Coleções e portfólios de padrões: o que fazer, o que não fazer e mitos | Parte 1

1. Apresentação: Oi, sou Melissa Lee. Sou ilustrador profissional e designer de superfícies. E algumas das minhas coisas favoritas para criar nossos padrões. Aprendi pela primeira vez como criar um padrão tecnicamente repetitivo no Adobe Illustrator em 2015, aqui mesmo no Skillshare. Agora tenho cerca de sete anos de experiência na criação de padrões e coleções de padrões. Cerca de três anos de experiência no envio de um portfólio de design de superfície e dois anos de experiência como designer de tecidos licenciado. Se você está fazendo as contas sobre isso e pensando com certeza. Demorou um pouco para começar a ganhar dinheiro com seu trabalho de padrões. Bem, você não está errado. Há algumas razões para isso. Como, por exemplo, meus vários trabalhos diários me mantendo ocupado, vida em geral, atrapalhando, fazendo aulas no Skillshare, ocupando muito do meu tempo. Mas também a dura verdade é que eu estava pegando meu jeito duas coisas que vejo repetidamente que causaram a estagnação e a perda de projetistas de superfícies de inundação, incluindo eu, momentum ou coleções e portfólios. Especificamente, a ideia de que eles precisam ser absolutamente perfeitos em todos os sentidos antes de você começar a compartilhar seu trabalho ou enviar seu portfólio. Porque eu estava tão focado, realmente obcecado com a ideia de que meu portfólio precisava ter uma certa aparência e eles precisavam seguir todos os conselhos que aprendi. Para um T. Eu perdi muito tempo sentindo desanimado e sobrecarregado, e o mais importante em não mostrar ou submeter meu trabalho como deveria ter sido. Quando eu finalmente decidi que já bastava. E eu realmente comecei a enviar meu trabalho. Eu consegui um contrato de licenciamento dos sonhos em um ano. Meu objetivo com esta aula é compartilhar com vocês tudo o que aprendi ao longo dos anos sobre coleções de padrões e portfólios de design de superfície. Se você estiver fazendo dezenas de aulas sozinho, e com a experiência prática real aprendida. E confie em mim, eu aprendi muito. E na minha primeira classe em design de padrões, concentrei-me no lado técnico da criação de um padrão repetido no Adobe Illustrator. Portanto, é uma aula muito pesada de demonstração, enquanto esta aula é baseada em palestras e se concentra no que fazer, não fazer e nos mitos de coleções e portfólios de padrões. Minha esperança para esta aula é que ela possa ajudá-lo a evitar o tipo de estagnação que experimentei em minha própria jornada para me tornar um designer de superfícies. Quero que você saia desta aula se sentindo motivado a compartilhar seu trabalho e continuar criando padrões. Então, vamos começar. 2. Minha linha de tempo: Como muitas pessoas podem se relacionar. Sempre adorei desenhar e qualquer tipo de arte e artesanato. Crescendo. Aulas de arte onde as aulas divertidas na escola para mim. E isso nunca mudou até a faculdade, onde me formei em arte de estúdio e além disso até agora. Mas foi só quando eu aprendi sobre design de superfície e como fazer padrões que eu realmente pensei que poderia ganhar a vida com ilustração. Eu nunca tinha me sentido tão animado ou motivado para ter sucesso em uma carreira criativa. Eu tinha aproximadamente um caminhão cheio de determinação. E, felizmente, isso acabou me servindo bem. Mas eu tive alguns solavancos ao longo do caminho. Então, eu quero mostrar a vocês uma linha do tempo mais detalhada da minha jornada de design de superfície. Na primavera de 2015, encontrei o Skillshare e aprendi a fazer um padrão de repetição no Adobe Illustrator. Eu rapidamente me apaixonei por fazer padrões. E então passei cerca de três anos tendo mais aulas de design de padrões, fazendo padrões e coleções aqui. E eles estão aprendendo o Illustrator, mas não o usando de forma consistente o suficiente para realmente se sentirem confortáveis nele. É por isso que demorei três anos. Em 2018, fiz a primeira coleção que senti que realmente representava a mim e ao meu estilo. E então eu fiz mais dois. Então, em 2019, passei muito tempo criando um portfólio perfeito e imprimindo para que eu pudesse finalmente começar a enviá-lo para as empresas. Passei um bom tempo pesquisando empresas para as quais queria apresentar e comecei a enviar um portfólio impresso físico e/ou um portfólio digital por e-mail no verão de 2019. Em outubro do mesmo ano, fui ao mercado de colchas de outono em Houston, Texas, e me encontrei com algumas empresas de tecidos diferentes para que eu pudesse mostrar meu portfólio. Eu não consegui um acordo de licenciamento. Eles são como eu sonhei que poderia. Então, passei um bom mês me sentindo muito desanimada e com pena de mim mesma. Mas acabei me recuperando e comecei a enviar novamente. Apesar da minha bunda doer os sentimentos, vou cair. Quilt Market foi uma experiência maravilhosa e todo o nariz que recebi lá e depois via e-mail, somos incrivelmente gentis e encorajadores. Portanto, não deixe que minha experiência desencoraje se você também quiser tentar isso. Eu descobri a empresa, Riley Blake projeta na feira. E eu me apaixonei pela curadoria deles e sua vibração geral quase imediatamente. E eles rapidamente se tornaram uma das minhas três principais opções de empresa de tecidos. Então, naturalmente, eles foram um dos primeiros lugares para os quais eu enviei trabalho depois de chegar em casa e começar a enviar novamente. Alguns meses se passaram sem resposta, e presumi que fosse outro não. C'est la V Eu pensei que já estava acostumado a saber. Eu planejei reenviar para eles e algumas outras empresas assim que eu tivesse um novo trabalho. Então, em maio de 2020, recebi um e-mail do Diretor de Design de Riley Blake, perguntando se eu ainda estava interessado em assinar com eles como o novo designer de tecidos, eu estava tipo, eu estou absolutamente imóvel interessado. Sim, por favor. Eu naturalmente estava muito emocionado e tive um choro feliz por isso. Então, em julho de 2020, assinei meu primeiro contrato de licenciamento com designs de Riley Blake. Desde o primeiro dia. Meu objetivo era colocar meu padrão em tecido acolchoado e tudo mais. Depois disso, parece um bônus. Eu realmente queria voltar a costurar e ser designer de tecidos me motivou seriamente como nada mais bom. Agora me considero um quilter , ainda que muito inexperiente. E tem sido uma alegria absoluta e uma explosão. Isso só mostra que você nunca sabe quando poderá receber um sim. O momento pode não estar certo imediatamente, mas pode ser em alguns meses. Portanto, seja paciente e continue tentando. De qualquer forma, minha primeira coleção de tecidos não saiu por mais 15 meses. Depende realmente da empresa e da indústria, mas um ano a partir do momento em que a arte é aceita até o momento em que o produto é enviado não é incomum na indústria de tecidos. O que significa que não recebi meu primeiro cheque de royalties de licenciamento até outubro de 2021. Eu não me sentia confiante o suficiente em meu trabalho para começar a apresentá-lo às empresas até o final de 2018 porque eu não estava consistentemente criando padrões e melhorando minhas habilidades por meio da prática para esses quatro anos. E então levei mais seis meses para criar um portfólio perfeito. Eu uso meu portfólio não sendo concluído com meus altos padrões como desculpa para adiar o envio do meu trabalho por muito mais tempo do que deveria. Levei cinco anos desde quando comecei a sonhar com essa carreira até quando consegui meu primeiro contrato de licenciamento. E mais de seis anos até quando recebi meu primeiro cheque de royalties de licenciamento. Agora, eu não quero que você pense que eu tenho vergonha da minha linha do tempo. Eu não sou nada. Na verdade, estou muito orgulhoso do fato que, apesar de demorar tanto, nunca desisti totalmente disso. Tive meus momentos, meus dias e, às vezes, meses me sentindo desanimado e não criando obras de arte. Mas eu tinha tanta paixão e perseverança que acabei conseguindo. Há 0 vergonha nisso. Se sua linha do tempo acabar parecendo com a minha, ou se você já está no terceiro ou quarto ano e sente que não fez muito progresso. Tudo bem. Você não é um fracasso. Eu acho que é bom estar ciente da possibilidade de levar muito tempo. Eu só não quero que você pense que tem que levar tanto tempo para você. Tenho tantos artistas, amigos que obtiveram sucesso muito mais rapidamente, alguns até em seis meses. Portanto, as possibilidades são infinitas. Sua história não precisa demorar tanto quanto pensar. Mas espero que você se sinta encorajado por, no entanto. 