Transcrições
1. Apresentação: Oi. Sou Melissa Lee, ilustradora profissional, designer de
superfícies
e designer de tecidos licenciada Em julho de 2022, publiquei
a primeira parte de coleções
e portfólios de padrões, does Don'ts and Myths,
e foi uma
das minhas aulas mais populares aqui Nessa aula, concentrei-me nos fundamentos
da criação de coleções de
padrões e da criação coleções de
padrões e um portfólio de design de superfície Coisas como tamanho da coleção, complexidade, paletas de cores e como apresentar seu
trabalho Bem, já se passaram mais de três
anos desde que fiz aquela aula, e eu aprendi
muito nesse tempo. Licenciei mais coleções. Trabalhei com mais clientes e tive inúmeras
conversas com estudantes e colegas artistas
sobre o que está funcionando, o que não está e quais
perguntas continuam surgindo. Então, decidi que era
hora de criar a segunda parte. Nesta aula, abordo
todas as coisas que não
abordei na primeira parte, junto com informações atualizadas com base na minha experiência
desde então. Falaremos sobre como definir expectativas
realistas de licenciamento, os diferentes tipos
de acordos de licenciamento, se você realmente
precisa trabalhar com vetores, como organizar seu portfólio para empresas
específicas
e Se você ainda não participou da primeira parte,
recomendo começar por aí, pois essas duas aulas realmente
funcionam lado a lado para fornecer uma visão completa da
criação de um portfólio de design de
superfície bem-sucedido. Mas se você
veio da
primeira parte , vamos direto ao assunto.
2. Definindo expectativas realistas de licenciamento: Eu queria compartilhar alguns fatos
menos conhecidos sobre licenciamento para que você
possa definir
expectativas realistas desde o Uma coisa que muitas pessoas não
sabem é que, na realidade, apenas uma pequena porcentagem de
sua arte será licenciada. Em média, cerca de dez a 40% de sua obra de arte
será licenciada ou vendida Isso não é um reflexo do seu talento ou da
qualidade do seu trabalho. É simplesmente uma realidade
do setor. Clientes
diferentes têm necessidades diferentes e o que não combina com um
pode ser perfeito para outro Além disso, você sempre pode vender esses
designs não licenciados por meio de impressão sob demanda ou em seus próprios produtos
fabricados Os designs que você licencia ou vende podem nunca ser realmente usados. Mesmo quando um cliente licencia
ou compra sua arte, nem sempre
há garantia de que ela aparecerá em
seus As empresas geralmente
colecionam mais obras de arte do que acabam usando porque criam
uma coleção para
escolher à medida que suas linhas de
produtos se desenvolvem Dito isso, você deve
sempre receber o pagamento , independentemente de eles
acabarem usando sua obra de arte Isso é algo que muitas
pessoas parecem desconhecer. Portanto, existem dois tipos de
licenças de royalties de licenciamento
e licenças com taxa fixa Todos
nós estamos mais familiarizados com as licenças de royalties. Uma empresa licencia o uso de sua arte para seus
produtos e você receberá uma
porcentagem das vendas Esses pagamentos de royalties são
pagos a você em intervalos regulares, geralmente trimestralmente durante a
duração do contrato A licença de taxa fixa,
por outro lado, é quando uma empresa licencia o uso de sua arte por um período
específico de tempo e você recebe uma taxa fixa única
adiantada Quanto mais liberdade você der a eles direitos de uso mais
amplos ou um período mais longo,
mais você deverá cobrar. Você mantém os direitos autorais
da arte para poder licenciá-la em outro lugar. Uma vantagem das
licenças de taxa fixa é que você recebe muito
mais rapidamente do que com uma licença de royalties Mas as licenças de royalties
oferecem a melhor chance de
receber o Portanto, há prós
e contras em ambos, e isso só depende. Por fim, uma compra
ocorre quando você vende sua obra de arte e seus direitos autorais
diretamente para uma empresa, que significa que você não
tem mais nenhuma reivindicação sobre a Os bots devem cobrar
o preço mais alto porque você está abrindo mão completamente de
seus direitos Lembre-se de que essa escolha de carreira é um esporte de resistência,
não um sprint Pode ser muito
desanimador arremessar, arremessar e arremessar e
parecer que você não está chegando Você sente que corre para
fazer as coisas acontecerem e espera essa recompensa no final
do sprint, mas
nem sempre a recebe Na verdade, é muito
mais provável que
as pessoas não desistam ou percam a corrida, se preferir, quando resistência
delas acaba e elas não conseguem ou não podem
continuar a corrida Quando você corre com muita força,
lembre-se de
desacelerar e ter
espaço para sentir seus sentimentos, cuidar de
si mesmo e reenergizar para poder
continuar a maratona criadora de Mindfulnice,
Debby Lightman disse algo que
realmente me impressionou Na verdade, ela disse muitas coisas
que ficaram comigo, mas o exemplo que eu
queria compartilhar aqui é que ela disse: “ Descansar
também é uma ação, e é importante”. Envergonhar-se por
descansar quando precisa
não é bom e pode
estagnar Eu li uma história
sobre Stephen King, onde ele contou que
basicamente fez um jogo recebendo cartas de
rejeição. Então, todo mês, ele tinha meta de coletar uma
certa quantidade de nãos. Reformular isso dessa forma para
mim fez com que parecesse uma conquista em vez de um fracasso, porque eu
ainda estou Estou lançando, estou
fazendo o trabalho e posso me sentir orgulhosa de mim mesma por atingir a meta de cada mês Além disso, adoro qualquer coisa
que seja um pouco atrevida. E, para ser claro, considero a falta
de resposta
tanto aos meus e-mails de apresentação inicial quanto acompanhamentos como rejeições Então, eu também posso contá-los
na minha pilha. Ao longo dos anos, tive muitos momentos em que me senti sobrecarregada e estive
tão perto de desistir Mas fiz o
necessário para me
reenergizar e manter o
curso. Você também pode fazer isso.
