Desenhando quadrinhos: guia para iniciantes

1. Introdução: Adoro ler gibis. Sabe o que é melhor do que ler quadrinhos? Desenho de quadrinhos. Meu nome é Marks. Sempre que tenho uma história que quero contar, sempre me recorro à minha forma de arte favorita. É por isso que eu tenho desenhado quadrinhos desde que eu era criança. Aprendi muito ao longo do caminho. Agora, eu quero ajudar outros artistas que estão curiosos sobre fazer seus próprios quadrinhos a começar sua jornada. Esteja você trabalhando em tradicional ou digital, criei uma aula repleta itens essenciais que qualquer aspirante a artistas precisa para começar. Cada capítulo da aula se concentra em parte do que faz da arte cômica uma forma de arte emocionante e única. Desde organizar personagens, configurações e balões de fala dentro de um painel até selecionar as ferramentas de desenho certas para o seu projeto, explorar o estilo e ilustrar histórias, cada lição é repleta de dicas profissionais e conselhos meus, assim como exemplos de artistas incríveis que inspiraram meu trabalho ao longo dos anos. Após a aula, vamos começar um projeto de classe que vai ajudar você passo a passo através do processo criativo de planejamento, esboços, um pinking sua própria história em quadrinhos. Se você é um ilustrador de qualquer nível de habilidade que está curioso sobre experimentar arte em quadrinhos, espero que esta aula seja um recurso divertido e útil que vai abrir seus olhos para as possibilidades da arte em quadrinhos. Nós dois sabemos que ler quadrinhos é legal, mas é hora de deixar os livros de lado e pegar um lápis. É hora de começar a desenhar quadrinhos. 2. Visão geral: Ei, bem-vindo à aula. Obrigado por se juntar a mim. Agora, antes de começarmos, eu só quero responder algumas perguntas básicas que você pode ter. Você deve ter notado que esta aula dura duas horas, então eu queria que você soubesse no que você está se metendo. A primeira pergunta é: quais são os objetivos desta classe? Meu objetivo aqui é ensiná-lo a entender e efetivamente usou os elementos básicos da Comic Arts para criar histórias envolventes. Agora, você tem que ser um ilustrador incrível para participar desta aula? Não. Vou ensiná-los a usar seu estilo de ilustração atual, talvez desenvolvê-lo através de alguns estágios de desenho e tinta. Mas também vou ajudá-lo, o mais importante, a ter confiança na sua habilidade de contar histórias. Você pode desenhar em qualquer estilo, desde que você tenha confiança em suas histórias. Em seguida, vamos falar sobre quais ferramentas você vai precisar para participar desta aula? No mínimo, você pode participar com um pedaço de papel de cópia e lápis. Se você quer ser um pouco mais chique, você pode pegar seu tablet de desenho ou você pode comprar alguns materiais de caneta e tinta na loja de arte. Estes são tópicos sobre os quais falarei na aula. Mas realmente se você quiser desenhar quadrinhos, você vai trabalhar com o que você tem disponível para você. Pode ser o marcador de Sharpie na sua cozinha, o que quer que tenha. Agora vamos falar sobre a estrutura da classe como um todo. É basicamente dividido em duas seções. Nós temos a parte da lição da classe, e então temos o projeto da classe que segue a lição. Deixe-me rever o que você encontrará em cada uma dessas duas seções. A lição é a primeira série de capítulos que vai ensinar como os quadrinhos e painéis funcionam. A lição se divide em três seções. Composição do painel, que é como desenhar caracteres e configurações dentro de um painel. Transições de painel, que tem um olhar sobre a variedade de maneiras que os painéis trabalham juntos para contar uma história e pintar painéis um olhar técnico sobre as ferramentas, digitais e tradicionais, que os artistas usavam para criar quadrinhos. Depois de terminar a seção de aula da classe, passamos para o projeto. Eu nos atribui um projeto simples, um quadrinhos de dois painéis esboçado e pintado, inspirado no tema, obsessão. Na seção do projeto você vai me ver trabalhar do início ao fim do meu próprio projeto de quadrinhos. Você terá a chance de ver exatamente como eu faço o trabalho feito. Vou levá-los por todas as minhas fases criativas de planejamento de uma narrativa, bem como gritar algumas das habilidades que aprendemos nas lições anteriores. Essa é a estrutura do curso. Como você pode ver, eu adoro criar visuais divertidos para mantê-lo envolvido e ajudar essas idéias a ficar em seu cérebro. Bem, isso é tudo o que tenho a dizer por enquanto. Vamos para a aula. 3. Aula: entendendo o painel: Vamos começar com um pequeno experimento científico. Vamos dissecar um painel de quadrinhos comum. Agora, quando você desmonta um painel, você está olhando para quatro elementos básicos: o quadro, o balão de fala, os caracteres e a configuração. Um artista de quadrinhos pode organizar esses quatro elementos de todas as maneiras. Mas no final do dia, um painel de quadrinhos é uma ferramenta narrativa e seu arranjo deve ser usado em serviço de uma história. Antes de falar sobre os elementos do painel, vamos nos lembrar do objetivo geral do painel de quadrinhos. Isso é envolver o leitor. Queremos usar um painel para convidar o leitor para nossa imaginação e conectá-los com a experiência de um personagem. Um painel de quadrinhos precisa ser um equilíbrio de duas agendas criativas. Primeiro, você deseja projetar seu painel de uma forma que os torne claros e fáceis de entender pelo leitor. Mas, por outro lado, você também quer representar sua voz ilustrada e autoral. Você quer dar-lhes um pouco de estilo. É claro que é preciso praticar para encontrar esse equilíbrio, mas também é preciso compreender os elementos do painel e como fazê-los funcionar eficazmente. Agora que temos objetivos para o nosso painel de quadrinhos, vamos desmontá-lo e falar sobre como cada um desses quatro elementos pode ser usado de forma eficaz. Em outras palavras, estamos aqui para ver o que fazer e não fazer de um bom painel de quadrinhos. Vamos começar com a moldura. O quadro é a força invisível por trás de todos os quadrinhos. Respeite essas quatro linhas e você será um artista de quadrinhos muito melhor. Não pense em seu quadro de quadrinhos como uma caixa na qual você pode espremer um desenho dentro do. Seu quadro não deve parecer um espaço bidimensional. A parte inferior do seu painel não é um piso, e a parte superior não é um teto. Usar um painel dessa forma rouba sua imaginação de oportunidades criativas, e isso tornará seus painéis desinteressantes. Pense no seu quadro como uma lente para o mundo do seu personagem. Tratá-lo como uma lente trará profundidade visual para suas ideias e achará seu painel um ponto de vista narrativo. São coisas muito boas. A seguir é a bolha de fala. As bolhas de fala levam tanto planejamento e desenho quanto a outra arte em seu painel. Dê-lhes o respeito que merecem. Não desenhe seu balão de fala primeiro e, em seguida, espero que você possa encaixar o texto dentro. Nunca funciona. Texto apertado faz uma história em quadrinhos não é divertido de ler. Não permita que as bolhas de fala interrompam a linha ocular de um personagem. As bolhas de fala nunca devem interromper uma cena de forma alguma. Além disso, não anexe bolhas de fala à boca de um personagem. Coloque o texto no painel antes de desenhar o balão de fala. É melhor integrar o texto no terço superior do quadro. Permita que o balão de fala seja cortado pelo quadro, se necessário, especialmente se isso significar dar mais espaço ao texto. Permita-se tempo com suas letras. Faça-os ousados e limpos. Às vezes ajuda a escrever em todas as maiúsculas. Vai abrandar sua caligrafia. Uma vez que os painéis de banda desenhada são frequentemente pequenos, as maiúsculas ajudarão o seu trabalho de linha a manter a sua clareza. Por favor, considere onde suas bolhas de fala estão posicionadas. Eles devem ser imaginados como flutuando acima e logo atrás da cabeça de um personagem, e na frente de elementos de fundo na configuração. Em seguida, temos os personagens. Os personagens irão guiar grande parte da composição do seu painel. Sabendo quem eles são, o que eles querem, o que eles estão fazendo neste exato momento no tempo, permitirá que você faça escolhas de composição claras e interessantes. Não dar expressões aos seus personagens e colocar seus corpos e poses. Se você precisar de mais informações sobre rostos de desenhos animados e linguagem corporal , confira meu canal Skillshare para ver as aulas sobre esse tópico exato. Assim como com balões de fala, enquadre cuidadosamente seus personagens no painel. Lembre-se, sua moldura é uma lente, então, por favor, amplie a ação e expressões faciais, para que seu leitor não perca o que está acontecendo na história. Por favor, capture seus personagens em momentos envolventes e emocionantes. Não desenhe seus personagens em poses de madeira e simétricas, isso drena os personagens da vida. Por favor, aprenda a desenhar seus personagens em poses naturais. Conecte-se às linhas dos olhos dos personagens para impor interações. Não sobrecarregue um painel com caracteres. O leitor não terá ideia no que deveria estar se concentrando. Do outro lado das coisas, não deixe espaços vazios gigantes. Os leitores vão assumir que você está fazendo isso de propósito, e eles vão interpretar sua composição como algo significativo. Por último, mas não menos importante, temos o cenário. A configuração transmite a hora e o lugar em que seus personagens estão vivendo. As configurações são importantes, mas não devem distrair a ação do personagem. Os nots da configuração podem ser resumidos em uma pequena frase; não crie tangentes em seu painel. O que são tangentes? Bem, tangentes são intersecções de uma linha que implicam uma relação que o artista não pretende. Uma tangente acontece quando duas linhas de objetos completamente diferentes interagem de forma coincidente. Uma linha de plano de fundo cria um canto de distração contra um caractere, ou a curva de um caractere cai em um elemento de plano de fundo. É fácil evitar tangentes, se estiver cuidando delas. Agora, aqui estão algumas coisas simples para evitar tangentes. Antes de desenhar um personagem, estabeleça uma linha do horizonte ou outros elementos estruturais da sala, para que você saiba onde seus personagens se encaixam neste espaço. Evite tangentes sobrepondo e deixando espaço distinto entre os objetos. Para aprimorar suas configurações, deixe que seus personagens interajam com seus ambientes, colocando-os dentro da configuração, não apenas na frente dela. Agora, quando você usa todos esses quatro elementos juntos de uma maneira bem planejada e significativa, você está criando um painel de quadrinhos funcional. É tão simples, realmente. Mas é claro, não estamos aqui por painéis funcionais. Queremos fazer incríveis painéis artísticos, criativos e incríveis. No próximo capítulo, vou levá-lo um passo mais perto desse objetivo. 4. Aula: painéis de representação: Encenação é como o artista de quadrinhos usa os quatro elementos para planejar seu painel. A encenação deve ser clara e legível, agradável aos olhos e apoiar a história que você está tentando contar. Parte da preparação é aprender a trabalhar com o espaço negativo do painel. Os painéis de quadrinhos tendem a ser pesados por causa da gravidade e pode ser fácil projetar um painel com muito espaço negativo. Para evitar espaço vazio excessivo, crie miniaturas de seus painéis usando silhuetas de caracteres em geometria simples. Agora vamos ver como a configuração, caráter e o enquadramento são todos usados na preparação. Quando se trata de cenário, um artista de quadrinhos é como um cenógrafo. Eles podem adicionar e remover elementos de primeiro plano, médio e plano de fundo para direcionar a atenção do espectador. Por exemplo, adicionar elementos de primeiro plano pode enquadrar a ação em um painel. Remover detalhes de fundo pode chamar mais atenção para o comportamento de um personagem. Quando se trata de palco na configuração, estas são apenas algumas maneiras de direcionar a atenção do seu leitor. Tente mudar suas configurações e diferentes maneiras de aprimorar seu preparo. Agora, quando se trata de encenar um personagem, você precisa pensar como um ator e diretor ao mesmo tempo. Pergunte a si mesmo, em que estado emocional eu capturei esse personagem e como eu representá-lo? Essa resposta pode não vir em um desenho. Em um pedaço de papel separado, use alguns esboços simples em miniatura para elaborar ideias sobre personagem, encenação e posar. Pregar o polegar é a melhor maneira de responder a essas perguntas antes de desenhar qualquer coisa dentro do seu painel. Pergunte a si mesmo: “Qual pose reflete o estado emocional do personagem neste momento?” É útil tentar diferentes variações na linguagem corporal e expressão facial para descobrir o que lê melhor. Vou te dizer isso, em desenhos animados e quadrinhos, exagero é sempre melhor. Pratique exagerando uma expressão facial de antemão. Em seguida, quando você colocá-lo em seu painel, melhorá-lo ainda mais adicionando algumas linhas emotivas. Os leitores adoram saber como seu personagem responde à sua situação. Os caracteres devem estar sempre respondendo. Deixe-os ficar lá olhando para o espaço. É através do personagem que um leitor se envolve com sua narrativa. A arte da banda desenhada remonta à história. Sempre teve seu próprio estilo visual, mas desde que a IA moderna é treinada em contar histórias visuais pela estética da fotografia e do cinema. Só faz sentido que a terminologia do quadro do painel de quadrinhos use esses meios populares como pontos de referência. É por isso que quando você está falando sobre enquadrar um painel, você pode usar termos como tiro longo, tiro médio e close up. Agora, esses três nomes estão referindo a localização da câmera em relação ao ator ou personagem. Mas a coisa mais importante a entender é como enquadrar afeta sua narrativa. Se você optar por enquadrar com um tiro no escuro, saiba que um tiro no escuro geralmente está estabelecendo onde uma cena ocorre. Muitas vezes é o caso de que um tiro no escuro não tem nenhum dos personagens principais da história nele. Dessa forma, o leitor tem a oportunidade de aproveitar os detalhes do mundo, antes que a história comece oficialmente. Um tiro no escuro requer encenação de elementos de primeiro plano, médio e fundo e um pouco de um senso de perspectiva. Um tiro médio mostra ação ou conversa entre personagens e sua configuração. É o estilo de enquadramento mais comum que você provavelmente usará. Depende do seu estilo e do seu foco do painel, mas você provavelmente pode se safar com encenar seus personagens apenas em meio a elementos do solo. Um close-up enfatiza o estado de ser de um personagem ou seu diálogo. Muitas vezes, é melhor deixar de fora os detalhes da configuração e incluir apenas elementos visuais que irão melhorar o close up. encenação geral é como o artista de quadrinhos direciona o leitor para se envolver com a história. Quando você olha para uma página de quadrinhos completa, você verá como o artista de quadrinhos utiliza diferentes tipos de encenação em cada painel para manter o leitor constantemente envolvido. Quanto mais você entender as técnicas de encenação, melhor você pode fazer sua própria história. Para obter uma melhor compreensão, vejamos exemplos de como alguns dos meus artistas de quadrinhos favoritos encenam seus painéis. 