Composição musical — ritmo e percussão

1. Sua jornada para o ritmo principal: bem-vindo a estes núcleos e parabéns por escolher para dominar o ritmo, percussão e bateria na música. Após este curso, você será capaz de liderar e dirigir sua música, melhorar e destacar postagens especiais, controlar a energia e ação, gerar intensidade e poder e forjar fundação ladrão fora de todas as músicas que você criar porque Você vai Lester arrefecer todo o ritmo musical. Neste curso, você aprenderá os fundamentos do ritmo, o papel do ritmo, esses sons do ritmo, o desempenho do ritmo e ele será capaz de amarrar tudo isso em padrões rítmicos e o desempenho é cheio de emoção e expressão. Você terá demonstrações reais ao vivo de vários tipos de sons de ritmo e performances, como você pode ver aqui na tela. Neste momento meu nome é Mike e eu tenho vindo a compor música desde 1998 em todos os tipos de estilos , de E g M e batidas a música de metal e orquestral e eu vou ensinar-lhe de todo o conhecimento e experiência que eu ganhei durante estes anos, incluindo minhas melhores dicas, truques e métodos práticos para o ritmo na música. Então pergunte a si mesmo agora. Você quer se tornar um mestre fora de bateria, um mestre fora de percussão, um mestre de unidade rítmica em. No final, com a prática de todas as coisas que você vai aprender com este curso, um mestre fora do ritmo na música, eu sempre digo que agir é a única maneira de avançar em sua jornada na música. Meu nome é Mike, e eu lhe dou as boas-vindas a se inscrever agora e começar sua jornada para dominar o ritmo na música. 2. O que é ritmo?: O que é ritmo? Bem, minha opinião honesta é que o ritmo é a base absoluta da música. Por que, Vamos encarar, você não pode escrever música sem ritmo porque todas as notas devem ter um comprimento e um ritmo de tempo está realmente presente em todos os lugares na música, na bateria e percussão nos tribunais, harmonias e instrumentos comping, e até mesmo as principais melodias, ganchos e motivos. Este curso, entanto, vai se concentrar nos sons da música que são dedicados a adicionar unidade rítmica e energia à sua música. Por exemplo, seus tambores e portas de percussão, seus Dr Instruments rítmicos como dedilhar guitarra, talvez um padrão de cordas ostinato. Minha definição pessoal fora do ritmo é esta. Ritmo é um padrão no tempo, fora do som e silêncio, e eu me refiro ao ritmo como o núcleo da música. Para dominar o ritmo. Você precisa entender verdadeiramente os conceitos e elementos sobre os quais é construído, que são, por exemplo, os comprimentos da nota de grade, BPM e templo, bem como assinaturas de tempo, e você aprenderá todos esses conceitos e mawr neste curso. Então vamos continuar sua jornada de aprendizagem agora mesmo para dominar o ritmo da música 3. As bases do ritmo da: a ganância. Eu chamo isso de escrita fora da música, todos os senhores e sons e música, ou escrito em seu DW no que é chamado de grade. Isto é basicamente o tempo de divisão fora do seu sequenciador. É o equivalente moderno fora da partitura. Ele re decidir o ponto de partida no ponto final fora de todas as notas e, como conseqüência, o comprimento de todas as notas. No entanto, uma pequena nota lateral percussão funciona um pouco diferente porque um hit percussivo em Lee tem um ponto de partida onde você decide onde o hit irá e não um comprimento de nota. A ganância do seu DW e todos os valores de carga ou divididos em comprimentos de nota. O comprimento mais longo da nota é uma nota completa, que é exatamente um furo de comprimento. O próximo é 1/2 nota, que é metade de um furo, e, em seguida, os valores de comprimento da nota basicamente divide-se pela metade para cada etapa. Agora você deve saber que é extremamente incomum ter notas menores que uma nota de 64. Essas notas extremamente curtas são tão incomuns que muitos D.W . nem mostram um valor menor que 164, como você pode ver aqui nas opções de encaixe ou de quant ties. Na verdade, maioria das músicas nem sequer usam notas com menos de 1/16. Vamos ouvir alguns exemplos fora dos comprimentos de notas na ganância para que você se familiarize com seus valores. Em seguida, vamos ouvir uma mistura de valores de nota, bem como algumas poses adicionadas para criar um padrão rítmico . E lembre-se, as forças também devem ter comprimento, o que pode ser qualquer fora dos valores que você acabou de aprender. Tome medidas agora e pratique a escrita fora da música, a grade e os valores da nota. E lembre-se sempre, ritmo é simplesmente um padrão no tempo fora do som e do silêncio. Então tome o seu tempo para praticar na ganância e eu vou vê-lo no próximo vídeo. 4. As bases do Ritmo BPM e Tempo: BPM e templo. A energia está desligada. Para criar um ritmo, você precisa definir um templo, e você pode pensar sobre o tempo como os Powells de sua música. Quase como se a energia estivesse fora do seu ritmo cardíaco. Quando você está fresco e relaxado, você tem um pulso mais baixo, e quando você se exercita ou dança, você tem um pulso mais alto. É o mesmo com o ritmo. Na música, um templo alto parece mais enérgico e um templo lento sente-se relaxante. O templo na música é medido em algo chamado B P M, que representa batidas por minuto. E novamente compare isso com a sua freqüência cardíaca, que também é medida em batimentos por minuto. Então aqui temos, literalmente, uma conexão entre nosso coração e música. Talvez seja por isso que as pessoas costumam dizer que temos ritmo em nosso sangue. Tudo bem, então como você disse o templo da sua canção? Bem, isso depende totalmente do tipo de música que você quer fazer e do nível de energia que você gosta que ela tenha. Mas para lhe dar um ponto de partida. A maioria das músicas tem um ritmo fora em algum lugar entre 60 bpm e 180 bpm 60 BPM pode ser uma balada muito lenta, e 180 bpm pode ser uma música E g M condução ou música punk rock rápido. Então 60 a 180 ou mais. Notou alguma coisa aqui? Bem, este alcance é quase o mesmo que o alcance fora do ritmo cardíaco humano. A frequência cardíaca média em repouso completo é de cerca de 60 BPM, e a taxa de corte P para a maioria das pessoas é de cerca de 180 bpm ou mais. Então, novamente, a música parece ser uma extensão da nossa existência. Eu pessoalmente acho este super fascinante, Você não agora tomar ação e prática ouvindo diferentes valores BPM para que você vai desenvolver um sentido profundo para vários templos na prática musical? Rotina? Um. Um metrônomo. Uma ótima rotina de prática é usar um aplicativo Metrodome em seu smartphone enquanto você toca em seuteclado midi,dissuadir piano ou até mesmo cantarolar teclado midi, e bater livros idéias musicais. Você descobrirá que assim que ligar o Metrodome e calçar um ritmo, seu corpo e mente responderão imediatamente a esse pulso. Na verdade, pode ser muito difícil resistir a bater no pé ou balançar a cabeça enquanto ouve a batida . Pratique rotina para bater em seu D.A. D.A. W. Outra ótima rotina de prática é criar uma batida em seu DW e depois ajustar entre vários valores de BPM depois. Em sua prova, você não pode programar um tambor e uma parte de percussão em um padrão de dedilhamento em uma guitarra de software. Ou talvez compor eu estou dirigindo Austin Autumn Strings. O ponto principal é que depois de ter esse ritmo, você muda seu projeto BPM para vários valores e ouve atentamente como os Powells da música se sentem quando você muda o BPM. Prática de rotina. Três. Tap Temple Desde que seu objetivo é dominar o ritmo como compositor de música, você precisa desenvolver um instinto para vários templos. Então, quando você se sentir pronto, você também pode começar a praticar tocando templos em seu aplicativo metrônomo para apontar para um BPM específico . Muitos são mais filmes. mapas eternos têm um recurso de templo de torneira, o que significa que você toca a batida com o dedo na sala do Metro calcula o BPM para você. Quando você começa, você deve fazer estes vis assistindo para baixo no contador BPM na Europa ao mesmo tempo. Mas à medida que você melhorar, eu realmente recomendo que você pratique tocar no templo cegamente e tentar acabar com um BPM áspero. Por exemplo, decida primeiro apontar para um ritmo de, digamos, 100 BPM e, em seguida, toque no templo enquanto não olha para baixo no aplicativo, tentando acertar esse BPM específico. Não é tão fácil quanto parece, mas realmente é uma ótima rotina de prática desenvolver seu instinto fora de Temple e Paul na música. Então agir agora e praticar os amigos fora Música, BPM e templo divirta-se e eu vou vê-lo no próximo vídeo. 