Desbloqueie a magia da pintura em aquarela: anjo no jardim

1. Boas-vindas: Há algo mágico na pintura em aquarela. Não se trata apenas de aleatoriedade e surpresas. Com aquarelas, podemos pintar cenas que parecem reais usando cuidadosamente o pincel e as camadas As cores se misturam de uma forma única, criando imagens suaves e realistas que evocam uma sensação de paz Mas não se trata apenas de copiar o que vemos. A aquarela me permite adicionar meu próprio toque. Embora eu busque o realismo, também tenho a liberdade de torná-lo pessoal e único É como uma meditação relaxante quando eu misturo cores e o processo se torna uma forma de relaxar e me expressar Olá, sou Chris e bem-vindo à minha aula de compartilhamento de habilidades, onde vou levá-lo em uma jornada de pintura de uma estátua de um anjo no jardim Ao longo desta aula, mostrarei como interpretar a foto de referência através de seus olhos artísticos. Como simplificar formas e cores e criar sua própria versão da realidade. Exploraremos várias técnicas para capturar esse assunto maravilhoso e recriar a fantástica luz do sol na estátua Se você é iniciante, trate este tutorial como uma oportunidade de desenvolver suas habilidades artísticas O tutorial é cuidadosamente dividido em segmentos curtos e gerenciáveis, segmentos curtos e gerenciáveis, garantindo uma experiência de aprendizado tranquila e agradável Vou guiá-lo passo a passo por todo o processo para que você possa criar sua própria bela representação desta pintura Fornecerei recursos que ajudarão você no processo de pintura. Junte-se a mim nessa jornada criativa e vamos começar. 2. Projeto e recursos: Obrigado por escolher fazer parte da jornada artística comigo. É uma honra ter você aqui nesta classe. Eu preparei alguns recursos úteis para seu projeto, que você pode acessar na seção de projetos e recursos. Lá você encontrará um arquivo PDF contendo uma lista dos suprimentos que usei para essa pintura em particular, uma foto de referência e minha pintura finalizada para guiá-lo. Os desenhos de linha estão disponíveis em tamanhos diferentes que você pode imprimir e transferir para o papel aquarela, permitindo que você escolha o tamanho adequado às suas preferências Eu pintei isso em um tamanho 12 por nove. Além disso, há fotos do progresso do trabalho que ajudarão você a acompanhar o processo e se concentrar em áreas específicas. Sinta-se à vontade para explorar esses recursos e usá-los para criar sua pintura única e bonita. Seria ótimo ver seus resultados. Não hesite em compartilhar suas fotos de progresso e a pintura final com a turma na seção de projetos e recursos. Também recomendo fortemente que vocês dêem uma olhada no trabalho um do outro na galeria de projetos estudantis. É sempre inspirador ver outras pessoas trabalhando. É extremamente reconfortante receber o apoio de seus colegas Não se esqueça de curtir e comentar o trabalho um do outro. Por fim, eu recomendo assistir cada aula antes de começar a pintar Isso ajudará você a entender melhor o que esperar em cada parte do tutorial. Se você achar essa aula útil, eu agradeceria muito. Se você pudesse deixar uma avaliação honesta. Seu feedback me ajudará a criar um conteúdo melhor e a ajudar outros alunos a decidirem se querem fazer esse curso. Agradeço antecipadamente. 3. Meus suprimentos de arte: Neste vídeo, gostaria de compartilhar com vocês uma visão geral dos meus materiais de arte que uso regularmente. Acho que devo mencionar primeiro que não sou o tipo de pessoa que compra constantemente novos materiais de arte e faz experiências com eles. Eu uso os mesmos suprimentos o tempo todo. Eles funcionam bem para mim e eu aprendi como tirar o máximo proveito deles, que também me ajuda a economizar dinheiro. Em vez de comprar cinco cores novas que eu poderia usar apenas uma vez para criar uma amostra de cores, prefiro investir em livros, por exemplo Não me interpretem mal, experimentar novos materiais de arte e comprar novos materiais regularmente pode oferecer muitos benefícios aos artistas Vamos dar uma olhada em alguns prós e contras de experimentar novos materiais artísticos. Pode despertar novas ideias e inspiração. Diferentes mídias, cores e texturas podem levar a expressões artísticas únicas e ajudar a romper bloqueios criativos Explorar novos materiais de arte geralmente envolve o aprendizado de novas técnicas e abordagens. Esse processo de aprendizado contínuo contribui para o desenvolvimento de habilidades artísticas e amplia o kit de ferramentas de um artista Ter uma variedade diversificada de materiais de arte permite uma maior versatilidade na expressão artística Os artistas podem alternar entre diferentes mídias e ferramentas com base nos requisitos específicos de um projeto, resultando em obras de arte mais dinâmicas e variadas Experimentar novos materiais pode tirar o artista de sua zona de conforto A vontade de explorar e assumir riscos promove o crescimento pessoal e incentiva O mundo da arte está em constante evolução com novas tecnologias e novos materiais Manter-se atualizado com os materiais de arte mais recentes garante que o artista permaneça relevante no cenário da arte contemporânea. Experimentar novos materiais de arte geralmente envolve a solução de problemas. Os artistas podem precisar descobrir como manipular um novo meio ou adaptar suas técnicas, aprimorando suas habilidades de resolução de problemas e pensamento criativo A empolgação de usar uma nova fonte de arte ou descobrir uma nova técnica pode reacender a motivação e a paixão pela criação Esse entusiasmo é essencial para manter uma prática artística consistente e gratificante À medida que a tecnologia avança, o mesmo acontece com a qualidade e as capacidades dos materiais de arte. Experimentar novos produtos permite que os artistas explorem formulações aprimoradas, levando a resultados potencialmente melhores em seus trabalhos Diferentes materiais de arte oferecem maneiras únicas de transmitir emoções e mensagens Experimentar uma variedade de materiais permite que os artistas encontrem aqueles que melhor se adequam ao seu estilo pessoal e permitam eles se expressem com mais autenticidade E o mínimo continua. Por outro lado, aqui estão alguns possíveis motivos. Alguns podem argumentar que nem sempre é bom. Os materiais de arte podem ser caros, e comprar constantemente novos materiais sem um plano ou propósito pode sobrecarregar seu orçamento. É bom estar atento aos seus gastos, especialmente se você não estiver usando todos os suprimentos que acumulou Confiar em materiais de arte novos e variados pode desviar a atenção do desenvolvimento de habilidades artísticas fundamentais Um artista proficiente pode criar trabalhos impressionantes com ferramentas básicas A ênfase deve estar no domínio das técnicas, em vez de depender de suprimentos específicos Acumular uma grande variedade de materiais de arte pode causar barulho e desafios Muitos suprimentos podem dificultar a localização constante do que você precisa. compra de novos materiais de arte contribui para o desperdício, especialmente se os materiais não forem totalmente utilizados. É essencial considerar o impacto ambiental de suas práticas artísticas e tentar minimizar o consumo desnecessário. Alguns artistas argumentam que trabalhar com limitações, como um conjunto de materiais, pode realmente aumentar a criatividade. As restrições podem forçar você a pensar fora da caixa e encontrar soluções inovadoras seu kit de ferramentas existente Muita ênfase em experimentar novos suprimentos pode desviar a atenção do cerne da expressão artística O conceito ou mensagem que você deseja transmitir por meio de sua arte Concentrar-se no significado por trás do seu trabalho é crucial, independentemente dos materiais usados. Buscar e comprar constantemente novos suprimentos pode promover uma mentalidade consumista, em que a alegria vem da aquisição de novos itens, e não do Isso pode levar a um ciclo de busca pelo próximo material popular, em vez de aprimorar sua Também pode criar expectativas irreais sobre o poder transformador Embora suprimentos de qualidade possam aprimorar seu trabalho, a chave para o sucesso artístico está em suas habilidades, técnicas e visão criativa. Confiar demais na crença de que novos suprimentos melhorarão drasticamente sua arte pode causar decepção Explorar e adaptar constantemente novos materiais de arte pode levar a uma mudança não intencional em direção às tendências populares, em vez desenvolver um estilo pessoal único Como você pode ver, há muitos elementos que eu acredito que valem a pena considerar. Em última análise, é uma escolha pessoal. Eu costumava querer comprar todos os materiais de arte que eu pudesse pagar. No entanto, ao perceber que não precisava de todos eles e ter encontrado suprimentos com os quais estou realmente feliz, parei de comprar itens desnecessários parei de comprar Em vez disso, concentrei-me nos que tenho e realmente uso. Agora vamos dar uma olhada no que eu tenho. Vamos começar com papel. Entre pincéis, tintas e papel, considero o papel o material de arte mais importante A qualidade do papel influencia significativamente sua experiência e resultados de pintura. Eu uso papel arcado, que é feito de 100% algodão O papel de algodão é frequentemente considerado a melhor escolha entre os artistas. Possui excelente absorção, resistência e durabilidade, o que o torna adequado para várias técnicas de aquarela Ele fornece os melhores resultados porque a tinta se comporta muito melhor do que em papéis de celulose mais baratos O papel de alta qualidade também é mais tolerante, facilitando a correção de erros Passando para as tintas, eu uso tintas de nível profissional Windsor e Newton As tintas de nível profissional, independentemente da marca que você usa, oferecem excelente qualidade. Eles têm mais pigmentos, cores mais ricas e uma vida útil mais longa do que as tintas para estudantes do Embora as tintas de nível profissional sejam mais caras do que as de nível estudantil, elas realmente valem o investimento. Levei algum tempo para coletar todas as cores que eu precisava. Aos poucos, comprei um ou dois tubos vez até ter um conjunto completo. Agora, raramente preciso comprar tubos novos. Eles duram muito tempo. Eu compro uma ou duas cores, talvez uma ou duas vezes por ano. Atualmente, tenho 17 cores na minha paleta, embora algumas sejam para fins de teste. Nos materiais de aula, você encontrará arquivos PDF com informações adicionais sobre minhas cores, por que as selecionei e como as organizei na minha paleta Também há um gráfico de conversão útil