Transcrições
1. Introdução: Ambientes desempenham um papel importante na definição do humor e tom de uma história. Ao criar cenas e cenários cativantes, podemos comunicar tanta atmosfera e convidar o espectador para os nossos mundos pequenos, estabelecendo uma experiência rica e imersiva de contar histórias. Oi, sou Sarah Holliday, e sou ilustradora da Escócia. Eu acho ambientes tão divertidos para desenhar como eles permitem que você explore sua própria imaginação e crie uma cena na qual você pode mergulhar totalmente. Ilustrar ambientes pode oferecer um desafio técnico bastante, há muitos aspectos que temos que considerar ao mesmo tempo, como composição, perspectiva, cor e iluminação, para não mencionar a criação de ideias criativas e transmitindo humor e história. Mas não se preocupe, porque nesta aula, eu vou dividir todos esses aspectos em lições e exercícios
fáceis de seguir para que quando se trata de desenhar nossas cenas, você possa gastar menos tempo se preocupando com esses desafios e mais tempo transmitindo atmosfera e imaginação. Nesta aula, vamos explorar como podemos alcançar um senso de profundidade e perspectiva em nossas cenas, como acentuar um ponto focal na composição, estilizando nossos elementos usando linguagem de forma, e eu vou mostrar-lhe alguns dicas úteis sobre como dar vida à
sua cena com iluminação e efeitos atmosféricos. Então eu vou orientá-lo por todo o meu processo para ilustrar uma cena do início ao fim para que no final desta aula, você esteja totalmente equipado para criar sua própria paisagem marcante. Se você ainda é um iniciante que gosta de desenhar objetos ou personagens
individuais, mas nunca compôs uma cena antes ou você é um ilustrador experiente apenas procurando melhorar suas habilidades nesta área, este classe está cheia de dicas e truques que serão úteis para todos os níveis. Vou usar meu iPad Pro com Procreate em minhas demonstrações, mas fique à vontade para acompanhar suas ferramentas de desenho preferidas. Se você está pronto para fazer algumas cenas lindas, eu vou te ver na aula.
2. Visão geral do curso: O que exatamente vamos aprender nesta aula? Para começar, vamos ver como podemos compor nossa cena usando
profundidade e perspectiva e, em seguida, como acentuar um ponto focal, como estilizar nossos elementos usando linguagem de forma
e, em seguida, dar vida à cena com iluminação e efeitos atmosféricos. Depois de abordarmos esses tópicos, estaremos prontos para aplicar tudo o que aprendemos em nosso projeto de aula. O projeto da classe é ilustrar nossa cena paisagística. Vamos começar por decidir que tipo de localização queremos
ilustrar e o clima particular que queremos transmitir. Se você está preso para idéias, eu criei uma lista de solicitações, então sinta-se livre para baixá-la na seção Recursos abaixo quando se trata desse estágio. Assim que tivermos nossa idéia solta, vamos procurar inspiração e criar um quadro de humor para ajudar a inspirar nossa cena, e então vamos decidir quais elementos queremos incluir na cena e desenhar tudo isso individualmente antes de esboçar várias idéias para a nossa composição. Quando escolhermos o nosso favorito, vamos refinar este layout um pouco mais, falar sobre escolher cores e criar uma cor áspera, e depois terminaremos a ilustração bloqueando nossas camadas e adicionando texturas e detalhes finais para trazer a vida da cena. Em termos de materiais, vou usar o meu iPad Pro com Procreate para demonstrar essas lições para que você
possa achar mais fácil acompanhar se você também tiver algum tipo de software de desenho digital, mas você ainda pode tomar esta classe usando apenas mídia tradicional. E enquanto eu vou estar desenhando no Procreate e compartilhar algumas dicas sobre o aplicativo ao longo do caminho, esta não é uma classe “como usar o Procreate”, por isso vai ajudar se você tiver uma familiaridade decente com qualquer software ou médio que você vai usar. Como esta classe está focada em desenhar paisagens, não
vamos entrar em muitos detalhes sobre regras de perspectiva
avançadas ou desenho de estruturas feitas pelo homem, e não vamos nos concentrar muito em exatamente como desenhar elementos individuais também. O foco é mais sobre a construção de uma base de técnicas para compor cenas imersivas e atmosféricas. E minha esperança é que no final desta aula, você tenha aprendido um monte de dicas e processos que você pode incorporar em sua prática geral de desenho e estilo
pessoal, a fim de fazer todo o processo de ilustração cenas muito mais gratificante e agradável para você. Estou muito animado para ver onde sua imaginação leva você então sinta-se livre para fazer upload de seus exercícios e esboços
de trabalho em andamento na seção de projetos de classe enquanto você vai junto e por favor envie sua peça final lá também, porque eu realmente amo ver seu trabalho e dar meu feedback. Se houver conceitos ou áreas da turma em que você está ficando um pouco preso,
então, por favor, sinta-se à vontade para me fazer quaisquer perguntas na seção de Discussões a qualquer momento, e ficarei mais do que feliz em ajudá-lo. Se você está pronto para começar, então vamos começar e te vejo na próxima lição.
3. Profundidade e perspectiva: Vamos começar olhando para como criar um senso de profundidade e perspectiva em nossas cenas, que nos permitirá filmar composições mais credíveis e imersivas. Podemos transmitir profundidade usando uma combinação de vários métodos, como escala, camadas, valor tonal e perspectiva. Vejamos como podemos usar essas técnicas para criar profundidade em nossas cenas. Vamos começar com a escala. Em primeiro lugar, vou desenhar uma árvore e duplicar isso algumas vezes, e então também vou traçar uma linha para o nosso plano terrestre. Você pode ver que estes são todos do mesmo tamanho e parece que eles estão todos em uma linha no mesmo nível, com pouco espaço entre eles. Vamos primeiro fazer uma destas árvores maior e outra um pouco menor. Mesmo que estes agora sejam tamanhos diferentes, ainda não temos essa sensação mais clara de profundidade. Outra coisa que podemos fazer é colocar essas árvores. Vou aproximá-los um pouco mais para que um se sobreponha ao outro, e farei o mesmo com esta árvore menor trazendo-a atrás das outras. Então podemos esfregar essas áreas onde a árvore atrás está sendo sobreposta pela da frente. Podemos começar a ver agora que há uma hierarquia de posicionamento com a árvore maior na frente e a árvore menor atrás. Temos alguma perspectiva começando a se formar aqui, mas eles ainda parecem planos como se fossem pedaços de papel colocados um em cima do outro. Ainda não há sentido real de espaço entre eles. Outra maneira de melhorar a profundidade é usar o valor tonal, modo que é tão claro ou escuro no tom que eles são. Eu vou colorir cada uma dessas árvores de preto, e então eu vou clarear a árvore mais distante bastante, e então eu clarear a árvore de médio porte um pouco menos. À medida que as coisas se afastam cada vez mais de nós, elas se tornam mais maçantes e mais claras para nossos olhos, porque há mais partículas de ar entre nossa visão e o sujeito que obscurece as cores e valores, e isso fenômeno é conhecido como perspectiva atmosférica. Você pode ver agora com essa combinação de escala, camadas e perspectiva atmosférica, conseguimos alcançar uma ilusão muito básica de profundidade. Agora vamos passar para analisar algumas ferramentas básicas de perspectiva que podem nos ajudar a aprimorar ainda mais a profundidade em nossos ambientes. Quando se trata de trabalhar com paisagens e perspectiva em geral, uma das primeiras coisas que queremos fazer é identificar linha horizonte. A linha do horizonte é basicamente a linha que separa o céu do solo. Geralmente, qualquer coisa abaixo da linha é parte do solo e acima da linha é o céu. Depois de traçar sua linha do horizonte, podemos identificar o ponto de fuga e isso pode ser colocado em qualquer parte dessa linha. Vou colocá-lo mais ou menos no meio aqui. Nosso ponto de fuga é o ponto em nossa imagem para o qual tudo se afasta. Você pode fazer pequenas diretrizes do seu ponto de fuga vindo para fora, o que o ajudará a visualizar sua escala aqui. Isso pode ser apenas linhas aleatórias que saem do seu ponto de fuga em qualquer lugar. Você pode torná-los próximos ou distantes, isso realmente não importa. Se você estiver usando o Procreate, há uma ferramenta realmente útil que eu vou mostrar agora, para que você não precise desenhar manualmente todas as suas diretrizes. Vou me livrar dessas diretrizes por enquanto. Então podemos ir para ações, tela, guia de
desenho, e ligar este pequeno interruptor aqui. Você pode ver que esta grade apareceu na tela. Precisamos tocar em editar guia de desenho. Em seguida, você verá esta linha de diferentes tipos de guias de desenho surgir. Vamos selecionar perspectiva. Agora você pode ver no topo aqui diz toque para criar um ponto de fuga. Eu vou tocar no nosso ponto de fuga lá, e vocês podem ver que isso surgiu com um monte de pequenas linhas que todos se encontram no meio naquele ponto de fuga. Vou alinhar isso com a nossa posição original. Você também pode alterar a cor dessas diretrizes, se desejar, e também pode ajustar a espessura e a opacidade. Uma vez que você está feliz, basta clicar em pronto. Se você quiser ligar e desligar isso a qualquer momento, se isso está distraindo você do seu desenho, você pode apenas ligar o interruptor lá. Vamos manter isto ligado por enquanto, e podemos usar estas linhas como guias. Em primeiro lugar, desenhar uma pequena árvore perto do meu ponto de fuga. Se imaginarmos uma árvore do mesmo tamanho que esta trouxe em nossa direção, então podemos seguir essas mesmas linhas e desenhar isso mais longe do ponto de fuga. Você pode ver como essas diretrizes estão muito mais