3. 3 Uma nota atualizada sobre impressão sob demanda (POD): Eu queria dar a vocês
uma perspectiva atualizada sobre impressão sob demanda
porque aprendi algumas coisas desde que fiz a primeira
parte desta série que
acho que são muito valiosas para os designers de superfícies conhecerem. O que eu não sabia
naquela época é que existem serviços POD de
envio direto,
como Printifi, gelato,
contrado e Printed
Mint, entre outros,
que são sincronizados diretamente com
plataformas como Etsy e que são sincronizados diretamente com
plataformas como Bem, na verdade, eu
sabia que eles existiam, mas eles tiveram uma reputação produtos de
baixa qualidade
por muito tempo. O que eu não sabia é que a qualidade melhorou
muito ao longo dos anos. De qualquer forma, isso é um
divisor de águas para muitas pessoas pois significa que você pode vender produtos em
sua própria loja, e a
empresa de envio direto
cuida de todo o
atendimento Portanto, quando um cliente encomenda um produto com
seu design, você não precisa se
preocupar em imprimir, embalar ou enviar nada.
Tudo está resolvido para você Essa é uma grande vantagem
porque você consegue manter o controle sobre sua marca e o relacionamento com
seus clientes, o que não acontece da mesma forma com sites POD
no estilo de mercado. E se você sincronizar com o Etsy, poderá aproveitar o público
existente e o tráfego
incorporado Quando você fabrica
seus próprios produtos, você tem uma margem de lucro maior, mas outra coisa que eu
acho muito útil sobre POD é que você pode testar produtos e ver o que está
vendendo e o que não está usando POD, o que significa que você não
desperdiça muito dinheiro comprando estoque em algo que talvez não venda muito bem. Depois, há o fato de
que alguns artistas obtêm a maior parte de sua renda com opções de POD no
estilo de mercado ,
como Spoonflower Tanto para o dropshipping
quanto para o Marketplace POD, você precisa investir tempo em marketing e na
criação de seu público, mas eles são uma ótima
opção se você não tem espaço ou fundos
para inventário e pode continuar licenciando e apresentando trabalhos além disso.
4. Uma nota rápida sobre flexibilidade: Entendo. Digam isso comigo, pessoal. licenciamento não é a única opção, e acho que é algo
muito importante
lembrar ao construir
sua carreira em design de superfícies Muitos artistas se preocupam com licenciamento como
o objetivo final E embora o licenciamento seja ótimo, ser flexível na forma como você trabalha com
empresas pode ajudá-lo a fechar mais negócios e construir relacionamentos mais
fortes com os clientes Aqui está um exemplo realmente
prático de como isso pode acontecer. Digamos que você apresente
seu trabalho para uma empresa e receba uma resposta
do tipo: Adoro seu estilo, mas estou comprando para o
Halloween no momento e não vejo nada em
seu portfólio que
se encaixe no que eu preciso Em vez de simplesmente
aceitar isso como um beco sem saída e perder
o cliente em potencial, você pode se oferecer para criar
algo personalizado para ele. Você poderia dizer
algo como: Eu
adoraria criar uma
coleção de Halloween para Você está aberto a
encomendar trabalhos personalizados? Agora, eles podem não
ter o orçamento ou o tempo pode
não funcionar, mas ao ser flexível e
oferecer essa opção, você está mantendo a porta aberta. Se eles disserem não desta vez, você mostrou que
está disposto a colaborar e que
não é rígido na forma como trabalha O mesmo vale para aquisições
e licenciamento com taxa fixa. Se você está aberto a
isso, está
se dando mais oportunidades
de divulgar seu trabalho. Agora, as aquisições são
um pouco mais complicadas porque você não quer vender os direitos de seu trabalho
favorito Mas se
você faz peças às quais não se sente muito apegado e talvez seja
um artista muito prolífico, lembre-se de que existe a
opção de vendê-las imediatamente Além disso, estando aberto a
vender seu trabalho por meio de POD ou
por atacado no Etsy, Shopper v, Spoonflower,
etc., Ser flexível não
significa
dizer sim a tudo ou
comprometer seu valor. Significa apenas que você está aberto a
diferentes formas de trabalhar e que a abertura pode levar a oportunidades que você talvez não
tivesse considerado de outra forma
5. Os vetores são necessários?: Boa noite. Há um
equívoco comum no mundo
