Desenhando Webtoons: do planejamento à publicação

1. Apresentação: Olá, sou cluvious, artista autodidata de anime e criador de conteúdo. Embora eu tenha começado originalmente como ilustradora, decidi seguir meus sonhos e mudar meu caminho para criar quadrinhos, especificamente desenhando tons de trabalho. Sempre fui inspirado por animes e mangás isso me apaixonei criar minhas próprias histórias e personagens. No entanto, por muito tempo, eu não sabia qual seria o melhor formato para contar minhas histórias. Até me deparar com léptons, achei o formato de referência o mais inspirador para Eu, pois adoro fazer obras de arte digitais coloridas e as possibilidades criativas são realmente infinitas com esse meio. À primeira vista, desenhar uma teia pode parecer uma tarefa difícil, na qual você não sabe por onde começar. Mas eu quero te dizer que não é , na verdade é um processo simples. Depois de entender isso na minha aula, detalharei o processo de desenho e criação de capítulos completos, desde o planejamento até a fase de publicação. Quero mostrar como você pode storyboard de seus capítulos, preparar organizar seus arquivos de trabalho, criar um storyboard de seus capítulos, preparar e organizar seus arquivos de trabalho, usar técnicas para intensificar seu processo de desenho e coloração e como usar ativos e 3D para criar fundos anestésicos rápidos e, ao mesmo tempo fazer ajustes rápidos de cores para que você veja aquela bela aparência final em minha aula. Você aprenderá como criar seus próprios capítulos completos e com sorte, estará pronto para publicar seu próprio tom da web nas plataformas adequadas. Tenho muita esperança de que você saia da minha aula bem equipado com o conhecimento como desenhar com músicas, para que esteja pronto para começar sua própria jornada de tornar realidade a história dos seus sonhos. 2. Configurando a pintura do Clip Studio: Clip Studio Paint se tornou o software e aplicativo favoritos entre a maioria dos artistas atualmente, especialmente os criadores de quadrinhos, pois está repleto de ferramentas e recursos que são muito mais fáceis e economizam tempo produzindo obras de arte de alta qualidade. Clip Studio Paint está disponível para computadores e dispositivos inteligentes. Ele vem em duas versões, Pro e eax. Eles são muito semelhantes em quase tudo exceto que o e x vem com mais recursos, principalmente para lidar com projetos com várias páginas, como quadrinhos, exportar linhas de imagens e modelos 3D, e quadros ilimitados para animação. Pode haver outras diferenças, mas essas são as principais. Como estamos à altura de um artista, é perfeitamente bom trabalhar com ele. Se quiser, você pode obter praticamente os mesmos resultados e pode fazer o upgrade para o eax a qualquer momento mais tarde, se mudar de ideia. Pessoalmente, tenho a versão EX e é a que vou usar nesta aula. Mas ao longo das aulas, eu vou te dizer onde você precisa fazer as coisas de forma diferente. Se você é um usuário profissional, é claro, isso será, tanto quanto sei, pois nunca o usei antes. Então, perdoe-me se eu perder alguma coisa e me avise agora se é sua primeira vez usando o Clip Studio Paint ou não, eu não vou lhe dar uma introdução única às ferramentas e recursos do software porque eu entendo que são muitas informações para serem absorvidas de uma só vez. Em vez disso, explicarei a você as ferramentas de que você precisa à medida que avançamos. Assim, você pode experimentá-los instantaneamente e mantê-los na memória e, gradualmente, adquirir experiência com o software à medida que o usa. Então, por enquanto, vamos falar sobre como configurar seu Clip Studio Paint e personalizá-lo de acordo com sua preferência. Em primeiro lugar, depois de conectar seu tablet e executar o Clip Studio Paint, abra um novo arquivo em Arquivo novo. Não há problema em escolher qualquer uma das opções. Agora, vou apenas dar uma ilustração. Agora, com esta etapa, definiremos as configurações de pressão da caneta para que sejam as mais adequadas para seu próprio uso. Para fazer isso, vá para Arquivo, depois para configurações de pressão e, em seguida, pegue sua caneta e faça vários movimentos na tela. Faça movimentos com a pressão com a qual você se sente confortável. Eu aconselharia não pressionar sua caneta com força, pois isso pode machucar sua mão a longo prazo. Portanto, mantenha sua mão leve e você poderá ver que o gráfico está mudando com a entrada que estou dando. Depois de terminar, clique em verificar, ajuste as configurações e agora você pode experimentá-lo na tela. Se você se sentir confortável com as configurações nesse estágio, clique em Concluído. Caso contrário, basta clicar, voltar para a tela anterior e fazer a coisa novamente. E é isso mesmo. Clique em Concluído para fechar essa janela. Então essa foi a primeira coisa. A segunda coisa é a interface do usuário. Como você pode ver, tudo no Clip Studio Paint é feito de Windows. Então, por exemplo, se eu clicar e segurar isso, vou abrir a janela. E se eu clicar e segurar novamente, posso trazê-lo de volta para onde estava, redimensioná-lo e assim por diante. Tudo aqui tem uma janela e você pode arrastar e alterar as coisas como quiser. Portanto, nesta etapa, você conhecerá qual é a sua interface de usuário mais confortável à medida que avança, porque você estará mudando e continuamente de acordo com suas necessidades. Mas, por enquanto, eu queria que você soubesse disso, já que tudo é feito de Windows, você pode arrastá-los e vê-los aparecer assim. E talvez você clique em fechar por engano. Não se preocupe quando isso acontecer, você pode restaurar qualquer coisa que você fechou acessando a Janela. E, por enquanto, vou escolher o Navigator pois esse é o que eu fechei agora. E aqui está. Está de volta. Então, vou arrastá-lo e colocá-lo de volta onde estava. Pessoalmente, quase mantive a interface de usuário do Default Clip Studio Paint, mas coloquei as camadas aqui na lateral como uma janela longa porque, enquanto trabalho na web tune, uso muitas camadas. Então, para mim, descobri que é mais fácil navegar entre eles. E também aqui coloquei a paleta de cores para facilitar o acesso, sobre a qual falarei com mais detalhes quando começarmos a fase de coloração. Além disso, a visão geral do navegador mostra uma prévia da sua tela. Então, às vezes, acho útil simplesmente ampliar isso para que eu possa pular entre os painéis com mais facilidade e ver meu arquivo de trabalho em um piscar de olhos. Por fim, coloquei o tamanho do pincel aqui. Normalmente, acho que está localizado aqui e na interface de usuário padrão. Mas eu coloquei aqui na lateral para que ocupe menos espaço e para que eu possa escolher o tamanho do pincel com mais facilidade. Agora vamos falar sobre essa coisa no topo aqui chamada de barra de comando. E, como você pode ver aqui, existem muitos atalhos. Alguns deles vêm com uma interface de usuário padrão, e alguns deles eu mesmo adicionei. Acho essa barra de comando muito útil. Isso realmente ajuda você a economizar tempo e usar algumas ferramentas rapidamente. Então, para ajustar os ícones aqui, você acessa as configurações da barra de comando do Arquivo. A partir daqui, você pode ver coisas diferentes. Existem comandos de menu, pellets pop-up, opções e ferramentas. Para ser sincero, não usei tudo, mas quero mostrar o que coloquei. Além disso, além da interface de usuário padrão, que é aumentar e diminuir o zoom e ajustar a tela girar a tela para a esquerda e direita e redefinir a rotação ou a inversão. Também coloquei esse botão giratório horizontal para tornar mais fácil e rápido virar a tela e ver se as proporções das minhas obras de arte estão boas. Aliás, esses botões já existem aqui, mas como você pode ver na lateral da janela. Então, descobri que colocá-los em cima aqui torna as coisas mais rápidas para mim. Você pode definir essas configurações na barra de comando, as configurações nos comandos do menu vão para Exibir. E então esse é o Zoom e você arrasta e solta aqui. Esse é o zoom out. E como você pode ver, ele colocou um separador entre as duas ferramentas. Se eu quiser me livrar disso, basta clicar com o botão direito do mouse e excluir o separador. Então, agora eles estão todos em um só lugar. E também há o botão Fit to Screen. Em gire ou gire. Aí está a rotação para a esquerda. Gire para a direita. Vou simplesmente arrastá-los e o separador desaparecerá automaticamente. E essa é a inversão da rotação da pesquisa. Finalmente, a virada para a horizontal. Se você quiser remover qualquer um dos ícones, clique com o botão direito do mouse e exclua, e é assim que você pode limpá-lo. Vou remover os que coloquei agora, pois já os tenho. Os outros dois ícones que adicionei são a transformação livre, transformação em malha. Falaremos mais sobre essas ferramentas quando estivermos na fase de esboço. Mas quero mostrar de onde você pode obtê-los para colocá-los na barra de comando, editar, transformar. E aqui você pode ver todas as opções de transformação. Para mim, arrasto a transformação livre e a transformação de malha e também vou colocar a escala em rotação porque também é uma ferramenta rápida e útil. Então, isso é para as configurações da barra de comando. Finalmente, quero falar sobre uma coisa muito importante, que são os atalhos de teclado. Definir atalhos de teclado para suas ferramentas favoritas realmente economizará muito tempo a longo prazo. Portanto, qualquer que seja a ferramenta que você esteja usando com frequência, certifique-se de definir o atalho de teclado ou um atalho da barra de comando para ela. Mas, de qualquer forma, faça com que seja fácil e rápido economizar muito tempo a longo prazo. Então, por exemplo, eu tenho a tecla N definida para minha ferramenta de caneta e a tecla E definida para minha borracha. V2 para meu pincel, a ferramenta marítima, para minha ferramenta de mistura de água e seja a chave para minha ferramenta de desfoque e assim por diante. Então, eu quero que você anote isso para definir atalhos, vá para as configurações de atalhos de arquivo. E a partir daqui, como nas configurações da barra de comando, você pode escolher onde está o atalho para o qual deseja definir o atalho. A maioria dos meus atalhos está na categoria de ferramentas. Então, por exemplo, como eu disse anteriormente, o atalho n está definido para minha ferramenta de caneta. O lápis é f, os pincéis de cabelo a e assim por diante. Você também pode acessar as próprias ferramentas e esses atalhos para subferramentas, por exemplo, tanto o pincel quanto a aquarela que acabei mostrar que estão embaixo da ferramenta de pincel, que é esta aqui. Então, essas são as duas ferramentas, mas eu defini um atalho para cada uma delas separadamente, como você pode ver aqui. Então, isso torna mais fácil para mim navegar entre eles. Então, isso conclui minha introdução à configuração do Clip Studio Paint. Claro, foi uma introdução muito breve. E, como eu disse, falaremos mais sobre as ferramentas que temos à medida que precisamos delas ao longo de nosso progresso. Na próxima lição, falaremos sobre como planejar seu capítulo por meio storyboards para que possamos pontapé inicial em nossa jornada de produção de capítulos. 4. 1-2 Configurando arquivos de trabalho: Agora que terminamos o storyboard, é hora de passá-lo para o próximo estágio e colocá-lo e desenhar uma tela para configurar nossos arquivos de trabalho. Mas antes de entrarmos nisso, quero primeiro explicar o guia de tamanhos de tela. E com base no que eu escolhi, nas dimensões sobre as quais vou falar. Quando se trata do guia de tamanhos de tela, os tons da Web são quadrinhos longos com rolagem vertical e consistem em várias páginas. Digamos que as dimensões de uma dessas páginas realmente dependam da plataforma em que você a colocará. Mas neste curso, vou me concentrar principalmente na principal plataforma de publicação para criadores independentes, que é a Web two no Canvas. Para trabalhos em Canvas, as dimensões necessárias para uma página ou uma imagem são 800 pixels de largura por uma altura máxima de 1280 pixels. Essa é a altura máxima da sua imagem que pode ser menor, mas não pode ser maior. Portanto, com base nesse requisito de página, geralmente defino minha tela de desenho para ter sete páginas desta página. Isso significa que teria 800 pixels de largura vezes 1280 pixels vezes sete páginas. Que é esse número, 8.960 pixels. Mas, novamente, esse número é apenas para o tamanho da tela. E como você está trabalhando muito em sua música na web, considere imprimi-la mais tarde e transformá-la em um formato de livro. É por isso que é altamente recomendável que você não desenhe especificamente desse lado, mas vá um pouco mais alto e aumente o tamanho da tela. Para mim, eu desenho em uma tela que é três vezes o tamanho dessa tela de sete páginas. Isso significa 800 pixels vezes D3 e largura, que é 2.400 pixels. E esse número vezes três, o que nos dá esse número de 26.800 pixels. Então, em resumo, o tamanho do arquivo que vou escolher é esse, esse número por esse número. Então, vamos usar esses números já. Vamos criar nossos arquivos de trabalho em tela de desenho. Iremos para Arquivo Novo e depois escolheremos o que fazer aqui. Pessoalmente, eu o chamo pelo nome do capítulo. Até agora, estou trabalhando no Capítulo 14 e no álcool. Só isso. Ao clicar nesse botão, você escolhe o diretório em que deseja que seus arquivos sejam salvos. E aqui, embaixo da tela, é aqui que vamos usar esses números que mencionei aqui. A largura da tela será de 2.400 pixels por uma altura de 26.880 pixels. Certifique-se de que a cor básica da expressão esteja definida como cor. A cor do papel eu costumo deixar como está em branco. Agora, para as configurações desta página, esse recurso só está disponível para a versão X do Clip Studio Paint. Eu o configurei para um número de seis páginas. E quando eu clicar em OK, isso me criará seis páginas longas as dimensões que eu defini. Então, é como se um arquivo de gerenciamento de página tivesse sido criado. Isso significa que, se eu clicar com o botão direito do mouse em qualquer uma dessas páginas, posso ver as opções de abrir a página, excluir, adicionar, duplicar e assim por diante. E para mostrar como é no formato de arquivo, um arquivo é criado para mim aqui chamado Capítulo 14, que é o arquivo de gerenciamento de páginas do Clip Studio Paint. E então criou mais seis páginas. Então, se eu fechar isso agora e abrir o Capítulo 14, vou receber esse arquivo de gerenciamento de página. E, como você pode ver, ele criou seis arquivos para as seis páginas que eu especifiquei. Portanto, se você for um usuário X, poderá seguir isso e obter o mesmo resultado. Mas se você for um usuário profissional, pode fazer exatamente a mesma coisa acessando o File new web tune e criando esses arquivos separadamente. Então, basicamente, você vai criá-los sem ter um fichário para combiná-los. É por isso que não fará muita diferença quando se trata dos próprios arquivos de trabalho. A versão x só facilita o gerenciamento de suas páginas. Agora vou abrir a primeira página do meu capítulo, voltar ao arquivo do storyboard e arrastá-lo até aqui. E então eu vou manter minhas páginas no lado esquerdo aqui para que eu possa ver o que está acontecendo. Então, como mencionei no storyboard, desenhei cada coluna em uma camada separada. Vou para a primeira camada e você clica em Controlar a para selecionar tudo e depois controla C para copiar. Ou você também pode acessar Selecionar, Selecionar tudo e, em seguida, Editar e copiar. Vou voltar para minha página e clicar em Control V no meu teclado, ou Editar e colar é a mesma coisa. E agora vou clicar em Control T para abrir a caixa de transformação. Como você pode ver, tenho alças que me permitem redimensionar meu storyboard. Se você não tiver um teclado e quiser iniciar a transformação, há esse botão que configuramos anteriormente e a barra de comando. Quando você clica nele, ele também abrirá a caixa de transformação. Ou você também pode editar, transformar, dimensionar, girar e também aparecerá a mesma coisa. Agora vou diminuir um pouco o zoom e segurar a barra de espaço para mover minha tela. E vou arrastar essa caixa no canto para redimensioná-la. Agora, para redimensioná-lo com proporção, você deve se certificar de que aqui Keep Aspect Ratio esteja marcado. Se não estiver marcado, você precisará pressionar Shift no teclado e redimensionar. Então eu vou trazê-lo de volta. Eu redimensiono meus storyboards para que eles se ajustem ao tamanho da minha tela. Em seguida, clique em OK para aplicar a transformação. Uma coisa muito legal que podemos habilitar é acessar Exibir e selecionar a área na tela da Web Tune. Com isso ativado, podemos ver como é a visualização na página de uma esposa de Joan. Isso significa que podemos ajustar a distância entre nossos painéis e verificar como ficaria no telefone. Então, basicamente, esse retângulo é a visão do telefone. A propósito, você pode ajustar as configurações dessa visualização na tela acessando Exibir área na tela, definindo o tom de varredura e, em seguida, ajustando a proporção a partir daqui. Mas eu geralmente o mantenho como está. Então, vou clicar em Cancelar. Agora vou diminuir o zoom para ter uma visão melhor. E eu vou usar a Ferramenta Marquee aqui. E usando a seleção retangular, selecionarei a partir desta tela e, em seguida, vou até a ferramenta Mover aqui e movê-la baixo enquanto pressiono Shift para que eu apenas mova os painéis para baixo e o lado vertical e não no lado horizontal. Depois de terminar, clique nesse botão para desmarcar. E vou prosseguir novamente e selecionar os seguintes painéis. Se você quiser selecionar outras coisas, então você pode usar a ferramenta Lasso aqui. E certifique-se de ter esse botão na seleção que você adiciona à seleção que você tem atualmente. E se você escolher esse botão aqui, poderá subtrair da seleção. Essas configurações estão disponíveis para todas as opções de seleção, portanto, lembre-se delas para fazer bom uso delas. Vou voltar para a ferramenta de movimentação, segurar a tecla Shift e movê-la para baixo. Vou usar a ferramenta menor desta vez descer novamente e clicar aqui. Ou você também pode clicar em Control mais D no teclado para desmarcar. E, finalmente, neste último painel, vou segurar a tecla Shift e abaixá-la. Quanto ao primeiro painel deste capítulo, reutilizarei o último painel do meu capítulo anterior. Então, vou copiá-lo daqui e colá-lo aqui. Então, vou para Editar, Colar para mostrar na posição forma que seja colado na posição correta. Vou movê-lo um pouco para ajustá-lo. Com as setas do meu teclado, posso ampliar e verificar se está tudo bem. Agora, quando eu diminuo o zoom, posso ver que esse painel está ocupando quase a maior parte da primeira página. Vou rolar para baixo com a ferramenta de caneta para verificar como o capítulo está se desenvolvendo. Eu senti que esse painel estava muito próximo. Então, vou mudar a distância entre eles e movê-la um pouco mais para baixo. O distanciamento entre os painéis é muito importante porque também contribui para o ritmo de sua narrativa. Portanto, quanto maiores as lacunas deixadas entre os painéis, mais pausas entre as cenas. Então, por exemplo, aqui, eu quero introduzir algum tipo de emoção de medo. Então, eu quero dar a essa personagem mais espaço para mostrar sua emoção de medo. É por isso que vou deixar um espaço maior entre os painéis antes e depois. Vou rolar para baixo. E vou colocar os painéis aqui mais próximos uns dos outros porque quero que pareçam mais rápidos. E vou verificar o ritmo novamente rolando. Vou aproximar esse último painel um pouco do painel anterior para que o ritmo pareça mais rápido. Já que eu quero que aquele cara pegue sua espada rapidamente e se transforme. E agora que terminei de transferir a primeira coluna, vou fazer a mesma coisa com a segunda coluna. Então, vou escolher a camada dois e, como tudo ainda está selecionado, também vou controlar C novamente para copiar. E eu vou editar, colar na posição de Sean para que eu possa vê-la. Porque se eu colar assim, não vou ver onde está. Eu não sei. Está perdido. Então, eu uso colar na posição de Sean em vez disso. Mas de qualquer forma, se você perder qualquer uma de suas camadas sem encontrar um traço, basta clicar em Control T. E então a caixa de transformação aparecerá. E então você pode arrastar sua camada. Você sabe, encontre-o novamente. Edite, cole para mostrar na posição. E também vou transformar isso e redimensioná-lo. Como você pode ver, estou chegando ao final da página. Então, parece que vou descartar os próximos painéis e deixá-los para a segunda página. Novamente, eu verifico o ritmo rolando e ajustando de acordo. Então, decidi manter apenas esse painel. Então, vou selecionar o próximo e clicar neste botão aqui para excluir ou clicar no botão Excluir no meu teclado. Ou vá para editar, excluir e, em seguida, Control D para desmarcar e mover esse painel um pouco para baixo. Agora, se eu quiser remover esse espaço em excesso e cortar essa tela, posso fazer isso simplesmente usando a ferramenta de seleção retangular e selecionando minha tela até onde eu quero cortar. Em seguida, vá para Editar recorte. Dessa forma. Essa primeira página termina aqui. E se eu quiser alterar as dimensões da página e torná-la mais longa do que eu posso editar, altere o tamanho da tela. A partir daqui, posso mudar minhas dimensões. Por exemplo, vamos colocar 28.000 pixels. Mas, como você pode ver, ao fazer isso, tamanho extra da tela está aparecendo na o tamanho extra da tela está aparecendo na parte superior e inferior da tela. Isso ocorre porque o ponto de referência é definido como o centro nesse caso. Então eu não quero isso. Quero que a extensão fique apenas na parte inferior. Então, vou clicar em Redefinir e escolher o ponto de referência para ser o topo aqui. E agora eu posso digitar a altura que eu quero novamente. E como você pode ver, a extensão está chegando na parte inferior, mas vou cancelar e vou mantê-la como está. Agora. Como terminei essa primeira página, mesclarei essas camadas do storyboard clicando na camada do storyboard , mantendo pressionada a tecla Shift e clicando em todas as camadas do storyboard que eu tenho. Em seguida, clique com o botão direito do mouse e mescle as camadas selecionadas. Então, agora todo o meu storyboard está em uma camada. Vou renomear essa camada para storyboard. etapa extra que eu também faço é clicar neste botão aqui para alterar a cor da camada para azul, para que seja mais fácil para mim mais tarde, quando estiver desenhando. A propósito, se você não vê esse botão, sua janela de Camadas pode ser muito pequena apenas para arrastá-la um pouco e ela deve aparecer. E se você ainda não vê, você também pode obter o mesmo efeito nas propriedades da camada clicando na cor da camada do botão. Portanto, clicar nele habilitaria e clicar novamente com o desativado. E você pode brincar com a cor que quiser daqui, qualquer cor que quiser. Mas eu geralmente o mantenho no azul padrão. Para o resto do storyboard, eu faço a mesma coisa para transferir todos os meus rascunhos para seus arquivos de trabalho. E então, quando eu terminar, é hora de criar molduras para meus painéis. E podemos fazer isso facilmente acessando a ferramenta de borda da moldura aqui. E, em seguida, escolha uma moldura retangular. Você pode escolher a cor desejada para a borda do seu painel. Eu geralmente opto pelo diblock sólido. Agora clique e segure para desenhar o painel sobre seu rascunho. Depois de lançar, você verá aqui que uma camada de moldura foi criada. Ele vem com uma camada rasterizada em branco e um fundo de moldura. Então, desativei o plano de fundo da moldura para poder ver o storyboard abaixo dela. Agora que essa moldura foi criada, se eu clicar em qualquer camada dentro dela e desenhar, tudo o que eu desenhar estará dentro da moldura. Mas se eu arrastar a camada para fora da moldura , posso levá-la para fora e ela não estará mais limitada pela área do quadro. Para editar as configurações de quase tudo, inclua o Studio Paint. Você faz uso da ferramenta de objeto em operação. Portanto, ao usar a ferramenta de objetos e clicar no painel, você pode ver imediatamente as configurações aqui. Você pode manter a borda ou, se não a usar, o pedido será removido. Você pode alterar a cor da borda daqui para a cor que quiser. Você também pode alterar o tamanho da borda. Eu costumo escolher o tamanho oito. Eu acho um adequado para minhas dimensões. Agora, a borda do quadro é basicamente um vetor. As propriedades de uma camada vetorial se aplicam a ela. Falaremos mais sobre camadas vetoriais tarde, quando estivermos na fase de arte linear. Mas, por enquanto, quero mostrar como você pode editar muitas das configurações da borda tratando-a como uma camada vetorial. Em primeiro lugar, clique no botão de linha correto aqui e escolha a ferramenta de pontos de controle para cima. Aqui, você tem várias configurações. A borda do painel é composta por pontos de controle. Então, se eu clicar em Mover pontos de controle, posso movê-los. E, portanto, é apenas a forma do painel. Se eu clicar em Adicionar ponto de controle, posso adicionar outro ponto de controle. E agora, se eu mover esse novo ponto de controle. Então eu posso obter uma nova forma. Se eu clicar em Excluir ponto de controle , esse ponto de controle será removido. E se eu clicar no canto do interruptor , ele o transformará em um canto suave em vez de nítido. Se eu clicar em ajustar linha com um clique em um ponto de controle e arrastar para cima, verei que a espessura da borda está aumentando. Então, como você pode ver, eu criei uma variedade de espessuras. E se eu clicar e arrastar para baixo , a largura da linha fica menor e quase inexistente. As duas últimas opções parecem não funcionar com bordas de molduras e, de qualquer maneira , não precisamos delas. Então, por enquanto, quero ajustar a forma desse painel enquanto posso simplesmente mover esse ponto de controle para cá, como você pode ver, a linha não está perfeitamente horizontal e eu quero mantê-la na horizontal. Eu não quero estragar isso. Então, o que vou fazer é adicionar um ponto de controle aqui onde a linha inclinada termina. E então eu vou deletar o ponto de controle aqui. E como você pode ver, uma linha inclinada foi criada mantendo as linhas horizontais retas. Mas vou mudar um pouco porque era muito inclinado. E eu vou colocá-lo aqui e deletar. Agora eu costumo fazer uma etapa extra meu storyboard com uma caneta. Eu dou uma volta e numero meus painéis porque é assim que eu os acompanho para que eu possa renomear meus quadros e também para o número de painéis. E é também a forma como acompanho meu progresso em um documento que apresentarei a você mais tarde. Então, agora que numerei meus painéis, vou renomear o primeiro quadro. Eu adiciono e chamo de um. Então, para cada álgebra de quadros , de agora em diante, teremos um número. Você também pode usar a ferramenta de objeto para mover rapidamente os pontos de controle. Nesse caso, não tenho nenhuma linha horizontal com que me preocupar, então eu apenas as arrasto e ajustei esse terreno. Continuarei adicionando molduras para o resto dos painéis nesta página para mostrar o processo. Descobri que usar linhas inclinadas algumas cenas faz com que elas pareçam mais dinâmicas. Especialmente se você tiver adolescentes phi em sua história em quadrinhos. Acho que isso realmente os torna mais animados. É por isso que decidi escolher um look inclinado por aqui. E talvez eu os torne ainda mais inclinados. Para este painel, decidi fazer uma visualização completa para que diferentes preenchessem a tela. Vou usá-lo como um grande painel e continuar desenhando o personagem mais tarde. Provavelmente vou desenhar mais do corpo do personagem para que esse último painel número seis fique em cima dele. Além disso, para mover seus painéis , você pode usar a ferramenta de objetos para movê-los. Se você tiver conteúdo dentro do painel, movê-lo com a ferramenta de objeto não move o conteúdo dentro dele. É por isso que, quando quiser mover um painel, certifique-se de usar a Ferramenta de Mover para poder mover tudo junto. Então, isso é tudo uma questão de como adicionar molduras ou painéis. Vou repetir o mesmo processo para todas as outras páginas até que todo o storyboard seja transferido para meus arquivos de trabalho. Na próxima lição, continuaremos adicionando balões de fala para que possamos ver nossos personagens finalmente falando. 5. 1-3 letras: Tudo bem, agora é hora de adicionar balões de fala aos nossos painéis. Mas antes de entrarmos nisso, vamos falar sobre os diferentes tipos de balões de fala. Os balões de fala têm várias formas e variedades e realmente ajudaram a transmitir as emoções do personagem. Ajude-nos a entender melhor o tom de sua fala. Aqui, apresento seis dos principais tipos de balões de fala. O primeiro é o mais difícil, você pode dizer que é apenas um círculo normal que indica uma fala normal. Então, você pode dizer que é usado na maioria das vezes. Mas para um balão de fala que parece uma nuvem, H representa os pensamentos internos do personagem. No balão de fala retangular pode ser usado para a integração da história ou para um monólogo do personagem. Um balão de fala pontiagudo indica gritos, gritos ou uma voz alta em geral, pois cortar linha em balão de fala com linhas indo em direção ao centro apresenta uma espécie de tensão para o personagem. E geralmente é usado para monólogo, não para diálogo. E, finalmente, a barra de nuvens fica meio sem bordas, é ilimitada. balão de fala representa pensamentos sombrios desespero ou mau humor. Obviamente, esses não são os únicos tipos. Pode haver inúmeros tipos de balões de fala. Quanto mais você lê quadrinhos pela manhã, fica exposto a coisas mais interessantes. Mas eu diria que são bons para um pacote inicial. Agora que abordamos os tipos, vamos começar e adicionar discurso ao capítulo em que participamos. Normalmente coloco todos os textos e letras em uma pasta para manter as coisas organizadas. Vou criar uma nova pasta em cima de todas as camadas. E eu vou chamar isso de texto. E no lado esquerdo aqui, vou até essa ferramenta de botão. E depois de clicar nele, direi várias opções. Para cada subferramenta, há configurações sob a propriedade da ferramenta. Você pode alterar a forma do balão de fala, o tamanho do pincel , as cores padrão e a aparência pixelizada ou suave da borda. E você pode até mesmo mudar a forma do pincel a partir daqui. Existem tantas variedades interessantes. O que eu costumo fazer para meus diálogos, eu uso a última subferramenta, que é um botão arredondado. Eu escolho uma figura retangular e faço com que o arredondamento dos cantos seja de 100 por cento. E eu defino a cor da minha linha para ser sempre preta, a cor de preenchimento para ser sempre branca. A menos que eu quisesse alterá-los, eu faria isso manualmente. Então, com isso selecionado, vou desenhar o balão de fala. E depois de desenhá-lo, ainda posso editar as configurações novamente usando a ferramenta de objetos. Então, a partir daqui, posso editar o tamanho da borda e a opacidade do preenchimento. Normalmente, defino minha opacidade total em 90 por cento, para que não cubra completamente a obra de arte. Então, podemos ver um pouco abaixo dela. E depois que o balão de fala for adicionado, você pode adicionar uma cauda de balão. E, novamente, brinque com as configurações aqui. Por exemplo, eu defina a minha em linha reta com a largura das caudas definida para 100. Mas eu também posso usar uma linha de queda. E é assim que você pode criar uma cauda mais longa para o balão de fala. Ou também posso usar uma spline, que é como criar essas caudas curvas para balões de fala. Há também a cauda do terceiro quarto aqui, qual você pode colocar balões de pensamento no seu balão de fala. Ou você pode usar a caneta balão para desenhar sua própria bolha de balão sozinha. Por exemplo, nesta cena, não quero que seja um círculo perfeito porque quero incluir alguma sensação de medo. Então, será um celular nebuloso. Para minha caneta balão, eu uso as configurações padrão, exceto que alterei apenas duas configurações para melhor corresponder ao meu uso. Eu vou te mostrar essas configurações agora mesmo. Mas, a propósito, você pode alterar qualquer configuração da subferramenta clicando no ícone da chave inglesa aqui. Depois de clicar nele, você verá esse menu. Existem todos os tipos de configurações e elas vêm para todas as ferramentas do Clip Studio Paint. Então, tente se familiarizar com isso. Então, o que eu mudei foi abaixo do tamanho do pincel, clico nesta seta aqui e fiz o valor mínimo da pressão da caneta fosse 20 ou 20, que o valor mínimo da pressão da caneta fosse 20 ou 20, 1%, para obter esse efeito de pressão da caneta ao desenhar. A segunda coisa está sob correção. Eu disse que a estabilização seria 50 por cento porque quando estiver baixa, o tremor da cabeça vai aparecer. Portanto, nem sempre desejo esse visual muito instável. É por isso que defini o meu em 50 por cento. Ao clicar no botão I aqui. Eu o habilitei no acesso rápido aqui para poder alterá-lo rapidamente sempre que quiser. E você também pode fazer isso para qualquer configuração. Você pode ativar ou desativar qualquer uma das configurações que deseja ter na caixa aqui. Mudei de ideia e vou desenhá-lo com um estabilizador mais baixo para torná-lo mais instável. Agora, se você olhar para o painel de camadas. Você verá que criamos um balão e ele está fora de todas as pastas. Vou apenas arrastá-lo e colocá-lo dentro da pasta de texto para que eu tenha meu balão de fala dentro e bem organizado. Agora que desenhei meu balão de fala, quero ajustá-lo um pouco, como você pode ver. Há algumas coisas adicionais aqui. Então, vou novamente para a ferramenta de linha correta e excluirei os pontos extras. As bordas do balão de fala também são vetores e a mesma operação é aplicada a elas. Assim, ele pode brincar com nosso balão de fala e ajustá-lo à forma como gostaríamos de remover qualquer excesso de pontos de controle de que não gostamos. Vou mudar a opacidade para 90 por cento para que eu possa ver o que está abaixo dela. Agora, depois que o balão de fala é adicionado para digitar nosso diálogo, vamos até a ferramenta de texto aqui clicamos no balão de fala e começamos a digitar nosso diálogo. Observe como eu introduzi as novas mentiras por trás cada palavra para combinar com o formato do meu balão de fala. Vou usar a ferramenta de objeto para arrastá-la e centralizá-la no balão de fala. Mas eu quero apresentar uma nota importante sobre o texto. Quando você escreve seu texto dentro do seu balão de fala, certifique-se de que ele siga o formato do balão de fala, por exemplo , agora, se eu vejo as bordas dos meus textos, eles estão meio que dando uma forma circular. Portanto, sempre tente escolher uma forma circular. Nosso formato de diamante, algo que começa pequeno na parte superior e depois fica maior, depois fica menor, e isso torna seus balões de fala mais agradáveis aos olhos. Agora, o texto que eu adicionei foi imediatamente unido à camada do balão de fala. Isso significa que agora, quando eu os movo, eles estão na mesma camada. E isso torna muito fácil mudar a localização do seu balão de fala. Agora, para a ferramenta de texto, você pode salvar suas configurações e diferentes subferramentas para não precisar alterar o tipo e o tamanho do telefone todas as vezes e aplicar as configurações imediatamente. Por exemplo, aqui eu tenho um monólogo, então vou selecionar tudo e clicar na subferramenta de monólogo que criei aqui. E uma vez que eu clico nele, os efeitos dos textos do monólogo foram aplicados. Vou reduzir um pouco o tamanho para combinar com meu balão de fala. E também vou colocá-lo em itálico para torná-lo mais impactante e também para indicar duas vezes que isso é monólogo, não é discurso. Agora, como você salva as configurações? Basicamente, basta clicar com o botão direito do mouse em qualquer ferramenta de texto que você tenha , duplicá-la e nomeá-la como quiser, vamos chamá-la de diálogo. E depois de definir suas configurações de tamanho da fonte e outras coisas, clique no ícone da chave inglesa aqui e clique em Salvar todas as configurações como padrão. Ele perguntará em uma mensagem como “ É possível substituir as configurações atuais? Só para clicar, ok? E aí está. Você tem que criar facilmente as configurações padrão da sua ferramenta. Para mim, tenho um para diálogo, um para um monólogo e outro para negação. E eu poderia acrescentar mais tarde, se eu visse uma necessidade, e é isso que eu aconselharia que você fizesse também. Outra dica útil é criar uma lista para suas fontes de quadrinhos para não precisar percorrer toda a lista de fontes disponíveis no seu PC, por exemplo, essas são todas as fontes que tenho no meu PC. Eu criei essa lista de quadrinhos que tem apenas algumas das fontes que eu selecionei pessoalmente e que uso em meus quadrinhos. E a maneira de fazer isso é clicando nesse ícone de engrenagem. No lado esquerdo, em lista de fontes, clique nesse ícone para criar uma nova lista de fontes. Dê o nome que quiser. Em seguida, ao clicar na lista, você pode percorrer sua lista de fontes e pegar as que deseja incluir na sua lista. Depois de terminar, clique em OK. E ao clicar no menu suspenso ao lado da fonte, você a verá adicionada aqui para que possa acessar rapidamente suas fontes. Quanto às fontes que uso em meus quadrinhos, eu uso principalmente fontes de quadrinhos, que são fontes isentas de direitos autorais que podem ser usadas tanto para projetos gratuitos quanto comerciais. Que estou do lado seguro e não me preocupo com nenhuma responsabilidade legal ao usar a fonte. Eles vêm em muitas variedades e eu os acho muito úteis e expressivos nos quadrinhos. Mas se você ainda quiser que as outras fontes pesquisem, você pode pesquisar neste site, one-on-one fonts.com. E a maneira de pesquisar telefones que possam ser usados para fins comerciais é clicando neste botão aqui para que todos os resultados que apareçam possam ser usados em projetos comerciais. Agora, por que estou mencionando projetos comerciais? Porque esse é um grande projeto que você está fazendo e você pode considerar monetizar seu trabalho para obter algum retorno por seus esforços. É muito importante estar do lado seguro quando se trata de direitos autorais e coisas assim. Mas também há um site chamado Lambert, no qual eles criam fontes exclusivamente para criadores de quadrinhos. Como você pode ver, eles têm muitas fontes interessantes e são o padrão que, eu acho, geralmente é usado na indústria de quadrinhos quando se trata de fontes de terra, mas eles apoie criadores independentes. É por isso que seus telefones são gratuitos para criadores indianos ou criadores pessoais que não pertencem a empresas ou não trabalham com editoras tradicionais. Portanto, não há problema em usar seus telefones. Se você estiver trabalhando por conta própria, você tem a licença deles concedida para você. Tudo bem, vamos voltar ao nosso arquivo. Digamos que você tenha outro balão de fala aqui e queira conectar os dois balões de fala para que haja continuação e fala. Você pode fazer isso simplesmente usando a cauda do balão. Você pode usá-lo como uma linha reta ou como uma polilinha, como mostramos anteriormente, ou até mesmo como uma spline. Esse tipo de conexão seria especialmente bom se seus discursos passassem pela história em quadrinhos enquanto você rolava para baixo, para fornecer continuidade ao