Curso de cinematografia | Filme vídeos profissionais em qualquer câmera

1. Quem é você e o que você vai aprender?: O que se passa? Meu nome é Dale McManus. Sou um cinegrafista profissional, fotógrafo e premiado YouTuber. Sou bacharel em cinema e sete anos experiência na área de videografia e fotografia. Se você está se perguntando que tipo de vídeo de qualidade você vai ser capaz fazer até o final deste curso, eu vou te mostrar. Esta é uma das minhas filmagens pessoais que eu tirei enquanto viajo para diferentes partes do mundo, e que eu fiz caminhando a apenas cinco minutos de minha casa. Uma da outra parte maluca, eu peguei tudo isso no meu iPhone e o vídeo que estou mostrando agora tem mais de dois milhões de visualizações no Facebook. Sem brincadeira, sério, aprender cinematografia profissional é o que te separa do resto do mundo. Eu projetei este curso em torno de DSLRs e smartphones, mas você pode usar qualquer câmera que você tem. Eu projetei este curso para ser o mais claro e conciso possível. Eu uso gráficos e gravações de tela e meus próprios exemplos pessoais para mantê-lo envolvido o tempo todo. Incluo até notas para download no final do curso para que tudo o que você tem a fazer é chutar os pés para cima e desfrutar do material. Tudo bem. Então este curso é projetado para qualquer um que ponto, ponto, ponto. Uma vez que eles se tornam um cinegrafista qualificado e cinegrafista. Quer gravar um vídeo incrível sem gastar milhares de dólares em equipamentos caros. Quer documentar surpreendentemente suas viagens e ampliar suas contas de mídia social. Quer transformar vídeo e cinematografia em uma carreira profissional e quer filmar curtas-metragens, filmes e aprender a arte de contar histórias. Então aqui estão apenas algumas das coisas que você vai aprender neste curso. Como gravar vídeos profissionais utilizando a composição da captura, como otimizar as configurações da câmera para obter melhores vídeos, como replicar filmes cinematográficos como movimento para o seu vídeo, como criar iluminação profissional para qualquer como contar histórias pode aumentar instantaneamente sua qualidade de produção, e como filmar pessoas, paisagens, arquitetura e muito mais para impulsionar suas mídias sociais ou mostrar seus amigos ou qualquer propósito que você pode ter para o seu vídeo. Dito isso, vá para a próxima lição e nós entraremos. 2. O que é cinematografia?: O que é realmente cinematografia? Bem, de acordo com a Internet é a arte de capturar fotografia cinematográfica, isso é super chato. Aqui está a minha opinião sobre isso, cinematografia é sobre contar uma grande história, é sobre definir o ritmo, é sobre dirigir emoções e manter um fluxo para a frente, é sobre envolver seu público. Mais importante, porém, a cinematografia é sobre entender instinto versus estímulos. instinto é um padrão fixo de comportamento em resposta a certos estímulos, ou seja, uma reação de impulso. Fugir de um urso pardo faminto que quer arrancar seu rosto, é uma reação instintiva, o urso pardo faminto é o estímulo. O estímulo é o que desencadeou a resposta para fugir, então você provavelmente está pensando, Dale legal mas o que o f isso tem a ver com a cinematografia. [ inaudível] porque aqui está. Gravar grande vídeo é sobre aprender a controlar esses estímulos, você começa a escolher o urso urso urso pardo faminto que você joga em seu público faz sentido. Outras palavras, quanto mais você aprende e aplica as regras da cinematografia, mais controle sobre seu público que você tem, você começa a controlar as reações. Tudo e tudo, trata-se de saber o que procurar e por que procurá-lo para fazer vídeos melhores que seus espectadores não vão querer tirar os olhos. Mas, antes de mergulharmos nas regras da cinematografia, precisamos fazer algumas bases nas câmeras. Vá para a próxima lição, e falaremos sobre algumas coisas técnicas. 3. Partes da câmera: introdução: Nesta seção, vamos falar sobre a câmera. Se ele tem um telefone celular embutido ou pesa 30 libras e tem 700 anexos diferentes, eles funcionam praticamente da mesma maneira. Vamos revisar resolução de vídeo, taxa de quadros, proporção, distância focal e todas as coisas extravagantes para DSLR, que é reflexo de lente única digital, bem como para iPhone. Vou até mergulhar na minha bolsa da câmera e mostrar-lhe com o que estou trabalhando no dia a dia. Eu só vou estar falando sobre essas coisas técnicas chatas para salvar seu cavalo mais tarde na edição. Porque quando você está enviando seus vídeos doces para o YouTube e Instagram e todas essas coisas e você descobriu que você tinha um problema técnico que você não pode resolver, vai ser uma droga, eu prometo. Em um ou outro, você cometerá um erro e isso lhe custará muito tempo. A última coisa que queremos é que tenhas de refilmar todas as tuas filmagens outra vez porque estragaste alguma coisa. Então você tem que saber essas coisas, legal? Tudo bem, vamos fazer isso. 4. O que é resolução de vídeo?: Em algum momento, você provavelmente se deparou com esses números com a letra p no final. Mais comumente encontrado no YouTube e outras plataformas de streaming de vídeo, onde você pode controlar as configurações de qualidade. Esses números são a resolução do vídeo, e para simplificar, resolução significa qualidade. Conhecendo esses números bem determinado se suas filmagens serão borradas e pixeladas ou se serão de alta definição. Tomemos 1080p, por exemplo. O p significa digitalização progressiva, que é o método que o vídeo está sendo desenhado na tela na frente do seu rosto. varredura progressiva significa que cada linha de vídeo é desenhada de cima para baixo em ordem sequencial quadro-a-quadro. Traça uma linha de vídeo no topo, vai para a segunda linha, a terceira linha, todo o caminho. Ele faz isso tão rápido que você nem consegue ver. Enquanto o oposto disso é 1080i, que significa digitalização entrelaçada. Aqui é onde todas as outras linhas são desenhadas quadro a quadro na tela à sua frente. Começa na linha superior, pula uma linha, faz a segunda linha, pula outra, faz uma terceira, e assim por diante, e então uma vez que é feito uma passagem, ele vai para uma segunda passagem e preenche todos os outros espaços. A única razão pela qual eu mencionei isso é porque maioria das câmeras modernas usam escaneamento progressivo. Então, basta manter o p. A parte mais importante é o número. O número representa a quantidade de linhas em que o vídeo é alto, ou também conhecido como a quantidade de pixels de altura. Quanto mais pixels empilhados um sobre o outro, maior a qualidade do vídeo, ou seja, a maior qualidade de resolução. Por isso, por que 1080p parece muito claro do que 360p. Um vídeo de 1080p tem 1.080 pixels de altura por 1920 pixels de largura. Na verdade, é o que estou filmando agora. Daí, 1920 por 1080. Um vídeo de 720p tem 720 pixels de altura por 1280 pixels de largura, portanto, 1280 por 720 e assim por diante e assim por diante com 480, 360, 144, acho que fica ainda mais baixo com qualidade ruim que nunca deve ser usada. Na minha opinião, 1080p é o mais baixo que você deve ir. Mas há outro número que é maior do que todos eles, e que é chamado de 4K. 4K tem basicamente 4.000 pixels de altura. Mas, na verdade, são 3.840, mas ninguém vai ser um defensor sobre isso, e 4K soa muito mais sexy, rolando fora do tom. Estou filmando 3.840, de qualquer maneira, vamos chamá-lo de 4K. iPhones podem até filmar em 4K hoje em dia. O meu faz isso, provavelmente o seu também. Enquanto a única maneira de fotografar 4K em um DSLR é gastar algumas contas de boneca mais doces e dolly, no mais recente modelo da Canon ou Nikon ou similar. Não há telefone embutido, mas ainda gosto de DSLRs. Na verdade, estou atirando em um agora. Existem resoluções mais altas que existem como 6K e 8K, mas as câmeras comerciais mais comumente vendidas todos filmam até 4K, o que é suficiente. Eu sempre tiro em pelo menos 1080p, se não 4K. Eu nunca vou para baixo. Aqui estão essas resoluções muito altas em comparação com resoluções de baixa qualidade. 