Transcrições
1. Apresentação: Você é cineasta, já tem sua próxima grande ideia
de tema no roteiro. Mas agora, como você consegue essas maravilhosas composições
simétricas cheias de histórias visuais como você vê na tela grande. Você veio ao lugar certo. Olá, sou Alex. Eles, um cineasta
com mais de seis anos de experiência neste domínio. Eu fiz vários comerciais de
campos. E com minha experiência, aprendi que contar histórias em
vídeo com grafeno de tomate
faz a diferença
entre iniciantes. E eu aprendi esse caso com uma combinação de vários tutoriais e muita prática. Eu gostaria de ter esse vetor de classe. Então, vamos primeiro discutir
o que é a competição. Em seguida, ensinarei as regras fundamentais
da composição, como a regra dos
terços, a
proporção áurea das
linhas principais e dos mínimos. Vamos dar
uma olhada nas cores criando profundidades e
ângulos de câmera e movê-las. No final, veremos vários exemplos de como
criar
uma composição assimétrica e também contar uma história por meio delas. Então, junte-se a mim na aula de
cinematografia
mais completa e amigável para
iniciantes.
2. O que são composições e contação de histórias visual?: Antes de criar uma
cena assimétrica, como em um filme, precisamos entender qual é
a composição. Você quer capturar algo, um assunto, um objeto
ou uma paisagem. Existem centenas de
maneiras de preencher isso. A composição é a maneira como você alinha os elementos dentro de suas
fotos usando regras diferentes. A regra dos terços, proporção
áurea, 180 graus de regras, linhas
principais e muito mais. Também se refere à forma como a
foto está sendo capturada, por exemplo ,
o ângulo da câmera, a distância focal e outras
configurações
da câmera. Sobre todas elas,
falaremos na próxima lição. narrativa visual também é uma grande parte da cinematografia. O filme é a
arte visual para contar uma história. A história do filme não é
contada apenas pelos atores
do roteiro, mas também pela narrativa
visual. A maneira como você combina a composição com os
movimentos que a história deve contar.
3. Regra dos terços: Uma regra fundamental
da produção de filmes, que todos provavelmente
conhecem, é a regra dos terços. A regra dos terços
é uma linha de grade construída por duas linhas horizontais
e duas verticais, que ajuda a alinhar elementos em assuntos em sua composição. Você pode sobrepô-lo na maioria das câmeras e até mesmo
smartphones podem fazer isso. Um exemplo de seu uso é com o horizonte
em uma paisagem. Se você tiver
elementos mais importantes no Skype,
posicione o horizonte,
a linha inferior. Por exemplo, se você tiver
algumas nuvens interessantes. Caso contrário, se a ação
acontecer no solo, o horizonte deve estar
alinhado com a linha superior. Se houver um objeto proeminente
como uma árvore ou uma montanha, você deve equilibrar
sua composição alinhando-a a uma
das linhas verticais. Outro exemplo de seu uso
é o alinhamento do assunto. É que eu deveria estar na linha horizontal
superior. Isso instituirá a criação foto
mais simétrica e
profissional só porque deixa o espaço
perfeito para a cabeça, chamado Headspace, mas
também para o corpo, e cria uma foto
geral neutra. Se os sujeitos ficarem
no meio da moldura, você deve colocá-la
entre as duas linhas. Mas, ao olhar para o lado, os sujeitos devem
ser colocados em uma
das linhas verticais opostas à direção para a qual
estão olhando. Outra forma de usar essa regra é quando se
tem dois assuntos, você pode colocar um em todas as linhas verticais enquanto o outro está entre as linhas. Isso chamará toda a
atenção para a primeira pessoa, enquanto a outra não
é tão proeminente. Se dois objetos precisarem estar
no centro das atenções, ambos podem ser colocados
nas duas linhas verticais. Isso criará uma composição
equilibrada. E se os objetos forem
semelhantes ou até iguais, eles criarão uma composição
simétrica. Voltando à composição
central, você pode ver que
toda a atenção
do espectador está sendo
direcionada para o assunto, não
deixando outro espaço
para mais nada. Isso é bom para
apresentações como essa. Mas para contar uma história, vários elementos
devem estar envolvidos. Mas para que isso funcione, você deve guiar o lado do espectador com a proporção áurea
ou as linhas principais.
