Como desenhar: aprendendo linhas

1. Olá!: Oi, amigo, sou Liz, ilustradora e fazendeira do norte do Novo México. Bem-vindo ao Prints & Plants Studio. Nesta aula, vamos aprender como usar a linha para construir uma base sólida para a sua prática de desenho. Vamos implementar o que aprendemos criando um cartão de receita ilustrado inspirado em uma receita antiga da família ou seu favorito atual para limpar na cozinha. Começaremos nossa aula desmascarando esse mito irritante que dizemos a nós mesmos, “Eu não posso desenhar”, para que possamos mergulhar completamente em uma exploração divertida usando linhas para desenhar com confiança. Começaremos explorando os elementos básicos da linha antes experimentar nosso folheto divertido aquecimento para nos sentirmos confortáveis com nossos materiais. Vamos praticar vários exercícios de linha que exploram como este elemento simples e poderoso do design pode criar obras de arte que são um reflexo da maneira como você vê o mundo. Aplicaremos o que aprendemos fazendo nossos cartões de receitas ilustrados usando as habilidades que desenvolvemos ao longo desta aula. Então, você está pronto? Vamos desenhar. 2. Adeus!: Antes de mergulharmos no trabalho de linha, quero abordar algo que ouço o tempo todo como professor, e como uma frase que eu costumava dizer a mim mesmo também, “Eu não sei desenhar.” Eu disse a mim mesma essa mentira por anos porque eu pensei que para desenhar, tinha que olhar de uma certa maneira ou ser totalmente realista ou combinar com alguma obra-prima histórica. Desenho mantém alguma pressão porque tem uma história tão longa. O mais antigo desenho conhecido é uma caverna gravura datando de 73.000 anos atrás. À primeira vista, esta história pode parecer realmente intimidante e causar hesitação em colocar caneta no papel, mas a beleza desta longa história é que ela também está cheia de uma grande variedade de estilos de desenho. Realismo, abstração, detalhe, simplicidade, você nomeia, você provavelmente pode encontrá-lo. O que isso significa? Significa que há muito espaço para você e seu estilo de desenho também. Porque amigo, você pode desenhar eo mundo está ansiando seu estilo único. Aqui está uma ótima citação da Illustrator Lisa Congdon de seu livro Encontre sua voz artística : “O medo é muitas vezes um indicador de que estamos em algo brilhante ou novo, algum território inexplorado, algo que vai abalar nosso mundo ou os mundos de outras pessoas. Se reformularmos o medo como um indicador de risco, e um elemento essencial no processo de encontrar sua voz, é possível que possamos começar a vê-lo como um sinal positivo, e até mesmo nos empolgar com isso.” Temos esse julgamento e descrença na porta. É hora de criar. 3. Materiais: A beleza do desenho é que você pode começar com materiais muito mínimos, que você provavelmente já tem em sua casa, um lápis ou uma caneta, e uma folha de papel. Além disso, você pode praticar sua habilidade de praticamente qualquer lugar com apenas uma caneta e um livro de esboços. Criei uma lista de materiais e o documento de recursos anexado na seção de projetos e recursos desta classe. Sinta-se livre para referenciar isso para os nomes e links de marcas que eu gosto de reunir as ferramentas recomendadas. Há tantas opções para escolher quando se trata de materiais de arte, mas estes são os meus favoritos atuais e recomendações para esta classe. Número 1. Uma caneta preta ou um conjunto de canetas pretas de tamanhos variados. Eu recomendo o prismacolor premier marcador de ilustração conjunto de sete em preto. Eu atualmente prefiro esta marca e conjunto porque ele oferece uma linha preta nítida e fluida, e eu gosto de ter uma variedade de opções quando se trata do tamanho da caneta. Posso criar linhas delicadas incrivelmente pequenas com a ponta dupla de cinco tamanhos, ou usar a ponta do pincel para uma linha mais fluida. Eu também gosto de usar a ponta cinzelada para preencher formas maiores para contraste que vamos cobrir mais tarde nesta classe. Eu também gosto dessas canetas porque elas são resistentes à água, então seus desenhos estão mais protegidos dos elementos. Microns também são uma opção de caneta popular. No entanto, na minha experiência, descobri que eles tendem a secar mais rapidamente do que o conjunto prismacolor. Eu também tive mais de uma vez quando deixei cair o mícron e a ponta não estava mais funcional. Eu ainda deixei cair minhas canetas prismacolor de vez em quando, e não tive o mesmo problema. Qualquer caneta vai funcionar para esta aula, não deixe que isso te impeça, mas o conjunto prismacolor é minha recomendação agora. Número 2. Você vai precisar de algumas folhas de papel em branco para jogar e experimentar. Isso pode ser apenas papel de impressora branco básico, ou papel de jornal para a experimentação, ou se você gostaria de algo com um pouco mais de peso do que dente, eu recomendo um caderno de esboço de mídia mista Canson XL. Eu recomendo usar este caderno de esboços em pelo menos 10 polegadas por sete polegadas tamanho para seus cartões de receita quando você criar seu projeto de classe. Estes cartões de receitas serão cinco por sete polegadas, modo que 10 por sete lhe dará algum espaço extra. Você também pode usar algo mais grosso como estoque de cartão, se você quiser, mas eu acho Canson para ser o meu caderno de esboços favorito no momento. Número 3. Você precisará de uma régua para medir seu cartão de receita em um retângulo de cinco por sete polegadas. Número 4. Você precisará de um par de tesouras e faca exata, ou um cortador de papel para cortar seu cartão de receita. Depois de reunir seus materiais, vamos passar para falar sobre o projeto da turma. 