3. PI: por que projetar em coleções?: Então, por que projetar em coleções em primeiro lugar? Bem, em primeiro lugar, as coleções são a pedra angular de indústrias como tecidos, artigos papelaria e papel e decoração de casa. Assim, o design e as coleções abrem seu trabalho para tantas oportunidades que talvez não tivessem sido obtidas de outra forma, mesmo que nem todas as indústrias exijam necessariamente coleções, diretores de arte podem Escolha e escolha facilmente as estampas da sua coleção. Oferecer seu trabalho em conjuntos de temas dá ao usuário final, cliente ou diretor de arte uma visão completa de quem você é como artista e também os ajuda a reconhecer melhor suas habilidades como artista. design e as coleções ajudam você, o artista, a desenvolver suas habilidades de várias maneiras. Ao projetar coleção após coleção, você é essencialmente forçado a entender a cor, a complexidade, a composição e o equilíbrio, o que, por sua vez, permite uma apresentação muito coesa e polida. Também é muito divertido e gratificante. É tão gratificante ver um belo conjunto de obras de arte que combinam perfeitamente. Isso lhe dá a oportunidade única de contar uma história e infundir significado em seu trabalho. Agora que entendemos os benefícios de trabalhar em coleções, vamos falar como 4. PI: O dos don'ts e mitos de criar em coleções: Existem muitas opções quando se trata de criar coleções de padrões. E não há tantas regras rígidas quanto você imagina. Há muitas informações conflitantes por aí, o que, honestamente, em minha mente, apenas apóia ainda mais o fato de que não há regras rígidas e que sempre há exceções para a maioria, se Nem todos, conselhos que você pode receber. Naturalmente, as pessoas dão conselhos com base em suas próprias experiências e no que funcionou melhor para elas. Então, como há tantas experiências diferentes que as pessoas tiveram, faz sentido que existam algumas ideias diferentes por aí sobre o que funciona e o que não funciona. Que isso seja encorajador em vez de desanimador? Porque realmente o que isso significa é que existem muitas maneiras diferentes de ter sucesso como artista e, especificamente, como designer de superfícies. Não há apenas um caminho com um conjunto de regras rígidas que você precisa seguir para seu trabalho seja visto ou licenciado. Agora, eu definitivamente entendo se essas notícias parecem um pouco frustrantes ou opressoras para você, porque ter um conjunto de diretrizes pode ser incrivelmente útil. E duvido que estaria onde estou hoje se não tivesse seguido a sabedoria e as diretrizes estabelecidas pelos meus mentores. Não é que não haja práticas recomendadas a serem seguidas no design de superfícies. Só que a maioria deles é mais flexível do que você imagina. Vou examinar algumas diretrizes gerais sobre o que faz uma boa coleção de padrões. E, em seguida, vou abordar alguns motivos pelos quais algumas dessas diretrizes são flexíveis. Uma coleção de padrões normalmente inclui sete a 12 padrões baseados em um tema ou história. Qualquer coisa menor do que isso é considerada uma mini coleção. As coleções geralmente têm um nome, um logotipo, nomes para cada padrão e uma breve descrição do conto ou sobre a linha. Coleções bem equilibradas geralmente incluem oito a 18 cores. Mais sobre isso mais tarde, porém, não é obrigatório, mas muitos setores exigem várias formas de cores. Como o tecido de parafuso é meu aperto principal, sempre fiz todas as minhas coleções de padrões em pelo menos duas cores para começar. Você não só quer ter certeza de que cada padrão tem contraste suficiente, mas que a coleção como um todo também tem contraste suficiente. Deve haver um equilíbrio entre projetos complexos e simples. Portanto, as coleções devem incluir algumas impressões de heróis ou pontos focais, algumas coordenadas e emprestadores de símbolos, e falarei mais sobre isso mais tarde também. Finalmente, deve haver uma mistura de padrões de pequena, média e grande escala. 5. PI: tamanho de coleção: Vamos revisitar o tamanho da coleção primeiro. Uma coleção completa de padrões normalmente inclui de sete a 12 padrões exclusivos. Parece haver um pouco de desacordo sobre se sete ou oito padrões o tornam uma coleção completa. Mas eu vi tantas coleções compostas por apenas sete padrões, que são aparentemente chamados de coleções completas. Então, na minha opinião, acho que sete é mais preciso do que oito. Mas sua milhagem pode variar com isso e tudo bem. No entanto, uma coleção de seis ou menos seria definitivamente considerada uma mini coleção. Algo que eu vejo muitas pessoas enfatizando é a questão de se elas devem ou não sempre criar coleções completas. Eu mesmo lutei com essa ideia. Eu fiz exatamente para coleções com dez a 12 padrões cada. E eu amo como a maioria deles acabou. Mas, na minha experiência, é sempre estressante e opressor criar tantos padrões em uma coleção. Tudo ao mesmo tempo. Descobri que tendo a ficar impaciente bem no meio da criação de uma coleção completa. E muitas vezes me sinto ansioso para passar para outro tema. Eu também descobri que às vezes eu apressava padrões porque eu realmente queria alcançar um certo número de padrões em uma coleção para que eu pudesse passar para outra. Então, com o tempo, percebi que é melhor para mim ter uma mini coleção forte do que uma coleção grande com alguns padrões apressados mais fracos. Então, o que eu fiz foi fazer a transição para fazer mini coleções de três a cinco padrões. E então porque eu gosto de ter um monte de opções para os diretores de arte escolherem e escolherem. Muitas vezes vou revisitá-los semanas ou até meses depois e adicioná-los. Ou uma vez um diretor de arte com quem trabalhei gostou de uma das nove mini coleções e me pediu para fazer mais algumas impressões para ela. Então foi aí que eu revisitei essa coleção em particular. Esse fluxo de trabalho me ajuda a ser mais prolífico e me sentir muito menos sobrecarregado. Também me permite ter uma variedade maior de temas representados em meu portfólio mais rapidamente do que eu teria de outra forma. Mais importante ainda, porém, é mais fácil para mim começar uma coleção quando sei que só vou fazer alguns padrões em vez de dez a 12. E começar é sempre a parte mais difícil para mim. Um conselho que eu gostaria de dar é procurar as coisas que facilitam o início de um projeto. Mesmo que seja só um pouquinho. Depois de encontrá-los, mantenha essas práticas e incorpore-as ao seu fluxo de trabalho regular. O truque é descobrir qual fluxo de trabalho funciona melhor para você como indivíduo. Eu tentei fazer uma coleção completa de padrões no mês várias vezes e descobri que fazer isso o tempo todo era muito estressante para mim. Eu me sinto muito mais tranquilo e confortável em como trabalho agora, design e coleções também podem ser muito dependentes da indústria, como mencionei anteriormente. Por exemplo, se seu coração está voltado as indústrias de tecidos ou scrapbooking, é uma boa ideia projetar em coleções, mas muitas empresas de tecidos também estão abertas a muitas coleções. Eu vou falar mais sobre isso mais tarde, mas eu consegui um contrato de licenciamento com uma empresa de tecidos com um envio de apenas cinco padrões mais um que eles viram no site. Mas isso ainda é apenas seis padrões. Isso ainda é uma mini coleção. Criar uma coleção grande não é absolutamente necessário, nem é para todos. É o trabalho de um diretor de arte ver o potencial da obra de arte de uma pessoa, não importa quantos padrões você tenha incluído em uma coleção. 6. PI: tem um foco na indústria importante?: Você deve ter uma ideia do produto final ou produtos para orientá-lo a fazer coleções mais coesas? Ou você deve fazer padrões primeiro e depois decidir onde eles se encaixam? Esta é uma pergunta do tipo “O que vem primeiro”, a “galinha” ou “o ovo”. Na minha opinião, eu realmente não acho que haja uma resposta certa ou errada. É difícil dizer porque eu acho que estudar um ou dois setores onde você quer ver seu trabalho e decidir se eles não eram coleções ou apenas padrões autônomos e deixar que seja assim que você aborda fazendo padrões. Acho que isso pode ser muito útil. Se você está decidido um setor em particular, então sim, você provavelmente quer tentar abordar seu trabalho com esse setor em mente. Sou designer de tecidos, então aprendi que repetições lançadas são úteis para coisas como tecido a granel. Porque solistas e especialmente filtros acham muito útil ter impressões não direcionais ou multidirecionais. Então, eu definitivamente mantenho coisas assim em mente quando estou trabalhando em novas coleções para tecidos. Mas eu realmente não comecei a fazer isso até ser mais um designer intermediário. E até eu ter experiência como designer de tecidos licenciado, isso não quer dizer que você não deva escolher uma indústria e realmente colocar seu coração nela desde o início. Porque ter um sonho como esse pode ser extremamente motivador. Certamente foi para mim. Eu queria meu trabalho em tecido a granel. Um, porque eu queria voltar a costurar. E dois, porque eu realmente amei a ideia de minha arte estar em algo que outros artistas e artesãos poderiam usar para se expressar de forma criativa. Eu estava certo porque ver todos os projetos incríveis que as pessoas fazem com meu tecido é uma das coisas mais gratificantes da minha carreira. Mas pode ser muito fácil pensar demais nas coisas, especialmente quando você é iniciante. Eu acho que os iniciantes deveriam se concentrar mais em apenas fazer um corpo de trabalho. Faça padrões independentes, faça coleções em qualquer tamanho que você se sinta inspirado a experimentar. Gaste uma quantidade significativa de tempo fazendo o que quiser. E então é aí que você pode dar um passo para trás. Veja seu trabalho e suas experiências em fazer isso funcionar. E procure o que foi mais fácil para você, o que funcionou melhor, o que você gostou e não gostou, etc. Acredito que ter um corpo existente de trabalho de padrões pode ajudá-lo a analisar mais facilmente onde você pensa seu trabalho se encaixaria e partiria daí. Se você tem um setor específico em mente, pode continuar trabalhando até sentir que ele se encaixaria bem em qualquer setor, talvez. Eu fiz uma tonelada de padrões independentes, coleções e mini coleções em minha própria jornada também. Encontrando um estilo que me senti muito bem e confiante em lançar para empresas de tecidos. Especificamente. Como eu disse antes, eu realmente não acho que haja uma resposta certa ou errada. Acho que se focar em um setor ajuda a motivá-lo, vá em frente. Mas se fizer o contrário, se paralisar você alguma forma do que se concentrar apenas em fazer obras de arte. E, eventualmente, você chegará a um ponto em que poderá reconhecer melhor onde ele se encaixa. 