discurso. A fala parece conectada à medida que você rola para baixo. Então, no meu capítulo atual, eu não tenho essas conversas, então eu as removi. Vamos falar sobre a personalização do balão de fala por meio da ferramenta de objetos Você pode alterar a cor da linha, por exemplo, para ler a cor de preenchimento, por exemplo para preto. Para alterar a cor do texto. Você pode alterá-lo selecionando o texto e alterando a cor. Assim, você pode fazer muitas personalizações. Você pode até mesmo criar uma nova camada e recortá-la e talvez adicionar um gradiente. As possibilidades são realmente infinitas. Portanto, quanto mais ferramentas você aprender e o Clip Studio Paint, mais combinações criativas você poderá criar. Agora, nesta página, tenho dois outros balões de fala aqui. Portanto, qualquer balão de fala que eu adicionar pode estar na mesma camada do meu balão de fala anterior ou em uma camada separada. Normalmente eu mantenho tudo na mesma camada. E isso é feito certificando-se de que, nas configurações da subferramenta aqui, em Como adicionar, certifique-se de selecionar uma camada selecionada para que ela apareça na mesma camada. Caso contrário, se você quiser que todos os balões de fala criados estejam em uma camada separada, escolha Criar uma nova camada. Vou mantê-lo na camada selecionada. E vou adicionar mais balões de fala aqui e ajustá-los. Para esse personagem. Decidi inverter a cor do balão de fala para preenchimento preto e contorno branco porque esse é um antagonista, n é um personagem escuro, que dá uma sensação mais assustadora ao personagem. A mesma coisa para a fonte. Eu uso a fonte de aparência assustadora para dar aquela vibração assustadora. Outra coisa importante a observar é que você divide seus balões de fala em vários balões para não transformá-los em um grande pedaço de texto. Isso não seria muito agradável para o leitor ler. Quanto mais curtos forem os balões de texto, mais fácil será para o leitor acompanhar. E também dá mais dinâmica ao seu capítulo. Por fim, vamos falar sobre os outros tipos de balões de fala que discutimos anteriormente. Até agora, lidamos apenas com formas básicas, mas às vezes queremos usar outros tipos de balão de fala, como o painel que tenho aqui, por exemplo, a personagem está levantando a voz, então eu preciso de um balão de fala pontiagudo. Bem, eu certamente poderia desenhá-lo com minha mão na caneta-balão. Nem sempre preciso fazer isso porque o Clip Studio Paint vem com muitos materiais para criação de quadrinhos e vem com uma boa variedade de formatos de balões de fala. Podemos acessá-los acessando qualquer uma dessas janelas aqui e clicando nela, você verá que a janela de materiais aparecerá. Existem todos os tipos de materiais aqui, sejam pincéis, poses, materiais de imagem. Falaremos mais sobre os outros mais tarde, mas, por enquanto, vamos direto para os balões de fala. Então vá para o material do mangá, clique na seta ao lado dele e, em seguida, clique no balão. E então aqui você verá diferentes tipos. Há diálogo, há sentimento, há narração. Normalmente eu uso os de diálogo. Então, por exemplo, aqui, eu posso simplesmente arrastar essa curva irregular até aqui. E depois de arrastá-lo, não sei por que ele vai direto dentro do painel, mas para mim, como mencionei, mantenho meus balões de fala em uma pasta acima de tudo. Eu simplesmente arrasto e coloco aqui embaixo da pasta de texto. E vou redimensioná-lo, rotacioná-lo um pouco e digitar o discurso da mesma maneira que fizemos anteriormente. Vou mudar um pouco o tamanho do pincel. E eu vi que fazer o texto dessa maneira é melhor. Não há problema em colocar os pontos de interrogação em uma nova linha. Parece bom e ainda transmite o mesmo significado. Agora, digamos que eu queira brincar um pouco com a espessura da borda. Bem, eu posso fazer isso através dos pontos de controle que mostrei anteriormente. Também existe essa ferramenta chamada largura correta da linha. Aqui temos várias configurações. Você pode engrossar suas linhas. Portanto, ao escolher o tamanho apropriado do pincel, posso escovar a borda e ver como a espessura está aumentando. Então eu posso fazer isso ou posso escolher o estreito. E também posso jogar com a proporção de quanto eu queria reduzi-la ou engrossá-la. Vou escolher o estreito e vou jogar um pouco com a espessura no meio para dar campo de pressão à caneta. Como você pode ver, fizemos esse discurso, mas pareceremos mais interessantes do que apenas ter uma espessura uniforme da borda. Então, o Clip Studio Paint vem com essas formas, mas às vezes elas podem não ser suficientes. O bom é que você pode baixar muitas coisas dos recursos do Clip Studio Paint, por exemplo, I. Baixei essas opções extras de balões de fala e mostrarei como as comprei. Então, quando você estiver na janela do Clip Studio, vá até aqui e clique nos ativos do Clip Studio. E você pode pesquisar aqui o que quiser , fala, bolha, por exemplo, e agora você pode ver muitas opções surgindo. Ou você pode simplesmente clicar no botão de detalhes aqui e clicar no balão. Em seguida, você verá muito mais opções porque está vendo toda a categoria dos balões. E é muito interessante quanto mais você olha para as coisas, mais você quer baixar mais coisas. Por aqui, você pode conferir os recém-adicionados ou conferir os mais populares, que geralmente são os mais baixados uma vez. Então, entre os mais populares, você encontrará este conjunto suave de flush de fala, que é a coleção que acabei de mostrar. E, na verdade, eles também são interessantes de usar. Bem, há muitos recursos gratuitos nos ativos do Clip Studio. Nem todos são, alguns deles são pagos. Então, se você quiser ver apenas os resultados gratuitos, novamente, clique nos detalhes e clique em grátis abaixo do preço. Dessa forma, você não precisa verificar se cada item é gratuito ou não. Todos os itens que estamos vendo agora são gratuitos. Então, faça sua pesquisa e veja quais coisas interessantes você pode baixar de acordo com suas necessidades. E tudo o que você baixar dos ativos do Clip Studio aparecerá em download aqui. Você pode facilmente arrastar essas coisas e soltá-las na tela para adicioná-las. Então, isso é tudo para esta lição. E na próxima lição, falaremos sobre como adicionar efeitos sonoros aos seus painéis. 6. 1-4 SFX (efeitos sonoros): Vamos falar agora sobre como adicionar efeitos sonoros aos nossos painéis. Os efeitos sonoros são considerados o áudio da história em quadrinhos, já que a história em quadrinhos é apenas imagens, os efeitos sonoros ajudam a transmitir o mundo da história em quadrinhos ao leitor e a fazer com que ele surja no que está acontecendo, sentindo o atmosfera em torno de seus personagens. Podemos dizer que nos quadrinhos, existem dois tipos de efeitos sonoros que podem ser adicionados aos painéis. O primeiro tipo são aqueles que expressam o som do evento acontecendo. O segundo tipo são aqueles que expressam a ação que está acontecendo. Em ambos os casos. Pode ser muito benéfico adicioná-las e também ajudar seu leitor a entender melhor o que está acontecendo nos painéis. Então, vamos falar sobre como adicioná-los. Para manter as coisas organizadas, mantenho meus efeitos sonoros em uma pasta separada. Vou criar uma nova pasta e chamá-la de s f x, que é a abreviação de efeitos sonoros. Vamos trabalhar neste painel como exemplo. E neste painel eu tenho o efeito sonoro de batidas, que é basicamente um batimento cardíaco forte. Você pode digitar o efeito sonoro ou escrevê-lo à mão. Vou te mostrar os dois casos. Então, para este painel, vou digitar o efeito sonoro. Então, vou pegar a ferramenta de texto e digitá-la. A camada de textos foi colocada dentro do próprio painel. Então, vou arrastá-lo e colocá-lo na pasta de efeitos sonoros. E agora vou mudar a fonte. Eu costumo usar capas de tela da Comic-Con para meus efeitos sonoros. Vou aumentar o tamanho dela. E vou girá-lo um pouco. E também vou colocá-lo em itálico para que pareça mais eficaz. E eu vou dar uma cor vermelha, já que o batimento cardíaco geralmente está associado à cor vermelha. E vou criar uma nova camada e recortá-la usando esse botão. Agora selecione essa área para que eu possa adicionar um gradiente. Posso adicionar um gradiente de uma cor que combine com o vermelho. Vou tentar usar o amarelo claro. Talvez algo um pouco mais escuro e mais alaranjado. Escolher cores mais próximas na roda de cores faz com que os efeitos sonoros pareçam mais interessantes. Falaremos mais sobre cores. Quando falamos sobre a teoria das cores. Vou mudar temporariamente o fundo para preto para que você possa ver o que está acontecendo. Vou reduzir a opacidade do storyboard. Então, como você pode ver, já parece legal. Mas eu também quero dar um esboço. Vou segurar shift, selecionar as duas camadas e arrastá-las até o ícone da pasta para colocá-las dentro de uma pasta. Ou também posso fazer isso a partir da camada, criar pasta e inserir camada. Então, agora tudo isso está dentro de uma pasta. Para adicionar um contorno a esse efeito na propriedade da camada, clique nesse botão chamado efeito de borda. Aqui você pode ajustar a espessura da borda. A partir daqui, você pode alterar a cor da borda. Se você clicar nesse botão, ele usará a cor que você já selecionou. Mas acho que vou escolher uma cor um pouco mais amarelada e ver como fica. Talvez algo mais claro ou talvez algo ainda mais escuro. Vamos experimentar e ver como fica. Sim, isso parece mais eficaz. Agora, para tornar esse efeito mais dramático, podemos fazer algumas transformações. Quero mostrar o que podemos fazer com o texto como ele está. Selecione o texto e acesse esse botão de chave aqui para ver as configurações e vá para as configurações de transformação. Aqui, existem esses dois efeitos interessantes, que são o SKU. Este é porque o texto está no lado horizontal. E este é porque está no lado vertical. Também podemos fazer isso passando pelas alças clicando no menu suspenso ao lado do modo e escolhendo o SKU. Então, agora, com as alças, você pode jogar com mais liberdade. O que você também pode fazer com isso é brincar com o tamanho da fonte, por exemplo, vamos começar com o grande N fica pequeno. Então, vou aumentar um pouco o tamanho dessas letras a seguir para cada letra. E vou aumentar o tamanho dos livros didáticos para poder ver o que está acontecendo. Aumente isso para. E, finalmente, o chá. Talvez você possa usar este um pouco. Vamos mover tudo para cima para que ainda possamos ver nosso gradiente. Então, isso já está parecendo legal. Gosto de como ficou até agora. Mas vou digitar novamente e mostrar outro exemplo do que você pode fazer. Digamos que temos essa camada de texto. Não podemos usar muitas das ferramentas de transformação no momento. Somos muito limitados pelas ferramentas que temos. Então, o que podemos fazer é rasterizar isso clicando com o botão direito do mouse na camada. Em seguida, clicando em Rasterizar, podemos usar essas opções interessantes de transformação. Se você se lembra, nós os colocamos nas configurações da barra de comando na lição introdutória. Então, por exemplo, I. Posso usar a ferramenta de transformação livre clicando nela ou acessando Editar transformação, transformação livre. E eu posso arrastar as alças e fazer efeitos muito mais legais com essas opções de transformação. Eu também posso mudar o modo daqui. Então eu tenho a transformação livre que acabei de mostrar a você. Eu tenho a opção de distorção, que talvez possa fornecer funções um pouco diferentes. Existe a opção SKU, que é semelhante à que fizemos anteriormente, já está disponível nas propriedades do texto. E depois há a perspectiva, que é ótima para adicionar profundidade ao seu efeito sonoro. No entanto, rasterizar a camada significa que você não pode mais editar o texto porque agora é uma imagem. Portanto, só dê esse passo depois finalizar a aparência do seu efeito sonoro. O que você também pode fazer para criar um efeito sonoro interessante é digitar cada letra em uma camada separada. Então, por exemplo, vou digitar o mesmo efeito sonoro. Ter cada letra em uma camada separada. Escreverei a primeira letra e depois duplicarei a camada clicando com o botão direito do mouse nela e clicando em Duplicar lá. E eu vou arrastá-lo até aqui. E eu vou ler a próxima carta. E vou duplicar novamente. E vou escrever a seguinte carta. Duplique novamente. E a última carta. Agora eu posso facilmente brincar com o posicionamento das letras e ajustá-las como eu quiser. Vou reduzir o tamanho dos livros didáticos para poder controlá-los mais facilmente. Então, ao colocar um litro para cima em decepcioná-la, estou dando essa sensação de tremor. E eu posso colocar todas as letras dentro da pasta. E, novamente, adicione uma borda a eles. E, novamente, posso adicionar gradientes como fiz com o anterior. Também posso brincar com o tamanho de cada letra e o ângulo dela e a rotação dela. Então, na verdade, as possibilidades são infinitas. Realmente faça muitos experimentos e veja o que você pode fazer com isso. Como mencionei anteriormente, você também pode escrever seus efeitos sonoros à mão. Então, vou fazer isso criando uma nova camada vetorial. Uma camada vetorial é basicamente uma camada que não perde sua qualidade, que usaremos muito em artes lineares. Mas também é eficaz usá-lo em efeitos sonoros. Então, por exemplo, eu posso escrever à mão esse efeito sonoro com minha própria caligrafia usando apenas um pincel muito básico. E está totalmente bem. Não precisa parecer perfeito. Ainda parece legal e combina com a cena que eu quero desenhar. E eu ainda posso brincar com isso o quanto eu quiser. Você também pode baixar alguns efeitos sonoros prontos dos recursos do Clip Studio. Algumas pessoas enviaram efeitos sonoros interessantes para que você possa usá-los em vez de fazê-los sozinha. Mas, pessoalmente, gosto de fazê-las, então não me importo de fazê-las sempre. Bem, adicionamos os efeitos sonoros nesta fase. Também podemos deixar isso para mais tarde, depois de terminarmos de desenhar o painel, para que possamos personalizar a aparência e as cores do efeito sonoro para combinar melhor com o painel, para que possamos personalizar a aparência e as cores do efeito sonoro para combinar melhor o painel, para que ele possa ser mais efetivo. Então, se você quiser adicioná-los agora ou depois, depende totalmente de você, mas espero que esta lição lhe dê uma boa ideia de como brincar com efeitos sonoros e torná-los interessantes. Quanto a saber e ter o conhecimento sobre qual efeito sonoro usar exatamente em seu painel, eu diria que ele vem com a experiência. E quanto mais você lê quadrinhos, mais você pode captar efeitos sonoros daqui e ali. E você começará a usá-los sem perceber porque agora é óbvio que, se você seguiu todas as etapas sobre as quais falamos, você deve ter um rascunho completo que esteja pronto para leia e parece um capítulo completo. E tudo o que resta é desenhar esses painéis e colori-los para que possamos ver a música da web ganhando vida, é por isso que, na próxima lição, finalmente começaremos com a fase de desenho. Examinaremos ferramentas e técnicas que podem ajudar você a aumentar sua velocidade de esboço. 7. Técnicas de esboço 2-1: Tudo bem, finalmente chegou a hora de começar a esboçar o que eu costumo fazer quando estou nesta etapa, ouvi as pastas de efeitos sonoros e textos para poder ver meu esboço com clareza. E também diminuo a opacidade da camada do storyboard. Qualquer coisa que me faça ver com clareza. Vou começar a desenhar nessa camada que já está disponível. Eu costumo desenhar com um pincel personalizado que fiz para mim, que é basicamente uma caneta G modificada. Você pode baixá-lo dos ativos do Clip Studio. Eu o coloquei lá em cima. Então, para controlar o tamanho do pincel, eu uso as teclas de suporte no teclado. O colchete de gravação serve para aumentar o tamanho e o colchete esquerdo é para diminuí-lo. Eu não tenho um tamanho de pincel específico com o qual eu desenho. Eu escolho qualquer coisa que fique bem com meu painel. Enquanto eu desenho, minhas mãos estão continuamente no Controle Z do meu teclado para que eu possa rapidamente desfazer minhas linhas se elas não parecerem boas. Ou você também pode pressionar esse botão aqui para desfazer. Ou você pode acessar Editar Desfazer. E se você desfizer uma etapa, poderá refazê-la com esse botão ou por meio de Editar, refazer ou Controlar Y no teclado. Agora, nesta etapa, você pode ver por que nunca ouvir falar de rascunhos realmente ajuda no desenho. Porque isso já está lá no painel. E eu não preciso pensar no que desenhar, mas eu simplesmente venho e desenho imediatamente em cima dele. Isso também economiza muito tempo e esforço. Ao desenhar, corrijo os erros que vejo no rascunho para criar um esboço mais limpo. Eu clico no E para abrir a ferramenta de borracha. Então, enquanto eu desenho, minha mão está sempre nos botões Control Z e E. Às vezes, ajuda criar uma nova camada e esboçar certas áreas nela. Por exemplo, aqui estou desenhando os olhos em uma nova camada para poder posicioná-los facilmente se sua localização não parecer boa. É muito essencial virar a tela enquanto desenha para ver se as coisas estão no lugar certo. Você pode virar a tela a partir desse botão na janela do navegador ou desse botão aqui que configuramos na barra de comando. Então, eu geralmente opto por esse botão na parte superior. Agora, ao virar minha tela, posso ver que esse olho está fora de lugar. O que vou fazer é ativar o plano de fundo da moldura aqui para que eu possa ver meu esboço atual sem o storyboard. E agora eu posso selecionar o olho com a ferramenta Lasso e movê-lo com a ferramenta de movimentação e desmarcar. Então, ao esboçar, faço muito uso das ferramentas de seleção. Por exemplo, eu tenho a ferramenta de laço que acabei de mostrar que me ajudou a selecionar uma determinada parte e movê-la com a ferramenta de movimentação. Também uso as ferramentas de seleção de caneta de seleção e borracha. Eles são muito úteis para selecionar rapidamente partes de sua arte. Por exemplo, eu quero ajustar a bochecha para selecioná-la com a caneta de seleção, que, a propósito, coloquei a tecla S como um atalho para ela na minha palavra-chave. E então eu posso mover um pouco a bochecha com a ferramenta de movimentação. Mas o que eu quero fazer agora é transformar isso. Portanto, há várias ferramentas de transformação que eu acho muito úteis quando estou desenhando. Eu quero apresentá-los a você um por um. A primeira é a ferramenta Free Transform, que você pode abrir clicando no botão sobre o qual falamos anteriormente ou clicando em Control T no teclado. E, em seguida, mantenha pressionado o botão Control no teclado para ativar rapidamente. Ou alterando o modo daqui para a transformação livre. Essa é a primeira ferramenta que continuarei desenhando agora e depois apresentarei a segunda ferramenta. Crie o hábito de virar a tela continuamente identificar seus erros e corrigi-los. É absolutamente normal cometer erros ao desenhar, então não se preocupe com isso. Não há nada de errado com isso. Vamos falar sobre a segunda ferramenta agora. Acho que proporções mais altas são um pouco exageradas. Então, nesse caso, usei duas ferramentas de transformação muito úteis. A primeira é a transformação de malha, que é a que colocamos um botão aqui na barra de comando. Ou você também pode acessá-lo a partir de edição, transformação, transformação de malha. Então, quando você ativa essa ferramenta, tudo o que você tiver em sua seleção será dividido em retângulos iguais. Ao arrastar esses pontos de controle, você pode transformar facilmente sua camada. Mas eu vou desfazer isso. Vou mesclar as duas camadas e depois ativar a transformação da malha novamente. Você pode aumentar o número de divisões alterando os números aqui. A mais difícil muda o número de divisões horizontais e a inferior muda o número de divisões verticais. Mas no meu caso, vou mantê-los como estão. Vou usá-lo para editar rapidamente meu esboço e torná-lo um pouco melhor. Corrigindo erros rapidamente. Eu também continuo virando a tela para garantir que tudo pareça certo. Vou mudar a posição da boca dela para que pareça mais interessante. A transformação da malha também é muito útil para ajustar o formato dos olhos. Pessoalmente, nem sempre desenho círculos perfeitos, então muitas vezes eu ajusto os olhos com a Ferramenta de Transformação de Malha é muito mais fácil. As ferramentas de transformação também são úteis para ajustar a boca. Especialmente novamente, a transformação da malha é muito útil. A última ferramenta de transformação muito útil que eu quero apresentar é a ferramenta Liquify. Você pode encontrar a ferramenta Liquify na ferramenta de desfoque ou mesclagem. E você pode encontrá-lo no topo aqui chamado Liquify. Essa ferramenta é como um pincel. Ele vem com várias configurações. Você pode usá-lo para ajustar rapidamente seu esboço, por exemplo, os pincéis agora definidos na primeira configuração, que é push. Ao escovar aqui, posso empurrar os pixels facilmente e, portanto, ajustar meu esboço com muita facilidade. Você pode brincar com a força e a dureza. Pessoalmente, eu o mantenho nas configurações padrão. Às vezes, também uso a expansão, que amplia seu esboço. E às vezes eu também uso a pinça, que é o oposto da ferramenta manual. Então, brinque com a ferramenta Liquify e veja como você pode ajustar seu esboço com ela. Agora, vamos mudar para esse painel e falar sobre outra ferramenta muito conveniente de usar, que é a simetria Ruder. A régua de simetria é ótima para desenhar faces frontais porque elas são simétricas em ambos os lados. Então eu posso pegar essa régua daqui. Neste ícone de régua sob essas ferramentas flexíveis, clique aqui na régua simétrica para desenhar o rosto. Agora, mantenha o número de linhas em duas, vá até sua arte e arraste para configurar sua régua. Se quiser girá-lo um pouco e ajustar essa posição, você pode fazer isso com a ferramenta de objeto. Ao clicar nele. Eu posso girá-lo a partir daqui e ajustar essa posição. Eu acho que isso é bom o suficiente. Normalmente eu o configuro para cruzar os nós do meu personagem porque esse é o ponto de simetria. Agora eu posso facilmente esboçar o rosto do meu personagem sem ter que fazer o esforço duas vezes. Eu costumo desenhar apenas os olhos, o rosto e as orelhas enquanto as regras de simetria são ativadas. E às vezes eu também desenho o pescoço, mas neste caso eu não preciso do pescoço porque o pescoço não é simétrico. Então, quando eu terminar de desenhar a parte simétrica, eu clico com o botão direito do mouse no ícone da régua aqui na parte superior da camada e, em seguida, desmarque a régua para que eu possa continuar desenhando sem o efeito da régua. E então eu continuo fazendo o mesmo processo que fiz anteriormente, fazendo transformações , selecionando coisas e movendo-as de acordo com minhas necessidades. E também certifique-se de virar o Canvas para que eu possa ver se minha arte está saindo bem. Às vezes, sinto que desenhei a cabeça muito grande ou muito larga. Então, eu apenas selecionei sozinho e usei a ferramenta de transformação normal para reduzi-la a ferramenta de transformação normal para reduzi-la até achar que está bonita. Ok. Então terminamos outro painel. Você também pode usar a régua de simetria para outros usos. Por exemplo, vamos mudar o número de linhas para quatro ou cinco e desenhar uma linha. Agora você pode ver que temos cinco linhas de simetria. Isso é muito útil para desenhar rapidamente. Os padrões são, por exemplo rendas e coisas assim. Você pode fazer tantas coisas interessantes isso, sem esforço. Então, desenhar pode ser uma experiência muito divertida. E com todas essas ferramentas que apresentei a você, elas tornam essa fase muito, muito mais fácil, como você viu. Mas às vezes você ainda pode achar difícil acertar o esboço. Especialmente quando você tem poses de coração que não está acostumado a desenhar ou acha difícil imaginar como elas se parecem. Nesses casos, você não deve se preocupar muito. Basta pesquisar algumas referências fotográficas e desenhar sua pose enquanto olha para elas. E se a foto for sua, há absolutamente nenhum problema em rastreá-la , pois isso pode economizar muito tempo a longo prazo. Quero dizer, desenhar quadrinhos não é uma tarefa fácil. É uma tarefa que consome muito tempo e energia, especialmente se você é um criador de publicações e deseja continuar trazendo atualizações em tempo hábil, então você absolutamente precisa usar atalhos nesta tarefa processo. Pessoalmente, desde que comecei a trabalhar na minha música na web, criei meu lema de trabalhar de forma mais inteligente, não mais difícil. Então, sempre que eu pudesse cortar custos, eu não hesitaria em fazer isso. Mas você deve se preocupar trazer sua história em quadrinhos uma forma clara, que também seja divertida de fazer e não se estressar. Então, onde e quando você puder usar essas ferramentas incríveis que a tecnologia forneceu e tornar o desenho uma experiência muito mais fácil do que nunca. E não se preocupe com suas habilidades. suas habilidades de desenho melhorarão De qualquer forma, suas habilidades de desenho melhorarão naturalmente com o tempo, enquanto você desenha sua história em quadrinhos. Já que para cada capítulo você está desenhando pelo menos 30 obras de arte. Então, você descobrirá que, com o tempo, suas habilidades de desenho serão aprimoradas e suas habilidades gerais de desenho melhorarão muito. Mas é claro que também é muito importante fazer sessões práticas de desenho de gestos de vez em quando. Desenhar enquanto examina referências fotográficas. Isso pode ajudar a enriquecer sua memória e apresentar um novo catálogo de poses que podem ser armazenadas em sua mente. Assim, você descobrirá que desenhar certas poses se tornará mais fácil com o tempo. Quanto mais você pratica. Falando em fotos e tudo mais, quero dar uma dica rápida muito útil. Quando você faz pausas muito difíceis de desenhar ou quer economizar tempo, em vez de precisar adivinhá-las. Basta tirar uma foto para sua mão, copiar e colar no painel Ontário e redimensioná-la de acordo com a composição do painel. Diminua a opacidade desenhe sobre ela e economize muito tempo, em vez de ter que adivinhar Quero que saiba que fazer isso é totalmente normal, porque é seu foto e está perfeitamente bem. Mas você precisa ter cuidado, é claro, para usar suas próprias fotos ou usar fotos sem direitos autorais para isso. Para evitar problemas. Se a foto for sua, há absolutamente nenhum problema com isso. Agora vou desativar minha foto de mão e brincar um pouco com ela para que pareça com meu rascunho. Também estou brincando com a espessura porque vou usá-la como minha arte de linha imediatamente, pois é um esboço limpo. Também vou ajustar um pouco a dose com a ferramenta de transformação de imagem. Nem sempre rastreio as fotos das mãos como elas são. Eu faço alguns ajustes para que se assemelhem à minha manteiga de estilo artístico. Então, experimente isso. Se você tiver uma foto à mão em seu capítulo, tire uma foto da sua mão e torne-a mais fácil você. E aí está. Eu terminei esse painel tão rapidamente. Então, isso é tudo para esta lição. E na próxima lição, falaremos sobre a figura 3D do Clip Studio Paint e como podemos usá-la para desenhar poses difíceis. 8. 2-2 Usando figuras 3D: Vamos falar agora sobre o uso da figura 3D e Clip Studio Paint para inserir a figura 3D no seu Canvas, abrir a janela de materiais. Clicar em qualquer pessoa é bom, basta acessar todos os materiais. E então, em 3D, vá para o tipo de corpo. E a partir daqui, você pode escolher o tipo de corpo, se você quer um modelo masculino ou feminino. Essas quatro figuras vêm com o Clip Studio Paint por padrão e o resto eu as baixei ou fiz sozinho. Vou pegar uma figura masculina e soltá-la na tela. Ao soltá-la no Canvas, você verá essa barra de ferramentas. A partir desses controles, podemos ajustar rapidamente a posição e o ângulo da câmera da figura. O primeiro botão à direita prova a câmera. O segundo calça a câmera e o terceiro a leva mais longe ou a aproxima da câmera. Se você tiver várias figuras em seu modelo 3D , esses três primeiros botões controlarão todos os objetos 3D na camada. No entanto, os últimos cinco ícones controlam os objetos individualmente. Por exemplo, se eu clicar nele, posso ajustar a posição da figura e do ambiente. Este gira a figura em todas as direções. Este gira para a direita e para a esquerda. E este o gira em torno de si mesmo ou em torno do eixo z. E este controla a posição e a distância. Para excluir qualquer modelo do seu Canvas, basta clicar nele com a ferramenta de objetos e clicar no botão Excluir no teclado. A propósito, você também pode controlar as configurações da câmera com mais facilidade e precisão por meio das configurações. Você os tem aqui sob a propriedade da ferramenta. Ou você também pode clicar no botão da chave inglesa e ir até a câmera e brincar com o posicionamento nos controles deslizantes aqui. Você também pode jogar com a posição da figura a partir da alocada. Assim, você pode mover facilmente o personagem nas direções x, y e z. E, a propósito, se você quiser que a figura fique menos lenta, acesse as preferências e altere as configurações de exibição para edição muito rápida. Vai ser um pouco menos sortudo. Agora. Você também pode brincar com a localização da figura clicando duas vezes nela e, em seguida, controlando esses controles deslizantes aqui para movê-la nas direções x, y e z. Se seu personagem estiver flutuando, você sempre pode pressionar esse botão aqui para aterrá-lo de forma que ele volte ao nível do solo. Você também pode brincar com a direção da luz na figura acessando a fonte de luz. Em seguida, brinque com a iluminação desta tigela. Agora, para mudar a pose da figura, existem duas opções. Quando você está nessa exibição, você pode se mover em torno desses pontos de controle para poder ajustar facilmente a posição da pose como você tinha feito. Basta girar a câmera para que você possa ver como ela está de diferentes ângulos. O controle aqui muda a direção para onde seu personagem está olhando. Então, é como um objeto que os personagens estão olhando. Essa é a maneira mais fácil. Mas você também pode seguir o caminho mais sofisticado. Você clica em cada parte do corpo separadamente para ajustá-las. A maneira de ajustar essa figura não é tão simples. Você precisaria de alguma compreensão dos músculos do corpo porque a maneira como ele se move depende basicamente de como os músculos se movem. Por exemplo, para levantar o braço, você precisa levantar o ombro. E abaixar o ombro também abaixa o braço. Portanto, não é muito simples. E às vezes pode ser muito frustrante fazer a pose certa. É por isso que eu recomendo usar poses que já foram feitas, quais você pode encontrar os materiais padrão dos estúdios de clipes ou baixar mais dos ativos do Clip Studio, por exemplo, vamos voltar ao janela de materiais que abrimos anteriormente. Em 3D. Se você rolar um pouco para baixo, verá a pose. E na pose, há pausas para todo o corpo e pausas para as mãos. Então, por exemplo, para todo o corpo, existem todas aquelas pausas que vêm por padrão com o Clip Studio Paint para aplicá-las apenas para arrastar e soltar em seu modelo. E você também pode alterar a postura da mão arrastando e soltando. Se você simplesmente arrastar e soltar as duas mãos, as poses serão alteradas. Mas se você quiser mudar apenas uma mão especificamente, selecione a mão e arraste e solte a pose. Agora eu tenho poses diferentes para as mãos. Agora, vamos aplicar isso em um dos meus painéis. Eu tenho esse painel do meu personagem rodando. Então, pesquisei os ativos do Clip Studio e baixei esse modelo que achei adequado. Então, vou acessar os downloads dos materiais e arrastar a pose para dentro do meu painel. Agora eu não escolhi nosso tipo de corpo desta vez porque, oh, pose é, por padrão, transformada em um tipo de corpo masculino. Então, eu não precisei mudar isso. Mas se eu quiser que um tipo de corpo feminino seja negado, certifique-se de arrastar o tipo de corpo feminino primeiro e depois aplicar a pose. Vou ajustar o ângulo e a posição desse modelo 3D para combinar com os da minha cena. Vou brincar um pouco com ele para moldá-lo na pose mais intensa que estou procurando. Como você pode ver, é muito mais fácil ajustar sua postagem se você tiver uma pose pronta. Isso economiza muito tempo e esforço. Agora, nas configurações, há algo chamado perspectiva de mangá. Se você habilitá-lo, ele ampliará os objetos que estão próximos à câmera. Para uma perspectiva um pouco exagerada, embora o efeito nem sempre seja óbvio. Então, para exagerar a perspectiva, podemos ir para a câmera e, em seguida, sob perspectiva, trazer esse controle deslizante aqui e ampliá-lo. Agora eu tenho uma pose mais dramática. Agora, esse número é muito alto para as proporções do meu personagem. Então, vou desenhar uma figura em 3D, reduzir a altura da figura para algo em torno de 162, que é o mais próximo da altura do meu personagem. E vou diminuir a proporção entre a cabeça e o corpo porque geralmente desenho cabeças maiores. Agora, como quase tudo está pronto, quero reduzir a opacidade dessa figura 3D para poder desenhar em cima dela. Mas se eu reduzir como está, a opacidade não vai mudar. E a razão é que, como definimos em preferências, definimos as configurações de exibição para serem rápidas. Basta mudar isso de volta ao normal. E, como você pode ver, é transparente. Agora. Eu posso brincar com a opacidade o quanto eu quiser. Agora, ao desenhar em cima de figuras 3D, nem sempre sigo exatamente a figura 3D como ela é, mas elas usam uma combinação do meu rascunho e da figura para corrigir minha pose porque eu não quero perder o impacto e a emoção originais que coloquei no rascunho para que meu esboço não pareça rígido. Como você pode ver, estou acompanhando o rascunho e, ao mesmo tempo , faço anotações da figura 3D que tenho. Eu desativei os dois de vez em quando para verificar como a arte está se encaixando. E também, é claro, para virar a tela para ver se minha arte está com a aparência correta. E então, qualquer coisa que pareça errada. Vou trazer o corpo um pouco para a direita para fazer uma corrida exagerada que tenha mais impacto. Nem sempre sigo exatamente a figura 3D como está porque tenho meu próprio estilo artístico. E acho que, às vezes seguir a figura 3D como está, meio que tira meu estilo de arte do caminho. Eu o uso apenas como referência básica. Às vezes, repassando isso como estou fazendo agora. E outras vezes, basta colocá-lo de lado e apenas me referir a ele pelos olhos enquanto faço meu esboço. Como esse esboço está quase pronto agora, eu desativei ou ambos. E vou trabalhar para corrigir as coisas olho nu e usar as ferramentas de transformação e as ferramentas de seleção sobre as quais falamos na lição anterior. Às vezes, usar uma figura 3D não seria suficiente. Portanto, nesses casos, também é uma boa ideia consultar fotos da vida real ou outros quadrinhos ou peças de artistas que tenham essa pose específica que você está procurando. Vou ampliar ainda mais essa mão para dar uma aparência exagerada. Adoro fazer ângulos de câmera dramáticos e é muito divertido brincar com eles. Posso habilitar a figura 3D de vez em quando para usá-la como referência. Enquanto ajusto meu esboço pela última vez. Mas está em algum lugar onde eu posso ver isso. Use a ferramenta de liquidação novamente para fazer correções rápidas. E eu acho que esse esboço está pronto para ser feito agora. Vou apenas verificar os balões de fala para posicionar tudo na composição que corresponda ao esboço. Decidi virar esses dois e aumentar um pouco o esboço. Sim, este painel agora é considerado concluído. Na próxima lição, falaremos sobre como você pode personalizar a figura 3D e seguida, apenas como proporções para combinar com proporções de seus personagens e estilos de arte, e salvá-la como um material para que você não precisa ajustar suas configurações toda vez que você usa figuras 3D. 9. 