5. As bases das assinaturas de tempo Ritto: assinatura de hora. O sistema de contagem no ritmo musical na música é dependente de algo chamado Time Signature. O tempo Senador é apenas um indicador para descrever como você conta as batidas em cada medida fora da peça de música que você faz e uma medida também chamada Bore, é simplesmente os segmentos que a música é dividida em. Há muitas assinaturas de tempo diferentes em que uma música pode ser baseada, e em alguns casos, especialmente na música orquestral, a assinatura de tempo pode mudar dentro da própria música. Há uma assinatura de tempo que é usado na grande maioria fora de todas as músicas já criadas, e é chamado 44 Isso simplesmente significa que a contagem subjacente para a sua música é quatro batidas por medida. Uma batida na música é o comprimento fora nota 1/4. Quarter significa 1/4 de modo que 4/4 notas equivale a uma nota completa. É como dividir um bolo em quatro fatias igualmente grandes. Em termos práticos, isso significa que você simplesmente conta até quatro de forma direta como esta. 12341234 e assim um. Outra assinatura de tempo bastante comum é 34 que soa como este 123123123 e assim por diante. Incrível. Agora você aprendeu sobre assinaturas de tempo na música e como elas se relacionam com a contagem de cada medida em sua composição. Para ter uma sensação melhor para isso, eu quero que você mais uma vez use o Metrodome e ouça várias assinaturas de tempo e templos e prática, fazendo com que cada um fique em batida. Eu recomendo fortemente que você instale um aplicativo metrônomo para o seu smartphone. Se você ainda não fez isso e, em seguida, é hora de você praticar assinaturas de tempo. Comece definindo a casa de metal para o total quatro e ouça vários ser PM com esta assinatura de tempo , em seguida, mude mais de 234 para ter uma sensação para esse tipo de assinatura de tempo. Talvez você queira tentar 6/8 também, já que isso é bastante comum. Experimente outros centros de tempo, mas lembre-se que 44 e 34 ou por quatro as assinaturas de tempo mais usadas na música. Então pense nisso antes que ele tentasse enlouquecer com seus ritmos e batidas em sua música. Mas se você quer enlouquecer, ninguém está te impedindo. Então tome medidas agora para praticar o tempo. Semente entra na música e eu vou te ver no próximo vídeo 6. Percussive vs: ritmo está presente em cada nota na música, cada som e igualmente importante, cada porta silenciosa entre as notas. É isso, o remix de som e silêncio que é a essência do ritmo. Há, no entanto, três tipos distintos de elementos rítmicos e música. Sons percussivos puros como tambores, por exemplo, sons rítmicos sintonizados, que significa que você pode tocar notas diferentes nesse instrumento. Mas todos eles percussão no sentido de que ele não pode alterar o comprimento e sustentar fora de cada nota. Por exemplo, uma marimba e com Mick Instruments, que basicamente pode ser qualquer instrumento tocado de forma rítmica, como uma guitarra rítmica. Tão puros sons percussivos. Assim, todos os sons percussivos têm um ponto focal de frequência, profundidade e alcance ligados. Eles também têm um ataque e decadência distintos. Isto é o que cria o caráter de som, mas sons percussivos puros ou conhecido pitched, que significa que eles não têm um centro tonal claro. Isso significa que você não pode tocar notas com elas. Basicamente, os sons de sons percussivos puros são semelhantes ao ruído branco controlado. Na verdade, ruído branco é usado muito para imitar a percussão com síntese ou para melhorar sons por design de som usando ruído branco como o ponto de partida sintonizado sons percussivos sintonizar, sons percussivos ou instrumentos e sons que têm um tom fundamental mais conotações, o que significa que ele pode tocar notas com eles. Um exemplo comum para dois tambores ou tomos. E há de fato, todos os tipos de percussão rítmica sintonizada, que são muitas vezes usados como uma camada para melhorar outros instrumentos e padrões rítmicos como Brooke e spiel. sinos tubulares ganharam instrumentos de vibrafone. Estes podem ser basicamente qualquer instrumento que você toca de forma rítmica, mas que também lhe dá controle sobre o comprimento de cada nota, ou seja, o sustain. Um piano é de fato percussivo no sentido de que uma bainha atinge as cordas quando você pressiona uma tecla. Mas se você segurar uma chave, você recebe uma nota sustentada. Há um número incrível de instrumentos que foram ótimos para uso rítmico, como elétrico, acústico ou orquestras. Cordas, talvez um sintetizador de políticas. Você vai encontrar mais liberdade nesta categoria fora de células rítmicas. Ótimo, você já aprendeu sobre os três sons principais do ritmo, percussivos puros sintonizados sons percussivos e instrumentos rítmicos. Esta é a base do seu kit rítmico como compositor, então vamos continuar no próximo vídeo 7. Monophonic vs: a próxima distinção fora sons rítmicos é entre modelo fônico e mal fonônico. Em termos simples, Mona Fornek significa um som tocado de cada vez, como em um tambor, por exemplo, e polifônico significa vários sons tocados ao mesmo tempo. Como quando toca acordes no piano ou dedilhando na guitarra. Bem, tecnicamente, as cordas fortes não são exatamente tocadas ao mesmo tempo, mas os sons são tão próximos que eles aparecem como um único som quando você toca um acorde todos os sons percussivos puros ou mullah fornek por natureza. Sim, você pode colocar sua bateria e percussão, mas qualquer instrumento de percussão individual só pode tocar uma única nota de cada vez. Percussão ajustada como marimbas, por exemplo, pode tocar duas notas ao mesmo tempo. Uma vez que você tem dois paus você pode bater as notas com. E então há toda a gama de instrumentos que podem ser tocados ritmicamente, quer mono fornek, como um padrão de ostinato ou pid você ou lidar com o ritmo com a progressão fria em, digamos, um piano. sons polifônicos têm a capacidade de adicionar harmonia aos ritmos, o que, é claro, como uma nova dimensão ao seu kit de som rítmico. No entanto, você deve estar ciente de que assim que ele introduziu sons polifônicos em sua composição, as harmonias e conotações ocupam muito espaço na mistura. Vile Mona Phonic sons temem, ou ponto focal distinto e pode ser usado em mais números devido ao seu uso mínimo fora da tela fora do som que você pinta. Como compositor, você já aprendeu sobre duas faixas distinções de sons em modelos de ritmo sons fonônicos versus sons mal fônicos. Então vamos continuar aprendendo mais fundamentos do ritmo no próximo vídeo. 