Transcrições
1. Introdução ao curso: Veja como criar seu primeiro projeto
profissional de
design de movimento no
After Effects sem
anos de tentativa e
erro e sem o tutorial de
rolagem doom A maioria dos iniciantes presume que animação no nível do
cliente será tão fácil quanto seguir um tutorial. Não são tutoriais, ferramentas de ensino, nem Eu aprendi isso da
maneira mais difícil. Eu consegui o clipe Dez dias na fila. Eu tinha habilidades de After Effects, mas não tinha sistema, não tinha
processo, só tutoriais Fiz o parto em 17 dias, atrasada, exausta
e envergonhada Eu sabia o básico, mas quando chegou
a hora de criar sozinho,
minha mente ficou completamente vazia Então, voltei aos fundamentos. Estudei como designers de
movimento reais planejam, estruturam e executam projetos
antes mesmo de serem animados. E foi assim que criei o plano de
produção de animação, um sistema de 11 etapas que mostra
o que fazer em cada estágio, por que cada decisão
é tomada e como concluir um projeto de design de
movimento completo e
sem adivinhação Ao final deste curso, você será capaz de
desenvolver
conceitos fortes e uma história clara. Você poderá
planejar e executar projetos
completos de design de movimento. Você será capaz de pensar
como um profissional, mesmo sendo um iniciante
completo Agora, este curso não
ensina tutoriais. Ele ensina como
pensar e
tomar decisões dentro e fora do After Effects. Neste plano, você pode criar vídeos
explicativos, conteúdo de mídia
social,
curtas-metragens, filmes animados, animações
educacionais Agora, esse plano é para você, se você conhece os conceitos básicos do
After Effects, mas tem dificuldade em
concluir o tutoriais não ajudaram você a
criar trabalhos com
aparência profissional Você quer um sistema claro, não uma dica aleatória. Você congela em um cronograma em branco e não sabe o que fazer primeiro Você deseja concluir um verdadeiro projeto de
design de movimento sofisticado Você quer confiança para começar e concluir projetos sozinho.
2. Escolha sua montanha: Ly, havia esse vídeo
de um pinguim, certo? Está se tornando viral
e é uma ótima história. Então, um pinguim normalmente vive no exército onde
tudo está seguro, como se tivesse comida suficiente e estivesse com
outros pinguins Mas esse pinguim vai em
direção a essa montanha, que fica a quase 70
quilômetros de onde está sendo baleado E essa imagem,
eu não sei por quê, mas está realmente
inspirando a Internet, e está me inspirando Está bem? Então, eu tenho uma
sugestão para você
escolher
sua montanha, ok? Por exemplo, a montanha
para mim agora está produzindo esse curso
o mais rápido possível. Montanha para você
pode ser apenas permanecer consistente ou montanha
para você pode aprender o After Effects o mais
rápido possível para que você possa fazer ou ganhar dinheiro
fazendo o que ama. Montanha, para algumas pessoas,
pode estar se mantendo saudável. Montanha para algumas pessoas
pode ser ir à academia. Montanha para algumas pessoas
pode ser qualquer coisa. Seja qual for a sua montanha. Escolha agora mesmo. Por exemplo, pode estar terminando
este curso, ou pode estar produzindo seu primeiro vídeo explicativo
ou primeiro vídeo animado, ou você precisa encontrar um
cliente que não seja fácil E não importa o que aconteça,
você não para até chegar ao pico
da montanha, ok? É isso que esse pequeno pinguim nos inspira a fazer:
ir em direção à montanha, mesmo que ninguém esteja
conosco ou mesmo que possamos morrer no caminho e acharmos que Está bem? Então, se esse pequeno
pinguim pode ir para uma montanha, bem, tenho certeza que você
pode fazer um vídeo maldito OK. Portanto,
certifique-se de manter sua coragem, seguir sua felicidade,
de perseguir e
seguir em direção à sua montanha
3. Projeto do curso: briefings do cliente: Projeto de classe, eu te dei
seis resumos fictícios de clientes Eles foram projetados para
parecer o trabalho de um cliente do mundo real e não são ideias práticas
aleatórias. Está bem? Assim, você pode
escolher qualquer resumo e acompanhar todo
o processo. Está bem? Então eu tenho que te dizer uma coisa que
é muito importante. Então, eu não vou te mostrar
a animação como
normalmente fazemos em um tipo de
tutorial,
ok, e peço que você
acompanhe. Eu não vou fazer
isso nesta aula. OK. Em vez disso, vou detalhar o projeto passo a passo, exatamente da maneira como o
profissional pensa e trabalha, para que eu possa
explicá-lo com mais detalhes. Está bem? Por isso,
mostrarei como as decisões são tomadas, por que uma determinada abordagem
é escolhida e como os problemas são resolvidos
durante a animação. Está bem? Então, se eu adotar essa abordagem mais antiga de ensino do
curso,
como um tutorial, como eu digo o que estou fazendo na tela,
enquanto faço isso, posso esquecer de incluir como um profissional
pode pensar, ok? E é por isso que eu tomei isso
4. Blueprint de produção de animação: Plano de produção de animação. Agora, deixe-me
guiá-lo rapidamente por todas as dez ou 11 etapas
da produção. Primeiro, temos a pré-produção, depois a produção
e depois a pós-produção. Embora às vezes a edição
esteja na pós-produção, mas como não editamos tanto
quanto o editor, quando se trata de animação, eu a mantive na
produção,
em vez de começar a
pós-produção. Está bem? Então, primeiro,
entendemos o resumo do cliente. Depois que o
resumo do cliente é entendido, passamos para a segunda etapa,
que é a conceituação Aqui, criamos conceitos
do zero. Em seguida, passamos para a etapa três,
que é a visualização. Então, nas visualizações,
tentamos visualizar a aparência do produto
final Então, basicamente escolhemos cores, vemos como as coisas ficarão, elas se sentirão. Ok. Em seguida, passamos para a quarta etapa, que
é a exploração. Então, na exploração, basicamente
exploramos as referências e inspirações que precisamos para nosso projeto e, em
seguida, passamos para a quinta etapa Então, o quinto passo é diferente. É estratégia, ok? Portanto, as estratégias são
realmente cruciais. Então, aqui, basicamente criamos estratégias que
nos ajudarão a concluir o
projeto a tempo. Está bem? Isso parece assustador e longo, mas não se preocupe, não
é muito longo no curso Ok. Então, uma vez feito isso, a pré-produção é concluída. E não precisamos da aprovação do
cliente, tudo que tem AA
precisará de uma aprovação, ok? Então, uma vez feito isso, passamos para sc story e voiceover Está bem? Nesta etapa, escrevemos o roteiro ou
escrevemos a história. Usamos três estruturas X ou
as estruturas que
serão dadas no curso e
gravamos a narração, ok Então, se você estiver fazendo
um vídeo explicativo, você precisaria de um roteiro, ok E então você tem o
roteiro aprovado, e então você usa a narração Se você não está fazendo
um vídeo explicativo,
é apenas um vídeo baseado em uma história Você precisaria apenas de uma história, e então você pode obter aprovação e depois passar para
a próxima etapa, ok? Portanto, cada A aqui significa que
você precisa de aprovação. Ok. Em seguida, passamos para o
storyboard e o quadro de estilo No storyboard
e no quadro de estilo, criaremos o
storyboard e o quadro de estilo Os storyboards são
imagens aproximadas do que vai acontecer. Ok. É basicamente um
desenho do que vai acontecer. O quadro de estilo é basicamente uma captura de tela do
seu vídeo final, mas fazemos isso antes de
fazer o vídeo real Então, na criação de ativos, criaremos
ativos para nossa animação. Essa etapa é realmente crucial, mas você não precisará de
aprovação aqui. A propósito, esqueci de mencionar que no storyboard
e no frame de estilo, você deve obter a aprovação do seu
cliente porque se você
não obtiver aprovação, você terá problemas aqui, ok? Portanto, certifique-se de obter a aprovação do
seu cliente
e, uma vez
feito isso, você pode começar a criar os ativos finais
para a animação. Editando. Ok, então em animação e edição, bem, é óbvio. Ok, aqui nós
animamos e editamos. Depois, temos
design de som e música. Escolhemos efeitos sonoros e
tudo o que precisamos,
precisamos de música porque música e design de som
são realmente cruciais. Neste curso,
mostrarei também como
escolher uma boa música
e o que fazer a
respeito. É muito simples. Ok. Em seguida, a
etapa final é a entrega e, se nossos clientes quiserem uma
revisão, nós fornecemos a revisão. Esse é o
plano básico deste curso. Está bem? Então, se você quiser
fazer uma animação, ok, que é isso,
você precisaria disso. A maioria das pessoas, o que
elas fazem é se concentrar tanto nisso que esquecem
as partes, certo? Os pré não sabem como
fazer a pré-produção. E é por isso que eles criam
esses conceitos ruins, e esses conceitos ruins
acabam criando não apenas uma animação
ruim, mas não
terão nenhum impacto no seu público, ok? Mas nos aprofundamos
em nosso conceito, visualizando coisas
em exploração Esse modelo pode
ser usado para filmes. Ele pode ser usado para edição de
vídeo. Ele pode ser usado para quase
tudo relacionado a vídeos. Está bem? Então, isso é tudo para o plano
de produção de animação Nos vemos
na próxima palestra.
