Transcrições
1. Apresentação: A arte como a faísca que
ilumina nossa cultura. Então me ajude a celebrar uma
das faíscas criativas mais estranhas da história da humanidade,
o monstro marinho medieval Nesta aula, começaremos
com uma visão mais detalhada da cultura histórica em torno
do monstro
misterioso Com isso, nossa inspiração
funcionará para imaginar nosso próprio monstro marinho
usando
uma ideia conceitual Em seguida, levaremos
todas as nossas novas ideias para a prancheta e desenharemos, pintaremos e coloriremos Ilustração monstruosamente mítica. Ok, você está pronto para explorar o mundo do
perigoso monstro marinho. Bom, vamos começar imediatamente. Piada náutica sobre monstros marinhos. Te vejo na aula
2. Monstros e imaginação: Imagine que você é um cartógrafo italiano no início de 1400, você se senta por longas horas em sua mesa de
rascunho com sua régua deslizante, encurvado sobre sua enorme mesa de desenho de madeira criando gráficos descalços para marinheiros mesquinhas. Você tem feito isso por anos e você quase ficou cego olhando os ângulos infinitos das costas irregulares. Claro que há aqueles pequenos floreios. Às vezes você começa a desenhar uma rosa bússola, mas ninguém quer pagar para decorar um mapa. Dizem que é uma ferramenta, qual é o ponto? Quando você foi estudar a arte do mapeamento, você sempre imaginou que haveria algo mais do que isso. Então, um dia, um comerciante rico entra no seu estúdio. Ele diz que quer que você faça um mapa, mas não apenas um mapa de outro marinheiro, ele quer algo bonito e impressionante para pendurar
no grande salão de seu castelo e impressionar seus convidados. Seus olhos se ampliam com a oportunidade. Finalmente, uma chance de colocar suas habilidades artísticas em uso. Diga a ele como ilustrará as formas ousadas das cidades que vão
até o litoral e a majestade
das montanhas escalonadas no meio do país. Você incluirá a silvicultura, rios, estradas, e tudo o que está entre eles. Você vai encher as florestas com animais correndo e oceanos com navios à vela. Seu coração corre com a oportunidade de finalmente expressar sua criatividade. O comerciante bem vestido boceja de tédio. Ele não está impressionado com sua proposta. Na verdade, ele se vira para sair, levando sua bolsa pesada com ele. Implora-lhe para lhe dar outra oportunidade. Ele acena com a cabeça e coloca um desafio para você: “Enquanto você tem sido escravizado atrás de sua mesa de rascunho, eu viajei pelo mundo conhecido algumas vezes. Já vi tudo o que há para ser visto. Se quiser me impressionar, terá que me mostrar algo que nunca vi. Você tem até amanhã de manhã.” E com isso, o comerciante bem vestido sai do seu estúdio. De volta à sua mesa de desenho, você está desenhando como louco, sua mesa cheia de rabiscos e notas sobre como você pode impressionar o comerciante. O sol começa a se pôr e logo você fica acordado a
noite toda esboçando idéias que podem impressionar o homem bem viajado. Logo você percebe que está fazendo tudo errado. O mapa habitual de pictogramas não vai conquistar este homem. Você precisa olhar além do habitual. Como qualquer italiano bom do século 14, você olha para o conto épico de Homero do marinheiro Ulisses para se inspirar, falar sobre um homem que viajou pelo mundo. Durante uma de suas aventuras, Ulisses e sua brava tripulação estavam passando
pelo Estreito de Messina entre a Sicília e o sul da Itália, quando de repente, seu navio foi atacado pelo monstro horrível conhecido como Skyla. Homer descreve Skyla como um monstro das profundezas com uma concha tipo caranguejo, seis pescoços longos, triplos filas de dentes em cada cabeça, e 12 pés pendurados em seu corpo monstruoso. Sua voz como Homer escreve : “Parece o grito de cães.” Antes que Ulisses possa guiar os seus homens através
do canal, a Skyla apanhou seis dos seus homens, um em cada uma das suas bocas mortais. Mesmo quando uma criança ouvindo essa história, você sabe que Skyla não era uma criatura real, mas isso não tornou menos real na sua imaginação. E isso te deu uma idéia. Quando o sol nasce, você se senta exausto dando os toques finais em seu mapa. Só então o comerciante entra na sua loja. Bem, ele diz, você sentar e apresentar uma proficiente representação do Estreito de Messina. Ele se inclina para estudar seu projeto. Ele vê o litoral siciliano e italiano de frente para o outro. Linhas fortes que representam as poderosas correntes de maré fluem pelo meio e se formam em um poderoso redemoinho. No centro da piscina escura, encontra-se o monstro Scalia. O comerciante olha para a criatura e você vê seus olhos cheios da mesma maravilha que você conhecia quando criança. “ Nunca vi nada assim”, diz ele. Em meados do século XV, monstros