7. PI: complexidade de coleção: Heroes, coordenados e Blenders: Pense em criar suas coleções como se você estivesse estilizando e vestindo roupas. Tudo vai junto. Leila Rogers, normalmente, as coleções de padrões devem ter um equilíbrio entre designs complexos e simples. Eles devem incluir algumas impressões de heróis ou pontos focais, algumas coordenadas e alguns liquidificadores. As estampas de heróis são as estrelas da coleção. Eles são o principal ponto focal. Eles são geralmente os maiores e em escala, os mais complexos e detalhados e normalmente são o que mais visualmente mostra seu estilo. Esses são os padrões que prenderam a atenção do espectador e o atraem. Eles estabeleceram a base para o resto dos pais contando uma história ou apresentando um tema. E eles ajudaram a desenhar todas as estampas juntas. Coordene impressões, suporte e coordene com as impressões do herói. Eles ajudam a referenciar e apoiar o tema geral. E eles geralmente são menos detalhados em composição do que uma estampa de herói, mas mais detalhados do que uma impressão de liquidificador. coordenadas geralmente têm menos cores do que as normalmente incluídas em uma impressão de herói também. E eles realmente completam uma coleção. As impressões do Blender funcionam exatamente como o nome sugere. Eles misturam toda a coleção. Eles são normalmente menores em escala, os menos complexos e de composição, e normalmente usam apenas duas a três cores que geralmente são tonais. Eu acredito que os liquidificadores fazem a maior parte do trabalho quando se trata de realmente trazer equilíbrio a uma coleção. Sem liquidificadores, uma coleção pode parecer muito ocupada visualmente. Então, o que os liquidificadores fazem é dar um lugar para os olhos descansarem quando você estiver olhando para uma coleção inteira. Então, bolinhas, listras e reinos são todos bons exemplos de liquidificadores. Esse conceito de heróis coordenadas e misturadores às vezes pode confundir as pessoas, porque realmente depende do seu estilo e de como todos os padrões de uma coleção funcionam com e um ao lado do outro. Então, é tudo relativo. As impressões são julgadas em relação às outras impressões que as cercam. Se você é como eu e tem um estilo detalhado e complexo com muitos motivos diferentes, então, naturalmente, suas estampas de herói devem ser os padrões mais complexos e detalhados da coleção. Mas se o seu estilo é mais minimalista, você não precisa necessariamente ter estampas de heróis supercomplexas. Eu vi muitas coleções bonitas e bem-sucedidas onde todas as impressões poderiam ser classificadas como coordenadas e misturadores se existissem em outra coleção. Por exemplo, o Club Road tem uma coleção linda chamada love struck with Paintbrush Studio tecidos que eu acho que se enquadra nessa categoria. A descrição da coleção diz, encontramos nosso par com a primeira coleção CLIA broads, amores atingidos, inspirados pela magia do fogo. Esta coleção abstrata aparentemente simples é perfeita para todos os seus projetos de costura ou deck de casa faça você mesmo. Esta poderosa coleção de palitos de fósforo tem seis estampas disponíveis em uma cor quente e fria que certamente surpreenderá. É assim que eu categorizo as estampas nesta coleção apenas olhando para mim, a impressão de riscas parece a impressão principal ou de ponto focal aqui. E também acho que o hello you print também é um herói. Enquanto o resto parece coordenadas e liquidificadores. Depois de ler a descrição, eu me senti bastante validado em minhas suposições e eu captei tudo isso apenas com os visuais. Esta coleção funciona porque todos os belos padrões combinam maravilhosamente bem. Mas ainda há alguma variedade e complexidade. Portanto, mesmo que você tenha um estilo mais minimalista, ainda terá estampas de herói em relação aos outros designs. O ponto principal que quero que você tire disso é que, se o seu estilo for mais minimalista, abrace essa qualidade. Não é necessário tentar se forçar a fazer algo mais complexo do que parecer certo para você. Se isso não fosse um verdadeiro reflexo do tipo de beleza e obra de arte que você deseja colocar no mundo. Um último conselho que quero dar relação à complexidade é tentar em relação à complexidade é tentar criar impressões de heróis com o conhecimento de que pode levar muito tempo para criar. Essa estampa é chamada de prado movimentado, e é uma das estampas de heróis da minha coleção Harmony. É complexo, com certeza, o que tornou a criação muito demorada. Na verdade, eu repasso meu processo de criação desse padrão mais detalhes na minha primeira aula de padrões, caso você esteja curioso. Mas, para encurtar a história passei muito tempo criando seções de flores, agrupando-as e testando a repetição várias vezes ao longo do processo. Se você tem um estilo mais detalhado ou maximalista e começa a ouvir uma repetição, sabendo que pode levar tempo e muita tentativa e erro para acertar. Para mim, parece menos frustrante quando inevitavelmente são necessários aproximadamente 10 milhões de testes repetidos para ficar perfeito. Sua quilometragem pode variar com isso, mas eu gosto de compartilhar esse conselho de qualquer maneira, apenas no caso de alguns de vocês acharem que as impressões são as mais difíceis de criar. E outros acharão que as impressões do liquidificador são as mais difíceis. Eu costumava lutar com liquidificadores, porque eu costumo querer apenas adicionar mais, seja cor, motivos ou qualquer outra coisa. Isso é. Parte da razão pela qual trabalhar em coleções é tão valioso porque realmente o amplia como artista e ajuda você a desenvolver essas habilidades. Agora eu realmente gosto de fazer liquidificadores porque parece uma boa pausa das estampas de heróis que consomem muito tempo que eu faço. 8. PI: para repetir ou não repetir motivos?: Outra coisa com a qual costumo ver designers lutando é a questão de se é ou não certo repetir motivos em vários padrões em uma única coleção. Lembro-me de aprender anos atrás que você deveria evitar fazer isso. E eu vi muitos comentários nas várias comunidades que fizeram parte ao longo dos anos sugerindo a mesma coisa. Mas o fato é que vejo motivos sendo usados em padrões em coleções licenciadas o tempo todo. Eu vejo isso com tanta frequência que comecei a procurá-lo e a notá-lo por hábito. Tanto é assim que consigo pensar em algumas coleções do algumas coleções topo da minha cabeça, onde isso é verdade. Concordo que geralmente é uma prática recomendada não repetir um motivo particularmente atraente em todos os padrões. Mas acho que não há problema em fazer isso com motivos menos proeminentes. E mesmo isso não é uma regra rígida. Fica um pouco mais complicado quando o elemento que você está repetindo é um motivo de herói particularmente atraente, se você quiser. Esta é uma coleção de tecidos que licenciei com designs de Riley Blake chamados harmonia. E esse pequeno motivo floral é repetido em um padrão de herói e em uma coordenada. No padrão de herói, há uma tonelada de outros motivos florais em torno dele. Enquanto na coordenada, essa flor em particular é a estrela. Eu também tenho um design de batida muito simples que é repetido em três padrões separados para heróis e um liquidificador. O b é a estrela da impressão do liquidificador, mas não os dois heróis. Esses dois padrões são de Corinne wells e fazem parte de sua bela coleção chamada Rocky Mountain wild, também com desenhos de Riley Blake. Se não me engano, essas são exatamente a mesma repetição com todos os mesmos motivos. A diferença é que a coordenada usa apenas duas cores e é reduzida, enquanto a versão principal do herói é muito mais colorida e tem uma escala significativamente maior. Eu acho que esse é um uso muito inteligente de uma bela repetição. E funciona perfeitamente porque essas duas estampas ainda um propósito muito diferente dentro da coleção, mesmo que usem os mesmos motivos. É um exemplo perfeito do que eu tenho falado. Alguns designers podem não pensar em tentar algo assim porque estão preocupados em quebrar uma regra. Mas os padrões podem compartilhar motivos, desde que você se certifique de que todos eles sirvam um propósito diferente dentro de uma coleção. 