5. Passo 1: como analisar o briefing do cliente: Então, vamos entender como analisar o brief
do cliente, ok? Então, a primeira coisa que eu costumava fazer era ler todo o resumo do cliente. Isso é um logotipo. Essas são as referências visuais
que eles enviaram. Está bem? Então, depois de ler todo o resumo, gostaria de destacar a parte mais
importante, por exemplo, a mensagem-chave aqui é que a
poluição prejudica a vida marinha, mas com cuidado e ação, o oceano pode se curar, ok? Então essa é a mensagem principal
que eles querem compartilhar, ok? Então, isso
será realmente crucial quando
escrevermos histórias e
criarmos nossos recursos visuais, ok Então, o público também
será realmente crucial. É para telespectadores em geral com idades entre 10 e 30 anos, estudantes familiares
e públicos ecológicos, ok Pessoas que preferem contar histórias gentis e amigáveis
em vez ativismo
agressivo E então você também deve ter
isso em mente. Porque é isso que
os clientes querem, ok? Então, esses clientes são
muito legais
porque também nos deram tom
e estilo. Está bem? Então, aqui, eles querem visuais suaves, amigáveis, acessíveis,
emocionais, mas não pesados, limpos e ilustrativos, um final
caloroso e promissor, texto
mínimo, visuais fortes, Então, os pontos, todos esses
são realmente cruciais. Então, vou
escrevê-los ou digitá-los em algum outro documento para
que eu possa me lembrar sempre que estivermos criando
conceitos ou algo assim, certo? Então isso também é realmente
crucial, ok? Porque aqui você
terá tempo, ok? Então, o tempo na animação é realmente crucial
porque, quando você está aprendendo com um tutorial, eles realmente não se
importam com o tempo, certo? Porque tudo o que eles estão
focados é ensinar como fazer isso ou como obter esse efeito correto. Mas e se houver essa
chance de você ter que
mostrar tudo em
20 a 25 segundos. Como você vai mostrar isso? Então isso ou como você vai mostrar isso
em 20 a 25 segundos? Se você pensar bem,
é realmente desafiador. É como contar uma
história inteira em 25 segundos, e não é fácil, certo, porque você tem que mostrar a
eles os efeitos da poluição, você tem que mostrar a eles os
problemas da escalada Você tem que mostrar uma operação de
resgate. Você tem que mostrá-los ou transferi-los antes,
depois do estado, ok? E como você escolhe mostrar
isso depende inteiramente de você. Você pode interpretar as
etapas de qualquer forma criativa, simbólica ou literal, certo? Além disso, eles nos deram
essas restrições criativas. Portanto, deve incluir uma baleia que mostre
poluição para limpar e deve terminar com um sentimento
positivo, sem movimentos realistas ou imagens
perturbadoras Está bem? Então esse é
o nome da marca, que é, bem, é
gerada por IA e é falsa. Não se preocupe com isso.
Ok, então é um paraíso azul
6. Passo 2: conceituação: O primeiro passo em qualquer
processo criativo é a conceituação. Isso acontece logo após você detalhar e
entender o resumo. Quando o resumo estiver claro, você constrói o conceito
do zero. Nesse estágio, o conceito
não precisa ser perfeito. Só
precisa dar uma direção clara,
uma ideia aproximada do que
o visual poderia ser Uma regra fundamental que
você precisa lembrar é esses conceitos devem vir de
histórias, não apenas de imagens. Como designers de movimento, geralmente nos
concentramos demais no visual e
esquecemos nosso trabalho real Bem, nosso verdadeiro trabalho é
fazer com que as pessoas sintam algo. Se sua animação
não cria emoção, não
importa o
quão boa seja. O objetivo não é
impressionar outros animadores. É para se comunicar com o público
em geral
e inspirar mudanças conceito fraco é igual a uma história fraca, e nenhuma quantidade de
polimento visual pode resolver isso Para criar conceitos fortes, sigo um sistema de quatro etapas. Primeiro, você se faz
as perguntas certas. Segundo, você extrai
palavras-chave, ouviu, cria histórias aproximadas e, quatro, cria esboços a
partir de suas ideias Está bem? Então, o primeiro passo é fazer
as perguntas certas. A maior diferença
entre iniciantes e profissionais
é como eles pensam. Fazer as
perguntas certas
muda instantaneamente seu pensamento para
uma mentalidade profissional Então, aqui estão as perguntas. Primeiro, o que o cliente
quer e qual é a minha função? Agora, isso é para
você, não para o cliente. Está bem? Então, erros são bons. Nesse caso, o cliente deseja uma curta animação emocional
sobre a poluição do oceano, uma história clara de antes e depois, um tom familiar e esperançoso, visuais
limpos e suaves
e um vídeo que possa ser usado
em Agora, seu papel é transformar
isso em uma história clara, design e animação
claros, design e animação
claros preferência sem
diálogos ou dublagem Número dois, qual conceito
as ideias já existentes inspiram? Agora, algumas ideias imediatas são uma personagem central, como a baleia mostrando os efeitos da
poluição e resgatando uma forte sensação de transformação
na personagem Então, uma ideia é que uma baleia
sofra poluição e depois
seja resgatada, outra é mãe e baleia
bebê separados e
reunidos no final, mas isso pode ser muito
complexo para um iniciante e tem um prazo de sete dias,
então
mantemos A terceira pergunta é: qual
é a mensagem central e a emoção? A mensagem seria
definida em uma linha clara. Por exemplo, a poluição
prejudica a vida marinha, mas com cuidado e ação, o oceano pode se curar E emocionalmente, o público
deve sentir preocupação,
empatia, tristeza, alívio, Agora, essas emoções estão escritas
grosseiramente, ok? Agora, eu escrevi essas
emoções mantendo o conceito que definimos na última pergunta
em mente, ok? Então, se você não consegue inventar as emoções,
tudo bem. Mas é preciso lembrar
que essas emoções orientam a cor, o ritmo
e a composição Então, se você não consegue definir essas
emoções para cada cena, porque ainda não
definimos as cenas, mas eu posso, desde que nasci, trabalho nesse
campo há sete anos. E então, se você não conseguir ficar
completamente bem. Você pode começar com
duas ou três emoções que você acha que são certas. Está bem? Número quatro, qual é a metáfora visual
mais simples
para esse projeto Agora, a solução mais clara
é antes e depois. Então, por exemplo, antes
que houvesse poluição, escuridão, zumbido, depois de termos resgate,
clareza e cura É muito simples,
legível e eficaz. Depois de definir tudo isso, passamos para a etapa dois, que
é extrair palavras-chave. Portanto, as palavras-chave ajudam você a visualizar o design e a animação final Então essas palavras-chave
são extraídas do resumo e
das perguntas já
respondidas, ok? Por exemplo, baleia antes
e depois, poluição,
cura, plástico limpo do oceano, escuridão, resgate, etc Está bem? Então, eles serão nosso guia para esboçar
e contar histórias O terceiro passo é
criar uma história aproximada. Ok, muito simples. Primeira história, uma baleia presa na
poluição sofre E basicamente, na versão posterior, o cliente resgata e
limpa o oceano e
a baleia Então eu criei
outra história. Então, isso é emocional
, mas complexo. Está bem? Então, uma mãe e um filhote de baleia
se separam por causa
da poluição e se
unem no final por causa
da equipe de resgate E para iniciantes
e prazos apertados, a primeira
história funciona melhor, ok? Em seguida, passamos para a parte final, que é a etapa quatro, que é o esboço, ok? Então, use palavras-chave para esboçar ideias
aproximadas, ok? Eles não precisam ter uma boa
aparência. Apenas claro. Essa etapa é para clareza,
não para perfeccionismo. Está bem? E se desenhar
não é seu ponto forte, você pode usar referências. Vamos abordar as
referências nos capítulos posteriores,
ou você pode usar a IA para isso,
especialmente em títulos curtos.