se você quiser cores semelhantes de marcas diferentes. Deixe-me explicar resumidamente como escolho cores para minha paleta Eu faço isso em quatro etapas principais. Meu ponto de partida na escolha cores é sempre uma paleta primária dividida Um verme e um amarelo frio. Um verme e um vermelho frio. E um verme e um azul frio. Aqui eu acho que é um bom momento para mencionar que o azul ultramarino que eu uso é o tom verde Não é ultramarino francês. Existem quatro diferenças principais entre o azul ultramarino, o tom verde e o ultramarino francês No entanto, eles são realmente pequenos em azul ultramarino. O tom verde tem um tom mais verde. Tem uma aparência mais fria. Ele cria tons mais frios de roxo e cinza e é menos granulado Ambas as tintas compartilham a mesma camada de pigmento. Pb 29, eu uso o azul ultramarino, o tom verde, principalmente por hábito. Pois é o que eu sempre usei e com o qual me acostumei. Além disso, acho que é menos granulado do que o ultramarino francês, uma qualidade No entanto, novamente, as diferenças entre os dois são muito sutis. Na segunda etapa, procuro cores da mesma família de cores com propriedades específicas, como serem feitas com um único pigmento, ter boa resistência à luz e não granular Com algumas exceções, prefiro usar tintas não granuladas e ser transparente ou semitransparente ser transparente ou Eu uso principalmente tintas de pigmentação única, com uma exceção, que é que as tintas cinza neste grupo devem diferir visivelmente do Se forem muito parecidos, eu os elimino. Não vejo uma boa razão para manter, digamos, sete amarelos muito parecidos na paleta Eu escolho os que são mais exclusivos e posso misturar outros tons. Na terceira etapa, adiciono cores que simplesmente gosto ou sei que vou usar. siena queimada com frequência é essencial na minha paleta porque é um marrom básico versátil que cria lindos tons neutros cria Com o azul atenuado, alguns verdes criam vários tons de amarelo É uma cor muito versátil. Além disso, como o verde é minha cor favorita, gosto de ter duas prontas que sirvam como uma boa base para misturar outras tonalidades. A etapa quatro é opcional. Há três pontos restantes na minha paleta que estão reservados para novas cores ou cores que estou testando atualmente, que podem mudar com o tempo Além da tinta aquarela, também tenho um tubo de guash branco Costumo usá-lo para pequenos detalhes ou destaques. Eu mantenho minhas tintas em uma paleta de porcelana com 17 poços e duas grandes áreas de mistura paletas de porcelana são excelentes porque são fáceis Não manche como os de plástico. Antes de usar essa paleta, usei uma de plástico com 33 poços por muito tempo Troquei quando percebi que não usava metade dessas cores Eu sempre encho o poço inteiro com tinta. Eu o recarrego quando fico sem a cor específica. Normalmente compro tubos de 5 mililitros porque posso espremer o tubo inteiro no poço Vamos passar para os pincéis. Meus pincéis principais são redondos, prateados e de veludo preto em vários tamanhos Descobri que eles funcionam excepcionalmente bem para a técnica molhada sobre molhada, que eu uso com frequência Eles também chegam a um ponto perfeito. Um pincel que sempre tenho à mão, que chamo carinhosamente de minha arma secreta é o pincel Windsor and Newton's Galleria tamanho quatro É meu pincel e eu o uso em quase todas Também tenho um pincel Princeton Snap Shader menor , tamanho quatro, que uso para retirar detalhes muito pequenos, como pequenas veias nas folhas Também tenho pincéis Spotter da Rosemary and Co, especificamente da Eles são pequenos, não retêm muita água, então não são bons para pintura úmida ou úmida. Mas eles são excelentes para pintar pequenas áreas úmidas sobre secas e para adicionar pequenos detalhes. Eu sempre os uso para criar texturas visuais com a técnica de estilhaçamento; ocasionalmente, uso pincéis de designer, pincéis rigger ou pincéis Eles têm nomes diferentes e são muito parecidos. Esses pincéis têm cerdas finas e longas e são úteis para pintar linhas longas e finas ou linhas mais naturais, como galhos de árvores Finalmente, tenho um pincel grande para aplicar água em grandes áreas, ou às vezes até para pintar grandes áreas. Eu também tenho que mencionar cerca de dois pincéis adicionais. Um deles é um pincel velho e barato que eu uso apenas para aplicar fluido de máscara Aplicar fluido de máscara com um pincel pode danificá-los, evite usar seus bons pincéis para O outro é um pincel plano barato, que eu uso para preparar cores na minha paleta Se eu tiver que preparar grandes quantidades de tinta. Esse pincel é ótimo para isso porque permite transferir grandes quantidades de tinta do poço para a área de mistura A desvantagem deste em particular é que ele está perdendo cerdas Vou ter que comprar algo um pouco melhor, placa Gator. Eu sempre coloco meu papel aquarela em uma placa de jacaré usando grampos e Esta placa é leve, à prova d'água e me permite mover e inclinar minha pintura conforme necessário Crucial para mim, especialmente ao pintar fundos lisos com a técnica molhada sobre molhada Eu sempre uso um grampeador de escritório para prender meu papel na placa de jacaré Depois de grampear, prendi o papel nos quatro lados com fita adesiva para criar uma borda limpa ao redor da pintura finalizada Eu prefiro usar fita adesiva de lavanda projetada para superfícies delicadas Percebi que ele adere bem durante a pintura e, se alguma vez se soltar, é provável que seja por causa do uso excessivo de um secador de cabelo Essa fita não causou nenhum dano ao meu papel. E eu gosto de sua superfície. É um pouco liso, o que é muito conveniente para limpar facilmente as gotas de tinta Meu único desejo é que viesse em branco. Aqui estão outros suprimentos que eu uso com mais ou menos frequência. Almofada de luz, na verdade eu a uso para todas as pinturas. Este é o mais barato que encontrei na Amazon. Eu o uso para transferir uma imagem para meu fluido de máscara de papel aquarela do Windsor Newton Este é um meio essencial para muitas das minhas pinturas. Ferramentas para aplicar fluido de mascaramento, como um pincel velho, caneta reguladora e ferramentas de estampagem E essas ferramentas podem ser diferentes disso. pincel antigo também pode ser usado para aplicar tinta e criar efeitos específicos. Um pedaço de sabão e um copo velho de um líquido mascarador antigo. Ao usar fluido de máscara, mergulho o pincel na água, esfrego em uma barra de sabão, criando uma camada protetora nas cerdas Em seguida, mergulho no fluido de mascaramento. Isso evita que a máscara grude as cerdas Sempre coloque um pouco de máscara em um copo velho e feche rapidamente a garrafa para evitar grumos secos na Ferramenta de coleta de máscara de borracha para remover o fluido de mascaramento. Uma ferramenta muito útil, secador de cabelo, útil para acelerar o tempo de secagem Borrife o frasco com água limpa, para molhar o papel suavemente ou forçar a tinta a Também pulverizo tintas na minha paleta antes de começar a pintar a borracha de lápis HB comum E necessário, pois uso um lápis HB comum para meu esboço e costumo usar uma navalha necessária para remover o excesso de grafite e fazer as linhas do Um recipiente de água mais leve deve ter. Durante a pintura, geralmente tenho 21 para água limpa e uma para água suja. Toalha de papel, é sempre bom tê-la. Finalmente, uma toalha branca que não é mais tão branca. Por falar em toalhas, uma grande está espalhada pela minha mesa, embaixo da minha prancha Gator Eu faço isso para evitar que a placa Gator deslize, se mova ou Enquanto eu pinto, isso não só garante estabilidade, mas também protege minha mesa e adiciona um bom campo ao meu espaço de trabalho A segunda toalha menor está sempre posicionada ao lado da minha paleta e do recipiente de água, servindo como um espaço dedicado para limpar meus Deixei meus pincéis descansarem nessa toalha. No passado, quando eu colocava meus pincéis na minha mesa, mágica parecia acontecer Eles se transformaram em seres vivos se escondendo de mim, pulando da mesa e se movendo para que eu não pudesse encontrá-los. Agora eu sempre os coloco na toalha e eles ficam no lugar, sempre aqui comigo. Então, esses são meus materiais de arte atuais. Embora possa haver mudanças no futuro, é isso que estou usando agora. 4. Introdução: Deixe-me compartilhar com vocês algumas palavras sobre essa pintura. Primeiro, pois quero chamar sua atenção para alguns pontos-chave. Usaremos essa foto de referência. Eu sempre tento selecionar imagens com temas bem iluminados pela luz do sol. Destaques distintos criam sombras bem definidas. Essa interação de luz e escuridão sempre adiciona um toque fantástico às pinturas em aquarela Observe que as cores minha pintura são diferentes das da foto. Geralmente, eles se inclinam tons mais quentes e os escuros não são tão Apesar do fundo da minha pintura não ser tão escuro quanto na foto, acredito que seja escuro o suficiente para estabelecer um alto contraste com as partes mais claras da minha pintura. Eu escolhi simplificar várias áreas. Por exemplo, quando comparamos o lado direito do plano de fundo, você notará menos detalhes em comparação com a foto original. Geralmente, eu simplifiquei tudo ao redor da estátua. Tomei essa decisão para direcionar seu foco para a estátua, que é nosso assunto principal aqui. Todo o resto serve como pano de fundo. Pegue as flores, por exemplo. Se ampliássemos o zoom, talvez não reconhecêssemos facilmente essas formas como flores, No entanto, dentro do contexto de toda a pintura, essas formas abstratas evocam a impressão de flores Isso ilustra a capacidade notável de nossos cérebros como artistas Podemos aproveitar isso manipulando as percepções dos espectadores e simplificando Embora possamos pintar meticulosamente cada pétala e usar fotos de referência detalhadas para essas rosas, é realmente necessário Minha abordagem à pintura está enraizada no amor pelo realismo, mas também quero que minhas pinturas pareçam pinturas, não fotografias Agradeço deixar espaço para interpretações da realidade. Há inúmeras sutilezas e nuances nesta pintura que eu acredito que valem a pena mencionar, na verdade Por exemplo, observe como a cor verde do fundo é refletida na estátua. Isso não apenas aumenta o interesse, mas também cria um buraco coeso. Observe também as cores vibrantes nas sombras. Embora não usemos uma paleta extensa, observe que, por exemplo, as sombras no cabelo não são pintadas com uma única cor sólida Há muita coisa acontecendo lá, tornando essa área realmente interessante de se ver. Além disso, gostaria de direcionar