Aprimore sua composição de letras: um guia criativo para compor como um profissional

1. Apresentação: [MÚSICA] Você já ouviu uma música e se perguntou como diabos o compositor conseguiu criar palavras que eram tão criativas, inteligentes ou até surpreendentes? Olá, meu nome é April. Sou cantora, compositora e professora de música. Neste curso, vou dar a você todas as ferramentas que você precisa para escrever letras incríveis. Fui músico profissional, compositor e educador nos últimos 10 anos. Sou graduado da Berklee College of Music, e tenho um canal no YouTube onde falo tudo sobre os prós e contras da composição. Ao longo desta aula, vamos aprender a criar personagens que se sintam reais e emocionalmente atraentes. Vamos aprender a criar mundos elaborados e coloridos. Vamos aprender sobre como usar curvas inteligentes de frase para criar letras que são inesperadas e realmente inteligentes. Se você sempre sentiu que a escrita lírica é a parte mais difícil do processo de composição. Se você está escrevendo há algum tempo, mas agora você está apenas em uma rotina ou se você realmente gosta de escrever e apenas quer aprender algumas novas técnicas legais, esta aula vai te dar tudo você precisa escrever como um profissional, se você se sentir inspirado ou não. Estou tão animado para compartilhar todo meu conhecimento de composição com você. Mal posso esperar para ver todas as coisas incríveis que você criará. 2. Visão geral do projeto: [MÚSICA] Vamos começar as coisas em nossa primeira lição falando sobre dois estilos distintos de composição, traçando e ofegante , e então vamos descobrir que tipo de compositor você é. lição dois é sobre definir a cena e se preparar para escrever suas letras. Então, vamos descobrir quem está cantando, para quem eles estão cantando, e quando tudo isso estiver acontecendo, descobrindo o ponto de vista e o tempo da sua música. Lição três, vamos mergulhar no personagem. Como seus personagens pensam, agem e falam.. Vamos analisar pontos de vista dos seus personagens e como eles vêem o mundo, a fim de escrever uma narração em primeira pessoa, bem como o diálogo. Na lição quatro, vamos discutir uma das minhas coisas favoritas para ensinar, os cinco S da composição. Vamos basear nossas letras em torno de simplicidade, história, sentidos, detalhes e subtexto para criar personagens multidimensionais e cenas nas personagens multidimensionais e quais você pode realmente mergulhar um ouvinte. Uma luta comum que eu costumo ver com os alunos que começam com as letras primeiro, é descobrir quanto tempo cada linha deve ser e descobrir como todas essas linhas devem se relacionar umas com as outras. Em menos de cinco, vamos dar uma olhada em tensões, batidas e respirações. metáfora é uma das ferramentas mais incríveis para usar na composição para tornar sua história mais clara e para ajudar seu ouvinte a realmente se agarrar ao que é, você tem que dizer, então na lição seis, vamos mergulhar de cabeça na Metáfora. Na Lição 7, vamos brincar com as expectativas do ouvinte. Quando fazer exatamente o que seu ouvinte espera, e quando alterá-lo e fazer algo completamente do nada. Saber o que seu ouvinte espera é realmente importante porque pode ajudá-lo a criar algo que se sinta confortável ou algo que tenha muita tensão e os mantenha nas bordas de seus assentos . Algumas das coisas mais emocionantes em ótimas letras são curvas inteligentes. Então, na Lição 8, vamos mergulhar em sagacidade, ironia e significados duplos. Às vezes, a maneira como você diz as coisas pode ser tão importante quanto o que você realmente está dizendo. Então, na Lição 9, vamos falar tudo sobre sons de palavras e, quando você chegar à Lição 10, você saberá tanto sobre escrita de letras que vamos apenas adicionar ****** em topo de tudo, incluindo uma tonelada de dispositivos retóricos realmente emocionantes. Essas são ferramentas realmente incríveis que podem levar sua música de boa para ótima e realmente elevar a experiência do seu ouvinte. Em nossa última lição, vamos amarrar todas as pontas soltas e terminar nossas músicas. Estaremos editando coisas, certificando-se de que tudo flua lindamente, e então você esteja pronto. [MÚSICA] Você terá escrito uma música inteira e aumentará com sucesso sua escrita de letras, então vamos começar. 3. Que Tipo de Escritor Lyric Você É?: [MÚSICA] Para começar nossa jornada de escrita de letras, vamos falar sobre que tipo de escritor lírico você é. Existem tantas maneiras diferentes de começar uma música quanto compositores. Mas hoje, vamos nos concentrar em dois estilos específicos de escrita lírica. Um plotter é alguém que começa criando um esboço e basicamente planeja toda a música antes do tempo. trama é realmente ótima se você é o tipo de pessoa que tende a ficar preso na metade de uma música, ou se você sentir que precisa um pouco de orientação enquanto está escrevendo. Eu costumo recomendar os estilos especificamente para pessoas que são mais analiticamente ou visualmente, ou para pessoas que são novas em composição. É realmente útil poder ter algo para continuar voltando. Dessa forma, você não sente que precisa continuar criando novas ideias à medida que vai. trama é incrível porque você faz todo o trabalho duro no início do processo, e então você pode realmente se concentrar em criar a linguagem real. Também é incrível porque é muito menos provável que você fique preso na metade do caminho. plotters são muitas vezes ótimos em escrever letras muito meticulosas, realmente instigantes, e também são ótimas em fórmulas específicas de gêneros. Veja, por exemplo, Leonard Cohen ou Max Martin, ambos os artistas realmente passaram muito tempo pensando sobre os temas e fórmulas de sua música antes do tempo, o que realmente mostra quando você olha os produtos finais. Pantsers, por outro lado, voam pelo assento de suas calças. O que significa que tudo o que surgir durante o processo vai direto nessa página. Não há nenhum esboço e a calça é capaz de criar coisas na hora. Isso é realmente ótimo para pessoas que realmente não gostam de seguir um esboço ou que sentem são criativas o suficiente para continuar. Pantsing é uma ótima maneira de se surpreender ao criar reviravoltas inesperadas ou curvas de trama. Também é perfeito para pessoas que escrevem de um lugar realmente emocional e querem que suas músicas sejam apenas uma saída no momento. Rappers freestyle como Snoop Dogg, Kendrick Lamar ou Busta Rhymes são ótimos exemplos de pessoas que podem apenas cuspir coisas na mosca e criar ótimas letras de calças. Ambos os estilos de escrita levam tempo e praticam para dominar, então, se você não for perfeito imediatamente, tudo bem. Você também pode descobrir que o estilo em que você está escrevendo por um tempo pode não se encaixar exatamente em quem você é como escritor, então vá em frente e mude as coisas apenas para ver o que serve para você. Ao escolher se deseja traçar ou calças sua música Aqui estão algumas coisas que você pode querer considerar. Se você tende a ficar preso na metade da escrita de uma música, ter problemas para pensar em ideias ou precisar se inspirar para escrever, você provavelmente é um plotter. Como os plotters se saem melhor com um pouco de orientação, incluí meu esboço na descrição deste curso abaixo. Se você é um plotter, você pode começar clicando nisso e dando uma olhada nele. Você também pode se beneficiar de listas com pontas de balas ou escrever prompts enquanto você está tentando colocar suas ideias no papel. Se, no entanto, você terminar um esboço e não sentir mais vontade de escrever a música, você começa com um prompt de escrita, mas acaba escrevendo sobre algo completamente diferente, ou você inventa toneladas de ideias, mas se você não escrever a música inteira imediatamente, você tende a esquecê-la, ou você decide que não gosta, você provavelmente é um calcinha. Pantser tende a fazer o melhor sem um esboço. Não se preocupe em clicar nesse link na descrição, em vez disso, você pode escrever de uma maneira mais consciente. Lembre-se de que você está fazendo todo o seu trabalho no final do processo. Isso significa que, enquanto os plotters estão escrevendo suas músicas, você estará focado principalmente na edição. Pessoalmente, gosto de tomar um pouco de tempo entre a escrita e os processos de edição, só porque torna um pouco mais fácil separar do meu eu artístico. Posso tirar esse chapéu de escritor e colocar o chapéu de edição. Dessa forma, minhas emoções e meu ego não necessariamente ficam machucados por quaisquer alterações ou edições que eu faço mais tarde. À medida que passamos por este curso, tentamos encontrar o melhor estilo para você como escritor. Se a resposta for ambas, ou nenhuma, ou uma mistura dos dois, isso também está totalmente bem. Você pode descobrir que não se encaixa perfeitamente em uma caixa, ou você pode escolher uma e depois decidir mais tarde que o outro pode realmente se encaixar melhor em você, e isso é totalmente bom. Esta é a sua música e seu processo de escrita, então você pode ser qualquer tipo de escritor que você queira ser, mesmo que não se encaixe perfeitamente em uma dessas categorias. Neste momento você tem minha permissão para alterar seu estilo de escrita, desviar-se do seu contorno, para colorir fora das linhas. Não há respostas erradas; trata-se de encontrar o que é melhor para você. Vamos começar com nossa próxima lição em que falaremos tudo sobre ponto de vista e tempo. 