Como desenhar personagens para animações usando o Adobe Photoshop

1. Trailer do curso: Ilustrar personagens é uma das partes destacadas do meu trabalho como designer de animação. [MÚSICA] Muitas vezes essenciais para fins de narrativa e demonstração, os personagens também podem adicionar uma tonelada de charme a uma animação. Como ilustradores, temos a capacidade única de inventar histórias de fatos peculiares, empurrar proporções corporais ou até mesmo inventar um personagem de uma maçã podre ou de um dente desencarnado. Ei, você. Sou Sarah Beth, e sou diretora de animação, ilustradora e designer. Dirigiu comerciais animados para empresas como Bath and Body Works e Facebook, e recentemente até dirigi minha própria animação para estrear em festivais de cinema em todo o mundo. Adoro infundir proporções abstratas únicas e traços de personalidade inesperados aos meus personagens. De trabalhar em estúdios de movimento como Scholar e Oddfellows até agora dirigir com Hornet, tive especialmente a maravilhosa oportunidade de explorar personagens de design. Bem, eu não animo pessoalmente em projetos, estou constantemente liderando grandes equipes de designers e animadores que trazem ilustrações ainda à vida. Eu crio principalmente teias de estilo no Photoshop no início dos projetos, e depois passo meus arquivos de ilustração para animadores talentosos. Mas, para passar esses designs com facilidade, é sempre melhor considerar o processo de animação completo. Nesta aula, vamos analisar exclusivamente o processo de pré-movimento de projetar personagens para animação. Primeiro vou apresentá-lo ao mundo dos personagens em movimento, destacando personagens animados de células bem como personagens manipulados. Discutiremos como os personagens podem ser usados para apoiar a narrativa animada. Também começarei a orientá-lo pelos vários estágios de construção de seu próprio personagem bidimensional no Photoshop, desde a história de fundo ao esboço até o design completo. Vou guiá-lo através da proporção, posando e muito mais. A melhor parte é ouviremos de um animador talentoso, meu marido, Tyler [RISOS] que fornecerá algumas dicas e truques ao longo do caminho. Tão legal. Bem, sem mais delongas, vamos fazer um personagem juntos, mas espero que não este. [MÚSICA] 2. Projeto do curso + materiais: [MÚSICA] Nesta classe, estaremos trabalhando juntos em um projeto, projetando nossa própria vinheta de personagem única. Este será apenas o design e vamos nos aproximar deste projeto como se tivéssemos um animador para passá-lo como a maioria dos designers de personagens fazem na indústria de movimento profissional. A maneira como sempre abordei projetos é com uma mentalidade de estúdio. Sempre sinto que me prepara para o mundo real, clientes reais, projetos reais pagos. Mesmo que eu esteja trabalhando em um projeto de paixão, costumo configurar meus projetos da mesma maneira que meus profissionais, porque honestamente isso só me mantém organizado. Com isso dito, hoje vamos mergulhar em um resumo de cliente ficcionalizado para estruturar essa classe. Nosso cliente é uma loja de presentes IRL chamada The Gift Stop. Eles estão procurando você e vários outros artistas para criar postagens quadradas de mídia social mostrando seus incríveis clientes e produtos. Eles também mencionaram que passarão seu design para um animador de personagens, quão conveniente, então seu design precisa ser configurado para isso. Não se preocupe, entraremos no que o resumo realmente diz com mais detalhes um pouco mais tarde. Agora, para abordar esse resumo, obviamente estaremos criando um personagem do zero. Vou orientá-lo pelo meu processo de criar meu próprio personagem e você pode acompanhar comigo e criar o seu próprio. No final, nós dois teremos um personagem divertido e único para usar em nossos portfólios ou nas mídias sociais ou onde você quiser colocá-lo. toda a turma, vamos passar por cima concepção, esboçar, posar, tirar uma foto de referência, adicionar cores em detalhes e, especialmente, como configurar seu personagem para animação. Se você está tendo problemas para criar seu próprio personagem, eu também forneci esta lista de prompt prático que você pode encontrar no livreto de classe para download, que está nos recursos do projeto abaixo. Este folheto de aula também inclui uma visão geral da classe e tem dicas e truques adicionais. Se você planeja seguir junto com o projeto, certifique-se de abrir o Photoshop e prepare-se. Eu pessoalmente uso uma Wacom Cintiq para desenhar, mas um tablet também funcionará. [MÚSICA] Você também é mais do que bem-vindo para usar o Illustrator ou o Procreate. Mas não vou examinar nenhuma dica específica para esses programas específicos porque usarei o Photoshop. Você também pode desenhar em papel e depois tirar uma foto do seu esboço e finalizá-lo no Photoshop. Portanto, há muitas opções. Não fique muito preocupado se você tiver ferramentas diferentes das que eu, tudo acabará da mesma forma. Nessa nota, sei que muitos animadores preferem arquivos do Illustrator e você pode ficar confuso sobre o motivo pelo qual estou usando o Photoshop. Pessoalmente, acho que, como designer, Photoshop é muito mais libertador para esboços e adição de texturas. Eu também, pessoalmente, aprendi o Photoshop primeiro, então é nisso que está minha experiência e é nisso que me sinto mais confortável compartilhando com você. Todos trabalham de forma diferente e estou apenas compartilhando meu próprio processo. Finalmente, se você quiser tirar o máximo proveito desta aula, eu encorajaria você a se envolver com outros alunos e com a comunidade aqui no Skillshare. Você pode convidar seus amigos para levá-lo com você, fazer perguntas uns aos outros, colaborar, talvez você possa comentar sobre projetos de outros alunos para ajudar a melhorar o trabalho uns dos outros. Como sempre, [MUSIC] publique na guia de discussões abaixo se você tiver alguma dúvida para mim enquanto está passando pela aula. Estou bastante ativo aqui no Skillshare, então provavelmente responderei rapidamente. [MÚSICA] 3. Introdução aos personagens em movimento: [MÚSICA] Neste vídeo, vamos mergulhar nos aspectos conceituais e técnicos básicos aspectos conceituais e técnicos de projetar personagens para promoção. Estarei ajudando a responder perguntas como o que um personagem contribui para uma narrativa? Ou como configuro meu arquivo de design de personagens para o processo de animação? Muito do conhecimento sobre personagens que coletei está no trabalho na Motion Studios. Não há uma maneira correta começar a projetar um personagem. Existem infinitas possibilidades. Embora muitos outros animadores e designers possam fazer coisas de uma certa maneira, vou orientá-lo pelo meu processo pessoal de design de personagens. Vamos nos concentrar no design real de personagens a partir do zero. Isso envolve muitas coisas, incluindo a base de concepção e história de fundo de personagens. Você não fará nada sozinho neste vídeo de introdução em particular, mas sinta-se à vontade para fazer anotações ou deixar perguntas na guia Discussões. Isso é importante saber antes de começarmos com esboços. Vou apresentar-lhe os fundamentos do design de personagens para o movimento, lançando as bases para o projeto do nosso cliente. Primeiro, apresentarei diferentes maneiras de usar personagens para suportar histórias animadas, analisando exemplos de diferentes tipos de personagens. Falaremos sobre o uso do After Effects versus cel, conceber, tirar suas próprias fotos de referência, esboçar e abstrair. No final do vídeo, vou até abrir alguns dos meus próprios arquivos de personagens organizados para você ver. Mas antes de entrarmos na nitty-gritty dos personagens, é por isso que vocês estão todos aqui, eu quero mergulhar em um pouco da minha própria história de fundo para lhe dar algum contexto, que experiência eu tenho e por que estou qualificado para ensinar esta aula. Bem, sempre me interessei em desenhar pessoas. Começou com isso e depois personagens de mangá e anime quando eu estava no ensino fundamental e progredi lentamente a partir daí. Depois que me formei no Savannah College of Art and Design com um diploma em Motion Media Design, comecei meu primeiro trabalho Motion Studio chamado Scholar em Los Angeles. Foi lá que eu realmente comecei a me mudar para o meu próprio com design de personagens. Na verdade, aqui você pode ver alguns dos meus primeiros designs de personagens criados no Scholar. Fiquei tão frustrado quando desenhei isso. Eu estava realmente lutando tanto com proporção e iluminação, etc., apenas tudo, mas eu avançei. No final do meu tempo na Scholar, eu estava obtendo um controle melhor sobre proporção e criando designs de personagens encantadores. Aqui está um de uma série de pontos que eu arte dirigiu para Nexium antes de sair. Este foi animado por Chris Anderson. Preciso ressaltar aqui que não animo meus próprios personagens. Entendo os processos do After Effects e da animação cel em nível profissional, mas deixo a equipe de animação dar vida aos meus projetos. Então, tudo o que você vê nesta apresentação foi animado por outro membro da equipe. Você realmente verá todos esses créditos ao longo do vídeo. Depois do Scholar, mudei para meu tempo no Motion Studio Oddfellows, onde minhas habilidades de design e direção progrediram. Tive a oportunidade de trabalhar em vários estilos e variedade de personagens diferentes para clientes como Adobe, Google, Airbnb, Capital One e muito mais. Aqui está um pouco do meu trabalho coletivo hoje como diretor e ilustrador freelance. Eu projetei em uma ampla gama de estilos como você pode ver. termos de processo, trabalho principalmente no Photoshop e transmito meus arquivos do Photoshop para animadores. Estou ciente de que os animadores do After Effects às vezes preferem arquivos do Illustrator, às vezes preferem arquivos do Illustrator, mas eu pessoalmente nunca tive problemas com isso no meu processo. Acredito que a coisa mais importante que podemos fazer aqui como promoção de designers, é criar personagens propositais e intrigantes que respondam a um cliente ou narrativas perguntam. Embora eu sempre enfatize a importância de arquivos funcionais limpos para entregar ao animador, meu trabalho é menos sobre apaziguar o animador e mais sobre fazer com que os personagens pareçam corretos para o projeto e cliente. Tenha isso em mente enquanto você estiver trabalhando em seu personagem. Agora que nos conhecemos um pouco, vamos começar as coisas que você está aqui. Agora, o que exatamente é um personagem? Por mais brega que seja, vamos ver qual é a definição clássica do dictionary.com de um personagem. O agregado de características e características que formam a natureza individual de alguma pessoa ou coisa. Devo dizer dictionary.com não está errado, mas essa definição é a definição mais básica e não se refere a nenhuma situação específica. É realmente um pouco difícil de ler. Eu tive dificuldade em tentar entender o que isso significava. Vamos tentar em algumas palavras diferentes, minhas próprias palavras. No contexto do movimento, eu pessoalmente digo que um personagem é uma personalidade viva ou animada que é criada para evocar uma mensagem significativa. Um personagem pode ser um pai humano desgrenhado correndo para uma escola primária para pegar sua filha em um comercial de aluguel de carros. Pelo contrário, um personagem também poderia ser um saco deprimido de batatas fritas com um rosto, sentado sozinho na despensa da cozinha. [RISOS] A verdadeira questão é o que um personagem traz para uma peça? Na animação, as marcas usam personagens para um propósito, para dar vida à sua declaração de missão. Eles os usam para humanizar e aterrar seu produto ou outro objetivo. Os personagens adicionam relacionabilidade, as pessoas gostam de se ver em comerciais ou curtas-metragens, eles adicionam significado envolvente e cativante a uma narrativa. confira esta peça de Oddfellows onde eles literalmente pegam um testemunho real de um cliente e trazem suas palavras à vida através de um personagem pateta. América ama Prego, mas não tome nossa palavra para isso, pegue Treyes3s. É literalmente o melhor molho de todos os tempos. Eu beberia se fosse socialmente aceitável. Vá com um molho que a América ama, vá Prego. Como você pode ver, o personagem realmente traz muito para a tabela literal. Ela faz Prego parecer divertido e sedutor, mesmo que eles literalmente apenas vendam molhos básicos de tomate. Vemos personagens usarem uma e outra vez para reforçar as marcas e trazê-las à vida. Uma forma popular disso é realmente pegar a marca e transformá-la em um personagem em si. Essa marca se torna indistinguível de uma personalidade como a GEICO Gecko ou seu clássico M&M's. A maioria das pessoas associa totalmente Geico a uma lagarta agora. Às vezes, eles até imaginam comer M&M com rostos pequenos, o que na verdade é bastante perturbador. Pense nisso. Antes da lagartixa, não havia nada emocionante lá fora sobre as companhias de seguros. Eles eram chatos. O personagem gecko trouxe a ideia complicada e chata de seguro de volta à Terra e fez com que os espectadores quisessem interagir com a marca. Geico ficou muito memorável. Além de as marcas realmente se tornarem personagens, há o uso mais comum de personagens como reforço. Esses números não incorporam as qualidades das marcas, eles apenas ajudam a contar uma história ou transmitir sobre a missão da marca, como o que vimos nesse anúncio Prego um casal de minutos atrás. Aqui está outro que faz esse ponto muito bem para o Etsy. Esses personagens tolos estão reforçando a mensagem de criar e comprar no Etsy para o Dia dos Namorados. [MÚSICA] Agora, eu sei que nem tudo é sobre publicidade, então, se você aplicar esses dois tipos diferentes de personagens para contar histórias, você pode dizer que um personagem realmente incorpora o conceito geral de sua narrativa, ou os personagens são elementos de suporte que ajudam a retratar essa narrativa. Como você pode ver em alguns dos exemplos que mostrei, nem todos os personagens precisam ser humanos ou envolver proporções humanas, então, quando e como você decide usar um personagem não humano? Assim como com todas as perguntas que proponho aqui, minha resposta é simples. Faça isso quando ele conceitualmente fizer sentido. Tudo depende realmente de você ou do objetivo do cliente. Esta primeira pequena animação à esquerda foi um personagem que criei para incorporar a emoção da ansiedade criativa. Fazia sentido conceitual para mim criar um caráter rabiscante, vacilante, mas neutro para isso. Se eu tivesse usado um personagem humano aqui, acho que não seria realmente lido como a emoção da ansiedade per se. O personagem à direita é da campanha de animação Seed Matters de Buck. O objetivo da organização sem fins lucrativos é aumentar o rendimento e a variedade de sementes orgânicas nas fazendas. Naturalmente, fazia sentido ter uma semente orgânica real dizendo ao espectador a cauda de sua perspectiva. Isso ajudou a comemorar uma história envolvente que o espectador lembraria. Eu poderia falar sobre o propósito conceitual dos personagens o dia todo. Eu poderia até entrar no desenvolvimento de personagens para narrativa escrita, TV, curtas-metragens e assim por diante. Mas você está aqui agora porque você tem algum interesse em personagens para animação e movimento. Como me especializei em animação comercial, vou falar com minha própria experiência naquela avenida. A distinção mais importante na animação de personagens 2D na minha experiência foi entre o After Effects e a animação cel ou quadro a quadro. Há também personagens animados em 3D, mas isso está totalmente fora do meu armazém, então vou fingir que esses não existem por enquanto. Animar personagens no After Effects é drasticamente diferente dos personagens animados cel. Vou explicar a diferença agora. Os personagens do After Effects geralmente são manipulados para animação, como você pode ver aqui nesses exemplos. Se você não tem certeza do que é aparelhamento, não se preocupe, você não está sozinho. É muito técnico. Isso significa essencialmente que você está configurando uma armadura ou esqueleto de trabalho para animar o design do personagem. O animador tem que pegar seu design, separá-lo membro a membro, até mesmo junta a junta, e depois conectá-lo ou emparelhar todas essas peças juntas para que elas reajam umas às outras movimento. Essa configuração leva algum tempo, mas dá ao animador controle total do personagem quando a plataforma é configurada corretamente. A desvantagem de manipular personagens e After Effects é que há menos movimento fluido. Você tecnicamente não seria capaz transformar completamente um personagem usando um equipamento, pois ele ainda vive em um plano 2D. Você não seria capaz de ter um personagem entrando e fazer uma grande mudança de perspectiva ou impulsionar uma transição, etc. Eu diria que a animação de personagens do After Effects é mais acessível para as massas, no entanto, como animação quadro a quadro requer muito desenho e treinamento. animação do After Effects por outro lado, não requer necessariamente que o animador seja bom em desenhar. animação quadro a quadro é chamada de animação celular, porque os animadores tradicionais costumavam desenhar cada quadro em uma folha transparente de celulóide. Cel é basicamente apenas uma abreviação para animação desenhada à mão. É preciso muita prática e muitas escolas de arte têm diplomas em animação 2D tradicional que você pode participar. É tão louco quanto parece literalmente. Essencialmente, o animador cel levará design do seu personagem e literalmente desenhará todas as versões de cada quadro que você vê na tela repondo à medida que eles vão. Existem programas usados hoje, como TVPaint e Adobe Animate, que facilitam esse processo. Mas, normalmente, leva muito mais tempo e é mais meticuloso. Também pode ser mais difícil abordar o feedback do cliente, pois você terá que redesenhar tudo. O lado positivo é que os resultados podem ser absolutamente impressionantes. Se você ou alguém da sua equipe é um ótimo animador cel, você realmente tem possibilidades ilimitadas. A única restrição é a sua mão e as necessidades do cliente. Como você provavelmente pode dizer de todas essas informações é que, a maneira como algo deve ser animado pode realmente afetar a maneira como você projeta bastante. Se você projetasse um personagem para aparelhamento e After Effects, você teria que ser muito mais técnico com a forma como você está separando seu personagem e rotulando suas camadas. Você gostaria de ter certeza de que coisas como o braço e o antebraço estão em diferentes camadas rotuladas, você provavelmente precisará incluir juntas arredondadas para tornar a plataforma menos óbvia. Talvez seja necessário criar versões diferentes do personagem para diferentes plataformas. Seu trabalho como designer de animação celular pode ser esboçar um personagem em poses diferentes ou criar uma folha de retorno de personagens para que o animador entenda todas as suas proporções e ângulos. Você também pode precisar ilustrar diferentes poses principais na animação, que o animador saiba como desenhar o personagem para diferentes ações ou perspectivas. Aqui está uma lista das coisas que você faria para preparar seu arquivo para o After Effects em cel-animation. Agora vou analisar isso muito mais detalhadamente no final da aula depois de termos realmente terminado nosso design de personagens. Mas aqui está uma pequena folha de truques para você olhar com antecedência. Aqui está um exemplo de pode ser uma reviravolta de personagem. Esta é uma reviravolta de personagem muito achatada e muito básica que eu fiz para um projeto. Como você pode ver, eu também a tenho em uma roupa diferente porque isso pode afetar a maneira como ela se move. Mas se você estiver trabalhando em um personagem animado cel mais tradicional ou em um filme narrativo, você pode ser solicitado por algo mais detalhado como este, onde você pode ver mais ângulos do personagem, você pode ver mais do volume, mais sombreamento e iluminação. Tudo isso para dizer, é por isso que eu sempre enfatizo a comunicação com seu animador desde o início. Abordar todas essas preocupações nem sempre será possível se a equipe de animação começar após a equipe de design para um projeto específico. Mas há maneiras de descobrir isso desde o início, conversar com seu produtor ou diretor de arte e perguntar se você precisa configurar o personagem para aparelhamento ou se você precisa projetar a reviravolta do personagem para o animador cel. Não faz mal fazer perguntas e economizará muito tempo e esforço à equipe mais tarde na fase de animação. Obviamente, se você é o animador e está animando seu próprio design, provavelmente deve pensar em sua técnica antes de projetar seu personagem. Certifique-se de que você tenha os recursos para animar seu personagem da maneira que quiser. Dito isso, eu não quero entrar também nas ervas daninhas de como realmente aplicar essas edições até mais tarde na aula. Mas eu quero que você esteja ciente deles desde o início. Agora é hora de realmente sair dessa apresentação por um segundo quente e abrir o Photoshop e mergulhar em alguns dos meus arquivos de personagens. Este primeiro que vamos olhar é um personagem animado cel. [MÚSICA] Isso foi animado por Tyler Morgan, quem vamos falar em poucos minutos, e projetado por mim mesmo, também animado por algumas outras pessoas incríveis em Oddfellows como Josh Parker e Kavan Magsoodi. Mas o que eu queria mostrar aqui é que há tantas poses diferentes em que vemos esse personagem. Como tudo é tão rápido e rápido, talvez seja uma dor de