sua atenção para luzes muito sutis na linha da mandíbula, no pescoço e debaixo do braço Essas são áreas delicadas e mais claras, mas têm uma importância significativa na composição geral. Ao longo do processo de pintura, encontraremos muitas áreas intrigantes que abordaremos Testemunharemos como podemos simplificar certos aspectos e as várias abordagens que podemos adotar com a pintura um tanto complexa. Eu recomendo fortemente assistir cada parte do tutorial antes de me aprofundar na pintura Ao fazer isso, forneceremos a você uma compreensão do que esperar, do processo envolvido e da meta de cada segmento. Depois de se familiarizar com o conteúdo, você pode reproduzir o vídeo e acompanhar comigo Aproveite seu tempo com este projeto. Não precisa se apressar. Eu encorajo você a pintar devagar e com cuidado. É fundamental que você entenda o que vamos fazer e por que estamos abordando determinadas áreas de maneiras Antes de começar sua pintura, entender o raciocínio por trás de cada etapa é essencial Especialmente em projetos complexos. Você não conseguirá seguir minhas pinceladas reproduzindo exatamente cada movimento Em vez disso, concentre-se em compreender as ideias por trás das minhas pinceladas e do meu Esse entendimento permitirá que você imite o processo com confiança Saber por que você está fazendo certas escolhas. Embora pintar seja vital, é mais do que apenas copiar pinceladas É uma questão de entendê-los. Essa compreensão não apenas tornará sua pintura atual mais confortável, mas também o beneficiará em seus futuros empreendimentos artísticos Eu também tenho um aviso legal para compartilhar. Fiquei incrivelmente entusiasmado com esse projeto e pretendia criar vídeos de alta qualidade No entanto, devido ao uso de uma nova câmera e ao meu processo contínuo de aprendizado com ela, houve um erro na configuração da câmera. Dessa vez, eu cometi um erro. Como resultado, você notará que a qualidade do vídeo não é tão boa quanto alguns dos meus outros conteúdos. Apesar disso, fiz um esforço extra durante a pós-edição para aprimorar o visual. Pode haver um efeito de ruído perceptível que pode ser um pouco perturbador, mas espero que não diminua muito a mensagem principal dos vídeos Aqui está meu esboço. As dimensões da pintura são 129, já que escolhi criar tutoriais nesse tamanho, pois é o tamanho preferido por muitos de vocês que pintam comigo No entanto, se eu estivesse fazendo isso como meu projeto pessoal, sem dúvida optaria por um tamanho maior Sinta-se à vontade para pintá-lo no tamanho 16 por 12, ou até maior, se preferir. Eu acredito que ficaria fantástico. E certamente facilitaria muito o processo de pintar o cabelo e o rosto, que são relativamente pequenos na minha pintura. Eu grampeei o papel na minha polaina e não molhei Está totalmente seco usando uma almofada leve. Transferi a foto de referência e agora estou adicionando fita adesiva ao redor dela para criar uma borda limpa para a pintura finalizada enquanto o esboço é bastante visível para fins de tutoriais, permitindo que você veja claramente as linhas Se eu estivesse pintando isso apenas para mim, como meu projeto pessoal, usaria uma borracha necessária para remover o excesso de grafite, tornando o esboço Agora, supondo que seu espaço de pintura esteja pronto, suas ferramentas estejam configuradas e seu esboço preparado, podemos prosseguir para a próxima etapa, que envolve a aplicação do fluido de mascaramento 5. Máscara: Para esta pintura, optei por usar fluido de máscara, pois isso nos ajudará a pintar o fundo com facilidade Vou usar o fluido de mascaramento Windsor e Newton e precisaremos de um pequeno recipiente para o mascaramento, um pedaço de sabão, um pincel para aplicar o mascaramento e, claro, e Estou despejando um pouco do fluido de mascaramento em um copo velho e fechando imediatamente a garrafa, minimizando o contato com o Agora, aqui, como você pode ver, eu não fui cuidadoso o suficiente e há uma gota de máscara na pintura No entanto, esta é uma boa oportunidade para mencionar que, se isso acontecer com você, não entre em pânico. Evite tentar removê-lo imediatamente, pois isso não funcionará. Basta deixar como está e deixar secar. Depois de seco, você pode removê-lo facilmente. Agora pegue um pincel que você usa apenas para aplicar fluido de máscara Nunca use seus bons pincéis para essa finalidade. Mergulhe o pincel na água e esfregue-o contra um pedaço de sabão para criar uma camada protetora nas cerdas, impedindo que elas grudem Agora, com sabão nas cerdas, mergulhe o pincel no fluido de máscara e comece a aplicá-lo Vou mascarar as folhas à esquerda, as flores e as bordas da estátua e, além disso, algumas manchas brancas no lado direito ao fundo Embora possa ser difícil ver isso no vídeo, você pode consultar os materiais da aula para ver um desenho de linha que marquei exatamente onde apliquei o fluido de mascaramento Acredito que será muito mais fácil seguir essa ilustração ao aplicar o mascaramento Faça uma pausa de vez em quando e limpe seu pincel. Mergulhe na água, enxágue e seque em uma toalha de papel E repita o processo, mergulhe-o na água, esfregue-o sobre o sabão e continue aplicando a máscara Limpar o pincel periodicamente ajudará a mantê-lo em boas condições por muito mais tempo. Se o sabão não for usado, garanta que seu pincel será inútil após apenas um uso Na verdade, ainda tenho pincéis antigos com máscara seca nas cerdas porque às vezes eles podem ser úteis para criar formas mais orgânicas e aleatórias pincéis antigos com máscara seca nas cerdas, porque às vezes eles podem ser úteis para criar formas mais orgânicas e aleatórias ao aplicar o mascaramento. Ao lidar com uma borda mais longa, como o balanço para obter uma linha suave, é melhor manter o pincel inclinado e passá-lo paralelamente à borda Aplicar um pouco mais de pressão no pincel, mantendo o pincel inclinado, resultará em uma borda muito mais lisa Ao pintar com máscara, lembre-se de que as formas que você está criando agora formarão a forma do seu objeto. Não se apresse. Não tenha pressa. Ninguém está te observando e não há necessidade de terminar isso hoje. Trabalhe devagar, passo ligue cuidadosamente sua música favorita e simplesmente aproveite o processo. Não é uma corrida. Eu entendo o desejo de concluí-lo imediatamente, mas quanto mais impaciente você fica, triste minha vida fica e eu quero ser feliz Então, por favor, diminua a velocidade. Depois de terminar de aplicar a máscara, limpe o pincel e deixe tudo secar completamente 6. Contexto: O fluido de mascaramento agora está completamente seco e a cor se tornou um amarelo mais escuro Agora podemos continuar pintando o fundo. Por fundo, quero dizer todas as áreas verdes, tudo ao redor da estátua, incluindo as áreas verdes à sua frente. Vamos aplicar a primeira camada principal agora e depois adicionaremos mais detalhes ao primeiro plano Comece, precisamos preparar alguns tons de verde. Vamos começar misturando o verde fresco mais claro usando o tom verde dourado e verde amarelo Windsor Além disso, notei mais um verde oliva na foto de referência, um tom menos saturado Podemos criar facilmente essa cor usando os mesmos verdes da primeira mistura de verde dourado e verde-amarelo Windsor Adicionando sienna queimada à mistura. siena queimada dará ao verde uma aparência mais natural e menos saturada Também tem um tom um pouco mais escuro. Marrom, laranja ou até vermelho. Adicionado ao verde, sempre neutraliza um pouco o verde. Isso o torna menos saturado e o transforma mais em verde oliva. Também precisamos de um verde natural muito escuro. Para isso, podemos misturar verde, dourado, verde Windsor, tom amarelo e sienna queimada nas mesmas cores da Mas desta vez, para escurecer essa mistura, adicionaremos o cinza Pains Finalmente, precisamos de um verde azulado. E para isso, vamos misturar o tom verde azul Windsor com o tom verde amarelo Windsor Isso criará uma bela turquesa escura que podemos escurecer ainda mais adicionando Agora temos quatro tons de verde E é hora de trocar a água porque precisaremos de água limpa. Para a próxima etapa, vamos pintar no sentido horário, da esquerda para a direita, usando um pincel tamanho 12 para pintar o fundo Usaremos o método de preparação. O método de escorvamento é semelhante à técnica úmida sobre úmida, mas com uma etapa adicional, uma camada extra de água no início Deixe-me ilustrar isso para você. Imagine que esta é uma visão do papel de um lado sob um microscópio Ao aplicarmos a primeira camada de água, você observará um brilho brilhante na superfície do papel Essa camada inicial começará lentamente a penetrar no papel A superfície brilhante ficará gradualmente mate. Nesse ponto, as partes internas do papel ainda estarão molhadas porque há água dentro que ainda não evaporou Agora podemos aplicar a segunda camada de água. A segunda camada de água não terá espaço suficiente dentro do papel para ser totalmente absorvida devido à presença de água da primeira camada A segunda camada absorverá parcialmente e permanecerá parcialmente na superfície do papel É exatamente disso que precisamos. Com a superfície e as partes internas do papel bastante molhadas, o papel não secará rapidamente, nos dá tempo suficiente para aplicar a tinta. Este método é particularmente útil em climas quentes ou durante o verão Quando molhado ou molhado, a pintura pode ser um desafio devido à rápida secagem do papel. A primeira camada adicional de água ajuda a manter o papel úmido por um longo período. Vamos voltar à nossa pintura. Vamos aplicar a primeira camada de água na área que vamos pintar. Estou aplicando essa camada nas rosas que não estão mascaradas, mas estou evitando as áreas das estátuas Isso é crucial. Não queremos que nenhum verde flua para a estátua neste estágio, a menos que seja o cabelo, pois é uma área muito escura e adicionaremos verde nessa área. De qualquer forma, essa primeira camada de água de escorvamento serve a um propósito específico Ele precisa mergulhar no papel e molhar a parte interna do papel Quando a parte interna do papel ficar molhada, aplicaremos outra camada de água que ficará úmida por muito mais tempo, dando mais tempo para pintar. Agora, no primeiro estágio, a primeira camada de água, apliquei-a à esquerda até encontrar a asa. A asa divide a pintura em duas partes, o que é conveniente, pois não precisamos trabalhar em tudo ao mesmo tempo A propósito, esqueci de mencionar anteriormente, mas você já deve ter notado que eu não desenhei a segunda asa Eu incluí isso no desenho da linha. Se quiser, você pode adicioná-lo, mas achei