4. Projeto do curso: Para o seu projeto de classe, você criará seu próprio cartão de receita ilustrado de cinco por sete polegadas usando uma receita antiga da família ou um go-to favorito como inspiração. Eu recomendaria usar uma receita. Você recomendaria porque provavelmente todos nós vamos querer experimentar os alimentos que você compartilha nos projetos da classe. Eu recomendo este tamanho de cinco por sete polegadas porque é grande o suficiente para escrever sua receita e também ser exibido como uma boa obra de arte em sua cozinha ou na cozinha de um amigo. Depois de selecionar sua receita, escolha um a três dos ingredientes listados para desenhar em um dos lados do cartão. Eu recomendo escolher ingredientes que são visualmente interessantes. Para mim, isso significaria que em uma receita de guisado, por exemplo, eu seria mais provável selecionar espinafre em vez de uma batata, porque espinafre tem um universo de linhas para explorar. Para mim, uma batata não é tão visualmente intrigante para desenhar. Mas esta é totalmente sua escolha criativa e projeto, e você pode achar que a batata é muito intrigante. Escolha o ingrediente ou ingredientes que mais lhe excitam. Depois de selecionar um, dois, três ingredientes, você criará um desenho de linha deles em um lado do cartão de receita usando as habilidades que praticamos hoje. outro lado do cartão de receita, você escreverá sua receita e, claro, assinará e datará sua criação. Você pode carregar seu cartão de receita final para a seção de projetos e recursos desta classe onde diz criar projeto. Quando você carregar seu cartão de receita final, eu também adoraria que você incluísse seu quadro de inspiração do Pinterest que você criará na lição de inspiração de coleta, um breve parágrafo sobre por que você escolheu sua receita e ingredientes selecionados, e digitalizações ou fotos de seus esboços de exercícios que vamos percorrer juntos. Abaixo do botão de projeto de classe, compartilhei um documento de recursos que inclui os materiais recomendados para esta classe e outras classes de compartilhamento de habilidades que eu faço referência ao longo das lições. Por fim, certifique-se de fazer suas perguntas e compartilhar suas descobertas ao longo do caminho na seção de discussão, eu amo ouvir de você. Tudo bem, vamos mergulhar nos elementos da linha na próxima lição. 5. Elementos de linha: Antes de colocar caneta no papel, vamos conversar sobre alguns dos elementos da linha. linha é a pedra angular do seu trabalho artístico. Assim como uma pedra angular é a primeira pedra usada para construir uma base, linha é frequentemente o primeiro elemento usado no papel, para orientar os outros elementos da sua obra de arte, como cor e composição. Quando falamos de linha, vamos usar palavras diferentes para descrever este elemento de design, incluindo direção, por exemplo, horizontal, vertical ou diagonal. Comprimento, por exemplo, longo, curto ou médio. Contour, também conhecido como o contorno da forma. O contorno pode ser muito exato ou pode ser desfocado entre objetos. Esse desfoque também pode ser referido como linha implícita, na qual a linha não está fisicamente presente, mas os olhos do espectador ainda conecta as informações ausentes. Linhas contínuas, linhas quebradas , peso, que também é conhecido como a espessura ou largura de uma linha. Linha definida, esta é uma linha que está fisicamente presente e conecta claramente dois pontos. Linha implícita, novamente, esta é uma linha que não está fisicamente presente, mas está apenas sugerindo, o olho do espectador faz a conexão, mesmo que a linha não está toda lá. Orgânico, também conhecido como linhas curvas e fluidas. Geométrico, também conhecido como linhas rígidas e angulares. Linhas paralelas e linhas perpendiculares. As linhas podem ficar sozinhas, cruzar ou se unir. Quando as linhas se unem, elas criam formas. Muitas vezes, pensa-se que, para que uma forma seja uma forma verdadeira, ela deve estar totalmente conectada. No entanto, como vimos com linha implícita, uma forma também pode ser implícita. Se olharmos para uma forma como esta praça, que está tudo ligado, chamaríamos isto de quadrado. Mas se olharmos para esta imagem, novamente, mas com linhas quebradas, nossa mente e olho ainda podem fazer as conexões entre essas linhas quebradas, para chamar essa forma de quadrado. Veremos muitos desses elementos de linha em ação ao longo desta classe. Preste atenção aos tipos de linha que você é atraído, quando você cria seu quadro de inspiração e quando você começa a criar seus próprios desenhos. Em nossa próxima lição, começaremos a reunir inspiração para nossas criações. 