8. Direto vs triplets: Agora você já aprendeu sobre a ganância na música e que os valores das notas vão de um furo cheio para 1/2 bar e depois dividir pela metade, até um 256º de um furo. Esses são os valores de nota reta padrão. Mas há também uma coisa chamada trigêmeos, que é muito comumente usado em muitos estilos de música, desde composições orquestrais até música pop moderna. Na verdade, muitos estilos modernos de música baseada em batidas dependem fortemente de trigêmeos, por exemplo, nos padrões de chapéu alto. Então o que? Ou trigêmeos? Esta explicação simples é esta. 33 notas tocadas em uma sequência têm o mesmo comprimento total que as notas retas do mesmo valor. Assim, por exemplo, duas notas de dor reta ou o mesmo comprimento que três três três notas de oito. Basicamente, isso significa que um trigêmeo é 2/3 fora do valor da nota reta. Permitam-me que vos dê um exemplo mais prático. Se você sentir uma bola cheia fora de notas rectas 16, você vai, é claro, obter 16. Mas se você sentir uma bola de futebol com notas de trigêmeos 16, você vai obter mais notas desde trigêmeos ou 2/3 fora deste grande valor nota. Então, se você dividir por dois, então multiplicar por três, você receberá a quantidade final de notas. Neste caso, tivemos notas 16, então dividir por dois é oito, então multiplicar por três e você recebe 24. Então, em um furo completo, você pode caber 24 trigêmeos. 16 notas de oitavo trigêmeo são provavelmente as mais comumente usadas, e para este valor de nota, você pode ajustar oito notas retas em um furo completo, que se traduz em 12 notas de oitavo triplo. Grande, Você agora aprendeu a diferença entre notas retas e trigêmeos, como eles soam e como praticamente usá-los e montá-los na ganância de seu D oito de vocês. Então vá em frente agora e pratique trigêmeos porque é uma ótima maneira de adicionar variação e apimentar o seu groove com e eu vou vê-lo no próximo vídeo 9. Ritmo principal de e Syncopation de: para compor padrões rítmicos intrigantes e envolventes em sua música, você precisa usar o desligamento Syncopation. Então, o que é Syncopation na música? , Basicamente, o ritmo principal é o que impulsiona sua música. As âncoras não falar e Syncopation, ou a introdução fora padrões contrários que se sente inesperado para o ouvinte e agir como uma espécie de interrupção fora do fluxo regular. O ritmo principal carrega. É basicamente um contra-ritmo para o ritmo principal. A sincopação também pode ser um acento inesperado, onde geralmente não ocorre no ritmo principal. Então, em termos simples e fáceis, Syncopation é os padrões rítmicos inesperados que vão contra o fluxo constante do ritmo principal. Agora, como você usa isso na prática? Bem, eu pessoalmente crio o ritmo principal primeiro e marquei os sotaques. Então, quando sinto que o sulco principal está feito, adiciono aquelas Sincopações rítmicas extras inesperadas. A sincopação é mais frequentemente usada nos instrumentos de percussão e rítmicos mais altos, enquanto os instrumentos rítmicos e sons mais baixos atuarão como âncora e impulsionarão o ritmo principal. Deixe-me dar-lhe uma rápida demonstração sonora de usar Syncopation para apimentar seus ritmos. com. Então, como você pode ver nas notas da mídia aqui temos o fluxo principal fora do ritmo nos primeiros 3 furos. E então aqui no quarto furo, temos notas de trigêmeos sobre os sons de ostinato de cordas, bem como os sons de aplausos, mas em linha reta oito sabe aqui na base e assim por diante. Então é isso que está criando essas sincopação no ritmo. Legal. Agora você aprendeu a diferença entre o ritmo principal e Syncopation. A sincopação muitas vezes requer alguma experimentação para obter um padrão rítmico agradável e anulado, porque essencialmente você está agindo contra o fluxo principal. Mas é uma ótima maneira de adicionar interesse e apimentar o seu sulco com. Então, tome medidas agora e pratique um único paciente quando você criar seus padrões rítmicos em seu d aaw on, em seguida, continue no próximo vídeo. 10. Fills e transições: elementos rítmicos ou excelente para apimentar a sua música em determinados lugares da sua faixa. Isso é especialmente importante nas transições entre duas seções. Você pode fazer isso adicionando um preenchimento ou alterando abruptamente o padrão rítmico logo antes da transição. Mas também é importante adicionar alguma variação dentro de suas portas rítmicas, incluindo alguns preenchimentos extras, mesmo durante suas seções principais em sua música, ele não precisa ser muito apenas algum sabor extra aqui e ali para adicionar alguma variação. Por exemplo, adicionando um pouco de preenchimento a cada quarto furo, que é muito comum para os bateristas fazerem isso como irá usar por parar suas portas rítmicas e padrões, incluindo preenchimentos e transições que é a sua liberdade criativa como compositor. Agora deixe-me terminar com a demonstração rápida de som usando preenchimentos e transições com ritmo em sua música. Então esta é a primeira seção, e esta é a segunda seção. Vou tocar a partir daqui e ouvir atentamente os elementos de transição aqui na parte final da Seção um, entrando na seção dois. Tudo bem, então se entrarmos no pianista e verificarmos o que acontece você pode ver que temos menos coisas acontecendo aqui e acordes de bloqueio mais longos, cabelo. E então, na porta de transição, temos muito mais acontecendo, que basicamente, são os Phils que vão para a energia mais alta sobre a Seção dois. Você pode fazer muitas coisas como se sente e transições em sua música. Por exemplo, introduza algumas batidas extras nos tambores e portas de percussão, algumas notas extras nos outros instrumentos, Pratos e sons percussivos mais longos ou excelente para ambos os sentidos e especialmente para portas de transição . E você pode até fazer alguns efeitos sonoros para suas transições, como sons reversos ou efeitos Reiser. Incrível. Agora você aprendeu a importância fora do ritmo para preenchimentos e transições na música, e também como você pode usá-los para adicionar emoção e variação nas transições entre suas seções. Agora vamos continuar no próximo vídeo. 11. Uma beat para governar todas: em ritmo. As diferentes batidas e divisões têm vários graus fora de poder e autoridade. Na verdade, há uma batida para governar todos eles. Eu estou, é claro, falando sobre o errado de cada aborrecimento, o que significa a primeira batida. Aqui é onde você costuma colocar mais ênfase em seus ritmos, onde a maioria dos hits pesados pousa. Por quê? Porque essa é a âncora rítmica para o ouvinte. Como o meio de um círculo, que tudo evolui ao redor. Eu criei um termo que eu ensino composição musical, que eu chamo de notas de poder. Estes podem ser acentos super pesados na bateria e percussão, mas também uma única nota com uma longa, sustentada, em qualquer tipo de instrumento. Por exemplo, uma guitarra elétrica distorcida ou uma poderosa nota de design de som como, por exemplo, o Bram. Estas notas de poder são basicamente sempre na primeira batida sobre um furo, entanto, não geralmente em cada barra, especialmente não para o grande sustentado talvez cada outra placa, cada quarta bola ou mesmo cada oitavo furo. Deixe-me dar-lhe uma demonstração rápida agora, fora da única batida para governá-los toda a energia fora as primeiras batidas em cada bar e também como podemos usar o poder sabe para esses sotaques extra pesados. Poderoso, fato. Então certifique-se de que ele usou este conhecimento a seu favor como compositor de música. A primeira batida de cada um teve a única batida para governar todos eles. E lembre-se também de usar notas de energia quando quiser adicionar esses acentos extra pesados na sua história musical. Agora vamos continuar no próximo vídeo. 