que não era crucial. Depois de aplicar a primeira camada de água, deixe de molho por alguns minutos Em questão, você deve ver um alto brilho no papel. Espere até que aquela canela desapareça. Eu esperei cerca de 10 minutos. Agora, após 10 minutos, aplique a segunda camada de água. Essa é a camada de água adequada que sempre aplicamos primeiro na técnica úmida sobre úmida com a superfície do papel. Agora, realmente úmida, não há necessidade de se apressar com a pintura. Comece com o verde mais claro na frente da estátua. A luz atinge essa área, formando o verme verde Neste estágio, não estamos nos concentrando nos detalhes. Nosso objetivo é aplicar as cores básicas em todos os lugares. Veja a foto de referência como se estivesse desfocada. Não podemos ver formas específicas. Só podemos ver áreas de cores. É isso que queremos alcançar, nossa base sobre a qual construiremos mais formas posteriormente. Também não precisamos seguir exatamente a foto de referência. É nossa inspiração. Embora isso nos ajude a organizar as cores, não é ciência. É arte. E não precisamos seguir com precisão a referência, usar as mesmas cores e pintar exatamente as mesmas formas. Aqui, deixei intencionalmente uma lacuna onde apliquei o tom verde azul puro de Windsor É um daqueles pequenos detalhes que podem parecer pequenos, mas adicionam um efeito muito bom. No final, prevejo que vou pintar um caule mais escuro da rosa nessa área Não quero que fique muito escuro. Esse toque de azul criará um belo jogo de luz no fundo Agora, em segundo plano, estou começando aplicando o Windsor Blue Eu pretendo que essa área tenha um tom mais verde azulado, mas preciso mantê-la bem escura É importante observar que, quando as tintas secam, elas tendem a ficar mais pálidas enquanto parecem lindamente profundas e escuras Quando molhados, isso muda à medida que secam. Por isso, quero aplicar uma quantidade significativa de tinta aqui, tinta escura, sabendo que ela secará mais pálida Além disso, pretendo pintar o fundo em uma camada; uma só vez, preciso aplicar uma quantidade substancial de pigmento. Agora, usar muito pigmento não significa que eu esteja usando tinta grossa, muito pelo contrário A consistência da tinta é leitosa e eu posso movê-la facilmente na minha paleta Não sinto nenhuma resistência sob meu pincel. Estou pegando cada vez mais tinta e colocando-a no fundo Também é importante notar que, se você apenas passar o pincel no papel Em vez de fazer uma pincelada longa, você liberará muito mais tinta e, portanto, pigmento do pincel É por isso que você pode me ver passando meu pincel, liberando tinta mais concentrada Observe também que não estou com pressa, pois estamos usando o método de escorvamento , o papel ainda está molhado e não há necessidade Tenho tempo de sobra para aplicar todas as cores. Tenha cuidado ao aplicar essa tinta escura. Às vezes, você pode sacudir acidentalmente as cerdas do pincel, fazendo com que a tinta salpique a estátua pincel, fazendo com que a tinta salpique a Estamos usando muita água e tinta. Agora você quer ser muito cuidadoso. É também por isso que você deve trabalhar com calma e devagar. Não há necessidade de apressar as coisas enquanto a tinta ainda está molhada. Podemos adicionar mais pigmento ao aplicar a tinta É um momento crucial: mova-se pela pintura e incline-a em várias direções Eu não posso enfatizar o suficiente o quanto isso é importante. Com muita tinta molhada no papel, ele começa a dobrar Deixar assim faria o pigmento se acumulasse nos vales, resultando em áreas mais escuras Queremos que todas as cores se misturem perfeitamente no papel, criando transições suaves e áreas de cores grandes e uniformes inclinem Enquanto a tinta estiver se movendo, não pare até que a tinta se estabilize Somente quando você perceber que a tinta parou se mover e não há pedais, você pode parar Preste atenção na tinta ao redor do fluido de mascaramento. Você não quer que a tinta passe pela barreira de máscara e entre na estátua O estágio de inclinação pode levar alguns minutos, mas é crucial para um efeito suave em fundos lisos Como se eles não fossem criados apenas com o pincel. O pincel é um meio de transferir tinta da paleta para o papel O resto é realizado com a ajuda da gravidade, ladrilhando a pintura para guiar fluxo da tinta em uma direção específica Depois que a tinta estiver assentada, limpe a fita e passe para o lado direito do fundo. Novamente, use o método de preparação. Aplique a primeira camada de água e deixe de molho por alguns minutos. Aqui eu perdi uma pequena seção que eu deveria ter mascarado. Eu tenho que pintar cuidadosamente ao redor dessa área. Agora aplique a segunda camada de água e comece a adicionar suas cores. Estou começando de novo do verde mais brilhante. Há uma folha verde quente no fundo. Estou aplicando esse verde nessas áreas. Não preciso pintar essa folha exatamente, mas quero recriar a distribuição das cores mais ou menos na parte superior É fundamental usar uma cor que seja a mesma, ou pelo menos semelhante, à do lado esquerdo da asa. O fundo atrás da asa é uma área grande, então queremos usar a mesma cor nos dois lados para manter a continuidade das cores na parte inferior, temos muito espaço para interpretação Toda essa área está muito embaçada e as formas estão em. Não há necessidade de ser muito cuidadoso ou detalhado aqui. Estou apenas aplicando as cores. Começando pelo verde mais claro e adicionando gradualmente os verdes mais escuros Há até alguns indícios de siena queimada e uma área clara sem pintura na É isso que pretendemos alcançar nesta fase. Deixe secar completamente. Pode demorar um pouco porque aplicamos muita água, mas lembre-se de que não é uma corrida. Você pode até mesmo deixá-lo secar. Durante a noite, exercite a paciência. Quando estiver seco, volte a esta pintura com novos olhos e passaremos para a próxima etapa, onde removeremos a fita adesiva e usaremos um pincel. Tudo tem que estar completamente seco antes da próxima etapa. 7. Usando pincel de purificador: Certifique-se de que tudo esteja completamente seco. Vamos usar uma escova de limpeza. Agora, vou usar o pincel Calia de Windsor e Newton tamanho quatro no fundo Você pode notar esses pontos mais claros e podemos criá-los com Escove profundamente, coloque o pincel na água, remova os Xs em uma toalha de papel, envolva a superfície com movimentos circulares e passe uma toalha de papel nessa área para remover a tinta ativada Não preciso exatamente do mesmo pincel que eu tenho para isso. Qualquer pincel um pouco mais rígido que os pincéis de aquarela, de preferência os usados para pintura acrílica Você pode até tentar com seus pincéis de aquarela, talvez tenha um plano, mas pode levar um pouco mais de tempo, pois eles são um pouco Observe que podemos controlar a quantidade de tinta que será retirada. Se pressionarmos o pincel com mais força, ele ativará mais tinta e retirará mais. Se pressionarmos muito suavemente, removeremos menos tinta Sabendo disso, podemos controlar as bordas de nossos pontos. Eles podem ser muito macios. Se pressionarmos levemente o pincel no centro desses círculos, estou pressionando com força e, nas bordas, estou sendo muito delicado. Também estou retirando a tinta dos lugares atrás das hastes para criar mais impressão de luz nessas áreas. Agora, aqui temos manchas de fluido de mascaramento. Você pode se perguntar por que estou abordando isso agora e não depois de remover o mascaramento Há uma razão para isso. Esse lugar não é muito grande. Se eu remover a máscara e começar a suavizar as bordas, há uma grande chance de eu colocar a tinta verde nesses pontos mascarados e eles não ficarem tão brancos no final É por isso que estou suavizando a área ao redor dessas manchas agora, porque o fluido de mascaramento ainda protege essas áreas brancas Quando eu finalmente remover a máscara, haverá muito menos pigmento ao redor dela e o risco de puxar a tinta para essas manchas brancas será reduzido Espero que isso faça sentido. É claro que podemos alguns pontos mais claros aqui e ali para introduzir mais variedade e formas mais abstratas nessa área. Agora podemos remover o mascaramento. Eu tenho uma boa ferramenta de coleta de máscaras. É feito de borracha, eu acho, o que é muito bom e eu o recomendo fortemente. Claro, você pode usar os dedos para isso, mas essa ferramenta torna isso muito fácil. Se a máscara for bem aplicada e fresca, ela sairá inteira, que é sempre muito satisfatório Agora podemos remover facilmente esse erro e o mascaramento de todos os outros lugares No final das contas, gosto de passar a parte de trás do dedo em todos os lugares para ter certeza de que removi toda a máscara Agora, as bordas estão muito afiadas, então podemos usar um pincel para amolecer algumas delas ou alisá-las Por exemplo, aqui neste lugar, eu quero suavizar essas bordas Também quero suavizar algumas bordas das rosas para criar uma aparência mais suave e desfocada à direita . Agora também podemos suavizar essas bordas. Observe que aqui removemos a tinta mais cedo. Agora não temos muito pigmento aqui. Só queremos suavizar um pouco mais essas bordas porque já há menos pigmento Não colocamos o verde nessa área branca. É por isso que retiramos a tinta mais cedo, quando essas áreas ainda estavam mascaradas Também existe algo chamado bordas perdidas e achadas, que é um daqueles pequenos segredos da pintura em aquarela que torna as pinturas mais interessantes A ideia por trás disso é muito simples. Visualize-o na flor à esquerda. Atualmente, todas as bordas são nítidas. Agora vou suavizar as bordas na parte inferior. A ideia aqui é que bordas afiadas sugerem que o objeto está em foco. É claramente visível. Essas são as bordas encontradas. As bordas perdidas são aquelas na parte inferior que são mescladas ao fundo É como se o objeto estivesse emergindo do fundo. Também quero suavizar um pouco a borda na parte superior da cabeça onde está a luz Acredito firmemente que suavizando lugares com luzes mais altas, faremos com que pareçam mais naturais e o efeito da luz seja mais intenso Também faremos isso com as sombras da estátua em um estágio posterior Agora o plano de fundo está concluído, o mascaramento é removido E suavizamos algumas das bordas. Podemos continuar adicionando alguns detalhes ao primeiro plano. 