Aventuras com guache acrílica: começando

1. Introdução: Oi, eu sou Alanna, e eu sou uma artista, e ilustradora, e uma professora de topo aqui na Skillshare. Em 2017, comecei em uma aventura com gouache acrílico. Todos os Illustrators legal que eu amo estavam usando, então eu splurged em alguns tubos. Mas havia um problema, eu não tinha idéia de como usá-lo. Ao contrário da aquarela, não havia muitos recursos disponíveis para me ajudar a aprender sobre guache acrílico, e ainda não há. Comecei a experimentar e não parei desde então. Eu me apaixonei. O gouache acrílico é um meio fantástico e amigável para iniciantes. É brilhante e divertido. É cremoso para pintar. Seca rápido e caminha como um sonho. Através de tentativa e erro, eu descobri truques e técnicas para obter os efeitos que eu queria de guache acrílico, e eu quero compartilhá-los com você. Esta aula será o guia de introdução para guache acrílico que eu nunca tive. Vamos começar explorando os suprimentos que você precisa para começar, então vamos começar em três aulas. Cada seção da aula contará com exercícios e um pequeno projeto que trabalharemos juntos passo a passo para aplicar as técnicas que aprendemos. Se você está procurando um mergulho profundo no belo mundo do guache acrílico, esta classe é a que você estava esperando. Mal posso esperar para ver o que você cria. Vamos começar. 2. Seus projetos!: Nesta aula, estaremos trabalhando em três aulas, cada uma com pequenos exercícios e um projeto final de pintura para que possamos colocar nossas novas habilidades em prática. Por que vidas mortas você pode perguntar? A resposta é, estou absolutamente obcecado. Desde o século XVII, artistas têm usado naturezas mortas como o assunto perfeito para aprender, crescer e experimentar. Naturezas mortas oferecem a oportunidade perfeita para praticar suas habilidades com composição, cor, pincelada e textura enquanto pinta da vida real em vez de referências fotográficas. Ao contrário de uma pintura paisagística, uma vida morta não depende do tempo. Embora eu tenha incluído algumas fotos de referência para cada projeto no guia de recursos, eu encorajo vivamente você a encontrar coisas em torno de sua casa e pintar da vida real. É realmente a melhor maneira de treinar seu olho, vez de confiar em uma fotografia onde alguém cuidou da composição para você. Agora vamos rever rapidamente o projeto para cada lição. Na lição 1, estaremos cobrindo os fundamentos de trabalhar com lavagem acrílica. Isso incluirá encontrar sua proporção certa de tinta para água para preencher áreas e criar linhas consistentes. Também exploraremos a diferença entre tintas opacas, translúcidas e granuladas. Para a lição 1, nosso projeto será um jarro, jarro , garrafa ou pote. Na lição 2, vamos passar para composições mais complexas usando camadas. Também nos concentraremos no controle de pincel e na correção de nossos erros. Para a lição 2, seu projeto será pintar um arranjo floral de vida morta. Então, na lição 3, vamos mudar nosso foco para cor. Como misturá-lo usando gráficos de mistura de cores e jogar na página. Para esta lição, seu projeto será uma tigela de frutas ainda vida. Se você não tem frutas, os vegetais também funcionarão. próprio Van Gogh pintou batatas mais de uma vez. Ao postar seu projeto no Skillshare, eu encorajo você a incluir seus exercícios, seu projeto final, as histórias por trás de sua peça e o que você aprendeu. Adoro ler as histórias por trás do seu trabalho e ver o seu progresso. Se você não sabe por onde começar, sinta-se à vontade para ver meu projeto para se inspirar. Mal posso esperar para ver as coisas lindas que você cria. 3. Materiais que vou usar: Nos próximos vídeos, estaremos cobrindo uma tonelada de informações sobre marcas de guache acrílico, cores e outros suprimentos que você precisará para trabalhar com guache acrílico. Mas eu sei que nem todos vocês vão precisar dessa informação detalhada, então eu pensei, “Antes de entrarmos em uma discussão detalhada sobre materiais, eu poderia fornecer-lhes um detalhamento de todos os suprimentos que usarei no decorrer deste classe.” Você também pode encontrar essa lista no guia de recursos na seção do projeto. Então, se você já tem gouache acrílico, você não precisa de mais informações sobre materiais de arte e você se sente pronto para entrar, vá em frente , apenas faça isso. Basta saltar para o vídeo intitulado Lição 1 para começar. Para o resto de nós, vamos nos preparar para aprender sobre materiais de arte. 4. Uma observação sobre guache: Antes de começarmos, queria esclarecer exatamente o que estamos falando quando falamos de guache acrílico. Existem duas grandes categorias de guache, tradicional e acrílico. guache tradicional é feito com goma arábica como aquarela, e pode ser reanimado mesmo depois de seco. É calcário e seca em uma cor fosca plana. Também pode ser chamado de gouache de designer, guache de artista, guache de estúdio, guache fino, ou inexplicavelmente gwosh. Não é o que estamos focando nesta aula, embora você seria capaz de fazer a maioria dos exercícios com guache tradicional. Estamos à procura de guache acrílico. Também pode ser chamado de gouache acrílico ou gouache acril. Eu não sei porquê. Talvez só para se meter connosco. gouache acrílico é um meio que foi projetado para se parecer com guache tradicional, mas tem uma base de tinta acrílica. O guache acrílico seca, fosco, plano e opaco, ao contrário da tinta acrílica tradicional, que geralmente tem alguma translucidez. Acho que o guache acrílico é muito mais cremoso do que o guache tradicional. Aqui está a parte mágica. Ao contrário do guache tradicional, o guache acrílico não pode ser reativado com água. Isso significa que uma vez que sua tinta seca, não há reutilizá-la, mas também significa que você pode pintá-la camada sobre camada sem que as cores se misturem. É ótimo para cobrir erros e para criar composições detalhadas e em camadas com cores vibrantes. Como o gouache acrílico é baseado em tinta acrílica, você também pode usá-lo em madeira, lona, vidro e outros materiais, mas que será o foco das classes de recursos. Aqui, vamos nos concentrar em começar no papel. Agora que entendemos que tipo de tinta procurar, vamos explorar algumas das marcas populares de guache acrílico. 5. Marcas de guache acrílica: Nesta seção, vamos cobrir algumas marcas de gouache acrílico para que você possa se sentir confiante de que está comprando o que é certo para você. Vamos olhar para Holbein, Turner, e Liquitex marcas gouache porque essas são as que minha loja de arte local vende. Vamos começar com lavagem acrílica Holbein, meu favorito pessoal. Esta é uma tinta de lavagem acrílica de qualidade profissional carregada com pigmento. É o mais caro das marcas a partir cerca de US $0,38 por mililitro aqui no Canadá. É cremoso e vibrante. Há também muito pouca mudança de cor entre tinta molhada e seca, tornando mais fácil combinar cores e misturar tinta. A lavagem acrílica Holbein também é muito estável no tubo. Eu possuo mais de 60 tubos, e nenhum deles secou ou se separou mesmo que leve cerca de um milhão de anos para terminar um tubo. Existem 107 cores disponíveis, incluindo neons, pastéis, cores ashley e metálicos. Não é uma gama exaustiva de cores, mas mais do que suficiente para a maioria dos propósitos. Agora, vamos ver a lavagem acrílica Turner. Existem duas variedades da lavagem acrílica Turner, a lavagem acrílica regular e as cores japonesas. Ambos começam em cerca de US $0,24 por mililitro. A lavagem acrílica regular é brilhante e vibrante e vem em muitas cores e acabamentos; 167, para ser preciso. Existem cores metálicas, cores peroladas, neons, pastéis, tons acinzentados e cores Lemay que pegarão a luz e o brilho. Eu não uso uma tonelada de lavagem acrílica regular Turner, embora alguns artistas adorem. Eu acho que ele tende a se separar ou secar no tubo, o que realmente me incomoda. Quando a tinta se separa, posso misturá-la, mas quando começa a secar, isso é um problema real porque não pode ser renovado, e torna-se lixo, e eu realmente não gosto de desperdiçar Pintura. As cores japonesas são um pouco diferentes. Estas tintas japonesas têm uma textura ligeiramente clara projetada para imitar tintas japonesas tradicionais, que são feitas de pigmentos minerais esmagados, conchas, corais e pedras semi-preciosas. As tintas são maravilhosamente cremosas para trabalhar com, mas com uma textura seca e ligeiramente corajosa que eu absolutamente amo. Há realmente uma chance real de que essas tintas coloridas japonesas podem se tornar meus favoritos e bater fora Holbein algum dia. Acabei de comprar um monte de novas cores e mal posso esperar para brincar com elas. Existem 69 cores japonesas para escolher. As cores japonesas tendem a ser mais suaves e dura em seu rosto do que outras marcas. Eles incluem muitos vermelhos quentes, amarelos macios e belos verdes. Eles até têm um preto azul, que é o mais próximo que encontrei do guache cinza e acrílico de Payne. Agora, finalmente, vamos olhar para o guache acrílico Liquitex. É um novo concorrente no mundo do guache acrílico. Comprei uma garrafa quando chegou à minha loja de arte porque adoro guache acrílico e estava interessado. É a menos cara das opções que discutimos, chegando em cerca de US $0,19 por mililitro. Mas achei que era uma profunda decepção. Não é opaco nem mate, nem sei se deve ser considerado guache. Seca em dois tons, quase, porque o pigmento não parece estar muito bem incorporado na tinta. Também seca brilhante e translúcido. Eu aconselho seriamente contra a compra desta marca. Nem é mais barato. Considerando que é destinado a ser usado não diluído, por isso é muito mais aquoso do que as outras tintas. Ele também tem a gama mais limitada de cores. Existem algumas outras marcas de guache acrílico. A maioria deles não estão amplamente disponíveis, que significa que eles não os vendem em nenhuma das minhas lojas de arte locais, é por isso que eu não os revisei aqui. Dito isto, recomendo fortemente as tintas da marca Holbein ou Turner. O preço um pouco alto pode ser um pouco intimidante quando você está começando, mas você vai obter resultados muito mais consistentes e você só terá um tempo muito melhor pintando quando você investir em bons suprimentos. Você não precisa de muitas dicas para começar. Agora que cobrimos as marcas de guache acrílico, vamos olhar um pouco mais de perto para os tubos para entender nossa tinta. 6. Lendo os tubos: Aviso justo. Este vídeo vai ficar um pouco técnico. Estamos prestes a investigar todas as informações que encontrar em cada tubo de Turner ou Holbein acrílico Gouache. Essas informações podem ajudá-lo a combinar cores dentro de uma pintura, misturar cores com confiança, garantir que você tenha contraste suficiente e escolher as tintas certas para que você esteja pintando não desapareça com o tempo. Cada tubo de tinta tem o nome da cor, o número da série e o código de cor nele. Estes são todos específicos para a marca e não são úteis para muito. A informação que procuramos são os pigmentos, a resistência à luz, e a escala Munsell. Em cada tubo de tinta, você encontrará um código de três ou quatro caracteres ou uma série deles que indica o pigmento usado para criar essa cor. Se você quiser ficar realmente nerd, você pode procurar o que esses códigos se referem no link nas notas abaixo. Mas o que é mais importante saber é que as tintas com menos pigmentos são geralmente consideradas melhores para misturar, uma vez que se comportam de forma mais consistente e previsível. Encontrar tintas que são feitas do mesmo pigmento também pode ajudá-lo a encontrar cores que combinam porque eles têm os mesmos tons ou que podem ajudá-lo a encontrar substituições quando você ficar sem a cor que você pode realmente precisar. Os pigmentos em um determinado tubo de tinta também podem se relacionar com a solidez da luz. Em cada tubo, você encontrará uma série de estrelas que indicam permanência ou solidez da luz. Isso se refere a se os pigmentos nesse tubo específico de tinta desaparecerão ao longo do tempo quando expostos à luz UV. Mais estrelas significa que essa pintura em particular é mais permanente. Isso realmente não importa para imagens que você vai digitalizar e manipular digitalmente, mas se você estiver usando as tintas para criar uma obra de arte para exibi-la em suas paredes, provável que você queira escolher tintas que não desapareçam quando expostas à luz. Você vai notar aqui que uma estrela ou pigmentos sem classificação já começaram a desaparecer na minha janela ensolarada depois de apenas uma semana. Finalmente, em cada tubo, você também encontrará uma escala Munsell, um pequeno guia que lhe dá muita informação. Em tubos de tintas Holbein, a escala Munsell está claramente disposta. Você verá matiz, valor e croma, todos exibidos em um pequeno gráfico. A tonalidade é a cor. Então, por exemplo, meu azul pavão diz dez BG para azul, verde. O valor é a escuridão ou a leveza da tonalidade. Assim, a escala vai de 1 a 10, onde os números mais baixos são mais escuros. Aquele azul pavão tem um valor de quatro, por isso está um pouco mais perto da extremidade escura do espectro. Finalmente, o croma ou saturação refere-se a quão brilhante ou silenciosa é a tonalidade. Todas essas informações podem ajudá-lo a garantir que suas cores combinem, têm contraste suficiente e não são muito dang brilhante. A escala Munsell também aparece nas tintas de Turner, mas é um pouco mais difícil de ler. Na etiqueta adesiva na parte de trás do tubo, você encontrará uma série de números como este. O primeiro número 341 é o número de referência de Turner para essa cor específica. O A é o número da série. Você não precisa disso. Então, é aí que você encontrará a escala Munsell, 2GY é a tonalidade, 7,5 é o valor e seis é o croma. Agora, vamos passar para uma nota rápida sobre cor. 7. Uma observação sobre guache: Vamos falar por um minuto sobre comprar cores. Um conjunto de mistura pode ser uma ótima maneira de começar com guache acrílico. Turner, Turner Japanesque e Holbein têm conjuntos adoráveis. Eles terão cores primárias e um preto e um branco, para que você possa misturar todos os tipos de tons diferentes. Mas se você está em um orçamento limitado ou aqueles conjuntos de mistura deixá-lo se sentindo um pouco sem inspiração, é absolutamente aceitável para apenas comprar algumas cores que você ama. Foi assim que comecei a minha colecção de guache acrílico. Você não tem que comprar uma paleta completa. Você pode apenas trabalhar em rosa, azuis ou verdes se é isso que desperta seu interesse e inspira você a pintar. As cores que deixam você animado para pintar são as melhores cores para trabalhar. No entanto, eu recomendo um preto, um branco, e alguns outros tubos de guache. Se você optar por ignorar cores primárias ou cores próximas às cores primárias, seu exercício de mistura intuitivo na lição 3 ficará um pouco diferente. Mas o objetivo desse exercício é experimentar a mistura de cores para construir uma compreensão mais profunda da sua pintura, então sinta-se livre para substituir as cores como quiser. Em seguida, discutiremos as outras ferramentas e materiais que você precisará para trabalhar com gouache acrílico. 8. Outros suprimentos e materiais: Nesta seção, abordaremos todas as ferramentas e materiais necessários para completar os exercícios e projetos desta aula. Também abordaremos como sua escolha de materiais afetará suas pinturas para que você possa encontrar com confiança os suprimentos que se adequam à maneira como deseja pintar. Vamos começar por falar de papel. O papel pode ser descrito por peso ou por densidade. De qualquer forma, você está procurando algo forte o suficiente para absorver tinta sem deformar muito e sem deixar pequenas manchas de tinta na superfície de sua pintura. Papel para guache deve estar entre 90 e 140 libras ou entre 150 e 300 GSM. Uma vez que o gouache acrílico tem uma consistência mais espessa do que a aquarela, ele pode ser usado em papel mais fino ou menos denso com resultados surpreendentemente bons. No entanto, na extremidade inferior do espectro, o seu papel terá maior probabilidade de deformar e pintar poderá ficar um pouco mais na sua página, uma vez que o papel não a absorverá. Na extremidade superior, o papel será capaz de absorver mais água, o que lhe dará áreas de tinta mais suaves. Quando se trata de textura de papel, geralmente você tem três opções: imprensa quente, imprensa fria e áspera. As texturas de papel podem variar muito entre as marcas, mas, em geral, a pressão quente é um papel muito suave com pouca ou nenhuma textura de papel ou dente. É ótimo quando você está trabalhando com gouache e não quer nenhuma textura de papel. Isso torna muito fácil digitalizar em suas imagens e limpá-las. papel prensado a frio, por outro lado, tem mais textura de papel ou dente. Tem uma quantidade média de textura dependendo da marca que você está usando. Você terá mais escovação seca neste papel e tinta vai ficar um pouco mais. Depois há um papel áspero com textura ao máximo. Este artigo irá adicionar um interesse visual extra às suas pinturas. Pessoalmente, eu amo um monte de textura, mas apenas tenha em mente que digitalizar papel áspero leva um pouco de tempo extra e esforço se esse é o seu plano. Também pode ser interessante notar que, se você estiver colocando lápis de cor em camadas em seu guache, uma textura de papel áspera impedirá que você obtenha uma camada lisa de pigmento de lápis colorido na página. O material de que o seu papel é feito também pode afetar seus resultados durante a pintura. O papel de algodão é amplamente considerado o melhor. É absorvente de uma forma que o papel à base de árvore não é. O papel de algodão geralmente é mais caro. marcas que usam papel de algodão incluem Stonehenge da Legion, Arches , Fabriano, Artistical e as almofadas mais sofisticadas do papel Canson. Papel feito de boas árvores velhas é outra boa opção, embora você