12. Introdução O papel do ritmo: ritmo é a música fresca. Mesmo que não haja bateria e percussão em sua pista, você ainda terá padrões rítmicos em todos os lugares, exceto uma porta de ser a espinha dorsal de suas composições musicais. O que todas as regras específicas ritmo jogar Bem, eu fiz uma lista fora dos rolos práticos essenciais ritmo tem em coisas de música que você realmente deve aprender bem e sempre estar ciente de quando você compor sua música. E neste módulo vamos passar por eles um por um. Então, vejo-te no próximo vídeo. 13. Ação e energia: ritmo é o que define a quantidade de energia e a sensação de ação da sua música. Um ritmo muito simples com notas longas e sustentadas terá menos energia e ação. Ele ainda pode ser poderoso de fato, mas a falta de DR fará com que a vibração geral seja menos focada na ação e mais focada no humor. Por outro lado, se você tiver padrões rítmicos mais distintos tocando e basicamente notas e batidas mais rítmicas , aumentará a energia e intensificará a ação. Então, um dos principais papéis do ritmo é escolher criativamente a quantidade de ação e energia em que você deve se concentrar em qualquer seção da sua música versus quanto a música deve ser focada no humor e vibração. A escolha e o poder estão em suas mãos como compositor musical. Agora, deixe-me dar-lhe uma ilustração rápida de usar o ritmo para determinar a quantidade fora ação e energia na música. Este exemplo mostra claramente o ritmo de desligamento para controlar a quantidade de ação e energia em sua música. Você ouviu claramente a grande diferença, mas você também pode vê-la simplesmente olhando para o quanto está acontecendo. Então, se eu entrar no rolo de piano para, digamos, a faixa de piano aqui tocando as quadras, você pode ver que a primeira porta simplesmente tem longas notas de cordão na segunda parte é muito mais movimentada com um padrão rítmico. E se entrarmos na pista de bateria aqui, você pode ver que há muito mais notas na segunda parte com um ritmo muito mais movimentado, mas também a energia desligada. Esta segunda porta é maior devido a um aumento na intensidade, bem como o que significa mais difícil bater bateria e assim por diante. E você pode ver isso pela cor fora das notas, que representam os valores de velocidade. Valores de velocidade mais elevados significam mais alto e mais intensidade nas notas. Ótimo. Agora você aprendeu que o ritmo desempenha um papel importante no design da ação e energia em sua música, então vamos continuar no próximo vídeo. 14. Conduzir e de a a que a: Outro papel importante do ritmo é ser usado como um pulso de condução que empurra sua música para frente, por exemplo, por exemplo na linha de base, tudo talvez uma guitarra rítmica ou na corda ostinato Pattern s um compositor de música . Você pode usar muitas maneiras de adicionar essa unidade à sua música qualquer coisa, desde a batida clássica 44 kick drum até uma sequência reta de oito notas na linha de base. Você também pode adicionar ranhura à unidade variando os comprimentos e horários das notas. Você pode fazer a unidade voar como um pidio ou. Ou você pode optar por ter um olhar o sulco punchy com acordes de bloco em cordas de gado estoque , por exemplo. Ou você pode optar por ter um recife repetido para dirigir sua música. Estas são todas as escolhas criadas que você fará como compositor. Quanto foco deve ser na unidade e amigos em sua música, e você quer um Paul repetido para ser como uma âncora ou se concentrar mais na ranhura com a unidade estilo recife e comprimentos e tempos muito nota. Parabéns. Você aprendeu agora que o ritmo desempenha o papel de projetar a unidade e amigos em sua música. Deixe esse conhecimento afundar e, em seguida, vamos continuar no próximo vídeo 15. Fills e transições: elementos rítmicos ou excelente para apimentar a sua música em determinados lugares da sua faixa. Isso é especialmente importante nas transições entre duas seções. Você pode fazer isso adicionando um preenchimento ou alterando abruptamente o padrão rítmico logo antes da transição. Mas também é importante adicionar alguma variação dentro de suas portas rítmicas, incluindo alguns preenchimentos extras, mesmo durante suas seções principais em sua música, ele não precisa ser muito apenas algum sabor extra aqui e ali para adicionar alguma variação. Por exemplo, adicionando um pouco de preenchimento a cada quarto furo, que é muito comum para os bateristas fazerem isso como irá usar por parar suas portas rítmicas e padrões, incluindo preenchimentos e transições que é a sua liberdade criativa como compositor. Agora deixe-me terminar com a demonstração rápida de som usando preenchimentos e transições com ritmo em sua música. Então esta é a primeira seção, e esta é a segunda seção. Vou tocar a partir daqui e ouvir atentamente os elementos de transição aqui na parte final da Seção um, entrando na seção dois. Tudo bem, então se entrarmos no pianista e verificarmos o que acontece você pode ver que temos menos coisas acontecendo aqui e acordes de bloqueio mais longos, cabelo. E então, na porta de transição, temos muito mais acontecendo, que basicamente, são os Phils que vão para a energia mais alta sobre a Seção dois. Você pode fazer muitas coisas como se sente e transições em sua música. Por exemplo, introduza algumas batidas extras nos tambores e portas de percussão, algumas notas extras nos outros instrumentos, Pratos e sons percussivos mais longos ou excelente para ambos os sentidos e especialmente para portas de transição . E você pode até fazer alguns efeitos sonoros para suas transições, como sons reversos ou efeitos Reiser. Incrível. Agora você aprendeu a importância fora do ritmo para preenchimentos e transições na música, e também como você pode usá-los para adicionar emoção e variação nas transições entre suas seções. Agora vamos continuar no próximo vídeo. 16. Liderança e aumento e aumento: usando ritmo para liderança versus aumento. Esta é uma lição muito importante para você. Ao seu próprio ritmo. Pode assumir o papel de liderança em sua música, que significa que ele vai dirigir a pista e ser o centro fora de foco. Isso basicamente significa que o ritmo é o principal driver de sua composição. Nisso, os outros elementos seguirão a liderança do seu principal impulso rítmico. Mas o ritmo também pode ser usado para aumentar portas específicas em sua composição. Isso basicamente significa que ele é usado para aceitar certas batidas para melhorar o que o resto de sua música faz. Isto é especialmente verdadeiro para tambores e percussão, que muitas vezes são usados para aumentar certas partes de seus riffs, ganchos ou outros deportes Melo. Ritmo pode mudar do papel de liderança para o papel de aumento e voltar novamente várias vezes durante a atração. Além disso, quanto ritmo desempenha o papel de liderança em atrair é dependente do show Aunger e estilo de sua música. Por exemplo, na música de orquestra, música clássica e Jess realmente mais frequentemente colocar o papel de aumento, enquanto estilos populares de música como E g. M. E batidas ritmo é mais frequentemente tomar o assento da frente liderando e dirigindo a pista para a frente . No entanto, independentemente de Sean Ger e estilo, Eu recomendo fortemente que você use o ritmo em ambas as modas em cada peça de música que você compõe , porque aqueles sucessos de percussão aumentada pode realmente levantar sua trilha para um maior nível e uma melhor experiência para os ouvintes. Agora deixe-me terminar com uma rápida demonstração sonora, mudando o ritmo de um papel de liderança e assento dianteiro para aumentar o rolo e depois voltar para a liderança novamente, tudo na mesma pista. Este é o tipo de variação na Roma do ritmo que você deve praticar como compositor, tudo bem, então eu tenho três seções diferentes neste exemplo. Como você pode ver aqui na primeira seção, o ritmo colocou o papel de