separadas quanto mais longe do ponto de fuga elas estão. Significando que os objetos aparecerão muito maiores quanto mais longe do ponto de fuga eles são comparados a objetos do mesmo tamanho que estão próximos do ponto de fuga. Se desenharmos outra árvore a meio caminho entre estes dois, enfatiza ainda mais essa distância e profundidade. Você também pode usar esse princípio de perspectiva atmosférica para melhorar a profundidade aqui. A coisa divertida sobre desenhar paisagens e cenas
naturais é que, enquanto tivermos esses conceitos principais em mente, não
temos que nos preocupar particularmente se a perspectiva é totalmente correta ou não, porque nós pode escapar com muito mais em comparação o desenho de cenas arquitetônicas ou interiores. Não se preocupe muito uma vez que você tenha um senso de perspectiva áspero, contanto que você adira aos princípios básicos, você provavelmente ficará bem. Você pode mostrar diferentes tamanhos de elementos e em posicionamentos bastante aleatórios, e porque já temos alguma perspectiva básica definida, podemos aleatorizar nossos tamanhos e formas de nossos assuntos sem ser muito preciso ou matemático sobre ele. A mesma coisa acontece com elementos no céu. Digamos que temos uma nuvem que está longe do ponto de fuga, que vai ser muito grande em comparação com nuvens que estão mais perto do ponto de fuga. As coisas ficam muito mais amontoadas à medida que chegam
ao ponto de fuga porque o espaço parece mais compacto. Ao ter esses elementos vindo em nossa direção no céu, bem como no solo, ele cria uma experiência realmente imersiva de profundidade. Se você quiser desenhar um rio curvo ou um caminho ou algo assim, você pode apenas desenhar algumas diretrizes básicas que você deseja que o caminho siga, e então você pode apenas desenhar esta curva dentro dessas diretrizes. A curva se tornará cada vez mais agrupada à medida que se move em direção ao ponto de fuga. Você pode ver que as lacunas entre essas curvas são bastante grandes em primeiro plano, e então eles se tornam menores e menores até que
eles realmente estão agrupados em direção ao ponto de fuga. É útil se você desenhar essas diretrizes primeiro e então você pode desenhar sobre isso com um pouco mais de confiança, e também lembrar se este é um caminho ou um rio, ele vai parecer realmente grosso em primeiro plano e então ele vai se tornam mais finos e mais finos à medida que se aproxima do seu ponto de fuga. A mesma coisa acontece com colinas e montanhas à medida que elas se tornam menores e mais agrupadas à distância. Você entendeu a idéia geral. Vamos desligar essas camadas por enquanto, e eu vou desligar esses guias para que possamos ver nossa linha original do horizonte. Vou mostrar-lhe algumas maneiras diferentes de
colocar a linha do horizonte na sua imagem agora. Você pode apenas desenhar caixa simples em torno dessa linha para representar o tamanho da nossa imagem. Você pode ver aqui, nossa imagem é dividida ao meio pela linha do horizonte, e isso cria uma cena simétrica bastante equilibrada, especialmente se tivermos o ponto de fuga a meio caminho dessa linha. Mas também pode ser bastante chato e não é composição muito interessante. Eu gosto de ter minha linha de horizonte um pouco acima ou abaixo da linha média porque eu acho que cria um pouco mais de interesse, mas ainda não é muito extremo. Mas se você quiser criar uma perspectiva realmente extrema, então você pode colocar a linha do horizonte realmente acima de sua imagem, e isso mostrará cargas de sua área terrestre e não muito do céu. Isso dá a impressão de que o espectador está realmente alto em algum lugar e está olhando para baixo, e isso lhes dá uma sensação de controle sobre a cena porque eles têm um bom ponto de vista. Eles provavelmente podem ver muito da área e o que está acontecendo. Por outro lado, você pode colocar a linha do horizonte muito baixa em sua imagem, e eu vou mostrar baixo para o céu. Você pode querer mostrar uma grande parte da ação da nuvem que está acontecendo ou
alguns pássaros voando ou uma montanha realmente alta se aproximando acima, e isso dá a impressão de que o espectador está olhando para cima e faz com que eles se sintam pequenos e aterrados . Você pode usar isso para criar um senso de arte ou drama, ou talvez que há um obstáculo a ser superado. Outra coisa que você pode fazer para criar um ponto de vista extremo é inclinar a linha do horizonte, e isso fará com que tudo em sua paisagem se incline. Tudo na sua imagem vai se inclinar junto com isso,
e isso realmente brinca com o nosso cérebro e nos faz sentir um pouco ansiosos e inquietos. Você pode usar isso para a parte da história em que talvez algo está dando errado ou há algum senso de drama, e isso irá adicionar a um sentimento de tensão ou emoção. Mas use isso com moderação porque você quer que ele seja realmente impactante quando você usá-lo, então apenas esteja ciente disso. Você pode ver que quando temos uma linha reta do horizonte, pensamos, que bela paisagem. Mas quando o torcemos, muda completamente o sentimento e pensamos no que está acontecendo? Você também pode jogar com a colocação do seu ponto de fuga, ele não precisa estar bem no centro da sua imagem. Desde que esteja algures
na linha do horizonte e não tenha de estar à tua imagem, pode estar completamente fora da conversa. Agora que abordamos como criar um senso de profundidade e perspectiva em nossas cenas, vamos passar para ver como podemos acentuar um ponto focal dentro de nossas composições.
4. Ponto focal e composição: Um ponto focal é a doença ou área dentro de uma cena que seu olho é atraído e intrigado ao identificar o ponto focal dentro sua composição é importante, pois ele dá a você um propósito visto, bem
como fornecer interesse visual. Então vamos dar uma olhada em algumas técnicas que podemos usar para chamar a atenção para o nosso ponto focal desejado. Vamos começar com a regra dos terços. Então podemos dividir nossa composição em três seções iguais com duas linhas verticais e, em seguida, fazer o mesmo horizontalmente para que terminemos com nove segmentos uniformemente dimensionados. A idéia principal é que podemos colocar nosso ponto focal em um desses quatro cruzamentos aqui, que irá compensar o equilíbrio de sua composição um pouco e adicionar um pouco mais de interesse à sua imagem do que se você tivesse acabado de bater seu ponto focal estrondo no meio. Então eu vou colocar meu ponto focal no lado esquerdo da imagem aqui. E também vou desenhar um ponto focal secundário naquele cruzamento superior direito. E outra coisa que podemos fazer com a regra dos terços é usar isso para nos ajudar a dividir ainda mais nossa imagem. Assim, podemos colocar nossa linha do horizonte acima daquele terço inferior. Então esse pode ser o nosso plano terrestre. E então esse cara ocupa os dois terços superiores. Ou você pode sempre fazer isso ao contrário com dois terços gemidos e um terceiro céu. E então podemos começar a desenvolver a cena com detalhes
extras e aprimorar nosso principal ponto focal. E também podemos adicionar camadas extras e profundidade à cena usando essas histórias para ajudar a dividir cada área de interesse. Então você pode ver que isso cria uma dinâmica de deslocamento agradável que é um
pouco mais interessante do que se tudo estivesse mais centrado. Mas isso não quer dizer que composições centradas não possam ser realmente impactantes e eficazes. Na verdade, criar uma imagem mais simétrica que é uniformemente equilibrada de cada lado e agradar o
seu ponto focal no centro da sua cena como uma maneira realmente simples, mas eficaz de chamar a atenção para o seu ponto focal. Então você pode ver que nesta cena nós somos imediatamente atraídos para aquela cachoeira no meio da composição. Então esse senso de simetria pode criar um equilíbrio muito bom, sentimento
seguro. Agora vamos olhar para linhas de liderança para que possamos usar faixas dentro nossa composição para ajudar a chamar a atenção para o ponto focal. Podemos fazer isso usando formas circundantes como caminhos, rios, colinas, nuvens e basicamente quaisquer elementos em nossa imagem que possam criar uma pista direcional que conduza ao ponto focal desejado. Então você pode até usar árvores, por exemplo, apontando para o ponto focal. E você pode ver aqui que todos os elementos circundantes
nesta cena estão ajudando a direcionar nossos olhos para o ponto focal. E você também pode usar essas linhas para guiar o olho
ao redor da imagem antes de descansar no ponto focal. Agora vamos olhar para enquadramento. reenquadramento permite-nos concentrar ainda mais a nossa atenção no principal visto da mesma forma que uma pintura fisicamente emoldurada. Então aqui estou eu desenhando algumas árvores escuras e em primeiro plano para criar um quadro em torno desse ponto focal. Mas você também pode usar outros elementos para criar efeitos de quadro, como folhagem, rochas, nuvens e efeitos de iluminação. Então, por exemplo, você pode sombrear tudo, exceto a área em que você deseja se concentrar. E você também pode criar um tipo de efeito vinheta escurecendo as bordas da sua imagem. E essas técnicas de enquadramento trabalham juntas para ajudar a direcionar o espectador para a parte mais brilhante da sua imagem. Espaço negativo. Então, digamos que temos uma árvore sozinha comparada com outras árvores circundantes que parecem exatamente iguais, exceto que estão todas juntas. Esta árvore no meio se destaca muito mais aos nossos olhos devido a todo o espaço circundante e consegue captar nossa curiosidade devido ao S.