possa achar que é menos absorvente e menos texturizado. Você também pode encontrar papéis reciclados, papéis bambu e papéis de plástico. Eu não experimentei com estes. Se você está apenas começando, eu sugiro ficar com algodão ou papel à base de árvore. A seguir é a cor. A maioria dos jornais vem em branco, e é um ótimo lugar para começar. Embora alguns esboços como os livros da Moleskine Watercolor tenham papel branco mais quente. Isso significa que tem um tom ligeiramente amarelado. Se você estiver interessado, Legion carrega muitas cores diferentes de papel em sua linha Stonehenge, incluindo preto, branco quente, cervo , artesanato, azul pálido e muito mais. Uma nota rápida antes de passarmos do papel. Alguns dos papéis caros podem ficar bastante caros, e isso é porque eles são feitos de materiais melhores. Eles vão absorver sua tinta mais prontamente para dar-lhe áreas consistentes de cor em oposição a um papel mais barato como este, que é marca nível acadêmico de Michael que não absorve tinta também. A tinta vai se sentar na superfície do seu papel em vez de absorver nele, pode deixar algumas manchas e inconsistências na cor. Eu sempre sugiro obter os melhores materiais de arte que você pode pagar. Mas isso não significa esticar seu orçamento até seu limite. Para esta aula, vou usar as almofadas de aquarela Canson XL porque são boa qualidade e me dão papel suficiente para experimentar sem me sentir muito precioso com o meu trabalho. Posso cometer erros e começar de novo sem sentir que tenho que chorar porque gastei muito no maldito jornal. Agora, vejamos os pincéis. Para guache acrílico, uso escovas de aquarela. O guache acrílico não reanima e pode secar no pincel. Este não é o lugar para uma obra-prima chique de cabelo de sable que custa mais do que um jantar chique. Prefiro escovas sintéticas de boa qualidade, mas não ótimas. Como eles enfrentam a lavagem, eu faço para tirar o guache das cerdas, mas eu não tenho que ser muito precioso com eles. Meus pincéis favoritos são escoda domesticada. Eu fico com apenas três tamanhos de pincel redondo, um zero, dois, e um quatro ou seis dependendo do dia. É tudo o que preciso para fazer 90% do meu quadro. Mas isso vai depender do que você gostaria de pintar. Para esta classe, já que estamos pintando principalmente formas orgânicas, escovas redondas são provavelmente uma boa aposta. Pincéis planos são melhores para pintar coisas quadradas, como arquitetura ou formas geométricas. Uso meus pincéis planos para pintar amostras. Tenho pincéis de Princeton Neptune para este propósito. Eles são muito caros, mas a cor verde de espuma foi demais para eu deixar passar. Uma escova plana mais acessível e um tamanho de meia polegada certamente faria o truque. Depois de pincéis, minha ferramenta mais usada é meu lápis. Esboço tudo antes de pintar. Isso me permite focar na composição e no planejamento enquanto faço esboços que eu tenha menos decisões a tomar enquanto estou pintando. Se você está apenas começando a pintar, eu recomendo esboçar primeiro porque então quando você colocar pincel no papel, você terá menos decisões a tomar. Meus lápis preferidos são os lápis de cor Prismacolor, especificamente um pêssego pálido e não-foto cores azuis, porque as cores que eu uso são tão leves, eu muitas vezes nem mesmo apagar quaisquer linhas vadios como eles estão apenas adicionando a uma linda qualidade gestual nas minhas pinturas. Mas as linhas também apagam muito bem. O outro benefício dos lápis de cores é que eles não mancham como um lápis de grafite faria. Sou super pesado quando estou desenhando. Então, se eu esboçar com um lápis de verdade, eu acabo com manchas e manchas em todos os lugares. Quando você está pintando, todo esse pó de grafite extra pode se misturar com sua tinta e deixar as coisas um pouco cinzentas. Em geral, o papel aquarela não tolera muito apagamento. Irá perturbar as fibras e pode fazer sua pintura se comportar um pouco estranho quando você começar a pintar. Nos casos em que planejo pintar algo complexo, faço esboços no meu caderno de esboços ou no iPad e, em seguida, transfiro o esboço para papel aquarela usando minha lightbox ou papel carbono. Eu também uso fita de gouache para criar bordas nítidas ao redor das bordas das minhas páginas. Tenho fita adesiva, mas acho que é muito pegajosa e tende a rasgar as bordas do meu papel. De qualquer forma, eu recomendo colar qualquer fita que você está usando na parte de trás de sua mão primeiro para diminuir a aderência um pouco para que sua página será nítida e adorável quando você remover a fita. Eu tenho este protip do incomparável Dylan M. Se você quer uma borda consistente, você também pode usar um lápis e uma régua para delinear meia polegada, um quarto de polegada de borda, em seguida, usar essas linhas como guias para onde colocar sua fita. A última coisa importante que você vai precisar para trabalhar com guache é água desde a pintura. Você vai precisar de um recipiente que segure água para adicionar à tinta e lavar seus pincéis. Você também pode desfrutar de usar um pequeno fantoche ou uma garrafa de spray com apenas a quantidade certa de água para o seu guache. Eu também tenho um limpador de escova mestre na mão para tirar todo aquele guache de acrílico das minhas cerdas. Um pouco vai muito longe quando você está trabalhando com pequenos pincéis. Finalmente, você vai precisar de algo para segurar sua tinta. Eu uso uma paleta de cerâmica ou papel paleta, vez que ambos são fáceis de limpar e não acabam manchados. Você pode facilmente esfregar a paleta de cerâmica ou jogar o papel da palete depois de preenchê-lo. Uma vez que o guache acrílico não se reativa com água, você quer algo fácil de limpar ou jogar fora. Eu também uso papel toalha para secar minha escova e apenas para controlar a quantidade de tinta em minhas cerdas. Vou reutilizar um pedaço de toalha de papel de cerca de um milhão de anos, se pudermos dizer. É isso. Isso é tudo que você precisa saber. Vamos saltar para a nossa primeira lição sobre a sua relação água/tinta. 9. Aula um: áreas de cores: Olá, e bem-vindos à nossa primeira lição. Ao longo deste vídeo, vamos nos concentrar em obter a proporção certa de tinta para água, ou devo dizer, encontrar nossa proporção certa de tinta para água, porque não há realmente uma maneira certa de usar guache acrílico. Este primeiro exercício é encontrar a proporção certa para você, a fim de preencher grandes áreas de cor. Estaremos pintando uma série de quadrados ou retângulos em diferentes opacidades de tinta para ter uma idéia de como nossa pintura funciona. Tudo o que você precisa é um lápis, uma borracha, um pedaço de papel aquarela ou seu caderno de esboços, qualquer um vai fazer, e um pouco de Gouache, e eu acho que também um pincel e água e todas as coisas que você precisa usar Gouache. Você pode ficar tentado a apenas me ver fazendo este exercício por ele. Eu encorajo você a pegar suas tintas e experimentá-lo por si mesmo. Cada tubo de guache acrílico tem uma personalidade diferente por causa dos diferentes pigmentos que compõem cada tubo de tinta. Por favor, pegue alguns tubos de tinta e vamos começar. Enquanto eu incluí modelos de tamanho de letra que você pode imprimir e rastrear, Estou esboçando minhas diretrizes com uma régua porque eu simplesmente amo usar uma régua aparentemente. Qualquer maneira que você queira esboçar seus guias para esses experimentos é absolutamente perfeito. Estou desenhando guias para criar uma grade de cinco por cinco que eu possa explorar minha proporção de tinta para água com cinco tintas diferentes. Se você tiver mais tintas, você pode personalizar isso para qualquer tamanho que você precisar. Assim que eu tiver meus guias no meu papel aquarela, eu vou apenas colar as bordas. Isso me dará uma linha nítida e clara nas bordas da minha pintura e também impedirá que meu papel deforme se eu usar um pouco de água demais ou se eu estiver usando papel menos caro. Geralmente, você quer gravar até o limite, mas eu não estou muito preocupado com essa deformação porque é apenas um exercício. Não estou criando uma pintura acabada. Assim que tivermos o papel gravado, podemos começar a pintar. Pegue um tubo. Qualquer tubo de Gouache e aperte-o para fora em sua paleta ou paleta de papel. Estou usando algumas cores particulares para que eu possa mostrar algumas das propriedades do Gouache acrílico. Esta primeira cor é magenta clara, e eu vou usá-lo quase inteiramente não diluído. Vou molhar o meu pincel e pintar no meu primeiro retângulo. Mesmo que estejamos usando a tinta grossa, não queremos deixá-la grossa na página. Eu quero suavizar minha dor em uma camada uniforme para evitar rachaduras porque ao contrário da tinta acrílica, acrílico Gouache não é ótimo para criar textura tridimensional em sua página. A primeira coisa que você vai notar é que o Gouache é muito grosso e não completamente espalhável. Eu até adicionei um pouco mais de água para que eu possa obter linhas nítidas para a borda. Com esta opacidade da tinta, é muito fácil obter efeitos de escovação a seco e sua cor geralmente vai ser opaca. Especialmente com uma cor como esta, magenta clara que é uma cor calkier, que é opaca em praticamente qualquer consistência. Agora, vamos adicionar um pouco mais de água e passar para a próxima caixa nesta fileira. Você vai notar que assim que você começar a adicionar a menor quantidade de água, você vai começar a obter mais textura. Você será capaz de ver suas pinceladas, que significa que muitas vezes considero minhas pinceladas como na pintura. Neste caso, como é um retângulo eu tento manter as pinceladas bastante paralelas ao longo do retângulo. Eu realmente gosto de usar Gouache em diferentes opacidades para coisas diferentes. Pintar nesta opacidade média onde é muito translúcido é algo que eu amo para camadas e construir cores. Por outro lado, eu usaria uma opacidade grossa de tinta para uma camada base de tinta no início de uma pintura para criar uma camada consistente de cor abaixo de tudo. Pode valer a pena notar que, enquanto tinta acrílica pode começar a descamar se você regar demais, eu nunca tive esse problema com Gouache acrílico. Estas consistências finais de tinta são aquelas que eu raramente uso por conta própria, mas eu gosto de adicionar pequenos salpicos de água como eu estou pintando, para criar áreas de menos translucidez e áreas de mais translucidez para adicionar um monte de profundidade ao meu Pinturas. Agora, que terminamos nossa primeira fila, vamos pegar mais alguns tubos de tinta para explorar como eles se comportam em diferentes proporções de tinta para água. Agora, que criamos escalas com alguns de nossos tubos de tinta podemos começar a ver as diferenças entre cada dois. primeiro tubo de magenta é muito opaco comparado com todas as outras cores. Considerando que o azul prussiano ao lado dele é muito translúcido. Na verdade, é uma das minhas cores favoritas para trabalhar com, mas nunca vai ser opaco a menos que você adicione outras cores a ele. Você pode ver as pinceladas mesmo quando ele sai diretamente do tubo. À medida que você rega-lo, ele começa a granular um pouco. A terceira cor lá, a pintura colorida japonesa, tem muita textura corajosa que você não encontra nas outras tintas. Você pode ver as pinceladas um pouco, mas é mais opaco do que qualquer uma das cores em ambos os lados. À medida que o regas, mantém-se bastante consistente. Não granula. Enquanto nos movemos para a quarta fila, esta cor rosa faz algumas coisas loucas. É um pigmento com o qual gosto muito de trabalhar. Não é estável à luz. Ele vai desaparecer ao longo do tempo porque tem pigmento fluorescente nele. Mas ele granula o wazoo assim que você adicionar água a ele, e você recebe grandes pinceladas direto do tubo. É uma tinta muito cremosa para trabalhar. Outra pintura que eu realmente amo trabalhar com é este azul smalt final. É mais opaco como nossa magenta leve, mas você tem um pouco de pinceladas com ele. Agora, que terminamos este exercício, convido você a pintar, se você ainda não o fez. Experimente isto. Você pode ver apenas a partir destes poucos exemplos, as diferentes personalidades que você pode encontrar em seus tubos de Gouache. Na próxima parte desta lição, estaremos explorando nossa proporção de tinta para água, focando em criar linhas exatamente como você deseja. 10. Aula um: linhas e textura: Nesta seção, vamos explorar linhas e texturas com Gouache acrílico. A magreza ou espessura de cada tubo de tinta, juntamente com a proporção de tinta para água, afetará o tipo de linhas que você pode fazer, sejam elas expressivas e um pouco gloppy e imprevisível ou se elas serão lisas, nítidas e Claro. Eu vou usar exatamente as mesmas cores para este experimento como eu usei para a primeira lição sobre áreas de cor porque eu acho que ele vai nos dar uma chance de realmente explorar as qualidades dessas tintas. Já sabemos quais são translúcidos, quais são opacas, e quais fazem coisas loucas. Vamos ver como isso afeta nossas linhas. Faremos duas linhas de retângulos para cada cor. Começarei no primeiro retângulo, fazendo linhas com tinta não diluída. Esta é uma tinta calcária e você pode dizer de como eu estou tentando fazer linhas que ela não cria linhas muito consistentes quando não está diluída. A tinta não flui pelo pincel, então você terá áreas grossas e finas, que é ótimo para linhas expressivas ou para criar certas texturas, mas não tão ótimas para quando quiser delinear uma forma ou criar uma forma suave e linhas uniformes. Agora, vamos tentar um pincel maior e uma linha mais expressiva com curvas e curvas. Da mesma forma, vemos muitas variações na cor e no tamanho da linha. Em seguida, vamos nos concentrar em apenas uma textura divertida e rápida para ver como pequenos traços de tinta se comportam. Você vai ver porque a tinta é gloppy no pincel, ele cria marcas realmente inconsistentes de escotilha. alguns são muito pequenos, alguns são muito grossos, alguns são mais escovação seca em efeito, e alguns são muito opaco. Agora, vamos diluir a tinta para 50% e repetir os mesmos três experimentos curtos. Começaremos primeiro com linhas e nosso pequeno pincel. Essas linhas já são muito mais delicadas e consistentes. Mesmo que eu esteja pintando no ângulo estranho e tornando-os um pouco oscilantes, você pode obter muito mais detalhes com uma tinta mais molhada. Mesmo que essas linhas sejam um pouco menos opacas e possam ficar bastante pálidas, é muito mais provável que você obtenha linhas consistentes e previsíveis quando sua tinta é mais fina. Isto é, quando você tem mais água nele. Se você quiser uma cor mais opaca, você pode passar por cima dela em várias camadas. Essa é a magia do guache acrílico. Estou fazendo uma eclosão texturizada agora com a mesma tinta diluída, e você pode ver que a cor é muito mais consistente. Os traços são muito mais consistentes. Eles são mais delicados e são muito mais leves. Mas tudo bem, desde que seja o que você está esperando. Agora que terminamos essas pequenas experiências com nossa primeira cor, vamos tentar algumas outras cores para ver como elas se comportam. Agora que terminamos de pintar todas as cores, podemos começar a notar padrões na maneira como a tinta se comporta. A primeira coisa a notar é que a tinta não diluída lhe dá linhas imprevisíveis, quer esteja a eclodir ou a criar trabalho em linha. O que podemos tirar disso é que sempre que queremos criar linhas retas consistentes e suaves, basta adicionar mais água à sua tinta. Vai tornar a tua vida muito mais fácil. A outra coisa que podemos notar é que essas tintas calcárias são muito mais espessas, mesmo diretamente para fora do tubo do que as tintas translúcidas. Tintas translúcidas podem criar algumas linhas consistentes e patchwork mais detalhado, mas elas ainda vão obter linhas mais bonitas e consistentes se você molhar. Dito isto, essa cor rosa ainda vai lhe dar alguns efeitos muito legais, até mesmo diluído porque é uma tinta granulada. Você terá muita dimensão em suas linhas e muita gradação em seu trabalho de linha mais grosso e expressivo. Agora que entendemos a proporção de tinta, precisamos obter os efeitos que queremos em nosso trabalho de linha. Vamos passar para uma parte fundamental da minha prática, fazendo amostras de toda a tinta que eu tenho para que eu possa entender as cores. 