9. PI: paletas coloridas para coleções: Coleções bem equilibradas geralmente incluem de oito a 18 cores. Deve haver alguns neutros. Então pense em cremes, sabonetes, cinzas e marrons e pretos. Muitas vezes acho que ter vários tons da mesma cor é muito útil. Então, nesta coleção, eu tenho alguns roxos, alguns rosas e verdes e assim por diante. Você sempre deseja incluir cores escuras e claras para garantir que haja bastante contraste. Você não só quer ter certeza de que cada padrão tem contraste suficiente, mas que a coleção como um todo também tem contraste suficiente. Assim como a complexidade, a cor também é relativa. Portanto, o que pode ser considerado uma cor escura em uma coleção pode ser um tom médio ou uma cor clara e outra. Nesta coleção, considero o roxo ameixa e o verde caçador como cores escuras. Então, esse tipo de cor rica em terracota é um escuro nesse esquema de cores. A cor framboesa é um tom médio, também uma cor muito escura. Acho que a coisa mais importante a lembrar é que você deseja que suas cores forneçam contraste suficiente. O fabricante de tecidos com o qual trabalho pode imprimir 18 cores por padrão. Não me cite sobre isso, mas isso parece ser um padrão da indústria. 18 é um número bastante comum que eu ouço. Algo que eu realmente quero enfatizar, é que um dos erros mais comuns que cometemos como novos designers é usar muitas cores em uma coleção. Desafie-se realmente a limitar sua paleta de cores o máximo possível. Se você observar as paletas de cores de designers de superfície mais experientes e maduros, verá que a maioria deles usa paletas bastante limitadas, às vezes com apenas seis ou oito cores no total. Eu costumo usar mais do que isso. Eu uso cerca de 151 colorway e 21 a 22 cores no geral. Mas é aí que três cores. Então, haveria menos cores se eu precisasse. Esse padrão é chamado de parede viva e é provavelmente o padrão mais complexo que eu já fiz. Quando revisitei esse padrão para esta aula, fiquei realmente surpreso ao descobrir que ele só tem nove cores. Quase parece que usa mais do que isso, pelo menos para mim. Mas com certeza, essas são as únicas cores incluídas nessa repetição muito complexa. Uma maneira rápida de descobrir isso é selecionando o retângulo ao qual ele é aplicado. Ir para qualquer uma das três amostras e clicar e arrastar a repetição do padrão para a sua prancheta. E, em seguida, com ele ainda selecionado, clique em Novo grupo de cores. Clique em. Ok, e isso colocará todos eles no seu painel de amostras. Isso é algo que eu não compartilhei na minha outra aula. E é uma boa maneira de descobrir quais cores estão em um padrão específico. Algo que eu acho útil estar ciente é que você pode incluir tons, tons ou tons da mesma cor. E você não precisa necessariamente contar todos eles em sua paleta de cores ou usar todos eles no resto da coleção. O que quero dizer com isso é que às vezes você tem um motivo que requer vários tons da mesma cor. Então, se você está procurando uma aquarela ou uma aparência pictórica, geralmente precisará três a cinco tons da mesma cor. Esse padrão aqui é de Bonnie Christine, que é uma das minhas mentoras e também mentora e professora de milhares de outras pessoas. E se você ainda não conferiu as aulas dela no Skillshare, você definitivamente precisa fazer isso. Então, essas flores foram criadas digitalizando pinturas em aquarela. E ela usou, eu acho, cinco tons de rosa para as pétalas e quatro ou cinco tons de verde para as folhas. Então, com a cor creme de fundo e o ouro amarelo nos estames, tecnicamente há cerca de 13 cores apenas neste padrão. No entanto, ela só usou talvez dois dos rosas e dois dos verdes no resto desta coleção. Portanto, sua paleta geral de cores ainda é bastante limitada. Provavelmente, o feedback mais comum que eu dei sobre coleções de padrões é que um ou mais dos padrões precisam de mais contraste. Se duas cores muito semelhantes e com valor forem tocantes, será difícil diferenciá-las visualmente. Você não quer que seu espectador tenha que apertar os olhos para ver alguns dos motivos. Então, se você está tentando manter uma certa quantidade de cores dentro de uma paleta de cores limitada existente. E você está preocupado em adicionar outro tom ou tom de uma de suas cores. Para corrigir um problema de contraste. Meu conselho é não se preocupar tanto com isso e não deixar que isso dite essa mudança de cor. Eu costumava me preocupar em aumentar o número total de cores na paleta o tempo todo. Agora que tive alguma experiência trabalhando com uma empresa de tecidos, descobri que é mais importante ter certeza de que as cores tenham contraste suficiente do que fazer certeza de que tecnicamente você está usando apenas uma certa quantidade de cores em uma coleção, desde que não haja mais de 18 cores em um padrão, geralmente, a serigrafia fabricante pode fazer isso acontecer. As empresas costumam fazer pequenas alterações de cor de qualquer maneira, e sempre trabalharam comigo para garantir que as cores funcionem e que não haja muitas. Dito isso, eu só queria lembrar novamente que limitar seu conjunto principal de cores é uma prática muito boa, com a única exceção sendo tons ou tons diferentes quando necessário. Espero que isso faça sentido. Eu só sei que é algo que eu me estressei. Então, eu queria falar sobre isso, espero, para aliviar um pouco o estresse para os outros. 10. PI: Colorways de coleção: Agora vamos falar sobre as cores. Como mencionei antes, como sempre tive meu coração decidido a me tornar um designer de tecidos, sempre fiz todas as minhas coleções de padrões e pelo menos duas cores para começar. Eu sempre tento finalizar minha primeira coloração antes de passar para a segunda. Mas às vezes eu me inspiro com uma ideia de cor no meio do processo de criação da coleção. E eu aterro em algo que acabo usando em uma segunda cor. Então está tudo bem. Mas pode ser muito útil realmente definir uma cor antes de passar para uma segunda. E, a propósito, minhas paletas de cores muitas vezes passam por uma tonelada de mudanças ao longo do processo de criação da coleção. E isso também está tudo bem. Às vezes você acha que tem um paladar perfeito para começar. E então, à medida que você constrói padrões, fica claro que você precisa fazer algumas mudanças. A empresa de tecidos com a qual trabalho faz três cores por coleção. Então eu tive que criar uma terceira forma de cor para eles antes de entregar meus arquivos do Illustrator, eu estava muito animado para fazer isso, mas eu também não sabia realmente o que estava fazendo. Então, essa é originalmente aparência da minha primeira coleção de tecidos Harmony. Eu enviei para Riley designs com apenas cinco desses padrões nesta primeira cor. Porque na época, era isso que as diretrizes de envio pediam , apenas cinco padrões. Então eles também queriam imprimir esta colmeia que eu não incluí na submissão de cinco padrões. E depois me pediram para fazer outro liquidificador com abelhas. Então, esta é uma visão geral das três cores que eu criei para os sete padrões finais que foram escolhidos. Entreguei-os e disse ao diretor de design que estava 100% aberto a quaisquer mudanças de cor que eles quisessem fazer. Então eles voltaram para mim com isso. Então eles mudaram esse. Este e esse. Acho que porque eu tinha mais azul no meu conjunto original de padrões, eu tinha na minha cabeça que eu precisava manter esse azul. Eu senti um apego a isso. Acho que sim. Agora parece loucura para mim que eu nem tenha pensado em me livrar disso. Não era uma opção para mim agora porque eu não estava aberto a mudá-lo, mas porque eu não pensei nisso. Felizmente, a equipe criativa da Riley Blake Designs reconhece com razão que era uma cor extra que realmente não precisava mais estar lá. Então eles criaram esta linda versão verde salva usando um verde que já existia na coleção e limitando um pouco mais o paladar. Eu absolutamente amo essa versão verde dois, então estou tão feliz que eles fizeram isso. De qualquer forma. Acho que mudar essas duas cores Honey e ter mais dessa cor amarela ocre profunda também foi uma ótima decisão. Eu acredito que eles também mudaram o rosa neste B Blender de um rosa bebê para um rosa mais pêssego como eu tenho aqui. Mais uma vez, limitando um pouco mais as cores. E então, com essa estampa de favo de mel, eles mudaram esta para cinza roxo. Agora, com um pouco mais de experiência, percebi que essas duas versões eram muito parecidas antes, o que fez com que elas estivessem servindo ao mesmo propósito dentro da coleção. Então, se eles estivessem em uma loja lado a lado, ninguém precisaria dos dois, certo? Essa é uma boa pergunta para se fazer. Quando você está criando uma segunda cor, as duas versões coloridas da mesma impressão contribuem algo diferente para a coleção? Se um cliente ou lojista recebesse as duas opções, ele gostaria de comprar as duas? Se eles forem muito parecidos, a resposta provavelmente é que eles escolheriam apenas um. Você quer ter certeza de que todas as impressões são necessárias de alguma forma. Ao dar a este um fundo de tom