4K e 1080p são muito maiores e melhores em um bom caminho. Agora, eu quero trazer à tona que o tamanho físico da tela em que seu público está assistindo seu vídeo, pode ou não alterar essa proporção. Eis o que quero dizer. Uma tela de cinema e um iPhone são dispositivos de visualização muito diferentes. É aqui que a resolução entra em jogo. Se você está planejando reproduzir seu vídeo em uma tela de filme, então 4K é provavelmente a melhor maneira de ir. Quanto maior a qualidade, maior a tela que você pode colocar o vídeo sem perder a qualidade. Se você tentar colocar como um vídeo 720, ou até mesmo um 1080 em uma tela de filme gigante, eles vão ter que se sentar para não notar uma grande queda na qualidade. Por outro lado, se você estiver reproduzindo seu vídeo em um iPhone e a maioria das pessoas estiver assistindo em mídias sociais, você pode se safar com 720p. Eu costumo filmar em 1080p de qualquer maneira, mas você realmente não vai notar uma diferença entre a qualidade porque o telefone é tão pequeno. Quanto menor a tela, menor a qualidade que você pode se safar. Mas como eu disse, filmar com qualidade superior é sempre melhor. Você sempre pode soltar um vídeo 4K para 720p mais tarde na edição se estiver tentando economizar espaço nos arquivos. Mas você não pode ir para o outro lado. Se você atirar em baixa qualidade, você não pode trazê-lo para cima. Entendeu isso? Legal. Fotografar em alta qualidade como 4K é ótimo porque na edição, você pode trazer um vídeo 4K para uma linha de tempo de 1080p e, na verdade, escalá-lo até o dobro do tamanho sem perder qualidade. É assim que eu tiro o tempo todo. Adoro ter um pouco de espaço na edição. Mas tenha em mente que os arquivos 4K são arquivos muito grandes. Eles vão ocupar muito espaço no seu cartão de memória ou no seu telefone. Agora que você entende a resolução de vídeo, precisamos falar sobre a relação de aspecto. Vá para a próxima lição, e falaremos sobre isso. 5. O que é proporção da tela?: O que é a relação de aspecto? relação de aspecto é o primo em primeiro lugar para resolução de vídeo, mas eles não são a mesma coisa. Ratio de aspecto é exatamente o que diz que é, é uma proporção. Mais especificamente, é a relação entre largura e altura em seu vídeo, não a largura e altura em si, a proporção. A proporção mais comum é 16 por 9, 16 sendo a largura e nove sendo a altura. É um 16 a 9, como em mais tempo do que é alto. Se você estiver assistindo a este vídeo em uma tela de computador ou em um telefone celular, essa é a proporção em que esses dispositivos estão integrados. Se você estava vivo antes da década de 1990 e capaz de pensar cognitivo, então você provavelmente se lembra da maioria das telas de computador e telas de TV sendo uma forma quadrada. Essa forma quadrada é 4 por 3. Eu trago isso para que você possa ver a diferença entre 4 por 3 e 16 por 9. Duas proporções completamente diferentes e duas formas de vídeo completamente diferentes. Na maioria das vezes em um iPhone, você nem tem a capacidade de mudar isso, o que é bom. Ninguém mais atira em 4 por 3. Não há razão para usar 4 por 3 a menos que você esteja indo para uma vibração hipster dos anos 80 para o seu vídeo, o que seja. Caso contrário, não atire nele. Seus olhos vêem a vida como um retângulo, não um quadrado estreito. Não há marca maior de um cinegrafista amador do que o boné de dança 4 por 3 que você nem sabe que está usando. Agora, antes de seguirmos em frente, quero salientar que uma tela de cinema e uma tela de iPhone são 16 por 9 proporções. Dois tamanhos de tela muito diferentes que exigem duas resoluções muito diferentes, mas a mesma proporção. Fácil o suficiente, certo? Vamos falar sobre taxas de quadros. 6. Entendendo taxa de quadros: O que se passa? É hora de falar sobre taxa de quadros. Não, este não é um aplicativo para iPhone para classificar molduras em sua área próxima. É a frequência com que os quadros de vídeo são gravados por segundo. Isso é chamado de quadros por segundo ou FPS. O que é um quadro de vídeo? Bem, é basicamente apenas uma imagem, então quadros em um vídeo são apenas um monte de imagens reproduzidas uma após a outra. Pense na taxa de quadros como a quantidade de fotos que são tiradas em um único segundo de seu vídeo. Quanto menor a taxa de quadros, menos quadros você tem e quanto maior a taxa de quadros, mais quadros você tem. Fácil, certo? Sério pessoal, esta é uma das iguarias mais comumente ignoradas para vídeo incrível nunca. As taxas de quadros mais comuns em qualquer câmera moderna são tão baixas quanto 24 a 240 quadros por segundo. Se você gravar um vídeo a 30 quadros por segundo e gravar exatamente a mesma coisa em 240 e depois reproduzi-los, você provavelmente não notaria muita diferença. Isto é, até que você diminua a velocidade. Vê como a da direita é clara comparada com a da esquerda? O que há sobre os 240 quadros por segundo que o tornam muito melhor do que os 30 quadros por segundo diminuíram para meia velocidade? Isso ocorre porque com menos quadros por segundo, menos informações temos que trabalhar na edição. Pense assim, o olho humano funciona exatamente como uma câmera, exceto que nosso olho humano só pode processar em torno de 30-60 FPS antes mesmo de notar uma diferença. A única maneira de conseguirmos, é se nossas mentes pudessem controlar o tempo e o espaço e diminuir a vida até 50% de velocidade. Bem, 50% de velocidade, seria mais longo e mais lento. Infelizmente, a ciência ainda não fez uma pílula para isso. Enfim, por que isso é tão importante? Porque quando você está editando mais tarde, seu olho vai processá-lo em cerca de 30 quadros por segundo, então, quando você retardar um vídeo de 30 quadros por segundo para 15 quadros por segundo, que é meia velocidade, ele vai olhar agitado e francamente amador. Enquanto desacelera um vídeo de quadros mais altos por segundo, como digamos 60, diminua a velocidade até a metade, e agora você tem um bom e suave 30 quadros por segundo. Ainda mais lento, mas agora você tem mais quadros nesse vídeo que o tornam muito mais limpo. Para obter uma câmera lenta verdadeiramente suave e nítida, você precisa de quadros mais altos por segundo, como 60-240. A outra razão pela qual isso é tão importante é porque taxa de quadros determina o estilo de nossas filmagens. Aqui estão duas fotos da mesma ação. Um está sendo jogado em 24 quadros por segundo e o outro em 60 quadros por segundo. Você vê como aquele que está em 24 quadros por segundo tem aquele movimento clássico de cinema? Aquele que tem 60 quadros por segundo é muito mais nítido porque tem mais quadros para mesclar. Obtém uma boa imagem clara 60 vezes em um segundo em comparação com 24. Isso significa que você já tem que gravar em 24 quadros por segundo? Não, você definitivamente não. Você pode gravar em uma taxa de quadros alta e, em seguida, trazê-lo para edição mais tarde e renderizá-lo em 24 quadros por segundo, se você realmente quiser. É sempre melhor gravar em taxa de quadros mais alta, se possível, que você tenha a capacidade de diminuir a velocidade sem que pareça agitado. Faz sentido, certo? Vá para a próxima lição e vamos ficar nerds com algumas lentes. 7. Lentes e profundidade de campo: A maioria das pessoas no planeta sabe o que é uma lente, mas poucas pessoas sabem o quanto uma lente realmente afeta um tiro. Cada lente tem o que é chamado de distância focal, e a distância focal é medida em milímetros. Você tem lentes muito largas, e você tem lentes muito telefoto, e você tem lentes que podem fazer as duas coisas, que são chamadas lentes de zoom. Estou atirando em um agora. Normalmente, as lentes largas são muito mais curtas, enquanto as lentes telefoto são muito maiores. Para descobrir em que lente você precisa atirar, você tem que pensar sobre o seu tiro. Se é uma sala interior, então uma lente larga vai pegar muito mais do que uma lente telefoto. Isso ocorre porque uma lente telefoto não permite que você backup muito para obter tudo na foto. Sempre que tiro um interior pequeno, uso sempre uma lente larga. Se você estiver filmando paisagens, você pode fugir com uma ampla ou uma telefoto, se quiser. Só depende de qual parte da paisagem você quer filmar. Se você quiser capturar toda a imagem, vá em frente e use uma lente larga ou padrão. Se há um assunto em segundo plano que você quer se concentrar, então você vai precisar de uma lente telefoto, isso vai economizar uma tonelada de caminhada. Se você estiver filmando com pouca luz, então uma lente telefoto vai cortar muito da sua luz. Vai deixar a sua imagem muito mais escura. Isso ocorre porque quanto maior a lente, mais vidro está dentro dela, e cada painel de vidro que está dentro dela vai cortar sua luz pouco a pouco. Quando você está filmando em áreas brilhantes, isso não é um grande problema, mas em condições de pouca luz, você pode querer ficar com uma lente menor e apenas chegar perto do seu objeto. Se você estiver fotografando perto de um objeto, então uma lente larga não só irá obter o seu objeto, mas também irá obter o ambiente circundante, bem como fornecer uma visão maior do que você está olhando enquanto um teleobjetiva realmente será capaz de fechar a imagem e vai criar um fundo embaçado agradável, que é chamado de profundidade de campo. profundidade de campo é basicamente o intervalo de nitidez em sua imagem. Você pode ter uma grande profundidade de campo onde tudo está em foco, ou você pode ter uma pequena profundidade de campo onde apenas o assunto está em foco, e o fundo está embaçado. Aqui está uma profundidade de campo muito superficial em uma lente teleobjetiva. Posso expulsá-lo ou trazê-lo de volta mudando meu anel de foco. Se você está filmando pessoas, então uma lente larga e uma lente telefoto terão distorções faciais muito diferentes. Se você estiver gravando um vídeo de rap, use uma lente larga, mas se estiver fazendo uma entrevista de casamento, por exemplo, você vai querer fazer backup e usar a lente telefoto para que você possa se aproximar do emoção e manter uma forma de rosto regular. A lente larga realmente distorce seu rosto. Basta pensar sobre o tiro e escolher uma lente em conformidade. Minha lente favorita de todos os tempos é a 18-135. Estou atirando nele agora, é incrível. Eu recomendo isso porque você pode ir de muito largo, 18 milímetros, para que eu possa estar em uma sala e obter a maior parte da sala, e eu posso zoom em 135 e chegar realmente perto objetos e obter aquela profundidade de fundo muito agradável desfocada do campo acontecendo. A pior coisa é quando você está prestes a perder um tiro porque você está mexendo com suas lentes. Se você está filmando em um iPhone, então você tem muito menos controle, mas você não está sem sorte. Eu tiro no meu iPhone quase tanto quanto o meu DSLR, se não mais. Existem lentes especiais que você pode comprar para o seu iPhone que lhe darão telefoto, macro, largo, tudo isso. Eu fornecerei um link para a Amazon para que você possa verificar esses também. Vem neste caso doce também. A razão pela qual eu gosto disso, é porque você não quer usar a função de zoom digital no seu iPhone. É absolutamente a pior coisa. Vai transformar um grande tiro em um monte de porcaria. Não use o zoom dos dois dedos. 