Acho que especialmente em títulos curtos você deveria confiar na IA. A IA é realmente útil, certo? Mas aqui, o objetivo
não é o perfeccionismo. É a clareza e o ganho desse
impulso que nos ajudarão a executar nosso projeto de uma forma que seja útil e que
possa ser feita a tempo
7. Passo 3: visualização: Visualização,
imaginamos
a aparência da animação final É aqui que exploramos ideias
aproximadas que
posteriormente guiarão o script
e a execução Embora as pessoas geralmente
digam “olhar e sentir”, nós as definiremos
na ordem oposta. Primeiro, a sensação
e depois o olhar. A primeira parte é sentir. Essa é a emoção que você quer que
o público experimente. A principal pergunta
a se fazer é qual emoção eu quero que o
público sinta no final. Depois de responder a isso, sua direção emocional
fica clara. Para este projeto, quero que o
público se sinta esperançoso, gentil, amigável,
gentil e caloroso Agora, uma vez que o sentimento está claro, nós o traduzimos em olhar. Está bem? Então, pergunte a si mesmo
quais cores ,
formas, elementos e texturas comunicam
essas emoções Porque nossas emoções
são calorosas e esperançosas, definir o look
se torna muito mais fácil Você pode até colar
sua lista de emoções no ChagPD ou no Gemini e
perguntar qual cor, quais formas, quais elementos e qual textura representa
essas emoções Quando se trata de cores, geralmente
você obtém cores
quentes, como
amarelo ou laranja, e essa se torna nossa
cor principal para o projeto. Agora, depois que a cor é escolhida, ela permanece consistente
durante todo o projeto. Por exemplo, se o e for laranja, ele permanecerá laranja
durante todo o projeto. Somente o brilho ou a escuridão podem mudar
dependendo do humor. Não vou me aprofundar na teoria das
cores aqui. Porque já temos um curso
inteiro dedicado a isso. A questão é simplesmente essa você precisa de uma paleta de cores Para criar uma paleta de cores,
você precisa, antes de tudo, escolher a sensação
de esperança,
suave, amigável,
gentil e Depois, você pode perguntar a Gemini ou Cha GPT quais
cores combinam E pegue a cor
primária sugerida e acesse qualquer
site de harmonia de cores, como adote um refrigerador e use a roda de cores e
diferentes harmonias em torno da cor primária para
criar sua paleta de cores Novamente, a cor é um tópico profundo, então vamos simplificar aqui. Então, as formas também carregam emoção. Como a emoção central
aqui é a esperança, usamos formas arredondadas Isso já foi
estabelecido no esboço, então não há necessidade de
pensar demais Outra coisa que você deve adicionar aqui são suas
preferências pessoais. Esse é o seu projeto. Portanto, suas preferências são importantes. Para mim, isso inclui cores
como amarelo e azul. Eles são minha textura de ruído de
cor favorita, sombras coloridas, meio tom, que é o meu favorito pessoal, e eu o incluo em cada
projeto que posso, ok? Mesmo que essas escolhas
não sejam perfeitamente lógicas, elas refletem quem eu sou. E isso é importante para mim. E eu quero que você se
lembre do mesmo. Seu estilo importa,
você importa, ok? Agora, mantivemos as
referências durando intensamente. As referências vêm
depois. Não forçado. A maioria das pessoas começa
com referências, e é aí que elas erram. Se você confiar nas
referências muito cedo, acabará copiando
em vez de criar. Quando você tiver clareza
sobre emoções, cores, formas e texturas, saberá exatamente quais referências aceitar
e quais rejeitar. Seja fiel a si mesmo, mesmo que isso signifique
rejeitar estilos que pareçam legais, mas que não
combinem com quem você é Finalmente, definimos os elementos. Neste projeto,
já temos a baleia, garrafa e a onda Também podemos adicionar sol, pranchas, lixo ou barcos Os elementos vêm de
uma simples pergunta sobre quais objetos se relacionam com o
projeto e o assunto. Está bem?
Liste-os e pronto. Portanto, a visualização consiste em definir
claramente as emoções, cores, formas,
texturas e Basicamente, estamos
visualizando como seria nosso projeto final ou
vídeo final Uma vez que elas estejam claras, todo o resto se torna mais fácil.
8. Passo 4: Exploração: A etapa é a exploração.
Na exploração, buscaremos inspiração
com base em nossas necessidades. Depois de encontrá-lo, nós
o usamos para criar uma estratégia que nos ajude a
concluir o projeto no prazo. Essas são as referências
que eu coletei. Agora, as referências são importantes, mas você precisa ter cuidado
para não se perder nelas,
porque é muito atraente
olhar as referências e rolar em vez de
trabalhar no seu projeto. Está bem? A maioria das pessoas passa muito tempo
coletando referências
e, no final, seu trabalho começa a se parecer
exatamente com o que elas coletam. Não usamos referências para copiar, nós as usamos como inspiração. Se você simplesmente
recriar referências, estará enganando os clientes, mas também
enganando a si mesmo, e isso é algo que
deve evitar Encontrar referências não
precisa ser profundo ou complicado. É por isso que essa parte
é extremamente curta. A única regra a ser lembrada é uma referência útil deve
apoiar seu conceito. Uma abordagem simples é pegar tudo o que
fizemos até agora, a breve
conceituação
e visualização
do cliente e, em seguida, colá-lo no chat GPT ou
Gemini e pedir que ele extraia palavras-chave úteis para suas Depois de ter palavras-chave claras, fácil
encontrar as
referências certas. O maior erro
que as pessoas cometem é gastar muito
tempo com referências. Eles se perdem e depois
lutam durante a execução. Isso acontece porque eles
confiam demais em referências e não em suas próprias habilidades e não em seu próprio pensamento. Sempre confie primeiro em seu pensamento
e em sua habilidade. Referências são apenas referências. Além disso, não espere encontrar referências que
correspondam perfeitamente à sua animação final. Se seu projeto tiver várias
cenas, isso não é realista. E se você encontrar
as combinações perfeitas,
bem, você está lidando com isso,
e não queremos isso O objetivo é criar algo honesto e verdadeiro para si mesmo. Não precisa ser
totalmente original, mas
precisa ser autêntico. Os iniciantes geralmente copiam referências, e isso é
compreensível Eles não têm a orientação. Eles imitam profissionais para aprender, mas agora você tem um jeito Então você não precisa fazer isso. Você tem um
processo claro para pensar. Você sabe como pensar, como
planejar e como decidir. Então, naturalmente, o tempo que você gasta em referências diminuirá, e é exatamente assim que acontece
9. Passo 5: estratégia: A próxima etapa é a estratégia. A maioria dos animadores e a maioria dos cursos não falam sobre estratégia,
mas é essencial Portanto, a estratégia é um plano claro para concluir o projeto a
tempo, sem esgotamento Sem estratégia, uma dessas
três coisas acontecerá. Primeiro, você pode se
esgotar ou, segundo, o cliente solicita revisões para as quais
você não estava pronto
e, terceiro, você
perdeu o prazo Bem, todos os três prejudicam sua
saúde, confiança e renda. Sem estratégias, o
projeto parece opressor. Você não sabe por onde
começar, então congela. Com a estratégia, tudo
fica claro e gerenciável. Estratégia é a
diferença entre terminar um projeto
e abandoná-lo Profissional que entrega e iniciante que nunca começa Está bem? Portanto, a estratégia é crucial. Primeiro, defina o escopo, decida a duração da animação, número de cenas, o que é essencial e o que
pode ser simplificado. Aqui, você pode se perguntar quanto tempo durará a animação. Quantas cenas ele terá? Quais momentos são
cruciais e quais podem ser simplificados. Agora, lembre-se de que, se
você é iniciante, não precisa
responder a cada uma delas. Agora, se você se sentir
preso em algum lugar, pode simplesmente seguir em frente e
pular essa pergunta. Está bem? Você ainda não precisa de todas
as respostas. Então, para este projeto, o vídeo terá de 20 a 25 segundos. Ele terá de quatro
a cinco cenas, e isso evita que o projeto
saia do controle. Número dois, decida a abordagem. Escolha o estilo que
se encaixa no prazo, ok? Pergunte a si mesmo qual estilo é realmente possível
dentro do prazo Está bem? Então, aqui a
abordagem será plana, simples, arredondada, mínima. Isso é realista e viável. Número três, decida as ferramentas. Pergunte a si mesmo quais
ferramentas me ajudarão a avançar rapidamente e quais ferramentas
precisarei para este projeto. Então, aqui vou precisar de