E também podemos usar o contraste para ajudar este ponto focal a se destacar ainda mais. Assim, por exemplo, podemos criar um contraste entre as cores fazendo o resto da cena e azul enquanto esta árvore é laranja. E então é realmente claro em qual elemento é o ponto focal. E também podemos usar o contraste em valor,
por exemplo, fazendo com que nossas outras árvores pareçam mais escuras ou mais claras do que o ponto focal. E também podemos mostrar um contraste na escala tornando nosso ponto focal muito menor ou muito maior do que os elementos circundantes na cena. Então essas são apenas algumas idéias, mas realmente qualquer tipo de contraste que ajuda você pontos focais de mais destaque são grandes personagens e rostos. Então algo que imediatamente chama a nossa atenção dentro de uma cena é o uso de figuras e rostos. Então aqui estou eu desenhando um personagem em primeiro lugar, como meu principal ponto focal. E se o personagem está olhando algo ou gestando em direção a algo em particular, muitas vezes segue naturalmente sua ilha para tentar perceber o que eles estão olhando. Então esta pode ser uma boa maneira de jogar com vários pontos focais na cena com uma hierarquia de importância. Então aqui nosso ponto focal é antes de tudo esse personagem e, em seguida, nosso ponto focal secundário como o anfitrião, que foram atraídos para o carrinho após o personagem. Então podemos tentar juntar toda esta cena em combinação com várias das técnicas que acabei de explicar. Mas tenha cuidado para não sobrecarregar sua cena com muitos pontos focais posicionados aleatoriamente porque você não quer ter tantas coisas acontecendo que seu espectador não sabe o que deve estar olhando ou focando. Idealmente, você deseja ter uma hierarquia clara entre todos os elementos em sua cena. Quando você tem muitos pequenos elementos que se
encaixam com sucesso em uma composição equilibrada, o espectador pode tentar criar conexões entre todos esses em sua mente. E é aí que você começa a ter um senso de história e atmosfera chegando, o
que, na minha opinião, cria uma imagem muito forte. Portanto, não tenha medo de adicionar muitos pequenos detalhes à sua composição, mas apenas fique claro sobre qual é o seu ponto focal também. A história é que você quer contar é o tipo de sentimento que você quer se comunicar. Vamos recapitular rapidamente esta lição. Nós olhamos para a regra dos terços e criando um
equilíbrio interessante colocando seu ponto focal ao longo de uma dessas quatro interseções. Além de colocar os elementos de sua cena e um bom equilíbrio entre todos esses segmentos. Analisamos o uso de uma composição centrada, que é uma maneira muito simples e eficaz de chamar a atenção para o seu ponto focal. Nós olhamos para usar linhas de liderança para direcionar o olho. Analisamos o uso de enquadramento e iluminação. Analisamos o uso de espaço negativo e contraste. E falamos sobre o uso de personagens e fezes para chamar a atenção do espectador. Nós também olhamos para estabelecer uma hierarquia de pontos focais juntos em uma cena. E finalmente, colocando a cena completamente usando várias dessas diretrizes que falamos. Portanto, não se deixe sentir muito constrangido por estas diretrizes de composição. Você deve apenas usá-los para ajudar a melhorar a maneira que você pensa quando você está desenhando seu layout. Mas uma vez que você tenha uma compreensão sobre o básico, então a maior parte disso virá com intuição. Então não sinta que sua composição tem que seguir completamente essas regras. E se você quiser quebrar qualquer uma dessas regras e fazer sua própria coisa em termos de sua composição. Isso é absolutamente bom. É tudo sobre o que você quer comunicar e o tipo de sentimento que você quer transmitir. Então agora vamos passar para a próxima lição.
5. Linguagem de formas: Algo que queremos estar cientes quando se trata de
criar os elementos estilizados em nossa cena é a linguagem de forma. Esta é apenas uma maneira de pensar em estilizar seu trabalho, e é uma técnica realmente interessante e eficaz que eu pessoalmente uso muito em minha própria prática. Vou explicar um pouco sobre este método agora e como você pode aplicá-lo aos seus desenhos e desenhos para não só melhorar a estética de seus elementos, mas também o tipo de sentimento que eles projetam. Vamos, em primeiro lugar, dividir nossas formas em círculos, quadrados e triângulos. Normalmente, vemos círculos seguros, inocentes e macios. Não há arestas afiadas para nos magoar. Os quadrados são uma cena tão resistente, sensível, confiável, muitas vezes talvez um pouco chato, e nós os vemos mais comumente em estruturas feitas pelo homem do que na natureza. Triângulos são vistos como perigosos e excitantes. Eles têm estas bordas pontiagudas,
então, em um nível subconsciente, estamos cientes de que eles podem potencialmente nos prejudicar. Esta relação psicológica que temos com essas formas em um nível subconsciente pode ser usada dentro de nossos projetos para comunicar sentimentos específicos ao espectador. Por exemplo, vamos começar com a estilização de uma palmeira e podemos usar a linguagem de forma para influenciar a percepção deste assunto. Você pode ver que eu usei formas muito arredondadas aqui e eu vou usar o mesmo tratamento arredondado no porta-malas. Percebemos esta árvore como sendo bastante macia e mole e amigável devido ao uso da linguagem da forma. Se dermos à palmeira um tratamento mais quadrado e bloco, podemos ver isso como sendo muito robusto e sólido. Para mim, parece um pouco futurista e feito pelo homem porque é muito incomum ver essas formas na natureza. Se dermos à palmeira um tratamento espigado mais triangular, parece um pouco mais perigoso, mas também parece um pouco mais emocionante e misterioso. Podemos fazer o mesmo com qualquer assunto. Vamos em frente e desenhar vários outros elementos agora com cada um
desses diferentes tratamentos de linguagem de forma e perceber como cada uma
dessas estilizações evocam diferentes sentimentos e conotações. Você pode experimentar isso com muitos assuntos diferentes e ver o efeito que cada um desses tratamentos lhe dá e você também pode usar essas diferentes linguagens de forma em diferentes partes de suas imagens e combinar diferentes formas também em sua paisagem. Se você quiser combinar, digamos, eu realmente estilizei uma palmeira com algumas belas rochas suaves e
amigáveis e algumas montanhas muito irregulares e perigosas, então isso vai dar suas ilustrações um efeito diferente e adicionar um pouco de história extra interessante para a sua peça Ou você pode querer usar linguagem de forma
muito suave ou muito irregular em toda a sua peça. Basta brincar com este exercício e ver o que você pode inventar, e uma vez que você teve uma chance com isso, vamos passar para a próxima lição.
