Adobe Lightroom Classic: fluxo de trabalho e dicas para melhorar suas edições de cores

1. Introdução e visão geral do curso: Tirar ótimas fotografias é apenas metade da história. Como você edita suas fotografias pode significar a diferença entre uma boa fotografia e uma ótima. Fotografias digitais não editadas e cruas não têm alma e trabalhar com as cores e tons ajuda a adicionar personalidade e caráter e criar edições fotográficas emocionantes e diversas que falam. A variedade de ferramentas de edição de cores disponíveis no Adobe Lightroom Classic pode ser um pouco avassaladora. Mas aprender o que cada uma das ferramentas faz e como ela difere de outras ferramentas e como ela pode ser usada em combinação são as ferramentas para aprimorar uma aparência pode tornar seu processo de edição muito mais versátil e ajudará você a produzir edições mais consideradas esteticamente agradáveis, ajudando suas imagens a contar uma história. Sou a marca dominante da guiné do grupo, fotógrafo profissional, designer e professor apaixonado fotografia e recriando looks fílmicos nas minhas fotografias digitais. Nesta aula, compartilharei com vocês minhas dicas especiais, técnicas e fluxos de trabalho para tirar o máximo proveito do adobe Lightroom é alto para melhorar edições de cores ou fotografias cruas. Desenvolvendo sua compreensão de quando e como. Você pode usar várias ferramentas do Adobe Lightroom para trabalhar com cores e tons. Esta classe foi projetada para fotógrafos de nível intermediário e avançado, designers gráficos, editores de fotos e criadores de conteúdo. E para tirar o máximo proveito desta classe, você precisará acessar a versão mais recente do Adobe Lightroom Classic ou Adobe Camera Raw e ter uma compreensão razoável da terminologia fotográfica e ferramentas básicas de edição. Se você está procurando levar suas habilidades de edição de fotos e proficiência para o próximo nível e criar edições mais variadas. Ou sinta-se sobrecarregado com todas as ferramentas disponíveis. E não sei por onde começar. Esta é a classe para você. Para a abordagem estruturada, estarei compartilhando nesta classe e analisando diferentes ferramentas disponíveis, seus usos e seu lugar no fluxo de trabalho de edição. Você poderá aprimorar seu entendimento e integrá-los melhor ao seu fluxo de trabalho de edição para criar edições personalizadas interessantes. Então, junte-se a mim nesta classe e aproveite todo o potencial das ferramentas de edição de cores do Adobe Lightroom para criar edições fotográficas, cheias de personagens. 2. Edição de Fotos: Então e agora: Desde os primeiros pioneiros fotográficos começaram a experimentar técnicas fotográficas e gravar imagens do nosso mundo. Fotógrafos e criativos têm editado imagens. Primeiramente com processos químicos, e agora com técnicas digitais para nos apresentar narrativas visuais que se tornaram uma parte intrínseca de nossas identidades coletivas. A edição de fotos é metade da história. E como o som em um filme, é sublime, mas uma parte muito real e importante da história. tecnologia digital moderna aumentou a versatilidade nas técnicas de edição. Mas essas técnicas sempre fizeram parte da fotografia e muitas vezes influenciam as técnicas e processos de edição atuais. Antigamente, um fotógrafo frequentemente selecionava cuidadosamente o filme fotográfico que está sendo usado. Considere como o filme reage à luz e é grão fotográfico. Os fotógrafos também poderiam aprimorar ainda mais sua fotografia na sala escura controlando a exposição da fotografia. Média de impressão, processos aditivos e técnicas de manipulação de imagens de frutas. De muitas maneiras, a base do que é alcançável e possível na câmara escura digital de hoje foi estabelecida no final dos séculos XIX e XX. Isso é frequentemente evidenciado nos nomes das ferramentas no Adobe XD, câmara escura digital, que muitas vezes nomeou após suas técnicas ou processos contrapartes a partir das doutrinas fotográficas do passado. Apesar das noções de que a câmera nunca mente. Pelo contrário, a fotografia sempre foi um meio instável. Isso não deve necessariamente ser visto como um negativo. Mas, como escrever, a fotografia sempre esteve aberta às influências de seus criadores, editores e, finalmente, de seus espectadores. E edição de fotos. No entanto, ele é usado como parte desse processo. Ao assumir o controle do processo de edição de fotos, você pode melhorar sua fotografia produzindo imagens que melhor estejam em conformidade as narrativas que você deseja transmitir. Através da utilização de ferramentas e técnicas de edição digital modernas. Há uma ampla gama de diferentes estilos e técnicas de edição de fotos que você pode empregar para criar sua narrativa