After Effects, Illustrator, AI, para que a IA reduza o atrito
e acelere as coisas Se você não quiser entrar no Illustrator e
separar as coisas, você pode usar a IA, ok? Isso realmente facilita as coisas. Número quatro, decida os detalhes da
cena, ok? Agora, isso é reprodução. Estamos em fase de pré-produção,
não é perfeccionismo, ok? Então lembre-se disso. Portanto, as cenas
serão simples e limpas. Apenas detalhe o suficiente para
mostrar emoções e mudanças. Número cinco, escolha a técnica. Pergunte quais técnicas de animação são realistas para
meu nível de habilidade. Se você for um iniciante completo, isso parecerá desafiador
e isso é normal Depois de examinar
seu storyboard, você entenderá o que
precisa ser animado A partir daí, você pode
identificar quais habilidades e tutoriais serão necessários
para concluir o projeto Você pode responder a essa
pergunta mais tarde. Para este projeto,
precisarei de animação mais nítida, animação básica de posição e
escala e loops de onda simples propósito, não quero
ondas normais, quero ondas que pareçam ricas,
quase como aquarela A animação em si
é fácil para mim, mas fazer com que pareça
boa é a parte mais difícil. Portanto, observo claramente que preciso
aprender ou pesquisar looks ondulados no
estilo aquarela Número seis, divida-o em etapas. Agora vamos detalhar tudo. Então, aqui, pergunte a si mesmo quais etapas eu preciso seguir para concluir
este projeto no prazo. Está bem? Então, primeiro,
criarei ativos, depois prepararei cenas
no After Effects ou no Illustrator Em seguida, vou animar os elementos
principais primeiro. Por exemplo, ondas,
sol, movimento da água. Esses elementos permanecem consistentes em toda a animação. Então, se eu os animar uma vez, posso usá-los em qualquer lugar. Somente cores ou
expressões mudarão. Em seguida, concentro-me na animação da
história principal da baleia. A garrafa é especialmente
importante aqui. Ele atua como o recipiente
para toda a história. Depois disso, temos
transições que aprimoram, fazem as coisas parecerem
boas e, sim, fazer com que as coisas pareçam
boas é muito importante Está bem? Se a animação é
ótima, mas parece ruim, os clientes sentem
que algo está faltando. Se a animação é média, mas parece incrível, os clientes
geralmente não percebem. Não estou pedindo que você
engane clientes. Estou lhe dizendo que o
polimento visual é poderoso. Está bem? E a etapa final é
renderizar e revisar. Agora, a partir dessa etapa,
criaremos um cronograma
para o nosso projeto, ok? Um cronograma simples Então, o primeiro dia será a pré-produção e a criação de cenários. Os dias dois a quatro
serão de animação. O quinto dia será o
polimento ou a animação final, sexto
dia será renderização e revisão e sétimo dia será a entrega final Agora, a pré-produção
é a base. Se você pular,
tudo entrará em colapso. É como a base
da casa. Se você pular a fundação
da casa mais cedo ou mais tarde, tijolos cairão sobre sua cabeça Então temos o número oito, que é definir suas
prioridades. Pergunte a si mesmo: o que eu
preciso priorizar para terminar a Ok, então, para terminar a tempo, mantenha a história simples. Concentre-se nas cenas principais, reutilize elementos e animações o
máximo que puder, termine
primeiro as animações aproximadas e evite o perfeccionismo As emoções importam
mais do que os detalhes. Então, se você errar, certifique-se de que a emoção e o cerne da cena
estejam no lugar certo Finalmente, as
animações que as pessoas
lembram não são as mais
complexas, ok? Foram eles que os
fizeram sentir alguma coisa. Se seu público
sentir algo, se lembrará disso,
mesmo que não seja perfeito Mas para executar isso,
você precisa de uma estratégia. Está bem?
10. Etapa 6: história, script e VO: Então, o roteiro ou a história, seja o que for que
você esteja fazendo, seja um vídeo
animado ou
um vídeo explicativo ou até mesmo um presente, seja como
for que você diga, o roteiro e a história são
o coração da Se você quiser fazer algo memorável,
precisa se lembrar disso. Os humanos são e
sempre serão movidos por histórias, não importa o quão avançadas as tecnologias se
tornem, ok? Mesmo que
haja um momento em que humanos e IA sejam
sincronizados em um mesmo corpo, ainda
seremos
inspirados por histórias Se você não puder contar
histórias que emocionem as pessoas, seus
vídeos animados não terão impacto. Você pode criar algo
visualmente impressionante, mas as pessoas esquecem vídeos visualmente
impressionantes o tempo todo. O que eles não
esquecem são histórias, histórias que movem seus corações. Isso é algo que você
deve sempre lembrar quando estiver dentro da animação do
After Effects Agora, existem dois
tipos de scripts, e esses são os dois
componentes aqui. Está bem? Então, a primeira é quando você está criando um vídeo explicativo, a
segunda é quando você está criando um vídeo baseado em uma
história como o que estamos
trabalhando aqui Está bem? Então, vamos
explicar primeiro os scripts de vídeos explicativos Portanto, um roteiro de vídeo explicativo é componente
essencial
que determina o resultado final do É a planta que os
designers usam para criar e animar
personagens e ambientes E os roteiros explicativos são escritos
principalmente para
a narração Está bem? Então você grava primeiro
a voz e depois anima
com base no roteiro
e, a partir do roteiro,
cria o storyboard Agora, os vídeos baseados em histórias
também contam histórias, mas há uma diferença fundamental Nos vídeos explicativos,
você tem a narração, o
que lhe dá muito controle
sobre que lhe dá muito controle o ritmo, a clareza e a emoção Vídeos baseados em histórias
como este
, sem narração. Isso significa dobrar o desafio. Isso significa que a história
em si precisa ser forte o suficiente para comunicar
tudo com certeza. Você precisa ser muito mais intencional sobre
como a história flui, como os visuais são o que os
personagens estão fazendo, certo? Agora, vamos ver como
escrever a história, ok? Então, para contar uma história, você precisa de
uma estrutura muito popular usada
na maioria dos filmes de sucesso. É chamada de estrutura de
três X. Então, o primeiro ato mostra o problema. segundo ato mostra como o problema está sendo
tratado ou desafiado. O ato três mostra a resolução. Ok, então, por exemplo,
em vídeos explicativos, primeiro
ato apresenta o conflito, personagem e
a
situação em que o personagem se encontra segundo ato mostra os
obstáculos, as complicações e também mostra os
produtos dos clientes como uma solução. E o Ato Três fornece
a resolução sobre como os produtos do cliente
resolvem seu problema. Vamos passar por
isso em apenas um segundo. Está bem? Agora, essa
estrutura é extremamente útil ao escrever
explantc Aqui está como realmente usá-lo. Você literalmente começa
escrevendo o Ato 1, Ato
2, Ato 3. Está bem? No primeiro ato,
qual é o problema? O segundo ato é: como o produto ou
serviço do cliente resolve o problema? Terceiro ato: por que o espectador deveria escolher o cliente em vez de
qualquer outra pessoa? É isso mesmo. Está bem? Agora, vamos aplicar essa estrutura ao
nosso projeto, ok? Então, começamos com o antes de introduzirmos
o conflito. Aumentamos lentamente a
escala do conflito de
uma forma emocionalmente
dolorosa para o público Primeiro, mostramos a baleia
cercada por plástico. Em seguida, mostramos a baleia morta
com ainda mais plástico, e o sol está triste Agora, esse é o ponto mais baixo
emocional. É aqui que
apresentamos a solução. A solução é o
serviço do cliente limpando o oceano. Mostramos o oceano sendo limpo. E no final, a
baleia está feliz, o sol está feliz, o
pássaro está voando e o oceano é
lindo, está limpo Está bem? E, finalmente,
terminamos com o logotipo do cliente. Então essa é a história, certo? Agora, aqui está
algo importante. A estrutura é importante, especialmente se você for
iniciante. Siga-o. Está tudo bem. Estruturas como a estrutura de
três X. E há muitas
estruturas de contar histórias, não apenas três
estruturas X, ok? Mas mais importante do que a
estrutura é a intuição. Nem todo bom filme
segue uma estrutura de stream. Você não precisa
copiar uma fórmula. O que importa é isso? Seus personagens devem
passar por algo significativo. Deve haver uma
transformação
clara no personagem
ou no mundo. E a história deve fazer o
público sentir alguma coisa. Nem sempre
precisa deixar uma impressão profunda e
duradoura, mas deve criar essa conexão