8. Flores - Details: O fundo está completamente seco. E agora podemos começar a adicionar mais definição às formas em primeiro plano Vou usar um formulário do tamanho de um pincel. Vamos começar aplicando as cores principais nas folhas à esquerda. Além disso, vamos usar um belo verde quente, que é no meu caso, ouro verde. Também pode ter um toque de verde amarelo de Windsor, mas é principalmente verde dourado Vamos aplicar essa cor em toda a folha. Basta uma simples lavagem plana, úmida e seca. Agora, adicione um pouco de tom verde amarelo Windsor e aplique a cor na outra folha do lado direito, adicione mais ouro verde apenas para introduzir alguma variedade nesses verdes. Isso é tudo. Agora deixe essas duas folhas na foto de referência, há também a terceira folha abaixo, mas eu decidi não pintá-la. Agora vamos passar para a primeira flor. Além dos verdes, também precisaremos de uma cor neutra, que usaremos para pintar a estátua. Vamos misturar sienna queimada com azul careca. Essa mistura nos dará um belo cinza neutro e quente que podemos mudar para azul, cinza neutro e quente que podemos mudar para azul marrom ou até verde, se necessário, ajustando a mistura de cores Agora, como todas essas formas são muito pequenas, estou pintando molhado e seco. Estou começando aplicando o cinza nos lugares mais escuros. Em seguida, adicionarei diferentes tons de verde e também de marrom para obter vários tons para as sombras Neste ponto, descrever exatamente o que estou fazendo é muito difícil porque todas essas formas são muito abstratas. Em geral, minha ideia é aplicar as cores principais que eu possa ver, deixando os reflexos brancos sem pintura Estou começando com um tom claro e depois vou caindo em tons mais escuros, nas áreas sombreadas Como você pode ver, é difícil dizer que isso é realista, na verdade não é. Eu diria que isso é apenas uma tentativa de criar a impressão de uma rosa. Em vez de pintar uma rosa, estou mais preocupado com valores e cores do que com a criação de algo realista. Nesse estágio, observe como estou tentando misturar o marrom com o verde na parte inferior. Quero criar a ilusão da flor emergindo do fundo, uma borda perdida É por isso que suavizar a borda na parte inferior foi muito útil Se tivéssemos uma borda rígida, não conseguiríamos essa transição suave de cores. Estou usando tons mais escuros aqui e ali nos lugares mais escuros, tentando obter os tons certos imediatamente Na próxima flor, vou começar com o verde mais brilhante na parte inferior e vou adicionar tons mais escuros, criando novamente aquelas formas muito abstratas Em geral, este é um lugar perfeito onde podemos aplicar a regra, pintar o que você vê. Pode não fazer sentido para você. E essas formas, especialmente quando vistas e sem contexto, podem não se parecer com nada Mas não se preocupe com isso. Apenas tente pintar mais ou menos o que você vê na foto. No final, todas essas cores e formas se unirão para criar uma bela imagem coesa Agora aqui está, eu acho, a única flor que realmente se parece com uma rosa Está na sombra. Estou começando aplicando algumas cores básicas. Primeiro vou deixar secar e vou adicionar tons mais escuros. Meu objetivo será apenas criar uma distinção entre as duas rosas aqui. Também quero criar a impressão de uma pétala enrolada. Mais tarde. Para realmente ter a impressão de uma rosa, adicionarei sépalas na parte inferior Agora estou apenas adicionando as cores principais, um pouco de verde, alguns cinzas neutros e também aquele verde escuro na parte inferior Mais tarde, quando tudo secar, voltarei a esta flor e adicionarei alguns detalhes Observe que estou usando as mesmas cores o tempo todo. Burn Siena com azul cobalto é meu cinza neutro. Que eu mudo mais para verde, marrom ou azul, conforme necessário. Acho que também é importante usar cores um pouco menos saturadas aqui. É por isso que estou construindo as cores com esse cinza. A razão para isso é porque se usarmos cores mais neutras ao redor da estátua, as cores quentes da estátua e a luz dela serão mais pronunciadas porque as cores dela não competirão muito com o fundo. Quem me conhece sabe que gosto cores fortes e geralmente quentes. É por isso que minha pintura é mais vibrante e mais quente do que a foto Mas é assim que eu gosto de pintar. Se quiser, você sempre pode usar cores que sejam mais fiéis à referência. Para mim, a referência é sempre apenas uma inspiração e informação sobre os valores tonais As cores são sempre menos importantes. Não estou tentando recriar cores perfeitamente porque não é ciência, é arte Podemos fazer o que quisermos. Aqui nas rosas à direita, estou aplicando aquelas cores bege neutras Também estou deixando algumas lacunas sem pintura nas bordas das flores, que serão os destaques próximos à parte inferior das pétalas Estou adicionando um verde mais escuro agora vamos voltar para as folhas à esquerda e adicionar nervuras A primeira camada agora está seca, então podemos adicionar linhas de veias muito finas com um tom verde mais escuro Queremos manter as coisas muito simples. Depois de adicionar as nervuras, podemos adicionar algumas manchas mais escuras nas folhas Mas não queremos exagerar e mexer muito aqui. Há também uma haste mais escura, então queremos pintá-la também. O caule ficará mais escuro que o fundo e obteremos esse belo efeito agora com o mesmo verde mais escuro Vamos adicionar o caule de uma rosa e os selos, as formas das sépalas nos ajudarão a criar a impressão de uma Eu acho que essa é uma característica muito característica dessa flor. E depois de adicioná-las, acho que já podemos dizer que é uma rosa branca porque as pétalas já estão secas Também podemos adicionar algumas sombras, um pouco de sombra na rosa na parte de trás para fazer uma distinção clara entre as duas flores Também podemos adicionar uma sombra sutil sob a pétala enrolada, na rosa na frente Depois de aplicar a cor, enxágue e seque o pincel e misture rapidamente a borda da tinta 9. Tons negros em primeiro plano: Acho que agora é a hora de misturar mais verde escuro. Vamos usar tintas cinza misturadas com ouro verde para obter um verde escuro muito profundo. Vamos adicionar sienna queimada para torná-la mais verde-oliva escura Vamos usar essa cor escura para criar alguns espaços negativos na referência. Eu posso ver uma rosa atrás e algumas folhas. Vamos aplicar o verde entre essas formas para dar vida a essas formas. Então, estamos usando a técnica negativa. Aqui estamos pintando o fundo dos objetos. Tente misturar esse verde. Também podemos adicionar algumas cores para sugerir pétalas na rosa Agora vou usar esse verde para escurecer toda essa área entre as flores Inicialmente, eu queria criar mais formas negativas e ter mais cuidado aqui, mas achei que essa área é apenas o plano de fundo e não precisamos realmente nos concentrar nos detalhes aqui. Você vai me ver brincando com vários tons escuros dos verdes e preenchendo o espaço com essas cores. Acho que podemos simplesmente criar uma sensação de aleatoriedade aqui. Em vez de definir exatamente as formas, essa área é como um grande quebra-cabeça. O que estou fazendo agora é realmente muito aleatório. Estou tentando recriar essas formas e cores mais ou menos Novamente, toda essa área é muito abstrata. Como você pode ver, é até difícil descrever exatamente o que estou fazendo. Eu tento evitar fazer tutoriais como esse e pintar essas coisas porque esse não é um processo muito organizado e estruturado É muito difícil de descrever, o que pode ser irritante, eu sei disso Mas você sabe, às vezes áreas como essa acontecem em nossas pinturas e nós só temos que lidar com isso. Pensei em adicionar um toque de Windsor Yellow Deep para melhorar a sensação de calor aqui. Agora vamos para o lado direito da pintura. Aqui, novamente, você me verá adicionando formas muito aleatórias, mas meu principal objetivo aqui é pintar o caule e os selos da rosa Eu acho que é muito importante que façamos isso. Porque essa rosa junto com a do lado esquerdo da pintura que também tem sépalas, são duas rosas que influenciam a forma como percebemos todas essas flores Acho que apenas adicionando essas sépalas em apenas essas duas rosas, o espectador da pintura será capaz perceber todas aquelas flores como rosas Mesmo que não os tenhamos pintado em detalhes. Também estou adicionando linhas aleatórias aqui, pensando em gramíneas altas Apenas algo que adicionará mais aleatoriedade aqui e criará a impressão de um pequeno caos no jardim ou apenas da beleza do mundo natural Acho que podemos terminar aqui antes de prosseguirmos Também quero usar uma escova e suavizar algumas das bordas próximas aos destaques apenas para introduzir mais suavidade bordas próximas aos destaques apenas para introduzir apenas para Com isso, acho que podemos terminar e passar a pintar a estátua. 10. O cabelo - camada inicial: Estou muito animado agora porque nunca pintei uma estátua como essa antes. É uma nova aventura empolgante. Mas eu tenho um plano. Não se preocupe, podemos fazer isso. Antes de tudo, precisamos de algumas cores. Vamos misturar burn Siena com Cobled Blue. Essa será a mistura principal que usaremos em toda a estátua. azul coblado é o azul mais delicado e muito suave, que cria um belo cinza quente e neutro com siena queimada Sienna queimada é de um belo marrom quente. Eu acho que eles funcionam muito bem juntos, especialmente para esse propósito. Na outra metade da paleta, também estou preparando rosa permanente, amarelo Windsor, profundo, uma mistura de verde dourado com tom amarelo verde Windsor e tintas cinza e até um pouco É um verde oliva escuro profundo. Usaremos principalmente o cinza e seus tons do lado esquerdo da paleta No entanto, acho que a rosa permanente e o amarelo profundo de Windsor podem ser úteis nos lugares mais quentes do Em algum momento, também usaremos verde na parte inferior do cabelo em lugares onde o cabelo encontra as rosas. Além disso, em outros lugares onde apenas o verde das plantas é refletido na estátua, sua água provavelmente ficou verde. Agora, assim como a minha, eu recomendo fortemente que você troque a água para que usemos cores limpas. Agora vou usar um tamanho de pincel para, vamos pegar um pouco desse cinza neutro e começar com este. Vamos pintar molhado sobre seco. Mantenha a tinta bem aguada. Lembre-se de que você sempre pode colocar mais pigmento, se necessário. Comece com um tom claro para estabelecer a forma e depois adicione mais cor para escurecê-la Estou começando do alto da cabeça e pintando o cabelo do lado esquerdo. Agora, deixe-me explicar qual é o meu plano e como quero abordar esse assunto. A ideia é bem simples. Na verdade, vamos fazer uma pausa por um segundo para que eu possa descrever calmamente para você meu processo de pensamento Quando olho para essa área do cabelo, meu primeiro pensamento é como posso simplificar tudo