Como desenhar: crie composições cativantes

1. Olá!: Olá, sou a Liz. Sou um ilustrador de comida no norte do Novo México, e estou tão animado para recebê-los aqui no The Printing Plant Studio. Na aula de hoje, você aprenderá tudo sobre como criar composições atraentes em suas ilustrações. Sei que a composição pode parecer um termo de arte evasivo, complexo e antigo. Não quero que te sintas intimidado, quero que te sintas capacitado e confiante na tua capacidade de fazer composições, por isso que fiz esta aula. Eu vou dividir tudo em pedaços digeríveis, que você saia desta aula com toda a terminologia artística para jogar em seu próximo jantar. Mas também com a capacidade de criar composições com confiança, a partir de uma base sólida. Vamos começar esta aula mergulhando nos elementos que fazem uma composição poderosa, bem como as regras das composições tradicionais e, claro, quando quebrá-las. Em seguida, praticaremos muitos exercícios práticos, tanto no papel quanto digitalmente no Adobe Illustrator, para aumentar seu kit de ferramentas de composição. Você implementará tudo o que aprender no final deste curso, com o projeto final da aula para criar uma capa ilustrada do livro de receitas. Você está pronto? Pegue seu caderno de esboços, pegue sua caneta, vamos mergulhar. 2. Materiais: Nesta aula, você aprenderá como criar uma composição usando caneta e papel, bem como como como criar uma composição digitalmente no Adobe Illustrator. Criei uma lista de materiais no documento anexado na seção de projetos e recursos desta classe. Sinta-se livre para referenciá-lo para os nomes e links diretos para reunir as ferramentas recomendadas. Para a parte analógica ou caneta e papel desta classe, você precisará de uma caneta. Eu recomendo o Prismacolor marcadores de ilustração premier conjunto de sete em preto. Eu atualmente prefiro este conjunto porque essas canetas criam linhas pretas nítidas e fluidas. Há tantos tamanhos para escolher. Você pode criar linhas pequenas e delicadas com a ponta do tamanho 005 ou usar a ponta do pincel para uma linha de fluido mais espessa. Estas canetas também são resistentes à água, o que protege os seus desenhos. Uma das principais razões pelas quais recomendo usar uma caneta em vez de um lápis para seus exercícios de desenho é que você não pode apagar seus “erros”. Eu descobri nas aulas que eu ensino que muitas pessoas, inclusive eu, param muito cedo em um desenho por causa da crença de que eles fizeram asneira. No entanto, quando trabalhamos com uma caneta, podemos desenhar linhas confiantes e aprender com nossos erros entendendo rapidamente o que não funciona em um desenho ou aprendendo a incorporar os erros considerados em nosso desenho final. Isso abre caminho para acidentes felizes e novas descobertas. Abrace a tinta e tenha confiança em suas linhas. Quando trabalhamos com caneta, temos que fazê-lo funcionar. Isso soa desafiador e às vezes realmente é. Mas é uma ótima abordagem para aprender através do processo. Para esta aula, você também precisará de várias folhas de papel para os exercícios de desenho. Este papel pode ser qualquer coisa de oito e meia por 11 polegadas papel de impressora, para esboçar papel de livro, para papel de jornal. Para esboços rápidos e prática, prefiro papel de impressora ou papel de jornal. Mas quando eu estou criando ilustrações em movimento ou uma obra de arte que eu pretendo ser uma impressão final como a capa do livro de receitas para esta classe, eu amo usar um caderno de esboço de mídia mista Canson XL. Eu recomendo o tamanho de nove por 12 polegadas deste livro de esboços para a turma. Você pode facilmente cortar o papel para o tamanho recomendado de oito por 10 polegadas para a capa final do livro de receitas no projeto da classe. Para esta classe, você também precisará de um par de tesouras, uma vara de cola, um lápis e algumas folhas de papel de construção. Não se preocupe com a cor do papel de construção. Basta escolher algo que é conveniente e que atinge sua fantasia. Você também precisará de uma régua para medir seu papel até 8 por 10 polegadas para a capa do livro de receitas no projeto da classe. Para a parte digital desta classe, você precisará de uma caneta. Novamente, o pacote Prismacolor é minha recomendação. Folhas de papel em branco para desenho, acesso a um scanner, bem como Adobe Illustrator. Tudo bem, acho que é isso. Reúna seus materiais e vamos mergulhar na visão geral do projeto da classe na próxima lição. 3. Visão geral do projeto do curso: Para o seu projeto de aula, você criará uma capa ilustrada do livro de receitas usando os elementos de composição que discutimos e praticamos ao longo desta aula. Você terá a opção de criar esta capa de livro de receitas com caneta e papel, ou digitalmente no Adobe Illustrator, ou em ambos. Comece a pensar em alguns alimentos diferentes e ferramentas de culinária que você gostaria de incluir em sua ilustração final do projeto. Eu estou pensando que eu vou desenhar alguns folhos mostarda verdes, definitivamente uma espátula porque eu amo assar, bem como algumas outras surpresas vegetarianas divertidas que você verá quando chegarmos à seção Projeto Classe no final deste curso. Certifique-se de fazer o upload da capa final do livro de receitas na seção Projetos e Recursos desta classe. Quando você enviar sua capa final do livro de receitas, eu também adoraria que você incluísse algumas fotos de seus esboços de processo das aulas de prática ao longo do curso. Isso pode incluir sua composição de recorte, seus exercícios de miniatura e exemplos de suas composições de padrão intuitivas. Também adoraria que incluísses o teu quadro de inspiração do Pinterest que vais criar na lição “Gathering Inspiration” e um pequeno parágrafo sobre a capa do livro de receitas que estás a ilustrar. É um livro de receitas de família? Um livro de receitas de suas receitas favoritas? Um livro de receitas só para café da manhã? Compartilhe a história por trás da ilustração do seu livro de receitas com seu projeto final. Certifique-se de fazer o upload do seu projeto final na seção Projetos e recursos desta classe. Também compartilhei alguns documentos de recursos abaixo do botão Projeto de classe que incluem os materiais recomendados para esta classe, as aulas de Skillshare que mencionei ao longo das lições para aprofundar assuntos específicos, bem como downloads de imagens que usaremos em algumas das lições. Certifique-se de fazer suas perguntas e compartilhar suas descobertas ao longo do caminho na seção Discussões. Adoro ouvir de você. Na próxima lição, vamos mergulhar no que a composição realmente significa e por que ela é tão importante. 4. O que é composição?: O que é composição? Na sua definição mais básica, composição é como os elementos visuais são organizados em uma página. No entanto, o significado da composição é muito mais profundo do que isso, porque é a prática de criar um senso de harmonia, unidade e beleza em uma obra de arte. Portanto, a composição não é apenas uma ferramenta para orientar o olho do espectador através de uma obra de arte, mas também é um método criativo necessário para comunicar um certo sentimento ou mensagem a um espectador. Como afirma Matisse em Notes of a Painter, composição é a arte de organizar de forma decorativa os diversos elementos que os pintores comandam para expressar seus sentimentos. Quando uma composição não é harmoniosa e não equilibrada, ela pode se sentir sem graça e desinteressante ou caótica e superestimulante. Por exemplo, uma composição muito ocupada pode parecer caótica, interessante, excitante ou enervante. Alternativamente, composições simples podem se sentir pacíficas, aterramento e outras vezes muito vazias. Uma composição harmoniosa se encaixa entre esses dois extremos para criar um senso de ordem. Uma composição convincente pode parecer uma inalação profunda e exalar, um momento de pausa e um momento de equilíbrio. Algumas composições são tão poderosas que levam um espectador a ser cativado por uma obra de arte, perder a noção do tempo e sentir uma profunda sensação de conexão. O tempo médio que uma pessoa olha para uma obra de arte é entre 15 e 30 segundos. Mas uma composição atraente pode chamar um espectador para ficar com a obra de arte por 15 minutos ou 30 minutos ou mais. Quanto mais tempo ficarmos com a arte, mais podemos descobrir sobre o trabalho, o significado e o artista. Tudo isso nos dá uma sensação mais profunda de conexão. Aposto que você teve um momento como este com uma obra de arte em um museu, em uma rua da cidade, ou em sua própria casa que atingiu um acorde tão profundamente você não foi capaz de esquecê-lo. Tire um momento para pensar naquele tempo com aquela obra de arte específica. Feche os olhos e lembre-se das cores, os assuntos importam, o arranjo dos elementos na imagem, quem você era naquele momento, o que você estava passando naquele momento da sua vida. Como os elementos da obra de arte se relacionam uns com os outros? Como esses elementos se relacionam com você? Aposto que muitos dos sentimentos iniciais que você experimentou naquela época estão reaparecendo agora. Isso é o quão poderosas a arte e a composição podem ser. Para mim, o momento artístico que se destaca na minha mente é tão claro. Foi quando visitei o Museu Georgia O'Keeffe quando tinha 13 anos. Eu estava na oitava série e começava a interagir com arte na escola, mas nunca acreditei que pudesse me tornar artista porque meus desenhos não eram totalmente realistas. Pensei que a arte tinha que estar enraizada no realismo. Mas então, no museu, virei uma esquina e vi um dos desenhos pastel de Georgia O'Keeffe chamado Pedernal 1945. Ele me parou em meus trilhos e atingiu algo tão profundo dentro de mim que todas as outras obras de arte parecem cair longe de vista. Eu estava cativado. O trabalho mostrou uma paisagem, mas mostrou a paisagem no estilo de O'Keeffe a partir de sua perspectiva e abordagem únicas. Este desenho, não era realista. Era uma obra de contraste de cor entre azuis e pêssegos, em forma entre cumes geométricos da montanha e a onda orgânica curvada de um osso abstrato. Esse momento ainda me traz arrepios porque era o momento que eu precisava saber que eu poderia ser um artista também. Foi um momento que me mostrou que a arte não é sobre realismo. É sobre sentir. É sobre conexão. Trata-se de criar uma ponte entre o criador e o espectador por um momento no tempo que é compartilhada, lembrada e influente. Eu te convenci? Composições atraentes podem chamar um espectador para perseguir um sonho, ter uma nova realização, encontrar cura e abrandar para encontrar um sentido mais profundo de significado. Coisas muito poderosas, hein. Para começar a criar suas próprias composições atraentes ao longo desta aula, pergunte a si mesmo algumas dessas perguntas orientadoras. Como posso usar esses elementos para guiar meus olhos ao longo da arte? Como posso colocar esses elementos para guiar o olho do espectador ao longo da arte? Como posso organizar esses elementos para convidar alguém para ficar com a obra de arte? Como posso transmitir um certo sentimento ou emoção usando esses elementos na obra de arte? Obter uma composição atraente que cliques requer muita tentativa e erro e experimentação. Haverá um momento em que você está criando uma composição e ele faz apenas um clique, como duas peças de quebra-cabeça se juntando. Quando sentires isto, e vais sentir, saberás que estás preso a um arranjo que funciona. Vamos percorrer muitos exercícios nesta aula para praticar a construção de composições. Mas antes de tudo, quero dizer, confie nos seus instintos. Ouça essa orientação criativa interna dizendo onde colocar cada elemento em seu desenho. Sua fé nesses impulsos criativos se fortalecerá ao longo tempo e o levará a criar composições que aderem, que são únicas ao seu estilo. Na próxima lição, vamos falar sobre os principais elementos da composição e como incorporá-los em sua obra de arte. 5. Elementos da composição: Nesta lição, vamos levá-lo para fora do estúdio e voltar para a sala de aula para mergulhar nos elementos da composição. Considerado como sua caixa de ferramentas para referência ao criar suas obras de arte durante todo o resto desta aula e em sua própria prática. Isso pode parecer um monte de informação porque meio que é, mas não deixe que isso o intimide enquanto você começa a construir composições. Não se sinta pressionado para incluir cada elemento ou se preocupar em errar. Esses elementos são guias para você fazer referência quando você se sentir preso ou sentir que sua composição está faltando um certo toque. Então divirtam-se, entrem e experimentem. Pegue uma caneta, pegue uma folha de papel, e anote algumas anotações na sala de aula. Alguns dos principais elementos da composição são: equilíbrio, movimento, ritmo, que também pode ser referido como repetição e padrão, foco e contraste. Dependendo de onde você olha, o número de elementos pode ser mais do que essa lista, mas como muitos elementos podem trabalhar coesamente juntos, eu os combinei para simplificar nossa exploração hoje. Em primeiro lugar, vamos falar sobre equilíbrio. Composição é tudo sobre equilíbrio. Trata-se de criar um verdadeiro senso de harmonia entre diferentes elementos em uma obra de arte. Quando se trata de equilíbrio, existem três categorias principais que você pode considerar ao criar seus desenhos: simetria, assimetria e simetria radial. simetria é quando os elementos do seu desenho são uma imagem espelhada em ambos os lados do centro da página. Se você dobrasse seu desenho ao meio, os elementos combinariam completamente um com o outro? A simetria pode criar a sensação de uma composição muito equilibrada, mas dependendo do assunto, esse equilíbrio espelhado completo pode parecer um pouco sem brilho. A assimetria ocorre quando os dois lados do trabalho artístico não são uma imagem espelhada, mas ainda se equilibram mutuamente devido ao uso do peso visual. Este equilíbrio de peso visual muitas vezes depende do elemento de contraste, que discutiremos mais em um pouco. Esse contraste e equilíbrio de peso podem ser alcançados organizando elementos opostos em toda a página; como clarear escuro, grosso e fino, negativo ou vazio e espaço positivo ou preenchido. Tamanhos pequenos e grandes de objetos, assuntos simples e complexos. assimetria pode ser usada para criar composições que são visualmente intrigantes porque, embora ainda haja uma sensação de equilíbrio e harmonia entre elementos variados, não é imediatamente óbvio como esse equilíbrio é criado. O elemento de mistério e descoberta pode manter um espectador envolvido com trabalho assimétrico o suficiente para descobrir como esse senso de harmonia está sendo transmitido. simetria radial ocorre quando há simetria espelhada em torno do eixo central. Por exemplo, uma estrela ou a estrela superior em um tomate ou um peixe estrela ou um padrão de colcha. simetria radial dentro de uma composição pode ser particularmente eficaz na repetição de padrões, que vamos praticar a criação mais tarde nesta classe. Outro elemento da composição é o movimento. movimento dentro de uma composição consiste em orientar o olhar do espectador através da sua arte de um elemento para o outro. Composições atraentes são formadas a partir de uma relação de elementos que mantêm o olho do espectador envolvido através do movimento através de um desenho ou em torno de uma tela. Movimento não é apenas sobre orientação visual, mas também sobre transmitir um sentimento em uma obra de arte adicionando um senso de energia e atividade. Por exemplo, nesta pintura, como você vê o movimento sendo transmitido pelo artista? Há tantos elementos de movimento acontecendo neste trabalho. O guarda-chuva de dentro para fora dá a sensação dos movimentos de uma rajada invisível de vento, bem como a mulher tentando pegar o guarda-chuva antes que ele voe para longe. Além disso, seu vestido está fluindo para a direita, que amplifica a sensação de movimento de uma forte rajada de vento. A criança à esquerda da pintura está em movimento com crianças que parecem ser seus amigos. Ela está apontando e seu joelho esquerdo está em uma ligeira curva o que faz parecer que ela está prestes a se mover ou correr. Além disso, as ondas do oceano parecem estar caindo na praia, amplificando a sensação geral de movimento em um dia ventoso. Consegue encontrar mais elementos de movimento dentro desta pintura? Todos esses elementos se unem para criar uma obra de