5. Aula: exemplos de bons painéis: Vejamos três exemplos de como o enquadramento, os balões de fala, os personagens e a configuração podem ser usados para incentivar um leitor a se envolver com uma história. Começaremos com o painel do livro vencedor do prêmio Jason Lutes, Berlim. Sua história se passa entre 1928 e 1933 em Berlim, Alemanha. Oferece ao leitor um olhar íntimo sobre a vida dos cidadãos alemães durante o declínio de sua república de longa data. Este painel se estende por toda a largura de uma página. Está ocupando espaço que poderia ter sido usado para mais um ou dois painéis adicionais. Mas o Sr. Lutes usa um único painel porque ele obtém tanta informação de apenas um momento. O enquadramento dele encena a cena de uma forma voyeurística. Estamos em frente a uma janela do lado de fora de uma casa. É uma casa que foi vandalizada de mais de uma forma. Vemos o que é provável que seja alguma propaganda política ou discurso de ódio rabiscado na parede externa. O Sr. Lutes é inteligente para obscurecer as palavras para que não entendamos o que elas estão dizendo, e, portanto, nossa atenção é afastada de qual é o foco principal do painel. Agora olhamos para o quadro da janela, que funciona para enquadrar a história real deste painel. Estamos mostrando o resultado de um ataque, um anel de vidro quebrado, que cria um círculo apertado em torno deste cenário doméstico. Um homem e uma mulher ficam em poses rígidas logo atrás da mesa da sala de jantar, chocados com o que aconteceu. O desânimo da mulher é ainda enfatizado pela encenação do quadro da porta ao seu redor. Observe como ela está silhueta contra o preto, enquanto o homem quase desaparece na cortina branca. Nosso próximo exemplo, estamos olhando para um painel do livro de Bryan Lee O'Malley, Scott Pilgrim. É uma história em quadrinhos sobre um 20 algo sem rumo que se encontra o herói de sua própria história enquanto ele tenta conquistar o coração de uma garota chamada Ramona Flowers. Esta é uma cena de Scott e Ramona como a primeira vez juntos. O Sr. O'Malley enquadra seus personagens em um tiro no escuro do outro lado da rua. Está muito escuro para vermos o fundo, mas há muitas pistas de onde estamos. Podemos ver que estamos em uma cidade fria e nevada, Toronto, para ser preciso, e o chão é frio o suficiente para que a estrada esteja coberta de gelo. A neve está caindo e criando um padrão calmante em torno dos personagens. Você notará como a borda do feixe de luz da rua aponta diretamente para os personagens para chamar nossa atenção para eles. Scott e Ramona não estão caminhando lado a lado. Ramona está claramente liderando o caminho e enquanto a linguagem corporal de Scott não mostra isso, suas palavras nos deixam saber que ele está um pouco desconfortável na situação. Ele arrasta suas palavras, sooo , e então ele segue isso com a pergunta. Isso o leva a outra pergunta sem esperar por uma resposta. Claramente ele quer conhecer essa garota. Este terceiro exemplo, estamos olhando para um painel de uma das mestres de quadrinhos assustadoras, Emily Carroll. A Srta. Carroll tem uma abordagem menos convencional do que Lutes e O'Malley. Primeiro, notamos que o painel dela não tem a moldura de linha preta usual. Ela depende das bordas ásperas de sua cor de fundo para enquadrar seu conteúdo narrativo. A cena é encenada de uma forma que se sente cerimonial, possivelmente um casamento. A Srta. Carroll é uma contadora de histórias que sabe manter suas histórias tensas. Essa tensão vem de várias técnicas. Um, é o ritmo da narrativa de texto dela. Observe a forma como a narração começa no lado esquerdo do painel e resolve à direita, quebrando o fluxo com os personagens, já que o leitor foi naturalmente desenhado para ler a declaração em um ritmo mais lento. A encenação dos personagens também proporciona alguma tensão. Se você gosta de ficção de terror, você sabe que uma das regras da narração de terror é reter as grandes revelações, nunca mostrar o monstro. Ela está fazendo isso aqui, significa que ela está mantendo os rostos do personagem escondidos para criar um pouco mais de atenção. Este painel nos apresenta os três personagens sem nome e sem rosto. Há uma menina, há um homem, e depois há o pai da menina, que aparece apenas como uma cruz vermelha brilhante flutuando no meio da cena. A Srta. Carroll também usa sua caligrafia para definir o tom da história. Suas letras altas e estreitas parecem sérias e fora do tempo, um pouco antiquado pode ser vitoriano. Eles não estão usando uma fonte de desenho animado como muitos quadrinhos fazem. Seu texto flutua como espíritos em uma sala, e muda sua voz mudando para um script minúsculo. Quero que notem que a voz narrativa desses quadrinhos vem em parte das histórias que os artistas estão contando. quadrinhos de Lutes é uma peça de época e ele usa detalhes claros de cenário, roupas e artefatos na sala para nos ajudar a nos envolver com o que de outra forma seria um cenário desconhecido. história de Bryan Lee O'Malley se passa em uma cidade contemporânea. Não precisa de tantos detalhes para nos manter engajados com a hora e o lugar. As histórias da Emily Carroll são mais atemporais, são histórias de fantasmas. Deixando de fora o detalhe visual, ela nos obriga a derivar o tom das texturas de seus antecedentes, e da linha de trabalho de sua arte. Da próxima vez que estiver lendo uma história em quadrinhos, reserve um momento para se concentrar em um único painel. Veja a maneira como o artista de quadrinhos usa moldura, balões de fala e texto, e como eles encenam seus personagens e configurações, quais coisas eles adicionam e quais coisas eles também decidem deixar de fora. Você pode aprender muito sobre um artista de quadrinhos, a propósito, eles se envolvem com apenas um único painel. Dito isto, a seguir vamos para a magia que acontece quando colocamos dois painéis um ao lado do outro. 6. Aula: entendendo os quadrinhos: Agora, para mim, uma banda desenhada se torna uma banda desenhada quando você começa a colocar painéis em uma sequência. Na verdade, a arte dos quadrinhos é referida como arte sequencial. A arte sequencial tem seu próprio conjunto de teoria e prática, assim como a produção de filmes, fotografia, pintura ou qualquer outra forma de arte. Este é o livro definitivo para a banda desenhada Student, Understanding Comics de Scott McCloud. Como professor, dei tantas cópias deste livro. É curto e divertido de ler, e é brilhante na forma como Scott McCloud distribui esses conceitos pesados de uma forma abrangente e memorável. Acontece que os quadrinhos são uma ótima ferramenta de ensino. estilo de ensino de Scott McCloud, seus conceitos e filosofia, atravessa minhas veias. Se você se encontrar desfrutando de minhas aulas, faça um favor a si mesmo, e entre na internet e compre este livro, mas por enquanto, estou em uma revisão o que eu sinto é o conceito central de Understanding Comics. O Sr. McCloud diz que há cinco arenas distintas de escolha ao planejar e desenhar uma sequência de painéis de quadrinhos. A qualidade e clareza de uma narrativa de quadrinhos depende da consciência dos contadores de histórias dessas cinco arenas distintas. Estas não são etapas que podem ser feitas em uma ordem específica. Não é como uma rotina de treino. É mais um estado de espírito. Eles são realmente apenas pequenos processos criativos que um contador de histórias pode usar conscientemente ou subconscientemente, para saltar ideias entre eles até chegar a um produto que se adapte à história que está contando. Se você ainda não é um artista que desenha quadrinhos, essas escolhas criativas podem ser um pouco difíceis de entender. Então vamos revisá-los usando um personagem e uma cena. Chamo essa história de Edith e o grande exame, vamos começar com aquela que as pessoas ignoram mais frequentemente, e essa é a escolha do momento. Antes de colocar nosso lápis no papel, precisamos nos perguntar qual momento preciso no tempo representará melhor a experiência de Edith. Agora, cartunista inexperiente provavelmente percorrerá uma série de momentos antes de se estabelecer em um. Eu sempre começo por me colocar na cabeça da personagem, eu imagino Edith na sala de aula sentada rigidamente em sua mesa. Seu lápis se agarrou em sua mão, o exame a olhar sem pestanejar para ela. Agora, é claro, Edith tinha estudado na noite anterior, ou pelo menos ela tinha um livro aberto enquanto ela estava olhando para o telefone. Agora que ela finalmente está no exame, ela começa a duvidar se ela está realmente preparada para isso. Ao entrar na cabeça do personagem, eu me familiarizei com um cenário em que Edith está. Posso ver um número de momentos distintos para trabalhar neste painel. Às vezes escrevo notas sobre as minhas ideias ou faço pequenos esboços só para tirá-las da minha cabeça. Edith se agachou sobre sua mesa, suando, Edith olhando para o relógio enquanto ela fica sem tempo, Edith parado, seus olhos balançando para frente e para trás para ver se alguém pode salvá-la. Para manter sua história em movimento, você precisa se perguntar, o que tornará este momento icônico e memorável? próxima escolha de Scott McCloud é a escolha do quadro. Agora, quando você está falando de escolha do quadro, algo que não discutimos no capítulo anterior, é que escolher um quadro realmente depende da voz narrativa da história para relacioná-lo com a escrita. Se a história em quadrinhos estiver na narrativa de terceira pessoa, o momento provavelmente será enquadrado a partir de uma distância segura de um narrador onipresente, um observador invisível. Se a banda desenhada for em primeira pessoa, podemos ir para o espaço do personagem. Poderíamos olhar através dos olhos deles. Em cenas como esta em que um personagem está em um estado emocional elevado, gosto de me aproximar para que possamos ver seu corpo tremendo e sua testa suando. Em seguida, vamos falar sobre a escolha da imagem, significa realmente colocar o lápis no papel e desenhar algo. À medida que essas escolhas de momento e quadro passam pelos nossos cérebros, decidimos rapidamente como queremos colocar a imagem no papel. Considere o propósito do painel enquanto você está desenhando. Para que serve este desenho na história da Edith? Neste caso, quero mostrar a sua sensação de pânico à medida que o tempo do exame se aproxima. Considero os elementos que preciso desenhar, a mesa, a Edith, o relógio, outros alunos de testes e tenho que decidir o que mostrar e o que cortar desta moldura. Quanto mais painéis você desenhar, mais seu estilo de ilustração se adaptará às restrições do painel. Detalhes pesados podem enlamear a clareza de um painel e a repetição pode ser demorada. A arte em quadrinhos é muitas vezes mais esparsa do que outras formas ilustrativas. Ao escolher sua imagem e colocá-la no papel, você tem que ter em mente a próxima arena de design do painel, e isso é a escolha da palavra. Minha regra geral em contar histórias visuais é só dizer o que você não pode mostrar. Essa não é uma regra difícil e rápida, é apenas a minha escolha estilística. Se você é um contador de histórias barulhento, você pode mostrar Edith falando sozinha. Talvez você inclua algum texto ou um pouco de efeito sonoro. Se você é um contador de histórias silencioso e sutil, você pode mostrar o tumulto interior de Edith através seu rosto e linguagem corporal e emoção de desenho animado. Para a última escolha, temos que diminuir um pouco e falar sobre a escolha do fluxo. Até agora estamos olhando para o primeiro painel no que seria uma sequência de painéis para contar uma história. A forma como todos os painéis se relacionam uns com os outros afeta o fluxo narrativo. Agora que estamos pensando sobre as escolhas que um artista de quadrinhos faz, vamos para o próximo capítulo para ver diferentes maneiras como o fluxo do painel afeta a história de Edith. 