4. Ponto de vista e Tensa: Agora, que sabemos que você está escrevendo estilo, vamos falar sobre tempo e ponto de vista. Ponto de vista ou PDV refere-se a como seu narrador e seu ouvinte estão relacionados à história. Existem três tipos principais de PDV e cada um faz algo um pouco diferente para a história. Vamos passar por todos os três deles e descobrir qual deles você usará em sua música. Na composição especificamente, o ponto de vista mais comum é, de longe, a primeira pessoa. A primeira pessoa significa apenas que o narrador está falando a partir de sua própria perspectiva. Acho que isso é muito popular porque a composição tende a ser muito pessoal e emocional, ao contrário um romance ou um artigo. Para usar a primeira pessoa em sua composição, você usará palavras como eu, eu ou minha. Aqui estão alguns exemplos de primeira pessoa. Em primeira pessoa, você também decide se seu ouvinte faz parte ou não da história. Seu narrador pode estar cantando, “Eu te amo”, ou “Eu o amo”. De qualquer forma funciona totalmente e ambas são maneiras realmente válidas de usar a primeira pessoa. Se você quiser falar do coração ou realmente deixar seu ouvinte saber o que está acontecendo na cabeça de seus narradores, definitivamente comece com a primeira pessoa. primeira pessoa também é realmente ótima para pessoas que estão apenas começando com a escrita de letras porque é realmente natural e é agradável e confortável começar. Segunda pessoa significa que o ouvinte vai experimentar a música através de sua própria perspectiva. Você pode conseguir isso usando palavras como você e sua e imaginando que você está falando sobre seu ouvinte. Ao colocar o ouvinte no banco do motorista, você pode influenciar a maneira como eles estão pensando e sentindo, o que pode ser um pouco desconfortável e também realmente poderoso e intenso para um ouvinte. segunda pessoa é muito menos comum que a primeira pessoa, mas você pode encontrá-la nesses exemplos. Finalmente, terceira pessoa significa que o narrador e o ouvinte não estão em nenhum lugar para serem encontrados na história. Para usar a terceira pessoa, você deve usar palavras como ele, ela, eles, ele, ela, sua ou dele, dela, deles. Você também pode nomear seus personagens. Você deve usar a terceira pessoa se quiser que seu ouvinte possa ver várias perspectivas diferentes. Dessa forma, você pode saltar de um personagem para o outro. No entanto, faz você se sentir um pouco mais removido da história. Tenha em mente que é muito menos íntimo do que alguns dos outros pontos de vista. Agora, algumas músicas podem realmente parecer um pouco menos claras. Por exemplo, em Eminem's Lose Yourself, seguimos essa jornada de ser participantes realmente passivos a ativos, porque nossos versículos estão em terceira pessoa, enquanto nosso coro está em segunda pessoa. Eu não recomendaria fazer esse switcheroo o tempo todo. Mas neste contexto em particular acho que funciona muito bem. Porque a música é sobre aproveitar o dia e arriscar, então, ao passar de passivo para ativo, estamos fazendo exatamente o que as letras estão nos dizendo para fazer. Sk8er Boi de Avril Lavigne faz algo realmente semelhante na medida em que começa em terceira pessoa e, em seguida, no final, quando você menos esperava que ela mude para a primeira pessoa, trazendo-se de um participante passivo para um participante ativo, o que é realmente interessante e cria esse final inesperado de reviravolta quando percebemos que Avril fazia parte da história o tempo todo. [MÚSICA] Depois de decidir sobre um ponto de vista, você pode começar pensar sobre o tempo da sua música. Vamos nos concentrar nos três tempos, que são passados, presentes e futuros. O tempo é semelhante ao ponto de vista, pois pode fazer você se sentir mais próximo ou mais longe da história. Por exemplo, quando você usa o tempo passado as coisas que estão acontecendo na história já aconteceram. Eles estão no passado. Não precisamos mais nos preocupar com eles. Estamos apenas descobrindo o que aconteceu. Estamos sendo apanhados. Não há muita tensão no passado, mas parece muito confortável. Isso nos permite sentir como se estivéssemos conversando com a pessoa que conta a história. Estamos apenas ouvindo e recebendo o que aconteceu. No tempo presente, há muito mais tensão porque tudo na música está acontecendo agora. Estamos à beira de nossos assentos descobrindo o que está acontecendo atualmente. Acho que o tempo presente é realmente ótimo se seu personagem estiver escrevendo uma carta, se ele estiver falando com alguém sobre o que está acontecendo agora ou se eles estão nos dizendo como se sente atualmente. Escrever sua música no futuro fará com que tudo pareça muito menos real e muito menos fundamentado. Como o futuro ainda não aconteceu, tudo no futuro é puramente especulativo. É tudo muito sonhador e longe. Também é uma ótima maneira de dar ao ouvinte uma sensação de antecipação, esperança ou mesmo suspense. Assim como falamos com o ponto de vista, às vezes podemos decidir usar uma mistura de tempos. Podemos começar em um só lugar e depois nos mover para algum lugar completamente diferente. Usar o tempo passado e, em seguida mudar para o tempo presente, por exemplo, pode dar ao seu ouvinte uma boa noção de onde seu personagem estava e o que aconteceu originalmente, e agora como eles estão lidando com ele. Mudar o tempo pode nos permitir ver onde nosso personagem esteve, onde eles estão e para onde estão indo, bem como suas aspirações, esperanças e medos. Também pode nos ajudar a mudar para outro ponto de vista. Por exemplo, em Billy Joel's Scenes From An Italian Restaurant, ele muda entre vinhetas, cada uma em um tempo diferente. O primeiro está no tempo futuro, o segundo está no tempo presente, e na terceira seção ele muda do passado e o narrador realmente muda para terceira pessoa. Essa técnica nos ajuda a diferenciar entre todas as diferentes histórias dentro da história. Agora que você sabe tudo sobre tempo e ponto de vista, quero que você comece a pensar em qual deles você vai usar para sua história. Em nossa próxima lição, vamos falar sobre personagens, como eles falam, como eles se comportam e como pensam. 5. Vozes de Personagem: [MÚSICA] Agora que você pensou um pouco sobre o tempo e o ponto de vista da sua música. Esta é uma ótima oportunidade para começar a pensar em personagens. Pessoas diferentes falam, pensam e se comportam de maneiras diferentes. Este é um momento muito divertido para começar a pensar em como você quer que seus personagens soem. Quando você está escrevendo diálogo e narração em primeira pessoa, há muitas coisas a considerar, incluindo, que voz seu personagem tem? Que palavras eles usam? Qual é o sotaque ou o dialeto deles? Também é uma ótima ideia começar a pensar sobre coisas sobre as quais eles podem falar. Colin Meloy da banda, os Decemberistas realmente gostam de escrever sobre folclore e história. Em suas músicas, você notará que a linguagem dele é muito complexa e detalhada. Também é denso. Você também pode notar que há muitas alusões históricas e literárias espalhadas por toda parte. Lin-Manuel Miranda, por outro lado, também adora usar ilusões literárias e históricas, mas sua linguagem tende a ser muito mais atual e ele gosta de pontuá-la com muitas gírias. Seu uso da linguagem faz com que seus personagens se sintam relacionáveis e inteligentes. Isso nos dá muito sobre os mundos internos desses personagens. Ao mesmo tempo, o fim de semana, por exemplo, realmente gosta de usar linguagem moderna que parece muito conversacional. Isso faz com que