11. Aula um: criação de amostras: A próxima coisa fundamental que eu faço para trabalhar com gouache acrílico é criar amostras. Eu crio amostras de cada cor de tinta que eu tenho. Primeiro de tudo, porque as cores no tubo não são precisas, criar amostras me permite saber exatamente qual é a cor da tinta no tubo, como ela vai aparecer no papel que eu uso e isso vai me dar uma compreensão do propriedades desse tubo particular de tinta; seja opaco ou translúcido, seja granulado, todas essas coisas. Há tantas maneiras diferentes de criar amostras. Você pode usar papel aquarela solto ou seu caderno de esboços, mas eu amo gouaches soltos porque eu posso misturar e combiná-los para chegar a paletas de cores. Aqui está o meu método para fazer amostras que demonstram a opacidade da minha pintura. Primeiro, eu pego um quadrado de 2 polegadas por 3 polegadas de papel aquarela. Eu tenho um cortador de papel chique que eu uso para cortar estes, mas você pode simplesmente usar tesoura ou rasgá-los se você quiser. Eu uso uma pequena régua para medir 1 a partir de baixo. Aqui é onde eu vou colocar todas as minhas informações de pintura; o nome da cor, o número, a marca, então eu sei exatamente a que pintura esta amostra se refere. Então, vou amarrá-lo. Você absolutamente não tem que amarrá-lo para baixo. Eu só faço isso que eu tenho uma linha nítida entre onde eu estou escrevendo e onde minha tinta está. Eu também gosto de colocar um pedaço de papel paleta atrás para proteger minha mesa. Gouache acrílico vai apenas esfregar fora da maioria das superfícies, mas se eu não tiver que esfregar minha mesa depois de fazer amostras, então isso é realmente um bônus. Agora, eu só espremo minha tinta. Assim como temos feito em todos os exercícios até agora, eu gosto de incluir duas opacidades de tinta em minhas amostras. Eu gosto de usar não diluído ao longo do topo para que eu possa ver as propriedades mais opacas. Então eu mergulho meu pincel na água e termino a amostra com uma versão diluída da tinta. Você não precisa de muita tinta para isso, então você definitivamente não está desperdiçando nenhuma tinta. Então, eu só entro e crisp qualquer uma das bordas para ter certeza de que está totalmente coberto de cor. Você também deve ter notado que acabei de tirar um pêlo de gato da minha amostra também. Eu tenho um gato e isso significa que muitas vezes o cabelo dela entra nas minhas pinturas. Às vezes você pode arrancá-lo com um pincel molhado, mas se isso não funcionar, pegue uma escova de secador e use isso para tirar o cabelo ou se você não se importa, deixe lá. Agora, vamos rasgar nossa fita e escrever nossa informação de identificação. Às vezes, eu vou usar uma caneta à prova d'água para isso, mas agora eu estou apenas usando lápis porque lápis também é impermeável e eu posso mudá-lo se minha caligrafia é terrível. Você quer usar algo à prova d'água se você for como eu, porque eu uso muito essas amostras. Eles sentam-se à volta da minha mesa de arte, ficam manchados, manchados e empurrados e se tivessem uma tinta não à prova d'água, eles rapidamente se tornariam ilegíveis. Se você quer uma maneira mais chique de fazer amostras, eu recomendo usar isso. Isso é ótimo se você estiver usando suas amostras como adereços para quando estiver tirando fotos de seu trabalho ou se você realmente quiser apenas informações visuais claras sobre as cores que você está usando. Isso cria cada amostra como seu próprio pequeno trabalho artístico. Eu começo apenas criando um quarto de polegada de borda ao redor da borda do meu papel de 2 polegadas por 3 polegadas. Então, eu vou gravar em torno dessa borda esboçada, a fim de criar linhas nítidas e limpas sem ter que se concentrar no meu pincelado. Agora, vou preencher esse retângulo com a minha cor. Você pode usar o mesmo método que usamos antes, onde nós degradamos a cor para ver mais das qualidades da tinta ou como eu estou fazendo aqui, você poderia apenas criar uma amostra de uma única opacidade de tinta, qualquer que seja opacidade com a qual você gosta de trabalhar, qualquer cor da tinta vai lhe dar o máximo de informações que você precisa quando você está pintando. Agora, vou secá-lo e remover a minha fita. Vou colocar todas as minhas informações sobre a marca, o número e o nome desta tinta na parte de trás do cartão para que ela não fique visualmente desordenada na frente onde eu vou usá-la. Repito este processo com cada tubo de tinta que possuo para entender cada tubo de tinta e usar como referência visual para criar paletas de cores para minhas pinturas. Agora, que temos nossas amostras e temos uma compreensão completa da proporção de tinta para água que gostamos de usar, vamos passar para a nossa primeira pintura. É jarro, jarro, garrafa ou maconha. 12. Projeto um: esboço: Para este projeto, estarei trabalhando com um pedaço de papel aquarela 9x6. É apenas um dos pedaços de papel Canson XL cortados ao meio. Ao cortar o papel ao meio, acabei de me dar áreas menores cobertas com tintas. Consigo concentrar-me mais na pintura. Sinta-se livre para trabalhar com seu papel aquarela em qualquer tamanho que você quiser. Começo como começo todas as minhas pinturas: criando uma borda ao redor da borda. Isto irá garantir que o meu trabalho seja centrado e apenas crie um quadro mais profissional para a minha pintura. Assim que esta fronteira terminar, vou começar a esboçar. Eu escolhi esboçar em Procreate porque isso me faz sentir muito menos ansioso. Não sou um sketcher competente, apesar de ter feito isso há tanto tempo. Gosto de esboçar em algo que não é meu papel aquarela, então não acabo estragando a superfície com linhas de lápis duras e marcas de borracha. Você pode esboçar em seu caderno de esboços, em seu papel, ou de qualquer maneira que você se sinta mais confortável. Como uma pessoa auto-identificada, eu não amo esboçar porque é tão dependente da linha. Eu costumo fazer um esboço muito solto que eu posso aprimorar e mudar enquanto eu estou pintando, porque a pintura é um meio muito mais baseado em forma. Só estou empurrando grandes áreas de cor. Eu começo todo o meu esboço focando no espaço negativo, que é a área em torno do meu assunto e não o próprio assunto. Isso realmente funciona com meu cérebro baseado em forma porque é uma forma muito mais clara e você pode ignorar a maioria dos detalhes. Depois de me concentrar nisso e ter um esboço áspero, eu aprimorá-lo para se tornar um esboço nítido, e então eu adicionar detalhes por último. Em suma, meu esboço demorou cerca de 10 minutos, que não é muito longo, importa o quão ruim eu diga a mim mesmo que estou em esboçar. Você vai notar que meu bico é um pouco confuso e imperfeito, mas tudo bem. Seu esboço não tem que se parecer com o que você está vendo na sua frente. A beleza de pintar uma vida morta é interpretar o que você vê à sua maneira. Então, se parecer um pouco estranho, está tudo bem. Agora, vou transferir o meu esboço para papel em aquarela. Você pode fazer isso usando uma caixa de luz, uma janela ensolarada ou papel de transferência de carbono, mas seja qual for a maneira que você usar, ficará bem. Agora, vamos começar a pintar. 13. Projeto um: pintura: Agora que temos nossa transferência de esboço para papel aquarela, eu prendo meu papel, isso só impede que o papel se deforme. Você quer gravar na borda da página se você está tentando evitar distorções, mas este é apenas um projeto para esta classe, e não é uma ilustração acabada que eu vou usar ou vender, então eu estou jogando um pouco solto. Se você está preocupado que sua fita esteja muito pegajosa, fique à vontade para enfiá-la no braço ou na mesa primeiro, depois descasque-a e cola-a na pintura, para que não corra o risco de rasgar as bordas. Meu próximo passo quando começo uma pintura é escolher cores de base. Como eu não estou planejando misturar nenhuma cor para este projeto, eu estou apenas escolhendo para minhas amostras. Estas são as cores que eu pensei que iria se adequar ao design que eu quero fazer. Todos os marrons para o meu jarro, e algumas cores roxas para elogiá-lo do meu fundo. Vou começar com um roxo claro para o meu fundo atrás do jarro. Eu sempre gosto de começar com o fundo em vez do jarro porque eu posso pintar sobre guache. Se estou um pouco confuso com o meu passado, tudo bem. Posso limpá-lo enquanto pinto o jarro. Poupa tempo, e é muito divertido começar apenas pintando grandes áreas de cor. Eu vou tentar não pintar muito sobre a área que meu jarro vai ser porque eu não quero camada muita tinta, porque você vai ter alguma translucidez, e ser capaz de ver um pouco da cor através. Eu também tendem a fazer a minha camada base em lavagem muito grossa. Este é basicamente o mais grosso que eu usá-lo. Tem algumas pinceladas, especialmente nesta cor, mas é principalmente opaco e plano. Não é aguado. Você não está vendo muito do jornal. Isto é apenas para que eu tenha uma área consistente de cor por trás da minha pintura, para começar a construir profundidade e camadas. Eu costumo misturar meu guache com água em pequenas quantidades, se eu estou apenas misturando do tubo. Assim, não tenho de me preocupar em desperdiçar um monte de tinta. Mas se eu estou misturando cores de várias cores, eu tendem a misturar muito mais dessa forma eu não tenho que se preocupar obter uma mistura consistente cada vez, porque eu vou ter tinta suficiente para o que eu quero usá-lo para. Enquanto estou pintando nesta grande área, está secando porque o guache seca rápido. Eu só estou limpando as bordas e adicionando uma camada extra de tinta nas áreas que eu acho que poderia usar um pouco mais de opacidade. Agora vou mudar para a minha próxima cor. Eu gosto de usar dois tons diferentes da mesma cor para meus fundos nestes porque eu quero que o foco seja no meu assunto, o jarro, não em um fundo de calças extravagantes. Neste caso, vou usar um roxo escuro. Você vai notar toda vez que eu estou preenchendo uma grande área de cor, quando eu primeiro mergulhar meu pincel no guache, eu não vou para as bordas das coisas que eu quero delinear. Eu vou para as grandes áreas. Só depois disso eu começo a me mover para as bordas mais precisas que eu quero fazer. Isso só significa que eu tenho gouache menos grosso no meu pincel. Isso me dá um pouco mais de controle sobre a área que estou pintando. Você também pode notar que eu passo sobre as mesmas áreas mais de uma vez. Isto é apenas para garantir que eu tenha uma camada lisa e consistente de tinta. Como mencionei no vídeo Áreas de Pintura, guache acrílico não tem as mesmas qualidades que a tinta acrílica. Você não pode deixá-lo grosso e texturizado em três dimensões porque ele vai quebrar. Em vez disso, eu gosto de rever todas as áreas que eu pintei várias vezes, para garantir que eles são suaves e vai secar exatamente do jeito que eu quero que eles. Agora, vamos passar para a camada base do nosso jarro. A primeira coisa que você pode notar é, “Ei senhora, esse amarelo não é o amarelo para o seu jarro modelado, velho, sujo, de bronze”. Eu sei que caras, mas eu sempre gosto de começar as áreas que eu vou adicionar detalhes, especialmente algo tão funky como aquele jarro na cor mais clara possível. Mesmo que você possa camada de gouache, é sempre mais fácil camada de cores escuras em cima da luz porque você vai obter alguma translucidez. Parte dessa cor base vai aparecer. Além disso, ele só vai torná-lo muito mais fácil para dar meus destaques jarro, porque as cores claras são um pouco mais difícil camada em cima de cores escuras, isso vai torná-lo para que eu tenha uma ótima base para fazer rosto brilhante e brilhante. Se você tem um monte de detalhes em seu jarro, esta é a parte onde eles podem começar a ficar um pouco enlameados. Esta é outra razão pela qual eu gosto de esboçar em um programa como o Procreate ou em um caderno de esboços, porque então eu sempre tenho a cópia intocada do meu esboço que eu poderia usar como referência, para que eu saiba onde meus detalhes devem chegar. Agora que eu estou preenchendo o interior deste espaço mais complexo, eu realmente mudei para um pincel menor. Quero dizer, eu poderia estar usando meu pincel maior. A maioria desses espaços não são tão detalhados, mas isso me dá muito mais controle sobre as áreas em que estou trabalhando. Você também verá que eu estou adicionando algumas linhas extras, detalhes apenas para apontar para mim mesmo onde esses detalhes vão mentir quando eu começar a adicionar camadas de tinta. Agora que estou trabalhando no meu assunto em vez dos meus antecedentes, estou prestando especial atenção às minhas pinceladas. Porque eu trabalho com meu guache em uma opacidade onde você pode ver as pinceladas, eles vão ficar visíveis na minha pintura final. Então eu quero ter certeza de que eles estão complementando a forma que eu estou pintando. Nas porções redondas do meu jarro, eu estou seguindo as curvas e nas porções retas, eu estou indo em um movimento paralelo para os lados da corrida. À medida que sigo esta alça, estou a curvar-me ao longo da alça. Seria chocante ver pinceladas atravessando a alça porque não é assim que nosso olho quer ver essas linhas de liderança. Algo que você não pode ver está acontecendo fora da câmera, eu provavelmente deveria ter mencionado antes agora, eu tenho um jarro de água apenas ao lado de onde eu estou pintando. Eu mergulho meu pincel lá para lavá-lo entre as cores, mas eu também apenas mergulhá-lo em sua intermitentemente para manter minha escova úmida e para garantir que nenhum guache seca no meu pincel, porque não é divertido para limpar. Estou indo para a primeira camada de profundidade no meu jarro agora. É realmente aguado. Na verdade, eu estava com um pouco de medo de criar toda a textura no jarro, então eu queria começar com algo que não seria... Inrealizável, se isso faz sentido. Eu queria ter certeza de que era cor clara o suficiente para pintar sobre qualquer área que não pareça o que eu queria. À medida que começo, procuro áreas mais escuras no jarro. Quaisquer que sejam as áreas que tenham essas sombras, é onde vou colocar a tinta. Não estou tentando ser muito precioso. Quero dizer, eu estou usando o pincel mais pequeno do mundo por alguma razão, mesmo que eu poderia estar usando um pincel maior neste momento, mas tudo bem. Quando você está tentando reclusão, geralmente é melhor usar um pincel maior porque você apenas obter linhas mais imprevisíveis, e isso lhe dá um pouco menos para ser precioso sobre. Uma coisa que você também vai notar é que eu não estou apenas delineando meu jarro. Acontece que foi um erro de novato que cometi há algum tempo. Quando você coloca um contorno áspero do lado de fora da forma que você está tentando fazer parecer tridimensional, ele apenas faz com que ele pareça fora. Porque a realidade é que nem todas as bordas da sua forma serão linhas duras. Então, apenas preste atenção em quais bordas cubram sombras escuras em que não. Você vai notar que enquanto eu estou pintando através disso, vez em quando eu vou voltar e adicionar uma cor mais escura a certas áreas do jarro. Isso é porque essa área da minha tinta secou para que eu possa continuar construindo camadas de cor. Se você tentar colocar a cor enquanto ela ainda está molhada, ela não criará uma camada de cor, ela só se fundirá. Mas uma vez seco, você pode criar cores mais escuras colocando em camadas sobre as áreas que você já pintou. Se você quiser acelerar o processo de secagem, você pode usar absolutamente um secador de cabelo. Vai torná-lo muito mais rápido. Geralmente uso um o tempo todo, mas não trouxe meu secador de cabelo para a mesa onde estou pintando nesta seção. Se você estiver usando um secador de cabelo para secar seu trabalho, você só quer ter certeza extra de que não há piscinas de água ou tinta porque o secador de cabelo irá empurrá-los ao redor. É outra razão para ter certeza que você suaviza sua tinta enquanto você vai. Agora, vou passar para a próxima sombra que vou usar, um âmbar mais escuro e cru. Eu realmente gosto deste tom porque eu acho que ele tem um pouco de verde para ele, e eu acho que ele realmente vai fazer com que ele pareça como bronze manchado. Eu vou regar esta tinta bastante significativamente, assim como eu fiz com a primeira sombra que eu usei no meu jarro porque eu quero que muitas das cores abaixo para mostrar através. Você também vai notar que quando eu estou regando tintas bastante, eu começo colocando uma gota na minha paleta e regando para baixo e então eu vou mover um pouco de tinta para outro pequeno poço e adicionar mais água. Para mim, isso só me dá mais controle sobre a quantidade de pigmento e tinta que tenho à minha disposição. Eu posso adicionar mais pigmento conforme necessário sem ter que espremer mais fora do tubo, e eu posso adicionar mais água como eu achar melhor. Durante todo este processo. Estou constantemente a olhar para o meu jarro. Ainda não estou no palco onde minha pintura fala por si, então não estou olhando para as formas que eu já fiz para descobrir onde seriam os destaques. Estou constantemente fazendo referência para frente e para trás, olhando para o meu jarro, parando e refletindo sobre onde a luz e as sombras estão. Outra técnica que gosto de usar é deixar uma borda molhada enquanto estou trabalhando. Esta é uma técnica comum em aquarela, mas eu acho que ele funciona muito bem com guache também, especialmente quando você está usando desta maneira não opaca. Se eu deixar uma borda molhada na área em que estou trabalhando, posso continuar a adicionar cor e vai parecer uma área de cor sem costura. Considerando que se eu deixar a borda secar ou se eu usar a tinta muito fina na borda do que eu estou trabalhando, ele irá criar diferentes áreas de cor distintas como as camadas de guache sobre si mesmo. Você também acabou de testemunhar uma das minhas técnicas favoritas e isso é apenas usar minhas mãos. Muitas vezes, um pincel terá um pouco de pigmento ou um pouco de água, então se eu estiver procurando misturar a borda do que estou trabalhando, às vezes eu apenas empurro a tinta com o dedo. É muito confuso e realmente apela para o meu filho interior e funciona. Você pode chegar a esta fase de sua pintura e desespero. Isto é o que eu chamo de fase feia. Você está pintando é meio caminho para se tornar algo real, como uma pintura real de uma coisa, mas ainda não está lá. A maioria de suas idéias estão meio acabadas e é realmente fácil entrar em sua própria cabeça neste momento. Eu sei que eu faço. A questão é que você não pode julgar um quadro pelo meio e se você parar agora, você está pintando nunca vai chegar a essa fase bonita. Sempre vai ficar na fase feia e você pode até acabar contando a si mesmo essa história sobre como você não pode realmente pintar porque você sempre faz coisas feias. Mas o truque para sair da fase feia é realmente muito simples. É só perseverança e confiança. Você tem que confiar que seu olho está vendo as coisas certas e confiar que sua mão pode imitá-las. Mesmo que você ainda esteja aprendendo, tudo bem. Porque quanto mais você fizer isso e empurrar através e se permitir resolver problemas criativos em tempo real, mais confiante sua mão e seus olhos vão ficar. Eu mudei para uma sombra mais escura agora. Na verdade, é a mesma tinta. Este é o âmbar cru e ele só tem um pouco menos de água agora. Acabei de desenhar um pouco dessa tinta mais altamente pigmentada do meu centro bem, para o poço onde estou trabalhando. Eu só estou passando e adicionando ainda mais profundidade e dimensão. Para mim, adoro adicionar camada sobre camada de tinta, a fim de adicionar detalhes e dimensão. É