4. proporção áurea: A proporção áurea é a equação
matemática que determina a
triagem de duas partes 11,6 vezes maiores do que a outra para formar o infinito de
uma criança inspirada, definida pelos números de
Fibonacci. Você pode se perguntar: por que precisamos nos encontrar? Mesmo no cinema, esse Deus, o número 1.618 aparece em
todo o mundo. A parte inferior do antebraço, o
braço, é 1,6 vezes maior do que a mão precisa em nosso
DNA e muito mais. A proporção áurea é
a forma natural nossos olhos são guiados
pela foto. Você precisa adicionar objetos-guia na proporção para ter uma
guia para os olhos. E, em suas extremidades,
deveria estar o assunto principal. A proporção áurea pode estar em
qualquer lugar no quadro, ao contrário da regra dos terços, o
alinhamento com a regra dos terços pode ser fácil e,
depois de alguma prática, você poderá memorizá-la. A proporção áurea,
por outro lado, é uma
forma mais simétrica de composição. Nessa foto, o ponto
de partida da proporção é o local onde o sujeito fica no
final, seu destino.
5. Linhas principais: Como eu disse na lição,
com a estimativa da regra dos terços, a composição deve guiar os olhos
do espectador através da
foto até o assunto. Podemos usar a
proporção áurea para isso, mas há mais uma coisa que pode nos ajudar, as linhas principais. Essas linhas são
formadas por objetos. Você sente, por exemplo, uma estrada, o horizonte, uma cerca ou qualquer coisa que
forme nosso tipo de linha. As linhas principais geralmente
usam imagens longas para guiar os olhos do
espectador até um determinado ponto. No cinema, filmei sua barba. Ao combinar as regras
anteriores
com as linhas principais desta foto, temos o assunto na
regra dos terços, mas há algumas linhas
no mendigo formadas pelas margens
da floresta que guiam
os olhos para o assunto. O mesmo acontece nesta foto. As margens da
estrada guiam o caminho
do sujeito e também o final
do caminho está na
linha vertical da regra dos terços. Com essas técnicas,
você tornou seu repentino muito mais interessante e ele pode ficar mais tempo na tela
sem ficar entediante.
6. Profundidade de campo: Outro aspecto importante da cinematografia é
criar profundidade. Você ouve essa palavra com profundidade em todos os
tutoriais de cinematografia. O que é isso que realmente
chamamos de terceira dimensão? Não, não estamos
criando um filme em 3D, mas agora, para filmar, precisamos fazer com que o espectador veja o ambiente 3D
que filmamos. Isso significa que precisamos
criar três camadas, assunto em
primeiro plano e maior. O assunto é o ponto de foco
principal, enquanto as outras duas camadas
são focadas automaticamente, elas separam o assunto
das outras camadas,
trazendo, em primeiro lugar, a interpretação para ele, mas também criando profundidade, tornando a
foto geral muito mais simétrica para separar totalmente o assunto e outras
listas uma da outra. Você também pode adicionar a câmera
para falar sobre isso. Falaremos
mais tarde nesta aula. Nesta foto, podemos
ver claramente as três camadas. O objeto está em foco, trazendo toda a tensão para ele, enquanto o fundo
e o primeiro plano estão fora de foco, com a câmera se movendo lateralmente. É Chris, o efeito de paralaxe. Quando os objetos estão mais saborosos
nas outras camadas, movem-se levemente. Essa criação de profundidade
me permitiu , na edição, viver
mais e mais magro.