6. Reunindo inspiração: Então agora é a parte divertida. Reunindo inspiração. Antes de mergulharmos em nossos próprios desenhos de linha, sugiro criar um quadro do Pinterest. Este pode ser um quadro público ou privado, mas o Pinterest é uma ferramenta incrível em conjunto uma variedade de imagens para alimentar a sua prática criativa. Para começar a reunir sua inspiração, faça uma prancha. Liguei para a minha Linha Inspo. Comecei com uma busca por desenhos de linhas. Aqui está a coleção que reuni que me inspira. Quando eu reunir desenhos de linha em um espaço, eu posso começar a ver as conexões de estilos que eu sou atraído. Aqui, vejo que eu realmente amei simplicidade, minimalismo e linhas contínuas fluidas. Gosto de linhas que são confiantes e bem definidas. Eu também gosto de linhas que são mais finas, e bastante semelhantes em largura ao longo de toda a peça. Reúna sua inspiração linha e observe os elementos que discutimos, incluindo linha contínua, ininterrupta, peso da linha, linha definida ou implícita, bem como linha geométrica e curva. Observe qualquer thread contínuo que conecta suas imagens coletadas para descobrir o tipo de trabalho de linha que você gosta. Uma Nota sobre Direitos Autorais. A inspiração é um ótimo lugar para começar quando você está tentando algo novo ou se sente preso. No entanto, você nunca quer tirar diretamente de outro artista. Quando você é inspirado por uma obra de arte ou uma fotografia, anote os elementos que o alimentam, em vez de copiar diretamente o que você vê. Dylan Mierzwinski tem uma ótima visão geral de como fazer isso em sua classe, “Niveling Up Your Art Game”, que eu vinculei no documento de recursos anexado na seção de projetos e recursos. Na próxima seção, começaremos a desenhar. 7. Desenho é o observação: Antes de colocar caneta no papel, é tão importante conhecer realmente o seu assunto. Eu recomendo ir ao mercado de seu fazendeiro local ou mercearia para pegar seus ingredientes selecionados para usar em seus desenhos de linha. Eu recomendo trabalhar a partir do negócio real em vez de uma fotografia, porque você será capaz de testemunhar muitas mais nuances e detalhes interessantes com o assunto em mãos que podem ser perdidos em uma foto. Dito isto, se uma fotografia é tudo o que você tem para trabalhar e é definitivamente um ótimo ponto de partida e muito melhor do que não começar em tudo, não deixe esse ponto te atrasar. Apenas certifique-se de que a fotografia é aquela que você tirar, ou se você usar uma da Internet, certifique-se de que é apenas para uso pessoal, por exemplo, para praticar suas habilidades de desenho nesta aula. Assim que tiver o assunto à mão, é hora de pressionar, “Pausa”. Um dos elementos-chave do desenho é abrandar o suficiente para realmente ver o seu assunto. Quantas vezes tomamos tempo para abrandar no dia para apreciar o que está diante de nós? Nossos cérebros acham que conhecem objetos ao nosso redor. Por exemplo, se eu disser, “Árvore”, então é muito provável que uma imagem visual de uma árvore apareça em sua mente. Para mim, essa árvore é uma forma bastante áspera com algumas folhas detalhadas. Mas se eu for diretamente a uma árvore e examiná-la de perto, eu descubro centenas de detalhes que não vieram à mente após a lembrança imediata. Há texturas e linhas correndo através da casca, linhas indo muitas direções em cada folha, detalhes escondidos na grama embaixo da árvore. Para começar a desenhar, você deve abrandar o suficiente para realmente testemunhar o seu assunto. É quando você pode fazer novas descobertas e conexões. Em uma nota lateral, esse conceito também se aplica às pessoas em nossas vidas, amigos, parceiros, vizinhos, irmãos. Quando conhecemos alguém há muito tempo, podemos pensar que sabemos tudo sobre ele, mas quando abrandamos e nos mantemos abertos a novas descobertas, podemos encontrar ainda mais detalhes, peculiaridades e qualidades únicas para amar. Então pegue seu assunto, seu ingrediente, em sua mão, se você estiver indo para usar vários ingredientes em seu desenho final, basta começar com um agora mesmo. Sem desenhar ou escrever, basta fazer uma nota mental de suas linhas. Toque no assunto e sinta a textura dessas linhas. Observe os padrões que essas linhas criam. Observe as formas que aparecem devido às linhas que se unem. Observe como seu olho viaja pela superfície do objeto. O seu olho permanece em algum lugar em particular? Ou está em movimento contínuo? Que elementos fazem seu olho se mover dessa maneira? Considere os elementos de linha que discutimos anteriormente e quais elementos você vê agora em seu assunto. As linhas são orgânicas ou geométricas? Eles estão quebrados ou contínuos? Como é o peso da linha? É grosso, fino ou variado? Provavelmente há uma combinação de elementos acontecendo, então apenas tome nota mental do que você observa. Você também pode anotar essas anotações em um pedaço de papel. Ao observar seu sujeito, você honra e aprecia. Você está criando uma sensação de conexão e uma compreensão mais profunda do objeto antes de mergulhar em sua representação dele no papel. Quando aproveitarmos este tempo, antes de mergulharmos, podemos criar arte com mais intenção, atenção e respeito. Na próxima lição, é hora de colocar caneta no papel. 