uma maneira fácil de fazer menos pressão. Porque se eu entrar com uma cor realmente escura de guache imediatamente, e eu não tiver minhas sombras no lugar certo, então será muito mais difícil passar por isso e torná-lo a cor certa depois. Você vai até notar que eu estou realmente deixando meus destaques provavelmente maiores do que eles são no vaso original e isso é só porque é difícil entrar e adicionar destaques depois que olhar tão vibrante. Então eu estou sendo muito cauteloso sobre a maneira como eu entro nessas áreas com minha pintura. Não quero adicionar muita cor cedo demais. Como eu estou trabalhando com cores mais escuras, você vai começar a notar que eu começo a usar minha toalha de papel muito. Isto é apenas para controlar a quantidade exata de líquido que está no meu pincel. Não quero que meu pincel esteja muito molhado e escuro, e não quero que meu pincel seja imprevisível, especialmente quando estou fazendo linhas mais finas e controladas, como o que estou fazendo agora. Dito isso, acabei de passar por cima com tinta grande e mole. No entanto, a técnica é a mesma. Para linhas consistentes que são muito previsíveis, você deseja controlar a quantidade de água em seu pincel e isso inclui certificar-se de que não há gotejamento no bit de metal do seu pincel. Porque se houver viagens lá em cima, enquanto você está pintando, eles vão puxar para baixo em suas cerdas e adicionar mais água à sua tinta do que você está esperando. Então, certifique-se depois de enxaguar a escova, que você está limpando quaisquer gotículas sobressalentes. Vou continuar adicionando camadas de profundidade e dimensão até chegarmos à parte onde começo a adicionar detalhes. Então vamos enfrentar o cabo, sombras, todos os outros pedaços que precisamos para juntar este quadro. Agora peguei meu pincel minúsculo para começar a capturar os detalhes do meu jarro. Estou usando tinta fina para criar linhas nítidas, limpas e consistentes. Você vai notar que eu passei muito tempo agora apenas girando minha tinta, certificando-se de que eu tenho absolutamente a quantidade certa de tinta no meu pincel. Porque com linhas detalhadas como esta, é realmente difícil desfazê-las porque eu tenho tanta profundidade e textura por baixo delas. A outra coisa a ter em mente é que essas linhas detalhadas não precisam ser perfeitas. Estou tentando pintar o que vejo, mas a beleza de uma vida morta é pintar o que você vê através de seus próprios olhos. Se as linhas acabarem um pouco vacilantes ou irregulares ou acabarem exatamente onde você planeja que elas estejam, tudo bem. Não precisa refazê-las. Você poderia simplesmente abraçar a imprevisibilidade, o processo de pintura e partir daí. Comecei pintando minhas linhas bem distantes e decidi que não era isso que eu queria. Então eu só preenchi com mais linhas no meio. Seu jarro, jarro, garrafa ou pote, pode ter detalhes totalmente diferentes dos meus. Na verdade, ele quase definitivamente tem detalhes totalmente diferentes dos meus, mas você pode apenas confiar no seu instinto e no que você vê. Você está pintando um frasco com belos pequenos motivos florais espalhados pela superfície ou tipo, ou quem sabe o que mais poderia estar em sua coisa bonita que você está pintando pessoalmente. Mas você pode confiar em seus olhos, confiar no que você está vendo, e apenas segui-lo e abraçar ser solto e expressivo com seus detalhes. Eles não têm que se parecer com o jarro que você vê antes de você. Você está criando uma coisa totalmente separada, uma pintura de vida morta pela sua. Não tem de reflectir a vida real. Meu trabalho que estou pintando não se parece exatamente com o que vejo antes de mim, especialmente com a parte do bico. Não sei porquê, mas acho que é o ângulo em que estou sentado. Toda vez que eu olho para ele, eu vejo para a abertura e faz com que o bico venha todo estranho. Mas está tudo bem. Estou abraçando e quero ver onde isso me leva. Porque uma pintura, ao contrário de uma fotografia, não tem que parecer a vida real. Você não é uma câmera. Você é um ser humano com uma mão instável e imprevisível. Agora, eu comecei a trabalhar no punho. Quando eu trabalho em um cabo como este eu estou prestando especial atenção às sombras, porque às vezes se você não fizer, o cabo vai parecer que está flutuando sobre seu vaso ou jarro, ou vai parecer que não é realmente anexado. Você quer ter certeza de que está aterrado com sombras exatamente onde você as vê. Sombras são a parte mais mágica quando você está pintando e elas são minha obsessão atual, provavelmente porque eu sou tão obcecada com naturezas-mortas. As sombras dão peso ao seu trabalho. Eles fazem parecer que está descansando em algo ou sentado no espaço. Estou focando nas sombras na parte inferior do cabo e na parte lateral voltada para o exterior. Também estou colocando sombras debaixo daquele estranho detalhe no meu punho do meu jarro. Ao trabalhar em uma pequena área como esta alça, você pode achar que você tem que adicionar sombras e depois voltar com realces e tudo bem. É muito difícil trabalhar em pequenas áreas e fazer sombras exatamente onde você quer que elas estejam. Eu alterno entre luz e escuro enquanto a tinta seca para ter certeza de que eu tenho minhas sombras e destaques onde eu quero. Uma coisa a lembrar enquanto você está trabalhando em qualquer pintura é que, maioria das vezes, seus olhos de espectadores serão atraídos onde você passar mais tempo. Para mim, não me importo de mexer com este bico por muito tempo. Eu não me importo se as pessoas têm seus olhos puxados lá mesmo que seja estranho. Mas se há algo em sua pintura que você não ama, coloque um pouco de tinta e siga em frente. Porque quanto mais detalhes, camadas e tempo você passar nessa área, mais foco será desenhado no meio da pintura. Agora, estou passando a adicionar alguns destaques só para dar um pouco de vida extra ao meu vaso. Eu também estou indo com um pouco da minha cor de fundo para limpar as bordas em qualquer lugar que eu tenha pintado mais o que eu queria, ou para corrigir a forma de qualquer coisa que eu não tenho certeza sobre. Eu só vou continuar a corrigir esses pequenos detalhes, adicionando sombreamento e um pouco mais de polimento para qualquer área que eu acho que precisa dele. Quando você chega a esta fase de uma pintura, pode ser muito difícil dizer quando ela está terminada. Você pode passar um milhão de anos adicionando pequenos detalhes, ajustando essa coisa e aquela coisa, adicionando sombreamento e destaques. Mas a realidade é que um quadro é terminado sempre que você diz que está acabado, esse é realmente o único fator orientador que você tem. Quanto mais pintares, mais aprenderás a ouvir aquela pequena voz dentro de ti que te dirá, acho que estamos lá. Acho que conseguimos. Se você não tem certeza, é sempre uma ótima idéia colocar um quadro de lado até amanhã ou por alguns dias e voltar para ele, porque nunca há nenhum mal em fazer isso. Eu só peguei um pouco de tinta branca, que eu estou misturando com aquele amarelo inicial de Nápoles para adicionar em alguns destaques em qualquer lugar que eu acho que eles precisam. Você vai notar que nesta fase do processo, ao adicionar destaques, é onde eu obtenho a maioria dos dedos pintados porque eu quero que os destaques sejam suaves. Essa é apenas a minha preferência pessoal. Você é mais do que bem-vindo para adicionar destaques ousados e pintores em qualquer lugar que você quiser. Só estou prestando especial atenção em qualquer lugar que a luz atinja meu jarro, especialmente forte. Uma coisa que você pode notar é que meu jarro realmente parece ter dois pontos de luz e isso é porque eu estou usando um salto de luz para filmar isso para obter a luz mais uniforme. Mas isso significa que meu jarro tem luz da janela de um lado e luz refletida do meu salto de luz do outro lado. Se você estiver pintando perto de uma parede ou janela branca, você pode descobrir que seu jarro também tem dois pontos de luz, porque a luz está sendo refletida de volta em seu jarro a partir de sua fonte de luz principal. Agora, tudo o que resta a fazer é adicionar a minha sombra final, a sombra que irá situar a minha corrida na superfície em que ela se senta. Estou usando um preto roxo do Turner japonês Klein porque eu amo isso. Mas eu vou ficar para baixo como louco para que minha sombra seja um pouco software. Ao adicionar um monte de água também me dá um monte de água para me mover para obter blobby, e manchado, e partes brushstrokey da sombra, porque eu quero que ele seja um pouco biscoito. Não quero que seja uma sombra perfeita para o objeto que estou olhando, especialmente porque estou filmando em um quarto bem iluminado e meu jarro não tem muita sombra. Sinta-se livre para usar sua própria interpretação de como adicionar sombras. Quando terminamos esta pintura, queria dizer que a pintura leva tempo, o que parece ser a coisa mais absurda de se dizer. Mas para mim, muitas vezes estou com pressa. Eu sinto que se este vídeo é de 30 minutos, aquela senhora pintou em 30 minutos, por que minha pintura está me demorando tanto? Mas a realidade é que esta filmagem está acelerada. Pessoal, esse quadro me levou duas horas inteiras. Sua pintura pode demorar mais ou menos do que isso, dependendo de como você pinta, quanto detalhe você adiciona, quanto tempo você deseja gastar. Mas não há pressa quando você está pintando. Pode demorar o tempo que precisar. Agora que terminamos nosso primeiro projeto, vamos passar para nossa segunda lição, onde exploraremos camadas de tinta. 14. Aula dois: disposição em camadas: Olá e bem-vindos à Lição Número 2. Nesta lição, vamos nos concentrar em camadas e controle de pincel. Nosso primeiro exercício será colocar cores claras em cima do escuro, e cores escuras em cima da luz. Imprimi um modelo de um monte de círculos e você pode encontrar um modelo no guia de recursos na seção do projeto. Este pode ser um pouco mais difícil de esboçar à mão porque você não pode desenhar círculos com uma régua. Mas se você tem algo circular em sua mesa que você só quer rastrear, isso funcionará maravilhosamente também. Apenas certifique-se de que haverá área suficiente dentro de seu círculo para que você possa ver variações de cor e translucidez de sua pintura. Para este exercício, escolhi cinco cores diferentes de tinta que usarei na minha consistência preferida, a consistência que uso mais frequentemente. Você vai querer escolher três cores claras e duas cores escuras ou vice-versa. Mas de qualquer forma, você vai querer uma mistura de cores claras e escuras. Esta primeira cor é a luz azul de todo o feixe. Começarei pintando em cores claras, duas cores claras diferentes no segundo e quarto círculos da minha primeira linha para ver como as cores mais escuras ficam em cima delas. Já, você pode ver que as cores escuras dos meus contornos que eu imprimi fora estão mostrando através. Esta tinta não é opaca o suficiente para cobrir essas linhas. Muitas vezes eu acho que quando eu estou trabalhando com uma tinta de cor clara, eu quero deixar espaço em branco sob qualquer área onde eles precisarão brilhar. Se eu tentar trabalhar com essas cores claras em cima de cores mais escuras, ou em cima de linhas detalhadas, ele vai aparecer. Isso pode ser ótimo se esse for o efeito que você quer, mas se você está tentando obter uma forma plana e opaca, vai ser muito frustrante e você terá que fazer várias camadas de tinta para obter o efeito que você quer . Esta é também uma das razões que eu amo trabalhar com o Prismacolor, lápis coloridos quando eu estou trabalhando com guache, porque a cor clara desses lápis não mostra através de minhas pinturas da mesma forma que um cinza áspero A linha de lápis seria. Se você precisa estar pintando sobre linhas mais escuras como esta, eu sugiro trabalhar com uma das tintas de giz, algo com um pigmento branco que é muito opaco, ou uma das cores cinza. Por exemplo, esta lavanda pálida é uma das minhas cores favoritas absolutas para trabalhar com. Eu uso em praticamente todas as pinturas. É muito calcário e opaco. Bem, pode não cobrir completamente as linhas, você já pode ver que tem uma cobertura muito melhor do que a tinta azul claro. Quando você planeja colocar sua tinta em camadas, é especialmente importante certificar-se de que você está suavizando todas as áreas de tinta ou água na página, que você tenha uma área lisa para sobrepor. Caso contrário, sua tinta pode acabar quebrando. Agora vamos começar a colocar em camadas nossas áreas de cor mais escuras. Você vai querer ter certeza de que sua tinta está completamente seca antes de começar a colocar em camadas sobre ela. Porque o guache acrílico não reanima com água. Mas se ainda estiver molhado, vai se misturar. Próximo passo, vou pegar meu azul smalt, outra das minhas tintas favoritas. Este é muito opaco, como você verá em um minuto. É uma cor de gama média, não é assim tão escura. Mas por causa dos pigmentos que compõem esta tinta, ela cobrirá quase tudo. É por isso que é tão importante fazer pequenos exercícios como este para realmente entender a qualidade de suas tintas. Cada tubo é um pouco diferente. Se eu olhei para estes na prateleira, meu azul ultramarino vai olhar muito semelhante a este azul smalt, especialmente porque as cores no tubo não são completamente tão precisas. Mas o azul ultramarino, que você verá em alguns minutos, é muito translúcido, enquanto esta é uma tinta muito diferente. Bem, você pode ver o menor indício de minhas linhas escuras, a parte de trás desta pintura, é principalmente opaca. Você não tem uma pitada de lavanda pálida por baixo. Agora, vamos preencher as próximas duas de nossas cores mais escuras nesta primeira linha para ver como elas se comportam sobre as cores mais claras da tinta. Agora vou continuar preenchendo exatamente as mesmas cores na minha linha inferior, exceto que desta vez as cores escuras estarão atrás das cores claras. Agora que todos os nossos círculos estão preenchidos, podemos realmente ver as qualidades dessas tintas e como elas se camadas. primeiro azul ultramarino é de alguma forma opaco, mas não super opaco. O azul prussiano médio, um dos meus favoritos absolutos, não é nada opaco. Você pode ver diretamente através das cores abaixo, e então o azul smalt no final é bastante opaco. Em oposição, podemos ver que nossa linha inferior, essas cores claras não se encaixam muito bem em cima das cores escuras, você pode ver através de quase todos os detalhes. Você também pode notar que quando você coloca cores claras em cima do escuro, ele amplifica a sensação de suas pinceladas. Você vai ter muito mais sketchiness. Se esse é o efeito que você quer , pode ser incrível. Mas se você não está indo para esse efeito, se você quer áreas planas de cor você vai ter que colocar várias camadas de tinta ou apenas planejar sua pintura para que você está colocando essas cores claras para baixo primeiro e deixando a área sob eles branco. Agora que entendemos como colocar nossas cores em camadas para obter os efeitos que queremos, nosso próximo exercício cobrirá o controle de pincel para aqueles momentos em que você precisa pintar em torno de uma forma em vez de sobre ela. 15. Aula dois: controle de pincel: Para este exercício, trabalharemos exatamente com o mesmo modelo que estávamos usando para o último exercício. Sinta-se livre para rastreá-lo a partir dos meus modelos que eu forneci ou pegar algo circular de sua mesa. Mais uma vez, este exercício se concentrará no controle do pincel, seja, certificando-se de que sua pintura caia exatamente onde você quer. Estaremos preenchendo essas formas, trabalhando nos cantos e nas curvas. Eu recomendo pegar uma mistura de tintas calcárias e aquelas que são mais translúcidas para que você possa ver como eles se comportam em seu pincel. Estou começando com este magenta leve, e estou usando um pincel tamanho 6 com um bom ponto. Essa pode ser a minha melhor dica para conseguir falas onde você quer, além do treino. Ter um pincel que é mais novo e tem uma ponta nítida vai lhe dar muito mais variação na linha, e vai permitir que você chegue direto à borda, especialmente quando você está trabalhando com gouache acrílico porque ele não reanimar com água. À medida que seus pincéis envelhecem, alguns de seus gosmas podem ficar presos na parte de metal do seu pincel. Isso significa que ele não vai manter um ponto perfeito mais porque haverá pequenos espaços entre suas cerdas que vão torná-lo menos do que ideal para trabalhar. Não tão ruim se você está trabalhando com grandes áreas de cor, mas verdadeiramente frustrante se você está tentando entrar em um pequeno cantinho minúsculo. Se seus pincéis são bastante antigos ou você não tem os pincéis de alta qualidade que você deseja, porque ele simplesmente não está em seu orçamento. um dos melhores truques para tentar é apenas mudar para um pincel menor quando você precisa entrar em espaços menores, porque a verdade é um pincel menor significa erros menores. A outra coisa a notar aqui é que eu estou trabalhando com meu guache em uma proporção um-para-um. Esta é a minha proporção preferida. Você pode ver as pinceladas. É um pouco aguado, mas me dá muito mais controle sobre minha tinta do que eu teria se eu estivesse trabalhando com um mais grosso. Discutimos isso em detalhes em nossa última lição, mas vale a pena repetir. Ter um pouco mais de água em sua pintura vai lhe dar mais controle sobre suas linhas. Agora, vou passar para a minha próxima cor. Este é pêssego pálido, uma das minhas cores favoritas para trabalhar com. Vou tentar pintar até a linha que acabei de pintar sem se sobrepor. Porque esta é uma cor muito mais clara, você verá imediatamente quaisquer erros de rodo que eu cometer. Eu também estou tentando seguir a curva desta forma tão bem quanto eu posso. Quero dizer, em geral, eu pinto expressivamente. Eu gosto que minhas falas sejam um pouco divertidas, erradas e imprevisíveis, mas há limites para isso. Às vezes você só precisa de