Não estou desenhando detalhes, apenas bloqueando manchas de tom. Sei que quero algo em primeiro plano. Preciso de um carbono, obviamente para a floresta. Algum espaço aberto, uma grande árvore em primeiro plano. Árvores talvez e elementos florestais no fundo. Então eu posso apenas sombreá-lo no bloqueio de valores tonais. Sei que está pensando, isso parece terrível, mas tenha paciência comigo. A próxima coisa que eu vou fazer é aqui na pilha de camadas, eu vou arrastar a opacidade desta camada para cerca de 1/2, ou 50 por cento, e, em seguida, adicionar uma nova camada acima dela. Agora, de volta à minha tela, eu posso mudar pincéis para algo que é um pouco mais linear e começar a trabalhar algumas de minhas idéias. Sobre os tons e o sombreamento, eu só vou esboçar os elementos de composição que eu estava pensando. Então, muito grosso modo, desenhando em uma cabana aqui, talvez tenha uma varanda que sai assim. Eu não vou entrar em nenhum detalhe ainda, nada mesmo, apenas tentando mantê-lo solto. A idéia é que eu estou usando esses valores tonais que eu coloquei em blocos para me guiar para criar algo mais definido, como as árvores, por exemplo, ou essa subida da colina em primeiro plano. Talvez eu possa colocar algumas pedras também e apenas povoar a floresta no fundo com troncos de árvores e dossel frondosos. Eventualmente, quando eu chegar a um certo ponto e, em seguida, mesclar essas duas camadas e eu posso repetir o processo aqui se eu quiser. Traga a opacidade para baixo para que eu possa fazer outra camada no topo e, em seguida, apenas refinar o desenho um pouco melhor agora que eu estou entendendo que a composição está funcionando e eu estou começando a saber quais detalhes e quais elementos eu quer escolher dentro da composição. Nesta fase, não quero fazer um desenho final adequado. Ainda é exploratório. Por exemplo, a cabine, talvez eu possa fazer isso um pouco mais alto, talvez torná-lo mais de um alpendre definido, torná-lo mais estruturado. Eu não tenho certeza. Quero dizer, para mim nesta fase, parece um pouco grande dentro da competição, mas vou ver como é e talvez mudá-lo mais tarde. Agora esta árvore e esta ascensão em primeiro plano, isso molda a seção do meio. Vou adicionar um pouco de sombreamento de volta. Aqui eu estou realmente apenas alternando entre o grande pincel macio para áreas de tom e o pincel de carvão menor para linha e detalhes. Usar o bloqueio e o sombreamento para começar sua arte de fundo é sempre uma boa maneira de se soltar. Você não tem que estar amarrado a nenhuma parte deste desenho em tudo porque é tudo móvel nesta fase. É tudo muito difícil. Você só está experimentando com elementos e com a composição. Agora eu vou mudar a casa porque eu realmente não gosto do jeito que ela é, também na verdade apenas excluí-lo completamente e redesenhá-lo. Eu queria que esta fosse uma cabana típica de lenhadores, talvez com alguns degraus indo para a varanda da frente. Eu quero que ele tenha um telhado muito grande como este. Isso parece muito melhor, muito mais caricatura. Esse é o fim da minha fase difícil neste desenho. Isso por si só pode ser parte de um storyboard. Dependendo do estilo do show ou do storyboard que você está desenhando, ele não precisa ficar mais detalhado do que isso. Mas se eu quisesse, poderia dar um passo adiante e desenhar uma versão mais limpa. Mas vamos mudar de marcha por um minuto e eu queria mostrar a vocês como é desenhar um interior porque às vezes paisagens de fundo florestal são fáceis o suficiente. Mas e se você quiser ou você é chamado para desenhar um interior? Por exemplo, eu tenho minha história de pirata acontecendo com meu personagem pirata e há uma foto interior do quarto do capitão. Bem, eu poderia fazer exatamente a mesma coisa. Vou começar com o sombreamento em blocos. Eu sei que eu quero uma mesa aqui, eu quero aquelas coisas de estrutura interior do buraco da nave, e também uma janela traseira. Então, obviamente, eu quero algo em primeiro plano para enquadrar. Nem tenho certeza do que é isso no palco. Só estou bloqueando em alguns tons, algo em primeiro plano à esquerda e à direita. Então, novamente, eu vou baixar a opacidade disso para baixo e eu vou desenhar sobre isso e tentar descobrir o que cada um desses elementos composicionais poderia ser. A mesa está boa. É simples. Isso é bom. Há coisas em cima da mesa. Vou colocar uma cadeira na parte de trás e aquelas janelas muito ornamentadas que você vê na frente do navio. Em seguida, estas vigas estruturais tipo costelas para a curva da nave. Repare que eu nem estou considerando perspectiva ainda. Só estou trabalhando como as coisas vão ficar e como vão se encaixar. Vou colocar um bom barril de madeira, que é sempre um grande elemento composicional, não importa qual é a história, e o baú do mar, e obviamente alguns mapas enrolados, muito pirataria. Nesta fase, isso é um bom desenho áspero o suficiente e eu acho que vou deixar assim. Se você está preso quando se trata de desenhar planos de fundo ou cenas, experimente este método de começar muito solto, muito rabiscado uniforme, e trabalhe seus elementos em traços largos. Ele realmente vai ajudá-lo a liberar sua visualização, bem como ajudá-lo a desenhar muito rápido e dinâmico. No próximo vídeo, vou olhar para o aspecto importante da perspectiva. 