2-3 Criando figura 3D com proporções OC: Agora vamos falar sobre como você pode criar uma figura 3D e definir suas proporções de uma forma que realmente corresponda ao seu estilo de arte , para que você a salve e registre como um material de forma que você não precise recrie essas proporções todas as vezes. Então, por exemplo, aqui eu criei uma figura 3D que corresponde às proporções da minha mulher, Saqqara. E eu salvei o tipo de corpo dela como material aqui. Então, sempre que eu quiser desenhar uma pose para ela, eu apenas arrasto e solto e depois ajusto a pose. Então, vamos fazer a personalização da figura do zero para fazer essa etapa, seria muito útil se você tivesse um desenho com uma visão frontal do seu personagem. No meu caso, agora, quero fazer uma figura 3D que tenha as proporções do meu protagonista masculino, Hideki. Eu fiz um rápido esboço dele usando a régua de simetria sobre a qual falei com você anteriormente. E eu criei esse esboço muito rápido e aproximado. Não importa se está bagunçado. Tudo o que importa nesta parte é que você capture suas proporções que definem a essência do seu estilo de arte. Então, o que vou fazer é escolher uma cor que seja fácil de ver. Por exemplo, vou Procreate cores. E eu vou usar essa ferramenta aqui, que é a ferramenta de figuras. Vou usar a ferramenta Ellipse e configurá-la para criar uma linha a partir daqui para que eu possa desenhar um círculo. Vou segurar Shift e desenhar um círculo que encapsula sua cabeça porque as proporções do corpo geralmente são medidas com o tamanho da cabeça. Vou ajustar esse círculo um pouco para que toda a cabeça fique encapsulada corretamente. E vou ampliar para verificar novamente. Ok, está parecendo bom. Agora o que vou fazer é duplicar esse círculo e arrastá-lo para baixo. Porque eu quero medir a proporção entre a cabeça e o corpo dele. Ou, em outras palavras, em quantas cabeças sua altura consiste? Vou continuar duplicando o círculo até cobrir todo o corpo. Agora vou mesclar essas camadas circulares segurando a tecla Shift e , em seguida, clique com o botão direito do mouse e mesclo as camadas selecionadas. E vou criar uma nova camada e escolher outra cor, por exemplo, loop. E eu vou voltar para a mesma ferramenta, mas vou usar a ferramenta de linha reta. E agora vou segurar Shift e desenhar uma linha aqui que separa os círculos. Vou mover a linha um pouco para cima, para que fique completamente entre os círculos. E agora vou duplicar essa linha e ter linhas separando todos os círculos que desenhei. A última linha será até o final de seus pés, que é menos do que um círculo completo. Agora vou mesclar as camadas de linhas também. Vamos renomeá-los apenas para manter tudo organizado. Linhas e círculos. E a camada original é esboço. Por uma questão de consistência, esqueci de adicionar outra linha no topo da cabeça dele. Vou copiar e colar isso e movê-lo para cima aqui, e clicar neste botão para mesclá-lo com a camada de linhas. Agora vou fazer uma nova camada só para rabiscar nela. Então, vou escolher outra cor. Então, agora vou contar apenas o número de cabeças. Então, desta distância até esta está uma cabeça, e então até aqui tem duas cabeças e uma cauda aqui está uma 345. E, por último, podemos dizer que é um total de seis cabeças. Agora que conhecemos essas informações, vamos abrir a janela de materiais e ir para o tipo de corpo em 3D. E então vamos arrastar uma figura 3D masculina, já que o personagem é masculino aqui. Agora, a primeira coisa que vou fazer é ir para as configurações e ir para a figura de desenho 3D. E vou definir a proporção entre a cabeça e o corpo para B6. E vou mudar a altura para que ela corresponda ao meu personagem. Só a posição. Agora vamos começar a ajustar cada parte do corpo para combinar com o nosso estilo artístico. Então, vamos fazer isso com cada parte do corpo separadamente. Vamos começar primeiro com a cabeça. Então clique na cabeça aqui. E temos esse sinal positivo de que podemos nos mover. Se você movê-lo para esse lado, a proporção horizontal aumenta. E se você movê-lo para este lado , a proporção vertical aumenta. Ou você também pode brincar com isso usando essas alças aqui. Vou mudar a cabeça para que ela corresponda ao tamanho do meu estilo artístico. Eu costumo desenhar a cabeça maior do que a que as figuras vêm com. Podemos diminuir a opacidade da figura 3D para que possamos ver o desenho abaixo dela. Vou arrastá-lo um pouco. Faça isso em cima do rosto do meu personagem. E vamos ampliar um pouco. Estou me concentrando em combinar o queixo e a parte superior da cabeça. E eu diminuo a proporção horizontal. Acho que parece bom até agora. Agora vamos ajustar o pescoço. Vou diminuir a proporção horizontal. Já que meu personagem tem o pescoço. Podemos aumentar a opacidade de vez quando para finalizar a compra. Vou diminuir a proporção horizontal da cabeça novamente e trocar o pescoço novamente. Está bem? Agora, os ombros farão a mesma coisa. Vou diminuir a largura dos ombros da mesma forma que o ombro do meu personagem. E o torso. mesma coisa. Mas acredito que já está com boa aparência. Acabei de reduzi-lo em dois pontos. A mesma coisa para os braços. Vou reduzir um pouco a espessura deles, embora eles não estejam um em cima do outro, mas posso comparar a espessura. Acho que essa espessura parece boa. Isso é pelo comprimento dos braços estendidos. Mantenha-os como estão porque acho que não os entendi corretamente no meu esboço. Agora, quanto às pernas, acho que também estão bem, exceto talvez reduza um pouco o comprimento e arraste-as por cima novamente. E, finalmente, os pés, vou aumentar um pouco o tamanho horizontal deles. Está quase pronto. Vou fazer algumas verificações novamente. Acho que o comprimento do pescoço realmente precisa ser ajustado um pouco, só um pouco mais. Então, vou colocar esse número aqui e posso considerá-lo concluído. Pode não parecer perfeitamente que faz sentido, mas tudo bem porque você vai usá-lo apenas como referência e não o usará como está, como você viu na lição anterior, nós apenas use essa figura 3D como um meio de tornar o desenho muito mais fácil e rápido. Mas eu diria que os números ainda não são muito personalizáveis neste software. É por isso que podemos obter as medidas exatas do nosso personagem. Mas ter isso como base deve ser suficiente e tornar nossa experiência de esboço mais suave. Vamos salvar isso como material. Vá para a ferramenta de objetos. E então a barra de ferramentas aqui. Clique nesse botão. Salve a forma do corpo como material. Depois de clicar nele, você pode nomeá-lo como quiser. Vou chamá-lo de Hideki. E você pode definir uma foto para isso. Se você clicar nesse botão para selecionar um arquivo e ter uma imagem de pré-visualização para ele. Mas vou pular essa etapa. E aqui você pode escolher onde salvar esse material. Então clique nessa seta. Vou salvá-lo no tipo de corpo 3D para que tudo esteja em um só lugar. Então, quando clico em Ok, agora, quando vou aos materiais dos meus amigos, posso ver que tenho uma nova figura 3D do Hideki. Então, posso simplesmente arrastá-lo e aplicar qualquer pose que eu quiser. E então eu posso simplesmente diminuir a opacidade, criar uma nova camada e começar a desenhar em cima dela. Vou fazer um esboço muito rápido só para mostrar como é útil. Porque preciso fazer menos modificações agora, pois todas as proporções já estão de acordo com meu estilo artístico. Agora veja com que rapidez eu conseguia esboçar no meu estilo artístico. E eu só preciso fazer modificações rápidas para que tudo pareça bom e convincente. Na próxima lição, falaremos sobre outra técnica que realmente ajuda a acelerar seus desenhos em quadrinhos, que é criar fichas de recursos para seus personagens. 10. 2-4 folhas de recursos: Agora, quanto mais painéis você desenha de sua história, mais você perceberá que certos ângulos de fase de seus personagens se repetem repetidamente. Então, em vez de ter que desenhá-los toda vez do zero, ele pode realmente criar uma folha de ativos onde você salva esses ângulos repetidos em fotos repetidas em um só lugar. Assim, quando você se depara um ângulo semelhante ao de desenhar sua história em quadrinhos, basta copiá-la e colá-la e usá-la como está ou fazer pequenas alterações em nosso esboço sobre ela. Mas isso também economizaria seu tempo porque você já tem uma base. Seu processo de esboço levará menos tempo. Por exemplo, aqui, salvei as três fotos do meu OC Harm, que usei mais de uma vez na história em quadrinhos. A maneira de fazer planilhas de ativos é não precisar abrir um arquivo e desenhar tudo, mas criá-lo à medida que avança com a história em quadrinhos. Eu só compilo essas fotos depois de sentir a necessidade de usá-las novamente em um dos meus capítulos. Isso significa que quando eu sinto que preciso de uma foto, eu simplesmente copio e colo e coloco aqui. E para mim, eu não copio e colo esse esboço, mas eu copio e colo a arte da linha. Como você pode ver aqui, as linhas estão bem nítidas porque acabei de voltar aos meus capítulos anteriores, copiei a arte da linha e colei. Então, vou fazer outra folha como essa para meu personagem Hideki. Vou apenas criar um novo arquivo. Vou chamá-lo de Hideki. Eu costumo escolher o tamanho A4 com uma resolução de 350 dpi. E, em seguida, clique em OK. Agora vou ver alguns dos meus capítulos já concluídos e copiarei algumas fotos de Hideki, por exemplo, essa visão é muito comum. Vou até o arquivo de arte linear, copio , colo e coloco aqui. Também posso redimensioná-lo porque é muito grande. E como essa é uma camada vetorial, meu redimensionamento não afetará a qualidade da arte linear. Também vou copiar esse painel porque acho que esse ângulo também seria útil em outra foto. Mas não vou reduzir o tamanho desta, pois é uma camada rasterizada. Falaremos mais sobre esses tipos de camadas na próxima lição. Por fim, vou pegar esse painel também e copiá-lo e colá-lo na minha folha de ativos. Como tenho uma foto semelhante, quero desenhar no meu capítulo atual. Então eu vou para aquela foto e vou colar isso. Vou para Editar e colar na posição de Sean. Mova-o um pouco e diminua-o. E apenas brinque com ele e transforme-o um pouco para combinar com minha cena. Estou usando a ferramenta de transformação gratuita. Modifique um pouco o ângulo da cabeça mostrando o queixo. E eu vou remover essa parte. Quero usar a ferramenta Liquify, mas não posso usá-la na camada como está, pois é uma camada vetorial. Então, vou rasterizar a camada clicando com o botão direito do mouse e depois rasterizar. E agora eu posso apertar um pouco o olho e empurrá-lo um pouco. Vou redesenhar isso. E agora mude a posição do olho e do fluido. Modifique as sobrancelhas. E aí está. Eu terminei o painel tão rapidamente sem precisar refazê-lo do zero. É por isso que estou fazendo folhas ss é muito útil e economiza muito tempo a longo prazo. E, a propósito, ELA não precisa ser apenas esboços. Eles também podem ser folhas de acetato coloridas. Por exemplo, meus personagens têm sais e esses tipos têm muitos detalhes. Então, em vez de ter que desenhá-los todas as vezes do zero, eu apenas os desenhei e eu apenas os desenhei e pintei para poder copiá-los e colá-los sem precisar desenhá-los sempre do zero. E posso até usar partes deles e transformá-los de acordo com minhas necessidades. E isso não se aplica apenas a tipos ou armas, mas você também pode fazer isso com qualquer tipo de item que sejamos seus personagens, que tenha detalhes e possa levar algum tempo para desenhar e colorir em cada painel único. Então você também pode desenhar isso separadamente e colori-lo. E então você pode usá-lo facilmente para repeti-lo em seus painéis. Ou você também pode usar pincéis. Para mostrar um exemplo, meu personagem Sacramento tem um colar de pérolas. colar de pérolas faz parte do design de personagens de cabelo. E se eu quiser desenhar esse colar de pérolas e cada painel, isso realmente me deixa louco a longo prazo. Então, o que eu fiz foi criar um pincel que eu possa usar facilmente. Isso significa que posso dar ao meu personagem muitas camadas paralelas sem ter que me preocupar com isso. Existem muitas maneiras de fazer seus pincéis. O que eu quero mostrar para vocês como fiz esse específico, foi muito fácil e simples de fazer. O que fiz foi desenhar um paralelo em uma tela separada e colori-lo e , em seguida, mesclar essas camadas para que a pérola fique em uma camada. E depois fui editar o material de registro e depois a imagem. E eu o chamei de colar de pérolas. E então eu me certifico de começar a usar o formato da ponta do pincel e escolher um local para salvar essa imagem. Então, vou salvá-lo em Material de imagem e pincel e depois clicar. Ok. Agora vou para a ferramenta de declaração e depois para a linha regulada. Veja, aqui há tantos pincéis que você pode usar para decoração. O que fiz foi ir até o pincel de linha pontilhada e mouse e duplicar até, vamos chamá-lo de colar de pérolas. E então eu clico no botão da chave inglesa. Em seguida, vou até a ponta do pincel e escolho o material e clico neste botão aqui. Agora vou procurar o aparente Nicholas. Basta digitar em paralelo. Já consigo ver todas as pérolas que tenho. Então eu seleciono este que acabamos de salvar clico nele e depois clico em OK. E aí está eu. A etapa extra que fiz foi definir o tamanho do pincel para ser afetado pela pressão da caneta. Portanto, o valor mínimo é 49 ou 50. E agora meu pincel está pronto para uso. Foi muito simples e fácil de fazer. Obviamente, fazer pincéis é um grande mundo por si só e está fora do escopo deste curso. Mas é claro que você sempre pode explorar e experimentar coisas diferentes. E se você não tiver tempo para explorar basta usar um navegador por meio dos recursos do Clip Studio Paint. E você encontrará muitas e muitas coisas interessantes para baixar de lá. Faça folhas de ácidos e faça uso de ativos, sejam pretos e brancos ou coloridos. Você certamente apreciará muito isso a longo prazo. Agora terminamos de falar sobre técnicas para aumentar a velocidade de esboço. Então, a partir do próximo capítulo, vamos alinhar nossos esboços e colori-los. Então, na próxima lição, falaremos sobre como fazer arte linear para seus painéis. 11. 3-1 Lineart: Agora que terminamos a fase de esboço, é hora de alinhar nossos painéis. Mas antes de começarmos com isso, quero explicar a diferença entre camadas vetoriais e camadas rasterizadas, que mencionei várias vezes nas lições anteriores. Na janela Camadas, temos que criar novos botões de camada. Um diz uma nova camada raster e o outro diz uma nova camada vetorial. Deixe-me mostrar a diferença entre os dois em um exemplo. Digamos que eu tenha duas obras de arte. A da esquerda é desenhada na camada raster e a da direita é desenhada com uma camada vetorial. Agora, ambas as linhas funcionam bem neste nível. Parece que eles têm uma boa qualidade e não há problema. Mas o problema surge quando você redimensiona esses dois. Então, por exemplo, se eu dimensionar ambas as linhas funcionarão. A da direita manterá sua igualdade porque é de uma camada vetorial. Mas o da esquerda, como você pode ver, realmente perdeu sua qualidade e ficou pixelizado. Isso ocorre porque uma camada raster funciona com base em pixels, enquanto uma camada vetorial funciona em uma base vetorial, é como uma base matemática. É por isso que geralmente eu diria que é melhor trabalhar na camada vetorial quando se trata de artes lineares. A camada vetorial também está chegando no Clip Studio Paint com outros recursos incríveis que facilitam a criação de artes lineares, sobre as quais falaremos daqui a pouco à medida que alinharmos nosso painel. Agora que entendemos a diferença entre as camadas, vamos começar a pintar esse painel. Vou mudar a cor da camada de esboço clicando nesse botão e depois reduzir sua opacidade forma semelhante à que fiz na fase de desenho. E vou criar uma nova camada vetorial. E vou escolher minha cor de arte de linha para manter o estilo uniforme. Eu tenho usado a mesma cor para a arte de linha ao longo minha história e só a mudei para uma realmente necessária. Mas como cor base, eu uso uma cor violeta escura para minhas artes de linha. Quanto ao pincel, eu tenho dois pincéis que eu uso. Às vezes eu uso essa caneta crocante trabalhada, que é a mesma que usei na fase de desenho. Às vezes eu uso essa caneta suave de tom de teia, que também é um pincel que eu criei. Depende das minhas necessidades e do visto. Ultimamente, tenho usado principalmente a caneta Smooth Web Tune. E eu mantenho a caneta de tom de trabalho nítida para cenas de ação ou cenas que exigem um pouco de dureza e linhas. Você pode encontrar os dois pincéis disponíveis para download nos ativos do Clip Studio Paint. Se você apenas pesquisar meu nome cluvious, eu os disponibilizei lá. Então, para essa cena, decidi usar a caneta sem fio. Quanto ao tamanho do pincel, não tenho um tamanho de pincel específico. Eu simplesmente o altero para combinar com o do meu esboço e testo até sentir que selecionei um tamanho de pincel adequado. Virar a tela realmente ajuda ao fazer a arte linear e também ao girar a tela. Você pode girar a tela para a esquerda e para a direita por meio desses botões que adicionamos na barra de comando. Ou você também pode usar os botões e a janela do navegador. Mas, como eu disse, coloquei isso aqui na barra de comando porque facilita a rotação da tela enquanto dirijo. Além disso, a inversão da rotação de pesquisa é um botão útil para redefinir rapidamente sua visualização para a original. Ao desenhar sua arte de linha, não pressione muito o pincel. Isso acabará com você criando linhas rígidas britânicas. Em vez disso, mantenha sua mão leve. Faça a arte da linha e vários traços rápidos e leves. Também ajuda não ficar muito ampliado em suas linhas porque você pode realmente se perder nos menores detalhes que realmente não importam. Então, sempre funciona com o zoom reduzido. Se você precisar ampliar, aumente um pouco para facilitar o desenho de certas coisas, por exemplo I. Amplie ao desenhar as características faciais. Agora, quanto ao tamanho do pincel, não vario o tamanho do pincel, mas brinco com ele por meio da pressão da caneta porque as configurações do meu pincel estão definidas para ter uma pressão mínima de caneta de zero. Isso significa que quanto mais leve eu pressiono, mais fina a linha, quanto mais forte eu pressiono, mais grossa é a linha. Uma dica muito importante ao fazer a arte linear é sempre ter o contorno ou a circunferência do objeto e a linha grossa. Mas quaisquer detalhes que você colocar dentro, desenhe-os em um tamanho menor de pincel. Por exemplo, I. Reduza o tamanho do meu pincel para desenhar os dentes e a língua e um tamanho menor do pincel. Isso adiciona uma boa variedade à sua arte de linha e a torna mais interessante e dinâmica. Eu escondo a camada de esboço de vez em quando para verificar como meus artistas de linha se unem e também diminuem o zoom. Uma característica realmente interessante das camadas vetoriais é a facilidade de se livrar de qualquer linha extra usando algo chamado apagador vetorial. Se eu usar a borracha vetorial e apagar sobre essas partes, elas serão apagadas imediatamente porque minha borracha vetorial está configurada para eliminar as linhas que se cruzam. Há um problema vetorial que já vem com o Clip Studio Paint. Você pode brincar com as configurações. Eu defino minhas configurações para ficarem aqui como fracas, depois clico nesse botão e simplesmente gasto pressão. E, em seguida, verifique se isso está selecionado. Apague até o cruzamento. Agora, basta vir e apagar todas as partes que se cruzam. Mas tenha cuidado. Às vezes, você pode perder alguns detalhes importantes de sua arte de linha ao usar a borracha vetorial. Então, por exemplo quando eu apaguei essa pequena linha, agora tenho uma espessura diferente por causa das linhas. Então, vou simplesmente desfazer isso. E se eu quiser me livrar disso , vou usar uma borracha normal e apagá-la. Mas de qualquer forma, isso é extremo. Normalmente não faço isso com minha arte em linha do Web two, eu apenas trabalhei com zoom e apago apenas as linhas que parecem óbvias mesmo quando reduzidas. Você também pode fazer um sombreamento simples ao fazer suas linhas. É uma boa variedade para sua arte de linha. Algumas áreas sombreadas e extremamente sombreadas, como os médicos legistas, e locais com tons extremos sob o cabelo, você pode ver como isso adiciona um pouco de profundidade. Outra dica útil de arte de linha é sempre lembrar onde estão suas fontes de luz. Então, por exemplo, minha fonte de luz estará em algum lugar deste lado no topo. Então, estou mantendo isso em mente. Se eu tiver uma cena com uma iluminação forte , posso brincar com minha arte de linha definindo as linhas que estão na direção da luz como finas e as linhas opostas à luz. Para ser o botão mais grosso dessa cena, eu não vou tão extremo. Estou apenas deixando as áreas na sombra um pouco mais grossas do que as das direções da luz. Observe como eu desenho os detalhes do cabelo e um pincel menor. Às vezes eu desenho os olhos em uma camada separada, caso eu queira mudar sua posição mais tarde ou fazer alguma transformação neles. E, claro, também posso selecionar qualquer peça que eu quiser e transformá-la facilmente. Sem se preocupar com essa igualdade porque é uma camada vetorial. Eu faço isso às vezes com os olhos. Mas o que eu também posso fazer é aumentar a estabilização daqui para que minha mão seja menos afetada pelo tremor e eu possa desenhar curvas mais limpas. Se você não encontrar a opção de estabilização disponível aqui, acesse as configurações e, em correção, clique no ícone ao lado da estabilização para poder vê-la. Vou reduzir a estabilização para 11 e, ou o céu e a forma instável. E se ajustou um pouco com alguns outros traços. Então, continuo repetindo essas mesmas etapas várias vezes até alinhar minha arte completa. Também desenho as sobrancelhas na mesma camada separada com os olhos para poder editá-las da maneira que quiser mais tarde. Como você pode ver, é muito mais fácil editá-los dessa forma do que se estivessem no mesmo dia ou em toda a arte da linha. Então, ao desenhar a arte da linha, minha mão está constantemente nos botões Control Z, bem como no botão EE para abrir rapidamente a borracha. Nesses casos, se você não conseguir apagar a linha de interseção, basta fazer outra linha menor e agora você pode apagar as duas facilmente. Você também pode compartilhar algumas partes embaixo do pescoço porque elas são extremamente sombreadas. E qualquer detalhe muscular do corpo faz com que elas cresçam e se tornem mais finas. Vamos falar um pouco agora sobre as características das camadas vetoriais. Se usarmos a ferramenta de objeto em uma camada vetorial, podemos selecionar cada traçado que fizemos em nossa arte de linha separadamente. E ao clicar nele, podemos arrastá-lo ou redimensioná-lo, girá-lo ou aplicar configurações de transformação nele. Há muitas opções. Também podemos alterar o tamanho do pincel para cada um deles e também a cor. Se tivermos cada um selecionado individualmente e se não tivermos nada selecionado mas ainda estivermos na ferramenta de objeto, mudamos a cor. Em seguida, muda a cor da coisa toda. Os olhos não mudaram porque eu os tenho em uma camada vetorial separada. Você também pode alterar o tamanho do pincel para tudo sem selecionar nada. Às vezes, isso é útil, por exemplo você tornou as linhas muito grossas e quer torná-las mais finas. Ou, pelo contrário, você quer ir um pouco mais grosso. E também na ferramenta de objetos, você verá os pontos de controle de cada linha, como fizemos anteriormente, e os balões e painéis de fala. Assim, você pode editar todas as linhas, pontos de controle. Às vezes, é útil para corrigir certos traços, por exemplo, quero fechar essa curva aqui. Posso fazer outro golpe para fechá-lo ou selecionar esse traçado e brincar com os pontos de controle para poder fechá-lo facilmente. Agora, essas são as opções na ferramenta de objetos. Mas lembre-se de que temos outras opções nas ferramentas de linha corretas. Temos a opção de ponto de controle, qual também falamos anteriormente, para adicionar pontos de controle, excluí-los ou movê-los. Quero apresentar essas outras ferramentas vetoriais interessantes, por exemplo, temos a linha vetorial de pinça. Se você selecionou isso, ele pode funcionar de forma um pouco semelhante à ferramenta Liquify. Você pode comprimir certos vetores com ele, embora não seja fácil de controlar, eu diria. Mas às vezes ajuda a corrigir certas curvas. Você pode reduzir o alcance efetivo para poder brincar com as áreas menores. Você também pode diminuir o nível de pinça. Mas eu geralmente o coloco na posição mais alta e brinco com o alcance do efeito. Então, por exemplo eu posso ajustar a curva de seu cabelo facilmente com esta ferramenta. Existe a ferramenta de linha vetorial simplificada, que ajuda a simplificar sua linha. Vou fazer uma linha rápida e instável. Se verificarmos o número de pontos de controle, há muitos agora. Mas se usarmos a linha vetorial simplificada , você pode ver como ela realmente reduziu o número de linhas vetoriais. Às vezes, isso é útil para corrigir certas linhas instáveis. Existe a linha vetorial Connect. E eu acho que este ajuda a conectar linhas vetoriais separadas, por exemplo, se eu o uso nesses fios de cabelo , ele está conectado aos fios de cabelo. E depois de conectá-los, posso simplesmente ajustar os pontos de controle na ferramenta de objetos. Também existe a largura correta da linha, o que é muito útil. Falamos sobre isso anteriormente nos balões de fala. Então, se eu usar a espessa e, portanto, a proporção de quão grossas eu quero que minhas linhas tenham, então eu posso facilmente brincar com a espessura das linhas. E o estreito reduziria a espessura das linhas. A largura de ampliação aumentará a largura do pincel. A redução da largura diminuiria a largura do pincel. E a largura fixa, eu acho que você pode definir qualquer largura que você quiser e, em seguida, passar sobre seus traços e depois alterá-los para aquela certa largura. Há também a linha vetorial de redesenho. Se você usar essa ferramenta, poderá redesenhar sua linha vetorial e corrigi-la como quiser. Embora, honestamente, essa ferramenta não tenha sido muito fácil de usar, mas é bom saber, mas também existe a largura da linha vetorial redesenhada, que você pode usá-la para alterar facilmente a largura de suas linhas. Portanto, é bom para adicionar sombreamento, como falamos quando há condições extremas de iluminação. Às vezes, essas ferramentas são bastante úteis e podem evitar problemas em vez de precisar redesenhar todas as suas linhas. Mas, falando honestamente, na maioria das vezes ao desenhar minha música na web, não uso todas essas ferramentas porque só preciso alinhar, alinhar , alinhar à esquerda ou no painel. Não há tempo suficiente para dedicar muitos desses detalhes, mas é bom conhecer essas ferramentas e mantê-las em mente de qualquer maneira. Outra dica importante que eu quero dar é aquela que está fazendo as linhas. Ele pode adicionar essa sensação de profundidade brincando com a espessura, por exemplo , aqui, essa mão aqui, está mais perto da câmera? Portanto, para qualquer coisa que esteja mais próxima da câmera, desenhe-a com um pincel maior para realmente fazer com que pareça que está realmente estourando e se aproximando da câmera. Então, se eu diminuir o zoom e desativar o esboço, você pode ver como essa variedade está tornando a arte linear mais interessante. Em seguida, reduza a espessura à medida que você se afasta da câmera. O oposto é aplicável aqui. Esse braço está se afastando da câmera. Então, vou reduzir o tamanho do meu pincel à medida que o alinho para dar aquela sensação de profundidade. Além disso, quanto mais próximas as coisas estão da câmera, mais grossas elas parecem e mais detalhes elas têm. E quanto mais distantes, mais finos e menos detalhes. Para dar um exemplo de profundidade, esse é um dos painéis que eu fiz anteriormente. Como você pode ver, o personagem que tende mais para longe tem as linhas mais finas. As linhas aumentam de espessura à medida que o personagem se aproxima da tela. Então, essa personagem tem as linhas mais grossas e mais detalhes em seu cabelo porque ela é a mais próxima da câmera. Portanto, mesmo que esse painel não seja colorido, você ainda pode sentir a sensação de profundidade apenas nas próprias linhas. Agora, só falta um pouco antes de eu terminar essa arte de linha. Então, vou acelerar um pouco. Quanto ao colar, eu tenho um pincel que baixei dos ativos do Clip Studio e use-o imediatamente agora mesmo para desenhar o colar e excluir quaisquer peças extras. E esse é o tipo, vou simplesmente copiá-lo, colá-lo da minha folha de ativos e transformá-lo de acordo com a minha cena. Dessa forma, não precisei desenhá-lo do zero. As linhas desse painel estão prontas. Às vezes, se meu esboço parece geralmente limpo como este , pulei completamente uma fase de arte linear e simplesmente a limpei um pouco com a ferramenta de borracha para economizar tempo. Além disso, a aparência dinâmica dos esboços às vezes torna os painéis mais interessantes. Portanto, não há problema em pular passos e economizar tempo. Enquanto limpo, redesenho as linhas que acho que precisam ser retiradas. E aí está. Eu terminei a arte da linha muito rapidamente porque o esboço estava limpo. E agora eu posso começar imediatamente a colorir essa arte linear. E não se preocupe, a qualidade é totalmente boa. Na maioria das vezes, você não conseguirá distinguir entre uma arte linear em paz e uma peça esboçada, por exemplo , este painel que tenho aqui, fica muito bonito quando reduzido. Na verdade, foi um esboço que eu limpei e pintei imediatamente. Você só verá essas linhas esboçadas se eu ampliar e mostrar os detalhes de perto. Mas a maioria das pessoas não vai ver isso de qualquer maneira. Tons da web que eu leio em telas pequenas em geral. E a maioria desses detalhes realmente não será visível a olho nu. Então, tanto quanto possível, para economizar tempo. Se você achar que desenhou esboços limpos, limpe-os um pouco e transforme-os também em arte linear. Antes de começarmos a preencher as cores. E na próxima lição, falaremos primeiro sobre conceitos básicos de cores e harmonia de cores. 12. 3-2 cores e harmonia de cores: Agora que terminamos de desenhar e revestir as partes, estamos prestes a nos aprofundar nas cores. Mas antes de fazermos isso, gostaria de falar primeiro sobre cores em geral e apresentar noções básicas importantes que ajudam você a entender melhor as cores e a harmonia das cores. Então, vamos começar com a roda de cores aqui. Você pode ver como as cores são distribuídas na roda de cores de forma organizada. Geralmente, podemos dividir essa roda de cores em duas metades. Podemos chamar as cores desse lado de cores quentes e as cores desse lado de cores frias. Misturar e combinar cores quentes e frias em sua ilustração realmente proporciona um bom contraste e faz com que as cores pareçam mais interessantes e atraentes aos olhos. Falaremos mais sobre isso mais tarde. Mas, geralmente, ao sombrear sua arte, é bom optar por cores frias. Então, por exemplo, se sua cor base for amarela, é uma ótima ideia pular duas etapas e sombrear em laranja em vez de usar apenas uma cor mais escura. Para ilustrar, deixe-me mostrar as cores aqui. Então, digamos que esse seja o amarelo. Normalmente, alguém escolheria uma cor mais escura de amarelo para sombreá-la. Como você pode ver, isso não parece muito interessante. Mas se escolhermos o mesmo amarelo, sombreie-o com o laranja, o que torna as cores mais atraentes. E isso se aplica a todas as cores diferentes, por exemplo, tom vermelho ou laranja com roxo, tom amarelo, verde com verde puro, verde sombreado, verde puro com azul. Mas precisaríamos torná-lo um pouco mais escuro. Então, veja, é assim que podemos criar combinações interessantes. De qualquer forma, falaremos mais sobre esses conceitos tarde, à medida que sombreamos nossos personagens, criamos planos de fundo e ajustamos a iluminação e a cor de nossas cenas. Mas vamos falar sobre esses três conceitos importantes para entender as cores. O primeiro conceito é a tonalidade e, basicamente, são apenas as cores diferentes. Por exemplo, vermelho é um matiz, amarelo é um matiz, verde é um matiz e assim por diante. Então, basicamente, ao mudar a tonalidade, você muda a cor. O segundo conceito é saturação. E para colocar isso da forma mais simples pior possível, é basicamente a cor dos cabelos grisalhos. Por exemplo, aqui, essa é a cor mais saturada porque é a cor mais brilhante. Mas a cor aqui é cinza puro e tem a menor saturação. Normalmente, escolher cores um pouco menos saturadas faz com que sua peça pareça mais natural, permitindo que o espaço adicione coisas mais brilhantes à sua arte usando as mais saturadas. cores. Finalmente, o valor, que às vezes é chamado de brilho ou luminosidade. É basicamente o quão clara e escura é sua cor. Então, por exemplo, aqui, a cor mais clara é branca. E depois entra em rosa para alcançar a cor vermelha, que é a cor base. E depois vai para o preto, que é a cor mais escura. Portanto, isso é aplicável a qualquer cor. Quanto maior o valor, mais brilhante é a cor, quanto menor o valor, mais escura é a cor. Aqui embaixo da janela de cores. Se você for até esta janela, deixe-me arrastá-la até aqui e ampliá-la para que possamos vê-la com mais clareza. Então, esses são os três conceitos sobre os quais acabei de falar. Se escolhermos a cor vermelha, podemos mudar a tonalidade daqui , o controle deslizante superior. Podemos mudar o L, que é a luminosidade ou o valor daqui. Arrastar para a direita é o valor mais alto e me dá branco. Arrastar para a esquerda é o valor mais baixo e me dá preto. Trazendo-o de volta para o meio, restaura para a cor que eu tinha originalmente. O último controle deslizante é o controle deslizante de saturação. Conforme eu arrasto para a esquerda, a cor fica mais cinza até atingir o cinza puro no final. Se eu arrastá-lo para trás , minha cor ficará saturada novamente e ficará brilhante novamente. É bom brincar e mudar suas cores rapidamente com esses controles deslizantes aqui. Ou você também pode brincar com as cores da própria roda de cores. Então, deslocando o controle deslizante para cá, alterando a tonalidade passando por essas duas direções aqui, brincando com o valor. Então, este é o mais claro, que é branco e depois passa para a cor azul. E então, se eu arrastá-lo nessa direção, ele ficará preto, que é o valor mais baixo. E a saturação pode ser reproduzida horizontalmente. Então, por exemplo este é o azul mais brilhante, mas se eu arrastá-lo para a esquerda a saturação mudará. E como você pode ver, a cor vai em direção ao cinza até ficar cinza puro. A propósito, configurei minha roda de cores para ser triangular porque achei mais útil dessa forma. Mas o software geralmente vem com a vista quadrada, o que não é tão diferente. Você altera o valor aqui seguindo essas direções. E então você altera a saturação verticalmente. E então tudo isso é o mesmo preto. Eu acho. Há uma pequena diferença na saturação, como você pode ver aqui. Mas acho que a cor em si não muda. Ainda é preto puro. Mas, de qualquer forma, mudo para essa visão porque a achei mais adequada às minhas necessidades. Você é livre para usar o que preferir. Você também pode brincar com as cores e editá-las rapidamente acessando Editar correção tonal, matiz, saturação, luminosidade. Então, novamente, esses controles deslizantes são exatamente como os que acabamos de explicar. Alterar o controle deslizante de matiz altera o tom da cor. Arrastar o controle deslizante de saturação para a esquerda torna a cor mais acinzentada. E arrastá-lo para a direita o torna mais claro ou menos acinzentado. E, finalmente, a luminosidade, que é o valor do brilho ou da luminosidade. Esse é outro nome para isso. Então, se você arrastá-lo para a esquerda, a cor ficará mais escura até ficar preto puro. E se você arrastá-lo para a direita, o colorido fica mais claro até ficar branco puro à direita. Portanto, é uma ferramenta muito útil para abrir se você quiser ajustar rapidamente suas cores enquanto vê uma prévia Você também pode abrir esse menu pressionando Control e U no teclado. Por fim, vamos adicionar preto à roda de cores para falar sobre certas combinações de cores. Para tornar sua arte ou design de personagem interessante. Há certas coisas que você pode fazer para que as cores pareçam harmoniosas. A primeira coisa é usar cores da mesma tonalidade em si. Então, por exemplo você pode fazer com que sua peça pareça harmoniosa em termos de cores usando apenas tons de amarelo. Assim, podemos escolher cores diferentes desse amarelo. Eles ainda ficariam bem juntos. Se for uma peça monocromática, você sabe, essas combinações são chamadas de monocromáticas e você pode perfeitamente criar uma obra de arte homogênea e monocromática. Bem, basta escolher tons de um tom. Mas, para tornar sua peça mais interessante, é bom escolher cores adjacentes umas às outras , chamadas de análogas. Então, podemos escolher tons desses três e eles ainda ficariam bem. E a mesma coisa se aplica a quaisquer três cores análogas. É fácil criar uma peça com aparência interessante concentrando-se em cores próximas umas das outras. Acho isso especialmente útil no design de personagens. Por exemplo, eu segui esse conceito. Por que desenhar meu personagem é Saqqara. Então eu dei a ela cabelos castanhos, que se enquadram nas cores laranja e vermelho, já que o marrom é basicamente um laranja escuro. E eu dei a ela um endereço rosa, que ainda é análogo a essas cores. E fica em algum lugar entre o vermelho e o roxo. E a mesma coisa para o meu personagem, ele Dickey. Eu dei a ele uma violeta azul aqui, que cai sob essa cor. E eu dei a ele uma camisa verde, que cai sob essa cor. E eu dei a ele calças azuis mais escuras que se enquadram nessa cor. Eles são harmoniosos. E ao passar pela cor levemente amarela ainda fica bem com o verde. Então eu a escolhi para a camiseta dele. É assim que as cores são harmoniosas. Mas existem outras combinações de cores interessantes, por exemplo, existem as cores complementares, que são as cores opostas uma à outra na roda de cores, por exemplo, isso geralmente é bom e sombreamento e iluminação. Então, se eu quiser adicionar iluminação, faço com que pareça amarelada. E para as sombras, eu as faço violetas. Mas isso também pode ser aplicável a outras cores e também pode realmente ajudar no design de personagens, por exemplo, na roda de cores, posso ver que laranja é o oposto do azul. Assim, eu posso criar um design de personagem interessante com base nessas duas cores. Além disso, o laranja avermelhado funciona com o verde e o roxo funciona com o amarelo e o verde. É claro que você pode brincar com as cores, os valores e a saturação para que pareçam mais em harmonia. E há também a combinação da tríade, que é a que forma essa combinação na roda de cores. Então, por exemplo, amarelo combina muito bem com vermelho e azul, que são basicamente as cores primárias. Mas também o laranja ficaria bem com violeta e verde. Essa não é minha combinação favorita, mas ainda funciona. Por exemplo, roxo funciona com verde e funciona com amarelo. Portanto, esse é outro método para escolher cores harmoniosas. É claro que existem outras combinações que você pode desenhar na roda de cores. Mas acho que os que abordamos são realmente os mais importantes e os mais prováveis de usar e também os mais fáceis de controlar. Honestamente, o mundo das cores é incrível. E de vez em quando, com experimentação e prática, você descobriria tantas coisas interessantes que você pode fazer com elas. E espero que neste curso abordemos algumas dessas coisas interessantes que você pode fazer. Na próxima lição, começaremos preenchendo as cores básicas ou planas de nossos personagens. 13. 