8. DSLR: como alterar a resolução e a taxa de quadros: Se você não tiver um DSLR e quiser filmar em um telefone ou em alguma outra forma de câmera , sinta-se livre para passar para a próxima seção. Se você tem um DSLR e você é novo para eles, então isso é importante. Esta é a forma de alterar a taxa de quadros e a resolução no seu DSLR. Todos eles vão ser um pouco diferentes, mas eles praticamente têm as mesmas funções de menu, então apenas um pouco de pesquisa e meu DSLR pode combinar o mesmo que o seu. Basta ligar a câmera e ir para o menu, que fica no canto superior esquerdo da minha câmera. Em seguida, use a roda de rolagem para navegar até o tamanho da gravação do filme. Clique no botão Definir para entrar neste item de menu. Em seguida, você pode usar a roda de rolagem novamente para alterar a taxa de quadros e a resolução. Este não é um dos modelos mais recentes da Canon porque eu não sou um jogador assim, mas em breve, espero, talvez, eu não sei, vamos ver. Então eu só posso ir tão alto quanto 1920 por 1080 a 30 quadros por segundo. Eu tenho que cair para 720p, a fim de ir para 60 quadros por segundo. Mas de qualquer forma, é assim que os alteramos no seu DSLR. 9. Iphone: como alterar a resolução e taxa de quadros: Muito bem, vou mostrar-te como ajustar a resolução e a taxa de quadros no teu telemóvel. Basta acessar suas configurações, navegar até a câmera e tocar em gravar vídeo, onde agora você pode escolher qualquer configuração que desejar. Assim como uma alta resolução, quanto maior a taxa de quadros você escolher, mais espaço que isso vai ocupar no seu telefone. Assim, arquivos 4K a 60 quadros por segundo vão ocupar muito mais. Ou também 1080 em 120 ou 240 vão ocupar muito mais do que dizer 720 em 30 ou 720 em 60. Para vídeo regular, eu costumo ficar em 1080 a 60 quadros por segundo, menos que eu encontre uma razão para mudar para 4K. Se você voltar um menu, você pode escolher a função de câmera lenta e você pode alterar suas configurações de câmera lenta. Eu costumo definir isso em 1080 em 240 quadros por segundo. Isto é para que quando eu estiver filmando, tudo que eu tenho que fazer é deslizar uma vez e eu posso mudar de 1080 em 60 para 1080 em 240. Ou se o meu vídeo normal estiver definido em 4K, então eu sempre posso mudar de 4K para 1080 em 240. O objetivo de ter esse recurso de câmera lenta no seu telefone é para que você possa mudar para ele muito rápido. Defina-o em uma taxa de quadros mais alta para que você possa ficar em câmera muito nítida, limpa e lenta. Embora se você está gravando sua avó soprando suas velas de aniversário de 92 anos, 1080 em 240 é um pouco exagerado. Você pode fugir com vídeo regular em 1080, em 30 quadros por segundo. Mas se você é muito pouco atlético amigo é sobre as tentativas primeiro backlit pela primeira vez, você quer obter isso em 1080 em 240. Confie em mim, ficará muito feliz por ter feito isso. Além disso, enquanto estamos neste menu, ative a função de grade, basta torná-la verde porque isso ajudará mais tarde para regra de terços e certificando-se de que você tem um quadro muito nivelado com o horizonte. 10. O que tem na bolsa da minha câmera?: O que se passa, rapazes? Eu vou estar mexendo na minha bolsa de câmera agora e discutindo o que eu trago comigo no dia a dia sempre que eu filmo, e por que eu tenho certas coisas que podem me salvar se eu tiver um problema. Vamos começar. [ inaudível] nós entramos aqui. Primeiro, a óbvia. Tenho o meu DSLR. Normalmente eu coloquei em um estojo protetor, mas por uma questão de descompactar, aqui está. Eu tenho um Canon T3i, este é um modelo mais antigo que eu estou olhando para obter um novo em breve. Mas, independentemente disso, muito importante para quando você está filmando é ter algo para atirar. A seguir, tenho o meu tripé. É pequeno, portátil, leve. Tenho isto há muito, muito tempo. Na verdade, foi uma mão para baixo do meu pai. É um ajuste leve [inaudível] na minha bolsa. Fica bem alto, acho que até o nível do meu peito. Definitivamente recomendo ter um tripé agradável muito leve para viajar com. Eu viajo muito quando tiro e isso realmente vem a calhar. A seguir, tenho o meu portátil. Eu sempre trago isso comigo quando eu filmo, porque quando você precisa transferir filmagens e seu lugar aleatório interior, ajuda ter um laptop totalmente carregado porque eu fico sem espaço nos meus cartões. Às vezes eu esqueço de trazer um, um extra e você nunca sabe quando você vai precisar transferir suas filmagens ou quando você está esperando a chuva ou o sol é muito áspero ou o que quer que seja, há muito barulho de trânsito. Você pode editar seus vídeos enquanto espera. Se você pode caber o seu laptop, eu recomendo. Só não roube a tua mala e porque eu levo o meu portátil, também trago o meu disco rígido ou o meu disco e cabo. Isto é muito útil. Às vezes, você fica sem espaço no seu computador e às vezes você precisa dar vídeos aos seus amigos com quem você está filmando, seja lá o que for. Sempre ajuda ter um disco rígido ou talvez uma unidade USB leve que você pode trocar entre computadores. Muito útil. Outra coisa que eu carrego comigo e eu acho que este provavelmente a coisa mais útil neste saco é um carregador de bateria portátil. Comprei isto por 10 dólares no Walmart. Super útil. Ligue isso [inaudível]. Bastante incrível. Você pode carregar seu telefone com ele, você pode carregar sua bateria da câmera, GoPro, o que quer que seja. Realmente ajuda quando você está andando por aí e você não tem nenhuma tomada à vista por um tempo. A seguir, tenho uma cortina de chuveiro. Esta é engraçada. Na verdade, é para iluminação. Discutirei mais sobre isso mais tarde. Eu não carrego isso comigo o tempo todo, mas quando eu souber que eu estou filmando um vídeo estilo curta-metragem, eu vou trazer um desses. Quase esqueci, eu também trago meu carregador para o meu DSLR. Não se esqueça disso. Nunca se sabe. Tenho a minha capa do microfone. Na verdade, estou usando o microfone agora, mas dentro daqui, tenho um cabo que se conecta ao meu DSLR. Estou usando o iPhone 1 agora. Também tenho um pára-brisas que passa por cima do meu microfone. Quando estiver ventando, você pode jogar isso. Na verdade, é chamado de gato morto também. Um nome engraçado, mas você pode jogar isso no microfone e bloqueia todo o vento. Muito útil. Eu também tenho uma luz que vai em cima do meu DSLR. Bastante brilhante. Na verdade, ele se prende no topo com o suporte de sapato quente. Basta deslizar para a direita, girá-lo. Então eu posso filmar com alguma luz e eu tenho minhas lentes para o meu iPhone. Eu gosto de atirar neles iPhone muito, é realmente conveniente e prático. Estas são lentes que passam por cima do iPhone. Eles são telefoto ampla, uma lente CPL e uma lente macro. Você só se prende na frente. Eles eram pilha muito barato como $20 na Amazon e por último, mas não menos importante, Eu tenho o meu caso Osmo Mobile por DJI. Dentro dele está o meu DJI Osmo Mobile. É ótimo para estabilização. Seu telefone vai nele. Falarei mais sobre isso mais tarde, ótima ferramenta. Dentro do estojo, também tenho o carregador para ele. Eu tenho um carregador de carro. Isso é bom se você não quer desperdiçar a bateria portátil que eu mostrei, você pode usar um carregador de carro se você estiver perto do seu carro. Isso é bom ter. Também tenho uma bateria extra para o Osmo. É sempre bom ter pilhas extras. Eu não tenho uma bateria extra para o meu DSLR, você definitivamente deveria. A razão pela qual eu não faço é porque ele é tão velho e eu não acho que eles fazem mais eles, mas é uma boa idéia ter baterias extras e é isso. Tudo isso provavelmente tem até cerca de 20 quilos, talvez. Viajo muito quando atiro como disse. Não é tão ruim assim. Vou deixar algumas coisas para trás se eu sei que eu não vou precisar deles, mas em geral, bom ter backups para as coisas, bom ter outras maneiras de carregar qualquer coisa que vai economizar sua bateria. Com isso dito, vamos passar para a próxima seção. 