médio, essas duas estampas agora estão cumprindo automaticamente uma missão diferente dentro da coleção. A equipe criativa da Riley Blake designs me ajudou a finalizar as cores em ambas as coleções que tenho com eles até agora, o que tem sido uma experiência de aprendizado realmente maravilhosa para mim. Claramente. Gosto de compartilhar isso porque acho reconfortante saber que suas cores não precisam ser absolutamente perfeitas para serem licenciadas. E que a maioria, senão todas as empresas trabalharão com você para finalizar as cores. Então, agora eu quero dar uma olhada mais nessas duas cores e falar sobre por que elas funcionam. Lembre-se de que se você vai criar mais de um Calloway, não há problema em ficar com dois para começar, e criar apenas um terceiro se uma empresa pedir um, eu não quero que você crie nenhum trabalho extra para si mesmo. No Calloway one, tenho duas cores escuras, o roxo e o marrom, que usei em toda a coleção. Sempre que preciso de um contraste bem claro. Eu tenho algumas cores de tom médio e vermelho, laranja, cinza e roxo. Em seguida, algumas tonalidades mais claras. Tenho cerca de quatro neutros nos cremes, blushes e também cinza e marrom. No segundo colorway, eu praticamente usei vários tons de verde escuro para todos os meus escuros. Então, na estampa da colmeia, há na verdade mais um ou dois tons de verde que eu não tirei na paleta de cores. Há menos neutros neste Calloway, apenas as cores cinza, blush e creme. Mas tudo bem, porque eles estão fazendo o trabalho muito bem. Acho que também há uma cor esbranquiçada que eu não coloquei na paleta. Isso está nos queridos ouvidos e no favo de mel. Eu realmente não o considero como parte da paleta de cores geral porque ele está lá apenas para fornecer contraste onde eu preciso. Mas mesmo com essa cor incluída, ainda são apenas 16 cores dessa forma de cor. Os retângulos mais longos são as cores usadas nas duas cores. É uma boa ideia carregar várias cores da primeira cor para a segunda. Porque isso ajudará as duas cores a se sentirem equilibradas e coesas. Geralmente, você quer que suas formas bicolores sintam que se coordenam bem, ao mesmo tempo em que são diferentes. Pense nisso como uma parceria ou casamento saudável. Vocês vão bem juntos, mas ainda são dois indivíduos separados. Minha sugestão é transportar alguns ou todos os neutros e também trazer algumas das cores primárias da primeira cor para serem cores secundárias na segunda cor e, em seguida, introduzir algumas cores novas. Então, as cores das estrelas do primeiro colorway, ou os roxos e os pêssegos. Enquanto as estrelas do segundo colorway são claramente verdes. Mas os neutros, dourados e pêssegos compartilhados permitem que ambas as cores pareçam realmente relacionadas. Agora eu quero trazer à tona minha terceira cor novamente. Porque o primeiro terço das cores tem essencialmente a mesma paleta de cores com talvez uma ou duas diferenças. E então certas cores são um pouco mais exibidas em uma do que na outra. No entanto, eu acho que essas duas cores são muito mais semelhantes do que geralmente é recomendado. Eu queria falar sobre isso porque acho importante apontar quando há exceções às regras. Você normalmente não gostaria que suas formas de cor fossem tão parecidas, mas às vezes não há problema em fazer isso. E, às vezes, as coleções completas têm apenas uma grande coloração. Esta linda coleção se chama Blue Gene e é de Christopher Thompson. Apresenta azul em quase todos os tons porque essa é uma grande parte do tema em si. Algo que vejo novos designers fazerem com bastante frequência é que eles usarão a mesma cor de fundo em muitas impressões. Lembro-me de um caso em que alguém que usou a mesma cor de fundo para padrões em duas cores, para campos como um para muitos para mim, especialmente ingerir formas de duas cores. Há apenas um exemplo da mesma cor de fundo sendo usada para impressões 3D nesta coleção. Esta é uma coleção de três cores. Então, há mais espaço para isso. Mas mesmo com três cores, eu não incluiria quatro estampas com a mesma cor de fundo. Curiosamente, também existem três dos mesmos planos de fundo nesta coleção, com as outras cores de fundo reivindicando apenas um ou dois padrões. Mais uma vez, minha cor de fundo mais usada nesta coleção também é roxa. Eu realmente não sabia que estava tão atraída por esse roxo ameixa antes de fazer tantas obras de arte. Uma última coisa em relação à cor que eu quero compartilhar é se você está projetando com um setor específico em mente. E se esse setor usa serigrafia, você quer ter certeza de que todos os elementos são motivos da mesma cor de uma cor que correspondam aos mesmos elementos da outra forma de cor. Na serigrafia, uma tela é cortada para cada cor separada. Portanto, fazê-los corresponder faz com que as mesmas telas possam ser usadas entre as cores. Por exemplo, os corações rosa na prancheta a correspondem aos corações roxos da prancheta B e aos corações brancos das pranchetas. Veja. Você pode reduzir as cores de um Calloway para o outro. Então, nesta primeira coloração, os corações são multicoloridos, enquanto na segunda, terceira cor os corações são todos de uma cor sólida. Eles não precisariam cortar outra tela para as duas segundas cores porque ainda podem usar as mesmas telas que foram cortadas para a versão multicolorida. 11. PI: uma nota rápida sobre cores do Pantone: Em primeiro lugar, se você não sabe, Pantone é um sistema global de coloração criado para simplificar a coloração em todo o mundo. Em 1962. tom pan define o padrão para gerenciamento de cores por meio de um sistema de numeração padronizado, que permite que artistas, empresas e fabricantes comuniquem cores entre si com muito mais facilidade. Existem dois sistemas Pantone. O sistema gráfico foi criado para impressão e embalagem, e o sistema de moda e casa foi criado para têxteis, vestuário e artigos para o lar. Vejo muitos designers novos se preocupando se precisam comprar um deck de ventilador colorido Pantone e, em caso afirmativo, qual deles? Eles são caros. Então você quer ter certeza de que está pegando o caminho certo. Bem, deixe-me dizer-lhe, você não precisa se preocupar com isso até que uma empresa peça para você converter sua arte em cores Pantone. Se essa empresa for uma empresa de tecidos, você desejará obter o sistema de moda e casa. Considerando que, se essa empresa for uma empresa de cartões comemorativos, você desejará obter o sistema gráfico. Se você ainda não tiver certeza, pergunte educadamente e eles dirão qual deck de fãs você precisa pedir. Tudo isso dito, Eu ainda não fui solicitado a fornecer cores Pantone acompanhando com o qual estou licenciando Eu pedi o deck de fãs de moda e casa assim que eu assinei meu contrato de licenciamento com Riley gostei designs porque eu queria por motivos pessoais e porque é muito legal poder combinar as cores você mesmo e fazer um pouco do trabalho para elas. Mas eles não me pediram para fazer isso. Então, por favor, não se preocupe com isso. Se você precisar dele, pode simplesmente encomendá-lo. 12. PII: Portfólios físicos ou digitais: Vale a pena enviar Ambos?: Se você não está colocando seu trabalho lá fora, você não está dando às pessoas a oportunidade de encontrar você e ser superior. Você. Lembre-se de como consegui um contrato de licenciamento dos sonhos dentro de um ano depois que comecei a enviar meu trabalho. Bem, consegui fazer isso com apenas cinco padrões configurados em um PDF de 11 por 8,5 polegadas. Sem frescuras extravagantes, sem imagem de capa ou índice, nenhum portfólio impresso físico enviado. Apenas um e-mail educado e conciso me apresentando com links para meu site e Instagram e um PDF de cinco páginas inteiras de padrões. A diretora de design para designs de perna direita me disse que ela na equipe gostou muito da mini coleção que enviei, além de alguns padrões de outra coleção que eu tinha no site. Então, eles definitivamente deram uma olhada no meu site, provavelmente engajaram meu corpo geral de trabalho. Mas o que eu quero que você tire disso é que eles estavam apaixonados o suficiente com apenas os cinco padrões que eu compartilhei com eles inicialmente para examinar o resto do meu trabalho. Então essa é uma boa continuação para a primeira coisa que eu quero falar sobre portfólios de design de superfície. Essa é a questão dos portfólios físicos ou digitais e se vale a pena ou não enviar os dois. Estou em algum lugar no meio disso. Não acho que haja uma resposta certa ou errada aqui. Quando comecei a lançar para empresas em 2019, enviei um portfólio digital e físico sempre que possível, a menos que seja acompanhado especificado em suas diretrizes de envio para enviar apenas um cópia digital. Como mencionei antes, passei muito tempo projetando e montando meu portfólio de design de superfície. Eu tenho duas versões impressas. O primeiro neste formato arqueiro, para que eu possa criar esta linda versão artesanal e extravagante com tecido impresso da Spoonflower e meu logotipo bordado. A segunda versão em um formato de revista mais padrão, que eu encomendei dos livros do Blurb. Eu pedi cerca de 25. Eu acho que eles saíram para