pareça natural enquanto ainda é excitante e inteligente. Aqui estão algumas coisas a considerar, quer você esteja escrevendo da sua própria perspectiva ou de outra pessoa. Quais são as normas do gênero em que você está escrevendo? Hip hop, jazz, rock, country metal, cada um desses, e todos os outros gêneros sob o sol têm normas diferentes quando se trata de vozes de personagens. Se, por exemplo, você está escrevendo rap ou hip hop ou até música country, faz muito sentido usar a linguagem moderna, provavelmente com muitas gírias. Você pode usar palavras como vocês ou yoh nesses gêneros em particular, esses personagens tendem a vir de lugares cruos e verdadeiros muito honestos. Tudo bem, por exemplo, eles falarem sobre DMing que alguém no Instagram está colocando em seus AirPods. Também é totalmente normal nesses gêneros, bem como em rock ou metal, usar palavras de juramento. Contraste isso com artistas contemporâneos adultos como Josh Grubbing ou Celine Dion. Eu realmente não acho que esses artistas vão soar mais autênticos se estiverem usando palavras de juramento ou até mesmo linguagem moderna. Quantos anos tem seu personagem? A idade do seu personagem pode determinar muito sobre a maneira como eles vêem o mundo e sobre a maneira como eles falam. Por exemplo, um personagem que era adolescente na década de oitenta é muito mais provável usar palavras como voar e gnarly, enquanto alguém que era adolescente nos anos 2000 como eu era, é muito mais provavelmente usará palavras como doces ou esboçadas. A idade do seu personagem também determinará muito sobre o que eles gostariam de falar. Por exemplo, se sua música é sobre nostalgia infantil, a idade do seu personagem determinará o quão longe eles estão dos eventos de sua infância, bem como as coisas em que eles se concentram dentro dessa percepção da infância. Por exemplo, um milenar como eu é muito mais provável pensar na infância como um tempo antes da responsabilidade e dos empréstimos estudantis. Enquanto alguém que talvez esteja na oitenta ou noventa vai pensar muito sobre o quanto mudou no mundo desde que eles estavam na juventude. Onde e quando eles moram. Como mencionei antes, a idade do seu personagem pode fazer muito para determinar como eles vêem o mundo e como seus padrões de fala reais funcionam. Basear sua história em um momento diferente ou um lugar diferente também determinará essas coisas, bem como o ambiente real torno de seu personagem. Eles estão fazendo uma chamada em seu telefone rotativo? Eles estão usando palavras como você, tu e teu? Ou eles estão dando uma volta e estão voando de carro? Também preste atenção ao fato de que diferentes lugares ao redor do mundo ou ao redor do universo, se você estiver escrevendo uma música alienígena, terão acesso diferente à tecnologia e aos recursos, bem como diferentes acentos e dialetos diferentes. Finalmente, se você fala vários idiomas, seus personagens também podem. É muito comum em vários gêneros latinos, bem como no K-pop alternar entre dois idiomas diferentes. Essa técnica pode ser usada em qualquer gênero e com qualquer combinação de idiomas, basta ter em mente que os diferentes idiomas que um personagem fala podem determinar muito sobre seus padrões de fala e como eles vêem o mundo. Se você é um plotter, tente responder a essas perguntas em um pedaço de papel. Para pinças, isso pode ajudar a praticar falar em voz alta como seu personagem. Pense nisso como improvisação teatral. Também é totalmente bom escrever da sua própria perspectiva ou usar sua própria linguagem de conversação diária. Depois de ter tido um momento para pensar sobre como seus personagens [MUSIC] vão falar. Vá em frente e siga para a próxima lição, onde vamos mergulhar no que eu chamo de cinco S da escrita lírica. 6. Os 5 S's de Escrita Lírica: [MÚSICA] Nesta lição, vamos falar sobre meus cinco S de escrita lírica, que são simplicidade, história, sentidos, detalhes e subtexto. O primeiro S é por simplicidade, então você deve começar sua música da maneira mais simples possível. Pense em uma ideia principal, uma moral ou uma mensagem que você quer passar para seu ouvinte, apenas uma coisa simples, e então você pode construir toda a sua história a partir daí. Qualquer mensagem pode ser uma ótima ideia principal, mas é realmente importante pensar de forma simples. Aqui estão alguns exemplos de ideias principais simples. Observe que cada uma dessas ideias começa com um núcleo emocional. Eu te amo, é feliz, estou zangado com a política, com raiva, e sinto falta dos velhos tempos, é triste. Se você está se sentindo perplexo por uma ideia principal, comece com como você está se sentindo agora e depois trabalhe para trás, o que está fazendo você se sentir assim? Ótimas músicas podem vir de qualquer emoção sob o sol, então não se preocupe se você não está se sentindo particularmente triste ou ansiedade, ou se você não tem uma bela história de amor para escrever. Está tudo bem. Não importa onde você esteja, basta começar de um lugar de autenticidade e sua música será melhor para isso. Se você está tendo problemas para pensar sobre qual emoção você deve escrever uma música, você também pode conferir um gráfico útil como este. Muitas emoções conflitantes podem fazer com que sua música se sinta desfocada ou até confusa, então certifique-se de que você está aderindo a uma coisa para começar. Então é sempre mais fácil adicionar mais coisas do que tirar as coisas. [MÚSICA] Para escrever uma música atraente que seu público realmente vai se agarrar para começar contando uma história. Tudo o que você precisa fazer para contar uma história é começar com um começo, ir para o meio e depois terminar sua música. No início, apresente seu narrador, seu cenário, suas motivações ou metas e quaisquer outras informações que ajudem você a definir sua cena. O meio da sua história é onde o conflito acontece. Por que seu personagem não está conseguindo o que eles querem? O que está no caminho deles? Finalmente, o fim da sua música é a resolução. O que seu personagem faz para conseguir o que ele quer e funciona? Eles conseguem a coisa que querem? Para este exemplo, vou traçar minha música usando o formulário de música pop. Agora você pode usar qualquer formulário que quiser. Mas eu realmente gostei desse porque é realmente super comum. Vou usar eu te amo como minha ideia principal. Se você decidiu calçar sua música, você pode simplesmente relaxar e relaxar ou tomar algumas anotações, qualquer coisa que realmente o ajude a refrescar essa voz criativa em sua cabeça, porque em apenas um momento você vai começar a improvisar. Se, por outro lado, você decidiu traçar sua música, vamos começar preenchendo todos os pontos que dizem coro com sua ideia principal, e então vamos preencher nossos versículos com curtas simples explicações sobre o início, meio e o fim da sua história. Depois de descobrir o esqueleto básico da sua história, é hora de começar a usar seus sentidos e ficar específico. Usar seus sentidos e especificidade em sua escrita lírica pode levar sua música de boa para ótima, fazendo com que seu ouvinte se sinta como se fosse parte da história. Os cinco sentidos são visão, cheiro, paladar, toque e som. Mas você também pode incluir outros sentidos, como movimento e equilíbrio. Depois de começar a pensar em termos de seus sentidos, é realmente crucial se tornar específico. As especificidades em sua composição podem realmente permitir que seu ouvinte sinta como se estivesse dentro da história. Por exemplo, não é muito atraente apenas dizer, eu li um livro, mas é muito mais interessante se eu contar em que livro li e em que capítulo estou, e o que aconteceu com os personagens. Digamos que eu queira que meu personagem esteja nadando em um lago, vou começar a usar sentidos e detalhes imaginando meu cenário e depois anotando o que cada sentido estaria experimentando. Observe que essas imagens são super detalhadas e específicas. Ao contar esses detalhes, estou lhe dando a capacidade de imaginar a história em sua própria mente, vez de eu apenas dizer, eu me apaixonei no lago. Quando vou realmente escrever minha música, não preciso necessariamente usar todas essas imagens, mas pode ser muito útil durante todo o processo ter apenas uma lista em andamento. Aproveite este momento para pausar o vídeo e escreva alguns marcadores para sua própria música. O S final é para subtexto. Subtexto significa apenas que você está fazendo seu ouvinte ler entre as linhas de tudo o que você está dizendo em vez de dizer