do design de superfícies que me preocupa as empresas
só aceitam arquivos vetoriais Permita-me acabar com
esse mito para você. Isso simplesmente não é verdade. Você não precisa dominar o
Adobe Illustrator ou qualquer outro
programa vetorial para se tornar um designer de
superfícies profissional Agora, é uma
ferramenta incrível de se ter em sua caixa de ferramentas que pode abrir uma ampla gama de oportunidades de
carreira,
e eu, pessoalmente, prefiro
criar padrões repetidos
no Illustrator ou afinity em vez Além disso, eles são muito
bons para logotipos gráficos de
mascotes e todo tipo de coisa. Os vetores são incríveis Adoro vetores, mas
você tem opções. Gosto muito de como a
ilustradora profissional Sarah Watts colocou isso em seu boletim informativo Pattern plus
process Substack O objetivo principal de
ser artista é expressar sua visão, e há muitos programas para escolher que se adequam melhor à
sua visão. Eu criei um link para Sarah's
Substack
na guia Projetos e Recursos Conheço muitos
artistas profissionais que compartilharam que, em sua experiência trabalhando como ilustradores
freelancers
e designers de superfícies, seus clientes ficaram felizes em usar
a arte Raster criada em programas como Procreate As empresas geralmente
compram arte
raster e arte vetorial Obviamente, existem
exceções a todas as regras e existem empresas que
preferem vetores Se isso é algo que
você deseja explorar, considere
aprender o Affinity Designer ou o Adobe Illustrator , mas esse não é o único
caminho Pessoalmente, uso
o Illustrator para desktop e
o Affinity
Designer para iPad
e adoro trabalhar Mas é um
processo e um
meio complicados que são muito
diferentes da arte rasterizada, ou seja,
arte baseada em pixels E, que é o que a maioria das pessoas novas mundo
da arte digital
está acostumada a usar Procreate e o Photoshop são programas
Raster.
Por exemplo, agora, isso não serve para desencorajá-lo de
aprender a usar vetores,
mas simplesmente definir mas O Procreate e o Photoshop são programas
Raster.
Por exemplo, agora,
isso não serve para
desencorajá-lo de
aprender a usar vetores,
mas simplesmente definir expectativas mais realistas.
Adoro vetores. Como eu disse, eles podem ser uma ferramenta
incrível, mas são uma ferramenta totalmente
diferente, e você não precisa
saber como trabalhar com
eles para ser um designer de superfícies
bem-sucedido
6. Algumas considerações sobre o tamanho da coleção: Boa noite. Eu queria falar um pouco mais
sobre o tamanho da coleção. Como mencionei na primeira parte
desta série, muitos artistas
trabalham principalmente em minicoleções de apenas três a quatro padrões com um padrão de herói e duas
coordenadas ou misturadores muito mais simples E aqui está algo
interessante. Alguns artistas só fazem
estampas de
heróis porque as estampas de heróis têm
maior probabilidade de serem vendidas na maior variedade
de categorias de produtos E essa é
uma estratégia absolutamente válida. Você realmente não precisa trabalhar em coleções
completas de padrões,
a menos que goste de acolchoar
e costurar Dito isso, ainda
mantenho o que disse na primeira parte
sobre trabalhar em coleções ser
incrivelmente valioso para desenvolver suas habilidades
como artista e designer. Por meio de design e
coleção após coleção, você está essencialmente construindo
sua compreensão de cor, complexidade, composição
e equilíbrio, o que leva a um trabalho geral mais coeso e polido Experimente criar uma coleção maior
e, se você gosta de
trabalhar dessa forma
, sabe o que
fazer daqui para frente. E se você ainda está com
dificuldades para saber o que fazer, considere onde você vê seu
trabalho e parta daí. Tente estudar um ou dois
setores nos quais você deseja ver seu trabalho e depois decida se eles justificam coleções
completas, minicoleções ou apenas
padrões independentes Se você se sentir inspirado a
voltar ao trabalho antigo e transformar alguns padrões independentes em coleções, ótimo Mas se isso não o entusiasma
ou parece demais, preocupe muito
, porque projetá-lo em coleções depende
da indústria
e não é absolutamente necessário Acho que o panorama geral
do seu portfólio é, na verdade, apresentar
um estilo coeso. O trabalho de um diretor de
arte é ver o potencial de sua obra de arte não importa o quanto