emocional, certo? Se o público sentir alguma coisa, você já venceu, independentemente seguir a estrutura do TX
perfeitamente ou não. Essa é a
coisa mais importante a ser lembrada. Certo? Então, se você estiver trabalhando
em um vídeo explicativo, esse é o estágio em que você
escreve o roteiro inteiro Depois de escrito,
você o envia ao seu cliente para receber feedback
após a aprovação, grava a narração e depois avança
para a produção. É por isso que essa fase
é tão importante. É por isso que
roteirizar e contar
histórias estão no centro do processo de
produção E isso é tudo para
a narrativa, o roteiro e a
11. Importância do caderno de esboço: Estamos no After Effects, e a primeira coisa
que quero explicar é a
importância dos esboços Deixe-me
explicar rapidamente meus esboços, que não acho os melhores de todos,
e tudo bem Está bem? A razão pela qual
desenhamos não é para mostrar às outras pessoas o quanto somos
bons, porque, bem,
dá para ver o quão bom eu sou, mas para superar esse medo de criar
coisas ruins, coisas feias Quando você começa a desenhar e
não é um especialista, o que acontece é que você
provavelmente se sentirá desconfortável. Por quê? Porque o mundo
quer que sejamos perfeitos. E bem,
não somos nada perfeitos. Então, o que você acabará fazendo serão coisas
que não são perfeitas. E isso vai acionar você. Então, quando isso aciona você, o que você precisa fazer é
sentar com ela, ok, e desenhar,
mesmo que pareça E então, por exemplo, este
é do meu diário pessoal. Então, basicamente, eu
queria desenvolver o hábito de dormir na hora certa
e acordar na hora certa E então eu desenho isso
naquela ocasião, ok. E então você pode fazer
muitas coisas. Mas o que você
precisa lembrar é que desenhar o
deixará desconfortável Os hábitos que o
deixam desconfortável no momento, mas você sabe que algum dia
serão úteis, são os hábitos que você deve
desenvolver o mais rápido possível Está bem? E é
por isso que desenvolvi esse hábito de dormir na
hora certa e acordar na hora certa Essa é a primeira coisa,
e outro hábito que desenvolvi foi desenhar, ok? E deixe-me te mostrar outra
coisa. Está bem? Bem, eu estava tentando fazer um dos meus
personagens favoritos, ok. Mas, infelizmente, tenho certeza que você
pode dizer quem é, mas se você não consegue, bem, então eu estava aprendendo em
um curso sobre desenho Ok, isso que você vê é
chamado de linha de ação. Não vou me aprofundar
muito nisso. Esta é outra entrada
do meu diário pessoal. Gosto de esboçar minhas ideias sobre mim mesmo do que isso é de
um diário meu mais antigo Ok, então isso é
basicamente uma capa, e como você pode ver,
está enferrujada aqui, viu Está enferrujado e é muito
velho, bem, mas eu gostei. Então isso é uma nuvem. Não sei por que
é pequeno aqui, mas bem, é uma nuvem e tem esse
balanço e é fofo Então temos esse cacto, ok? Este é meu favorito
pessoal. Não encontrei maneiras de
animar isso. Bem, mas se você
puder, bem, vá em frente. Está bem? E, finalmente, esse. Então isso inspirou isso. Está bem? E esse esboço foi apenas um pensamento
aleatório que tive. E antes de desenhar, encontrei
inspirações no Pinterest e depois pensei: por que Então eu desenhei isso
provavelmente anos atrás, e então foi útil
para este projeto Está bem? Portanto, este caderno de esboços, mantendo esse caderno de esboços,
será
útil às vezes que você nem mesmo
12. Passo 7: storyboard, quadros de estilo e animatics: Storyboard,
molduras de estilo e animações. Um storyboard é uma
representação do que vai acontecer,
mas é difícil O storyboard é um movimento
de planejamento. Não é desenhar arte. Então, como desenhamos um storyboard? Então, começamos dividindo o
roteiro em batidas, ok? Portanto, uma batida é igual a uma
ideia ou ação clara na história, e você desenha as
batidas mais importantes, Está bem? Molduras de estilo.
As molduras de estilo são uma representação visual simples da aparência da
animação final. Está bem? Pense nisso como uma
captura de tela do vídeo final, mas fazemos essa captura de tela
antes Então, também um aviso aqui. Não use IA para gerar molduras de
estilo, porque se os clientes aprovarem
e você não conseguir criar a mesma aparência no After Effects, seu cliente se sentirá enganado e deixará uma
má reputação para Ok, então é isso para
as molduras de estilo. Então temos animatic. Está bem? Então, uma animação é
seu storyboard mais sua voz
transformada em um vídeo aproximado, ok Portanto, mostra o tempo, o ritmo e o fluxo antes da animação
final Então, a animação é crucial para vídeos
explicativos, ok, porque permite que você defina o tempo,
o ritmo
e a clareza antes que uma
animação cara comece, e a clareza antes que uma
animação cara comece Animatic é o local ou hora em que você
perceberá qual storyboard ou quais batidas precisam mais tempo e quais miçangas
podem Está bem? Portanto, as animações são usadas
principalmente para filmes, mas também podem ser
usadas para vídeos explicativos. clareza dos vídeos explicativos é muito, muito importante, ok? Então, aqui estão as coisas
que a animação mostra, ok? Então, o animatic mostrará se sua mensagem
está funcionando ou não Ele vai te mostrar
se algumas cenas são muito rápidas, muito lentas, ok? E também mostrará
se seus visuais estão realmente apoiando a
narração ou não Então, o objetivo da animação é testar antes de tentarmos, ok? Portanto, se a animação parecer
chata ou confusa, a animação final não a
resolverá Será apenas um problema
polido, ok? Então, deixe-me dar
ferramentas para isso. Ok, então você pode desenhar
storyboards em seu papel. Está bem? Para molduras de estilo, o que normalmente usamos
é o adobillustrator Está bem? Mas se você não
gosta muito do adobillustrator, pode usar o
After Mas vou repetir que
não use IA para molduras de estilo ,
pois isso causará problemas porque
talvez você não consiga
criar coisas, ok. Então, se você tem certeza de que pode criar todos esses efeitos,
vá em frente. Está bem? Mas se você não puder e
for iniciante, não vá para o AIA Está bem? tudo o que você precisa fazer é simplesmente
precisar de um editor de vídeo, importar sua narração
, importar seus storyboards e alinhar o storyboard com
sua narração renderizá-lo e
vê-lo em
tela cheia e você verá se tela cheia e você verá E para animatic,
tudo o que você precisa fazer é simplesmente
precisar de um editor de vídeo,
importar sua narração
, importar seus storyboards e
alinhar o storyboard com
sua narração,
renderizá-lo e
vê-lo em
tela cheia e você verá se está funcionando ou não. Está bem? Essas três etapas são
realmente cruciais. Ok, você não precisa seguir
as etapas animadas o tempo todo Mas se você está cobrando caro e tem uma pessoa
contratada, bem, acho que você deveria fazer animação porque a maioria dos
filmes animados usa isso Está bem? Muitos grandes estúdios usam isso e não dão
nem um único passo até obterem a animação
13. Etapa 8: criação de ativos: Entramos na animação, a parte final da produção que precisamos é de alguns ativos. Está bem? Portanto, a
criação de ativos é a fase em
que criamos tudo o que será necessário
na animação. Não sei por que continuo apontando meus dedos na tela. Sei que não estou
usando câmeras aqui, mas desenvolvi
esse hábito estranho De qualquer forma. Ok, então vamos
passar para a criação de ativos. Deixe-me mudar isso
para tela cheia, ok? Então, primeiro, essa baleia é
muito fofa. Eu gosto disso. Está bem? Então essa baleia
é gerada por IA Isso também é gerado pela IA. Está bem? Então, vamos
usar os dois, então eu usei esse barco,
mas esse barco não é gerado por IA. É um vetor. Eu obtive esse vetor da
Internet e vou usá-lo também porque tentei
usar um barco gerado por IA. Mas o que eu queria é
que isso também mude. Além disso, você precisa perguntar aos seus clientes se
eles concordam com o conteúdo gerado por IA
em seus vídeos ou não. Como muitos clientes
não são porque isso é novo, as pessoas já
se sentem desconfortáveis com a IA, ok. isso, pedimos aos clientes de antemão que não vamos
usar o vídeo gerado por IA, vamos
criar o vídeo, mas podemos usar o
conteúdo gerado no vídeo Por exemplo, isso
é gerado por IA, mas será animado
no After Effects. Isso é muito fácil. Imagine criar isso no Illustrator. Vai
levar tempo, certo? E então você tem que perguntar a eles, você tem que ser claro sobre isso. Está bem? E isso é tudo
para a criação de ativos. A próxima etapa é
sua parte favorita, que é animação.