7. Cores: cinematografia também
brinca com as cores. Um exemplo que eu gosto de dar é com nosso bom e velho
amigo, a roda de cores. Para separar o assunto
do plano de fundo, você pode escolher cores diferentes em lados opostos
das calorias. Por exemplo, azul com amarelo, verde com um
gênero e assim por diante. Nesta foto, o sujeito tem algumas roupas escuras e a
luz em um leve tom azul. Enquanto isso, o
fundo é laranja. Além disso, esses anúncios criam contraste
de cores. O assunto é vestido azul e a natureza tem uma cor
amarelada. A cor também pode ser usada para chamar a
atenção para um determinado
assunto ou objeto. Nesta foto, o assunto contrasta com a cena,
enquanto os outros vestidos com cores escuras desenham a tensão de ser
diferente do ambiente. Os mesmos medicamentos chamados chamam
a atenção para o assunto
novamente, nesta foto. As cores também podem contar uma história. Um exemplo disso
é criar um estado para os personagens do filme
por meio desse código de vestimenta. Nessa cena, temos
um personagem vestido com cores
mais brilhantes e o
segundo no escuro, sem nem mesmo saber do
que se
trata o filme ou quem são os personagens. Entenda imediatamente que o amanhecer é um caráter ruim e 18 bom. Outro exemplo do meu filme, as duas fases do alerta de spoiler de
Furman. O personagem principal interage
com ele no passado. Então, há dois
personagens, a cor, eles estão vestidos e, sendo Lytton, mostram como
suas personalidades, um personagem, o pastel, está vestida, por que
iluminado de forma brilhante? Isso mostra uma boa pessoa,
um bom caráter. Enquanto isso, o personagem
atual está vestido com cores escuras, elite e menos, mostrando exatamente
o oposto na
mudança de caráter.
8. Regra 180º: Há mais uma regra quando se
trata de fazer filmes, a regra dos 180 graus. Essa regra é usada ao filmar com dois assuntos de ângulos
diferentes. Você deve imaginar seu ambiente
como uma visão panorâmica, linhas
indiretas e imaginárias que
atravessam os dois assuntos. Se você tiver um ponto entre os dois sujeitos
à mesma distância, há um ângulo de 180 graus. Em seguida, você arrasta outra linha entre a câmera
e esse ponto. A câmera pode girar, mas você nunca pode
cruzar esse ângulo de 180 graus. Essa regra ajuda você
a não confundir o espectador. Um diálogo com a regra
de 180 graus
estabelece claramente a posição
dos dois sujeitos. Mas ao cruzar essa linha, você não entenderá mais
onde estão os assentos dos sujeitos?
9. Movimentação e ângulos de câmera: Você pode ter o
alinhamento perfeito dos elementos em sua composição e ainda
não ter uma foto assimétrica. Se você não usar o ângulo correto da câmera,
mova a câmera para a direita. Há quatro ângulos de
câmera importantes. Ângulo baixo,
alto nível , ângulo alto e visão panorâmica. Além desses, há também o POV
tirado por cima do ombro em ângulo holandês. O ângulo a partir do qual você está filmando deve ser decidido
dependendo da história. Um ângulo baixo nos dá confiança ao
sujeito, enquanto um ângulo alto o torna
pequeno e não tão poderoso, o
que mostra que algo não
está bem, também a distância dos metros
da câmera. Você pode ter uma foto extrema
de perto, de perto, de
média, de longe ou de longe, e também de um tempo extremamente longo. Esses foram apenas alguns
lembretes sobre agora, vamos falar sobre o
movimento da câmera. Primeiro, nós o dividimos em movimentos
suaves e portáteis. Ambos contando histórias
diferentes. Movimentos suaves mostram que
não há nada errado e dão
ao espectador uma sensação de que o
dispositivo portátil mostra o contrário. Mas a história do ônibus que
vamos
aprofundar mais tarde nesta aula.
10. Tipos de composição: Antes de mergulhar na narrativa
visual, vamos falar sobre algumas composições
diferentes que
aplicam as regras
que acabamos de aprender. Primeiro, vamos dar uma
olhada na composição central. Esse tipo de composição utiliza a regra dos
terços colocando o assunto no meio da linha com a linha
horizontal. Ao fazer isso,
toda a atenção é direcionada ao assunto. Outro tipo de composição é
uma composição simétrica. Isso geralmente é usado para
mostrar algo perfeito. Essa foto começa com um
assunto e uma composição normal, mas depois da pintura,
o segundo assunto não é uma composição centralizada e
simétrica. Isso mostra que a segunda
pessoa vale mais a
pena , provavelmente
composições ruins também são formadas pelos ângulos
dos tipos de fotos que você está usando.