6. Iluminação e efeitos atmosféricos: Minha parte favorita pessoal do processo é trazer isso para a vida com iluminação e efeitos atmosféricos porque é aqui
que muito do humor de sua cena é estabelecido. Então, nesta lição, eu vou percorrer algumas dicas e truques rápidos que eu costumo usar em minha própria prática para dar vida às minhas cenas. Vamos começar com a perspectiva atmosférica. Então, como mencionei em nossa lição de profundidade e perspectiva, você pode utilizar o fenômeno natural da perspectiva
atmosférica para criar efeitos ao colorir sua cena. Certificando-se de que os elementos de retrocesso são menores em contraste e saturação em comparação com os elementos avançados, que aparecerão mais saturados e mais altos e contraste e intervalo de valor. Então, algo que você pode fazer aqui para verificar seus valores é adicionar uma camada cinza na parte superior da sua imagem e definir o modo de mesclagem de camadas como cor. E então você será capaz de ver seus valores de
forma mais clara sem a distração dessas cores. Então vocês podem ver que temos valores bastante fortes na lágrima do primeiro plano, que se tornam mais leves e leves à medida que essas montanhas recuam para a distância. Então vamos desligar essa camada cinza por enquanto e ativar essa camada de primeiro plano. Então, se temos algo na cena que está ainda mais perto de nós, você pode ver como há ainda mais contraste lá. Portanto, isso não significa necessariamente que todos os elementos em primeiro plano serão mais escuros. Isso só significa que haverá um contraste maior entre cores claras e escuras e valores. E também haverá níveis mais altos de
saturação dentro das cores mais próximas a nós. Então outra coisa que podemos fazer, nossa dívida entre nossas camadas é criar uma espécie de efeito confuso. Então, se escolhermos um pincel macio e
selecionarmos uma cor clara, podemos desenhar um gradiente suave entre cada camada, o que cria uma linda sensação de espaço e atmosfera. E este tipo de efeito pode ocorrer com intensidade
variável quando o tempo está realmente nebuloso ou nebuloso, ou há apenas muita umidade no ar em geral. Então você pode ver como este efeito tomou algo que ainda estava um pouco plano olhando e realmente empurrou para cima sensação de profundidade. E algo mais que eu realmente gosto de fazer com meus céus é criar um gradiente que seja mais claro na parte inferior e mais escuro no topo. Então, por exemplo, se eu criar uma nova camada e desenhar em uma tira de azul escuro no topo da tela. Em seguida, posso criar um gradiente indo para Ajustes gaussian desfoque e, em seguida ,
desfocando essa camada para que pareça que
ela se mistura perfeitamente com a cor abaixo. E eu só acho que isso ajuda a criar um efeito de aparência natural realmente agradável. Então você pode ver como implementar essas técnicas muito básicas pode ser super, super eficaz na criação de uma cena imersiva cheia de profundidade e atmosfera. A perspectiva atmosférica reversa é quando as cores quentes recuam dentro da cena e as cores frias avançam em nossa direção. E isso geralmente acontece quando o sol está baixo no céu ao nascer ou ao pôr do sol. Então vocês podem ver nesta cena que temos alguns tons realmente quentes à distância,
tornando-se mais frios à medida que eles se movem em nossa direção. Então vamos escolher essas cores e ver onde elas ficam na roda de cores. Então você pode ver que isso está no lado muito quente do espectro. E com cada cor vindo em nossa direção, que em direção a mover um pouco mais em direção à extremidade mais fria da roda de cores. Então, além da temperatura de cor invertida e desse efeito, a outra perspectiva atmosférica ainda aplicaremos em termos de valor e contraste. E também podemos adicionar esse efeito de névoa para melhorar ainda mais a atmosfera aqui. Agora vamos ver como a luz e as sombras funcionam. Então podemos pensar na luz como se movendo em linhas retas, iluminando assuntos com os quais interage e deixando uma sombra para trás. E não só temos uma sombra no plano terrestre atrás do sujeito, mas também há uma sombra no próprio sujeito. E isso cria um senso de forma, proporcionando mais de uma aparência tridimensional ao sujeito. E também pode criar um efeito bastante agradável, desenhando destaques em nosso assunto e serviços onde quer que a fonte de luz esteja atingindo diretamente eles. Então, se as fontes de luz realmente intensas, você verá sombras muito duras e destaques
severos e um monte de contraste entre suas sombras e luz. Enquanto, por exemplo,
se for um dia nublado com pouca luz solar direta, você terá um contraste muito baixo entre sua luz e sombra. E as sombras aparecerão muito mais suaves sem bordas duras, pois a luz é muito mais difundida nessas situações. E a cena geral parecerá menos contrastante e as cores aparecerão mais uniformemente. E dependendo do ângulo da luz. Por exemplo, se estiver baixo no céu ao pôr do sol, as sombras aparecerão muito mais longas em comparação com o meio do dia. Quando as sombras serão mais curtas com um súbito alto no céu. Assim como a nossa principal fonte de luz aqui, que é o sol. Você também tem menos intensa luz bônus entidades, áreas sombreadas, por exemplo, aqui temos luz azul espalhada por todo o céu. E esta luz também é saltada para as áreas sombreadas. Em um lindo dia em que há um céu azul realmente claro, você pode notar que áreas sombreadas podem parecer bastante azuis. Outra coisa a notar é que quanto mais longe a sombra fica do assunto, mais
os espaços ficam cheios de luz saltando do céu e de outros objetos. E para que parte mais distante da sombra apareça frequentemente um pouco suave e mais clara do que a área de sombra mais próxima do assunto. Outra coisa que você pode querer considerar ao criar suas paisagens é apenas usar silhuetas, o que pode criar um efeito incrivelmente impressionante. Então podemos fazer isso tornando tudo na cena preto, exceto o céu, que podemos fazer uma bela característica usando cores vibrantes. E se você deixar seu céu bem escuro, ele pode querer adicionar alguma iluminação de aro em torno suas silhuetas apenas para fazê-las se destacar mais na cena. Então você pode imaginar que seu filho está logo abaixo do horizonte e está apenas iluminando ligeiramente o contorno de suas silhuetas para chamar a atenção para elas e criar mais contraste e drama dentro de sua composição. Agora vamos ver como criar um defeito de luz brilhante. Algo que eu realmente gosto é saudar efeitos em torno de fontes de luz dentro das minhas ilustrações. Então eu vou mostrar a vocês uma técnica muito simples que eu costumava fazer isso agora. Então, podemos começar duplicando a camada que você deseja adicionar um efeito de brilho. E, em seguida, selecionando a camada abaixo. Então você pode simplesmente ir para Ajustes, desfoque gaussiano e criar um efeito brilhante de diferentes intensidades deslizando seu lápis ao longo da tela para aumentar ou diminuir nosso Desfoque. E se você quiser aumentar ainda mais a intensidade, você pode simplesmente duplicar essa camada desfocada tanto
quanto quiser até ficar feliz com o efeito. E outro efeito que é muito bom é que se você criar uma máscara de recorte sobre essa camada desfocada, você pode então preencher essa camada de máscara de recorte com absolutamente qualquer cor sobre ela. E você também pode tentar alterar o modo de mesclagem até obter um bom efeito. E esta também é uma boa técnica para usar se você quiser adicionar um pouco mais de cor à sua cena. Então podemos fazer exatamente a mesma coisa com essas estrelas. Então, se virarmos esses efeitos de brilho de, você pode ver quanta diferença há
no charme e atmosfera de todo este céu. Outra coisa que eu gosto muito de fazer é criar um brilho duro desenhando um círculo inteiro em torno da área que eu queria destacar. E basta mudar o modo de mesclagem para sobrepor e diminuir a opacidade. E eu poderia repetir isso algumas vezes para criar uma espécie de efeito de namoro cinzento. Então essa é outra técnica que eu acho que funciona muito, muito bem. Em seguida, vejamos os feixes de luz. Então aqui está uma cena florestal que eu criei. Então você pode ver que adicionei alguns efeitos de luz brilhante a esta área onde a luz está se infiltrando através das árvores. E eu também adicionei um pouco desse clareamento entre essas camadas de primeiro plano apenas para melhorar a sensação de profundidade e espaço na cena. E eu também estudei uma área sombreada ao longo deste lado esquerdo que vocês mesmos o olho para focar nesta parte posterior da imagem. Agora vou adicionar alguns feixes de luz. Então vamos imaginar que há muitos pequenos buracos
no dossel acima da luz está fluindo através. Então vamos começar criando uma nova camada. E vamos usar a ferramenta de seleção. E comece marcando ou uma forma de feixe de onde queremos que nossa luz venha. Então eu estou apenas tocando fora da tela para marcar os cantos deste feijão em forma. Então eu vou usar meu pincel de sombreamento de textura rizoma para isso. Mas você pode usar qualquer pincel macio que vai criar um gradiente. Assim, por exemplo, você pode usar o pincel macio da seção Uber no Procreate. Então podemos desenhar neste feixe dentro da área selecionada. E eu estou me certificando de plantar e com mais intensidade no topo
deste feixe e permitindo que ele tipo de alimentar-se em direção ao fundo. E então podemos desenhar um par de feixes menores ao lado deste maior, que estão seguindo a mesma direção. Então eu estou fazendo a mesma coisa selecionando as áreas que eu quero desenhar meu feixe dentro. E então atirando com essa cor clara, certificando-se de aumentar a intensidade do sombreamento em direção ao topo do feixe. E, em seguida, podemos selecionar Sobreposição na lista Modo de camada. E você pode ver como isso cria um efeito realmente agradável que ilumina todas as cores por baixo dele. E isso pode ser uma ferramenta muito útil para talvez ajudar a destacar nosso personagem ou um ponto focal dentro de sua cena. E você também pode robôs e seções deste feixe com um pincel macio apenas para criar um visual mais natural. E um toque final que pode adicionar um pouco de charme extra, é apenas desenhar algumas pequenas partículas dentro desses feixes que estão ficando iluminados e destacados por essa luz. E podemos definir isso para sobrepor também. E Laura, a capacidade. O efeito final eu vou mostrar a vocês como reflexos na água. Adicionar reflexos a grandes corpos de água pode criar um efeito tão agradável. Portanto, existem várias técnicas são usadas para criar reflexos, e tudo isso depende de quão estéril ou agitado você quer que a água apareça. Para adicionar um reflexo nesta cena, o que queremos fazer é refletir tudo o que está acima desta linha d'água abaixo. Então, nós essencialmente queremos espelhá-lo. Então o que podemos fazer é exportar toda essa cena como uma imagem JPEG. E então queremos importá-lo e novamente,
e queremos transformar esta imagem inserida em uma máscara de recorte acima desta camada de lago. E então podemos virar essa camada verticalmente. E nós só queremos alinhar tudo para que pareça como se estivesse espelhado dentro da cena. E então queremos diminuir a opacidade
desta camada para criar uma aparência mais natural refletida. E porque nós também temos essas rochas, nós vamos querer envergonhá-las também porque eles vão estar interrompendo os reflexos da cena acima. Então queremos fazer a mesma coisa espelhando essa camada. Mas como eles estão todos na mesma camada, não
precisamos exportá-lo como um JPEG. Então, podemos virar essa camada duplicada verticalmente em vez disso. E você pode ver que, como todos eles estão sentados em diferentes planos horizontais, nós vamos ter que aprender cada um deles individualmente. Então você pode simplesmente usar a ferramenta de seleção e alinhar tudo isso com seu parceiro refletido. E então nós podemos apenas trazer essa camada refletida debaixo das pedras reais. E desta vez nós realmente não queremos diminuir a opacidade porque então essa camada interage com a outra camada refletida e parece um pouco transparente. Então, em vez disso, podemos clarear o tom destes para distingui-los dos assuntos reais. Então, como você pode ver, este reflexo parece muito quieto e claro no momento, quase como se fosse um vidro ou um espelho. Então, se quisermos que esta água veja mais áspera e rapidamente, o que podemos fazer é ir para Ajustes, desfoque de movimento. E então você pode matar o lápis verticalmente e você verá essa faixa vindo do outro lado do topo. E isso apenas indica a intensidade deste borrão de movimento. Então queremos uma citá-lo para baixo e uma linha vertical em oposição a horizontalmente. E eu gosto quando só está um pouco borrada. E então podemos fazer o mesmo com as rochas. Outra coisa que podemos fazer é usar a ferramenta de manchas. E você pode usar isso com qualquer pincel que quiser. E podemos apenas criar linhas horizontais de vários tamanhos e posicionamentos. E isso é apenas manchar todas as cores em sua camada selecionada umas
nas outras para criar um efeito ondulante. Outra coisa que podemos fazer é adicionar alguns destaques. E faz um efeito bastante agradável se você colocar seu destaque no mesmo plano vertical que a fonte de luz em sua imagem. Então aqui vocês podem ver que estou tentando colocar esses destaques mais ou menos embaixo de onde a lua está. Então, como você pode ver, isso cria uma aparência realmente agradável e nós podemos fazer um efeito brilhante adorável na água usando esse Borrão Gaussiano e sobreposição novamente, você também pode apenas animais de estimação cores diretamente da água e fazer ondulações fora deles. E experimente diferentes técnicas e formas de estilização. Água é algo que você pode ser bastante brincalhão com abstração. E você nem sempre tem que criar um reflexo de espelho quando você está ilustrando a água, eu diria que a melhor maneira de aprender sobre como desenhar diferentes efeitos de água e efeitos de iluminação em geral, é fazer estudos a partir de fotos e, em seguida, ver quão longe você pode empurrar a estilização. Então essas são apenas algumas guias muito simplificadas porque eu não quero sobrecarregá-lo ficando muito técnico. E se você estiver criando cenas bastante abstratas e estilizadas, você pode ser um pouco mais brincalhão e dobrar essas regras para o seu poço um pouco mais do que se você quiser criar cenas realistas. Assim, você pode ver como todas essas técnicas juntas podem ajudá-lo a realmente melhorar a atmosfera e o humor de toda a sua cena. Assim que estiveres pronto, vamos para a próxima lição.