cabeça tentar equipar cada pose. que basicamente significa que você teria arrumar todos eles, membro a membro e animá-los como uma marionete, então decidimos fazer isso em animação cel-. Eu tenho alguns arquivos de exemplo diferentes aqui do personagem. Eu só queria te mostrar rapidamente como isso seria configurado. Eu sempre separa a cabeça e os braços e tudo mais, só para que o animador tenha isso para trabalhar. Embora eles possam não usá-lo necessariamente, será muito útil se eles tiverem que entrar mais tarde e adicionar textura e outras coisas. Por exemplo, toda essa textura, provavelmente não rotulada 100%, do jeito que eu gostaria que fosse. Este é um arquivo antigo. Eu sempre gosto de manter essas camadas de textura separadas. Todos os detalhes e tudo caso o animador precise entrar e pegar essa textura para mapear o personagem. Então, porque temos esse personagem e um monte de poses diferentes, será uma cabeça diferente para cada personagem, um braço diferente, um ângulo diferente, uma perspectiva diferente. Tudo está quebrado de forma diferente. Então a outra coisa importante que eu queria mostrar aqui foi, como você pode ver no vídeo no final vemos a personagem passar por todas essas diferentes perspectivas e poses quando ela está voando por esse campo de papel. Para que o animador de personagens realmente dê vida a isso através do cel, eles precisam ver todas as diferentes poses. Então, temos nosso personagem principal aqui, mas há todas essas poses diferentes que foram desenhadas para mostrar como o personagem se moverá ao longo da animação. Temos todos esses aqui para que o animador possa desenhá-los com sucesso enquanto segue em frente. Agora, isso provavelmente é mais trabalho do que você teria que fazer. Muitas vezes, o animador de personagens descobrirá isso sozinho. Mas se você quer que seu personagem fique realmente preciso, você vai querer realmente desenhar as poses para eles, porque você não quer que eles entendam as proporções erradas ou algo assim. O segundo que eu queria mostrar a vocês era uma animação de personagem do After Effects. [MÚSICA] O que é azia? Azia é uma sensação de queimação desconfortável no peito ou na garganta. Ocorre quando o ácido do estômago sobe do estômago e irrita o esôfago. Isso pode ser tão irritante quanto os dedos por um quadro-negro onde esses dedos estão pegando fogo, e o quadro-negro é, na verdade, seu esôfago. Azia frequente é azia que ocorre mais de duas vezes por semana ou mais de quatro vezes em uma quinzena se você for britânico. Saiba mais sobre azia na página do YouTube Nexium 24 horas. Como você pode ver, existem poses diferentes para esse personagem, mas há muito mais mínimas e a própria personagem é mais robótica, eu diria. animação de personagens do After Effects nem sempre é igual a robótica. Mas você pode dizer que os pés estão fora de ângulo com as calças, e eu acho que este foi animado um pouco mais rápido, então não foi tão refinado. Mas você pode ver que tudo é feito mais com quadros-chave em vez de desenhado quadro a quadro. O que quero dizer com isso é o equipamento do After Effects, que é uma ferramenta muito útil. Tínhamos basicamente duas poses para esse personagem. Tivemos a pose ambulante no início e a pose push-in onde olhamos para o esôfago dela, onde a câmera a amplia. Você pode ver tudo isso, o personagem tem texturas e tudo mais. Mas porque eu sei que isso ia ser quebrado conjunto por articulação, eu precisava ter certeza de que o antebraço estava separado do cotovelo e a parte superior do braço estava atrás da camisa e talvez as franjas são até separadas para que o animador possa animar seu cabelo se movendo. Há apenas muitos elementos. Então outra coisa que você gostaria de ter em mente é que se eles estiverem fazendo um ciclo de caminhada como este, você gostaria de separar as pernas para que, quando você desligar a perna da frente, você ainda possa ver o perna traseira. Você não quer apenas desenhá-lo para que ele não esteja lá por trás dele. Mas é praticamente assim que você configuraria seu personagem para animação do After Effects. Você gostaria de ser muito preciso ao nomear cada camada, que é o que eu fiz aqui, ao contrário da animação celular eu realmente não fiquei muito preciso com toda a minha camada nomeação porque o animador provavelmente não usará meu arquivo tanto. Eles vão apenas rastreá-lo. Mas aqui queremos que as sobrancelhas sejam rotuladas e os olhos e as diferentes partes da cabeça. O mesmo vale para esta outra versão da garota. Tudo está rotulado corretamente, tem texturas mascaradas de recorte. As texturas são todas separadas, portanto, se o animador quiser tirar a textura e redesenhar si mesmo ou animá-la, eles têm a capacidade de fazer isso. Basicamente, você só quer que eles sejam capazes de separar tudo o que precisarem e usá-lo a seu favor. Agora que eu mostrei como meus próprios arquivos de personagens estão configurados e você tem um conhecimento prático dos fundamentos de personagens. Vamos conversar com um animador profissional sobre seu próprio processo também. [MÚSICA] 4. Dicas de um animador, parte 1: [MÚSICA] Nosso convidado especial animador não é outro senão Tyler Morgan [RISOS]. Você pode pensar que eu só estou falando porque ele é meu marido, mas não, sério, ele é incrível no que faz. A animação de personagens é apenas um de seus muitos conhecimentos. Principalmente, ele faz a animação celular e o Photoshop usando um tablet Wacom Cintiq, que é o que eu uso também. Ele também sabe animar personagens após efeitos. Que melhor pessoa para conversar sobre todas as suas perguntas de animação de personagens em chamas. [MÚSICA]. Oi, qual é o seu nome? [RISOS]. [inaudível] [RISOS] tão legal. Eu sou um animador, então entre como Tyler sob o projeto depois de ser incorporado pelo diretor e eu normalmente pego ativos dos designers e farei com que eles se movam para transformar o design original e as placas em vídeo. Normalmente, animo e vendo animação ou quadro a quadro. Se necessário, também faço animação de personagens após efeitos. Com o sell, você está literalmente desenhando cada quadro normalmente parece mais natural. É muito mais demorado e é aí que a animação de personagens de efeitos posteriores brilha é para cronogramas de orçamento com todas as coisas com animação de personagens After Effects que você não pode, mas eu prefiro quadro a quadro, pessoalmente. [MÚSICA] Posso depender em grande parte dos projetos, o estúdio em todos os lugares tem um processo diferente. Às vezes, você trouxe projeto próprio anterior para ajudar a bordo, caso em que você teria relação moral com os designers à medida que as coisas são criadas. Às vezes você é trazido quando o design está completamente pronto e você nem vai falar com designers. Você só receberá os arquivos e avisados para fazê-lo se mover dessa maneira. Se eu tiver a oportunidade de me comunicar com o designer à medida que o design está acontecendo, esse é o melhor cenário, porque então posso pedir detalhes. Transmitindo minhas próprias preferências quando se trata de transferência de arquivos, sugerindo poses ou composições para criar animações dinâmicas ou criar animações mais fáceis, dependendo da linha do tempo. O que o cliente quer? Quais são nossas limitações? Isso é o que posso fazer em animação e isso pode ajudar a informar o design. Talvez haja um arbusto na frente de um personagem, portanto, como o designer estava com pressa, esse personagem não tem pernas se eu desligar a camada do arbusto. Talvez o personagem e o design estejam olhando para a câmera, mas preciso me virar e sair ou pegar algo de uma prateleira. Eu não sei necessariamente essa informação se parece. Idealmente, há um designer que criou uma reviravolta ou desenhou um ativo extra, está em um arquivo separado de como “Oh, bem, isso é o que a mão se parece?” Mesmo que esteja fora do quadro agora, mas precisaremos dele para entrar no quadro [MUSIC]. Arquivo sábio e estrutura, eu diria, não. Idealmente, o arquivo é organizado com diferentes estruturas de pastas, com as camadas. Tudo é nomeado, nada é achatado, sejam texturas, trabalho de linha para preencher tudo em camadas diferentes e rotulado, se possível. Às vezes, não há tempo para isso quando ele está sendo entregue, mas depois se resume a fazer mais trabalho para o animador. Em ambos os casos para vender ou depois de efeitos, isso se resume mais à composição e ao design nesse sentido, onde se você estiver animando um personagem e depois de efeitos, há certas coisas que você pode fazer para o design para facilitar muito o animador. Enquanto com o sell, já que o animador vai desenhar o personagem, novamente, essencialmente, há um pouco menos limitações como você projeta o personagem [MÚSICA]. Muitas vezes, quando você está criando ativos diferentes para os membros ou partes do corpo, todos eles serão divididos e um pouco pais um do outro. Se eles não chegarem a uma articulação que é um círculo perfeito, assim que você vê que o braço começa a girar, parte da camada pode começar a sair do cotovelo [MÚSICA]. Número 1 coisa importante é a comunicação. Você pode deixar anotações em um arquivo, se quiser. Você pode ocultar uma camada e escrever uma pequena nota. Você pode ir em frente e criar os turnarounds nos ativos e ocultá-los no canto ou enviar um arquivo separado junto com seu design final. Caso contrário, organize seu arquivo e não nivele nada. Essa é a maior entrega a fazer. [RISOS] [MÚSICA] Agora é hora de realmente fazer novos personagens juntos. Vá para o próximo vídeo para conferir o resumo do projeto e começar com ideias para o seu esboço. [MÚSICA] 5. Break o breve resumo: [MÚSICA] Prepare sua caneta e papel ou tablet porque estamos prestes a cavar nela. Neste vídeo, estaremos trabalhando juntos para analisar o resumo do cliente que eu forneci para você na parada de presentes. O que o cliente está pedindo? Como devemos interpretá-lo para animação? Quais personagens atenderão às breves estipulações? Nosso resumo falso do cliente é obviamente da parada de presente. Eu continuo dizendo isso, mas é super pare para o que seria um resumo de cliente real , já que eu não quero muito foco no aspecto comercial das coisas, não queremos falar sobre orçamento e outras coisas. Estamos aqui para os personagens. Mas é uma ótima prática tentar conceber em torno um tópico em vez de começar completamente do zero. Imagine que esta empresa tenha entrado em contato com você com essas informações por e-mail. Vamos ler isso juntos com atenção. Qual é a parada de presente? A parada de presente é o seu balcão único para todas as suas necessidades de presentes. Seja um aniversário, dia das mães ou uma festa de orgulho, temos tudo. Tudo vendido em cada local é local, orgânico ou artesanal. A tarefa. Planejamos lançar uma série de postagens quadradas de mídia social mostrando a variedade e a diversidade de nossos clientes. De um único pai a drag queens, caminhantes de cães, trabalhadores da construção civil, artistas e muito mais, damos as boas-vindas a todos. Para este projeto, entramos em contato com um punhado de designers de personagens como você para ilustrar um cliente de sua escolha. Nosso único requisito é que você inclua algum presente ou produto em seu design. Talvez alguém que esteja pegando um livro de uma prateleira ou fazendo check-out no registro. Poderíamos até imaginar alguém se afastando da parada de presente com sua compra, feliz como molusco. Depois de concluir o design e nós o passaremos ao nosso animador interno para dar vida a ele. É a parada de presentes. Quando comecei a mergulhar no design do personagem para isso, estarei idealizando e desenhando ao vivo na minha tela aqui para que você possa acompanhar. Você também terá a chance de conceituar e esboçar seu próprio personagem. Sinta-se à vontade para acompanhar exatamente o que estou fazendo ou criar suas próprias ideias. É sempre divertido ver coisas novas. Eu adoraria ver o que você inventou. Obviamente trouxe isso para o Photoshop porque quero dividi-lo manualmente. O que quero dizer com isso é apenas sublinhar visualmente e destacar coisas que eu acho que são importantes para o breve. Eu faço isso com todos os meus projetos de clientes. Personagens ou não e além de tornar nosso caráter divertido e único, precisamos ter certeza de que estamos no caminho certo com os objetivos do cliente. Antes de esboçar, pergunte a si mesmo: “Quem é o público? Qual é o clima?” Comece com isso como ponto de partida. Quem é nosso público? Vamos começar por aí. Definitivamente queremos que seja nas mídias sociais, então temos isso como nosso público. Vamos mostrar isso para pessoas que gostam de mentalidade baseada em um algoritmo, coisas assim. Também queremos segmentar todos os nossos clientes mostrando toda essa diversidade. Queremos ter certeza de que é inclusivo e todos se sintam vistos. Obviamente, isso será feito em uma coleção de personagens diferentes. Mas para o nosso personagem, vamos tentar torná-los divertidos e únicos. Então, qual é o clima? bom humor, nós definitivamente queremos ter certeza de que a pessoa que está comprando na parada de presentes esteja feliz como molusco. Ficamos felizes, eles precisam estar segurando um produto ou sua compra. Também sabemos que ele precisa ser animado e esse não é realmente o clima. Comprei isso para ele aqui em cima, mas você entende a ideia. Não é realmente o clima, mas precisamos garantir que nosso arquivo esteja configurado para animação. Conceitualmente, sabemos que nosso personagem precisa ser único de alguma forma, mostrando sua clientela diversificada. Sabemos para fins técnicos que isso precisa ser quadrado, e é através das mídias sociais, que é uma plataforma digital. Isso significa que precisaremos trabalhar em 72 DPI com cores RGB. Vamos seguir em frente e fazer uma composição. Vou começar dizendo apenas 2.000 pixels por 2.000 pixels, porque é isso que eu faço com minhas composições quando eu as faço para minhas mídias sociais, mas você é bem-vindo para ir maior ou menor. Eu também diria que vamos manter nossa resolução em 72 DPI. Eu sei que se você é um designer de impressão, sua inclinação é trabalhar em 300 DPI, especialmente se você quiser imprimir sua ilustração na linha. Mas, para animação, é melhor mantê-lo 272 DPI para reduzir o tamanho do arquivo digitalmente. Se você estiver indo com a rota de 300 DPI, o que às vezes faço, vamos nos certificar de que reduzimos essa resolução mais tarde depois de terminarmos no Photoshop. Eu costumo usar o DPI para o meu próprio trabalho às vezes porque posso escalar uma animação mais com essa resolução maior, ou posso convertê-la em um arquivo de impressão, se eu precisar. Eu sempre volto para o arquivo no final quando faço uma cópia dele e crio uma versão de 72 DPI para o animador. Definitivamente, quero ter certeza de que estamos usando cores RGB, que é para telas digitais. 8 bits devem ser suficientes, a menos que você realmente sinta vontade de usar muitos gradientes. Se você estiver usando muitos gradientes, eu diria que vá com 16 bits, e isso é praticamente isso. Eu só iria em frente e pressionava “Criar”. Agora temos nossa configuração de arquivo, então eu apenas me certifico de ir frente e salvá-lo onde quer que você sinta é melhor em seu próprio computador, só porque queremos poder pressionar “Command S” enquanto estamos trabalhando, então vou nomear este personagem de parada de presente 01. Temos nosso arquivo pronto, [MÚSICA] temos nosso breve detalhado. [MÚSICA] Sabemos o que precisamos fazer aqui, então vamos em frente e entrar na fase de concepção no próximo vídeo. [MÚSICA] 6. Conceitos rápidos: [MÚSICA] Já temos nosso Canvas. Agora vamos mergulhar em um pouco de conceituação sobre nossos personagens. Como essa aula é menos sobre concepção e mais sobre os detalhes técnicos, vou torná-lo rápido. Sinta-se à vontade para atacar esse aspecto por conta própria enquanto trabalha em sua tarefa entre as sessões. Eu também tenho essa lista de traços de personagens úteis no livreto de classe para download que você pode usar para dar o pontapé inicial em algumas ideias. Tenha cuidado, eles são bem patetas. Acho que seria divertido ver talvez ligar uma princesa com uma bola de fiapos. Porque eu tenho isso lá, pedaço de fiapo difuso. Não sei por que fiz isso. Mas, de qualquer forma, apenas confira e espero que isso ajude você com algumas ideias. Se estou começando completamente do zero, sempre começo com uma história de fundo. Você precisa de algum tipo de quadro de referência para começar a criar seu personagem. Se o cliente não tiver fornecido nenhuma das informações deles, talvez você queira considerar a criação de sua própria história de fundo. Isso adicionará profundidade e personalidade ao design do seu personagem e também pode torná-lo muito divertido e peculiar. O que seu personagem passou na vida? Qual é a situação deles? Qual é o trabalho deles? Eles são bem-sucedidos? Eles estão estressados? Eles estão deprimidos? E a pergunta mais importante, como seu personagem se encaixa em sua história e qual é o papel ou propósito deles na história ou, neste caso, o resumo do cliente? Isso ajudará a definir qual roupa seu personagem está vestindo? Quais são suas idiossincrasias ou como elas reagirão a determinadas situações? Isso obviamente lhe dá muitos contextos para o que você poderia adicionar ao seu personagem para tornar seu design mais exclusivo. Aqui está o livreto para download. Temos a página de título, um pequeno sinopse de classe e, em seguida, o prompt, e também esta lista de prompts e algumas dicas e truques adicionais nos quais podemos entrar mais tarde. Eu me diverti muito fazendo isso e é tão estúpido. Eu realmente acho que você pode gostar de fazer alguns personagens com isso, como se talvez houvesse uma gracinha casinha comendo cereais apenas para sempre. Ela tem uma pequena ovelha ao seu lado ou talvez tenhamos uma bruxa que gosta de colecionar cogumelos e ela joga basquete. [RISOS] Eu não sei, eles são todos tão burros, mas acho que você poderia usar isso para misturar e combinar, criar algumas ideias. Mas vou começar completamente do zero aqui porque só tenho uma ideia e quero descartar com ela e quero ver o que posso fazer com ela. Acho que nessa situação podemos mantê-lo simples. Vou começar a fazer brainstorming com um mapa mental. Às vezes eu só escrevo as coisas enquanto estou pensando nelas. Vamos mudar nossa fonte aqui um pouco para que não seja tão difícil de ler. Então vou começar a escrever as coisas. Minha ideia é que eu, pessoalmente, sou uma dama de cachorro louca e estou obcecada com meu cachorro. Vou trazer um pouco da minha própria personalidade para a história de fundo dela. Se você está perdendo por onde começar, eu sempre digo como torná-lo pessoal. A arte é sempre melhor quando você está desenhando da verdade, quando você está usando experiências da vida real para adicionar complexidades e detalhes. Isso se aplica aos personagens aqui também. Use uma parte de sua própria história como um ponto de partida para a história de fundo do seu personagem e refira a partir daí. Como eu disse, eu quero fazer uma dama de cachorro, então quando estávamos recebendo nosso curativo de cachorro há cerca de quatro anos. Sempre quis vesti-lo bandanas. Estou sempre comprando brinquedos demais para ele. Vamos começar por aí, tornando-o pessoal. Adoro quando minhas fontes fazem isso. Fazendo uma senhora de cachorro louca pessoal, bandana de cachorro. Ter o cachorro com sua bandana e talvez ela seja um pouco louca. Isso afeta a forma como meu personagem é. Qualquer que seja o braço empilhado com brinquedos e eles estão caindo por todo o lugar e seu filhote tem uma pequena bandana, está alegremente cheirando os brinquedos. Só estou tentando imaginar como seria essa cena. Talvez ela esteja um pouco desgrenhada, agarrando um braço cheio de brinquedos. O cachorro é fofo e cheirando. Isso pode parecer tão burro quanto você quer para você agora, porque isso é só para você. Você não precisa compartilhar isso. Além disso, eu também adoraria dar a ela um pouco mais único, já que sinto que isso é básico e eu não quero que o personagem seja só eu. Quero adicionar um pouco mais de brilho a ela. Acho que você poderia dizer. Acho que seria divertido adicionar à falta de jeito caótico dela adicionando um par de patins ou uma prancha de skate ou algo assim. Talvez o cabelo dela esteja um pouco desgrenhado também porque você pode dizer que ela está com pressa. Vou apenas dizer patins com pressa. Se estou saindo de mim, acho que provavelmente não sou uma grande representação da clientela diversificada. Talvez eu a troque um pouco enquanto estou trabalhando. Talvez ela tenha um penteado mais legal do que eu ou tenha mais tatuagens e piercings. Algo que a faz se sentir um pouco mais interessante aos olhos comuns. Se eu olhar para esta lista que fiz e você pode fazer um mapa mental como eu disse ou o que quiser fazer. Mas eu realmente gosto de escrever as coisas. Se olharmos para esta lista, isso retorna às caixas do cliente que eles queriam verificar. Ela é interessante, nuance. Ela tem mais em sua história do que apenas uma mulher aleatória olhando para do que apenas uma mulher aleatória olhando uma prateleira e quanto mais história de fundo você adicionar, mais idiossincrasias inteligentes e detalhes pensativos você pode adicionar em que brilhe em seus projetos. não vou começar a esboçar Ainda não vou começar a esboçar porque quero entrar um pouco na proporção de personagens e como criaremos esses esboços gestuais primeiro. Mas é sempre bom ter sua intenção em mente antes de começar. Vamos começar isso no próximo vídeo. [MÚSICA] 