uma forma para ser exatamente a forma que você precisa que ela seja, e você precisa ter confiança de que você pode fazer isso, para que você se divirta no processo de pintura, vez de se preocupar durante todo o processo de Pintura. Se o controle de pincel é algo que o deixa um pouco nervoso, sinta-se livre para quebrar esses círculos em formas ainda menores, preenchendo as áreas entre os círculos com cores diferentes. É um ótimo exercício apenas para praticar e construir confiança quando você não está trabalhando em uma pintura em que você está emocionalmente investido. Essa é a magia de fazer pequenos exercícios como estes. Pelo menos para mim, quando estou trabalhando em uma pintura de verdade, meu perfeccionismo entra em alta velocidade. Estou tão preocupada em fazer algo bom, que às vezes perco minha vontade de experimentar. Mas ao completar pequenos exercícios que têm menos pressão, posso construir habilidades fundamentais que me servirão enquanto passo para pintar coisas que me interessam. Também pode valer a pena notar que a perfeição é um absurdo, pessoal; de verdade. Não existe tal coisa. Enquanto você está trabalhando nesses experimentos, você pode ficar frustrado que suas linhas não correspondam exatamente, ou que há pequenas lacunas de luz ou pequenos pedaços de sobreposição. Estou aqui para dizer que essa é a beleza da pintura, essas linhas imprevisíveis, os lugares onde você pode ver a mão do artista. Como eu disse na primeira lição, você não é uma câmera. Você não está aqui para recriar com precisão as coisas que vê. Você está aqui para interpretar as coisas que você vê através de seus próprios olhos e através de suas próprias mãos. Às vezes, podemos ficar realmente para baixo sobre nós mesmos quando nossas linhas são instáveis ou imprevisíveis ou continuamos cometendo os mesmos erros repetidamente. Mas a realidade é que esses erros que só você comete uma e outra vez se tornarão a base para o seu estilo pessoal. Quando comecei a pintar, meu estilo pessoal era usar um monte de lápis de cor com meu guache, e grande parte disso foi porque meu controle de pincel não era ótimo e eu não conseguia colocar minhas áreas de cor alinhadas exatamente do jeito que eu queria para. Usei lápis de cor para mascarar as áreas onde havia lacunas entre as minhas cores. Agora, mesmo que meu controle de pincel tenha melhorado muito depois de anos de pintura, eu ainda amo pegar lápis de cor. Faz parte do meu ADN agora. Você vai notar que com aquela cor magenta profunda que usei como meu terceiro círculo, ele mostra tudo. Esta é outra das tintas que tem um pigmento fluorescente nele. Esse pigmento fluorescente granula. Uma das coisas com um pigmento granulado é que você vê as pinceladas ao máximo e pode mostrar cada pequeno detalhe. Se eu estou fazendo algo que é realmente complexo ou difícil, eu sou mais provável de pegar uma tinta calcária ou uma cor mais clara que vai esconder meus erros um pouco mais. Agora estou trabalhando com lilás pálido. Que linda cor de luz. Você vai ver que eu acidentalmente parei na minha cor mais escura um pouco, mas tudo bem. Eu posso apenas voltar sobre isso. Essa é a beleza de trabalhar com guache acrílico. Há tanta flexibilidade porque a tinta não reanima para corrigir seus erros. Voltando com um pincel menor, se precisar. Uma coisa a notar, porém, é que se você estiver passando por tintas muito translúcidas com camadas extras de cor, você vai perder um pouco dessa translucidez. Para mim, gosto de trabalhar com estas tintas translúcidas, geralmente com branco sob elas, para que você possa ver toda a textura bonita e pinceladas. Mas quanto mais camadas de cor você adicionar, menos provável é que você vai ser capaz de ver toda essa textura bonita. Ao longo deste exercício, estou tentando alternar áreas escuras e claras de cor, principalmente para torná-lo mais difícil para que eu possa ver claramente todas as áreas onde eu passei sobre o que eu pretendia fazer. Se você está tendo dificuldade em entrar em uma área pequena ou você está tendo dificuldade em seguir a forma da curva, às vezes ajuda apenas virar sua página. Eu não estou fazendo isso aqui porque minha página está gravada para que eu não vou movê-lo para fora da área onde a câmera pode vê-lo, mas pode ser extremamente útil. Nossos pulsos só se transformam em tantas direções. Às vezes, é realmente útil estender sua amplitude de movimento apenas girando a página. Pequenos truques como esse podem ser tão úteis para obter suas linhas onde você quiser. Eu também sugiro segurar seu pincel muito mais frouxamente do que eu. Eu aperto o meu firmemente no meu punho e isso pode dificultar o controle do meu pincel porque eu não tenho muita amplitude de movimento na minha mão e pulso então. Uma aderência mais solta lhe dará muito mais fluidez às suas curvas. Como eu terminar esta primeira linha, eu só vou pegar mais algumas cores e começar na segunda fila. Na segunda linha, vou deixar espaços em branco entre cada círculo em vez de preencher essas áreas, para conseguir mais cantos e curvas para trabalhar. Estamos todos acabados. Você vai notar que em um momento, eu entrei e corrigi um pouco do meu verde radiante profundo com um pouco de titânio branco. Essa é uma das maravilhas do guache acrílico. Porque é opaco, você pode entrar e cobrir pequenos erros. Você vai notar que nenhum desses círculos é perfeito. São todos um pouco vacilantes e expressivos, e tudo bem. Seu quadro não precisa ser perfeito. Agora que cobrimos todos os fundamentos do controle de camadas e pincel, vamos passar para o nosso segundo projeto, um arranjo floral de vida morta. 16. Projeto dois: esboço: Para este projeto, eu estarei trabalhando com um pedaço quadrado de 9 polegadas de papel aquarela. Isso é porque eu realmente amo trabalhar em um formato quadrado. Não sei porquê, mas acho isso super satisfatório. Sinta-se à vontade para trabalhar com seu papel em qualquer tamanho que funcione melhor para você. Estou fazendo uma borda de uma polegada ao redor da borda da minha página para criar um esboço nítido e limpo e garantir que meu trabalho esteja centralizado. Enquanto faço isso, sinto que tenho uma confissão a fazer. Pintar flores me estressa. Acho que é o perfeccionista em mim. Algo sobre todas essas camadas, babados e pétalas imediatamente me dá palpitações cardíacas. Se este é o caso para você também, não se preocupe, nós vamos empurrar através dele e fazer algo grande. A primeira parte da criação de uma vida morta floral é obter suas flores e organizá-las. Você pode organizá-los tão simples ou tão fantasiosamente quanto você quiser. As flores da mercearia estão bem, ou você pode tratar-se de algo um pouco especial. Divulgação completa, usei flores de mercearia na primeira vez que filmei isto, e depois tive de voltar a filmar, por isso tratei-me com estes pequeninos chiques. Meu primeiro passo é arrumar as flores. Gosto de manter as coisas simples. Comecei com aquela hortênsia velha. Comprei porque era super barato e sabia que iria preencher todos os espaços vazios no meu arranjo. Então eu comecei com meus proteas extravagantes. Depois, preenchi os espaços restantes com aquelas pequenas flores de camomila e os pedaços verdes que não podia deixar na loja. Quando eu costumava desenhar flores, eu costumava fazer esboços muito precisos, trabalhosos e longos para acertar cada detalhe. Depois de um tempo percebi que, ao fazer isso, estava a preparar-me para o fracasso. Adoro florais soltos e expressivos, mas com aquele esboço preciso, fiquei meio preso. Então eu comecei a criar menos de um esboço e mais de um mapa. Minha intenção não é capturar a personalidade de nenhuma das flores quando eu esboçar. Eu só quero ter uma boa compreensão de onde cada flor vai estar dentro da minha pintura e onde será o meu ponto focal. Bloquear a minha pintura desta forma irá ajudar-me a ver como a pintura acabada ficará e ajuda-me a resolver problemas com a minha composição antes de começar a pintar. Neste caso, esta composição é um pouco desequilibrada por causa dessa grande hortênsia. Então eu peguei uma das folhas tristes da minha hortênsia, e eu vou colocá-la do outro lado da minha pintura. Está um pouco murcha agora, mas está tudo bem. No geral, este esboço me levou menos de 10 minutos, principalmente apenas para polir a forma do meu jarro porque eu pensei que eu queria que fosse bonito, nítido, e claro, porque francamente, eu estou apaixonado por aquele jarro. Você vai notar que eu nem sequer desenhei a forma para as minhas pequenas flores de camomila, eu apenas coloquei um monte de meios-médios. Agora que temos um esboço acabado, vamos transferir nosso esboço para papel de cor de água e obter pintura. 17. Projeto dois: pintura: Transferi meu esboço e meu papel gravado pronto para pintar. Agora, vou escolher algumas cores. Às vezes eu faço isso com amostras, e às vezes eu faço isso apenas pegando alguns dos meus tubos de tinta favoritos. Eu só estou olhando meus tubos de guache agarrando todas as cores que eu acho que funcionaria muito bem com as cores do meu arranjo floral. Tão amarelo para o meio das minhas flores de camomila, alguns verdes para as minhas folhas, alguns rosa brilhante e rosa mais suave para minha hortênsia e aquelas pequenas flores de protea. Tenho certeza que você está absolutamente ciente disso, mas caso você tenha esquecido, você não precisa usar as cores que você vê em seu arranjo. Especialmente se você estiver usando flores de supermercado, as cores que você vê podem não ser as cores que você gosta de usar, mas tudo bem. Nesse caso, use cores que você ama, e use seu arranjo floral físico real como um guia para onde diferentes valores estarão dentro de sua pintura. Será um guia incrível para onde suas sombras batem, onde diferentes valores contrastantes estão sentados, e como as diferentes flores se divertem, mesmo enquanto você joga com todas as cores diferentes que seu coração deseja. Você também não precisa escolher todas as cores que você vai usar em sua pintura antes de começar. Mas para mim, acho que é realmente útil ter um roteiro das cores que estou planejando alcançar para que eu tenha menos escolhas para fazer enquanto estou pintando. Porque sou tão perfeccionista, posso facilmente desencorajar-me. Se eu deixar muitas decisões para tomar enquanto estou no meio da pintura, bem, então eu acabo ficando um pouco confuso e provavelmente eu não vou fazer o meu melhor trabalho ou eu vou desistir. Então, cuidando dessas decisões antes de abrir um tubo de tinta, estou me preparando para um pouco mais de sucesso. Não tenho 100% de certeza sobre esta decisão, mas acho que vou fazer o meu passado na linha pálida. Eu acho que vai elogiar as cores legais em meus proteas e ele vai criar um bom pano de fundo para aquelas coisas onduladas, onduladas, pequenas, verdes. Dito isto, é também uma cor muito pálida. Então, se mais tarde eu decidir que eu odeio isso, bem, eu posso apenas pintar sobre ele. Eu não estou planejando misturar nenhuma cor de tintas chiques para esta pintura. Estou a planear usar toda a minha tinta para fora do tubo. Assim eu não tenho que me preocupar com mais nada exceto focar em camadas e a opacidade da minha pintura. Dar a si mesmo limites como este é uma ótima maneira de se concentrar nos fundamentos. Começo com o meu fundo, tal como faço com cada pintura, com a minha tinta diluída para 50% de tinta e 50% de água. Agora, você pode estar perguntando, com essas partes soltas, balançadas e verdes, Lana, como você vai decidir onde pintar, você nem sequer desenhou? A resposta é, eu só vou pintar próximo possível desses porque eu amo quando pedaços de papel branco espreitam através e quando você vai ver pedaços do fundo em torno daqueles realmente soltos, gesturais... procurando pedaços de folhagem. Como meu fundo é leve, não preciso me preocupar em pintar aquela folhagem em cima dela. Vai aparecer muito bem, porque vou usar uma cor verde mais escura. Se você estiver usando um fundo mais escuro, você pode querer considerar que com qualquer folhagem solta que você tem, porque pode ser mais difícil obter linhas nítidas, limpas, e uma cor mais clara em cima de um fundo escuro. Nesses casos, eu deixaria essas áreas em branco. Pinte ao redor deles. Em seguida, você pode preenchê-los mais tarde na cor mais clara que você deseja, uma grande chance de praticar seu controle de pincel. Eu fui muito fundo no meu arranjo com a minha cor de fundo. Isso é porque eu quero usar tinta branca em cima desse fundo para criar minhas flores de camomila. Espero que o contraste entre este limão pálido e a tinta branca seja suficiente contraste para fazer essas flores estourarem. Agora, se fosse uma tinta chique, é uma comissão de cliente, provavelmente teria testado isso primeiro. Mas, neste caso, estou disposto a correr um risco e experimentar um pouco. Nada vai se machucar, exceto talvez meu ego se não der certo. Agora, vou preencher mais algumas áreas e começar na parte inferior da minha pintura. Vou acelerar um pouco as coisas para que possamos chegar às coisas boas. Eu escolhi uma cor marrom bastante neutro para isso, mas eu estou regando um pouco para que eu fique marcado dimensão na cor. Desde o meu jarro é branco, eu estou tentando ser muito cuidadoso em torno dessas bordas para que eu possa pintar naquela área com a cor branca nítida mais tarde sem ter que fazer muitas camadas sobre este marrom escuro. Esta cor âmbar crua é a primeira cor translúcida que você me viu usar em um fundo. Eu absolutamente adoro quando posso ver pinceladas, diferentes dimensões e texturas no trabalho que estou fazendo. Mas se essa não é sua xícara de chá, você provavelmente quer evitar usar essas cores translúcidas em grandes áreas para colorir porque, como você pode ver, você vai obter áreas mais claras e áreas mais escuras ao contrário de você faz com uma tinta mais calcária. Ou você também pode adicionar um pouco de branco ou outra cor calcária a esta tinta para torná-la mais opaca. Mas, claro, isso mudará a cor. Agora, vou pintar esse jarro. Porque as flores e todas as coisas na base vão se sobrepor ao jarro, pensei que seria uma boa ideia começar com o jarro primeiro. Dessa forma, eu não tenho que ser tão preciso sobre trabalhar meu caminho em torno daquelas folhas que se sobrepõem ao jarro. Já que estou pintando a corrida nesta cor marfim pálida, praticamente qualquer coisa que eu pintar sobre ela vai aparecer muito bem. Como eu começo a pintar este jarro, eu estou percebendo que a cor marfim pálida que eu estou usando para pintar o jarro é realmente muito semelhante à minha cor de fundo. Não sei se é isso que vou querer. Vou ficar de olho nisto enquanto continuo a pintar. Agora, eu vou entrar com um verde médio para começar com aqueles pedaços de folhagem verde que eu não suportaria deixar na loja de flores. Eles estão na parte de trás deste arranjo, então tudo o resto irá se sobrepor a eles. É por isso que eu estou pintando primeiro para que tudo o resto na pintura se sobreponha a eles. Aqui está também uma dica profissional que eu praticamente me esqueço perpetuamente. Se você é destro, comece no lado esquerdo da sua pintura e trabalhe para a direita para que você não esteja alisando sua mão através dos detalhes que você acabou de pintar. Da mesma forma, se você for canhoto, comece pelo lado oposto, para que você possa se mover e não tenha que se preocupar em colocar a mão na página. Você também pode usar um secador de cabelo a qualquer momento para secar as coisas. Em geral, o guache acrílico seca muito rápido, especialmente se você estiver em um clima seco. Mas se você está pulando em torno de sua pintura com pequenos detalhes, ele não vai estar seco antes de você se mover por aí porque você está literalmente indo de uma coisa para outra. Nesses casos, basta planejar onde você vai pintar antes de começar ou ter um secador de cabelo na mão para secar as coisas para que você possa continuar progredindo. Vou pegar um pincel maior e preencher essas folhas expressivas. Eu sei que vou adicionar mais detalhes a eles mais tarde, mas por enquanto, eu só quero que eles sejam uma área de base de cor. Gosto de passar a parte inicial das minhas pinturas a preencher todas as áreas com cores. Não gosto de acrescentar muito detalhes cedo demais. Às vezes, quando entramos com detalhes em nossas pinturas, isso pode nos distrair das maiores coisas de composição acontecendo em nossa pintura. Existe contraste suficiente? Como seu olho é atraído para a cena? Todas essas coisas que farão sua pintura mais bem sucedida. Se eu começar com todos os pequenos, minúsculos, pequenos detalhes imediatamente e então eu percebi que eu tenho um problema com a composição, eu vou me sentir muito mais desconfortável pintando sobre as coisas do que eu faria de outra forma. Agora, eu vou entrar e adicionar pequenos caules das minhas flores de camomila. Assim como com meus pedaços verdes, essas flores de camomila vão sentar em cima de suas hastes, então eu preciso adicioná-las primeiro. Porque quero manter esta pintura muito solta, não estou prestando muita atenção a cada pequeno detalhe. Estou apenas juntando algumas pequenas partes e adicionando-as à minha pintura, depois verificando com uma composição enquanto trabalho. Estou tentando não sobrepor minha hortênsia porque ainda não está pintada e vai ser sobre a maioria desses pequenos caules. Se eu precisar adicionar mais hastes mais tarde, tudo bem. Assim que todas estas hastes estiverem no lugar, vou passar a pintar a minha hortênsia. É um grande, forma áspera, mas é principalmente sólido. Vou pintá-lo com uma cor sólida e pálida. Eu quero pintar isso antes de pintar minhas flores de camomila porque assim como com o fundo, eu estou esperando para colocar as flores de camomila branca em cima de partes desta flor. Você vai notar que não há muito contraste entre esta flor e meu jarro e meu fundo, e tudo bem porque eu vou entrar e adicionar mais sombreamento enquanto eu