11. Fundamentos de perspectiva: Neste vídeo, é hora de falar sobre perspectiva. Agora, eu cobri perspectiva nos outros cursos de storyboarding, então isso realmente vai ser uma atualização simples. Mas eu queria apontar algumas coisas importantes que você precisa ter em mente quando se trata de aprender a desenhar em perspectiva, porque alguns desses pontos foram levantados pelos alunos nesses outros cursos, e eu pensei que isso seria ser uma boa oportunidade para abordá-los. Mas antes de tudo, vamos rever exatamente o que é perspectiva e quais aspectos do desenho de perspectiva você precisa dominar como um artista de storyboard. Como um artista de tabuleiro, você vai precisar saber como desenhar em dois tipos principais de desenho em perspectiva. O primeiro é a perspectiva de um ponto. Aqui é onde você só tem um ponto de fuga na linha do horizonte. Você pode pensar nesta linha do horizonte e no ponto de fuga como a direção em que você está olhando. Neste caso, você está apenas olhando para a frente, você está no meio do quadro, ou no visor, e sua linha de olhos ou câmera é um pouco maior do que o ponto médio. Deste ponto de vista, os objetos em seu quadro se tornarão visualmente menores quanto mais longe de você estiverem. Quanto mais próximo o objeto estiver de você, maior ele aparecerá no quadro. A fim de desenhar essa escala de grande a pequena, podemos apenas usar uma grade. Fazemos uma grade usando linhas irradiantes saindo do ponto de fuga, abaixo da linha do horizonte e acima dela. Essas linhas serão nossos guias para a escala dos objetos em nossa cena. Do jeito que estou desenhando isso, estou apenas tocando no pincel no centro e , em seguida, mantendo pressionada a tecla Shift no teclado e tocando no pincel na borda azul. Isso me dará uma linha reta. Em seguida, para completar a grade, desenhe linhas paralelas indo também da frente do quadro em direção ao horizonte. Você já começa a ter uma sensação de profundidade em seu quadro. Agora, para desenhar esta linha reta, você pode simplesmente manter pressionada a tecla Shift enquanto desenha de um lado para o outro. Agora que você tem sua grade, você pode começar a preencher seu desenho seguindo linhas diagonais e linhas paralelas. Digamos que estamos desenhando uma rua da cidade. Essa é a coisa mais fácil de visualizar dessa maneira. Basta seguir a grelha. Desenhe retângulos como este. Estes vão ser os edifícios. O que você está vendo é, você vê um lado do prédio que vai em direção ao ponto de fuga. A parte da frente é paralela a nós, ao espectador, ao plano de imagem ou à câmera. Não importa quão grandes ou pequenos seus prédios são. Enquanto seguirem a grade, serão representados para dimensionar corretamente. Por exemplo, digamos que há algumas luzes de rua alinhando a estrada, todas elas têm exatamente a mesma altura, e em perspectiva, as que estão mais distantes são menores do que as que estão perto de você. Isso é simples o suficiente. O segundo tipo de perspectiva que você será mais chamado para desenhar, como artista de storyboard é a perspectiva de dois pontos. Vamos supor que estamos olhando exatamente para a mesma cena, esta cena de rua aqui. Mas agora, em vez de ficar no meio da rua e olhar direto para baixo, vamos imaginar que estamos de lado para ver os edifícios de um ângulo. Vou desenhar a mesma linha do horizonte. Mas desta vez, para desenhar os edifícios de um ângulo, vou fazer dois pontos de fuga, um à esquerda e outro à direita. Antes de ir mais longe, quero dizer agora que você deve quase sempre colocar esses pontos de fuga fora da moldura quando você está desenhando em perspectiva de dois pontos. Simplesmente porque se você não fizer isso, seu desenho ficará realmente esmagado e distorcido. Em quase todos os casos, é uma boa idéia colocar esses dois pontos de fuga o mais longe possível. Isso geralmente significa colocá-los além do quadro do quadro em que você está desenhando. Eu tenho um aqui e aqui, e de cada um desses pontos, eu vou desenhar minhas linhas irradiantes. Agora, na verdade não há necessidade de desenhar linhas paralelas, porque cada conjunto dessas linhas irradiantes se cruzam e formam a grade assim. Então vou começar a desenhar os prédios. Imagine que a rua agora está correndo do lado direito ponto de fuga através da tela, vindo em nossa direção, em um ângulo como este. Eu realmente estou seguindo a grade completamente para desenhar esses retângulos. Cada lado do edifício vai agora para um dos pontos de fuga. Não há lado paralelo, como tínhamos numa perspectiva de um ponto. Mas o mesmo sentido de escala ainda está funcionando. À medida que as coisas se afastam para a distância à direita, elas se tornam menores e menores. Da mesma forma, se o lado esquerdo fosse visível, então veríamos que objetos ou, neste caso, retângulos, se tornariam menores à medida que viajavam para o ponto de fuga esquerdo. Isso é perspectiva de um ponto e dois pontos. As próximas duas coisas que você precisa saber são se seu ponto de vista é ou não um ângulo alto ou um ângulo baixo. Este conceito pode ser complicado no início porque se você pensar em um ângulo alto, então você pode visualizar que você está olhando para algo. Mas na verdade você tem que visualizar que a câmera ou você mesmo estão bem alto e seu ponto de vista está olhando para baixo. Então você estaria olhando para baixo para alguma coisa. A linha do horizonte e o ponto de fuga estão no alto. Vamos colocar o ponto de fuga ligeiramente para a esquerda. Estou usando uma perspectiva de um ponto para este exemplo. Digamos que a cena que estamos desenhando é uma mesa em uma sala. Só vou seguir a grelha, desenhar a mesa assim. Até usarei a grade para desenhar o chão e indicar o plano e as paredes. Uma boa maneira de lembrar sobre como desenhar ângulo alto, é que você sempre vê o topo das coisas, quando você está desenhando esse ângulo. Por exemplo, o topo de uma cadeira ou o topo da mesa. Para um ângulo baixo, pense em você ou na câmera como sendo baixo quase no chão e ele está olhando para cima. Seu ponto de vista desta vez é para cima. Se você fosse desenhar a tabela novamente de um ângulo baixo e seguir a grade, como você pode ver neste ângulo, nós realmente vamos ver o embaixo da tabela, nós não vemos o topo. É assim que eu sempre me lembro como desenhar ângulos baixos, é que eu não estou vendo as superfícies superiores das coisas, eu estou vendo coisas por baixo. Essas quatro coisas, perspectiva de um ponto, perspectiva de dois pontos, se é um ângulo alto ou se é um ângulo baixo, estas representam eu acho, os conceitos mais importantes que você precisa entender, para praticar e aplicar aos seus desenhos. Eu tive alunos agora me perguntando como desenhar ou por que não estamos desenhando esses ângulos extremos usando perspectiva de três pontos olhando completamente para baixo em algo ou olhando para cima, como as fotos que você vê no Homem-Aranha ou filmes de ação assim. A coisa que eu diria é que na maioria das vezes estudantes que estão olhando para tentar e tirar tiros extremos para baixo com