11. Exposição: introdução: Exposição. Não, não estou falando de um homem nu de casaco ou da razão de você ser enganado para fazer o trabalho de graça. Estou falando da quantidade de luz no seu vídeo. Exposição nos termos mais simples é como sua imagem é brilhante ou escura. Saber como obter uma exposição adequada irá diferenciar os profissionais dos amadores. Nada é pior do que entrar em seu programa de edição e importar suas filmagens apenas para perceber que sua foto está super explodida assim, ou é super escuro assim, e nenhuma quantidade de filtros de brilho e contraste vai Ajudar-te a sair. Então, nesta seção vamos estar falando sobre abertura e f-stop. Vamos falar sobre ISO e filmar em condições de pouca luz. Além de rever alguns problemas de exposição típicos que você pode ter durante a filmagem e outras partes da câmera que afetarão sua exposição. Confie em mim, isso é tão importante que você vai querer ficar por aqui. 12. Abertura e velocidade do obturador para cinematografia: A próxima parte vai parecer um pouco complicada, mas vou tentar explicá-la da forma mais simples possível. Vamos fazer isso. Toda vez que você grava um vídeo com seu DSLR, há um anel dentro da lente da câmera que pode ser aberto ou fechado para deixar mais ou menos luz em seu vídeo. Este anel é chamado de anel de abertura. Quanto maior o buraco, mais luz vem em seu vídeo, tornando-o mais brilhante. Quanto menor o buraco, menos luz entra, tornando-o mais escuro. Fácil o suficiente. Bem, os deuses da câmera queriam jogar uma chave de macaco naquele plano então decidiram que deveríamos medir em paradas F. Em termos técnicos, F-stop é a relação entre distância focal e abertura. O que? Isso é chato, confuso e estúpido. Basta pensar em F-stop como a quantidade de luz que passa através da sua lente e para o seu vídeo. Mas para tornar as coisas mais irritantes, os deuses da câmera diziam : “Vamos medi-las ao contrário.” Basicamente, o todo maior é rotulado como um número menor, enquanto o buraco menor é rotulado como um número maior. Estúpido, mas que seja. Se você está atirando em um DSLR do que você tem que se lembrar disso e você pode muito bem tatuá-lo em seu antebraço enquanto você está nele. No que diz respeito ao iPhone, você não precisa saber abertura e F-stop. A Apple tornou tudo muito simples e chamou isso de exposição. Eles apenas fizeram um simples deslizar para cima e para baixo para mudá-lo. Falo mais sobre isso depois. Se você estiver alterando a abertura do seu DSLR, que é esse número, você também terá que alterar esse número. Este número é a velocidade do obturador. A velocidade do obturador funciona muito como a taxa de quadros, exceto que não é para processamento, é para luz. Basicamente controla a quantidade de luz que entra em cada quadro do seu vídeo. Quanto mais rápido o obturador dispara, menos luz entra enquanto quanto mais lento ele dispara, mais tempo ele está aberto, o que permite que mais luz entre. Isso também afeta o desfoque de movimento. Entende o que quero dizer sobre esta seção ser confusa? Tenha paciência comigo. Basicamente, quanto mais tempo o obturador estiver aberto, mais desfoque de movimento, oposição a uma velocidade rápida do obturador, o que cria uma imagem mais nítida. Normalmente, se você estiver filmando no meio do dia e houver muita luz, você pode fechar sua abertura para cerca de 5, 6, que é um tamanho bastante padrão e fugir com uma velocidade mais rápida do obturador. Se você estiver filmando com pouca luz, você vai querer abrir sua abertura para deixar mais luz entrar e você vai querer usar uma velocidade mais lenta do obturador. Isso também permitirá que mais luz entre em seu vídeo. Eu só não usaria muitos movimentos rápidos ou então você vai ter um monte de movimento borrão. Vá para a próxima lição e falaremos um pouco mais sobre exposição. 13. Por que filmagem mais escura é sempre melhor: Estou doente há algum tempo, por isso posso estar um pouco nasalmente. Desculpe. Se conseguires ultrapassar isso, então vamos falar sobre porque é que disparar mais escuro é melhor do que disparar mais brilhante. Eis o que quero dizer. Em alguns cenários, você vai se deparar com um tiro onde você está tentando expor corretamente seu assunto e seu fundo, ou o céu, ou onde quer que ele esteja, fica realmente explodido. Isso acontece muito comigo quando estou filmando montanhas e arquitetura e coisas assim, onde estou ao ar livre. Ser apagado significa que há tanta luz que você está realmente perdendo a imagem por trás dela. Neste caso, é sempre melhor subexpor apenas um pouco em vez de sobreexpor. Porque quando você subexpõe, você sempre pode trazer detalhado de volta mais tarde no post com efeitos de brilho ou exposição. Mas uma vez que fica muito brilhante, não há como trazê-lo de volta. Depois de perder o detalhe por trás da imagem, não será possível recuperá-la. Então anote essa dica na parte de trás da sua mente onde você definitivamente vai precisar dela porque vai acontecer um dia em que você pensa, “Eu não sei o que fazer. Eu exponho para o céu? Mas agora meu assunto é muito escuro. Eu exponho para o meu assunto? Mas agora meu céu está explodido.” Só vá um pouco mais escuro. Você sempre pode trazer essas sombras mais tarde enquanto está editando. Não muito escuro porque então você vai perder sua imagem. Só um pouco, mas um pouco mais brilhante é bem mais catastrófico do que um pouco mais escuro. Lembre-se disso. Além disso, revisar suas filmagens no meio do dia na câmera ou no telefone pode ser extremamente enganador. Eu já fiz isso muitas vezes em que eu estou olhando para ele, “Sim, isso parece certo.” Então eu chego em casa mais tarde só para perceber que eu estava completamente errado. Estava demasiado exposta. Às vezes fora de foco. Acredite, acontece com os melhores de nós. Quando você estiver ao ar livre, tente se cobrir com uma camisa, ou uma toalha, ou um amigo, eu não me importo e quando estiver em dúvida, subexpor um pouco. Para a próxima lição. 14. Como a taxa de quadros e efeitos do obturador afetam a exposição: Esta lição é sobre como a taxa de quadros e a velocidade do obturador afetam a exposição. Eu sei, mais uma coisa para se preocupar. A taxa de quadros e a velocidade do obturador afetam a exposição da mesma maneira. Quanto maior a taxa de quadros ou a velocidade do obturador, escura será a imagem, menor a taxa de quadros ou a velocidade do obturador, mais brilhante será a imagem. Quanto mais luz entra. Mas a velocidade do obturador e a taxa de quadros não são a mesma coisa. Para vocês viciados em matemática lá fora, uma velocidade de obturador de 400 é, na verdade, um a quatro centésimos de segundo. Para vídeos com 30 quadros por segundo, esse obturador está aberto por um quatrocentos de segundo, 30 vezes em um segundo. Você provavelmente está pensando, Del, por que está jogando toda essa matemática em mim? Isso é demais, isso deveria ser artístico, retardar seu rolo. Sorte sua, não precisa se lembrar de nada dessa matemática. Tudo o que você precisa lembrar é que quanto maior a taxa de quadros ou a velocidade do obturador ou ambas, mais escura será sua imagem e menor a taxa de quadros e menor a velocidade do obturador, mais brilhante será sua imagem. Aqui está um exemplo, aqui está exatamente a mesma imagem com as mesmas condições de iluminação exatas, exceto que um está em 30 quadros por segundo e o outro está em 240 quadros por segundo. Se você quiser capturar algo para diminuir a velocidade mais tarde na edição e quiser capturá-lo em 240 quadros por segundo, considere lançar mais luzes em sua cena ou fotografar fora em um dia brilhante. Mostrarei como alterar a taxa de quadros e a velocidade do obturador em um iPhone e em um DSLR na próxima seção. Agora para a velocidade do obturador. Aqui está exatamente a mesma foto, exceto que uma delas é tirada em uma velocidade do obturador de um segundo e a outra é tirada a um centésimo de uma segunda velocidade do obturador. Vê como a velocidade mais rápida do obturador é muito mais escura? Para compensar um DSLR, basta abrir a abertura um pouco mais e deixar entrar mais luz e você pode manter a velocidade do obturador rápida. Se houver uma velocidade rápida do obturador no vídeo, você não terá muito desfoque de movimento. Se for lento, você vai. Tudo bem, vamos falar sobre como alterar essas configurações no seu telefone e no seu DSLR. 15. Composição da filmagem: introdução: Chegamos à minha parte favorita do curso. Composição de tiro para cinematografia, é bom. mãos para baixo, a parte mais importante sobre a gravação um grande vídeo é aprender as regras da composição de tiro. Sério, é mais importante do que o nascimento do seu primogênito. Se você fez meu último curso de fotografia, você saberá que eu digo que a composição de tiro é o fazer ou quebrá-lo entre profissionalismo e hora amador. Você pode ter todos os aparelhos e equipamentos mais sofisticados do mundo para filmar vídeos incríveis e você ainda pode atirar como sua tia-avó [inaudível] com um telefone flip Razor. O que é a composição do tiro? Bem, para saber isso, temos que saber o que é um tiro, e um tiro é apenas um quadro que é organizado com objetos e formas que são usados para formar uma composição. Composição de tiro é apenas organizar esse quadro com esses objetos e formas com propósito. Você tem que filmar com propósito se quiser ser um bom diretor de fotografia. Nessas próximas seções, vamos falar sobre perspectiva e ponto de vista, e a regra de 180 graus, e sala de liderança, e espaço livre, e todas essas coisas. Nós vamos falar sobre como você pode usar tudo isso para ajudar a contar uma história em sua cinematografia. Confie em mim, isso é material que você não quer perder. É extremamente valioso. Preste atenção, aproveite. Vou torná-lo divertido. Estou me sentindo bem, esta é uma boa seção. Vamos fazer isso. 16. Perspectiva e narrativa: Nesta seção, vamos estar falando sobre perspectiva e narrativa. Perspectiva é tudo sobre ângulos e posição da câmera. Se você não gosta da sua foto, uma simples mudança de perspectiva pode lhe dar o que você está procurando. Muitas pessoas tendem a mudar a posição da câmera tantas vezes antes de encontrarem algo que gostem. Estão a pairar como uma chita a abastecer uma gazela à espera da sua injecção. Eu sei disso porque é assim que eu pareço. Mas para evitar este jogo de adivinhação, você pode aprender os tipos de perspectiva e apenas pensar sobre a sensação do tiro que você está tentando obter. Eu