arte energizada cheia de ação. Há muitas maneiras diferentes de transmitir movimento em uma obra de arte. Você pode usar texturas repetidas em um trabalho artístico. Por exemplo, Van Gogh é conhecido por seu uso de mentes texturizadas feitas com uma aplicação espessa de tinta e pinceladas. Você também pode usar o espaço na tela para transmitir movimento. Por exemplo, Lisa Congdon coloca a figura humana nesta obra de arte entre o céu e a água usando marcas de respingo para transmitir visualmente que a pessoa está se movendo pelo espaço. Você também pode adicionar linhas atrás de um assunto para mostrá-lo movendo-se pelo espaço. Isso pode ter um estilo de desenho animado que transmite rápida e diretamente onde o assunto está se movendo dentro de uma obra de arte. Você também pode criar tensão visual para transmitir movimento. Isso pode ser feito congelando um momento no tempo que visualmente sabemos que não pode durar para sempre. Por exemplo, nesta pintura de Degas, a bailarina fica no meio da pose, pé sobre um pé, inclinando o corpo para a frente e usando os braços para equilibrar. Sabemos que ela não pode segurar esse movimento suspenso para sempre e, portanto, há um elemento de atenção visual que ela deve entrar em um novo movimento em breve. Este método de criação de movimento médio pode aumentar a sensação de tensão e drama em uma obra de arte, que leva a uma maior sensação de intriga e suspense para o espectador. O próximo elemento da composição é o ritmo, que também pode ser pensado como repetição ou padrão. Este elemento se liga muito diretamente ao movimento porque, como vimos, repetição pode ser usada para criar uma sensação de movimento visual em uma obra de arte. Assim como na música onde cada música tem um ritmo específico, arte também tem ritmos diferentes dependendo do artista, do assunto e do meio. Ritmo e música são criados usando um espaçamento específico de notas. ritmo na arte é criado com o espaçamento de diferentes elementos visuais. Existem cinco tipos principais de ritmo e obras de arte: ritmo regular, aleatório, alternado, fluindo e progressivo. Um ritmo regular na arte é aquele em que os mesmos elementos são repetidos igualmente em termos de tamanho, espaçamento, cor e forma. Este tipo de ritmo pode parecer muito equilibrado e fundamentado em uma obra de arte, por exemplo, os mesmos tomates , neste desenho, na mesma cor, no mesmo tamanho, na mesma forma, todos espaçados regularmente através deste Deslize. Ritmo aleatório, por outro lado, é quando os mesmos elementos são usados várias vezes, mas sem uma ordem ou arranjo medido. Por exemplo, nesta pintura, Autumn Rhythm, Jackson Pollock usa os mesmos elementos de tinta salpicada, mas sem um arranjo planejado. Ritmo alternado é quando dois ou mais elementos são repetidos a cada outro turno. Você poderia pensar em um tabuleiro de xadrez ou um tabuleiro de xadrez, ou neste exemplo, a seção transversal da beterraba, você vê as cores de branco e rosa alternando com cada círculo irradiante. ritmo fluído dá a sensação de movimento elegante e suave através de uma obra de arte pode fazer com o uso de elementos orgânicos ou curvos. Por exemplo, Klimts uso de espirais nesta pintura, Árvore da Vida, leva o olho vividamente através da obra de arte. ritmo progressivo no trabalho artístico é o uso de elementos repetitivos que mudam em uma única característica, como tamanho ou cor em um padrão. Por exemplo, neste trabalho de Andy Goldsworthy, o seixo fica maior à medida que circula para fora do centro da espiral. Então o tamanho muda, mas o assunto não. ritmo progressivo pode ser drástico e dramático ou lento e sutil. Por exemplo, a mudança de valor entre esses três quadrados é bastante rápida e, portanto, dramática, mas a mudança no valor da mesma cor ou matiz em 10 quadrados é mais gradual e sutil. Foco, ou ponto focal é outro elemento enorme da composição. Foco é onde a maioria da atenção de um espectador vai dentro de uma obra de arte. Esta pode ser a primeira coisa para a qual o espectador é atraído, o assunto ao qual o olho do espectador continua voltando à medida que se move ao redor da arte ou da mensagem principal da obra. Pense em quando você fica tão absorvido em um projeto que você perde a noção do tempo e está completamente focado na tarefa em mãos, você de repente olha para cima e percebe que 30 minutos, uma hora ou mais se passaram. Este é o poder de foco na composição, bem como, eles podem levar o espectador a permanecer com o trabalho. foco pode ser criado de várias maneiras, incluindo tamanho, cor, isolamento, criando uma sensação do incomum, por exemplo, um círculo em meio a um grupo de quadrados, bem como uma ferramenta chamada subordinação, que usa elementos de apoio para chamar a atenção e destacar o ponto focal. Isto, você pode pensar nisso como personagens de apoio em um romance para o protagonista principal. Essencialmente, subordinação significa minimizar todos os elementos da obra de arte que não o ponto focal para chamar a atenção para esse ponto focal. Assim, a subordinação também pode ser considerada como ênfase. Foco pode ser aplicado ao realismo em obras de arte em que um sujeito é reconhecível, ou pode ser aplicado à abstração em obras de arte em que os elementos são destacados do realismo e são mais representacionais, por exemplo, um padrão. Um exemplo de uma maneira simples e poderosa de criar foco é visto neste anúncio VW. O carro é colocado em um mar de espaço negativo. O carro torna-se o principal ponto focal porque está isolado no espaço, nenhum outro elemento está distraindo do assunto. O carro é os pontos de venda e que é enfatizado por ser o único assunto além do texto de anúncios. O olho do espectador sabe exatamente para onde ir, sem confusão, sem confusão, apenas foco. Um exemplo de subordinação é esta ilustração simples de tomate. Um tomate é preenchido com a cor vermelha, todos os outros tomates são apenas contornos. Isso permite que essas formas se desvaneçam no fundo e, portanto, chamem mais atenção e ênfase e foco para o tomate preenchido na frente. Focus ajuda a criar uma composição atraente porque mostra claramente ao espectador onde procurar, que transmite clareza e impacto. Outro exemplo de foco e composição convincente é encontrado nesta pintura, Christina's World, de Andrew Wyeth, pintada em 1948. Observe onde seu olho vai primeiro nesta obra de arte. Uma maneira de testar isso, e vamos fazer isso juntos, é fechar os olhos. Agora, lentamente começar a abri-los e tomar nota de onde seus olhos vão primeiro, onde eles vão imediatamente. É bem provável que seus olhos sejam primeiro para a mulher, Christina. O que faz dela o ponto focal? Para começar, a cor de seu vestido é rosa, que fica em contraste com o resto da paleta de cores silenciosa da pintura. Ela também está em primeiro plano ou mais perto do espectador do que qualquer um dos outros elementos da pintura, portanto, ela é o maior assunto de todos os elementos da obra de arte. Além disso, ela é meio movimento, que cria a sensação de atenção visual que discutimos anteriormente. Pense por um momento se você estava na posição dela, meio do chão, apoiado apenas pelos seus braços como se estivesse prestes a se puxar para a frente. É esse sopro de um momento entre as ações que cria essa tensão. Por que é inspiração para a mulher neste quadro era uma mulher chamada Anna Olson que vivia em uma fazenda na principal. Olson tinha um distúrbio muscular degenerativo que tirou sua habilidade de andar no final da década de 1920. Ela se recusou a usar uma cadeira de rodas e, assim, rastejou pelo terreno. Então aqui a mulher é representada no meio de seu movimento naquele momento de tensão pouco antes de ela se puxar para a frente novamente. Assim como no exemplo da bailarina de Degas, o artista aqui cria um momento de atenção visual através do movimento congelado no tempo. O movimento que o espectador antecipa para mudar a qualquer momento. Agora, o ponto focal nesta pintura é muito interessante porque só desempenha um papel na composição geral. Embora seu olho caia na mulher pela primeira vez, observe onde ele vai em seguida. Ela está olhando para a distância ao longo uma linha diagonal implícita ou imaginária em direção à fazenda distante. Naturalmente, com curiosidade, isso nos leva como espectadores, a olhar para aquela quinta distante também. Então para onde vai o teu olho? Provavelmente para a esquerda, para a outra fazenda ou celeiro na pintura. Então para onde vai o teu olho? De volta ao ponto focal inicial, a mulher de rosa. Esses três elementos principais na pintura formam uma composição triangular dentro da tela, que é uma maneira muito poderosa de mapear elementos em sua própria arte. Semelhante à regra dos terços, que discutiremos na próxima lição, o triângulo pode criar uma sensação de intriga e movimento contínuo ao longo de uma obra de arte, em vez de se sentir visualmente preso ou estagnado . Além disso, linhas diagonais implícitas podem aumentar a sensação de movimento e energia em uma obra de arte mais do que linhas horizontais ou verticais implícitas. Por exemplo, nesta pintura você pode ver a linha horizontal com a grama, e enquanto seu olho pode eventualmente seguir essa linha através da obra, as linhas diagonais implícitas do triângulo são mais fortes e levam os primeiros momentos de atenção e movimento visual. Outro elemento que faz da pintura de Wyeth uma composição convincente, é que ele incorpora espaço para equilibrar os principais elementos da obra. Em vez de preencher cada centímetro da tela com edifícios ou mais pessoas, há um espaço de terra que proporciona espaço para respirar os olhos. Na verdade, você pode descobrir que depois de percorrer o triângulo implícito entre os três elementos principais da obra, seu olho vagueia por esse espaço para seguir a curva da pradaria horizontalmente, sobre as marcas de pneus e fora do apenas para ser conduzida de volta para a tela novamente por causa do poderoso contraste da cor do vestido de Christina, o tamanho de sua figura e seu momento entre os movimentos. O espaço é tão importante para dar ao olho um lugar para descansar em meio ao movimento em torno de uma composição. Ao determinar o ponto focal em uma obra de arte, outra maneira de encontrá-lo é tomar nota de onde seu olho continua a retornar. Assim que seu olho se mover de Christina para a fazenda, tente manter seus olhos apenas na fazenda, sem se mover em qualquer outro lugar na pintura. Meu palpite é que o rosa de seu vestido e o tamanho de sua forma em primeiro plano está chamando seus olhos para voltar para ela como o personagem principal nesta cena, seja através do triângulo que já discutimos ou para trás ao longo da linha diagonal que você viajou para chegar à fazenda. À medida que você constrói composições ao longo desta classe e olha para outros exemplos de arte, observe se algum elemento o distrai do ponto focal pretendido. Esses elementos podem levar seu olho para longe do foco, que pode ser confuso e deixar o espectador se sentir incerto de onde olhar. Normalmente, você não quer essa sensação de distração ou elementos concorrentes em uma composição, a menos que seja para aumentar a atenção visual, ou transmitir uma mensagem específica como tonturas ou caos. Mas como discutiremos na próxima seção, essas regras podem ser quebradas e jogadas, então confie em si mesmo e experimente. Já mencionamos um pouco de contraste nos elementos anteriores da composição. É uma ferramenta tão poderosa para criar essa tensão que temos discutido, para tornar uma obra de arte realmente atraente visualmente. Contraste é como o drama. É onde, contraste de cor, ou valor como luz e escuro, tamanho, assunto, textura como suave e áspera, e forma, geométrica e orgânica ou curva. Estes são todos exemplos de contraste. Uma nota rápida sobre a cor. A cor é incrivelmente importante para o contraste na arte. Na verdade, é tão importante que minha próxima aula aqui sobre compartilhamento de habilidades seja sobre cor, então pegue isso assim que estiver disponível. Mas para os propósitos desta aula, não vamos mergulhar muito nesse tópico, e em vez disso continuar focando em desenhos a preto e branco, para desenvolver nossas habilidades em composição. Outros elementos a considerar ao construir seu trabalho artístico, e composição são o espaço, como eu mencionei, ele pode se referir tanto ao espaço positivo ou preenchido, espaço negativo ou vazio. Falamos de espaço brevemente com movimentos e também com o exemplo do Mundo de Christina. O uso do espaço, e como os elementos são colocados dentro desse espaço são cruciais para uma composição convincente. Por exemplo, o anúncio Think Small, alternativamente, na “Noite Estrelada” de Van Gogh, há muito movimento, e grande parte da tela é preenchida com marcas de tinta texturizadas. O fluxo dessas marcas e a repetição, cria um caminho fluido para o olho seguir, mas há muito menos uso de espaço vazio e negativo para o olho descansar. Boundaries é uma ferramenta poderosa para orientar a colocação dos elementos dentro da sua composição. Um limite pode ser as bordas de uma tela, as bordas de seu papel, um quadro retangular tradicional ou pode ser uma forma irregular que você recorta do papel. O limite pode ser a primeira pista no seu mapa criativo de como definir os elementos do seu desenho. Os limites às vezes podem parecer restritivos, mas lembre-se de que os limites geram criatividade. Existem algumas maneiras de considerar como trabalhar com eles ao construir suas ilustrações. Por exemplo, você pode colocar todos os seus elementos dentro dos limites indicados para que toda a imagem visual fique contida no espaço. Ou você pode fazer com que determinados elementos sejam executados fora da página ou executados fora do limite. Isso pode ser realmente visualmente interessante, e uma tática que leva o espectador dentro e fora da obra de arte, causando mais movimento na peça. Finalmente, você poderia incorporar a fronteira, dependendo do que ela é, em sua obra de arte geral. Por exemplo, alguns pintores como Georgia O'Keeffe, ocasionalmente pintavam seus quadros para combinar com sua pintura. Dessa forma, o quadro ou o limite se tornam parte do trabalho artístico para formar um todo completo. Adicionando a essa harmonia geral da composição, em vez do quadro ou limite que distrai as imagens da arte. Com a ilustração, você pode pensar em incorporar seu limite em seu desenho de algumas maneiras. Por exemplo, se você estiver trabalhando em um desenho preto e branco para uma impressão de arte tradicional que você pretende ser emoldurada, você pode selecionar uma moldura branca que praticamente se combina com seu papel, haja uma transição perfeita no entre o desenho e aquela moldura. Ou se você estiver trabalhando em uma ilustração para a frente e para trás de uma capa de livro ou revista, você pode brincar com a parte de embrulho da sua imagem da frente, através da lombada e sobre a parte de trás, modo que há uma transição perfeita entre os diferentes espaços do limite da cobertura. Ou você pode enfatizar a borda em uma obra de arte para criar um elemento adicional de interesse. Isso poderia ser feito adicionando uma ilustração ao redor da borda da obra de arte, como vinhas, flores, ou um padrão geométrico abstrato. Você também pode criar uma borda que é apenas espaço negativo, para dar mais espaço de respiração para o trabalho. Isso pode dar mais atenção e se concentrar no assunto. Como você vê com esta borda branca em torno do solo abstrato Ilustração. Estas são apenas algumas ideias para que você continue sobre como as fronteiras e os limites desempenham um papel importante na criação de suas composições e podem criar layouts ainda mais atraentes de sua arte. Se uma composição se sente ocupada ou simples, depende de alguns dos elementos que já discutimos, incluindo movimentos. Por exemplo, um monte de movimento pode parecer realmente agitado. Espaço. O trabalho de arte com muitos elementos e nenhum espaço negativo ou em branco pode se sentir ocupado. Obra de arte com muito espaço negativo pode parecer plana ou desinteressante. Ritmo. Por exemplo, o ritmo aleatório de elementos casuais pode se sentir realmente ocupado, um ritmo equilibrado do mesmo elemento pode sentir aterramento, ou às vezes muito simples. Mais uma vez, é tudo sobre encontrar o equilíbrio entre extremos para transmitir a sensação que você quer se comunicar com sua arte. Por exemplo, você pode estar criando uma ilustração