7. Aula: tipos de transições: Para mim, uma história em quadrinhos se torna uma história em quadrinhos quando você coloca dois painéis bem ao lado do outro. Ao fazer esta tarefa simples, você está pedindo ao leitor para criar um fechamento entre seus dois momentos distintos. Encerramento é a coisa que nosso cérebro faz quando precisa preencher as lacunas em um fluxo de informações. Às vezes é fácil para os nossos cérebros criarem um encerramento. Mas quando se trata de quadrinhos e outras formas de arte visual, fechamento requer um pouco mais de nossa imaginação. Por exemplo, tente imaginar o que está acontecendo entre esses dois painéis. Todos os nossos cérebros vão inventar algo diferente. Não é trabalho dos cartunistas preencher todas as lacunas de uma história. Na verdade, são as lacunas entre pedaços de informação que permitem ao leitor usar sua imaginação e dá ao leitor a chance de se envolver com a narrativa. O artista de quadrinhos conta sua história através do fechamento criado pela transição de painel para painel. Existem sete tipos distintos de transições. Nós os definimos pelo senso de fechamento que eles oferecem ao leitor. Agora vamos usar Edith e seu grande exame para ver como esses sete tipos de transições afetam a narrativa. Os tipos mais comuns de transições cômicas são baseados em um conceito realmente familiar, a passagem do tempo. A primeira transição que analisaremos é chamada de transição momento-a-momento. Uma transição momento-a-momento, é muito fácil de reconhecer. Eles geralmente têm estilos muito semelhantes de enquadramento e apenas pequenas variações entre os dois painéis. Digamos que queremos mostrar que Edith está apavorada de marcar a resposta errada no teste. Podemos desenhá-la em dois painéis com apenas pequenas variações em sua mão e aumentando pequenas coisas sutis como o estresse em seus olhos. O relógio pode nos dizer quanto tempo passou literalmente, mas as imagens nos mostram como é a passagem do tempo para Edith. Uma transição de ação para ação é provavelmente o tipo de transição mais comum. Distingue-se apresentando um início claro e um fim para uma interação entre um personagem e outra coisa. Edith se senta para fazer o teste no painel um, no painel dois, vemos ela exausta no final. Eu gosto de pensar em ação é completar um pequeno arco de personagem dentro de uma história muito maior. Nesta transição, vemos Edith ir da intenção até exausta. Um assunto para a transição de assunto, é como uma história em quadrinhos mostra a interação de um personagem com outro assunto na cena. É mais comum quando vemos um personagem interagindo ou respondendo a algo. Aqui, Edith, responda à declaração dos professores que o tempo acabou. Talvez tenha ouvido atores dizer que atuar é realmente reagir. Pessoalmente, eu penso em meus personagens de quadrinhos como os atores da minha história e uma transição assunto para assunto é uma grande oportunidade para ensinar o leitor sobre o personagem. Uma transição de cena para cena, conecta-se a locais uns aos outros. É baseado no tempo, embora a compreensão do tempo não seja crucial. O estilo de transição é muitas vezes usado para nos trazer de uma parte de uma história de personagem para a outra. Neste caso, estamos mostrando Edith reprovando no teste e então pulamos para ela em casa jantando. Esta transição mostra-nos que a experiência do teste fez com que a pobre Edith perdesse o apetite. Também é uma boa maneira de abrir a história para novas interações com outros personagens. Um aspecto para transição de aspecto, não representa passagem do tempo como as três transições anteriores que vimos. Enquanto estamos vendo vários assuntos nesses painéis, não estamos usando essa transição para impulsionar a história, estamos simplesmente introduzindo o leitor a um espaço e dando a eles a sensação de como é estar lá. As transições de aspecto a aspecto geralmente são mais eficazes ao refletir o ponto de vista de um personagem. Não me refiro necessariamente a olhar diretamente através dos olhos deles. Esta transição destina-se a dar ao leitor uma noção de como Edith se sente presa pelo teste e os limites de tempo nele. Aspecto a transição aspecto pode, sem palavras realmente definir o tom para a próxima história. Uma transição simbólica é ainda mais abstrata. Ele está usando um painel dentro de uma banda desenhada estabelecer mundo e justapondo-o com uma imagem que sugere um tipo particular de associação. Basicamente, é assim que os quadrinhos fazem metáfora. Por exemplo, podemos mostrar o painel um de Edith sendo entregue um teste, e no próximo painel vemos sua cabeça explodir. A explosão não se destina a ser literal, é apenas uma maneira sugestiva de transmitir a experiência de Edith, e sentir do painel um. Esta transição está basicamente dizendo: “Quando Edith olhou para as perguntas do exame, sua cabeça parecia que iria explodir.” Uma transição simbólica requer mais participação do leitor, pois eles precisam aproveitar o momento e interpretar o significado do segundo painel e como ele se relaciona com o primeiro. Agora você pode levar o simbolismo ainda mais longe com uma transição como esta. Painel 1 mostra uma imagem de Edith fazendo seu teste, painel 2 mostra um antílope sendo perseguido por um leão. Agora, o objetivo aqui é comparar a experiência de Edith com a experiência do antílope. Agora aqui está a coisa. Tirar o leitor do cenário da história é uma jogada muito arriscada. Pode ser realmente envolvente para alguém que aprecia e narrativa não convencional, mas também alienante para alguém que não tem muita experiência com arte cômica e narrativa. Sempre que você está planejando uma transição, você quer pensar sobre como isso afeta o fluxo da história. Cada estilo de transição tem seus pontos fortes, mas nenhum tipo pode contar uma história completa. Ou seja, cada artista de quadrinhos usa sua própria mistura de tipos de transição para construir suas narrativas. No próximo capítulo, vamos olhar para alguns exemplos. 8. Aula: exemplos de transições, parte 1: Vamos ver exemplos dos tipos de transições na ordem em que as apresentei. Começamos com um exemplo da transição momento-a-momento. Este é um trecho de Beautiful Darkness de Fabien Vehlmann e Karascoet. É um conto de fadas sombrio sobre fadas minúsculas. Escolhi esta página porque tem dois exemplos de boas transições momento-a-momento. Esta primeira linha de painéis usa uma série de momentos para configurar e pagar mordaça bastante escura. Vemos um painel tolo de uma pequena fada vivendo entre um ninho de pássaros. A mamãe pássaro vai alimentar seu filho incomum e ele vai repugnantemente errado. O terceiro painel na sequência funciona como uma batida de reação na progressão da mordaça. Mas também é uma forma de satisfazer a grosseria da realidade deste mundo. A próxima linha de painéis usa transições momento-a-momento de uma maneira bastante semelhante, a configuração de uma mordaça, a pausa e a linha de perfuração. Em ambos os exemplos, você notará que transições momento-a-momento não são realmente capazes de progredir o enredo da história. Eles são mais sobre definir o tom, criar um momento de leviandade ou introduzir caráter. Como exemplo de uma transição de ação para ação, escolhi dois painéis de uma edição do Quarteto Fantástico de volta da década de 1970. A arte é de Jack Kirby, embora não tenha certeza de quem é o escritor. Escolhi estes dois painéis para mostrar como os quadrinhos de super-heróis são tão dependentes de transições de ação para ação, algo que eu mencionei antes. Mesmo momentos mundanos como este criado esbarrar no Dr. Doom são tratados como uma cena de luta. Temos a ação, o barulho e o barulho do incidente, e uma reação ampliada do Dr. Doom enquanto ele bate o pobre servo contra a borda do quadro. Essa realidade agressiva é muito do que pensamos quando pensamos em quadrinhos de estilo americano. Mas é claro, não deve ser levado muito a sério. É muito caricatura e muito ridículo. O ritmo das transições de ação para ação é quase viciante no estilo de contar histórias em quadrinhos. Está constantemente configurando momentos apenas para, sem trocadilhos, derrubá-los. Por exemplo, vamos apenas tirar um momento e ler a troca nesses dois painéis. “ Mil perdões, senhor. Eu tropecei no seu manto.” “ Idiota desajeitado. Você se atreve a colocar a mão na pessoa sacrossanta de seu Senhor e Mestre. Imprestável, insuportável torrão. Você sabe o que isso significa?” “ Oh, não, senhor. Não, não o castigo final.” Sim. De qualquer forma, sim, como você pode não querer virar a página para descobrir o que acontece a seguir? Seguindo em frente. Estes dois painéis de The Escapists representam uma grande transição de assunto para assunto. O livro foi escrito por Brian K. Vaughan e desenhado por Steve Rolston. Seu uso mais simples de transição sujeito-a-sujeito é realmente desenhar uma troca entre dois personagens. Neste caso, é uma transição momento-a-momento com um pivô adicional da câmera. Como leitor, temos que usar nosso senso de fechamento para assumir que esses personagens estão na mesma cena, apesar do fato de que eles não aparecem nos painéis uns dos outros. Este estilo de transição realmente mostra a influência do cinema em quadrinhos. Esse tipo de justaposição de imagem seria completamente desconcertante se não tivéssemos crescido vendo essa técnica em filmes, programas de TV e animação. Não há nada particularmente artístico numa transição funcional de sujeito a assunto como esta, mas isso é fixe. Às vezes, as cenas só precisam mover o enredo. Falando em cenas, aqui está uma transição cena para cena de uma edição de quadrinhos do Pato Donald de Carl Barks. Este livro saiu na década de 1940. Quando você está fazendo quadrinhos para crianças, crianças sendo um público cujo senso de fechamento ainda está em um estágio inicial de desenvolvimento, você como o artista precisa ser muito particular nos tipos de elementos que você escolher em cada painel. Observe como a última linha no painel é, “vamos”, e o próximo painel começa com uma legenda narrativa que diz “em breve”, que responde qualquer pergunta que uma criança possa ter sobre quanto tempo passou. No caso de uma transição cena para cena, mudanças dramáticas realmente ajudam a transição a funcionar de forma mais clara. Uma mudança completa na configuração de cidade para deserto, a inclusão do carro, a encenação dos personagens de tiro médio no perfil para um tiro longo por trás, todas essas coisas ajudam um jovem leitor a entender o que está acontecendo em seu história. Quando você está fazendo uma história em quadrinhos para um adulto ou um leitor de quadrinhos mais experiente, você pode se acomodar mais com uma transição de cena para cena. Veja como David Mazzucchelli usa cena a cena nesta transição de seu livro, Asterios Polypo. É um livro claramente para um público adulto sobre personagens adultos e está deixando de fora um monte de informações para configurar e pagar uma piada muito seca sobre relacionamentos adultos. Para entender melhor o tipo de transição de aspecto a aspecto, ajuda a observar mais do que apenas dois painéis. Aqui está um trecho de página inteira de um livro chamado Lucas, da artista de quadrinhos italiana, Andrea Bojiolli. Vemos um corte duro de preto para uma van correndo por uma rua residencial. A van estaciona ao acaso na frente de uma casa abandonada e um personagem sai. Olhamos mais de perto o desespero da propriedade e a hesitação desta pessoa em entrar. Finalmente, recebemos um painel que enquadra o personagem que entrou na escuridão do que pode ser um lugar ligado ao seu passado. Transições de aspecto a aspecto não estão tão ligadas como as outras transições que discutimos até agora. Eles libertam o leitor da narrativa de algumas maneiras e eles dão a você a chance de investigar o mundo construindo em seus próprios termos. Você provavelmente está se encontrando pulando para frente e para trás entre as imagens nesses painéis e lentamente você começa a conectar todos os detalhes e entender onde estamos e o que esse personagem pode estar fazendo aqui. O artista, Sr. Bojiolli, abrandou o ritmo da narrativa para lhe dar tempo para absorver o estado das coisas no mundo deste personagem. O artista está tomando um monte de liberdades em como eles emolduram cada um desses painéis. O painel 2 parece que é do ponto de vista de um vizinho intrometido, e o painel 3 nos dá mais visão de um pássaro, painel 4 é um tiro central e o painel 5 é um grande close-up angular. Esta é uma das grandes diferenças entre uma banda desenhada e uma banda desenhada ou graphic novel. Em uma curta tira de quadrinhos, você não tem muito uso para uma transição de aspecto a aspecto, mas se você estiver contando uma narrativa de forma mais longa, você precisará de transições como esta para ajudar a manter o leitor envolvido e fazendo perguntas. 