liderança, basicamente impulsionando o fato para a frente. Na segunda seção, o ritmo assume o papel de aumento. Basicamente, os padrões rítmicos aumentam uns aos outros em certas batidas específicas no padrão. E na Seção 3, o ritmo volta a desempenhar o papel de liderança novamente e basicamente dirigir a pista até o final aqui. Então, vamos dar uma escuta. - Então, se dermos uma olhada rápida aqui no rolo de piano, se eu selecionar todas essas portas na Seção 1. Primeiro, você pode ver que não há acentos distintos na batida, o que significa que aqui o ritmo assume o papel de liderança, que é a unidade e o fluxo para fora da pista. E se continuarmos para a Seção 2 e vamos ser o rolo de piano, podemos ver claramente que estes são acentos muito distintos aqui na batida, o que significa que eles discutem uns aos outros. Isso é quando o ritmo assume o papel de aumento em sua música, e então ele volta a ser um fluxo seco para a faixa. I'm Jill the End Super Agora você aprendeu a importância de usar o ritmo tanto em um papel de liderança como em um papel de aumento, e também que ele pode alternar livremente entre eles muitas vezes durante a sua composição musical. Então experimente e certifique-se de praticar esses papéis toda vez que você faz música. Não, vamos continuar no próximo vídeo 17. O poder do silêncio: o elemento mais poderoso da música é o silêncio. Sem silêncio, não haveria música. É como a luz e a escuridão. Ambos precisam um do outro para existir. Então eu quero desafiá-lo a pensar diferente em seu ritmo. Às vezes, em vez do que sabe que você deseja adicionar, considere onde você gostaria que essas portas silenciosas estivessem. Isso pode ser realmente abertura da mente quando você percebe que o silêncio é de igual importância. Então, o papel final e talvez o mais importante do ritmo é introduzir o silêncio em sua música. Basicamente, se você pensar sobre isso, cada padrão rítmico que você compõe pode ser visto de duas perspectivas diferentes. Ou você vê as notas para o que eles ou seu tempo, seu comprimento e seu tom. Ou você pode olhar para ele do outro lado da moeda. Você tem um padrão invertido entre todas as suas notas em seu ritmo, que são as partes silenciosas que as portas eram. Sua música respira, então você faz exercício. Aqui está a próxima vez quando você programar padrões rítmicos em bateria e percussão ou dirigindo portas rítmicas de instrumentos. Olhem para este silêncio entre as notas e verão que é, de facto, um padrão em si. Acredito verdadeiramente que este é um dos elementos mais importantes que você precisa estar ciente como compositor musical. Agora, deixe-me demonstrar o silêncio da energia na música. Eu compus um pequeno exemplo trilha aqui. E se você olhar de perto aqui no final, há muito espaço significando silêncio antes do final final da música. Então, vamos ouvir a faixa. Então você ouviu claramente o silêncio de desligar a energia aqui no final da música. Mas também é muito eficaz em transições. Neste momento, estou usando uma transição de tipo de campo, significa mais notas, como você pode ouvir se você ouvir daqui agora, mas eu poderia usar o silêncio de desligamento para criar antecipação para a próxima parte do A canção. Então, se eu usei a ferramenta de seleção aqui e tomar essas portas aqui e, em seguida, silenciá-los, vamos ouvir o que essas poeira para a transição como você ouviu um resultado completamente diferente . Mas funciona de forma muito eficaz, usando o silêncio de desligamento para criar algum espaço de ar e respirar para a música até que uma nova seção bate sempre considera o silêncio como uma opção e escolha artística criativa. Tudo bem agora vamos continuar no próximo vídeo 18. Introdução os sons do ritmo: ritmo é a espinha dorsal da música. Ele flui através de uma canção como um pilar grande e poderoso que contém tudo para pegá-la. Então, como compositor, você precisa ter certeza de que você equilibra as partes rítmicas de sua música em termos de som , porque eu tenho certeza que você quer que sua música soe cheia e tenha um poderoso impacto emocional entre seus ouvintes. É por isso que eu fiz uma lista fora das minhas principais dicas sobre coisas essenciais que você deve se concentrar quando criar seu kit de som rítmico e equilibrar os sons rítmicos em sua música. Estas são as coisas do ritmo em que me concentro pessoalmente como compositor, independentemente do estilo musical ou da música. Então vamos passar por eles um por um neste módulo. 19. Equilíbrio de estilo: A primeira coisa a considerar é o equilíbrio de estilo, tom e caráter fora dos sons rítmicos que você escolhe incluir no seu kit de som rítmico . E, claro, isso é decidido principalmente pelo que shong, ger e estilo de música que você deseja compor. Por exemplo, se você estiver indo para compor uma faixa cinematográfica orquestral, o som rítmico, será muito diferente de uma música pop contemporânea, este estilo de bateria, percussão e rítmica dr instrumentos, o tom e o caráter de cada som. Tudo tem que ser consistente com o quadro geral que você está tentando criar. No entanto, você não deve ter medo de experimentar combinações interessantes e incomuns, desde que você esteja ciente de que a gama completa de sons que você acaba usando para as portas rítmicas em sua pista deve parecer que eles se misturam juntos de forma policial e coerente. O ponto principal aqui é que você está projetando um kit de som rítmico que deve se sentir como um kit, não simplesmente uma bomba de sons rítmicos empilhados juntos. Agora deixe-me terminar com uma demonstração sonora de um kit de som rítmico completo, equilibrado em estilo, tom e caráter para uma vibe específica. Escolhi como compositor. Neste exemplo, eu realmente discado para baixo as partes melódicas da faixa para trazer mais foco para os ritmos sendo um kit de bateria, uma percussão bêbado, ele percussão orquestral e padrões de ostinato de cordas altas e baixas. Então, para todos os sons, eles precisam soar que eles pertencem juntos em um kit de som. E mesmo que eu use um kit de torre como este, o kit de bateria é realmente encharcado em um grande reverberação para ir junto com a percussão orquestral como você pode ouvir Agora. Se eu fosse usar como um E g m ou batida estilo bebido, ele não iria misturar bem junto com a grande percussão orquestral. Assim, sua missão como compositor é garantir que todos os sons rítmicos, bem como os instrumentos melódicos, todos se misturam em um som completo. Parabéns chutado. Agora você aprendeu a importância de equilibrar esses tons de estilo e personagem do seu kit de som rítmico, então vamos continuar no próximo vídeo 20. Equilíbrio do intervalo: Como compositor, você é basicamente como um pintor com uma tela. Mas em vez de sentir a tela com Kohler, você sente com sons. O quadro em que você trabalha ao compor é baseado no intervalo de frequências na música da base mais baixa, que é de cerca de 20 hertz para o maior problema, que vai até 20.000 hertz. Agora há uma razão pela qual o kit de bateria acústica tradicional está configurado. O peso é, e isso é devido ao equilíbrio fora da faixa significando intervalos de freqüência. Cada tambor e elemento de percussão tem uma porta diferente fora da tela para sentir com sua cor . Para fazer a música soar completa e completa, você precisa sentir toda a tela. Por isso, quando criar o seu kit de som rítmico para a sua composição, certifique-se de sentir toda a tela, desde as frequências de graves mais baixas até os problemas mais altos . equilíbrio também significa que nenhuma parte fora deste alcance deve ultrapassar os outros. O ponto principal aqui é não colocar muitos sons em um intervalo. Em vez disso, faça com que todo o kit de som rítmico seja como um piso equilibrado para transportar toda a sua composição, composição, incluindo toda a gama de frequências na música. Deixe-me terminar com uma demonstração de som rápida, ou eles realmente fazem kit de som que preenche toda a tela de música com um uso equilibrado fora da faixa de freqüência completa. Na verdade, é ainda mais claro se olharmos aqui no piano. Rolar. Eu selecionei todas as portas na pista. Então, como você pode ver, ele vai da base mais baixa para os agudos mais altos aqui em cima. E é isso que dará um som amplo e completo ao seu kit de som rítmico. Incrível. Agora você aprendeu que é um compositor. Você é basicamente um pintor fora do som e que sua música deve equilibrar a faixa de freqüência completa , assim como um pintor sente sua tela inteira com cores. Agora, vamos continuar no próximo vídeo. 