de uma rua da cidade em, digamos, Nova York, e deseja capturar a energia ativa que você vê. Se esse for o caso, então você gostaria de maximizar o uso do movimento, espaço positivo e preenchido, e o ritmo movimentado de muitos elementos dentro do trabalho, sejam eles pessoas, bicicletas, carros, food trucks ou todos os itens acima. Por outro lado, talvez você queira criar um desenho que dê ao seu espectador uma sensação de paz e calma. Você pode se inspirar pelo espaço de um jardim na luz da manhã cedo. Neste caso, você gostaria de incluir menos elementos com maior foco no espaço negativo, dando ao olho um lugar para descansar, produzindo um ritmo geral mais lento entre os elementos da obra de arte para transmitir um lento e sensação calma. A maneira como você coloca elementos juntos inevitavelmente transmitirá uma certa emoção, ou mensagem. Considere o que é e qual o tom que deseja compartilhar com seu espectador. À medida que avançamos, vocês provavelmente usarão muitos elementos diferentes desta lista em suas composições, tudo com o objetivo de criar esse senso de equilíbrio, unidade e harmonia. À medida que avançamos, lembre-se de que algumas perguntas úteis para fazer quando você observar e construir seu trabalho são, como os elementos levam meu olho ao longo da obra de arte? Será que os elementos me convidam a permanecer no trabalho, ou eles não têm equilíbrio e interesse? Alguma coisa se sente fora do lugar? Ou tudo se encaixa harmoniosamente? Novamente, quando ele clicar, você saberá. É como um pequeno clique no coração ou vibração quando você coloca um elemento e de repente tudo flui. Não desanime Se você não sente isso, muitas vezes, vem depois de frustração, após tentativa e erro, e depois de se afastar do seu trabalho tempo suficiente para voltar mais tarde com olhos frescos. Quando estou chegando a esse ponto de frustração, muitas vezes gosto de dar um passeio na natureza, voltar e olhar para o trabalho novamente, e encontrarei uma nova solução, um novo passo a dar. Continue trabalhando com ele até encontrar esse equilíbrio, e saiba que aprenderá com cada composição que fizer. Na próxima lição, vamos falar sobre as regras tradicionais de composição e, claro, quando quebrá-las. 6. Regras de composição: Vamos mergulhar em algumas regras tradicionais de composição. Mas primeiro, quero compartilhar que, embora as regras sejam úteis, há momentos em que elas devem ser quebradas. Mas é muito útil aprender as regras, saber quais quebrar e quando desenvolver seu próprio estilo criativo. Georgia O'Keeffe e Picasso foram dois dos muitos artistas que desenvolveram uma base sólida das regras da arte e tiveram treinamento tradicional. Mas então eles forjaram seu próprio caminho usando esse conhecimento como ponto de partida, mas eles quebraram para suas próprias visões criativas do mundo, é exatamente por isso que ainda falamos sobre suas obras de arte hoje. Picasso disse: “Aprenda as regras como um profissional para que você possa quebrá-las como um artista.” Isso é o que faremos. Tenha isso em mente enquanto passamos por cima de algumas regras tradicionais de composição a considerar. Para começar, a regra de terços é uma diretriz que usa uma grade de nove quadrados iguais dentro de um limite. Estes quadrados são formados por duas linhas verticais igualmente espaçadas e duas linhas horizontais igualmente espaçadas. A regra é que os elementos mais importantes de uma composição devem ser colocados ao longo dessas linhas e na interseção delas. Isso ajuda a criar mais tensão e intriga em uma composição, em vez de se os assuntos estavam centrados apenas no meio. A regra do espaço é aplicada para criar uma sensação de movimento, energia ou resolução em uma obra de arte. Trata-se de incorporar o espaço negativo de que falamos em torno do seu assunto. Isso se aplica se você tiver um assunto central, mas também pode funcionar em padrões de repetição. Esta regra indica que o espaço negativo pode chamar mais atenção para o assunto, fornecer a sala de respiração que discutimos e amplificar a sensação de movimento dentro de sua obra de arte. Ele pode dar aos olhos do espectador aquele lugar para descansar e permitir que eles passem mais tempo com o seu desenho. Simplificação consiste em reduzir a quantidade de detalhes dentro de uma obra de arte para chegar aos elementos essenciais. Isso também pode ser cortado como quando parar com o desenho, que pode realmente ser um desafio porque muitas vezes é tentador continuar trabalhando e retrabalhar uma peça até ficar perfeita. No entanto, às vezes mais simples pode ser melhor. Georgia O'Keeffe disse: “Detalhes são confusos. É apenas através da selecção, da eliminação, ênfase que podemos chegar ao verdadeiro significado das coisas. Lembre-se, estamos realmente tentando transmitir a emoção e o sentimento nas obras de arte, e às vezes reduzir a distração dos detalhes pode ajudar a fazer isso. Simplificação é essa ideia. Menos é mais e essa mensagem pode ser comunicada poderosamente com menos detalhes. É preciso prática, confiança e vulnerabilidade ousada. Pode ser realmente complexo alcançar simplicidade porque é uma tendência humana querer preencher espaços vazios. Quer seja uma prateleira vazia em uma nova casa, silêncio em uma conversa ou uma tela em um estúdio. No entanto, há significado e poder para a simplicidade, então mergulhe nela. Para saber mais sobre redução de detalhes e simplicidade de fabricação, você pode visitar minha aula, “Como desenhar: Learning Line”. Todas essas regras são como receitas quando você está aprendendo a cozinhar. No início, você pode começar com livros de receitas, mas como você pratica a partir das diretrizes de diferentes pratos, você aprenderá quais especiarias naturalmente ir bem juntos. O que os vegetais combinam bem, e talvez o mais importante, sua própria paleta e gostos únicos. Talvez, você prefira suas refeições um pouco mais picantes do que as receitas exigem, ou você não gosta de um certo sabor, então você apenas deixe de fora. O mesmo acontece quando você está criando arte. Comece com as regras ou as receitas, encontre o que você ama e o que você não gosta totalmente. Comece a se desviar da receita para experimentar com confiança seu próprio estilo. Na próxima lição, vamos dar uma olhada em alguns exemplos de composição e falar sobre como melhorar a sensação de equilíbrio em uma obra de arte. 7. Criando composições de sucesso: Uma coisa é falar de teoria e outra implementar elementos em ação. Grande parte da composição é sobre prática, tentativa e erro, aprendendo como você vai. Você vai encontrar o que você gosta e aprender como diferentes elementos podem se encaixar para transmitir essa harmonia e equilíbrio. Eu pessoalmente acredito que não há certo ou errado em obras de arte, apenas diferentes abordagens e estilos e preferências. Como você cria, em vez de perguntar, estou fazendo isso certo? As melhores perguntas a fazer são: isso está funcionando? Isso está criando equilíbrio e unidade? É este o meu estilo? É disso que eu gosto? Vamos dar uma olhada em alguns exemplos de diferentes composições, incluindo aquelas que podem ser melhoradas. À medida que passamos por estes, preste atenção quando sentires aquele clique da peça do quebra-cabeça que falamos. Esta é a sua pista para as composições que você acha convincentes. Olhe para os elementos que discutimos nessas obras de arte e observe como você pode incorporá-los em seus próprios desenhos. Por exemplo, quando olhamos para esta ilustração, você pode ver que há uma sensação de movimento criada verticalmente pela colocação das maçãs. Há uma ligeira curva para as maçãs, o que leva o olho deste maior baixo através deste padrão para o maior aqui em baixo. Há também uma sensação de ritmo alternado acontecendo por causa dessas duas cores: o vermelho mais escuro e então este rosa realmente claro, então há um bom senso de ritmo acontecendo lá. No entanto, há um momento de interesse porque há uma maçã extra jogada dentro Se você pegar o dedo e cobrir a maçã com o polegar, você pode imaginar como seria essa composição sem esse assunto. Isso cria um pouco de uma sensação de equilíbrio assimétrico, porque há uma maçã extra compensada desta mina principal de maçãs. Isso apenas cria um pouco mais de intriga e ajuda o olho do espectador para levar através desta seção das maçãs, bem como sair da página aqui. Outro elemento que vemos que vamos falar mais sobre com o nosso projeto de classe na capa do livro de receitas é este texto aqui. O texto pode ser uma parte de uma composição incorporada com os elementos da imagem. Este texto se torna parte do ponto focal deste trabalho porque as maçãs são colocadas em torno dele neste meio semicírculo, e isso é quase como se estivesse embalando o texto para chamar sua atenção lá também. Outro lugar e fonte que eu realmente gosto de ir para inspiração para composição e design é a comida e a natureza. Quando eu estou me sentindo particularmente preso em uma peça de arte e ilustração, eu gosto de ir preparar uma refeição rápida e apenas tomar tempo enquanto eu estou cozinhando para realmente observar minha comida. Se estou cortando uma couve ou rasgando alface, eu realmente olho para esse assunto e procuro os elementos de design e composição que estamos falando hoje. Ou eu poderia ir dar uma volta e procurar plantas e procurar evidências de design no meu ambiente natural. Eu encorajo você a fazer isso também, se você está se sentindo preso ou mesmo apenas procurando inspiração. Muitos dos elementos de design e composição que estamos falando são encontrados ao nosso redor todos os dias, especialmente na comida e no mundo natural. Por exemplo, quando olhamos para esta fatia de laranja em close-up ampliada, estou curioso sobre quais elementos de composição você vê. Basta olhar para ele e depois me dizer mais ou anote os elementos que discutimos, se isso é movimento do ponto focal, equilíbrio, ritmo. Quando eu olho para isso, meu olho é imediatamente atraído para esta forma de estrela central, modo que se torna o ponto focal desta composição. Mas então, meu olho segue essas linhas para fora em direção à borda desta fotografia, de modo que isso se torna uma sensação de movimento, especialmente com essas linhas que são mais curvas e orgânicas dentro de cada fatia. Há uma boa sensação de contraste acontecendo entre essas linhas lineares retas dessa fatia e as linhas internas que são curvas e orgânicas. Isso cria uma boa sensação de contraste. Há também uma sensação de equilíbrio, porque se cortássemos isto ao meio aqui, seria bastante simétrico, dobrado ao meio. Todos esses elementos da concorrência estão entrando em jogo. Há mais alguma coisa que você vê ou mais que você está encontrando? Se assim for, por favor, deixe-os na seção de discussão porque eu adoraria ouvir suas observações. Outro exemplo pode ser encontrado nas folhas de espinafre. Isto é de uma fazenda local, e eu particularmente amo esta variedade de espinafre, Bloomsdale espinafre, porque é tão delicioso com as linhas. É como um desenho de linhas, uma obra de arte. O que você pode ver aqui é que essas linhas são como linhas de cume ou como pequenas colinas no topo das montanhas. São como fendas em que se pode entrar. Quando olhamos para isto, não é totalmente simétrico. Isso é o que eu amo em cada folha de Bloomsdale, é que eles são todos muito únicos e eles se enrolam em torno de si mesmos de maneiras diferentes. Mas o que acontece é que a linha central é a linha mais espessa que podemos ver, e assim que se torna um ponto focal nesta folha de espinafre, e cria um senso de equilíbrio também, porque nos pede para dobrar visualmente esta folha sobre essa linha, dobre-a sobre si mesma. Não há simetria total, mas há uma sensação de equilíbrio em ambos os lados da linha. O que acontece, de se concentrar nesta linha mais espessa, é que, assim como na fatia de laranja, nosso olho começa a seguir essas outras linhas irradiando para as bordas da folha. Podemos seguir essas linhas por toda a superfície desta folha e mover-se em torno deste trabalho como se fosse uma composição. Agora, não há cores contrastantes acontecendo entre cores diferentes, e nós vamos mergulhar mais em cores em uma classe diferente mais tarde, mas eu quero tocar nisso. Isto é tudo verde, é uma folha de espinafre verde, mas você pode ver como há diferentes valores e tons de verde acontecendo nesta folha por causa da iluminação. Isso é bom porque isso começa a jogar com quantas cores você pode obter de apenas uma cor, e como ainda pode haver contraste entre um tom realmente claro, quase branco, de verde todo o caminho até estes escuro profundo, quase preto, tons de verde. Vamos falar brevemente sobre como melhorar certas composições. Eu estava trabalhando nesta ilustração de solo, uma abstração de close-up do solo. Quando eu estava trabalhando neste padrão, eu estava desenhando cada peça individualmente, e eu parei aqui por um momento porque eu realmente estava me perguntando, eu quero deixar essa sala de respiração em torno do padrão? Quero deixar estes espaços em branco em branco? Eu pensei em fazer isso por um tempo, mas então eu voltei à pergunta que eu estou encorajando você a fazer, que é, que sentimento eu quero transmitir para o espectador? O que eu realmente queria acontecer com a interação com este trabalho, era que eu queria que o espectador sentisse que eles estavam totalmente absorvidos nesta seção, neste único pedaço de solo. Eu queria que a obra de arte parecesse uma visão microscópica, como se você estivesse olhando através de um microscópio em uma seção do solo e parecesse totalmente como se tivesse cegueira, como se estivesse naquele espaço. Eu decidi jogá-lo para fora em direção às bordas completas do papel, então eu continuei o padrão todo o caminho até as bordas. Mas então o que eu fiz quando eu me preparei para fazer isso uma impressão para venda, como eu fiz adicionar uma borda branca ao redor da borda. Faço isso às vezes, especialmente se for um relé para estampas estampadas, apenas uma impressão de arte à venda. Eu adiciono essa borda às vezes apenas para um pouco de espaço de respiração visual, mesmo que não haja muito espaço negativo na obra de arte em si. Às vezes gosto de adicioná-lo ao redor das bordas só para dar um fôlego e aplausos. Este é outro exemplo de pensar sobre a composição e como melhorá-la e realmente estar no meio do processo. Então eu desenhei essa ilustração de framboesas alguns anos atrás, e eu desenhei alguns elementos, há mais um que você verá em um momento. Mas eu brinquei com apenas recortando esses dois, a framboesa cortada pela metade e a framboesa completa. Mas eu realmente senti que algo estava faltando e como se isso estivesse faltando um senso de interesse e o equilíbrio que eu estava procurando, então eu cortei de volta para o desenho inicial que incluía essa seção transversal ampliada. Agora, o que é interessante neste trabalho é que isso não é realismo. Quero dizer, a seção transversal de uma framboesa não seria maior do que a própria framboesa. Mas eu realmente gostava de ampliar e olhar para a abstração e ser descolada, estranha e selvagem com ela e torná-la a maior parte do desenho. Tendo se encontrado na base deste desenho, realmente equilibrado os outros dois elementos menores. Aqui, quando acabei de entrar nesses dois, eles são quase iguais em tamanho. Eles são muito semelhantes em tamanho, então esse não era o interesse que eu estava procurando, e adicionar esta peça maior ao fundo realmente deu mais o equilíbrio que eu estava procurando na composição. Quando eu ilustrei isso pela primeira vez, eu permiti que as ilustrações saíssem da página, e eu gosto de fazer isso às vezes para que os olhos dos espectadores possam viajar ao redor da borda de um desenho específico e, em seguida, circular de volta. Então foi isso que eu fiz aqui. No Mundo de Christina, novamente, vemos o ponto focal entrando em jogo aqui com seu corpo, sua forma sendo em primeiro plano o maior assunto da pintura. Também temos uma sensação de movimento acontecendo com base em onde os elementos são colocados ao longo da pintura. Em Starry Night, temos uma boa sensação de movimento baseada nas pinceladas que Van Gogh aplicou à tela. Assim, suas pinceladas texturizadas que realmente criam esse ritmo fluído para a obra de arte, um movimento orgânico fluído. Não há muito espaço negativo acontecendo nesta composição, mas ainda é bastante comum porque nosso olho pode se mover