3-3 cores planas: Tudo bem, agora estamos prontos para preencher as cores básicas do nosso painel. O que farei primeiro é selecionar todas as camadas de arte linear e arrastá-las ícone da pasta para colocá-las dentro de uma pasta. Ou também posso ir para Camada, Criar pasta e iniciar camada. Ou também posso fazer isso clicando com o botão direito do mouse e selecionando Criar pasta e inserir camada. Dessa forma, toda a minha arte de linha está dentro de um grupo. Então, para preencher rapidamente as cores básicas, vou apertar este botão aqui, definido como camada de referência para todo o grupo. camada de referência é basicamente a camada qual minhas ferramentas se referirão quando eu as usar. Agora, vou criar uma nova camada e acessar a ferramenta de preenchimento. Há uma ferramenta incrível que eu baixei dos recursos do Clip Studio, que você pode encontrar aqui. Vou colocar o link para você nas notas da aula. Então, depois de baixar essa ferramenta, escolha a cor que desejar. Eu costumo escolher a cor cinza. E o que vou fazer é cercar o personagem para preencher sua silhueta. Depois de fazer isso, todo o meu personagem está preenchido. Achei esse método o mais fácil para separar caracteres e saber exatamente quanto espaço eles estão ocupando, especialmente quando você tem um plano de fundo. Preencher a silhueta do personagem realmente permite que você preencha as cores planas com facilidade. Ao contrário de se você os encher um por um com a ferramenta normal de balde. Depois de preencher a silhueta do seu personagem, você notará que algumas partes precisam ser preenchidas e outras que precisam ser apagadas. Então, vamos começar apagando as partes extras. Eu vou escolher a ferramenta de seleção automática ou a ferramenta Magic One. E você encontrará três subferramentas aqui. Mas precisamos usar esta, referenciar outras camadas para selecionar, para que possamos fazer nossa seleção enquanto ainda na própria camada de silhueta. Então, essa ferramenta, eu a mantive em suas configurações padrão , exceto a escala da área. Eu coloquei em oito. Então, vou selecionar essa parte extra que eu quero excluir. Ao clicar nele. Eu o selecionei e posso clicar nesse botão para excluir ou pressionar o botão Excluir do teclado ou ir para Editar Excluir. Quando terminar, apertarei esse botão para desmarcar. Também posso usar a borracha para apagar certas partes que não quero. Agora, essa parte não foi selecionada com a silhueta. E a razão é porque há uma abertura. Portanto, ele pode fechar a própria arte da linha ou você pode fechá-la com uma ferramenta de pincel. Vou usar a mesma caneta nítida Web two de que falei anteriormente. E eu fechei a lacuna. E agora eu posso voltar para minha ferramenta de preenchimento e selecioná-la mais uma vez. E agora está cheio. Ao ampliar, talvez eu encontre algumas áreas que não parecem boas. Então, vou apagar essas partes e consertar o que puder. Novamente, não se preocupe muito com esses pequenos detalhes porque a maioria das pessoas não conseguirá vê-los de qualquer maneira. Então, com isso, preenchemos facilmente a silhueta do personagem. Agora vou criar uma nova camada e cortá-la na camada de silhueta. Uma camada é cortada. Basicamente, qualquer coisa nessa camada estará dentro da nossa camada base, por exemplo, essa camada é cortada para não cruzar a área definida pela minha camada de silhueta. Mas se eu remover o recorte, poderei ver a camada completa. É por isso que recortar a camada realmente ajuda a colorir dentro dos limites. Agora vou começar a preencher as cores. Antes de tudo, estou cheia e com a pele porque está por baixo de tudo. Preenchendo a pele, eu só uso o trabalho CRISPR, não caneta para preenchê-la. Agora vou criar uma nova camada de clipe e quero colorir o cabelo desta vez. Vou voltar para a mesma ferramenta de preenchimento e escolher a cor do cabelo. Agora, use a ferramenta completa novamente enquanto seleciona apenas o cabelo para coletá-lo. Agora, se aumentarmos o zoom, ele fez um ótimo trabalho, exceto que precisamos consertar algumas peças. Vou colorir essa parte com a caneta de tom Chris Webb. E vou usar a ferramenta Magic One para selecionar qualquer área que não deva ser colorida para apagá-la. E agora eu clico em excluir. Se eu remover a arte linear, você pode ver que a ferramenta também coloriu os olhos. Então, vou ativar a arte de linha novamente e apagar tudo o que pode estar visível porque não me importo com o resto. E também apague os cantos que foram cortados. A ferramenta e corrija qualquer coisa extra que tenha sido apagada. Na maioria das vezes, mantenho o cabelo como a camada superior de todas as camadas planas de cor. É por isso que vou criar uma nova camada abaixo dela. E nessa camada, vou colorir os olhos e a boca. Eu pinto os dois na mesma camada para facilitar que eu saiba onde está tudo, porque é como um sistema que eu sigo para todos os personagens. Normalmente, quando eu faço ilustrações, eu renomearia cada camada, por exemplo, eu chamaria essa camada de cabelo, depois essa camada de rosto e essa camada de pele. Mas desde que comecei a desenhar com músicas, porque há muitas camadas envolvidas em cada painel. Eu simplesmente parei de nomeá-los completamente e comecei a seguir esse sistema para que eu pudesse reconhecer rapidamente quais são minhas camadas. Agora vamos voltar para a camada facial. Eu quero colorir os dentes e a parte de trás da boca. Vou voltar para a camada de preenchimento, mas vou escolher outra ferramenta de camadas, que vem por padrão com o Clip Studio Paint. E eu vou escolher a cor, por exemplo , para a parte de trás da boca e vou preencher para colorir. Agora, antes de continuarmos conversando, eu só queria falar um pouco sobre a ferramenta de preenchimento. Também deixei todas as configurações como estão no padrão, exceto a escala da área, as áreas que matam exceto a escala da área, para a ferramenta de preenchimento, coloquei em até 20 por cento, que é o valor máximo. E eu o coloquei no pixel mais escuro. Não me lembro qual era a padrão, mas essas são minhas configurações. E eu quero te mostrar a diferença. Se eu desativar a escala da área e preencher essa área novamente, você pode ver quando aumentamos o zoom que a cor de preenchimento realmente não foi colorida abaixo da nossa arte de linha. E é por isso que alguns pixels transparentes podem não parecer tão aparentes, mas às vezes podem realmente arruinar a qualidade de sua arte quando você diminui ou diminui o zoom. É por isso que habilitar áreas, Kelvin, para mim, é muito importante nas ferramentas de campo e tornou minha experiência geral de colorir e pintar o Clip Studio muito melhor. Então eu vou preencher a boca. E agora você pode ver que eu não tenho pixels brancos são pixels sem cor. Agora vou usar minha caneta para colorir essa parte extra. E eu vou colorir os dentes também. Da mesma forma, enchendo e fixando com a caneta, caso algo precise ser consertado. Agora vou criar uma nova camada abaixo do rosto. E usando uma cor branca. O branco dos olhos é a parte branca do olho. Primeiro, eu apenas desenho uma circunferência. Uma vez que isso seja decidido. Em seguida, volto para a mesma ferramenta de preenchimento e a seleciono e preencho. Selecione, preencha e apague todas as partes extras que foram coloridas. Em seguida, vou colorir a camisa dele. Então, vou criar uma nova camada. E também pinte a camisa da mesma maneira. Pinte todas as peças que faltam e apague os extras. Vou criar outra camada abaixo da camisa dele porque ele tem outra camisa por baixo com uma cor amarela. Então, vou sentir isso em outra camada. Vou voltar para a camada de camisa verde e usar a ferramenta de balde de referência de outras camadas e preencher essa parte da camisa dele. Mas depende da espada que está atrapalhando e não está permitindo que eu a pinte adequadamente. Então, vou voltar para minha pasta de referência, desabilitar a espada e desabilitar o colar. E eu vou colorir de novo. Então, agora eu poderia colorí-lo facilmente. Mas como você pode ver, há algumas partes verdes aqui embaixo do colar porque também estava na camada de referência quando eu pintei a camisa. Então, eu posso simplesmente apagá-los mesmo que eles não estejam realmente visíveis. Mas às vezes é bom limpar tudo. Esqueci essa outra parte da camisa amarela. Agora arrume essa camisa daqui. Finalmente, vou criar uma nova camada abaixo de tudo , menos acima da pele. E cor. Depende. Também na mesma camada. Vou colorir o relógio. Agora, todas as cores planas do personagem foram preenchidas. Mas eu quero falar sobre essa parte. Então, foi muito rápido para mim preencher as cores básicas do personagem porque eu tenho todas as cores salvas aqui na minha paleta ou no meu conjunto de cores. Também recomendo que você faça essa lista para seus personagens, pois isso economizará muito tempo e você não precisará voltar à ficha do personagem ou outros painéis para se referir às cores. A maneira de fazer isso geralmente é conjuntos de cores vêm com essa prévia, o conjunto de cores padrão e nosso conjunto aqui com todas as outras janelas coloridas. Encontre esta janela de conjunto de cores e arraste-a para mim. Eu o arrastei e coloquei embaixo do navegador deste lado para facilitar o acesso. E se você não conseguir encontrá-lo em nenhum lugar, vá para Conjunto de cores da janela. De qualquer forma. Então, para criar um novo conjunto de cores para você, clique no ícone da chave inglesa e, em seguida, clique em Criar um novo conjunto. E chame do que quiser. Vou chamá-lo de web tone apenas por causa desta lição. Em seguida, clique em OK. Então você verá que agora você tem um novo conjunto de cores com seu Dropbox. Então, seu conjunto de cores virá por padrão com cores transparentes. Então, todas essas são cores transparentes. E, a propósito, cores transparentes são basicamente como uma borracha, que também está aqui. Se você ver, eu tenho a cor do primeiro plano e a cor do plano de fundo, e tenho essas cores transparentes selecionadas. Então, se eu selecionei isso e o uso no cabelo, por exemplo, funcionou exatamente como uma borracha. Portanto, essa cor transparente é muito conveniente porque converte qualquer pincel em uma borracha. Mas de qualquer forma, então você definirá que virá com cores transparentes. E para adicionar suas cores, basta clicar com o botão direito do mouse. E você pode adicionar cores, o que adicionará uma nova cor e impulsionará tudo. Você pode clicar com o botão direito do mouse na cor para excluí-la. Ou, em vez de adicionar cor, você também pode clicar com o botão direito do mouse e substituir a cor para que nada seja pressionado. A forma como construí meu conjunto de cores é adicionar para cada personagem a cor da pele, a cor do sombreamento da pele do que a cor do cabelo e as cores do sombreamento do cabelo. Os cabelos destacam as cores do que as cores dos olhos, da boca, das cores da camisa e assim por diante. E eu coloquei um separador de uma cor transparente entre cada caractere apenas para facilitar a distinção entre as cores. Ou também posso selecionar a cor transparente e adicionar mais cores. Dessa forma, posso separar meus personagens por linhas. Então, essas cores são para um personagem e essas cores são para outro. E adicione cores mais transparentes para separar os outros caracteres e assim por diante. Depende totalmente de você organizar as cores da maneira que achar possível. A propósito, também há uma coisa sobre a qual eu quero falar. Digamos que meu personagem tivesse uma camisa listrada. E eu quero desenhar as listras em sua camisa sem cruzar os limites. A maneira fácil e simples de fazer isso é indo até a camada da camisa, que é essa, e clicando nesse botão , bloqueando os pixels transparentes. Agora, a camada está bloqueada. Então, qualquer coisa que eu desenhe em cima dela ficará dentro de seus limites. É muito semelhante à forma como as camadas de clipe funcionam, exceto que você pode desenhar na própria camada sem cruzar o limite. Essa é a maneira mais rápida de adicionar detalhes ao seu personagem. Por fim, quero falar sobre os painéis do grupo. Se você tiver vários personagens em um painel, poderá separar suas silhuetas, cada uma por conta própria. Mas, para ser honesto, descobri que isso leva mais tempo para preencher as cores planas. Então, o que eu comecei a fazer foi preencher todos os personagens, silhuetas em uma camada e depois colorir suas capas em uma camada e colorir todos os outros detalhes o máximo possível em uma camada. Descobri que esse método é muito mais demorado quando se trata de painéis de grupo. Portanto, é bom ter em mente. Agora que terminamos de vincular as cores básicas, na próxima lição, falaremos sobre colorir o cabelo e os olhos e como preparar todo o resto para sombrear o personagem. 14. 3-4 colorir cabelo e olhos: Vamos agora falar sobre a parte divertida, colorir olhos e cabelos. Portanto, para colorir os olhos, existem inúmeras maneiras de colori-los, e cada artista tem seu próprio estilo. Portanto, depende totalmente de você como deseja colori-los. Mas eu diria que tente mantê-lo o mais simples possível e ter etapas predeterminadas para colori-las. Vou te mostrar como eu pintei os olhos e minha história em quadrinhos. E você pode querer aplicar a mesma coisa, ou pode tomá-la como uma inspiração para criar seu próprio estilo. Então eu escolhi este painel I para explicar isso para você de uma forma clara. O que farei primeiro é bloquear a camada através dos pixels transparentes do cadeado. E eu vou escolher uma cor mais escura do que a cor base. E vou colorir a parte superior do olho e uma forma curvilínea de indicar a redondeza do olho. A propósito, nesta etapa, ainda estou usando o nítido Web two in pen em quais tons para economizar tempo, você pode deixar os olhos como estão e só finalizar criando uma nova camada em cima de a camada de arte linear e com uma cor branca. Só para adicionar o reflexo da luz no olho, você pode ter um ou dois. Eu costumo escolher um grande tipo 1.1 de formato oval. Para mim, gosto de dar aos olhos do meu personagem um pouco mais de profundidade. Eu sou apenas outra cor mais escura. Vou esconder os reflexos da luz um pouco para mostrar a você. A cor mais escura. Eu sombreio a parte superior do olho e depois desenho uma pupila. Então, com um pincel pequeno, eu apenas faço esses tipos de arranhões para definir a parte sombreada do olho com a parte não sombreada do olho. E eu pego a mesma cor que usei na primeira parte. Com um pincel mais fino. Eu adiciono esses traços para dar mais detalhes aos olhos. E, finalmente, eu escolho uma cor mais clara. Com um pincel grande. Eu adiciono destaques na parte inferior do olho. Então, essas são minhas etapas para colorir a cor base do olho. Você também pode ir um pouco mais longe e adicionar reflexão de luz, por exemplo, usando uma cor rosa com o aerógrafo. Vou até a ferramenta de aerógrafo e escolherei o aerógrafo macio. Então eu posso apenas escovar um pouco na parte superior com uma cor rosa ou azul. Mas essa é uma etapa adicional se você quiser deixar os olhos mais brilhantes. De qualquer forma, vou ativar a camada de reflexão de luz novamente. Agora vou colorir um pouco a arte da linha para deixar os olhos mais interessantes. Então, vou até a camada de arte linear e a bloquearei. E o que vou fazer é escolher a cor dessa base Eichler. Eu escolho rapidamente as cores pressionando o botão alt e depois clicando na cor que escolhi. Novamente com um aerógrafo macio, um aerógrafo leve na parte inferior do olho. Para fazer com que pareça mais suave. A parte superior também. Vou escolher a cor escura e aerografia para tornar tudo londrino. Eu também uso uma espécie de vermelho rosado vibrante. E com o aerógrafo, eu aerógrafo do tamanho dos olhos. Acho que isso os faz parecer mais interessantes. Por fim, sob os olhos, criarei uma camada para o branco dos olhos, que fizemos na última lição. Mas vamos fazer isso de novo para este painel. O último passo que farei para os olhos é bloquear essa camada e escolher uma cor azul acinzentada. E então, com a ferramenta de linhas nítidas, vou apenas proteger os olhos de cima para baixo. Então eu fiz isso com um Web two nítido em caneta, mas às vezes eu também faço isso com um aerógrafo. Mas eu modifico um pouco as configurações do aerógrafo. Então eu disse a dureza para algum lugar por aqui ou aqui para tornar as coisas mais difíceis. E depois aerógrafo para dar aos olhos uma aparência mais suave. Isso é tudo para colorir os olhos. Mas neste painel, especificamente, e na maioria dos painéis e no meu capítulo atual, os personagens estão tendo fortes reações emocionais. Então, quando eles tiverem uma reação tão forte, não pinte os olhos como eu faço aqui. Mas, em vez disso, deixo os olhos apenas com a pupila. E talvez um leve gradiente nas cores básicas do olho que dê aos personagens uma aparência chocante e torne a cena mais intensa. É por isso que no meu painel aqui, os olhos também são pequenos porque o personagem está chocado. Então, o que vou fazer os olhos dele é adicionar uma pupila. Era a cor mais escura das minhas camadas de gelo. E eu também posso usar o tom mais claro. E com as configurações de toque de aerógrafo de volta para macias, basta aerógrafo levemente na parte superior dos olhos para dar uma aparência mais suave. Também moldarei os olhos com a mesma cor cinza azulado. Agora vamos passar para o cabelo. Nesta etapa, eu realmente não escureço a maioria das características dos meus personagens porque farei isso na próxima etapa, que mostrarei na próxima lição. Mas nesta etapa, eu apenas preparo todas essas cores básicas para que elas pareçam mais interessantes quando eu adicionar as formas posteriormente a elas. O que quero dizer com Preparado é retocar levemente o personagem para fazer com que as cores planas pareçam menos planas e adicionar algum tipo de gradiente a elas. Então, o que vou fazer é selecionar a ferramenta de aerógrafo e ajustá-la com a dureza mais suave e aumentar seu tamanho. E eu vou escolher a cor do formato do cabelo do meu personagem. E, ao olhar, a camada provavelmente aerógrafo a parte inferior do cabelo do meu personagem. Para dar uma aparência de gradiente. Na parte superior, escolho a cor dos destaques e aerógrafo levemente. Então, como você pode ver, o cabelo agora tem mais dimensão. Para personagens de cabelos escuros. Eu dou mais um passo e escolho uma cor alaranjada ou rosada, uma cor clara que é um pouco mais escura que a pele. E a escova de ar no cabelo que está em cima do rosto. Isso dá ao cabelo a aparência de estar desbotando e mostrando a pele abaixo dele. Eu posso dar um passo extra e também usar a cor sombreada do cabelo e apenas colorir o cabelo que está na parte de trás para empurrá-lo para trás e dar mais profundidade. Agora, com esse passo simples, esse cabelo mais escuro parece estar nas costas. E essa mais brilhante parece estar na frente. E agora eu também vou escolher a pele, bloquear a camada e escolher a cor do sombreamento da pele. E também com o aerógrafo. Aerógrafo levemente as bordas do rosto. Para evitar esse tipo de aerografia, como quando ela se sobrepõe nas bordas. Posso simplesmente usar a ferramenta de seleção automática ou varinha mágica e selecionar a parte que eu quero, certificando-me de que minha camada de arte linear esteja definida como uma camada de referência. E agora eu posso aerografar sem mexer com o rosto. Eu também aerógrafo um pouco ao redor do nariz e um pouco ao redor das bochechas, às vezes. Um aerógrafo, o resto da pele. Também posso calcular a média de todos os outros itens de vestuário. Às vezes eu faço isso e às vezes eu pulo. Mas vamos fazer isso para a cena. Para ambas as camisas. Aerógrafo, também para as calças. Vou aerografar a Nike. Então, isso é tudo para esta etapa. Ainda não adicionamos nenhuma sombra importante, porque na próxima lição, faremos o sombreamento de todos os caracteres em uma única etapa. 15. 3-5 sombreamento rápido: Agora podemos seguir em frente e começar a adicionar tons aos nossos personagens. Para esta etapa, a primeira coisa que faço é selecionar todas as camadas que tenho até agora, desde a arte linear do personagem até a silhueta. Selecione tudo e coloque-o em uma pasta. Em seguida, criarei uma nova camada e a colocarei na pasta. E vou mudar o modo de camada para multiplicar. E geralmente escolho uma cor roxa clara e pálida. E com a caneta Chris Webb sem caneta, posso facilmente sombrear todo o meu personagem de vez em apenas uma camada. Agora, neste painel, habilitarei o plano de fundo que já preparei para ele apenas para verificar o equilíbrio geral das cores e me lembrar da direção da fonte de luz. Até agora, meu painel, a fonte de luz, está na parte superior. Então, todas as formas virão na parte inferior do personagem. Agora, ao sombrear, descobri que, em primeiro lugar, bloquear as áreas principais que estão sombreadas aproximadamente para ver o equilíbrio geral das tonalidades é realmente útil e ajuda você a posicionar melhor as sombras antes ficando preso aos pequenos detalhes e aos grandes lençóis ásperos. E então vou ajustar cada um deles. Como o colar está pulando , haveria uma pequena distância entre o objeto e a forma. Agora que bloqueei as sombras principais, ajustei cada parte separadamente, limpei as sombras , adicionei mais detalhes e as refinei. Então, para isso, o que vou fazer é abrir o grupo que contém todas as minhas camadas. E então eu vou apertar a tecla Control no meu teclado. Enquanto pressiono a tecla Control, clico na camada de cabelo. Então, ao fazer isso, selecionei apenas a camada de cabelo e posso sombrear e apagar o quanto quiser sem afetar nada que esteja fora do limite do cabelo. Você também pode criar uma seleção a partir da camada clicando com o botão direito na miniatura da camada e acessando a seleção a partir da seleção de criação de camada. Vou ampliar e começar a ajustar essas folhas. Para esta etapa, uso a caneta de tom de teia nítida e a borracha para fixar os lençóis. Se você quiser trabalhar enquanto está ampliado. Mas também quero ver como os palestrantes se reúnem sem aumentar e diminuir o zoom continuamente. Em seguida, basta adicionar outra visualização. Você pode fazer isso acessando Window, Canvas, new window. E agora você pode arrastar essa nova janela de visualização, que é basicamente uma duplicata desta. Mas você pode ter visões diferentes. Assim, ao arrastá-la, basta ajustar a exibição para poder ver a imagem completa enquanto ajusta as tonalidades. Você também pode girar a tela para ajustar facilmente a forma, especialmente para áreas curvas como o cabelo. Além disso, virar a tela ajuda a colorir com mais facilidade. Eu geralmente uso tons de coração ou sombreamento de células em painéis brancos. Mas às vezes eu gosto de desfocar um pouco as coisas ou misturá-las. E a ferramenta que eu uso para isso é essa ferramenta de aquarela que eu baixei dos recursos do Clip Studio. Então, eu uso essa ferramenta às vezes, apenas misturo levemente algumas das bordas das minhas sombras e faço com que as coisas pareçam um pouco mais suaves. Também uso essa ferramenta de pincel lateral que também baixei dos ácidos do Clip Studio para adicionar os rabiscos que seguem a redondeza da cabeça. Só como uma forma de adicionar mais detalhes ao cabelo e torná-lo mais interessante. Agora que o cabelo está pronto, quero começar a colorir essa pele. Mas se eu apenas selecionar a cor da pele de sua camada , verei que a seleção não é adequada para a pele, apenas porque eu pinto a pele à mão com uma ferramenta de pincel para que ela flua por baixo de tudo . Então, para selecionar apenas a pele, o que eu faço é voltar para a seleção de cabelos e clicar nesse botão para inverter a área selecionada. Agora a seleção está invertida e tudo está selecionado, exceto o cabelo. Assim, posso ajustar facilmente as formas da pele sem me preocupar com isso estragando as formas que eu já fiz para o cabelo. E eu também borro nossa mistura com a tonalidade do nariz. Eu posso fazer isso com a ferramenta de água que acabei de mostrar ou também posso usar a ferramenta de desfoque, que você pode encontrar aqui nas ferramentas Blend. E escolha essa ferramenta de desfoque e pincele levemente sobre ela para desfocar suas tonalidades. Eu também borro a sombra que existe por causa da cabeça, porque a cabeça está um pouco longe do corpo. Portanto, quanto mais longe o objeto estiver, mais embaçada será a sombra. Também compartilhei um pouco a borda do queixo para dar mais dimensão ao rosto. E também posso desfocar isso um pouco para que pareça mais suave. Você também pode usar a ferramenta de preenchimento de laço acessando essa ferramenta de figura e selecionando preenchimento com laço. Com o preenchimento Lasso. Você pode facilmente selecionar qualquer área que desejar e preenchê-la. Dessa forma, você pode adicionar tons rápidos e precisos. Mas é claro que ele precisa de alguma precisão para que você possa dominá-lo. Eu não o uso o tempo todo, mas às vezes acho útil usá-lo. Vou consertar um pouco os colares aqui porque estavam incompletos para as tonalidades do colar. Então isso é pular. Então, também posso indicar que, ao tornar os tons mais suaves em vez de duros, posso usar o aerógrafo para isso. Em vez de usar o macio, no entanto, vou usar o duro com o tamanho pequeno de pagar as cortinas. E também o formato da espada. Se eu quiser fixar as bordas, posso simplesmente selecionar a cor transparente para mudar minha ferramenta para uma borracha e apagar essas partes para fazer com que essa forma se pareça com a espada. Eu disse o atalho de teclado J para alternar rapidamente entre a cor transparente e a cor do primeiro plano. Também vou desfocar um pouco os lençóis. Também tenho a tecla V como atalho para o desfoque. Como vou continuar repetindo as mesmas etapas por enquanto, vou acelerar um pouco o processo. Bem, eu poderia selecionar cada parte sozinha , como fiz com o cabelo. Acho que nem sempre é necessário fazer isso. O cabelo é como a parte mais sensível e precisa mais atenção nos detalhes, pelo menos para mim. Então é por isso que eu escolhi sozinho. Mas acho que consigo sombrear completamente o cabelo com a pele sem a necessidade de selecionar cada um deles individualmente. Quando terminar de fotografar, clique nesse botão para desmarcar. Clique em Control D no seu teclado. Agora você pode manter seu painel como está com essas formas, ou você pode dar uma etapa extra e adicionar uma nova camada, recortá-la novamente e definir seu modo para multiplicar novamente e adicionar outra camada de sombreamento para dar mais profundidade ao seu painel. Mas, para mim, parei de fazer isso na maioria das vezes porque exige mais tempo e esforço e quero reduzir a quantidade de etapas que faço para cada painel. Eu faço essa etapa apenas para cenas de alta importância. Mas digamos que eu não estivesse convencido da aparência das cores. E eu quero brincar com a cor do sombreamento. Posso pressionar Control U para aumentar a luminosidade da saturação da tonalidade e arrastar a tonalidade. Para brincar com as cores de sombreamento, por exemplo, eu descobri agora que essa cor parece melhor para meu personagem aqui, geralmente para fazer com que seu personagem se misture melhor com o fundo, é melhor escolher uma cor que combine com seu plano de fundo. Então, se eu mudar o modo de camada do meu sombreamento volta ao normal para ver a nova cor, então eu posso ver que a nova cor é uma cor rosa acinzentada em vez da que eu escolhi. E fica melhor no meu personagem. E, no geral, gosto muito da aparência, exceto pelo cabelo e também pelas calças. Não gosto de como parece uma cor quente. Então, eu quero mudar isso. A maneira mais rápida de mudar isso é selecionando a camada de cabelo e, em seguida, pressionando Control U e brincando com a tonalidade. Também posso diminuir o valor e fazer com que pareça mais escuro e brincar com a saturação. Essa é uma maneira muito boa de ajustar rapidamente suas cores e torná-las mais interessantes. Se eu desfazer, posso ver a diferença, a cor, fica mais vibrante. Agora, eu vou fazer a mesma coisa com as calças. Basta arrastá-lo um pouco em direção às cores azuladas. Você também pode tornar seu sombreamento lá mais interessante olhando a camada de sombreamento escolhendo um aerógrafo e escolhendo uma cor clara, por exemplo , laranja claro. Então, o aerógrafo macio aerógrafo levemente aerógrafo as bordas de suas formas? Se eu trouxer todos eles de volta ao normal, então você pode ver que eu criei um gradiente. Então, vou adicionar isso às bordas das formas para dar a elas uma aparência mais suave e dar a elas uma aparência iluminada pelo sol, já que o sol está brilhando de cima para baixo. Da mesma forma, também posso usar uma cor mais fria, por exemplo, esse azul pálido. E também posso aerografar certas partes das sombras, especialmente nas áreas sombreadas, para torná-las mais escuras. E mais interessante. Se dermos uma olhada no nosso sombreamento lá, parece que está assim agora. Mas, como você pode ver, sombreamos o personagem completo de uma forma interessante enquanto usávamos apenas um. A propósito, mencionei anteriormente que se eu pressionar Control e selecionar a camada de pele , ela selecionará tudo. E eu posso ter a pele sozinha. Mas, no entanto, posso brincar com essa seleção. Posso adicionar seleções detectar simplesmente usando as teclas Shift e Alt. Então, por exemplo, se eu segurar a tecla Control enquanto pressiono Shift e clico na camada de cabelo , o manipulador será selecionado com minha seleção. No entanto, se eu quiser removê-lo da minha seleção , segure o botão Control , segure também a tecla Alt e clique na camada de cabelo. Agora você pode ver que eu me livrei da seleção da camada de cabelo. E eu posso fazer a mesma coisa para também me livrar das camisas, já que elas estão caindo em cima da pele. E agora você pode ver que minha camada de pele foi selecionada sozinha. Por exemplo, eu posso voltar às minhas formas e brincar com sua cor se eu quiser que pareça diferente. Mas acho que vou manter a cor como está. Agora, para finalizar esse painel, a única coisa que resta é adicionar mechas ao cabelo. Para fazer isso, criarei uma nova camada recortada acima do grupo e do sombreamento. E vou mudar esse modo de camada para adicionar um brilho. E isso porque a cor do cabelo. E eu mesmo posso usar o pincel para adicionar os destaques. Novamente com arranhões enquanto seguia o formato da cabeça, como fiz com essas cortinas anteriores. Mas, para economizar tempo, existe este pacote de pincéis de mechas de cabelo realmente conveniente que você pode usar imediatamente para adicionar destaques aos seus personagens. Aqui. Eu o obtive dos ativos do Clip Studio e deixarei o link para você também. O que eu prefiro usar não são os pincéis em si, mas também vem com algumas ferramentas de curva. E eu gosto de usar esta para mostrar como a ferramenta de curvas funciona, como se eu simplesmente clicasse em algum lugar aqui e arrastasse enquanto ainda segurava minha caneta. Em seguida, solte e ajuste a curvatura da curva. O tamanho do pincel parece grande, então vou reduzi-lo um pouco. Então, novamente, vou segurar e soltar para ajustar minha curvatura. Embora você pudesse fazer isso de uma só vez. Não gosto da aparência porque quero seguir a redondeza da cabeça. Eu faço isso em duas etapas. Eu faço isso primeiro no lado direito e depois no lado esquerdo. Dessa forma, posso controlar melhor as formas deles. E se eu quiser ajustá-los ainda mais, por exemplo, ainda quero que sigam a curvatura da cabeça. Esse lado aqui parece bom, mas esse lado não combina com a curvatura que eu tenho. Vou selecioná-lo com a ferramenta de laço e usar a ferramenta de transformação de malha para ajustá-lo de forma fácil e rápida e fazer com que corresponda melhor à curvatura dos meus personagens. A cor parece um estilo muito vívido, apenas reduz a opacidade. Por exemplo, achei que 33 eram bons o suficiente. Também posso bloquear os pixels transparentes e usar um aerógrafo e talvez provavelmente um aerógrafo com outra cor para torná-los mais interessantes e adicionar um gradiente nas cores. Você também pode enlouquecer com as cores e coisas diferentes. Mas vou mantê-lo como está. Isso parece bom o suficiente. Então, finalmente terminamos de sombrear nosso painel. No próximo capítulo, finalmente começaremos a falar sobre planos de fundo. Então, na próxima lição, começaremos a falar sobre os princípios da perspectiva. 16. 4-1 Princípios de perspectiva: Como começaremos a falar sobre antecedentes neste capítulo, é muito importante falar primeiro sobre os princípios e os fundamentos da perspectiva. Há dois conceitos importantes que você deve conhecer quando se trata de perspectiva. A primeira é a linha do horizonte, ou também chamada de nível dos olhos. E o segundo é o ponto de fuga. Basicamente, com nossos olhos humanos, quando olhamos para objetos no espaço, eles não parecem ter o mesmo tamanho. Mas podemos ver com nossos olhos que os objetos diminuem de tamanho com a distância. É por isso que todo o conceito de perspectiva é relevante aos nossos olhos. A linha do nível dos olhos é basicamente a altura real dos olhos do espectador. Estamos olhando para um objeto, ou também é chamado de linha do horizonte , porque pode ser usado para se referir a um limite físico ou visual que separa esse cara da terra ou do mar. E o ponto de fuga é basicamente o ponto em que todas as linhas dirigem para que tudo desapareça nessa direção. Deixe-me mostrar um exemplo para simplificar as coisas. Digamos que temos um quadrado que eu queira desenhar como um cubo. Então, como desenhei esse quadrado com seus quatro cantos, para desenhá-lo em perspectiva, vou desenhar linhas de cada um de seus cantos para ir em direção ao ponto de fuga. Então essa é a primeira linha. Esse é o segundo e esse é o terceiro. E também, deixe-me desenhar isso em uma nova camada. Essa é a quarta linha. Vou reduzir a opacidade já que essa linha está atrás do objeto. Então, agora, se eu quiser dar ao meu cubo um pouco de espessura, posso simplesmente desenhar uma linha reta aqui e outra linha reta aqui e apagar o resto das linhas. E agora eu tenho um cubo que está no espaço. E porque está acima do nível dos olhos, então eu posso ver a parte inferior desta caixa. Eu apago essa quarta linha porque se esse cubo for opaco, eu não vou ver a quarta linha. Mas se fosse um cubo transparente, então eu poderia simplesmente desenhar a linha novamente e, em seguida, desenhar uma linha reta desse fundo até essa linha diagonal e continuar essa linha daqui até aqui. E agora eu posso ver que tenho um cubo transparente. Eu posso simplesmente apagar o resto das linhas. Eu posso fazer outro exemplo abaixo da linha do horizonte. Se eu desenhar o objeto maior do que estará mais perto da câmera, deixe-me desenhar linhas em direção ao ponto de fuga. Em seguida, corte-o para pegar uma caixa e apague as linhas extras. Agora eu tenho uma caixa maior que está mais perto da câmera porque seu tamanho é maior. E eu posso ver a superfície superior do cubo porque está abaixo da linha do horizonte ou abaixo do nível dos meus olhos. Se um objeto for desenhado na própria linha do horizonte, não veremos nenhuma das superfícies superior ou inferior. Porque, como você pode ver, à medida que os desenhamos, eles vão colidir um em cima do outro. E se cortarmos essa caixa e forem essas linhas extras, poderemos ver na superfície superior ou inferior da caixa porque ela está no nível dos olhos. Agora, como há apenas um ponto de fuga nesse caso, isso é chamado de perspectiva de um ponto. Se adicionarmos outro ponto de fuga, isso se torna uma perspectiva de dois pontos. E para dar um exemplo, novamente com o cubo, vou desenhar uma linha reta aqui abaixo do horizonte. E vou conectar este site com os dois pontos de fuga. E então eu vou cortá-lo. E como eu o cortei aqui , vou desenhar linhas dos cantos novamente e conectá-las ao ponto de fuga para completar meu cubo. E eu vou apagar as linhas extras para finalizar meu cubo. A propósito, desenhar coisas em perspectiva se torna muito, muito mais fácil quando você usa camadas vetoriais porque você pode apagar as linhas extras de forma rápida e fácil, como eu acabei de fazer. Mas, como você pode ver, o cubo parece meio distorcido aqui. E isso porque os pontos de fuga estão próximos uns dos outros. Então, para fazer com que os objetos pareçam mais naturais, precisamos apenas separar os pontos de fuga e ter mais distância entre eles. Vou desenhar uma nova caixa agora acima do nível do horizonte depois de ajustar meus pontos de fuga. E como você pode ver, o cubo parece mais natural agora que distanciei os pontos de fuga. Se adicionarmos outro ponto de fuga, digamos no topo aqui. Então, isso se torna uma perspectiva de três pontos. Se desenharmos nossos cubos novamente, começarei desenhando uma linha reta a partir do ponto de fuga. Em seguida, conecte os lados com os pontos de fuga horizontais. Agora, para definir as dimensões do meu cubo, não vou desenhar linhas verticais como fiz com a perspectiva de dois pontos, mas essas linhas verticais ficarão inclinadas. Vou conectá-los com esse ponto de fuga aqui. E então vou conectar essas coronárias extras novamente com os pontos de fuga horizontais e apagar as linhas extras. E como você pode ver, desenhei um cubo, mas parece muito distorcido porque está muito próximo desse terceiro ponto de fuga. Então, deixe-me desenhar outro cubo novamente. Mas vou arrastar o nível dos olhos para baixo para ter mais distância entre os três pontos de fuga. Então, vamos fazer isso de novo. Vou começar com uma linha reta. Em seguida, desenhe linhas que se conectem com os pontos de fuga horizontais. E agora vou me conectar com esse terceiro ponto de fuga. Conecte os outros cantos ou os cantos inferiores com pontos de fuga horizontais. Como você pode ver, esse resfriamento é muito menor agora porque há uma distância maior entre os pontos de fuga. Então, esses são os princípios básicos de perspectiva mais importantes que você precisa saber. Nesta aula. Na verdade, não vamos nos aprofundar em desenhar planos de fundo do zero porque isso consome muito tempo e é uma forma de arte por si só. E, como dizem os artistas, queremos manter nosso processo o mais rápido possível. É por isso que vou manter a explicação até este ponto. Mas se você estiver interessado em saber mais do que eu, definitivamente recomendo que você leia mais sobre isso para que possa aprender mais. E talvez você também possa praticar esboços com perspectiva em seu tempo livre para entender melhor como os planos de fundo funcionam. Mas uma última coisa que quero mencionar nesta lição é que o Clip Studio Paint vem com uma régua de perspectiva, então você não precisa desenhar linhas manualmente, como fizemos nesta lição. Eu quero mostrar a você como criar essa régua de perspectiva. Basta acessar o quadro Layer Ruler e selecionar Criar régua de perspectiva. A partir daqui, você pode selecionar facilmente uma perspectiva de um ponto ou dois pontos ou três pontos. E como já estamos falando sobre a perspectiva de três pontos agora, agora vou selecionar a perspectiva de três pontos. Você pode escolher se queremos criar a régua em uma nova camada ou fazer com que ela seja criada na sua camada atual. Vou apenas mantê-lo na camada atual. Agora eu tenho esse ícone de régua aqui, que é exatamente como o que tínhamos com a régua de simetria. Se eu não quiser que a régua fique nessa camada, basta clicar e arrastá-la para outra camada. Dessa forma, você pode transferir facilmente sua régua. Mas de qualquer forma, a régua de perspectiva, se você diminuir o zoom, você pode ver que temos três pontos de fuga. Esse é o primeiro ponto de fuga, e este é o segundo, e esse é o terceiro. E essas linhas são como diretrizes para o ponto de fuga. Assim, você pode alterá-los como quiser. Agora você pode ajustar a régua de perspectiva por meio de dois métodos diferentes, alterando a localização dos pontos de fuga. Por exemplo, eu quero arrastar esse ponto de fuga para ficar em cima deste. Mas se eu arrastá-lo como está agora, não consigo realmente movê-lo. A razão para isso é que essa opção está marcada como nível de IP fixo. Assim como fixar o nível dos olhos, por isso que tudo está trancado. Mas se você quiser ajustar a régua de perspectiva para combinar com sua cena ou obra de arte , desmarque essa opção. E agora, ao clicar no ponto de fuga, posso facilmente mudar sua posição. Então, vou colocá-lo no topo desse ponto de fuga. E eu vou arrastar esse ponto de fuga para chegar em cima deste. E, finalmente, eu tenho esse último ponto de fuga. Vou arrastá-lo até aqui. E eu posso mudar o ângulo dessas diretrizes clicando no círculo no meio. Então, essa é uma maneira. Mas outra forma é, digamos que eu só tinha o desenho do objeto e quero saber onde existem os pontos de fuga desse objeto. Para fazer isso, eu posso brincar com essas alças, são essas diretrizes por meio desses pontos azuis. E ao brincar com o ângulo e o posicionamento desses pontos azuis, como você pode ver, o posicionamento do ponto de fuga está mudando. Ao brincar com essas diretrizes, posso facilmente fazer com que minha régua de perspectiva corresponda ao meu objeto. Pode levar algum tempo para ajustar tudo e às vezes pode ser bastante complicado, mas é muito útil determinar a perspectiva da sua imagem, caso você não a conheça. Agora que ajustei a régua de perspectiva, posso simplesmente desenhar qualquer objeto ou qualquer linha, e elas ainda seguirão linhas de perspectiva e os pontos de fuga que eu ajustei. Dessa forma, fica menos entediante desenhar com perspectiva sem precisar verificar com linhas retas e pontos de fuga a cada vez. A última coisa sobre a qual quero falar é que a linha do horizonte nem sempre precisa ser horizontal. Você sempre pode girar a linha do horizonte e desenhar objetos e conectá-los a pontos de fuga. Mas seus objetos também serão girados com a rotação da linha do horizonte. Girar a linha do horizonte ajuda a tornar isso ainda mais dramático. Portanto, é um conceito interessante que você deve ter em mente ao desenhar suas cenas. Por exemplo, girar a linha do horizonte neste meu painel fez com a cena parecesse mais interessante do que se fosse apenas horizontal. Portanto, é bom ter em mente nesta etapa do storyboard de seus painéis antes mesmo de começar a esboçar, para que você construa toda a cena com base nela. Na próxima lição, falaremos sobre técnicas para adicionar profundidade aos seus painéis sem realmente usar a perspectiva, mas apenas brincando com as formas dos objetos em sua cena. 17. 