9. Aula: exemplos de transições, parte 2: Transições simbólicas são mais reconhecíveis em certos gêneros de quadrinhos. Contadores de histórias que trabalham nos domínios da ficção científica, especialmente aqueles artistas com um astático surrealista recebem muita quilometragem de transições simbólicas porque tipos de painéis que são capazes de falar em visuais temáticos maiores. Agora estamos olhando para uma página de Charles Burns é cômica, profunda. Uma história sobre um garoto americano que tem o coração literal de um cachorro. O nome dele é menino cão. O primeiro painel mostra que o menino cão está tendo um pesadelo. Os seguintes painéis destinam-se a representar os visuais do sonho. Veja como as bordas do painel se tornam onduladas. Essa é uma dica visual de artistas de quadrinhos que a história está saindo de sua própria realidade para expandir o desenvolvimento de personagens usando a memória, ou neste caso, sonho. Painel dois joga com a perspectiva deste personagem médico para mostrar sua natureza imponente e maligna e outros personagens estranhos olhar como menino cão se recupera de sua cirurgia recente. Então temos a grande revelação de que seu torso foi enxertado no corpo de um cão. O sonho termina e vemos a transição dos quadros do painel de volta à sua realidade perpendicular. Tudo está de volta ao normal ou anormal no mundo do menino cão. Em seguida, a página conclui com uma ação típica para a transição de ação de menino cão, preparando-se para o trabalho. Poderia esta história ter sido contada sem esta transição de quatro painéis para caráter e simbolismo? Sim, mas as histórias de Charles Burns geralmente se concentram na psicologia dos personagens e painéis simbólicos oferecem mais informações do que qualquer outro tipo de transição. Em suma, seu uso de estilos de transição faz com que ele se destaque como artista. Agora, para encerrar essa conversa, à medida que você aprende a analisar estilos de transição com mais escrutínio, você vai se encontrar automaticamente fazendo melhores escolhas em sua própria arte em quadrinhos. Agora que discutimos a função e o fluxo dos painéis de quadrinhos, vamos falar sobre as linhas que usamos para fazê-los. 10. Aula: canetas e pincéis: quadrinhos entraram em popularidade por volta da virada do século XX, já que os jornais os usavam para oferecer um pouco de humor para escapar das duras realidades dos eventos atuais. As limitações da reprodução mecânica naqueles primeiros dias significavam que a arte da história em quadrinhos, precisava ser ousada e limpa, e prazos apertados nos jornais significavam que, o estilo da arte precisava ser simples e rápido renderizado. Além disso, os níveis de alfabetização e a atenção do público em geral significaram que personagens e idéias precisavam ser exagerados e mais dramatizados para chamar a atenção de todos os tipos de leitores. Apesar de toda a tecnologia do artista de quadrinhos moderno tem à sua disposição, a arte da linha de tinta preta e o estilo simples em negrito caracterização daqueles primeiros dias, ainda é o olhar dominante da Comic Arts. arte da linha preta, como a chamamos, é criada por cima, é criada por cima, um esboço de lápis áspero usando uma caneta de tinta preta, ponta de caligrafia ou um pequeno pincel mergulhado em tinta. Todas essas ferramentas têm seu próprio caráter único, conjunto de habilidades especiais e nível de dificuldade. Como você pode ver em meus slides de aula, eu obviamente estou desenhando em um tablet digital, e hoje em dia é assim que eu faço a maior parte do meu trabalho profissional. Mas passei cerca de 15 anos usando ferramentas de desenho tradicionais. Estarei compartilhando alguns pensamentos sobre eles ao longo do caminho também. Para distinguir cada tipo de caneta e pincel, podemos falar sobre a aparência única de sua linha, que pode ser dividida nos seguintes aspectos. Largura alinhada, variação de linha, precisão de linha e caractere de linha. Vamos começar com o tipo mais fácil de usar de ferramenta de linha, a caneta de ponta de feltro. Estas canetas têm uma alça cheia de tinta leve e uma ponta de feltro firme que não faz muito sob pressão ou mudança de direção da mão. Isso torna a caneta de feltro muito fácil de controlar. Por exemplo, posso pintar um círculo, em um único movimento. Canetas de feltro são boas para artistas iniciantes e profissionais que têm mãos rápidas e usam muitos detalhes e texto. A caneta de feltro como uma caneta de desenho técnica, que significa que é adequada para renderização gráfica, como em, você pode executá-la ao longo da borda de uma régua e obter uma linha limpa agradável. É uma ferramenta com linha constante, com baixa variação, alta precisão e caráter mínimo. Se você está no mercado para uma caneta de feltro tradicional, compre um conjunto com tamanhos de ponta classificados e tinta à prova d'água. Isso é importante, especialmente se você vai pintar em cima de seus quadrinhos. Você pode obter o pigma mangá comic kit de desenho pro por cerca de US $15. É um grande kit inicial, e eu usei para um monte de projetos de nível profissional também. Essas canetas têm bom desempenho geral e funcionam sem problemas em todos os tipos de placa de ilustração, placa de cerdas e pergaminho. Mas você vai querer se manter bem abastecido nessas patentes porque você não quer que sua última caneta seque no meio de um projeto. Os poços de tinta não podem ser recarregados. São canetas descartáveis. Em seguida, vamos olhar para a caneta de ponta. Vem em duas partes, primeiro, o punho. É leve e muitas vezes tem um aperto de cortiça que afunda em um pequeno ponto na extremidade mais distante da caneta. O clipe de metal na extremidade da alça permite que você altere as pontas da caneta dependendo das necessidades do projeto. Canetas de ponta requerem prática para controlar devido ao metal flexível da própria ponta. Para desfrutar de trabalhar com uma caneta de ponta, você precisa trabalhar mais devagar do que com uma caneta de desenho técnica. Por exemplo, quando eu tinto círculo, meu peso da linha muda, então eu preciso girar minha mão e papel para manter um caractere consistente na minha linha. Porque a pressão da mão afeta a aparência da arte da linha. Você precisará desenvolver gestos que lhe dêem o efeito que você está procurando. Uma vez que você se sentir confortável com a caneta de ponta, você vai descobrir que, ele pode trazer tanta expressão para o seu estilo de tinta. A caneta de ponta é uma ferramenta com peso de linha baseado em pressão, variação média, precisão média e ótimo caráter. No que me diz respeito. Pessoalmente, sou um grande fã do personagem de tatuagem. Eu usei a ferramenta tradicional em todos os tipos de projetos, e quando eu mudei para tablets digitais, eu encontrei canetas que criaram esse tipo semelhante de caractere de linha. Para pontas tradicionais, os dois principais tipos são a ponta G, uma ponta menor e mais flexível, e a ponta da colher, que tem uma ponta mais firme. Sou fã da ponta da colher Nikko. Eu tenho uma mão pesada e pouca paciência, então o ponto de metal firme do Nikko, e sua capacidade de segurar mais tinta é um ótimo ajuste para o meu processo de tinta. Serei franco e avisarei tenho a menor experiência com canetas tradicionais. Os que eu usei são realmente escovas de aquarela, que é provavelmente o caso de um monte de artistas de quadrinhos. Trabalho com a marca Windsor e Newton, e uso os pequenos pincéis de ponta redonda. Como uma ferramenta digital, uma caneta pincel não é realmente diferente de uma caneta de ponta. A principal diferença entre uma caneta de pincel digital e uma caneta de ponta se resume à sensibilidade à pressão. Com uma caneta pincel, a sensibilidade à pressão geralmente é definida um pouco mais alta, e o tamanho do pincel é um pouco maior para permitir mais variação na largura da linha, você obtém uma pincelada mais solta com a caneta do pincel. Você também verá mais variedade e os pontos iniciais e finais de sua linha. Alguns pincéis terão um início e acabamento sem corte, e alguns lhe darão mais de um ponto. Pratique a tinta digital com a caneta de pincel digital usando variações no tamanho do pincel. Se você quiser mais expressão em sua linha, dimensione o pincel para cima, para ver mais impacto da pressão da mão. A caneta pincel não se adequa a todos os tipos de arte de linha. Você pode encontrar-se usando a caneta de pincel para alguns aspectos da composição e, em seguida mudar talvez para uma caneta de desenho técnica para alcançar certos níveis de minúsculos detalhes, como bordas de painel ou letras em uma bolha de fala. A caneta de pincel realmente reflete o movimento total da mão do artista. Você vai encontrar-se acomodando isso arrastando os pêlos da escova de maneiras diferentes pela página para alcançar certos efeitos. Vai ser quase impossível alcançar qualquer linha reta com uma caneta pincel. Mas esse não é o ponto de usá-lo. Usar uma caneta pincel é tudo sobre a criação de caligrafia fluida como imagens. Se você é um defensor de precisão técnica, a caneta escova provavelmente não é para você, mas hey, dê um tiro. Você pode encontrar novos aspectos de tinta e desenhos animados que realmente atraem para você. Vamos falar rapidamente sobre tipos de tinta. Se você é um artista digital, bem, você não tem muitas opções aqui, sua tinta é o pixel. Mas você pode alterar os tipos de pincel no Photoshop ou procriar ou qualquer ferramenta de desenho que estiver usando para obter diferentes níveis de grão no estilo de tinta. Jogue com suas ferramentas de desenho digital e encontre uma que se adapte à personalidade do seu trabalho. Mas quando se trata de tinta tradicional, é mais sobre a consistência da tinta, e a única maneira que você vai encontrar algo que você gosta é experimentando coisas. A maioria das opções de tinta digital são realmente baseadas no tipo de ferramenta que você está usando. Sempre fui atraído pela marca de tinta Windsor e Newton. É uma tinta grossa e impermeável, então ela realmente se apega à ponta da tinta, e quando você a deixa para baixo em sua placa de cerdas ou papel aquarela, ele deixa um rastro globy muito brilhante. Se você quiser mais informações sobre ferramentas tradicionais de tinta, eu recomendo técnicas de desenho de tinta, ponta de pincel e estilo de caneta por Yuko Shimizu. Você vai encontrar a classe dela sobre compartilhamento de habilidades, confira. É incrível. De volta aos quadrinhos aqui. Agora que estamos familiarizados com a nossa arte de linha preta e o conjunto básico de opções de ferramentas. Vejamos como a tinta pode dar vida a um painel. 11. Aula: técnica de finalização: Para desenvolver uma boa técnica de tinta, você tem que se concentrar nas seguintes habilidades, nesta ordem: postura, movimento da mão senso de linha, senso de forma e sensação de textura. Vamos falar de postura, se você não gastar muito tempo desenhando sua postura padrão para colocar marcas no papel enquanto sentado em uma mesa é provavelmente desenvolvido em torno da escrita. Quando escrevemos, tendemos a curtir e chegar muito perto porque o estilo e a escala da nossa linha funcionam quando a escrita realmente não importa. É só sobre obter informações no papel. Tinta é tudo sobre estilo e escala. Essa postura de escrita que você desenvolveu coloca limites pesados em seu desenvolvimento, já que uma tinta mais tinta pode levar muito tempo e estar confortável vai estender sua resistência para essas sessões de tinta mais longas. Certifique-se de que quando estiver fazendo tinta, sente-se em linha reta e posicione-se diretamente na frente do papel. Eu tento trabalhar isso pelo menos um pouco de um ângulo. Eu sei que algumas pessoas preferem uma mesa plana, mas se você pode elevar sua imagem então isso impede você de se inclinar muito longe. Eu sempre tento deixar cerca de 15 centímetros entre o meu rosto e a página. Esta distância base irá manter a sua postura mais relaxada e ajudá-lo a dizer confortável durante sessões de tinta mais longas. Claro, eu certamente me aproximo às vezes, mas quando estou me concentrando nesses detalhes, eu sempre vejo isso como uma exceção para a posição padrão de 15 polegadas. Com esse amortecedor de 15 polegadas entre seu corpo e a página, você dá espaço para mover sua mão e braço. Vamos praticar nossos movimentos de tinta. Para criar marcas de tinta com movimentos suaves e fáceis, temos que trabalhar mais do braço do que do pulso. Segure a caneta firmemente na sua mão dominante, perto da ponta. Mantenha a ponta em um ângulo em relação ao papel, não em linha reta para cima ou para baixo. Mantenha suas mãos firmes e deixe seu braço guiá-lo sobre suas linhas de esboço. Tente evitar se mover do pulso sozinho. Relaxe o braço e a mão do desenho. Muita tensão pode deixar seu desenho acabado com aparência rígida e sem vida. Agarrar a caneta perto da ponta, perto do papel em si irá manter a mão mais estável do que segurá-la mais alto. Haverá menos imperfeições em sua linha com essa técnica. pequenas imperfeições que você tem serão muito menos pronunciadas. Se você estiver trabalhando com uma ponta da caneta ou um pincel, manter um ângulo nítido entre a caneta e o papel ajudará o fluxo de tinta melhor e proporcionará um trabalho de linha mais suave e fluido. Pratique seus movimentos de mão criando esboços rápidos de objetos texturizados simples, um abacaxi, uma flor, ou um carro pequeno. Ao fazer este exercício, pense primeiro sobre os movimentos das mãos antes mesmo se preocupar em considerar as marcas que você está fazendo no papel. Agora que sabemos como sentar e como se mover, vamos falar sobre a ordem do processo de tinta. Ao criar trabalho de linha, você deseja começar com as linhas primárias e trabalhar de um lado da imagem para o outro. A maioria dos artistas alcança os melhores resultados através da tinta na direção de sua mão dominante. Se você é destro começar no lado esquerdo da página e link para a direita eo oposto se você é artista canhoto. Se você estiver trabalhando com tinta tradicional, este processo irá impedi-lo de passar a borda de sua mão sobre linhas de tinta frescas e fazer marcas borradas. Eu acho que é importante começar por pintar essas linhas primárias porque isso vai garantir que esses elementos importantes do seu desenho são devidamente enfatizados. Depois de trabalhar nelas, vá para dentro para detalhes menores e elementos do plano de fundo. Ao desenvolver um senso de seu trabalho de linha, não pense nisso como traçar marcas que você já fez. Imagine que você está desenhando tudo novamente, desta vez