fluidamente por toda a tela. Neste design de padrão de superfície por Elena Wilken, que eu amo tanto seu trabalho. Este é um padrão de repetição. Com design de padrão de superfície, em vez de nosso olho descansando apenas em um ponto focal, ele continua a se mover ao longo de todo o padrão. Este padrão pode estar no papel de parede ou um tecido ou um embrulho de presente. Então, nosso olho é convidado a permanecer no ritmo e em movimento. Então, quando você está pensando em criar um design repetido, é importante pensar em como extrair elementos de composição que contêm intriga e interesse sem ser muito esmagador. Neste trabalho com girassóis, o girassol é o assunto e há um bom senso de ritmo acontecendo aqui. Mas ao invés de Elena usar o mesmo tamanho exato e o mesmo ângulo exato de cada cabeça de girassol, ela varia os tamanhos , e ela também, neste, você pode ver como ela transformou algumas das folhas em É como se a cabeça de girassol estivesse em ângulo. Isso cria um pouco mais interessado no movimento do nosso olho a partir dos diferentes tamanhos e os diferentes ângulos do girassol, ao contrário de se era tudo apenas o tamanho e forma repetidos exatamente o mesmo através. Além disso, ela tem algum bom uso de espaço negativo porque se você olhar para este trabalho, você começa a ver que fundo off-white brilhar através. Mas o que Elena fez aqui também foi adicionar um pouco mais de interesse com esses elementos botânicos e florais, encaixados nesse espaço negativo. Isso acrescenta um pouco mais de intriga do que se eles tivessem desaparecido completamente. Novamente, assim como fizemos com a maçã, esta é uma dica divertida e um jogo divertido para jogar quando você está olhando para obras de arte, é usar o dedo ou a mão apenas para encobrir algumas partes do trabalho para ver como ele muda seu olho e a interação do seu olho com a obra de arte. Como isso muda o sentimento da composição? Como seu olho se move de forma diferente quando esses elementos estão cobertos? Isso pode ser um exercício muito bom quando você está criando suas próprias composições para descobrir quais elementos estão realmente funcionando e o que poderia ser deixado de fora. Outra coisa que Elena fez aqui é que ela não está incluindo todos os detalhes que você pode ver em um girassol. Ela está realmente olhando para o assunto e transformando em seu próprio estilo, e uma das maneiras que ela está fazendo isso é eliminar detalhes e avançar em direção à simplicidade. Isso ajuda a diminuir o que poderia ser muito caótico de um padrão de repetição. Quando há menos detalhes, pode dar aos nossos olhos mais momentos para descansar ao longo do movimento desta repetição. Este é outro padrão de repetição do mesmo artista, e isso é bem diferente como podemos ver. Este trabalho parece um pouco mais ocupado. Mas ocupado em uma composição não é necessariamente uma coisa ruim. Pode ser realmente enérgico, brincalhão e divertido. Então o que Elena fez aqui é que ela encolheu alguns desses elementos florais. Não são tão grandes quanto as cabeças de girassol. Muito disso são menores e por isso são todas fadas do mesmo tamanho, ou estão na mesma faixa de tamanho aqui. Eles estão muito próximos, então não há muito espaço negativo ou respiração acontecendo, mas dá à peça uma sensação de brincadeira ao invés de caos. Uma das maneiras que ela está criando essa brincadeira é o uso da cor, a maneira como ela está organizando e posicionando cada uma dessas formas, então algumas estão viradas para cima, algumas estão voltadas para baixo, todas indo em direções diferentes. Outra coisa que acontece e que você pode pensar na construção de um padrão e usando elementos de composição é que em uma peça que é mais preenchida como esta e mais movimentada, você pode fornecer ao olho uma âncora ou uma sensação de aterramento realmente jogando fora da repetição. Então, em um padrão de superfície, há uma repetição, e quando você procura por ele, você pode começar a encontrá-lo. Aqui vemos esses dois elementos de flor vermelha. Vemo-los repetidos aqui. Então você pode olhar aqui para cima e ver este elemento de flor cinza repetido aqui. Isso realmente dá a essência dos olhos de aterramento e aquele senso de ritmo que falamos em uma composição, porque é como uma batida, é como um, dois, e se isso fosse um pedaço de tecido mais longo, Poderíamos dizer três, quatro. Então, no meio do trabalho e no meio do espaço cheio, nosso olho tem um lugar para voltar para criar esse senso de ritmo e consistência. Mais uma vez, voltando ao equilíbrio, isso pode ajudar a equilibrar espaços mais preenchidos na composição. Claro que Elena está usando a cor aqui para aumentar a brincadeira com os vermelhos, mas ela também está recusando isso com estes belos cinza neutro e estes amarelos dourados mais calmos. Então ela está criando um bom senso de equilíbrio com a cor, e realmente apenas tornando esta uma composição muito divertida e usando o posicionamento de todos os elementos para criar uma sensação de movimento. Na próxima lição, vamos fazer uma ferramenta que pode levar a descobertas de composições em seu ambiente cotidiano. Você vai ver o mundo de uma maneira totalmente nova. 8. Viewfinder de bolso: Esta lição é uma dica profissional que eu quero compartilhar com vocês para que você possa começar a olhar para o seu entorno em assuntos com uma nova perspectiva. É muito fácil para nossos cérebros ficarem presos em como achamos que algo parece. Por exemplo, quando eu digo flor, você pode ter uma imagem genérica de uma flor vir à mente. Mas quando você realmente chegar perto e pessoal com o assunto, você começará a descobrir novos detalhes que são visualmente intrigantes. Pode ser realmente desafiador sair da nossa maneira tradicional de ver para ver algo familiar com novos olhos. Mas essa ferramenta que estou prestes a compartilhar ajuda você a fazer exatamente isso. Nesta lição, vamos criar um visor que você pode levar com você em caminhadas em seu bairro, quando você sai em recados, ou simplesmente em casa para começar a ver novas composições ao seu redor o tempo todo. Para começar, pegue uma folha de papel em branco ou papel de construção e sua tesoura. Corte uma fenda em uma parte do seu papel e, em seguida, deslize a tesoura nesta fenda para cortar um retângulo. Você pode fazer este retângulo fino ou grosso, mas eu recomendaria não torná-lo muito grande. Aqui, eu tenho este retângulo cortado do papel, e agora eu vou cortar um limite quadrado em torno dele para me livrar de um pouco do excesso. Você pode salvar esse excesso de papel para esboços futuros. Agora, eu tenho um visor. Esta ferramenta olhando para o mundo através de uma câmera. Comece a segurar o visor ao longo do braço e olhe ao redor da sala em que você está atualmente. Resolva um assunto e olhe para ele através desta ferramenta. Mova o visor para a esquerda, para a direita, para cima e para baixo para capturar diferentes partes deste assunto. Observe como esse assunto que você está observando pode preencher o retângulo de muitas maneiras diferentes. Com este exercício, você começa a observar muitas composições diferentes ao seu redor que podem servir como oportunidades de aprendizagem e inspiração para suas ilustrações. Portanto, carregue seu visor em torno sua casa e pratique olhando através dele para diferentes assuntos. Leve-o com você em uma caminhada para ver assuntos naturais com uma nova perspectiva também. Basta tomar nota de como esses diferentes assuntos preenchem o visor e mover o olho através do retângulo. Observe quais instantâneos criam composições atraentes cheias de interesses e quais caem. Basta anotar essas observações em seu caderno de esboços para fazer referência à medida que mergulhamos em mais exercícios. Na próxima lição, vamos discutir minhas principais dicas para começar a construir sua composição. 9. Dicas para criar uma composição: Estamos prestes a mergulhar com caneta e papel no próximo exercício, mas quero compartilhar algumas dicas que podem ajudá-lo a estabelecer uma base para construir essa composição. Embora a cor desempenha um papel importante na construção de uma composição, é um assunto que requer totalmente sua própria classe, então eu recomendo para os fins desta classe particular, basta manter o desenho de linha e não se preocupe com a cor ainda. Se você gostaria de aprender mais sobre desenho de linhas, você pode visitar minha classe, Como desenhar: linha de aprendizagem e também classe de Peggy Dean Botanical Line Drawing. Os desenhos de linha são um ótimo lugar para começar, porque você pode construir seu desenho a partir desta etapa fundamental. Para cada desenho que crio, gosto de construir os elementos um por um. Por exemplo, em vez de desenhar algumas linhas e adicionar sombreamento e, em seguida, desenhar mais linhas e, em seguida, adicionar cor, eu normalmente trabalho bastante sistematicamente, começando com desenhos de linha simples e, em seguida, explorando onde valor, contraste e cor podem ser adicionados. Eu recomendo construir seus desenhos e ilustrações um passo de cada vez. É por isso que eu dividi isso como desenhar séries em três classes mergulhando em linha, composição e cor. Só uma dica profissional, um resumo rápido do meu processo, qual você pode querer pegar pedaços e pedaços. Parece com isto. Primeiro, escolha o assunto. Normalmente isso para mim é, quando eu vejo um vegetal realmente bonito fresco de meus parceiros fazenda ou enquanto eu estou cozinhando alimentos. Número 2 é pegar minha caneta prismacolor e fazer alguns desenhos de linha do assunto no meu caderno de esboços. Número 3 é, para refletir sobre esses esboços iniciais. Gosto de configurá-los, ficar para trás, espremer o papel, tirar um momento com os desenhos iniciais para pensar em como posso torná-los mais interessantes, mais abstratos, mais simples. Então, eu começo a colocar os sujeitos em um novo pedaço de papel em branco, em uma composição usando apenas esses desenhos de linha. Às vezes, se eu estiver feliz com esse desenho de linhas, eu paro por aí. Outras vezes vou começar a preencher certas áreas com tinta para criar contraste ou vou passar para selecionar e aplicar cores. É assim que eu trabalho no papel. Quando trabalho digitalmente, digitalizo esses esboços iniciais no Adobe Illustrator e vetorizo-os e, em seguida, começo a brincar com composição e cor. Eu vou te explicar tudo isso mais tarde nesta aula. Pense primeiro sobre seu assunto, que você deseja incluir em seu desenho, e quanto detalhe você pretende incorporar. Ao observar seu assunto antes de desenhar, considere quais detalhes podem ser eliminados conforme necessário, e quais são essenciais para a obra de arte. Em seguida, considere a mensagem ou o significado que você deseja transmitir, pense se é um sentimento específico que você deseja mostrar com a arte. Considere os elementos da composição que você poderia usar para passar esse ponto, ou talvez você esteja trabalhando em um padrão abstrato, e neste caso, você quer que ele se sinta calmo, ocupado, misterioso? Considere sua mensagem e como você pode usar o kit de ferramentas que você está criando para compartilhá-la. Falámos que as fronteiras são um elemento realmente importante da composição. Eu sempre gosto de me dar um limite definido para trabalhar quando eu começo, seja as bordas do meu papel ou uma forma que eu desenho no meu papel. Qualquer borda que você escolher lhe dá um ponto de partida e ajuda com o layout. Você poderia começar com apenas elementos, mas então parece um pouco flutuando no espaço. Os limites que são típicos para mim escolher para começar são, um pedaço de papel de 8 por 10 polegadas, um quadrado de 8 por 8 polegadas, ou um quadrado de 10 por 10 polegadas. Porque estes são todos os tamanhos típicos de impressão de arte que eu uso que podem ser emoldurados. Você também pode escolher um quadro funky que seja mais atípico, como uma forma oval ou abstrata. Bem, pratique ambos ao longo das lições nesta aula. Temos uma base sólida, e é hora de colocar caneta no papel. Nós vamos para o estúdio, pegar seus materiais.. Na próxima lição, vamos começar a construir composições. 10. Composição com formas cortadas: Este exercício é um aquecimento muito útil para criar e visualizar diferentes composições. Para começar, você precisará de uma tesoura, papel de construção, um bastão de cola e uma folha de papel branco em branco. Para começar, desenhe uma variedade de formas abstratas em seu papel de construção. Crie formas de vários tamanhos, crie formas geométricas e orgânicas ou curvas. Esta vai ser a sua biblioteca de formas para começar a construir suas composições. Por exemplo, eu criei essa variedade de formas, eu cortei triângulos de diferentes tamanhos, rabiscos, círculos, formas curvas que me lembram de alguma planta subaquática. Quando você tiver sua variedade desenhada em seu papel de construção, corte cada forma. Depois de cortá-los, comece a colocá-los em seu papel em branco, não cole nada ainda, apenas jogue e experimente organizar suas formas no papel de maneiras diferentes. Isso lhe dá muita flexibilidade e liberdade para ver o que flui e como combinar os elementos para criar uma sensação de equilíbrio e harmonia. Comece com um elemento e construa a partir daí [MÚSICA]]. Quando você estiver satisfeito com seu layout, você pode começar a colar suas formas em seu papel. Wallah, você criou uma composição. Tire uma foto ou digitalize isso para a seção do projeto de classe para que possamos ver seu processo em ação. Na próxima lição, usaremos papel e caneta para construir uma composição padrão. 11. Padrão intuitivo: Nesta lição, vamos fazer uma composição de padrão intuitiva. O que eu quero dizer com isso? Esta é uma ferramenta realmente útil para iniciar a prática porque ele tira você de sua cabeça e ajuda você a confiar na conversa entre seu coração e sua mão. Ao invés de entrar nisso com um plano definido, vamos construir a composição um elemento de cada vez. Para começar, desenhe uma forma irregular abstrata em uma folha de papel branco em branco. Este é o seu limite. Agora comece a preencher este limite com uma variedade de formas. Você pode começar no centro ou você pode começar na borda. Dentro deste limite, isso é limite abstrato, eu vou começar aqui à esquerda e eu vou começar a imitar e espelhar as linhas que eu já vejo apenas como um ponto de partida. Essas linhas iniciais podem realmente orientar para onde seu padrão irregular, seu padrão intuitivo está indo para ir. Isso é realmente sobre construir as formas intuitivamente. Não estou pensando demais em cada passo, só estou permitindo que minha mão, meu olho, meu cérebro, meu coração guie a próxima forma. Estou deixando algum espaço entre estas linhas, mas todos os nossos padrões vão parecer diferentes. Mas é um quebra-cabeça divertido. As formas começam a se encaixar umas nas outras. Não se preocupe em ser perfeito. Apenas jogue. Agora, uma vez preenchido esse espaço com seu padrão, você pode começar a adicionar um pouco de contraste com os valores. Vou usar este marcador de ponta cinzelada porque é mais espesso e há muito controle aqui para preencher certas formas. Vou começar a preencher intuitivamente certas áreas. Aqui, eu gosto do que está acontecendo entre essas duas formas. Como eles estão perto de tocar, mas não completamente. Gosto da alternância entre o valor escuro e a luz aqui em baixo. Agora estou olhando para esses círculos e vou começar a preencher alguns desses. Eu estou realmente pensando que ao passar por isso, no começo, eu pensei que eu faria todos os outros, mas eu quero fazer todos eles porque eu quero que eles preencham como se houvesse uma base forte ou forte base para esta peça. Sinto que o peso desse contraste, esse valor mais sombrio traz o olho para baixo. Isso não é apenas flutuar aqui em todas essas formas, ele dá alguma raiz a tudo, mas eu não quero preenchê-lo no campo quadrado eu quero contraste entre os dois. Você pode começar a preencher ou até mesmo engrossar algumas das linhas que você fez. Essa é uma ótima maneira de adicionar contraste. Você pode começar a preencher certas áreas para adicionar mais intriga e as diferenças de valor para mais interesse visualmente na composição. Eu gosto disso. Quando olhas para isto e olhas para a tua própria peça, podes começar a perguntar se está fora de equilíbrio? Existe outra área que eu possa adicionar algum contraste também para torná-la mais desequilibrada? Estou vendo que há muito