7. Teoria: proporções de personagens: [MÚSICA] Proporção é fundamental para tornar um personagem único. Você sempre tem a opção de se tornar mais realista com suas proporções e tornar seu design ou animação fiel à vida. Muitas vezes, mais comerciais corporativos gostariam desses tipos de personagens, aqueles que se sentem mais realistas como humanos reais. Mas se você está procurando algo divertido e peculiar, passaremos a abstrair, distorcer e esticar seus personagens nesses próximos vídeos. Apenas tenha isso em mente enquanto você está trabalhando aqui e criando seus personagens da melhor maneira possível. Aqui, ficaremos semi-realistas com nossos personagens, mantendo-os humanos e proporcionais. Entraremos em mais estilização nas próximas duas lições. Antes de começarmos a desenhar um personagem humano ou qualquer personagem para esse assunto, precisamos entender os fundamentos da anatomia e as proporções do corpo humano. Achei essa bela imagem de stock e ela faz o trabalho. Não é a coisa mais ideal para ensinar. Por uma questão de tempo, e porque isso não é uma aula de anatomia, não vou muito em detalhes. Mas é basicamente assim que a forma humana é quebrada. A forma humana é tipicamente sete cabeças e meia. Obviamente, eu não estou fazendo isso 100% com precisão porque a forma da cabeça está um pouco fora, mas você pode ver que são cerca de sete cabeças e meia. Isso é para uma forma adulta e isso se aplica tanto para homens quanto para mulheres. Mas, como você pode ver com uma criança, a cabeça está um pouco fora de proporção com o corpo porque você ainda está crescendo em sua forma. Normalmente, as crianças têm cabeças maiores. Nesta aula, estamos tentando nos manter semi-realistas com nossos personagens. Eu não vou entrar em muitos dos personagens não humanos porque acho que esse é um ótimo ponto de partida. Vamos mantê-los mais humanos e proporcionais, e entraremos em estilização mais tarde. É sempre bom manter algo assim à mão enquanto você está desenhando. Sinceramente, apenas procuro por eles no Google Images e , em seguida, coloco um no meu arquivo para que eu o tenha em mãos. Para proporções típicas para humanos, para os homens, os ombros são largos e os quadris geralmente estão mais nivelados com o tronco, e a pelve fica menor. Normalmente, com os homens, temos mais uma forma de triângulo de cabeça para baixo e, em seguida, com as mulheres, é na verdade o oposto ou mais quadrado. Os quadris tipicamente saem de uma cintura menor. Na verdade, é aí que você obtém sua forma de ampulheta. Como eu disse, se você está desenhando uma criança, muitas vezes eles verão suas cabeças ampliadas em comparação com os adultos. Por causa disso, se você quiser que algo se sinta mais brincalhão ou infantil, tente aumentar a cabeça. Mesmo que eu amplie essa cabeça aqui, você pode ver que ela já está se tornando mais como um desenho animado. Parece mais brincalhão e infantil, mesmo que isso já seja uma criança, mas você chega de onde eu estou vindo. Eu também queria compartilhar este site que encontrei com você porque acho que é super útil. Seu anatomy4sculptors.com. Se você quer ficar realmente realista com suas proporções humanas, eles têm essa calculadora de proporções humanas. Você pode escolher masculino ou feminino. Além disso, você também pode escolher qual parte do corpo estamos olhando, a cabeça ou o pé, ou qualquer coisa assim. Então você também pode escolher a idade. Você verá como eles progridem à medida que envelhecem. Estas são algumas imagens muito lisonjeiras, mas acho que é super útil e você pode até digitar proporções se quiser acertar. Além disso, também em seu site, se você for para a página do artigo, eles têm algumas informações realmente úteis. Eles têm esse modelo de anatomia 3D que você pode usar para virar em seu site. Se você for para esta guia aqui, você pode realmente ver a forma humana de diferentes ângulos. Infelizmente, acho que eles só têm essa parte esculpida. Mas você pode fazer cabeças e ouvidos, e diferentes partes do corpo. Se você quisesse desenhar algo de um ângulo interessante, você realmente seria capaz de usar algo assim para descobrir essas proporções se parecem nessa perspectiva. Mas de volta ao meu documento aqui, eu só quero uma visão geral e dizer que criar um personagem como este em uma postura de braço dianteiro é melhor para os propósitos dos animadores, especialmente se você estiver fazendo animações celulares para que eles possam ver essas diferentes partes do corpo com clareza. Mas às vezes eu gosto de começar colocando meu personagem em uma determinada pose porque isso me ajuda a ficar animado com o personagem e me ajuda a imaginar o personagem em uma situação. Honestamente, às vezes você só precisa ver esse personagem nessa pose. Por exemplo, se formos ao meu site e verificarmos meu filme, aqui, vamos assistir um pouco do teaser. Por exemplo, nesta foto escreva aqui, só precisaremos ver esse personagem de lado, e só precisaremos ver o personagem de trás aqui. Obviamente, eu tive que fazer um pouco de uma reviravolta de personagens em algum momento para mostrar esse personagem se parece de diferentes ângulos. Mas o animador só vai animar uma criança de cada vez. Você nem sempre precisa necessariamente ver todas as partes do corpo o tempo todo. Nem sempre é prático projetar seu personagem e se opor ou reviravolta, especialmente se o personagem não for visto mais de uma vez. Talvez só vejamos um personagem do lado por um momento. Não precisamos desenhá-los de todos esses ângulos diferentes. Mas mesmo que você esteja querendo posar seu personagem desde o início, vamos pelo menos tentar mantê-lo em perspectiva plana enquanto esboça e não se preocupe muito com como veremos o personagem de um ângulo baixo ou alto, então vê-los mais da pose direta como vemos aqui com esses personagens. Se voltarmos ao meu site, podemos olhar para alguns deles. Quando digo pose direta, quero dizer algo assim, ou esses personagens andando, mais como uma perspectiva gráfica plana. Essa é apenas minha visão geral rápida das proporções de caracteres. Eu acho que será útil realmente fazer uma aula de desenho de figuras ou fazer mais pesquisas on-line sobre como as proporções de personagens funcionam. Mas como estou fazendo isso para animação e para uma aparência mais estilizada, acho que essa é uma ótima visão geral pequena para como são as proporções de personagens. A partir daqui, vou apenas fazer gestos de esboço no próximo vídeo. [MÚSICA] Vamos ter mais detalhes sobre como fazer seus personagens se sentirem mais realistas com fotos de referência em alguns vídeos. 8. Desenhar Gestures: Aqui ele se desfaz que todos vocês estavam esperando, esboçando. [RISOS] Sinta-se à vontade para acompanhar comigo aqui ou apenas assistir. Nesta fase, você realmente não precisa se preocupar muito com animação ainda. Estas são apenas as linhas de base. Estamos começando a trabalhar em nossa pose áspera e ideia básica e não usaremos essas linhas para o animador. Estou animado para começar a entrar em alguns esboços em miniatura com você. A única coisa que você pode querer considerar de antemão é: você está projetando para uma animação celular ou um personagem de animação After Effects que será manipulado? Como dissemos em um vídeo anterior, eles serão configurados de forma diferente. Apenas tenha isso em mente enquanto você está trabalhando. Quero dizer, eu acho que para este, já que o personagem provavelmente só estará em uma pose considerando o resumo do cliente e o que eles mencionaram sobre ter sido um post simples no Instagram, eu não não acho que precisamos nos preocupar muito com isso. Mas esta é uma aula para aprender sobre como a animação interage com suas ilustrações, por isso é muito bom continuar pensando nisso enquanto você está trabalhando. Obviamente, se você não sabe ao certo como será animado, não se preocupe com isso ainda. Se este fosse um projeto de cliente real, você provavelmente gostaria de saber mais. Mas não estou muito preocupado com isso neste momento. Especialmente quando estamos apenas esboçando gestos, ainda não é um grande negócio. Pessoalmente, vou assumir que meu personagem será mais dinâmico e terá mais flexibilidade. Vou assumir que será animado célula quadro a mão, que lhe dá muito mais flexibilidade para fazer o que quiser com a pose. Se você quiser criar algo que será animado diretamente no After Effects, você pode querer considerar desenhar um personagem como em uma pose de caminhada ou uma pose mais rígida com clara juntas que podem ser facilmente manipuladas. Tenho minhas ideias aqui, minha silhueta e tudo mais e vou começar a fazer alguns esboços gestuais. Nesta fase, não se preocupe se parecer super difícil, nosso próximo passo trará muito refinamento. Mantenha-o simples enquanto você começa a desenhar aqui e pense na silhueta. A maneira técnica adequada de começar a projetar um personagem é criar uma silhueta clara. Vejamos alguns exemplos aqui. Temos nossas proporções de personagens, sobre as quais falei no último vídeo. Mas a silhueta de um personagem é o que o olho reconhece imediatamente ao olhar para um personagem. Você provavelmente vai querer começar certificando-se de que os membros estão separados e afastados do corpo para que você possa definir essas formas. Descobrir a silhueta também o ajudará a posar e gesticular mais tarde. Eu só queria mostrar alguns exemplos de silhuetas. Como eu disse anteriormente, um personagem masculino humano terá um ombro mais largo. Se você quiser fazer seu personagem parecer ainda mais forte, você dará a eles um ombro gigante e uma cintura minúscula. Foi o que essa pessoa fez com a silhueta aqui. Com este, temos uma separação muito boa dos membros. Podemos ver os dois braços trabalhando separadamente, e todos eles são muito estilizados. Quando falo de estilizado, isso significa realmente entrar na silhueta e encolher a cabeça baixo ou alongar as pernas ou o que quer que seja. Isso virá um pouco depois termos feito nossos gestos. Mas esses são exemplos divertidos para se ter em mente. Como você pode ver, neste, temos alguma separação entre as cinturas e os braços. Muitas poses muito agradáveis com espaço negativo nelas para que você possa ver a silhueta clara da figura. Tudo isso é muito diferente, mas você pode realmente dizer que a silhueta foi levada em consideração. Mesmo aqui podemos ver uma variedade divertida de silhuetas, e como eu disse, personagens com cabeças maiores parecem mais infantis. Por criança, não quero dizer imaturo, mas quero dizer mais inocente e mais infantil. Acho que esse exemplo realmente mostra isso. Cabeças menores obviamente parecem um pouco mais adultas, na minha opinião. Vamos apenas ter isso em mente, tendo uma silhueta clara enquanto estamos desenhando aqui. Como estamos começando com a forma geral, não fique muito preso nos detalhes agora, experimente, não se apaixone por nenhum personagem ainda. Você tem que estar disposto a jogar fora um design se ele não servir o propósito da história bem o suficiente. Tente não ficar muito frustrado. Vou usar uma cor divertida para começar a esboçar aqui usando meu pincel fino , mas você pode usar o que quiser aqui. Gosto de usar os pincéis do Kyle Webster como estou sempre dizendo e todas as minhas aulas. Vou começar usando formas realmente básicas para a cabeça, então, como um círculo para a cabeça é sempre padrão quando estou apenas fazendo esses gestos soltos realmente abstratos. Sei que quero que isso tenha uma mulher em patins. Talvez ela esteja desgrenhada, agarrando um braço cheio de brinquedos. Há um cachorro. Vamos apenas ter tudo isso em mente enquanto estamos esboçando aqui. Ela também deveria estar pegando algo de uma prateleira ou algo nas lojas. Só vou adivinhar vagamente como isso ficaria. Talvez ela esteja se aproximando e esteja em um par de patins. Obviamente isso é super fora de proporção mas talvez a perna dela esteja chutando para um pouco de diversão. Talvez seus braços estejam buscando algo em uma prateleira. Você tem esta prateleira de luz atrás dela. Nesta perspectiva plana, talvez ela tenha seu cachorro olhando para ela, querendo pegar o brinquedo que ela está buscando. Talvez ela esteja pegando uma tigela de ossos de cachorro ou algo assim. [RISOS] Eu nem sei o que é isso, guloseimas para cães. Como você pode ver, isso é super difícil. Passe 1-2 minutos em cada esboço e não se apegue a ele. Talvez ela esteja no chão se curvando, em uma posição de agachamento, o que na minha opinião provavelmente seria muito difícil de fazer em lâminas de rolo, mas vamos ver. Talvez ela esteja se inclinando para pegar algo de uma prateleira da qual vemos o lado. Obviamente, eu precisaria descobrir como realmente criar essas poses. Mas acho que estamos fora para alguma coisa. Começamos bem aqui. Talvez aqui esteja o cachorro chegando do outro lado daquela prateleira. Eu também quero salientar aqui que quando você está pensando em silhuetas, pense em uma linha de ação. Isso é animações, então vamos pensar em como o personagem se move. Quando digo linha de ação, pense em apenas uma linha gestual que irá levar todo o personagem. Temos talvez essa linha aqui, e para esta temos uma linha curva aqui. Se eu fizer um terceiro esboço, talvez eu queira que seja essa curva. Você sempre pode desenhar a linha de ação primeiro. Talvez ela esteja chegando ao chão para pegar uma bola para seu cachorro ou algo assim. Temos as pernas aqui estabilizando-a. Não sei se isso deixa espaço para o cachorro. Talvez o cachorro esteja sentado de costas. Mas eu realmente gosto de usar essa linha de ação porque ela mostra ao animador potencialmente como o personagem se moverá. Para este, talvez o personagem esteja aparecendo assim e estamos usando essa linha de ação para criar esse movimento. É muito bom ter essa linha visual clara para criar algum interesse dinâmico aos olhos. Esses são esboços super grosseiros. Preciso ter certeza de que, além do personagem, também estou levando em consideração a loja ao seu redor, porque se olharmos para trás para o resumo do cliente, realmente queremos ter certeza de que o personagem está feliz. Queremos ter certeza de que se estiver em um post quadrado de mídia social, queremos ter certeza de que vemos o personagem segurando o produto e tudo, porque é para o presente parar. Talvez eu leve isso em consideração um pouco mais. Vamos entrar em mais detalhes mais tarde, mas talvez ela esteja segurando um saco aqui, talvez haja um monte de coisas empilhadas em uma mercearia e depois no chão, ou talvez nesta ela tenha mais coisas empilhadas em seus braços. Talvez um dos braços esteja realmente para baixo. Talvez seja este, talvez este braço esteja para baixo e ela tem uma pilha de brinquedos lá dentro e o cachorro está tentando alcançá-los. Acho que há muitas coisas que podemos fazer. Isso é super difícil, mas você pode ver o que quero dizer quando digo, isso realmente não precisa ser perfeito. Isso é só para você. Isso é apenas para você tirar essas ideias e então você realmente escolherá uma delas, criará uma foto de referência e criará um esboço mais refinado a partir daí. Acho que este é um ótimo ponto de partida. Apenas certifique-se de tentar infundir a vida em seu personagem nesses estágios iniciais com traços rápidos e linhas energéticas. Não se preocupe muito com acessórios ou detalhes desnecessários. Tente mantê-lo simples e fique com o básico. Agora é a sua vez. Leve de 5 a 10 minutos para esboçar composições e formas gesturais muito rápidas para o seu personagem. Essas devem ser apenas miniaturas básicas, não ficar muito detalhadas ou preocupadas com a aparência delas ainda. Isso está realmente apenas preparando as bases para você, como eu disse anteriormente. Vá em frente e faça isso e eu te encontro no próximo vídeo. 9. Faça sua própria foto de referência: [MÚSICA] Esta próxima dica é minha dica favorita absoluta para ilustrar personagens humanos. Tire suas próprias fotos de referência usando a cabine fotográfica ou seu telefone. Quero dizer, quem sabia que pode ser tão simples? Costumo tirar fotos de referência depois de esboçar minha ideia ou personagem solta então sei de que pose preciso tirar uma foto. Quando comecei a desenhar personagens para o design de movimento para o trabalho pessoal, eu realmente lutei. Por um lado, não fui ótimo em perspectiva para começar. Então, ver meu personagem de um ângulo estranho ou algo diferente de frente era quase impossível de imaginar. Dois, acabei de ter problemas para desenhar personagens em geral e fazer as proporções parecerem corretas. Comecei a tirar fotos de mim mesmo ou Tyler ou mesmo dos meus colegas de trabalho ou do meu cachorro para acertar. Tirar minhas próprias fotos especialmente ajuda com as mãos porque as mãos são provavelmente a parte mais complexa do corpo a desenhar e uma tonelada de pessoas lutam com as mãos. Só saiba que você não está sozinho lá. Eu 100% ainda tirei minhas próprias fotos de referência o tempo todo para obter poses mais interessantes. Essas são poses que eu não teria conseguido criar sem uma foto. Não é algo que eu pudesse pesquisar no Google e encontrar instantaneamente. Acho que isso será muito útil para você. Como eu disse, adoro tirar minhas próprias fotos de referência. Eu faço isso o tempo todo, especialmente até para animais. Vou tirar fotos do meu cachorro, etc., e tenho alguns exemplos disso aqui. Isso vai retroceder um pouco , mas eu queria ilustrar uma raposa para essa aquisição que eu estava fazendo para a Panimation. Eu realmente não sabia como conseguir uma pose única para uma raposa porque se você pesquisar como pose de raposa ou algo assim, há algumas fotos e coisas muito legais , mas eu queria algo um pouco diferente. Na verdade, tirei uma foto do meu cachorro e você pode ver o processo aqui. Apenas uma foto do meu cachorro dobrada [RISOS] brincando com o brinquedo dele. Mas achei que era uma linha de ação divertida. Como falamos no último vídeo, há uma curva agradável no corpo dele. Na verdade, eu uso isso para esboçar minha raposa. Então eu joguei com proporção um pouco, adicionei algumas asas e criei esta versão de conto de fadas dele. Alguns outros exemplos que tenho são que fiz esse exercício que queria fazer aquecimentos e só me dei 20 minutos para terminá-los. Tirei algumas fotos [RISOS] minhas estranhas e as usei como referência. Nesse caso, na verdade, não gostei de rastrear nada porque queria brincar mais com abstração e desenho da minha visão. Mas eu me diverti fazendo duas versões diferentes e elas se tornaram realmente abstraídas e divertidas, o que eu adorava. Meu último exemplo disso foi essa ilustração que eu tinha sobre ansiedade. Eu tinha essa ideia em mente que eu realmente esboçei realmente, muito básica. Como você chamaria isso de meu esboço gestual que eu ilustrei no meu caderno de cabeceira [RISOS]. Apenas uma ideia que veio até mim. Então eu fiquei tipo, bem, eu sei que quero alguém nessa pose, então eu fiz meu marido tirar uma foto minha com a tesoura e o pincel [RISO] que se tornou um espelho e uma tesoura. Eu fui de lá, e você pode ver que eu começo com o cabelo comprido, mas eu queria fazer o personagem diferente, então eu brinquei com ideias diferentes de esboços e proporções enquanto eu mudei tudo para sentir-se um pouco mais brincalhão, menos realista, mais estilizado. Você pode ver que foi assim que meu esboço acabou. Então eu realmente fui ao Procreate e adicionei como a iluminação e coisas que definitivamente não estavam na minha foto de referência original mas tê-la lá como base era super informativo. Como você pode ver, adoro usar fotos de referência. Para este eu obviamente era como, vamos fazer dela uma senhora de cachorro louca que está em lâminas de rolo. Eu estava tipo, sabe o quê? Por que não tento usar lâminas de rolo reais para fazer essas poses para ver se elas são precisas. Lembre-se, eu não sou um grande patinador. [RISOS] Na verdade, acabei de receber essas lâminas de rolo recentemente. Mas eu estava tipo, sabe o quê? Por que diabos não me envergonhar? Eu tirei um vídeo de mim mesmo rollerblading, duas capturas de tela e poses. [MÚSICA] Aqui estou sendo extremamente ruim em patins. [RISOS] Estou praticando, vou melhorar. Mas eu joguei com algumas poses, então vou fazer capturas de tela que eu acho que poderiam funcionar. Obviamente, estou baseando todas essas poses dos esboços gestuais que já fiz. Foi muito bom ter essa base do que eu queria com minha linha de ação e então eu poderia realmente tentar emular isso em minhas poses. Tentando algumas coisas diferentes aqui. Obviamente, não é muito bom em fazer isso nas lâminas de rolo. Vamos ver onde acabamos. Há mais aqui eu prometo. [RISOS] Esta era eu tentando fazer a pose ajoelhada, mas na verdade era muito mais difícil do que parecia porque ainda não estou estável o suficiente nas minhas lâminas de rolo. Posições muito bonitas aqui. Na verdade, recebi um segundo vídeo. Deixe-me tentar encontrar algo aqui. Aqui está a inclinação sobre um. Uau, que bela linha de ação. Adoro isso, a cintura de 90 graus se dobra bem ali. [RISOS] Eu também queria pegar um deles pela parte de trás, então eu estava chegando com meu braço dianteiro. Aqui eu tenho mais algumas fotos. Nossa, a coisa mais lisonjeira que eu já vi. Tenho alguns lá. Mas também quero enfatizar que você não precisa ser tão estranho quanto eu. Você pode simplesmente ir para a cabine de fotos e tirar fotos estáticas. Estes também são semi-estranhos , mas eu era como se eu fosse tentar sem a lâmina de rolo, eu poderia muito bem experimentar algumas coisas diferentes. [RISOS] Posando pela parte de trás. Obviamente, faço muito do tipo de posar. [RISOS] Agora