4-2 técnicas para adicionar profundidade: À medida que crescemos, estamos tentando prever o espaço tridimensional na tela bidimensional. Portanto, às vezes pode ser complicado introduzir uma sensação real de profundidade em sua obra de arte. No entanto, existem várias técnicas que podem facilmente ajudar a dar uma sensação de profundidade e tornar seus painéis ou obras de arte mais interessantes. Nesta lição, vou falar sobre seis desses métodos. Então, vamos abordá-los um por um enquanto mostramos exemplos para cada um. A primeira técnica é variar o tamanho do objeto. Então, digamos que essas três paredes sejam do mesmo tamanho. A bola mais próxima da câmera são os maiores insights. A bola mais distante da câmera tem o menor tamanho. Para dar um exemplo, dê uma olhada neste painel. Os personagens estão descendo as escadas. Portanto, a personagem mais próxima da câmera tem o maior tamanho, e a personagem mais distante da câmera tem o menor tamanho, já que ela está na parte superior. A segunda técnica é muito versátil, qual já falamos durante a fase de arte linear. Portanto, se tornarmos as linhas do objeto mais próximo da câmera grossas e tornarmos as linhas dos objetos mais finas, poderemos sentir imediatamente uma sensação de profundidade. E para dar um exemplo, dê uma olhada neste painel. O personagem mais próximo da câmera tem as linhas mais grossas. Bem, quanto mais nos afastamos da câmera, a espessura da linha fica mais fina. A terceira técnica é variar os detalhes do objeto. Portanto, o objeto mais próximo da câmera teria mais detalhes do que os objetos mais distantes. Por exemplo, dê uma olhada neste painel. O personagem mais próximo da câmera tem linhas grossas e mais detalhes de cabelo , do que os caracteres mais distantes. Então, se dermos uma olhada, esses dois personagens estão de alguma forma no meio termo. Então, eles têm, de alguma forma, mais detalhes do que esse personagem que está mais atrasado. Ele mal tem detalhes sobre o drone , exceto o design permanente dos personagens do escritório. A quarta técnica consiste em variar a profundidade de campo. Então, neste exemplo, podemos dividir isso em três componentes. O objeto mais próximo está em primeiro plano, que são as folhas neste exemplo. O objeto no meio é o personagem e é colocado no meio termo. E os objetos mais distantes são chamados de fundo. Então, ao introduzir uma profundidade de campo, podemos nos concentrar em nosso personagem, que é o meio termo. Podemos fazer isso desfocando o objeto mais próximo da câmera. Então, ao desfocar essas folhas, podemos ter a sensação de que elas estão tão próximas da câmera que estão fora de foco. E nosso foco estaria no personagem intermediário. Algo semelhante pode ser feito de forma oposta. Por exemplo, aqui, quero que meu foco esteja no primeiro plano em si. O primeiro plano é o mais nítido e fácil, mas o meio termo está um pouco embaçado. O fundo é o embaçamento de tudo. Quando eu olho para essa cena, meu foco vai diretamente para as folhas. Gosto especialmente de usar a técnica de profundidade de campo ao desenhar séries de florestas com muita folhagem. Gosto muito de desfocar as plantas mais próximas e às vezes, torná-las em cores mais escuras do que o resto da cena. Para dar a sensação de que esses objetos estão próximos à câmera e a iluminação é um pouco mais escura aqui, de modo que o foco dos olhos vai para o meio termo. A quinta técnica é jogar com brilho. Assim, podemos fazer com que nossa cena pareça interessante fazendo com que os objetos que estão mais distantes da câmera sejam os mais escuros e os objetos que estão mais próximos da câmera fiquem mais claros. Eu gosto de usar essa técnica. Além disso, quando faço cenas de floresta, por exemplo , este painel aqui, tenho duas árvores que estão mais próximas da câmera e são mais brilhantes do que tudo o que está no fundo. As árvores e a folhagem ficam mais escuras. Introduzir essa sensação de profundidade, que essa força é escura e profunda, e isso é apenas o lado frontal e interno dela. A última técnica é brincar com a temperatura da cor, que também pode ser chamada de perspectiva atmosférica, que é um efeito que podemos ver com nossos próprios olhos diariamente. Quando você sai, percebe que quanto mais próximos os objetos estão dos olhos, mais quente fica a cor. Mas quanto mais longe eles estão, mais fria é sua cor. E, naturalmente, devido ao efeito da atmosfera, os objetos tendem a se mover em direção à cor azulada quanto mais longe estão. Então, neste exemplo rápido que fiz aqui, dê uma olhada na roda de cores enquanto eu escolho as cores. A cor das folhas mais próximas do VC é de um amarelo quente, verde. Mas a grama aqui é verde mais fria e a cor fica mais fria quanto mais longe elas estão até se tornarem Lewis. E isso introduz uma sensação de profundidade. Eu realmente gosto de usar essa técnica sempre que tenho um fundo ou o céu mostrando, por exemplo esta cena no meu painel aqui, embora pareça boa o suficiente como está aqui, se eu retomasse com uma cor azulada, então eu posso sentir imediatamente a sensação de atmosfera. E a mesma coisa com os prédios aqui na parte de trás. Eu os fiz azulados para dar a sensação da atmosfera. Essa técnica também é útil quando você tem cenários, especialmente quando você tem montanhas que estão muito longe de sua cena, por exemplo, as montanhas aqui na parte de trás. Embora as montanhas sejam naturais e não azuis, elas têm uma cor marrom quente ou talvez uma cor verde. Como eles estão tão distantes, torná-los Lew dá essa sensação de profundidade e podemos entender que eles estão muito longe de nossos olhos. Portanto, mantenha essas técnicas em mente ao criar planos de fundo para suas cenas. Eles podem fazer com que seus padrões pareçam totalmente mais interessantes. Como você pode ver, eles não precisam de muito esforço, mas podem realmente transformar sua cena e torná-la mais interessante em um instante. Na próxima lição, falaremos sobre pintar fundos em tons de cinza para focar em seus valores e como transformá-los de preto e branco em uma versão colorida. 18. 4-3 Pintura de Greyscale: Antes de começarmos a usar ativos e modelos 3D para criar nossos planos de fundo, gostaria de apresentar a você uma técnica básica, mas importante, para praticar primeiro, que é pintar em escala de cinza por focando somente em valores. Eu diria que essa técnica tem dois resultados importantes. A primeira é que ela ajuda você a entender melhor os valores e contrastar. Como você se concentra apenas em preto e branco e não precisa colorir no início, praticar essa técnica ajuda você a dominar sua compreensão de como fazer planos de fundo melhor. Como você pode facilmente criar fundos interessantes com ótima iluminação e contraste, o que me leva a falar sobre o segundo resultado. Como você verá nas próximas lições, usaremos imagens, pincéis e modelos 3D para criar nossos planos de fundo. Mas, às vezes, talvez você não consiga encontrar os recursos certos de que precisa para sua cena específica. Especialmente quando se trata de uma cena marcante em que você quer trazer o foco de seus leitores para o próprio ambiente. Praticar esse método de pintura o ajudaria quando você estivesse em apuros como esse. Então, nesta lição, eu tenho uma cena que me deixa em apuros, vou te mostrar como vou contornar isso. A cena que eu quero desenhar como uma caverna subterrânea com um elo na parte inferior e a luz do sol vindo pelo topo. Eu o havia esboçado aproximadamente na minha fase de storyboard. Então, eu tenho uma ideia sobre a composição que quero seguir nesta foto, mas também pesquisei algumas fotos de referência em unsplash.com. Procurei uma caverna subterrânea. E depois de ver as fotos a seguir, pego as quatro fotos a seguir. Vou organizar as imagens para que eu possa ver todas as quatro. Enquanto eu trabalho. Vou diminuir um pouco o zoom em cada um para poder ver a visão completa. Decidi levar esses dois para esse lado para ter meu trabalho no Canvas e no centro. Agora, o que vou fazer é, para cada uma dessas imagens, alternar para o modo de tons de cinza. Para fazer isso, vá até a própria imagem e, em Propriedades da camada, em cor da expressão, clique nesse menu suspenso e escolha cinza. Agora, a imagem se transformou no modo de tons de cinza. Eu farei a mesma coisa com as outras três imagens. Ok, agora eu tenho tudo em escala de cinza e tenho meu esboço. Vou ajustá-lo um pouco. Traga isso para baixo. Pois eu quero que o leitor o percorra enquanto lê e não veja a imagem completa de uma só vez. Agora que estou satisfeito com essa composição, vou ao meu painel. Agora vou começar a pintar minha cena em escala de cinza. Basicamente, olhando para a roda de cores, vou escolher as cores deste lado, exclusivamente preto e branco, sem nenhuma cor. Ou você também pode acessar os controles deslizantes e controlar as cores de para escolher sua graça com mais facilidade, o que for melhor para você. Vou escolher uma cor cinza escuro. Vou selecionar e preencher meu histórico. De Editar, Preencher. Vou reduzir um pouco a opacidade para poder ver o esboço aqui usando uma cor cinza muito clara. Vou marcar o lugar do lago. Também marcarei o lugar pelo que quer que sejam essas coisas, blocos de pedras. E usando outro cinza mais claro, vou me concentrar aqui na abertura na superfície. Agora, vou trazer de volta a opacidade para 100 por cento novamente. E a partir de agora, vou dar uma olhada nas imagens que tenho. Então eu posso ver nesta imagem que o contraste é muito alto e a cor aqui é nosso cinza. Então, vou escolher cinza escuro e voltar para minha cena e mudar o plano de fundo para a mesma cor escura de edição, conversão para desenho e cor. E também posso ver que a parte superior está pintada de branco. Então, vou voltar a isso e pintar com branco em vez de manter a cor cinza mais clara. Mas vou guardar um pouco para não ter uma vantagem nítida. Vou mesclar as duas camadas e trabalhar em uma camada de agora em diante. A coisa mais importante a fazer nesta etapa é apenas olhar nas cores principais e depois começar a adicionar mais detalhes. Percebi que, como tenho um lago na minha imagem, estou perdendo uma foto de referência com o lago. Então, procurei outra foto de referência com um lago. Também vou configurá-lo em tons de cinza. E eu vou colocá-la aqui em vez dessa foto, já que era muito parecida com esta, vou me referir a esta imagem pelo valor do lago. E eu vou pintá-la aqui. Para essa cena. Não vou seguir nenhuma regra de perspectiva nem nada a partir da perna. Vou apenas pintar coisas e fazer com que pareçam convincentes. Portanto, é uma questão de tentativa e erro. Vou continuar me ajustando até chegar a um resultado com o qual esteja satisfeito. Continue pegando cores. Estamos analisando referências e montando minha cena. Para controlar melhor as cores, você também pode adicioná-las em uma nova camada e reduzir a opacidade. Por exemplo, eu queria um cinza mais claro, mas não sabia exatamente como obtê-lo daqui. Portanto, brincar com camadas também ajuda muito a obter efeitos de gradiente. Clique no botão de transferência para a camada inferior e faça a mesma coisa novamente com essa cor. Vou fazer com que o topo pareça mais rochoso. Vamos adicionar um pouco de iluminação agora em uma nova camada, vou clicar no aerógrafo macio com um tamanho muito grande, um aerógrafo leve aqui. Já que é daí que vem a luz. Eu posso reduzir um pouco a opacidade. Mas agora estamos começando a ter alguma forma de gradiente. E a mesma coisa que farei com o lago, mas primeiro farei um aerógrafo com um gradiente de dados de múltiplas camadas até o lago. E então eu vou voltar e adicionar branco novamente. Como o lago é iluminado pela luz do sol que vem do topo. Vou esconder um pouco essas camadas e continuar pintando. Agora vou começar a tentar definir melhor a cena. Como você pode ver, a cena está começando a parecer mais interessante, embora seja basicamente rabiscos. Mas você pode meio que dizer o que está acontecendo. Estou tentando definir as rochas agora. Novamente, nada precisa ser perfeito enquanto tentarmos, isso é tudo que importa. E se estivermos interessados em alguma técnica específica , podemos, é claro, estudá-la com mais detalhes e aprender mais com o tempo. Vou colocar um espaço reservado para meus personagens aqui para a comparação de tamanhos. Porque esse lugar é muito grande e eles são super pequenos. Então, quero lembrar que estou fazendo tudo isso até agora apenas com o pincel redondo básico. Claro, você pode usar qualquer tipo de pincéis que quiser. Estou apenas tentando observar as formas principais para dar uma aparência. Estou desejando. Para ser honesto, nunca fiz estudos de pintura antes. Estou apenas pintando a partir da observação e do que vi ao longo do tempo. Mas é claro que você pode dedicar uma boa quantidade de tempo estudando essa técnica se quiser aprender a pintar planos de fundo adequados. Mas é claro que, como dizem os artistas, quero dizer, temos muito a desenhar de qualquer maneira em cada capítulo. Portanto, é quase impossível pintar seus planos de fundo em cada capítulo se você quiser manter um cronograma de upload. É por isso que, como mencionei antes, praticar essa técnica é bom para sua compreensão geral. E é útil quando você não sabe o que fazer com sua cena. E, claro, depois de apresentar como usar os recursos e as próximas lições, você poderá combinar as duas técnicas. Assim, podemos pintar com uma escala de cinza e depois colocar imagens em cima dela e, você sabe, misturar e combinar até que o fundo pareça bom o suficiente. Vou ativar meus ingredientes novamente e ver como estão até agora. Como a luz vem de cima, precisarei adicionar mais destaques aqui na parte superior. Então, vou desativar os gradientes novamente e trabalhar na construção de destaques nessa área. Os destaques devem estar na parte superior e o sombreamento na parte inferior. E acho que quero que pareça uma caverna mais profunda entrando. Então eu adicionei essa bolha gigante e corri e dei mais escuridão para indicar profundidade. Voltando aos principais destaques. Eu continuo indo e voltando. Mas espero que você possa ver como isso está se encaixando. Agora, em uma nova camada com opacidade reduzida, usarei a mesma cor que usei para os destaques, mas para introduzir cores mais claras aqui. E vou escolher essa cor agora do lago e em uma nova camada, reduzir a opacidade e pintar um pouco. Observe como tudo isso foi feito apenas com o pincel redondo padrão. Vou mudar agora para a ferramenta de escova e a ferramenta de água e começar a fazer algumas misturas apenas para melhorar a aparência das coisas. Vou escolher as cores à medida que vou pintando para misturar tudo ainda mais. claro que você pode deixá-lo neste estágio, mas pode refiná-lo ainda mais. É uma preferência totalmente pessoal. Vou refiná-lo um pouco mais antes para a fase de coloração. Posso mostrar como tirar essa pintura de duas cores em tons de cinza da maneira mais fácil e rápida possível. Olá, habilitei a camada multiplicadora do lago e vou apagar com uma borracha macia as partes aqui que estão fora do próprio lago. E eu vou mesclá-lo. Agora eu posso definir a borda dessas rochas. Eu defino essas bordas com um valor mais escuro e as definirei com um valor um pouco mais claro. Isso é para a iluminação de lá. Eu não era branco. Vou tentar jogar com os modos de mesclagem. Por exemplo, vou tentar adicionar o modo de mesclagem de brilho e veja como eu poderia obter mais iluminação dessa forma ou mais contraste. Isso torna o lago melhor. Também o topo da caverna. Então, vou apagar suavemente essa parte. E também adicionarei uma nova camada para adicionar brilho e adicionar algumas linhas de água ao próprio lago para fazer com algumas linhas de água ao próprio lago que pareça uma superfície de água. Eu também tenho essa escova de superfície de água. Vou usá-lo aqui, mas como você pode ver, o tamanho é grande. Então, vou até aqui e reduzir o tamanho das partículas e pintar novamente. Farei isso em uma nova camada para poder controlar sua opacidade. Novamente, essa nova camada é definida no modo de brilho. Podemos misturá-lo um pouco com a ferramenta aquática. Para torná-lo menos vívido. Vou adicionar um pouco mais de brilho em uma nova camada. Vou adicionar um pouco mais de cola no centro para um campo nulo ou mais iluminado pelo sol. Eu também vou voltar ao topo aqui. E vou usar esse pincel de uma coleção sobre a qual falarei na próxima lição quando falarmos sobre como fazer cenários naturais e usar os pincéis apropriados. Vou usá-los para adicionar algumas plantas à sonata, pois isso é algo que vi ocorrer naturalmente com a sintase e as encontrei. Me dê um toque muito bom. Então, vou bloquear a camada e faço a média das brancas com um pouco de cinza e vou usar escovar as cinza com um pouco de branco e assim por diante. Em uma nova camada, adicionarei camadas escuras. Para dar um pouco mais de profundidade à cena, como você pode ver. Talvez possamos confundi-los um pouco também. Só um pouquinho. Eu poderia refinar ainda mais essa cena, mas agora vamos falar sobre como levar isso da escala de cinza para a coloração. método realmente mais fácil e rápido de fazer é adicionar um mapa de gradiente. Ele pode fazer isso adicionando uma correção a partir de sua nova conexão lá, mapa de gradiente. Eu clico em um desses aleatórios. Mas, basicamente, se você não está familiarizado com os mapas de gradiente, o que ele faz é projetar todas as cores que você tem aqui no gradiente. Ele os projeta com base nos valores que você definiu em sua cena. Vou procurar um que pareça bom para minha cena. Eu estava pensando em dar à cena uma atmosfera azulada. Você pode criar seus próprios mapas de gradiente ou também pode baixá-los dos recursos do Clip Studio. Pessoalmente, acho que baixar e usar os já prontos é muito mais fácil do que criar os seus próprios. Digamos que eu opte por este. Ainda posso fazer outros ajustes ajustando cada cor. Então, por exemplo, eu quero que a cor mais escura pareça ainda mais escura. Vou deixar tudo mais escuro e parecer. Isso é muito escuro. Só para brincar um pouco com isso. Sim, acho que isso parece melhor. Vou brincar um pouco com as cores e ver. Sim, isso corresponde à imagem que tenho em mente. Manteiga. Quero que os destaques pareçam amarelados. O topo. definir a cor mais clara para branco para obter esse contraste extra. E vou adicionar outra cor aqui e defini-la como muito clara, amarela. Talvez seja muito leve. Algo parecido com isso. Está bem? Ok, agora que temos o mapa de gradiente, essa foi uma maneira muito rápida de colorir, mas também podemos fazer outras coisas, por exemplo, já que o mapa de gradiente foi adicionado como uma camada de correção. Então, se eu desativá-lo, ainda poderei ver minha versão em preto e branco. Assim, posso desativá-lo e reativá-lo o quanto quiser. Vou tentar brincar com diferentes modos de mesclagem para ver o que funciona melhor. Você pode fazer isso clicando e arrastando cada modo de mesclagem sozinho. Ou você pode simplesmente colocar o mouse em cima dele e simplesmente passar o mouse com a roda do mouse. E verifique rapidamente sua aparência sem precisar abri-la várias vezes. Então, esses são alguns looks muito diferentes. Acho que gosto mais desse. Quando você define a camada do mapa de gradiente para o modo de cor, ela preservará seus valores e apenas adicionará a cor a eles. Então esse é um método. Ainda podemos brincar um pouco mais com nossa cena. Por exemplo, vou adicionar uma nova camada e escolher uma cor amarela clara com um aerógrafo. Aerógrafo levemente na parte superior para dar a sensação de luz solar. E eu posso mudar o modo de mesclagem. Outro truque é, como você pode ver, a imagem completa agora está em um tom azulado. Mas e se você quiser ter uma determinada peça colorida com um conjunto diferente de cores, por exemplo, eu quero mudar um pouco as cores das pernas. Então eu posso ir até a camada Gradient Map e clicar na máscara. E com uma área lá, posso apagar o efeito do mapa de gradiente para isso, estou usando uma borracha macia que as bordas não fiquem facilmente visíveis. O que eu quero fazer nesta parte é apresentar outro mapa de gradiente, por exemplo, digamos que eu queira esse mapa de gradiente específico. Vou escolher e clicar em OK. E na máscara dessa nova camada de mapa de gradiente, eu clico nela e clico no botão Excluir ou editar excluir. E agora, com um aerógrafo, vou pintar aqui. E, como você pode ver, habilitando o mapa de gradiente apenas no próprio lago. E agora posso voltar a esse mapa de gradiente em particular e experimentar outros mapas de gradiente até ficar satisfeito com os resultados. Se o mapa de gradiente não parecer correto, você pode invertê-lo de baixo para cá. Acho que gosto mais desse. E isso não é tudo que você pode fazer. Você ainda pode adicionar novas camadas e brincar com o modo de mesclagem. Falaremos mais sobre ajustes de cores no Capítulo seis. Então, falaremos sobre todos esses ajustes de cores com mais profundidade. Posso dizer que meu painel está quase pronto. Só precisa de um pouco de limpeza e então eu posso considerar isso pronto. Eu sugiro que você experimente esse método, pegue qualquer cena natural de seu interesse e a converta em tons de cinza. E, a princípio, tente recriá-lo da mesma forma que parece apenas praticar valores e pegar o jeito desse método. E depois, você pode tentar criar seu próprio plano de fundo a partir de diferentes imagens de referência, como eu fiz aqui. Na próxima lição, falaremos sobre cenas naturais em particular e como usar pincéis e imagens para criar uma cena natural com aparência convincente. E a menor quantidade possível de esforços. 19. 4-4 Cenários naturais: Tudo bem, agora chegou a parte empolgante, que é transformar planos de fundo de alta qualidade com aparência profissional fundo de alta qualidade com aparência partir da combinação de imagens e pincéis, que chamaremos de ativos para torná-los lindos planos de fundo com o mínimo de tempo e esforço possíveis. Quando digo combinar ativos é porque cada parte desses antecedentes é basicamente algo que eu mesmo adicionei e combinei para criar toda a sinceridade. Então, quando se trata de ativos, existem pincéis e imagens e existem ativos gratuitos e pagos. Começarei mostrando os primeiros recursos gratuitos recomendados que você pode obter imediatamente dos ativos que você pode obter imediatamente do Clip Studio Paint. As primeiras são essas árvores ou arbustos, pincéis. São ótimos para adicionar folhagem facilmente à sua cena. A segunda é essa cor pronta que empurra um pincel. Você pode usar isso para adicionar folhagem rapidamente à sua cena sem se preocupar com as cores, pois elas estão prontas para uso. A terceira é essa sombra verdadeira, um pincel que você pode adicionar em uma nova camada com um modo de multiplicação e obter imediatamente o efeito de sombreamento. Ou você também pode usá-lo com uma cor transparente e apagar com ele algumas partes para que você possa obter essa aparência de luz vinda de entre as folhas da árvore. O quarto é esse pincel de grama. É muito conveniente adicionar grama rapidamente e, ao mesmo tempo, alterar a cor. E o quinto são esses pincéis de carimbo de árvore, que você pode usar facilmente para criar um caule de árvore sem se preocupar em adicionar a textura sozinho. Por fim, esses pincéis de nuvem prontos são muito úteis para adicionar nuvens rapidamente à sua cena sem precisar desenhá-las sozinho. Claro que existem muito mais ativos, mas esses que eu mostrei a vocês, nosso melhor pacote inicial para poder criar um cenário completo de folhagem. Até agora, eles são apenas da Clip Studio Asset Store. Você também pode baixar coisas de fontes de terceiros. Por exemplo, eu realmente amo esse conjunto de folhagens e pincéis agressivos feito pelos artistas Devin L. Kurtz. Você pode baixar esses pincéis gratuitamente digitando zero aqui e clicando em Eu quero isso. Ou se você também quiser apoiar os artistas , pode citar um preço aqui. Então, essas agressões são incríveis. Eu os uso constantemente especialmente para grama. Você pode pintar facilmente dois gráficos e folhagens que tenham uma aparência incrível e preencham instantaneamente sua cena e a melhorem sem gastar muito esforço. Os pincéis que usei na lição anterior são do mesmo pacote. A propósito, você pode encontrá-los sob pincéis perenes. Também vem com estoque de flores e coisas assim. Eu recomendo fortemente essas opressões. Eles são realmente incríveis. Agora, isso era sobre os ativos gratuitos. Mas, para mim, às vezes , nem sempre encontro exatamente o que preciso em pré-ativos. Eu olho para outras fontes e, às vezes, pelos meus ativos, um dos ativos que comprei e de que gosto muito é esse pequeno arbusto de árvore. Você pode usar esse pincel facilmente para criar uma floresta rápida. Agora, normalmente eu não o uso como está. Eu ainda faço minhas edições. Também adoro muito as disciplinas do conjunto de pincéis. Ele vem com vários pincéis de plantas, sejam eles quatro e três, alguns detalhes do solo com um pouco de grama e coisas assim. Este é um dos meus pacotes favoritos que eu uso muito sempre que quero adicionar mais plantas à minha cena. E também adoro esses dois pacotes de ativos de imagem que também comprei. A primeira é para árvores e árvores com pedras, basicamente árvores de aparência comum. E o segundo tem pedras e pedras com a grama. Esses dois conjuntos realmente me ajudaram a criar essas experiências com aparência profissional mantendo o processo muito rápido. Então, isso é apenas misturar imagens. Por fim, também comprei uma coleção de imagens do céu , em quatro tipos. Um para dias ensolarados, um para nosso céu noturno, um para quatro céus de pôr do sol e o último para céu nublado. Agora, se você não conseguir comprar ativos no início, não se preocupe, Clip Studio Paint vem com alguns recursos de imagem gratuitos que você pode obter acessando a janela de materiais. Em Material de imagem, vá para a ilustração e, em seguida, você verá que existem alguns ativos de construção , algumas ferramentas, algumas flores e plantas e a lua, seja lua cheia ou crescente e até mesmo um arco-íris. E também alguns efeitos. E você pode encontrar outros padrão de cores e depois ir para o plano de fundo. Depois, a natureza. Você pode encontrar disfarces diferentes aqui. Seja um céu chuvoso, pôr do sol, céu nublado ou céu diurno e noturno. E também há artificial. Há planos de fundo prontos aqui que você pode usar imediatamente como estão. E, claro, há muitos outros ativos que você pode baixar de um recurso do Clip Studio. Então, novamente, definitivamente dê uma olhada e navegue por ele e sorte, você encontrará muitas coisas gratuitas que você pode se contentar com o S4, os sites dos quais comprar ativos. Dediquei uma aula completa neste capítulo para falar sobre todos os diferentes lugares de onde obtenho meus ativos. Assim, você poderá encontrar sua resposta nessa lição. Tudo bem, quero mostrar a você como criar uma cena a partir de ativos. Eu quero criar uma cena de floresta aqui. E fiz um esboço rápido da floresta só para ter uma ideia da perspectiva e da composição que estou procurando, mesmo sendo muito pobre, mas é um lembrete para a imagem Essa não era minha cabeça. Então, nesta composição, eu quero ter um pouco de perspectiva. Então, eu quero ter alguns guias, mas não quero que meu guia seja um governante de perspectiva porque isso é uma coisa orgânica e uma régua em potencial ajuda você a desenhar linhas retas. Então, o que posso fazer é usar essa ferramenta que baixei dos recursos do Clip Studio chamada vanishing point. Ao clicar em qualquer lugar, posso gerar imediatamente um ponto de fuga que vem imediatamente com as diretrizes. Isso é útil quando você quer diretrizes rápidas, para não precisar traçar os limites sozinho. Vou mover isso para cima até sentir que está combinando com minhas linhas aqui na cena. A linha agora colide com essa linha vermelha. E isso significa que estou pronto para fazer essa colocação. Centralize um pouco e ajuste essa posição com a ferramenta de movimento enquanto a controla as teclas de seta do meu teclado. Está parecendo bom. Agora, vou apagar essas linhas vermelhas. E agora podemos começar a configurar a cena ou criar uma nova camada. E eu quero usar a árvore nesse pincel que eu tenho, mas eu não quero usá-lo e é uma forma de pincel. Em vez disso, usarei sua forma de imagem. E vou copiar e colar essas árvores na minha cena para ter um melhor controle sobre o posicionamento delas. Vou selecionar os dois e redimensioná-los um pouco. Com a transformação de rotação da balança. Vou colocar um desse lado e outro desse lado. Mas vou arrastá-lo para baixo para que ambos estejam no mesmo chão. E agora vou me transformar novamente. Mas vou mudar o modo de Transformação Livre para perspectiva. E vou fazer com que siga os guias de perspectiva que eu tenho. O mesmo vale para esta árvore do lado esquerdo. Foi cortado de alguma forma, resolva, cole novamente e redimensione-o. E farei a transformação da perspectiva novamente. Estou tentando fazer com que o tronco da árvore siga as linhas de perspectiva, mas elas não precisam ser perfeitas porque a natureza é aleatória e você pode escapar muito aleatoriedade e irregularidades. Para ser honesto, a maioria das cenas que eu crio geralmente não tem o ponto de fuga, mas eu queria apresentá-las nesta lição. Então, é bom saber e ter em mente , caso você queira seguir melhor a perspectiva. Vou esconder meu esboço agora. Como eu tenho as guias e a árvore está combinando agora, vou ajustar um pouco suas posições. Agora, em uma nova camada, usarei o formato de pincel para adicionar rapidamente alguns pincéis à cena por trás deles. E também vou me ajustar com a ferramenta de transformação de perspectiva. Também posso usar esse termo pincéis que apresentei anteriormente para adicionar mais árvores enquanto sigo essas linhas de perspectiva. Agora, antes de prosseguir, quero estabelecer o solo a partir do céu. Então, primeiro criarei uma nova camada e escolherei uma cor desse gráfico aqui. E vou pintar para determinar minha área terrestre. Vou pegar uma imagem do céu e colá-la atrás de tudo. Coloque-o na parte superior. Diz que a imagem do céu não é longa o suficiente. Eu quero colorir o fundo, então vou clicar duas vezes no papel aqui. E eu vou escolher a cor mais clara desse cara. E clique Ok, agora se eu remover as árvores, você pode ver que há um céu e depois há uma mudança de advérbio nas cores, mas essa mudança não será visível, pois minhas árvores o estão cobrindo. Caso eu queira alongar esse pescoço e apenas aerógrafo escolhendo cores da cena em si. E então continue as aulas que faltam com os pincéis de que falei anteriormente. Nesta fase, farei um rápido ajuste de cor para ver a aparência que eu quero escolher eventualmente. Então, a primeira coisa que vou fazer é que esse cara parece muito sombrio para mim. Eu quero que seja mais claro, então vou editar, corrigir tons e depois Saturação de Matiz, Luminosidade. E então vou diminuir isso e aumentar um pouco a saturação. E talvez tenha se convertido mais para o lado ciano. Isso parece melhor. Essa mudança de cores foi permanente. Isso muda completamente minha imagem. Mas se eu não quiser isso, se não tiver certeza se quero uma mudança permanente de cor , posso fazer isso usando uma correção lá, que usamos na última lição. Vá para a nova correção de camada e, em seguida, você encontrará todas as opções de ajustes de cores aqui. Vou escolher uma luminosidade de saturação de matiz novamente. E vou fazer o mesmo ajuste de cor que acabei de fazer. E clique em OK, agora todos os ajustes estão na nova camada. Não preciso me preocupar mudar permanentemente as cores da minha foto. Eu vou para a grama agora. Vou escolher as cores dessa grama que vem com as próprias árvores. Usando aqueles pincéis agressivos de que falei, vou bloquear um pouco de grama e quero que a grama pareça mais escura na parte de trás do que na frente. Vou usar essa cor escura na parte de trás e usar uma transição cores que posso escolher entre aqui, graças à transparência das ferramentas, e depois pintar um pouco mais. Mas uma coisa importante ao pintar grama é dar uma sensação de profundidade. Sempre tenha a grama mais distante com menos detalhes. E quanto mais ela se aproxima da câmera, mais detalhes você adiciona. Por exemplo, eu tenho esse pincel sólido e agressivo, que ficaria bem perto da tela. Mas se eu o uso aqui na parte de trás, isso está me dando muita informação. E, como falamos na primeira palestra sobre profundidade, mais as coisas estão, menos informações elas têm e menos detalhes elas têm. É por isso que eu sempre mantenho os pincéis detalhados nas partes mais próximas e os menos detalhados nas partes mais distantes. Quanto às nossas cores, estou fazendo com que elas fiquem mais frias para o fundo e mais quentes para o primeiro plano. Se eu quiser que essa área seja mais clara, por exemplo, eu posso pintar com este amarelo ou verde mais claro. Mas esse não é o look que eu procuro nesta cena. Eu ainda quero misturar, combinar e rastrear cores e ver como elas ficam. Se você quiser escolher uma cor, mas estiver confuso, sempre crie uma nova camada e adicione essa cor , depois reduza a opacidade dela e veja como ela fica. E você também pode alterar o modo de camada e ver se encontra algo de que goste. Por exemplo, eu gostei desse verde mais quente e escuro, então vou usá-lo na cena aqui. Vou criar uma nova camada acima tudo e adicionar essa agressão que está mais próxima da tela para cobrir tudo o que está na parte de trás. Vou reduzir um pouco o tamanho do pincel enquanto pinto o resto da grama para fazer a transição para a distância. Também posso arrastar isso para cima porque acho que, com nossa perspectiva, isso ficaria melhor, mas precisarei escová-lo novamente, pois está cortado agora. Então, vou deletar isso. Escove novamente. Mas no topo. Também posso variar o formato do pincel para torná-lo mais interessante. Vou mudar um pouco a cor. Está muito saturado. Eu sinto. Agora vou voltar às duas árvores que adicionei inicialmente. Essa árvore deveria estar na frente dessa árvore, mas como você pode ver, não sabemos realmente a diferença entre elas. Então, o que vou fazer é criar uma nova camada acima da árvore à direita e cortá-la nela. E então eu vou usar um aerógrafo e escolher uma cor legal em algum lugar aqui, como uma cor azul acinzentada. E vou definir o modo de camada para multiplicar. E faça um leve aerógrafo. Você consegue ver a diferença agora? Mas a cor é muito clara, então acho que vou adicionar a cor mais escura. Só um pouquinho. Vou apagar a parte superior com uma borracha macia. Mas também quero separar as árvores na parte de trás. Então, vou criar uma nova camada novamente. E então, o modo de camada é multiplicado e, em seguida, passe o aerógrafo com essa cor mais escura. Agora, o que tenho em mente é que quero que a floresta fique mais escura em direção às profundezas. Mas se você estiver procurando luz vermelha para uma cena, poderá criar uma nova camada acima dessas árvores. E disse o modo de camada para talvez, vamos tentar adicionar o brilho e escolher talvez uma cor verde mais clara. E aerógrafo. Aerógrafo, tudo. Como você pode ver, isso está nos dando aquela cena da floresta. Se escondermos esse cara e fizermos esse fundo voltar para branco, isso vai parecer ainda mais interessante, como se ampliássemos, então isso já está parecendo uma bela cena. E também podemos brincar com as cores e fazer fiquem mais frias à medida que vão chegando ao final. Mas esse não é o look que estou procurando agora. Eu vou para uma floresta que fica mais escura em direção às profundezas. Então, vou adicionar uma nova camada e escolher uma cor de um desses pincéis de árvores escuras. Basta escovar com uma escova dura e apagar essas partes. E agora vou adicionar uma nova camada acima dos troncos das árvores. E vou usar a folhagem de pincéis que mostrei anteriormente. Este pacote Leaf. Vou escolher as cores dessas árvores na parte de trás e preencherei as áreas que faltam. Vou escolher uma cor mais escura e adicionar alguns tons. Vou escolher mais cores escuras do fundo em si, mas vou mudar para cores frias e escurecer um pouco. Podemos ficar tão escuros quanto uma cor muito próxima do preto. Se quisermos introduzir profundidades pesadas. Estou colocando essas camadas por trás de tudo. Percebi que essa cor preta no final estava um pouco quente, então vou mudar isso para algo que pareça mais legal. Algo assim. Agora também vou adicionar folhagem, mas no chão, para isso, vou usar a distância até um pincel de sombra e agora reduzir o tamanho das partículas e o pincel. Vou deixar isso para trás de tudo por enquanto. Depois vou deixar a cor um pouco mais quente e escovar a folhagem mais próxima. Essa ferramenta tem a opção de configuração de cor aleatória. Se você clicar no ícone da chave inglesa sob a variação de cores, verá que o traçado de pincel aleatório está ativado. É por isso que estamos obtendo cores diferentes com base na arte. Se você quiser desligar isso, basta desmarcar isso. E agora vamos colorir com a mesma cor que você escolheu. Às vezes eu uso os dois. Realmente depende do efeito que eu estou procurando. Sinta-se à vontade para experimentar, mas estou fazendo as cores manualmente agora, então estou testando-as à medida que avança. Então, as cores ficaram mais verdes e agora elas vão ficar mais quentes. Em primeiro plano. Use uma cor mais clara. Para uma folhagem mais próxima. Vou voltar para o pincel de detalhes de folhas e vou escolher uma cor do Walmart, algo assim. Porque eu quero adicionar alguns destaques à folhagem aqui. Mas essa cor é muito forte. Então, vou criar uma nova camada e reduzir a opacidade e ver qual cor posso criar. Vou brincar com a cor e deixá-la mais quente, mais amarelada. E a mesma coisa que eu quero fazer com o sombreamento. Vou transferir o que tenho nessa camada de folhagem para baixo e pintar novamente com uma cor mais escura para ver como está. Em seguida, mescle tudo. Agora, se eu quiser refinar ainda mais isso , posso escolher as cores do realce em si e escovar um pouco mais sobre essas partes para dar a sensação que as folhas destacadas estão em cima dos sombreados. Posso adicionar um pouco mais de escuridão em algumas partes para obter mais variações. E as cores. É muito divertido brincar com a folhagem. Também posso adicionar mais detalhes aos que estão na parte de trás, basta criar uma nova camada e configurá-la para o modo de multiplicação. E vou escolher um pouco de verde acinzentado bem claro e passar por cima desses pincéis. Você já pode ver a diferença. Estamos quase terminando , exceto que eu não estou satisfeito com as árvores na frente. Eu quero torná-los mais distintos, especialmente este frontal. Vou tentar adicionar uma nova correção lá. Provavelmente vou optar pelo equilíbrio de cores desta vez. Vou para a camada, nova camada de correção e, em seguida, Equilíbrio de cores. Vou clicar em OK e, em seguida, clicar na camada de equilíbrio de cores dessa árvore. E então eu vou abri-lo novamente. No menu de equilíbrio de cores, posso brincar com as cores dos meios-tons, das sombras e dos destaques. Então, por exemplo, quero brincar com os destaques agora. Eu quero torná-los mais amarelados. Então, vou arrastar essa seta para o lado amarelo. Como você pode ver, a árvore está brotando um pouco agora. Vou tentar também o lado vermelho. Só para ver como é. A mesma coisa para o meio-tom. Vou tentar usar um pouco de magenta, mas não parece bom. Talvez um pouco de vermelho. E as sombras. Vou me arrastar em direção ao verde. Então essa árvore está brotando agora melhor do que antes. Posso copiar essa camada de equilíbrio de cores clicando com o botão direito do mouse e depois duplicá-la e arrastá-la até a outra árvore. E eu posso brincar com a opacidade, por exemplo, reduzi-la um pouco. Também posso brincar com o posicionamento deles. Uma última coisa que eu quero fazer é criar uma nova camada em cima de tudo. E eu vou escolher essa cor do céu. E vou usar um aerógrafo e aumentar o tamanho desse aerógrafo para algo assim. E provavelmente aerógrafo nas bordas das árvores. E talvez também as áreas entre elas. Em seguida, altere o modo de camada para tela. Ou às vezes eu uso o Hard Light, o que melhor se adequa às suas necessidades. Acho que a tela parece boa o suficiente para o pecado. Então, isso deu um efeito atmosférico. Você também pode usar aerógrafo atrás deles até a frente das árvores, por exemplo, vamos usar um aerógrafo cinza, azul e talvez um pouco de aerógrafo aqui para nos dar uma aparência meio nebulosa. Também podemos usar cor cinza mais clara e ver como fica. Isso nos dá uma névoa em tudo o que está por trás das árvores frontais. Portanto, podemos dizer que esse cenário neste painel pode ser considerado concluído. Obviamente, você pode adicionar mais ativos, refiná-los melhor, mas espero que essa tenha sido uma boa visão geral de como você pode criar um plano de fundo rápido com essas ferramentas incríveis que temos ao aplicar os conceitos aprendemos a criar um plano de fundo convincente. Na próxima lição, usaremos ativos e modelos 3D para criar cenas artificiais de estruturas feitas pelo homem. 