21. Equilíbrio de estereo: como compositor musical. Você também tem sua extensão de tela no campo estéreo dos quatro à esquerda para os quatro à direita. Você basicamente tem um palco para todos os seus sons serem colocados. Use isso a seu favor ao criar seu kit de som rítmico. Como regra geral, os sons e instrumentos mais profundos funcionam melhor nestes centros fora do campo estéreo, como os seus tambores. Grande percussão, baixa pulsação desde etcetera. Isso ocorre principalmente porque eles carregam mais potência e pressão sonora e, portanto, precisam da vantagem de ambos os alto-falantes. Mas digamos que você tem uma guitarra rítmica tocando com um piano rítmico ao mesmo tempo. Panned -los em direções opostas, e você vai criar um estéreo mais amplo e mais profundo faz em sua música. A Andi. Obtenha mais clareza e separação no processo. Seu objetivo é fazer com que seu kit de som rítmico tenha um campo estéreo equilibrado com muita separação e profundidade de usar o movimento panorâmico desligado. Deixe-me dar-lhe uma rápida demonstração de som. Tudo bem, então aqui eu tenho duas faixas, uma faixa de piano rítmico, que soa assim, e uma faixa de guitarra rítmica acústica, que soa assim por conta própria. Muito som. Realmente bom. Então temos dois padrões rítmicos diferentes. Então, o que acontece se eu jogar os dois juntos, mas os dois estão no meio? Então não há separação no campo estéreo? Vamos ouvir. Soa muito bem, mas posso adicionar mais separação no campo estéreo fazendo o movimento panorâmico. Digamos que o piano um pouco para a esquerda e a guitarra para a direita assim. Vamos exagerar, de fato, para torná-lo realmente óbvio. Então vamos ouvir agora, e você vai ouvir uma clara separação entre esses dois ritmos. Este foi um exemplo fora do para desligar o estéreo. Seu trabalho como compositor é equilibrar todos os seus instrumentos, incluindo seu kit de som rítmico no campo estéreo, sua bateria, suas portas de percussão, seus instrumentos rítmicos e comping. Todos eles devem ser colocados e equilibrados nos estados estéreo largos que você tem disponível quando você pintar na tela fora. Soar legal. Agora você aprendeu a desligar o campo estéreo e a separação ao criar seu kit de som rítmico , porque sua tela como compositor de música vai da extrema esquerda para a quatro direita. Tudo bem. Agora vamos continuar no próximo vídeo 22. Equilíbrio de profundidade: agora uma parte muito importante do seu kit de som rítmico é o equilíbrio da profundidade. Esta é uma dimensão extra que pode fazer a sua música som mawr tridimensional, e é criado equilibrando a quantidade e profundidade fora reverberação. Para todos os sons do seu kit de som rítmico, menos reverberação, mais perto e mais acima do som, para que você possa ter alguns sons mais para trás adicionando Mawr e Big River a eles. Use o alcance de profundidade para separar ainda mais e aumentar a separação de espaço dos seus sons rítmicos. Mas esteja ciente de que muita diferença na profundidade pode parecer estranha. Por exemplo, um som de tambor totalmente seco em uma mistura onde o resto dos sons estão em um grande buraco orquestral soará mal colocado. Então aqui está um kit de som rítmico que é equilibrado para um som cinematográfico orquestral. Temos bateria baixa, baixo bateria, baixo bateria, todos tocados em profundidade, um reverb inteiro orquestral e às vezes alguns mediadores extras. Oi, tambores de pressão do Tom vêm furar. São uns 10 fuzileiros. Alguns shakers extras aparecem, também encharcados em um enorme reverb buraco e, em seguida, alguns símbolos orquestrais. Então juntos eles soam como um kit de som completo e coerente dentro de um buraco de orquestra. Sim, você pode ouvir. Compare isso com este estilo E G M bate bêbado, que é muito apertado e seco, que significa não muito reverb em tudo, então isso não vai se misturar bem com este kit de som orquestral. Aqui, deixe-me tocar daqui e desde o início com o tambor orquestral. Ele não se mistura bem porque há muita diferença no equilíbrio fora da profundidade em todo este rítmico afundado ele. Seu trabalho como compositor é garantir que seu kit de som rítmico completo com todos os seus saltos, percussão e instrumentos rítmicos seja equilibrado no campo de profundidade. Isso é feito principalmente com reverberação, a quantidade de uso de reverberação para cada faixa e também quão grande o espaço fora do rio é incrível . Agora você aprendeu a profundidade de desligamento e a separação de três D ao criar seu soquete rítmico porque sua tela como compositor realmente tem uma dimensão de três d. Tudo bem, vamos continuar no próximo vídeo 23. Camadas para impacto: sons rítmicos, ritmos de condução e percussão, ou todos incrivelmente bem adequados para camadas. Porque quando você camada dois ou mais sons que disparam ao mesmo tempo, o resultado final parecerá um único som para o ouvinte. Mas com um novo tipo de cor, sons em camadas os tornarão mais ricos e poderosos, e é uma ótima maneira de obter impacto mawr. Funciona especialmente bem para acentos na música, por exemplo, é muito comum colocar uma tarola com um aplauso para obter um acento ainda mais poderoso ou vários sons em camadas para tornar o seu tambor de pontapés maior. Estamos tendo um sucesso do Big Tom na mesma batida de um tambor orquestral e talvez uma batida do “Cymbal ”. Camadas em ritmo é, fato, uma das formas mais fundamentais de aceitar batidas em sua música e também das melhores maneiras de criar novas, interessantes e únicas cores sonoras. Porque não só as próprias camadas importam, mas também como você escolhe misturá-las e misturá-las . Por exemplo, se você mesclar uma armadilha e um aplauso, poderá escolher como mesclar os níveis, bem como as dicas e filtros, a compressão e qualquer unidade de efeito especial por camada. Eu pessoalmente acho camadas para ser um dos portos mais divertidos e criativos fora, criando o seu kit de som rítmico para a sua música. Agora deixe-me dar-lhe uma demonstração de som rápida de usar o desligamento de energia em camadas tanto na criação de som rítmico garoto no arranjo de notas no sequenciador para criar novas cores, acentos mais proeminentes e um som único. Então eu compus este exemplo aqui com baixa percussão em baixo orquestral, bateria baixa, Tom alta, coqueteleira de Tom, símbolos e assim por diante. E se tocarmos cada um por conta própria, o baixo tambor orquestral, o baixo Tom e assim por diante, eles podem soar muito bem por conta própria. Mas é quando você os coloca juntos. E se entrarmos no piano roll e Butch, se eu selecionar todas essas partes, você pode ver isso Se eu me processar agora que os sotaques do tambor bate aqui na nota baixa aqui, ou ex entrou com camadas em lotes fora do outras portas de percussão, que é o que cria mais impacto sobre as batidas específicas. Então, se ouvirmos tudo juntos agora, parece incrível. Agora você aprendeu o poder de desligamento em camadas para criar cores novas e únicas e também para melhorar os acentos em sua música. Então vamos continuar no próximo vídeo. 