marinhos eram toda a raiva entre os colecionadores de mapas do mundo medieval. Enquanto os primeiros projetos de criaturas estavam enraizados na mitologia e metáforas
cautelares de perigos reais no mar profundo, os projetos mudaram ao longo
do tempo tornando-se
ilusões estranhas mais estranhas do que qualquer coisa que alguém jamais imaginou antes. Dragões marinhos semelhantes a pássaros com asas de morcego, morsas
barbudas com corpos semelhantesa cactos,
serpentes com cabeças de cães,elefantes
espetados a cactos,
serpentes com cabeças de cães, e chinchilla de cabeça gigante. A história da criatura marinha é a história da nossa imaginação cultural. Historiadores de arte dizem que essas criaturas estranhas e exóticas foram projetadas para envolver o espectador do mapa em um nível mais alto, evocando a imaginação com sua aparência sobrenatural. Mesmo até hoje, com acesso a todo tipo de mídia criativa, ainda
buscamos esse engajamento nesses momentos de maravilha e imaginação.
3. Mitologia e geografia: Para mim, todo bom processo criativo, não importa o quão fantástico, começa com um verdadeiro ponto de referência. Até criaturas imaginárias têm raízes na realidade. O monstro marinho, por toda a sua estranheza, é na verdade um comentário sobre cultura e exploração. Nos tempos antigos, a aparência de um monstro marinho falou para os desafios de explorar águas inexploradas. Monstros marinhos medievais em mapas europeus faziam referência aos animais exóticos da região em que apareciam, mostrando como o mundo era maior e mais perigoso do que alguém jamais imaginou. Em meados do século XX, o monstro marinho ressuscitou, desta vez nas águas ao largo da costa do Japão. Esta versão de um monstro marinho é muito mais complicada, pois representa as preocupações do
Japão sobre a exploração da energia nuclear na década de 1950. Em ambos os exemplos, compreender a localização geográfica do monstro marinho faz muito ajudar a descompactar as preocupações culturais que o monstro está tentando evocar. Tudo o que disse, nosso primeiro passo para projetar um monstro mítico é encontrar um lar para ele no mapa. O que é aquela citação da oficina de escritores, “Escreva o que sabe”? Bem, eu vou desenhar o que eu sei. Um lugar que conheço muito bem é um pequeno lugar na costa leste
da Flórida chamado Daytona Beach. Eu tinha cerca de seis anos quando minha família morava lá e tínhamos um pequeno trailer em um parque a cerca de 10 minutos do oceano, em rios de água doce e terra do pântano. Na minha memória, fui nadar quase todos os dias. Estar perto da água salgada, bem como da água doce me
introduziu a um monte de criaturas estranhas e perigosas. Eu me lembro, minha mãe foi picada por águas-vivas e ter que ficar fora
da água porque há um aviso de tubarão e uma barracuda nadando perto da minha perna. Então, na água doce, lembro-me de ver peixes-boi que eram tão gentis, mas um gigante, e um jacaré rastejando ao longo da praia. Todas estas criaturas fariam grandes pontos de referência para meu mito dos monstros marinhos, mas eu vou ser um pouco menos convencional com o meu ponto de referência. Para mim, a criatura mais estranha e evasiva da costa da Flórida era o flamingo. Nos anos 1800, as zonas húmidas não povoadas da Flórida eram o lar de milhares de
flamingos que migrariam para lá durante os meses quentes de inverno. Mas ao longo do tempo, colonos europeus mudaram-se para a área e começaram a caçar os pássaros por suas penas frias e seus ovos grandes, e isso afastou os pássaros. Mas ainda assim, o flamingo permaneceu parte da cultura da Flórida. Seu visual icônico representava a vibração tropical e pronta para férias do estado. Crescendo na Flórida nos anos 80, o mito do flamingo era muito real. No próximo capítulo, eu vou pegar este mito e expandir sobre ele e projetar uma criatura única que é o descendente há muito perdido do flamingo, levado à obscuridade pelo destino manifesto, no sonho da América de um aposentadoria confortável e um gramado cheio de pássaros brega.