7. Encontrando inspiração: É hora de começar nosso projeto agora. Antes de começarmos a procurar inspiração, vamos primeiro decidir sobre um tema geral ou uma ideia para a nossa peça final. Pense, em primeiro lugar, em que tipo de ambiente você deseja desenhar, seja uma floresta, praia, deserto, montanhas ou qualquer outra coisa, e também talvez uma idéia do humor e atmosfera que você deseja definir. Uma vez que tenhamos uma lista, mais poderemos procurar mais intencionalmente por inspiração em torno disso. Para a minha peça, decidi que quero fazer uma cena montanhosa com um sentimento um pouco aventureiro. Agora que tenho essa direção, vou procurar imagens que eu possa usar como inspiração. Por favor, sinta-se livre para reunir o máximo de referência
de fotos que você gosta de diferentes fontes nesta fase. Isso pode ser de pesquisas de imagens on-line, ou talvez você queira ir e tirar suas próprias fotos de um lugar específico. Mas o que queremos fazer é reunir inspiração de muitas imagens
diferentes para que possamos escolher e escolher elementos diferentes, e juntar um pouco de cada um para criar algo que é único para nós. Vamos nos concentrar mais em tirar inspiração a partir de fotos
nesta aula, em vez do trabalho de outro ilustrador, porque é mais fácil estilizar algo de uma forma exclusiva para você quando estamos fazendo referência a partir de fotos, em vez de ilustrações que já foram estilizadas por outra pessoa. Desta forma, evitaremos copiar involuntariamente o trabalho de outra
pessoa e nossa peça será mais original para nós. Dito isto, muitas vezes acho útil
também criar um quadro de humor do Pinterest com obras de arte e imagens que conseguiram capturar o mesmo sentimento geral e humor que eu também quero transmitir. Eu só vou fazer anotações mentais sobre coisas que eu realmente gosto em cada peça, sejam essas as cores, texturas, forma, linguagem, ou a composição, e essas são todas as coisas que eu posso ter em mente quando eu estou moldando meu final ilustração, embora esteja atento para não copiar essas obras diretamente. O truque aqui é tirar inspiração de muitas fontes
diferentes para que você possa remixar essas idéias para fazer algo novo e fresco, em vez de apenas tirar inspiração de uma peça e copiá-lo diretamente. Depois de reunir algumas imagens ou criar um quadro de humor para usar como inspiração, vamos fazer um resumo mais específico para nós mesmos. Pense no que você quer que seu ponto focal seja na cena. O que você quer destacar? É um assunto específico ou talvez apenas uma área específica? Pense em que hora do dia é, e a estação. Finalmente, faça uma lista mental de todos os seus elementos que você deseja aparecer na cena. Pense sobre a vida vegetal, rochas, diferentes sinais de vida, são suas roupas, corpos de água, diferentes situações climáticas e esse tipo de coisa, e considere tanto seus grandes elementos e pequenos. Uma vez que você tenha uma ideia mais clara do que incluir em sua cena, vamos passar para a próxima lição, onde podemos começar a desenhar nossos elementos individuais de referência, e então decidir como podemos querer estilizá-los.
8. Como desenhar elementos individuais: Nesta lição, vamos desenhar todos os
nossos elementos individuais que talvez queiramos colocar na cena. Este exercício vai nos ajudar a formar uma idéia clara de como eles vão se parecer antes começarmos a montar tudo porque ele vai garantir que quando se trata de desenhar toda a nossa cena, nós não vamos ficar presos no que qualquer indivíduo objeto vai se parecer e o processo será muito mais suave e mais divertido. Fiz uma lista de todos os meus elementos que quero incluir na minha cena. Nessa lista estão pinheiros, rochas, montanhas, caminhos, gramíneas longas
e flores, e então escolhi várias fotos
de referência desta lista de elementos que vou tirar. Vamos começar desenhando uma linha mais ou menos no meio da página. um lado, vamos fazer esboços simples de referência e do outro lado vamos estilizar e abstrair esses elementos usando nossa imaginação. Vou começar desenhando várias árvores. Eu só estou realmente esboçando as ovelhas do que eu vejo e tentando manter meu desenho pequeno e ser bastante rápido sobre isso. Por exemplo, aqui estou percebendo
que a forma triangular geral e , em seguida, a curva geral desses ramos dentro dessa forma. Ao fazer vários estudos a partir de diferentes imagens de referência, posso identificar semelhanças e diferenças entre esses tipos de árvores e suas estruturas. Isso me ajuda a construir um pouco mais de uma biblioteca visual que eu possa desenhar mais tarde. Vou fazer a mesma coisa com o resto dos elementos da minha lista. Esboçando várias variantes de tudo e tendo uma idéia de como desenhá-las de maneiras diferentes. Só estou mantendo esses desenhos pequenos e enchendo o lado esquerdo da página com todos esses esboços observacionais. Agora que tiramos todos esses elementos da referência,
vamos redesenhá-los novamente usando um pouco mais de nossa imaginação desta vez e adicionando nosso próprio estilo neles. Nesta fase, eu não quero que você olhe para sua referência se você pode evitá-lo porque você pode ser atraído para formas mais realistas. Desta forma, podemos criar elementos mais estilizados e trazer um pouco de estilo e personalidade únicos quando se trata de desenhar nossas cenas. Por exemplo, se eu pegar este primeiro esboço de árvore aqui, eu posso aproximadamente desenhar essa forma triangular para começar e então desenhar ao longo dessas curvas para criar essa forma mais definida e estilizada. Aqui você pode simplesmente brincar com abstraindo e simplificando as formas de seus esboços anteriores e experimentar diferentes coisas dependendo do estilo que você gosta de trabalhar e também ter em mente que forma linguagem você deseja usar e que sentimento geral você quer encontrar. Você pode tornar esses elementos realmente simplificados e simbólicos olhando, você pode tentar brincar com o que um grupo
desses elementos juntos vai parecer e você também pode experimentar diferentes níveis de detalhe de realmente simplificado formas para os mais detalhados. Você já pode ver que meus esboços
à direita são muito mais gráficos e eu acho que eles têm um senso mais forte de estilo e personalidade do que os esboços mais representativos à esquerda. Basta se divertir aqui,
brincar, experimentar, e ver onde isso leva você. Ao construir uma biblioteca visual de elementos estilísticos desta forma, torna mais fácil saber o que queremos incluir na nossa cena e como queremos desenhá-la quando se trata de compor a nossa peça. Também é apenas um bom exercício para nos ajudar a aquecer e praticar ser um pouco mais expressivo, seja estilo de ilustração e
habilidades de desenho antes de avançarmos para criar nossa cena final. Quando você estiver pronto e tiver uma boa chance de praticar este exercício, vamos passar a esboçar nossas composições.