tenho muitas coisas que posso usar, então vou arrastá-las todas para dentro. Cara, estou fazendo uma pasta chamada fotos de referência e coloquei todas as minhas coisas antigas de concepção naquela pasta de concepção. Eu realmente gosto de me manter organizado enquanto estou trabalhando porque as coisas podem ficar muito confusas no Photoshop. Tenho certeza que você sabe. Tenho algumas poses de referência legais lá. Eu também tenho as lâminas de rolo, o que é super útil. Então também vou pegar algumas dessas fotos de cabine fotográfica também porque acho que elas podem ser divertidas de brincar e talvez um pouco mais fáceis de ler. Vamos ver. Este pode ser divertido ou talvez este. Lembre-se que eu quero ter o cabelo desgrenhado, eu quero ter minha personagem com o cachorro dela também, e também pensando na prateleira e onde tudo é colocado, então leve todas essas coisas para consideração. Também tenho um vídeo que filmei com meu cachorro apenas brincando. Vou entrar nisso um pouco mais tarde em um vídeo bônus, mas eu queria ter certeza de que eu tinha algumas imagens dele se movendo para que eu pudesse usá-lo. Não sei se tenho as filmagens certas porque ele não era muito cooperativo. Mas isso é apenas algo para ter em mente enquanto eu avançar. [RISOS] Ele está basicamente de pé e, olhe para aquele pouco [inaudível]. Eu só tenho que colocar isso lá dentro. Isso é apenas algo bom para se ter quando estou avançando. Agora que tenho todas essas poses, vou olhar para elas objetivamente em relação às poses que desenhei e ver qual delas pode ser a melhor linha de ação. Se você está realmente preocupado com o movimento que eu iria passar e ilustrar que onde está essa linha de ação e qual deles pode ser o mais bem-sucedido? Olhando para isso, eu sinto que a mais divertida , sem nem mesmo a linha de ação, pode ser uma dessas sentadas porque acho que a pose é realmente realmente interessante e realmente vai pegue o quadro quadrado muito bem. Se eu estou pensando em como este é um post de mídia social e como eu realmente quero ocupar a maioria do quadro quadrado e garantir que ele se encaixa com precisão, provavelmente vou usar um dos essas poses sentadas para que eu possa desligar as de pé. Acho que este ainda é interessante, mas é estranho. Como quem puxa algo de uma prateleira como essa? Obviamente, não eu. Vamos usar apenas um desses três. Porque eu realmente quero incluir a patins lá dentro, acho que seria melhor usar um dos com a patins. Vou ficar com este por enquanto. À medida que você está fazendo um esboço que pode mudar, você pode escolher uma foto diferente, você pode abstrair muito da sua foto para que sua ilustração não acabe parecendo assim no final. Mas agora que escolhi este, posso passar a esboçá-lo no próximo vídeo. Agora que me envergonhei completamente na sua frente, você pode se envergonhar também. [RISOS] Embora seja bom que você não precise compartilhar suas poses com o mundo como eu faço, então isso é uma vantagem eu acho. Abra a cabine de fotos ou o telefone, tire sua foto e comece a ilustrar sobre isso, quebrando a imagem seção por seção. Nem todo mundo está confortável em tirar suas próprias fotos que você possa pedir para um membro da família ou um amigo para fazer isso ou você pode tentar usar o Unsplash para fotos de referência, embora eu não diria que é como imagens fáceis de usar online. Tirar sua própria foto é sempre preferível e muito mais rápido. [MÚSICA] Escolha suas fotos favoritas e coloque-as em seu arquivo do Photoshop para a próxima lição, onde começaremos a criar esses personagens. 10. Como fazer esboçar sua referência: [MÚSICA] Agora vamos usar nossas fotos de referência para realmente entrar na essência de posar nosso personagem. Vamos dividir sua foto em formas geométricas básicas. Você pode usar a ferramenta de forma ou desenhá-los à mão. Eu costumo usar os dois honestamente. Muitas vezes vou traçar a foto de forma mais proporcional e depois começar a abstrair à medida que vou. Gosto de usar um equilíbrio uniforme de curvas e retas para fazer meu personagem se sentir mais geométrico. Na verdade, tenho uma aula inteira baseada em quebrar fotos, ainda vidas, em formas geométricas. Chama-se Brincando com Formas no Procreate. Pode ser útil fazer essa aula também para aprender um pouco mais. Mas vou te mostrar aqui o que quero dizer. Neste vídeo, vou realmente começar a fazer um esboço aproximado da minha referência. Você pode acompanhar isso também, certifique-se de puxar sua foto de referência que você usará e trazê-la para o Photoshop. Normalmente faço uma pasta chamada esboço bruto. O que eu faço é transformá-lo em uma baixa opacidade e começar a esboçar. Uma das dicas que eu adoro começar, porque começar um esboço pode ser super assustador, é que eu tento dividir a foto em formas geométricas básicas. Você pode fazer isso usando a ferramenta de forma ou desenhar você mesmo. Muitas vezes vou rastrear a foto de forma mais proporcional e depois começar a abstrair à medida que vou. Vou mudar a cor aqui. Talvez eu faça um círculo para a cabeça e temos dois retângulos [RISOS] para o braço. Você só quer dividi-los nas formas mais básicas. Isso ajuda você a simplificar tudo. Eu também quero ter essa linha de ação lá. [RISOS] Isso é como uma versão abstrata discriminada do meu personagem. Essa é uma maneira que você pode fazer isso e então você pode transformar isso em baixa opacidade. Vire-o ou talvez você duplique, pressione Comando E para achatá-lo. Então você quer saber, eu quero que ela esteja se curvando mais , então eu vou ter assim. Você pode simplesmente brincar com o arranjo de tudo. Pessoalmente, eu uso essa dica. Às vezes é bom poder ver, talvez o braço possa ser reto em vez de ter essa curva de cotovelo nele. Ou talvez as pernas sejam muito distintamente quadradas em um ângulo de 90 graus. Mas eu pessoalmente, [RISOS] Gosto de fazer uma combinação de rastreamento e abstração. Eu adoro esses braços retos. Talvez eu comece apenas rastreando meu rosto vagamente. Eu só quero me isentar de que o rastreamento nunca deve acontecer se você não estiver usando sua própria foto de referência. Eu acredito sinceramente que não deveríamos copiar o trabalho de ninguém, mesmo que seja uma fotografia ou ilustração de outra pessoa, você definitivamente não quer rastrear isso, mas porque esta é uma foto você mesmo tomou, não há nenhum mal em usá-lo como referência de rastreamento porque esse é tecnicamente seu trabalho. Este é você [RISOS] ou uma foto de alguém que você tirou, então não há nenhum mal nisso. Dito isto, eu só vou direto para lá. Quero ter um visual mais curvo para esse personagem. Deixe-a um pouco mais orgânica, menos rígida. Vou adicionar um pouco mais de curva lá enquanto estou trabalhando, adicionar um pouco mais de ângulo. Mas você já pode dizer que estou pensando nessa coxa como um retângulo. Então essa parte da perna seria outro retângulo. Então temos o sapato descendo em ângulo. Então, se estamos tentando manter tudo mais plano, talvez eu esteja pensando nas rodas de uma perspectiva frontal em vez de nessa perspectiva angular que elas estão aqui. Vou apenas adicioná-los assim. Eles podem ser realmente simplificados. Então talvez para essa perna, eu também estou fazendo dois retângulos. Às vezes, é divertido apenas pressionar Shift e fazer uma linha reta e ver onde isso o leva. Faz esse pé muito largo, mas eu gosto. Então vou adicionar essas três rodas novamente, e talvez eu pudesse fazer os braços retos, então me sentiria muito rígida assim. Eu também poderia exagerar a curva do meu braço e fazê-lo ir um pouco mais baixo e depois manter esta reta. Há uma boa mistura de abstrato e orgânico em seus. As mãos são sempre a coisa mais difícil de fazer, então vou ignorá-las por enquanto. Mas se eu desligar minha referência, você pode ver que eu já tenho algo bom moldando aqui, um pouco mais refinado [RISOS] do que aqueles gestos que tive antes. Mas também quero explicar outra maneira que gosto de fazer as coisas. Isso é realmente algo que eu tenho em uma de minhas outras classes de Skillshare, chama-se Playing with Shapes in Procreate: Illustrate a Graphic Still Life. Sei que isso é feito no Procreate, mas usa muitos dos mesmos princípios básicos. O que eu adoro fazer é tirar essa foto de referência, obviamente, nunca rastrear uma cópia da foto de outra pessoa. Mas tomando isso e depois dividindo-o nessas formas simples, para que você possa ver aqui, estou usando elipses, retângulos e triângulos para criar essas formas. Eu até tenho essa lição chamada de curva para truque direto, que eu encorajo você a verificar. Vamos examinar um pouco aqui, mas eu não quero necessariamente entrar nisso , porque já existe uma aula por aí para isso. Mas algo que eu gosto de fazer é ter um equilíbrio uniforme de curvas e retas. Como diz aqui, as linhas retas se sentem mais angulares e criam uma sensação mais dramática ou irritada, e então as linhas curvas orgânicas se sentem mais suaves e amigáveis. Tenha isso em mente enquanto você está criando seu personagem porque queremos criar uma sensação neutra para isso ou até mesmo uma mais feliz. Podemos querer ficar um pouco mais curvos porque mesmo olhando para isso, esse personagem parece um robô que me faz pensar em frio e duro. Definitivamente não quero isso. É por isso que estou começando a adicionar algumas dessas curvas aqui. Mas, como eu disse, um equilíbrio uniforme de curvas e retas que eu tenho aqui, eu tenho essa curva, tenho a curva do joelho que encontra a curva reta. Um exemplo clássico de uma curva para reta que eu realmente gosto é apenas uma perna humana básica. [RISOS] Temos uma reta e depois temos a coxa e a panturrilha e então isso só faz uma perna imediatamente, mas é muito simplificado. Você tem a reta de um lado e a curva do outro. Ele só cria essa aparência geométrica abstrata e legal sem realmente se sentir muito geométrica assim. [RISOS] Se eu quisesse fazer isso aqui, eu poderia até fazer todo o lado superior da perna desse personagem curvo e, em seguida, ter a parte inferior ser reta ou eu poderia fazer com que essas duas retas encontrassem um ponto, e então faça com que eles sejam curvos por baixo. Obviamente, sinto que qualquer coisa que tenha um canto afiado vai se sentir um pouco intenso demais [RISOS] pelo que estou procurando aqui. Mas essa é sua regra básica para curvas e retas. Estou analisando isso algumas vezes, eu recomendo que você faça isso sozinho. Comece com sua abstração básica de formas e, em seguida, traga seu esboço de rastreamento. De lá, você pode até empurrá-lo ainda mais. Talvez eu apenas faça um segundo em que estou ficando ainda mais curvo porque no resumo do cliente, eles dizem, queremos que seja feliz como um molusco, então talvez torná-lo ainda mais amigável. Talvez vejamos mais cintura aqui e tenha curvas mais voluptuosas acontecendo aqui. Se você quiser criar essa sensação mais geométrica, como ter um pé plano ou algo que atenda a um plano plano realmente será muito bom e ajudará a torná-lo mais plano. Poderíamos até pegar este joelho aqui e fazer isso plano. Isso cria uma sensação mais geométrica. Poderíamos ter o pé reto e talvez uma perna curva, mas talvez até a lâmina de rolo esteja reta no chão, que realmente não faz sentido. Mas você poderia potencialmente tê-lo assim. Obviamente, não precisa ser realista. Se a sua pose que você fez não está funcionando e você não a ama, sinta-se à vontade para riff dela aqui. Só vou continuar. Talvez definamos o ombro um pouco mais e o tornemos mais curvilíneo dessa forma. O melhor das fotos de referência é que elas realmente mostram como sobrepor seus membros e outras coisas. Porque às vezes eu estou tipo, espere, a linha vai ser assim ou será assim? [RISOS] Então, tendo isso lá como referência, você pode ver a manga da minha roupa, isso realmente ajuda. Vou manter o braço reto aqui também e fazer com que eles se encontrem. Vamos ter algumas mãos de luva por enquanto. Mas estou realmente gostando de como isso está se moldando. Se voltarmos aos nossos esboços gestuais, temos essa bela linha de ação aparecendo aqui. Não é necessariamente sua linha de ação básica, mas talvez seja um pouco swoopy. [RISOS] Sinto que tem uma boa composição. Se pegarmos esse esboço áspero e o tornarmos maior, ele se encaixa no quadro? Bem, talvez potencialmente, é aqui que o cão estaria mais tarde quando passamos por cima disso, então ocupa mais do quadro. Talvez o cão esteja agarrando o saque como os cães fazem. Estou brincando. Não sei por que disse isso. [RISOS] Mas podemos manter isso dentro. Sim. Obviamente, sou ótimo em desenhar cães aproximadamente. Você sabe disso. Já parece perfeito, então não há mais trabalho necessário lá. [RISOS] Mas se também estamos pensando sobre o aspecto que eu tinha, se voltarmos ao nosso conceito, agarrando um braço cheio de brinquedos, com pressa, desgrenhado, tem todos esses detalhes extras. Isso é algo que continuaremos adicionando. Mas eu quero abrir um pouco de espaço para isso aqui. Talvez a coleira do cão esteja em seu braço e esteja envolvendo de volta para o cachorro, e talvez ela tenha sua bolsa ou bolsa ou sacola de compras de supermercado, seja lá o que for pendurado de seu braço e talvez há uma bola aqui embaixo e ela está cercada por brinquedos e outras coisas. Então talvez se a tornarmos um pouco menor, podemos adicionar uma prateleira atrás dela. Talvez seja mais uma prateleira achatada. Bem, eu não quero apenas ver o lado disso porque acho que isso é chato e não seria tão empolgante para o cliente ver seus produtos. Talvez haja essa prateleira que ocupa metade do quadro e vemos alguns itens nela. Talvez ela esteja buscando os biscoitos de cachorro como eu disse anteriormente. [RISOS] É apenas uma versão super grosseira do esboço, mas estou mantendo tudo em camadas separadas. Se eu quiser voltar e ajustar as coisas ou abstrair o personagem como faremos na próxima lição, tenho esse recurso lá. Acho que estamos indo para um ótimo começo. Eu encorajaria você a seguir em frente e experimentar algumas maneiras diferentes de esboçar seu personagem e , em seguida, entraremos nos detalhes mais refinados. [MÚSICA] Usando sua foto de referência favorita, crie 1-2 esboços rápidos. Vamos refiná-los no próximo vídeo. Sinceramente, mal posso esperar para ver o que você inventou. Divirta-se e te encontro lá. [MÚSICA] 11. Teoria: abstração e exagero: [MÚSICA] Neste vídeo teórico, vou me aprofundar nas maneiras como você pode tornar seus desenhos de personagens mais únicos, empurrando a proporção. Usaremos abstração, exagero e distorção para transmitir coisas diferentes. Por exemplo, se quisermos que um personagem se depare com super-forte, você pode querer dar-lhes ombros irrealisticamente largos, ou um truque que eu sempre gosto usar é fazer a cabeça e os olhos muito maior do que deveriam ser para criar uma sensação mais jovem ou inocente. Você pode até ficar louco e fazer algo que nem se depara como humano. Esta é uma parte super divertida do processo de design de personagens para mim, e acho que você vai gostar também. Obviamente, alterar todas essas proporções também afetará a forma como os personagens são animados. Se algo tiver pés enormes, sua biodinâmica e ciclo de caminhada serão muito diferentes do que um normal. Isso é definitivamente algo a considerar ao abstrair seu próprio esboço na próxima lição. Se você estiver trabalhando com um animador super experiente, pode estar confortável enlouquecendo com proporções. Mas se você não tem certeza, é sempre bom obter o benefício da dúvida e não ir muito duro com a abstração. Estamos neste ponto da nossa ilustração, que é escrever a fase de esboço aproximado. É aqui que queremos chegar, um pouco mais único com nossos personagens. Obviamente, já implementei alguma abstração fazendo essa curva para um truque direto e fazendo algumas formas geométricas e achatando tudo. Mas ainda há muitas coisas que podemos fazer. Vou te mostrar um pouco disso agora. Adoro usar abstração, exagero, aumentar a proporção para tornar meus personagens mais únicos, e não apenas meus personagens, mas meus designs em geral. Por exemplo, se olhássemos esses óculos aqui, um verdadeiro par de óculos, a perspectiva não seria assim e não seria tão perfeitamente reta e em ângulo plano como esse. Mas eu realmente queria torná-los geométricos e simplificados, então eu literalmente fiz algumas linhas retas, uma curva e dois círculos, e isso se torna realmente abstraído. Podemos aplicar esses mesmos princípios aos personagens. Por exemplo, aqui, com o braço aqui embaixo, criei duas linhas retas, conectando-as com uma curva e criei mais ângulos de 90 graus em todos os lugares. Você pode realmente começar a ver parte dessa abstração, e a distorção e o exagero. O que quero dizer com isso é que os pés são muito pequenos em comparação com as pernas, ou aqui em cima, a cabeça do personagem é muito pequena em comparação com o corpo. É realmente apenas pegar esses elementos do corpo, torná-los maiores ou menores, distorcendo-os um pouco, talvez inclinando-os e apresentando algumas maneiras diferentes de visualizá-los personagens. Se passarmos pelo meu Pinterest, que é sempre o meu lugar favorito para ir, sinta-se à vontade para acompanhar lá, porque adoro pintar o tempo todo. Mas você pode ver que muitos dos personagens que eu salvei aqui são exagerados. Os pés desta personagem são 50 vezes maiores que a cabeça dela. Isso é um exagero, mas você sabe o que quero dizer. Isso o torna mais divertido e divertido. Esses personagens têm uma perspectiva achatada realmente interessante, e suas cabeças são muito pequenas, mas suas mãos são enormes. Para este, por exemplo, é como uma perspectiva achatada onde vemos que a mão está em primeiro plano, mas parece gigante em comparação com o corpo porque está achatada. Algo que vou dizer é que usar abstração e exagero e empurrar essa proporção pode criar um tipo diferente de humor para o seu personagem. Como eu disse anteriormente, as crianças tendem a ter cabeças muito grandes em ilustrações. Mesmo se olharmos para as ilustrações sugeridas feitas aqui, você pode ver que esses personagens são crianças e eles se parecem com crianças porque suas cabeças são enormes em comparação com seus corpos. Mesmo aqui, por exemplo, este é um projeto que eu dirijo arte, Odd Fellows, e vemos essa personagem feminina mais sofisticada e realista. Ela definitivamente é abstraída um pouco, mas ela tem proporções humanas mais realistas, e sua família também. Na fase de desenvolvimento disso, você pode realmente ver diferentes iterações disso. Esse personagem, aqui no meio esquerdo, tem uma aparência muito mais realista. Sua cabeça é mais proporcional com seu corpo, o mesmo com este outro no canto inferior esquerdo. Mas então este aqui embaixo que eu desenhei, e esses no meio onde realmente conseguimos, têm cabeças um pouco menores e braços e pernas alongados. Mesmo que não sejam proporções humanas 100% realistas, você ainda pode identificá-las como humanas. Eles têm muito mais personalidade em tribunal para eles. Agora não estou dizendo que você não deve usar proporções humanas realistas porque isso é um olhar. Isso é uma vibração. [RISOS] Algumas pessoas querem ir com coisas que parecem mais realistas e às vezes seu cliente pede isso. Mas essa classe é sobre simplificar animação e criar um personagem estilizado. Se formos ver essa animação 3D do livro, é super fofa, mas você pode dizer que eles estão tentando ser mais brincalhões porque os personagens têm cabeças enormes e olhos enormes. Eles quase se sentem como brinquedos. Alterar as proporções e tudo pode realmente dar à sua ilustração um clima totalmente diferente. Além disso, alterar as proporções afetará a forma como seus personagens são animados. Por exemplo, como esse personagem de dinossauro tem pernas pequenas e braços pequenos e a forma como ele é animado está reagindo à forma como é moldado. Acho que essa é provavelmente a melhor maneira de dizer isso. Está levando em consideração o peso do personagem. Isso pode não ser 100% preciso, mas eu gosto de pensar que as pernas são longas e o pescoço é um pouco longo demais, então parece realmente desequilibrado, e então essa queda está apenas caindo. Então esse personagem se sente muito mais fiel à vida. Temos mais desse movimento realista acontecendo, vento muito estilizado e tudo mais. Mas você pode realmente ver que há muito peso colocado no personagem. Eu também gostei deste como exemplo, porque a cabeça do cachorro é enorme, então definitivamente parece um pouco desequilibrado quando está funcionando. Este é simplesmente idiota. Isso não faz sentido. Eu amo Charles Huettner e nem sei se é assim que você diz. Se não, desculpe, Charles. Mas eu adorava [RISOS] como a cabeça parece mais pesada com a bunda virada para cima. As proporções realmente afetam tudo e você tem que ter isso em mente enquanto está desenhando porque seu personagem será animado. Agora que nós realmente olhamos para alguns exemplos de abstração, pensando um pouco sobre todas as diferentes proporções de personagens, como podemos mudá-los e, em seguida, também levar em considerando o aspecto da animação, eu adoraria mergulhar em nosso próprio design na próxima lição e aplicar algumas dessas características a isso. [MÚSICA] 12. Abstract seu esboço: Vamos colocar esses indicadores de proporção que acabamos de aprender em ação. Tenho minha pose de personagem e esboço que eu realmente gosto. Ela ainda é básica, então eu não consegui me anexar a nada ainda. Essa parte é muito divertida para mim. Já falamos sobre como são as proporções humanas reais. Quero levar essas técnicas para o próximo