4. Personalidade e habilidade: As criaturas marinhas mais famosas e reconhecíveis têm descrições memoráveis
e, às vezes, personalidades distintas. Então, para mim, é importante ter um pouco de sabor para o meu monstro marinho, para fazê-lo se destacar das outras criaturas do mar. Vou tomar algumas notas aqui. Ao conceituar uma criatura, eu acho que é importante fazer a si mesmo as perguntas certas porque elas irão guiá-lo através do seu processo de desenho. Vou começar com esta pergunta. Qual é a personalidade do monstro? Após o êxodo de seus ancestrais flamingo, a criatura perdeu contato com outros seres vivos. É solitário, porque é único. Como a história do Monstro do Lago Ness. Não é um monstro maligno empenhado em vingança, mas é defensivo especialmente se ele se sente ameaçado. Quais são as habilidades do monstro? A criatura pode ser inspirada por um flamingo, mas precisa permanecer na água porque é um monstro marinho. Sobreviveu tanto tempo quanto sobreviveu, provavelmente
é capaz de nadar rapidamente para iludir os humanos. Velocidade geralmente implica o lugar de um personagem na cadeia alimentar. Imagino que este monstro tenha outras defesas, como talvez a capacidade de se camuflar. Posso descrever essas partes do monstro? Alguma descrição visual pode ajudar a iniciar o desenho. Então, vamos ver se consigo imaginar um pouco do que essa criatura vai parecer com base nas ideias que escrevi. Meu monstro precisa ser rápido, mas pássaros não são nadadores rápidos, então vou encontrar referência em outro animal da Flórida, digamos um jacaré. A cauda forte de um jacaré poderia realmente vir a calhar com o meu desenho de personagem. Suas penas vão mudar de cor também para se misturar com seus arredores,
que é sua capacidade de camuflagem. Isso nos leva à pergunta, quão grande é o monstro marinho? Eu vou dizer que é um monstro de tamanho médio, algo que pode ser visto da linha da costa, mas não é muito esmagador. Então, a escala seria a de um veleiro de tamanho médio. Tudo bem, vou ser honesto. Às vezes, começo a desenhar antes de pensar desse jeito. Mas pelo bem da organização nesta turma, estou colocando toda a escrita em estágios conceituais em primeiro lugar, antes de chegar ao esboço e desenho. O processo criativo é um fluxo, então eu espero que qualquer fase que você gosta de fazer primeiro, você vá lá. Mas não tenha medo de visitar alguns desses outros passos antes de chegar à renderização final do seu design.
5. Referência e proporção: A coisa que faz um design de monstro marinho impactante é a mesma coisa que torna qualquer arte visual impactante, um equilíbrio coeso de elementos visuais fortes. Se você imaginar uma variedade de criaturas míticas, você percebe que elas vêm em diferentes níveis de complexidade. Então, eu vou dividir a complexidade do design em três tipos diferentes. O mais simples é a abordagem Moby Dick, onde você escolhe uma anatomia de base e adiciona um detalhe físico icônico. Então Moby Dick é uma baleia gigante, mas é mítico
adicionando a característica única definidora da pele branca. O segundo tipo é a abordagem de sereia onde você começa com uma anatomia base e então você divide com outra anatomia base. Esta não é uma abordagem muito realista porque uma sereia é apenas metade de um humano cortado
na cintura e um peixe cortado
na parte do meio do peixe e ambos estão presos juntos. Não parece uma evolução natural. O terceiro estilo é a fusão. Pegue a bela criatura da Forma de Água de Guillermo Del Toro. Neste caso, sua anatomia básica é um ser humano, mas seus pontos de referência são abstraídos tanto que a criatura se torna uma coisa completamente diferente. No desenho da criatura você pode ver influência de uma enguia, um peixe, um sapo, uma salamandra e um humano atlético. Na nossa turma, vamos buscar o ouro aqui e tentar amalgamação. Começa com uma base. Isso vai ser cerca de 60% do projeto da criatura. A base deve ser prática para fazer sua criatura parecer um pouco realista. Já que minha criatura precisa saber nadar, vou