você tenha criado Portanto, eu absolutamente incluiria peças
autônomas
em seu portfólio se elas se encaixassem no seu estilo
exclusivo e você gostaria de
vê-las licenciadas
7. As coleções de design de superfície devem incluir apenas padrões repetidos?: Então, as coleções
de design de superfície devem incluir
apenas padrões repetidos Bem, a verdade é
que, a menos que você esteja se submetendo
a um setor que exija
padrões tecnicamente repetidos, como tecido ,
papel de parede e alguns produtos de decoração para
casa, só para citar alguns, não, sua coleção não
precisa ter Na verdade, é
uma boa ideia incluir também ilustrações
que não se repitam E apenas uma dica profissional, letras
à mão também
aumentarão seu portfólio Existe essa ideia
predominante entre os designers de padrões
iniciantes de
que as coleções de padrões devem incluir apenas padrões Mas a verdade é
que, na realidade, tantos produtos ou superfícies não exigem
padrões repetidos quanto aqueles que exigem Nos últimos cinco anos, ensinei
ou apoiei vários
cursos criativos on-line
nos cantos de design de superfície da Internet. E, honestamente, é meio chocante quantas
pessoas perguntaram a mim ou meus colegas da equipe de suporte
se não há problema em incluir
ilustrações
ao lado de padrões em
seus portfólios de design chocante quantas
pessoas perguntaram a mim ou a
meus colegas da equipe de suporte
se não há problema em incluir
ilustrações
ao lado de padrões em
seus portfólios de design de superfície. Claro, está tudo bem. Cartões comemorativos, camisetas, prato, adesivos, Essas são apenas algumas das
coisas que posso citar
de cabeça para baixo e que geralmente utilizam ou exigem ilustrações não
repetidas Eu tenho uma teoria sobre isso. Portanto, algumas das vozes
educacionais mais conhecidas e respeitadas
do setor se concentram
e enfatizam o design de
padrões de superfície, que é essencialmente
o subconjunto do design de superfície que
se refere especificamente a padrões repetidos Para ser claro,
não estou criticando essa ênfase no
design de padrões de forma alguma Criar padrões repetidos é uma
habilidade técnica complexa que é extremamente benéfica
para artistas que desejam vender seus trabalhos em
produtos para saber como Então, é claro, as pessoas
estão ensinando isso. Mas acho que o que acontece é esses líderes do setor ensinam o que fizeram
para alcançar o sucesso
e, na maioria das vezes, o que fizeram foi lançar
coleções completas de padrões para um grande sucesso. E então os alunos têm a tendência de querer
imitar seus mentores E então eles temem
que, se não estiverem fazendo exatamente o que seus mentores estão fazendo, estejam
fazendo algo errado Agora, imitar seus mentores não
é uma coisa ruim. Obviamente que não. É
por isso que os temos. Nós precisamos deles. E
precisamos que eles nos guiem. Mas o que eu acho muitos artistas esquecem é
que é uma orientação, não como um conjunto estrito de regras
que você tem que seguir. Eu mesmo fiz isso.
Fiz a mesma coisa alguns designers de
superfícies diferentes que eu admirava, que era ir ao Quilt Market e marcar reuniões com representantes de empresas de
tecidos para que eu pudesse mostrar a eles meu
portfólio na esperança conseguir um acordo de licenciamento ali
mesmo Na verdade, não consegui um
acordo durante a convenção, mas isso acabou me
levando a assinar meu
primeiro contrato de licenciamento Então, eu literalmente segui os passos dos meus
mentores, e valeu a pena Mas eu também
estava procurando tecidos, quais as coleções de padrões completos
são perfeitamente adequadas. Sou cursador de cursos em série. Eu coleciono cursos on-line como algumas pessoas
colecionam funko pops Então, eu sei com certeza que
os educadores de quem estou
falando sempre apresentam isso
como se essas fossem algumas das
melhores práticas E também, aqui estão
alguns outros exemplos outros
artistas que fazem
as coisas de forma um pouco diferente. Mas o que aprendi nos últimos cinco anos ocupando a posição única de
uma equipe de apoio
é que os alunos
ainda se preocuparão se não
seguirem essas diretrizes
estabelecidas pelo professor ou se sentirão sobrecarregados com
todas as opções
e, como tal, escolherão
o caminho mais fácil, que é
segui-los até o que eu disse, não
é necessariamente.