externamente. Meu uso favorito do subtexto não é canção Most of the Time de Bob Dylan, que é uma canção de rompimento impressionante sobre um homem que está tentando se convencer de que ele não ama seu ex-parceiro. Com cada verso da música, o narrador está nos contando sobre como maioria das vezes ele está totalmente bem. Ele não mudaria nada sobre sua vida, ele está indo muito bem, mas o subtexto é que a maioria das vezes não é agora. Neste momento, ele está totalmente miserável e sente falta completamente dessa outra pessoa, mas não importa porque maioria das vezes ele é bom. À medida que os versículos continuam, sua linguagem fica cada vez mais específica e orientada pelos sentidos, dando-nos cada vez mais razões para duvidar dele. Para escrever um ótimo subtexto para sua música, comece pensando no oposto da emoção que você está sentindo. Por exemplo, se você está escrevendo uma música sobre o quão triste você está, comece pensando, estou indo completamente bem, e depois trabalhe em toda a sua música para tentar descobrir exatamente por que você não está indo bem e tente fazer com que seu público adivinhe. minha canção de amor, eu poderia querer usar a frase, não estou apaixonado, ou posso até ir com, não quero estar apaixonado, e então se torna meu trabalho de ouvintes descobrir que estou mentindo. Se você estiver traçando suas letras, reserve esse momento para começar a delinear. Anote sua ideia principal, desenhe o início, o meio e o fim da sua história, e se você ainda estiver trabalhando nisso, tudo bem. Vou te dar ainda mais dicas para terminar esse esboço mais tarde. Se, por outro lado, seu calcante sua música, vá em frente e escreva seu primeiro verso e refrão. Divirta-se improvisando e não se preocupe com a qualidade ou a forma de suas letras, este é apenas um primeiro rascunho e entraremos no nitty-gritty um pouco mais tarde. Você tem minha permissão para escrever letras bobas ou excessivamente dramáticas ou até ruins. Está tudo tudo bem. Apenas certifique-se de continuar, porque caso contrário, você vai ficar muito bom em não escrever músicas. [RISOS] Ao trabalhar com todas as coisas que acabamos de descrever neste vídeo, certifique-se de ser legal consigo mesmo. Em nossa próxima lição, vamos falar sobre batidas, tensões e respirações. 7. Stresses, batidas e respirações: [MÚSICA] Um dos aspectos mais complicados de escrever letras antes de escrever acordes e melodias é tentar descobrir quanto tempo cada linha deve durar. Porque, eventualmente, você terá que pegar todas as palavras que escreveu e transformá-las em música. Muitas pessoas, especialmente poetas que se tornaram escritores líricos e compositores de primeira viagem, realmente lutaram para descobrir quantas sílabas batidas ou respirações deveriam acontecer em qualquer linha. A verdade é, claro, que depende totalmente de você como escritor, bem como da música que você está tentando escrever. Mas aqui estão algumas coisas que você pode considerar medida que avança e escolhe seus comprimentos de linha. Em primeiro lugar, comece a pensar sobre o que é sua música e o tipo de personagem para o qual você está escrevendo. Na maioria das vezes, o número real de sílabas não importará muito, mas em alguns exemplos, você pode descobrir que a contagem de sílabas faz um bom trabalho pintar um personagem que realmente é ansioso ou meticuloso. Absolutely Cuckoo by The Magnetic Fields é um ótimo exemplo de usar a contagem de sílabas para pintar um personagem realmente neurótico. Este personagem definitivamente tem medo de que alguém se apaixone por ele e então perceba o quão louco ele realmente é. Como você pode ver, as letras têm uma sensação de fluxo de consciência para elas. Mas quando você der uma olhada mais de perto, você verá que ele colocou bastante esforço neles. Na verdade, cada linha desta música inteira tem sete sílabas de comprimento. Outro exemplo engraçado é Haiku de Tally Hall, no qual o protagonista está tentando desesperadamente escrever um haiku para essa pessoa que ele ama, mas continua lutando para realmente obter um haiku para formar. Um haiku é composto de três linhas que seguem uma contagem de sílabas muito específica, cinco, sete, cinco. Então, prestando atenção a essa contagem de sílabas, você começa a notar que essas tentativas de haiku estão falhando miseravelmente, que subverte a expectativa em sua cabeça de ouvir cinco, sete, cinco. Também nos fala muito sobre nosso personagem e sobre o tipo de circunstância em que estamos. [MÚSICA] A próxima coisa que eu quero que você pense é tanto no seu gênero quanto no seu estilo vocal. Por exemplo, se você está escrevendo americana ou folk realmente tradicional, provavelmente não vai adicionar muitos trills ou muitas coisas extravagantes. Enquanto, se você estiver escrevendo uma música de R&B, é muito mais provável que você use todo tipo de acrobacias vocais. Pegue a música, I Will Always Love You de Dolly Parton, especialmente porque foi cantada por Whitney Houston. Lendo as palavras na página, a contagem de sílabas já está bastante solta. É claro que Dolly realmente não se importava tanto com a contagem de sílabas específicas a ênfase e sensação da música sobre a qual falaremos um pouco mais depois. Mas quando você olha para a versão de Whitney, tudo isso sai completamente pela janela e começa a parecer mais assim. Isso inclui todas as suas lindas corridas loucas, mas nem começa a levar em conta o espaço para respirar ou notas mais longas ou mais retidas. Tudo isso para dizer na maioria dos exemplos, a contagem de sílabas real não importará tanto e, em vez disso, quero que você comece a pensar sobre estresses de palavras. A palavra stress aqui se refere às palavras que enfatizamos quando cantamos ou falamos. Então, para praticar isso, tente dizer essa frase em voz alta. Agora, observe quais palavras você enfatizou. Por exemplo, eu enfatizei, vamos para Coney Island para montar as xícaras de chá giratórias. Agora tenha em mente que se você não disse esse fraseado exatamente da mesma forma que eu fiz, tudo bem. Pessoas diferentes vão dizer as coisas de maneiras diferentes e enfatizarão coisas diferentes dependendo do contexto da situação. Por exemplo, se em vez de dizer do jeito que eu disse, você decidiu enfatizar a palavra girando, vamos para Coney Island para montar as xícaras de chá giratórias. Isso me implica que algo não está funcionando, que talvez o passeio não esteja girando. Eu quero ir para Coney Island e montar o passeio quando estiver funcionando, não quando não está girando. Você poderia dizer a mesma coisa sobre a palavra ir. Vamos para Coney Island vez de apenas falar sobre isso e sentar aqui, independentemente de quais palavras específicas você enfatizou, você pode notar que ambas as linhas têm três pontos de estresse. Sem acordes ou melodia para adicionar essas palavras, não importa quantas tensões existem em cada linha, mas o que você notará neste exemplo específico é que os comprimentos de linha correspondem. O fato de haver um número correspondente de tensões entre essas duas linhas faz com que elas se sintam realmente estáveis e confortáveis, quase acabadas. Isso combinaria muito bem com algo que parece [RUÍDO] resolvido e fácil. Enquanto, se eu realmente entrar lá e mudar o número de palavras enfatizadas, a letra agora parece um pouco desequilibrada, mas ainda faz você querer continuar ouvindo. Eu acho que essa é uma maneira incrível de surpreender seu ouvinte e torná-lo interessado na história, especialmente se for uma história realmente instável. Então, neste ponto, descobrimos que não importa necessariamente quantas sílabas ou batidas ou palavras enfatizadas existem em cada linha. É realmente tudo sobre contexto. Mas uma coisa que sempre precisamos explicar é o fato de que nós, como seres humanos, temos pulmões e precisamos desses pulmões para funcionar. Então, temos que respirar às vezes. Eu recomendo ler suas letras em voz alta de vez em quando apenas para garantir que ela flua bem e que você seja capaz de respirar. Em nossa próxima lição, vamos dar uma olhada em uma das minhas coisas favoritas, metáfora. 