múltiplos pontos de fuga complexos ainda não dominaram ou mesmo entenderam um desenho de perspectiva de um ponto simples. Estou mencionando que não para ser crítico, mas apenas para apontar que você realmente precisa ser capaz de entender e desenhar uma perspectiva simples de um ponto antes que você possa ir para algo que é extremo, complexo de três pontos perspectiva. Se você realmente quer desenhar fotos complexas como essa, mas você não sabe como desenhar uma perspectiva de um ponto, você nunca vai acertar. Você tem que entender a perspectiva de um ponto e dois pontos primeiro. Em seguida, quando se trata de desenhar perspectiva de três pontos ou tiros extremos para baixo, upshots extremos, você será capaz de desenhá-los sem ter que ser ensinado nada, porque essas quatro coisas primeiro são os blocos de construção simples. Eu realmente queria mencionar isso, e eu espero que faça sentido e eu espero que você entenda de onde eu venho. Além disso, a outra coisa que eu quero falar sobre perspectiva é que você precisa pensar em perspectiva em termos de ponto de história. Simplesmente não há necessidade de desenhar um tiro extremo para baixo com perspectiva de três pontos se a história não exigir isso. Eu sei que em algo como o Homem-Aranha, obviamente, o cara balançando pelos arranha-céus de Nova York, e sim, você definitivamente vai precisar dessas fotos. Mas pense em quando estiver fazendo um storyboard, qual ponto de vista você está mostrando? Pense sempre no ponto da história quando estiver escolhendo suas fotos e pense no ponto da história quando estiver escolhendo sua perspectiva. Agora que esses fundamentos estão cobertos, eu quero agora saltar de volta para aquele desenho realmente áspero que eu fiz no último vídeo. Quero mostrar-lhe como você pode trabalhar fora sua perspectiva em seus desenhos ásperos. É um processo muito fácil. Primeiro de tudo, quando olho para este desenho, vou determinar onde estão a linha do horizonte e os pontos de fuga. Agora para mim neste desenho, eu vou olhar para o desenho áspero e eu posso ver muito grosseiramente que eu estava desenhando de um ponto de vista onde a linha do horizonte estava logo acima do meio do quadro. Eu sei disso porque eu posso ver um pouco do topo da mesa, eu posso ver o topo do barril e o peito, coisas assim. Então eu posso desenhar minha grade. Mesmo que eu tenha essas linhas no chão que parecem estar seguindo a perspectiva, eu vou ignorá-las completamente e simplesmente fazer uma grade diferente do desenho. Quero que ele seja distinto do desenho neste ponto em todos os aspectos, exceto no ponto de vista. Não estou ajustando a grade ao desenho áspero. Eu vou desenhar minha grade dentro e por si mesmo, e então eu vou encaixar o desenho na grade. Uma vez que esta grade é feita, eu vou diminuir a opacidade da camada, então eu vou bloquear a camada e criar uma nova marca acima dela. Então eu também vou baixar a opacidade para baixo do desenho áspero que está neste grupo aqui. Você pode realmente diminuir a opacidade de um grupo, bem como de apenas uma camada. Agora, além disso, vou desenhar os elementos que desenvolvi na minha composição. Desta vez eu vou seguir a grade exatamente. A mesa eu posso trabalhar assim. Agora, este desenho ainda é áspero. Não é de modo algum a minha última linha de trabalho. Mas este é o meu próximo passo se eu estivesse desenhando isso para o painel de storyboard. Ao seguir este método de trabalho, a coisa mais importante para acertar é o plano do chão. Assim que eu entrar, e eu tiver as paredes e o teto trabalhado, então eu sei que o desenho vai ficar bem. Neste caso eu tenho paredes curvas, mas eu realmente não vou me preocupar com isso ainda. É mais importante ter a forma básica do cubo da sala trabalhada primeiro. Uma vez feito, todos os elementos também podem seguir a grade, como o baú, os barris. Isso é realmente o básico de como obter perspectiva trabalhando em um desenho áspero. Uma vez que você tem as linhas de construção planejadas, e como eu disse, a forma básica do cubo da sala, tudo o resto então pode cair no lugar se você apenas redesenhar os elementos com a estrutura agora. Este exemplo foi destinado a mostrar-lhe como aplicar uma grade ao seu desenho áspero. Não se destina realmente a mostrar-lhe como desenhar um layout complexo. Porque por um lado, se eu estivesse fazendo isso, eu deveria estar usando imagens de referência. Para este desenho, eu apenas classifico isso e compus todos os elementos no desenho. Tenha isso em mente. Use este exemplo como uma maneira de entender o processo de trabalhar sua imagem áspera para sua composição primeiro e, em seguida, aplicar perspectiva sobre ela. 12. Profundidade, escala e tangentes: O próximo tópico sobre o qual eu quero falar é como lidar com o desenho com uma sensação de profundidade e espaço sem ter que ser amarrado para desenhar em layouts precisos e ter que usar uma grade de perspectiva cada vez. Porque muitas vezes, quando você está desenhando painéis de storyboard de forma rápida e furiosa, você realmente não tem tempo para aumentar um layout adequado ou um design de plano de fundo usando uma grade. Mas, ao mesmo tempo, você quer ser capaz de desenhar realisticamente com um senso crível de escala e profundidade. Neste vídeo eu vou falar um pouco sobre isso e explicar algumas convenções e de abreviaturas com as quais você pode trabalhar para fazer exatamente isso. Tenho uma tela padrão aqui no Photoshop. É cerca de 1920 por 1080. Mais uma vez, vou passar para a ferramenta de seleção de letreiros aqui em cima, letreiro retangular, e basta clicar e arrastar uma área como esta. Vá até “Editar” e escolha “Traçado” e, em seguida, pressione Command ou Ctrl D para desmarcar. Essa será a minha moldura na qual vou desenhar nossos armários e criar uma nova camada acima disso. No curso de storyboard anterior, dei uma tarefa aos alunos para testar sua habilidade de desenhar com profundidade e escala. O desafio era desenhar uma cena de fazenda usando alguns elementos simples, como um celeiro. Vou esboçar rapidamente em um celeiro aqui. Digamos que tem uma porta. Isso é sobre isso. Em seguida, outro elemento que você poderia usar era colinas