8. Aquecimento 1: contorno cega: Vamos colocar caneta no papel. A razão pela qual eu recomendo usar caneta para estes exercícios de linha é porque ele elimina a chance de considerar erros muito cedo e apagá-los em vez de aprender com eles. Eu vi esse ritmo uma e outra vez nas aulas que ensino. Quando uma borracha está disponível, os alunos geralmente começam a apagar seu trabalho antes de estarem com o desenho tempo suficiente para saber se o erro percebido é realmente algo a eliminar. Quando usamos caneta com esses exercícios, temos a chance de aprender com o que chamamos erros ou incorporá-los em nossa arte. Abrace erros. Acredito que os erros são oportunidades de crescer, de aprender, de melhorar, de modo a abraçá-los. Há também uma certa beleza que vem quando você usa uma caneta porque requer que você tenha confiança nas linhas que você coloca no papel. É mais difícil ser tímido com tinta do que com lápis. Você deve confiar em suas decisões, entregá-las ao jornal, e aprender com elas enquanto vai. Mas ainda assim, sem pressão. Isto é tudo sobre aprender. Abrace as imperfeições e descubra como elas podem realçar a beleza da sua arte e embelezar o seu estilo específico. Parte da magia das artes, afinal, é a oportunidade de se conectar com o trabalho, sabendo que uma mão humana estava por trás disso. Para este primeiro aquecimento, vamos fazer um exercício chamado contorno cego. Pegue sua caneta, uma folha de papel em branco e seu ingrediente que você selecionou como seu primeiro assunto. Este exercício é um desafio muito divertido porque você desenha a linha de contorno, também conhecida como a linha exterior do seu assunto. Mas há uma pegadinha. Não podes olhar para o teu jornal enquanto fazes isto. O único lugar onde seus olhos podem ir é no seu assunto. Assim como quando observamos nosso assunto no desenho é a lição de observação. Aqui você está observando seus assuntos, mas em vez de apenas observar, desta vez você está documentando o que você testemunha. Este desafio de não olhar para o papel é um exercício maravilhoso para liberar o julgamento de seu desenho e cair nos padrões diante de você. Aqui está uma citação sobre contorno cego de um autor chamado Sam Anderson : “O objetivo do desenho cego é realmente ver a coisa que você está olhando, quase espiritualmente se fundir com ele em vez de se retirar para sua imagem mental dele. Nossos cérebros são projetados para simplificar, para reduzir o tumulto do mundo em ordem. Desenho cego nos treina a olhar para o caos, para honrá-lo. É um ato de meditação, tanto quanto é uma prática artística, uma porta de entrada para o ser puro. Isso nos obriga a estudar o mundo como ele realmente é.” Aqui tenho meu pedaço de espinafre. Posso segurá-la ou colocá-la antes de mim. Para este exercício, muitas vezes é mais fácil ter seus sujeitos firmes em sua mesa. Vou definir um temporizador para todos nós por três minutos para fazer este exercício. Você pode definir um temporizador para qualquer período de tempo. Eu encorajo fortemente experimentar com links de cinco minutos, 10 minutos, 15 minutos, e ainda mais. Mas três minutos serão o nosso ponto de partida por enquanto. Agora, antes de começar, vou escolher um ponto no contorno do assunto. Meu olho está descansando bem aqui, e agora coloco minha caneta no papel para começar. Agora estou começando um temporizador, e você pode fazer este exercício ao meu lado. Eu vou indo muito devagar, como o ritmo do caracol lentamente. Estou movendo meu olho e minha mão ao mesmo tempo em torno do contorno deste assunto. Só estou a traçar a linha. Eu não estou incluindo sombra ou textura mesmo que eu veja. Só estou desenhando a linha exterior. Não deixe seu olho ir muito rápido. Na verdade, para este exercício, não quero que termine o desenho dentro de três minutos. Quero que vá tão devagar que só termine parte do desenho. Mova como se seu olho e sua mão estivessem conectados por uma corda, modo que, à medida que seu olho se move, sua mão se move no mesmo ritmo. Neste momento, sua mão está gravando exatamente o que seu olho vê. É uma tradução direta de sua observação. Você não está olhando para o jornal tão tentador quanto ele é. Isso está construindo sua observação e desenhando músculos. Igualmente importante, também está criando uma confiança de que sua mão pode traduzir o que você vê, então não olhe. Sei que é tentador olhar para o seu jornal, mas faça o seu melhor para manter os olhos apenas no seu assunto. Se sentires que a tua caneta sai do papel para a mesa, isso é óptimo. Isso significa que você não está olhando. Basta dar uma olhada rápida para colocar sua caneta de volta em sua página onde você acha que é a mais próxima de onde você parou e continuar indo. O tempo acabou. Este desenho não é, de modo algum, uma interpretação realista ou perfeita do meu assunto. Mas isso me deu uma nova compreensão deste ingrediente. Comecei a testemunhar novas curvas e linhas que não via no início. Quais novos detalhes você notou em seu assunto com este exercício que você não viu à primeira vista? Certifique-se de fazer upload de uma digitalização ou foto de seu desenho de contorno cego ao criar seu projeto de classe para que possamos ver seu processo. Na próxima lição, vamos fazer outro aquecimento, e sim, desta vez você definitivamente pode olhar para o papel. 