passar. Agora, estou começando a trabalhar nas minhas flores de camomila. Eu quero usar minha tinta muito grossa para isso, porque eu estou olhando para que ele apareça neste fundo mais pálido para que ele precisa ser completamente opaco. Não quero ver o papel ou a cor por baixo dele. Estou achando um pouco difícil garantir que estou recebendo esse efeito. Então eu estou realmente indo apenas para pintar uma amostra para testar os efeitos da minha tinta para ter certeza de que eu tenho o efeito certo para o que eu estou procurando. Certifique-se de secar a tinta antes de colocar outras cores em cima dela. Por isso, finalmente peguei meu secador porque estou impaciente. Mas você não pode colocar tinta em cima de tinta molhada. Então era inevitável que eu pegasse isso. Esta é uma das minhas melhores dicas para obter os efeitos que você quer em suas pinturas. Às vezes você chega a um ponto em que você quer tentar algo, mas você realmente não tem certeza se ele vai funcionar e você não quer criar camada sobre camada de erros. Nesse caso, eu só pego um pedaço de papel aquarela, na verdade é o mesmo papel que eu uso para minhas amostras, e então eu vou testar lá. Neste caso, testei meu branco de titânio, mas não está aparecendo. Eu realmente tenho outro branco do [inaudível] de Turner e eu vou tentar isso. É muito mais grosso, então eu tenho que girá-lo muito mais, mas parece dar os efeitos que eu quero. Agora vou entrar com esta pintura e muito mais confiança. Assim como com as hastes, não estou sendo super literal com onde coloco essas flores. Estou tentando mantê-lo solto e expressivo e apenas seguir o que a composição da pintura exige em vez de como o meu arranjo floral se parece. Assim que eu terminar todas as minhas pétalas brancas, eu vou entrar de novo com alguns meios-amarelos. Uma coisa que estou percebendo agora é que pode não haver contraste suficiente entre minhas flores brancas e meu fundo, mas tudo bem. Posso sempre entrar mais tarde e adicionar sombreamento para criar mais contraste. Agora, os meus meios-amarelos. Eu só estou usando um amarelo mostarda para esta parte do processo porque eu acho que ele vai tão maravilhosamente com o meio das minhas flores. Desde que eu tenho sido muito expressivo na colocação de minhas flores, Eu também posso ser muito expressivo na colocação desses pequenos pontos centrais para minhas flores. Eu estou usando um pincel pequeno, mas eu poderia facilmente entrar com um pincel maior se eu quisesse algo ainda mais funky e dinâmico. Estou de olho no meu arranjo para o espaço desses pontos centrais e para onde colocá-los. Mas isso sendo dito, eu não estou me preocupando muito se há branco atrás deles ou exatamente onde eles estão deitados na página, porque eu sempre posso entrar novamente mais tarde uma vez que estes têm secado e adicionar mais pétalas para criar um pouco mais de uma sensação de flor. A outra coisa a considerar é que com uma pequena flor como esta com um centro redondo definido, alguns deles vão estar virados para a frente, então eles vão ser círculos, mas outros vão estar do seu lado ou virados de cabeça para baixo, qualquer Qual é o caminho. Então, é ótimo adicionar formas diferentes para dar a sensação de um emaranhado de flores lindas e minúsculas. Eu tive uma idéia de como adicionar mais profundidade e dimensão a essas flores, então eu vou testar novamente no meu pequeno pedaço de papel. Assim, não vou fazer nada que seja difícil de desfazer no meu papel antes de saber que vai funcionar. Eu não adorei o efeito de alguma forma. Vou entrar com mais algumas camadas de pétalas brancas para fazer essas flores estourarem. Uma vez que eu terminar de adicionar esta camada extra de branco, eu vou passar para a minha hortênsia novamente para começar a adicionar mais detalhes para trazê-lo à vida e para diferenciá-lo do fundo. Eu estou usando esta tinta vermelha, muito diluída, porque eu quero criar uma área de cor muito macia e eu estou esperando que ele vai granular um pouco também. Também estou usando um pincel enorme. Você vai notar que eu estou usando minha toalha de papel para controlar a quantidade de água que está no meu pincel, enquanto eu trabalho meu caminho através desta área. Agora, essas flores de hortênsia não se parecem com isso na vida real. Mas eu estou me divertindo jogando com diferentes maneiras de fazer textura e eu amo isso. Agora, acho que vou passar para as minhas flores de protea muito extravagantes. Esse será o ponto focal desta pintura. Eu vou começar com verde, porque eles têm muito verde funky neles, bem como o rosa e vermelho, todos os tipos de outros tons lindos. Vou usar mais uma vez um pincel maior para criar grandes marcas de pintura, para criar as formas dessas flores. Eu não estou tentando obter a forma exata e precisa das pétalas, eu só estou tentando colocar a cor onde eu vejo cor no meu arranjo. Eu vou rever essas partes mais tarde com trabalho de linha mais preciso e detalhes, então eu não preciso me concentrar muito nisso agora. Eu só estou olhando para obter as cores para onde eles vão. Então, o verde molda onde eles estão. Eu estou procurando as flores próximas que têm um pouco de uma forma diferente das outras, e eu estou apenas despejando onde cada coisa vai estar. Uma vez que estas flores têm um monte de cor rosa e verde em camadas, eu vou estar alternando como eu pinto, como eu vê-los na pintura. Como vermelho e verde são cores complementares, estou me certificando de secar minha tinta antes de colocar essas cores em cima um do outro. Caso contrário, eles podem acabar uma bagunça enlameada. Desde que ambas as camadas estejam secas, elas criarão cores distintas por conta própria. Mas se eles ainda estão molhados, eles vão fumar juntos. Como eu entro com tinta novamente, eu às vezes teste apenas para ter certeza que eu estou recebendo a proporção certa de tinta para água no meu pincel antes de eu me comprometer a ir para o papel. Dito isso, estou trabalhando super solto aqui. Quando você olha para isso, você pode ser como, “Ei senhora, isso não se parece com o arranjo em tudo.” Francamente, enquanto estou pintando, isso é o que eu estou pensando também. Mas estou apenas confiando, confiando nos meus olhos, confiando na minha mão, confiando que se eu continuar apenas imitando o que vejo, adicionando sombras onde há sombras, destaques, onde há destaques, Eventualmente, ele vai se juntar. Eu só estou voltando para a minha hortênsia porque eu quero que ela tenha um pouco mais de profundidade. Para ser honesto, como uma futura Elena assistindo isso, eu estou dizendo, “Passe Elena, pare. Por favor, pare. Provavelmente estava bem do jeito que era”, mas está tudo bem. Às vezes você vai sobrecarregar parte do seu quadro e isso é inevitável. Especialmente quando você está apenas começando ou se você é como eu, você pode achar difícil apenas deixar o suficiente em paz, e confiar que essas marcas soltas que você fez traduzem como a coisa que você está tentando pintar. Então você pode acabar entrando e adicionando muito mais detalhes do que você precisa. Isso é certamente o que estou prestes a fazer aqui. Vou entrar e adicionar mais contornos em detalhes a esta hortênsia. Mas o problema é que, quanto mais detalhes eu adicionar, mais ele chama foco. Bem, isso não é objetivamente ruim. Não quero que esta hortênsia seja a peça central desta pintura. Só não é onde quero que os olhos dos meus espectadores vão. Então, adicionando tanto detalhe, eu não estou fazendo o que eu quero com esta pintura. Você pode descobrir que você chegar a este estágio em sua pintura também, onde você está apenas cegamente tateando ao redor para obter os efeitos que você quer. Sinceramente, sugiro fazer uma pausa ou passar para uma parte diferente da sua pintura e planejar voltar a ela mais tarde. É o que estou a fazer. Voltei para as minhas flores protea onde quero colocar a maior parte dos meus detalhes. Aquela grande e velha flor protea no meio é onde quero que o olho vá na minha pintura. Eu quero adicionar um monte de detalhes deliciosos a esse ponto para que ele capte a atenção do meu espectador. Para fazer isso, vou adicionar muitas camadas de tinta, cores mais claras e escuras. Mas, por enquanto, vou esperar que isto seque e passar para outras áreas da minha pintura. A parte do meio de uma pintura, pode ser difícil decidir o que precisa de sua atenção em seguida. Mas nas sábias palavras do adorável Dylan M, sempre gosto de me concentrar no que parecer mais errado. Para mim, neste momento, são estas flores. Eu só não acho que eles têm contraste suficiente entre eles e o fundo. Então eu estou entrando com uma cor mais escura para esperar adicionar mais definição para as flores para que você possa vê-los e eles terão sua própria pequena personalidade cintilante. Meu plano não é ter esses contornos verdes escuros visíveis, meu plano é ir sobre eles novamente com branco para que haja apenas um toque de sombra nas bordas das pétalas dessas flores. Assim que tiver algumas folhas esporádicas ao redor do meu quadro pintado, voltarei para a minha flor protea. Gosto de mudar para frente e para trás entre as áreas da minha pintura, pois as coisas estão secando para que eu possa manter o movimento constante. Da mesma forma, isso me ajuda a não ser muito precioso sobre qualquer área em que estou trabalhando. É como fazer uma pausa para seus olhos e focar em uma coisinha muito detalhada. Eu só quero ter certeza que meu protea é absolutamente seco antes de eu entrar para adicionar mais cor em cima para que as cores não sangrar juntos. Desta vez, vou entrar com uma cor mais escura para começar no sombreamento. Então eu vou continuar a camada de cor sobre cor até que comece a se assemelhar à flor que eu vejo diante de mim. Acho que está quase lá. Definitivamente chama a atenção com aquela grande flor central. Só estou adicionando mais alguns detalhes brancos para realmente trazê-lo à vida. Ao longo deste processo, eu usei uma série de cores diferentes, incluindo vinho tinto, que um é de feijão inteiro, eu usei o marrom avermelhado japonês, eu usei um pouco do limão pálido que eu usei no fundo, bem como uma cor de pêssego pálido. Ao colocar essas cores em diferentes opacidades de tinta, eu criei muito mais cores do que eu poderia ter se eu estivesse tentando misturar cada cor individual do zero. Agora, eu vou entrar com um verde mais escuro e profundo nas minhas folhas, a fim de lhes dar mais contraste. Como eu quero que este arranjo seja solto e expressivo, eu não vou entrar e adicionar uma tonelada de detalhes a essas folhas, especialmente porque eu não quero que as folhas sejam o ponto focal. Mas vou usar algum trabalho de linha expressivo, a fim de fazê-los parecer um pouco mais como eles parecem na vida real. Mesmo que essas folhas de hortênsia tenham toneladas de pequenas veias em sua superfície escura, eu estou usando um pouco de um pincel maior para que eu não fique muito precioso e pego nos detalhes. Eu também estou usando minha tinta bastante grossa e seca. Assim posso obter efeitos de escovação a seco. Agora, vou continuar a adicionar camadas de cor e detalhes para terminar esta pintura. Eu só estou adicionando alguns detalhes finais, um pouco de textura e alguns sombreamento, e mexendo em torno do lápis colorido porque eu não consigo evitar. Eu fui tão bem até agora, mas eu só acho que estes precisam de um pouco mais de definição. Você poderia fazer isso em guache, mas eu amo rabiscar com o lápis. Agora, eu acho que eu estou chamando isso de feito. No geral, esta peça me levou cerca de duas horas, mesmo que seja bastante acelerado neste vídeo, então não se desespere se você sentir que sua pintura está demorando um pouco mais do que você tinha planejado. Agora, vamos saltar para a nossa próxima lição sobre cores. 18. Aula três: mistura intuitiva: Olá, e bem-vindos à nossa terceira e última lição. Nesta lição, vamos nos concentrar na mistura de cores, primeiro intuitivamente na página e, em seguida, criando recursos como gráficos de mistura para que você possa misturar com confiança as cores desejadas. Bem, eu desenhei uma pequena grade e este modelo está disponível na seção Recursos de Classe. Você pode absolutamente apenas fazer este estilo solto e livre em seu papel. Eu só queria adicionar um pouco de estrutura para este vídeo para que seja fácil acompanhar o que eu estou fazendo. Eu selecionei quatro cores para suas propriedades específicas para que eu possa mostrar diferentes qualidades da tinta. Mas sinta-se livre para escolher qualquer número de cores, todas as cores que você gosta de fazer este exercício. Vou começar com este azul claro. É uma cor calkier com um pouco de translucidez. Vou começar por colocar um pouco deste azul claro ao longo do meu lado e rotulá-lo para que eu me lembre da cor que eu tenho usado. Então eu vou começar por clarear a cor com branco e escurecer a cor com preto. Para ser honesto, eu não uso muito preto em minhas pinturas, então durante este exercício intuitivo de mistura, eu também vou tentar outras cores escuras para diminuir o valor das cores com as quais estou trabalhando. À medida que trabalhamos neste processo, não estamos à procura de um resultado em particular. Como eu estou misturando cores, eu não estou procurando apenas a cor pálida direita. Esta é a técnica que usaremos mais tarde em nosso gráfico de mistura também. Só estou procurando uma mudança de cor. É diferente da tinta diretamente do tubo? O que isso pode me dizer sobre o tipo de pigmentos com que estou trabalhando? Agora vamos passar a escurecer a cor com preto. Uma coisa sobre o uso de brancos e negros para escurecer e iluminar nossas cores é que, uma coisa que eles fazem é reduzir a saturação de nossa cor, especialmente quando você está escurecendo com preto, pode ser uma ótima maneira de cinza cores, mas também pode deixar suas pinturas sentindo um pouco plana. A outra coisa a considerar é que porque o preto é tão altamente pigmentado, você só precisa da menor quantidade para obter uma mudança de cor. Eu também vou tentar escurecer este azul com o meu azul prussiano para ver se ele me dá uma cor mais dinâmica. É uma experiência divertida e confusa. Eu só vou incluir todas as manchas diferentes e experimentos com cada tipo de cor na minha página. Eu não vou me preocupar se essas cores combinam porque há realmente uma certa magia que acontece quando você está misturando tudo da mesma cor base. Ele cria uma paleta coesa mesmo se você estiver misturando um monte de cores diferentes. Esta pode ser uma ótima maneira de fazer suas pinturas parecer que eles vão juntos. Agora vou começar a misturar diferentes cores primárias com o meu azul para ver como eles se comportam. Estas são, na verdade, cores primárias. Estou usando mostarda e vermelhão, que é um pouco amarelo e um pouco vermelho, e tudo bem. Você não tem que usar primárias puras para isso porque você está apenas aprendendo sobre os pigmentos em sua tinta. Assim como com os brancos e negros, eu estou apenas adicionando diferentes quantidades que cor de mostarda para esta primeira caixa, a fim de ver como minha tinta se comporta. Vou continuar com isso na próxima caixa com a minha tinta de vermelhão. Isso lhe dá uma ótima idéia dos tipos de verdes e os tipos de roxos que eu posso fazer com este azul que vai olhar coeso dentro do meu paladar. Também vale a pena notar que cores como vermelho e verde são geralmente muito altamente pigmentadas. Então você só precisa de um pouco deles para criar uma mudança de cor. Na maneira oposta, cores como o amarelo são muitas vezes muito mais silenciosas e você pode precisar de mais delas para ver uma mudança de cor medida que você trabalha seu caminho através desses experimentos. Nestas duas últimas caixas, vou misturar o meu azul com a sua cor complementar, laranja, para criar uma cor quebrada ou marrom. Então eu vou ficar cinzento para ver que toneladas de cinza podemos obter deste azul. Primeiro, laranja. Eu escolhi uma laranja bem simples aqui. Mas há alguns fatores diferentes que entram nisso, saturação da tinta, a opacidade. Eu vou continuar adicionando quantidades cada vez maiores deste tom para ver os diferentes tipos de marrom que eu posso obter. Você vai notar que ele começa um pouco cinza porque na verdade há algum branco neste plano azul claro. Mas como eu adiciono mais laranja, ele se transforma em um azul mais quente, laranja, marrom, o que pode ser ótimo para criar tons neutros de cortesia dentro de suas pinturas. Da mesma forma, criar pastagem a partir das cores que você está usando em vez de usar um cinza neutro, pode tornar sua pintura mais dinâmica. Para criar cinza tudo que você precisa fazer é adicionar branco e preto à cor que você está usando. Você pode continuar a adicionar branco e preto para reduzir a saturação e também para obter valores diferentes em seu cinza. Agora vou repetir exatamente o mesmo processo para cada cor diferente. Vou fazer quatro cores diferentes. Vou iluminá-lo, escurecê-lo, adicionar cores primárias, e depois passar para a cor contrastante e cinza. Uma nota rápida, quando você está trabalhando com cores secundárias, que é verde, roxo e laranja, as cores primárias que usaremos são aquelas que não é sua cor contrastante. Agora vamos. Bom. Lá vamos nós. Tudo acabado. Vou remover minha fita para mostrar de perto o que aconteceu aqui. Você notará, mesmo a partir desta visão distante, que algumas cores têm muito mais translucidez, você pode ver suas pinceladas. Você também vai notar que eu troquei aquela laranja por reunido, porque eu lembrei que eu queria mostrar algo especial sobre tinta amarela. Ou seja, você não pode realmente escurecê-lo com preto, ele acaba parecendo uma bagunça lamacenta porque a maioria dos negros são baseados em azul, então eles acabam virando sua tinta amarela escura verde. Você tem que usar um marrom escuro para isso. A outra coisa que eu queria chamar especial atenção é que, com a maioria das cores, quando você adiciona qualquer pigmento secundário, você vai ter uma cor menos saturada. É muitas vezes por isso que é melhor usar cores primárias e secundárias diretamente do tubo, grãos verdadeiros em vez de verdes misturados. Mas quando você está trabalhando com algo como isso, violeta vermelho com um pigmento fluorescente, é quando suas cores podem ficar mais brilhantes quando você as adiciona, porque esse pigmento fluorescente faz loucura coisas quando você misturá-lo com outras cores. É uma das minhas qualidades favoritas brincar conosco e pintar. Mas é importante lembrar que esses pigmentos fluorescentes não são rápidos, eles vão desaparecer e eles vão desaparecer rápido. A outra coisa que eu queria chamar especial atenção é a maneira em que cores opacas e cores translúcidas interagem quando você está misturando. Quando você mistura uma cor opaca com outra cor opaca, obviamente ainda é opaca. Mas quando você mistura uma cor opaca com algo translúcido, ele vai lhe dar pinceladas e granulação e muito mais textura do que você teria de outra forma. Exercícios como este também são uma ótima maneira de descobrir os tons em sua pintura e apenas encontrar misturas que você realmente ama. Você verá que quando misturarmos o azul claro e a mostarda, temos alguns belos verdes azuis e verdes quentes. Mas quando misturamos o azul com aquela tinta ultramarina, acabou parecendo nojento. Tenho certeza que há uma situação em que essa tinta seria linda. Mas por conta própria, é uma cor muito buffy. Agora que brincamos com a mistura na página e a mistura intuitiva de cores, vamos passar para a pintura no gráfico de mistura, um recurso maravilhoso que podemos usar nos próximos anos para obter a cor exata que queremos enquanto pintamos. 