8. Metaphor: [MÚSICA] Uma das maneiras mais comuns pelas quais os compositores tornam suas músicas mais interessantes é usando metáfora. Metáfora é uma ferramenta incrível de se ter, porque pode ajudá-lo a se explicar de forma mais clara, e também pode tornar sua música mais visualmente interessante. Na música Titanium, o narrador está tentando expressar que ele é forte, mas em vez de apenas dizer que eu sou forte, ele decide ir um passo adiante e comparar-se a algo que sabemos ser forte, titânio. Isso nos dá uma imagem realmente específica em nossas mentes, e nos permite agarrar ainda mais ao fato de que ele é forte. A mesma coisa vale para o fogo de artifício de Katy Perry. Ela poderia apenas dizer: “Você é incrível”, mas isso realmente não nos daria nenhum visual ou algo mais interessante do que apenas saber que somos incríveis. Em vez disso, ela vai um passo adiante e ela diz: “Baby, você é um fogo de artifício”. Sabemos que fogos de artifício são incríveis. Sabemos que eles são lindos e super legais. Sabendo que, ei, somos um fogo de artifício, podemos conectar essas duas ideias. Sou incrível, fogos de artifício são incríveis. No geral, a metáfora contribui para uma experiência muito mais orientada para o sentido e visceral. Quando olharmos para o último exemplo, assinado, selado, entregue, você notará que Stevie Wonder não diz a frase “Eu sou uma carta”. Mas porque ele usa um monte de palavras que associamos cartas ou a pacotes, assinados, selados , entregues, sabemos automaticamente que é disso que ele está falando, e ele não realmente tem que continuar dizendo que ele é uma carta. Para usar metáfora, tudo o que você precisa fazer é comparar algo tangível a algo abstrato. Escolha um conceito que realmente esteja lá fora e tente descobrir uma imagem ou algo na vida real com a qual ela se conecte. Por exemplo, o amor é um passo estridente, ou a vida está cavando um buraco para a China no quintal. Tente evitar comparações que você já ouviu antes, o amor é uma rosa, porque essas são clichê. Eles chegam ao ponto em que os ouvimos repetidamente e perdem todo o significado deles. Em vez disso, tente criar algo original e estranho e lá fora, porque você vai ter um tempo muito mais fácil pensando em coisas legais para dizer. Tente terminar essas frases com algo inesperado e concreto. Pontos extras por ser realmente específico. Depois de ter algumas ideias que parecem interessantes, tente comparar essas duas coisas. Por exemplo, como o amor é como um passo estridente? Talvez você tente evitá-lo. Talvez isso te acorde no meio da noite. Seja criativo e tente pensar fora da caixa. Outra maneira de escolher sua metáfora é observando exercício de descrição dos sentidos que fizemos algumas lições atrás. Na minha lista de descrição do sentido, havia um monte de imagens que fariam metáforas interessantes. O lago poderia representar um novo amor, porque o amor é refrescante. Talvez você tenha medo de entrar muito fundo, então você simplesmente mergulha o dedo do pé, ou talvez o amor seja transparente e você possa ver claramente. Agora eu quero que você pegue todas essas ideias que você está começando a fazer brainstorm, e tente pensar em como elas poderiam funcionar em sua música. Quais metáforas você vai usar? Lembre-se, porém, de ficar apenas com uma metáfora de cada vez, porque misturar suas metáforas pode ficar confuso. Depois de ter uma ideia da metáfora ou metáforas que você gostaria de usar em sua música, você pode ir direto para a próxima lição, onde vamos falar sobre intensidade, acúmulos e expectativas. 9. Expectativas: [MÚSICA] Uma das melhores maneiras fazer com que seu ouvinte investisse em sua música é criar um acúmulo incrível. Ao aumentar a intensidade ou a emoção em sua música, você pode tocar as expectativas do ouvinte e, como escritor, cabe a você se essas expectativas são atendidas ou não. O enredo, a configuração e os personagens da sua história podem ajudá-lo a determinar a melhor maneira lidar com as expectativas do ouvinte. Se, por exemplo, você está escrevendo uma canção de amor pura e doce na qual todos acabam felizes no final. Faz todo o sentido acompanhar cada uma das expectativas do seu ouvinte. Mas se, no entanto, você estiver escrevendo uma história sobre um personagem realmente errático ou irritado, ou se sua história acontece em um carnaval e você estiver olhando através de espelhos de casa divertidos, isso realmente não faria sentido que as expectativas dos ouvintes sejam atendidas da mesma maneira. A ruptura dessas expectativas pode realmente ajudar seu ouvinte a ter empatia com seus personagens, especialmente em situações em que as coisas parecem um pouco desativadas. Nesta lição, vamos fazer um mergulho profundo na música, espero, de Gaby Barrett, que é uma música fantástica se você ainda não ouviu. Se você é novo nesta música, você deve levar alguns minutos e dar-lhe um spoiler de escuta livre antes de entrarmos nas ervas daninhas. Quão incrível foi essa música? Ela faz muitas coisas muito inteligentes aqui. Mas uma das coisas que mais amo nisso é o quanto ela joga com suas expectativas. Quando ouvimos o primeiro verso, ela nos configura para ter algumas expectativas realmente específicas. Primeiro, usando a palavra esperança e imagens como sorrir na outra extremidade de um telefone ou cantar junto ao rádio, ou até mesmo a unidade, uma sensação de borrão. Ela nos monta com associações positivas. Esperamos que nosso narrador seja feliz ou, no mínimo, feliz por esse ex-parceiro. E por causa de todas essas imagens felizes, assumimos que isso será uma música sobre seguir em frente. A segunda armadilha em que caímos é acreditar que este é o começo da história. A música usa a frase, espero configurar seus desejos para o futuro. Não esperamos que ela rumine ou sequer mencione muito sobre o relacionamento que já tiveram. Prevemos ouvi-la dizer está pronta para encontrar alguém novo, ou que ela vai aprender com seus erros do passado e ser uma pessoa mais feliz e sábia. Existem toneladas de músicas ridiculamente famosas e populares que são exatamente isso. Isso honestamente parece que poderia ser apenas uma continuação dessa tendência. Essas imagens e bem-desejos continuam no refrão, convencendo-nos ainda mais de sua intenção de seguir em frente. Mas então obtemos a melhor parte de toda a música. O gancho em que ela nos dá aquela incrível reviravolta. Então espero que ela traia como você fez comigo. Depois de um minuto sólido de mentiras e enganos do nosso narrador não confiável, percebemos que não estamos no início dessa história estavam bem no meio da ação. Ela não está desejando bem ao ex, ela está infeliz e está com raiva e espera que ele seja miserável também. Quando uma grande revelação ou uma reviravolta do enredo acontece no meio de uma música como esta, pode ser muito difícil descobrir para onde ir em seguida, mas ela usa uma técnica realmente inteligente aqui. Ela tira algumas imagens realmente específicas do primeiro verso e as vira na cabeça deles no segundo verso. Tomemos, por exemplo, a imagem do telefone, que ela transforma de um positivo no primeiro verso em um negativo no segundo verso. Ao repetir a mesma imagem em contextos emocionais muito diferentes, ela está criando comparação e contraste. A imagem do telefone no segundo verso carrega o mesmo peso emocional do primeiro porque nos lembramos dessas associações positivas. Mas usando uma emoção contrastante, ela se baseia nessa intensidade em vez de substituí-la. Esta é uma ótima técnica para usar em sua própria composição. Eu encorajaria você a tentar brincar usando a mesma imagem em dois contextos diferentes. Comece escolhendo uma imagem em seu primeiro verso e encontre uma maneira de virá-la quando chegar ao segundo verso. Por exemplo, se meu primeiro versículo for sobre duas pessoas almoçando em uma lanchonete, eu poderia usar meu segundo verso para falar sobre aquele restaurante fechando ou sentado no mesmo estande do outro lado de um assento vazio. Quando você estiver planejando ou escrevendo os versículos da sua música, tente empilhar a intensidade. Você deve ter a seção menos intensa da sua música no começo. Então, à medida que a música continua, você deve estar ficando cada vez mais intenso. Tudo depois desse primeiro verso deve continuar construindo sobre o que seu ouvinte já sabe. Tudo bem se a história estiver fora de ordem, desde que você use linguagem clara para expressar a linha do tempo. Como aprendemos e espero que você possa mexer com expectativa de seu ouvinte e construir muita intensidade extra esperando para revelar novas informações. Se você é um plotador, vá em frente e olhe pelo seu esboço e tente descobrir a ordem de seus versos. Se você é um pancer, aproveite este momento para realmente escrever sua música, os versos e o refrão. Em nossa próxima lição, vamos falar sobre a coisa mais incrível de todos os tempos. Curvas inteligentes de frase. 