nível, mexendo com proporção e escala e distorção usando a ferramenta de transformação. Como estamos usando a ilustração aqui, temos a licença para ampliar os limites da realidade. Você pode usar o contraste de escala e forma adicionar estilização ao seu trabalho. Em muitos casos, dependendo de como você estiver usando essas técnicas, proporções exageradas podem fazer com que seus personagens se sintam mais relacionáveis ou únicos. Dito isto, vamos ver algumas maneiras pelas quais poderíamos exagerar tecnicamente nosso caráter. Vou desligar essas camadas extras e usar essa principal. Vou duplicá-lo e desligar minha camada de esboço por enquanto. O que eu gostaria de fazer muitas vezes é fazer uma versão menor do meu personagem e criar iterações. Obviamente, isso é apenas formas agora. Mas eu vou entrar e ficar tipo, se ela tivesse uma cabeça muito grande? Isso parece mais infantil para mim e nem sempre é a única maneira de ir peculiar. Você também pode dar a ela uma cabeça minúscula. Isso pode parecer mais brincalhão de certa forma porque está fora de equilíbrio. Talvez os pés sejam enormes. Aquela ilustração que eu estava olhando anteriormente tinha pés muito grandes e gostei de como parecia mais divertido e brincalhão. Vou fazer essa aversão e vou iterar a partir daí. Talvez outra coisa que possamos fazer é selecionar seu personagem e, em seguida, você pode clicar com o botão direito do mouse nele, e você tem todas essas ferramentas como distorção, perspectiva, escala, rotação. Eu gosto de usar a ferramenta de distorção às vezes, e eu vou apenas arrastar cantos ao redor e apenas ser como, talvez eu queira que a linha de ação dela seja mais forte, então eu estou empurrando-a mais para a esquerda porque ela é inclinado para a esquerda. Isso o torna um pouco mais interessante e chama a atenção para o outro lado do quadro porque ela está apontando para ele. Estou gostando de como isso está se sentindo. Talvez as pernas dela estejam ainda mais alongadas, então vou selecionar uma das pernas de cada vez e arrastá-las e preencher os espaços em branco. Talvez este seja mais longo assim. Você vai ter que fazer ajustes à medida que avança. Mas começa a se tornar algo um pouco mais único e interessante. Já se você olhar acima do esboço em que estou trabalhando agora e vê o original, parece que ele tem mais movimento para ele. Já parece mais animado. Quanto mais animados pudermos fazer nossos personagens antes mesmo de serem colocados em movimento, mais impulso visual eles terão. Eu pessoalmente gosto deste, mas vamos ver outras maneiras distorcer as coisas. Se pegarmos aquele original novamente, se quisermos que ela pareça muito forte, poderíamos exagerar e distorcer os ombros. Como eu disse, ter esses ombros maciços vai fazê-la parecer mais buff, mais machista. Talvez ela tenha um pequeno chapéu. O desperdício dela é menor, então parece mais com a proporção masculina. Talvez tenhamos um personagem masculino aqui ou um personagem não binário ou sem gênero. Você também pode tornar as pernas super minúsculas e inclinar-se um pouco mais nisso. Acho que isso parece muito tolo, mas se pudéssemos fazer alguns ajustes, isso pode funcionar. Talvez as pernas saiam assim. Quero dizer, isso é ridículo. Eu provavelmente quero ir com isso e o fim, mas eu tenho meu próprio estilo e você provavelmente tem seu próprio estilo e eles não são os mesmos. Eu encorajo você a brincar com a aparência das proporções do seu personagem. Acho que é muito importante abstrair e ver diferentes iterações à medida que você vai para se certificar de que você está confortável com o design do personagem em que você acaba colorindo. Depois de terminar de abstrair, quero aproveitar esse próximo pouco de tempo para realmente refinar nosso esboço um pouco mais. Vamos entrar em rostos em breve e adicionar cores em detalhes, etc. Mas antes de chegarmos lá, obviamente precisamos ter um esboço mais refinado. Vou escolher o esboço que mais gostei, que foi este, e vou levar algum tempo para trazê-lo à vida. Vou fazer essa pasta chamada esboço refinado. Comece com isso. Este é meu esboço grosseiro. Posso nomear essa camada. Essas camadas ainda não serão usadas para o animador. Não se preocupe muito em organizar suas camadas. Mas é sempre bom ver semi-organizado porque você tem algo para olhar facilmente e pode fechar pastas e olhar para trás para o seu progresso. Eu realmente encorajo você a ficar pelo menos semi-organizado aqui. Isso não significa nomear cada camada necessariamente, mas manter-se mais organizado em geral sempre me ajudou. Agora que estou olhando para isso, estou percebendo que nossa personagem pode realmente ser um pouco longa demais para o quadro porque vemos que é quadrado, mas ainda queremos ter essas outras coisas ao redor dela. Digamos que há exatamente como esta prateleira retangular. Então, potencialmente, queremos ter o cachorro aqui. Temos todo esse espaço extra na parte superior e inferior, e estou tentando encaixá-lo de forma mais proporcional porque o cliente disse especificamente que eles querem que sejam postagens quadradas de mídia social. Ele não será realmente usado em nenhum outro contexto. Acho que não há problema em se inclinar para essa forma quadrada. Eu só vou brincar de novo com essa abstração e tentar trazê-la um pouco mais. Talvez ela não esteja tão alongada quanto eu a tive antes. Talvez a cabeça dela seja um pouco maior para que ela ocupe mais espaço no topo. Talvez isso a faça parecer um pouco mais amigável. Talvez seus antebraços não sejam tão longos e talvez ela não esteja tão inclinada quanto antes. É uma pequena diferença, mas acho que vai ajudar. Além disso, poderíamos tornar a parte inferior da perna um pouco mais curta e até mesmo tornar seu pé cada vez maior. Mas às vezes é divertido adicionar um pouco de personalidade extra ao seu personagem. Lá está ela. Ela está ocupando a maior parte do quadro. Eu quero ter essa coisa de prateleira, mas talvez eu dê um pouco mais espaço para respirar. É como enquadrar nosso personagem, o que, composicionalmente, parece muito bom. Então, quando chegarmos à parte do cão mais tarde, eu só quero ter um pouco de forma de blob aqui para me dar alguma ideia de onde esse cão vai estar. Cachorro, talvez seja o nariz, e ele tem algumas pernas pequenas. Isso definitivamente parece errado pé. Isso é algo em que podemos trabalhar. Como ela está inclinada para a esquerda, parece muito pesada à esquerda. Só vou colocá-la um pouco. Se ela não estiver tecnicamente centrada, ela ainda pode ser visualmente centrada. É nisso que eu realmente quero focar. Talvez eu dê a isso algumas prateleiras. Certifique-se de excluir as peças que você realmente não deseja sobrepor. Vou fazer um pequeno lapso de tempo aqui de mim refinando esse personagem. O que quero dizer com refinar é criar linhas limpas e formas limpas que posso rastrear na minha fase de bloqueio de cores para que eu tenha uma silhueta mais geométrica e limpa para trabalhar. Não há muito nisso. É realmente apenas sobre adicionar detalhes, certificando-se de que estamos recebendo essas linhas muito retas. Não é mais tão esboçado. Certificando-se de que estamos adicionando as coisas que estão nas prateleiras, adicionando esse cabelo desgrenhado ao personagem e tudo mais. Acho que será muito útil apenas ver como estou fazendo isso. Então, quando entramos na fase de bloqueio de cores, podemos falar mais sobre esses detalhes e como eles adicionam ao conceito. A maneira como faço isso normalmente é pegar a pasta inteira e pressionar Comando E e isso colocará tudo em uma camada porque é mais fácil manter meus esboços em uma camada. Normalmente, não queremos achatar coisas em animação, mas ainda não estamos lá. Vou diminuir a opacidade. Vou criar outra pasta. Vou começar a mergulhar nisso. Uma dica para ter em mente se você estiver usando o Photoshop e, especialmente, o Procreate, isso também funciona no Procreate, é manter essa ferramenta de suavização em mente. Se você quiser obter essas linhas mais limpas e tornar suas linhas menos vacilantes, eu normalmente coloco minha suavização para 15-20%. Com suavização, ele automaticamente faz tudo parecer muito bom. Então, se eu desligar o alisamento, ficará mais irregular. Eu recomendo usar suavização. É muito bom para esboçar e fazer coisas que parecem um pouco mais refinadas. Aqui é onde eu acabei com meu esboço refinado. Fiz muitas coisas com isso. Eu me certifiquei de que as curvas e retas se sentissem mais limpas em nosso personagem. Voltei e olhei para o nosso conceito, isso parece insano agora, mas estou apenas olhando para esta lista aqui. Nós realmente queríamos que ela estivesse desgrenhada, patins, com pressa. Na verdade, esqueci de adicionar a bolsa dela e outras coisas, então deixe-me fazer isso agora. Eu definitivamente queria que ela se sentisse mais como se estivesse desgrenhada. Talvez ela tenha mais brinquedos enfiados em seu braço aqui. Talvez haja uma bolinha no chão ou um pequeno bloco ou algo assim. Outra maneira que eu realmente queria trazer a sua vida personalizada era potencialmente através da adição de padrões às suas roupas. Pense no seu esboço bruto como o esboço básico da figura. Imagine que você ainda não anexou roupas a ela, é mais apenas um modelo de plástico. Então, nesta seção, quando estamos refinando, vou entrar e adicionar um pouco mais de interesse e detalhes. É por isso que eu adicionei a perna da calça jutting para fora. Seria um pouco mais rígido se tudo estivesse exatamente na linha do corpo, tudo ficaria apertado e isso não é realmente realista. Nem todo mundo se veste dessa maneira. Eu só queria adicionar um pouco mais de talento e personalidade a ela. Talvez mesmo quando eu entrar em cor mais tarde, ela possa fazer uma pequena tatuagem no braço ou brincos legais. Há uma quantidade infinita de possibilidades do que podemos adicionar aos nossos personagens. Quanto mais você adicionar, mais única essa pessoa será. É para lá que estou indo com ele. Deixei este lugar à direita dela para colocar o cachorro. Eu realmente quero passar por cima disso um pouco mais tarde porque quero falar com você um pouco sobre personagens e animais não humanos e coisas assim. Então isso também nos dará um pouco de atualização de como fizemos esse primeiro personagem. Estou me sentindo muito bem com esse esboço refinado. Eu me certifiquei de usar meu truque curvo e direto, minha abstração. Eu me mantive fiel à minha silhueta. Então, vemos muito espaço negativo entre todas as peças do nosso personagem. Ela é muito clara e fácil de ler. Isso me faz sentir que estou praticamente pronto para passar para a próxima lição, na qual falaremos um pouco sobre rostos e expressões faciais. 13. Rostos e motion: [MÚSICA] Muitas vezes você pode não precisar de expressões faciais muito detalhadas para seus personagens. Às vezes, eles podem nem precisar rostos, mas por outro lado, você pode querer que a emoção seja o fator motriz do seu personagem. Não sei onde ouvi isso exatamente, mas sei que os humanos estão cientificamente inclinados a detectar rostos e emoções nas pessoas. estimação, animais e até mesmo a natureza, é provavelmente por isso que eu sempre vejo um rosto fantasma assustador quando olho muito perto para minhas tábuas de madeira. Mas a emoção tem uma tonelada de relacionabilidade e interesse para um personagem e pode intrigar os espectadores a olhar para o seu trabalho com mais cuidado, talvez até dar uma segunda olhada. Como eu disse, adoro falar um pouco mais sobre emoção e expressões faciais de caráter e tudo mais. Se obviamente olharmos para trás para o breve, eles querem que essa pessoa seja feliz. Todo mundo sabe desenhar um rosto sorridente. Acho que poderíamos literalmente apenas ter um sorriso nessa personagem e ela se sentiria completa. Às vezes, não precisamos mostrar esses rostos para atravessar a emoção que estamos sentindo. Se quiséssemos exagerar isso mais, ela poderia ter seu pequeno olho virado para cima ou ela poderia apenas ter um pequeno olho circular, ela poderia até ter um sorriso lateral manhoso e tudo assim. Mas, para reduzir essas expressões faciais básicas, é sempre bom olhar para a referência da vida real para saber exatamente o que estamos fazendo. Achei que seria bom olhar para algumas dessas expressões faciais. Acabei de pegar isso do Google. Infelizmente, não tenho certeza de onde eles vieram, mas acho que olhar para um rosto real vai ajudar muito. Uma coisa que é muito útil notar, pois estamos olhando para esses personagens e pessoas na vida real é que as sobrancelhas adicionam muita expressão. A largura dos olhos e a ansiedade, a raiva e o medo são quase exatamente iguais, mas as sobrancelhas estão fazendo coisas totalmente diferentes. Você pode realmente ver que se deparam mais em personagens ilustrados, como quando eles são exagerados, porque especialmente para animação, o animador vai exagerar esses faciais expressões para fazê-las se sentir mais perceptíveis na animação. Eles usam essas técnicas chamadas stretch and squash, que ajudam a exagerar essas emoções dependendo de qual emoção você está tentando retratar. É por isso que alguns deles parecem muito mais exagerados do que seu rosto humano típico. Acho que este é um exemplo muito fofo de como os olhos ficam menores por expressão. É muito bom ter isso em mente. Mas quando você se aproxima e realmente quer simplificar as coisas, tudo o que você realmente precisa é honestamente, você nem precisa de um nariz. Tudo o que você realmente precisa é de olhos, boca e sobrancelhas. Às vezes você pode até ter olhos e boca, como eu estava te mostrando um pouco atrás. Mas as sobrancelhas são uma grande ajuda para retratar essa emoção. Isso é realmente de um projeto que eu arte dirigiu para Odd Fellows para o Google e foi muito divertido criar esses personagens do zero. Trabalhamos com alguns designers incríveis, Odds realmente foi praticamente o único a projetar o sistema. Mas, como você pode ver, passamos por muitas iterações simplificadas e mais realistas dos personagens. Então, a partir daí, começamos a projetar ciclos de caminhada e turnarounds e tudo isso. Esta é apenas uma boa folha de expressão de caracteres pouco simplificada. Então, se você entrar na página do meu site, temos exemplos de cabelo de diferentes tipos de pessoas, raças, nacionalidades, tudo isso. Além disso, também temos essa folha de expressão, que é o que eu tenho na tela atrás de mim aqui. Mas, como você pode ver, colocar as sobrancelhas para baixo vai parecer mais irritado ou irritado. Se você colocar as sobrancelhas para cima, parecerá mais alegre ou surpreso. Se você tiver sobrancelhas viradas para cima, ficará mais triste ou ansioso. Posso mostrar instantaneamente como isso ficaria nesse personagem aqui. Se quiséssemos que ela se sentisse feliz, vai ser difícil acertar isso desse ângulo, mas ela tem os olhos levantados lá, talvez ela até tenha um grande sorriso no rosto. Mas instantaneamente, se eu fizer isso, ela vai parecer com raiva porque suas sobrancelhas estão viradas para baixo. Ou se fizermos isso, ela está tipo, estou um pouco preocupada, talvez ela tenha um pouco de suor, lágrima acontecendo lá. Como eu disse, você poderia usar uma boca se quisesse. Eu não diria que é um policial fora porque eu definitivamente acho que há alguma beleza na simplicidade disso. Mas eu sempre gosto de adicionar um pouco mais. Para ela, posso ter os dois olhos dela, então estamos vendo no limite e talvez ela tenha aquele olhar surpresa no rosto. [RISOS] Ela poderia estar se voltando para a câmera um pouco. Você também pode pegar essa expressão e movê-la no rosto e ver como ela se sente diferente. Mesmo se você cortar isso e talvez você queira adicionar um nariz e o personagem começa a se sentir um pouco diferente com o nariz, então você quer brincar com a expressão facial. Existem tantas possibilidades e é preciso apenas o deslizamento de uma linha para torná-la diferente porque, como humanos, tentamos encontrar emoção e expressões faciais em tudo. Mesmo apenas adicionando uma pequena linha aleatoriamente, como mesmo se você colocasse a boca dela aqui e colocasse as sobrancelhas para baixo, ela pareceria frustrada. Ou se você colocar as sobrancelhas para cima, ela fica mais um pouco e curiosa ou quase preocupada. Talvez ela tenha uma expressão virada e esteja preocupada ou esteja absolutamente surpresa. Meu Deus, olhe para essa comida de cachorro, é loucura. Eu amo tanto isso. [RISOS] Há muitas maneiras que você pode seguir com sua expressão facial, mas eu encorajo você a brincar e apenas se divertir com ela. Eu acho que, pessoalmente, vou apenas dar um sorriso suave e simples. Talvez ela tenha uma sobrancelha lá dentro e eu realmente gosto de ter o nariz lá porque acho que dá mais definição ao rosto dela. Você pode até brincar com a aparência do nariz ou o quanto ele muda o rosto. Talvez seja apenas um pequeno nariz de botão ou talvez seja um nariz grande que tenha mais personalidade ou talvez tenhamos um pouco de nariz arredondado. Você também pode voltar ao esboço e excluir a linha extra para que ela pareça mais finalizada. Mas eu gosto desse nariz pontudo que tive antes. Eu não quero que ela pareça muito preocupada, então vamos deixar as sobrancelhas mais felizes. Você poderia adicionar um olho real lá, se quisesse. Isso só lhe dá uma aparência e sensação totalmente diferentes. Mas eu sugeriria talvez experimente coisas diferentes que você vê no Pinterest ou ir a um quadro de personagens e apenas ver quais tipos de rostos diferentes estão por aí. Temos alguns olhos mais realistas, temos mais alguns olhos pontuais, temos esses olhos grandes, redondos e arregalados. Eu não diria necessariamente pegar exatamente o que alguém tem e faça isso para o rosto inteiro, mas pegue pedaços disso e aplique isso à forma como você está desenhando seus personagens. Talvez eu queira que os olhos sejam mais meio realistas, como esses. Talvez tenhamos essa linha de cima e pareça um pouco sorrateira e ela esteja olhando para trás para o cachorro. Gosto de como isso acabou. Na verdade, vou deixar esse. Quando adicionarmos o cão lá, ele terá um pouco mais de interação, eu acho. De qualquer forma, isso é algo com o qual você pode brincar facilmente porque é tão pequeno e intercambiável e muda toda a direção da sua ilustração. Certifique-se de levar algum tempo para realmente entrar lá e brincar com essas expressões faciais. [MÚSICA] 14. Dicas de um animador, parte 2: [MÚSICA] Depois de finalizar nosso esboço, vamos colocar as camadas que o animador realmente usará para animar. Acho importante que revisemos o processo de animação com nosso animador convidado, Tyler. Vou fazer com que ele quebre uma de suas animações para você dar uma ideia melhor do que você vai precisar prestar atenção enquanto adiciona cor, textura e detalhes. Você também precisará prestar muita atenção como você está organizando suas camadas e não achatando as coisas [RISOS], é claro , então ele vai passar por cima disso um pouco também. Sou eu, Tyler. Agora que você esboçou seu personagem e seu arquivo serão parecidos, é importante ter em mente como você irá estruturar os preenchimentos e formas para quando refiná-lo na final design. Há algumas coisas importantes que você precisa ter em mente quando estiver fazendo isso. [MÚSICA] Esta é uma animação que Sara e eu fizemos. Este é o arquivo que ela me deu. É muito bom e vou passar por algumas das razões pelas quais funcionou bem para mim e depois faltavam algumas coisas que no final, eu, como animador, tive que apenas tomar essas decisões porque ela não teve tempo de criar ativos extras para mim. Eu pessoalmente uso o Photoshop para animar de qualquer maneira, então usar PSDs diretamente de designers tende a ser uma mão muito fácil. Definitivamente não é a maneira tradicional e popular de fazer animação celular ou quadro a quadro, mas foi exatamente como eu aprendi e é isso que eu ainda faço. Começando, imediatamente vou direto para o painel de camadas e apenas ver o que está acontecendo aqui. Normalmente, suponho que maioria das camadas que estão desativadas provavelmente não serão importantes, então vou começar a limpar o arquivo por simplicidade para mim, não preciso do esboço, Preciso dos preenchimentos. Este é o design final. Curioso o que está por baixo dos preenchimentos, esse é outro esboço. Não preciso disso. Esse é outro elemento de esboço e, como o plano de fundo está embutido nessa pasta de preenchimentos, também não preciso dessa camada. Vá em frente e desagrupe isso pessoalmente para tornar mais fácil para mim ver. Neve caindo, isso é bem claro. Com a neve, provavelmente será como construir e depois descer e desaparecer novamente. Com esse tipo de movimento, seja tedioso para fazer isso e assim para cada um quando eu pudesse fazer isso muito mais fácil no After Effects. Vou desligar isso por enquanto e penso nisso mais tarde. Passando. São todos bem claros. Para isso, provavelmente vou achatar isso. Novamente, sou o animador nessa situação e é muito útil para mim ter ambas as camadas possivelmente. Talvez houvesse uma situação em que eu precise que essas pilhas de neve sejam separadas, mas na minha mente eu não preciso que elas sejam, então vou achatar isso por mim mesmo. Abrindo esses cogumelos menores. Ainda estou tendo que passar e ligar e desligar. Você pode dizer o que é isso olhando para a miniatura aqui. Mas ainda estou verificando para ver o que é o quê. Considerando que se este fosse padrão vermelho de cogumelo ou mesmo se estes não fossem apenas números. Isso era frente, centro, cogumelo, topo, costas, cogumelo. Certo, cogumelo pequeno. Desta forma, isso não é muito mais descritivo