com mais confiança e senso de onde a imagem completa vai acabar. Você vai notar que minhas linhas de tinta não se sentam diretamente em cima do meu esboço. Se você está achando difícil obter uma linha de tinta suave mesmo que você esteja trabalhando do seu braço, isso pode ajudar a girar o papel em vez de contorcer o braço para tentar pintar de uma direção diferente. Tente sempre manter a imagem final em mente quando estiver pintando seu desenho. Ao ter um objetivo claro, você estará mais focado e capaz de trabalhar mais rápido e com mais confiança, e a imagem final se sentirá mais unificada. Depois de inserir suas linhas primárias e alguns de seus detalhes e plano de fundo, é hora de gerar um senso de forma em seu trabalho com tinta. Para entrar em forma, comece procurando locais onde seu trabalho de linha pode precisar ser reproduzido. Agora, não fique obcecado por consertar uma linha, metade do tempo você acaba só piorando as coisas. Se você tem algumas linhas chave que precisam ser engrossadas ou suavizadas, este é o momento de fazê-lo. O conceito de forma na tinta revela-se através de linhas que são deixadas finas em lugares de um objeto que estão voltados para a luz e linhas que são mais espessas, e lugares onde um objeto seria lançado na sombra. Pessoalmente, restrinjo as regras de forma aos principais temas de um painel. Eu costumo deixar meus antecedentes um pouco rasos, para que eles não atraiam muito os olhos. Você quer fazer bom uso do contraste na sombra durante a pintura. Você vai preencher as bordas ao redor de um objeto para fornecer contraste. contraste em sua imagem é revelado ao desenvolver seu senso de forma. É divertido brincar com a forma como a luz é representada no seu estilo de tinta. Agora, se você está criando sombras escuras profundas, não se esqueça de deixar uma pequena luz de borda abaixo dessas sombras profundas. É assim que você evita que seus objetos se percam em lugares escuros. Depois de ter implícito formulário com sua linha de tinta, você pode se concentrar em adicionar textura. Textura é tudo sobre trazer detalhes menores e enfeites que dão espaço para a forma com o objeto e emprestam um elemento de realismo ao meio ambiente. A textura é baseada em uma técnica chamada eclosão, que é realmente apenas desenhar uma série de linhas paralelas finas próximas. eclosão cruzada é uma variação dessa técnica onde usamos linhas de incubação em cima umas das outras para criar um padrão semelhante à grade. Stippling é outra variação de eclosão, mas em vez de linhas, você está usando pontos bem agrupados. Texture vai dar ao seu público pistas sobre como é o mundo que você criou. Um pouco de textura vai ao longo do caminho, por exemplo, você pode apenas implicar uma textura, digamos que eu estou criando um deserto, eu não preciso estipple toda a paisagem. Posso espalhar pontos ao redor da superfície para implicar a textura da areia. Você não quer ficar muito louco adicionando elementos texturais às suas cenas. Se você exagerar, sua tinta vai parecer caótica e pior do que isso, vai ser desfocada e confundir a narrativa visual da sua história. Um senso de tom é o culminar de todas essas diferentes habilidades trabalhando juntas. É a qualidade geral da sua tinta. Transmite caráter e atitude e torna-se um dos aspectos mais notáveis da sua arte em quadrinhos. Vamos colocar um pin em uma discussão de estilo visual, até que estejamos mais familiarizados com o processo de tinta no painel real. 12. Aula: finalizando um painel: O processo de tinta em um painel começa com a avaliação do esboço. É aqui que o artista tem uma noção do que seu painel precisa alcançar. A principal função da tinta é a clareza visual. Sua imagem final deve fazer sentido em um piscar de olhos. Se isso parecer impossível com base no esboço, é hora de voltar ao lápis. Você não está pronto para pintar, mas se você tem os ingredientes de uma composição clara dentro de seu esboço, você está pronto para pintar. Agora, os estágios da tinta são a minha preferência pessoal. Você poderia misturar e combiná-los como quiser, mas esta é a ordem que eu prefiro. Eu sempre tinto meus quadros primeiro. Se você ainda não se sentir confortável com a caneta de ponta ou o pincel redondo, você vai querer pintar seus quadros com a caneta técnica de desenho como um mícron grande. Eu prefiro o tamanho 08, e talvez até tentar uma régua se você não tiver uma mão firme. Alguns artistas de quadrinhos não usam uma régua. A abordagem de mão livre dá um personagem de quadro e pode fazer com que pareça uma parte mais integrante da narrativa, mas a maioria dos artistas cômicos não quer chamar a atenção para o quadro. Uma ferramenta de régua ou linha diagonal se você estiver trabalhando digitalmente é o caminho a seguir. A maioria dos programas de desenho tem um atalho para desenhar uma linha reta como manter o deslocamento. Basta Google como desenhar uma linha reta e o software que você está usando e você deve obter algumas boas sugestões. Depois de ter os quadros do painel pintados, você deseja estabelecer os contornos dos assuntos principais do painel. Isso incluiria os personagens principais da sua narrativa, possivelmente alguns adereços com os quais eles estão se engajando, e possivelmente elementos da configuração que os cercam. Ao estabelecer os contornos dos meus personagens, estou trabalhando com um pincel digital de estilo caneta de ponta mais amplo. Para um ponto de comparação, eu diria que a largura da minha linha está entre 3,5 quartos da largura das linhas do painel. Acho que é um desafio muito agradável definir os contornos dos meus personagens. Faz-me sentir mais confiante nas minhas ideias. A tinta é uma grande parte da personalidade dos seus quadrinhos e da sua narrativa. Então, você quer parecer confiante no que está fazendo para que seus leitores se sintam seguros. Eu tento não exagerar nesta primeira etapa da tinta, e eu sempre paro quando eu me sinto como os assuntos do painel pop. A partir daí, reduzo para lidar com os detalhes. Começo por abordar todos os detalhes nas roupas e corpo dos personagens. Isso pode ser rugas nos tecidos, textura no cabelo. Então eu passo para adereços e os elementos que cercam o personagem podem estar adicionando algum estilo aos móveis e alguns outros elementos que estabelecem o ambiente em que este personagem está. Para dar forma ao meu trabalho de linha, penso em fontes de luz e como o ângulo de luz está afetando, os assuntos do meu visto. Se você assistiu a ilustração da minha classe por design, você saberia que sou muito influenciado pela arte de linha esfumaçada e serpente do movimento art nouveau. Eu sempre tento trabalhar esse olhar nas sombras dos meus quadrinhos. É uma técnica que eu uso para pegar a realidade do meu mundo de personagens e torná-lo um pouco mais surreal. Como um contador de histórias que trabalha em fantasia na ficção científica, eu uso essa técnica para tornar a realidade dos meus mundos de personagens um pouco surreal. Hoje em dia eu não faço um monte de incubação com meus quadrinhos, mas quando você está criando um painel que é preto e branco, eclodir pode realmente ajudá-lo a definir certos aspectos da narrativa. Vamos definir a restrição para nós mesmos que podemos usar qualquer cor neste projeto. A eclosão tem que nos ajudar a evocar coisas na paisagem, por exemplo, grama, areia ou grão de madeira. Como cores tão emotivas, temos que usar a eclosão para tentar evocar esses mesmos tipos de emoções. Criando um motivo linhas em torno de um personagem para mostrar seu nível de energia. Mesmo a forma como pintamos nossos ambientes pode ajudar a estabelecer a sensação emocional da história. Podemos usar técnicas de incubação para criar algum equilíbrio estrutural e a linha ascendente para dar uma sensação legal de vinda, e podemos fazer o mesmo com materiais de construção como o tapume em uma estrutura. Quando se trata de lettering nos dias de hoje, eu estou muitas vezes trabalhando com as fontes apenas para economizar tempo embora muitas vezes eu prefiro fazê-lo à mão. Eu tento ser muito particular sobre as fontes que eu escolher e como eles refletem sobre o estilo de tinta projetos. Por exemplo, nesta história em quadrinhos de ficção científica de classe média, que tem um estilo de tinta muito divertido e suave, eu uso a fonte chamada lista sequencial. Mas em um projeto antigo como meus nós de bruxa cômica, que foi feito com uma ponta de caneta mais corajosa, eu fiz minha própria fonte porque eu realmente não conseguia encontrar nada que se adequasse ao projeto. Você pode ver que as fontes têm uma ponta de caneta mais arrojada para ele. Sua abordagem para contar histórias em quadrinhos vai ajudá-lo a decidir se deve usar uma fonte ou tinta à mão. Idealmente, eu gostaria de fazer as letras do meu novo projeto à mão, mas é um compromisso enorme especialmente para alguém que gosta de trabalhar e retrabalhar seu diálogo até o último minuto possível. Se você estiver indo para uma carta de mão ou uma história em quadrinhos, certifique-se de que suas letras são tão claras quanto seu visual. Crie duas diretrizes de uma base e altura para encaixar suas letras entre elas. Alguns artistas preferem um estilo de quadrinhos mais itálico para criar uma sensação de movimento, mas outros artistas preferem um texto não afetado que mais rígida e claramente na página. Quando se trata de letras, são as escolhas que não se destacam que são mais adequadas para o projeto. Para encerrar esta lição sobre tinta, eu só vou dizer que a tinta é muito importante. É uma das coisas que distingue como o leitor responde à sua narrativa. A melhor maneira de se tornar bom na tinta é levar tempo focando em cada uma das etapas da sua prática. Agora, a segunda melhor maneira de ser bom em tintas é olhar como outros artistas de quadrinhos fazem isso e tentar aprender com seu sucesso. No próximo capítulo, vou compartilhar algumas das minhas tintas favoritas com você. 13. Aula: exemplos de finalização, parte 1: Para o observador casual, técnica é quase invisível. Por exemplo, quando você pega para ler uma história em quadrinhos, você nem sempre pensa em estilo de tinta. É o mesmo para o espectador casual. Se você está lá para se divertir, você não está considerando a lente que o diretor está usando em qualquer foto. Então, parte do que faz ser um artista de quadrinhos é aprender a ver os aspectos invisíveis de uma história em quadrinhos e seus elementos. Podemos fazer isso dissecando a intenção e analisando os efeitos da obra de um artista de quadrinhos. Para mim, a maneira como um artista de quadrinhos usa suas tintas revela aspectos de realismo, iconografia e abstração em sua narrativa e há infinitas maneiras de misturar e combinar essas estéticas. Para dar uma idéia do que estou falando aqui é uma ilustração de David Muschalik. Ele ligou 16 versões de uma maçã e, ao colocá-las todas lado a lado, torna mais fácil ver o papel que ela pode desempenhar na narrativa cômica. Em um nível técnico básico, o artista está usando tinta para transmitir uma sensação de luz refletindo e sendo absorvida pela maçã. Efeitos de iluminação dão um contexto de objeto dentro do mundo e ambiente da história, e também podem ser usados para transmitir textura na maçã, o que pode definir um tom para a voz da narrativa. Poderia ser simples e charmoso, poderia ser rude e abrupto. Pode ser misterioso e tonto, tintas limpas e suaves ler de forma mais clara e simples. Eles são adequados para contar histórias mais leves. Tintas mais ásperas e efeitos de pincel seco lembram uma abordagem mais pintativa e podem ser usados em narrativas mais impressionistas ou emocionais. Vamos dar uma olhada nesses elementos de estilo de tinta e o trabalho de alguns dos meus artistas de quadrinhos favoritos. Começaremos com Calvin e Haroldo de Bill Watterson. Esta é a minha banda desenhada favorita de todos os tempos e se você é fã de quadrinhos, esta provavelmente está lá em cima para você também. Agora eu olhei para cada banda desenhada Calvin e Haroldo provavelmente um milhão de vezes. Então, naturalmente, as técnicas de tinta do Sr. Watterson são as primeiras das quais eu me tornei realmente crítico e eu não quero dizer que eu estou julgando seu estilo, significa que eu sou apenas observador de sua abordagem. Nos anos 90, Watterson trabalhou com uma ponta, uma caneta de caligrafia e tinta preta da Índia. Coisas bem simples para tiras de quadrinhos. Suas linhas são limpas e simples, mas você pode ver um pouco da borda áspera onde a ponta corta na placa de bristol e sangra a tinta um pouco. A textura da tinta engajada com papel é uma grande parte da técnica de Watterson. É só um pouco desleixado. Escolhi esta banda desenhada de domingo para mostrar como o estilo dele faz parte da narrativa. Veja como a realidade do Calvin é plana e simples. A cadeira tem muito pouca textura, assim como a pele e as roupas de seu pai. Mesmo a lâmpada e o fundo parecem um plano trapezoidal contra a parede. A arte de linha simples é uma técnica bastante convencional para artistas de quadrinhos, dado que eles precisavam fazer até sete tiras em uma determinada semana, simplicidade economiza seu tempo. Mas uma das razões pelas quais o trabalho de tinta de Watterson é tão memorável é a maneira como ele pinta a imaginação de Calvin. Ao longo desta história, os elementos do ambiente tornam-se representativos da imaginação de Calvino. Veja como a tinta fica mais detalhada. As rugas no corpo do pai alienígena, a pintura na parede torna-se muito específica, taxidermia cabeça alienígena com todos os tipos de rugas ao redor de seus olhos e boca. No painel 4, vemos a textura do cabelo no monstro da mãe