cerca de sete ou $8 por livro. Eu os imprimi especificamente para que eu pudesse entregá-los às empresas. Eu estava lançando para você e não me sinto tão precioso por nunca mais vê-los. Na sinopse. Você pode imprimir livros comerciais ou revistas por cerca de três a $5 por, acredito, 24 páginas. Eu acho que se eu fosse seguir esse caminho novamente, eu me certificaria de que meu portfólio tivesse apenas 24 páginas ou qualquer que seja o número máximo de páginas para que houvesse um pouco mais acessível a seguir tempo. Portanto, a dica número um se você planeja imprimir um portfólio físico, analise as dimensões e preços de vários formatos e tamanhos antes de começar a projetar seu portfólio digital. Dessa forma, você pode projetá-lo nesse formato específico que você escolheu. E você não precisará reformatar para imprimi-lo. Eu acidentalmente formatei um dos meus no tamanho de página errado, então eu perdi muito tempo reformatando-o. Eu já o estava projetando em dois tamanhos porque queria que minha versão sofisticada de encadernação fosse em um formato diferente da versão da revista. Então acabei tendo que formatá-lo em três tamanhos, em vez de apenas os dois que eu havia planejado. Portanto, basta estar preparado com o formato ou formatos corretos ao criar seu portfólio. propósito, os livros do Blurb são ótimos. Fiquei muito feliz com a qualidade e você não consegue superar o preço deles. Incluí um PDF com todas as recomendações não relacionadas ao meu portfólio que você pode baixar na guia Projetos e recursos. Se você está se perguntando qual programa deve usar para criar um portfólio, você pode criar o portfólio no Illustrator se não estiver familiarizado com o uso do InDesign. Mas eu não o recomendaria necessariamente porque criei meu próprio Illustrator. E mesmo usando um computador com 32 GB de RAM, meu documento do Illustrator de portfólio ficou super grande e começou a ficar lento e muito difícil de trabalhar. Se você usa o Illustrator, sugiro criar algumas páginas em documentos separados, vez de ter de 20 a 30 pranchetas em um documento com vários padrões aplicados a elas. Essa é uma maneira rápida de criar um documento muito grande e difícil de trabalhar. Portanto, 123 ou quatro páginas por documento são muito mais gerenciáveis. A partir daí, você pode exportá-los como PDFs ou jpegs e combiná-los em um PDF usando o aplicativo de visualização em um Mac ou usando o Photoshop ou o Adobe Acrobat. Eu criei meu portfólio sofisticado para ter algo realmente bonito para levar comigo para feiras e mostrar a potenciais colaboradores. Eu o levei para cumprir o mercado em 2019 e mostrei para 6%. Então, empresas, e isso me serviu muito bem. Também doei seis ou sete dos meus portfólios em formato de revista para as mesmas empresas e enviei o restante para diferentes empresas e setores ao longo de 2019. Não me arrependo de nada disso. No entanto, decidi que, no futuro, vou confiar principalmente no meu portfólio digital. Gastei muito dinheiro e tempo imprimindo e enviando meus portfólios. E o único acordo de licenciamento que consegui chegar naquele tempo foi com um simples envio digital e um link para o meu site. Decidi que prefiro economizar algum dinheiro e priorizar gastar mais tempo na criação do que no envio de portfólios físicos. Na minha experiência, você tem a mesma probabilidade de ganhar oportunidades por meio de envios digitais, quanto ganhá-las por meio do envio de portfólios físicos. É isso aí. Eu gosto de ter um portfólio físico só para mim e também para mostrar às pessoas se eu for a mais feiras no futuro, pretendo ter portfólios atualizados impressos de uma empresa chamada Artefact Uprising ou livros borrados novamente. Mas eu só pretendo ter uma cópia realmente bonita impressa de cada vez que eu não vou dar de presente. Há também a opção de simplesmente usar um fichário de três anéis com seus padrões e obras de arte apresentados de forma limpa e bonita dentro. Essa é uma ótima opção. Eu sei que funcionou maravilhosamente bem para muitas pessoas. Outro benefício de fazer isso é que você pode facilmente retirar obras de arte antigas e colocar uma nova arte e/ou organizar seu portfólio dependendo de quem você está se reunindo, sua leitura com um empresa de papel de parede, por exemplo, você pode optar por incluir apenas a obra de arte que você acha que se encaixaria bem na indústria de papel de parede. Se você quiser tentar cópias físicas mais baratas de Dean e enviá-las para empresas, se você se sentir animado com isso, então, por todos os meios, vá em frente. Eu sei que isso tem funcionado maravilhas para muitas pessoas, mas saiba que você não precisa, para ter sucesso. 13. PII: O que você deve incluir no seu portfólio?: Vejo muitas pessoas lutando com a questão do que você deve incluir em seu portfólio de design de padrões. Não há problema em incluir padrões independentes e mini coleções? Ou você deve esperar até ter duas ou três coleções completas antes de começar a enviar? Você deve ter pelo menos 100 padrões antes de começar a enviar? A resposta curta é que é mais do que bom incluir muitas coleções em padrões autônomos. Se você os ama, eles se encaixam no seu estilo e você gostaria de vê-los licenciados. É tão simples quanto isso. Você não precisa de 100 padrões. Meu portfólio tem apenas cerca de 30, e acho que o do meu site ainda tem menos de 50. Lembre-se, eu consegui um acordo de licenciamento com uma mini coleção de apenas cinco padrões. Acho que, desde que você tenha, digamos de dez a 15 peças sólidas de portfólio com as quais você se sinta muito bem. Você tem o suficiente para começar a entrar em contato com as empresas. Se você é alguém que trabalha em minicoleções, esse formato de mostrar uma estampa de herói com uma ou duas coordenadas é uma forma popular de mostrar. Não são. Muitos artistas empacotam suas obras de arte de design de superfície dessa forma para um grande sucesso. Depende do setor, é claro, mas muitas empresas geralmente compram apenas um ou dois padrões por vez. Novamente, não, se você gosta trabalhar em coleções completas, vá em frente. Não há nada de errado com isso. Claro. Simplesmente não é absolutamente necessário. Quero compartilhar um conselho extremamente útil que aprendi com Bonnie Christine. E isso inclui apenas o trabalho que você gostaria de comprar, ou pelo menos ficar tentado a comprar se o visse em uma loja. Isso vale tanto para coleções quanto para portfólios. Eu compraria isso ou me sinto bem com isso? Sempre são boas perguntas para se fazer. Se a resposta for não, então você deve descartar esse padrão sobre o qual não tem certeza ou trabalhar para transformá-lo em um sim. Esperei para começar a lançar para as empresas até todos os padrões do meu portfólio ou sim para mim. Então, esperei até me sentir confiante no meu trabalho de padrões. Mesmo que demorei muito tempo para chegar lá, fico feliz por ter esperado porque isso fez com que recebesse todas as rejeições inevitáveis que recebi e que você receberá assim que começar a trabalhar. Não há como contornar isso. Isso tornou essas rejeições muito mais fáceis de lidar. Acho que consegui reconhecer que não se tratava da qualidade do meu trabalho. Por mais que fosse sobre tempo, gosto ou acompanhamento, não procurando trabalho no meu estilo ou qualquer número de coisas que não tenham nada a ver com meu valor e habilidades como artista e designer. Se você ama o que está criando, isso é o mais importante. Se eu tivesse apressado o processo e começado a enviar meu portfólio antes, me sentia muito bem com meu trabalho. Eu suspeito que eu teria lidado com muito mais dúvidas sobre minhas habilidades como designer. Eu ainda, é claro, sinto dúvida e insegurança às vezes, pois isso é realmente natural para nós, artistas, sentirmos. Eu ainda experimentei a síndrome do impostor. Ainda peço feedback da minha comunidade criativa e da minha família e amigos. Eu ainda preciso dessa validação de outras pessoas. Mas mesmo com essas dúvidas, no final das contas, eu sabia que minha arte era linda e eu só precisava encontrar as pessoas certas que se conectassem com ela e reconhecessem seu potencial. Eu sabia que precisava ser paciente e continuar a perseverar. E, eventualmente, o momento seria certo para mim. Eu estava certo. Eu não poderia estar mais feliz com a forma como as coisas aconteceram para mim em um designer de tecidos, para uma das minhas melhores escolhas de empresa de tecidos. E quem sabe se isso teria acontecido se eu não tivesse esperado? Meus únicos arrependimentos e hesito em até chamar isso de arrependimento porque parece uma palavra muito forte. Mas acredito que poderia ter ganhado mais impulso um pouco mais rapidamente se tivesse começado a enviar assim que me sentisse bem com meu trabalho e não esperasse até ter um perfeito portfólio imaculado com todos os babados extravagantes que pareciam tão importantes para mim na época. O diretor de design da Riley Blake me disse que eles estavam interessados em algumas das estampas de outra coleção que eu tinha no meu site, o que foi tão emocionante. Eu queria compartilhar, porque essa coleção passou por várias edições antes de ser finalizada. Eles me pediram para mudar a impressão principal desta para esta. Eles não tinham certeza das impressões desse herói. Então eu mudei disso para isso, para transformá-lo de uma faixa para um padrão muito mais dinâmico. E felizmente, depois que eu fiz isso, eles decidiram que realmente queriam imprimi-lo. Eles estavam interessados em imprimir alguns dos liquidificadores que eu já tinha feito, me pediram mais um. Então eu fiz esse liquidificador. Meu ponto é que os diretores de arte costumam trabalhar com você para finalizar uma coleção. Portanto, se você se sentir intimidado pelas belas perfeitas coleções que vê, saiba que muitas delas são enormemente aprimoradas por meio da colaboração. E os artistas muitas vezes têm ajudado. Então, se você quiser esperar até ter três coleções ou montar um portfólio cheio de lindas mini coleções e padrões autônomos. Acho que o fator mais importante é que você se sinta bem com seu trabalho e sinta que ele realmente o representa como artista. 