desejada. Nesta classe, veremos uma variedade de conjuntos de ferramentas diferentes disponíveis no Adobe Lightroom Classic, incluindo perfis, ajustes tonais, curvas, calibração, gradação de cores e HSL, e seu papel no fluxo de trabalho de edição de cores. E como você pode efetivamente combinar essas ferramentas para criar edições emocionantes e variadas. Também compartilharei dicas para fazer ajustes locais usando máscaras para que suas fotos fiquem ótimas e juntem as edições. Enquanto trabalhará com essas ferramentas em uma determinada ordem. Começando com perfis e ajustes tonais, e passando direto para técnicas avançadas de gradação de cores usando a gradação de cores e painéis HSL. A ordem geral em que essas ferramentas são aplicadas não é definida em concreto. Você deve esperar ter que revisitar ferramentas anteriores para ajustar e finalizar seu visual. Em última análise, você só precisa saber qual o papel que cada uma dessas ferramentas desempenha no processo de desenvolvimento, como ela se relaciona com as outras ferramentas. E mantendo cada ferramenta os efeitos potenciais em mente. Continue desenvolvendo suas fotografias usando todas as ferramentas que você tem à sua disposição. Nesta classe, trabalharemos com fotografias brutas porque as imagens capturadas em linha têm mais informações salvas no arquivo. Aumentando a versatilidade e a variedade de coisas que você pode fazer ao editar. Tecnicamente, você pode usar as mesmas técnicas ao editar formatos de imagem positivos como tiff e jpegs. Mas haverá algumas limitações com base nas informações reais armazenadas na imagem. Eu sempre recomendaria fotografar e editar a inscrição sempre que possível. Nesta classe, usarei o Adobe Lightroom Classic. Mas você também poderá acompanhar o Adobe Camera Raw porque ele tem exatamente as mesmas ferramentas. Se você estiver usando o Adobe Lightroom em um tablet, smartphone ou computador. Você também poderá acompanhar a maior parte desta classe. No entanto, técnicas que envolvem trabalhar com calibração estão atualmente indisponíveis no Lightroom. Então, sem mais delongas, vamos começar. 3. Como começar com perfis: Minha primeira dica é fazer uso eficaz dos perfis, que são uma ferramenta realmente poderosa que pode tornar mais fácil para você alcançar a aparência que você procura. Os perfis ajustam o nível base de tons, cores e contraste em sua imagem sem afetar nenhum dos controles deslizantes são configurações na guia de desenvolvimento ou no painel de edição. Infelizmente, os perfis são frequentemente negligenciados pelos editores de imagens porque estão ocultos na interface do Adobe Lightroom, mas podem ser acessados aqui na guia Desenvolvimento no Adobe Lightroom Classic, ou na guia Editar no Adobe Lightroom e no Adobe Camera Raw. Ao usar perfis em seu fluxo de trabalho, eles podem ser usados como ponto de partida para sua edição, permitindo que você obtenha uma olhada desejada a qualquer momento durante o processo de edição, para modificar o olhe sem afetar nenhuma das configurações de desenvolvimento. Quando você desenvolve uma fotografia não editada no Adobe Lightroom, o perfil será definido como padrão da Adobe por padrão, que tem uma aparência bastante neutra. Seja qual for o perfil que você o aplique à sua imagem, ele terá um efeito mais forte e perceptível na sua imagem. Por exemplo, se você estiver editando um cenário, um bom ponto de partida é o perfil do Adobe Landscape, que lhe dará uma aparência mais saturada e contrastante. Por outro lado, se você estiver editando um retrato, talvez queira começar com o perfil adobe Portrait, que apresenta mais contraste do que o perfil padrão. Mas faz isso sem aumentar a saturação e o contraste em tons de pele que são críticos ao editar retratos. Mas porque você pode alterar o perfil a qualquer momento durante o processo de trabalho sem afetar nenhuma das outras configurações. Você pode explorar diferentes perfis sempre que quiser usá-los para alterar ou aprimorar a aparência de suas imagens já editadas. Por exemplo, aqui está uma fotografia que eu já editei. Vamos dar uma olhada em como criar edições com essas cores em geral, olhar mais tarde na classe. Mas, no momento, vamos nos concentrar no perfil definido como a cor da Adobe. Quero que as cores apareçam um pouco mais. Então, vou mudá-lo para o cenário da Adobe. Você pode ver como o perfil afeta essa imagem, aumentando instantaneamente o contraste e a saturação na cena. Usando perfis. Desta forma, você pode editar um conjunto de imagens usando as mesmas configurações de desenvolvimento ou predefinições, mas variar suavemente as edições dependendo do assunto usando os perfis sem precisar faça outros ajustes nas configurações de desenvolvimento. Além dos