usar o jacaré da Flórida como base. Escolha uma influência secundária. Isto vai ser cerca de 30 por cento do design da criatura , mas eu penso nisso como o principal aspecto de seu personagem. Vou usar o flamingo aqui e o flamingo tem um estoicismo tropical e isso vai influenciar muito o meu desenho de personagem. Ao escolher essa influência secundária, considere a personalidade do seu monstro. É agressivo? Tente uma influência de tubarão. É secreto? Experimente um animal noturno como uma coruja como sua influência. A terceira escolha que você precisa fazer é o tempero do design. Isso representa 10% do experimento da criatura. Esta é a escolha que leva a criatura ao nível de amalgamação. Este aspecto do design é quase invisível e basicamente faz ponte entre a base e a influência secundária por ser um agente unificador. É a reação química de todo o projeto. Vou escolher algo puramente em sua simpatia visual. Vou com o peixe-palhaço para o meu terceiro ponto de referência. Então jacaré, flamingo e peixe-palhaço. Em seguida, preciso encontrar algumas boas referências desses três animais distintos. Eu quero algumas fotos de corpo inteiro de toda a criatura de diferentes ângulos, e eu também quero alguns close ups para que eu possa entender as texturas e alguns dos detalhes característicos desses animais. Vou acelerar este processo porque todos nós sabemos como Google imagens. Uma vez que temos uma boa coleção de referências, podemos passar a esboçar nosso design.
6. Esboços e silhuetas: Nosso objetivo agora nesta seção é colocar nossas idéias que estão flutuando em nossa cabeça no papel, sejam elas boas ou ruins. Isso é chamado de miniatura no estágio de esboço. São notas visuais que são só para você. Ninguém mais precisa ser capaz de lê-los, então você não precisa refiná-los de nenhuma maneira específica. Estou chamando essas miniaturas de silhueta. No design do personagem, algo que torna um personagem memorável reconhecível é ter uma silhueta forte. O truque aqui é exercer o
mínimo de energia possível para que você não se arrependa de nenhuma de suas escolhas, e você não adivinha o desejo ou a necessidade de desenhar qualquer coisa. Você quer colocar um monte de coisas no papel e resolvê-lo mais tarde. Então, eu vou brincar com essas três referências visuais e apenas remixá-las de maneiras diferentes e ver como os desenhos se sentem para mim. Tendo em mente algumas das idéias conceituais como, “Se este personagem é rápido, ele
teria pernas estreitas e longas como um flamingo?” Provavelmente não. Então, talvez eu devesse ficar um pouco mais perto do corpo e da cauda do jacaré e dar-lhe um pouco de pernas grossas. Eu estou tentando colocar o peixe-palhaço aqui de maneiras pequenas, mas como é apenas 10% do meu projeto, eu não acho que eu deveria desperdiçar isso na silhueta. Talvez a textura ou a pele do
peixe-palhaço entre em jogo quando começo a adicionar detalhes ao corpo. Você pode me ver tentando algumas técnicas de penas nas costas da criatura. Então, tive a ideia de entrar na cabeça de uma cabeça de jacaré emoldurada com penas de flamingo, quase como um leão, esta moldura pela crina. Então, vou esboçar isso. Eu estou meio que nisso, ele fica um pequeno círculo em torno dele. Agora, eu quero encontrar um corpo que complemente seu tipo de cabeça. Vou tentar o corpo de jacaré, talvez com uma fina, não. Quero algo um pouco mais teimoso. Tudo bem, isso está ficando um pouco mais perto do que eu quero. Eu vou considerar mais penas de flamingo talvez em vez de pernas mais finas, ele ganha uma asa, isso poderia ser legal. Essa criatura me parece uma criatura pesada, algo que não pode se mover muito bem em terra e tem que ficar na água a maior parte do tempo, especialmente se estiver sendo perseguido por qualquer tipo de predador. Então, eu vou acumular o corpo da criatura. Agora, está começando a parecer mais um
tipo de corpo de peixe-boi com uma cabeça de jacaré longa e uma nota estilo flamingos no final. Ok, isso está ficando muito mais perto. Gosto do peso da criatura e gosto de alguns desses detalhes. Não sei se vou usar todos eles, mas para uma miniatura, é muito bom. Certo, acho que precisamos de um nome para