em primeiro plano e algumas sombras e então nos movemos para o final da página e nos abrimos para esta bela vista de uma paisagem com todas as texturas rochosas, primeiro plano, meio terreno e plano de fundo. Você pode ver que a mudança de Watterson no estilo de tinta é um lembrete constante através da banda desenhada que estamos vendo o ponto de vista de Calvin. Essas mudanças sutis no estilo de tinta de Watterson são apenas um lembrete sem palavras de que a história em quadrinhos que estamos lendo é através do ponto de vista de um menino com uma imaginação muito vívida. Na verdade, uma imaginação é mais real do que a realidade dele. Bastante fixe. 14. Aula: exemplos de finalização, parte 2: Uma boa maneira de descobrir com que ferramentas um inker está trabalhando, é olhar para os quadros de seus quadrinhos. Este é o Pogo do Walt Kelly. Podem ver que as linhas fluidas destas molduras sugerem que o Sr. Kelly trabalhou com um pincel fino e redondo. Uma ponta de caligrafia, como as águas usadas, teria uma aparência ligeiramente mais rígida e uma caneta técnica de desenho não flutuaria no peso da linha. quadrinhos Pogo de Walt Kelly foram publicados em jornais de 1949 a 1975. Ele certamente teve um impacto em inúmeros artistas de quadrinhos, ilustradores e animadores, e provavelmente não surpreenderia você descobrir que ele chegou a começar a trabalhar no Walt Disney Studios. Apesar de suas décadas de incrível trabalho em quadrinhos na criação de centenas de personagens adoráveis, legado mais importante de Walt Kelly é a impressão que ele deixou em um jovem cartunista chamado Jeff Smith. Jeff Smith cresceu para criar a banda desenhada “Bone”. Como Kelly, Jeff Smith deixou a animação para perseguir sua narrativa através de quadrinhos independentes, e ele sozinho inventou o gênero de romances gráficos de fantasia de classe média. Se você não leu Bone, o que você está esperando? É basicamente o Senhor dos Anéis de romances gráficos para crianças. Mas eu cresci com o Bone, então talvez eu seja um pouco tendencioso. Volte para a aula. É óbvio que o DNA do estilo de tinta de Walt Kelly passa pela arte de Jeff Smith. Como Waterson, Smith usou tinta para melhorar suas narrativas. Os primos ósseos da história são tintados com pinceladas de estilo de animação limpa e longa. Os personagens parecem ter saído de um desenho animado para o mundo da história. Portanto, pelo contrário, o ambiente da série graphic novel, os personagens humanos, os outros monstros e os principais vilões sentem-se mais realistas em suas texturas de tinta. Há mais de uma fisicalidade neles. O Sr. Smith usa seu estilo de tinta para mostrar as apostas da história. A ameaça de morte, a emoção da narrativa, atinge os personagens humanos muito mais do que os primos ósseos. Agora, as apostas no osso não são tão altas quanto em uma história em quadrinhos como Akira. O mangá pós-apocalíptico da década de 1980 escrito e ilustrado por Katsuhiro Otomo. estilo de tinta de Otomo aumenta o realismo a um nível mais maduro. À primeira vista, você pode dizer que isso não é necessariamente um quadrinhos para crianças. Podemos ver texturas na tinta, a sujeira do meio mundo destruído. Podemos ver sangue e suor. O estilo de tinta em Akira e um monte de mangá gênero que se seguiu é muito dinâmico, o que exige uma gama mais ampla de ferramentas. Você tem a fluidez do pincel nas formas mais orgânicas, como os corpos dos personagens. Mas o artista de mangá adorava entrar no meio ambiente. Há um monte de canetas de desenho técnico em uso, que é uma ferramenta perfeita para transportar linhas retas que aparecem em coisas como esta grade montada no teto. Além disso, a sensação dinâmica do mangá é transmitida através de muitas linhas de movimento realmente densamente embaladas juntas. Canetas técnicas são perfeitas para cenas de ação como esta. A tinta é invocada para representar todos os materiais e texturas. Saber transmitir textura é uma técnica de narração visual crucial para o artista em quadrinhos. Pense no que este desenho está nos dizendo sobre esses dois personagens apenas a propósito, as duas mãos estão sendo pintadas. quadrinhos de Lynda Barry têm sensibilidade própria. Ela tem publicado coleções de histórias extravagantes sobre namoro, idade adulta, ser artista e vida em geral desde o final da década de 1970. Esta banda desenhada é de uma colecção de trabalhos de 1981. Seu trabalho é provavelmente melhor descrito como investigações jornalísticas do comportamento humano. Sem qualquer consistência de caráter ou história. quadrinhos de Barry refletem sua personalidade e ponto de vista em um nível muito básico e energético. Suas tintas são lúdicas, abstratas e gráficas. Parece que ela está trabalhando com uma caneta técnica de tamanho único e simplesmente retornando as linhas para torná-las mais grossas. É intencional que a energia da nossa tinta pareça quase apressada. Como se ela tivesse se sentado em um banco de parque e tirado um gibi em alguns minutos. Eles têm a intenção de sentir que as idéias estão fluindo rapidamente, mais rápido que ela pode pensar nelas. Mas se você olhar mais de perto, ela ainda está colocando uma quantidade incrível de tempo e esforço para estabelecer aspectos distintos deste mundo. Olhe para os padrões e texturas em cada superfície e objeto em seu painel. O estilo de tinta se move rápido, mas você também pode ficar e olhar para os detalhes de sua construção mundial. Cresci a amar e admirar todo o trabalho da Sra. Barry como artista e ainda mais como professora. Mas eu tenho que admitir, quando eu encontrei seu estilo de tinta, quando eu tinha cerca de 15 anos, era um desvio. Lembrem-se, passei a minha juventude olhar para os livros de banda desenhada e a lê-los obsessivamente, à espera que o próximo número saia. Na minha mente, esperava que os quadrinhos se sentissem limpos e profissionais. trabalho de Lynda Barry tinha manchas de tinta e as letras dela eram muito inconsistentes. Tornou ainda difícil de ler. Você deve se perguntar se ela queria que você lesse em primeiro lugar. Isso não é um julgamento sobre seu estilo ou abordagem. Tudo o que estou tentando apontar aqui é que nossa reação à tinta e técnica é muito emocional e esperamos certas coisas baseadas em nossa experiência. Não há maneira certa ou errada de pintar uma história em quadrinhos. Mas eu acho que é importante entender a quem seu estilo atrai. Nossa primeira reação ao ver uma história em quadrinhos vem do jeito que parece. A primeira coisa que vemos é a tinta. Escolhas estilísticas afetam sua narrativa de mais maneiras do que você imagina. Agora, se você quiser aprender mais sobre estilo de tinta, especificamente na ilustração de livros, eu tenho uma aula inteira dedicada ao tópico. Vá verificar isso mais tarde. Mas, por enquanto, vamos seguir em frente. Neste ponto, discutimos o fluxo de painéis de quadrinhos e como pintá-los. Em seguida, vamos falar sobre as histórias que os quadrinhos podem contar. 15. Aula: entendendo o gênero, parte 1: Algumas pessoas consideram uma banda desenhada um género inteiro, mas não é. Comics é um meio para contar histórias, assim como escrever ou fazer filmes. Dentro dos quadrinhos, podemos contar todos os tipos de histórias em todos os tipos de gêneros. Se tivermos uma visão geral muito ampla do gênero, você pode colocar quadrinhos em duas categorias diferentes. Leitores iniciantes e leitores experientes. Quadrinhos iniciantes muitas vezes significa crianças amigáveis. São quadrinhos que usam elementos do painel para seguir um ponto de vista de protagonistas jovens ou ingênuos. Eles exploram temas familiares de identidade pessoal, amizade, família próxima, coragem, esmagamentos e dores crescentes. quadrinhos iniciantes usam uma abordagem baseada em ação para transições de painel, mantendo os personagens em conversas fáceis de seguir, a passagem do tempo clara no desenvolvimento linear e de caráter externo. Leitores experientes precisam de mais de seus quadrinhos. Neste caso, os elementos do painel são usados para seguir protagonistas maduros, muitas vezes mais velhos, personagens com muito mais bagagem e senso mais complexo de identidades. temas podem incluir poder e corrupção, preconceito, dinâmica cultural, romance e tecnologia. Um livro projetado para um leitor experiente pode utilizar as nuances de transições simbólicas e aspecto a aspecto. Essas coisas se envolvem com um leitor experiente em um nível mais profundo e satisfatório do que uma história em quadrinhos iniciante. Dentro de distinções de ponto de vista e conteúdo temático, poderíamos dividir gênero em um milhão de categorias a mais, mas vamos com sete por enquanto. Gag quadrinhos, mangá, adaptação cômica, memoir quadrinhos, quadrinhos de super-herói, a peça de época, e ficção dramática. Escolhi estes termos específicos para discutir formas narrativas que surgiram do trabalho dos melhores artistas de quadrinhos da história. Gêneros como quadrinhos de mordaça e mangá são únicos para a forma de arte dos quadrinhos, mas outros termos como memórias em peças de época já foram bem estabelecidos através de tradições literárias, mas eles foram aprimorados pela inclusão de quadrinhos em seu gênero. A forma curta mordaça quadrinhos é inerente às artes cômicas. Se você cresceu na América, você provavelmente leu alguns quadrinhos do Garfield ou do Peanuts quando criança. Eles são muito populares e fáceis de seguir. Uma das histórias em quadrinhos lendárias da década de 1930, Nancy, criada por Ernie Bushmiller foi recentemente tomada por uma jovem cartunista chamada Olivia James. Nancy sempre foi uma fórmula, embora muitas vezes brilhante tira em quadrinhos sobre ironias tolas e encontros estranhos. Srta. James transformou aquela Nancy, eternamente, de oito anos, em um reflexo da existência moderna. A tira de mordaça é a forma mais curta de narrativas de quadrinhos, então vamos esticá-la mais para o comprimento de romance gráfico. A indústria do mangá japonês é vasta e variada. Ele explora todos os cantos e recantos possíveis do gênero. Por uma questão de discussão, vamos limitar o gênero até a maneira como muitas pessoas são apresentadas a ele como longas histórias de aventura de fantasia sobre jovens heróis, e uma das mangas mais populares é Dragon Ball, um história serializada por Akira Toyama. A série original foi de 1984 a 1985. Mistura ação sobrenatural com artes marciais e seguimos um personagem principal chamado Son Goku. Filho está em busca dos sete lendários e desejos concedendo bolas de dragão. A franquia de Dragon Ball e Dragon Ballsy, o follow-up, é épica e abrange mais de 40 volumes neste ponto, com todos os tipos de offshoots para trazer novas gerações de fãs. A indústria do mangá concentra-se em jovens leitores e dá-lhes um primeiro mergulho profundo nas artes de personagens que são impulsionadas pela rica construção de mundo. Você provavelmente conhece um ou dois anos que era fanático por mangá, e por uma boa razão, é sobre crianças. Crianças vivendo de forma independente com poderes imparáveis incríveis. A construção mundial da bola de arrastar é densa e o perigo é real. Pelo menos real para um mundo de desenhos animados, e é muito em seu rosto, as emoções correm alto e as apostas muitas vezes sentem risco de vida. mangá pode parecer cartoonish e tolo às vezes, mas cobre tantas narrativas básicas com as quais nos envolvemos quando crianças, e ao contrário de algumas formas de entretenimento infantil, mangá não fala para baixo para o público. Histórias de super-heróis são um grande negócio hoje em dia em todas as formas de entretenimento, e a visão dominante do que é uma história de super-herói, e os personagens que ocupam esse mundo, começaram com um artista de quadrinhos chamado Jack Kirby, que começou a trabalhar em meados da década de 1930. Seu estilo visual é super distinto. Pode ser reconhecido pelo olhar limpo e esculpido do rosto do herói masculino. Os designs simples, mas distinguíveis, de trajes de personagens icônicos, e há um uso incrível de sombra preta para guiar os olhos em torno de seus painéis ocupados e energéticos. estilo narrativo do Sr. Kirby é acelerado. Ele faz um monte de ação para ação transições com personagens que exibem habilidades incríveis de poder e força, não diferente do mangá e tantos aspectos do gênero super-herói vêm do trabalho do Sr. Kirby. Ele começou nos anos 30, mas através dos anos 60 e 70, suas histórias se expandiram além dos limites de lugares como a Terra. Suas histórias assumiram épicas em escalas intergalácticas e com essas narrativas, surgiu a necessidade de novos aspectos do estilo de tinta em quadrinhos. Ambientes alienígenas e rajadas de energia exótica precisavam de seu próprio estilo visual distinto. Quadrinhos de super-heróis, movam-se rápido. Eles cobrem vastas lacunas no tempo e no espaço sem piscar um olho e esse formato e ritmo é algo que os leitores têm vindo a esperar. Suas histórias com muita história de personagens e eles não podem deixar as coisas ambíguas por medo de perder seus leitores. Goste ou não, você tem um monte de bolhas de pensamento desajeitado e exposição que pode retardar a narrativa, mas também deixar as coisas muito claras. Agora vamos olhar para as adaptações literárias em quadrinhos. Quando se trata de quadrinhos que adaptam um romance clássico, os melhores são sempre feitos por amor ao material de origem e esse é definitivamente o caso com a adaptação de esperança de Larson de uma ruga no tempo a partir de 2012. Pessoalmente, sou fã de longa data do trabalho da Srta. Larson. Eu conheço as coisas dela desde quando ela fez seus próprios quadrinhos independentes. Ela sempre mantém a sensação de tranquilidade em seu inquérito escovante fluido, e eu amo seu uso de espaços escuros pesados. É realmente o ajuste perfeito para o tom e construção do mundo de uma ruga no tempo. Esta é uma história sobre crianças que viajam no tempo e no espaço para encontrar o pai de seu cientista. É uma história de fantasia, mas também é uma história dependente de alguns temas matemáticos complicados. O estilo gráfico limpo do trabalho de tinta da Srta. Larson traz clareza a algumas dessas idéias incompreensíveis, como planetas bidimensionais. Não me surpreenderia se as salas de aula do ensino médio tivessem começado a usar o romance gráfico no lugar do texto original. É mais envolvente para os alunos em todos os níveis de leitura, o que traz mais discussão e provavelmente uma busca pelo material original. É uma vitória para todos. GoComics. Vamos recuperar o fôlego por um segundo antes de entrarmos no próximo capítulo. 