10. GIRAS INTELIGENTES DA FRASE: [MÚSICA] Neste ponto, você pensou muito sobre seus personagens, sobre seu enredo e até mesmo sobre a forma e estrutura de sua música. Mas nós realmente não falamos sobre como tornar suas letras inteligentes. Neste vídeo, vamos abordar algumas técnicas e passar por algumas ferramentas que podem ajudá-lo a tornar suas letras inteligentes. Considere esta letra da música, Happy Face de Jagwar Twin. Acho essa letra realmente interessante porque a frase recebe seus chutes tem dois significados. O primeiro é, claro, pegar seus sapatos e sair pela porta, então se preparando para o seu dia. O segundo significa encontrar prazer em algo. Você pode ter ouvido essa frase antes na música, Get Your Kicks na Route 66. Ao usar uma frase que tem dois significados distintos, ele está dando ao ouvinte a oportunidade interpretar a música por conta própria. Neste exemplo, o protagonista está expressando que ele está literalmente saindo pela porta, mas também que ele precisa tomar um momento para colocar sua falsa cara feliz. Tenho a impressão de que ele está se colecionando e colocando seu bom humor falso antes de sair pela porta. Dessa forma, ninguém questiona isso. Na ponte da canção John Legend, All Of Me, ele usa a metáfora do amor como um jogo de cartas para construir esses significados duplos. Ele tira as imagens de cartas na mesa mostrando suas cartas, o naipe de corações e a ideia de arriscar as coisas para expressar que ele e seu ente querido estão sendo abertos e honestos com uns aos outros. Para criar um duplo significado efetivo para sua música, pense em frases ou idéias relacionadas à sua ideia principal, isso significa duas coisas diferentes. Por exemplo, se você estiver usando essa metáfora de um jogo de cartas, você pode escrever uma lista de imagens relacionadas a cartões e, depois de ter algumas imagens para trabalhar, pense em algumas frases populares ou outras maneiras pelas quais essas palavras poderiam ser interpretadas. Por exemplo, os corações são um terno em um jogo de cartas, e também um órgão interno e também uma coisa que associamos ao amor. [MÚSICA] Existem vários significados da palavra ironia, e todos eles são realmente úteis na escrita de músicas. Mas vamos nos concentrar nessa, a expressão do significado de alguém usando linguagem que normalmente significa o oposto, tipicamente para efeito humorístico ou enfático. Em outras palavras, criar sarcasmo dizendo o oposto de como nos sentimos. Esta pode ser uma ótima ferramenta para criar músicas cômicas, bem como músicas carregadas politicamente. Um dos meus exemplos favoritos é Ciência Política de Randy Newman, que foi obviamente muito crítica às políticas externas dos EUA. O que você vai notar, porém, é que ele transmite sua mensagem fazendo com que o narrador exagere as opiniões do outro lado, criando assim subtexto. Em vez de dizer o que ele realmente quer dizer, que é, talvez vamos parar de bombardear as pessoas, ele vai na direção oposta e realmente exagera esse conceito de, vamos bombardear todo mundo. Isso cria um tom cômico e sarcástico, mas ainda passa por sua mensagem enfatizando o ridículo da guerra. Por outro lado, Foi um Bom Dia por Ice Cube, usa ironia para expressar imenso horror e dificuldade na vida refletindo sobre o contrário. Ele fala sobre as coisas que não aconteceram neste dia em particular, dando aos subtextos que outros dias não são tão bons assim. As más situações assustadoras que ele está evitando atualmente, casacos de carros, armas, policiais corruptos e a morte de amigos e familiares são situações que acontecem em sua vida diária. [MÚSICA] Dê uma olhada nesses exemplos de músicas e tente pensar sobre por que eles se sentem inteligentes. Algo que você deve ter notado ao observar esses exemplos é que muitas dessas ideias e palavras se repetem, por exemplo, sozinhas e solidão. A frase significa muito e a palavra ao vivo. A primeira vez que ouvimos cada uma dessas palavras ou frases, ela é expressa de uma forma, mas na segunda vez é usada de uma maneira diferente, tipicamente o oposto de como inicialmente a interpretamos. Esses artistas estão usando contraste e comparação para quebrar nossas expectativas. Para praticar isso, vamos usar algumas expressões idiomáticas populares. Sob o tempo, andando no ar e morto na água. Agora vamos fazer o nosso melhor para virá-los de cabeça para baixo pensando em seus opostos ou inversos. Eu vim com o tempo, poderia ser o tempo sobre mim, andando no ar, pode ser que o ar está andando sobre mim, e morto na água, poderia estar vivo em terra. Minhas letras podem ser assim. O tempo sobre mim me deixa sob o tempo. Eu costumava andar no ar, mas agora o ar está andando por cima de mim, e estávamos mortos na água, mas vivos na areia. Ao virar essas frases comuns em suas cabeças, encontramos uma maneira de fazê-las se sentirem frescas e únicas, mesmo sendo frases que ouvimos um milhão de vezes. Tenha em mente que você não precisa necessariamente se ater a expressões idiomáticas. Você pode usar buzzwords de notícias comuns ou mesmo apenas palavras que você usa na vida cotidiana. Esse sentimento engraçado de Bo Burnham cria muitas imagens poderosas e intensas ao contrastar imagens e ideias que ouvimos todos os dias. Por exemplo, obedecendo a todas as leis de trânsito em Grand Theft Auto V. Aqui ele leva este videogame que é totalmente baseado em quebrar todas as leis e todas as regras e geralmente fazer coisas realmente confusas. Mas usando uma frase como obedecer a todas as leis de trânsito, ele quebra completamente nossas expectativas e nos leva a um lugar totalmente novo e fresco. Isso também é realmente cômico. Enquanto isso, ele usa exatamente essa mesma técnica para criar ideias instigantes e inquietantes como aquele ar de verão desaparente no início do outono. Ao mover a frase, o ar do verão para a estação errada, parece inquietante e parece desconfortável, que é exatamente como ele quer que nos sintamos enquanto fala sobre algo como mudanças climáticas. Vá em frente e procure frases e palavras que se encaixem na sua ideia de música. Lembre-se de que você não precisa usar todas as coisas sobre as quais falamos neste vídeo, mas se você quiser adicionar alguma ironia inteligente ou algum contraste inteligente, isso realmente ajudará a fazer suas letras parecem espirituosas e únicas. Em nossa próxima lição, falaremos tudo sobre a forma como suas palavras soam. 11. Como Suas Palavras Soam: [MÚSICA] Agora você tem uma ótima base para escrever letras inteligentes e instigantes. Mas e a forma como suas palavras soam? O som de suas palavras pode ser tão importante quanto o que você realmente está dizendo, mas muitas vezes é um aspecto negligenciado do processo de composição. Você já notou que algumas palavras parecem realmente feias, enquanto algumas palavras são realmente bonitas. Alguns se sentem tolos e alguns se sentem sérios. É tudo sobre as diferentes letras e sílabas que estamos usando. Tenha em mente, ao passar por esta lição, que os sons das palavras são totalmente subjetivos e muitas vezes são baseados em normas e associações culturais. Ao discutirmos coisas como eufonia e cacofonia, lembre-se de que a beleza está nos olhos do observador e que você provavelmente tem uma experiência cultural muito diferente que outra pessoa poderia. Dê uma olhada nessas duas fotos. Uma dessas imagens é chamada bouba e a outra é chamada kiki. Qual deles é qual? Se você é mais de 90% dos falantes de inglês, espanhol e tâmil, provavelmente disse que a forma mais arredondada é bouba, enquanto que aquela ousada irregular é kiki. Por que essas associações são tão fortes? Uma teoria possível é a forma da sua boca. Quando você diz a palavra bouba, buo-ba [RISOS] você tende a abrir a boca um pouco mais e tende a ser um pouco mais arredondado. Enquanto quando você diz kiki, ki-ki, ele tende a ser um pouco mais fechado. A coisa realmente legal sobre esse experimento é que ele sugere que os objetos não são nomeados arbitrariamente, mas são, em vez disso, o resultado do mapeamento de som em nossos cérebros. Ainda mais legal é que você pode usar esse mapeamento de som em sua escrita de letras para fazer com que seu ouvinte entenda seu significado ainda melhor. Por exemplo, é provável que você reaja de forma diferente a palavras e frases quando as consoantes são expressas, como os versos b-g e d unvoiced p-k e t. A combinação de várias consoantes de voz muitas vezes se depara com pateta ou infantil, como