este animal para que eu possa começar a me referir a ele mais especificamente. Bem, é um crocodilo e um flamingo misturado. Então, estou pensando em “allimingo”. Vou trabalhar num esboço mais refinado. Descubra as partes racionais do corpo, as formas que compõem sua forma. Antes de fazer isso, vou me lembrar das influências de sua pose. Sei que esta criatura é solitária. Não é um monstro maligno, é totalmente único. É defensivo quando precisa ser. Está ligado à água, não passa muito tempo em terra. Tem uma cauda rápida e
forte para nadar rápido, e é do tamanho de um veleiro médio. Vou começar com estas formas básicas. O personagem vai se sentir pesado, e pesado, e quase um absurdo senso de proporção, mas ainda se sentir realista o suficiente. Estou dando uma cabeça enorme para a forma de seu corpo, e uma cauda gigante, e pequenas pernas gordas. A cabeça é uma combinação de cabeça de jacaré e um bico de flamingo. Há a juba de pena que eu falei mais cedo. Parece que engoliu uma bola de boliche gigante. Tudo bem, eu comecei a capturar um pouco
dessa sensação solitária, mas eu quero empurrá-la ainda mais. Uma boa maneira de fazer isso com um esboço é estabelecer o que é chamado de linha de ação. É como uma extensão da coluna vertebral. Se esse personagem fosse seu ator, sua linguagem corporal seria um longo caminho para expressar seu estado emotivo. Estou dando uma linha de ação caída. Você pode vê-lo bem na parte de trás. Então, tudo o que eu construir a partir disso vai tipo de referência de volta para a linha de ação. Estou a ter uma sensação muito estranha desta criatura. É meio flácida, quase deprimida, oprimida pela gravidade. Certo, de novo, não vou exagerar o esboço, mas preciso de informações suficientes para me colocar no meu desenho final. Vamos tentar um par de estilos de olhos. Agora, tenha em mente, eu tenho desenhado há muito tempo. Tenho muita resistência para esboçar. Se você não tem tanta energia, basta fazer um esboço simples ou se você realmente precisa se mover para o design final, o que for necessário para você passar por todas as etapas deste processo.
7. Empurrar e posar: Então eu vou passar por mais um estágio de esboço e realmente empurrar a pose e conhecer esse personagem antes de começar a pintá-lo. Vamos recomeçar com a linha de ação. Estou realmente empurrando a queda desta linha. E agora as formas que estou colocando vão se curvar e se curvar junto com ele. Em vez de um oval para o corpo, eu tenho uma forma de feijão realmente dobrada. Coroa agradável e flácida. Algumas formas básicas para as pernas. Estou adicionando mais queda na cabeça e conseguindo uma colocação geral para a crina de penas. Você quer fazer uma casca em formas. Formas que se sentem únicas e transmitem uma sensação de tom. Agora, além disso, quero acrescentar alguma perspectiva ao meu desenho. Estou criando profundidade para esta forma bidimensional que tenho. Então essas linhas vermelhas são meus guias para a redondeza do personagem. Repare como tudo está curvado. Não tenho linhas retas ou rígidas, tudo está dobrado. Além disso, eu vou fazer um último esboço final e trabalhar alguns desses detalhes começando com os olhos, o bico e a forma da cabeça. A função da cabeça deste personagem é ser mal-humorado e solitário, então eu vou dar-lhe uma grande sobrancelha pesada e um grande nariz de bico caído. Agora, eu preciso descobrir a estrutura das penas. Eles se sobrepõem da mesma forma que as escalas. E eu quero que eles disparem da cabeça. Uma última vez sobre a forma do corpo, realmente conhecendo as curvas do corpo e da cauda. Tudo bem. Tenho muita confiança neste esboço. Sinto que conheço bem esse personagem. Então, quando eu entrar na tinta, vai ser muito mais fácil. Tinta nervosa pode realmente arruinar um desenho. Portanto, vale a pena estar realmente confiante no design do seu personagem antes de começar a pintar.