perfis padrão da Adobe, há também uma seleção de perfis criativos, que podem ser acessados via navegação no menu aqui ou por meio desse botão. Os perfis criativos incluem conjuntos artísticos, modernos e vintage para edição de fotografias coloridas. E perfis especiais para edição de fotografias em preto e branco. Os perfis em preto e branco são cruciais para criar edições emocionantes em preto e branco. Você pode aprender sobre como criar preto e minhas edições e usar filtros de cores e perfis na minha classe, fotografia em preto e branco. Usando filtros coloridos para aprimorar seu filme e imagens digitais. Quanto aos perfis de cores criativos, eles podem ser divertidos de explorar, modificar a aparência da sua imagem e criar uma representação ligeiramente diferente de cores. Quando você aplica qualquer um desses perfis criativos. Você também notará a configuração de valor aqui que você pode controlar. Isso afeta a força do efeito que o perfil tem em sua imagem. Quando você fecha o navegador de perfil, você pode alterar os perfis da configuração Mount aqui sem voltar ao navegador de perfil. Portanto, lembre-se de que você pode alterar o perfil a qualquer momento durante o fluxo de trabalho de edição. Você pode querer iniciar a edição da imagem com um perfil de cores específico ou alterar o fluxo médio do perfil de cores, ou depois de finalizar suas imagens, edite para concluir a aparência que você procura. Também tenha em mente que essa é uma das ferramentas mais obscuras do Adobe Lightroom. Portanto, se você está lutando para criar uma aparência específica com o Adobe Lightroom, outras ferramentas, verifique se você não tem um perfil específico aplicado, o que cria um conjunto e uma aparência ou drasticamente afeta a faixa de cores ou o contraste tonal e impede que você desenvolva a aparência desejada. Você também pode criar seus próprios perfis, que podem ser usados no Adobe Lightroom, adobe Lightroom Classic e Adobe Camera Raw. No entanto, isso só pode ser feito usando o Adobe Camera Raw. O processo envolve a criação de edição inicial e salvá-la como um perfil em vez de uma predefinição por meio da guia predefinições. Não vou entrar em detalhes sobre como fazer isso nesta classe, mas criei um conjunto de instruções que você pode baixar na guia projetos e recursos desta classe. Na maioria dos casos, o intervalo de perfis fornecidos pela Adobe funcionará bem como um ponto de partida ou ajustes para suas edições. No entanto, a capacidade de criar seus próprios perfis pode ser útil se você quiser criar uma aparência especial ou quiser efetivamente dobrar a força de algumas das configurações na guia de desenvolvimento. Além dos perfis, existem várias configurações no painel básico que determinam a aparência geral e o nível de detalhes em suas fotografias. E na próxima lição, compartilharei minhas dicas para usar ajustes tonais e recuperação para seguir o caminho certo para desenvolver a edição desejada. 4. Desenvolvendo a base para suas edições: A aparência geral e as cores em sua edição de fotos são influenciadas não apenas pelo trabalho que você faz com o Adobe Lightroom são ferramentas de edição de cores, mas, em um grau considerável, pelo intervalo de tons, contraste , exposição e o nível de detalhes em sua imagem. Portanto, antes de passar a trabalhar com as cores das imagens, seja ajustando-as manualmente ou aplicando uma predefinição, é sempre uma boa ideia obter a exposição das imagens e os níveis de tons corretos para o parece que você quer criar. Ao trabalhar com fotografias brutas, temos uma enorme quantidade de informações disponíveis, o que nos permite fazer nossas edições em qualquer direção que quisermos. No entanto, para poder utilizar as imagens gama total de tons, cores, profundidade e nível de detalhes. Precisamos recuperar essas informações usando as ferramentas disponíveis no painel básico. Independentemente de como você deseja que sua edição final se pareça, é sempre uma boa ideia começar verificando quantos detalhes estão na sua imagem. A melhor maneira de fazer a recuperação tonal. Para começar recuperando os destaques e sombras em seu grau máximo. Para revelar os detalhes ocultos e ver quanta informação é essa. Depois de recuperar os destaques e sombras, se necessário, ajuste a exposição para que a fotografia pareça correta. A maior parte da recuperação tonal vem do trabalho com esses dois controles deslizantes. O ajuste dos controles deslizantes brancos e pretos também pode ser útil ao recuperar detalhes e as áreas mais claras e escuras. Depois de ver quantos detalhes estão na sua imagem, é um bom momento para decidir sobre a direção geral que você deseja fazer sua edição de imagem. Isso pode ser baseado em suas