um gobstopper eterno ou bumfuzzle. Enquanto a combinação de consoantes de desvoz se depara um pouco mais severamente, como em constrito ou tácito. [MÚSICA] Eufonia refere-se a palavras que são agradáveis e geralmente bonitas para o ouvido. Nesses exemplos, você notará conexões sônicas e combinações de palavras com pronúncia fácil. Você também notará que essas letras bonitas geralmente combinam muito bem com seus significados. Com sua silhueta, quando a luz do sol escurece em seus olhos onde o luar nada, mas seus lábios quando falamos são os vales e picos de uma cordilheira em chamas em uma árvore junto ao riacho. Há um pássaro canino que canta. Às vezes, todos os nossos pensamentos são mal concedidos. O oposto da eufonia é a cacofonia, que se refere a sons duros e discordantes. Isso geralmente é o resultado de repetição e combinação de consoantes dentro de um grupo de palavras. Os sons da vogal são guturais e abrasivos, e os sons da consoante geralmente se chocam. Nesses exemplos, você pode achar que as palavras são realmente difíceis de dizer. Alguém veio dizendo, sou louco ao reclamar um casamento de espingarda e uma mancha na minha camisa. Ele implorou produção. Ele tem bota de goma de morsa. Ele pegou a placa lateral do Ono. Ele é um biscoito espinhal. Você sabia que os escavadores de túmulos ainda ficam presos na máquina, mesmo que seja um sonho de outro dia? O uso da cacofonia nessas músicas faz um ótimo trabalho ao expressar o significado delas, que estamos falando de coisas que são nojentas ou desconfortáveis. Somos capazes de contar tudo isso antes de termos realmente interpretado o significado. Ao escrever, pense se quer que as canções de ninar soem de eufonia ou se você quer cacofonia dura, intensa e discordante. [MÚSICA] Como você provavelmente já sabe, uma rima acontece quando você tem duas palavras que têm o mesmo final, mas um começo diferente, como rosa e escolheu. As rimas são um excelente lugar para começar porque podem realmente ajudar seu ouvinte a entrar no ritmo da sua música, para começar a ter expectativas sobre onde sua música vai, e é um ótimo lugar para quebrar essas expectativas. Ele permite que seu ouvinte realmente comece a entender o ritmo das músicas. Uma boa rima pode atingir seu ouvinte bem no intestino com emoção. Pode acentuar uma punchline hilária ou fazer seu ouvinte sorrir quando conseguir adivinhar o que acontece a seguir. Os esquemas de rima mais comuns que você encontrará são AA, BB e AB, AB. Observe que o A rima, rima um com o outro e as rimas B , rimam consigo mesmos. Mas se decidirmos que queremos quebrar a expectativa de nossos ouvintes, também podemos brincar com esquemas de rimas novos ou diferentes. Por exemplo, você pode usar palavras ou contrações compostas para criar rimas inclinadas interessantes como M&Ms, laranja famosa e dobradiça de porta. A canção, A Guy Like You, do Corcunda de Notre-Dame, usa um esquema de rima padrão AB-AB, mas cria comédia usando uma rima inclinada inesperada. Adonis com croissant é. Isso cria uma letra muito engraçada. Então a música amarra as pontas soltas da piada, seguindo-a com uma rima mais direta. Mastigue e você. O Vaticano Rag, entretanto, usa a palavra religião will, que é uma contração da religião e da vontade, a fim de criar uma rima inclinada cómica e inesperada com a palavra original. Você também pode criar esquemas de rima inesperados como este a partir da música tema da Big Bang Theory. Alguns escritores líricos até decidem intencionalmente não rimar, o que quebra todas as expectativas do seu ouvinte e pode fazer com que eles se sintam desorientados ou surpresos. Quando uma música não rima, podemos nos sentir um pouco desencadeados pelo pulso ou ritmo da música. Isso pode nos fazer sentir um pouco confusos ou no ar. Tomemos, por exemplo, What You Waiting For, de Gwen Stefani, no qual o personagem se sente realmente desorientado. Estamos tão apanhados desprevenidos quanto ela. Brincar com diferentes esquemas de rima é uma ótima maneira de fazer com que seu ouvinte empatia com seu personagem, a andar uma milha em seus sapatos. Mas não é a única maneira de mexer sonicamente com eles. [MÚSICA] A palavra sonic refere-se ao som. Quando falamos de conexões sônicas, estamos falando sobre a forma como os sons em cada palavra se conectam uns aos outros. Nesta seção de Gnarls Barkley, Feng Shui, você notará que o CeELO usa muitas rimas ótimas no final de suas frases, brisa e árvores, tece e recebe. Mas na última linha, você vai notar que ele também usa o que é chamado de rima interna. As palavras evoluem e resolvem, palavras rimantes, mas elas acontecem no meio dessa frase, criando uma conexão ainda mais emocionante para nossos cérebros pegarem. Mas o CeELO não pára por aí. Ele também usa aliteração para passar seu ponto de vista. Observe que muitas das palavras nesta seção começam com a mesma letra ou som. Outro grande exemplo de conexão sonora é no Cardigan de Taylor Swift, que é um dos meus favoritos de todo o catálogo dela. Porque o uso dela de conexão sonora é realmente eficaz e definitivamente se expande sobre o que está acontecendo nas letras. Tomemos, por exemplo, a frase quando você é jovem, eles assumem que você não sabe nada. Quase todas as sílabas são repetidas. O y e você jovens e eles, o u em você e assumem. Mesmo a palavra nada é pronunciada como nada para soar semelhante a assumir. Na sua própria escrita, você não precisa ir tão longe quanto esses artistas, mas ainda pode usar assonância, consoantes e aliteração para tornar sua paisagem sônica mais emocionante e envolvente. Como mencionei antes, aliteração refere-se à repetição da primeira letra. Acho que é mais fácil pensar em linguetas como se ela vendesse conchas à beira-mar. Assonância significa usar sons de vogal repetidos ao longo de suas palavras. Como você se move e se aproxima. A palavra consonância refere-se a sons consoantes repetidos que não estão no início de suas palavras. Como este beijo na névoa da primavera. Os sons de suas palavras podem ser uma ferramenta poderosa em sua escrita lírica. Vá em frente e pratique assonância, consoantes e aliteração. Em nossa próxima lição, vamos mergulhar de cabeça em dispositivos retóricos. 12. Dispositivos retóricos: [MÚSICA] O termo dispositivo retórico é definido como um uso de linguagem que se destina a ter um efeito em seu público. Essa definição é ridiculamente vaga e ampla, mas essencialmente o que significa é que estamos tomando a linguagem em sua estrutura e seus sons ou em seu significado e estamos encontrando maneiras tire certas emoções de nossos ouvintes. Você provavelmente já ouviu a frase retórica pergunta ou viu a palavra retórica. Mas, na verdade , usamos vários desses dispositivos retóricos e literários até agora neste curso, incluindo metáfora, ironia, aliteração, assonância e consonância. Nesta lição, vamos explorar alguns dos meus dispositivos retóricos e literários favoritos para adicionar algumas novas ferramentas ao seu cinto de ferramentas. Mas enquanto você estiver nisso, vá em frente e explore todos esses dispositivos retóricos por conta própria, porque é um mundo realmente fascinante de oportunidades para explorar algumas coisas novas e legais que você pode usar em suas músicas. [MÚSICA] Os primeiros dispositivos retóricos sobre os quais vamos falar nesta lição são anáfora e epistrofe. Ambas as técnicas ajudam a enfatizar ideias importantes em sua música repetindo a mesma frase ou palavra em cada linha. Anaphora refere-se à repetição de palavras no início de cada linha, como na música Wonderful World de Sam Cooke. Epistrofo refere-se à repetição de palavras ou frases no final de cada linha. Como em, You Learn by Alanis Morissette. Essas são ótimas técnicas para usar se você quiser se deparar com uma ideia principal simples e concisa e ter muita repetição ao longo de sua música. Também é muito bom se você quer se contradizer, como Sam Cooke faz quando canta, não sabe muito, uma e outra vez. Em seguida, termina a seção com, mas eu sei. [MÚSICA] A palavra enjambment refere-se à continuação de uma frase sem uma pausa além do final de uma linha, couplet ou até mesmo uma estrofe. Acho que este é provavelmente meu dispositivo retórico favorito para usar em minhas músicas porque cria um pouco de tensão enquanto também dá continuidade à música. Ele quase age como um pouco de um penhasco que mantém o público beira de seu assento até chegar ao final dessa frase. Observe neste exemplo de Blink 182, que a frase sobre derramar