8. Pintura e hachuras: Você pode ver no lado esquerdo da tela eu trouxe duas referências para o meu processo de tinta. Estas são ambas ilustrações da era renascentista, arte monstro do
mar e eu destacou algumas
das diferentes técnicas de tinta que são feitas nestes desenhos. Você pode ver que eclosão, que é basicamente usando linhas de espessura e densidade variáveis para representar a luz, você pode ver como a eclosão pode mostrar a forma da criatura, representar diferentes texturas como peles, ou pena, ou pele ou até mesmo água, neste caso. Também lhe dá uma noção de onde está a fonte de luz. No geral, a eclosão vai trazer profundidade e forma para este desenho. Quero que este curso funcione para ilustradores digitais e tradicionais. Então, enquanto eu estou desenhando em um tablet para maior clareza, qualquer uma das coisas que eu estou fazendo pode ser feita com caneta e papel. Estou usando um pincel padrão muito genérico que vem com o Photoshop, Clip Studio Paint ou o Procreate. Não é um mícron que tem uma espessura mais consistente, é mais equivalente a uma caneta pincel ou uma caneta de caligrafia com uma ponta. Então, quando você pressiona mais forte, você obtém um peso de linha mais grosso e quando você deixa, você obtém um peso de linha mais fino, que você pode fazer com um mícron, mas você tem muito mais de uma sensação dinâmica com uma ponta ou um pincel. Você pode ver que meu primeiro passo aqui é apenas obter o trabalho de linha principal da ilustração, todos os contornos. Estou saindo em um monte de meus erros, então você pode ver que em vez de pegar minha caneta enquanto trabalho, eu tento criar a linha tudo com um gesto. Ele dá um fluxo muito mais natural para o design especialmente, ao longo de formas maiores como o arco da volta para baixo para a cauda. Se eu conseguir capturar tudo isso com uma linha, isso torna a imagem muito mais forte e muito mais clara. Muito estilo é revelado através da tinta e quando eu costumava trabalhar em caneta e papel, havia um nível de desleixo que eu me permitiria com o meu trabalho. Gostei de salpicos de tinta e coisas texturais como essa. Mas quando trabalho digitalmente, tudo parece que precisa ser bastante preciso. Caso contrário, parece um erro e não o bom tipo de erro. Então, meus desenhos digitais são muito mais nítidos e limpos. Eu realmente penso sobre onde as linhas interagem, os tipos de tensão que estou criando quando as linhas colidem umas com as outras. Agora que terminei meu esboço, vou trazer outra imagem para referência. Aqui está uma foto de um jacaré musgo. É assim que posso sugerir a redondeza da criatura. Vou criar alguns guias básicos inspirados nas texturas de um jacaré. Eles têm quase uma grade como forma em seus corpos, mas é claro, essas linhas não podem ser planas porque estão em uma superfície curva, então eu tenho que ter certeza de obter os ângulos para representar as partes certas do corpo. Você pode ver como eu construo essas linhas, ele começa a fazer meu personagem parecer mais redondo e quanto mais perto eu coloco as linhas juntas, mais você pode ver uma técnica de eclosão. Com a eclosão tradicional, você não quer que as linhas se sobreponham a menos que você esteja fazendo eclosão cruzada, o que é uma coisa diferente. Então, as linhas precisam correr paralelas e a densidade cria uma escuridão. Você pode ver como a densidade das linhas aumenta, o tom da imagem começa a mudar. Quanto mais detalhes você adiciona, mais perto ela traz a imagem como tipo de realidade. Eu não sei, para mim parte do humor começa a cair longe do desenho, um pouco da leveza e eu até tentei alguns outros tipos de texturas aqui. Eu não acho que isso está funcionando para o meu estilo, então eu vou tirar algumas
dessas coisas e tomar uma abordagem diferente para a eclosão. Menos linhas, o que significa que as linhas que eu faço têm mais impacto. Vejamos os tipos de linhas que estou usando aqui. Com o principal, quero que todas as penas estejam apontando para o centro do rosto. Então, você pode ver como todos eles apontam para um pino imaginário em algum lugar entre os olhos e bem atrás do nariz. Eu adicionei algumas marcas de arranhões no nariz para dar ao personagem um pouco de história. Talvez ele cava o bico nos penhascos rochosos da costa. Eu adicionei apenas pedacinhos de textura no corpo. Eu tenho algumas listras no estilo de um peixe-palhaço do jeito que seu corpo é meio segmentado com cor. A textura está fazendo referência ao jacaré, mas não é tão densa quanto um jacaré