20. 4-5 fundos artificiais: Agora vamos falar sobre fundos artificiais. Há três coisas que eu faço quando tenho um plano de fundo artificial para criar. Ou eu uso modelos 3D e o software SketchUp e faço minhas edições e o Clip Studio Paint. Ou use um modelo 3D diretamente no Clip Studio Paint. E também faço minhas edições. Ou use uma combinação de ambos. Obtenha uma imagem de um modelo 3D do SketchUp e adicione modelos 3D e o próprio Clip Studio Paint para completar o que está faltando no plano de fundo. Nesta lição, quero explicar a você como eu uso esses métodos e fornece dicas importantes sobre como você pode editar seus planos de fundo para que pareçam o mais 2D possível. Então, vamos falar primeiro sobre o SketchUp. Esboce como um software de modelagem 3D. E é muito popular entre grep two e criadores porque você pode criar e usar modelos 3D que parecem obras de arte 2D, o que os torna adequados aos estilos de arte com drones. O software que estou usando aqui é o SketchUp Pro, que é a versão desktop, mas também vem com uma versão web que você também pode tentar usar. Embora eu não tenha certeza se ele pode lidar com arquivos pesados. A maneira de navegar pelo seu modelo 3D e pelo SketchUp é a seguinte. Use a roda do mouse para ampliar sua cena e também diminuir o zoom. E segure e clique na roda do mouse para girar sua cena. Enquanto segura a tecla shift no teclado e segura a roda do mouse. Você pode percorrer sua cena. Você também pode encontrar essas ferramentas de visualização e navegação aqui na barra de ferramentas. Mas acho que usar atalhos de teclado é uma alternativa muito mais rápida. Então, ao decidir a foto que você gosta para sua cena, para exportar a imagem com alta qualidade, vá para Arquivo. Exportar gráfico 2D. Em seguida, escolha sua pasta de destino, nomeie seu arquivo e escolha o formato de imagem desejado. Eu geralmente opto pelo PNG porque é o formato de imagem da mais alta qualidade. Para brincar com a resolução da imagem exportada. Vá para as opções e escolha a largura e a altura que você deseja aqui. Eu costumo escolher um tamanho grande para garantir boa qualidade. Quanto maior a imagem, melhor será a qualidade que você terá. Como minha tela de desenho já é grande o suficiente, se você se lembra, tem 2.400 pixels de largura. Então, eu costumo comprar cerca do dobro desse valor para garantir uma qualidade superior. Mas, é claro, quanto maior o tamanho da imagem, mais tempo será necessário para exportar. Portanto, escolha nosso tamanho que seu computador possa suportar e certifique-se ter essa dica de plano de fundo transparente para quando estiver exportando um modelo 3D sozinho, sem um plano de fundo para que você possa inserir facilmente no Clip Studio Paint. Por exemplo, se eu tiver um modelo 3D autônomo como este e quiser exportar a casa apenas sozinha , sem nenhum tipo de fundo. Antes de tudo, preciso ter certeza de que tudo está transparente por trás disso. Então, vou até Editar e depois desmarcar céu e o solo , se estiver disponível. Dessa forma, ao exportar minha imagem depois de escolher a renomeação do meu destino, me certifico de ter um plano de fundo transparente ativado clico em OK e depois em exportar. E agora, quando abri minha imagem e o Clip Studio Paint , ela fica perfeitamente transparente e posso usá-la facilmente e incluí-la em minhas cenas. Agora, se você tiver um painel com caracteres e plano de fundo , comece primeiro com os personagens ou com o plano de fundo. Pessoalmente, na maioria das vezes, eu preferiria exportar primeiro a foto de fundo e depois desenhar os personagens para que seus tamanhos e ângulos coincidam com a cena. Digamos que você queira fazer o oposto. Você desenhou seus personagens primeiro e agora quer tirar uma foto de fundo. Você certamente pode tentar ajustar manualmente o ângulo , olhar para frente e para trás e ver se o ângulo está correto para sua cena. Mas pode ser muito problemático continuar indo e voltando. E isso pode ser frustrante porque você precisa fazer várias fotos para acertar. Felizmente, para usuários do Windows, existe um pequeno software muito bom que você pode instalar no cold feet, certo? Depois de instalá-lo, você pode usá-lo para tornar as janelas do seu software transparentes. Então, deixe-me mostrar como vou fazer uso disso. Vou até o Clip Studio Paint, ampliarei meu painel e tentarei centralizá-lo. E então vou abrir a janela do SketchUp em cima dela. E como instalei o software de novas tentativas, pressiono Control e Shift e clico em qualquer número 1 a 9 para ajustar a transparência da janela do SketchUp. Então, quando eu o tenho no nove é o menos transparente. E quando eu o tenho, um é o mais transparente. Eu costumo escolher cinco, já que é 50% de transparência. Dessa forma, posso ver o modelo 3D e o esboço com clareza. Agora, com a janela do SketchUp sendo transparente, posso ajustar facilmente o modelo 3D para combinar com a cena que tenho e os esboços que fiz. Quando terminar, vou trazê-lo de volta para uma opacidade mais alta. Não sei por que, mas não consigo trazer a opacidade da janela de volta para 100 por cento. Então, eu geralmente volto para 90 por cento e acho que ainda trabalho com o software facilmente porque tudo está visível. Mas se você quiser restaurar 100% de opacidade , você pode salvar seu arquivo nessa captura, fechar o SketchUp e abri-lo novamente para armazenar 100% de opacidade. Mas de qualquer forma, vou mantê-lo em 90%. E já que falamos sobre exportação de imagens, quero falar sobre outra coisa. Agora, digamos que eu queira explorar a arte linear desta foto em vez da versão totalmente colorida Posso simplesmente fazer isso acessando o estilo Exibir faces e escolher a linha oculta. Agora eu posso ver apenas as linhas da casa. Assim, posso exportar essa versão de arte linear sozinha. E se eu quiser explorar a versão de cores sem as linhas , posso fazer o seguinte. Vá para visualizar faces Estilizado, Sombreado com texturas. E, novamente, volte para o estilo Exibir bordas e remova as bordas. E também volte para Exibir perfis removidos no estilo ousado para agilizar a obtenção dessas configurações. Você pode salvar esse estilo acessando a janela de estilo aqui. Vou chamá-lo de cores e escreverei uma breve descrição disso. E então eu clico nesse botão para criar um novo estilo e salvá-lo. O mesmo vale para as linhas de visão, às quais voltarei. Vou nomeá-lo como linhas dar uma descrição e depois salvá-lo. Agora, posso alternar facilmente entre os dois sem precisar executar essas etapas todas as vezes. Se você quiser ajustar a espessura de suas linhas, vá para Editar. E sob essas configurações de borda, você pode brincar com esses números, perfis, por exemplo, torná-los três ou torná-los um. Brinque com esses números até obter a espessura desejada. Eu copiei e colei essas fotos na cena aqui como cores e como arte de linha. Mas minha arte de linha está muito fina nesta foto, então eu posso simplesmente duplicá-la clicando com o botão direito do mouse e duplicando a camada e depois mesclá-la neste botão. E se não for grosso o suficiente para que eu possa usar esse botão aqui, o botão de efeito de borda, esse botão adiciona uma borda a qualquer coisa em sua camada. Vou reduzir isso para um, e vou escolher a cor da minha arte de linha e colori-la. Dessa forma, ajustei rapidamente o peso das linhas que normalmente não prefiro esse método porque as linhas parecem muito grossas, agora vou removê-las. Nem sempre exporto as linhas separadamente das cores. Eu só faço isso quando preciso, quando as linhas do modelo 3D estão muito pretas e sinto que elas estão estragando a aparência suave que eu procuro. Então, novamente, é uma etapa opcional. Finalmente, a última coisa sobre a qual quero falar no SketchUp é ajustar o ângulo da câmera. Embora certamente possamos fazer isso manualmente com nossas mãos. Se você quiser, por exemplo, tirar uma foto frontal pode não ser tão fácil acertá-la manualmente. Até agora, você tem alguns ângulos padrão que são salvos no SketchUp. Ele pode ajustá-los indo para a câmera. Em seguida, visualizações padrão. Aí está a parte superior, a frente e a traseira à esquerda, à direita e ISO e assim por diante. Digamos que você queira tirar uma foto perspectiva de dois pontos. Lembre-se de que, na perspectiva de dois pontos, as linhas verticais são retas. Mas nesta foto, posso ver que as linhas verticais estão inclinadas. Então, para ajustar essa cena para uma perspectiva de dois pontos, vá para a câmera e depois para a perspectiva de dois pontos. E agora você tem a visão em perspectiva de dois pontos. Eu quero te mostrar como fazer edições para esta casa. Crie um plano de fundo interessante com isso. Então, vou escolher um determinado ângulo, por exemplo, esse ângulo, mas vou defini-lo como perspectiva de dois pontos. Também posso ativar as sombras da luz do sol acessando Exibir sombras. E sob a janela Shadows, posso ajustar a hora do dia. E com isso também, as sombras serão ajustadas de acordo com o ângulo solar. Também posso mudar o dia do ano, já que o ângulo do sol é diferente nos dias do ano. Também posso ajustar a intensidade da escuridão das sombras e da baixa luminosidade do sol. Finalmente, antes de exportar minha foto, eu só quero mudar a transparência dessas janelas. Eles são transparentes e eu posso ver os insights da casa. Mas isso não vai facilitar para mim editá-los. Então, vou para Estilos , depois vou para Editar e depois para configurações de rosto. E nas configurações do rosto, na transparência do material do carrapato. E agora o vento não se tornou opaco. Então, finalmente, minha foto está pronta. Vou exportá-lo para uma imagem e importá-lo para o Clip Studio Paint, copiá-lo e colá-lo no meu Canvas e colocá-lo onde eu quiser. Agora eu quero completar essa cena. Vou usar isso apenas para mostrar como usar os modelos 3D e como fazer isso para a cena geral. Vou começar importando uma imagem do céu atrás da casa. Também posso usar o que vem com o próprio Clip Studio Paint e redimensioná-lo. Então escolha o que você quiser. Mas estou com vontade de usar esse. Em seguida, quero adicionar a árvore. Então, vou arrastar essa árvore padrão do Clip Studio Paint e colocá-la aqui. Esta é a árvore que cobre este lado da casa. Agora eu quero adicionar paredes que cercam a casa. Então, eu tenho um modelo 3D que baixei dos recursos do Clip Studio. Vou arrastá-lo para minha cena. Agora eu posso ajustar o ângulo da parede manualmente e colocá-la com a casa. Existe uma maneira mais precisa de fazer isso, é por isso que brinca com a régua de perspectiva. Para fazer isso, clique com o botão direito do mouse na régua que está ao lado da camada 3D e clique em Mostrar réguas. E agora você pode ver que temos a régua em perspectiva desse objeto aparecendo. Vou girá-lo um pouco para que possamos ver melhor as linhas. Agora eu quero ajustar a régua de perspectiva, mas também há uma grade e eu quero ocultá-la para que eu possa ver minhas linhas adequadamente. Então, vou clicar no ícone da régua aqui. E sob a ferramenta de objetos, remova o plano x z aqui e também desmarque o nível fixo do olho para que ele possa mudar a posição de nossos pontos de fuga. Agora você pode ver que, à medida que brincamos com essas linhas, o ângulo do objeto também está mudando. Agora vou ajustar meus pontos de fuga por meio do método de diretrizes que mostrei na aula de perspectiva. E vou usar a casa como referência para o meu ângulo. Vou diminuir a opacidade da parede e remover a árvore para que eu possa ver melhor. Esse processo pode ser frustrante às vezes eu nem sempre o faço para ser honesto, mas estou fazendo isso para mostrar esse método para que você possa aplicá-lo quando tiver cenas que precisam perspectiva perfeita. Para verificar se sua perspectiva está se encaixando, certo? Percorra essas diretrizes e elas devem se alinhar com todas as linhas no mesmo ângulo. E até agora eu acho que está parecendo bom. Eu vou verificar as mentiras deste lado também. Esse lado precisa de alguns ajustes. Isso parece bom o suficiente. Agora vou iniciar a opacidade da parede clicar duas vezes nela e habilitar a árvore novamente. E eu vou entrar na cena. Como você pode ver quando eu o movo, agora há uma sombra abaixo dele que indica que está flutuando. Então, vou clicar neste botão aqui para aterrá-lo. E em vez de entrar nesse ícone, posso simplesmente mudar a posição dele usando essas setas. Dessa forma. Eu posso ajustá-lo facilmente enquanto o mantenho no chão. Agora, por causa disso, vou ajustar um pouco a localização das árvores porque quero diminuir a distância entre a parede e a casa. Como ajustei a régua em perspectiva, posso simplesmente arrastar outra parede e brincar com esse local e continuar com a lã sentada pela casa. Eu também coloquei uma parede aqui. Parece que algo está errado com a parede. Realmente não combina com minha régua de perspectiva. E esse é um problema que ainda não descobri, mas vou ajustar o ângulo manualmente para torná-lo mais adequado à cena. Eu posso brincar com a rotação da parede a partir das configurações alocadas. Vou brincar com o ângulo amplo. Esse é um problema que eu não imaginei. Dissolução, pintura estrangeira do Clip Studio. Às vezes, o encaixe entre o modelo 3D e a régua em perspectiva é interrompido. Então, agora, mesmo que eu ajuste a régua de perspectiva, o modelo 3D não está mudando. Para resolver esse problema, posso simplesmente adicionar um ponto de fuga usando a ferramenta de ponto de fuga que mostrei na lição anterior. Então, vou colocar um e arrastá-lo para estar aqui. E duplique-o e arraste-o para ficar no topo desse outro ponto de fuga. E agora eu quase tenho as mesmas linhas de grade de perspectiva. Agora vou adicionar a última parede atrás da casa arrastá-la para cima e girá-la. Para este, vou fazer isso manualmente. Como você viu, pode ser demorado. Então, vou desativar a régua nas paredes anteriores e no Zoom e , nas configurações abaixo de alocar novamente, vou brincar um pouco com essa rotação para que ela corresponda à minha perspectiva diretrizes. Então, isso parece bom o suficiente. Quero adicionar um portão a esta casa. Vou arrastar um pouco o modelo 3D do portão, que também baixei dos recursos do Clip Studio e que também baixei dos recursos do Clip Studio e do ângulo da câmera para que corresponda ao da parede. Vou ativar a régua de perspectiva remover o nível fixo do olho e mover a grade plana x, z. Apenas a régua em perspectiva que combine com a da parede aloque outra posição na Justiça para empurrá-la para ficar na frente da casa. E também vou girá-lo um pouco manualmente para que corresponda à minha grade de perspectiva. Novamente, você não precisa ir tão detalhadamente. Estamos fazendo isso apenas para criar um plano de fundo com aparência perfeita. Mas na maioria das vezes eu simplesmente pulava essas etapas e fazia a cena com os olhos. Terminamos com a parte 3D, aldeído, os pontos de fuga. Vou duplicar essa camada aqui e vou esconder a cópia original. E eu vou clicar com o botão direito do mouse e rasterizar essas paredes para transformá-las em uma imagem. Porque eu quero excluir essa parte extra usando essa cor desta parede aqui. Vou criar uma nova camada atrás da casa e preencher manualmente esse espaço atrás da casa. Agora vou adicionar um pouco de grama à cena criando uma nova camada que está embaixo de todas as paredes e também abaixo da casa. Percebi que a parede aqui tem uma sombra projetada no topo porque está abaixo do nível do solo. Se eu colocá-lo no nível do solo, os níveis do solo aqui, mas eu só quero fazer as coisas rapidamente agora por meio da ferramenta de objetos em Aplicar fonte de luz apenas para remover as sombras projetadas do solo, para remover essa sombra na parte superior. Agora vou criar uma nova camada abaixo meu céu usando a ferramenta de gradiente aqui. Vou escolher o gradiente do primeiro plano para o plano de fundo. E eu vou escolher minha cor do primeiro plano para ser essa. E vou escolher minha cor e o fundo para serem de um azul bem claro ou azul bebê. E agora vou desenhar um gradiente para completar os espaços vazios. E vou criar uma nova camada acima dos céus. E usando a nuvem ou os pincéis, vou escolher as cores dessas nuvens. E só para adicionar rapidamente mais nuvens. Agora posso criar uma nova camada acima da casa e das árvores usando a cor do céu. Eu farei a mesma coisa que fiz na última lição. Vou fazer um aerógrafo em cima de ambos e dizer esse modo para tela ou luz forte. luz forte parece melhor. Nesse caso, quero ajustar as cores da casa, pois elas são acinzentadas e quero que pareçam mais azuladas. Então, vou colocar a nova camada de correção lá e depois o equilíbrio de cores. Com o equilíbrio de cores. Vou ajustar as sombras e transformá-las em LU, apenas o meio-tom e transformá-las em ciano ou talvez um pouco de magenta e um pouco de azul. E os destaques. Talvez eu possa deixá-los um pouco amarelados. Mas eu quero aplicar isso apenas na casa, então vou cortar essa camada. Então, agora só a casa mudou. Eu farei a mesma coisa com as paredes. Vou fazer uma nova correção lá. Equilíbrio de cores. Vou clicar em OK, recortar e depois ajustar as cores. Destaques amarelos, sombreados, azulados, meio-tom, também azulados. Em seguida, vou duplicar isso e colocá-lo acima dessa outra camada de parede também. Agora vou adicionar textura à grama por meio dos pincéis agressivos que mostrei na última lição. Vou usar a mudança de cor da ponta do pincel para ter uma variedade de cores enquanto pinto. Agora eu quero substituir um pouco as janelas para torná-las mais interessantes. Vou para a camada da casa e vou para Selecionar, depois selecionar a gama de cores, clicar nesse botão e clicar na cor azul das janelas. Para que, com essa ferramenta, você selecione tudo o que é colorido com esse azul. E eu também quero adicionar o outro azul. Então, vou usar esse ícone aqui para adicionar à seleção e também curtir essa cor novamente. Agora, a maioria das minhas janelas está selecionada. E se eu quiser ser muito específico , posso realmente ampliar e selecionar essa última cor. Então, agora a maioria das minhas janelas está selecionada e clicada. Ok. Agora eu posso ver que algumas das partes superiores da casa estão selecionadas duas, mas na maioria das vezes não vamos examiná-las. Então, eles não vão aparecer. Vou criar uma nova camada agora acima da casa. E usando um aerógrafo, vou escolher uma cor que seja meio esverdeada, azul claro. E vou definir que essa nova camada é o modo de multiplicação. E usar o aerógrafo como provável aerógrafo. Algumas partes das janelas. Estou escovando a parte superior porque é a parte sombreada. Se eu desmarcar, você pode ver o antes e o depois das janelas parecerem mais interessantes agora, mas voltarei à seleção e criarei uma nova camada e usarei uma cor azul bem clara. Ou talvez eu possa escolher a cor do céu daqui. Posso aerografar mais partes das janelas para torná-las mais interessantes. Então veja o antes e o depois disso, um gradiente realmente torna as janelas de seus prédios mais interessantes. Vou apenas ajustar as cores, por exemplo, para essa camada de multiplicação, quero torná-la menos vívida, reduzir a saturação e aumentar o brilho. E talvez eu possa arrastá-lo para ficar no topo da camada de equilíbrio de cores. E a mesma coisa para a camada de destaque. Eu posso arrastá-lo até aqui. E talvez eu também possa alterar esse modo de camada para adicionar brilho ou luz suave. Luz forte. Você pode experimentar e ver qual funciona melhor. Acho que a sobreposição parece boa. Parece meio pálido em comparação com a casa. Então, vou criar uma nova camada acima da árvore, recortá-la e mudar seu modo para multiplicar. E então vou escolher também um azul menos saturado e mais claro. E vou aerografar algumas partes da árvore. Vou escolher também uma cor mais escura e mais aerógrafo. E o lado dos botões. E com uma borracha macia, apagarei todas as partes que eu achar que sombreei demais. Então esse é o antes e o depois. Agora esse cara parece muito vazio atrás da minha casa. Assim, posso facilmente pegar o horizonte dos materiais padrão do estúdio Eclipse e colocá-lo atrás da minha casa das regras e tudo mais, menos na frente desse cara. E vou diminuir um pouco o zoom, redimensioná-lo e movê-lo com a ferramenta de movimentação e redimensioná-lo novamente. E eu vou colocá-lo na frente das nuvens. É claro que esses edifícios ficariam muito melhores se eu tivesse uma visão frontal da casa. Como eles foram desenhados para nosso ângulo diferente de câmera de visão frontal vou colocá-los aqui para preencher o fundo. E se eu também quiser preencher o plano de fundo mais, posso usar um modelo 3D da coleção que também vem com o Clip Studio Paint, indo para 3D, depois para o plano de fundo e depois para o compartimento . E eu posso arrastar essa área residencial. E a mesma coisa também. Ajuste também esse ângulo e faça com que ele corresponda ao ângulo geral da foto. Mas vou fazer isso de novo muito rápido apenas para preencher o plano de fundo. E eu posso duplicar essa camada e movê-la aqui para preencher esse espaço aqui. Posso deixar esses modelos 3D como estão ou fazer algumas edições neles. Por exemplo, eu posso remover a fonte de luz para torná-las menos detalhadas. Acho que mover a fonte de luz às vezes faz com que os modelos 3D pareçam menos 3D. A propósito, as casas e os prédios estão parecendo azulados agora e estão desaparecendo com a atmosfera porque já aplicamos uma camada aerografada com um modo de luz forte. Mas se eu remover essa camada aerografada , você verá que suas cores são vivas. Portanto, habilitar isso realmente ajudou a alimentá-los na atmosfera e isso pode aerografá-los mais, criando uma camada recortada sobre os dois e configurando-a talvez para luz forte ou tela. Novamente, o que parecer melhor, desapareça-os ainda mais para focar na casa que tenho aqui. Claro que você pode fazer outras edições, por exemplo, podemos adicionar uma nova camada em cima de tudo e com uma cor amarela e talvez você possa aplicar um pouco de luz solar no ar . E podemos experimentar diferentes modos de camada, por exemplo, vamos experimentar luz forte, ou talvez luz suave ou tela de sobreposição ou adicionar brilho. O brilho é muito forte, mas é quando você quer um dia muito ensolarado. Acho que vou optar pelo overlay. Eu gosto mais disso. E eu posso continuar aerografando mais para dar essa sensação de luz solar. E também posso reduzir a opacidade se ela for muito vívida. Essa cena está quase pronta. Se olharmos daqui, ainda podemos adicionar outras coisas, como uma calçada, luzes de rua ou coisas assim. Mas vou continuar neste estágio porque realmente falar em profundidade sobre fundo e editá-los precisaria um curso por si só, já que há muito o que falar. Mas um último recurso sobre o qual quero falar é um recurso que está disponível somente na versão x do Clip Studio Paint, que está extraindo linhas de modelos 3D. Por exemplo, digamos que eu queira extrair as linhas das paredes aqui. Em seguida, vou para essa camada de paredes e, sob a janela de propriedades da camada, clique neste botão aqui, que é extrair linha. Ao clicar nela, você verá uma prévia das linhas da sua camada. Há muitas configurações para essa ferramenta, mas eu defino a minha para a seguinte. Se você estiver satisfeito com a aparência de tudo, clique em Converter camada dois, linhas e tons e, em seguida, insira esses números se quiser obter resultados semelhantes aos do vinho. E, em seguida, clique em OK. Depois de clicar em OK, um novo grupo será formado. Um deles tem o contorno ou as linhas da sua imagem. O segundo tem as toneladas de tela da sua camada. E o terceiro tem um preenchimento de tudo. Então, quando ele extrai linhas, ele imediatamente eleva o modelo 3D ou a imagem que você tinha anteriormente. Então, vou ativá-lo novamente e voltar para a camada e remover a opção de linha de extração para recuperar minha imagem. E vou habilitar isso em uma nova pasta. Mas vou deletar a camada de tom porque não preciso dela. E também vou excluir a camada de preenchimento porque não preciso dela neste caso, faça isso. Recebi contornos para minha imagem com muita rapidez e facilidade. Se eu quiser alterar as cores desse contorno , posso alterar a cor da expressão da camada sob a propriedade da camada de cinza para cor. E eu posso escolher a cor que eu quero, por exemplo , vou escolher a cor da minha arte de linha e depois vou para Editar, Converter para desenhar e colorir. E agora minha parede foi colorida com a cor que escolhi para criar linhas de guerra terrestre com seu plano de fundo, você pode reduzir a opacidade e talvez alterar o modo de camada para multiplicar. E talvez também ajuste as cores das camadas e veja como fica. Você pode extrair mentiras não apenas de imagens, mas também de modelos 3D. Então, se formos para aquelas casas na parte de trás, também podemos extrair suas linhas de maneira semelhante. Então, vou clicar em Converter e clicar em OK, ocultar o contorno também e ocultar o preenchimento. E agora eu só tenho os contornos das casas. Esse é um recurso muito útil que eu uso muito, especialmente para planos de fundo de ambientes internos. Por exemplo, esta cama era um modelo 3D que eu converti em linhas para fazer parecer que o travesseiro também era 3D. E essas gavetas também eram 3D. E a loja também era um modelo 3D. Mas ao extrair as linhas, eu poderia facilmente convertê-las em uma imagem 2D. E eu fiz edições, e foi assim que construí toda essa cena. Por fim, e antes de terminar esta lição, eu só queria falar sobre a dica que pode ser útil quando você deseja adicionar caracteres ao seu plano de fundo sobre como colocá-los corretamente. Agora, é claro, você pode usar as figuras 3D do Clip Studio Paint e ajustar seus ângulos acordo para que combinem com a cena. Mas se você quiser riscá-lo com a mão livre , achei muito útil seguir essas etapas, especialmente para personagens sentados. Basicamente, desenhe onde estaria a parte inferior do seu personagem. Em seguida, desenhe os pés no chão e conecte-os. E é assim que você pode facilmente colocar seu personagem e colocá-lo bem sentado na cadeira. A mesma dica também foi muito útil para personagens bêbados sentados em uma bicicleta. Fiz isso de novo desenhando primeiro a parte inferior do personagem e depois os pés. E então conecte os dois. Eu só vou tornar o plano de fundo mais transparente. Você pode ver com mais clareza o que está acontecendo. Sim. Coloquei a parte inferior e os pés. E também coloco as mãos na bicicleta. E agora é só conectar as coisas. Obviamente, usar referências também ajudará você a obter a pós-graduação e, às vezes, é necessário. Mas essa é, novamente, uma boa ferramenta para colocar seus personagens em objetos de forma rápida e fácil. Espero que você tenha achado todas essas dicas úteis. E, na verdade, agora é a hora de você explorar todas as ferramentas que discutimos e começar a criar seus planos de fundo incríveis. Na próxima lição, falarei sobre sites úteis nos quais você pode baixar muitos recursos úteis de onde eles são modelos 3D, pincéis ou materiais de imagem. 21. 4-6 fontes para obter recursos: Tudo bem, agora eu quero falar com você sobre onde eu tiro o S para o meu plano de fundo, sejam imagens, modelos 3D ou pincéis. Quando procuro um ativo específico, tenho vários sites e plataformas que verifico e pesquiso até encontrar os ativos mais adequados às minhas necessidades. Então, nesta lição, quero apresentar a vocês esses recursos. A fonte número um, aquela que mencionei várias vezes ao longo desta aula, que são os ativos do Clip Studio. Como eu disse, os ativos do Clip Studio vêm com ativos gratuitos e pagos. Portanto, você sempre pode verificar os ativos gratuitos em primeiro lugar e, se não encontrar o que está procurando, pode verificar os ativos pagos. Obviamente, os recursos que estão aqui não são apenas para planos de fundo, mas para realmente tudo, seja design de personagens, nosso FX, nossos mapas de gradiente, você pode encontrar muitas coisas incríveis. Eu criei o hábito de verificá-lo de vez em quando e baixar ou marcar as coisas que me interessam. O próximo destino que eu realmente amo e que me salvou muito especificamente com os planos de fundo da minha música na web, é um con 3D. Acorn 3D é um site de ativos feito especificamente para criadores e criadores de conteúdo web. Eles oferecem modelos 3D do SketchUp que foram feitos principalmente para a web e notícias. Você pode encontrar muitas coisas interessantes com temas diferentes. Eles não têm apenas modelos do SketchUp, mas também modelos 3D e outros formatos. E eles também vendem pincéis, pacotes de imagens efeitos sonoros e muitas coisas que são úteis. Este site provavelmente terá aquela coisa específica que você está procurando. E, a propósito, a echo 3D está colaborando comigo e dando um pequeno presente para essa turma. Como participantes, você pode aplicar um código de cupom em meu nome, cluvious, e obter um desconto de dois dólares em seu pedido. Para aplicar seu cupom, você precisa ter uma conta no site. Depois de se registrar e fazer login, acesse minha página, depois use Início e clique em aplicar cupom aqui. Quando você está aqui , meio que confuso , clica em aplicar cupom. E depois de fazer isso, você estará pronto para aplicá-lo ao finalizar a compra. O próximo trabalho realmente útil para um ativo é a loja, é esse site chamado BG outlet, mas o endereço do site se chama Ginny x.com. Este site está em japonês, mas você sempre pode traduzi-lo para o inglês usando o tradutor do Google para se orientar. Este site também tem muitos modelos 3D, seja no SketchUp ou em outros formatos. E também vem com recursos de imagem incríveis deste site. Especificamente, comprei os recursos de imagem de árvores, pedras e grama que mostrei na aula de Cenários Naturais. Eles também vendem alguns de seus produtos no site do estande, que também está em japonês, mas você sempre pode traduzi-los para o inglês e se orientar. Existem dois outros sites que vendem Web two em ativos. Para ser honesto, eu pessoalmente não os experimentei, mas ainda quero mencioná-los para você porque você pode achá-los úteis. O primeiro é pixel dot sc. Eles também parecem ter recursos do Clip Studio e SketchUp, pincéis e recursos de imagem. Então você pode dar uma olhada no que eles têm. E o segundo é chamado de 3D Web two na loja virtual, que é em coreano, mas você também pode traduzi-lo para o inglês e se orientar no site. Parece que eles vendem principalmente modelos 3D especificamente para uso no SketchUp. Outro site que eu quero apresentar seu gum road gun roared, é como um mercado digital para criadores publicarem seus produtos e ativos digitais. Então, você pode encontrar muitos pincéis e recursos interessantes. Se você pesquisar por desenho e pintura e , em seguida, o Clip Studio Paint, eu ainda não tentei comprar nenhum deles até agora, mas o pacote de folhagem de pincéis que mostrei na aula de cenários naturais enquanto estou neste site. E você definitivamente pode encontrar muitas coisas, não apenas para o Clip Studio Paint, mas também para outros aplicativos. Agora, digamos que você esteja procurando por um modelo 3D específico, mas não conseguiu encontrar nada útil nos sites anteriores , pois há outros sites nos quais eu recomendo que você pesquise. O primeiro é chamado de turbo squid, você pode pesquisar o que quiser. Por exemplo, vou procurar por animus cool. Em seguida, você pode escolher o formato do seu modelo 3D, por exemplo, vou verificar os modelos do SketchUp. E você pode ver que eles têm mais modelos 3D à venda, que também parecem muito bons. Há também um Sketchfab. Você também pode encontrar modelos 3D aqui, comprá-los e usá-los. Mas acho que esses modelos 3D mais sofisticados precisam ser abertos em um software de modelagem 3D. Para isso, eu não recomendaria um software mais do que o Blender. O Blender é um software de modelagem 3D gratuito e de código aberto. E você pode abrir muitos formatos de modelos 3D. Honestamente, o liquidificador é um mundo inteiro por si só. E eu, pessoalmente, quero me aprofundar nisso porque há muitas coisas interessantes para explorar e fazer isso. Mas digamos que mesmo depois disso, você ainda não conseguiu encontrar o ambiente que deseja, então eu posso recomendar uma última opção, que é meu último recurso, quando eu realmente não encontro o que sou procurando em qualquer outro lugar que usaremos mecanismos de jogo como Unreal Engine e Unity. Ambos os motores de jogo têm seus próprios recursos, estrelas e ambos têm modelos 3D realmente incríveis e interessantes. Muitos deles são feitos especificamente para jogos, então são modelos 3D realistas. Mas você também pode encontrar alguns planos de fundo e ambientes bonitos como este, por exemplo, na Unity Asset Store. E este, por exemplo, que encontrei na loja de ácidos Unreal Engine. Agora, usar motores de jogo é outra história. Está realmente fora do escopo deste curso, mas é um caminho ou uma rota que eu queria apresentar a você para que você tivesse essa opção em mente. Ter sempre a mente aberta para explorar coisas novas e aprender o mundo dos gêmeos da web é realmente incrível. E você notará que , ao trabalhar em sua história em quadrinhos, ampliará seus horizontes à medida que avança. Então é muito, muito legal ver o quanto você aprende ao longo do caminho porque você está desenhando, eu chorei fazendo. Espero que você ache esses recursos úteis. Agora que terminamos de falar sobre planos de fundo, no próximo capítulo, faremos a parte interessante de definir o clima em nossos painéis. Então, na próxima lição, falaremos sobre ajustes de cores. 22. 