ondulantes ao fundo. Vamos fazer algumas colinas indo assim. Então, obviamente, se for uma fazenda, vai ter campos. Vou desenhar algumas esgrimas aqui. Digamos que vemos cercas chegando até lá. Digamos que este é um portão e podemos ter a estrada a funcionar assim. Em termos de sobreposição, usei as colinas ao fundo, usei o celeiro e a cerca. Isso tudo funciona muito bem para criar um senso de perspectiva em camadas sem ter que, como eu digo, ir todo inteiro desenhando uma grade. Você pode ver que este celeiro está seguindo uma perspectiva muito simples de dois pontos sem ter que trabalhar demais. Pelo menos podemos ver a frente e podemos ver o lado. Não sei se há janelas num celeiro. Eu não tenho certeza. Vamos colocar uma janela só para estar no lado seguro. Agora, para dar um passo adiante, eu também sugiro que você pode dar um senso de escala usando dois ou três objetos semelhantes. Então, duas ou três coisas que são exatamente iguais. Um exemplo óbvio disso é usar uma árvore. Aqui, se eu esboçar rapidamente em uma árvore, assim, eu vou apertar “E” no meu teclado. Diminua o tamanho dele usando os colchetes abertos e basta tirar essa linha lá. Vou apertar “B”, voltar para a ferramenta de pincel, terminar a árvore. Digamos que aquela árvore esteja lá. Colocamos uma árvore lá. Agora, se eu colocar um elemento em primeiro plano como este, a maneira como isso funciona é que o olho vai instantaneamente ler isso como uma árvore, mesmo que nós apenas vemos um pouquinho dela, porque há uma árvore já estabelecida em plena visão lá atrás no fundo, o olho do público vai saber que este elemento aqui que estamos vendo de perto é a mesma coisa semelhante, é uma árvore. Isso imediatamente vai um longo caminho compositivamente para estabelecer profundidade e escala para o espectador. É uma técnica de composição muito fácil usar dois ou três elementos que são praticamente iguais, e então apenas usando parte de um porque toda a extensão dos outros já é mostrada. Outra coisa que você pode fazer é ter elementos como este perto do primeiro plano ajuda a enquadrar sua composição. De certa forma, esta árvore é, se você gosta de enquadrar esta área aqui, os galhos e as folhas estão apontando para baixo para nós porque o olho do espectador viaja ao longo desta árvore e para esta área de interesse. Nesta cena muito simples, você poderia até mesmo fazer a mesma coisa com a cerca, você poderia começar a escalar a cerca e talvez colocar, eu não tenho certeza, eu realmente não tenho muito certeza, eu realmente não tenho muito certeza de que a cerca é feita. Digamos que é feito desses postes de madeira e algum fio passando, assim. Um pouco de arame farpado. Mas aí você começa a idéia. Novamente, ele está apenas levando os olhos para dentro como um dispositivo de enquadramento, e também está se relacionando com esses longe de elementos aqui, e dizendo ao público que isso está perto de nós e que está longe. Parece um pouco simplista, mas acho que compositivamente é um conceito importante para levar a bordo e tentar trabalhar em seus próprios desenhos o máximo que puder. Agora, alguns alunos me perguntaram se usar o conceito de perspectiva atmosférica também pode ajudar a estabelecer ou descrever profundidade e escala em sua composição. A perspectiva atmosférica é quando as coisas que estão mais distantes parecem mais claras e as coisas que estão mais próximas da câmera ou mais próximas de você parecem mais escuras. Também poderia pensar sobre as coisas que estão mais perto de você têm maior contraste e as coisas que estão mais distantes têm um contraste mais baixo, e é isso que faz com que pareçam mais leves em tom. Pessoalmente, diria que só uso isto para pintar. Para o trabalho de linha, ele realmente não vai ler exatamente da mesma maneira. Ele vai apenas realmente olhar um pouco estranho se o seu trabalho linha é lazer em certas áreas do seu desenho e, em seguida, escuro para as coisas que estão mais perto da câmera. Eu só vou mostrar o que eu quero dizer com se eu selecionar esta seção do desenho, então esses elementos estão no acompanhamento em segundo plano um pouco, então com isso selecionado, eu vou pressionar “Command” ou “Control X” no meu teclado para cortar fora dessa camada. Vou apertar “Command Shift V” para colá-lo no lugar, e agora está em uma nova camada acima do topo. Se eu baixar a opacidade, digamos, para cerca de 60 ou até 70 por cento, você pode ver o que eu quero dizer. Parece um pouco estranho. Entendo que esteja tentando dar a impressão de que as coisas estão mais longe. No entanto, para mim, não funciona necessariamente. O que eu acho que seria um uso muito mais eficaz de dar a impressão de profundidade em seu trabalho de linha é realmente fazer as coisas que estão mais perto de você ter uma linha mais espessa. Elementos que estão em primeiro plano como este, você poderia fazer essas coisas ter um pouco mais de uma linha mais espessa, e então os elementos que estão mais longe terão uma linha mais fina ou mais leve à medida que se afastam para a distância distante. Para esta árvore, poderíamos fazer esta linha um pouco mais espessa, não exagerando completamente. Quero dizer, você ainda quer que a imagem tenha um pouco de coesão e legibilidade ao longo, mas é bom enfatizar esses elementos de primeiro plano usando um pouco de uma linha mais espessa em comparação com o trabalho de linha que está no resto da composição. Isto é especialmente verdadeiro para coisas que são repetidas. Por exemplo, digamos que você tinha lâminas de grama em primeiro plano. Você poderia usar uma linha mais espessa para suas lâminas de grama como esta, e então linhas mais finas e obviamente menores como se você quisesse indicar grama enquanto ela se move de volta para o plano da imagem. É assim que eu trataria. Eu faria as coisas que estão mais longe têm uma linha mais fina e os elementos que estão mais perto um pouco mais de uma linha mais espessa e pronunciada. A última coisa que eu quero falar é sobre tangentes, e isso é algo que eu não fiz um grande ponto sobre o curso de storyboard anterior, mas ele surgiu algumas vezes, então eu pensei que isso iria ser uma boa oportunidade para abordá-lo. Eu quero