explico. Primeiro, você tem ângulo baixo. O ângulo baixo traz o espectador de volta à perspectiva de uma criança onde o assunto é muito mais superior neste ângulo. Em certo sentido, o ângulo baixo é como uma criança olhando para seus pais, literalmente e figurativamente. As crianças admiram seus pais e o mesmo conosco quando olhamos para um assunto quando estamos filmando. Quando olhamos para o assunto, é mais importante neste ângulo. Valorizamos mais isso. É basicamente como ser uma formiga numa selva. Tudo o que você olha para este ângulo tem poder. Basta chegar o mais baixo possível para o chão. Ou se você está filmando arquitetura muito alta, você provavelmente nem precisa entrar no chão. Você pode apenas atirar nele. Mas às vezes você pode ter que deitar no chão para ter a foto perfeita. Faço isso o tempo todo. Você provavelmente vai parecer um idiota quando fizer isso. Mas seja o que for, quero dizer, o melhor vídeo vem de fazer coisas que outras pessoas não estão dispostas a fazer. Você não vê muitos turistas deitados no chão tentando obter o ângulo perfeito. Separe-se dos turistas. O próximo é o ângulo alto. ângulo elevado pode fazer com que o assunto pareça muito menor e pode adicionar muita profundidade ao vídeo. Você pode usar esse ângulo para fazer seu assunto parecer mais fraco e impotente. É como um antagonista se erguendo sobre um protagonista, e sendo poderoso. Não me odeie. Esse ângulo faz você parecer fraco a menos que você esteja tentando ir para isso. Na videografia de viagens, o que eu faço é usar um ângulo alto para adicionar um monte de profundidade à minha cena e fazer meu assunto, que pode ser eu mesmo, parecer muito menor, como se eu fosse uma formiga em uma selva, muito parecido com um ângulo baixo faz, mas de uma perspectiva completamente diferente. Está mostrando o quão grande o mundo realmente pode ser porque expõe muito do solo. Depende da história que você quer contar. drones são muito bons para o ângulo alto. Se você tem um drone, eu definitivamente aconselho usá-lo para obter este tipo de ângulo. Mas se não o fizeres, podes usar uma escada. Você pode colocar suas mãos no ar, ficar em cima de um amigo ombros por tudo que eu me importo. Eu posso alcançar este ângulo quando eu for em uma caminhada e você chegar ao mirante no topo. Quero dizer, este ângulo é encontrado em muito mais lugares do que você imagina. O próximo é o ponto de vista em primeira pessoa. Esta é uma ótima perspectiva para trazer o público para o seu lugar. Essa perspectiva é como se você estivesse olhando através dos olhos da pessoa que está experimentando, e isso pode adicionar muito realismo ao seu vídeo. Uma GoPro é a escolha mais óbvia para este tipo de perspectiva. Eu uso isso quando estou fazendo esportes de ação como surfe e paraquedismo e coisas assim. Você não precisa de um GoPro para fazer essa perspectiva. Você pode segurar a câmera onde seu olho está olhando, mas você está limitado ao que você pode executar ao fazer isso. É por isso que gosto do GoPro. Eu realmente não filmo vídeos inteiros com essa perspectiva, mas eu os espalho em minhas edições regulares para manter meus espectadores em seus pés e fazê-los sentir que estão realmente lá. Por último, temos close-ups, médios e longos tiros. A diferença entre essas fotos é simplesmente mover sua câmera para mais perto ou mais longe do assunto. Mas lembre-se que cada tiro ajuda a contar uma história. Pense em toda a sua cena primeiro antes determinar a distância ou perto que você precisa estar para o assunto. Digamos que você está filmando uma conversa entre duas pessoas. Um close-up é usado quando as coisas ficam realmente sérias ou intensas e a conversa fica realmente aumentada. Usamos close-ups para avançar na cara deles. Mas, o mais importante, os olhos deles. Seus olhos são a parte mais importante. É o que dá mais emoção. Quanto mais perto o tiro estiver dos olhos, mais profundo ele vai se sentir. Isto é profundo o suficiente. Além disso, close-ups são ótimos para fotos de produtos e macro. Se a conversa for bastante calma e normal, você pode usar um tiro médio para manter o espectador à distância e simplesmente estabelecer quem está falando. Tudo depende de onde você quer que o espectador olhe e por quê. A razão para nos aproximarmos é o que é tão importante. Você precisa estar perto quando as coisas são intensas e você precisa estar longe quando não estão. Mas tiros longos são uma história diferente. Tiros longos são usados para mostrar um assunto em relação ao seu entorno. Este tipo de tiro é usado para fazer seus assuntos se destacarem do resto de seu ambiente. Muito parecido com a foto que tive do meu amigo, Alex, enquanto estamos no Perú, no meio do deserto. A quantidade de espaço negativo na cena realmente ajuda o sujeito a sair do resto de seu ambiente, e a distância dá tanta profundidade à cena. Você pode realmente ver quão vasto o ambiente realmente é e quão pequeno o assunto é em comparação com esse ambiente. Você poderia fazer isso com um ângulo alto também. Para tornar as coisas ainda mais profundas, você adiciona uma perspectiva totalmente nova a um tiro no escuro usando um ângulo alto com ele. Você pode misturar e combinar essas perspectivas. Agora que cobrimos a perspectiva e como isso ajuda você a contar a história de sua cena, agora precisamos falar sobre o ponto de vista e como ele pode ajudá-lo. Vá para a próxima lição. 17. Tipos de ponto de vista: É hora de falar sobre o ponto de vista. ponto de vista é uma das coisas mais simples e engenhosas que você pode encontrar ao seu redor para ajudar a concentrar a atenção dos espectadores. Sério, isso automaticamente bate seus pontos cinegrafista 10 dobras. Ponto de vantagem é um ponto ou uma área de foco criada por linhas iniciais. Seus olhos gostavam de ser guiados, então, como diretor de fotografia, usamos linhas na vida cotidiana para ajudar a orientar ou levar o espectador para onde queremos que ele vá. Essas linhas iniciais geralmente começam na parte externa do quadro e viajam para dentro até um único ponto ou área. Além de guiar seus olhos rapidamente através do vídeo, eles também são muito bons para conectar o primeiro plano ao fundo, sendo o primeiro plano a área mais próxima da câmera. Pense nessas linhas como isca para seu olho. Quando seu olho os pega, eles te levam de uma parte da imagem para a outra, e fazem tudo isso antes que seu cérebro tenha tempo para perceber o que está acontecendo. Acontece assim. É o que determina uma boa imagem de uma má imagem. Essas linhas podem ser encontradas nas ruas, nos edifícios, árvores, nas montanhas, na água, literalmente em todos os lugares. Muitas vezes são apenas a linha de contraste entre áreas claras e escuras como esta imagem, ou é a linha de contrastes entre cores como uma linha de árvore verde contra um céu azul, como esta imagem. Existem dois tipos diferentes de linhas de liderança. Há geométrico e há orgânico. Linhas geométricas são encontradas em cidades e áreas urbanas onde há muitas linhas retas e óbvias para seguir, como os topos de edifícios, trilhos e ruas, coisas perfeitamente alinhadas. Se você mora em uma cidade, você provavelmente os vê todos os dias e nunca pensou em usá-los em seu vídeo até agora. Eles são uma ótima ferramenta para composição em seu vídeo porque eles tornam tudo tão simétrico e equilibrado e, ao contrário, temos linhas orgânicas que são muito mais difíceis de seguir às vezes. Eles tendem a dobrar e a curvar muito mais do que linhas geométricas. Eles são assim em vez de assim. Eles poderiam ser uma cadeia de montanhas, eles poderiam ser uma curva de rio, eles poderiam ser uma linha de árvores, realmente qualquer coisa na natureza que aponte você para uma única direção. O ponto de vantagem é uma ótima ferramenta para contar histórias porque pode ajudar a contar a história de onde seu assunto está indo ou que há uma jornada desconhecida pela frente usando linhas de liderança que levam para o fundo. A forma mais comum de ponto de vista é uma estrada. Há estradas por todo o lado. Se você não mora perto de uma estrada, sinto muito, você precisa sair do meio do Kansas e chegar onde as coisas estão melhores. Desculpe, Kansas, nunca fui. Se você pode encontrar uma estrada, você pode encontrar ponto de vantagem, e se você pode encontrar ponto de vista, você encontrou vídeo doce. Se você não encontrar um ponto de vista em qualquer lugar, que eu acho super difícil de acreditar, se você puder, você pode usar seu próprio braço e uma perspectiva de primeira pessoa para obter esse tipo de injeção. Isso também ajudará a adicionar alguma profundidade e algum realismo ao seu tiro, mas você só deve usar isso se ele se encaixa na história da sua cena. Você não quer apenas jogar um tiro como este aleatoriamente com um vídeo corporativo ou um vídeo de casamento, ele simplesmente não caberia. 