5-1 ajustes de cores: Tudo bem, finalmente começaremos a falar sobre ajustes de cores Ajustar as cores depois de terminar de desenhar e colorir pode realmente melhorar ainda mais sua cena e torná-la mais interessante. Nesta lição, quero falar mais sobre as camadas de ajuste de cores que examinamos levemente nas lições anteriores. Então, basicamente, se você se lembrar, há uma camada de ajustes que podemos adicionar a partir da camada e, em seguida, uma nova conexão. E então podemos ver todas essas opções para ajustes de cores. Ou podemos adicionar os ajustes de cor imediatamente na própria camada acessando Editar correção tonal. E então teremos as mesmas configurações, mas isso será aplicado na própria camada. É por isso que geralmente uso a camada de correção porque é algo que posso remover, ajustar e brincar sempre que quiser. Então, vamos explorar as opções de correção que temos. Primeiro de tudo, temos o contraste de brilho. Ao usar este, você pode reduzir ou aumentar o brilho da sua cena. E você também pode brincar com o contraste da sua cena. Pessoalmente, quase nunca uso isso em meus painéis de tons de trabalho. A próxima é a luminosidade de saturação de matiz, qual já falamos. Você pode brincar com a tonalidade saturação e a luminosidade das cores da sua imagem. Eu raramente o uso, a menos que seja para edição. Esse cara é como eu te mostrei nas aulas anteriores. Depois, temos a pasteurização, que meio que restringe as cores e faz com que o gradiente pareça mais com pedaços de cores. Em vez disso. Eu também não uso esse, para ser honesto. Depois, inverte o gradiente, que inverte as cores. Esse é um efeito muito legal e pode ser usado para propósitos dramáticos, por exemplo, aumentar a essência do choque em sua cena. Eu acho que é muito interessante. É claro que você pode brincar com a opacidade da camada de correção e também com o modo de camada. Mostrar o que quero dizer com isso parece bom para nosso adolescente chocante. Se aplicarmos o gradiente inverso aqui, você pode sentir imediatamente que o choque se tornou mais intenso. Em seguida, temos a correção de nível. Então, aqui temos três flechas. Ao arrastar a seta que está do lado direito para a esquerda, as partes claras da minha imagem ficam mais claras. Ao arrastar para a esquerda, vou para este lado, isso torna as partes escuras da minha imagem mais escuras. E ao arrastar a que está no meio, por exemplo , para a esquerda, torna as partes escuras mais claras. E arrastá-lo para a direita torna as partes claras mais escuras. Aqui temos essas duas flechas. Ao arrastar esta seta , levarei as cores claras da minha imagem para o lado cinza. Da mesma forma, se eu arrastar a preta em direção ao cinza, ela também levará as partes escuras para o cinza e as tornará mais claras. Se eu aproximar essas duas flechas uma da outra, minha imagem as transferirá para uma versão acinzentada. Se eu clicar aqui, vou ver que eu estava controlando o RGB. Vermelho, verde, azul, o que significa todas as cores da minha imagem. Mas também posso controlar as cores separadamente, já que as cores na tela consistem em componentes vermelho, verde e azul. Assim, posso editar cada um individualmente. Por exemplo, se eu jogar com o canal vermelho, posso introduzir mais vermelhidão e subtrair a vermelhidão. E eu posso chegar a alguns resultados interessantes. Se eu brincar com isso. Na verdade, ao ajustar as cores, basta brincar com os controles deslizantes até que tudo comece a parecer certo. Mas eu quero falar mais sobre canais abaixo da curva de tons. A curva de tons é muito semelhante aos níveis, exceto que você pode controlar as cores com mais precisão ou mais detalhes. Então, se dermos uma olhada aqui, temos um gráfico em que o lado I deste gráfico representa as cores claras e o lado esquerdo representa as cores escuras. E no meio temos os tons médios. Ao arrastar as coisas para cima, vou adicionar leveza a elas. Arrastando-os para baixo. Vou adicionar escuridão a eles ou subtrair luminosidade clicando em Redefinir aqui, posso voltar ao meu ponto de partida. Isso significa que, como eu tenho as partes claras aqui e as partes escuras aqui, posso brincar bem com as cores das imagens, por exemplo, se eu arrastar a curva para baixo aqui, eu deixei a escuridão cores mais escuras porque esse é o lado escuro e arrastando para baixo cores mistas mais escuras. Se eu trouxer isso para cima , deixei as cores claras mais claras. E o oposto também pode funcionar. Isso faz com que a cor da luz fique mais escura e as cores escuras mais claras. Então, eles estão meio que mudando para o cinza. Mas podemos usá-lo em termos simples apenas para introduzir alguns efeitos interessantes. Na verdade, só preciso brincar com isso e ver quais resultados você gosta. Pessoalmente, eu realmente acho a curva de tons útil para fazer meu personagem se misturar com o fundo. Por exemplo, as cores dos meus personagens aqui parecem azuladas, mas o fundo é verde e amarelado. E eu quero ajustar suas cores para que ele combine melhor com o fundo. Então, eu vou clicar em OK, e eu tenho a camada da curva de tons aqui. Vou colocá-lo na pasta das camadas dos meus personagens. E agora vou voltar novamente clicando duas vezes. E eu quero brincar com os canais em vez de com todas as cores ao mesmo tempo. Então, também temos canais aqui. Temos vermelho, verde, azul ou podemos controlar todas as cores do lado RGB. Mas eu vou, por exemplo, para o vermelho. É algo parecido. Se eu arrastar para cima , adicionarei isso à minha imagem. Se eu arrastar para baixo , vou subtrair ainda e subtrair vermelho me dá azul. Vou redefinir isso e mostrar como é para as outras cores. Para o verde, se eu arrastar para cima e depois adicionar o verde, se eu arrastar para baixo, subtraio o verde, o que me dá cores avermelhadas, mas eu diria que é mais uma cor magenta. E por último, para um azul, arrastando para cima, leva as cores para o azul, e arrastando-as para baixo, as leva para um verde. Vou reiniciar. E eu quero que minhas cores pareçam esverdeadas. Então, vou subtrair o azul deles. Então, vou ajustar minhas cores. Descendo a curva pouco a pouco e vendo como está. Como você pode ver rapidamente, ajustei as cores e agora há mais interessante e muito mais manteiga de fundo. Mas acho que vou adicionar um pouco de vermelho também aos destaques, principalmente subtraídos das sombras. E talvez adicione mais azul às sombras. Acho que o personagem agora está muito melhor do que era antes. Ele combina melhor com o plano de fundo. Mas se eu quiser fazer mais ajustes e refinar essas cores mais, eu uso mais uma camada interessante de ajuste de cores, que é o equilíbrio de cores. Usamos isso um pouco antes, mas vou examiná-lo com mais profundidade agora. Ainda assim, clique em OK e coloque-o meu personagem porque quero me concentrar em ajustar as cores do meu personagem antes das cores gerais. Então, vou clicar duas vezes para voltar ao menu. Agora, para o menu de equilíbrio de cores, as cores são divididas em três opções. Eu posso editar as sombras, posso editar os meios-tons e posso editar os destaques. É sempre padrão no menu de meios-tons, os meios-tons são como os tons médios ou os tons gerais gerais da imagem. Eu não gosto de começar com isso primeiro. Eu gostaria de começar primeiro com sombras. E geralmente eu gosto de levar minhas sombras um pouco para o azul e ver como elas ficam, e às vezes para o magenta. Mas essa cena não parece muito boa. Acho que preciso levá-los para o verde e talvez adicionar um pouco de azul. Então, levando as cores para qualquer lado dessas cores, adicionaremos mais cores. Então, se eu arrastar isso, leitura será adicionada às minhas sombras. Se eu arrastá-lo sobre você , o ciano será adicionado às minhas sombras e assim por diante. É um conceito muito simples. Acho que ele está bem agora, mas vou aos destaques e adicionarei mais amarelo. Eu tentei fazer esse contraste entre as sombras e os destaques. Normalmente gosto de manter os destaques com cores quentes, as sombras com cores frias. Então eu levo os destaques para a barra amarela vermelha, às vezes verde, e depois para as sombras. Eu os levo em direção ao azul para ter esse equilíbrio entre cores frias e quentes. E, finalmente, posso ajustar os tons médios e ver como eles ficam. Em seguida, clique em OK. E eu posso ver o antes e o depois. Acho que está melhor agora, mas posso simplesmente reduzir a opacidade da camada de equilíbrio de cores. E também posso adicionar uma camada de equilíbrio de cores para toda a imagem acima de tudo no meu painel. Nesta etapa, também arrasto as sombras em direção ao azul. Às vezes, talvez magenta ou ciano, em direção às cores frias, basicamente os destaques para o amarelo e talvez para o lido. Mas, novamente, isso está se tornando muito vívido. Só aparecendo para explicar. É possível ver o antes e o depois? E você sempre pode brincar com a opacidade e reduzi-la o quanto quiser. Quanto ao ajuste de cores de binarização. Eu realmente não o uso para obter um efeito preto e branco da sua imagem. E eu particularmente não uso isso na minha história em quadrinhos. E, finalmente, a camada de ajuste de cores do mapa de gradiente, sobre a qual já falamos na lição, na qual a convertemos em planos de fundo em tons de cinza para sua versão colorida. Às vezes, ainda gosto de brincar com os mapas de gradiente, reduzir a opacidade e brincar com os modos de mesclagem para ver quais efeitos posso obter. Então, tratava-se de camadas de ajuste de cores, mas também podemos usar gradientes para introduzir um bom efeito em nosso painel. E vou selecionar meu painel com a ferramenta de marcação para fazer o gradiente somente nessa área. Vou até a ferramenta de gradiente. E eu posso usar qualquer um desses gradientes padrão que eu tenho. E eu vou segurar Shift e criar um gradiente. Eu posso brincar com as propriedades da camada. Como você pode ver, posso chegar resultados muito interessantes, mesmo que eu esteja apenas brincando com eles. Gosto especialmente de usar luz forte luz suave ou sobreposição. Isso pode imediatamente tornar seu painel mais interessante. Agora, talvez isso não seja tão óbvio para este painel porque é irrelevante. Mas se eu mostrar esse painel aqui, o personagem fica bem com o plano de fundo. Mas depois de aplicar uma sobreposição de gradiente, todo o painel começou a parecer mais interessante. Eu apliquei uma sobreposição de gradiente aqui, variando do roxo ao laranja, amarelo. E eu fiz duas cópias dele. Um deles eu o configurei para gravação colorida e um deles eu o configurei para gravação linear. E é claro que eu inventei isso depois de brincar com as configurações e ver o que parece mais interessante. Aqui está outro exemplo de outro painel que tornei mais intenso ao adicionar um gradiente de luz suave que varia do azul mais escuro ao vermelho para dar essa sensação intensa e fazer com que o painel pareça mais efetivo. Então, tente brincar com todas as opções de que falei e você verá imediatamente um bom efeito em suas obras de arte. Na próxima lição, falaremos sobre como adicionar iluminação e sombreamento aos seus painéis. 23. 5-2 Iluminação e sombreamento: Nesta lição, quero mostrar como você pode adicionar efeitos de iluminação e sombreamento tão rapidamente para tornar seu painel mais interessante imediatamente tornar seu painel mais interessante Usarei esse painel como exemplo. Quero apresentar o efeito de que esse cara está vindo das sombras em direção a um lugar iluminado pelo sol. Para adicionar esse efeito, criei uma nova camada de clipe. E eu vou escolher uma cor que seja meio púrpura pálida. E usando um pincel normal, vou escovar, por exemplo a parte superior da cabeça dele. E então eu vou mudar esse modo de camada para multiplicar. Então, antes e depois, posso sentir imediatamente que essa é uma parte sombreada e essa é uma parte iluminada pelo sol. Também posso usar a ferramenta de desfoque acessando aqui e escolhendo desfoque. Então, com essa ferramenta, posso desfocar as bordas da minha sombra porque é uma sombra vinda de uma lareira. Portanto, suavizá-lo indica que é uma fonte de luz distante. Também posso bloquear essa camada e o aerógrafo. Bem, escolhendo uma cor muito quente daqui, por exemplo, uma cor avermelhada clara. E eu posso simplesmente aerografar a borda da sombra para fazer uma transição entre do sombreamento e a cor da luz do sol. Também posso introduzir uma cor mais fria e as sombras, por exemplo, eu posso usar esse azul claro e mais escuro e aerógrafo aqui. Então, minha camada de sombreamento está assim agora, em vez de ser apenas roxa pálida, eu introduzi uma pitada de uma cor quente na borda aqui e uma visão geral de cores mais escuras. E eu posso adicionar ainda mais e depois trazê-lo de volta para multiplicar. Então essa foi a primeira coisa. Também podemos tornar o efeito de iluminação mais dramático introduzindo uma nova camada em cima de tudo sem precisar recortá-la ao personagem e escolher uma cor amarelada, laranja com barra amarela, algo assim. Com um aerógrafo. Eu posso fazer aerógrafo aqui. E para destaques, eu tento os seguintes modos, por exemplo, cor, esquiva, brilho, esquiva, brilho, luz forte e, às vezes, sobreposição. Mas para essa cena em particular, acho que vou usar uma cor mais amarelada que não seja tão clara e aerógrafo e configurá-la mais para adicionar brilho, por exemplo, você pode ver imediatamente essa dramática efeito acontecendo ou luz forte. Esses são meus modos de camada favoritos. Se eu quiser usar luz forte, usarei uma cor um pouco mais clara. Então eu também posso criar uma nova camada e usar uma combinação de ambas. Então, um pouco de luz forte e um pouco de brilho. Então isso me deu uma iluminação intensa. A iluminação geralmente em ambientes diurnos, eu uso cores quentes para as luzes, por exemplo, variando de amarelo a vermelho. E para as sombras, uso cores frias que vão do violeta ao azul. Então, vou escolher uma cor azulada, uma cor azulada pálida e mais escura como essa. E vou criar uma nova camada e definir o modo para multiplicar. E aerógrafo aqui no lado escuro para torná-lo mais escuro. Então, agora, com essas três camadas simples, eu imediatamente introduzi essa iluminação interessante. Ou, em vez de multiplicar, também posso usar luz forte e usar uma cor mais escura porque modo de camada Hard Light meio que projeta a cor que você tem em suas cores. Portanto, escolher uma cor escura saturada pode me permitir introduzir esse efeito. Se eu comparar isso com o uso de multiplicar, multiplicar parece menos vívido, mas Hard Light tem essa vivacidade. Também posso usar o Linear Burn, nossa queima de cores. Você pode experimentar muitas coisas com os modos de camada e ver o que é interessante que você pode criar. E também sempre brinque com opacidades e veja quais efeitos você obtém. Obviamente, você pode ajustar o equilíbrio geral do seu painel com a ferramenta de equilíbrio de cores, arrastando destaques, passeios, sombras amarelas, talvez em direção ao azul , magenta, e ver como fica mais interessante . Agora, outro efeito interessante que eu realmente gosto de usar é fazer uma iluminação intensa, que é muito simples de adicionar. Então, vou criar uma nova camada de clipe no meu personagem e definir isso para multiplicar. Em seguida, escolherei a cor que vou escolher, por exemplo, talvez eu queira escolher uma aparência arroxeada com um pincel. Posso simplesmente escovar minha cena e depois apagar as bordas do personagem para indicar que isso é luz de fundo e tem esse efeito de iluminação intenso. Depois de subtrair as partes destacadas, você pode ajustar novamente com a caneta, como fizemos anteriormente na parte sombreada. Se você não quiser subtrair diretamente da sua camada de sombra, você pode criar uma máscara de camada clicando no seu sombreamento e, em seguida , clicando neste botão aqui, Criar Máscara de camada e depois apagar coisas. Nossa pintura. Para trazê-lo de volta, independentemente de qualquer cor que você tenha escolhido, ele ainda será pintado. E você também pode usar uma borracha macia para tornar o ambiente menos intenso. O bom das máscaras de camada é que você pode clicar com o botão direito do mouse na máscara e desmarcar a opção Ativar máscara. Isso significa que todas as corridas foram feitas na própria máscara. Assim, você pode editá-lo facilmente a qualquer momento, mesmo que, por exemplo , faça edições na camada de sombreamento base, por exemplo, podemos introduzir mais vermelho e um pouco de azul. Então isso significa meu sombreamento lá. E agora está assim. Mas brincando com as sombras da própria máscara, posso editá-las com muita facilidade. E para tornar a iluminação ainda mais dramática, você pode criar outra camada e definir seu modo para multiplicar e talvez aerógrafo também na parte central do personagem. E para torná-la ainda mais intensa, você pode criar uma nova camada de clipe e mudar. É mais importante adicionar brilho e depois escolher uma cor para nossos destaques, por exemplo, essa cor alaranjada. E então você pode adicionar destaques. Isso dá a sensação de que há luz de fundo de cor amarela. E, claro, você pode deixar seus tons mais escuros para aumentar esse contraste. Isso faz com que seus destaques pareçam mais eficazes. E brinque com a opacidade da parte de destaques e assim por diante. É muito, muito divertido brincar com as cores e a iluminação. Essa é realmente a minha parte favorita ao usar mais a deles, foi assim que consegui criar esse tipo de iluminação. Eu uso métodos semelhantes, sombrear os caracteres primeiro e depois adicionar destaques em suas bordas adicionará a camada brilhante ou a camada de luz forte. Neste exemplo, os destaques são azuis. Então eu adicionei uma cor ciano com uma luz forte na borda do personagem. E depois adicionou uma camada de esquiva de brilho, novamente com a mesma cor. E então adicionei uma camada multiplicadora aqui com uma cor azul pálido. E foi também assim que criei esses poderes com Louis introduzindo uma camada de esquiva de brilho em cima da potência. E também fiz desse personagem um globo adicionando uma camada de esquiva de brilho em cima dele apenas para introduzir esse efeito. Usar várias camadas também é a maneira de alterar a iluminação da cena com base na hora do dia. Então, digamos que eu quisesse mudar a iluminação aqui para coincidir com a hora do pôr do sol. Em seguida, habilitarei minha camada de multiplicação de sombreamento, o que eu já havia feito anteriormente. E agora clique em Control U para exibir a luminosidade da saturação de matiz. E vou transformar essa camada multiplicadora na cor laranja ou vermelha. E como você pode ver, obtive imediatamente o efeito do pôr do sol. E se fosse noite, então eu posso mudar isso para algo assim, aquela cor azulada pálida. Mas também posso introduzir outra camada. Vou selecionar e preencher toda essa área e escolher uma cor azul claro e, em seguida, editar, preencher e definir o modo de camada para multiplicar. E eu posso brincar um pouco com a iluminação dessa camada. Mesmo sem o sombreamento, aplicando apenas uma camada de multiplicação, eu já mudei o look para um look noturno. E ao ativar essas persianas, obtenho uma luz de fundo. Realmente não é tão necessário. Mas de qualquer forma, com apenas uma camada , podemos mudar imediatamente a iluminação da cena. E, finalmente, se fosse um céu nublado , posso ativar uma camada de multiplicação com uma cor acinzentada. Reduza um pouco sua opacidade e também introduza uma nova correção. E reduza um pouco a saturação do meu personagem. E então, como essa cena parece um pouco pálida demais, vou introduzir uma nova correção e usar o equilíbrio de cores e talvez tornar as sombras um pouco mais azuladas só para me livrar disso. aparência cinza puro , pessoalmente, gosto de usar cores cinza que tenham um pouco de tonalidade. Assim, você pode ver o antes e o depois. Usando essas mesmas dicas, converti esse plano de fundo que fizemos anteriormente desta floresta em um horário de verão, 02:00, você está procurando uma cena apenas mudando esta nublada de Keita e fazendo os ajustes de cor como eu te mostrei. Eu recomendo fortemente que você experimente todas as dicas que apresentamos até agora. Você definitivamente fará com que seus painéis pareçam mais interessantes adicionando iluminação e sombreamento e ajustando as cores. Na próxima lição, falaremos sobre transmitir emoções brincando com a aparência do texto. 24. 5-3 apresentando emoções por meio de texto: Agora, quero falar sobre como você pode transmitir melhor as emoções de seus personagens brincando com o texto de seus discursos. Sua linguagem escrita é muito poderosa e expressiva e brincar com a forma do texto, o tamanho e o peso pode realmente invocar sentimentos diferentes em relação aos leitores. Então, vou analisar algumas dicas úteis e, ao mesmo tempo, mostrar exemplos para melhor apresentar a ideia. Em primeiro lugar, brincar com a forma da fonte, o tamanho e a espessura pode ajudar a invocar uma voz mais alta, por exemplo, aqui, o personagem está dizendo: Bem, eu me pergunto como. Mas porque fiz essa palavra vagar e ter um tamanho de fonte maior, também fiz uma grossa. Agora, quando você lê, parece que ele está dizendo isso a seguir, não faça isso. Bem, eu me pergunto como. Então, brincar com o tamanho e o peso dessa palavra ajuda a dar essa sensação. A mesma coisa aqui. Ela está dizendo, sim, sim, certo. Mas eu fiz a palavra escrevê-la estática para que pareça que ela está dizendo sim, sim, aqui. Ela está dizendo que, se falasse comigo como pessoas normais, você está recebendo esse tipo normal de tom em vez de normal porque a palavra normal está em metálico aqui. Então ela diz, em vez de gritar comigo, que também está no tamanho maior da fonte, e eu também coloquei em negrito para indicar que ela está aumentando o tom de voz enquanto luta com ele. Além disso, brincar um pouco com as propriedades da fonte pode fazer com que gritar pareça mais intenso. Por exemplo, aqui ela está dizendo não, bem, isso absolutamente funciona. Se eu transformar a neve em itálico , posso me sentir mais eficaz. E posso fazer com que tudo pareça ainda mais eficaz selecionando meus textos e acessando as propriedades da subferramenta. E então, em fonte, posso brincar com uma proporção vertical aumentando isso. Aumentando também o tamanho da caixa de texto. Eu posso fazer com que isso não seja mais exagerado, ainda mais se eu aumentar a guerra da proporção vertical. E é claro que ainda posso brincar com o SKU. Então você vê que essa pequena manipulação tornou o texto mais impactante. Além disso, podemos brincar com o tipo de fonte para dar sensações diferentes com base no humor e no tipo do personagem. Por exemplo, para personagens fofos, podemos usar uma fonte fofa e talvez também com balões de fala de aparência fofa. Isso diferencia o pH desse personagem fofo da fala normal. O imediatamente invoca esse sentimento de caráter diferente. Também podemos alterar a fonte para dar uma sensação assustadora. Por exemplo, eu escolhi essa fonte aqui, que eu realmente gosto de chamar de feral, para invocar uma sensação de estranheza. Como se meu personagem aqui estivesse falando normalmente com minha fonte de diálogo usual. Mas, de repente, mudo para essa fonte para indicar uma sensação de estranheza. Como se ele estivesse carregando essa garota com seu discurso. Ele está sendo assustador. Então, essa mudança de fonte introduziu essa mudança no humor. Além disso, gosto muito de usar uma fonte forte para gritar para personagens que estão gritando, especialmente de uma forma maligna. Então, por exemplo, aqui, eu uso essa fonte chamada Sean e o punk custom para invocar essa sensação do personagem gritando de uma forma assustadora. E também aumento a proporção vertical para tornar esse creme mais impactante e mais assustador. Às vezes, você também pode escrever o discurso à mão em vez de usar uma fonte, pois isso pode torná-lo mais eficaz. Por exemplo, aqui, escrevi a frase gritante com minha caligrafia porque senti que não conseguia encontrar a fonte apropriada para expressar a emoção que queria transmitir. E também aqui neste painel que ainda não terminei, meu personagem está gritando o nome dos sacarídeos. E eu queria que isso fosse muito impactante. Então eu fiz isso escrevendo as cartas pessoalmente. E eu sinto que eles são muito mais impactantes do que se eu usasse apenas uma fonte normal. Acho que isso também pode ser muito eficaz para invocar uma penugem assustadora. Se você tivesse, por exemplo um personagem maligno rindo, então você pode simplesmente escrever à mão esse tipo de risada. Faça com que pareça mais assustador, assustador. Para caligrafia e pincéis. Eu recomendo fortemente esse conjunto de pincéis que baixei dos ativos do Clip Studio. Ele vem com muitos pincéis interessantes com os quais você pode expressar tantos sentimentos diferentes. Portanto, sinta-se à vontade para experimentá-lo fazendo o download. É claro que há muito, muito mais possibilidades. O mundo do texto é realmente incrível. E eu recomendo fortemente que você leia mais quadrinhos. Porque quanto mais você ler, mais coisas interessantes você encontrará, mais coisas interessantes você começará a explorar consigo mesmo. Na próxima lição, falaremos sobre como expressar emoções e seus painéis. 25. 5-4 pressionando o movimento: Agora, nesta lição, quero falar sobre como expressar movimentos e dar a sensação dos personagens se movendo em seus painéis. Há várias coisas que você pode fazer e vamos examiná-las uma por uma. A primeira e mais rápida maneira é usar o Motion Blur. Vou mesclar todas as camadas do meu personagem primeiro selecionando todas elas. Em seguida, clique com o botão direito do mouse e selecione mesclar as camadas selecionadas. E vou selecionar tudo e copiar isso. Em seguida, vou desfazer para manter minhas camadas separadas. E depois vou colar o que copiei em cima do personagem. E agora vou selecionar o personagem com a ferramenta de marcação e depois ir para Filtrar desfoque, desfoque de movimento. E dessa forma, como você pode ver, eu tenho um desfoque de movimento sendo aplicado, mas isso é apenas uma prévia. Assim, eu posso brincar com as configurações. Você pode jogar com o ângulo do desfoque de movimento. Eu quero que seja dessa maneira, já que o personagem está correndo de trás em direção à tela. Acho que esse tipo de ângulo é bom. Também posso brincar com a direção do desfoque, por exemplo, agora está configurado para trás, mas também posso configurá-lo para frente. Isso também pode configurá-lo para estar nas duas direções. Acho que usar o inverso é o mais eficaz nesse tipo de cena para indicar que a parte de trás do personagem está embaçada, já que ele está se apresentando. O avanço será mais claro do que o retrocesso. Você também pode brincar com o clima do desfoque. Há uma caixa, que é a que temos agora, e há uma caixa lisa. Eu também prefiro caixa em vez de lisa. Quando estiver satisfeito, clicarei em OK. E então eu quero apagar algumas partes dessa camada desfocada para que eu possa mostrar mais do meu personagem abaixo dela. Então, o que vou fazer é desmarcar e criar uma máscara de camada. E com uma borracha macia, vou apagar esse lado do meu personagem que indico que o desfoque está acontecendo apenas na parte de trás e dar aquela sensação de movimento. Você consegue ver o antes e o depois? Isso realmente deu aquela sensação de movimento. E também posso reduzir um pouco a opacidade se parecer demais. Outra forma é usar a ferramenta de desfoque, por exemplo, I. Tenho essas duas ferramentas desfocadas que baixei dos recursos do Clip Studio Paint e mostrarei como elas se parecem. Portanto, existe essa velocidade de desfoque, e se eu a usar sobre meu personagem do lado que eu quiser , posso obter o efeito de movimento e colocá-lo apenas nos lugares que eu quiser. É uma ferramenta de desfoque muito interessante. Da mesma forma, o choque do desfoque gera um tipo diferente de desfoque. Funciona tanto para choque quanto para movimento, eu diria. Então, usando essa ferramenta, posso invocar um pouco uma sensação de movimento. Então também posso apagar algumas partes que eu não quero. Obviamente, você também pode usar o choque do desfoque para invocar uma sensação de choque e fazer com que a cena pareça mais chocante e intensa. Mas vamos voltar a esse painel aqui. Eu posso dar mais um passo. E em uma nova camada com um pincel, posso desenhar linhas de fluxo para indicar que o personagem está em execução. E, novamente, vou colocar essas linhas deste lado. Mas, como você pode ver durante esses slides, eles estão à mão livre e não parecem tão legais. Então, o que podemos fazer em vez disso, podemos ir até a ferramenta de régua e escolher uma régua especial e, em seguida, escolher a linha paralela e, em seguida, a régua e a direção da linha que queremos. E agora volte para a caneta e desenhe facilmente essas linhas de uma forma elegante. À medida que aplicamos essas etapas. Eu criei esse resultado, que é o que mostrei no início da aula. Você também pode dar um passo adiante e aplicar efeitos ao efeito sonoro do seu painel, por exemplo, aqui eu fiz o efeito de som do traço, mas copiei esse efeito sonoro em uma camada diferente. Eu também fiz um motion blur para ele. E com isso, quando olho para a cena completa, consigo sentir imediatamente esse movimento que o personagem está executando. Você também pode usar linhas de fluxo para indicar movimento. E para conseguir isso, acesse a ferramenta de figuras aqui. E você verá que existem várias opções. Então, ao escolher essa ferramenta, por exemplo, vou desenhar linhas simplificadas. E então eu posso brincar com eles, girar seu ângulo com a ferramenta de objetos. E também posso brincar com suas configurações a partir daqui, por exemplo, seu comprimento, ângulo e quão agrupadas elas estão, as lacunas entre elas. E se eu jogar com os pontos de controle , posso introduzir ainda mais linhas. E posso adicionar uma máscara de camada a essa camada de linhas de fluxo dispersas recém-adicionada. E com uma borracha macia, posso apagar as partes que não quero mostrar mais ao meu personagem. Você também pode encontrar algumas simplificações prontas nos materiais de mangá na linha de efeitos. Em seguida, escolhendo a linha de velocidade. Você verá que tem algumas coisas interessantes a acrescentar. Depois de perguntar essa imagem, você pode brincar com sua cor. Deixe-o branco e também faça a mesma coisa, apague o que você não quer e assim por diante. Há também outras opções além das linhas de velocidade. Há as linhas saturadas que vão em direção ao centro da imagem. Aí estão as linhas de flash do ouriço-do-mar. E há a erupção cutânea em forma de borboleta, que pode ser usada como pano de fundo para seus personagens. Por exemplo, eu use as linhas saturadas aqui, pois meu personagem está correndo no centro. Então, para trazer todo o foco para ele e dar a sensação de que ele está correndo em direção à floresta. Para o plano de fundo. O plano de fundo era originalmente assim, mas copiei todos os itens do meu plano de fundo juntos, como fiz com meu personagem anteriormente, fiz uma seleção com a ferramenta de marcação e fui para desfoque do filtro, desfoque radial. E brincando com esse x, posso mudar o centro do desfoque. Fazer uma seleção do painel com antecedência é muito importante no caso de desfoque radial, para que você possa ver esse x e focar no ponto de sinopse para estar exatamente onde você deseja. Porque, como você pode ver, esse tipo de desfoque é um pouco pesado no computador e leva tempo para renderizar. Portanto, quanto mais você restringir a área de sua seleção, melhor e mais rápido você poderá realizar esse efeito. Também posso brincar com camada de efeitos do meu filho e também aplicar desfoque radial nela para torná-la mais eficaz e combiná-la com o movimento do personagem. Uma última coisa sobre essa linha saturada que você pode obtê-la não apenas dessas imagens aqui, mas há uma ferramenta para ela, como as ferramentas de simplificação que eu mostrei anteriormente. Há a ferramenta de linha saturada aqui, por exemplo, vou usar uma delas e desenhar um círculo no local em que quero que meu efeito se concentre. E então eu tenho as linhas saturadas imediatamente desenhadas. E você também pode brincar com suas configurações, quem usa o objeto, aumentar ou diminuir sua quantidade, e assim por diante. Sinta-se à vontade para explorar também as outras ferramentas. Na próxima lição, falaremos sobre brincar com planos de fundo para invocar diferentes tipos de humor com base no estado emocional da cena. 26. 5-5 cenários de exposição de motivos: Bem, geralmente os painéis de músicas da web são desenhados em uma tela branca ou em um fundo branco. Isso nem sempre precisa ser necessariamente o caso. Sempre podemos brincar com a cor de fundo de acordo com nosso gosto. Pessoalmente, não experimentei muito com outras cores. O que eu me concentrei principalmente em alternar entre preto e branco. Então, meus painéis de quadrinhos geralmente são brancos quando está de bom humor e nada sério está acontecendo. Mas eu mudei para um fundo preto. O que eu quero indicar é uma sensação de mistério, por exemplo, aqui durante a noite, ou essência de mistério, mesmo que você esteja durante o dia. Ao tornar o fundo preto, está meio que mudando toda a atmosfera e toda a vibração desses painéis. E também uso um fundo preto quando quero apresentar uma história de fundo triste ou um flashback triste. E também quando a luta está prestes a acontecer, especialmente quando os personagens estão expressando emoções profundas e intensas. Esses painéis não seriam tão eficazes se ficassem com um fundo branco. Além disso, eu o uso quando há uma cena de luta inteira ou quando tudo parece errado. Por exemplo, neste meu capítulo, o antagonista é apresentado e uma briga acontece entre ele e os personagens principais. É por isso que mantive o capítulo inteiro e um fundo preto para dar a sensação de que algo está errado é diferente e algo assustador está prestes a acontecer ou está acontecendo. Mas o fato é que eu não mudo abruptamente o fundo de preto para branco, mas eu o percorro facilmente usando um gradiente. Então, por exemplo, aqui, mudei do fundo branco introduzindo um fundo claro que vai em direção ao cinza e depois vai para o preto. Então, à medida que o leitor está rastejando, o plano de fundo muda para ele. Não parece abrupto. E em vez de usar um gradiente, você também pode usar algum tipo de pincéis grunge para introduzir essa mudança. Por exemplo, aqui eu uso o pincel grunge, quando o personagem está prestes a liberar sua raiva. Então isso significa que não é uma transição muito suave. Além disso, brincar com os planos de fundo dos próprios painéis pode ajudar a invocar sentimentos diferentes com base no clima da cena. Uma dessas formas é adicionar simplificações. Por exemplo, este painel aqui não seria tão eficaz se eu removesse essas linhas e as mantivesse como um gradiente. Essas simplificações adicionaram a sensação de choque ou a câmera indo em direção ao rosto do personagem ou algo parecido. Da mesma forma, usar um flash beta como plano de fundo indica algum tipo de surpresa ou espanto. Por exemplo, aqui, usei uma daquelas imagens que vêm por padrão com o Clip Studio Paint e brinquei um pouco com as cores. Você pode brincar com as cores, se for o caso, brincando com a cor da camada em Propriedades da camada Eu a mudei de preto para essa cor para combinar melhor com o tom do meu painel. E então apliquei uma camada multiplicadora com um aerógrafo e foi assim que fiz com que ficasse assim. Você também pode adicionar ruído de fundo metas ou grunge, por exemplo, aqui neste painel, eu uso esse pincel que você pode encontrar nas ferramentas da Declaração em hachura. Você pode descobrir que isso vai para a nuvem e, ao usá-lo, você pode criar esse efeito. Há também os objetivos do pincel. Há também a escova de fricção. Todos esses pincéis realmente ajudaram a trazer a sensação de tensão na cena ou retratar essa tensão que o personagem está sentindo. Para mostrar como eu construí esse plano de fundo, primeiro adicionei um gradiente com essas cores. E então eu importei essa imagem dos ativos do Clip Studio, que, a propósito, você pode encontrar em padrões monocromáticos. E então você pode encontrar todos os tipos diferentes. Há elementos básicos que são apenas tons de verde. Há um gradiente, há hachuras cruzadas. Existem padrões que geralmente são usados para roupas e coisas assim. Mas tem isso de que eu realmente gosto do efeito e da sensação. Você tem sentimentos brilhantes e sentimentos sombrios. E também há uma textura que eu gosto muito. Pela textura, obtive o dobro da nuvem e diminuí sua opacidade. Em seguida, adicionei esse pincel sujo com uma cor escura e um modo de múltiplas camadas. Em seguida, adicionei um pincel mais sujo com uma cor roxa no fundo. Em seguida, adicionei uma camada de sobreposição com uma cor amarela na parte superior do painel usando o mesmo pincel. Por fim, uso o mesmo pincel, novamente com uma cor branca para finalizar a aparência do painel. Fazer uso dessas texturas pode realmente nos trazer alguns efeitos interessantes, por exemplo, neste painel aqui, usei essa textura de floresta primeiro e mudei essas cores brincando com essas cores aqui a partir das Propriedades da camada. E então apliquei essas linhas de ruído enquanto reduzia um pouco a opacidade para introduzir algum tipo de tensão na cena. E então eu também apliquei algumas linhas grosseiras em cima do próprio personagem para dar essa sensação de preocupação, pensar demais e meio que se sentir perdido. E se você notar aqui, eu não sombreei o personagem para dar a sensação de que o personagem perdeu a noção do ao redor e está realmente simplificado com esses looks básicos sem qualquer sombreamento complicado que possa fazer com que essa sensação de ouro se perca. E também adicionei um contorno branco ao redor do personagem para separá-lo um pouco do fundo. E se eu quiser tornar isso ainda mais eficaz, posso remover completamente as cores e simplificar a cena para uma aparência monocromática para indicar uma sensação de choque mais profunda. Por falar em fundos prontos, você também pode encontrar alguns coloridos examinando os materiais sob o padrão de cores, você pode encontrar efeitos e sensações, que também têm um material brilhante e um som escuro coisas, que eu usei nesta cena, por exemplo, eu uso essa de choque para indicar a sensação de que eles estão lutando e que as coisas estão explodindo entre eles. Finalmente, meus tipos favoritos de planos de fundo, que são os planos de fundo sem fundo. Basicamente, mantendo o fundo branco e adicionando luz de fundo ao personagem, posso dar a sensação de o personagem estar imerso em seus próprios pensamentos e esquecendo tudo sobre seu entorno. E também é útil quando o personagem está tendo um monólogo profundo consigo mesmo. E está questionando o que está acontecendo e coisas assim. Mas também gosto de usá-lo para indicar algum tipo de choque. Por exemplo, meu personagem, ele foi atacado. Então, para indicar que ela foi atacada e fazer com que parecesse mais impactante, não adicionei nenhum plano de fundo a esse painel e apenas adicionei a multiplicação. Há aqui uma textura ruidosa que dá a sensação de que tudo ficou em silêncio quando ela foi atacada. O painel a seguir também. O personagem vê esse bem-estar extremamente chocado e está com um olhar incrédulo nos olhos e sem palavras. Se percorrermos esses painéis novamente, podemos ter a sensação de que o tempo parou ou diminuiu quando essa ação aconteceu. Portanto, não ter experiência nesses painéis, na minha opinião, intensifica as emoções que eu quero que sejam transmitidas por meio deles. Então, sim, é por isso que é meu tipo de fundo favorito. E, claro, também é o mais fácil de aplicar. Você pode terminar esses painéis muito rapidamente. Basta fazer um sombreamento rápido para o personagem e, em seguida, colocar uma camada multiplicadora e adicionar um pouco de luz de fundo e pronto. Então, ao chegar a esse ponto, se você seguiu adiante, você esperançosamente chegou a um estágio em que está quase concluindo seu capítulo. E tudo o que resta é exportar suas imagens e, finalmente, publicá-las on-line. Então, na próxima lição, falaremos sobre como você pode exportar sua história em quadrinhos para torná-la adequada ao formato eletrônico , para que você possa carregá-la com facilidade. 27. 