explicar para vocês o que são tangentes, como você pode evitá-las em suas obras de arte, e eu também quero falar sobre se elas são ou não tão importantes. Uma tangente é um elemento composicional, ou devo dizer que é um erro na sua composição. É onde duas linhas se encontram e criam uma nova linha reta. É onde se tocam, mas não se cruzam. Deixe-me explicar isso um pouco mais claramente. Estas linhas aqui, você tem uma linha indo assim e outra indo assim. Na verdade, eu deveria colocar isso em uma nova camada. Esta linha que se encontra com esta linha, é um cruzamento, então não é uma tangente, mas se pegarmos, digamos, a linha que cria a montanha, se eu apenas agarrar isso, e se eu fosse movê-la até lá então digamos que eu desenhei minha imagem inicialmente com a montanha um pouco mais alto deste lado, onde a linha da montanha encontra o topo do celeiro, que é uma tangente. Estamos de volta à camada superior. Ele não cruza o celeiro, ele o encontra e cria uma nova linha reta. O que isso faz é que ele tem o efeito de achatar sua composição, e é por isso que as tangentes são consideradas tão ruins. Você também pode ver um pouco de uma tangente aqui, onde há uma posição vertical. Um dos pilares da cerca é encontrar esta linha lá atrás, que vai criar uma tangente. Qualquer coisa que se cruze está bem, então estas linhas estão todas bem. Não estou vendo outras tangentes aqui, mas espero que você tenha a idéia. Isso é o que você quer evitar em sua obra de arte em todos os momentos. Vou dizer-te uma coisa que não ouves muitas vezes, mas quero que entendas. Tangentes são apenas erros muito pequenos e insignificantes em seu desenho. Eu não vou te dizer se você fez um desenho realmente bom, que sua composição é ruim simplesmente porque há uma tangente. Na verdade, não são muito importantes em termos de desenho. No entanto, o que você precisa saber é que qualquer outra pessoa que saiba cuidar de tangentes irá detectá-las imediatamente e inevitavelmente chamá-lo-á por elas. Essa é a razão pela qual você quer evitá-los mais, é porque você poderia trabalhar o dia todo em um fundo realmente adorável, extremamente bem composto, muito detalhado, e ter apenas uma pequena tangente poderia realmente significa que seu trabalho é enviado de volta para revisões de seu diretor de arte, seu supervisor ou seu diretor. A melhor estratégia possível é saber sobre tangentes e ter certeza de que elas não estão em seu desenho para que quando você o entregar, você possa estar seguro e certo de que você não vai ter nenhuma revisão porque é exatamente como eu digo, a coisa mais fácil e simples de identificar na obra de arte de alguém e enviá-la de volta, então apenas evite por essa razão. 13. Introdução às sequências de desenho: Até agora neste curso, eu orientei você através de algumas das convenções de desenho comuns para personagens e fundos. Como artista de tabuleiro, você precisa ser capaz de desenhar ambos os elementos de forma rápida, clara e dinâmica em seus storyboards. Eu quero abordar um ponto que muitas vezes surge sobre isso e que é, você tem que ser capaz de desenhar layouts completos e planos de fundo detalhados para cada painel de storyboard? Da mesma forma, você tem que ser capaz de desenhar folhas de modelo e desenhos de personagens totalmente acabados? A resposta é não. modo geral, você só precisa desenhar planos de fundo sugeridos em seus storyboards ou, se você estiver trabalhando em um programa de TV animado, é realmente provável que você tenha o layout que já foi projetado e elaborado e você também receberá os personagens e suas folhas de modelo. Em seguida, seu trabalho será usar ambos os layouts e essas folhas de modelo, a fim de desenhar o storyboard. Lembre-se que você terá que desenhar o layout que é dado a você de diferentes ângulos e você vai ter que desenhar os personagens que lhe são dados em diferentes poses. Além disso, você terá que ser capaz de desenhar todas essas coisas muito rápido e muito corretamente. Tudo isso significa que, mesmo que você não precise desenhar layouts detalhados para seus storyboards, você realmente deve ser capaz de fazê-lo. Agora vamos seguir em frente e ver como você pode trazer todas as suas habilidades de desenho para ter em storyboards. Como você aplica suas habilidades de desenho a um script? Nesta seção de vídeos, vou recapitular os ângulos básicos da câmera e fotos que são usados no filme narrativo e na animação. Eu também vou compartilhar com vocês algumas dicas que os diretores costumam dar aos artistas da história. Além disso, veremos quantos painéis você deve apontar para desenhar por cena. Então, finalmente, vamos rever alguns quadros de amostra e fazer uma revisão do trabalho dos alunos. 14. Revisão sobre tomadas e ângulos: Neste vídeo, vou lhe dar uma rápida revisão dos diferentes tipos de fotos que você poderia usar para contar suas histórias visuais. Isso vai ser uma atualização sobre o que eu abordei muito mais detalhadamente no primeiro curso de storyboarding. Mas eu queria aproveitar a oportunidade para recapitular agora, uma vez que ele se relaciona muito com o desenho, porque até agora você tem construído suas habilidades de desenho para personagens e fundos e você precisa agora aplicá-los ao visual Contar histórias. Você precisa aperfeiçoar essas habilidades de desenho para contar uma história de uma forma convincente e para fazer isso, você precisa entender os diferentes tipos de tiros que estão à sua disposição. Estes seis tiros que eu tenho aqui são praticamente os principais tiros de narração que são usados em filmes ou animação. Vou examinar cada um deles brevemente e explicar quando e como você os usa. O tiro de estabelecimento é usado obviamente no início dos filmes. É aquele tiro muito amplo que você vê no início de um filme. Também pode ser usado no início de uma sequência. Se você tem sido tendo uma carga de ação e você quer respirar orientado o espectador sobre onde eles estão, você pode voltar para estabelecer tiro. Isso é realmente o que isso faz. Ele diz ao espectador onde a ação está ocorrendo. O próximo é o tiro largo. O largo é usado da mesma forma que o tiro de estabelecimento, na medida em que diz ao público