isso? Eu posso ver que há uma distinção clara entre as sombras e os destaques Vou deixar os destaques pintados porque a brancura do papel será o branco mais brilhante da É disso que precisamos aqui. Vou ter que me concentrar em pintar apenas as sombras. Quando olho para essas sombras, penso em suas cores e valores tonais Eu sei imediatamente que não conseguirei pintá-lo em apenas uma camada. Por quê? Porque existem muitos valores tonais diferentes Se eu conseguir ver valores claros e valores bastante escuros , sei que terei que dividir a pintura em pelo menos rodadas. Primeiro, aplicarei valores mais leves e talvez valores médios. Na segunda camada, criarei valores mais escuros Sabendo que agora estou pensando nas cores. Vejo que as cores variam do marrom ao cinza ao azul e mais alguns verdes na parte inferior. Essas são as cores que já preparamos. Minha ideia é que, na primeira etapa, possamos aplicar as cores iniciais, as cores principais do assunto, sem focar nos detalhes. Quando a primeira camada secar, aplicaremos mais detalhes nos tons escuros para definir todas as formas onduladas do cabelo. Estou analisando a referência em termos de formas grandes cheias de cores. Meu objetivo é apenas aplicar marrons, cinzas e azuis nos lugares corretos, mais ou menos Estou deixando os destaques brancos sem pintura e focando apenas nas sombras coloridas Observe que sienna queimada e azul cobalto são uma combinação muito, muito boa Isso é capaz de mostrar uma maravilhosa luz refletida nas sombras Espero que você possa ver isso. Pelo menos é isso que estou recebendo. Em locais onde aplicamos sienna queimada. Aquele marrom parece que havia uma luz quente. Mas como estamos combinando isso com o azul, temos uma sensação de luz na sombra. Eu acho que esse efeito parece muito, muito bom. Essa siena queimada nos ajuda a criar a luz refletida na área sombreada da Quase parece que havia uma fonte adicional de luz brilhando em algum lugar do fundo Essa etapa da pintura não é muito difícil, porém, devemos prestar atenção aos destaques e evitar pintar essas áreas. Eu sei que você pode se perder entre todas essas linhas. Eu sei porque tive que pensar em onde colocar cada pincelada. Mas deixe-me lembrá-lo de que isso não é uma corrida. Nós realmente não precisamos nos apressar. tenha pressa e prometo que você criará uma pintura impressionante. Realmente vale a pena gastar um pouco mais de tempo e aplicar essas cores lentamente. Lembre-se de usar uma consistência de tinta bem aquosa para que as cores se misturem bem no papel Nas áreas inferiores, você pode pintar as recompensas com confiança Não há destaques e só precisamos preencher essa área com cores. Observe que perto do pescoço, estou suavizando essa borda Eu quero misturá-lo. Mais tarde, quando pintarmos o pescoço, definiremos a linha do cabelo nessa área com um tom mais escuro na parte inferior. Use o verde como reflexo das folhas na estátua. Enquanto a tinta ainda está molhada, estou colocando mais tinta só para escurecer um pouco a cor Vai ficar mais escuro de qualquer maneira. Ok, então aplicamos uma camada inicial à esquerda, agora vamos para o lado direito e repetir o processo. Este site tem mais luz, tem cores mais quentes Portanto, tenha isso em mente. Vou até misturar um pouco de amarelo Windsor profundo com meu marrom para fazer isso Agora estou misturando o amarelo profundo de Windsor com a rosa permanente. Essa mistura nos dá uma laranja muito bonita, mais limpa e quente que o marrom da siena queimada. Eu acho que essa é uma cor muito boa para usar neste lugar onde a luz é muito forte. Novamente, seja paciente e pinte devagar e com cuidado neste lado. Também precisamos moldar cuidadosamente a curvatura do rosto tenha pressa e faça isso de forma lenta e precisa aqui. Perto do ombro e do pescoço. Diminua ainda mais a velocidade e crie formas agradáveis e suaves. Tente misturar a tinta aqui. Não vamos pintar essa grande sombra agora. Voltaremos a isso mais tarde. Concentre-se apenas no cabelo. Introduza um marrom mais escuro para sugerir profundidade. Este marrom é uma mistura mais forte de sienna queimada e azul cobalto de sienna queimada e azul cobalto neste estágio. É assim que aparece nos materiais de aula. Você encontrará as fotos do meu trabalho em andamento. Portanto, fique à vontade para abrir esta foto e tentar recriá-la. Gostaria de chamar sua atenção para a beleza das aquarelas Observe como as propriedades transparentes das aquarelas e a interação entre luzes e sombras criam esse efeito bonito e quase efêmero Talvez, ao ver o assassino já aplicado, você pense que não é tão difícil Se você já pintou, agora pode perceber que não foi nada difícil. Isso porque realmente não era. Não fizemos nada de especial aqui. É apenas uma simples lavagem graduada, aplicada úmida sobre seca Só precisávamos sentir formas específicas, passo a passo. Estamos indo na direção certa. No entanto, precisamos seguir uma ordem específica e tomar nosso tempo. Mesmo pinturas complexas não são tão complicadas se as dividirmos em partes menores e as abordarmos de forma organizada. Tudo bem, chega de estrondo. Vamos agora passar para a próxima parte. 11. Wing - Camada inicial: Essa parte será muito mais fácil que a anterior. Vamos aplicar uma camada inicial na asa usando um pincel tamanho oito. Nosso objetivo agora é muito simples. Basta aplicar uma camada inicial, úmida e seca. Decidi usar um pincel maior desta vez porque a forma é muito mais simples e não há muitos destaques complexos que precisemos pintar Use a mesma combinação de sienna queimada e azul cobalto. Vou começar de baixo e subir. Observe que há uma sombra mais profunda dentro da asa e aí eu quero adicionar mais azul cobalto. Preste atenção aos destaques. Há um destaque à esquerda, na curva da asa, e também destaques menores nas penas à direita Poderíamos mascará-los com fluido de mascaramento, mas acho que essas formas são super simples e podemos simplesmente pintar ao redor delas. Na parte inferior da asa, pensei em adicionar um pouco de verde para refletir a cor do ambiente. Só um pouco para apresentar algum interesse. Também misturei uma mistura mais forte e escura de azul calcetado e Siena queimada E estou aplicando na área mais escura. Se você fizer isso e perceber, como eu fiz, que uma borda dura está se formando em algum lugar. Isso significa que a tinta começou a secar. Então, vá em frente e aplique outra camada para pintar em toda a asa. Pensei em fazer isso porque a tinta ficará mais pálida e quero obter um valor tonal semelhante ao do cabelo à esquerda E isso é tudo para essa parte. Agora podemos passar a aplicar uma camada semelhante ao vestido. 12. Dress - camada inicial: Para o vestido, vou voltar para um pincel menor, tamanho quatro. Vamos usar exatamente as mesmas cores de antes, mas desta vez acho que vou começar com uma mistura de rosa permanente e amarelo Windsor, profundo Vou usar burn sienna de qualquer maneira em um segundo. Desta vez, novamente, temos que ter um pouco mais cuidado porque temos que deixar esses destaques sem pintura, perto das flores Use verde para refletir essa cor. Observe como minha tinta está aguada. Se eu usasse tinta grossa, ela secaria muito rapidamente e criaria bordas duras. Queremos criar uma grande área de cores lindamente combinadas com destaques sem pintura É por isso que estamos usando tinta muito aquosa , pois ela nos permite misturar as cores Mas também nos dá um pouco mais de tempo para pensar na próxima pincelada. Devo dizer que o vestido para mim era muito mais confuso do que o cabelo Não sei por que, mas eu estava perdido aqui. Embora não haja muitos destaques, eu fui ainda mais, mas vamos chegar a isso. Há uma distinção entre o vestido e o fundo. Mas eu cobri toda essa área agora minha ideia é que o fundo fique assim e o vestido fique muito mais escuro nessa área Posteriormente, criarei essa distinção com uma tinta mais escura Ok, e isso é tudo por essa parte. Vamos dar uma olhada mais de perto no que fizemos até agora. Na próxima parte, vamos aplicar uma camada inicial no corpo. 13. Corpo - camada inicial: Há mais uma camada inicial que precisamos aplicar. Ou seja, no corpo do anjo, vou usar um pincel tamanho quatro. E eu tenho que me desculpar pelo meu erro nesta parte. Depois de terminar esta seção, percebi que não cliquei no botão de gravação do meu telefone. Você não verá minha paleta nesta parte, mas usarei exatamente as mesmas cores de todas as outras seções Não há mudanças aqui. Vamos começar pela parte superior e descer. Estou começando com uma cor base mais neutra e depois adicionarei mais sienna queimada ou azul empedrado Essa cor é uma mistura de sienna queimada e azul cobaldo aqui acima aqui Quero criar uma sensação de luz mais forte em vez de uma siena queimada Estou usando aquela mistura laranja de amarelo Windsor, rosa profunda e permanente Observe também que há um pequeno destaque na pálpebra, então tente pintar cuidadosamente ao redor dela Na verdade, estou combinando aqui técnicas molhadas sobre molhadas e molhadas sobre secas. Em algumas áreas, estou aplicando a tinta úmida e seca. Mas em áreas maiores, primeiro umedeço rapidamente essa área e depois adiciono cores Isso ocorre porque eu quero obter transições de cores suaves E essa camada de água só vai me ajudar a misturar melhor as cores. É claro que estou usando uma tinta de consistência muito aquosa. Veja mais de perto a distribuição das cores. Observe onde há mais calçada azul, onde há mais sienna queimada, onde estou usando uma mistura bem leve das duas Há uma bela luz alta percorrendo a linha Joe. Nós realmente queremos criar isso nessa área. Estou tentando usar uma cor bem clara na segunda camada, vamos aprimorar esse efeito, mas nesse estágio, já podemos criar uma base e sugerir aquela área, a sombra fica azul na parte inferior e neutra no lado esquerdo do pescoço. No lado esquerdo do pescoço. Também estou usando uma mistura mais escura. Este será um lugar muito escuro. Eu já quero sugerir que também devemos aplicar sombra acima do olho direito. Também há um destaque na pálpebra, portanto, certifique-se de pintar ao redor dela. Observe também como eu pintei a sombra debaixo do nariz e nos lábios. Deixei um pequeno destaque nos lábios e não apliquei tinta na bochecha direita Finalmente, temos que aplicar a última camada inicial no braço. Vamos começar com um tom mais azulado e depois mudar a cor para mais marrom Não se preocupe com a borda dura da sombra agora. Posteriormente, usaremos uma escova e suavizaremos algumas Preste atenção às cores e aos valores tonais. Observe que há um destaque mais claro no braço entre o azul e o marrom. Também há mais azul perto da luz alta na parte inferior, perto das flores. Adicione também a cor verde para sugerir um reflexo do verde na estátua. Com isso, terminamos de aplicar a camada inicial em toda a estátua. Como você pode ver, fizemos isso em várias partes. Dividimos a estátua inteira em seções mais fáceis de gerenciar, graças às quais espero que não tenha sido tão avassaladora Fizemos isso passo a passo e agora temos uma base muito boa sobre a qual podemos criar tons e detalhes mais escuros Na próxima parte, terminaremos de pintar o cabelo. 