9. Aquecimento 2: muitas linhas: Agora vamos fazer algumas marcas no papel. Mais uma vez, desta vez você pode olhar. Vamos praticar desenhar alguns dos tipos de linhas que discutimos nos elementos da lição de linha. Você pode praticar a fabricação de linhas orgânicas, linhas geométricas, linhas paralelas, linhas longas contínuas, linhas curtas quebradas, o que quiser. Como você marca essas linhas no papel. Observe como os diferentes tipos afetam o movimento e a sensação da peça. Por exemplo, quando olho para essas linhas orgânicas curvas, sinto uma sensação de calma, paz e centralização. Quando olho para as linhas angulares e geométricas, sinto uma sensação de jogo e simplicidade, e também uma ligeira sensação de rigidez. Estes tipos de linhas podem ser usados para formar obras de arte que estão enraizadas no realismo ou abstração. Hora de definição. realismo é um tipo de arte que retrata o assunto em mãos o mais diretamente possível. Por exemplo, Kendyll Hillegas é uma ilustradora de alimentos que também ensina aqui sobre Skills lebre, e ela faz um trabalho incrível de renderizar alimentos de forma muito realista. Recomendo vivamente que veja o seu trabalho para obter mais exemplos. Abstração, por outro lado, é um tipo de arte que remove muitos dos elementos realistas para focar em vez de uma emoção ou um sentimento. abstração pode referenciar um assunto real como ponto de partida, mas ramifica-se da realidade, concentrando-se em linhas e cores, texturas e composição, em vez de uma tradução direta do assunto. Pessoalmente, meu trabalho normalmente cai em algum lugar no meio. Quando comecei a desenhar, senti-me pressionado a tornar tudo hiper-realista. Mas este não era o meu estilo preferido ou o que a minha voz criativa me dizia para fazer. Quando comecei a deixar ir essa expectativa e confiei na minha mão e olho, eu era capaz de descobrir meu próprio estilo que faz referência à realidade como um ponto de partida, mas então joga com a eliminação de detalhes e experimentos com cor para criar um estilo de ilustração plana. Um estilo plano geralmente significa que os desenhos e imagens não têm uma sensação de profundidade. realismo geralmente tem mais profundidade usando sombra e perspectiva. Eu pessoalmente amo estilo plano porque para mim ele aparece e é apenas diferente o suficiente da realidade que eu acho intrigante e brincalhão. Não há certo ou errado aqui. Estas são diferentes abordagens e estilos para secar. Encorajo vivamente que encontre o melhor ajuste para você enquanto pratica. Se você gostaria de aprender mais sobre realismo e desenho, eu recomendo a classe Kendyll Skillshare, desenhar qualquer coisa. Técnicas básicas para proporções realistas. Eu vinculei a esta classe e o guia de recursos listados abaixo. Agora que temos algumas dessas linhas diferentes no papel, dê outra olhada no seu assunto, observe e faça uma nota mental ou anote no seu livro de esboços os tipos de linhas que estão presentes e como elas interagem entre si. Como é que as linhas movem os olhos ao redor do ingrediente? Na próxima lição, falaremos sobre como simplificar seu assunto para uma abordagem mínima ao desenho de linhas. 10. Como simplificar um assunto: Agora que estamos todos aquecidos, é hora de mergulhar em algumas técnicas de linha para trazer o seu sujeito à vida no papel. Novamente, estou ensinando a partir de um estilo mais simples e simples de ilustração porque essa é a minha abordagem pessoal e preferência. Se você quiser mergulhar mais no realismo, recomendo a página Skillshare de Kendyll Hillegas. O exercício de primeira linha é tudo sobre a simplificação. Muitas vezes, quando abordamos um assunto seja uma paisagem ou uma vida morta, pode parecer incrivelmente esmagador tentar capturar todos os detalhes no papel. Este exercício ajuda a simplificar o processo escolhendo apenas as linhas necessárias do assunto. Pegue seu assunto e coloque-o antes de você. Estamos apenas focando na linha, sem sombreamento. Também para este exercício, mantenha o peso da linha ou sua espessura igual ao longo do seu desenho. Olhe para o seu assunto e pergunte a si mesmo, quais linhas são necessárias? Isso leva algumas decisões criativas e escolha artística de você. Você decide o que incluir. Por exemplo, com este espinafre eu escolheria esta linha central, eu definitivamente escolheria todo o contorno do contorno do contorno. Eu escolheria apenas algumas das veias irradiantes da linha central, mas não todos os detalhes. Quantos detalhes você poderia eliminar enquanto ainda se referia ao seu assunto? Você pode começar desenhando o contorno ou a linha exterior do seu objeto antes de se mover para algumas das linhas interiores. Dica profissional, se você está se sentindo totalmente sobrecarregado por onde começar, eu ouço você. Uma opção para começar é tirar uma foto do seu assunto, imprimi-lo e, em seguida, usar papel de rastreamento para traçar sobre a foto para ter uma idéia das linhas do seu ingrediente. Alternativamente, se você tiver um iPad e o Procreate, você pode tirar uma foto com o iPad, abri-la no Procreate , criar uma nova camada, reduzir sua opacidade, usar uma cor que possa realmente ver e traçar sobre a imagem. Isso ajudará você a se aquecer e conhecer seu assunto diretamente antes de traduzir para o papel. Depois de fazer isso, vá para o seu jornal e continue o exercício. Faça algumas iterações simples do seu assunto onde você remove os detalhes. Novamente, assim como nos movemos lentamente com contorno cego, mova-se muito devagar e intencionalmente aqui também. Faça isso algumas vezes para que, com cada versão, você escolha diferentes linhas para incluir e excluir. Observe como o movimento visual muda com cada desenho dependendo das escolhas feitas. Isso não é incrível? Sua escolha criativa e observação podem criar uma nova obra de arte cada vez que você colocar caneta no papel. Ao olhar para seus desenhos, você pode achar que alguns sentem que estão perdendo muita informação. Mas esta é uma ótima prática para ficar confortável