14. Passo 9: animação B: Lição, quero
mostrar como dividir uma história em batidas claras antes de
começar a animação Está bem? Portanto, este projeto, embora eu o tenha mantido
intencionalmente muito simples, para que eu possa explicá-lo com mais
detalhes para os iniciantes Portanto, há apenas
quatro batidas aqui. Um, dois, três e quatro. Ok, esses são os quatro
bits desse storyboard. Está bem? Agora, simples nem
sempre significa necessariamente fácil. A execução só se torna fácil
quando você está pensando com clareza. Se você não está pensando com clareza, se seu pensamento é confuso, seu projeto
refletirá essa bagunça, Portanto, certifique-se de que você
está pensando corretamente. Você está calmo consigo mesmo. Você não está ansioso com isso. Ok, é só um
vídeo estúpido. Você pode fazer isso. OK. Então, vamos entender o Beats in Motion
Design muito rapidamente, ok? Então, como eu
já mencionei nas palestras anteriores,
uma cena é igual a uma ideia
e isso é igual a uma e isso é igual Está bem? Então, um beat in
motion design é um momento importante
na história, ok? Então, um momento em que algo
significativo acontece. Se algo não é importante, não
fazemos isso, ok? É por isso que, quando eu
desenhei o storyboard, que não incluí,
deixe-me voltar Está bem? Então, eu não incluí
esse texto antes e depois, porque eles não são
importantes, certo? E é por isso que eles não
estão incluídos. É por isso que, ao
criar um storyboard, você deve desenhar apenas os elementos
mais importantes,
não tudo Agora, por que você não mostra
tudo no storyboard? Por exemplo, se eu for,
já estou na competição
aleatória, certo E você notará que
alguns elementos aparecem mais tarde. Por exemplo, não
temos isso, o estande. Ok, o suporte está aqui, certo, então temos a cor ou o
ruído na parte inferior, certo? Portanto, há muitas coisas
que aparecem mais tarde. Eles não são desenhados
no storyboard, mas aparecem depois que tomamos as
decisões, certo? E está tudo bem. Você precisa ser
flexível para isso, mas lembre-se de
que, durante o storyboard, eles não são cruciais para
a história no momento Você está fazendo um storyboard
para mostrar uma história, o roteiro e a mensagem Portanto, se você pular a pré-produção, nunca terá a clareza de que estou
falando agora Portanto, a pré-produção
é realmente crucial. A reprodução é
basicamente o cerne do seu design de movimento
e animação. Está bem? Se você não
fizer a pré-produção, você não tem ou não
terá uma história clara, terá um storyboard
forte
e não receberá uma
boa animação
em troca, receberá uma
boa animação porque embora
sua história seja uma porcaria, seu conceito seja péssimo, seu
vídeo será uma porcaria Está bem? E sem a pré-produção, a animação se tornará uma suposição Portanto, certifique-se de entender os capítulos de pré-produção mais uma vez, caso não tenha porque eles são muito,
muito importantes Está bem? Agora,
muitas pessoas acreditam que só porque você
conhece o After Effects, você será um bom designer de
movimento. Bem, deixe-me dizer uma coisa
que é uma dura verdade. Se você não conseguir criar conceitos
fortes, ótimas histórias, suas habilidades de animação
não importarão, ok? Porque não há nenhuma
história para apoiá-los. Está bem? Como você fará com que
seu público se importe com o personagem se você não tiver um ótimo
personagem, certo? Então, vamos voltar às batidas
e aos nossos storyboards. Então, cada batida responde a uma pergunta. Por exemplo, deixe-me
ir para a cena um. E então a questão é: qual é o
estado emocional atual deste mundo, ok? E cada batida ou cada cena
aqui responde a essa pergunta. Por exemplo, veja como
tudo está tão claro. Por exemplo, o sol parece
triste, o pássaro está voando, a baleia está
cercada por plástico, não está muito feliz. Está bem? Então, tudo o que você precisa fazer é
fazer uma pergunta a si mesmo. Certo, por exemplo, a
baleia está sofrendo, o corpo está se alimentando dela O plástico aumentou
tremendamente o ponto de dor emocional passou para um
nível diferente, se você pensar bem O sol está mais triste do
que costumava ser, viu? Aqui, é como, Bem, está
tudo bem, certo? Mas aqui, o sol entende as consequências
de mais plásticos, e o sol basicamente
perdeu seu amigo aqui, certo? E é isso que está
acontecendo aqui, ok? Então você precisa entender que precisa
traduzir suas emoções,
sua história em batidas e depois traduzi-las
em animação Agora, vamos para a cena
um. Onde está a cena um? Então, eu vou
voltar para a cena um. Vou esconder isso por enquanto. Vou esconder isso por enquanto. Não precisamos mais deles. Não vou
explicar nada relacionado à animação. No momento, estou apenas
ensinando você a pensar como
profissional, certo? Então, aqui, a pergunta: qual é o estado emocional atual
deste mundo será
respondida por meio de cores. Através de expressões,
através da composição, através de elementos, elementos
diferentes. Por exemplo,
um elemento que você vê é a cor das ondas aqui. Tem essa
textura aqui, certo? Veja, está bem? E isso
basicamente reflete o clima do que estamos tentando dizer
ao público, certo? E agora vamos comparar a
cena um com a cena dois, ok? Então, bem, a cena dois é extremamente escura e, portanto, a cor também
fica mais escura, ok Veja aqui, esta é suave Mas esse é extremo, ok? E isso reflete no humor. Isso cria um clima. Agora, ambas as cenas, se você olhar de perto, cena um e cena dois, ambas as cenas são
duplicatas, ok? Mas o humor, a emoção e as mensagens são completamente
diferentes. OK. E esse é o poder das batidas, esse é o poder do storyboard, esse é o poder da
cor e da composição Agora, você não precisa de
novos ativos todas as vezes. Você só precisa de uma intenção clara
e um pensamento claro. Se você não consegue pensar com clareza, seu produto
refletirá seu pensamento. Tudo reflete nosso
pensamento, infelizmente. E então você tem que ser claro com o que
quer que esteja pensando. Se você não tiver certeza, bem,
seus clientes descobrirão. Está bem? Agora, uma das coisas que
a maioria dos iniciantes
sofrerá ou, sei lá, sofrerá, mas com a qual
terá problemas é o problema da animação
excessiva. Você não precisa de muita animação
para contar ótimas histórias. Você simplesmente não
precisa de animações malucas, ok? Por exemplo, nessas cenas,
nessa cena, a animação
ou a emoção são mínimas. A animação é controlada, nada é exagerado,
exceto essas sacolas plásticas, mas elas são exageradas
apenas para mostrar
a importância e as consequências
das ações humanas Como o ritmo aqui é claro, animação se torna
favorável, não distrativa Agora, tudo que
eu tenho que fazer é olhar para
isso e descobrir como eu vou animar isso E isso vem de uma ótima história, um ótimo conceito, enfim,
uma ótima reprodução. Está bem? Agora, a principal conclusão deste capítulo é que você precisa decidir primeiro
as batidas, certificando-se de que cada batida
comunique Claramente, você não precisa
dar dois passos ao mesmo tempo, dar um único passo de cada vez. Ok, então comece a animar. Está bem? Além disso, o pensamento
refletirá em sua composição. Se seu pensamento for confuso, isso se refletirá em
sua animação Vou refletir em sua
composição, ok. Portanto, certifique-se de que seu
pensamento seja bom. Você é legal. Está bem? Você merece coisas
boas em sua vida. Está bem? E então você também merece
fazer boas animações. Está bem? Então é isso
para este capítulo. E, a propósito,
animação forte. Eu tenho que dizer isso. Está bem? Portanto, uma animação forte começa antes mesmo de você
abrir o After Effects. Tudo começa com clareza. Está bem? Portanto, certifique-se de
se lembrar dessa citação, e nos vemos
na próxima palestra.