uma coisa ruim. Em última análise, isso resultou em
grandes coisas para mim. Eu só quero que você esteja
ciente disso para que possa fazer as melhores escolhas para
você e sua carreira. Agora, uma
escolha importante que você precisará
fazer é como organizar
seu portfólio. Você
o organiza por categoria ou por coleções
completas? Por exemplo, digamos que você tenha uma coleção floral
com estampa de herói, algumas coordenadas
e alguns liquidificadores Você mantém essa
coleção unida como um grupo coeso ou retira todos os
seus trabalhos florais de coleções
diferentes e os
agrupa Não há uma resposta certa. Realmente depende do que
você está lançando e para quem. Ao propor o desenvolvimento geral de
produtos ou qualquer categoria de produto que
não exija necessariamente coleções, recomendo organizar
seu portfólio por categoria, como flores,
feriados,
animais abstratos, berçário
e ilustrações editoriais feriados,
animais abstratos, berçário completas Mas se estiver buscando especificamente o
licenciamento de tecidos ou conjuntos
estacionários, eu reorganizo tudo por meio de coleções
completas
compostas por padrões de heróis,
coordenadas, liquidificadores e até coordenadas, liquidificadores Portanto, para concluir,
sinta-se à vontade para incluir ilustrações
não repetidas em seu portfólio,
se desejar Até mesmo
empresas de tecidos com parafusos os usam porque painéis de tecido e noções de
costura são
8. Dica de portfólio! Não inclua isso: Pode ser tentador incluir tudo o que você já fez em seu portfólio, caso algo
chame a atenção de um diretor de arte
. Mas o problema é o seguinte. Se você costumava criar,
digamos, convites de casamento e não quer mais
fazer convites de casamento, não os coloque Você vai
potencialmente atrair
a pessoa errada e o trabalho errado que não é mais
adequado para você. Por exemplo, eu costumava
fazer logotipos
e, bem, nunca
gostei muito deles. Tenho alguns
dos quais tenho muito orgulho, mas não
os mostro em lugar nenhum porque simplesmente não
estou mais interessado em fazer esse tipo
de trabalho. Isso me estressa. Isso tira toda a diversão de
fazer esse trabalho. E você sabe o que? Tudo bem. Seu portfólio
deve refletir onde você quer ir, não
onde você esteve. Se você apresentar um trabalho que
deseja criar mais, terá uma chance
muito maior de realmente fazer
mais desse tipo de trabalho. Seu portfólio está basicamente
dizendo aos diretores de arte É
isso que eu amo fazer e é
nisso que sou realmente bom. Portanto, seja intencional sobre
o que você inclui. Pense nisso como uma
curadoria do seu futuro, não apenas como uma exibição do seu passado Aqui está algo
que você deseja incluir. Na parte inferior de cada
página do seu portfólio, inclua seu site, informações sobre
direitos autorais e o melhor e-mail para entrar em contato com você. Dessa forma, se um
cliente em potencial estiver folheando seu PDF de várias páginas e
ver algo que ele adora, poderá observar imediatamente como entrar contato com você sem precisar
procurá-lo Não fiz isso no meu
primeiro ou segundo portfólio e me arrependo É muito simples e uma coisa muito fácil de colocar para que as pessoas
tornem as coisas mais fáceis para elas.
9. Escala e modelos: Bom. Na primeira parte, falei brevemente sobre
várias cores
e sobre como garantir que a escala e o posicionamento de cada padrão sejam consistentes em todas as cores do seu
portfólio Mas eu quero falar um
pouco mais sobre escala. Em primeiro lugar, seus padrões
podem ser apresentados em seu portfólio em qualquer
escala que você achar melhor. Se incluir uma
coleção de padrões, você deseja exibi-los
em escalas diferentes para mostrar como você os imagina
trabalhando lado a lado Mesmo que a escala final
acabe sendo diferente, o que geralmente acontece, você ainda vai
querer apresentá-las em escalas
diferentes aos
compradores em potencial, pois você quer que eles reflitam a aparência deles em
relação um ao outro da
forma mais próxima
possível. É por isso que muitos
artistas incluem uma página inteira ou meia página de suas gravuras de heróis em seus portfólios, para
que possam mostrar a repetição inteira em escala ou em uma escala próxima
à que imaginam Às vezes, gosto de incluir um padrão em uma escala maior
no quadrado ou retângulo e uma escala
menor em uma maquete. Dessa forma, você pode ver os detalhes e a repetição completa.
O céu é o limite. As empresas sempre trabalharão com você para garantir que a
escala esteja funcionando. se você está vendendo no POD ou produzindo
você mesmo, é uma boa ideia pedir amostras para testar a escala
e a cor. E por falar nisso, maquetes podem ser uma ótima maneira de mostrar seu trabalho em seu portfólio, especialmente se você estiver tentando ajudar colaboradores em potencial