peso para visualmente aqui em cima. O que isso significa para mim é que eu quero ver se é contrariado aqui e é um pouco com esses círculos inferiores. Mas então eu estou olhando para, eu posso adicionar um pouco de peso, talvez até mesmo para o contorno da forma que não está fora dos limites? Eu gosto disso. Agora sinto que há mais equilíbrio em todo o padrão. Na próxima lição, vamos aprofundar a prática de algumas das regras de composição que discutimos anteriormente nesta aula. 12. Planeje uma composição abstrata: Para este exercício, você vai usar uma seleção de formas fornecidas que eu vou lhe dar para construir uma composição abstrata. Esta é uma prática realmente boa para se concentrar em como equilibrar elementos dentro de uma composição sem as decisões adicionadas de matéria realista ou um significado específico de uma obra de arte. Aqui estão os elementos que estamos usando neste exercício. Você começa a escolher quais elementos você desenha em seu papel e quais você deixa de fora. Você também pode repetir algumas das formas. Por exemplo, eu poderia optar por usar a pequena fibra quadrada 10 vezes na obra de arte e deixar de fora a maioria das outras formas. Este é realmente um escolher o seu próprio exercício de aventura, trabalhando com as formas fornecidas. Muita parte da construção de composições é tomada de decisão criativa. Com cada composição que você criar, experimente novas abordagens e novos caminhos para procurar diferentes maneiras de criar esse forte senso de equilíbrio e harmonia. Para começar, pegue uma folha em branco de papel branco, um lápis, uma caneta e uma régua. Vamos começar praticando a regra dos terços que discutimos antes. Eu cortei meu papel para um tamanho de seis por nove polegadas, mas isso vai funcionar com qualquer tamanho que você está usando. As distâncias apenas podem ser números diferentes do que neste exemplo. Para começar, quero dividir a altura e a largura do meu papel por três. Então, para o lado de nove polegadas da minha página, eu vou fazer uma marca em três polegadas e outra marca seis polegadas. Para o lado de seis polegadas da minha página, eu vou fazer uma marca em dois e quatro polegadas. Agora, eu vou conectar essas linhas através da página muito levemente com meu lápis para que eu possa apagá-las mais tarde usando minha régua. Agora eu tenho a regra da terceira grade. Como discutimos, se eu estou seguindo esta regra, então eu vou colocar uma das minhas formas principais, digamos, este grande círculo na interseção dessas linhas, em vez de diretamente no centro da página. Então usarei essas linhas para orientar a colocação dos meus outros elementos também. Posso começar a usar essas linhas como um guia para colocar as formas em relação umas às outras. Então, quando eu estiver feliz com a colocação, eu posso apagar as linhas e porque estamos usando uma caneta, as formas vão ficar. Aqui, eu apenas segui esta linha esquerda sobre a regra dos terços para alinhar esses elementos juntos. Isso pode ser realmente útil apenas para manter tudo em um caminho linear, e aqueles estão contrabalançando este círculo que está aqui na seção transversal dessas linhas. Eu não quero colocar nada diretamente sob este círculo, porque então eu sinto que vai ser muito uniforme, mas eu vou continuar colocando círculos menores desses exemplos acima desta linha. Então agora o olho está seguindo este caminho linear, e então eu estou pensando sobre aqui para seguir a linha fora da página, e eu vou jogar com alongamento de alguns dos quadrados em retângulos. Eu poderia continuar jogando fora desta grade, claro que você pode preencher o espaço entre a grade, isso é apenas um ponto de partida para seguir em frente no seu desenho e colocar as coisas para fora. Uma vez eu estava feliz com a composição geral, agora eu sinto que é muito ponderado aqui, então o que poderia equilibrar isso aqui fora é preencher o círculo, dar mais peso visual ou adicionar alguns círculos mais pequenos em torno deste maior círculo. Porque então isso começa a espelhar os círculos aqui, então há um pouco mais de equilíbrio. Isso parece um pouco caótico para minha preferência pessoal, mas novamente, isso é apenas experimentação, aprender o que funciona, o que você gosta, e como criar equilíbrio nessa composição. Uma vez que estou feliz com a colocação dos meus elementos, posso apagar as linhas como se nunca estivessem lá. Agora é a sua vez. Comece a colocar elementos deste sortimento em toda a grade que você criou. Quando você estiver satisfeito com o layout, apague as linhas da grade de lápis e tire uma foto ou digitalização do seu desenho para fazer upload para a seção do projeto de classe no final desta classe. Ótimo trabalho, mas tenho um segredinho para compartilhar com você. Honestamente, nunca desenhei a regra de terços linhas no meu papel. Eu, pessoalmente, prefiro construir composições de forma mais intuitiva, mas eu queria compartilhar essa técnica porque pode ser uma ajuda visual realmente útil para começar, e também pode ajudar se você se sentir preso no meio da fabricação e arte e precisa de orientação sobre o próximo passo a ser dado. Então vamos pegar outra folha de papel em branco, de qualquer tamanho. Usando as mesmas formas deste agrupamento, vamos construir uma composição sem essas linhas de grade. Dependendo da sua abordagem para fazer arte, isso pode parecer um pouco como saltar para o fundo sem um senso de orientação, mas aqui estão alguns pontos úteis a considerar para um pouco de um plano antes de você mergulhar completamente em. Qual é o seu assunto principal? Embora estejamos usando formas abstratas, pense em qual forma você quer ser o ponto focal. Esta é a forma que você deseja chamar mais atenção em seu trabalho. Por exemplo, ao olhar para essas opções, eu poderia escolher o círculo grande novamente para ser o ponto focal do meu desenho. Como você usará elementos de apoio para chamar a atenção para o ponto focal? Estou pensando em criar uma sensação de repetição usando os círculos menores para levar ao círculo maior, ou cercar a borda do círculo grande com os círculos menores. Este lugar não só enfatiza o assunto principal, mas também cria essa sensação de contraste usando diferenças de tamanho. Sua escolha de elementos pode servir vários propósitos na construção dessa composição. Como você escolherá cortar sua composição? Cortando laços com a fronteira, que é um elemento incrivelmente importante de equilíbrio e harmonia convincentes. Cortar é como você escolhe colocar o trabalho artístico dentro de seu limite. Então você escolherá cortar partes do assunto? Aqui eu estou escolhendo começar, novamente, sem linhas de grade, eu estou escolhendo começar com um grande círculo que é cortado a meio caminho pela página. Então isso já leva o olho fora, e então eu estou pensando em guiar o olho através da página com alguns elementos repetitivos, alguns dos círculos menores. Eles não têm que estar na linha exata. Isso é apenas enrolamento em uma forma curva ao longo da página. Então agora que eu posso seguir daquele canto até este meio círculo acontecendo. Agora, algo que você pode começar a jogar é semelhante ao exercício de padrão intuitivo que fizemos. Eu posso desenhar meias círculos menores dentro desse limite principal. Então, qual é o próximo passo? Pareceu-me a coisa certa a fazer. Então agora eu tenho isso, e então você também pode brincar com transformar seu assunto. Aqui, eu realmente gosto desse arranjo um pouco mais, e para criar mais equilíbrio, eu vou adicionar círculos em ambos os lados. Agora há um pouco de equilíbrio simétrico aqui, e então ele sobe aqui, e sai do equilíbrio simétrico e apenas muitas vezes para o canto. Eu gosto do que está acontecendo lá, e você pode apenas continuar girando sua página e isso pode ajudar a informar a composição. Você pode ver com este exemplo que os elementos estão levando o olho para fora da página em duas direções. Mas se pudéssemos virar isso e conter tudo dentro deste espaço, então isso teria um efeito totalmente diferente de como nosso olho se move visualmente através da obra de arte. Por exemplo, se esse grande círculo acontecer aqui e não foi cortado, então, em vez de mover o olho com os círculos fora para o canto, ele ainda cria movimento para o círculo principal, esse ponto focal, mas este é um mais rígido e padrão geométrico de círculos do que aquele fluido que estávamos olhando. Isso está informando decisões diferentes agora. Já que estamos dentro do limite da página, estou começando a pensar em como, agora eu poderia ter usado uma régua para isso, mas pense em como as linhas podem adicionar um senso de simetria aqui. Mais uma vez, você pode jogar girando seu papel em diferentes direções para ver como isso afeta o olho, mas você pode ver aqui que esta é uma peça mais contida dentro do limite, não correndo fora da página, então nossa olho está apenas se movendo entre os elementos em vez de fugir e voltar. Como você pode ver com esses exemplos, ambas as opções levam a obras de arte completamente diferentes que movem seus olhos pela página de maneiras completamente diferentes. Ambos os exemplos funcionam, mas eles funcionam de forma muito diferente. Então experimente com seus elementos correndo fora da página e permanecendo contidos. Veja o que você prefere. Sua preferência também provavelmente mudará dependendo do assunto e da mensagem que você deseja transmitir. Outra questão-chave a considerar ao pensar na sua composição é, como você vai criar equilíbrio usando diferentes modos de contraste? Neste exemplo, eu já usei um momento de contraste com o tamanho, os círculos grandes e pequenos e o valor para criar contraste, preenchendo algumas dessas formas e deixando algumas vazias. Para contraste, pense se você deseja equilibrar formas geométricas e orgânicas, espaço positivo e negativo, formas pequenas e grandes. Pense em como você pode criar um pouco de desempenho visual aumentando a tensão entre esses diferentes elementos. Muito bem, trabalho incrível. Tire uma foto ou digitalize sua imagem para fazer upload com seu projeto de classe. Na próxima lição, falaremos sobre como construir um padrão no papel usando os elementos da composição. 13. Planeje um padrão: Nesta lição, estaremos criando outro padrão. Mas em vez de abordá-lo a partir de uma prática intuitiva como fizemos anteriormente, vamos passar por algum planejamento preliminar usando os elementos da composição. Neste exercício, vamos usar a mesma seleção de formas da última lição para construir uma composição padronizada. Então, ao invés de ter um ponto focal singular que é suportado por muitos elementos, estamos criando um padrão que repete seu design para criar uma sensação de continuidade e fluxo entre os elementos. Quando padrões são impressos como repetições em tecido ou papel de parede, por exemplo, o olho normalmente continua a se mover ao longo todo o design, em vez de se concentrar em um ponto singular. Reserve um momento para procurar qualquer padrão em seu entorno imediato. Estes podem estar em um cobertor, uma almofada de sofá, um cartão ou uma caneca de café. O padrão pode até ser a espiral de uma flor fora de sua janela ou a repetição de lâminas de grama. Os padrões estão por todo o lado quando diminuímos e temos tempo para olhar. Vamos começar a fazer nosso próprio padrão. Para este exercício, pegue uma folha de papel em branco, selecione apenas três elementos desta variedade de formas que temos usado. A seleção de um número limitado de formas pode fornecer soluções mais criativas para o exercício, ao mesmo tempo que domina a sobrecarga de tentar incorporar muitos detalhes, voltando à simplificação e simplicidade. Agora, eu vou desenhar isso no papel, começando com o quadrado grande. Na minha cabeça, estou começando a planejar repetir isso em toda a página em uma diagonal. Este será o meu primeiro passo orientador. Agora, estou pensando em como incorporar os elementos da composição que temos discutido neste padrão. Nomeadamente, eu estou pensando sobre como criar contraste, bem como criar espaço negativo suficiente para que este padrão não comece a se sentir esmagador e ocupado. Eu também quero criar movimento e ritmo suficientes entre as formas para manter o padrão interessante. Para maior contraste, eu poderia preencher certas formas para torná-las mais escuras. Também utilizarei círculos menores para contrastar esses grandes quadrados. Para movimento e ritmo, os quadrados de repetição maiores conduzirão o olho através do papel e atuarão como a âncora da peça. Embora não haja um único quadrado é um ponto focal porque é a forma dominante em termos de tamanho, ele provavelmente vai chamar a maior atenção e ser apoiado pelos outros dois elementos. Baseado no meu plano inicial, isso que acabou acontecendo, e para ser franco, não estou feliz com isso. Mesmo que eu tenha essa idéia dos grandes quadrados deparando em uma diagonal que ainda serve como uma âncora, especialmente se eles foram preenchidos, o que acabou acontecendo é que ele se sente um pouco caótico e ocupado. Eu estava tentando preencher alguns desses espaços negativos que estavam se formando, mas eles eram apenas um pouco de formas e tamanhos estranhos. Então eu estava tentando preenchê-los com essas linhas adicionadas, enquanto também criava movimento com os círculos. As coisas que eu acho que estão trabalhando para esta composição são o contraste entre os quadrados geométricos rígidos e os círculos e rabiscos, bem como a sensação de movimento dos círculos, equilibrando estes diagonais, movimento rígido dos quadrados. O que eu não acho que é trabalhar bem com esta composição são estas linhas aleatórias. As coisas começaram a parecer muito ocupadas e parece um pouco por acaso de como estas são colocadas. Então eu seria mais intencional em medir isso da próxima vez. Mas esta é uma boa maneira de apenas experimentar com o padrão de repetição e uma maneira mais planejada do que dizer, a prática intuitiva que fizemos anteriormente. Com essa informação do que eu gostei e não gostei com o último padrão mais apertado, eu criei um novo padrão. O que eu guardei em termos dos elementos são os quadrados diagonais como um ponto de ancoragem. Eu também mantive o contraste com as formas mais orgânicas dos círculos, e então eu também aumentar o contraste preenchendo esses círculos. Esta é uma repetição muito mais rítmica porque é quase como se você pudesse dizer 1, 2, 3, 4, ou 1 e 2 e 3 e 4. Tem mais desta força motriz do que o exemplo anterior, que parecia um pouco mais selvagem, mais caótico, e um pouco mais disperso. Eu estava procurando por algo que tivesse mais sobre sensação de padrão rítmico. Eu poderia continuar brincando com isso. Mas essa é a coisa sobre a composição é que quando você faz uma, você pode aprender muita informação, o que você gosta, o que você não gosta, e levar isso para a próxima iteração. Composição é tudo sobre iterar. É tudo sobre tentar de novo. Esta é a próxima versão, e eu poderia empurrar isso para outra versão. Mas agora, eu quero que você dê uma volta e faça isso sozinho. É hora de você construir seu padrão. Faça upload de uma foto ou digitalização de sua criação como parte de seu projeto de classe para que eu possa ver seu processo. Nas lições anteriores, exploramos como construir composições usando múltiplos temas. Na próxima lição, vamos mergulhar em um exercício para construir uma composição usando apenas uma. 14. Exercício com miniaturas: Este exercício é benéfico quando se olha para como fazer a composição de um único assunto, atraente e interessante. Isso nos dá uma maneira de sacudir nossos cérebros de sua maneira tradicional de ver, para começar a fazer novas conexões visuais e obras de arte criativas. Muito do desenho é sobre abrandar para realmente observar o objeto antes de você. Como eu disse antes, é fácil pensar que conhecemos assuntos que podemos ver todos os dias: uma árvore, a folha, uma chaleira de chá, um pedaço de comida. Mas quando paramos para observar o assunto com mais detalhes, mesmo por um minuto inteiro de observação ininterrupta, podemos começar a encontrar mais momentos de beleza e inspiração. Este exercício é menos sobre o processo de tomada de decisão que temos praticado. Em vez disso, uma vez que você faça uma escolha inicial com este exercício, o resto da composição cairá no lugar. Vamos mergulhar, pegar uma folha de papel em branco, sua caneta, e um ingrediente da sua cozinha que você possivelmente gostaria de incluir