9. Miniaturas de composições: Agora vamos começar a esboçar várias miniaturas de composição para escolher entre a nossa peça final. Ok, então nós podemos começar primeiro desenhando nossa moldura e vamos manter esta pequena para começar. Então eu estou apenas criando uma linha reta no Procreate desenhando uma linha áspera e mantendo o lápis na tela por alguns segundos. E se segurarmos nosso outro dedo na tela, essa linha se encaixará em ângulos diferentes. Então, esta é uma maneira fácil de criar um quadro áspero com linhas retas. Agora mantenha essas miniaturas realmente pequenas e tente não ampliar em março. Agora que temos esse espaço definido para brincar, vamos primeiro distinguir onde está a linha do horizonte. Então eu vou colocar minha linha do horizonte bem baixa na cena para que possamos ver mais do céu. Então eu estou simplesmente desenhando uma linha horizontal e a metade inferior deste quadro. E isso dá a impressão de que estamos olhando ligeiramente para cima. Vou desenhar uma montanha no meio da composição aqui. E este vai ser o meu ponto focal. Por isso, quero que todos os meus elementos de rendição
complementem a ness e ajudem a chamar a atenção para ela. Homens pensando sobre essa linguagem forma aqui também, eu quero que a montanha pareça meio perigosa e excitante com este tratamento triangular. Estou desenhando algumas colinas circundantes para criar uma paisagem mais natural e fornecer alguma variação e amadurecimento. Então eu vou desenhar algumas árvores em primeiro plano para começar a estabelecer uma sensação de profundidade aqui. Então você pode ver que eu estou desenhando estes bem grandes e eles estão desaparecendo do lado do quadro, o que dá a impressão de que eles estão bem perto de nós. E embora esta seja uma composição bastante assimétrica, eu ainda quero criar alguma variação natural entre ambos os lados da imagem ao desenhar meus elementos. Então você vai querer elementos consideráveis que você quer mostrar em seu primeiro plano, médio e fundo,
e qual é o ponto focal e como você vai chamar a atenção para esse ponto focal. Nesta cena. Quero que o foco principal seja naquela montanha. Então é meio que emoldurado dentro dessas árvores. E também vamos desenhar mais alguns elementos ao redor daquela montanha e fazer isso parecer um pouco mais fluído e realista. Então eu estou desenhando mais alguns infernos e, e criando mais camadas na cena. Vou preencher a área do meio do solo a seguir, pois está parecendo um pouco vazia. Então eu estou desenhando algumas curvas para definir alguns infernos e em seguida, desenhar um lago fluindo entre eles e vindo em nossa direção aqui. Então você pode continuar adicionando coisas e editando sua composição até começar a criar uma sensação de profundidade e atmosfera, bem como um bom equilíbrio e voou para sua cena. Eu estou desenhando algumas nuvens no céu aqui agora, e eu estou deliberadamente fazendo aquelas curvas para baixo em direção àquela montanha para ajudar a levar o olho em direção a ela e adicionar um pouco de gripe extra e enquadramento para a cena. Eu também vou desenhar o sol e por trás dessa montanha porque por ter nossa fonte de luz diretamente acima do ponto focal e vai ajudar a exagerar e chamar a atenção para a forma da montanha quando se trata de definir todos os efeitos de cor e iluminação. E podemos criar um efeito muito agradável mostrando que luz irradiando para fora no céu. Ok, Então eu estou bastante satisfeito com esta composição agora, mas vamos tentar criar mais algumas miniaturas aqui e explorar algumas idéias diferentes. Então você não precisa ficar dentro do mesmo formato. Você pode tentar trabalhar dentro de telas
realmente longas orientadas para retratos ou formatos panorâmicos muito amplos. Então aqui eu desenhei uma caixa bem longa para representar a tela. E novamente, estou começando definindo o posicionamento da minha linha do horizonte e depois desenhando meus elementos para corresponder a isso. Então, novamente, eu estou apenas definindo muitas camadas e formas nesta paisagem. E porque esta é uma composição mais longa e consomem mais do que está acontecendo no chão e no céu. Então eu estou realmente fazendo uso do espaço extra. E talvez desta vez tenhamos algum tipo de penhasco e o primeiro plano com um caminho leva em direção à montanha e talvez algumas flores nas laterais. E este é um ótimo lugar para colocar um personagem no topo deste caminho. Então, quando adicionamos um personagem em nossa cena, muitas vezes o ponto focal muda e será desenhado para olhar para o personagem em primeiro lugar, então apenas esteja ciente de que você deseja incluir um personagem em sua cena. Então, para mim, esta cena parece cheia de aventura. Há muitos ziguezagues e linguagem triangular. Parece bastante enérgico, enquanto nossa composição anterior se sente mais calma, tem mais linhas fluidas e linguagem de forma circular. Então eu vou continuar fazendo diferentes tamanhos de composições até preencher esta página com algumas opções. E então verei o que mais gosto para assumir como minha última peça. Então, brinca com as tuas composições. Deixe-se ser confuso e rabiscado e dê a si mesmo algum espaço para experimentar. Você pode tentar diferentes formatos de cenas, de paisagem a retrato, dois quadrados, triângulos, composições centradas. Tente ler. Tente ter alguns pontos focais diferentes e veja se você pode criar algum tipo de equilíbrio e hierarquia entre eles. Tente criar um caminho e usar linhas de liderança, e tente usar diagonais para criar uma sensação de energia. E você pode tentar criar composições realmente dinâmicas e complexas. Ou você pode mantê-los super simples e apenas estar ciente
do tipo de humor que aparece e do equilíbrio geral de sua cena. Um último truque que eu gosto de fazer é virar minha tela horizontalmente. E isso nos permite visualizar essas miniaturas de uma nova perspectiva e nos ajudar a decidir qual composição queremos levar para a próxima etapa. Então eu realmente gostei de como esta composição aqui acabou. Acho que há um bom equilíbrio entre todos os elementos e um bom senso de atmosfera. Então eu vou levar este para finalizar nas próximas lições.
10. Como refinar o layout: Vou criar uma nova tela no Procreate agora e quero que minha peça seja o tamanho da tela. Estou definindo minhas dimensões para 1.920 vezes 1.080P a 300 DPI. Mas sinta-se livre para usar qualquer dimensão que lhe convier, dependendo do que você vai usar sua peça e onde você quer compartilhá-la. Eu abri minha tela e agora vou colar na miniatura escolhida. Vou tocar no botão “Ajustar à tela” e depois diminuir a opacidade dessa miniatura. Em seguida, vou criar uma nova camada e mudar meu pincel para algo mais limpo para desenhar no meu trabalho de linha. Vou agora passar por cima dessas linhas ásperas e possivelmente ajustar algumas coisas para definir essas formas e refinar ainda mais a composição. Estou apenas rastreando essas marcas iniciais e tentando manter minha mão firme e criar algumas linhas suaves e
limpas para que eu possa definir formas mais decisivas nesta fase. Você pode ver que há um monte de ajustes de formas acontecendo aqui e tentando melhorar
a sensação de fluxo e linguagem de forma entre todos os meus diferentes elementos na cena. Se a qualquer momento durante este processo você se sentir um pouco preso não saber como representar um determinado objeto ou detalhe, basta ir e encontrar alguma referência. Não se deixe frustrar tentando tirar tudo da memória e da imaginação se você não está pronto para isso. Mas se você está confortável com isso, então isso é ótimo. Basta fazer o que parecer natural, dependendo do seu nível de habilidade. Uma vez que tenhamos um monte de linhas feitas, podemos desligar essa camada áspera e ver como esta linha de trabalho está olhando. Então podemos arrumar qualquer coisa que pareça um pouco fora de equilíbrio. Agora que as formas maiores foram definidas principalmente, eu estou passando para desenhar alguns dos elementos menores em detalhes. Você não precisa desenhar todos os pequenos detalhes, mas isso é apenas para dar a você um layout geral para trabalhar e uma melhor idéia de como você deseja que seus elementos fiquem em termos de forma e estilo. Seu esboço refinado não precisa ser absolutamente perfeito, desde que você
geralmente esteja satisfeito com o layout geral e sua linguagem de forma e camadas. Então a partir daqui podemos começar a zombar de uma idéia áspera de como queremos colorir a cena.