e talvez um pouco excessivo. Mas se você tiver tempo, isso economiza poder cerebral [RISOS]. Quando eu recebo um arquivo complexo como este, onde esse mouse vai fazer algo pulando para cima e indo trás e este fim ele vai fazer algo assim como este e este e este mouse vai se virar e sorrir para nós. Há muitas coisas para pensar e remover esse passo de ter que passar e organizar as coisas. Isso fará com que o animador goste muito mais de você e foi trabalhar com você novamente e recomendar a você e todas essas coisas felizes. Aqui está um bom exemplo de projetar atrás de camadas. Ambos os ratos estarão se movendo. Digamos que você construiu seu esboço na manga do mouse e está no queijo. Você vai preenchê-lo e então você apenas preenche esta forma marrom para o mouse. Você volta e só desenha essa forma verde atrás do mouse assim. Coisa feia e maluca lá atrás. Quando o mouse se move, então eu não teria essa informação por trás de tudo isso que estava atrás do mouse. Se você não o preenchesse, então eu teria que adivinhar e redesenhar e possivelmente criar a coisa errada portanto, talvez ela recupere a animação mais tarde e o mouse saltou e há algum padrão de folha pateta que não combina e o animador ficou confuso. Não está certo. Em muitos casos, o pedido geral da animação é que um personagem se afaste, então o animador precisará dessa informação para o que está por trás das peças e se movimentará dessa informação para o que está . Esta animação, tive a ideia que esse mouse inferior esquerdo aqui estaria saltando cima e para baixo e vemos essa formiga aqui. Ele provavelmente está rastejando dessa maneira. Mas esse rato ama seu queijo. Ele vai dar um tapa na formiga assim que chegar por aqui. Ele atirava aqui e acertava essa pequena neve de volta porque isso é pateta. Há muito envolvido nisso porque será divertido ver o rosto do mouse. Felizmente, tenho outro mouse no ângulo que o rosto estaria. Eu vi se Sara tinha alguma preferência sobre como esse mouse inferior esquerdo deveria ser quando ele se vira e bate e faz todas as suas coisas bobas. Mas ela não teve tempo de desenhar essas poses para fora. Acabei de referir o rosto deste aqui. Eu peguei geralmente o que esse cara se parece desse perfil e depois virei e funcionou. Então, quando eu animai no meio e o posta para estar olhando a formiga e então ele tem um pequeno braço aqui e ele bate na formiga. Mas muitas vezes o animador não terá desnecessariamente as informações, como outro mouse que posou como você gostaria, você pode ter que fornecer essas informações, especialmente dizer havia apenas um rato nisso de qualquer maneira. Então o animador é como, o mouse precisa olhar para a câmera. Então, isso é muita informação para o animador vir com eles mesmos. Como o olho parece? O animador pode dar a eles como um pouco de olhos patetas que não são cedo tão fofos e depois parece um pequeno ratinho assustador agora. Às vezes você não quer isso. Talvez você queira. Mas, novamente, isso é adivinhação para o animador. Eu só queria mostrar como meu arquivo acabou sendo e como era a animação final. Não é muito tempo real agora. Aqui está a animação final. Tudo isso foi feito no Photoshop durante um período decente de tempo. Há muitas texturas, animações e a animação do personagem não foi a mais simples. Mas eu posso entrar em algumas de como essas camadas se parecem. Mas pode ser muita informação para receber com a linha do tempo do Photoshop, que você provavelmente não estará olhando muito nesta classe. Esta linha do tempo aqui em baixo é uma maneira diferente de olhar para as camadas que também estão organizadas aqui. Vou fazer trabalhos de linha primeiro antes de entrar e fazer preenchimentos. Mas se formos olhar para a textura deste mouse, você pode ver como eu redesenhei a textura a cada três quadros e a decisão que tomei com a Sara na verdade foi não ter a textura a cauda deste mouse porque não estava neste e tornou minha vida um pouco mais fácil ter uma coisa a menos para desenhar e cortar o design um pouco consistente e pronto. Talvez um dia, não seja um curso de animação do Photoshop. Mas não é hoje. [MÚSICA] 15. Coloração em blocos: É aqui que nós, como designers, realmente precisamos começar a estar conscientes do processo de animação como acabamos de aprender com Tyler. Preenchendo as cores, é assim que eu realmente começo a bloquear meus designs para animação depois de terminar a fase de esboço. Vamos cavar nisso. Antes de saltar de volta para o bloqueio de cores e nosso arquivo real do Photoshop. Vou seguir algumas regras para ter em mente enquanto você está criando esses arquivos para animação. Eu sempre gosto de manter essas três regras cardinais em mente para trazer seu design para qualquer estado pronto para animação e eu adoraria que você tenha isso em mente enquanto você está trabalhando para adicionar cor e textura para o seu design. O número 1 é rotular tudo claramente. Se você tiver o Photoshop, se você tiver o Procreate, se tiver o Illustrator, certifique-se de que está rotulando cada camada ou cada objeto, seja lá o que estiver trabalhando. Não importa onde, apenas certifique-se de que você está rotulando isso. O número 2 nunca é achatado. Quando eu digo achatar, se você não usou o Photoshop ou o Procreate muito antes, isso significa basicamente apenas pegar essas camadas individuais e esmagá-las em uma camada para que você não possa edite mais tempo cada uma dessas camadas individuais. Vou passar por isso enquanto estou projetando. Mas o terceiro é excluir camadas ocultas, vazias ou desnecessárias. Isso é algo que você pode fazer no final. Mas eu sempre gosto excluir minhas camadas vazias à medida que vou porque fica muito chato ter que passar no final e apenas excluir um monte de coisas. De qualquer forma, você tem tempo para fazer isso antes de passá-lo para o animador. Algumas outras coisas a ter em mente enquanto você está adicionando cores aqui, After Effects só funciona com resolução de 72 DPI. Mas, como eu disse anteriormente, se você quiser usar 300 DPI para ter uma ilustração impressa, você também pode converter a resolução depois que o design estiver concluído. Certifique-se de trabalhar em cores RGB oito bits, 16 bits se quiser usar gradientes. Não nivele suas camadas e não corte nenhum de seus elementos fora do quadro. Digamos que tenhamos um personagem atrás de uma mesa ou algo assim, e você simplesmente não desenhe a parte do personagem que está atrás da mesa, quando o animador desliga a mesa ou se o movimento característico em qualquer lugar, haverá uma parte ausente do personagem. Queremos ter certeza de que tudo está lá para usar uma animação. Agora é hora de projetar. Vamos voltar ao processo de design e integrar essas ideias à medida que avançamos. Também irei mais longe para dividir seu arquivo para animação depois de terminarmos com cores em detalhes. Só queria mostrar o que quis dizer com, dizer que há uma mesa na frente do nosso personagem aqui. Não importa de que cor é. Mas digamos, como o Illustrator, esta mesa era parte da ilustração e eu fiquei tipo, oh, eu não preciso, talvez você desligue a mesa e não há informações lá para o animador para você. E se a personagem tiver que se levantar ou ela for como deslizar e você estiver tipo, espere um segundo. Eu não tenho uma perna lá. O que vou fazer? É por isso que você quer ter certeza de ter todas essas informações extras lá para o animador quando você as passar. Como por exemplo, nesta ilustração, temos alguns quadrados e objetos por trás do nosso personagem. Queremos ter certeza de que esses objetos estejam totalmente ilustrados. Quando nosso personagem está se movendo. Não há apenas peças estranhamente faltantes das prateleiras. Espero que isso ajude um pouco enquanto você está trabalhando aqui. Eu sempre começo colocando todas as cores principais e depois adiciono texturas e detalhes depois, o que vamos fazer em um vídeo separado. Uma coisa fundamental a ter em mente é a organização. Um animador ou você como animador, terá muitos problemas para vasculhar um arquivo e depois de efeitos se tudo for chamado de Camada 5, camada 253 e assim por diante. Enquanto estou trabalhando, gosto garantir que tudo permaneça bem organizado desde o início para que eu não precise voltar e fazer adivinhações mais tarde. Nomeie tudo como você vai. Não nivele as coisas. Obviamente, excluiremos essas camadas desnecessárias à medida que seguimos em frente. No entanto, existem algumas ferramentas que precisamos para começar, como em todas as ilustrações. Temos nosso esboço, que é a parte mais importante que realmente é provavelmente a fase que me leva mais tempo. A parte de colorir é muito divertida. No livreto de aula que tenho para você, também tenho essas páginas com paletas de cores limitadas para você usar e sugerir pincéis. Pincéis, às vezes gosto de ter uma borda texturizada para alguns dos meus pincéis para que meu personagem tenha um pouco de textura e campo orgânico para o personagem e aqui estão algumas paletas de cores limitadas minha aula de paleta de cores e não quero continuar conectando minha aula o dia todo, todos os dias. Mas se você pegar meu jogo com formas e procriar aulas, há realmente um recurso para download aqui chamado brincar com formas, paletas de cores, e isso é o que eu incluí para você aqui. As mesmas paletas de cores. Para esta ilustração, vou usar uma paleta de cores limitada, que tem seis cores ou menos. Eles são ótimos para ilustrações gráficas e forçam você a simplificar seu alcance, fazendo que tudo pareça mais plano. Eu apenas sugeriria que se você não certeza de onde ir com sua paleta de cores, apenas pegue um desses como captura de tela ou o que quiser fazer e puxe-o para sua ilustração. Vou pegar essa segunda paleta de cores e soltá-la aqui. Gosto de colocar minhas paletas de cores no topo e apenas mantê-las lá, nomeá-las paleta de cores, que ela seja obviamente separada e o animador não precise animá-la. Eu pessoalmente vou usar um pincel de caneta esferográfica aqui porque está limpo, é fácil de ler e não estou me preocupando textura ou aparência orgânica para este. Além disso, também gosto muito de fazer uso de camadas de forma. Eles parecem mais limpos, mas não necessariamente traduzem como editáveis e o After Effects como principalmente se você tiver um arquivo do Illustrator, eles podem, mas com o Photoshop aqui, deixe-me mostrar você como seria um arquivo. Aqui está apenas um PSD vazio com uma camada de elipse real e uma camada texturizada desenhada à mão. Essa é apenas uma camada raster básica. Se eu trouxer isso para o After Effects, você poderá ver que essa camada de textura é apenas um pequeno objeto. Você pode se movimentar. Você não pode torná-lo maior. Começará a ficar mais embaçado. Uma camada de forma e efeitos posteriores se parecem com isso. Forma a camada e, em seguida, você pega a ferramenta de forma e desenha lá. Você realmente tem uma elipse com seu caminho, seu traçado, ela preenche tudo o que o animador pode trabalhar. Mas a camada de elipse do meu documento do Photoshop é, na verdade, apenas uma camada com uma máscara nele. Basicamente, é apenas uma tela preta gigante como esta com uma máscara de círculo nela. É um pouco diferente. Ainda é mais editável do que usar apenas uma forma desenhada à mão, mas nem sempre funciona para o animador. Eu só queria te dar um pouco de informações sobre como isso funciona. No entanto, como eu disse, vou te ensinar o que sei. Normalmente trabalho com camadas raster. Às vezes, minhas camadas não serão editáveis pelo animador. No entanto, como Tyler e eu sempre dizemos, comunique-se com seu animador. Se você estiver em uma linha do tempo muito apertada e precisar de tudo em camadas de forma, seu animador provavelmente pedirá que você trabalhe em vetor para se certificar de que você realmente está atendendo a essas necessidades desde o início, em vez de fazer com que o animador converta sua ilustração em vetor. Mas nosso trabalho também é fazer um personagem realmente encantador e divertido sem se preocupar muito com as limitações. Eu só quero que você se divirta com isso aqui. Definitivamente, fique organizado. Mas se você está preocupado com camadas de forma neste momento, você não vai se divertir tanto criando seus personagens. Eu diria que apenas prepare suas cores, prepare seu esboço, prepare seus pincéis. Vamos apenas mergulhar no design desse personagem. O que vou fazer é diminuir a opacidade na minha camada de esboço refinada. Eu costumo transformar isso para cerca de 10% ou mais. Em seguida, criarei uma pasta que diz Cor ou algo assim ao longo dessas linhas. Em seguida, criarei uma cor de fundo. Talvez eu queira que este rosa como minha cor de fundo comece. Geralmente gosto de começar com uma cor de fundo para poder adicionar cores à medida que vou. Isso não acabará necessariamente sendo as cores que eu uso no final, mas é divertido para mim ver como ela evolui à medida que eu trabalho. Definitivamente, quero renomear esse plano de fundo. Livre-se dessa camada extra e da pasta de referência e comece a trabalhar talvez no corpo do nosso personagem primeiro. Só vou fazer um grupo chamado Character. Então, dentro desse grupo, vou fazer uma camada chamada Cabeça. É assim que eu trabalho durante todo o processo, eu me certifico de permanecer organizado à medida que vou. Eu realmente não tenho uma ótima cor de pele para escolher aqui. Só vou inventar uma para acompanhar essa paleta. Ao fazer isso, acabei de escolher uma variação da cor de fundo. Outra coisa que eu realmente amo você para ter em mente enquanto você está criando cores de pele e trabalhando com cores aqui é pensar um pouco sobre diversidade. Queremos ser inclusivos, o mais inclusivo possível. Adicionando as pessoas têm cores de pele diferentes, como as pessoas têm diferentes formas corporais, as pessoas têm diferentes tipos de cabelo é uma coisa realmente importante para se estar consciente desses dias. Não apenas fazer uma pessoa azul porque você quer que ela seja representativa de todas as diferentes cores de pele, raças e culturas. Na verdade, pensando intencionalmente sobre o fundo dos personagens, se você estiver mudando a cor da pele, pense também em como suas características podem ser diferentes e como seus cabelos podem ser diferentes. Não dê um tapa de cor neles. Seja um pouco mais intencional sobre o que você está criando, quem é seu público e apenas sendo mais inclusivo em geral. Vou começar criando a cabeça desse personagem em camadas de forma porque acho que ele vai parecer muito melhor e mais limpo. A maneira como eu gosto de adicionar cor maioria das minhas ilustrações, especialmente aos personagens, é usando máscaras de recorte sobre as formas de base. Usando a silhueta do personagem e, em seguida, aplicando cor ou forma sobre isso e recorte-a na camada base. Criamos um design mais elegante. Mas basicamente a máscara está fazendo isso para que eu possa usar essa forma da cabeça e , em seguida, basta colocar detalhes dentro da forma da cabeça sem ter que me preocupar com esses pontos externos. Porque se eu desagrupá-lo, parece apenas uma forma retangular estranha, mas temos a cabeça lá, então ajuda a mapear isso para nós um pouco. Vou mostrar um pouco do que estou fazendo e depois vou entrar em um lapso de tempo para que você possa ver como estou trabalhando e quando terminarmos, vou rever todas as pequenas coisas que eu tinha em mente enquanto estava trabalhando, coisas que potencialmente poderiam ajudá-lo. Mas, para o bloqueio de cores, queremos apenas adicionar essas formas principais. Não se preocupe muito com detalhes como esses cabelos extras. Não se preocupe com os olhos e desenhos na camisa e coisas assim. Apenas certifique-se de começar a colocar tudo onde ele precisa estar. Por exemplo, esse ombro se sobrepõe à cabeça, então eu me certifiquei de manter o pescoço mais longo o ombro para que, quando eu cair o ombro sobre ele, tenhamos uma ilustração completa. Vou remover o derrame e espero que isso não esteja lá. Obviamente. Tenho alguns dedos estranhos aqui com os quais eu posso entrar e brincar e mexer comigo mesmo e fazer parecer um pouco melhor. Mas não vamos nos preocupar em adicionar todos os detalhes, como as linhas entre os dedos e outras coisas. Agora estamos apenas colocando tudo em ordem. Digamos que eu quero que a camisa dela seja branca. Eu posso cortar mascará-lo no topo dela e então ele vai caber bem ali. Vou me certificar de rotular tudo. Tronco do braço dianteiro, camisa, tronco. Então, lá dentro atrás do braço dianteiro, vou colocar o braço traseiro. Como eu estava tentando ser realmente geométrico com ele, eu tenho basicamente apenas um braço retangular aqui atrás, que eu posso criar ilustrando a parte de trás da mão aqui. Queremos ter certeza de que a mão ainda está lá para quando o animador desligar essa camada frontal. Se o personagem ainda não estiver agarrando esse frasco, você vai querer ver pelo menos a palma das mãos para quando eles estiverem animando. Podemos colocar essas duas camadas juntas, retângulo 7 e forma 3. Se você pressionar Comando E, eles se tornarão da mesma forma. Eles estão conectados agora. Podemos chamar isso de braço traseiro. Então, entre o braço traseiro e o braço dianteiro, podemos colocar este frasco. Agora eu gosto do frasco um pouco maior para que você possa realmente ver uma separação distinta entre as mãos. Na verdade, estou percebendo que preciso retransmitir ou coisas. Este braço traseiro vai ter que ir atrás da cabeça porque agora você pode ver que está se sobrepondo à cabeça e não queremos ver isso. Vamos colocá-lo atrás da cabeça, nomeá-lo de braço traseiro. Então este tronco pode ser separado do frasco. Agora temos todas essas camadas muito fáceis e bem separadas. É assim que eu encorajaria você a trabalhar. Certifique-se de que tudo esteja rotulado. O frasco ainda não está rotulado. Vou me certificar de adicionar isso lá. Adicione esses pequenos detalhes. Certifique-se de que você está pegando da sua paleta de cores usando a ferramenta conta-gotas. Como você pode ver, é assim que vou criar a coisa toda. Depois de terminar, você terá um personagem muito bom, em camadas, que será muito fácil de navegar. Além disso, só quero salientar que você não precisa fazer exatamente o mesmo processo que eu. Se você quiser desenhar suas camadas em vez de usar a camada de forma como eu sou, sinta-se livre porque, como eu disse anteriormente, elas são a mesma coisa quando você as importa para o After Effects, elas são ambas camadas raster. Eu apenas prefiro usar a ferramenta Shape Layer porque gosto de como essas bordas limpas parecem, mas essa é apenas minha preferência. Se você quiser adicionar alguma textura ao seu personagem usando um pincel texturizado para desenhar. Você deve ir em frente e fazer isso. Há infinitas possibilidades de como configurar isso. Neste ponto você pode estar, Sarah, por que você está desenhando tudo e forma camadas, se ele não se traduz em After Effects como vetor. Bem, esse é um ótimo ponto. Estou fazendo isso porque gosto da aparência disso. Também não sou tão bom no Illustrator. É daí que estou vindo com tudo isso. Mas adoro a maneira como posso combinar linhas limpas usando minha ferramenta de forma do Photoshop. Então também posso pegar uma textura muito divertida e aplicá-la com uma máscara de recorte aos meus personagens aqui. Isso é algo que você realmente pode fazer também no Illustrator. Essa é a razão pela qual eu realmente gosto de usar o Photoshop. Vou fazer um pequeno lapso de tempo agora de eu trabalhar e vamos olhar juntos assim que eu terminar Surpresa lá. Eu não achei que você me ouvisse falando durante o lapso de tempo, bem, aqui estou eu. Esta é a futura Sarah falando aqui. Eu só queria apontar algumas das coisas que fiz enquanto estava trabalhando, há muitas coisas que eu voltaria e reordenaria. Eu me certifiquei de desligar minha camada de esboço de vez em quando para ter certeza de que tudo estava bem e limpo sem essa camada sobre ela. Eu também estraguei muitas vezes e tive que mover as coisas ao redor. Então, especialmente quando eu estava trabalhando nas prateleiras em segundo plano, uma coisa em que eu realmente tentei me concentrar foi garantir que todas as cores se encaixassem, mas elas não estavam muito distraindo do nosso personagem. Como você pode ver, eu uso uma versão sombreada da cor de fundo e fiz as prateleiras delas para que elas se sentissem um pouco desbotadas e não eram muito intrusivas com nossa composição. Este vaso é bem escuro. No final, voltei e fiz um pouco mais. Basicamente tentei manter essas formas mais empurradas para o fundo. Uma coisa que eu também estava pensando enquanto estava trabalhando era que ainda estamos planejando adicionar um pouco de doug lá. Eu queria ter certeza de que essas formas não eram muito complexas por trás do doug. Pode haver coisas que eu tenho que entrar e excluir mais tarde, pois estou trabalhando com essa composição doug. Mas, por enquanto, senti que isso estava em um lugar muito bom e estava bloqueando em todas as cores que senti que estavam bem com a forma como a composição está agora. Isso está desgastando, e estou muito animado para falar mais sobre texturas em detalhes nas próximas lições. Agora eu gostaria que você entrasse em seu arquivo e comece a adicionar cor ao seu personagem e à ilustração geral. Certifique-se de manter essas três regras cardinais em mente enquanto você trabalha. Rotule tudo de forma clara, nunca achatada e leve camadas ocultas, vazias ou desnecessárias à medida que você avança. 