no seu projeto final de aula coberto livro de receitas. Depois de reunir seus materiais e assunto, quero que desenhe três retângulos de tamanhos variados em seu papel. Você pode colocar esses retângulos em ângulos diferentes, bem como se você escolher. Agora, pense no exercício mais cedo nesta aula quando criamos visores de bolso. Eu quero que você aja como se cada um desses retângulos que você acabou de desenhar em seu papel fosse um visor que você poderia olhar através, para ver seu objeto de uma nova maneira. Na verdade, para uma ajuda visual adicional, você poderia usar o visor que você fez anteriormente aqui também. Estou começando com o primeiro retângulo na minha página e eu estou agindo como se eu pudesse ver através dele para o meu assunto. A primeira e praticamente a única escolha que estou fazendo é escolher qual parte do meu assunto eu quero me concentrar através deste limite. Em vez de tentar encaixar todo o assunto dentro do retângulo, só estou me aperfeiçoando em uma parte. Para este exemplo, estou escolhendo essa parte do meu assunto. Agora estou desenhando exatamente o que vejo dentro dessa seção do retângulo. Tudo o resto é cortado ou cortado. Novamente, não estou sombreando nada agora, sem adicionar valor ou contraste. Eu realmente não estou tomando nenhuma outra decisão de composição também porque eu já cheguei maneira sobre o assunto, o que por sua vez está fazendo este assunto realista se transformar em algo mais abstrato. Estou mantendo a regra da simplicidade em mente. Eu não estou incluindo todos os detalhes que vejo, apenas aqueles que eu acho que são os mais poderosos, essenciais, interessantes ou necessários. Terminei de desenhar por assunto dentro desse primeiro retângulo. Agora, usando exatamente o mesmo assunto como inspiração, vou passar para o meu segundo retângulo e escolher uma porção diferente. Estou escolhendo essa parte do assunto e desenhando apenas o que vejo dentro desse espaço. Vou fazer o processo uma terceira vez com o terceiro retângulo em uma terceira parte do sujeito. Agora eu tenho três versões diferentes, ou composições do mesmo assunto exato. Quão incrível é isso? Este exercício pode ser infinito porque você pode criar 5,10 ou 20 retângulos e obter uma composição diferente do mesmo assunto cada vez. Ele não precisa ser um limite retangular, você pode fazer um círculo ou você pode fazer uma forma abstrata, mas você pode fazê-lo uma e outra vez para olhar o seu assunto de novas maneiras. Quando você se sente preso, esta é uma ótima maneira de agitar e começar a ver novos elementos em seus desenhos. Dê uma olhada em seus três retângulos e comece a fazer algumas perguntas a si mesmo. O que mais esse assunto começa a me lembrar? Como meu olho se move dentro de cada um desses desenhos? Há lugares onde eu fico preso? Existem lugares de contraste ou tensão visual? Existem áreas onde o contraste poderia criar mais interesse dentro do desenho? Existem lugares onde meu olho se move muito suavemente e continuamente ao longo do desenho? Pense nos elementos da composição que discutimos ao longo desta aula, e veja se você pode encontrá-los dentro dessas ilustrações. Estes podem incluir: repetição, movimento, ponto focal, tamanho , claro equilíbrio, seja simétrico, assimétrico ou radial. Faça essas perguntas a si mesmo enquanto você olha para todos os três de seus retângulos e apenas tome nota se você sentir que qualquer um dos três funciona melhor do que o resto em termos de harmonia, unidade e beleza. Quando eu olho para essas miniaturas de rúcula, esta no meio, começa a me lembrar de pássaros em um membro de árvore, parcialmente isso é por causa da maneira que eu adicionei em valores diferentes, então estes começam a parecer sombras ou formas abstratas de talvez pássaros neste membro da árvore. Este aqui começa a me lembrar de um desfiladeiro ou um vale olhando para isso na Terra. Também pode ser parte de uma vara ou um galho saindo de talvez uma árvore cortada ou cortada desta parte do desenho. Este aqui não me lembra nada e talvez quando você olhou para ele, você se lembra de algo. Mas eu começo a imaginar se isso foi cortado ainda mais como se houvesse uma linha aqui, então eu estou realmente segurando minha mão na tela, cobrindo o topo do retângulo só para ver se ele começa a me lembrar de alguma coisa. Talvez outra planta ou outra árvore, mas não chama nada imediatamente. Estes dois me lembram de outras associações. É aí que este exercício pode realmente permitir que você entre no mundo da arte abstrata. Esse é um lugar muito divertido para se estar, porque pode começar a nos abrir para ver todas essas diferentes associações com a obra de arte que pode não ser o assunto real, mas nos dá mais uma oportunidade de nos conectar em um e começar a imaginar coisas diferentes e fazer conexões emocionais diferentes com a arte como um espectador, e com a arte como o criador. Este é realmente um grande exercício para nos tirar desse realismo e daquela realidade do mundo e entrar em formas e linhas, sentir e experimentar a abstração. Isso é muito bom neste exercício. Estes três, eu diria que este aqui à direita é na verdade o mais bem sucedido. Isso realmente vai depender da sua preferência de estilo e do que você gravitará com a arte. Você pode discordar de mim aqui ou você pode concordar comigo aqui. Mas a razão pela qual escolho esta como a composição mais bem sucedida, é porque sou realmente atraída por arte mínima. Gosto de arte que tem espaço para respirar. Gosto de arte que é plana e simples. O que quero dizer com “flat” é que, essa linha que é grossa e preenchida, é quase como se estivesse empurrando contra o papel. Não há sentido de profundidade nisso. É realmente plano e colorido, não há tom médio, é apenas preto rico. Mas, ao mesmo tempo, algo que é plano, uma ilustração que é plano, também pode ser um convite para entrar na obra. Há um empurrão entre a planicidade e a profundidade. Podemos ver isso porque esta forma está empurrando para fora em nossa direção, e ao mesmo tempo eu quero mergulhar nesta fenda. Eu quero entrar nesta fenda em uma pedra. Parece algo que eu poderia entrar e explorar, e ainda assim também está me empurrando para fora, então é uma espécie de empurrão. Eu sinto que isso cria realmente uma grande tensão visual e intriga em uma obra de arte. Eu também adoro o espaço negativo que há, dá tanto espaço para respirar o olho, e isso me faz sentir muito calmo. Eu gosto de como há alguma simetria acontecendo, como isso termina bem no meio desse retângulo, e de repente é como se você pudesse dobrar esse retângulo ao meio. Não é simetria no sentido de uma imagem espelhada, mas há uma sensação de equilíbrio porque está quase no meio da estrutura. Se você gosta disso, dá um bom equilíbrio também. Eu também gosto de pensar sobre como você pode transformar esse retângulo específico em diferentes direções, vendo como isso pode parecer, e experimentar como isso pode dar um efeito visual diferente também. Quando você olha para suas composições, seus três retângulos, pense sobre qual você escolheria como o mais bem sucedido e por quê. Eu não faria isso necessariamente em uma impressão de arte ou qualquer coisa, mas apenas me perguntando por que eu sinto que é o mais bem sucedido pode guiar meu futuro trabalho de arte, e minha tomada de decisão futura em composições. O que eu respondi foi, o espaço negativo, a simplicidade, o senso de equilíbrio, a planicidade. Todas essas características são coisas que posso incorporar em uma ilustração futura, ou uma impressão futura ou um padrão futuro. Esta é uma pergunta muito boa para fazer porque pode orientar criação futura e momentos criativos para que possamos continuar melhorando nossas composições e realmente aproveitar continuar melhorando nossas composições e realmente aproveitar o estilo que realmente gravitamos e queremos compartilhar com o mundo. Na próxima lição, vamos aprofundar como criar uma composição digitalmente usando o Adobe Illustrator. 15. Print de arte digital: Para esta parte da classe, vamos construir composições digitalmente. O benefício de criar composições em um software digital como o Adobe Illustrator, é que você pode experimentar vários layouts diferentes para ver o que funciona e o que não sem se comprometer com o papel muito cedo, como podemos fazer ao experimentar um pin. Abordagens analógicas e digitais para ilustração têm seus prós e contras. Mas a abordagem digital pode ser incrivelmente útil para experimentar e aprender mais sobre como construir composições atraentes. Para começar, vamos praticar a construção de uma composição com uma estampa de arte tradicional. Vamos preparar o espaço dos nossos documentos. Eu normalmente gosto de usar um tamanho de 8 por 10 polegadas ou um tamanho de 11 por 14 polegadas porque esses são tamanhos de quadro típicos se eu for vender uma impressão para ser emoldurado no futuro. Para este exemplo, vou configurar o documento como um 8 por 10. Vou manter o modo de cor como RGB, já que estamos trabalhando na tela e estes serão apresentados digitalmente na seção de projetos de classe. Se eu fosse imprimir esta capa do livro de receitas em casa, eu gostaria que o documento estivesse em CMYK, mas por enquanto, o RGB funciona. Em outra nota, se você trabalha com uma empresa de impressão sob demanda que eu faço atualmente para a maioria das minhas impressões, às vezes seu requisito para arquivos é RGB. Se eu vendesse essa impressão através da empresa com a qual trabalho, eu ainda gostaria de usar o modo de cor RGB. Para obter mais informações sobre como começar a vender sua arte online com impressão sob demanda. Você pode visitar minha aula, largar o inventário. Como usar a impressão sob demanda para vender sua arte e lançar sua carreira criativa. Agora, vou certificar-me de que este documento está a 300 DPI e vou clicar em “Ok”. Em vez de construir uma composição abstrata usando a variedade de formas que fizemos anteriormente, vamos usar alguns desenhos baseados em assuntos reais. Como o nosso projeto final da aula é uma capa ilustrada do livro de receitas, estou usando diferentes ilustrações de alimentos neste exemplo. Você é bem-vindo para criar suas próprias ilustrações ou você pode baixar o arquivo desses desenhos que eu incluí na seção de projetos e recursos. Você pode baixar esses exemplos e abri-los no Adobe Illustrator para acompanhar. Estas ilustrações são apenas para fins deste exercício, e não podem ser usadas fora desta classe. Depois de fazer o download do documento de imagem fornecido ou digitalizado em seus próprios desenhos, você pode colocar o arquivo no Illustrator acessando Arquivo Local e localizando o arquivo. Ou você pode usar o atalho Shift Command P. Eu copiei essas ilustrações de outro documento do Illustrator no qual estou trabalhando para um projeto pessoal. Eles já estão rastreados no Adobe Illustrator, mas se você estiver digitalizando seus desenhos originais ou estiver copiando e os desenhos JPEG fornecidos, será necessário fazer um rastreamento de imagem para trabalhar com no espaço do Illustrator. Se você está interessado em aprender a fazer isso, você pode ir para a minha pequena aula chamada Desenho Digital: Como transformar seu esboço em um vetor. ' Mas estes já estão vetorizados, então podemos começar a usá-los imediatamente. Semelhante a quando estávamos trabalhando no papel, você poderia vir aqui para a barra de formas e selecionar uma ferramenta de segmento de linha e você poderia começar a colocar em linhas para a regra de terços que discutimos se você quiser uma grade para trabalhar com. Em vez de mergulhar nisso, vou começar a jogar com colocações por conta própria sem essas linhas e você pode me ver trabalhar. Com esse passo bem ali, quando eu alongado o fluxo de petróleo que realmente ajudou eu pensar, para começar a dar o espaço mais de um limite. Falamos sobre o limite deste quadro de arte tradicional aqui é o retângulo. Mas mesmo dentro do espaço, você pode criar um limite com alguns de seus elementos ilustrados. Agora temos este fluxo acontecendo e embora estes não estejam mesmo no fundo, o olho viaja deste recipiente de azeite em torno do fluxo de óleo de volta aqui em baixo. Podemos começar a pensar sobre o que poderia ser colocado dentro deste espaço. Vou brincar com copiar esse elemento e encolhê-lo, colocando-o fora desse limite. Mas isso fica um pouco desajeitado quando é menor. Vamos fazer um pouco mais pequeno e colocá-lo bem ali. Mas, você pode ver como isso é realmente uma questão de experimentar e encontrar o que funciona e o que clica e o que não funciona e isso é um monte de tentativa e erro e reorganizar e descobrir quais elementos podem se encaixar e quais elementos você precisa deixar de fora. Porque às vezes pode ficar muito ocupado. Outro truque que eu realmente gosto de fazer, eu vou mover todos esses elementos aqui para a esquerda. Aqui está seu ícone de quadros de arte, você pode clicar nisso e, em seguida, você pode clicar neste novo quadro de arte e apenas criar mais alguns. Você pode criar quantos quiser. Eu vou criar mais dois e, em seguida, eu estou realmente indo para selecionar todos estes mantenha pressionada opção e arraste o agrupamento para baixo. Eu tenho exatamente os mesmos elementos para trabalhar nesses outros dois espaços de quadros de arte. Dessa forma, você pode jogar com diferentes composições e testar ideias diferentes em vez de apenas se comprometer com o espaço único. Neste próximo, vou deixar de fora o azeite e vou brincar com estas folhas reunidas. Quando eu copiar estes novamente aqui porque eu gosto destes três, mas eu quero ver que outros arranjos podem funcionar. Este é bom porque é simples. Novamente, a cor adiciona um enorme componente à composição, mas agora estamos colando com preto e branco. Mas se eu quisesse adicionar um pouco mais de contraste aqui, eu poderia pensar em preencher certos espaços com preto. Agora o contorno é preto, mas se eu preencher, clicando, eu fui para o Preencher aqui e cliquei preto e então eu posso voltar para o traçado e clicar em “Sem traçado”. Agora é como a silhueta da folha e eu poderia fazer isso aqui. Isso é o mesmo aqui também e isso cria mais uma sensação de contraste. Vou desfazer isso porque gosto do desenho de linhas que está acontecendo. Vou deixar isso como está por agora, mas você poderia repetir quadros de arte uma e outra vez para tocar com diferentes composições. Na verdade, vou trazer este azeite copiado para este espaço. Novamente, eu realmente gosto da simplicidade de ser apenas a garrafa e o óleo. Mas se eu fosse brincar com mais elementos de comida em cascata, isso poderia ser divertido também. Mas isso parece muito ocupado. Você pode ver novamente, isso é realmente tentativa e erro. Mas o que eu realmente sou atraído é, na verdade, como eu disse, a simplicidade aqui e eu estou pensando sobre a capa do livro de receitas e potencialmente colocar o texto dentro deste espaço. Eu sei que eu inicialmente disse que ia incorporar certos elementos e esses podem ou não fazê-lo na capa final. Mas você pode ver aqui esta é uma abordagem diferente para construir uma impressão de arte digitalmente e você pode realmente experimentar com o que funciona e o que não funciona. Aqui, eu não gosto disso porque eu sinto que este canto está faltando alguma coisa. Sinto que não tem nenhum interesse. Isto parece mais equilibrado. Então essa é uma composição melhor na minha mente. Isso tem um monte de espaço negativo vazio agradável no meio e tem movimento ao redor das bordas. Eu gosto disso. Você pode realmente jogar e descobrir qual arranjo de elementos funciona para você e, em seguida, enviá-los para o projeto de classe com seu processo, porque eu quero ver no que você está trabalhando. Para fazer isso, basta ir para Arquivo, Exportar, e você pode ir para Exportar como, e então você pode exportar como abaixo selecionar um JPEG. Você pode selecionar a impressão artística, a composição como o título e, em seguida, selecionar para usar quadros de arte e você pode colocar no quadro de arte que deseja exportar. Se for o número 1 ou o número 2. Você apenas indicaria esse número aqui, clique em exportar e, em seguida, ele seria salvo em seu local, e então você poderia carregar esse arquivo para a seção de projeto de classe para que possamos ver seu processo. Na próxima lição, vamos praticar fazer uma composição com o padrão digital. 