11. Olhando para o ponto do espectador: Agora é hora de mergulhar no mundo da
narrativa visual. Conversamos um pouco sobre os diferentes cenários
da narrativa visual. Mas, além de mostrar os
movimentos do personagem, podemos controlar como o
espectador é impactado por eles. Isso é feito colocando
o espectador mais
longe ou mais perto da ação que você filma em uma lente grande angular e, estando objeto
mais próximo, o
espectador sente emoção. Um leve movimento se o fornecedor tiver dificuldades com
alguma coisa também pode ser adicionado. Fazer o oposto filmando com uma lente teleobjetiva em um empréstimo ou lugares
extremos em que estamos longe do excelente,
deixando o personagem sozinho. Isso também pode ser feito
usando o primeiro plano. O truque aqui para manter o espectador em
primeiro lugar é
aproximá-lo do assunto em um momento em que o
personagem se esforça. Mas antes de um
momento realmente importante , devemos
liberá-lo trazendo
a câmera para longe. Se você segurar o
espectador sempre ligado ao personagem ou a
figura ficará entediante. Mas ao liberá-lo
de vez em quando, você adiciona mais engajamento.
12. Narrativa visual: Agora, na última lição, vamos examinar alguns exemplos
de narrativa visual. Nessa cena. No começo, não
estamos tão próximos do assunto porque
acabamos de conhecê-lo. Mas logo no final, o espectador se
aproxima dele logo antes de
o personagem morrer, tornando seu pai muito
mais impactante. Nessa foto, a câmera
pressiona para ignorar o assunto, deixando o espectador mais
interessado no caso. Além disso, esse é um
efeito comum: na verdade, eu gostaria de chamar
de barra de progresso. Essa parte é
como uma barra de progresso antes que o personagem
precise tomar uma decisão. Aqui está para fazer algo
na mesma cena. O espectador permanece estável
e fecha o personagem. No final, ele se esforça e, para fazer o espectador
sentir seus sentimentos, movemos a câmera
junto com o objeto, até mesmo adicionando um pouco de movimento de
Hinton. Essa cena de diálogo também tem uma narrativa
visual profunda e profunda. O estado do
personagem pode ser facilmente mostrado por meio de
ângulos e movimentos. O primeiro personagem é que ele se sente algemado e
de um ângulo alto, o segundo personagem está se sentindo estável e também de
um ângulo ligeiramente baixo, mostrando confiança e
poder sobre o outro. Além disso, a forma como eles
colocam sua história. Um mancha em um assento, jogando, um ficando mais
confortável no outro. Agora, o mesmo acontece
nesses diálogos em que o personagem mais
confiante é novamente barbatana de um tripé, enquanto a outra mão aqui, também os elementos em sua colocação dentro da
foto podem contar uma história. Temos aqui uma visão desequilibrada
entre três, e eles significam que as principais lutas e a árvore é
um símbolo de proteção, algo que o domínio precisa. Além disso, porque a
cena está começando, ela mostra um grande lançamento. Há também a rota de
composição presente, a proporção áurea
que vai da principal para a árvore e
as linhas principais para três. Nessa cena, um personagem
tem um discurso emocional. Isso é aprimorado
pelos ângulos baixos que você acha que são
FIN de The Movement. Para este exemplo, escolhi
novamente uma barra de progresso. Essa barra de progresso
os aproxima do assunto. Desta vez, não por causa
das dificuldades, mas pelo processamento, abordando-o como
um bom personagem e antecipando o
final do filme. Esses são apenas alguns exemplos, mas a maneira de implementar a narrativa
visual
em seu filme é o estilo único
que você desenvolverá com muita prática.
13. Conclusão e projeto do curso: Parabéns por
concluir esta aula. Agora você tem tudo o que precisa para começar a criar seu próprio medo. É hora de você
sair e atirar em seu próprio campo, mas seja paciente. Antes de dominar
essas técnicas, você precisará de muita
prática no início, faça suas anotações
e trabalhe com elas. Mas depois de algum tempo, você
não precisará
mais deles o máximo
possível para o projeto de aula
enviando um curta-metragem Ficarei feliz em
lhe dar um feedback sobre isso. Espero que você aprenda
algo novo e, como sempre, não
hesite em entrar em contato
comigo se tiver mais perguntas. Tenha um ótimo dia.
Alex Sofonea, Filmmaker & Full-Stack Developer