16. Como adicionar textura + detalhes: [MÚSICA] Para obter detalhes, vamos adicionar algumas coisas que podem adicionar à história de fundo do nosso personagem. Talvez um padrão ajude a definir os interesses de nossos amantes de cães. Talvez ela tenha um padrão Paul em seu suéter ou algo assim. As texturas são um dos maiores obstáculos para os animadores e podem ser uma verdadeira agitação, então esteja consciente disso ao mergulhar no After Effects você mesmo ou entregar seu arquivo para outro animador. Nesta fase de texturização e detalhamento, quero dar um segundo rápido para ter certeza que estamos nos trilhos e vamos dar uma olhada no nosso resumo. Isso é apenas por diversão, não importa tanto. Mas eu só quero ter certeza de que você está continuamente olhando para trás para o resumo para que você se certifique que está seguindo junto com sua intenção original. Acho que estamos. Se olharmos para trás para a nossa fase de concepção, vamos adicionar esses detalhes dela sendo desgrenhada, vamos fazer dela uma dama de cachorro. Uma coisa que eu não adicionei imediatamente olhando para isso é o braço cheio de brinquedos. Eu queria que ela tivesse um pouco mais de um visual e sensação frenético, então eu vou incluir o braço de brinquedos na minha cor em fase de detalhamento. Vou ligar esse esboço refinado de volta para que possamos ver esses pequenos detalhes. Mas também quero falar com vocês um pouco sobre texturas em termos de animação, eu realmente usei isso para uma apresentação da Adobe há algum tempo, mas achei que seria realmente útil aqui. Existem diferentes tipos de texturas em animação. Estes são alguns exemplos aqui, texturas que se movem com a emoção do objeto animado, é como se a textura estivesse realmente colada à superfície. Se temos um pano que tem um padrão nele ou uma sombra que cresce com o objeto, texturas obviamente conectadas são apenas algo que eu inventei, mas acho que é uma boa maneira de descrever esse tipo de textura. Então também temos texturas independentes. Essas são texturas que A, não se movem com um objeto, ou B, se movem independentemente de um objeto. O objeto se moverá enquanto a textura permanece no lugar atrás dele ou vice-versa. Como você pode ver com este peixe aqui, o peixe está fluindo por cima dessa textura então ele tem essa aparência de se mover, a mesma coisa com o olho. Então, finalmente, temos texturas em movimento. Essas são as texturas que são realmente animadas. Eles não estão apenas se movendo com o movimento do objeto, eles são animados separadamente dos objetos. Eles podem ser conectados ou independentes. Na maioria dos casos, você provavelmente vai assumir que tudo é aquela textura conectada, então se desenharmos esse padrão em suas calças ou algo assim, você vai apenas ter o animador provavelmente assumir que vai estar se movendo com ela. Além disso, a textura pode ser definida como qualquer uma das seguintes opções: iluminação que você adiciona às formas, sombreamento adicionado, textura áspera em geral ou texturas de fundo. Achei que isso seria um bom exemplo de uma peça texturizada que fiz. Claramente, este não foi configurado para animação, e é por isso que tudo tem nomes de camadas ruins e as sombras são separadas. Pode-se dizer que esta camada aqui era uma textura, digamos que estávamos apenas olhando para o capacete dela ou algo assim. Você pensaria nessa textura superior esquerda como sombreamento. Por baixo disso, temos sombras como esta que estão conectadas às pernas em si. Se os desativarmos, você poderá ver essa definição entre as formas. Depois, há também detalhes como a linha nos sapatos e eu quase chamaria isso de textura por si só porque ele vai se mover com o objeto como essa textura de conexão. Mais uma coisa é que você nunca iria querer achatar suas texturas em seu objeto e eu sei que acabei de dizer nunca achatar como regra, essencialmente uma textura achatada. Esta camada 110 é uma textura e, em seguida, a camada 95 é a perna dela. Obviamente, esses seriam rotulados. Mas quando digo achatado, quero dizer, tudo está selecionado dentro do alcance da perna e, em seguida, você pressiona Comando E, e isso significa que é um objeto agora. Se quiséssemos que sua sombra em sua perna se movesse como se ela estivesse movendo a perna para frente e para trás, você não seria capaz de fazer isso no After Effects porque estaria conectado à forma. Você não seria capaz de isolá-lo e movê-lo. Você definitivamente quer poder separar essas texturas, especialmente para os propósitos dos animadores. Vamos aplicar um pouco disso à minha ilustração aqui. Certifique-se de manter essas camadas separadas da camada base. Digamos, por exemplo, aqui temos a perna da calça. Vou pressionar Option click para adicionar essa máscara de recorte e vou escrever a textura da perna da calça. A partir daí, vou escolher uma textura que eu gosto. Gosto de dividir todos os meus pincéis de maneiras divertidas. Talvez usemos, vamos ver. Este é um grande trabalho quadrado de carvão vegetal para a textura. Eu já tenho a perna da calça errada, então vamos voltar e colocá-la na perna da calça traseira [RUÍDO]. Isso parece bom? Sim, acho que é um pincel de textura divertido. Acho que este é um dos pincéis de mídia seca do Kyle Webster. Peguei a cor de fundo e coloquei na multiplicação para criar essa textura e isso cria uma boa separação entre as pernas também. Lá, vou recusar a opacidade para que não seja tão forte, e então apenas para garantir que tudo esteja bem. Vou desligar esse esboço refinado. Temos nosso primeiro pedaço de textura lá. A textura pode definir sua ilustração. Mas eu também posso ser como uma grande textura pintórica, dizer que você queria que as calças dela tivessem esse padrão legal nelas. Talvez você apenas adicione alguns padrões divertidos, que também podem ser uma textura. Obviamente, provavelmente faça isso com os círculos que você vê nas calças dela aqui. Você sempre quer garantir que essas camadas sejam nomeadas obviamente porque o animador não saberá o que é se for apenas uma pequena camada rasterizada aparecendo no After Effects. Dizer a textura da calça ou a iluminação da calça realmente ajudará muito com o processo. Então a outra coisa que eu realmente queria mostrar é com padrões. Digamos que você tenha criado um padrão de bolinhas ou algo assim, é melhor não cortá-los completamente. O que quero dizer quando eu digo que é basicamente, digamos que você tem um padrão de círculo e você quer que ele fique apenas meio aparecendo nas calças e você “Isso parece bem quando eu prendê-lo na perna da calça.” Mas, na realidade, vamos querer ter o círculo inteiro lá e depois prendê-lo na perna da calça para que o animador possa realmente entrar para que, quando tiverem o arquivo, eles possam mover as coisas ao redor e ainda haverá uma textura completa lá. Então, definitivamente, certifique-se de completar essas texturas e padrões enquanto estiver trabalhando. Potencialmente, você poderia apenas criar um padrão gigante para o animador usar. Nesse caso, provavelmente vou fazer um monte de círculos, adicionar a ferramenta elipse e colocá-los em seus pontos, e lembre-se de que cada perna terá uma textura diferente nela porque é o elemento separado. Para esta perna dianteira, vou colocar o padrão [NOISE] e fazer a mesma coisa. Se você quisesse, você poderia apenas fazer um padrão de repetição gigante então talvez você tenha apenas um monte de bolinhas em todos os lugares e então você transforma isso em um padrão para que ele possa se mover muito. Eu não sei por que você iria querer fazer isso com essas calças [RISOS], mas você nunca sabe. Talvez haja alguma animação muito divertida e caótica que o animador possa fazer com ela. Vou seguir em frente e vou adicionar esses pequenos detalhes, como linhagem e expressões faciais que já tínhamos e todas as texturas e definitivamente quero ter certeza de que estou adicionando todos esses elementos extras no braço dela como temos no esboço porque eu esqueci totalmente de fazer isso no último vídeo. A fase detalhada é um ótimo lugar para adicionar isso. [MÚSICA] Estou me sentindo muito bem na fase de detalhamento. Uma coisa que eu estava pensando e tentando ter em mente enquanto trabalhava aqui era mantê-lo bem simples. Você não precisa ir muito hardcore em todos os detalhes, você pode manter algumas peças com espaço negativo como este vaso. Gostei que na verdade não tivesse nada e alguns dos objetos como essa bola branca não têm textura extra neles. Eu definitivamente acho que isso é algo a ter em mente, ser intencional com suas texturas e com seus detalhes porque eles vão significar algo para o animador e eles vão seja um pouco difícil para eles usarem, então use-os escassamente, se puder. Obviamente, se o projeto exigir mais texturas, use mais texturas. Mas se pudermos ser esparsos e intencionais, acho que isso também realmente ajudará nesse processo [MÚSICA]. 17. Bônus: desenhe um animal: Quem não ama um animal de estimação? Honestamente, ninguém. Agora que aprendemos todas as habilidades necessárias para projetar um personagem, vou recapitular tudo rapidamente projetando um animal de estimação para o nosso personagem, desde esboço rápido , referência, até completo design de cores soprado. Como eu disse, vamos ir em frente e projetar o cachorro que eu tenho planejado ter neste quadro. Se voltarmos ao esboço refinado, e na fase de esboço anterior, eu tinha esse pequeno indicador aqui de incluir o cachorro, então eu sei para onde quero que o cachorro vá, para que eu possa desligar esse esboço refinado. Então, se olharmos para trás na concepção, podemos ver que queríamos a bandana do cachorro, queríamos que ela fosse uma dama de cachorro louca, então eu acho que ter esse cachorro aqui vai realmente adicionar mais personalidade, e história de fundo para o nosso personagem, então vou seguir em frente e apenas ilustrar um cachorro do começo ao fim. Obviamente, já tínhamos nosso esboço rápido, olhamos para a concepção, temos alguns exemplos de como serão esses esboços gestuais, eu posso rapidamente aborrecer isso dentro do meu ilustração colorida. Na verdade, fiz uma pasta chamada cão, e vou rapidamente resolver o que eu quero que a pose seja. Eu quero que o cachorro fique curioso sobre o que a personagem está agarrando, e você pode ver que ela tem um olho lateral, ela está interagindo com seu cachorro, ela sabe que seu cachorro está lá, então eu vou pegar apenas meu pincel de esboço fino, e faça uma pequena pose. Eu estava pensando que o cachorro poderia estar alcançando ela. Eu não sei exatamente como isso parece, então é aí que uma foto de referência vai entrar, mas imagine algo assim, e você pode ver como meus esboços são grosseiros. Obviamente, isso não é exatamente o que eu quero que pareça, mas talvez seja um bom ponto de partida, e porque eu sabia que ia aqui, fui em frente e procurei alguma referência fotos do meu cachorro Badnit, e lembre-se, o vídeo que eu tirei mais cedo que eu mostrei que você realmente não tinha nenhum bom exemplo dele se esticando assim, mas eu achei essa foto ridícula dele. Vamos, isso é tão estúpido e fofo, então vou usar isso. Então você não pode realmente ver a vista lateral da cabeça dele aqui, então eu encontrei outra foto adorável a propósito, do lado da cabeça dele, e então eu vou combinar essas duas fotos juntas como se eu tirei isso para minha foto de referência hoje. Lá vamos nós, é um pequeno Badnit fofo. Então, obviamente, ele não está na pose exata correta, mas acho que isso nos fará algum bem. Eu só vou virá-lo horizontalmente, aumentar o tamanho um pouco, e colocá-lo em contexto. Vou apenas combinar essas duas camadas, pressionando “Comando E”, então temos uma imagem fácil de trabalhar e, em seguida, diminuindo a opacidade aqui. Agora, obviamente, parece que ele está agarrando a bunda dela, então provavelmente vou fazer os braços subirem um pouco, mas acho que este é um bom ponto de partida. O que eu posso fazer é, o que fizemos antes, que foi o esboço aproximado onde acabamos de passar a foto com as proporções básicas, então eu vou rastrear como fiz antes, e isso vai dar eu uma boa ideia de onde ir com minha abstração em seguida. Ele é um garoto tão longo, eu sinto que isso vai parecer muito estranho, então eu vou ter que brincar com as proporções um pouco. Olha quanto tempo ele está, oh meu Deus. Isso parece louco. Um cão de verdade se parece com isso? Aparentemente, mas não acho que as pessoas vão se apaixonar por isso. Vou brincar um pouco com proporções, então isso é mais da fase de abstração e distorção que já passamos na aula. Primeiro de tudo, quero consertar a pose para ser mais parecido com o meu esboço, então talvez peguemos a cabeça e a inclinamos um pouco. Então eu queria que esses braços estivessem voltados para cima, então vamos ver o que acontece quando eu apenas comando X, corto esses , colá-los e girá-los para cima. Acho que isso realmente funcionará. No entanto, eu quero que esse braço traseiro esteja do outro lado do nosso personagem, então há mais camadas, parece um pouco mais realista, e acho que vai ter que haver algumas trabalho feito aqui para que pareça real. Eu acho que as pernas são um pouco longas, ou o tronco é um pouco longo, então vou mover isso um pouco para cima, obviamente meu cachorro realmente não tem cauda, mas vou adicionar uma, faça-o um pouco feliz rabo balançar. Além disso, como estou desenhando aqui, só quero salientar que, desenhar um humano e animar um humano, será um pouco mais fácil, do que animar um quadrúpede, também conhecido como qualquer animal que tem quatro pernas para andar. Em um ciclo de caminhada, vez de animar duas pernas como você faria com um humano, você teria que animar todas as quatro pernas, e é um pouco mais complexo, dá ao animador muito mais trabalhe, então esteja atento a isso enquanto você está desenhando seus personagens. Se não precisar haver um cachorro, e você estiver em uma linha do tempo apertada, provavelmente não adicione esse cachorro. Mas, para o bem desta classe, eu queria que você brincasse com um animal, ou algum outro personagem que talvez tenha proporções diferentes, então não há problema em adicioná-lo aqui. Além disso, este cão vai estar em uma pose fixa se o animarmos, eles podem não ter que estar se movendo muito mais do que apenas ficar lá. Acho que decidi que quero que as pernas do cachorro fiquem por trás do personagem, então talvez não tenhamos que ver esses pés, a menos que pareça estranho quando estamos desenhando. Eu fui em frente e adicionei mais curvas a retas, mais linhas retas sozinhas. Eu trabalhei para encurtar o corpo para ficar melhor na ilustração, podemos ir ainda mais longe com abstração, talvez tornando essa perna traseira completamente reta, talvez seja mais alta, então parece um pouco menos estranho. Obviamente, esse cão é muito maior que o meu cachorro, mas não precisa ser meu cachorro. Também registrei meu pequeno exemplo aqui, que as orelhas estavam apontando para cima, então vou brincar com isso, talvez pareça um pouco mais brincalhão na minha opinião. Então, a partir daqui, podemos entrar na fase de esboço refinado. Vou ativar isso em baixa opacidade e criar um esboço mais limpo. Isso inclui detalhes como a expressão facial, talvez algumas manchas no cachorro, ou algo desse tipo. Vou fazer um pequeno lapso de tempo aqui enquanto adiciono esses detalhes. Acho que meu esboço refinado está em um bom lugar. Agora, vou seguir em frente e fazer esse bloqueio de cores. Para fazer isso, vou garantir que meus rótulos estejam em camadas. Isso vai ser um esboço de cachorro. Esta será minha foto de referência. Eu só vou agrupar todos esses juntos como esboço de cachorro e depois vou colocá-lo acima minha seção de cores para que o animador não precise usá-lo. Então é aqui que eu realmente adicionarei o bloqueio de cores. Eu vou fazer a frente deste cão toda uma forma porque eu disse que provavelmente seria vendido animado. No entanto, você provavelmente poderia quadro-chave, isso também é um After Effects. Mas como eu tenho essas linhas limpas em qualquer outro lugar, também quero usar a ferramenta Bezier aqui. Isso pode ser um pouco mais fácil trabalhar com um After Effects . Eu não diria. É sempre ideal colocar toda a frente de uma pessoa ou silhueta de uma pessoa em uma camada. Mas eu tenho essa experiência de que, se alguém estiver animando um cachorro ou um quadrúpedes, como eu disse antes, normalmente eles usarão animação celular. Mas neste caso, digamos que eles usam o After Effects e o cão está literalmente parado no lugar e apenas abanando a cauda e ofegante ou algo assim. Nesse caso, você só precisaria separar a cauda e a língua ou a cauda na orelha traseira. Isso é o que vou fazer aqui. Talvez as pernas estejam no lugar e os braços estejam no lugar ou acho que as pernas dianteiras, o que quer que você as chamasse em um cachorro. Então temos uma camada separada para a cauda e a perna traseira também. Você sempre quer separar essas camadas de, especialmente se elas estiverem sobrepostas. Mesmo neste caso, talvez tenhamos que colocar uma camada atrás desse personagem. Talvez tenhamos frente de cachorro e, por trás do nosso personagem principal, temos cachorro de volta. Ele estará abrangendo nosso personagem, caso em que você se certifica de separar todas essas peças. Como eu disse, você nunca quer apenas ter uma perna que não tenha forma ou definição por trás de outros objetos. Estou me certificando de incluir toda a perna lá, caso o personagem se mova de alguma forma então é mais fácil fazer isso se você simplesmente desligar suas camadas e você puder ver onde tudo está alinhado. Agora temos essa camada para fora. Então eu vou colocar a perna para trás do cachorro, certifique-se de rotular as coisas como você vai. Silhueta frontal de cachorro. Então, nesta camada traseira do cão, também vou adicionar a cauda para que talvez o animador só queira mover a cauda separadamente. Ter isso separá-lo para eles já será realmente útil. Também vou colocar as costas aqui nesta camada ou neste grupo, talvez, certificando-se de que tudo fique bem sem o esboço. Também coloque o braço traseiro, costas, perna dianteira, mas vou chamá-lo de braço, que está por trás do nosso personagem aqui. Queremos garantir que ele esteja completo também. Quando desativamos nosso personagem, você ainda pode vê-lo. Caso você nunca saiba. Isso é como nosso principal bloqueio de cores. Também queria adicionar alguns pontos ao cachorro. Como você pode ver, eu desenhei aqui, então vou apenas ir em frente e adicioná-los com uma máscara de recorte. Como eu disse, lembre-se de não usar uma máscara de recorte em um grupo, mas você pode usá-la em uma camada de forma ou camada regular. Ele ainda deve se traduzir em After Effects. Vou adicionar um pouco de cor para a orelha interna e a língua. Acho que vou usar essa cor, ficar dentro da nossa paleta de cores e usar essa cor de pêssego que temos em segundo plano. A cor da orelha está parecendo um pouco leve para mim, então vou usar apenas uma versão sombreada dessa cor e também usar a mesma cor para a língua. Se estivermos indo no processo em que desenhamos esse personagem, agora seria a hora de adicionar detalhes, texturas e sombreamento e tudo isso. Vou ir em frente e acrescentar isso aqui também. Acho que a melhor maneira de fazer isso é usar os mesmos pincéis que usamos nesse personagem. Para o sombreamento das minhas pernas traseiras, vou usar o mesmo pincel e colocá-lo em multiplicar. Diminua a opacidade um pouco como fizemos com o personagem, mesmo com a cauda e a orelha traseira. Lembre-se de rotular esses sombreamento ou textura. Agora vou adicionar esses detalhes faciais muito pequenos também, usando essa cor mais escura que usamos em nosso personagem. Temos o nariz pequeno e a bocinha, bem como algumas manchas de bigode. Eu também tinha uma linha para o ouvido criar um pouco mais de separação. Também gostaria de adicionar um pouco de detalhes com os pés também. Talvez apenas algumas linhas Paul possam adicioná-las aqui também. Além disso, eu também gostaria de desligar meu personagem e adicionar essas linhas às pernas traseiras duas, não quero esquecer essas apenas no caso de serem necessárias. É sempre melhor não ter que o animador voltar para você e pedir isso. Se já estiver no arquivo, isso vai ajudar muito. Obviamente fiz o cachorro, mas depois volte ao nosso conceito e conversamos sobre haver uma bandana neste cachorro. Vou apenas ir em frente e adicionar isso muito rápido. Acho que estaremos em um bom lugar com o nosso papai cachorro. Na verdade, acabei de voltar do groomer há uma hora. Ele tem uma pequena bandana e há a coisa mais fofa que eu já vi. Queremos ter certeza de que temos aquela pequena bandana lá. Talvez adicione um pequeno padrão. Apenas alguns rabiscos. Estou sentindo que isso está em um bom lugar. Além de ter o cão em camadas com nosso personagem aqui, adicionando mais personalidade à cena. Também fizemos isso para que eles se encaixem bem na composição. Se você desligar o cachorro, a frente do cachorro e o cão recuar, obviamente ainda há coisas atrás do cachorro, mas não está se cruzando demais com a composição. Ainda temos um bom fluxo de tudo. Eu acho que isso realmente encerra nosso design para essa fase. Nos próximos vídeos, vou preparar seu arquivo para animação e analisar quais são os estágios dos pré-molares. 