18. Regra de três: Tudo bem. Vocês ainda estão comigo? Porque agora é hora de falar sobre a regra dos terços. regra dos terços foi criada por um pintor chamado John Thomas Smith em 1797, enquanto ele estava escrevendo um livro sobre Cenário Rural. Aí está sua lição de história. Então, com essa porcaria chata fora do caminho, seguindo em frente. Seu conceito era dividir sua imagem em nove partes diferentes e mais importante, três colunas diferentes. Sua idéia é que colocar um assunto na terceira esquerda ou direita, seja na linha ou no espaço, criaria tensão para o espectador e tornaria a imagem muito mais interessante. Na minha humilde opinião, ele estava completamente errado. Mas esse velho olhando para vacas e grama alta estava totalmente em alguma coisa. Porque a regra dos terços acabou equilibrando vários assuntos na mesma cena e permitiu o espectador recebesse a composição como um todo em vez de um único ponto centrado de foco. Um monte de pinturas no final de 1700 eram de retratos de pessoas sentadas geralmente no centro morto do quadro. Se você é um fã de história ou arte, você provavelmente vai ser como, bem, não todos eles. Seja qual for. Isso não importa. Havia uma tonelada de retratos e a regra dos terços interrompeu totalmente esse ponto. Passou da pintura para a fotografia e agora para a videografia e é incrível. Então, que seja. Vou te mostrar um exemplo agora mesmo. Neste exemplo, seu olho não repousa imediatamente sobre o assunto. Ele vê o assunto, mas então explora o resto da imagem e olha para tudo como um todo. Com vários assuntos e grandes antecedentes, você realmente pode usar a regra dos terços para equilibrar tudo. Em fotos como esta, é melhor dar ao espectador alguns segundos para coletar o resto da imagem antes de passar para outra foto. Regra de terços também é ótimo com contar histórias. Se você está usando um sujeito humano e eles estão olhando para longe da câmera. regra dos terços pode ajudar você a mostrar para onde eles estão indo e em que ambiente eles estão. Lembre-se de como pedi para ligar a grade mais cedo para seu telefone ou sua câmera. Bem, isto é para determinar a regra exata dos terços. Ele mostra cada uma das três colunas. Mas isto é videografia, não matemática. Ninguém vai se importar se você está um pouco fora. Você pode colocá-los na coluna, na linha, entre duas colunas. Não importa, só se aproxime. É isso para a regra dos terços. Vá para a próxima lição. 19. A regra dos 180 graus: Hora de falar sobre a regra de 180 graus. Muito parecido com closeups e médiuns, a regra de 180 graus também é usada em conversas entre duas pessoas. Pense nisso como se você fosse a terceira roda em um encontro. Você só está assistindo duas pessoas conversando e pensando em se inscrever no eHarmony. Se você estiver assistindo a pessoa à direita falar, ela deve estar olhando para a esquerda da câmera, e se você estiver assistindo a pessoa à esquerda falar, ela deve estar olhando para a direita da câmera. Isso dá a impressão de que eles estão falando um com o outro. A regra de 180 graus é uma regra clássica do filme por uma razão. A regra diz que, se você estiver assistindo a uma conversa, você precisa ficar de um lado dentro de 180 graus ao alternar a câmera entre duas pessoas. Se você for além dos 180 graus, porque seu cérebro gorducho pensou : “Cara, isso pode ser um ângulo legal ”, você quebrou a regra de 180 graus, que vai desanimar seu público e eles vão ser imediatamente puxado para fora de sua cena. Você vai acabar indo de um tiro como este para um tiro como este, e simplesmente não vai coincidir. Vai parecer que alguém está falando com uma pessoa e então, de repente, eles trocam e começam a falar com outra pessoa do outro lado, em vez de ir de um tiro como este, para um tiro como este. Isto é o que combina. Parece que estas duas pessoas estão a falar uma com a outra. Encorajo a quebra de regras em quase todos os aspectos da vida, mas esta não é uma regra que eu encorajo a quebrar sempre. Confie em mim, não quebre. Essa é a regra. Vá para a próxima lição e te vejo lá. 20. Espaço adiante e espaço da cabeça: Já que estamos falando de pessoas, quero falar sobre sala de reuniões e sala de reuniões, e vou fazer isso o mais rápido possível. A sala da cabeça é exatamente o que diz que é, está deixando espaço suficiente para a cabeça. Muito espaço para a cabeça, e seu assunto vai parecer muito pequeno e a composição vai ser jogada fora. Muito pouco espaço para a cabeça, e o Will vai ficar a olhar para um torso e o topo da tua cabeça vai ser cortado e ninguém gosta da cabeça cortada. Parece desleixado, desequilibrado, e apenas a marca de um amador. Não faça isso porque lembre-se, os olhos são os mais importantes, então queremos focar na cabeça. Agora, a sala principal é usada em filmes quando você tem um sujeito humano e as pessoas estão atuando. É basicamente a quantidade de espaço que você deixa em ambos os lados do quadro para que o sujeito tenha espaço para sair. Ou você também pode usá-lo quando o sujeito precisa ajustar sua posição para falar com outra pessoa, muito parecido com esta foto. É importante seguir a regra dos terços quando você está fazendo isso porque deixar a quantidade apropriada de espaço pode manter um tiro agradável e bem equilibrado. Se você deixar muito pouco espaço, vai jogar fora o tiro inteiro e vai parecer muito pouco profissional. Sala de chumbo também é usado em tiros que têm um monte de movimento quando o assunto está se movendo em uma direção. Mas vamos falar sobre isso a seguir, na próxima seção sobre movimento. Vamos falar sobre isso agora. 21. Movimento cinematográfico: introdução: Movimento e por que a cinematografia precisa dele. Esta é a minha segunda seção favorita e estou muito animada com isso. Foto e vídeo são diferentes por um motivo simples, movimento. Não se chama filmes à toa. Quanto mais você se move, mais interesse e realismo você adiciona ao seu tiro. Ao lado do campo de tiro, movimento é de longe a minha parte favorita sobre cinematografia, porque eu adoro filmar vídeos de viagens e vídeos musicais e coisas que envolvem muito movimento. O movimento não é apenas sobre a adição de flare e estilo, ele também é usado para ajudar a contar uma história e levar seu espectador de cena em cena da forma mais perfeita possível. Não importa se você está filmando um curta-metragem roteirizado com personagens em um enredo, ou se você está apenas filmando uma recapitulação de suas férias. Tudo requer movimento para ajudar a contar a história. Nesta seção, vamos falar sobre todos os diferentes tipos de movimento, quando usá-los, por que usá-los. Também vamos falar de filmagens estabilizadas versus portáteis. Isto é coisa boa. 22. Filmagem à mão ou estabilizada: Muita gente pode dizer que a filmagem é amadora, e precisa ser estabilizada. Eles estão meio errados, metade certos, ambos? Eu não sei. Se a cena é para ser agitada, como uma perseguição de carro, ou você está fugindo de algo como o urso pardo faminto que eu falei antes, você vai querer levar o espectador no passeio com você e ter uma filmagem trêmula. Se não se destina a ser uma cena agitada cheia de ação, então filmagens trêmulas parecem muito amadoras. Há muitas maneiras de estabilizar as filmagens. Se você tem um DSLR e quer estabilizar isso, você pode usar um Glidecam ou um Ronin, ou se não, você pode fazer seu próprio Glidecam apenas tendo um tripé regular para o seu DSLR e anexando pesos ao fundo dele. O peso na parte inferior é o que ajuda a estabilizar movimentos ásperos quando você está segurando a câmera e caminhando. Ter peso mantém estes todos agradáveis e uniformes. Basta pegar o tripé logo abaixo da câmera e caminhar rapidamente com um pé na frente do outro, movendo-se do calcanhar aos pés, calcanhar aos pés, calcanhar aos pés. Se você está filmando em um iPhone, então minha maneira favorita de todos os tempos de obter imagens realmente estáveis é DJI cardan de 3 eixos chamado Osmo móvel. Essa coisa é realmente incrível, nem mesmo brincando. Eles não me pagam para dizer isso, eu realmente gosto do celular Osmo. A diferença entre os dois é noite e dia. O não estabilizado contra o estabilizado é incrível. É eletrônico, então pode compensar qualquer quantidade de erro humano que cometemos ao caminhar, correr ou tropeçar, seja lá o que for. Ele também vem com o software no aplicativo chamado Active Track. Você pode selecionar qualquer objeto que você escolher, e ele manterá constantemente a câmera apontada para o assunto, independentemente de onde você vá. É assim que faço aqueles loucos hiper lapsos de zoom. Um hiper-lapso é apenas um lapso temporal que está se movendo. Sério, você pode realmente virar a cabeça para trás e nem olhar para ele, e apenas confiar que o Osmo vai ficar apontado para qualquer assunto que você escolher. vez, se você estiver filmando em um iPhone, este é um must-have. É a primeira coisa que eu vou ter certeza que é cobrado, é a primeira coisa que eu vou colocar na minha bolsa de câmera. Vale a pena. Agora vamos rever os diferentes tipos de movimento que você pode adicionar aos seus tiros. 