algo sobre a paisagem ou algo sobre o local. Mas isso pode ser usado com mais freqüência ao longo da seqüência do que o tiro de estabelecimento. Você pode pensar nisso como se houvesse um padrão visual de narrativa que é conhecido como progredir para dentro, então você pode pensar que o tiro largo o próximo passo em direção à cena após a tomada de estabelecimento. Na verdade, todos eles estão levando o espectador progressivamente para dentro e muitas vezes você verá o tiro largo usado diretamente após o tiro estabelecido. Agora que estabelecemos onde está a cena, vamos entrar um pouco mais na cena e começar a história em outras palavras. Eu mencionei no último curso de storyboarding que esses dois tiros estão praticamente associados com a paisagem e com o ambiente da história, como onde estão as ações acontecendo e que os quatro tiros seguintes são usados para personagens. Não é uma regra dura e rápida, como você pode ter fotos longas ou close-ups médios e extremos de objetos em uma cena, ou partes da paisagem, ou partes da sala onde a ação está acontecendo. Ele não tem que se relacionar apenas com personagens. Mas é uma boa maneira de pensar em contar histórias porque você está sempre voltando ao fato de que o personagem impulsiona a história. Em cada filme ou em cada história visual que você pode pensar, geralmente é o personagem que impulsiona a história. É por isso que esses tiros são importantes para entender em termos de arcos de personagens e histórias de personagens, porque eles podem ser usados para reforçar seu tema e mais importante, para estabelecer a identificação do público com seus personagens principais. Tendo dito tudo isso, o tiro no escuro que é depois do largo está relacionado com o personagem. Ele mostra o comprimento total do personagem. Você verá o personagem da cabeça aos pés. Muitas vezes é chamado de tiro de corpo inteiro. Isso é usado se houver muita ação na cena ou se houver movimento, se o personagem estiver andando por aí. Você quer ser capaz de mostrar o comprimento total do caractere para que a ação seja legível. Então, depois disso, é o tiro médio. O tiro médio é praticamente o tiro de caráter padrão absoluto, eu diria. Ele mostra um personagem logo abaixo da cintura e até a cabeça e é usado porque com esta configuração, ainda podemos ler claramente a emoção no espaço do personagem, mas ainda é grande o suficiente para que o personagem agir se ele precisa e importante para usar as mãos. Sempre que há um tiro ou uma cena onde o personagem tem fazer algo com as mãos, então você vai para o tiro médio. O close-up é geralmente associado apenas com a cabeça e ombros. Este tiro é o mais importante para estabelecer emoção no rosto do personagem e para permitir que o público leia essa emoção e comece a se identificar com o personagem. Direi que muitas pessoas tendem a ir um pouco perto demais quando estão desenhando close-ups e eu encorajaria você a estar atento ao fato de que algo assim talvez seja muito próximo. Você quer dar espaço ao personagem, ver o topo da cabeça, ver seus ombros, e também dar espaço se ele tem que andar ao redor no tiro. Então, finalmente, o close-up extremo, é quando você pode ir muito perto. Você poderia até chegar tão perto quanto os olhos se você realmente quisesse levar para casa a emoção ou aumentar a emoção na cena. É um tiro muito claustrofóbico, é por isso que chegar tão perto em um close-up regular não funciona porque tende a fazer o público se sentir um pouco sufocante ou desorientado se chegar tão perto. É usado para sublinhar a emoção da cena. Novamente, só para me repetir, ele pode ser usado em um objeto ou parte de uma cena ou qualquer coisa assim. Não é só para personagens. Muitas vezes você me ouve e outras pessoas falar sobre ângulos de câmera, fotos de câmera e parece que é um termo intercambiável. Uma captura de câmera descreve o tamanho da visão que vemos. Pense se é uma visão ampla, uma visão de close-up, uma visão de close-up extrema e um ângulo de câmera descreve o posicionamento da câmera em relação ao que vemos. Em cada uma dessas fotos, o ângulo da câmera é direto. É muito genérico. A linha do horizonte está no meio do meu tiro em quase todos. Isto é talvez um pouco de um tiro para baixo. Parece-me que desenhei como se estivéssemos olhando para baixo. Mas voltando a este, este, e este, estes são todos ângulos regulares. Como expliquei no vídeo anterior sobre desenho em perspectiva, você pode ter um ângulo alto e um ângulo baixo. Recapitulando, o ângulo alto é quando sua câmera está no alto olhando para baixo na cena. Se tivéssemos um ângulo alto de um tiro estabelecido, meu alcance de montagem estaria aqui em cima, meu horizonte estaria lá em cima, e eu veria muito mais do plano terrestre. Eu ainda veria minha árvore e eu posso ter o cacto em primeiro plano, mas há muito mais vista do plano terrestre assim. Em seguida, um ângulo baixo, se você tivesse sua câmera baixa, então veríamos menos do chão. O plano terrestre seria muito mais baixo. Digamos que se eu estiver desenhando este grande tiro, eu teria minhas montanhas bem baixas no horizonte e na árvore. Estamos olhando para cima de baixo para a árvore lá e, em seguida, outro ângulo que você pode usar é chamado ângulo holandês ou inclinado e é quando a linha do horizonte é inclinada, um pouco como este. Se você realmente quer desorientar o espectador, você poderia fazer algo assim. Na verdade, este ângulo inclinado é uma opção muito agradável para usar quando você quer apenas misturá-lo e não ter tudo olhar tão chato e morto em linha reta. Você pode apenas inclinar o ângulo assim e imediatamente, isso dá muito mais de um sentido interessante. É muito mais dinâmico. Composicionalmente, funciona muito bem. Na verdade, para as pessoas que querem usar aqueles tiros muito altos ou tiros extremos de ângulo baixo que eu falei anteriormente, talvez eles poderiam considerar usar um ângulo holandês ou inclinado para transmitir que instabilidade e transmitir essa qualidade dinâmica para seus tiros sem ter que ficar muito preso em grades de perspectiva complicadas. Isso é algo a ter em mente. Eu definitivamente sugeriria fazer isso. Não sei por que é chamado