deixando espaço na página. O valor do espaço. Pode haver essa tentação de preencher cada recanto e recanto, seja em uma folha de papel, uma prateleira vazia e uma casa, ou mesmo em silêncio com outra pessoa. Mas quando você começa a remover os detalhes, você pode abrir espaço de respiração em sua linha de desenho para o olho para se mover e descansar em diferentes pontos em toda a sua peça. Dependendo do seu estilo e preferência, isso pode ser realmente visualmente agradável. Também com desenhos de linha rígidos que são tinta preta em papel branco, a sensação de espaço também pode aumentar o contraste que pode criar uma sensação de equilíbrio. Discutiremos isso mais na lição de contraste desta aula. Mas se você é um amante total de detalhes e deseja isso, não se preocupe, estamos mergulhando em todos os detalhes em nossa próxima lição. 11. Mergulhe em detalhes: Em contraste com o último exercício em que simplificamos nosso assunto, neste exercício, você incluirá todos os detalhes que puder. Cada linha, marca, ponto, inclua o máximo que puder observar. Novamente, isso é apenas aderindo com linha, sem sombreamento, e usando a mesma largura de linha em todo o desenho. Você pode jogar com linhas correndo fora da página ou mantê-los todos dentro da borda. Isso começa a entrar no assunto da composição, que eu vou dar uma aula em breve também, mas você pode começar a jogar com essas decisões aqui também, apenas para ver como isso afeta o movimento de seu olho em toda a página. Por exemplo, aqui com meu mesmo espinafre, eu não estou tomando essas decisões sobre o que incluir, mas eu estou anotando todos os detalhes que eu vejo. Em vez de apenas essa linha de contorno, e a linha central principal, e algumas linhas irradiantes, vou incluir muitas dessas linhas que não foram mencionadas no exercício de simplicidade. Todas estas veias menores, alguns dos detalhes que vejo por toda a folha, vou anotar todas elas no papel. Talvez esse tipo de detalhe seja sua preferência, o que é totalmente ótimo. Talvez este tanto detalhe campos desordenados e ocupados. Novamente, isso se resume ao seu estilo e sua maneira de criar, então confie nele, confie no que você gosta. Muitas vezes, há um meio feliz entre o último exercício de simplicidade e este exercício de detalhe, que vamos explorar na próxima lição. 12. Escolha criativa: Para este terceiro exercício, desenhe o mesmo assunto novamente, mas desta vez, escolha quantos detalhes deseja incluir. Você poderia ir incrivelmente mínimo, e apenas fazer o esboço. Você pode incluir um monte de detalhes, ou encontrar esse meio feliz entre os dois. Adicione as linhas que intrigam você ou que você acha que são visualmente interessantes, e ainda mantenha a linha de igual largura, sem sombreamento. Com o meu espinafre, vou aplicar este exercício. Você pode me ver trabalhar. Com estes três exercícios, você pode começar a ver e entender melhor o seu assunto, bem como começar a encontrar seu estilo de desenho e preferência por detalhes e simplicidade. Na próxima lição, começaremos a jogar com o peso da linha, para descobrir como isso influencia o movimento do seu desenho de linha. 13. Peso da linha: Usando o desenho que você acabou de fazer no exercício três, aquele espaço de detalhe médio feliz. Você vai começar a jogar com o peso da linha. Dê outra olhada no assunto e anote áreas onde a linha se alarga ou permanece fina. Observe como essa mudança e o peso da linha afetam a maneira como seu olho se move pela superfície do objeto. Usando sua mesma caneta ou se você tiver um pacote de canetas com larguras diferentes, escolha o próximo tamanho para cima e, em seguida, volte para o desenho do exercício 3 para começar a ampliar as linhas que são mais grossas em seu objeto. Por exemplo, estou usando uma caneta O3 agora desse pacote PRISMACOLOR. Ao olhar para o meu assunto, percebo que a linha central da veia é mais espessa. No meu desenho eu poderia usar minha mesma caneta, o O3, e desenhar sobre esta linha nesta área para ampliá-la. Eu também poderia usar o próximo tamanho acima do O5 para ampliar as linhas. Isso é muito divertido se você tiver um multi pacotes de caneta que você pode variar as larguras em todo o seu desenho dependendo da caneta que você usa. peso da linha pode adicionar uma maior sensação de dimensão, interesse e movimento ao desenho de linha. É uma mudança ou adição muito simples, mas pode mudar completamente a sensação de uma obra de arte. Comece a notar tanto em seu assunto quanto em seu desenho como o peso da linha ou a largura afeta a maneira como seu olho se move em toda a obra de arte. Observe se seu olho permanece em um determinado espaço por mais tempo ou se ele levou a uma área diferente do seu desenho. Experimente com isso, você pode continuar a adicionar ao seu desenho atual ou fazer outro desenho de linha do seu assunto e mudar o peso da linha conforme você vai usando suas diferentes canetas. Na próxima lição, vamos explorar como usar contrastes para adicionar uma sensação de equilíbrio e energia ao seu desenho. 