16. Aula: entendendo o gênero, parte 2: Passando para o próximo gênero. Vejamos a peça do período. É um termo bastante casual, mas eu realmente só quero dizer não-ficção ou biografia definido em um certo tempo e um determinado lugar, e geralmente seguindo algum tipo de figura histórica de nota em nossa cultura. O Vincent by Barbara Stok de 2015 está situado no sul da França durante o final de 1800. Claramente segue a história de Vincent van Gogh, com uma agradável simplicidade em seu estilo de tinta. Ele compartilha a luta de um distante do famoso Vincent, que continua a explorar as possibilidades de cor e luz através de sua pintura, enquanto sofre crises nervosas e convulsões e um mundo de pessoas que não entendem sua missão, para transformar o mundano em algo vibrante. O aspecto ilustrativo do meio cômico é perfeitamente adequado para esses tipos de histórias. A simplicidade da tinta de Stok, permite que essas histórias sejam mostradas em vez de contar. Este estilo de tinta provavelmente lembra alguns do visual da piada, que na verdade funciona muito bem para acessibilidade. Porque o humor é instantaneamente iluminado, apenas pela tinta e design do personagem. Os jovens podem se envolver com esta história interessante a partir de um momento na história para os quais, de outra forma, não teriam nenhum ponto de referência. Em seguida, estamos olhando para memórias gráficas. É um gênero de fuga muito popular nos dias de hoje. Memoir já foi o domínio do escritor experiente, mas as memórias gráficas abrem esse gênero para uma gama muito mais diversificada de contadores de histórias. No seu núcleo, as memórias gráficas comunicam narrativas pessoais através de tropos estilísticos da arte cômica. Existem memórias gráficas sobre a idade adulta como o RX de 2018 por Rachel Lindsay. estilo de arte da Srta. Lindsay é baseado na fina arte da banda desenhada de jornal. Na verdade, no momento da gravação, ela faz uma tira semanal para seu jornal alternativo local em Vermont, EUA. Isso faz com que seus personagens acessíveis e empáticos imediatamente. Mas RX vai mais fundo do que seus quadrinhos semanais habituais. É muito pessoal. Lindsay usa seu humor de desenho animado, para compartilhar suas lutas para manter a estabilidade com doenças bipolares. Tudo enquanto trabalhava em um trabalho corporativo como artista gráfico para uma empresa farmacêutica. Há memórias gráficas sobre ser criança. Um dos mais populares é o Sorriso de 2010 de Raina Telgemeier. Em Sorriso, Miss Telgemeier compartilha sua experiência com trauma do ensino médio depois de ferir gravemente seus dois dentes da frente. A banda desenhada leva-te numa viagem através da autoconsciência e do constrangimento, medida que a pequena Raina passa da cirurgia a aparelhos, a engrenagem da cabeça, e até acaba com alguns dentes falsos. As dinâmicas sociais tratadas no livro são muito relacionadas com um garoto do ensino médio. Eu vejo muitas crianças tão animado para falar sobre este livro e seus temas. Eles se sentem conectados com a autora e sua história. A acessibilidade em quadrinhos e sua leveza e energia estilística permitem que os contadores de histórias se tornem pessoais e reais sem se tornarem inúteis. Eles podem transmitir instantaneamente com um painel como era estar em seus sapatos. Para mim, as memórias gráficas são o gênero mais importante que acontece nos quadrinhos agora. Está conectando leitores de todas as idades com histórias de representação, luta e, mais importante, esperança. Ficção dramática é provavelmente o gênero de corrida mais longo que já vimos na publicação em quadrinhos, que se encaixa apenas sob o termo guarda-chuva de graphic novel. Se você quer falar sobre graphic novel, você tem que falar sobre Will Eisner, o avô do graphic novel. Na verdade, ele inventou a frase. Era a sua pequena estratégia para escapar da associação pública de painéis de arte sequenciais, bolhas de fala, ilustração de desenhos animados com quadrinhos de piadas de jornais. Ele estava fazendo suas próprias coisas e queria ser levado a sério. Sem ofensa para Ernie Bushmiller, mas as tiras de quadrinhos de jornal não estavam realmente interessadas em promover temas literários como Eisner estava. Ele era um grande contador de histórias e compreendia mais do que qualquer um de seu tempo o verdadeiro potencial da arte cômico. Ele começou a fazer quadrinhos no final da década de 1930, bem no meio da Grande Depressão. Sua construção mundial não é diferente da de Gotham City de Batman, mas seus personagens são mais relacionáveis e menos exagerados. Eles lutam através de seus pobres negócios no interior da cidade com questões de dinheiro, respeito, emprego, economia, justiça e religião. O Sr. Eisner não estava acima dos tropes de super-heróis. Na verdade, seu personagem de fuga foi The Spirit, um lutador mascarado do crime que operava em um mundo de crime estilo noir, com aspectos de mistério, horror, amor e comédia, outros gêneros pulpy nicho. Como o trabalho de Eisner está tão enraizado nas duras realidades daquele período de tempo, suas histórias simplesmente não parecem relevantes hoje, que é muito ruim porque há muito a aprender com seu domínio do meio cômico. Sorte para você e eu, o Sr. Eisner publicou uma série de livros instrutivos. Seu estilo de ensinar quadrinhos e as coisas que ele fala realmente ressoam comigo. Acho os livros dele incríveis. Depois de entender quadrinhos, é provavelmente o texto mais bem considerado em quadrinhos e narrativa visual. Pegá-lo se você tiver uma chance ou agarrá-lo em sua biblioteca local. gêneros são úteis como pontos de acesso para novos leitores. Isso os ajuda a saber que tipo de personagens, ambientes e histórias eles provavelmente encontrarão quando pegarem o livro. Você pode perguntar, é possível para mim fazer memórias amigáveis para crianças que tem elementos de sombrio e sombrio drama do crime noir? Claro, desde que se mantenha fiel aos seus personagens, às suas crenças e aspirações, às suas fraquezas e fracassos. Se você conseguir se concentrar nessas coisas, você vai encontrar leitores que se conectam com o seu trabalho. 17. Aula: explorando o estilo: Depois de uma palestra sobre inspiração, acho que é bom refletir sobre o estilo. Estilo de arte e contar histórias é uma busca contínua para o artista. Nenhum artista de quadrinhos parou de perseguir o estilo. Seu trabalho se desenvolverá através da prática, mas esse potencial não é infinito por conta própria. É limitado pela experiência. Isso significa ter tempo para sair do que você acha que sabe sobre história e arte cômica. Trabalhe mais para ler mais e explorar gêneros de todo o mundo. Quanto mais a variedade de narrativas você explorar, mais as direções se abrirão para onde seu estilo o leva. É tudo o que tenho a dizer por enquanto sobre fazer bons quadrinhos. Vamos desenhar com o projeto da turma. 18. Projeto: encontrando uma história: Para o nosso projeto de classe, estaremos desenhando e pintando tinta. Uma história de dois painéis baseada no tema da obsessão. Eu abordei um monte de tópicos nas seções de lições desta classe. Para ajudar você a lembrar alguns desses conceitos e técnicas, vou fazer uma lista das lições que você precisa lembrar enquanto você desenha até mesmo uma pequena tira de quadrinhos de dois painéis. Isso ajudará a agilizar nosso processo criativo à medida que trabalhamos no projeto da aula. Precisamos ter certeza de que passamos muito tempo com os elementos do painel, clareza narrativa, encenação do painel, transição de um painel para o outro, trabalhando em nosso estilo de tinta, e como uma idéia bônus, considerando o gênero ou o público para o qual sua história em quadrinhos é adequada. Agora, você pode estar sentado lá com seu lápis em sua mão, pronto para esboçar e pintar seus quadrinhos, e pronto em 20 minutos. Isso é bom. Você pode inventar algo incrível. Mas todo mundo encontra inspiração criativa através de diferentes etapas de um processo. Quando se trata de quadrinhos, uma mistura de texto narrativo e visual narrativo. Algumas pessoas gostam de começar escrevendo. Vou passar por alguns dos estágios de escrita que uso quando estou desenvolvendo uma história. Gosto de começar por aprofundar um pouco mais o tema do projeto. Neste caso, é obsessão que traz à mente certas imagens, talvez uma definição, mas na verdade vou colocar essas coisas no papel. Eu sempre sinto que é importante tirar as idéias da sua cabeça para abrir espaço para novas. Quando olho para o termo, eu apareço com essa definição, um pensamento que continuamente preocupa a mente de uma pessoa, como em, ela estava no aperto de uma obsessão. Ela era impotente para resistir. Gosto do drama dessa frase. Vejamos alguns sinônimos de obsessão. Estes podem conduzir a ação, o humor ou a personalidade da história. Sinônimos incluem paixão, mania, vício, mania. Como na idéia cresceu em sua mente como uma obsessão. Nem sempre é necessário, mas focar em um tema neste nível pode realmente ajudá-lo a entender o potencial do seu tema. Nem todos os quadrinhos, especialmente um quadrinhos de dois painéis, requer essa profundidade de compreensão, mas eu gostei do processo. Talvez você também. Agora, eu pego minha compreensão básica do tema, e o expando em caráter e cenário. Vou reafirmar o meu tema, e observo aqui, e a aderência de uma ideia de foco em uma paixão. Talvez eu precise incluir a oposição da paixão. Vamos ver. Histórias são melhores quando há conflitos envolvidos. Vamos ver se conseguimos extrair um personagem deste tema. Quando você está construindo um personagem, quanto mais específico você conseguir, melhor você entenderá seu personagem. Vou dar um nome a este personagem. Vamos com Linda. Isso acabou de aparecer na minha cabeça. Ela era uma amiga da família quando crescia. Bem digamos, Linda é de meia-idade. Ela tem três filhos, então ela tem muito no seu prato. Ela também tem três graus em engenharia. Ao projetar um personagem em um nível conceitual, ele ajuda a entender seus desejos e necessidades. Eu vou dizer que Linda, uma mãe de meia-idade de três filhos, realmente quer usar suas habilidades em engenharia. Para fazer isso, ela precisa encontrar tempo sozinha. Temos um personagem que é alguém que podemos entender, e talvez até nos relacionar. Um conceito bem fundamentado. Agora, os elementos aumentados começam a revelar-se à medida que desenvolvemos esta história. Vamos ver o cenário. Vamos colocar na casa da Linda. Talvez ela tenha um laboratório na garagem. Quando eu penso em laboratórios de garagem, eu sempre penso em empresas start-up nos anos 80 como a Apple, sempre começando na garagem com prateleiras cheias tecnologia antiga e fios correndo por todo o chão. Parece um lugar onde Linda pode ir para fugir por um tempo, e pensar em um experimento. Agora, vou começar a escrever o meu conto um pouco. Vamos escolher um ano de verdade. Já que estamos olhando para os anos 80, digamos, 1987. Estamos numa garagem nos subúrbios. Inventora genial, Linda Berry não consegue encontrar um momento para si mesma. As histórias funcionam bem quando você faz uma pergunta para o público. Será que a nova invenção de Linda vai ajudá-la a fazer uma pausa? Agora, com toda essa conversa de tempo sozinho e invenções, eu não posso deixar de pensar que uma máquina do tempo é algo que Linda pode querer criar porque resolve ambos os seus problemas, o desejo de colocar seu diploma em engenharia para uso, e a necessidade de encontrar algum tempo sozinho. Quando começo a quebrar esse painel na minha cabeça, não consigo deixar de pensar que está mais inclinado para um comediante de mordaça do que talvez uma história dramática. Vamos manter esta história leve e simples. 