de ângulo holandês, mas esse é o termo do filme, e lembre-se que é o ângulo da câmera ou a câmera está inclinada. Já que você está fazendo este curso e é provável que você tenha feito meus outros cursos de storyboarding, então eu sei que você já tem um senso visual muito afiado e uma boa compreensão da linguagem visual fílmica. Você provavelmente sabe muito instintivamente como ler um filme e pode visualizar a história em termos de tiros. Eu certamente vi que ao longo dos últimos meses com atribuições de estudantes, que mesmo com pessoas com habilidades de desenho muito rudimentares, eles ainda têm esse incrível sentido de contar histórias visuais e são capazes de ver fotos e câmeras ângulos de uma forma muito sofisticada. É importante saber por que as fotos que você escolhe para seus storyboards funcionam e como elas se encaixam. Isto é o que vai ajudá-lo a criar boas sequências porque uma vez que você é fluente nesses motivos visuais de tiros e ângulos e uma vez que você sabe por que eles funcionam, então você pode começar a criar padrões e desenvolver seu próprio particular como cineasta, como animador e como artista de história. A coisa mais importante a lembrar é que cada tiro se encaixa em uma sequência geral, e cada sequência se encaixa em uma seção maior ou agir dentro de seu roteiro, e cada uma delas se encaixa na história geral. Isso vai lhe dar uma idéia de como escolher suas fotos para seus pontos da história. Como eu disse antes, se você quer um tiro extremo, apenas pergunte a si mesmo, qual é o ponto da história da cena? Será que ele realmente se encaixa no ponto da história? Talvez haja outra chance que sublinha de forma mais inteligente as idéias que você quer falar ou a idéia que você está explicando. No próximo vídeo, vou falar sobre algumas dicas principais que são mais frequentemente dadas aos artistas de storyboard, a fim de melhorar seu trabalho e realmente tudo volta a essa idéia de usar suas fotos para dizer a ponto da história. 15. Dicas dadas por diretores a artistas do storyboard: Agora eu quero compartilhar algumas dicas com você sobre como você pode abordar seu storyboard de um nível mais profissional. Estas são dicas que são muitas vezes dadas pelos diretores a artistas de storyboard. Não são poucos, acho que só tenho cerca quatro dicas para você, mas valem a pena saber. Eles se aplicam em todos os storyboards em que você quer trabalhar e eu acho que muitos artistas de storyboard iniciantes não estão totalmente cientes dos simples hacks que você pode realmente usar para melhorar seu storyboard. Saber sobre isso ajudará você a desenhar seus storyboards e também ajudará a antecipar qualquer um dos requisitos do seu diretor. Saber antecipadamente o que o diretor vai querer de você também é muito bom saber. Minha primeira dica é realmente ir para o tiro sobre o ombro quando você está embarcando sequências de diálogo. Eu vejo isso muitas vezes para iniciantes artistas storyboard onde eles têm, digamos, por exemplo, algo como isso o que eu tenho aqui, duas pessoas conversando e eles vão mostrar o diálogo ou eles vão embarcar para fora o diálogo mostrando apenas um caractere de cada vez. Obviamente, se olharmos para esta sequência, podemos dizer que este tipo está a falar e este tipo só está a ouvir. Mas pense cuidadosamente sobre a dinâmica que está em jogo entre quaisquer dois personagens. Um que realmente ajudará a estabelecer a dinâmica e a interação é mostrar um pouco da cabeça e ombros do outro cara. Ele apenas leva para casa para o público a relação entre esses dois e é uma maneira muito boa de estabelecer esse relacionamento. Além disso, ele também pode ser usado para sublinhar qualquer tensão entre eles. Se eu fosse consertar isso, eu talvez moveria esse cara um pouco e adicionaria na cabeça e ombros desse outro personagem imediatamente muda a dinâmica dessa cena simples que a torna muito mais forte. Eu acho que isso realmente acrescenta a essa interação o que está acontecendo. Esse cara está conversando e esse cara está ouvindo e mesmo aqui, ele ainda pode estar conversando e ter esse cara apenas ouvindo, uma melhor compreensão e uma melhor conexão entre os dois personagens que, em seguida, ajuda o público a ler a cena muito melhor. A outra coisa é que esta dinâmica que é estabelecida com um tiro sobre o ombro pode realmente sublinhar qualquer tensão entre os personagens. Por exemplo, se olharmos para este conjunto de miniaturas que eu fiz no curso de storyboarding anterior, esta sequência de diálogo aqui entre o xerife e o homem do bar vai ao longo caminho para demonstrar isso. Este tiro aqui é provavelmente mais tecnicamente chamado de dois tiros, então ambos os personagens estão na foto igualmente, mas então nós movemos para um pouco de um tiro sobre o ombro, nós cortamos para a reação dele e então nós temos isso sobre o ombro . Eu gosto disso porque ajuda a estabelecer que esse cara está em uma posição um pouco mais fraca. Se eu criar uma nova camada, vou pegar outra cor. Você verá que Appleby, o barman, praticamente em cada tiro ocupa esta área do quadro. Considerando que o xerife ocupa o canto superior esquerdo do quadro, e neste caso ainda mais de nós. Isso é apenas uma sugestão visual sutil para o público que a dinâmica em jogo aqui é caminho para este céu. O tiro sobre o ombro mostra ao público o que o personagem está olhando mais ele mostra crucialmente o personagem no ato de olhar. Só melhora a identificação de personagens. Agora, a próxima dica é uma que muitas vezes é dada pelos diretores ao artista de storyboard e que é cortar mais a ação. O que eu quero dizer com isso é que se há ação acontecendo em uma cena, por exemplo aqui, eu acho que esses dois tiros devem ser um pouco mais largos. É muito apertado e quase claustrofóbico quando você olha para essas duas fotos. Você tem três personagens aqui, algo está acontecendo. Estão virando porque esse cara entrou, mas não lê muito bem. Se olharmos para este exemplo aqui, agora isso é muito melhor. Vamos da sucessão ou de uma série de close-ups e neste tiro Tucker, o xerife, vai pisar na frente da Gretta e tentar lidar com a situação, cortando mais. Você só tem muito mais espaço para