14. Contraste: Agora que você tem seu desenho de linha no papel, você provavelmente tem áreas onde as linhas se juntam para fazer formas diferentes. Se você não fizer isso, então você optou por fazer uma rota muito mínima, como apenas um esboço. Isso é bom também, vamos olhar para ambos os exemplos. Este é um exercício para criar contraste em seu desenho de linha, para adicionar um sentimento diferente ao trabalho, interesse visual, movimento e uma sensação de equilíbrio. Vamos começar a preencher certas áreas do seu desenho com tinta preta. Eu recomendo ainda trabalhar com uma caneta preta aqui. Quando nos mantemos em preto e branco, você pode realmente começar a ver como o contraste sozinho pode criar uma nova obra de arte. Em um caso em que seu desenho de linha tem várias formas, use sua caneta para começar a preencher algumas dessas formas com preto. Existem algumas maneiras diferentes que você pode fazer isso dependendo do efeito e textura que você preferir. Um exemplo é a eclosão cruzada. Uma opção para escurecer certas áreas seria usar eclosão cruzada. Aqui é onde você usa linhas para preencher lentamente sua forma. Dependendo de quantas linhas você usar e quão distantes elas estão espaçadas, afetará o quão escuro este espaço parece. Por exemplo, se eu usar apenas algumas marcas indo em uma direção, isso ainda vai parecer bastante leve. Se eu adicionar mais linhas a esses espaços, ele começa a parecer mais escuro. Posso manter todas essas marcas indo na mesma direção, ou posso criar linhas na direção oposta para continuar preenchendo o espaço. Outra opção é preencher o espaço usando pontos em vez de linhas. Este é um efeito pointillismo onde a quantidade de pontos usados transmite o valor ou escuridão do espaço. Mais pontos têm uma aparência mais escura, menos pontos têm uma aparência mais clara. Você também pode variar o espaçamento entre os pontos para obter uma aparência escura ou clara. Você também pode ser muito criativo e preencher os espaços com diferentes linhas como quiser. Esta é uma maneira divertida de experimentar o seu estilo e criar uma sensação divertida e variada de textura. As linhas que você pode escolher para criar podem ser linhas em ziguezague, linhas curvas orgânicas, círculos abertos, rabiscos, ondas, o que quiser, divirta-se e brinque aqui. Outra maneira de alcançar um nível realmente intenso de contraste é usar uma caneta mais espessa. Eu gosto da ponta cinzelada e do pacote prismacolor para preencher os espaços. Isso cria um preto incrivelmente rico e intenso que vai realmente aumentar o contraste entre o papel certo e o desenho, que pode criar uma sensação de intensidade visual e também uma sensação de equilíbrio. Nota lateral, vamos falar de equilíbrio por um momento. Há muitas maneiras de criar um senso de equilíbrio em uma obra de arte, e muito dessa compreensão virá de sua prática e experimentação. Mas, por enquanto, vamos falar sobre alguns dos fundamentos do equilíbrio. Quando se trata de equilíbrio, existem três categorias principais que você pode considerar ao criar seu desenho. Número um, simetria. simetria é quando os elementos do seu desenho são exatamente equilibrados em ambos os lados do centro da página. Se você fosse dobrar o seu desenho ao meio seria os elementos completamente combinar-se e espelhar um ao outro. simetria é uma imagem espelhada em ambos os lados. Número dois, assimetria. No início, pode parecer que a assimetria seria desequilibrada, mas pode realmente criar uma sensação de equilíbrio visual como a simetria. Com a assimetria, os dois lados da sua arte não são uma imagem espelhada, mas ainda se equilibram por causa do uso do peso visual. Isso pode ser feito organizando elementos opostos em toda a página. Por exemplo, luz e escuro, espesso e fino, negativo ou vazio e espaço positivo ou preenchido, pequeno e grande, simples e complexo. O terceiro tipo de equilíbrio é radial. Outro exemplo de simetria encontrado em toda a natureza é a simetria radial. simetria radial é quando há assimetria em torno de um eixo central de qualquer maneira você corta, por exemplo, uma estrela do mar ou esta obra de arte. Agora de volta ao contraste. Quando você olhar para o seu desenho, considere as áreas que você deseja preencher para criar esse senso de equilíbrio. Se você escurecer uma forma ao lado de um espaço em branco, aumentará a energia e o contraste dessa área do seu trabalho artístico. Se você optou por um desenho de linha muito simples, como o contorno do assunto, então você ainda pode jogar com contraste. Você poderia preencher o interior do seu assunto com preto, ou você poderia preencher o fundo com preto, imediatamente você pode ver que isso cria um novo nível de intensidade. A página é realmente o seu playground para encontrar o estilo que você deseja usar. Você pode começar a equilibrar o contraste que vemos aqui entre esta área escura e esta área branca pensando em onde podemos colocar outra forma escura. Nós já temos dois indo por aqui e isso cria uma tensão em torno do espaço em branco central. Mas e se pensarmos em como podemos chamar a atenção para esta seção também usando este pincel cinzel ou usando um método de preenchimento diferente. Já que temos um monte de escuros aqui, se olharmos para este lado da folha de espinafre e pensarmos onde queremos que o olho vá? Eu estou pensando que seria bom para o olho para ser conduzido para cima nesta forma em vez de diretamente através desde que nós temos um monte dessa ação já aqui. Estou olhando para esta forma aqui para preencher. Vamos preencher isso e ver como isso afeta o movimento do nosso olho. Normalmente eu não teria engrossado essa área, mas você viu que meu marcador, ou minha caneta deslizou um pouco, então eu só