11. Esboço de cores: Agora vamos começar a estabelecer algumas idéias de cores ásperas para a cena. Então eu vou me livrar de algumas camadas que eu não preciso no momento, apenas deixando o layout da tela para trabalhar. Agora eu vou criar uma nova camada e eu vou
nomear a camada de layout original, Layout áspero. Em seguida, nomeie essa nova camada, Cor áspera, e, em seguida, coloque isso abaixo do layout. Agora nós vamos realmente aproximadamente estabelecer nossas idéias iniciais para cores. Eu quero que minha cena seja definida em torno do pôr-do-sol, então eu vou escolher uma cor laranja vibrante para o céu em primeiro lugar e então eu posso escolher todas as minhas outras cores baseadas em torno disso. Você também pode ter uma hora do dia ou estação ou humor que você deseja transmitir que irá informar o esquema de cores desejado. Então eu estou começando a bloquear as cores que eu estou pensando sem ser muito preciso. Podemos brincar com tudo isso e experimentar alguns efeitos de iluminação depois que eles estiverem bloqueados. Então eu escolhi uma cor verde menta para estas colinas de Mitterrand e eu estou apenas bloqueando tudo de uma vez. Então você pode ver que eu estou tentando ser muito rápido e não me preocupar em ficar dentro das linhas ou qualquer coisa porque eu não quero perder muito tempo aqui. Então eu quero que esta grama naquele penhasco em primeiro plano seja mais verde amarelado em contraste com aquelas colinas. Então eu estou apenas bloqueando isso também. Vou fazer aquela montanha à distância uma cor lilás por enquanto. Nosso sol vai ser um amarelo
claro e brilhante e nossa cor de rocha do penhasco vai ser um marrom acinzentado por enquanto. Quero que o lago seja de cor turquesa. Então eu apenas clarear o tom para que ele se destaca das colinas um pouco mais. Eu estou colocando todas essas cores na mesma camada porque nós queremos estar inchando com muitas camadas nesta fase. É só sobre ter uma ideia muito áspera antes de polirmos tudo mais tarde. Então, se desligarmos essa camada de layout, você pode ver que não há nenhuma percepção de profundidade entre essas colinas. Então eu vou escolher essa cor verde e, em seguida, criar diferentes tons da mesma tonalidade. Então teremos uma versão mais escura para as camadas que estão mais próximas de nós e, em seguida, torná-las um pouco mais claras e mais dessaturadas à medida que recuam dentro da cena. Então, se desligarmos essa camada novamente, você pode ver como esse intervalo tonal fez tanta diferença para a percepção de profundidade aqui. Assim que tivermos algumas cores realmente básicas bloqueadas, podemos brincar um pouco com a adição de alguns efeitos básicos de iluminação e ver se
queremos mudar alguma dessas cores uma vez que tenhamos uma idéia de iluminação e atmosfera. Quero que o céu tenha um gradiente mais leve em direção ao horizonte. Então eu vou criar uma nova camada e desenhar com o meu pincel de textura um pouco de uma cor mais clara e então eu vou mudar a tonalidade ligeiramente para algo amarelado e então eu vou definir esta camada para sobreposição. Então você já pode ver como um efeito de iluminação realmente simples pode adicionar tanta atmosfera à cena. Então eu vou criar outra nova camada e desenhar em alguma dessa textura em uma cor mais escura para estabelecer algumas áreas sombrias nos lugares que estão mais distantes do sol. Vou então definir esta camada para multiplicar e brincar com a saturação de matiz e brilho. Então agora eu estou começando a ter uma idéia muito áspera
do estilo de iluminação e como isso vai funcionar junto com o meu esquema de cores. Assim que você tiver algumas cores praticamente bloqueadas, você poderá brincar com a saturação de matiz e o brilho
da camada Color Rough e ver quais efeitos diferentes você pode criar. Lembre-se que você não tem que ficar com cores realistas em tudo, você faz as regras aqui. Então tente ouvir sua intuição de como
esses diferentes esquemas de cores fazem você se sentir e o que você acha que funciona, e o que não funciona. Outra coisa que podemos fazer se quisermos brincar com apenas uma seção da imagem é usar a ferramenta Seleção. Então aqui estou eu selecionando esta área do penhasco em primeiro plano. Em seguida, entre em saturação de matiz e brilho novamente. Agora, se eu jogar com esses controles deslizantes, é apenas alterar as cores dentro da minha área selecionada. Então eu estou tentando decidir aqui se eu quero fazer este penhasco destacar e ser bastante contrastante com o resto da imagem, ou se eu quero que ele se misture perfeitamente e
harmoniosamente e se eu quero que ele pareça mais frio ou mais quente do que o resto da imagem. Então, estas são todas as coisas que você também pode querer considerar dentro de seus esquemas de cores. Então eu vou continuar brincando com minhas cores e efeitos de iluminação, experimentando algumas coisas diferentes e vendo por que eu acho que funciona melhor com essa imagem. Se você quiser fazer várias versões de esquemas de cores completamente diferentes, para que você possa comparar qual você mais gosta, então vá em frente. Mas igualmente, se você pousar em um esquema de cores que você realmente gosta como é, então você pode simplesmente ficar com isso. Não há necessidade de pensar demais. Como você pode ver, eu fiz um monte de experimentar e jogar com cores lá e eu finalmente tenho a cor áspera que eu realmente gosto. Vou usar isso como base para informar as cores e efeitos de iluminação da minha peça final. Então vamos passar para a próxima lição onde estaremos bloqueando nossas cores de acordo com isso.
12. Blocos de cores: Agora nós temos nossa idéia áspera para cores, e eu provavelmente vou mudar algumas dessas cores mais tarde, mas isso nos dá uma boa base para começar. Eu só vou achatar minhas camadas mesclando tudo aqui porque eu acabei com algumas camadas extras enquanto eu estava tentando descobrir os efeitos de iluminação. Eu só estou mesclando tudo isso beliscando meus dois dedos com um monte de camadas no meio até que tudo esteja naquela camada. Eu vou exportar isso como uma imagem JPEG, e então eu vou para Ações, Canvas, ativar este pequeno botão prático “Referência”, e você pode ver que essa guia “Referência” apareceu. Então eu vou para Imagem, Importar imagem, e apenas adicionar em que a cor áspera lá. Vou redimensioná-lo rapidamente para que ele não esteja ocupando muito espaço na tela. Dessa forma, eu poderei ter todas essas cores para referenciar, e posso desativar essa camada áspera de cor na minha tela, então eu vou começar uma nova camada, e eu posso simplesmente escolher essas cores da imagem de referência segurando meu lápis a cor desejada por um segundo e começar a bloqueá-los na minha tela. Para cada área de cor que estou bloqueando, estou criando uma nova camada para manter todas elas separadas. Eu só vou virar a transparência do layout para que eu possa ver as bordas dos meus elementos mais claramente. Então eu posso seguir ao longo dessas diretrizes com traços suaves, primeiro lugar, criando um esboço limpo que eu posso então bloquear para completar a forma. O pincel que estou usando aqui é o MaxU Toothy Inker do
conjunto de quadrinhos MaxPacks porque eu realmente gosto da variação na textura, bem como a pressão da linha. Obviamente, você não tem que usar os mesmos pincéis que eu. Você pode simplesmente usar o que você se sentir mais confortável com e você certamente pode alcançar um efeito semelhante com os nativos Procreate pincéis ou pincéis de outros fabricantes. Eu gosto de começar por delinear a forma primeiro com um pequeno tamanho de pincel, e depois entrar e colorir com um tamanho de pincel maior para que eu possa manter um pouco dessa textura granulada. Outro pincel que eu gosto de usar é este RISO Texture Shader, que vem do conjunto de pincel RISO da Tip Top Brushes, e que dá uma textura granulada suave e agradável que é ótimo para criar gradientes. Vamos usar isso aqui para criar um gradiente suave no céu. Há um pincel que é nativo do Procreate que você pode usar para obter um efeito muito semelhante, que você encontrará na pasta Desenho. Se fores ao fundo da lista, chama-se Giz Bonobo. Isso cria uma textura muito semelhante, agradável e granulada. Mas, pessoalmente, prefiro o RISO Texture Shader só porque é um pouco mais fino. Vou definir essa sobreposição de gradiente e, em seguida, vou bloquear em algumas formas de nuvem no horizonte, e depois disso, eu vou ajustar algumas cores um pouco e começar a adicionar em alguns
dos elementos menores agora que temos as cores principais bloqueadas. Agora eu quero adicionar uma textura de floresta sutil a algumas dessas camadas. Estou desenhando algumas formas triangulares básicas, para começar, para representar uma coleção de árvores, e vou adicionar um par de diferentes formas de árvore apenas para criar alguma variação extra. Só estou apagando algumas partes dessas árvores para criar uma borda mais afiada. Agora que eu tenho um pequeno grupo dessas árvores, eu vou para Ajustes e depois Clonar na parte inferior, e você verá que esse círculo apareceu. Vou mover isso por cima do meu pequeno grupo de árvores e vou aumentar o tamanho do meu pincel. Onde quer que eu desenhe na tela com essa ferramenta de pincel, estou clonando onde quer que esteja dentro dessa área de círculo na mesma camada. Vamos usar esta técnica para criar um padrão aleatório nesta encosta. Vou continuar movendo esse círculo e desenhando em lugares diferentes até que esta área esteja cheia de todas essas formas de árvores. Esta é uma ótima maneira de economizar tempo , bem
como criar um efeito padrão natural muito agradável. Seu padrão pode acabar com a área que você deseja, então podemos usar a ferramenta Borracha para eliminar qualquer forma indesejada. Eu gosto muito das árvores que estão saindo dessa silhueta camada porque acrescenta um pouco de interesse extra. Então o que eu vou fazer é duplicar essa camada de árvore e encolhê-la um pouco, e então movê-la para essas partes que estão um pouco mais longe. Então, novamente, eu só vou esfregar todas as áreas que eu não preciso. Vou então definir essas camadas para Multiplicar e em seguida, diminuir a opacidade para criar uma aparência mais sutil. Agora eu vou fazer a mesma coisa com as outras camadas, certificando-se de considerar a escala e o nível de detalhe diminuindo à medida que a cena retrocede para a distância. Agora que temos a maioria de nossas camadas bloqueadas com cores, vamos passar para adicionar detalhes, iluminação e efeitos atmosféricos.