19. Aula três: gráfico de mistura: Um gráfico de mistura de cores faz um projeto de fim de semana maravilhoso ou se você é como eu, absurdo, esforço de um mês para terminar um gráfico de mistura que é maior do que nunca precisou ser. Aprendi meu método para fazer gráficos de mistura do adorável Dylan M. É simples e realmente vai quebrar seu relacionamento com a cor para dar-lhe confiança de que você está misturando as cores que você quer. Este processo é muito simples. Nós apenas começamos selecionando as cores que queremos usar. Quando eu fiz meu primeiro gráfico de mistura, eu realmente usei todos os tubos de Gouache que eu possuía, e eu tenho um monte de tubos de Gouache. Você não precisa fazer um gráfico de mistura com 60 cores diferentes de Gouache para obter uma compreensão completa de sua pintura. Aqui, eu vou estar usando apenas 15 cores, e eu vou começar escrevendo os nomes de cada cor ao longo do lado esquerdo da minha página. Embora você absolutamente não precise fazer isso em qualquer ordem de cores, ele pode ajudá-lo a reconhecer mudanças sutis e mudanças nas cores. Então eu sempre tento seguir o arco-íris. Roygbiv. Vermelho, laranja, amarelo, verde, azul, índigo, violeta. Então eu vou fazer meus negros e brancos no final. Às vezes eu incluo meu marrom ao lado do meu amarelo, mas desta vez eu queria um arco-íris claro. Então eu coloquei meu marrom no final, ao lado do preto. Assim que terminar isto, começarei na primeira fila. Vinho tinto. O objetivo do gráfico de mistura é ver variações sutis na cor que você pode obter ao misturar duas tintas diferentes juntas. Eu acho que é especialmente útil em trabalhar com gouache acrílico porque ao contrário da aquarela, ele não reanimar então eu posso simplesmente mexer em torno adicionando cor até eu obter o tom que eu quero. Eu quero ter certeza da cor para que eu não misture uma tonelada de tinta e crie um desperdício. Começo por preencher apenas aquele vinho puro e não misturado ao lado e ao longo do topo. Agora, eu vou fazer o mesmo com a minha próxima cor, vermelho puro. Vou fazer isso para cada cor no início de cada linha e coluna para que eu saiba como a cor não misturada se parece. Agora, vamos começar a misturar. Eu só estou misturando uma pequena quantidade do meu vinho tinto com aquele vermelho puro, a fim de obter uma mudança de cor. Deixaremos um espaço vazio onde o vinho tinto se cruza com o vinho tinto e preencheremos a nossa cor mista na primeira linha, mas abaixo daquele quadrado vermelho puro, porque esta cor é uma mistura de vinho tinto e vermelho puro. Então, vamos adicionar mais tinta vermelha pura para outra mudança de cor sutil e preenchê-lo na linha ao lado do nosso vermelho puro. Em geral, para esta primeira linha, eu estou olhando para ter certeza de que todas as minhas cores ao longo do topo têm um vinho tinto como a cor dominante e, em seguida, todas as minhas cores que estão prosseguindo para baixo o comprimento da página, eu quero fazer certeza de que a cor secundária é a cor dominante. Isso vai me dar uma idéia maravilhosa de todos os diferentes tons que eu posso tirar desses dois tubos de tinta. Você pode achar um pouco complicado para obter uma mudança de cor entre duas cores tão semelhantes como esses tons vermelhos, mas tudo bem. Você verá a diferença ao trabalhar o seu caminho através do gráfico. Agora, eu vou passar para a próxima cor, casca rosa, e fazer exatamente a mesma coisa. Eu preencho a cor não misturada na primeira linha e primeira coluna e , em seguida, eu proceder a misturá-lo com o meu vinho tinto. Assim como aprendemos em nosso exercício intuitivo de mistura, algumas cores têm muito mais pigmentação do que outras. Nesses casos, você só quer ter certeza de que você está adicionando apenas uma pequena quantidade da cor altamente pigmentada. Dessa forma, você pode controlar a mudança de cor. Pode ser fácil como você está fazendo um gráfico de mistura de cores para entrar em sua cabeça um pouco e pensar que talvez eu não esteja fazendo isso direito. Talvez essas mudanças de cores não sejam exatas. Talvez esteja um pouco perto demais da extremidade escura do espectro ou da extremidade clara do espectro. Mas apenas confie em si mesmo e confie no processo porque como você está olhando para uma página, especialmente se você tem um monte de cores de tons semelhantes, ele pode sentir que você não está fazendo nada em tudo. Mas a realidade é que, quando você dá um passo atrás, você vai encontrar tantas cores maravilhosas lá dentro. Agora que começamos, vamos continuar fazendo exatamente a mesma coisa com cada linha adicional. E isso é tudo o que há para ele. Fazer um gráfico de cores pode ser um processo maravilhosamente meditativo que ajuda você a aprender sobre cores. Mesmo de apenas um olhar casual, você pode ver a maneira como as cores calcárias, e cores translúcidas, e essas coresde granulação traquinas realmente mudam as tintas com as quais e cores translúcidas, e essas cores eles são misturados. Agora que temos uma compreensão completa da cor, vamos passar para o nosso terceiro e último projeto, uma tigela de frutas ainda vida. 20. Projeto três: esboço: Olá, e bem-vindos ao nosso projeto final. Nós fizemos isso. Assim como nos últimos projetos, estou trabalhando com um pedaço quadrado de papel aquarela de 9 polegadas e estou criando uma borda de uma polegada ao redor da borda. Estas são apenas minhas preferências, mas eu acho que criar essa borda ao redor da borda faz sua pintura parecer um pouco mais polida. Para este projeto final, vamos nos concentrar nas formas simples de uma tigela de frutas. Isso é porque eu quero que você tenha todo o tempo do mundo para se concentrar em cores, misturando na página, jogando, usando o gráfico de mixagem que você fez, e eu queria ter algo simples para jogar. As frutas são perfeitas para isso porque não só são simples, mas têm uma tonelada de textura e maravilhosas variações de cor. Eu vou pintar maçãs porque francamente, maçãs são a fruta que eu tenho na mão mais frequentemente e eles também têm cores maravilhosas. O único truque para esboçar frutas é certificar-se de que você tem uma boa composição na tigela. Você quer algo onde haja diferentes formas e camadas. É por isso que eu mudei minha tigela assim para que você pudesse ver as maçãs que estão atrás, e você tem grandes destaques na frente. Mesmo que minhas maçãs estão sentados nesta situação muito chique prato vieira tigela, eu só vou me concentrar em desenhar o que eu vejo. Se sair um pouco confuso, melhor. Isso lhe dará muito mais personalidade. Assim como nos vídeos anteriores do projeto, fiz um esboço no Procreate para isso porque é onde estou mais confortável. Faça esboços onde quiser, seja em papel aquarela, em um programa digital ou em seu caderno de esboços. Não importa, são todos igualmente válidos. Assim que terminar o esboço, vamos para a pintura. 21. Projeto três: pintura: Agora, queremos o quadro. Eu tenho meu esboço transferido para papel de cor de água e eu estou apenas gravando as bordas da minha página para que eu possa obter uma borda nítida e limpa. Então eu vou pegar meu gráfico de mistura para que eu possa começar a decidir sobre as cores. Agora, meu gráfico de mistura é estupidamente grande. Você verá imediatamente por que é uma idéia muito melhor fazer um gráfico menor que apenas tem cores que você ama, mas tudo bem. Como eu encontrar uma cor que eu acho que seria perfeita para a minha pintura, eu pego as duas tintas que eu preciso para misturá-la. Assim eu tenho tudo disponível antes de mim, antes de começar. Pode valer a pena notar que só porque eu estou misturando algumas cores personalizadas com base no meu gráfico de mistura, não significa que cada cor na minha pintura tem que ser uma bela mistura personalizada. Eu vou estar usando apenas um bege liso para o fundo porque eu acho que ele vai desencadear o vermelho brilhante das maçãs eo verde do meu pequeno prato escoteiro perfeitamente. Eu também vou ser intuitivamente misturando uma cor ou duas aqui e ali como eu ir com base no que eu vejo que eu preciso. Você vai notar ao lado da minha pintura que eu tenho um pedaço de papel aquarela. Vou usar isso como estou pintando. Basta marcar as misturas que eu tenho usado para que eu saiba que cores estão lá se eu precisar refazer alguma coisa. Eu também estou apenas preenchendo o fundo primeiro como eu sempre faço. É uma cor clara, então será fácil pintar se eu entrar naquela área do meu prato ou minhas maçãs um pouco, mas eu estou tentando ser um pouco cuidadoso em torno do contorno. Como sempre, você vai notar que minha pintura tem um pouco de translucidez nele, porque é isso que eu amo. Adoro ser capaz de ver as pinceladas, especialmente em um fundo, acho que faz parecer muito mais dinâmico. Mas se você está procurando por um pop mais ousado e mais gráfico para sua pintura, você pode querer usar tinta que seja um pouco mais opaca. Agora, vou começar a misturar algumas cores. Eu não sei por que, mas eu comecei a misturar a cor para o meu prato primeiro. Talvez eu só queria saber como seria a cor para que eu pudesse ter certeza que eu tinha contraste suficiente entre isso e o fundo. Isso certamente soa como uma boa razão, então eu vou com isso. Mas assim que eu tenho uma cor que eu gosto, eu colocá-lo no meu cartão pequeno e eu rotulo as cores que têm usado para misturá-lo, neste caso, cobalto e amarelo ocre, de modo que mais tarde, se eu precisar fazer essa cor novamente, eu tenho todos a informação. Agora, eu vou trabalhar para descobrir a cor que eu quero usar para a minha mesa. Neste caso, eu quero ter certeza de que ele tem contraste suficiente entre o verde que eu vou usar para a placa e a base que eu usei para o fundo. Eu também adoro quando partes do meu fundo têm alguma translucidez para que você possa realmente ver as pinceladas vir através. Misturo até encontrar translucidez com a tinta que funciona para mim. Neste caso, é uma cor queimada e umber com apenas o menor pedaço de rosa nele. Eu preencho toda a área, certificando-se de que há muitas pinceladas deliciosas. Porque esta cor é mais escura, eu estou tentando ser um pouco mais preciso perto das bordas da minha placa para ter certeza de que eu não tenho muita tinta escura para pintar mais tarde. Agora, eu vou apenas certificar-me de que eu anote esta mistura de cores bem assim que eu tê-lo mais tarde se eu precisar corrigir as bordas em qualquer coisa. Apenas Umber superior e casca rosa. Agora, vou passar a misturar as cores para as minhas maçãs. Vou usar três tons diferentes porque estas maçãs realmente têm uma tonelada de cores diferentes nelas. Vai estar fazendo alguma mistura na página também e efeitos de escovação a seco para obter as maçãs olhando como eu vê-los na vida real. Por causa disso, eu estou deixando minha tinta um pouco mais espessa do que eu normalmente usaria para que eu possa obter camadas opacas de cor. Todas essas misturas que estou fazendo também têm uma tinta calcária neles para que eu possa confiar que eles vão ser opaco e não acabar mostrando muitas pinceladas. Embora muitas vezes eu misturar minhas cores uma de cada vez como eu preciso delas, porque eu sei que eu vou ser camadas várias cores diferentes para essas maçãs, eu estou misturando todos eles no início, então eu vou ter todos eles para camada um em cima do outro. Porque eles estão nos poços da minha paleta de cerâmica, eles não devem secar muito rápido. Mas se você está em um clima muito seco, você pode querer apenas misturar uma cor de cada vez. Ambas as cores são baseadas com amarelo Nápoles e que mesmo Nápoles amarelo vai ser a cor base que eu uso para começar minhas maçãs, porque há um monte de tons amarelos sobre essas frutas extravagantes. Quando comecei a pintar, um dos problemas que tive com a mistura de cores foi que eu tinha essa impressão errada de que cada parte do que eu pinto tinha que ser uma cor perfeitamente misturada. Mas a realidade é que, enquanto você está pintando, enquanto você está construindo camadas de cor, você está criando cores que você não poderia se misturar. Eles têm muito mais variações de tom do que você poderia fazer. É por isso que estou começando com esta sub-pintura do amarelo de Nápoles. Esta tinta amarela vai mostrar através de todas as camadas que eu pinto em cima dela. Se você está trabalhando com diferentes variedades da mesma fruta ou frutas diferentes inteiramente em sua tigela de frutas, então você vai querer apenas prestar atenção aos tons da fruta que você está pintando. Se você tem uvas roxas, eles podem ter um tom mais azul ou um tom vermelho. Se estiver trabalhando com laranja, pode ser amarelo ou vermelho. Se você está trabalhando com morangos, eles podem ter um tom verde. Talvez estejam um pouco abaixo da madura, ou um tom amarelo, ou um vermelho brilhante. Há tantas opções e nada está errado. Se você está olhando para a sua fruta e essa é a cor que você vê, então vá em frente. Este é o seu lembrete amigável de que você está interpretando o que você vê através de seus olhos e apenas seus olhos. Então, se você vê subtons azuis, ou subtons vermelhos, ou subtons verdes, ou você quer ter alguma licença artística, todas essas são opções muito válidas e ajudarão a tornar sua pintura morta mais do que apenas uma recriação de uma tigela de frutas. Para a minha maçã na frente, eu estou realmente usando vermelho como o tom, apenas para adicionar um pouco de variedade e ajudar esta maçã a se destacar dos que estão por trás dele. Enquanto estou pintando, estou percebendo que a área do caule desta maçã tem algum brilho verde pálido acontecendo lá. Então eu só vou pegar essa tinta para tê-lo pronto porque eu vou tentar alguns efeitos de escovação a seco para dar vida a essa área. Eu só estou preenchendo as áreas que eu acho que vai ser este vermelho mais escuro e então eu vou para a escova seca. Pode valer a pena notar que esta escovação a seco será apenas uma primeira camada de cor. Eu provavelmente vou entrar com tons mais escuros mais tarde para realmente trazê-lo à vida. Como eu estou escovando a seco, Eu vou usar uma mistura de que cal pálido Eu espremido para fora do tubo e minha tinta vermelha mista, dessa forma ele vai se misturar para fora em direção à borda da minha maçã. Você vai notar como eu secar escova, eu limpo minha escova em minha toalha de papel muito e isso realmente é apenas para tirar a tinta para que eu possa obter um efeito mais solto, escovador. Eu vou trabalhar nesta área por um tempo, obtendo apenas o equilíbrio certo de cores que eu quero porque eu não estou com pressa. Não importa se preciso cinco camadas de tinta ou 10 camadas de tinta para chegar onde quero. Vou continuar a olhar para as minhas maçãs e, em seguida, olhar para trás para a minha pintura para obter as formas e cores exatamente onde eu quero. Agora que eu tenho uma primeira camada lá em baixo, eu só vou polir a forma da minha maçã um pouco mais e depois passar para pintar o meu prato. Eu realmente amo ter uma área de base de cor na maioria das áreas da minha pintura antes de eu começar a adicionar muita textura e detalhe. Agora que eu posso ver todos os tons quentes desta pintura e como eles estão se desenvolvendo, eu estou percebendo que aquele verde que eu misturei vai precisar de um pouco mais amarelo. Então eu adicionei um pouco mais ocre amarelo, a fim de fazer o verde mais perto do que eu vejo e uma cor que vai trabalhar harmoniosamente com o resto da minha pintura. Estou deixando uma lacuna ao longo do fundo deste prato porque a cerâmica que estou pintando não tem o esmalte todo o caminho para baixo. Só estou tentando me concentrar em me certificar de que tenho isso com precisão. Essa pequena faixa da cor mais pálida também vai fornecer algum contraste muito necessário para realmente chamar seus olhos para o centro desta pintura. Além disso, se você está trabalhando com um monte de tinta grossa ou você obter qualquer tinta na parte de metal em seu pincel, só quero ter certeza de que você lava isso fora caso contrário ele vai fazer que você perca o ponto limpo nítido em seu pincel. Como sempre, quando passo a fazer um trabalho mais detalhado, como as bordas recortadas da minha tigela de frutas, mudo para um pincel menor. Este