suco de maçã é dividida entre duas linhas diferentes no meio de uma seção. Enquanto neste exemplo, a linha enjambed está encravada entre duas seções de músicas diferentes. Você notará aqui que temos uma rima inclinada no final da ponte entre as palavras plebeiano e comigo e. Uma rima no final da ponte normalmente faria esta seção se sinta completa e resolvida. Mas terminando com a palavra “E” deixamos a ponte com uma pergunta, e o quê? Seja consciente ou inconscientemente, isso nos deixa com muita expectativa e com muita emoção para a próxima seção. [MÚSICA] O último dispositivo retórico que vamos tocar é o paralelismo. Paralelismo ou estrutura paralela significa usar o mesmo padrão de palavras para mostrar que duas ou mais ideias têm o mesmo nível de importância. Por exemplo, essa ilusão bíblica em Metallica, The Memory Remains. Observe que as palavras e os significados mudam, mas a estrutura da frase, incluindo a palavra “Para” e o número de sílabas, permanecem exatamente a mesma. Essa estrutura paralela também pode ser usada ao longo uma música para fornecer continuidade para o ouvinte. Por exemplo, em What a Wonderful World by Louis Armstrong, ele usa as frases “Eu vejo, eu ouço, e eu assisto” dividida entre seu versus. Essa técnica é ótima para fazer seus versículos se sentirem uniformes. Mas também pode ser incrível para criar uma sensação de progresso ou desenvolvimento de personagens em toda a sua música. Pat Pattison refere-se a mudar as palavras em um pré-coro ou coro, que normalmente permaneceria o mesmo que recolorir o coro. Um ótimo exemplo disso é a música Rain King, de Counting Crows. Você notará que cada coro permanece principalmente o mesmo, mas que duas palavras na terceira linha mudam a cada vez. Isso dá a cada coro um significado ligeiramente diferente e cria uma sensação de impulso para frente ao longo da narrativa. Na música Kyoto de Phoebe Bridgers, no entanto, ela muda significativamente o refrão pela segunda vez. Mas você vai notar que ela deixa o esquema de rima, contagem de sílabas, e algumas palavras-chave iguais. Isso fornece a mesma sensação de continuidade que você encontraria em um refrão típico, ao mesmo tempo em que mostra muito desenvolvimento em seus sentimentos. Agora que você sabe um pouco mais sobre dispositivos retóricos, comece a pensar sobre quais você pode querer incluir em sua música. Seu refrão poderia se beneficiar de alguma anáfora ou epistrofe para levar o ponto para casa? Você poderia usar o enjambment para criar um cliffhanger no final da sua ponte? Sua música poderia usar algum paralelismo no pré-coro? Se você está traçando sua música, vá em frente e termine seu esboço. Se você é um calcinha, você pode aproveitar esta oportunidade para terminar totalmente de escrever seu primeiro rascunho. Um pré-chorus é uma ótima coisa a acrescentar se você se sentir avesso e seu refrão não fluir narrativamente. Uma ponte é uma coisa incrível para adicionar se você quiser adicionar algum contraste ou uma nova perspectiva à sua música. Vá em frente e coloque caneta no papel ou polegares na tela do telefone e me encontre na próxima lição em que vamos terminar suas letras. 13. Terminando suas letras: [MÚSICA] Ao longo desta aula até agora, falamos sobre muitas ferramentas e dicas realmente maravilhosas para ajudá-lo a se tornar o melhor escritor de letras que você pode ser. Agora finalmente chegou a hora de você terminar suas letras. Se você é um calcinha, suas letras já estão escritas. Agora é hora de editar sua música. Agora que você tem uma tonelada de novos conhecimentos de escrita de letras, você pode decidir que algumas de suas palavras ou frases podem ser substituídas por novas para criar conexões sonoras legais ou usar ironia ou metáfora. Por exemplo, esse rascunho não é ruim e inclui algumas das coisas sobre as quais falamos, como imagens orientadas por sentidos, aliteração entre o sol, doce e verão, e até mesmo assonância entre estrias e doces. Mas com um pouco de retrabalho, podemos torná-lo ainda melhor. A mensagem permaneceu exatamente a mesma. Mas observe que no meu segundo rascunho, incorporei enjambment e duplo significado usando a frase “O sol está saindo” e seguindo-a com “Sua luz no meu cabelo”. Eu adicionei detalhes , incluindo o tipo de cerveja. Decidi personificar o sol, que me deu boas conexões sônicas entre ela e o cabelo. Eu me diverti muito criando conexões ainda mais sônicas. Há assonância entre cabelo, pálido, cerveja e ar, entre o é, beber, amargo e dentro, bem como entre nós e doce. Há também aliteração entre saída e luz. Por fim, contrastei a palavra doce com o oposto, amargo. Divirta-se e aproveite o processo de ajustar o que você já tem. Não tenha medo de manter esse rascunho difícil porque você pode achar que pode reciclar alguns desses queridos mortos. Ou pode ser divertido olhar para as duas versões back-to-back quando você terminar. Se você for um plotter, use seu esboço para ajudar a orientá-lo durante todo o processo de redação. Se você se sentir preso, pense em escrever como fazer Sudoku ou Wordle. Você está apenas usando o que você já sabe para preencher os espaços em branco. Por exemplo, se o seu esboço diz, eu me apaixonei junto ao lago, volte para essas descrições orientadas para os sentidos e escolha seus favoritos. minhas descrições dos meus personagens no lago, gostei melhor dessas linhas. Agora, para terminar minha seção, vou criar uma rima. Se você se esforça para pensar rimar palavras sozinho, não há problema. Você sempre pode usar um dicionário de rimas ou um site como rhymezone.com. Esta é uma canção de amor simples e direta. Quero que o esquema de rima se encaixe nas expectativas do meu ouvinte, o que significa que tenho a opção de usar dedos ou ombros. Vamos escolher algumas palavras que pareçam relevantes ou fáceis de incorporar. Se as palavras que você escolheu não tiverem tantas opções de rima quanto essas, sinta-se à vontade para reorganizar suas frases até que suas linhas terminem com palavras de rimas mais fáceis. Agora tudo o que você precisa fazer é preencher os espaços em branco. Tente criar uma frase em torno de cada um ou apenas escolha sua palavra favorita. Se você está se sentindo preso com trama ou calcante, tente responder a essas perguntas. Quem está cantando e para quem? Onde e quando eles estão? Qual é a história? Que metáfora, duplo significado, ironia ou contraste você usará para contar a história? Como você quer que suas palavras soem? Finalmente, quais palavras ou frases são importantes? Como você fará com que seu ouvinte se lembre deles? [MÚSICA] Com tudo isso dito, aproveite este momento para terminar suas letras. Depois de terminar, você está pronto. Você pode continuar adicionando música ou fazer o que quiser fazer com essas palavras. 14. Considerações finais: Parabéns por terminar sua música e aumentar o nível de sua escrita de letras com sucesso. Espero que você tenha achado tudo neste curso útil e que você o use para continuar aperfeiçoando seu ofício enquanto escreve músicas incríveis no futuro. Lembre-se de que não há maneira certa de escrever uma música, então você pode usar o máximo ou tão pouco dessas informações quanto quiser daqui para frente. Mas aqui estão algumas coisas a considerar. Número 1, encontre seu estilo. Você é um plotter ou um panzer, ou uma mistura entre os dois? Número 2, use os cinco S da composição. Simplicidade, história, sentidos , detalhes e o subtexto. Número 3, jogue com as expectativas do ouvinte. ouvintes esperam ouvir certas coisas enquanto ouvem música. Preste atenção em quais são essas expectativas ao perceber suas próprias expectativas. Use dispositivos retóricos, misture e combine esses diferentes dispositivos literários e retóricos para adicionar algum tempero à sua música. Enquanto você está aqui, eu adoraria ver o que você tem trabalhado. Vá em frente e publique suas letras de vídeo ou uma gravação de áudio na seção do projeto abaixo. Do fundo do meu coração, muito obrigado por fazer meu curso. Espero que você tenha achado útil em sua jornada de composição. Se você quiser mais informações sobre composição, escrita de letras ou música em geral, ou música em geral, você pode ir em frente e conferir meu canal no YouTube ou meu site, onde eu tenho toneladas de composições e recursos musicais, ou adicione suas habilidades de escrita de letras e comece com o lado da música da composição no meu curso Skillshare , Introdução à composição. Agora vamos escrever algumas músicas incríveis. [RUÍDO]