14. PII: uma nota rápida sobre tendências: Não sou de forma alguma um especialista em tendências. Eu não vou falar sobre isso em profundidade. Mas meu sentimento sobre tendências é que eu só vou criar duas tendências se for algo que eu já estou interessado em ilustrar, eu realmente não me preocupo muito com elas para ser bem honesto. Por exemplo, eu não me preocupo projetar para a cor Pantone do ano, a menos que seja uma cor pela qual eu já esteja atraído. Assim, uma vez que o pan tone anuncia a cor ou as cores, às vezes, se for uma cor que já está presente no meu trabalho, posso tentar apresentar esse trabalho um pouco mais no Instagram ou no meu site. Mas, caso contrário, eu realmente não me preocupo muito com isso. Se há um tema de tendência que realmente fala comigo , claro que vou projetar para ele. Mas eu provavelmente já estaria projetando isso em algum momento de qualquer maneira. Se uma empresa me pediu para criar algo para tendência ou perguntar se eu tenho algum trabalho pré-existente que seja duas tendências, então é claro, vou apontar esse trabalho ou trabalho para criar algo para eles, se eu estiver inspirado. Mas minha filosofia geral sobre tendências é bem descontraída. Me estressa muito pensar sobre eles. Então, eu prefiro apenas proteger minha saúde mental e criar o que eu quero criar. É muito difícil estar no topo das tendências também, especialmente quando você é iniciante e está tentando colocar o pé na porta, por assim dizer. Porque leva muito tempo para que os produtos sejam impressos e cheguem às prateleiras. É difícil colocar seu trabalho nessas prateleiras com rapidez suficiente, a menos que você já tenha um relacionamento preexistente com uma empresa de licenciamento. E mesmo assim, depende da indústria e da rapidez com que o produto pode ser impresso. Há também uma tonelada de tendências perenes. Em outras palavras, parece em motivos que praticamente sempre serão populares. Bem no topo da minha cabeça, há Natal e Halloween. Aniversários. Gatos, cachorros, corujas, flores, claro. Suculentas e cactos, plantas Gangnam, bolinhas, cogumelos tropicais, filhos, luas e estrelas, etc., etc. Então, esses são temas que sempre venderemos. As pessoas nunca vão parar de querer flores. Uma dica que tenho é se você estiver se sentindo preso e provavelmente pode encontrar listas de tendências de design perenes on-line com bastante facilidade com alguma pesquisa no Google. E então você pode escolher na lista para ajudá-lo a criar seu próximo tema de design. E estaria automaticamente na moda. Existem muitos designers que pensam de forma diferente sobre as tendências e que tiveram muito sucesso ao segui-las mais de perto. Mas eu não sou um deles. Então, eu realmente não posso falar sobre isso. Se você está curioso para saber mais, encorajo você a pesquisar aqui no Skillshare, pois tenho certeza de que há muitos professores aqui que podem oferecer conselhos mais experientes sobre tendências. 15. PII: como você percebe seu trabalho?: Quando estiver pronto para exibi-lo, como você faz com que seu trabalho seja notado? Vou ler alguns parágrafos de Leila Rogers é entrevista e edição 49 da Uppercase Magazine, em que pouco lhe dá conselhos sobre como obter trabalho em design de superfície. Cite, uma vez que você tenha um monte de imagens fabulosas, coloque-as em seu site, publique-as no Instagram e no Pinterest e comece a entrar em contato com empresas. Você pode encontrar empresas entregando os produtos que você já possui ou encontrando nomes de fabricantes. Visite suas lojas favoritas e anote os nomes dos fabricantes de produtos que você adora. Em seguida, pesquise para quem enviar sua arte acessando o site deles. Algumas empresas têm políticas de envio em seus sites. Ou ligando para a empresa, basta dizer: Olá, sou artista ou ilustrador ou designer, escolha sua. E eu adoraria enviar trabalho para o diretor de arte ou quem licenciar novas obras de arte. Aqui está a fórmula mágica. Adicione todas essas pessoas à sua lista de e-mails. Continue fazendo trabalhos inspirados mais lindos e continue enviando seu trabalho por aí. Isso não é uma coisa instantânea. É preciso tempo e comprometimento. Mas se você realmente quiser que isso aconteça e seguir o processo acima, chegaremos lá. Você terá uma carreira brilhante e citará, acho que isso resume de forma maravilhosa e sucinta esse processo contínuo. O fato é que você tem que trabalhar, mas não precisa ser tudo de uma vez. Lembre-se, se você se sentir sobrecarregado, divida sua pesquisa em menores e mais gerenciáveis. Tente o seu melhor para não ficar atolado no quadro geral e dê um pequeno passo simples de cada vez. Pode parecer assustador compartilhar seu trabalho on-line por vários motivos. Talvez você esteja constrangido e tenha medo do que um diretor de arte ou até mesmo um estranho aleatório na Internet possa dizer. Talvez você tenha medo de que seu trabalho seja copiado. Todos esses são sentimentos com os quais acho que a maioria das pessoas pode se relacionar. E não há problema em senti-los. Mas você não quer deixar que esse medo o governe. Se você não compartilhar seu trabalho com o mundo, como você o colocará diante dos olhos das pessoas que precisam vê-lo. Tenho amigos que foram contatados por empresas dos sonhos apenas por meio de seus Instagrams. Isso não significa necessariamente que você deva priorizar as mídias sociais em vez da sua arte. Eu certamente não, mas eu o uso e compartilho meu trabalho com bastante regularidade. Então acredite em mim. Os riscos de compartilhar seu trabalho a pena, as recompensas. É preciso trabalho, tempo e coragem, mas com paciência e perseverança suficientes, você fará isso acontecer. 16. PII: apresentação de portfólio: Então, como tenho certeza de que você já percebeu, acredito que a maioria das regras é muito mais flexível do que tendemos a supor que existem muitas maneiras diferentes de ter sucesso como designer de superfícies. Há um conjunto de diretrizes que eu acredito que devem ser sempre seguidas. E essas são as melhores práticas sobre como mostrar padrões em um portfólio, seja em seu site, em um PDF digital ou em um portfólio impresso. Primeiro, não inclua um traço ou uma borda ao redor dos quadrados ou retângulos padrão. Pode desviar a atenção do padrão ou, às vezes, confundir os espectadores. É parte do padrão em si ou não? Apresentar seus padrões em um fundo branco limpo, sem borda, permite que eles sejam as estrelas da página. E é isso que você quer. Você quer que seus padrões e os modelos que você pode incluir com seus padrões aplicados se destaquem por conta própria. Se você estiver incluindo um logotipo de coleção, certifique-se de que a fonte ou os textos do logotipo sejam a estrela do logotipo e que os motivos usados, se houver, estejam apoiando o texto e não o outro maneira de contornar. Se você incluir várias cores de uma coleção em seu portfólio, certifique-se de que a escala e o posicionamento de cada padrão sejam consistentes em todas as cores. Você quer que seja fácil para os diretores de arte encontrarem o padrão irmão na segunda cor. Quando se trata de mostrar seus padrões em um site, você tem um pouco mais de liberdade porque não está limitado pelo tamanho e formato de um PDF digital ou portfólio físico. Dito isso, todas as diretrizes sobre as quais acabei de falar ainda se aplicam. Esta é a página do meu portfólio e é assim que eu os faço exibir meu trabalho de design de superfície desde 2018, quando criei meu site Squarespace pela primeira vez. Eu tenho um banner giratório na parte superior. E aqui embaixo, o fundo é branco. Não há borda em torno de nenhum dos padrões e cada padrão duplicado e outra cor são definidos na mesma escala. Na verdade, estou prestes a fazer uma atualização porque existem alguns padrões mais antigos que eu quero remover e alguns novos que eu quero colocar. E então eu posso organizá-los por coleção ou tema. Eu ainda não decidi. Dito isso, não há nada de errado em apresentar seus padrões assim, eu só quero mudar. Mas esse estilo de apresentação de padrões é o que eu uso desde 2018. E alguns diretores de arte vieram ao meu site e escolheram mais padrões