é um pincel tamanho zero, eu acredito. Só me dá muito mais controle sobre as linhas que estou fazendo. Especialmente porque a borda recortada desta tigela é realmente um ponto focal. Estou preenchendo a borda não esmaltada da bola com um branco marfim para dar uma pequena diferenciação do meu fundo. Então eu vou continuar preenchendo o resto da minha tigela, porque estas são as bordas e usando um pouco mais largo sua tinta. Estou tentando pegar um monte de pinceladas. Eu também estou aderindo com o meu pincel minúsculo pequenino, que vai me dar muito mais detalhes, mesmo nesta área plana de cor. Percebeu que estou deixando um pouco de espaço ao redor das maçãs. Isso é porque há realmente uma sombra lá dentro, onde minha tigela e minhas maçãs carne. Vou misturar a cor mais escura para representar essa sombra. Sempre que estou misturando cores, mantenho um pedaço de papel ao lado de onde estou trabalhando. Aqui, na verdade é apenas a borda da página que eu cortei para fazer a praça. Usei isso só para testar a cor e segurá-la perto da minha pintura antes de me comprometer a colocá-la na minha pintura. Mesmo que você possa facilmente pintar sobre áreas de cor com guache, eu gosto de usar minha tinta de uma forma mais translúcida. Muitas vezes eu não quero ter que camada de cor para encobrir um erro que eu cometi com cor. Por minhas cores primeiro, isso só significa que eu não tenho que me preocupar em me comprometer a colocar essa cor na página. Assim que terminarmos de preencher esta situação de prato de frutas, então eu vou passar a adicionar detalhes às minhas maçãs. Este é o lugar onde as coisas ficaram realmente divertidas, se eu estou sendo honesto, eu absolutamente amei cor em camadas para fazer essas maçãs ganham vida. Agora, que eu vou começar a trabalhar com vermelhos e amarelos em vez do verde com que estou trabalhando, eu vou virar minha toalha de papel ao redor. guache acrílico não reanima com água, mas se houver algum pedaço de dor que ainda esteja molhado, não quero que deixem minhas cores enlameadas. Você pode absolutamente reutilizar uma toalha de papel como esta por muito tempo com gouache acrílico, porque ele não reanima com água. Não vai sangrar nas suas cores, desde que a tinta já tenha secado. Agora, eu vou entrar com escovação a seco, que você vai notar, eu vou usar muito essa toalha de papel. Esta é a minha cor vermelha mais escura e eu estou apenas começando pelas bordas da minha maçã, onde há mais sombra. Assim, quando meu pincel tem mais tinta, fica nas áreas mais escuras. Eu não quero entrar, nas áreas brilhantes e destacadas com uma tonelada de tinta no meu pincel, porque ele vai criar áreas escuras. Dito isso quando sua tentativa escovar, pode ser maravilhosamente imprevisível. Quando você está tentando obter tinta em uma determinada área, essas cerdas não vão te dar nenhuma tinta. Quando você está tentando obter áreas de luz brilhantes, eles podem apenas vir com uma grande variedade de cores. Mas isso faz parte da magia aqui. Você já pode ver mesmo com esta primeira camada de escovação seca, que eu estou recebendo um monte de tons diferentes, apenas a partir deste vermelho e amarelo que eu não poderia ter me misturado. Tantas variações diferentes. Porque você tem tão pouca tinta em seu pincel, pode demorar um pouco para construir camadas de cor. Se esta é a técnica que você vai usar, não fique com muita pressa, porque no segundo em que você está com pressa, você vai ter uma grande bolha de tinta, e isso vai realmente frustrar você. Só tenho que confiar que há pigmento suficiente nessas cerdas para causar um impacto se você continuar trabalhando nisso. Esta é apenas a minha primeira camada de cor aqui. Estou usando a mesma cor que você vê na minha frente, maçã vermelha. Depois de construir camadas de cor suficientes neste vermelho mais claro, vou para os vermelhos mais profundos e ricos para que possamos dar vida a esta maçã. Tal como com toda a minha pintura, estou a começar o mais leve possível. Você vai notar que agora eu estou fazendo um monte de camadas realmente leves. Eles quase parecem lápis coloridos na verdade. Isso é o que eu estou indo para. Eu quero criar camadas de cor realmente sutis para definir onde minhas sombras estão, e onde meus destaques estão de uma forma que não é incorrigível. Quero dizer, eu sempre posso colocar uma cor em cima. Mas se eu estou construindo todos esses belos efeitos de escova seca nele, eu não quero ter que apenas colocar uma grande bolha de tinta em cima dele mais tarde. Então, eu estou trabalhando lentamente e construindo camada sobre camada de cor. Como eu trabalho com essas camadas de escova seca, eu também vou camada em algumas de minha tinta amarela de Nápoles, cor base original que eu pintei minhas maçãs. Porque essa tinta é feita de vários pigmentos diretamente do tubo, às vezes você vai descobrir que ela se separa. Mas olhe para trás e é como novo, desde que ainda não seque. A única coisa que estou descobrindo é que esta tinta não tem a opacidade que eu preciso para esta fase da minha pintura. Eu realmente não consigo obter os efeitos de escovação a seco que eu quero, ou a cor opaca porque há apenas muita água nele. Eu vou espremer um pouco mais da minha tinta amarela de Nápoles, e apenas usá-lo diretamente do tubo ou com uma quantidade muito pequena de água. Isso me dará um pouco mais de flexibilidade para os efeitos que eu quero. Eu vou usar este amarelo mais opaco Nápoles para criar destaques e textura naquela maçã vermelha mais escura, e para preencher áreas em minhas outras maçãs mais leves no fundo também. Uma vez que eu tenha todas as cores de tom médio e destaque feito na minha maçã, eu vou passar para um tom mais escuro para começar a adicionar sombras. Eu só estava entrando e adicionando algumas sombras e destaques para minha peça de frutas, seja lá o que for essa coisa também. Apenas manchando com os dedos para manter as coisas suaves porque é isso que eu faço, e realmente tentando me concentrar em onde as áreas de cor estão e onde as sombras estão. Eu sei que a borda da minha bola de frutas é vacilante, especialmente o lado esquerdo ruim. Mas está tudo bem. Quando Van Gogh pintava suas naturezas mortas, ele não estava olhando para recriar a vida. Ele estava apenas se expressando e gostando do processo de colocar tinta no papel. Ninguém mais vai ver a configuração da vida morta que você tem na sua frente. Eles só vão ver o seu quadro acabado. Então, se o seu prato parece um pouco diferente do que ele faz na vida real, ou você adicionou frutas extras ou reorganizar as coisas um pouco, que está tudo bem. Ninguém está comparando. Se há uma parte que realmente te incomoda que você pense : “Eu realmente deveria ter observado mais de perto, eu poderia ter feito melhor.” Essa é realmente a magia da vida morta, especialmente quando você está pintando algo como fruta, a menos que eles sejam bananas, eles não vão sair imediatamente, eles vão ficar olhando exatamente como eles fazem direito. Você pode pintá-los dia após dia e aprender coisas novas e explorar e experimentar. Aprendendo sobre guache e sobre o assunto que você tem diante de você. Agora, estou quase terminando com este quadro. Eu só estou agitando, mexendo, adicionando pequenos pedaços de destaque e pequenos pedaços de sombra aqui e ali. Às vezes você pode pensar que sua pintura não está funcionando, e então você adiciona apenas uma pequena linha ou um pouco de destaques para trazê-lo para o primeiro plano e de repente ele aparece. Este pode ser um ótimo momento para olhar o seu assunto novamente de perto, ou apenas para se concentrar no mundo que você criou dentro de sua pintura. Há sombras onde deveria haver sombras? O que eu notei é que eu realmente precisava de um monte de mais sombra no fundo, especialmente daquelas maçãs que estão no fundo, atrás daquela maçã chamativa proeminente na frente. Estou usando um efeito de escovação seca, assim como eu fiz antes para garantir que minha sombra permaneça macia, não seja muito dura. Mas eu também poderia usar um pincel diluído para isso. Tudo depende do efeito que você quer. Essas sombras realmente aterram as maçãs neste prato. Eu também estou adicionando um pouco mais de pigmento escuro para a minha maçã frontal também. Então eu vou trabalhar para adicionar uma pequena sombra à mesa debaixo da minha tigela de frutas. Isso irá aterrar a tigela de frutas na superfície em que ela se senta. Porque meu passado é realmente pincelada. Só estou usando a mesma tinta para criar minha sombra, nada mais escuro. Porque criar uma camada extra desta tinta translúcida já vai torná-la mais escura, especialmente porque eu não estou procurando uma sombra super áspera. Uma vez que eu termine minha sombra, eu estou acabado, ou pelo menos eu acho que eu estou acabado. Há uma chance de eu voltar mais tarde e adicionar mais pequenos detalhes. Quem sabe? Mas, por enquanto, vou chamá-lo de “acabado”. Com isso, terminamos nossa primeira aventura com guache acrílico. Começando, aprendemos como obter a opacidade certa de nossa pintura para criar áreas de cores e linhas. Aprendemos sobre colocar em camadas nosso controle de pintura e pincel para colocar nossa tinta exatamente onde queremos e olhar exatamente como queremos. Em seguida, exploramos cores, misturando-a na página intuitivamente e criando recursos como um gráfico de mistura para que possamos obter exatamente a cor que estamos procurando. Só tenho algumas mensagens finais antes de seguirmos caminhos separados. 22. Guache acrílica: perguntas e respostas: Olá e bem-vindos ao Q e A para a minha aula de aventuras de guache acrílico. Estou aqui para responder a todas as suas perguntas sobre guache acrílico. Vamos saltar para dentro Por que você prefere gouache acrílico em vez de um guache tradicional? Minhas preferências se resumem a alguns fatores. Uma delas é a textura da tinta. O guache tradicional é muito calcário. gouache acrílico é muito mais cremoso, o que torna uma alegria pintar com. A segunda razão é que o gouache acrílico é impermeável, o que facilita muito a camada de tinta e a cobertura de erros. A razão final, é provavelmente apenas um fracasso da minha parte. Comprei um conjunto de mixagem quando comprei o meu guache tradicional, e odeio trabalhar a partir de um conjunto de mixagem. Parece um desafio misturar todas as cores a partir do zero. Então eu não uso. Como faço para evitar o desperdício de tinta? Eu recebo muitas vezes esta pergunta. Minha primeira advertência seria, toda arte envolve um pouco de desperdício. Mas há algumas maneiras de limitar a tinta que você não acaba usando. Número um, fique bom em misturar cores. Quanto mais confiante você estiver com a mistura de cores, menos tinta desperdiçada você terá, porque você não precisará adicionar mais e mais tinta para obter a mistura certa. Não há outra maneira de fazer isso a não ser apenas praticar. classe do verme de Marina bem, Color Collector, explorar a arte da mistura de cores com gouache, é um excelente mergulho profundo na mistura de cores com gouache acrílico, e pode ser uma ótima maneira de começar se você quiser se tornar um mestre. Número dois, obter uma variedade maior de cores. Quando você está misturando cores de três cores primárias, será muito mais difícil obter apenas a tonalidade certa, então quando você sabe, você só precisa clarear a cor de pêssego pálido que você já tem. Pegue alguns tubos que estão mais próximos das cores que você usa o tempo todo, e você vai perder menos tinta tentando acertar. Isso é parte da razão de eu estar tão apaixonado pelas cores japonesas e turner. Porque eles são mais quentes, cores mais lamacentas que me poupam passos ao misturar as cores que eu amo. Número três, embrulhe sua tinta de dia a dia. Se você tem um pequeno frasco hermético, isso funcionaria. Às vezes eu também vou colocar plástico sobre minha paleta de cerâmica apenas para garantir que nenhum ar está entrando, caso contrário, sua tinta vai secar. Quatro, a última maneira de evitar misturar tinta molhada é dar a si mesmo um lugar para experimentar tinta que de outra forma seria desperdiçada. Eu tenho um caderno de esboços que eu mantenho com manchas de cor nele, onde eu posso brincar com texturas e padrões. Conheço outro artista que trabalhará em duas pinturas ao mesmo tempo para usar a dor que, de outra forma, seria desperdiçada. Ambos os métodos podem ser ótimos para garantir que você não desperdice tinta. Por que você recomenda escovas de aquarela sobre pincéis para tinta acrílica, ao trabalhar com gouache acrílico? Eu recomendo escovas de aquarela para guache acrílico em vez das escovas tipo de cabelo salão que você pode usar para tinta acrílica, porque o gouache acrílico é geralmente muito mais fino do que a tinta acrílica. escovas de aquarela são projetadas para absorver e segurar líquido, enquanto essas escovas tipo de cabelo porco são projetadas para não. Desde que eu diluo meu gouache acrílico para 50 por cento de tinta e 50 por cento de água, pelo menos, as escovas de aquarela são mais adequadas para como eu trabalho. Por que você recomenda Holbein titânio branco sobre branco chinês? Acho que o branco chinês Holbein não se mistura muito bem. Acho que os pigmentos coloridos acabam suspensos em tinta ao invés de incorporados, o que deixa a tinta muito risada. Eu prefiro usar titânio branco porque ele se mistura suavemente para alcançar suas cores. Ópera de Holbein e cores de rosa são semelhantes. Eles são parecidos? O que você recomenda? Em Holbein gráfico de cores on-line, ópera e rosa olhar muito perto. Mas, na realidade, eles são cores bastante diferentes. Ambos são cores granulando com pigmento fluorescente, mas a ópera é mais um rosa néon, enquanto a rosa é uma mais profunda, mais rica e menos brilhante. Eu possuo os dois e os uso para coisas diferentes. Como você limpa a tinta da sua paleta de cerâmica? Quando eu preciso limpar minhas paletas, eu apenas enxaguá-las com água. Às vezes, se a tinta estiver muito seca, eles precisarão de um molho curto, mas a tinta deve sair imediatamente. Como a cerâmica não é porosa, o guache acrílico não tem nada a se ater, mesmo que a tinta seja à base de acrílico e à prova d'água. Você pode obter textura 3D com gouache acrílico? Você pode usar gouache acrílico com meios de gel ou espessante? Em geral, quando você está pintando apenas com gouache acrílico, você não pode obter efeitos 3D. Seca muito duro e vai rachar, especialmente se você estiver trabalhando em uma superfície flexível como papel ou tela. No entanto, a Turner oferece pasta de modelagem e meios de gel para uso com gouache acrílico. Ainda não experimentei com eles. Mas se você estivesse procurando obter efeitos 3D com gouache acrílico, seria um ótimo lugar para começar. Como faço para criar diferentes texturas com gouache acrílico? Existem basicamente três texturas diferentes que combino para criar todos os tipos de efeitos e marcas diferentes ao trabalhar com guache acrílico, fosco plano, aquoso, e depois seco e brushstroky. Eu cubro cada um desses métodos de trabalhar com gouache acrílico na classe. Mas vamos passar por alguns exemplos dos meus esboços das texturas em ação. Assim, você pode ver como eles podem ser aplicados para criar efeitos diferentes. Como faço para que minhas cores se misturem mais suavemente ao trabalhar com gouache acrílico? Meu melhor conselho para ter transições mais suaves entre áreas de cor, é trabalhar rápido ou usar tinta mais aquosa ou ambos. Meu jarro de vida morta tem transições bastante suaves entre áreas de cor, porque eu construí dezenas de lavagens finas de guache acrílico para criar minhas sombras. Usando camadas finas ou tinta muito molhada lhe dará mais tempo para misturar cores antes que a tinta seca, e permitirá que você trabalhe tinta molhada em tinta molhada. Isso lhe dará transições mais suaves entre áreas de cor. Eu também gosto de usar meus dedos para apenas suavizar a linha entre as áreas de cor enquanto a tinta ainda está molhada, para criar uma transição mais suave. Como faço para colocar lápis de cor no guache sem esculpir no guache ou criar cristas? O foco da minha próxima aula é abordagens de mídia mista para guache acrílico, então essa informação será abordada com muito mais detalhes lá. Mas basicamente, se resume a algumas coisas. Uma camada fina e uniforme de tinta. Dois, boa qualidade, lápis de cor altamente pigmentados e macios. Três, como você segura o lápis e quanta pressão você aplica. Se você estiver usando um ponto muito afiado, ele vai esculpir no guache, e se você estiver usando o lado macio do lápis, é mais como colocar uma camada uniforme de cor em cima do pincel. Essas são todas as perguntas que tenho. Mas só porque eu fiz este vídeo muito oficial de perguntas e respostas, isso não significa que o tempo para perguntas acabou. Sinta-se livre para entrar em contato comigo aqui na seção de discussão, no Instagram ou em hello@alannacartier.com. Fico sempre feliz em ajudar, especialmente se isso significar outro membro do meu clube de diversão de gouache acrílico não oficial. 23. Obrigado!: Muito obrigado por ter assistido à minha aula. Estou tão grato por estares aqui a explorar o maravilhoso mundo do guache acrílico comigo. Se você está postando seu trabalho nas mídias sociais, me marque @ Alanna Cartier Illustration ou use a hashtag que Alanna ensina. Se você quiser acompanhar minha jornada de ilustração ou sair e conversar sobre arte, você pode me encontrar no Instagram na Alanna Cartier Illustration. Se você só quer saber o que há de novo comigo, você também pode se inscrever para a minha newsletter em alannacartier.com. Eu também ficaria muito grato se você pudesse deixar um comentário para esta aula. Eu leio cada um deles, e eles fazem meu dia e me tornam um professor mais forte que é mais capaz de trazer as aulas que você quer. Muito obrigado de novo. Você é absolutamente o melhor. Mal posso esperar para ver as coisas bonitas que você cria.