24. Introdução O desempenho do ritmo: muitos compositores se concentram muito em melodias criativas e expressivas, motivos poderosos e progressões coloridas de acordes. Mas e o ritmo? As performances rítmicas em sua música é incrivelmente importante, já que é a música muito legal fora. E como tudo na música, ritmo também precisa de variação no desempenho, movimento de movimento e dinâmica. Para torná-lo interessante para o ouvinte, eu fiz uma lista de minhas melhores coisas para se concentrar em criar um ótimo desempenho com seu kit de som rítmico. Vamos passar por eles um por um neste modelo. 25. Variation em intensidade: um dos aspectos mais importantes de qualquer som rítmico é a intensidade de cada nota quão duro o tambor é atingido, quão intenso as cordas da guitarra ou dedilhado e assim por diante. A variação na dinâmica da intensidade mais alta marca um acento e a menor intensidade ou muitas vezes usado como notas de graça, que significa que eles são mal ouvidos, mas ainda adicionar algum tempero ao desempenho em seu D.W . muitas vezes usado como notas de graça,oque significa que eles são mal ouvidos, mas ainda adicionar algum tempero ao desempenho em seu D.W. valores de velocidade de 0 a 127 o mais suave de suave para o mais alto de alto. Então aqui estão duas notas de piano. O 1º 1 tem o valor de velocidade de um, e o 2º 1 tem 127. Como você pode ver, esse é o Mex, e este é o mais baixo com que você pode tocar uma nota. Então, se eu tocar isso agora, você realmente vai ter que ouvir com muita atenção para realmente até ouvir o som desligado. Esta primeira nota aqui e depois esta será explodindo em volume total. Então prepare-se para isso agora. Claro, este foi um exemplo extremo. Então deixe-me voltar para o sequenciador e então você esta faixa de piano e eu preparei uma pista de bateria, bem como uma faixa de baixo. E a razão pela qual este esporte está mais em vermelho é porque eu entrei no editor de rolo de piano e aumentei os valores de velocidade dessas notas. O valor médio aqui nesta porta é muito mais alto do que o valor médio da velocidade aqui, aqui, e você pode ver essas cores aqui, que é mais verde e azulado aqui e nesta parte, mais amarelos e vermelhos, que são as cores, pelo menos a lógica usa para indicar os valores de velocidade de cada nota. Então, se ouvirmos isso agora, vocês ouvirão que é uma intensidade muito maior nesta segunda parte da primeira parte. Então vamos ouvir, e a variação na intensidade não é apenas importante para um som individual, também importa muito para toda a seção rítmica como um todo, por exemplo. Normalmente, o coro fora do seu próprio tem uma intensidade média maior, especialmente para as partes rítmicas, vez que são o núcleo que impulsiona a música para a frente. Seu objetivo é usar o intervalo de intensidade como um desempenho dinâmico para, a fim de tornar seus ritmos Mawr envolvente e interessante e, como resultado, ainda mais poderoso,uma ainda mais poderoso, vez que os acentos vai se sentir mais forte se eles são cercado por células menos intensas. Ótima. Agora você aprendeu a importância da variação na intensidade e se concentrar nessas dinâmicas e valores de velocidade de cada nota em seu desempenho. Então vamos continuar no próximo vídeo. 26. Variation em complexidade: você pode ter looks acontecendo nos ritmos, o significa muitas notas em cada barra em muitos instrumentos diferentes, que você pode ver aqui nesta seção, que tem muitas coisas acontecendo nos padrões rítmicos. Ou você pode ter uma batida muito simples, que você pode ver um exemplo aqui. Mas você precisa de variação em todas as seções de sua música e para todos os elementos rítmicos individuais . Por exemplo, a interporta de uma composição geralmente tem um ritmo muito simples para guiar o ouvinte para o sulco da música. E então ele pode ficar mais complexo em outros portos fora da composição, os padrões rítmicos mais complexos e BC, ou coisas como as transições de Phil entre seções e, claro, as almas clássicas de tambor e percussão. Seu objetivo é criar um interesse mais dinâmico e variação na ação e expulsar sua música usando o alcance fora da complexidade em suas partes rítmicas de simples e esportes muito complexos e densos. Agora deixe-me dar-lhe uma rápida demonstração sonora fora, construindo a complexidade, indo de simples e esportes para um ritmo muito mais complexo e interessante. Então eu tenho duas faixas tocando um ritmo aqui, uma bateria e uma base, e eu marquei a primeira seção azul escuro e esta vermelha. Então este sistema ou padrões rítmicos simples e, em seguida, esta seção é muita complexidade de contratação , que você pode ver se eu entrar no editor de rolo de piano. Há muito mais anotações acontecendo nesta festa. Ambas as partes compartilham o mesmo templo e estrutura de acordes. A única diferença aqui é a complexidade fora dos padrões rítmicos. Então, vamos dar uma escuta. Incrível. Agora aprendemos a importância da variação na complexidade fora de seus ritmos e nos concentramos nas várias seções de sua música, bem como nos ritmos individuais de cada instrumento. Tudo bem, vamos continuar no próximo vídeo. 27. Variation em padrões: variação nos padrões Villa Mick, uma vez que o ritmo é o núcleo e âncora fora da música. Este é um dos aspectos mais difíceis de equilibrar em uma composição, porque o ouvinte precisa de um ritmo para segurar algo que pareça familiar e previsível. Mas, ao mesmo tempo, ele deseja variação. Como compositor, você precisa equilibrar essas coisas repetição versus variação nos padrões rítmicos que você cria em sua composição. Você precisa de repetição para definir a âncora fora da rota Big Foundation. Mas ele também precisa de alguma variação para criar uma música mais interessante. A melhor maneira de introduzir a variação é, naturalmente, nas diferentes seções da sua música e também nas transições entre elas. Mas você também precisa de alguma variação nos ritmos dentro das seções individuais. Um pobre natural para adicionar alguns espiões na bateria e percussão é, por exemplo, cada quarta bola com um pouco de preenchimento. Você também pode introduzir variação adicionando outra camada de som ou até mesmo um símbolo como soltar um som no meio do ritmo porque na música, silêncio é tão importante quanto os sons. Seu objetivo como compositor de música é criar um bom equilíbrio entre repetição e variação em seus padrões rítmicos ao longo de sua composição. Muitos aspirantes a compositores ou melodias maiores, acordes e harmonias, mas às vezes esquecem de gastar tempo e energia para exibir esses detalhes e variações muito importantes nos portos rítmicos. Agora deixe-me dar-lhe uma rápida demonstração ou variação nos padrões rítmicos. Então eu tenho duas faixas aqui, uma faixa de bateria e uma faixa de baixo, e eu realmente marquei com coolers os pequenos preenchimentos que eu adicionei para adicionar variação nos clientes fora dos ritmos. Portanto, é comum para cada quarto furo 1234 aqui, aqui no final antes que a próxima placa comece a ter um pouco de preenchimento, especialmente para os tambores e percussão. Mas eu também incluí algumas variações na linha de base aqui também. E no final da pista, Eu tenho um pouco mais variação nos padrões para a base e o final fora do quarto furo aqui e para esta seção antes do final da pista, e eu até adicionei uma pequena variação no padrão no porto final a cada segundo furo aqui. Então aqui, vamos dar uma escuta