18. Teoria: os 3 níveis de preparação: [MÚSICA] Além das três regras cardeais que analisamos, há muitas outras coisas que podemos fazer como designers de personagens para ajudar o animador. Os personagens são muito mais complexos do que um design baseado em forma regular para o After Effects. Eu queria compartilhar algumas opções diferentes com você. Como eu sempre digo, eu me certificaria de executar essas ideias pelo animador para ver se elas são realmente necessárias. Às vezes, o animador pode realmente preferir fazer algumas dessas coisas por conta própria. Eu dividi essas ideias em três níveis de preparação de animação, que você possa personalizar a experiência em seu próprio arquivo. Obviamente, não há uma maneira de configurar seu arquivo do Photoshop para animação. As pessoas têm processos diferentes e você pode estar usando o Illustrator ou o que você acabou usando. Mas para mim, cheguei a estes sete passos para um PSD amigável à animação e vou apenas ir em frente e ler isso para vocês aqui, falar um pouco sobre eles. No próximo vídeo, eu realmente vou aplicá-los à minha ilustração que acabei de terminar. Eu sempre digo para salvar seu arquivo e criar um nome de arquivo rotulado duplicado ou qualquer que seja o nome do seu arquivo, sublinhado animação dot PSD. Se você tiver um arquivo separado, isso significa que você terá seus esboços originais e tudo ainda incluído no arquivo de ilustração, mas seu arquivo de animação será mais limpo e terá menos coisas extras nele para o animador. Também recomendo excluir o quadro de humor da paleta de cores do esboço ou a camada vazia que você tem lá. Para o número 3, eu desagruparia pastas desnecessárias em grupos e depois me livraria de qualquer máscara não essencial. Se você tem algo de máscara de recorte em uma pasta, você definitivamente quer descobrir como se livrar disso e vamos passar por cima disso daqui a pouco. Mas você também quer verificar se há bloqueios de animação, o que seria algo como talvez perna do seu personagem não esteja terminada atrás de algo ou talvez o padrão não esteja totalmente concluído dentro do moletom do seu personagem ou algo assim. Além disso, você também gostaria verificar sua resolução e espaço de cores para ter 72 DPI e cor RGB. Finalmente, o número 7, salve o arquivo do projeto e prepare-se para animar ou passar seu arquivo para o animador. Além desta preparação básica do arquivo do After Effects do slide anterior, há muito mais coisas que podemos fazer como designers de personagens para ajudar o animador. Os personagens são muito mais complexos do que um design baseado em forma regular para o After Effects. Eu criei esses três níveis de preparação, estes são apenas meus níveis, coisas que eu criei diferentes níveis de maneiras de preparar seu arquivo para animação. Mas eu sinto que esta é uma maneira útil de dividi-lo para que você saiba o que precisa fazer. Para o nível 1, essa seria uma animação básica do After Effects. Você pode ver nos exemplos à direita, há personagens nessas animações, mas eles não estão realmente se movendo muito, não há ciclo de caminhada, eles estão simplesmente deslizando pelo quadro ou a cabeça está balançando para cima e para baixo. Não requer necessariamente nenhuma animação celular ou nada complicado. Essa seria sua animação básica do After Effects. Na verdade, não precisa de aparelhamento ou qualquer coisa, tudo o que você precisaria fazer seria excluir camadas desnecessárias. Não nivele nada rotulado em todas as suas camadas e aplique máscaras de camada. Quando digo Aplicar máscaras de camada, quero dizer, se você mascarar algo usando apenas uma máscara de camada normal, você vai querer se livrar dessa máscara de camada para que ela não estrague tudo quando você importe-o para o After Effects. Vou te mostrar por que isso não funciona em um segundo aqui. Mas o nível 2, eu diria que é mais como a animação cel, você faria tudo o que eu fiz no último slide, mas então você também talvez incluiria alguns turnarounds de personagens ou alternativos poses de personagens. Você pode ver exemplos disso à direita aqui. Se você só vai ver seu personagem de ângulos estranhos ou estranhos, talvez você não queira mostrá-lo como na primeira ilustração, mas talvez seja necessário vê-los de uma visão de cima para baixo ou algo assim. É quando você incluiria essas poses de caracteres alternativos. Aparelhamento do After Effects de nível 3, eu diria que esta é a maior preparação de animação que você terá que fazer. Você se certifica de realizar todas as tarefas de nível 1 e 2. Mas então você também gostaria de fazer coisas como garantir que seus padrões sejam grandes o suficiente para trabalhar com animação. Também garante que suas texturas sejam separadas e organizadas e potencialmente maiores do que precisam ser para que o animador possa movê-las. Você também vai querer separar os membros e os apêndices. Se você olhar para esta ilustração animada na parte inferior por Robin Davey, você pode ver que os personagens são manipulados, significa que eles têm sua armadura configurada para onde o antebraço se conecta ao topo parte do braço, que se conecta ao ombro que é algo que o animador irá configurar no After Effects. Mas eles precisam ter o arquivo configurado de uma certa maneira, você quer ter certeza de que todos esses anexos são colocados em camadas separadas, rotuladas, potencialmente até transformadas em um arquivo vetorial porque você nunca sabe, às vezes, o animador de efeitos posteriores pode pedir isso se eles tiverem uma linha de tempo de animação mais curta. Mas, como eu disse, sempre se comunique com seu animador. Este depende. Eu também coloquei um pequeno asterisco de estrelas aqui que diz, você nem sempre precisa desses turnarounds e poses como faria no nível 2. No nível 3, você pode estar vendo alguém como nesses personagens de Robin Davey apenas do lado e essa é a única vez que você os verá, então você não precisa necessariamente ver a parte de trás do eles ou a versão de perfil deles. Eu tenho esta boa folha de truques aqui, que também está no livreto da aula para download. Isso é apenas uma comparação do que são todos esses diferentes níveis de preparação. Temos animação básica AE cel e aparelhamento AE. Isso é algo para se referir sempre que você não tiver certeza do que deve fazer para a preparação do arquivo. Esta é uma visão geral muito básica de como configuramos nossos arquivos, mas precisamos realmente colocar isso em ação e eu vou aplicar algumas dessas ferramentas aqui no meu arquivo no próximo vídeo. Eu te encontro lá. [MÚSICA] 19. Prepare seu design para animação: Anteriormente, eu estava trabalhando de uma forma típica de design amigável, agrupando tudo e adicionando máscaras. Mas será melhor para o animador e esse processo se removermos alguns elementos desnecessários depois que você terminar seu design. Isso tornará muito mais fácil para você se você estiver animando ou para quem quer que esteja animando seu trabalho. Aqui está a melhor maneira de conseguir isso. Eu tenho meu arquivo configurado aqui e fiz alguns ajustes internamente apenas para dar alguns exemplos de como vou mudar as coisas. Mas minha primeira regra, como sempre disse no último vídeo, era realmente antes de qualquer outra coisa, criar uma cópia do seu arquivo e fazer ajustes. Vou fazer o Command Shift S para salvar como. Vou chamá-lo de animação de personagens GiftStop. Em seguida, você deseja garantir que seu arquivo esteja na resolução correta. Para os propósitos deste vídeo, fiz meu arquivo 300 DPI, mas eu realmente preciso que ele seja 72 DPIS. Vou reamostrar para 72 pixels e polegadas, e isso está no meu tamanho original de 200 por 200 pixels. Às vezes, se você não deixar a amostra novamente, fica muito instável com tudo. Você quer ter certeza de que você vai para o tamanho da imagem. Não desclique em “Reamostragem” e deixe-o ir a partir daí. Certifique-se de que a reamostragem automática esteja ativada. Pode levar alguns segundos para ajustar o tamanho da imagem, mas ela deve parecer tão nítida quanto originalmente, apenas no tamanho de pixel que você precisa e na resolução que você precisa. Não se assuste se isso for ampliado assim, ainda será resolução total. Então você também deseja garantir que o modo de imagem esteja definido como cor RGB e oito bits por canal. Então, se não for, certifique-se de ajustar o que você precisa aqui. Como eu disse, se você estiver usando algo com mais cores e gradientes, talvez você queira usar 16 bits por canal, mas realmente não é necessário se você estiver fazendo algo gráfico como eu sou. Como já disse algumas vezes, nesta classe, você não quer recortar algo para um grupo. Vou mostrar por que agora, vou trazer esse arquivo para o After Effects e mostrar o que acontece com ele. Vou arrastá-lo e, o mais importante, quando você estiver arrastando um arquivo do Photoshop para o After Effects, você quer ter certeza de que é uma composição que retém os tamanhos das camadas e você quer ter certeza de que estilos de camada são editáveis. O que significa que eles são realmente separados, eles não são apenas como uma camada. Como esses estilos de camada mesclados em filmagens basicamente significam que ele achatará tudo. Você só quer pressionar “Ok”. Trouxemos nosso arquivo aqui e eu adicionei uma máscara de recorte ao meu cachorro, e como essa máscara de recorte foi feita em um grupo e não apenas sobre uma camada individual, ela realmente não funciona. Se você for para a pasta de cores, que é onde tenho todas as minhas informações, a máscara de recorte desapareceu completamente. Não há mais essa linha rastejante que eu tinha recortado a ela, então ela acabou completamente. Se você quiser que essas informações estejam lá, você terá que fazer outra coisa diferente com ela. Se livrar dele completamente, ou aplique a máscara de recorte diretamente à coisa que você deseja prendê-la, não apenas ao grupo. Talvez isso seja aplicado à silhueta do cão, em vez de todo o grupo. Não use máscaras de recorte em grupos, elas não aparecerão. Além disso, você também vai querer garantir que suas máscaras estejam achatadas. Eu disse nunca achatar, mas esta é uma exceção. Você vai querer ter certeza de que essas máscaras de camada sejam aplicadas às formas reais. Isso significa apenas esconder essa parte mascarada para a forma raster real, e ela deve importar corretamente para o After Effects agora porque é apenas uma forma raster e não tem uma máscara nela. Mas [RUÍDO] há outra maneira fácil de fazer isso, então se você tem um monte de máscara de camada como essa e você não quer passar e fazer todas elas, o que pode levar muito tempo, na verdade há um pequeno roteiro para isso. Se você for para arquivo, scripts e clicar em nivelar todas as máscaras, ele passará pelo arquivo e fará isso em cada máscara de camada que você tiver lá, e ainda manterá as máscaras de recorte, porque quando diz máscaras, significa apenas máscaras de camada, não necessariamente recortando máscaras. Apenas tenha isso em mente. Ele passou e fez tudo isso por mim, o que me salvou tanto trabalho. Obviamente, há muita porcaria extra aqui que eu [RISOS] não preciso usar. Não precisamos que o animador tenha. Vou apenas ir em frente e excluir todos eles porque agora estamos em nosso arquivo de animação de personagens. Podemos simplesmente excluir todos esses grupos extras. Eu nem preciso mais desse fundo, não preciso dessa máscara. Eu não preciso de muitas coisas que já estão aqui. Eu só preciso do básico e, na verdade, nem preciso que isso esteja dentro de um grupo. Se voltarmos ao arquivo do After Effects, você verá sempre que houver um grupo, ele cria uma nova composição no After Effects. Uma composição é essencialmente como uma camada aninhada dentro de uma camada dentro de uma camada. [RISOS] Quanto mais grupos você tiver, mais complicado será para seu animador realmente entrar em cada um e animar cada coisa individual. Às vezes, é muito mais fácil não ter tantos grupos lá. Eu só vou desagrupar este principal, e então dentro de cada um desses grupos, como dizer que seu animador ainda queria que a frente do cachorro e o personagem e tudo isso fosse por conta própria grupo ou composição no After Effects, você pode deixá-los como estão. Mas você pode querer entrar em dizer o personagem e desagrupar a seção do tronco, e desagrupar a seção do braço, e o frasco e tudo isso para que você possa ver facilmente todos os elementos desse personagem em uma composição, vez de ter que entrar em grupos e animá-los, e eu volto para o grupo e tudo mais. Eu só vou fazer isso por todos esses aqui. Pode parecer loucura para você no Photoshop, mas na verdade pode ajudar muito o processo de animação. Além disso, você não quer ter camadas vazias ocultas ou desnecessárias. Outra maneira que você pode simplesmente se livrar de todas as camadas vazias que não têm nada nelas, é acessar arquivos, scripts e depois excluir todas as camadas vazias, e isso simplesmente se livrará de qualquer vazio que você tem em sua composição do Photoshop. Há muitos scripts bacanas que você pode usar aqui. Eu praticamente usei todas as máscaras achatadas, excluo todas as camadas vazias e às vezes usarei os efeitos de camada. Mas muitas vezes eu não adiciono nenhum efeito de camada, e o que quero dizer com efeitos de camada é apenas quando você cria estilos de camada e adiciona como sombras internas ou traços que seriam chamados de efeito de camada. Se trouxermos esta nova versão para o After Effects, você verá que não temos todas essas cores de esboço de cão de referência extra, proporções de coisas lá dentro. Nós apenas temos as coisas separadas que precisam ser animadas, e então se você entrar no arquivo do personagem vez de ter tudo quebrado, como fizemos aqui. Aqui está o que parecia antes. Era tronco, jarra, cabeça, braço traseiro. Tudo o que talvez o animador queira poder ver todos em um só lugar. Nem está aparecendo na minha versão antiga, mas na nova versão você tem o braço dianteiro e o tronco juntos e você pode ver todas essas peças individuais, e pode ser mais fácil animar dessa maneira. Como eu disse, sempre se comunique com seu animador. Eles podem achar isso chocante, mas isso é normalmente o que farei para configurar meu arquivo. Este arquivo está parecendo e se sentindo muito bem. Se eu voltar para essa lista que eu tinha, basicamente estava fazendo essa configuração básica de animação do After Effects porque excluí todas as camadas desnecessárias. Eu não achatei nada. Eu rotulei todas as minhas camadas e apliquei todas essas máscaras de camada. Além disso, renomeei meu arquivo, excluí as camadas extras que não eram necessárias. Desagrupei coisas, me livrei de máscaras não essenciais, verifiquei bloqueios de animação, verifiquei a resolução e o espaço de cores, e estou pronto para animar agora. Então eu passaria isso para um animador que está pronto para usar meu arquivo neste momento, ou eu mesmo o animaria. Estou de volta e estou aqui para julgar o arquivo da Sarah. Abrir Sarah é um arquivo aqui, decentemente nomeado até agora. Eu só vou fazer meu mesmo antigo desligamento cada coisa para ver o que estamos vendo. Veja como os nomes correspondem. Tudo bem que estes não estão em algum tipo de grupo para bandana. Como camada de eclipse, quando eu importo isso para o After Effects, essa camada padrão e essa bandana serão imediatamente empurradas para uma pré-composição, e ela será essencialmente agrupada para mim. Tudo bem olhar para ele assim e não ter absolutamente tudo agrupado. Eu pessoalmente não abordaria isso com uma mentalidade de foca porque imediatamente este cão está implorando para ter alguma atenção dessa garota, e eu diria que a garota definitivamente precisa fazer um volta completa para, eu não sei, tapar sua barriga enquanto ele rola no chão ou algo assim. Mas isso não significa que você não poderia fazer algo com esse arquivo no After Effects. Mas olhando como as coisas são construídas, haveria algum trabalho para o animador, mas não será o fim do mundo. Por exemplo, essa camada de tronco do braço dianteiro não precisaria ser várias camadas para o After Effects com pequenas juntas e peças separadas como este braço. Isso seria uma camada de antebraço. Esta será uma camada de mão. Sendo o braço, tudo em cima de um tronco separado. Mas sim, parece muito bom no geral. Não tenho coisas horríveis a dizer. Tudo está rotulado e tudo está separado. Não é nada de matemática louca que eu tenha que me preocupar. Eu acho que esse arquivo em si [MÚSICA] seria muito fácil de entrar e apenas animar imediatamente. [MÚSICA] 20. Teoria: se comunicando com animadores: Sei que já discutimos muito sobre como passar nossos projetos para animadores, e até falamos com Tyler, que tinha muitos conselhos excelentes. Com toda a confiança, acredito que, se você chegou até aqui, provavelmente já sabe o que precisa fazer para passar seu arquivo. Mas também quero recapitular brevemente o que aprendemos como um lembrete suave do que esperar quando você está em um projeto com uma equipe completa de designers e animadores. Todo projeto, estúdio, cliente , etc., será diferente. Às vezes, a linha do tempo pode ter uma sobreposição entre designers e animadores, e às vezes você pode nunca falar sobre coisas com o animador. Na verdade, você pode nem saber quem vai animar o design do seu personagem. O que eu sempre digo é, apenas faça o seu melhor. Se você não sabe quem vai trabalhar em seu projeto, mantenha seu arquivo de personagem o mais limpo possível. Certifique-se de prestar atenção a essas três regras cardinais e aos três níveis de preparação de animação. Se você conseguir descobrir se um animador do vendedor After Effects dará vida ao seu personagem e baseará sua estrutura de arquivos fora disso. A coisa mais comum que ouvi ao discutir esse tópico com qualquer animador é um arquivo de design limpo é sempre apreciado. No entanto, se você tiver tempo para conversar com o animador, é melhor mostrar a ele seu arquivo e informá-lo como você o configurou. Você pode até perguntar a eles como eles querem que ele seja configurado, mas nem sempre terá tempo para acertar isso. As linhas do tempo podem ser super apertadas. É 100% ok se o arquivo não for perfeito, o animador descobrirá isso. Mas, para facilitar todo o processo , a comunicação é fundamental. Criar um arquivo amigável ao animador é um trunfo maravilhoso para se ter como designer. Isso poderia potencialmente lhe dar uma vantagem sobre outros freelancers e empregos seguros para você. Basta ter tudo isso em mente enquanto estiver trabalhando em projetos de clientes e boa sorte para você. [MÚSICA] 21. Celebre + passe em seu arquivo!: [MÚSICA] Você chegou até agora. Sério, é hora de comemorar seu personagem. Você tem que imprimir sua personagem, colocá-la em uma parede, fazer seu personagem em um alfinete, fazer seu personagem em um alfinete, a cauda no jogo de burro, rabiscar por todo o seu personagem até que eles desapareçam para sempre. Mas se você estiver trabalhando em um projeto em um estúdio de animação agora, você estaria em uma fase em que passaria seu arquivo para a equipe de animação para dar vida a ele. Mas, não estamos realmente em um estúdio de animação, não é? Talvez você esteja apenas fazendo isso por diversão e animando seu personagem sozinho, ou talvez esteja colaborando com um amigo que quer animá-lo. Você nem sempre precisa ser tão formal com a finalização do arquivo. Há um tempo e um lugar para isso, mas pelo menos agora você sabe exatamente o que precisa fazer se alguma vez for um designer de personagens em um projeto de movimento ou animação. Neste ponto, seria ótimo postar seu personagem na galeria do projeto, compartilhar seu processo, sua foto de referência, seus esboços gestuais, esboços gestuais, o que quer que você se sinta confortável. Mal posso esperar para ver seus personagens. Se você tiver alguma dúvida, deixe-as na guia de discussões e responderei o mais rápido possível. [MÚSICA] 22. Obrigada!: [MÚSICA] Mais uma vez, obrigado por participar desta aula. Foi um verdadeiro prazer compartilhar meu conhecimento de personagem com você. Posso não criar personagens da mesma forma que outras pessoas, mas essas dicas me ajudaram muito ao longo dos anos. Eu cresci tanto como designer enquanto aprendi a criar personagens e sei que você também vai. Não se esqueça de conferir a guia Recursos abaixo para baixar o manual desta classe, que inclui o esboço, prompts e dicas e truques. Se você tiver tempo, adoro que você compartilhe essa aula com seus amigos, ou você pode até ter outra das minhas aulas aqui no Skillshare. Tenho alguns que provavelmente funcionarão muito bem em conjunto com essa classe, como minha aula de paleta de cores ou minha classe de formas. Obrigado novamente por chegar até aqui. Estou super orgulhoso de você. Vejo você em breve. [MÚSICA] 23. Bloopers :): Vou rever por que os padrões podem ser um incômodo. Não use a última linha. Torne a parte inferior da perna um pouco mais curta e até faça seu pé cada vez maior. Ela tem [RISOS] pés maciços. Mas você sabe o quê? Algumas pessoas têm pés maciços, e tudo bem e é ótimo. [MÚSICA] Como você iria animá-los? [MÚSICA] Quero animar um personagem. [MÚSICA] Naturalmente, fazia sentido ter uma semente orgânica real. Mas essas dicas aprendidas, oh aprenderam. É uma loja de IRL chamada parada de presentes. A parada de presente. [RUÍDO] Desculpe. [RUÍDO] Neste ponto, você pode ser como, “Sarah, por que você está usando Beziers se você não poderia simplesmente colocá-lo no Illustrator?” Essa é uma ótima pergunta. Vamos chegar a isso em um minuto. Mas, essencialmente, antes de ficar bravo comigo [RISOS] ou o que quer que aconteça, quem não ama um animal de estimação? [RISOS] Agora que temos todos. [RISOS] Acho que tinha colocado um cachorro aqui, não foi? [MÚSICA] Se eu não o fiz, o que parece que não fiz, posso simplesmente acabar rapidamente por dentro. Este é o Vídeo 22 e há um caminhão alto. Felizmente, estou ao lado de uma delegacia, então isso é sempre bom. [MÚSICA] Você quer que seja como. [MÚSICA]