19. Projeto: miniaturas: Em seguida, vou pegar minha pequena narrativa curta e começar a miniatura de alguns projetos de painéis possíveis. É aqui que estou me concentrando muito estritamente nos quatro elementos do painel, fazendo malabarismos e vendo o que vai funcionar melhor. Eu gosto de miniatura pequena porque se uma composição parece boa, pequena, se é clara, mesmo em pequena escala, as chances são que vai funcionar muito bem quando você explodi-la. Para minha primeira idéia, eu tenho Linda encurvada sobre uma mesa, seus filhos gritando com ela em segundo plano e no próximo painel nós vamos fazer a transição para a conclusão do projeto possivelmente, é uma máquina do tempo. Talvez ela já tenha pulado no tempo. No entanto, lidamos com isso, quero que ela se sinta aliviada. Há um bom contraste entre os dois estados emocionais em cada painel. Vamos passar para uma segunda variação. Vamos fazer mais do ponto de vista das crianças. Eles estão do lado de fora da garagem gritando para a mãe que está lá dentro, e agora nós entramos e podemos dizer apenas um minuto, que é um bom tipo de linha para trabalhar em uma história de viagem no tempo. Ela pode estar prestes a ligar o poder da máquina do tempo, e depois viajar através do tempo. Isso é muito bom, mas para uma banda desenhada de dois painéis, eu não tenho certeza se há informação suficiente para o leitor realmente saber o que está acontecendo. Porque começamos com o estabelecimento de tiro, que nos dá pouco detalhe fora do fato de que há uma garagem e um grupo de crianças barulhentas. Na próxima, ampliamos super perto, então podemos não estar entendendo o que é esse experimento em que Linda está trabalhando. Vamos tentar encontrar um meio feliz nesta terceira ideia. Vou colocar Linda mais em primeiro plano. Vamos refinar a ideia deste dispositivo de viagem no tempo. Se você se lembra, a história de H. G. Wells e a visualização da máquina do tempo, é basicamente um garoto preguiçoso reclinável com um monte de tecnologia. Vamos com essa estética. Linda sentada em sua cadeira prestes a ativar ou máquina do tempo, as crianças estão vindo por trás gritando com ela. Agora vamos à frente. Passamos para outro momento, que está em um ponto diferente da história. Sua casa não é mais lá, as crianças se foram e ela está encontrando um momento para relaxar. O que, por coincidência, funciona muito bem porque ela já está sentada numa cadeira relaxante. Talvez possamos brincar com a ideia da máquina do tempo H. G. Wells e fazer algo com isso. Vamos pegar essas miniaturas, que estão realmente soltas e passar para alguns esboços da arte final. 20. Projeto: esboço: Aqui vamos nos concentrar na encenação. Vou começar estabelecendo a colocação de Linda na composição do painel. Painel 1, vou colocá-la em primeiro plano para que possamos ver seu rosto, sua linguagem corporal, e a cadeira de viagem no tempo que ela está sentada para o painel dois, já que já estabelecemos essas coisas, eu vou diminuir o zoom. Queremos transmitir esta sensação de tranquilidade que ela encontrou depois da viagem no tempo. Vou virar o nosso perfil e colocá-la mais no centro do painel, parece um lugar calmo e relaxante para ela. Agora posso começar a trabalhar em mais detalhes da cena. Vou falar com você sobre as escolhas que fiz da esquerda para a direita. Na extrema esquerda, coloquei os três filhos da Linda, eles estão todos inclinados com os braços levantados. Eles são apenas crianças genéricas olhando e suas bolhas de fala estão todas sobrepostas. Não é tão importante o que eles estão dizendo, apenas o fato de que eles estão dizendo um monte de coisas muito alto e é muito distrativo. bolha de fala de Linda que vai ficar em cima de seu diálogo, enquanto ela corta o barulho com sua declaração apenas um minuto, enquanto ela está prestes a ativar sua máquina do tempo. Em primeiro plano e segundo plano, tenho alguns elementos da garagem dela onde ela está trabalhando. Há uma prateleira em segundo plano, como uma bancada, há alguns dispositivos em cima de uma prateleira, e em primeiro plano, eu tenho uma pequena mesa com um esquema que realmente economiza máquina do tempo nela. Isso pode ser muito na sua cara. Veremos se eu mantiver isso, não vou colocar texto em objetos em primeiro plano, pode ser muito distrativo. Afasta o olho dos caracteres, expressões e diálogo. Mas está tudo bem para o retrato falado agora. No segundo painel, este está se reunindo mais claramente. Quero espalhar o espaço, digamos que Linda tenha viajado de volta ao período Cretáceo. Temos alguns dinossauros, tricerátopos e o primeiro plano, alguns herbívoros do pulmão, dinossauro no fundo, e algumas outras plantas tropicais para cercá-la. Não quero encher a Linda. Quero dar-lhe muito espaço. Para o nosso primeiro rascunho do design do painel, isso funciona muito bem. Mas como você pode ter encontrado em algumas das minhas outras aulas. Quando eu estou desenhando, eu gosto de ter em mente este processo de esboço em três estágios. Isso é apenas uma regra geral. Meu primeiro esboço geralmente não é o que eu acabo pintando em cima, meu terceiro esboço geralmente me leva a um estado claro o suficiente onde eu estou confiante com a minha tinta. Mas com esta banda desenhada, cheguei a um esboço final. Na segunda tentativa. Não precisamos pensar demais nesse projeto, antes de chegarmos à arte aqui, vamos voltar por um segundo e olhar a energia principal que estabeleci nesses dois painéis. Estou desenhando em vermelho aqui, então você sabe, é importante. Painel 1, a energia emotiva aqui é uma sensação de caos. Os personagens estão inclinados e sua invasão no espaço de Linda, ela é empurrada para baixo para o canto inferior, que tem uma energia caótica e lotada. O segundo painel é tudo sobre tranquilidade. Seu personagem é centrado, tem uma bolha de fala que vai vir direto para cima com alguns elementos suaves circundantes. Se eu fosse apenas apresentar essas formas, você esperaria ter uma noção desses estados emocionais do painel sem quaisquer detalhes, personagens ou configurações. Quando se trata de contar histórias, contraste, como este é tão importante tanto visualmente como narrativa. Eu só queria tirar um momento para apontar isso antes de passarmos para a fase final de esboços aqui. Você pode ver que eu trouxe mais alguns detalhes da cadeira. Aqui está a imagem de referência que eu estava trabalhando, é uma modelagem 3D do adereço da história original das máquinas do tempo HG Wells. Estou mantendo o esquema em primeiro plano, e tive uma ideia inteligente de onde quando ela viaja no tempo, vemos que a cadeira da máquina do tempo também é um preguiçoso reclinável. É uma piada quadrinhos, então eu acho que revelação extra só torna um pouco mais engraçado. Agora vamos trabalhar em alguns dos elementos de configuração e desenvolver este primeiro plano e meio terreno. Agora vamos fazer um segundo rascunho de alguns desses outros elementos. Vou inclinar as crianças um pouco mais para a frente e trabalhar fora a colocação de suas bolhas caóticas de fala apenas um pouco mais claramente. Painel dois, estamos no período do Cretáceo. Eu usei esta imagem de referência apenas para me dar uma noção dos tipos de vegetação que estava por aí. Sem mais planejamento exagerado, vou direto para a tinta. 21. Projeto: finalização: Como eu discuti na lição, eu começo com os quadros. Assim eu sei que os limites da minha banda desenhada, eu estou usando uma caneta digital estilo ponta. Quase parece que eu poderia trabalhar com uma ponta de feltro, mas eu quero um pouco mais de sabor na minha arte linha. Ao pintar meu design, penso sobre quais são os elementos visuais importantes do design. Primeiro e acima de tudo é a expressão no rosto de Linda. Ela está olhando para trás, para as crianças. Ela está em estado de antecipação, e está prestes a saltar no tempo pela primeira vez. A mão dela está na alavanca. Eu coloquei um pouco de vetor em torno disso, só para que ele atraia seus olhos. Ela está agarrando a cadeira com a outra mão. Em primeiro plano, tirei o texto do esquema. Agora só parece um pouco de papelada estilo de engenharia. Adicionei um monte de circuitos e elementos eletrônicos à cadeira, só para dar um toque mais visual. Eu acho que neste caso, no design mais ocupado funciona muito bem. O fundo, os filhos dela são apenas um homem de gengibre de borracha. Não é importante quem eles são. Eles só representam uma distração e uma razão para ela fugir. À direita, temos a cadeira de novo no perfil e Linda com um grande sorriso gordo no rosto. Como estou desenhando são tão pequenos, o perfil funciona muito bem para capturar o sorriso. Começo a trazer mais textura em contraste para os outros elementos da cena. Por último, mas não menos importante, vou adicionar o texto para as crianças. São as bolhas caóticas da fala. Eu vou fazer as letras neles, com apenas um contorno para que eles não atraiam tanto os olhos. Eles deveriam ser apenas barulho de fundo. Que tal um pouco de reticências no final da frase dela para nos facilitar a transição. No segundo painel, tenho muito espaço para o suspiro no céu. Observe que eu ainda espaçamento as letras um pouco mais do que elas são um pouco mais verticais. A minha tinta e os dois painéis estão a empurrar as ideias de caos e tranquilidade. No painel 1 minha tinta, energia é muito explosiva. Há um monte de linhas irregulares e eu estou usando algumas da eclosão para puxar o olho em direção ao centro do painel, você notou as pequenas linhas em cima e algumas abaixo do lado realmente apontam para o meio do painel, como numa perspectiva de um ponto. Essa transmissão é uma energia explosiva do painel. Painel 2, tem um tipo muito diferente de sensação de energia para a sua tinta. É muito horizontal, que é um campo calmante. Claro, nós temos uma linha do horizonte, mas eu vou ainda mais longe colocando o personagem perto da água. Assim eu posso usar as ondulações do mais amplo para promover essa ideia de tranquilidade. Não há muito movimento neste painel. Até o triceratops parece que ele está tirando uma soneca. A única energia é um pouco de poeira que foi levantada depois que a cadeira chegou, o portal do tempo ou qualquer outra coisa. Você poderia chamar isso de transição momento para momento, mas os momentos são muito específicos, nós temos o momento antes, eles viajam, e o momento logo depois. Eu só quero fazer meus personagens pop um pouco melhor, então eu vou preencher o fundo em torno de Linda e seus filhos, e adicionar um pouco mais de sombra e contraste ao segundo painel. Lá temos ele. Uma história de dois painéis que pode ou não, que é discutível, estar focando no tema da obsessão. Com qualquer tipo de tarefa como esta, penso que a estrutura da atribuição é apenas um ponto de salto para explorar e praticar as habilidades necessárias para criar uma história em quadrinhos. O principal takeaway aqui é nem sempre afirmar quando um 100 por cento fiel ao quadro do tópico, mas para trabalhar através das etapas, Pense em todos os seus elementos. Configuração de caractere de quadro, bolha de fala. Pense na clareza narrativa enquanto você encena sua cena e trabalha no processo de miniatura. Pense nas mudanças sutis na transição ou talvez nas grandes mudanças na transição que você poderia usar para contar esta história. Tente ser único, original e envolvente. O mundo está cheio de quadrinhos. As pessoas faziam isso há centenas de anos. Qual é a sua opinião interessante sobre a passagem do tempo em uma história? Estilo de tinta pode ser restringido ou experimental, desde que suas histórias claras para você, você provavelmente vai ser capaz de fazer um estilo de tinta mais experimental. Mas se você é mais um artista narrativo convencional, você pode querer ficar contido com seu estilo de tinta. Pense em quem está lendo sua história em quadrinhos. Você está tentando entreter, iluminar, provocar o que você está tentando fazer com sua história que pode ajudá-lo a decidir os momentos, os personagens, o cenário, todos os aspectos da história em quadrinhos, e como o leitor vai se envolver com eles. Neste ponto, praticamente chegamos ao fim da aula. Vamos embrulhar isso. 22. Conclusão: Tudo bem, obrigado por ficar comigo até o fim. Espero que você aprenda algumas coisas e esteja inspirado a desenhar seus próprios quadrinhos agora. Eu amo ensinar tanto quanto amo fazer meu próprio trabalho. Realmente, realmente significa muito que você assista minhas aulas e me dê uma chance de fazer isso e fazer parte da minha carreira. Agora, se você tem mais 60 segundos, por favor deixe um comentário sobre a classe que diz Skill-share e outros alunos que você gosta do que eu estou fazendo. Ajuda a impulsionar o meu canal e dar a outros alunos a oportunidade de encontrar e descobrir o meu trabalho. Agora, quando terminar sua primeira história em quadrinhos, compartilhe na seção de projetos de classe. Adoro ver trabalho estudantil. Isso realmente me ajuda a entender que minha aula foi realmente envolvente e interessante para vocês. Verifico os projetos dos alunos regularmente, por isso estou sempre lá para compartilhar conselhos e comentários e apenas apoiá-lo no que estiver fazendo com o seu trabalho. Outros estudantes também adoram. Realmente faz parecer um espaço divertido e energético para aprender. Agora, se você quiser aprender mais comigo e elevar suas habilidades como um artista de quadrinhos, eu estou em uma recomendação para ir para aulas específicas minhas. Ambos são baseados em desenhos animados. Um se concentra em corpos e poses, e o outro é focado em rostos e expressões. Agora, se você está mais em personagens de fantasia e aspectos de construção de mundo de fazer quadrinhos, você pode querer conferir minha classe, mundo de cores, que é uma abordagem bastante única para projetar um personagem de desenho animado e criar significativa paletas de cores em seus projetos. Visite todo o meu canal Skillshare para essas aulas e um monte de outras que se concentram em ilustração e artes narrativas. Se você quiser seguir meu trabalho, confira os links na página do meu canal. Você pode se inscrever no meu boletim informativo para receber notícias mensais. Se você realmente aprecia o que estou fazendo, você pode me apoiar como patrono por um dólar por mês. Você vai ter espreitadela no que estou trabalhando. Eu faço postagens de processo que dá alguma visão sobre o meu próprio processo criativo. Claro, você pode me seguir em todos os nossos senhores das redes sociais. Estou no Twitter, Instagram e Facebook compartilhando o que estou e atualizando novas aulas que estou fazendo. Bem, isso é tudo o que tenho a dizer por enquanto. Mais uma vez, obrigado por assistir e espero vê-lo na próxima vez.