15. Passo 9: animação C: Nesta lição,
quero mostrar como decidir o que deve se mover
e o que deve ficar parado dentro ou visto, porque
quando você pensa nisso, você pode pensar: Ok,
então vou fazer essas sacolas plásticas se moverem. Eu também vou
fazer a baleia flutuar. Vou fazer esse
pássaro fazer alguma coisa. Eu vou animar o sol. Eu posso até animar
a garrafa como se estivesse girando com as ondas,
e isso poderia estragar isso E é aqui que
os iniciantes erram. Eles animam ou
querem animar tudo, já que estão
aprendendo esse software incrível, e agora querem usar
suas habilidades para mostrar às
pessoas o quão boas elas são Certo? E quando tudo se move, nada parece importante. OK, então você tem que ser
intencional com isso também. Está bem? Portanto, antes de qualquer coisa
no After Effects, pergunte a si mesmo ou, enquanto estiver lendo
seu storyboard, faça a si mesmo uma pergunta Está bem? Então, o que essa
cena está tentando dizer? A resposta decide o que se move, o que fica parado e
quanto movimento é necessário. Além disso, devo
dizer
que o movimento não é uma decoração. O movimento precisa
apoiar sua história. Tem que suportar a batida
que você está tentando contar. Depois que a cena estiver pronta, tudo o que você precisa fazer é
escolher um ponto focal, ok? Portanto, cada cena deve
ter um foco principal. Por exemplo,
nesta segunda batida, eu vou para a cena dois. Aqui, o ponto focal
dessa cena é um
personagem que está sofrendo e o pássaro que está basicamente
comendo a baleia, embora não seja tão sangrento,
mas bem, está implícito, certo Quando o ponto focal está claro, todo o resto
se torna secundário. Se várias coisas
competem pela atenção, a cena parece barulhenta É por isso que o excesso de animação é uma coisa ruim para sua carreira. Movimento
primário versus movimento secundário. Está bem? Então, o que é isso? Então, o movimento primário
é o movimento que sustenta
diretamente sua batida, ok? E o movimento secundário apoia
o clima da cena. Por exemplo, a baleia aqui
é o movimento principal. Agora, as ondas aqui e expressões tristes
desse sol
são o movimento secundário. O movimento secundário deve
apoiar a emoção primária. Por exemplo, se a baleia
estivesse aqui sofrendo e o sol estivesse sorrindo e
o oceano estivesse claro, bem, a mensagem teria
algo extremamente diferente e teria
sido
mais perturbadora do que o sangue, certo, ok E teria
sido uma escolha horrível. Portanto, o movimento secundário
deve ser sutil. O trabalho é acrescentar vida, e seu trabalho não é roubar
a atenção, certo? Por exemplo, se o
pássaro não estava aqui, viu? Está bem? Se o pássaro não estivesse aqui, sol teria sido
o ponto focal, mas não queremos isso. E para criar a baleia
como nosso personagem principal, tivemos que adicionar Segel
o ou esse pássaro, e tivemos que adicionar
isso para que pudéssemos fazer com que nosso público se concentrasse nisso,
porque na maior parte da cena,
tudo que você vê é um pássaro voando
na mesma posição, ok Então, quando o
público vê isso, eles pensam que, ok, essa é uma parte normal
deste mundo, ok? Mas quando você vê o mesmo
pássaro que já voou, odiando o brilho
da baleia, você
fica chocado com E eles garantirão
que a baleia seja o
principal ponto focal Agora, você não precisa de animações
complexas. Boas cenas não precisam de animações
complexas. Na maioria das vezes,
pequenas mudanças de posição,
pequenas mudanças de escala e compensações de
tempo são
mais do que suficientes A animação mais complicada, se você me perguntar, é a
animação das ondas. OK. Além disso,
tudo é muito simples. Eu não usei nenhum
plug-in para isso porque esse projeto é
muito, muito simples. Então, quando você anima demais
e quando tudo se move, a história fica obscura Está bem? O espectador não
sabe para onde olhar, a animação parece de
iniciante, certo? Então, aqui estão as principais
conclusões disso. Então, decida a batida primeiro, escolha um ponto focal,
anime com intenção Está bem? Um bom design de movimento
não tem a ver com mais movimento, mas com o movimento certo.
16. Passo 9: animação D: Lição, quero falar sobre tempo, ritmo e transição É aqui que a animação
começa a parecer profissional, mesmo que o movimento em si
seja muito simples Então, vamos entender
a diferença entre tempo e ritmo. Então, o tempo é quanto tempo
algo leva para acontecer, e o ritmo é como os momentos são
organizados ao longo do tempo, ok? Assim, você pode ter uma boa
animação com um ritmo ruim. E é por isso que você pode ter visto aquelas animações
que parecem chatas, mesmo que você
perceba que elas são animadas muito,
muito bem, ok? Então, o ritmo é
realmente crucial se
você quiser manter seu público envolvido
ao longo do tempo Está bem? Então, como
você decide o momento? Portanto, o tempo não é
decidido aleatoriamente. Aqui é o ponto em que entra o
animatic, ok? Portanto, o animatic é
usado principalmente para cronometrar. Por exemplo, se
você criou vídeos
explicativos animados
a partir do storyboard, além
da narração, a animação dirá
quando você precisa diminuir a velocidade,
quando precisa acelerar, qual parte da animação precisa ser executada e qual parte da
animação precisa de mais tempo,
ok Se o momento for
importante, reserve um tempo. Se for apenas conectar
ideias, não, seja breve. Esse é todo o princípio
por trás disso, certo? Vamos falar sobre
transições, ok? Portanto, as transições são
realmente cruciais. OK. As transições
também não são decorações Por exemplo, em alguns
dos meus outros vídeos, o que eu fiz foi criar algumas
transições avançadas,
por exemplo, elas são
cortadas em fósforo ou podem
ser outra coisa Mas aqui, eles são
muito, muito simples. E a razão pela qual eles
são simples é porque a transição não
depende da minha habilidade. A transição
depende da história, ok? Então, se a história
precisa de uma transição, é complexa, você cria uma
transição que é complexa. Se uma história exige uma transição
simples, você mantém uma transição simples. O que a maioria dos iniciantes faz é ver suas habilidades e depois criar
as animações. Isso não é algo
que você deva fazer. O que você deve fazer é
ver a história e perguntar o que
essa história exige, ok? Portanto, se ela exige transições
avançadas, e se você não conhece as transições
avançadas, você deve aprendê-la e
depois executá-la Mas se exige transições
simples porque a história é simples, os clientes querem
que seja simples, então tem que ser simples, ok? Portanto, não se concentre em suas habilidades pois elas podem
ser desenvolvidas com o tempo. Concentre-se no que a história exige. Está bem? Portanto, uma boa transição
tem três qualidades principais. A primeira é que ele
guiará os olhos dos espectadores. Isso preparará a
próxima ideia, ok? E manterá o ritmo sem
agredir o público Ao impressionar o
público, quero dizer, às vezes algumas transições
são tão inesperadas que tiram o público
de todo esse vídeo E eles os fazem
perceber que, Ok, eu não estou assistindo a uma história,
estou apenas assistindo a um vídeo. E é desse soco
que eu estou falando, ok? Você não deveria fazer isso. Você não deve ter
transições que não estejam sincronizadas
com a história Se você observar essas camadas, o principal trabalho
desse vídeo foi
nas transições, ok? E então deixe-me te mostrar, ok? Então, aqui, a transição acontece 30 segundos ou alguns quadros antes que as transições
reais aconteçam Está bem? Então, aqui é onde
a transição começa, e aqui a transição começa. OK. Deixe-me
levar isso para o terceiro lugar. OK. E então a
próxima cena aparece. A propósito, os dois têm a mesma
composição. E a razão pela qual isso
é feito é porque isso
prepara o público para a transição.