a visualizar como sua arte poderia
ficar em seus ficar Ver seu padrão em uma
almofada, bolsa ou pijama pode causar
um impacto muito maior do que apenas ver o padrão se
repetir sozinho Isso ajuda os diretores de arte
a entender
imediatamente o potencial de seu trabalho e como ele pode se encaixar em
sua linha de produtos. Dito isso, maquetes
não são absolutamente necessárias e você não precisa
exagerar com Algumas maquetes bem posicionadas em todo o seu portfólio
podem ser eficazes, mas você não quer que
elas ofusquem os padrões ou Os padrões devem ser
sempre a estrela. Se você usa maquetes, verifique se elas são limpas, aparência
profissional
e relevantes para os setores que
você tem Existem muitos modelos de maquete
excelentes disponíveis on-line, alguns gratuitos e outros pagos, então é
muito fácil criar maquetes
sofisticadas sem precisar Vinculei uma das minhas fontes de maquetes
favoritas na
guia Projetos
e Recursos
10. RGB ou CMYK?: Boa noite Adeus.
Boa noite Seu portfólio deve
estar em RGB ou CMYK? Depende da aplicação. O CMYK é ideal para impressão, enquanto o RGB é ideal
para telas digitais Se você precisar de versões impressa
e digital, geralmente
sugiro
criar seu portfólio em CMYK primeiro e depois converter uma
versão digital em RGB especificamente para exibir
seu portfólio on-line,
em sites, mídias sociais, e-mail etc Quase sempre trabalho em CMYK e converto para
RGB quando necessário, porque é muito
mais fácil converter CMYK em RGB do que o
contrário, pois há muito mais cores na gama de cores
RGB O RGB pode nove em cada
dez vezes combinar cores
CMYK Pessoalmente, não
tive problemas com alterações no perfil de
cores que
faziam uma grande diferença
quando começo em CMYK, mas passei por algumas mudanças bruscas quando
costumava começar em Dito isso, isso foi há
alguns
anos e a tecnologia muda. E não notei
uma grande diferença na saída de cores quando inicio em RGB no meu iPad em aplicativos como
Procreate ou Há também o fato de que
muitas impressoras on-line, especialmente para
impressão sob demanda, usam impressão digital, que geralmente
pode lidar perfeitamente com
RGB Os livros de cores Pantom podem ser muito úteis para combinar CMYK, mas mesmo esses nem sempre fornecem a representação mais precisa de qual será o resultado final da
cor Por exemplo, tecidos
de algodão brancos e cremes variam. Portanto, as cores impressas neles também variam
um pouco. Portanto, independentemente do
que você comece, você sempre deve
pedir impressões de teste qualquer maneira para ter certeza de que está
satisfeito com as cores. Na maioria dos aplicativos de arte digital para desktop, você sempre pode exportar itens em modos de cores
diferentes
ou converter seus documentos cores
diferentes, se
esses modos de cores específicos
forem exigidos por uma empresa Dito isso, a
regra geral é a seguinte. Use RGB ao criar um portfólio digital ou
PDF para visualização on-line, exibindo seu portfólio em sites
on-line, mídias
sociais, e-mail, exibindo trabalhos em telas,
tablets ou telefones Use CMYK quando seu portfólio impresso profissionalmente Você está
mostrando especificamente o
design de impressão ; o destinatário
solicita explicitamente arquivos prontos para impressão
11. Uma nota rápida sobre contratos: Outra questão que vejo
surgir ocasionalmente é se você deve incluir um contrato
ao apresentar seu portfólio Não é algo que você
precisa incluir em seu portfólio porque os contratos não são realmente necessários até a próxima
etapa do processo. Cada empresa é diferente, e a maioria das empresas, a
menos que sejam novas e menos estabelecidas, terá seus próprios contratos
para você ler, fazer perguntas esclarecedoras e negociar, se É inteligente ter um
contrato em mãos para os
casos menos comuns de quando uma empresa interessada em trabalhar com você não tem
seu próprio contrato. E mesmo assim, não inclua esse contrato no envio do seu
portfólio. Lembre-se de que
talvez você também precise adaptar
esses contratos à empresa com a qual
você está potencialmente
fazendo parceria. Não sei por onde
começar com os contratos. Aqui estão algumas recomendações de
contratos, especificamente adaptadas para criativos e designers de superfícies Incluí esses links
na guia Projetos e
Recursos de acordo com o uso.
12. Dica de portfólio! Faça uma curadoria da empresa para a qual você está lançando: Bom. Lembra da minha história sobre ir ao Quilt
Market e, finalmente, conseguir um contrato de licenciamento
com uma Bem, em retrospectiva, percebi que
parte da razão pela qual tive sucesso é
porque meu portfólio foi adaptado especificamente à indústria de
tecidos acolchoados indústria de
tecidos Era minha meta número
um de licenciamento. Eu sonhava em ser designer de
tecidos desde 2015, então me arrependo disso?
Absolutamente não. Mas o que
notei nos anos seguintes é que
é muito mais difícil para mim garantir acordos de licenciamento em praticamente qualquer
outro setor Meu trabalho era tão
adequado para tecidos que quase não era adequado
para qualquer outra coisa, ou pelo menos era difícil para diretores de
arte de
outros setores vê-lo em seus produtos. O que me leva a entender por que é tão importante organizar suas propostas para as empresas
para as quais
você está fazendo Quero compartilhar algumas ideias
realmente valiosas que aprendi com a artista
e ex-diretora de arte
Corinne Wells, que tem uma
perspectiva realmente única de estar nos dois lados
do processo de apresentação Como de costume, seus detalhes estão vinculados na guia Projetos
e Recursos. Quando trabalhava
como diretora de arte, um dos maiores
erros que ela via artistas cometerem foi enviar arte
genéricas irrelevantes que não se
adequavam nem um pouco à marca para a qual
ela trabalhava A empresa para a qual Karin trabalhou como diretora de arte tinha um
estilo peculiar, voltado para o
caráter, e se
concentrava em pijamas vendidos em
lojas de presentes Era um nicho de mercado, mas
quase todas as propostas que ela
recebeu eram repetições de padrões bastante genéricas para
todos os fins Ela não tinha utilidade para a maioria delas. Mesmo que algo
pudesse ter funcionado, ela teria que reformulá-lo
para adicionar tipografia e uma impressão local
atraente,
e teria sido
mais trabalhoso do que valeu a pena para ela Aqui está o que ela realmente precisava. Uma impressão pontual pronta, que é uma
ilustração não repetida ou impressão de
posicionamento combinada com
um padrão coordenado Isso é o que realmente
teria chamado sua atenção e
economizado seu tempo, mas raramente aparecia em
sua caixa de entrada porque os artistas não
estavam adaptando suas propostas para atender às necessidades específicas da
empresa Os diretores de arte estão ocupados, então qualquer coisa que você possa
fazer para
facilitar o trabalho deles aumentará a
probabilidade de eles lhe darem
a hora do dia. A lição aqui é clara. Faça sua lição de casa. Dê uma olhada rápida no site de uma
marca e tenha uma ideia do tipo
de arte que ela realmente usa em seus produtos Se não combina com seu
estilo artístico , não se preocupe Mas se sua arte
puder realmente ajudá-los a vender mais produtos, comece a trabalhar em um argumento que chame a atenção Relevância é tudo.