23. Os tipos de movimento: Vamos falar sobre os diferentes tipos de movimento. Eu só vou saltar para dentro Primeiro, temos uma boneca. Uma boneca é apenas um termo de filme para um empurrão ou um puxão. Isso é feito sem ampliar a câmera. É feito movendo a câmera para frente ou para trás fisicamente. Um empurrão é ótimo para construir suspense em uma cena. Você pode fazer isso com pessoas, arquitetura ou seja lá o que for. Sempre que você empurra sobre ele progressivamente, você está fechando a cena e adicionando importância ao que está no centro da foto. Pode ser uma porta, pode ser uma pessoa, realmente não importa. Seja o que for que você está pressionando, você está adicionando muita importância enquanto um pull out pode ser usado para revelar uma cena, ou mais importante, a profundidade dessa cena. À medida que saímos, a cena aumenta enquanto o sujeito fica menor. Isso conta uma história sutil sobre o assunto se desvanecendo em seu ambiente ou talvez sendo uma pequena peça para um quebra-cabeça ainda maior. Um empurrão para dentro ou para fora vai depender da história da cena que você está tentando filmar. Se não tem certeza, experimente os dois. É sempre uma opção melhor ter mais vídeos. Um push in ou um pull out pode ser usado para obter um efeito de vertigem realmente legal, contrariando-o com um zoom oposto. Um efeito de vertigem é aquele estilo em que o primeiro plano ou talvez o seu assunto e o fundo estão dimensionando de forma diferente. Se você estiver pressionando um assunto, você pode puxar o zoom exatamente ao mesmo tempo em seu DSLR para alcançar esse efeito, ou se você estiver puxando para fora, você pode pressionar o zoom ao mesmo tempo. Isso pode levar algumas tentativas para conseguir, mas se você conseguir, é muito legal. Se você estiver filmando em um iPhone, eu normalmente faço isso fazendo um push normal e, em seguida, na edição mais tarde, eu keyframe a escala para descer enquanto eu estou empurrando para dentro, ou se você estiver fazendo um pull out, eu keyframe a escala para subir exatamente ao mesmo tempo. Se você fizer isso direito, ele conseguirá exatamente o mesmo efeito que puxar o zoom em um DSLR. Basicamente, a ciência por trás de um efeito de vertigem é que é apenas uma mudança contínua na distância focal enquanto você está empurrando ou puxando para fora. Ele vai de uma ampla para uma telefoto, ou uma telefoto para uma ampla. Isto foi popularizado no filme “Tubarão “de Steven Spielberg, mas já existe há algum tempo. Em seguida, eu quero falar sobre o tiro giratório, a ascensão e a queda para baixo. Mas primeiro, você tem que entender o ponto de interesse. Pense em sua câmera sendo anexada com uma corda e uma bola no final. Onde quer que a bola seja colocada, não importa para onde você mova sua câmera, essa bola vai ficar exatamente no mesmo lugar. A câmera está fixada neste ponto. Este é o ponto de interesse. Onde quer que seja esse lugar, é o que seus súbditos devem ir. Se você estiver fazendo um tiro giratório e se movendo da esquerda para a direita, seu assunto deve ser seu ponto de interesse. Você está evoluindo em torno do seu assunto. O tiro giratório é ótimo para fotos de produtos e mostrando todos os lados do seu assunto. Ele adiciona um elemento 3D. Um aumento pode ser uma transição muito boa de um ângulo baixo para um ângulo alto. Ele pode ser usado quando você quer fazer a transição de seu assunto de ser alto e confiante para ser fraco e assustado, ou você pode simplesmente usá-lo para revelar mais profundidade em uma cena. Lembre-se, falamos sobre um ângulo alto mostrando muita profundidade porque mostra muito do solo. Uma queda é exatamente o oposto. É quando seu personagem passa de ser fraco e assustado para ser confiante, alto e forte, como quando eles vão de ser chutado para baixo para recuperar o trono, ou digamos que seus personagens voltados para longe da câmera. Uma lista pode revelar o que eles estão olhando. Este é um tiro incrível para quando seu personagem finalmente chega ao seu destino final e eles estão olhando para ele com admiração. É onde a jornada deles finalmente os levou. Lembre-se, é um tiro de transição, então deve ser motivado pela história e seus arredores. Além disso, um aumento e um drop down pode ser feito sem usar ponto de interesse. Basicamente, o ponto de interesse só vai direto para cima ou para baixo com a câmera. Estes têm efeitos realmente semelhantes ao uso do ponto de interesse. Só depende de qual se encaixa melhor na sua cena. Em seguida, temos uma panela. É aqui que seu ponto de interesse se move da esquerda para a direita, mas sua câmera permanece em um ponto. Honestamente, este é o movimento de câmera mais fácil e usado lá fora, e eu raramente usá-lo quando estou gravando vídeo profissional. É basicamente apenas o movimento turístico para que você possa mostrar [inaudível] onde você está. Pelo contrário, você tem movimento lateral, que é onde você está apenas indo na mesma direção que seu sujeito está se movendo. Strafing é onde você está movendo a câmera e o ponto de interesse exatamente ao mesmo tempo, quando você faz um movimento como este, você pode optar por deixar seu objeto no centro morto do quadro, ou você pode deixar alguns Sala de chumbo. Lembra como conversamos sobre sala de reuniões mais cedo? É usado em movimento também. Quando um sujeito está viajando, deixamos a sala para que possamos ver o que está por vir. Se eles estão caminhando contra a borda do quadro, vai ser um pouco estranho, deixar nenhuma sala de chumbo em tudo é realmente estranho e desequilibrado. Tire seu lenço e fique à frente deles. 24. Técnica bônus: iniciar e limpar a cena: Quer aprender algo legal. Este assunto está em Iniciando e Limpando a cena. Quero fazer isto rápido. Então começar e limpar a cena é uma técnica que eu uso em meus vídeos o tempo todo. É basicamente um passe extravagante por uma transição onde você costura um tiro ao outro com um objeto. Este tipo de transição leva um pouco de tempo na edição, mas se você filmar direito, você pode ser realmente criativo com ele. Tudo o que você realmente precisa é de um objeto que seja grande o suficiente para cobrir a câmera e que tenha algum espaço para se mover atrás dela. Basta procurar árvores, edifícios, postes de luz e qualquer outro objeto alto em seu redor. Eu costumo começar por definir e bloquear meu foco e minha exposição ao meu assunto. Eu começo a cena batendo recorde, mostrando meu assunto. Eu fico atrás do objeto e se você quiser, você pode se mover atrás de outro objeto. Este é um daqueles momentos em que você mantém o ponto de interesse em seu assunto. Se você fizer isso direito, você pode costurar dois tiros juntos para fazer uma transição perfeita. Esse tipo de foto fica ótimo quando a câmera está estabilizada. Então, um cardan vai ser seu melhor amigo aqui, mas você não precisa dele. Eu só recomendo. Você pode fazer isso com quase qualquer movimento da câmera. Não importa se é uma elevação, um movimento lateral descendente. Mas quando você está começando, eu recomendo usar um giro primeiro, vamos falar sobre drones agora. 25. Iluminação na cinematografia: introdução: Vamos falar sobre iluminação. Por que é importante? Saber como iluminar corretamente é uma habilidade tão comumente negligenciada. Provavelmente porque quando a iluminação é boa, passa despercebida. A cena só se parece com uma cena de qualidade e você simplesmente afunda no conteúdo. Mas quando a iluminação é ruim, ele definitivamente é notado. As pessoas notarão a baixa qualidade de produção imediatamente e confiarão menos no seu vídeo. Se eu tivesse pouca iluminação, assim, enquanto tentava explicar um conceito profissional para você, você se sentiria menos inclinado a confiar em mim, ao invés de uma boa iluminação. Uma boa iluminação mostra que a empresa ou pessoa colocou tempo ou dinheiro em sua entrega. iluminação também pode ser usada para definir todo o humor de uma cena de alto contraste, o estilo de iluminação para suspense para fantasia, iluminação de sonho, iluminação feliz e brilhante. Alterar a configuração da iluminação, ou até mesmo apenas alterar o ângulo da câmera para obter iluminação diferente, pode afetar toda a foto. É por isso que a iluminação corretamente é sobre iluminação propositadamente. Por último, uma boa iluminação economiza tempo e edição mais tarde. Você vai agradecer a si mesmo. pior for a sua iluminação, mais tempo você vai gastar uma carta editando, aumentando a exposição, colocá-la para fora das sombras, mudando a temperatura da cor e tudo mais. Só vai desperdiçar seu tempo porque ainda vai sair abaixo do par. Nesta seção vamos estar falando sobre fotografar com luz ao ar livre versus fotografar com luz interior. Fotografar em baixa luz e até mesmo equilíbrio de branco e temperatura de cor. Vamos fazer isso. 26. Filmagem ao ar livre com luz natural: Fotografar ao ar livre com luz natural. Fotografar ao ar livre pode ser um desafio. Você sempre tem fontes limitadas de luz e nove vezes em cada 10, o sol é tudo o que você tem. Claro que você pode ficar em torno de luzes e cabos de extensão, balanços e suportes de luz e toda a porcaria com você, mas quem quer fazer isso? É por isso que confio em recursos na área circundante, diferentes ângulos de câmera e uma cortina de chuveiro. Eu vou chegar a esse. A primeira coisa a saber sobre fotografar ao ar livre é o melhor momento para filmar. A melhor hora para filmar é a hora dourada. hora dourada é a hora pouco antes do nascer e do pôr do sol, quando a luz é mais baixa e mais suave e muito menos dura. A iluminação também é mais quente e muito mais uniformemente deslocada. Há uma razão para o pôr do sol ter sido observado desde o início dos tempos. Eles são lindos e podem fazer qualquer tiro muito mais atraente. Você também pode usar o sol como uma luz de fundo para separar o assunto do fundo dele. Se você estiver filmando durante a hora dourada, isso pode adicionar um brilho laranja muito agradável ao redor da borda do seu assunto. Você também pode ajustar sua exposição para obter um efeito de silhueta muito agradável. hora dourada é a única hora para fazer isso parecer realmente cinematográfico. Mas ao mudar o ângulo de disparo para o outro lado, agora você pode preencher o assunto e o fundo com luz. Tudo depende do que você está indo para o seu vídeo. Mas uma simples mudança de ângulo da câmera faz um mundo de diferença. Então, mesmo se você está apenas tentando tirar a selfie perfeita, basta tentar ficar perto de uma janela onde há mais luz, Instagram pro tip. Se você estiver filmando por volta do meio-dia e a luz é extremamente dura e diretamente acima, é aqui que a cortina do chuveiro é útil. A cortina do chuveiro ajuda a difundir a luz e torná-la muito mais suave. Difusão, o que significa que está quebrando os raios de luz e deslocando-os uniformemente para o seu assunto, você pode obter uma cortina de chuveiro barata em qualquer lugar. Comprei o meu no Walmart. É o branco, não pegue o fosco, não pegue o limpo, pegue o branco. Tudo que você tem que fazer é espalhar a cortina do chuveiro acima do seu assunto para difundir a luz. Aqui está o que parece antes da cortina do chuveiro com a luz dura contra a cortina do chuveiro acima da cabeça do assunto. Veja quão mais uniformemente deslocada essa luz está. Idealmente, o melhor momento para filmar ao ar livre é em um dia nublado onde o céu age como uma cortina de chuveiro gigante e difunde toda a luz. Se vir um dia nublado, aproveite. 