fotografias, gênero, assunto, cores e no humor ou narrativa que você deseja transmitir. Por exemplo, se você quiser criar um registro de teclas altas, você precisará manter os detalhes em sua imagem em áreas de sombra e levantar as áreas mais escuras e sua fotografia, mantendo uma aparência natural suas imagens destaques e brancos. No entanto, se você estiver atrás de um visual mais mal-humorado, mais escuro ou mais natural, você vai querer fazer o oposto e ter sombras mais escuras que ajudam a esconder o detalhe na imagem é escuro. Áreas que têm mais detalhes nas imagens, áreas mais claras para definir o clima. Se você deseja criar uma aparência hiper-realista, recupere mais informações em geral e vá a partir daí. Quando você tiver decidido a direção em que deseja levar as coisas, comece a brincar com os controles deslizantes de tom para encontrar o ponto ideal para o tipo de aparência e nível de detalhes que você procura. Se necessário, ajuste a exposição geral para compensar o efeito da recuperação tonal. O principal objetivo da recuperação tonal é dar a você a oportunidade de reter mais informações na imagem ao longo do processo de edição, que lhe dará mais flexibilidade e controle sobre sua edição ao usar outras ferramentas posteriormente. Portanto, não se preocupe se ele lhe der temporariamente uma fotografia, um visual liso. Neste ponto, é bom resistir à tentação de aumentar drasticamente o contraste usando a ferramenta de contraste pois ela muda o contraste globalmente e limitará suas opções durante a edição e o até que ponto você pode desenvolver sua imagem usando as outras ferramentas posteriormente. Se for necessário, você pode fazer pequenos ajustes na configuração de contraste. Mas é melhor salvá-lo para ajustar seu visual mais tarde. Por outro lado, nesta fase, você pode brincar com a ferramenta Dehaze para aumentar suavemente o contraste local. Traga mais detalhes em sua fotografia. D Hayes é uma ótima ferramenta para usar quando você precisa trazer mais vida e caráter às suas edições. E pode ser usado moderadamente no início do processo para aumentar o contraste local em sua imagem. Ou ajustado mais tarde. Especialmente se você não conseguir obter os níveis de contraste que deseja em determinadas áreas da sua imagem usando uma combinação de outras ferramentas. As ferramentas no painel Básico são bastante diretas e permitem que você estabeleça rapidamente um nível básico de detalhes em sua imagem. Comece sempre brincando com os controles deslizantes de tom para ver quanta informação não é sua imagem. E, em seguida, ajuste-os dependendo da aparência e do nível de detalhes que você deseja criar. Recuperar os destaques ajuda você a aumentar o alcance dinâmico de suas fotografias e faz com que elas pareçam mais cinematográficas e cinematográficas. Ele também pode ajudar você a destacar a textura em suas imagens áreas mais claras, potencialmente dando à sua imagem uma aparência hiper-realista. No entanto, você também deve ter em mente que ele pode achatar inadvertidamente tons de pele mais claros e revelar quaisquer imperfeições na pele. O mesmo que com os destaques de recuperação. Recuperar sombras pode ajudar a dar uma aparência de fotos de filme. Mas cuidado com as imperfeições visíveis em tons de pele mais escuros e aumento do ruído nas áreas escuras da sua fotografia. Como os ajustes tonais também podem ser aplicados a qualquer área mascarada em sua fotografia. Ao trabalhar com os controles deslizantes de tom e ajustar toda a imagem, concentre-se em obter a aparência certa para a maioria da fotografia. Em seguida, use máscaras com ajustes diferentes para obter os tons e o nível de detalhes diretamente em qualquer área problemática. E vamos dar uma olhada nas mesquitas no final da aula. Embora as ferramentas e o painel básico sejam ótimos para recuperação tonal e trabalho com a exposição geral e o nível de detalhes. Eles não são realmente projetados para desenvolver a aparência tonal de sua fotografia ou trabalhar com contraste de maneira avançada. Existem outras ferramentas, ou seja, curvas, que são projetadas especialmente para essa tarefa. Então, na próxima lição, veremos os diferentes tipos de curvas e seu uso como blocos de construção em edições avançadas de imagens. 