os personagens atuarem e se movimentarem. Isso é o que significa reduzir a ação, e é apenas algo a ter em mente. Muitas pessoas vão entrar para os close-ups automaticamente, talvez seja porque eles querem melhorar a história ou aumentar a emoção da cena, mas geralmente falando para algo assim, cortar mais vai realmente permitir que o ação para jogar fora em uma distância muito clara. Minha terceira dica é algo que eu mencionei no último vídeo e que é usar o ângulo inclinado ou o ângulo holandês. Novamente, usar ângulos de composição em linha reta em que a câmera está diretamente na frente dos personagens pode tendem a ser um pouco chato. Este é um bom ângulo. É um pouco desfavorável. A coisa sobre um ângulo inclinado ou holandês é que ele cria linhas diagonais, e esses são os elementos composicionais que interessam a um espectador ou envolvem o público. Eu tenho um conjunto de miniaturas ásperas aqui e eu só queria mostrar a vocês o quão eficaz este tiro aqui em baixo é. Nós vamos de fotos muito padrão, close-ups, câmeras todos no mesmo nível, e então aqui ele inclinou ligeiramente a câmera para que possamos ver um pouco do chão e essas linhas aqui levando em direção à porta. Ele só tem o efeito de adicionar ao drama e criar essa sensação de desequilíbrio e tensão. Como eu disse, essas linhas diagonais são realmente boas em qualquer desenho, em qualquer composição para ajudar a levar os olhos do espectador para onde é a área de interesse que, neste caso, é a porta. Eles estão correndo para fora da porta. Lembre-se de escolher um ângulo inclinado ou holandês sempre que quiser melhorar sua composição ou adicionar um pouco mais de interesse em seus painéis. A última dica que é praticamente padrão em todo o trabalho de todos é lembrar de usar elementos de sua composição para enquadrar seus personagens. Isso sempre vai fazer para uma imagem muito mais forte e um tiro muito mais forte. Se você colocar algumas coisas em primeiro plano ou usar objetos dentro da foto para enquadrar seu personagem, então você estará indo muito bem. Por exemplo, neste tiro aqui, esta linha diagonal do corrimão e este personagem aqui enquadram perfeitamente esta área de interesse. Ele leva nossos olhos para o personagem do xerife, em seguida entra na cena e continua para o próximo painel. O que isso está fazendo, isso e como eu digo, seu olhar direcional está em primeiro plano, xerife a levou entrando. É muito bom contar histórias visuais. É apenas um exemplo simples, mas você já me viu fazer isso uma e outra vez mesmo aqui em cima onde eu usei elementos nos cantos para enquadrar o que está acontecendo no centro. Novamente, nesta seção ou neste painel, aqui está o corrimão subindo as escadas, criando aquela linha diagonal muito agradável e enquadrando o olho do espectador em direção a esses dois personagens. É uma configuração perfeita para a sequência de diálogo que se segue. Essas são as minhas melhores dicas para desenhar storyboards e construir suas sequências. No próximo vídeo, vamos dar uma olhada em alguns trabalhos dos alunos e rever alguns dos storyboards em termos de criação de sequências e criação de narrativas dinâmicas através de suas escolhas de tiro. Vejo você no próximo vídeo. 16. Projeto do curso: Muito bem por chegar ao final do curso. Estou muito orgulhosa de você por ter assistido isso todo o caminho. Espero que tenha gostado e que tenha aprendido algo útil. Quero apresentá-los agora ao projeto final da aula. Como eu mencionei antes, este vai ser um projeto muito divertido para você assumir e aplicar tudo o que cobrimos até agora no curso para storyboarding um script a partir do zero. O que eu fiz foi deixar uma pasta na sua seção Download. Você será capaz de encontrar todos esses ativos. Primeiro de tudo, você encontrará seu roteiro. Deixei um PDF e uma versão de documento do Word. Se você não puder acessar qualquer um desses, me avise e eu enviarei um formato de classificação diferente. O que você vai descobrir é que é praticamente uma página de script. Agora, eu quero apenas salientar que você não tem que fazer storyboard toda esta página. Uma vez que você começar a discar para baixo para os detalhes, você verá que há muito que está envolvido em apenas um pager simples. Sinta-se livre para participar disso, se você acha que é o suficiente, ou pegar todo o roteiro, isso será ótimo. Essencialmente, você tem seu roteiro e você tem alguns desenhos de personagens. Eu desenhei este personagem, este é o Capitão Barnaby. Eu também juntei uma linha de sua tripulação pirata. Como verão, fiz poses para o Capitão Barnaby, mas não desenhei nenhuma pose desses caras. Felizmente, você já teve uma chance de praticar colocar alguns desses personagens em poses você mesmo. Mas você deve ser capaz de usar qualquer um desses para o seu storyboard. Você também tem um layout de exemplo. Este é o layout que acompanha a primeira cena no script. Se eu voltar para o script Metal Queen onde diz noite das docas exteriores, é esse layout. O resto é com você. Quero que invente um fundo sugestivo para o convés da nave. Pode se referir ao meu desenho áspero para a cabine do capitão, se quiser, quando chegar ao fim. Meu conselho é ler o roteiro, anotar suas idéias, seus pensamentos, e colocar como você visualiza a história, fazer pequenas anotações no roteiro, e então formular essas idéias. Você quer pensar em ângulos, tiros, e como esses tiros se encaixam para contar a história. Quando você tiver o seu miniatura feito, então você pode voltar e redesenhá-lo como um storyboard final finalizado. Eu também deixei alguns modelos de storyboard que você pode usar para terminar seu projeto. Há alguns arquivos aqui, JPEG e PDF. Este modelo tem três painéis. Eu tenho outro modelo que tem seis painéis em uma página. É totalmente com você. Se você tiver alguma dúvida, é claro, você pode apenas me avisar, me enviar uma mensagem e eu ficarei feliz em ajudá-lo. Mas eu espero que você possa se divertir com este projeto. Eu realmente espero que você seja capaz aplicar as coisas que você aprendeu neste curso ao seu desenho, para este projeto e para o futuro. Vamos manter-nos em contacto. Estou ansioso para vê-lo no próximo curso.