27. Filmagem em interiores com luz controlada: Aqui é Tiro em Interior com Luz Controlada. Quando eu estava na escola de cinema, meu professor de iluminação costumava dizer que estávamos pintando com luz. Eu pensei que ele estava tentando fazer algumas besteiras da sociedade de poetas mortos e ser tudo como poético sobre isso. Mas ele tinha razão. Você realmente tem que pintar sua cena com luz. Como eu disse antes, temos que acender propositadamente. Iluminação interna adequada é a melhor maneira de alcançar alta qualidade de produção. Você pode fazer isso com uma configuração de iluminação de três pontos, que é onde você tem uma luz de chave que é colocada fora de um lado da câmera que fornece a maioria de sua luz. Uma luz de preenchimento menor no lado oposto que preenche essas sombras e a luz de fundo que dá uma borda agradável ao seu assunto e os separa do fundo. Com o posicionamento certo, você pode fazer isso com lâmpadas domésticas simples ou mesmo janelas. Obviamente, você tem que esperar até a hora certa do dia para usar uma janela como uma luz chave ou você pode fazer a minha versão, que é iluminação VLOG. Aqui é onde você coloca duas lâmpadas em cada lado da câmera para preencher uniformemente o rosto e uma luz no chão atrás de você que aponta para o seu fundo. É legitimamente o que estou usando agora, três lâmpadas domésticas, nem mesmo brincando. Não gastei mais do que 15 dólares em lâmpadas. A lâmpada de assoalho dá um bom efeito de vinheta aqui atrás. Uma vinheta é quando você tem cantos escuros desbotados ao redor do quadro de sua imagem. A única coisa a saber sobre fazer essa configuração de iluminação VLOG é ter as lâmpadas de temperatura de cor corretas, sobre as quais vamos falar a seguir. 28. Temperatura das cores: Entendendo o equilíbrio de branco e a temperatura da cor Uma parte muito importante para obter a iluminação certa é entender o que é o equilíbrio de brancos. Balanço de branco é o que definimos em nossa câmera para neutralizar diferentes temperaturas de cor de determinadas lâmpadas ou condições de iluminação se você estiver fora. Temperatura de cor, em poucas palavras, é o quão quente ou frio sua cena parece. Se você está iluminando sua cena com lâmpada de tungstênio, que é a lâmpada comum mais clássica, é uma espécie de cor laranja-ish que é encontrada na maioria das famílias, isso vai lhe dar uma tonalidade muito laranja para sua cena. A temperatura de cor da luz de tungstênio varia de cerca de 1.000-4.000 Kelvin na escala, Kelvin sendo uma unidade de medida para a temperatura absoluta. Muitas lâmpadas fluorescentes mais recentes que são mais eficientes em energia emitem uma temperatura de cor de cerca de 5.000-6.000 Kelvin. Está muito mais frio. Esta cor de iluminação é ótima para iluminação de estúdio. Na verdade, é o que estou usando agora com as lâmpadas atrás da minha câmera. Está dando ao meu rosto um belo olhar branco neutro. O que está atrás de mim para a minha luz de fundo é apenas uma luz de tungstênio regular. Você pode encontrar tanto estilo de lâmpadas em qualquer Walmart local ou loja de melhoria de casa por como 5-8 dólares, muito melhor do que gastar US $80 em um kit de iluminação profissional. Agora, 6.000-10.000 Kelvin é basicamente o alcance do nosso céu azul. A maioria das lojas nem sequer vende uma lâmpada desta cor a menos que seja como uma lâmpada de festa, o que é brega, então não a use. Outra coisa a saber sobre a compra de lâmpadas é a potência e os lúmens. Verifique a lâmpada na qual você está colocando a lâmpada para ver qual é a potência máxima e certifique-se de comprar uma lâmpada abaixo dessa configuração. A última coisa que queremos fazer é começar um incêndio e não será minha culpa porque eu não te disse isso. Você também pode ver quantos lúmens a lâmpada coloca, o que é basicamente o quão brilhante a lâmpada será. Normalmente, é melhor comprar uma lâmpada com lúmens mais altos porque você sempre pode cortar a luz ou difundi-la com, digamos, a cortina do chuveiro que falei anteriormente. Basta colocar mais camadas de cortina de chuveiro na frente de sua luz para escurecer o quanto você precisar. Acho que não preciso de um exemplo para mostrar isso. Se você não quiser gastar US $5-8 em lâmpadas diferentes, você pode trabalhar com o que você tem em casa. Você só terá que mudar a temperatura da cor mais tarde na edição. A maioria dos programas de edição tem uma temperatura ou um isqueiro que você pode arrastar para frente e para trás para ajustar o balanço de branco na foto. Você não tem quase tanto alcance quanto comprar lâmpadas melhores, mas qualquer coisa ajuda. Eles também têm kits de iluminação na Amazon que você pode comprar, mas eu sou um do-it-yourself e eu meio que gostei de fazer minha própria configuração de iluminação. As lâmpadas que estou usando para minhas luzes de enchimento, que são as de ambos os lados da câmera para preencher meu rosto, são 1550 lumens. Eles também têm 14 watts e cerca de 5.000 de temperatura de cor. O que estou usando, a luz no meu fundo, é uma lâmpada de tungstênio comum. São cerca de 2700 Kelvin, 500 lúmen, e cerca de 9 watts. Eu só uso lâmpadas baratas comuns que eu posso encontrar no Walmart ou Target para alimentar essas lâmpadas. Se você quiser criar sua própria configuração de iluminação para vlogging, você pode usar minhas recomendações e começar a brincar e ver o que você gosta. Vou colocar minhas configurações de lâmpada novamente na tela agora mesmo. 29. Visualize a cena: reconhecimento de localização é encontrar os lugares mais adequados e mais procurados para atirar. Pode ser divertido e pode ser uma enorme dor no pescoço. reconhecimento de localização é uma daquelas coisas que você não quer fazer se estiver em um limite de tempo. Uma das coisas que eu odiei é estar em férias em família ou algo assim onde eu tenho que ir para algum lugar em breve e eu estou apressando todos os meus locais, eu acabo saindo com porcaria. O único limite de tempo real que você deve ter é tentar pegar a hora dourada antes do sol se pôr. Há algumas coisas a se perguntar antes de encontrar o lugar mais adequado para filmar. A primeira é, como é a iluminação na sua visão da cena? É o pôr-do-sol? É suave e romântico? É contrastante e escuro? Ou é luz branca? É luz quente? A resposta vai importar para quando e onde você atirar. A segunda pergunta a fazer a si mesmo é, que tipo de composição de tiro envolve a cena? Será que ele parecia melhor com o ponto de vista, é um ângulo baixo ou um ângulo alto? Close up ou tiro no escuro, também vai depender de onde você atirar. A última pergunta a fazer a si mesmo é isso envolve movimento? Isso determinará quanto espaço você precisa para obter a foto e o que está em sua área ao redor que pode impedi-lo de obter esse movimento? Ele tem objetos para começar e limpar a cena com? Tem espaço para empurrar ou puxar para fora? Essas perguntas importam e vão tornar o seu processo de busca de localização muito mais simples. Basta anotar seus requisitos para movimento e composição de tiro, e apenas entrar no carro e ir explorar. O objetivo é encontrar um lugar que verifique tudo na sua lista. Talvez seja necessário experimentar dois ou três lugares antes de encontrar o lugar certo. Seja paciente e não defina um despertador. 30. Fim e agradecimentos: É isso aí, pessoal. Chegamos ao fim do curso. Parabéns. Está tudo feito. Encorajo-te a sair e praticar. Comete muitos erros porque é aí que você vai aprender o melhor. Recebemos muita informação nas últimas, não sei quantas horas este curso vai ser no final. Eu tenho algumas notas no final deste curso que você deve imprimir e manter com você para quando você precisa olhar para trás para todas essas coisas. Pessoal, cada avaliação e avaliação ajuda a minha credibilidade a crescer e importa muito mais do que pensam. Eu agradeceria muito se o fizesse. Se não, está tudo bem. Se você quiser me deixar algum feedback, você pode fazê-lo publicamente ou você pode me enviar uma mensagem privada. Ficaria mais do que feliz em fazer mudanças sempre que necessário. Mais uma vez, parabéns. Mal posso esperar para ver que tipo de coisas vocês colocam para fora. Se me encontrar nas redes sociais, sinta-se à vontade para me colocar em algumas coisas. Espero que tenham gostado. Vejo-te no próximo prato.