6-1 Exportando webtoons: Parabéns por terminar seu capítulo. Nesse estágio, você finalmente está pronto para exportá-lo e publicá-lo. Portanto, nesta lição, veremos como você pode exportar suas imagens de uma forma adequada ao suas imagens de uma forma formato de ajuste da web, principalmente para a plataforma eletrônica Canvas. Se você for um usuário X, poderá exportar todo o seu capítulo em imagens de uma só vez acessando Exportação de arquivos com dune. E então, aqui, certifique-se de ter todas as páginas usadas ou você pode especificar o intervalo das páginas que você deseja. Eu costumo usar todas as páginas e você especifica a largura a partir daqui. Eu especifico que a largura seja 800. Porque, se você se lembra do primeiro capítulo, falamos sobre como as diretrizes de tamanho da tela eletrônica têm 800 por 1.280 pixels de altura. Então, estamos aqui apenas especificando a largura. Mas quanto à altura, podemos defini-la a partir dessas configurações em Configurações de exportação de arquivos, escolher essa última opção, dividir verticalmente e alterar esse número para 1.280 pixels. Então, isso mostrará o número de arquivos que você receberá. Finalmente, a partir daqui, você pode escolher o destino onde deseja que seus arquivos sejam salvos e, em seguida, definir o nome como o número do seu capítulo ou episódio. E, finalmente, quero falar sobre o formato do arquivo. Então, como estamos salvando nossos arquivos como imagens, temos dois formatos, PNG e JPEG. Jpeg é um formato que comprime imagens. Portanto, ao definir a qualidade, você pode definir como compactar suas imagens. Se você quiser salvar suas imagens com a melhor qualidade possível, defina-as para 100%. Ou você pode diminuir essa qualidade para reduzir o tamanho do arquivo. Mas, pessoalmente, eu realmente não gosto de salvar em JPEG porque notei que, ao fazer o upload na Web, duas no Canvas, mesmo que você tivesse, sua imagem JPEG é salva em alta qualidade, pois são de No formato JPEG, o tom da web tende a comprimi-los ainda mais. Então você tende a ver algum ruído em suas imagens. E eu realmente não gosto de ver isso porque trabalho muito para melhorar a qualidade da minha história em quadrinhos e quero meus leitores também gostem dessa alta qualidade. Então, em vez de JPEG, eu escolho o formato PNG. formato PNG preserva a qualidade de suas imagens , oferecendo a melhor qualidade de exportação possível. Vou pegar um PNG e você clica em OK para exportar minha música na web. Pode levar algum tempo se você exportar todas as páginas de uma vez porque está processando um grande número de arquivos. Então, espere um pouco. A velocidade será diferente com base nas especificações do seu computador. Quando a exportação estiver concluída, você verá todas as imagens exportadas no destino da pasta que você especificou e seus slides , prontos para serem carregados. Cada imagem aqui tem as dimensões de 800 por 1.280 pixels e todas são salvas no formato de arquivo PNG. Agora, se você estiver usando a versão Pro do Clip Studio Paint, também poderá exportar seu trabalho no Capítulo exatamente da mesma maneira, exceto que precisará fazer cada página separadamente. Então, por exemplo, digamos que esta seja a primeira página do seu quadrinho. Em seguida, você acessa File export web tune e o salva aqui, mas o chama de Capítulo 9.1, por exemplo, para que seus arquivos não fiquem confusos. Então, isso é 9.1 e então você o salva. E então você vai para a página dois e depois a exporta como 9.2 e assim por diante. É exatamente da mesma maneira. Agora, voltando às nossas imagens exportadas, fato salvamos nossa história em quadrinhos e a mais alta qualidade possível. No entanto, há uma coisa. Se você estiver enviando sua história em quadrinhos para o F2 on Canvas, você tem um limite de tamanho de imagem de 20 mb por capítulo. Isso significa que todas as imagens que você enviar para o seu capítulo devem ter um total máximo de apenas 20 MB. Há alguns casos em que o total de arquivos pode ser maior do que isso. Por exemplo, meu capítulo aqui tem um total de 20,8 mb. Isso significa que não poderei fazer o upload de todas as imagens como estão. Agora, é claro, se você salvar todo o capítulo no formato JPEG e diminuir a qualidade, provavelmente conseguirá ajustar todas as imagens abaixo do limite de 20 megabytes. Mas no meu caso, como eu disse, eu valorizo a qualidade acima de tudo. É por isso que ainda quero fazer o upload do formato PNG, mas quero otimizar um pouco meu pai. A maneira como descobri isso é bem simples, na verdade. Vou dar uma olhada em todos os tamanhos das minhas imagens individualmente. Então, vou clicar com o botão direito aqui e definir minha visão como detalhes. Em seguida, abaixo do tamanho de u, clicarei nele para organizar minhas imagens em uma pasta descendente com base em seu tamanho. Então, eu posso ver que todas as minhas imagens estão bem, exceto as quatro imagens principais. Este tem quase 2 mb. E por falar em Web two no Canvas, cada imagem também não pode ultrapassar 2 mb. Portanto, mesmo que seu total fosse menor que 20 MB, mas você tivesse uma imagem com mais de 2 MB, ainda precisará reduzir seu tamanho. De qualquer forma, estamos fazendo isso agora. De qualquer forma, vou verificar essas quatro imagens. Vou clicar duas vezes e verificar. Esta é uma imagem que tem um tamanho grande, por exemplo, e eu sei por que ela tem um tamanho grande porque há tantos pixels diferentes e tantas cores nessa imagem. É por isso que tem um tamanho maior. E o mesmo vale para essas imagens. Então, vamos resolver esse problema com esses poucos arquivos. Em primeiro lugar, se você for um usuário X, feche o arquivo de gerenciamento de páginas e, em seguida, arraste essa página que você deseja otimizar para o Clip Studio Paint para abri-la e, em seguida, vá para Exportação de Arquivo único camada e, em seguida, escolha JPEG somente para que esta imagem a salve como JPEG. Em seguida, escolha o mesmo destino que você salvou seus arquivos anteriores. Em seguida, clique em Salvar aqui, basta alterar a qualidade para 90 em vez de 100. E, em seguida, clique em OK. Essa é uma prévia da exportação da imagem. Vou clicar em OK. E agora, quando verifico meus arquivos, tenho uma nova imagem salva como JPEG com 500 kb de tamanho apenas em comparação com 1,8 MB antes da compactação. Portanto, se eu selecionar que minha imagem agora está sem a imagem problemática , reduzi o total dos meus arquivos para 19,5 MB. E isso significa que posso fazer o upload dessas imagens para o E2 e o Canvas sem nenhum problema. Se você quiser verificar a qualidade das duas imagens , podemos colocá-las lado a lado para comparação. E, na verdade, olhando para eles como estão agora, é muito difícil dizer qual é o jpeg e qual é o PNG, a menos que eu veja o título do arquivo aqui. Então, este aparentemente é o arquivo jpeg. Como o salvamos com 90% de qualidade, realmente não conseguimos perceber a diferença facilmente entre eles. Mesmo quando eu fiz o upload para o web tune, não é muito perceptível ver a queda de qualidade porque essa imagem está cheia de ruídos e pixels. Portanto, embora o epsilon Canvas tenha reduzido um pouco a qualidade da imagem, ela não é tão visível. Isso significa que dessa forma eu poderia preservar a qualidade do meu capítulo fazendo upload de tudo em PNG e comprimindo apenas as imagens que precisavam de redução. Agora que todas as imagens dos nossos capítulos estão prontas, na próxima lição, falaremos sobre o wept nas plataformas de publicação e sobre como publicar sua série. 28. 6-2 Webtoons de publicação: Finalmente estamos aqui. Finalmente estamos prontos para clicar nesse botão e publicar nossa história em quadrinhos. Então, vamos falar sobre as duas principais plataformas de publicação de músicas na web. O primeiro é escrito no Canvas com seção de criação para criadores de autopublicação. E o segundo é o status, que também dá espaço para os criadores publicarem seus quadrinhos. Então, vamos começar com wept on Canvas. É claro que, antes de tudo, você precisa estar cadastrado no site para poder publicar. E quando terminar de se inscrever e estiver logado, você verá o botão Publicar aqui. Então clique aqui porque eu não sou publicado, já fui criado. Está me mostrando minha série. Mas se você está apenas começando, clique em Criar série. Além disso, você pode definir os detalhes da sua história. Vou te mostrar um exemplo da minha história para que você tenha uma ideia melhor de que sua tela é história. Você pode começar com miniaturas, uma em formato quadrado e outra em formato vertical. Esse formato quadrado deve ter 1080 por 1080 pixels e não ter mais de 500 kb de tamanho, e só pode ser no formato JPEG ou PNG. Da mesma forma, para a miniatura vertical, ela deve ter 1080 pixels por 1.920 pixels e não maior que 700 kb. Agora, para a miniatura da história, com base na minha experiência até agora, recomendo fortemente que você não faça o que fiz aqui, onde a miniatura tem muitos personagens, mas se concentre em desenhar um ou dois personagens apenas na miniatura e no máximo três, eu diria, e têm algum tipo de história ou emoção na capa porque isso chama melhor a atenção do leitor. Eu não sabia que, quando criei minha capa de história, optei pelo estilo animus porque realmente queria criar um pôster como qualquer um quer para minha história. Mas de qualquer forma, vou refazer minha miniatura em breve e fazer um close-up de dois personagens em vez disso. E brinque com a iluminação e o sombreamento, porque é isso que realmente chama a atenção dos leitores. Então, depois de definir suas miniaturas, os gêneros da sua história. Para mim, escolhi meu gênero principal para ser fantasia, mas também ajuda a definir o segundo gênero, especialmente porque as inscrições de fantasia e a comédia geralmente estão saturadas de histórias na web, não no Canvas. Isso significa que a concorrência deles é muito alta. Então, ao escolher um gênero menos saturado para minha história, estou dando a ela a chance de aparecer mais no topo do segundo gênero, porque há menos concorrência lá, mas garante que o secundário o gênero ainda se aplica à sua história. E então, aqui, digite o título da história e o resumo. Tente manter seu gráfico resumido e envolvente para que o leitor se sinta à vontade para ler sua história e descobrir mais. E depois de terminar e salvar esses detalhes, você pode acessar seu painel. E no painel, você pode clicar em Adicionar episódio. Insira o título do capítulo aqui. Pessoalmente, não preciso dos meus capítulos. Eu acabei de numerá-los. E para a miniatura, o tamanho da miniatura deve ser 160 por 151 e não mais que 500 kb e somente JPEG ou PNG para a miniatura do capítulo. Sempre escolha uma foto interessante do seu painel que tenha algum tipo de emoção ou algo acontecendo que seus leitores fiquem intrigados ao clicar nesse episódio e ver o que está acontecendo. Pessoalmente, gosto de tirar fotos em close-up dos rostos dos meus personagens, especialmente aqueles que invocam algum tipo de emoção. Então, depois de adicionar a miniatura do capítulo, tudo o que resta é fazer o upload das imagens do capítulo. E isso pode ser feito com muita facilidade. Basta selecionar tudo daqui e arrastar e soltar. Ou, é claro, você também pode selecionar os arquivos desse botão aqui para carregá-los. Mas eu acho esse caminho muito mais rápido. Depois de terminar de fazer o upload, você pode reorganizar suas imagens arrastando e soltando. É claro que, na maioria das vezes, eles serão enviados em ordem, mas às vezes eles são enviados fora de ordem. Então, posso simplesmente consultar os números das imagens e reordená-los para que tudo fique bem. Finalmente, rolando para baixo, você pode adicionar uma nota do criador aqui, um pequeno memorando do seu capítulo. Você pode visualizar seu capítulo aqui para revisá-lo antes de fazer o upload. Então, eu posso experimentar a versão prévia móvel. Eu percorro aqui e verifico como está o ritmo do seu capítulo. Se achar que algo está errado , você sempre pode voltar aos seus arquivos de trabalho e ajustar o espaçamento entre os painéis e assim por diante. Você pode identificar erros. Às vezes, ouço que você não consegue identificar no software de desenho. Portanto, é uma boa ideia verificar seus arquivos aqui antes de publicá-los. Você também pode clicar em Preview PC para ver como ele fica nos computadores. Se você não quiser publicar seu capítulo imediatamente, clique em Salvar rascunho. Ou, se quiser publicar seu episódio, você pode clicar nesse botão imediatamente para publicá-lo imediatamente. Ou você pode agendá-lo clicando em agendado para mais tarde e definindo a data no horário. E eu clico em Publicar episódio. Quando estiver pronto para conferir seus episódios no painel, acesse Editar episódio. E você pode ver todos os seus capítulos aqui. E se você tiver um rascunho que ainda não publicou , ele também aparecerá aqui com um status escrito como rascunho. E você sempre pode voltar a editá-lo clicando no botão Editar. Uma última observação sobre o Web two no Canvas, eles dizem que é altamente recomendável que você faça o upload dos três primeiros capítulos de sua história em quadrinhos de uma só vez ao publicar sua história em quadrinhos. Porque isso dá aos leitores a chance de saber mais sobre sua história. E quando eles estiverem no terceiro capítulo da sua história, o aplicativo solicitará que eles assinem sua história em quadrinhos, caso ainda não tenham feito isso. Isso significa que você pode obter mais leitores dessa forma. Eu pessoalmente não sabia disso até mais tarde. O que eu recomendo é que você siga esse conselho quando estiver lançando pela primeira vez , pois isso pode ajudá-lo a conquistar mais leitores nessa fase inicial. Agora isso era para wet on Canvas. Quanto às tapas, você também precisa estar logado. E depois de fazer isso, acesse o painel e clique em nova série. Type US tem histórias em quadrinhos e novelas, mas queremos escolher a opção de quadrinhos. E então a mesma coisa aqui. Você precisa preencher os detalhes da sua série. Novamente, mostrarei os detalhes da minha série como exemplo, você pode definir o título da sua história em quadrinhos. E o bom é que você pode definir um URL exclusivo para sua história para poder digitar facilmente esse URL e redirecionar as pessoas para fazer isso e, em seguida, fazer o upload da miniatura da sua série. Seus requisitos são de 300 por 300 pixels para a miniatura quadrada. E depois coloque a descrição da sua história aqui. E então você pode fazer o upload da miniatura vertical, que eles chamam de capa de livro aqui, e o tamanho deve ser 961.440 pixels. Tap us também oferece a opção de adicionar um banner de série que aparece como um cabeçalho na sua página de quadrinhos. As dimensões do banner devem ser de 1280 por 460 pixels. E você também pode definir o link do banner para redirecionar as pessoas para outro site, seu site pessoal, por exemplo, I. Defina o meu para vincular ao meu canal do YouTube. E o bom é que você também pode ter um banner de anúncio personalizado. Então, por exemplo, eu coloquei um banner para o meu Patreon aqui e coloquei o link do banner para ir para minha página do Patreon. E, finalmente, selecione o gênero. Você pode selecionar até três gêneros, mas definir um como gênero principal. Então, novamente, eu defini a minha como fantasia. E você também pode adicionar tags que indiquem mais detalhes sobre os elementos da sua história. Então, por exemplo, eu adicionei um thriller que classifica fantasia moderna, poderes elementais e assim por diante. Quando terminar de criar sua série em seu painel, clique neste botão de adição aqui para adicionar um novo episódio à sua série. E a mesma coisa, novamente, adicione o título do seu capítulo. E você também pode arrastar e soltar suas imagens para que elas sejam carregadas. E você também pode reorganizá-los e verificar o pedido. Em seguida, você pode fazer o upload da miniatura do seu capítulo aqui. Mas as dimensões da miniatura aqui são de 300 por 300 pixels. Em vez disso. Há também a miniatura do xerife que você pode ajustar, que tira a primeira imagem do seu capítulo e você pode editá-la como quiser. Para mim, aqui eu tenho o logotipo, então não há necessidade de editar. E, finalmente, você tem a descrição e outras configurações. E quando seus arquivos terminarem de carregar, você também poderá visualizá-los acessando a pré-visualização e também em um celular ou desktop. Portanto, se clicarmos no celular, podemos ver a prévia do celular. Se clicarmos na área de trabalho, poderemos ver a prévia do PC. A propósito, toque em nós, os seguintes limites são diferentes e maiores do que o WEP no Canvas. Sua imagem pode ter no máximo 10 MB e não há limitação de altura na imagem. Você realmente não precisa cortar suas imagens. Mas como já fizemos isso , podemos simplesmente fazer o upload dos arquivos como estão. Porém, uma coisa a observar fraldas têm um limite no número de arquivos que você carrega. Assim, você pode fazer upload de mais de 60 arquivos. Então, se seu capítulo fosse muito longo, você poderia acabar com um número de arquivos de mais de 60. Então, talvez seja aí que você não precise realmente cortar suas imagens e ter uma altura maior para cada uma. Então, tudo isso se referia à publicação de sua série. Na próxima lição, falaremos sobre como você pode salvar uma linha ou uma versão em branco do seu capítulo de quadrinhos. 29. 6-3 salvando patas e espaços em branco: Nesta lição, quero mostrar como você pode salvar uma versão em branco de sua história em quadrinhos como esta sem os balões de fala nos efeitos sonoros para acompanhar seus arquivos, caso queira exportar suas imagens sem texto para seu uso pessoal e recursivo como artista. E também quero mostrar como salvar nossa própria versão de sua história em quadrinhos com apenas um balão de fala em branco. Portanto, caso você queira publicar seu quadrinho em um idioma diferente, quando quiser enviá-lo aos tradutores, você precisará fornecer a eles essa cópia. Vou mostrar como fazer as duas coisas em etapas muito fáceis e rápidas. Vamos primeiro salvar nossa própria versão do nosso capítulo com um balão de fala em branco , porque é muito fácil e rápido fazer isso. Mas antes de continuar, eu só quero observar que você precisará desativar todos os textos ou efeitos sonoros que você fez manualmente, por exemplo, nesta página aqui, eu tenho esse som manuscrito efeito, então vou apenas escondê-lo. E também aqui eu tenho esse pequeno comentário escrito à mão. Eu também vou esconder isso. E sem salvar nada, basta manter o arquivo aberto. Acesse seu fichário ou arquivo de gerenciamento para usuários do X e vá para Arquivo, exporte várias páginas e clique em exportar em lote. Escolha o destino do arquivo clicando nesse botão e escolha o formato do arquivo. Normalmente, opto pelo formato PNG novamente para preservar a qualidade e , em seguida, nomeio seu capítulo. Vou mantê-lo como Capítulo 13. E para o intervalo de páginas, vou clicar em Tudo. Em seguida, clicarei em OK nessas configurações. Certifique-se de desclicar o texto para que todas as camadas de texto não sejam salvas na imagem final. É literalmente isso. O principal passo importante que você precisa dar. E então eu mantenho todo o resto como está, exceto o tamanho da saída. Eu mudo a largura para 800 porque não quero que seja um tamanho muito grande. Já que em outros idiomas, eu pretendo principalmente publicar on-line e realmente não penso em imprimir em formato de livro mais tarde, a menos que eu realmente saiba que talvez tenha imprimido mais tarde e especificamente idioma em que eu o mantenho no tamanho original. Além disso, eu o defino para 800 pixels e depois clico em Ok, também vai levar algum tempo. Por aqui, há arquivos grandes e eles precisarão de tempo para renderizar uma exportação. Portanto, é muito fácil exportar para usuários X. Mas, novamente, para nossos usuários Pro, você pode seguir exatamente as mesmas etapas, mas não terá a opção de exportação em lote disponível. Então, siga as mesmas etapas, mas faça isso individualmente, salvando manualmente cada página sozinha até que você salve a coisa inteira. Então, agora, ao verificar meus arquivos, descubro que tenho a versão em branco dos meus quadrinhos salva em um formato de imagem pronta para os tradutores entrarem e visitarem esta praia. E ao fazer essa etapa, verifico pela última vez que não sobram centenas de textos e que tudo está em branco e pronto para ser traduzido. Se eu quiser salvar um formato em branco sem balões de fala ou textos , abrirei cada página do meu capítulo sozinha. E o que farei em cada página. Vou apenas esconder a pasta de texto e a pasta de efeitos sonoros. Se eu tivesse um, eu o esconderia em cada página para ficar apenas com as imagens. Eu não vou salvar esses arquivos. Vou mantê-los como estão, mas voltarei ao meu arquivo de gerenciamento de páginas. E eu posso ver a prévia aqui. Não há balões de fala, são balões, também não há efeitos sonoros. A partir daqui, vou para Arquivo, exportarei várias páginas, exportarei em lote e escolherei o destino a partir daqui. Mas para o formato do arquivo, quando digo minhas linhas, quero que elas sejam salvas com a melhor qualidade possível. Assim, posso escolher formatos de imagem como PNG. Prefiro não fazer isso porque às vezes tenho páginas longas com uma altura de mais de 30.000 pixels. E todo o formato de arquivo de imagem não suporta imagens tão longas. E mesmo o formato de arquivo do Photoshop, PSD não suporta isso. Descobri que escolher o formato PSB funciona melhor é chamado de documento grande do Photoshop. Eu escolho esse e qual é esse formato, posso salvar imagens com mais de 30.000 pixels. Então eu vou para o PSP e clico em combinar e exportar imagem. Novamente, eu especifico o intervalo de páginas como sendo tudo. E então clique em OK, aqui, vocês ainda se certificam de que nada esteja marcado. E quanto ao tamanho da saída, quero salvá-la em 100 por cento. Então, vou escolher a taxa de escala dados originais e defini-la para 100%. E, em seguida, clique em OK. Novamente, essa exportação em lote sempre levará tempo, especialmente agora que estou renderizando em tamanho real. Então, eu simplesmente vou fazer outra coisa quando estou fazendo essa etapa para não sentir que está demorando tanto. E, novamente, para usuários profissionais, você ainda pode seguir as mesmas etapas, mas fazer isso individualmente para cada página. Quando terminar de exportar, feche esses arquivos e não os salve porque quero que minhas páginas de quadrinhos permaneçam como estão, nada oculto. Então eu misturo para não guardar nada. E como você pode ver, eu posso ver os balões de fala aqui novamente, já que eu não sobrescrevi meus arquivos. E agora minhas imagens exportadas terão a seguinte aparência. Lá e no formato PSP. E ao abrir e verificar cada página individualmente, salvei minha história em quadrinhos apenas com imagens, sem texto, sem balões de fala, do jeito que está que eu possa preservar minhas obras de arte para meu registro pessoal, para compartilhar também nas redes sociais. Eu copio e colo e os salvo sempre que quero compartilhar essas imagens. Isso conclui este capítulo. Até agora, espero que você esteja bem equipado com o conhecimento necessário para contornar isso e também explorar seus próprios caminhos ao longo dessa jornada. No próximo capítulo bônus, quero falar sobre coisas e tarefas não relacionadas ao desenho, mas são muito importantes para seu trabalho geral no campo de ajuste da web. Então, na próxima lição, falarei sobre como fazer backup de seu trabalho e seus dados. 30. 7-1 Fazendo backup de seu trabalho: Tudo bem, vamos falar sobre como fazer backup de seus arquivos. Como você trabalhou muito em sua história em quadrinhos, certifique-se de armazenar seus arquivos e preservá-los em um local seguro, enquanto você pode fazer cópias de seus arquivos e salvá-los em um armazenamento portátil. discos, como discos flash, por exemplo, ou discos rígidos externos. Eu aprendi uma lição muito importante, da maneira mais difícil. Nunca usei dispositivos físicos. Sim, você pode criar cópias neles, mas não conte apenas com eles. Pela minha experiência, perdi uma grande quantidade de meus arquivos duas vezes em cinco anos porque os interessei por discos de armazenamento físico que falharam em mim do nada, assim eles pararam trabalhando sem que eu faça nada. É por isso que, depois da segunda vez, tomei a decisão de começar a usar os serviços em nuvem Eles são a solução e a opção mais segura atualmente para manter seus arquivos preservados. Obviamente, você ainda pode armazenar cópias de seus arquivos em discos de armazenamento físico, mas eu realmente recomendo que você faça backup de seus arquivos na nuvem. Você pode usar qualquer serviço de sua preferência. Pessoalmente, meu favorito é o Google Drive. Eu disse que meus arquivos deveriam ser copiados automaticamente para que fossem apagados imediatamente após eu salvá-los. Fazer isso também me dá o benefício de me permitir trabalhar em computadores diferentes sempre que eu quiser, já que meus arquivos estão comigo em qualquer lugar. Portanto, é fácil alternar entre dispositivos. E outro benefício de fazer backup de seus arquivos na nuvem é que ele permite restaurar versões mais antigas de seus arquivos. Portanto, caso você faça alterações indesejadas quando estiver trabalhando ou algo dê errado por engano e você perca alguns dados e o processo, basta acessar o Serviço de Nuvem e fazer o download uma versão anterior do seu arquivo antes que as coisas dessem errado. E isso aconteceu comigo várias vezes e me salvou de momentos desagradáveis. Digamos que. Eu recomendo fortemente que você faça backup de seus arquivos na nuvem. E à medida que sua história em quadrinhos cresce e seus arquivos crescem, não faz mal investir em armazenamento extra porque, como dizem, é melhor prevenir do que remediar. Então é isso que faz backup de seus arquivos. Na próxima lição, falaremos sobre como documentar seu progresso no trabalho. 31. 7-2 documentação de progresso: Agora eu quero falar com você sobre como eu acompanho meu progresso em cada capítulo, para que eu saiba quanto trabalho eu fiz por dia e quanto tempo o capítulo demorou para eu terminar? Então eu faço isso com a planilha que eu criei para mim. Esse dispositivo de planilha funciona com o tempo. Portanto, a linha superior já tem a data e cada linha representa um painel. É por isso que eu disse que numero meus painéis quando crio seus amigos em meu arquivo de trabalho para que eu possa rastreá-los facilmente. Então, por exemplo aqui no Capítulo 11 da minha música na web, eu tenho 38 painéis, então eu posso 38 linhas, cada linha para cada painel. Dessa forma, posso acompanhar meu progresso no painel a cada dia que passa. Eu faço isso clicando nesta seta aqui e escolhendo o estado em que meu painel está agora. Então, essas são as fases que eu documentaria. Então, eu documento letras, esboços, arte de linha, cores básicas, sombreamento, plano de fundo e finalização. Então, como vimos no progresso desta aula, eu escrevo as letras antes de tudo. É por isso que a primeira coluna está cheia de letras e, por exemplo quando eu desenho no painel , clico aqui e escolho um esboço para saber que eu desenhei neste dia. Se eu fizesse meu esboço às terças-feiras , por exemplo, eu o manteria como um esboço nesses dois dias e só o alteraria quando eu passasse para a próxima fase. Fazer isso me ajuda a ver meu progresso geral no capítulo, por exemplo, I. Terminei de trabalhar apenas no Capítulo 11.14 dias, que é realmente o caso ideal. E eu não trabalhava todos os dias. Eu até documentei meu fim de semana aqui. Eu posso ver que esse capítulo foi feito em tempo hábil. Mas é claro que às vezes a vida acontece e um capítulo pode levar muito mais tempo do que isso. Então, é realmente apenas uma maneira de você ver quanto tempo demorou para terminar o capítulo. Salvei um modelo em branco que compartilharei com você nas notas da aula para que você possa tentar usá-lo por si mesmo. O que você precisa fazer é decidir seu prazo. Por exemplo, você pode adicionar mais dias copiando colunas com Controle C e depois colando-as com Controle V. E então aqui disse que elas, que você está começando. E então, basta arrastar isso para que você tenha datas em todas as suas colunas e ajuste o número de seus painéis a partir daqui, por exemplo , se você tivesse 40 painéis, basta clicar na última célula arraste-o para baixo até obter 2Ls e, em seguida, copie o URL e cole-o nessas duas novas funções. E então você pode começar a documentar seu progresso. Quando eu marcar o painel como finalizado, gostaria de copiar uma célula em branco e depois colá-la sobre o resto das células. Esta é uma etapa extra que eu faço por mim mesma para poder ver facilmente o que terminei e o que resta. Também pinto o fundo das células dos painéis que terminei de uma forma que me mostre a tela na qual estou trabalhando, por exemplo, a primeira tela ou página do meu capítulo tinha seis painéis. Então, colorindo todos esses seis painéis acabados com a mesma cor. Sei que terminei a primeira página do meu capítulo e faço a mesma coisa na segunda página, terceira página, quarta, quinta e assim por diante. Novamente, essa também é uma etapa extra que eu gosto de fazer por mim mesma, mas eu queria mostrar como eu acompanho meu progresso. Espero que você também ache essa planilha útil se quiser acompanhar seu próprio progresso. Na próxima lição, falarei sobre como você pode promover sua música de trabalho. 32. 7-3 Promovendo webtoons: Agora vamos falar sobre como promover seu trabalho realizado. Agora, publicar na Web two in Canvas pode trazer alguns leitores para você, mas não conte com ela como sua principal fonte, pois a concorrência é muito alta. Portanto, não é fácil ser notado, a menos que sua vírgula seja apresentada pelos dois e pela equipe da Web e apareça e eles recomendem essas seções, então você provavelmente não receberá um número significativo de leitores. Não confie apenas nisso e espere ser descoberto. Faça uso das mídias sociais. Crie seus próprios perfis nas redes sociais de sua preferência e compartilhe seu trabalho. Dê a você uma história em quadrinhos, a chance de alcançar mais pessoas. Eu recomendo fortemente que você crie um pequeno site onde você possa reunir todos os seus links para que as pessoas possam ver facilmente toda a sua empresa em uma página. Eu recomendo que você use o cartão. É um site gratuito e você pode criar um site simples e interessante com imagens e links e botões bonitos para que você possa compartilhar tudo o que você faz em um só lugar. Ou você também pode usar a árvore de links, qual você pode criar uma página com aparência mais simples. Agora, quando se trata de mídias sociais, tenho vários pontos que quero compartilhar com você. Antes de tudo, crie uma hashtag para sua história em quadrinhos e digite-a em seu perfil porque ela é clicável e, tanto no Instagram quanto no Twitter, para que as pessoas possam clicar instantaneamente nela e ver suas postagens relevantes sobre ela. Eu também recomendo usar a hashtag lepton Canvas e a música esquerda para que você possa descobrir outros criadores e fazer hashtag lepton Canvas e a música esquerda para que você possa descobrir com que outros criadores descubram você. Eu faço isso tanto para minhas postagens no Instagram quanto no Twitter. Então, a cada novo post do iMac sobre minha história, eu me certifico de usar minha hashtag, e a hashtag eletrônica do Canvas também funcionou no Canvas. As coisas estão realmente ativas nas mídias sociais. Eles criam muitas atividades das quais você pode participar, compartilham os trabalhos dos criadores e ajudam a promovê-los. Portanto, é realmente uma boa ideia segui-los em suas redes sociais para que você se torne parte da comunidade e esteja atualizado com as últimas novidades em uso. Eles também criaram um servidor de discurso oficial para criadores do Canvas. Ele pode se juntar a esse servidor de discursos depois de você publicar pelo menos três capítulos de sua história em quadrinhos Entrar no servidor é uma ótima maneira de conhecer outros criadores e nós faremos conexões. Você pode fazer uma mútua e o servidor. Além disso, faz com que leitores de dentro dos criadores também vejam sua história em quadrinhos. E você também pode descobrir muitos criadores e quadrinhos incríveis. Portanto, é uma situação em que todos saem ganhando. Você também pode obter dicas úteis da comunidade e também ter a chance de participar de seus workshops. Eles são muito ativos. Então, se você quiser esse tipo de comunidade , eu o recomendo fortemente para você. Por fim, quero falar sobre o tipo de comentário a ser compartilhado nas mídias sociais. Embora compartilhar imagens seja ótimo, elas nem sempre recebem tanta atenção quanto vídeos curtos, que estão na moda hoje em dia. Por vídeos curtos, quero dizer o estilo TikTok de vídeos feitos para uso em smartphones. Então, por exemplo, você pode usar o TikTok ou o Rails nos shorts do Instagram ou do YouTube. Na verdade, depois de criar um pequeno vídeo, você não perderá nada compartilhando-o em todas as suas mídias sociais, incluindo Twitter e Facebook. Alguns vídeos podem se sair melhor em determinadas mídias sociais do que em outras. Então você não está realmente perdendo nada ao publicá-lo em vários lugares. Quanto às ideias de conteúdo de vídeo curto que eu posso recomendar, existem várias coisas modernas. O mais fácil é gravar sua tela e depois recortá-la, depois acelerá-la e enviá-la como um lapso de tempo. Mas você também pode fazer isso antes e depois do tipo de vídeo. Coloque seu esboço em cima da imagem final e apague-o para revelar a imagem final. Você também pode preencher algumas etapas em tempo real enquanto desenha. Então, é uma espécie de tutorial, mas não na verdade. Mostra às pessoas seus passos e a maneira como você faz as coisas. E você também pode gravar The Time loves e Clip Studio Paint. Por exemplo, eu gravei uma enquanto desenhava a capa da minha história e depois a extraí e publiquei. Você pode fazer isso no Clip Studio Paint facilmente acessando File time-lapse e clicando em Gravar lapso de tempo. Ele gravará cada etapa que você fizer enquanto desenha no seu Canvas. Quando terminar, você pode ir novamente para o arquivo time-lapse e clicar em Exportar lapso de tempo poder exportar um vídeo do seu lapso de tempo. E você pode brincar com as configurações aqui e clicar em OK para salvá-las. Obviamente, as mídias sociais são complicadas e continuam mudando com o tempo. Mas espero que essas dicas possam ajudá-lo pelo menos no momento atual. E eu recomendo que você esteja sempre atento e fique por dentro das últimas tendências para que você possa entender o que funcionaria melhor para você. Na próxima e última lição, falaremos sobre como monetizar sua música na web para que você possa obter alguma renda com seu trabalho. 33. 7-4 webtoons monetizando: Agora vamos falar sobre como você pode monetizar sua música na web e obter alguma renda com ela. Bem, monetizar a web de duas luas ainda é uma forma chave e desafiadora? Não é impossível. No entanto, como todo trabalho nas redes sociais, ele precisa de tempo e paciência para ser construído. É por isso que é realmente essencial não começar a trabalhar em sua história em quadrinhos apenas o propósito de ganhar dinheiro. Como esse tipo de meta não é suficiente para mantê-lo no caminho certo e nessa longa jornada, é importante trabalhar em sua música na web, em primeiro lugar por causa de sua paixão por ela e porque você ama isso. Confie em mim, é isso que o fará continuar apesar de todos os desafios que você enfrenta. Mas é claro que ajuda muito obter algum retorno, pelo menos por todo o esforço que colocamos em nosso trabalho. Não importa quão pequeno seja. Nesta lição, quero compartilhar com vocês algumas dicas e ideias atualmente disponíveis para ganhar dinheiro com sua web não funcionam. A primeira opção é monetizar a sintonia web nas próprias plataformas. Tanto o WEB quanto o tap us têm um programa de receita publicitária que os criadores geralmente podem, uma vez que atendam aos critérios. Quando você for aceito nesses programas anúncio aparecerá no final de seus episódios, você ganhará dinheiro apenas fazendo com que os leitores leiam sua história em quadrinhos. O valor depende totalmente das visualizações que você obtém. Portanto, não seria uma quantia significativa a menos que você tivesse centenas de milhares de visualizações. Mas, como dissemos, nosso lema é qualquer coisa melhor do que nada. Para acessar o endereço do seu programa no Electron Canvas, você precisa de 1.000 inscritos em sua história em quadrinhos e 40.000 visualizações mensais de páginas de sua série, o que pode ser bastante difícil, para ser honesto. Precisa que seus pacientes o acompanhem. Eu diria que deixe por um tempo enquanto tenta promover sua história em quadrinhos e deixe-a crescer o máximo que puder. Mas depois de atender a esses requisitos, você poderá se inscrever. Mas sua história em quadrinhos passará por um processo de revisão para garantir que atenda às diretrizes de quais dunas. Como você também pode ganhar dinheiro com a receita publicitária, eles exigem apenas 100 inscritos em uma de suas séries. Portanto, é muito mais fácil entrar em contato conosco. Mas isso também tem outro bom sistema de monetização. Se você tivesse 250 inscritos em um de seus quadrinhos, poderá ativar o suporte ao leitor. O botão Suporte será exibido na sua história em quadrinhos. Os leitores podem clicar nesse botão e apoiá-lo com tinta, que é a moeda que está disponível para você. Quando você receber tinta, ela será convertida em seu valor equivalente em dólares. Isso significa que ele é convertido em dinheiro que você pode sacar. Esse sistema é ótimo para obter suporte diretamente de fãs gentis e solidários. A segunda forma de monetização permite criar uma página patriarcal para seu trabalho e oferecer recompensas que as pessoas podem receber depois de se inscreverem no seu Patreon, por exemplo, você pode compartilhar conteúdo exclusivo e acesso antecipado aos seus capítulos e talvez a outros tipos de recompensas. É bom dar uma olhada no que outros criadores estão fazendo para obter ideias e inspiração deles. O bom é que você pode conectar elétron patriótico. O botão Canvas aparecerá em sua página de quadrinhos, onde as pessoas podem clicar nele e imediatamente serem direcionadas para sua página do Patreon. O terceiro método é vender mercadorias. Você pode criar March of your Comics, personagens, marcas e produtos de design que você pode vender para pessoas interessadas em comprar de você. Eu gosto mais de usar a bolha vermelha, pois eles têm uma grande variedade em seus produtos. Assim, você pode criar muitos produtos interessantes com grandes variedades de seus personagens de quadrinhos. E, claro, você pode experimentar serviços diferentes como printf full ou print, se eu, por exemplo apenas pesquisar serviços de impressão sob demanda e você verá que muitas opções aparecerão. Finalmente, você pode redesenhar e refazer o layout de sua história em quadrinhos para estar em formato de livro e publicá-la em serviços como Amazon, k d p, que também é um serviço de impressão sob demanda, para que você não precisa se preocupar imprimir cópias, inventário e coisas assim. Obviamente, essas não são as únicas maneiras. Pode haver muitas outras maneiras de ganhar dinheiro com a criação geral de conteúdo na Internet. Eu queria ser específico nesta lição, com resíduos diretamente relacionados à sua história em quadrinhos em si. No entanto, nunca se limite e esteja sempre atento às novidades que os artistas podem fazer para ganhar dinheiro. Especialmente se você quiser transformar isso em um trabalho que você faz em tempo integral. O mais importante de tudo, porém, não se esqueça de se divertir e se lembrar de aproveitar essa emocionante viagem de dar vida à sua história. 34. Conclusão: Parabéns, você finalmente chegou ao final desta aula. E até agora, estou realmente esperançoso de que você tenha dado primeiro passo para tornar seu sonho realidade. Na verdade, desde que você começou a trabalhar nisso , não é mais um sonho. Você está vivendo o sonho agora, e isso é só o começo. Essa será uma jornada incrível desafiadora e gratificante. Ao mesmo tempo, você descobrirá que desenhar sua música na web o tirará da sua zona de conforto e fará com que você tente aprender coisas novas que nunca pensou que faria antes. E, portanto, você verá que crescerá muito como artista. Em minha experiência pessoal, faz apenas um ano desde que comecei a desenhar minha música na web. A melhoria que os ratos que mataram realmente superou minhas expectativas. Não só melhorei em desenhar em geral, mas minha velocidade de desenho também aumentou muito. Eu costumava desenhar ilustrações digitais por anos e H me levava em média 5 horas ou mais. Agora eu posso desenhar ilustrações semelhantes com um melhor acabamento em nossas 3 h, mas eu não entenderia se eu dissesse que a melhoria que minhas habilidades obtiveram ao longo deste ano vale mais do que eu aprendi nos últimos cinco anos no total. Como minha música na web voltou a ser um hábito para mim, depois de praticá-la apenas algumas vezes por mês, isso me fez me desafiar muito. Andrew posa e faz planos de fundo. Nunca pensei que algum dia seria capaz de fazer o que é o poder da paixão? E porque nós, como teia a um artista, somos desafiados cada capítulo com painéis que não são tão confortáveis para desenharmos, mas temos que desenhá-los de qualquer maneira, para que a história seja contada no do jeito que imaginamos isso em nossas cabeças. E é assim que, durante todo esse processo, nossos limites são ultrapassados cada novo capítulo e a cada novo painel. E, sem perceber, podemos melhorar muito nossas escolas, eu ficaria mais do que feliz se você quisesse se juntar a mim em minha jornada de aperfeiçoamento e acompanhar minha história entrelaçada à medida que possível Com o passar do tempo, você também é mais do que bem-vindo. Para acompanhar meu trabalho nas minhas redes sociais e no canal do YouTube, eu ficaria muito feliz em ter você lá e espero que você encontre o que compartilho. Eles também são úteis para você. Estou muito ansioso para melhorar mais e crescer mais como artista ao prosseguir nessa jornada. E eu realmente ajuda que você também esteja animado para fazer suas próprias jornadas pessoais. Muito obrigado por participar desta aula e por me deixar fazer parte de seu caminho criativo.