real. Tudo bem. Para o próximo passo com a minha eclosão, vou construir as sombras dentro das penas. Você pode ver que eu tenho minhas referências de volta aqui em cima novamente. Quando as penas se sobrepõem, as que estão em primeiro plano lançam uma sombra sobre as que estão na parte de trás. Então, eu vou me mover nas profundezas e nas rachaduras entre essas penas e construir as sombras que fazem com que as da frente apareçam um pouco. Novamente, as linhas estão cruzadas, estão todas se movendo ao longo das mesmas linhas de referência. Eles não mudam de direção, significando que todos implicam a mesma fonte de luz. Há uma sensação unificada. Eu vou voltar ao redor dos olhos e adicionar um pouco mais de eclosão novamente, e apenas deixar o bico ser o principal ponto de ênfase, que
significa que ele tem o maior nível de detalhe no rosto. Vou tentar uma abordagem diferente para a textura na parte de trás, vou usar pequenos traços. Você pode ver, eu pressiono mais para baixo em certas linhas e iluminar os outros, ele cria um pouco de variedade, um sentimento mais naturalista, algumas sombras atrás do principal. Eu vou tentar preencher a parte inferior
da criatura, mas eu acho que isso é muita profundidade no valor
da luz, então eu vou puxar isso de volta e apenas manter um pouco de sotaque em torno das pernas. Vamos voltar aqui e chocar um pouco da textura na água. Então, esta versão do monstro marinho permanece bastante fiel às técnicas usadas nas ilustrações renascentistas. Técnicas básicas de incubação, nada extravagante ou experimental, apenas retransmitindo a forma básica, um pouco de uma fonte de luz, e algumas das texturas exóticas da criatura.
9. Cor e teoria: Antes de começarmos a colorir nosso monstro marinho, vamos fazer um curso intensivo em teoria de cores para que você saiba suas opções. O caractere de uma única cor pode ser dividido de duas maneiras. Um deles é a intensidade de saturação da cor. Este é um tom de vermelho com 100% de saturação. À medida que diminuímos a saturação, a cor é removida até ficarmos com branco. No mundo natural, uma cor totalmente saturada é vista quando está absorvendo toda a luz. A segunda maneira de categorizar a cor é com o valor ou o brilho da cor. Começamos com o valor total de vermelho e quanto mais preto adicionamos, menos luz está interagindo com a cor e esconde-a na sombra. As proporções de saturação e valor são super poderosas porque nossos olhos são muito sensíveis a eles. Então, realmente, você pode pegar uma única cor e criar composições realmente interessantes e evocativas. Você pode até pintar um quadro inteiro usando diferentes níveis de saturação e valor. Claro que com apenas uma única cor, perderemos muitas das nossas opções de contar histórias. Então vamos olhar para harmonias de cores que é a teoria da combinação de cores. Vejamos três abordagens diferentes para harmonizar cores. A primeira é a abordagem monocromática que é basicamente o que falámos. Está usando uma única cor com diferentes níveis de saturação e brilho. coloração monocromática pode funcionar para uma única imagem de assunto, como um logotipo ou uma peça de arte gráfica. Mas quando você entra em artes narrativas, fica
complicado trabalhar com apenas uma cor. Vejamos a harmonia de cores análoga, o que significa trabalhar com cores
adjacentes na roda de cores ou próximas umas das outras. Então, se eu começar com esta base rosa, você pode ver que eu me movo em torno da minha roda de cores para a direita e para a esquerda apenas um pouco. Nunca se desviou muito da cor base original. Neste contexto, posso usar minhas cores adjacentes para representar sombra, textura, destaques. Então, restringindo-se a um certo canto da roda de cores, pode realmente ser bastante libertador. Ao eliminar muitas escolhas, você pode realmente ter mais liberdade com sua criatividade. Esquemas de cores análogas podem se sentir muito confortáveis porque eles não estão colocando nenhum contraste áspero em seu rosto. O mundo natural está cheio de esquemas de cores análogas em termos de animais, padrões ou apenas o ambiente natural ao seu redor. Uma terceira abordagem para a harmonia de cores é a abordagem complementar, significando cores que estão em lados opostos da roda de cores. Tenho certeza que você está familiarizado com cores de cortesia. É algo que está coberto na educação artística elementar. Então vamos adicionar uma variação a isso, dividir complementários. Isso significa escolher um de seus dois complementos e escolher uma cor análoga para trabalhar com ele. Então, se eu tiver uma base de rosa e um complemento de verde, isso me dá a opção de usar um azul para criar um pouco mais de variedade e uma tonelada mais de potencial composicional. Certo, aí está o seu curso intensivo em teoria das cores. Vamos voltar ao nosso trabalho artístico. Vou pegar minha ilustração totalmente pintada e trabalhar com um esquema de cores de cortesia dividido inspirado no Flamingo, que é o laranja e