13. Lançando seu portfólio: Adeus. Boa noite Tudo bem, então você
fez sua pesquisa. Você personalizou seu portfólio acordo com a empresa para a
qual deseja fazer uma proposta. Agora o que? Como é o
processo real de apresentação? Então, como você encontra as diretrizes de envio
da empresa ou as informações de contato dos diretores de
arte? Eu vejo essa pergunta
surgir o tempo todo. Isso é complicado. Você definitivamente
tem que fazer alguma investigação Consulte as páginas de
perguntas frequentes e as empresas em seus sites. Se não estiver no site deles, gosto de conferir o LinkedIn Primeiro, procurarei
a empresa e depois examinarei os funcionários da empresa. Mesmo assim, porém, o diretor de
arte pode não estar no Linktn ou ter
um título diferente, como diretor de design
ou diretor criativo E mesmo
que você os encontre, eles podem não incluir
seus e-mails. No entanto, analise o perfil
deles com atenção pois eles podem incluir instruções de
envio. Use o LinkedIn somente para encontrar
as informações de contato. Não use o sistema
interno de mensagens do Linktn para colocar seu portfólio
diretamente Se tudo mais falhar, solicite as diretrizes de envio. Não gosto de usar
esse método com muita frequência, mas às vezes você pode encontrar informações de
contato
nas redes sociais. Procure a empresa para a
qual você está interessado em fazer uma
proposta e, em seguida, envie uma mensagem direta e
pergunte se ela tem diretrizes de envio
para artistas que desejam potencialmente
colaborar em um projeto licenciamento ou compra de
arte,
se você estiver No entanto, se eu precisar solicitar diretrizes de
envio, prefiro enviar um e-mail para
o e-mail de suporte geral da empresa e pedir
educadamente as diretrizes de
envio ou informações de contato relevantes me enviaram diretrizes de
envio ou informações de contato do diretor
de
arte Algumas empresas diferentes me enviaram diretrizes de
envio ou informações de contato do diretor
de
arte,
enviando por e-mail seu e-mail de
contato geral E em um desses casos, fui contratado como
novo designer. Então, vamos falar exatamente sobre aparência de
um
e-mail de apresentação eficaz. Seu objetivo é
tornar o mais fácil
possível para um
diretor de arte dizer sim para você. E isso significa que você não está
apenas apresentando sua arte, mas também como colaborador,
alguém profissional, confiável e com quem é fácil trabalhar Eu quero que você reconheça seu
valor como artista. Seja sua maior líder de torcida. Ninguém mais vai
defender mesma forma
que você pode
defender a si Então, como você realmente escreve um e-mail de apresentação que gera resultados? Primeiramente, lembre-se de que a pessoa para quem você está enviando um e-mail
é apenas uma Eles têm muita coisa
acontecendo em suas vidas e seu trabalho é encontrar arte
incrível para colocar em produtos. Eles querem encontrar você. Eles querem descobrir novos
artistas cujo trabalho será vendido. Então, com isso em mente, aqui estão os principais componentes
de um e-mail de apresentação bem-sucedido. Mantenha sua linha de assunto
clara e profissional. Personalize sua saudação, use o nome deles, se
você puder encontrá-lo Isso mostra que você
fez sua lição de casa. Apresente-se brevemente e destaque o que torna
sua arte única. Qual é o seu estilo? Por que seu trabalho seria
adequado para a marca deles? Compartilhe links para seu portfólio ou um PDF personalizado em vez de
compartilhar anexos volumosos, a
menos, é claro, que eles tenham solicitado arquivos
especificamente Encerre educadamente com
um sincero agradecimento. Mantenha-o aquecido, mas profissional. Se você não receber uma resposta,
entre em contato em algumas semanas. Se eles não responderem
ao acompanhamento, considere mais um toque suave
duas a três semanas depois. Então, a partir daí,
você pode
começar a procurar
novos trabalhos em,
digamos, dois a seis meses. O acompanhamento é uma grande
parte do sucesso do licenciamento. Os artistas que realmente
têm sucesso são
aqueles que fazem apresentações com frequência e
acompanham várias vezes. Eles não consideram o
silêncio como rejeição. Eles interpretam isso como um
sinal para tentar novamente. Lembre-se de coletar essas notas
e a consistência é fundamental. Incluí um PDF de modelos de
e-mail muito
útil para você baixar e personalizar, que você pode encontrar na seção
Baixar recursos, na guia Projetos
e recursos
14. Você precisa de uma marca estabelecida ou de muitos seguidores para garantir acordos de licenciamento?: Boa noite. Costumo ver estudantes se
preocuparem com a necessidade de se estabelecer ou ter
um grande número de seguidores Essa é uma pergunta
que eu respondi de um aluno em um dos cursos em
que participei. Então, eles perguntaram: se você