13. Detalhes, iluminação e atmosfera: Agora é hora de empurrar o clima da cena ainda mais com detalhes, iluminação e efeitos atmosféricos. Então queremos criar um efeito de brilho ao redor do sol aqui. E você pode ver que para conseguir isso, estou desenhando alguns círculos de diâmetro crescente atrás de nossa filiação original. E estou aplicando alguns modos de mesclagem a essas camadas dependendo da aparência que eu quero alcançar. Então eu estou brincando com multiplicar e sobrepor e vendo como essas cores se misturam. E saber o que vou fazer é duplicar a camada solar original e depois ir para ajustes, borrão
gaussiano, e brincar com a opacidade aqui. E você pode ver que isso está apenas dando um brilho suave e agradável. E vamos brincar com o modo de mesclagem e opacidade nessa camada desfocada também. Então agora eu estou apenas começando a bloquear algumas dessas formas fechadas, o que vai adicionar atmosfera extra e interesses à minha cena. Então eu posso realmente empurrar as formas e direção
destes dependendo do humor que eu quero alcançar. Então, se satisfeito estes em um ângulo bastante diagonal para adicionar um pouco mais de energia e movimento na cena. E também desenhei algumas dessas nuvens na frente
daquela montanha distante para realçar essa sensação de profundidade. E eu também estou usando a ferramenta de borracha para cortar essas formas para obtê-las exatamente como eu quero. Então, vou definir o modo de mistura de camadas para adicionar e brincar com a opacidade. E agora eu vou levantar algumas seções dessas nuvens. Então eu vou selecionar este aumento ou Texture Shader como meu pincel borracha. E então eu estou apenas esfregando suavemente algumas áreas dessas formas para criar um olhar mais translúcido enquanto adiciona uma textura sutil. Então você pode ver que isso só ajuda a criar uma sensação mais suave e natural. Agora vou passar para uma nova camada e desenhar alguns reflexos na água. Então, para começar, estou criando várias linhas horizontais em posicionamentos aleatórios, aproximadamente correspondendo à área abaixo do sol. E então eu mudarei o modo de camada para sobreposição. E então eu vou apenas para barcos a remo e seções
dessas pistas e fazê-los parecer um pouco mais arrumados. Ok, agora eu vou começar uma nova camada logo acima minha camada de água e então escolher uma cor verde escuro. E estou desenhando os reflexos dessas montanhas naquela água. Então eu estou apenas tomando meu tempo para descobrir quais ovelhas
serão esses reflexos e certificando-se de que tudo se alinhe bem. Então eu vou para ajustes, matiz, saturação e brilho e brincar com a cor desses reflexos, tornando-os um pouco mais tarde e mais azul do que as montanhas reais acima. E agora eu vou entrar nesses reflexos com a ferramenta de borracha e apenas borracha algumas seções nas bordas aqui para criar um efeito de ondulação sutil na água. Agora vou adicionar alguns detalhes à montanha longínqua. Então eu vou criar uma nova camada acima dessa camada de montanha. E, em seguida, vou criar uma máscara de recorte tocando no lado esquerdo
da camada vazia e selecionando Máscara de recorte deste menos que aparece. E isso garantirá que tudo o que eu desenhar permaneça dentro dos pixels da forma da montanha abaixo. Então eu vou apenas secar e formas ásperas aqui, começando a definir um senso de luz e sombra nesta montanha. Então, mais uma vez eu estou apenas rasgando algumas áreas com a ferramenta borracha e redesenhando peças novamente até que eu estou muito feliz com o efeito dessas formas. E adicionando sombras aqui criamos um senso de forma para que a montanha pareça mais 3D e não completamente plana. Então, porque esta montanhosa bastante distante e a distância, não
queremos que as sombras sejam duas contrastantes em termos de valor. Então eu estou diminuindo a opacidade aqui, o que cria uma aparência mais natural. E também vou brincar com a tonalidade um pouco. Vou adicionar um pouco de textura para a montanha sabe, então vou criar uma nova camada de máscara de recorte logo acima dessa montanha e selecionar meu pincel texturizado. E então eu vou desenhar sobre a montanha com esta textura que o modo de mistura para multiplicar e, em seguida, diminuir a opacidade. Também estou esfregando um pouco dessa textura no topo da montanha com o mesmo pincel. E novamente, eu estou brincando com a tonalidade lá. Agora eu vou adicionar um pouco de um defeito de bagunça
criando algumas nuvens abaixo perto da água. Então eu estou apenas novamente bloqueando algumas formas gráficas fechadas em camadas separadas. Estar ciente da colocação dessas camadas dentro do Canvas. E também estou diminuindo a opacidade dessas camadas para criar um efeito de névoa translúcido. Em seguida, vou adicionar alguns gradientes suaves para essas outras camadas. Então vou começar criando uma nova camada de máscara de recorte acima do assunto, selecionando meu pincel texturizado novamente, bem
como uma cor verde escuro. E então desenho com essa textura nas áreas onde eu quero criar um defeito de sombra suave. E então mudarei o modo de mistura para multiplicar. E eu posso brincar rapidamente com a cor lá também. Agora vou em frente e fazer a mesma coisa com minhas outras camadas para dar-lhes um pouco mais de forma e textura. Então, neste ponto eu vou me livrar da minha referência áspera de cor porque estamos
naquele estágio agora onde temos a maioria de nossas cores definidas e isso está fornecendo um pouco de uma distração no momento. Então eu vou cruzar isso lá fora. E então eu vou continuar adicionando vários gradientes e efeitos de iluminação às minhas camadas. Então eu também estou adicionando um gradiente mais leve vindo de baixo dessas montanhas para realçar essas profundezas e olhar atmosférico enevoado. E então eu estou aprimorando ainda mais o brilho vindo do sol, desenhando sobre essa textura com um amarelo claro e definindo o modo de mistura para sobrepor. E então eu estou brincando com a saturação de matiz e brilho. Eu também estou apenas brincando com a colocação do sol aqui também, e vendo o que diferente parece isso contra mim. Ok, então nesta fase agora que temos um monte de iluminação definido, eu vou adicionar em uma camada totalmente concordo e definir este modo para cor para que possamos verificar todos os nossos valores. Então eu acho que esta área da composição está funcionando bem, embora possamos precisar criar um pouco mais de contraste entre essas camadas distantes. No entanto, nesta parte de nossa cena, você pode ver que quase não há qualquer variação no valor entre essas duas camadas. Então vamos precisar alterá-los para que possamos brincar com mais sombras ou realces nessas áreas para criar um pouco mais de contraste. Outra coisa que eu gostaria de fazer periodicamente ao longo do processo é virar minha tela horizontalmente. E isso me permite ver minha composição de uma nova perspectiva. E eu poderia ser capaz de notar coisas que eu, eu tinha me acostumado antes. Então agora eu posso ver que esta textura florestal não é muito visível aqui. Então eu poderia trazer a opacidade desse backup um pouco. Assim, com sua própria peça, você pode brincar e experimentar efeitos de iluminação e adicionar sombras e realces e efeitos brilhantes. Talvez tente adicionar um pouco confuso se esse é o tipo de atmosfera que você quer ir para. Mas vai ser específico para o loop que você quer alcançar e sua
configuração e hora do dia e situação meteorológica. Portanto, não tenha medo de experimentar e
experimentar diferentes modos de mistura e ver o que funciona para você. Definitivamente não precisa seguir o que estou fazendo. Então ele apenas se divertir e brincar com ele e não se preocupe em obter as coisas perfeitas. Esse não é absolutamente o objetivo. O objetivo é apenas usar isso como uma ferramenta para expressar a nós mesmos e nossa imaginação. E muitas vezes a sua peça não se parece com a forma como você a imaginou originalmente. Mas isso também faz parte da diversão porque podemos explorar e mudar o caminho ao longo do caminho e nos surpreender com novas descobertas. Então eu vou avançar e acelerar a parte final do processo e vocês vão me ver tomando um monte de decisões e experimentando coisas que não tenho certeza. E, em seguida, tentar coisas diferentes e essencialmente apenas jogar e experimentar e dizer-lhe finalmente em uma posição onde eu estou feliz em deixar
a peça como está, sim. Esta é uma história verdadeira. Oi. Então aqui temos. Finalmente estou feliz com a forma como toda a minha cena acabou. E estou muito satisfeito com a iluminação, as cores e o humor geral. Então, se virarmos nossa camada de layout áspero
por si só, mantendo pressionada a caixa de seleção de visibilidade, podemos ver o quão longe chegamos adicionando todas essas cores, detalhes e efeitos. Então, uma vez que você está feliz com sua cena, então você pode simplesmente exportar sua peça como uma imagem JPEG ou PNG. E não se esqueça de enviar seu projeto e esboços de
trabalho em andamento para a galeria do projeto.
14. Obrigado: Muito obrigado por dedicar o tempo para aprender comigo nesta aula, e espero que você tenha pego algumas ferramentas úteis que você pode levar adiante em sua prática de desenho. Mal posso esperar para ver sua linda criação, então não se esqueça de fazer upload do seu projeto na seção do projeto abaixo. Eu ficaria super grato se você pudesse
me deixar um comentário e me deixar saber o que você gostou sobre esta aula, e isso vai ajudar outras pessoas a decidir se esta aula vai ser útil para eles, e isso também me ajuda a aprender mais sobre o que continuar fazendo ou melhorar para futuras aulas. Se você tiver alguma dúvida, ou ideias sobre o que você gostaria de aprender comigo a seguir, então você pode fazer um post
na seção de discussão e eu entrarei em contato com você assim que eu puder, ou você também pode me enviar uma mensagem no Instagram, se preferir. Se você também quiser compartilhar seu trabalho nas mídias sociais, isso seria incrível. Se você fizer isso, então por favor me marque no Instagram @Sarahholliday para que eu possa gostar e compartilhá-lo lá também. Se você quiser se manter atualizado sobre o meu trabalho e as próximas aulas, então certifique-se de me seguir no Instagram e também aqui no Skillshare. Se você quiser aprender mais comigo, então eu tenho algumas aulas de ilustração de personagens que você pode gostar, e você pode ir ao meu perfil Skillshare para conferir essas aulas. Muito obrigado novamente, espero que você tenha se divertido muito e estou ansioso para vê-lo na próxima vez.
Sarah Holliday, Illustrator