o verde do jacaré e minha cor adjacente ao meu elogio vai ser azul. Vou trabalhar com o verde como base e preencher tudo isso. Então eu vou jogar com diferentes combinações do meu complemento e cor análoga. Com coloração você tem que decidir onde você quer desenhar o olho. Então minha cor base tem que ser dominante, caso contrário a cor do acento não vai se destacar. Eu vou manter apenas a juba pena laranja
e usar diferentes valores de verde ao longo do corpo. Novamente, esta é uma aula criativa, então temos nossas regras e às vezes as regras são quebradas. Vou rever o meu esquema de cores. Vamos tentar isso e eu vou tentar este amarelo no bico. Este valor mais escuro de azul realmente parece se encaixar melhor com o corpo de jacaré então mantenha isso e, em seguida, laranja na juba, tal algumas listras. Tudo bem, novamente, mesmo com esta paleta limitada, é muito fácil fazer um design excessivamente ocupado. Eu só vou parar aqui por um segundo e reavaliar a situação. Quando eu estava chocando meu design, os aspectos do personagem estavam realmente funcionando. Mas como eu adiciono cor agora, o design está ficando muito enlameado e nada está realmente se destacando para mim. Então eu vou tomar uma abordagem drástica e eu vou
tirar toda a eclosão e apenas voltar para o meu esboço do projeto. Vamos ver se consigo encontrar uma paleta de cores mais satisfatória. Esse cara solitário tem uma fofura para ele, então eu vou escolher uma paleta de cores mais alegre. Eu vou começar com um tipo de verde verde para o corpo de jacaré e eu vou usar esse complemento adjacente de rosa para ser as penas Flamingo. Então eu vou pular de volta para o verde, diminuir o brilho e começar a construir um padrão. O truque aqui é não complicar demais as coisas. Então, enquanto eu construo esse padrão, eu tenho que decidir se ele está realmente funcionando para
a aparência geral do design ou se ele está tirando muito do rosto. Como você pode ver, estou começando a dobrar algumas das regras da teoria das cores que eu discuti, poucos minutos atrás, mas é assim que o processo criativo funciona. Se todos jogamos pelas mesmas regras, acabamos com as mesmas coisas uma e outra vez. Por isso, temos de ser um pouco maleáveis e permitir que as regras se ajustem à situação. Aqui está um bom caso disso. Vou fazer uma mudança dramática aqui. Estou começando a perder a intensidade do rosto
neste padrão, mas não vou mudar o padrão desta vez. Eu vou entrar e mudar o olhar do rosto. Vamos pegar esses olhos e revisá-los. Agora, eu estou voltando para o rosto que é onde eu quero estar com o bom design de personagem. Vou usar um pouco de amarelo aqui para fazê-los estourar ou adicionar mais alguns detalhes. Eu quero alguns valores mais escuros para fazer as penas se
destacarem e os olhos estourarem e depois de um pouco de tentativa e erro, eu tenho um design que eu estou feliz com. Aqui está, senhoras e senhores. O evasivo alimingo, vagando pelas águas de Daytona Beach, ao
largo da costa da Flórida, EUA.
10. Finalização: Tudo bem, essa é a classe. Espero que tenha se divertido e espero que tenha inspirado você a criar um monstro marinho próprio. Mesmo que você não siga todos os passos que eu dei, você pode remixá-los de maneiras diferentes e sinta-se livre para compartilhar qualquer etapa do seu processo criativo na seção de projetos estudantis. Isso vai muito longe para construir uma comunidade em torno da turma e deixar outros alunos saibam que as pessoas estão ativamente aqui e participando, e isso realmente me inspira a criar novas aulas para vocês. Eu amo o aspecto da sala de aula, então eu espero que você faça parte disso. Se você gosta desta aula de fazer monstros marinhos, você também pode gostar meus outros cursos de ilustração criativa sobre arte conceitual e construção de mundo, tinta e ilustração em livros infantis, desenho de personagens de desenhos animados, e Fazendo quadrinhos. Você pode encontrar tudo isso na minha página Skillshare e certifique-se de me seguir para ver o que vem a seguir. Tudo bem. Apanho-te da próxima vez.