queria tentar misturar aquilo em que poderia fazer um pouco mais de então realmente carregar isso aqui. Agora vemos, zoom out, que esta área escura equilibra mesmo que não seja diretamente simétrica. Estes são todos os nossos exemplos de anteriores também. Mas mesmo isso não é exatamente simétrico, ele ainda dá uma sensação de equilíbrio para este canto aqui embaixo da folha porque é essa escuridão, então é refletida em toda parte. Quando se trata deste contraste preto e branco, você pode jogar com estritamente dois tons de contraste, preto e branco ou você pode jogar com um terceiro tom médio para preencher algumas das lacunas. Isso diminuirá a intensidade do contraste que você vê com preto e branco rigoroso. O tom médio cria um momento de transição entre os dois valores para permitir que o olho se mova mais lentamente do branco brilhante para o preto rico. Você pode criar esse tom médio desenhando menos escotilhas cruzadas do que o escuro mais escuro. Você também pode jogar com cinco valores de branco para preto para criar uma transição ainda mais lenta. Você pode criar os tons variados com a quantidade de escotilhas cruzadas que você usa. Além disso, se você estiver usando lápis na estrada, então você pode criar essa variação no tom pela quantidade de pressão que você aplica do seu lápis para o papel. Dica profissional, faça cópias. Sugiro fazer cópias diretas do seu desenho de linhas. Você pode tirar uma foto e enviá-la para a impressora ou usar uma copiadora para fazer cópias, imprimir suas cópias em preto e branco. Desta forma, você tem múltiplos de seu desenho para brincar. Por exemplo, você pode usar um para preenchê-lo apenas em preto e branco. Você pode adicionar linhas texturizadas a outra, ou você pode jogar com os cinco tons e outro. Ao fazer isso, anote como cada desenho muda à medida que você toma decisões diferentes para o contraste. Como o desenho com apenas preto e branco se sente em comparação com o desenho texturizado? Como o desenho com três tons move o olho forma diferente em toda a peça do que o trabalho com apenas dois tons? Com este exercício, você pode realmente começar a explorar como fazer seu desenho pop e falar com seu espectador. A próxima lição vamos aplicar todas as habilidades que aprendemos para criar seu próprio cartão de receita ilustrado. 15. Cartões de receita: Muito bem pessoal, aqui estamos nós, vocês praticaram, construíram o seu músculo criativo. Você está pronto para criar um belo projeto. Para começar, pegue um pedaço de papel do caderno de esboços. Mais uma vez, eu recomendo as latas e exílio almofada de mídia mista. Use sua régua para medir um espaço de cinco por sete polegadas e eu usaria lápis para isso, que você possa apagá-lo no final uma vez que você cortar seu projeto para baixo. Este é o tamanho típico que eu gosto de usar para cartões de receita ilustrados porque eles são grandes o suficiente para escrever a receita na parte de trás e exibir como uma bela obra de arte na cozinha. Agora, usando as escalas e exercícios que praticamos juntos hoje, desenhe seus 1, 2, 3 ingredientes escolhidos em um dos lados de suas cartas. Na parte de trás, escreva a sua receita e não se esqueça de assinar e datá-la com o seu nome no canto inferior direito. Você fez essa obra-prima, afinal. Certifique-se de digitalizar ou fotografar seu cartão de receita final para segurança. Se você quiser, você pode laminar seu cartão para evitar que ele fique salpicado enquanto você cozinha também. Se você quiser digitalizar seu esboço em um formato vetorial, eu recomendo visitar o desenho digital da minha classe, como fazer seu esboço um vetor em três etapas simples, para um fluxo de trabalho simples para vetorizar seus desenhos de linha. Liguei essa classe no documento de recursos. Eu também recomendo altamente a aula de habilidades de Dylan Mierzwinski, digitalizando esboços desenhados à mão com caráter. Eu vinculei esta classe no documento de recursos também. Se você se divertiu fazendo este cartão de receita, você também pode considerar fazer um conjunto de cartões de receita, apresentando suas comidas favoritas ou criando algumas cartas com costas em branco para dar aos amigos para preencher suas próprias receitas. Certifique-se de compartilhar suas criações na seção de projeto de classe sobre esta classe, eu mal posso esperar para ver seus belos desenhos de linha e provar sua deliciosa comida. Gostaria que pudéssemos nos reunir para uma festa com nossas criações. Você não acha? 16. Considerações finais e agradecimentos!: É tão incrível com você na aula de hoje. Espero que você esteja indo embora com mais conhecimento e competência criativa para continuar desenhando o que você vê neste mundo. Sua abordagem, seu estilo, sua visão, eles importam. Continue aparecendo na página, continue criando e compartilhando seu trabalho artístico. Não quero que esta festa acabe. Se você quiser sair e continuar conversando sobre todas as coisas de comida e arte, siga-me no Instagram @prints_and_plants. Se você quiser obter uma dose semanal de inspiração criativa, receitas e picos de estúdio nos bastidores, junte-se ao meu boletim informativo em printsandplantspress.com. Se você quiser continuar aprendendo juntos e certifique-se de me seguir aqui em compartilhamento de habilidades. Mal posso esperar para vê-lo novamente em breve amigo, até a próxima vez para a criatividade e além.