para ter esses sons e, de fato, vamos assistir nos editores de rolo de piano para que você possa ver tudo por si mesmo muito mais claramente. Tudo bem, então temos a primeira pequena variação aqui no final do furo, também, como você pode ver aqui. Ah, o fim fora da barra quatro, que vai para a próxima seção aqui, o fim da segunda barra da seção dois. Você pode ver o pequeno preenchimento aqui, e claro, o final da pista tem muito mais variação nos padrões rítmicos. Então, agora vamos ouvir tudo isso. Fascinante, não é? Agora você aprendeu a importância da variação em seus ritmos, mas você precisa estar ciente do equilíbrio entre repetição e variação. Muito pouca variação e os ritmos soarão estáticos, maçantes, solares e não inspiradores. E muita variação soará como um baterista fazendo uma alma louca e se recusa a parar. É seu trabalho como compositor encontrar esse equilíbrio para cada peça de música que você cria. Tudo bem agora, vamos continuar no próximo vídeo 28. Variation no cronismo: A música é mais do que simplesmente notas no papel ou na grade da sua vida. É uma conexão humana com sua alma artística sobre o que nos torna humanos. Nossas imperfeições também são o que parece mais natural e emocional na música. Isso significa que é um compositor que produz música em um DEA W. Você precisa se concentrar em ter variação no próprio timing fora de todos os instrumentos, sons e faixas em seu projeto, tanto o tempo geral quanto o tempo para notas individuais. Por exemplo, em termos musicais, quando a música é tocada ligeiramente antes da batida, é chamada de pressa porque cria uma vibração mais enérgica e bem da Rússia. E quando os novos sinais são tocados ligeiramente após a batida, é chamado de arrastar, que parece que a música está atrasada e isso faz você ficar no limite com antecipação. Para cada nova nota, você pode ter várias seções de sua música. Ou apressar ou arrastar para introduzir variação no próprio grupo fora da sua música, e você vai se surpreender como até mesmo pequenas mudanças no timing fora do groove podem fazer uma enorme diferença para a vibração de energia fora de sua composição. Por exemplo, ter sua música arrastando um pouco antes do refrão pode criar grande antecipação e tensão antes que o refrão bate e ter na Seção Russia bit pode torná-lo mais enérgico. Por exemplo, no refrão, outro aspecto muito importante do tempo em um D.W . é para monetização. Se você chamar liga tudo 100% para a grade, você basicamente removeu todas as pequenas imperfeições no tempo que fazem a música soar viva e humana. Eu recomendo que você use menos força Qantas ação e, em vez disso, ajuste manualmente o máximo de notas de tempo em suas performances. E ao falar sobre diferenças de tempo, não só o ponto de partida de cada nota importa, você também deve ter uma variação no tempo fora dos comprimentos da nota. Por exemplo, digamos que você tenha uma linha de base com oitava notas. Bem, para torná-lo mais musical, humano e vivo, você não deve ter todos os modos ter exatamente oito nós de comprimento na nota. Alguns podem ser ligeiramente mais curtos e outros um pouco mais longos. Seu objetivo como compositor é usar todos os elementos de tempo na música, como correr e arrastar tempo fora de pontos de partida para cada nota, bem como comprimentos de nota para dar seu P mesmo ou animado, expressivo orgânico sobre o resultado emocional. Agora deixe-me dar-lhe uma rápida demonstração sonora de um ritmo robótico estático sem variação de tempo versus um desempenho rítmico com todas essas imperfeições essenciais de tempo humano e orgânico que realmente faz a música ganhar vida. Tudo bem, então eu tenho que ir para os portos aqui. O primeiro Greenport é em linha reta Quoteit, ized, estático e Solis. E a segunda parte, eu adicionei variação no tempo em ambas as notas começa e comprimentos de nota. Como você pode ver, se entrarmos no papel de piano para a primeira parte e dermos uma olhada aqui, tudo é muito reto e kwon mais apertado. Por exemplo, aqui o PM relata oitava notas retas sem variação nem no comprimento nem no ponto de partida . A linha de base também é estática, e se formos para a segunda parte, vamos verificar o piano aqui. Aqui você verá muita variação em notas, comprimentos e horários, e aqui está a base para a segunda parte. Como você pode ver variação no comprimento da nota e horários, especialmente a primeira batida fora. Cada recém-nascido é mais longo, e eu também alinhei toda a porta base ligeiramente para a esquerda, como você pode ver nas notas, pontos de partida em comparação com a grade. Então vamos ouvir a diferença entre a primeira porta mais estática e robótica. Em comparação com o segundo, mais animado e humano se sentir Grande. Agora você aprendeu a importância da variação no timing em todos os aspectos da composição musical , então vamos continuar no próximo vídeo. 29. Variation no Tema: variação no tempo. Este é um aspecto da música que é extremamente poderoso para a resposta emocional. Mas é também algo que muitos compositores e produtores hoje não aproveitam ao máximo . Se você ouvir filme, música e música orquestral, você vai ouvir e mawr sentir muito ou variação no templo durante a composição. Basicamente, isso significa que, em vez de ter um BPM estático para toda a música, você automatiza as mudanças no templo em toda a sua composição. Para música pop como Brooke E G. M bate etc. Você também pode usar a variação do templo de desligamento para obter uma experiência mais poderosa e envolvente . Por exemplo, ter o verso ser ligeiramente menor bpm no refrão, ligeiramente mais alto para ADM ou energia ou ter o final da canção Gold Down in BPM, o que é muito comum para bandas ao vivo e peças orquestrais. Outra grande técnica é descer no Templo pouco antes do coro porque vai estender o esporte pré-coro um aumento da tensão e antecipação. Isso fará com que a introdução do refrão pareça que ele bate ainda mais difícil, e o ouvinte estará no céu, então certifique-se de que você não caia na armadilha simplesmente escolhendo um BPM para sua música e, em seguida, tê-lo estático ao longo do composição inteira. Lembre-se sempre da regra de ouro da música, variação, movimento, movimento e dinâmica. Estas são todas a essência do que torna a música expressiva, emocional e envolvente para o ouvinte. Agora deixe-me terminar com uma rápida demonstração sonora sobre como podemos usar a variação no templo para dar sua música e ritmos e uma dimensão muito mais rica e profunda, a fim de criar sua história musical de forma mais poderosa. Então, aqui neste exemplo, você pode ver que eu adicionei Temple Automation para a pista. Eu começo com 100 BPM na primeira parte e, em seguida, antes do curso chegar, que é aqui, eu adicionei automação de tempo para ir para baixo no BPM, que aumenta a detenção e a antecipação para o ouvinte. E então os núcleos atingem e eu vou até 103 bpm, que é um pouco maior do que eu comecei com. Então isso corresponde terá mais energia, e então no final da faixa, eu desço drasticamente em BPM, como você pode ver aqui, que cria muita antecipação para esse hit final fora da música, Então Vamos dar uma escuta. Aqui está um fato estilo fantasia que eu compus para um trailer em um dos meus canais do YouTube. E como podem ver, tenho uma pesada automação de templo aqui no final da peça para trazê-la a um final mais relaxante . - Incrível . Agora você aprendeu como e por que variações de tempo em sua música ou tão incrivelmente poderosas para adicionar movimento e movimento em sua história musical, então certifique-se de aproveitar a variação do templo de desligamento de energia em sua música agora mesmo. Vamos continuar no próximo vídeo.