14. O cabelo - Detalhes: Ok, então a camada inicial agora está completamente seca e podemos adicionar mais detalhes e tons mais escuros nesta parte Vamos terminar o cabelo. Vou usar um pincel tamanho quatro. Recriar cada uma das minhas pinceladas não seria possível, é claro Mas eu gostaria de descrever o processo e o que estou pensando agora da melhor maneira possível para que você entenda o que vamos fazer e por quê. Nesta parte, nosso objetivo é adicionar mais detalhes ao cabelo e escurecer os tons onde for necessário No caso da estátua, felizmente não precisamos pintar cabelos individuais Podemos nos concentrar em pintar formas onduladas maiores. Claro, estou usando as mesmas cores o tempo todo. Sienna queimada, azul cobalto e tudo mais. Podemos nos misturar com eles. Estamos pintando molhado e seco porque queremos criar essas bordas duras agora, o que nos ajudará a criar a estrutura sólida da estátua. Primeiro estou aplicando um tom mais claro. Então, se necessário, estou adicionando mais cores para escurecer esse tom ou para ajustar levemente a cor adicionando mais azul ou marrom Observe que estou deixando espaços entre essas formas. A camada anterior, aquela camada inicial que aplicamos anteriormente, agora age como o valor médio. Poderíamos até dizer que agora estamos pintando as sombras reais E a camada anterior agora funciona como a cor base ou a chamada cor local quando aplicamos a tinta. Agora pode ou não ser a última camada. Depende, pintar é um ato de ajustes constantes. Talvez, quando adicionarmos as sombras mais escuras , outras partes precisem de mais atenção e mais escurecimento outras partes precisem mais atenção e mais Podemos voltar e adicionar mais cores para escurecer o tom em algumas áreas É por isso que não estou usando um tom super escuro imediatamente. Estou construindo os valores lentamente. Observe que a consistência da minha tinta é a mesma da camada anterior. Mas como temos um acúmulo de camadas agora, o valor tonal é mais escuro Com cada camada, o tom ficará cada vez mais escuro. É melhor criar o tom escuro dessa maneira, em vez de usar imediatamente uma camada grossa de tinta. Porque dessa forma não perderemos as propriedades bonitas e transparentes das aquarelas Essas finas camadas de tinta criam uma aparência muito fresca e limpa. Eu sei que você pode se perder nessas ondas que o incentivam a desacelerar e observar a foto com muita paciência e pensar em cada próximo golpe Felizmente, aqui estamos pintando pequenas áreas separadas para que possamos pensar lentamente sobre cada uma delas e quais cores usar Há aquela sombra mais escura na parte inferior. E aqui podemos usar imediatamente um tom um pouco mais escuro. No entanto, não fique muito escuro. Não use tinta. Observe que até minha tinta mais escura ainda está bem aguada. Sempre podemos escurecer esses lugares ou deixar cair em um tom mais escuro enquanto a tinta ainda está molhada Só não use tinta grossa na parte inferior. Inicialmente, eu queria pintar essa área com mais detalhes, mas achei que bastaria escurecermos essa área e sugerirmos algumas formas onduladas Há uma sombra escura profunda e, quando as coisas estão na sombra, elas não são muito detalhadas e são claramente visíveis. Portanto, não precisamos pintar detalhes aqui. Eu acho que seria melhor pelo menos eu fazer isso dessa maneira. Se você assistir a toda essa parte e depois abrir minha pintura finalizada ou foto do trabalho em andamento e tentar recriá-la olhando para a peça finalizada Temos que repetir o processo do lado direito, quase parece que somos cabeleireiros, agora aplicamos as cores básicas e agora temos que modelar o Pense nas ondas, nas dobras, forma como o cabelo real seria moldado Observe que realmente não é necessário muito trabalho aqui para criar um efeito bonito. Apenas uma simples forma ondulada já cria uma sombra. E dá uma forma mais tridimensional à nossa estátua. Se você pintar o rosto acidentalmente, sempre poderá usar um pincel quando a tinta secar e retirar a tinta desnecessária Estou tomando muito cuidado com o rosto porque ele tem uma forma bonita e suave e não quero atrapalhar isso Mas temos que criar um tom mais escuro aqui para mostrar visualmente o rosto. Ok, então eu acho que o cabelo está arrumado. E agora talvez vamos começar a pintar o vestido porque está longe daqui, então não tocaremos em nada. E também as formas são semelhantes. 15. Vestido - Detalhes: Acho que não será uma surpresa se eu disser que vamos usar as mesmas cores. Agora, estou preparando mais tinta porque sei que o vestido na sombra exigirá um tom mais escuro Também estou mantendo o azul cobalto como um pedal separado e estou adicionando amarelo Windsor profundo à minha mistura marrom para torná-la Agora, novamente, deixe a aventura começar. Meu plano é pintar da esquerda para a direita, de cima para baixo. Não há realmente nada para descobrir aqui. Só precisamos pintar essas sombras para criar a dobra do vestido Devo dizer que o vestido para mim era muito mais confuso do que o cabelo. Eu não sei por quê. Acho que estava realmente tentando manter esses destaques e tinha medo pintar sobre eles e não tinha certeza de onde eles deveriam estar exatamente. Esqueci de mencionar na parte anterior, mas posso dizer agora que, é claro, estou olhando a foto de referência, mas, como você pode ver, não estou recriando cada dobra exatamente como está na Realmente não há necessidade de ser tão detalhado, a menos que você realmente queira. Claro que você pode, mas para mim, o crucial é manter as coisas minimalistas simples, mas, ao mesmo tempo, tentar transmitir a Se você olhar esta seção e puder dizer seu endereço , meu objetivo será alcançado. Parece exatamente como na foto de referência? Não. Eu pintei cada dobra? Não. Eu usei exatamente as mesmas cores? Não. Mas eu pintei o vestido e você sabe que é o endereço? Sim. O que quero dizer com isso é que ninguém jamais comparará isso com a referência. Então, podemos realmente fazer o que quisermos. Meu objetivo é apenas pintar um vestido ou estátua de aparência realista filtrada pelas lentes dos Acho que a chave aqui é perceber o que realmente temos que deixar sem pintura em vez do que temos que pintar O objetivo é criar essas dobras. E podemos fazer isso sem pintar essas formas alongadas. Essas formas são os lugares onde a luz incide e estamos pintando a sombra. Eu pintei o vestido em duas rodadas. Agora estou aplicando a segunda camada. Quando eu terminar este, vou usar o secador de cabelo para secar rapidamente, ele adicionará mais camada. A razão por trás disso é que F de toda a terceira camada me ajudará a obter os tons dos lugares. Em segundo lugar, a terceira camada funcionará como a terceira dimensão. Isso apenas adicionará outra camada de profundidade às dobras. Aqui você pode ver a segunda camada aplicada e agora estou secando essa camada. Acho que vale a pena mencionar que quando você usa um secador de cabelo, ele aquece o papel Às vezes, o papel fica muito quente. É melhor esperar alguns minutos até que esfrie, caso contrário, o patê que você aplicará secará muito rapidamente Agora, quando estiver tudo seco, aplico a terceira camada para criar as sombras mais escuras no tecido feito de pedra Estou pensando aqui principalmente nessas grandes sombras. Estou pintando agora, geralmente todo o lado direito do vestido, a asa e o braço projetam uma sombra ali. É importante deixar essa área mais escura, lembrando-se de manter alguns destaques Novamente, observe que não estou usando nenhuma cor nova e ainda estou usando uma consistência de tinta aquosa O tom escuro aqui é apenas o resultado de três camadas aplicadas, uma em cima da outra. Algumas linhas adicionais aqui e ali, e o vestido está pronto. Pode não parecer particularmente bonito de perto, mas o que conta é a aparência geral de toda a pintura. É por isso que também é importante não desistir quando estamos na chamada fase feia, porque no final tudo se encaixará 16. Corpo - Detalhes: Agora é hora da parte assustadora. Agora. Não é assustador. Estou brincando. Isso é. Essa parte exigirá seu foco, especialmente em um só lugar. Eu recomendo fortemente que você assista a todo o vídeo com calma primeiro para entender melhor o que faremos e depois tente repetir isso em sua pintura Vamos começar com calma definindo os elementos mais importantes da fase, os olhos e os lábios Vamos começar pelos olhos. Use uma cor marrom mais escura e aplique no canto do olho Enxágue e seque o pincel e suavize a borda da tinta para criar uma transição suave do escuro para o claro Coloque ainda mais marrom escuro no canto, se achar necessário. Eu fiz isso algumas vezes agora. Faça o mesmo nessa parte, que eu não sei como ligar. Mas você pode ver onde, digamos que seja o outro canto do olho, mais perto do nariz. Se adicionarmos uma sombra lá, criaremos uma bela aparência tridimensional. Aplique a tinta e suavize rapidamente a borda com um pincel limpo e idiota. Vamos também definir um pouco mais a pálpebra pintando uma linha mais escura aqui Claro, tive que escurecer a esquina novamente. Como você pode ver, estou ajustando várias áreas à medida que avança Eu só vejo que tem que ser mais escuro porque em comparação com outros lugares escuros na pintura, especialmente em comparação com o cabelo, esses lugares só precisam ser um pouco mais escuros e mais definidos Não podemos esquecer o segundo olho. Também podemos adicionar sombras sutis lá. Mas não fique muito escuro porque essa parte está na luz. Ok, agora vamos pintar os lábios. Acho que seria melhor começarmos pela parte mais proeminente, aquela linha escura que corre entre os lábios. Não se apresse agora, porque essa linha simples contará tudo sobre o humor do anjo. Dependendo de como você o pinta, o anjo estará sorrindo ou parecerá que não estava tão contente É importante acertar essa linha para criar um clima amigável. O estado em que você pinta essa linha, alise a tinta no lábio superior. O