Ok, e não
precisa parecer um soco Tem que parecer natural, ok? Então, aqui está como fica quando
você vai quadro a quadro, ok? Então isso pode ser
uma pequena falha. Não é uma falha, eu acho. É chamado de
erro de continuidade. Está bem? Então, todo filme tem
esse erro de continuidade. Então, o que deveria
acontecer é que sempre que houver várias cenas
encenadas, por exemplo, digamos que o ator
esteja à direita, mas de alguma forma o ator
agora esteja fazendo outra coisa
na cena diferente E isso é chamado de erro de
continuidade. Basicamente, não há
continuidade em duas cenas. Está bem? Então, isso pode ser chamado de
um pequeno erro de continuidade. Mas como isso é muito rápido, o
público no primeiro
relógio pode não perceber. Está bem? Então, a única coisa que muda aqui é a
localização dos sorrisos, certo? OK. É por isso que as transições
são muito, muito importantes. Eles devem parecer
naturais para o seu mundo. Ok, este é o meu
mundo agora, e essa transição
parece natural porque, A, a cor combina com
o que estou tentando dizer. Exemplo, aqui a cor da
transição era vermelha. E foi porque, bem, você pode ver
o que está acontecendo, certo? Mas aqui, a transição será verde,
e
é verde porque, bem, é
isso que estou dizendo
ao público, certo? E então essas pequenas coisas fazem
uma grande diferença, certo? Agora, uma das coisas que
eu já disse é que você não precisa
exagerar nas transições As transições são muito,
muito legais do ponto
de vista do design de movimento ,
porque às vezes são muito
desafiadoras Mas se a transição for
mais alta do que a cena, e se não acrescentar
nada à história, e ainda for
mais alta do que a cena,
bem, então você está
fazendo isso errado, ok? Então, na maioria das vezes,
pode ser uma simples revelação. Pode ser um corte simples. Pode ser uma simples limpeza
ou algo parecido. Ok, isso também é suficiente. Lembre-se de que a transição
existe para apoiar sua história. Não existe para
mostrar sua habilidade. Este é
realmente, muito crucial. Ok, agora, o momento das transições pode ser confuso para algumas pessoas,
porque se
você é novo, vai
ter dificuldades E abordamos a
transição em diferentes núcleos, então não vou
entrar em muitos detalhes sobre isso, mas para ter uma ótima transição, há algo
que você precisa entender e que se
chama continuidade Então, aqui estão as
principais conclusões disso. Está bem? Então, anime com intenção Em segundo lugar, você precisa controlar o ritmo e o tempo
na composição principal Agora, outra coisa é que suas transições devem
apoiar a história, ok? Não, suas habilidades. Se você não tem uma
habilidade, desenvolva uma habilidade, mas ela deve apoiar
sua história, ok? Portanto, a animação profissional tem a ver com ritmo. Não se
trata de mostrar
17. Etapa 10: projeto de som: O design é muito importante
porque envolve o público. Ele ajuda a fornecer informações,
aumenta o valor da produção Mesmo que seu vídeo seja barato, design de
som pode ajudá-lo a fazer que pareça premium e caro. Isso evoca respostas emocionais. Ele enfatiza o que está
na tela e é usado para
indicar o clima OK. Portanto, há cinco aspectos diferentes do design de som que você
precisa lembrar. Está bem? Então, o primeiro é o ambiente. Portanto, o ambiente é o
som que define o tom e o ambiente
da animação Por exemplo, o som
do vento soprando ou dos pássaros e temos loucura Está bem? Então, foli é usado para
representar o que está sendo visto Por exemplo, os
passos no chão, o som
das
folhas dos arbustos se movendo, certo? Então temos efeitos sonoros. O efeito sonoro é um aspecto
do design de som, certo? Os efeitos
sonoros são aqueles que aprimoram outros sons,
ações ou elementos Por exemplo, o som de rosnado baixo atrás dos arbustos, o som
sutil do
personagem tremendo medo ao se
aproximar Certo? Em seguida, temos a narração Bem, narração é narração,
mas, por exemplo, mas, por exemplo, o narrador misterioso
contando a história, certo Então temos música.
Portanto, a música E ao fundo trabalha
em conjunto com o ambiente e todos os outros aspectos para
definir o tom da história Está bem? Agora, o design de som não
apenas nos conta a história, mas nos teletransporta para
dentro da história É esse fator imersivo que permite que uma animação seja verdadeiramente vivenciada
e que a mensagem seja entregue com um propósito, ok Agora, você não precisa ter todo o aspecto do
design de som com você, certo? Por exemplo, você
não precisa de loucura. Se você estiver fazendo
um vídeo explicativo, às vezes pode
precisar de um
ambiente, mas precisará de efeitos sonoros,
narração ,
narração Está bem? Então, deixe-me explicar rapidamente como
escolher efeitos sonoros. Como escolher a música, certo? Então, eu vou te
dizer rapidamente como fazer isso. Está bem? Portanto, os efeitos
sonoros são bem simples. Tudo o que você faz é
olhar para a tela e ver o que está acontecendo
e se perguntar: como isso soa? Como é esse som
visual? E você terá uma sensação
ou terá uma ideia e simplesmente vá ao Google ou
Chat GBD e pergunte a eles. Certo? Essa é a primeira maneira. E a segunda maneira é
encontrar a música. Por exemplo, em todos os nossos vídeos
explicativos, o que fazemos é
dividir o roteiro inteiro
em três partes o começo, o
meio e o fim Isso é basicamente uma estrutura de três
atos, certo? Então, Ato um, Ato
dois e Ato três. Então, cada ato tem uma sensação
diferente. E com base nesse
sentimento, use a música. Por exemplo, o primeiro ato é triste,
ok, então tocaremos músicas tristes. Ato dois, não é exatamente feliz. O personagem
não está exatamente feliz, mas está indo para algum lugar, certo? Então, podemos adicionar um pouco de motivação, alguma música
motivacional A propósito, só estou dando um
exemplo. Ok, então pode ser alguma música motivacional ou algo que seja um pouco
edificante, Então, no terceiro ato,
vemos o personagem fazendo
uma descoberta, ok? Então, aqui teremos músicas completamente
diferentes, certo? Portanto, divida sua história em três partes ou o que você
achar que é a coisa certa. E então, com base nessas partes, pergunte a si mesmo que
sentimento isso faz ou que sentimento eu quero evocar na platéia durante esse ato Está bem? Então, por exemplo, o primeiro
ato é triste, ok? Então você vai ao Chat
GPT e pergunta, oi, ha GPT, qual é a
melhor música para tristeza E não vá,
existem muitas
leis de direitos autorais para a música, então certifique-se de que você também esteja
ciente disso. Então não entre cegamente nisso e escolha o que quer que
seja, ok? E a melhor plataforma
para fazer isso é o YouTube. OK. O YouTube já criou estúdio com muitos efeitos sonoros
totalmente gratuitos. Eles são livres de direitos autorais. E se você puder, você também pode
comprar a música. Mas, na maioria das vezes,
você pode fazer coisas com o YouTube e agora também pode
gerar músicas com IA. Então, se você não consegue encontrar uma música
que combine com a sensação, ok, você pode criá-la, certo? E isso é tudo para
o design de som, design de
som é minha coisa
favorita, ok? Porque eu passo muito
tempo em design de som. Não sei por que, mas
adoro abordar o
design de som pessoalmente, ok? E é muito divertido, ok? Portanto, certifique-se de que você também
aproveite o processo, o
18. Etapa 11: entrega: Por fim, entregamos o
vídeo para receber feedback. Agora, se os clientes gostarem, nós enviamos para eles
em várias qualidades e às vezes
os enviamos com fatura Por exemplo, digamos
que alguns clientes paguem 50% antes do
início da produção e 50% depois. Então, exigimos os 50% restantes quando o negócio for concluído, certo? Ou se houver
algumas pequenas mudanças, nós mudamos e
terminamos com isso, certo? E a coisa mais importante que
você precisa lembrar é que você precisa pedir referências
aos seus clientes,
porque você
obterá a maioria dos clientes por meio do boca a boca,
não apenas do marketing. E para dizer a verdade, nunca
tivemos nenhum site ou nome de mídia
social, nada. Está bem? Nunca tivemos
isso, como temos agora, mas antigamente, não
tínhamos nada
porque não podíamos
pagar, para ser honesto. E então está tudo bem. O que fizemos foi sair, conhecer clientes e ser rejeitados. Conhecemos outro cliente, fomos rejeitados até
conseguirmos o que queríamos. Está bem? Então, você pode
ter que lidar com muitas rejeições antes
de ser aceito, e isso faz parte da vida,
e está tudo bem.
Animator's Oasis, Simplifying the complex!