meus para licenciar nesta página. Você está totalmente convidado a usar esse formato, se quiser. Mas se não, sugiro ir aos sites de designers de padrões que você admira e ver como eles exibem seu trabalho de padrões. Pode parecer muito difícil criar um site de portfólio. Portanto, obter ideias de outros artistas é extremamente útil. Eu mesmo fui inspirado pelos sites de vários artistas diferentes que eu admiro. Essencialmente, quando se trata de apresentação de portfólio, muitas vezes menos é mais. 17. PII: uma nota rápida nos sites de impressão sob demanda (POD): Mais uma vez, não sou de forma alguma um especialista em vender obras de arte em sites POD ou impressos sob demanda. Mas eu tenho alguma experiência e queria falar sobre isso brevemente. Eu recebo vendas mensais na sociedade seis, enquanto minhas vendas de Spoonflower e estojos de artes são mais raras. E isso é porque eu invisto mais tempo na minha loja da sociedade seis. Dito isso, ainda não é muito lucrativo para mim, especialmente pela quantidade de tempo que gasto no upload de obras de arte. Não o atualizo regularmente porque prefiro priorizar criação e o envio do meu portfólio para empresas com as quais quero licenciar. Alguns artistas se dão muito bem em sites POD, mas isso exige muito esforço, tempo e marketing pessoal. De um modo geral, os compradores nos sites POD são indivíduos. Ouvi falar de empresas e revendedores encontrando artistas na sociedade seis e entrando em contato com eles por e-mail para pedir que trabalhassem com eles. Portanto, os sites POD não são uma má opção para que seu trabalho seja visto. Mas tenha em mente que existem milhares de artistas nos sites POD. Por isso, também pode ser difícil se destacar na multidão. Isso não tem a intenção de desencorajá-lo a implementar sites POD em seus negócios. Não me arrependo do trabalho que coloquei na sociedade seis e no caso das artes. Mas apenas para informá-lo sobre a realidade de fazer isso, parte do que é tão bom sobre licenciamento, mesmo que você geralmente tenha uma porcentagem de royalties menor, nos sites POD, é que a empresa está licenciado com, faz a maior parte do marketing para você também. Eles geralmente são um público muito maior. E eles estão vendendo apenas as obras de arte de, digamos, 40 a 100 artistas contra milhares, por exemplo, Sociedade seis. 18. Algumas palavras de encorajamento: Faça coisas porque você quer, não porque você precisa. Bonnie Christine, quer eu esteja falando sobre design de personagens, caricatura, aquarelas ou padrões. Gosto de lembrar gentilmente meus alunos e meus conhecidos e amigos criativos de se lembrarem por que você está fazendo isso em primeiro lugar. É porque amamos arte, certo? Adoramos fazer arte. Adoramos ser criativos. Queremos melhorar nossas habilidades criativas. Não só porque queremos ganhar a vida, mas porque a criatividade é gratificante por si só, toda a honestidade, eu gostaria que não tivesse que ganhar a vida. Mas, infelizmente, estamos presos em um sistema que nos obriga a ganhar dinheiro para cuidar de nós mesmos. Mas eu não vou entrar mais em meus sentimentos sobre isso, não se preocupe. A questão é, acho que às vezes ficamos tão atolados em toda a ansiedade em torno de sermos criativos. Ficamos tão distraídos o estresse e a preocupação de se somos bons o suficiente para ter sucesso, o que é sucesso para nós? Este projeto não está saindo como eu o vejo na minha cabeça, etc. Ficamos tão distraídos com todos esses negativos que esquecemos a verdade. Por quê? Por que estamos aqui? Por que estamos seguindo esse caminho quando ele pode parecer tão difícil e vulnerável às vezes, ou muitas vezes. Sim, a resposta também pode ser que queremos uma carreira mais gratificante ou queremos trabalhar em casa. Mas o verdadeiro cerne disso, o cerne do motivo pelo qual estamos aqui é porque gostamos de fazer arte, certo? E tudo o mais vem deles. Tente não perder de vista o fato de que você gosta de ser criativo. Pode ser muito desafiador manter-se motivado durante um projeto estressante ou decepcionante. Às vezes, quando estou no meio de um desses projetos, dou um passo para trás e digo, ok, Melissa, lembre-se de que você realmente gosta fazer a arte se acalmar e respirar fundo. Isso não faz com que a ansiedade ou a preocupação desapareçam completamente, mas ajuda no terreno. E isso me lembra que eu posso superar isso. E que sempre há um meio confuso em cada obra de arte ou projetos que fazemos. Além disso, se algo não sair como você quer, não é o fim do mundo. Vá para o próximo projeto e tente novamente. O apoio é enorme. E é por isso que a comunidade é tão importante para mim. Como já mencionei, tenho períodos de dúvida e lutei contra a síndrome do impostor. E uma das coisas que mais me ajudou a superar esses sentimentos foi o amor, o apoio, o feedback e o incentivo que recebo da minha comunidade criativa e dos meus entes queridos. Na maioria das vezes, cheguei a um ponto que acredito que todos vocês também serão capazes de alcançar. Que é que, em última análise, eu acredito em mim mesmo e no poder da profecia autorrealizável. Se eu disser que isso vai acontecer e eu dedicar tempo e esforço, eu vou fazer isso acontecer. Essa é uma atitude. Levei anos para cultivar e abraçar. E às vezes ainda é muito difícil, mas desde que comecei a abraçar, coisas começaram a acontecer para mim. Você vai chegar lá também. Permitir-se falhar antes de ter sucesso é o meu tipo de mantra de frase de efeito de carreira, o que você tem? Porque eu acho que é muito importante lembrar que você falhará em sua jornada para o sucesso e isso, tudo bem, e você nunca estará sozinho nessa luta. Lembra dos quatro P's? Prática, persistência, paciência e perseverança. Permita os altos e baixos de seu humor, dúvidas e confiança, e seja gentil consigo mesmo com esses sentimentos naturais. Mas contanto que você sempre mantenha esses quatro Ps funcionando, você terá sucesso. 19. Parte 1 Edição final: Sei que te dei muitas coisas em que pensar. Então, se você está se sentindo sobrecarregado com todas essas informações, primeiro lugar, isso é totalmente compreensível. É muita coisa para absorver. Mas o que eu espero que você possa tirar dessas lições é que você não precisa ser um profissional perfeito que sabe o que está fazendo cada momento para ter sucesso. Não há problema em fazer perguntas. Não há problema em pedir ajuda. Tudo bem se suas cores não forem absolutamente perfeitas. Você não precisa internalizar e memorizar todas essas informações Primeiro, porque você pode baixar o PDS que eu criei para este curso E dois, porque aprender faz parte do processo. Mesmo ou especialmente quando você se torna um profissional. Aprendi muito com experiência prática que eu não conhecia antes de conseguir meu primeiro contrato de licenciamento Quanto mais você pratica e quanto mais trabalho você faz, mais você internaliza esse conhecimento e realmente começa a desenvolver um sexto sentido e intuição para tudo o que venho ensinando Portanto, tente fazer as coisas passo a passo. Concentrar-se em cada pequeno passo não no quadro geral, é a primeira coisa que me ajudou a não me sentir totalmente sobrecarregada o tempo todo Agora, antes de entrarmos nos detalhes do projeto, gostaria de informar que este curso agora é uma série de duas partes. Já se passaram mais de três anos desde que fiz essa aula e aprendi muito nesse período. Licenciei mais coleções. Trabalhei com mais clientes e tive inúmeras conversas com estudantes e colegas artistas sobre o que está funcionando, o que não está e quais perguntas continuam surgindo. Então, criei o P two para compartilhar todas essas ideias e lições atualizadas. O projeto da classe é o mesmo na segunda parte. Portanto, se você planeja fazer as duas aulas e realmente deveria, fique à vontade para pular o projeto deste e do resto deste vídeo e concluí-lo na segunda parte Há um link para a segunda parte em uma nota fixada neste vídeo na página Sobre deste curso e na página Projetos e recursos. Te vejo lá. Para seu projeto de classe. Tudo o que eu gostaria que você fizesse é compartilhar uma captura de tela do seu trabalho atual ou um link para portfólio do seu site, Instagram ou Pinterest Eu também gostaria que você compartilhasse quais serão suas próximas coisas . Se você ainda não tem nenhum trabalho que gostaria de compartilhar, tudo bem. Sinta-se à vontade para simplesmente digitar uma frase ou duas sobre seus próximos passos. E lembre-se de que essas etapas podem ser tão simples quanto enviar um e-mail, pesquisar uma empresa ou desenhar por 5 minutos Concentre-se nas tarefas menores e mais fáceis que acabarão por levar a seus objetivos maiores. Se você gosta desta aula, por favor, deixe-me um comentário. E se você quiser se manter atualizado com o que estou postando aqui, não se esqueça de clicar no botão Seguir. Você também pode me seguir na Melissa Lee Design no Instagram ou se inscrever no meu boletim informativo no meu site Muito obrigado por se juntar a mim. Espero que você tenha achado essa aula inspiradora e encorajadora. Desejo a você tudo de bom e mal posso esperar para ver aonde suas carreiras o levarão.