lábio superior deve estar mais na sombra. Pinte uma sombra sutil sob os lábios. E se você acha que não está escuro o suficiente, adicione um pouco mais de cor na sombra do nariz. Estou apagando a linha do lápis aqui porque ela muda a forma do nariz Acho que sem a linha ficará melhor. Também estou modelando o nariz adicionando uma sombra laranja muito sutil por trás dele Agora, aqui está a parte que precisa de seu foco total. Vamos aplicar mais uma camada toda essa sombra e modelar o corpo. Observe que há três lugares que captam a luz refletida. A linha da mandíbula, o pescoço do lado direito, o músculo. Talvez, vamos chamar isso de músculo do pescoço. Eu acho que a linha da mandíbula, mas também o músculo do pescoço, é super importante aqui, mas especialmente a linha da mandíbula, porque essa área mais clara realmente moldará toda a fase É importante fazer a coisa certa. Vamos usar um pincel maior de tamanho oito, pois dessa forma não focaremos muito nos detalhes, mas sim nas formas maiores. Desta vez, acho que é necessário pintar molhado sobre molhado. Comece aplicando uma camada de água. Isso nos dará um pouco mais de tempo para pintar. Isso também nos ajudará a misturar bem as cores e reduzirá o risco de bordas duras Comece adicionando as cores do pescoço. À esquerda, há aquela sombra escura sob o cabelo, que exigirá algumas rodadas para escurecer o suficiente Agora mude para um marrom quente. Vamos misturar burn Siena com um pouco de amarelo profundo de Windsor e aplicar essa cor embaixo da Agora, com um cinza neutro, comece a construir a forma do pescoço. Comece aplicando um tom claro e, se necessário, adicione tons mais escuros Mas comece devagar colocando o cinza nos lugares corretos. Observe que eu já estou tentando moldar a linha da mandíbula. Estou adicionando a cor no lado esquerdo do músculo do pescoço. Dessa forma, a linha da mandíbula e o músculo do pescoço ficam mais claros que a sombra Como aplicamos uma camada de água, a tinta cria formas embaçadas . Bordas embaçadas. Depois de comparar os valores tonais com outros lugares da pintura, decidi adicionar um tom mais escuro à sombra à esquerda e um pouco mais ao pescoço Agora estou usando apenas a ponta do meu pincel e estou adicionando um pouco mais de tinta na sombra para definir melhor a linha da mandíbula Agora, quando temos uma cor um pouco mais escura no pescoço, vamos usar anéis e pincel mata-borrão E com um pincel limpo e idiota, retire a tinta das áreas mais claras, do músculo do pescoço, linha da mandíbula e do lado direito do pescoço que capta a Agora estou alternando entre adicionar tons mais escuros e retirar a tinta para encontrar um bom equilíbrio entre a sombra e a luz Após cada toque do pincel, após cada levantamento da cor, limpe o pincel Não queremos transferir a tinta retirada de um lugar para outro Estou imaginando a linha que vai da orelha até o queixo. Como você pode ver, retirando a tinta, podemos construir essas formas e isso cria aquela bela impressão de luz refletida. Finalmente, temos que adicionar uma sombra mais forte na parte superior, sob o cabelo. Precisamos definir melhor a distinção entre o rosto e o cabelo. Essa área já está seca, então estou pintando molhada e seca. Usando uma tinta mais diluída. E depois de aplicar o marrom escuro, estou tentando misturar essa cor. Como toque final, mudei para um pincel menor Como eu tenho quatro anos, estou adicionando apenas alguns pequenos detalhes para definir algumas formas um pouco melhor. Um pouco mais de tinta nos lábios e nos olhos. Uma sombra mais definida no lado esquerdo do pescoço sombras e detalhes mais definidos na orelha Agora, com uma escova, quero suavizar a borda da sombra no braço Estou molhando o pincel, colocando-o em uma toalha de papel para remover o E estou esfregando essa borda para ativar a tinta seca. Estou enxugando esses lugares com uma toalha de papel para remover a tinta Agora, é totalmente opcional. Não sei como está sua pintura, mas decidi escurecer um pouco a sombra Aqui estou aplicando uma água e vou deixar cair mais cor. Eu quero adicionar um pouco mais de azul e marrom. Também acho importante criar uma borda mais clara na parte inferior do braço. Essa borda mais clara é uma luz refletida. Acho que é sempre bom criá-lo em todas as formas redondas. O braço é na verdade um cilindro , tem uma forma redonda. Essa luz refletida ajuda a transmitir que como apliquei outra camada de tinta, ela está molhada Agora estou correndo várias vezes no mesmo lugar para tirar a tinta. Se você não aplicou mais uma camada aqui, pode simplesmente usar um pincel para criar a luz refletida Com isso, podemos terminar essa parte na próxima parte, a parte final. Terminaremos a pintura pintando a asa. 17. Wing - Details: Estamos muito perto de terminar essa pintura. Nesta última parte do tutorial, adicionaremos alguns detalhes à asa. Há duas ideias principais que tenho em mente ao pintar a asa. Agora, ao pintar a asa, não estou realmente olhando para a foto de referência, apenas tenho uma ideia geral de qual parte da asa deve ser mais escura Agora estou tentando fazer uma distinção clara entre cada pena Para fazer isso, estou pintando pacientemente uma sombra em cada pena. Em geral, cada sombra é muito parecida. Vamos dar uma olhada nessa ilustração. Digamos que essas sejam minhas penas. Minha ideia para pintá-los é aplicar primeiro um tom mais escuro na parte inferior de cada pena. E vou misturá-lo até a ponta da pena. Dessa forma, se eu repetir isso com cada pena, criarei o efeito agradável de penas sobrepostas Para penas maiores, também estou fazendo isso, mas também estou pensando na borda mais longa Quero aplicar uma sombra sob cada uma dessas penas para criar essa aparência sobreposta Aqui podemos realmente praticar nossas habilidades de suavizar as bordas Eu acho que essa é uma habilidade muito importante, provavelmente é a técnica mais importante logo após molhar no molhado e molhar no seco. Estou pulando de uma área para outra porque quero manter o controle sobre a pintura É como pintar as pétalas, muitas vezes tente não pintar as que estão próximas umas das outras para que a tinta não flua de uma para a outra Aqui, é semelhante, na verdade, quando estou misturando a tinta, não estou puxando a tinta até a borda da pena Normalmente deixo uma pequena lacuna na borda que me permite pintar a próxima pena imediatamente Claro, estou usando burn Siena e cobalt bloom o tempo todo em Estou tentando manter essa mistura neutra com quantidades iguais dessas duas tintas ou com um pouco mais de marrom. Mas isso depende da área. Também não quero pintar todas as sombras com exatamente a mesma cor. Acho que eles precisam de alguma variedade. Às vezes eu uso mais azul. Isso os torna mais interessantes. Novamente, não se apresse. Não tenha pressa. Isso não é difícil, mas você realmente precisa dedicar algum tempo a isso e pintar cada pena individualmente Não há atalho aqui. Essa também pode ser sua primeira camada apenas para estabelecer onde cada sombra deve estar. Você sempre pode revisar algumas áreas novamente e adicionar um tom mais escuro para definir essas formas um pouco melhor Os valores tonais corretos são muito importantes porque nos ajudarão a fazer uma distinção entre cada pena. É muito melhor definir cada pena com variação tonal em vez de pintar um contorno claro de Pintar um contorno é uma forma muito comum de definir formas que eu vejo entre iniciantes Eu acho que realmente não parece bom. É muito melhor definir formas usando tons claros e escuros e as diferenças entre os tons entre as duas penas O único contorno deve ser a linha clara do lápis. Pelo menos essa é a minha abordagem. Vamos também adicionar uma sombra nessa parte da asa. Geralmente é mais claro do que o lado interno da asa, então não queremos ficar muito escuro, mas precisamos criar uma distinção clara entre o ombro e a asa. A sombra aqui é necessária. Certifique-se de que a parte interna da asa esteja escura o suficiente. Agora, vamos secar a tinta com um secador de cabelo. Precisamos de uma superfície seca agora para adicionar as linhas às penas Essas linhas devem permanecer nítidas. O papel precisa estar completamente seco agora, novamente, usando uma mistura de sienna queimada e flor de cobalto Vamos adicionar essas linhas, esses detalhes que são muito característicos das penas Novamente, não precisamos seguir exatamente a foto de referência. Podemos imitar as linhas mais proeminentes. Mas a ideia geral aqui é aplicar uma linha reta no meio de cada pena e algumas linhas nos dois lados É quase como pintar as nervuras das folhas, mas é mais fácil. Também devemos ter em mente que é um estado, então não precisamos ser muito precisos. Apenas algumas linhas aqui e ali serão suficientes para criar essa bela aparência emplumada. Finalmente, o último passo que você pode dar, mas não precisa, mas eu o encorajo a fazer isso, é suavizar as bordas com um pincel Sc Para aqueles que pintam comigo há algum tempo, sabem que gosto de suavizar bordas específicas quando há uma sombra limpa e nítida que encontra um forte destaque Eu sempre gosto de suavizar essa borda da sombra porque acho que isso faz com que o destaque pareça mais brilhante e mais realista. É quase como se alguém acendesse uma luz brilhante. A sombra fica bem com essa borda afiada, mas acho que esse pequeno detalhe, essa borda suavizada, faz a diferença Também podemos suavizar a sombra na bochecha, o que ajudará a criar uma arredondada bonita e macia Acabei de notar que esqueci uma pequena sombra aqui. Estou aplicando um pouco de marrom e amaciando rapidamente, e isso é tudo Com isso, acho que podemos chamar essa pintura de finalizada. Agora você pode assinar sua pintura. Eu sempre faço isso. No canto inferior direito, eu uso um pequeno pincel, geralmente t 0,1 das cores que eu estava usando na pintura Nesse caso, o canto é verde. Estou usando um verde mais escuro. Não quero que a assinatura fique muito proeminente. Aí está, uma bela pintura de uma estátua de anjo no jardim em plena luz do sol. Eu realmente gostei de pintar isso. Foi uma experiência nova. Isso me fez pensar um pouco , mas também provou que as mesmas técnicas de aquarela que usamos o tempo todo em todas as pinturas podem ser usadas para pintar vários temas, desde flores, borboletas, cães, pássaros, paisagens e natureza morta Só precisamos de um bom plano de ação, abordagem metódica e paciência Espero que você experimente esta pintura e fique feliz com o resultado. Muito obrigado por assistir, por se juntar a mim, e desejo a todos a melhor pintura feliz de.