quer criar produtos com sua
marca e é novato,
sites de POD ou impressão sob demanda
são realmente sua única opção, supondo que o custo de
fabricação seja muito Existem
empresas de licenciamento
interessadas em que os colabs
reduzam a marca C, ou isso é reservado apenas
para designers mais Consegui um contrato de licenciamento com a empresa de tecidos
Riley Blake Designs, sem uma
marca estabelecida e com muito poucos seguidores, menos de dois mil seguidores no
Instagram na época, e menos Portanto, não, as oportunidades de licenciamento não
estão reservadas para designers
veteranos Os diretores de arte estão muito mais interessados
na qualidade do
seu trabalho do que
nos seus seguidores. Pode ser útil ter
experiência com licenciamento, pois isso é um sinal
automático para diretores de
arte de que você é um profissional que sabe
o que está fazendo Hum, mas não é a única maneira de obter
sucesso no licenciamento Não ter essa experiência não
é uma barreira à entrada. Isso está em um campo diferente
ainda na ilustração, mas não no design de superfície, mas ainda
acho que é relevante Tenho um livro que será lançado no
próximo ano com a publicação de David e Charles sobre
como desenhar caricaturas modo geral, os editores de
livros gostam se você tem
seguidores para vender, mas meus seguidores
ainda são relativamente pequenos Tenho cerca de
2.700 seguidores no
Instagram e cerca de 1.600 assinantes do
boletim informativo Mas minha arte e
o fato de eu ter ministrado uma curta
aula sobre ela aqui no Skillshare foram suficientes
para que eles aprovassem o livro. Não deixe que a falta de seguidores ou de experiência
profissional o impeça de perseguir seus objetivos
criativos de carreira Outra coisa importante a
lembrar é que você não
precisa incluir todas as suas
obras de arte em seu portfólio A qualidade do seu trabalho é
muito mais importante do que a quantidade. Especialmente se você está
apenas começando. O que você inclui em
seu portfólio realmente depende do tipo de trabalho de
licenciamento que você deseja obter, mas você deseja incluir o melhor dos melhores que você tem a oferecer
atualmente Quando atualizo meu portfólio, sempre alterno as coisas para
que meu trabalho mais recente esteja na frente, onde os possíveis diretores de
arte o verão primeiro
15. Considerações finais: Para o seu
projeto de classe, gostaria que você fizesse a mesma coisa que
pedi na primeira parte. Compartilhe uma captura
de tela do seu trabalho
atual ou um link para o portfólio
do seu site, Instagram ou Contrast,
e ficarei feliz oferecer qualquer
feedback possível E então me diga qual será seu
próximo passo. Se você
ainda não tem trabalho para compartilhar, tudo bem. Basta digitar uma frase ou
duas sobre seus próximos passos. Lembre-se de que essas etapas podem ser tão simples quanto pesquisar
uma empresa, enviar um e-mail de apresentação ou esboçar por 5 minutos Concentre-se nas tarefas menores e
mais fáceis que
acabarão por levar a
seus objetivos maiores. Também criei links para recursos
adicionais
no corpo principal da guia
Projetos e Recursos. Todos os PDFs são iguais
aos do P one para download,
exceto pelo pitch
Email Templates PDF, que é totalmente
exclusivo da segunda parte, então não deixe de baixá-lo Quando você estiver pronto para
compartilhar seu projeto, basta clicar no botão
Enviar projeto da Big Blue. Uma coisa importante a ser observada
é que você só pode criar um projeto de classe por meio de um computador
desktop ou laptop. Você não pode criar um por meio de um dispositivo móvel ou do aplicativo móvel
Skillshare Se você tiver problemas ou tiver
algum problema, poste suas perguntas
na seção de discussões da classe e farei o possível para respondê-las o mais
rápido possível. Espero que você tenha gostado dessa
aula e a tenha achado valiosa. Mas, independentemente disso, deixe um comentário para que você possa ajudar a mim
e a seus colegas. Realmente não consigo expressar o quanto sou
grata às pessoas
que deixam avaliações. Gosto de ler todos eles. Se você quiser se manter
atualizado com o que estou oferecendo aqui, por
exemplo, se quiser saber quando
minha próxima aula está
chegando ou quando eu publico atualizações de aulas antigas
ou faço sorteios de assinaturas, não se esqueça de clicar
no botão Seguir Você também pode me seguir
na Melissa Lee Design no
Instagram ou se
inscrever no Instagram ou se
inscrever meu boletim informativo
educacional mensal,
HuesMHS, no meu site Obrigado novamente por se juntar a mim. Espero que você tenha achado
essa série de aulas inspiradora e encorajadora Como sempre, desejo a você
tudo de bom e mal posso esperar para ver aonde suas carreiras o levarão. Olá.
Melissa Lee, allow yourself to fail before you succeed