16. Padrão digital: Semelhante à lição anterior quando fizemos um padrão de repetição no papel, também podemos criar padrões de repetição digitalmente no Adobe Illustrator. Illustrator é uma ferramenta poderosa para criar padrões com suas ilustrações. Estes padrões podem ser usados em produtos, tecido, papel de parede, embrulho, cartões, a lista continua. Vou orientá-los através de como construir e fazer uma composição de padrão muito simples nesta lição, mas fazer padrões é um tópico com informações extensas, então para aprofundar o tópico, sugiro vivamente visitar A página de compartilhamento de habilidades da Bonnie Christine. Para começar este exercício, abra um novo documento no Illustrator. Vou configurar este documento como um quadrado desta vez, ainda RGB e ainda 300 dpi. Agora, vou usar os mesmos elementos que usamos na última lição. Acabei de copiá-los de nosso outro documento selecionando todos eles, pressionando o comando C no Mac para copiar e pressionando o comando P aqui no documento padrão para colar. Como já rastreei essas ilustrações no outro documento, elas estão prontas. Agora, é hora de brincar com a composição. Novamente, já que estamos trabalhando digitalmente, podemos fazer um experimento sem muito compromisso com qualquer olhar imediatamente. Vou fazer cópias desses elementos ilustrados para ter no lado direito do meu quadro de arte. Eu também vou duplicar meu quadro de arte algumas vezes que possamos experimentar diferentes arranjos para comparar, então eu vou pegar esta folha verde mostarda aqui. Vou voltar para o meu quadro de arte inicial, e vou expandi-lo para torná-lo um pouco maior. Assim, e então eu vou manter pressionada a tecla de opção no teclado Mac, e enquanto eu estou mantendo pressionada a opção, eu posso arrastar essa imagem sobre, soltar ambas as teclas de opção e o mouse, e então eu vou soltar uma duplicata direita lá, e então eu posso simplesmente clicar em comandos D no teclado Mac para fazer exatamente a mesma ação novamente, então eu vou fazer isso. Agora tenho estas três folhas. Agora, eu vou selecionar todos eles com o mouse, mantendo pressionada a opção, eu vou colocá-los assim, então eu estou arrastando para baixo a opção liberando agora a tecla opção e o mouse, e eu vou duplicar isso novamente. Então temos estas três fileiras de mostarda. Agora, eu vou selecionar tudo porque ele está ficando um pouco perto desta borda esquerda, e eu vou apenas vasculhá-lo. Agora, para fazer um padrão há uma maneira realmente maravilhosa de fazer isso que é realmente em profundidade e eu vou novamente direcioná-lo para Bonnie Christine página de compartilhamento de habilidades para esse processo. Mas há outra maneira de fazer isso nas versões mais recentes do Illustrator, onde você pode acessar Object, Pattern, Make. Mas primeiro queremos selecionar isso, então Object, Pattern, Make. Agora, aqui você pode ver a largura e a altura que você pode olhar para a grade. Isso foi adicionado ao painel de amostras, e agora você pode ver como ele está se repetindo uma e outra vez. Essa é uma maneira básica de criar um padrão de repetição. Você pode ver como estes são em casas decimais, então você pode jogar com trazê-los para números inteiros nove por nove, e isso é apenas espaçado um pouco. Agora temos esse padrão repetido acontecendo, e então, se você estiver satisfeito com ele, você pode clicar em “Concluído” e agora ele está aqui no seu painel de amostras. Para testar esse padrão, eu posso clicar em “M” no meu teclado ou você pode vir até o retângulo para fazer um retângulo, e eu vou arrastar isso para fora, e então eu vou selecionar o padrão que acabamos de fazer. Lá você tem um padrão de repetição muito simples. Você pode começar a jogar com diferentes elementos tornando-se uma repetição, ainda pensando nos elementos da composição. Neste exemplo aqui, temos um ritmo muito exato. Temos o mesmo elemento repetindo uma e outra vez. Isso é um pouco interessante, mas podemos brincar com o espaçamento, e podemos brincar com a adição de mais valor em contraste. Em outra caixa aqui, podemos jogar com a adição de outro elemento completamente para adicionar mais interesse e intriga. Por exemplo, eu poderia arrastar isso para cima, e então eu vou arrastar uma folha para aqui, e você está realmente me observando enquanto eu trabalho exatamente como fizemos na última lição porque eu realmente quero martelar para casa que a composição é realmente sobre experimentar. Nem sempre vai cair no lugar imediatamente. Alguns trabalhos são mais fáceis do que outros e outros realmente vêm muito intuitivamente, muito rapidamente. Outros, é muita frustração honestamente e realmente retornando a uma peça uma e outra vez, então como vimos no espaço de impressão de arte digital, você realmente me viu no trabalho tentando descobrir como esses elementos funcionam juntos se eles trabalham juntos às vezes você percebe que talvez algo funcione melhor por conta própria, como garrafa de azeite do que com outro elemento. Eu só quero ser transparente sobre isso e mostrar que o processo nem sempre é perfeito e que realmente é sobre descobrir seu estilo e praticar. Eu vou continuar jogando aqui e em vez de estas folhas indo na mesma direção, eu vou virar este desta maneira, e eu vou torná-lo um pouco maior do que essas outras duas folhas. Agora, eu ainda vou ficar apenas com as folhas como o assunto para isso, mas eu vou mover e copiar alguns desses novamente, com essa tecla de opção Eu vou apenas copiar alguns deles ao redor e colocá-los em direções diferentes. Novamente, este espaço digital é ótimo para experimentar o que funciona, o que não funciona. Eu não quero isso ao lado de si mesmo novamente, mas o que eu vou fazer é que eu vou realmente apagar isso, eu vou copiar este aqui e espelhá-lo aqui. Agora estamos jogando com um equilíbrio simétrico dos elementos. Lembre-se, o equilíbrio é uma coisa com a composição, um componente muito importante da composição, e estamos olhando para isso agora. Não será exatamente espelhado, mas será uma referência a uma imagem espelhada. Agora, eu vou selecionar tudo isso e realmente girar tudo e expandir tudo um pouco. Isso é mais como um padrão jogado, é mais disperso, então um padrão disperso que não é exatamente a mesma coisa em linhas repetindo é chamado geralmente um padrão jogado. Mas aqui eu posso ver que há um pouco para baixo um pouco mais, e eu quero que isso realmente seja refletido, então eu vou para Transformar, Refletir. Você pode ver na visualização, looks é selecionado como preview verticalmente que ele apenas refletiu da maneira que eu queria, e agora eu vou girar isso um pouco. Nós vamos derrubar estes alguns selecionando ambos segurando a tecla Shift, mas você sabe o que? Vou apagar isto e vou apagar isto. Porque este é o processo, eu vou manter a opção pressionada e mudar desta vez para que ele fique na linha, e então eu vou refletir isso verticalmente. Eu vou esboçar um pouco da folha, e eu vou fazer a mesma coisa aqui, então opção, arrastar, mudar, então ele está bloqueado na mesma linha que o outro verde, e então eu vou refleti-lo outra vez. Você vai empurrá-lo um pouco, e então vai para opção, arrastar, deslocar, refletir. Legal. Mas agora eu vou selecionar tudo e realmente girá-lo para o outro lado novamente. Novamente, você pode ver esse processo, processo, processo. Isso tem muito mais espaço negativo do que o último, mas vamos ver o que acontece quando transformamos isso em um padrão. Padrão, Make. Foi salvo. Aqui você pode ver que isso é um pouco mais interessante talvez do que o outro padrão, mas novamente, eu vou vir aqui e mudar isso para nove por oito e ver o que isso faz, modo que encolheu um pouco. Você pode alterar o número de cópias que você vê, para que você possa ver ainda mais cópias descendo aqui. Você pode escurecer as cópias para que você possa ver os desenhos principais ainda, ou você pode deixar isso como opacidade total. Então você pode jogar com os diferentes tipos de padrões, então tijolo por linha, tijolo por coluna, e todos eles novamente, eles mudaram a composição e o layout do seu padrão. Alguns deles começam a se sobrepor e ficam um pouco descolados, mas se voltarmos à grade, essa é a grade clássica. Na verdade, estou gostando do tijolo por coluna. Eu acho que isso é realmente interessante, há algumas lacunas agradáveis de espaço negativo, então há espaço para o olho respirar, mas ainda temos algum equilíbrio e simetria acontecendo, poderia ser como um papel de parede muito divertido, Então você começa a idéia. Você pode realmente experimentar, eu vou clicar em “Concluído”. Você pode realmente experimentar diferentes tipos de padrões em seus quadrados. Eu vou pressionar “M” no teclado para criar outro retângulo, e então ele é salvo aqui no painel de amostras, então eu vou selecionar isso e lá está o seu padrão. Se você quiser ver seu padrão maior, você pode ir para Object, Transforms, Scale, em seguida, não transformar os objetos em si, apenas o padrão, e então você pode inserir um número ou você pode rolar o mouse para torná-lo maior, então veja este é realmente um padrão divertido, eu acho que porque há alguma simetria no espelhamento e equilíbrio, e ele tem esta forma de diamante entre o fundo desta folha e o fundo desta folha ou você pode redimensionar de outra maneira para ver que é uau, muito pequeno ou muito grande. Meu mouse está querendo continuar, então eu estou indo para inserir manualmente no teclado 50 porcento, e então você pode clicar em “Visualizar”. Isso mostra que é bem pequeno. Vou clicar em “Cancelar” porque não quero salvar isso, e esse é o exemplo aqui. Quero que você experimente os elementos que você desenhou ou os elementos que eu lhe forneci, criando padrões diferentes e vendo o que lhe agrada em termos de composição, e então você pode carregá-los como parte do seu e parte do seu projeto, na seção do projeto de classe, e eu mal posso esperar para ver o que você cria. Certo amigo, eu acho que você tem uma boa quantidade de treinamento de composição sob seu cinto, não é? Na próxima lição, vamos começar a reunir inspiração para o nosso projeto final da aula. 17. Reunindo inspiração: Normalmente, eu incluo uma seção de inspiração de coleta no início da aula. No entanto, quando se trata de composição, eu realmente sinto que é importante deixar sua intuição guiá-lo primeiro. É por isso que eu esperei até agora para você começar a construir uma coleção de exemplos que podem servir de inspiração. Para começar a coletar imagens inspiradoras, sugiro criar um quadro do Pinterest. Este pode ser um conselho público ou privado. Pinterest é um recurso realmente incrível para reunir uma variedade de imagens para alimentar sua prática criativa. A inspiração é um ótimo lugar para começar quando você está tentando algo novo ou se sente preso, mas você nunca quer tirar diretamente de outro artista. Quando estiver inspirado por uma obra de arte ou por uma fotografia, anote os elementos que o alimentam em vez de copiar diretamente o que vê. Dylan Mierzwinski tem uma ótima visão geral de como fazer isso em sua classe, Niveling Up Your Art Game, que eu liguei no documento de recursos anexado na seção de projetos e recursos. Para começar a reunir inspiração, faça a sua prancha. Liguei para as minhas composições convincentes. Comecei com uma busca por capa ilustrada do livro de receitas, bem como outra busca por ilustração de alimentos. Aqui está a coleção que comecei a reunir que me inspira. Quando eu reunir esses exemplos em um espaço, eu posso começar a ver as conexões de estilos que eu sou atraído. Reúna sua inspiração e observe quaisquer elementos de composição que realmente se destacam para você, incluindo equilíbrio, movimento, ritmo, foco, contraste. Observe quaisquer threads contínuos que conectam suas imagens coletadas para descobrir as composições que você acha convincentes. Quando procuro temas e tópicos comuns neste quadro que criei de composições, noto algumas coisas. Uma das coisas que noto é que, em muitos desses, há um ponto focal principal. Aqui temos a manga, parece algum tipo de suco. Aqui temos o pote de massa, aqui temos o prato de peixe, então há muitos pontos focais acontecendo e eles são criados frequentemente nesses exemplos pelo espaço negativo que os rodeia. Aqui em baixo, há mais alguns. Há uma massa que é o ponto focal e transformada em letras, o que é muito divertido. O ponto focal aqui é o título real e isso é enfatizado por esta borda de imagens. Então aqui, temos o ponto focal de uma frigideira que é criada e enfatizada pelo espaço negativo em torno dela. Estou percebendo isso. Espaço negativo também é um componente que está aparecendo em muitos desses. Outra coisa que eu noto é que, eu sou realmente atraído para as imagens planas, coisas que não têm muita profundidade, ou sombra, ou sombreamento, mas sim apenas uma cor sólida. Na extremidade oposta do espectro um pouco a partir do único ponto focal principal, noto que também gosto da sensação de padrão repetido, como esta imagem, esta imagem, esta imagem, esta imagem e esta imagem. Tem uma sensação de movimento e está enchendo o espaço completamente, e está mantendo meu olho realmente intrigado e curioso sobre quais são esses ingredientes. Reparei que também gosto disso. Estou curioso para saber quais são os seus fios. O que você encontra em suas imagens coletadas que você parece ser atraído quando se trata de composição, e como você pode incorporar isso em seu projeto final? Estou pensando, olhando para estes que eu realmente vou me concentrar na simplicidade, espaço negativo, e provavelmente retornando para aquela garrafa de azeite que estávamos olhando mais cedo. Sente-se inspirado? Incrível. Na próxima lição, é hora de mergulhar em seu projeto de classe. 18. Projeto do curso: papel: Para começar, pegue uma caneta e papel. Eu ainda recomendo usar apenas o desenho de linha em preto e branco para realmente se concentrar na composição. Concentre-se em como os elementos do seu trabalho podem se encaixar para criar essa unidade. Para começar o processo de elaboração da capa do seu livro de receitas, pense nos elementos que deseja incluir na sua composição ilustrada. Por exemplo, eu sei que eu quero incluir pelo menos um tomate, uma espátula e uma folha verde de mostarda. Eu tenho esses elementos rapidamente esboçado como meus desenhos em uma folha de papel em branco e você pode vê-los coloridos aqui de um projeto diferente. Decida sobre um punhado de elementos alimentares e ingredientes que você pode gostar de incluir e desenhá-los em seu papel. Não se preocupe com eles serem finalizados. Basta anotá-los como uma referência para este próximo exercício. Outro elemento que entra em jogo com este projeto específico que ainda não discutimos é o texto. O texto na minha capa será a cozinha criativa e ilustrada por Liz Brandley. Também os escrevi neste papel. Anote o título do seu livro de receitas e seu nome perto de sua biblioteca de imagens em sua folha de papel. Comece a pensar sobre como o estilo do seu letreiro pode contribuir para esse sentimento geral na composição. Por exemplo, fontes manuscritas podem parecer lúdicas, jovens e criativas. Fontes cursivas podem parecer clássicas e elegantes. Fontes de bloco podem parecer confiantes e negrito. Na mesma folha de papel que suas ilustrações alimentares, ou você pode usar outra folha em branco, comece a brincar com escrever o texto que você vai usar em diferentes estilos. Pense no título. Pense no seu nome. Tome nota se você gosta de um estilo particular de fontes e apenas anote algumas opções de escrevê-lo para referência. Agora, em outra folha de papel, desenhe 10 retângulos de tamanho pequeno a médio. Eles servem como as exibições em miniatura da capa do seu livro de receitas para criar rapidamente diferentes arranjos de seus elementos sem muito anexo ou julgamento. Isso realmente ajuda você a começar o processo criativo em um nível de baixo risco, vez de mergulhar diretamente na arte final da capa. Este aquecimento, semelhante aos recortes que fizemos no início desta aula, é realmente útil para ver muitas opções diferentes antes de se comprometer com uma ideia. Comece a preencher cada retângulo um por um, com diferentes arranjos de seus elementos, incluindo diferentes estilos de seu texto. Pense nos elementos da composição que podem entrar em jogo aqui. Movimento, repetição, escala, valor. Comece a experimentar diferentes combinações em cada retângulo. Você pode repetir esse processo para quantas capas de miniaturas quiser. Mas 10 é um bom ponto de partida para continuar empurrando para novas soluções que podem não parecer óbvias à primeira vista. Você pode fazer tudo sem levar muito tempo. Não os trate como preciosos demais. Apenas esboçando rapidamente tentando colocar as idéias no papel. Não é de modo algum a final. Isto é apenas para ver como os layouts poderiam ser. Nem mesmo espaço para a mensagem. Vamos tentar isso com uma caneta mais fina. Continue indo e preencha todos os muitos e, em seguida, você ainda pode jogar com elementos como contraste sobre isso, apenas para ter uma idéia de como isso pode parecer. Olhando para trás, eu provavelmente preencheria o corpo principal do tomate. Depois de esboçar pelo menos 10 esboços em miniatura, decida qual deles você gostaria de seguir em frente para a capa final do livro de receitas. Vou seguir em frente com este esboço. Claro, como vimos em toda a classe, este esboço inicial é um ponto de partida. Ele provavelmente mudará à medida que você criar seu trabalho final, mas é o mapa para ajudá-lo. Agora, pegue uma nova folha de papel branco em branco. Se você estiver usando aquela almofada de mídia mista Cansom XL 9 por 12 polegadas, corte uma das folhas de papel para um tamanho de oito por 10 polegadas usando um aparador de papel, uma faca X-Acto ou tesoura. Agora, comece a replicar o esboço em miniatura preferido no papel ampliado. Observe o que você pode preencher, o que você está deixando vazio, como você está guiando o olhar do espectador pela capa ou chamando a atenção para elementos-chave, chamando a atenção para o título , criando harmonia em todo o layout. Depois de criar a composição final da capa do livro de receitas, carregue-a para a seção do projeto da classe. Na próxima lição, criaremos digitalmente uma composição de capa de livro de receitas usando o Adobe Illustrator. 19. Projeto do curso: digital: Para iniciar essa parte da classe, você abrirá um novo documento no Illustrator. Vou selecionar este 8 por 10 polegadas. Eu vou mantê-lo no espaço de cores RGB porque nós vamos estar visualizando estes on-line na seção de projeto de classe. Mais uma vez, se eu fosse imprimir isso em casa eu iria querer isso no espaço de cores CMYK, mas RGB é bom para este projeto específico. Então eu vou me certificar que ainda está na resolução 300. Então eu vou clicar em “Criar”. Agora, temos este novo documento. Vou voltar ao meu documento padrão e pegar os mesmos elementos que já foram rastreados. Vou copiá-los. “Comando C”, e colá-los à direita do meu tabuleiro aqui. Eu vou mover esses elementos para baixo abaixo da minha prancheta por um momento, que eu possa criar outra prancheta apenas no caso de eu querer experimentar com mais layouts e composição antes de se comprometer com uma idéia como fizemos no lições. Mas por causa do trabalho que já fizemos juntos e do que vocês me viram trabalhar hoje, tenho a sensação da direção que quero seguir. Vou puxar esta garrafa de azeite aqui e vou expandi-la. Estou mantendo pressionada a tecla Shift para que ela mantenha suas proporções. Então eu vou colocá-lo, você pode alinhar a sua prancheta. Tenho a minha imagem seleccionada. Se eu for até a Ferramenta Alinhar e verificar se ela está selecionada como Alinhar à prancheta, então posso alinhá-la ao centro dessa maneira. Você também pode alinhá-lo desta maneira, mas eu não quero que ele tão perto do topo, então eu vou desfazer isso e deixar isso aqui. Por causa do espaço, eu realmente não vou alinhá-lo no centro dessa maneira também. Eu realmente digo que você pode praticar o alinhamento e ver como é para você, mas confie no seu olho. Isso parecia um pouco longe demais para a esquerda, especialmente pensando nisso como uma capa de livro de receitas e pensando nessa coluna vertebral. Mas, como discutimos anteriormente, talvez você queira alguns de seus elementos enrolados na parte de trás. Então, considere isso também. Eu só vou selecionar esta garrafa de azeite e arrastá-la um pouco para baixo. Então vou dar zoom aqui e ver se consigo arrastar esta parte inferior do óleo até aqui. Estou usando a Ferramenta de Seleção Direta, vou clicar duas vezes nos pontos de ancoragem e começar a jogar arrastando isso um pouco para fora. Isso pode parecer um pouco geométrico, e então eu poderia entrar com o pincel. Sim, eu não gosto disso. Na verdade, vou apagar isso, e deixar como está por enquanto. Eu realmente vou mover esta garrafa para cima um pouco, e eu vou mover esta coisa toda para baixo. Agora, eu sei que para mim o texto está ansioso para estar aqui, então eu vou até o botão Texto. Então eu estou tentando pensar o preenchimento que eu quero com o texto. Tenho o Type Tool, e você pode entrar aqui e olhar. Eu sempre me certifico de que se eu for vender este produto no final do dia, que qualquer texto que eu estou usando é gratuito para um uso comercial ou que eu comprei uma licença para ele. Mas, neste caso, é apenas um exemplo, por isso estou à procura de um sentimento que quero. Eu quero isso como a cozinha criativa. Então eu quero que seja brincalhão e divertido, algo que é convidativo, algo que não é muito formal, mas também não é montada. Eu não sei, eu gosto disso. Vamos ver como isso parece maior. Vou datilografar o meu título. Eu ia centralizá-lo, mas isso pode ser divertido contra a garrafa de azeite. No começo eu estava imaginando um aqui em cima, o que é bom porque isso cria um círculo com seu olho, com a composição em torno do texto. Mas eu também gosto daqui porque ele está se alinhando contra esta garrafa e também está criando uma linha para a piscina de petróleo. Embora o espaço pareça um pouco vazio, então não tenho certeza disso. O que eu vou fazer é selecionar todas essas opções e, em seguida, arrastá-lo para criar uma cópia. Dessa forma eu posso arrastar este texto aqui para o centro. Agora com ele aqui, eu quero alinhá-lo ao meio de si mesmo, em vez do alinhamento esquerdo. Há isso. Então ele pode ser maior neste espaço, mas eu o, O pode ser menor porque isso não precisa de tanta atenção. Pode ser um pouco pequeno demais, mas vamos brincar com ele. Aí está essa ideia. Vamos movê-lo para cima e para cima. Isso é divertido para mim. Eu realmente gosto dos dois. Mais uma vez, pensando no meu quadro de inspiração do Pinterest, eu gosto que haja espaço negativo. Gosto que seja apenas uma imagem, mas ainda estou curioso. O que aconteceria se eu continuasse esse círculo que está acontecendo ao redor do texto com mais alguns elementos alimentares? Na verdade, estou neste, vou clicar duas vezes nisto para isolá-lo e vou apenas mover a garrafa para cima um pouco. Então isso parece um pouco alto demais, eu não gosto deste espaço. Então isso parece um pouco perto demais. Há isso. Vamos ver. Estou gostando do verde mostarda, mas eu gosto do babado que eu acidentalmente deixei aqui no espaço padrão. Vou pegar os dois e copiá-los aqui. Vou arrastá-los para cima. Tudo bem, mas parece fora de lugar e distraindo para mim. Eu vou realmente puxar estes para fora por um minuto. Preciso do meu nome lá. Lembra-te, dissemos por quem é. Vou adicionar isso e ver se isso ajuda. O que seria melhor aqui é encolher isso e colocá-lo apenas em alinhamento com o título, para que todo o texto fique em um só lugar. Novamente, dependendo de quais imagens você está trabalhando, como você está trabalhando seu estilo, pode ser muito, muito diferente e você pode tomar ações diferentes do que eu. Mas, novamente, essa é a beleza da composição. Pode ser muito intuitivo. O é 45 e este é 37. Eles são um pouco próximos do tamanho do texto, então eu vou encolher isso assim. Vou trazer isto para baixo um pouco, mas ainda estou curioso sobre este. Estou revisitando isso visualmente e vendo se há uma maneira de fazer isso funcionar. Isso pode ser divertido, na verdade. Isso elimina aquele espaço estranho que não se encheu como fluido. Eu sei que o óleo agora não está saindo do topo disso, mas eu gosto de como é uma fita enrolando. Eu quase quero isolar a garrafa e movê-la um pouco mais. Sério, estou gostando disso. Isso está funcionando para mim, e eu vou deletar esse pequeno ponto de ancoragem aqui embaixo. Isso é interessante e divertido, então eu vou brincar com isso agora mesmo. Vou copiar o meu nome aqui para este documento e mantê-lo lá embaixo. Então eu vou mover todo esse texto para cima porque isso fez com que fosse um pouco mais longo. Agora, é uma cozinha criativa, então enquanto eu estou brincando com isso eu estou começando a pensar em criativo, e pincel, ou um lápis, e apenas esta espátula que eu tenho aqui em baixo também. Então eu vou realmente copiar tudo isso de novo. Na verdade, vou apagar isto daqui e depois colocar isto aqui. De repente, eu estou pensando sobre isso como tinta e não óleo, e então eu estou brincando com uma opção diferente aqui. Se isso caber aqui dentro, e isso caber aqui, e então isso pode dar voltas por lá, eu chego um pouco mais perto. Então estou pensando em um pincel bem aqui. Vou esboçar isto só um pouco, que haja mais espaço para respirar com o título. Vou esboçar isso só um pouco. Eu realmente gosto disso. Vou desenhar um pincel para trazer aqui. Acabei de desenhar um pincel no papel, e vou puxar isso para este espaço. Eu posso fazer isso inserindo “Arquivo Local” ou posso simplesmente selecionar “Shift Command P”, e encontrá-lo em meus Downloads. Aqui está. Vou colocá-lo aqui. É grande. Então eu vou rastreá-lo, para que seja uma imagem vetorizada. Preto e Branco, vou descer aqui para a pré-visualização Ignorar Branco. Vamos ver como isso funciona. Ok, isso parece muito bom. Não vou usar este, só este. Vou clicar em expandir e depois vou desagrupá-lo. Acabei de fazer Shift comando G no teclado, excluir isso, e agrupar esses elementos. Mude G e traga-os aqui. Vou encolhê-los. Você pode ver como o elemento de óleo se transformou em tinta e esta composição mudou completamente do ponto de partida. Esse é realmente todo o processo. Às vezes as coisas estão mais dispostas, mas realmente apenas começar pode te dar a idéia e levá-lo à solução que você nem sabia que estava procurando. Estou muito feliz com isso e agora vou me certificar de que ele se encaixa, o que deveria, neste espaço. Vou trazer todos estes elementos para fora deste quadro de arte, e trazê-los para dentro Seria uma bela capa quadrada. Eu poderia continuar brincando com isso. Eu poderia bater aqui só para ver se podemos fazer este retângulo funcionar um pouco mais. Isso é um espaço muito estranho e eu gostei disso um pouco mais. Mas eu gosto quando isso é meio que sobre a espátula. Acho que isso parece legal. Vou deixar isto como está por enquanto, e vou centralizar isto aqui. O que temos aqui a acontecer, em termos de elementos de composição, é que temos o ponto focal do texto e o nosso olhar está a ser conduzido neste círculo. Embora não haja um círculo completo, é um círculo implícito aqui em baixo, nosso olho se move da ponta do pincel por aqui, que circunda este texto principal. Você também pode jogar com contraste preenchendo certas áreas. Novamente, não estamos nos concentrando na cor, mas você pode preencher certas áreas com um preenchimento mais escuro. Eu vou vir aqui e transformar isso em um grupo de pintura ao vivo clicando no balde de tinta depois de ter selecionado essa seção. Então eu faço isso com este, e seleciono preto, e nós temos isso. Isso é meio divertido. Isso cria um bom contraste contra a parte de trás e esse tipo de espelhos e imita o contraste do texto aqui. Se brincarmos com isso aqui, não tenho certeza se vai ficar muito enlameado. Sinto que isso fica menos interessante. Talvez se preenchermos uma certa parte. Mas mesmo assim, eu acho que eu gosto disso como um desenho de linhas, assim. Você pode brincar com ele, brincar com o contraste de preto e branco, brincar com a colocação, como se eu pudesse até mover isso para cá. Mas eu gosto daqui em cima. vez, acho que esta seria uma cobertura quadrada melhor, porque temos este espaço vazio acontecendo aqui em cima. Mas o que poderíamos fazer para preencher isso, poderíamos expandi-lo para que a espátula e as tintas fossem maiores. Nenhum por um momento. Eu realmente vou mover estes aqui para usar a ferramenta de pincel blob. O que eu quero é que isso fique mais perto. Eu vou mover isso para lá e torná-lo mais alinhado com os fundos desses dois objetos logo de volta. Isso é um pouco perto do texto, eu quero um pouco mais de espaço para respirar. Mas realmente a única coisa que eu quero ver é que ele se encaixa, isso é meio divertido também, é que ele se encaixa no espaço. Na verdade, vou apagar isso porque não vamos usar isso. Vou levar isto para o quadro de arte aqui. Isso está sendo executado fora da página, e então, em vez disso, eu vou isolá-lo e mover isso para que seja um pouco menor. Mova isto para cá, assim. Então eu realmente vou selecioná-lo diretamente e clicar em Shift E para minha borracha e apagar essa linha. Então, dessa forma, eu posso apenas selecionar este componente superior e apagar isso. Agora temos todos esses. Vou mover este texto um pouco para cima. Gosto que seja um texto escrito à mão, se sente brincalhão, que se sente criativo. Então eu vou para o pincel de bolha. Vou começar a desenhar uma linha em torno desta forma que se encaixa um pouco melhor no espaço. Você pode ver que tem um pouco de textura nessa letra também, tão bom. Isso se encaixa melhor no espaço e eu acho que eu vou entrar aqui e limpar isso um pouco. Vou clicar em A para obter a ferramenta de seleção direta. Então assim eu posso clicar duas vezes nessas âncoras e puxá-las para que seja mais perfeito. Eu posso usar essa alça para ampliar isso, bater aqui, e o mesmo com aqui em cima. Eu fiquei um pouco louca. Então eu posso suavizar isso um pouco com a ferramenta suave para não seja uma curva tão dura. Então eu acho que eu quero fazer isso apontado, o fim deste apontado, apenas para que espelhe a ponta do pincel um pouco mais. Lá vamos nós. Eu gostei disso. Eu realmente gostei deste quadrado, mas porque estamos trabalhando dentro do espaço, novamente, o limite está me ajudando a tomar decisões sobre minha composição. Isto é o que eu vou dizer. Vou mover isto só um pouco e para baixo, só um pouco. Lá temos ele. Estou pronto para exportar isto. Eu vou mover tudo um pouco para baixo porque parece um pouco muito apertado até o topo. Este é um momento em que eu poderia agrupar clicando no comando G e, em seguida, ir para uma linha e ver como ele fica quando ele está alinhado com o quadro de arte. Mais uma vez, isso parece muito perto da esquerda para mim por causa deste espaçamento. Então eu vou selecionar tudo e apenas empurrá-lo para a direita, então ver o que acontece quando eu centralizá-lo no meio e eu gosto disso. Vou deixar isso aí. Então este é o quadro de arte 3 e uma maneira de dizer isso é quando você entra aqui, número 3, ele é selecionado, é o mais escuro, é uma borda mais escura que esta. Se eu fosse selecionar dois, isso iria destacar este, se eu fosse selecionar um, iria destacar o equilíbrio. Então sabemos que é o quadro de arte 3. Para exportar isso eu estou indo para um arquivo, exportação, exportação como, Eu vou dizer capa do livro de receitas. Vou guardá-lo como JPEG, usar quadros de arte e dissemos que era o número 3. Então, só três. Por enquanto eu vou apenas salvá-lo para o meu desktop, exportar isso, RGB alto. Eu estou indo para a arte otimizá-lo, e clique em ok. Isso é isso. Mal posso esperar para ver o que você cria e o que você inventa para a capa do seu livro de receitas. Carregue-o para a seção do projeto da classe e mal posso esperar para responder suas perguntas e ver seu progresso. 20. Agradecimentos e próximos passos: Você fez isso. Isso é motivo de celebração porque este foi um mergulho profundo na composição. Parabéns por terminar a aula. Foi uma alegria tê-lo aqui no estúdio Prints & Plants. Espero que você esteja indo embora com mais habilidades e uma base sólida para continuar criando essas composições atraentes. Quero lembrar-te que a tua arte, a tua visão e a tua voz são importantes. Continue criando. Continue adicionando beleza a este mundo. Se você quiser continuar saindo e falando todas as coisas de arte e comida, então siga-me no Instagram @prints_and_plants, e inscreva-se na minha newsletter criativa semanal em printsandplantspress.com. Se você quiser continuar aprendendo juntos, siga-me aqui no Skillshare. Mal posso esperar para te ver de novo em breve, e até a próxima vez. À criatividade e além.