5. Como melhorar a profundidade e o contraste tonais: Depois de recuperar os detalhes e as diferentes regiões tonais em sua fotografia. O próximo passo é desenvolver a aparência tonal e trabalhar com a curva de tom para ajustar o contraste e os níveis em tons diferentes, que determinará a intensidade e a profundidade das cores que você pode obter em sua imagem. Curvas. Então, uma das ferramentas de edição mais poderosas, mas também as mais complicadas. E eles têm vários usos diferentes. Por conta própria. Eles podem ser usados para criar alguns looks emocionantes. Mas quando usadas em combinação de outras ferramentas disponíveis no Adobe Lightroom, elas podem ser usadas para aprimorar sua fotografia e criar edições diferentes. Ignorar curvas e tentar substituí-las outras ferramentas pode dificultar a aparência que você procura. E também limita suas opções de edição. E o que você pode fazer usando outras ferramentas como HSL, gradação de cores e calibração. Se você tem evitado curvas, espero que esta lição as torne um pouco menos intimidantes e mais compreensíveis e permita que você desbloqueie todo o potencial deles ao editar ou fotografar . Embora existam algumas ferramentas para ajustar o contraste em sua fotografia, incluindo contraste, clareza e neblina, que são ótimas para ajustar suas edições. Somente a ferramenta Curva de tom permitirá que você trabalhe com contraste tonal de imagens de forma avançada e faça ajustes personalizados na faixa de tons e níveis de cor em diferentes regiões da sua fotografia. No painel Curva de tom, existem alguns tipos diferentes de curva disponíveis. E cada um deles pode ser usado para propósitos ligeiramente diferentes. E em combinação entre si. E construindo sobre a correção de exposição e recuperação tonal feita usando o painel básico. Curvas permitirão que você aprimore sua fotografia e configure você para um desenvolvimento adicional eficaz e flexível usando outras ferramentas. A curva paramétrica permite ajustar os níveis de diferentes regiões em suas fotografias, incluindo os destaques, luzes, escuros e sombras. Você pode usá-lo para aumentar o contraste em sua fotografia e levantar ou baixar certos tons. Mas não é o mesmo que a recuperação, o que pode ser feito com os controles deslizantes de tom. Usando os controles deslizantes sob o histograma, você pode controlar o intervalo tonal em cada região, que permite editar o contraste e a exposição de uma maneira mais sofisticada. Fazendo isso TO ideia de edições e ajustes rápidos. Como você está trabalhando com controles deslizantes, essa curva é muito rápida e fácil de usar. No entanto, ele tem várias limitações. Trabalhar com controles deslizantes significa que você não pode adicionar manualmente nenhum ponto à curva. E você não pode mover o ponto branco ou preto para criar realces ou sombras desbotadas. E é aí que a curva de pontos entra em jogo. A curva de pontos está disponível em todos os aplicativos de edição de imagens da Adobe e é uma ferramenta flexível que permite adicionar pontos personalizados à curva e manipular a curva de maneira mais avançada para escurecer ou clarear tons selecionados em sua fotografia. Você pode aumentar ainda mais o contraste e fotografar criando algum tipo de curva S. Ou você pode aproximar certos tons, tendo valores de saída mais próximos para pontos adjacentes na curva. que torna graficamente o segmento da curva um pouco mais horizontal. Ou você pode aumentar o contraste entre as regiões tonais adjacentes, tendo um posicionamento mais vertical entre os pontos. Uma das curvas de pontos mais úteis é sua capacidade de deslocar os pontos preto e branco, que permite criar sombras e destaques desbotados movendo esses pontos ao longo do eixo vertical. Se você quiser adicionar uma aparência desbotada à sua fotografia, você simplesmente não pode evitar o uso de curvas. Por outro lado, se sua imagem sombras mais escuras ou realces mais brilhantes, como você poderá ver no histograma e no painel de curvas, bem como no histograma principal acima. Você pode mover os pontos preto e branco para dentro ao longo do eixo horizontal até o ponto em que as informações realmente começam. Ao fazer isso, você notará mudanças no histograma aqui. E você poderá ver as informações tonais que você tem agora em sua fotografia. Enquanto trabalha com as curvas, bem como com outras ferramentas que afetam o contraste. É importante ficar de olho em qualquer recorte, o que pode não ser aparente a olho nu. recorte resultará em um tom achatado e perda de informações região tonal específica na fotografia. Portanto, é sempre uma boa ideia usar esses dois botões aqui para verificar se há algum recorte nos destaques ou sombras. E observe o histograma para todas as partes que atingem o topo. Portanto, mesmo que você não possa ver nenhum problema na fotografia, use o histograma como referência e ajuste a curva de acordo até que não haja recorte. Usar a curva de pontos é ótimo para trabalhar com os níveis de tons diferentes em sua fotografia. Criando um visual desbotado ou trazendo sombras mais escuras ou destaques mais claros. E muitas vezes, os ajustes feitos usando a curva de pontos e a curva paramétrica o suficiente para criar a aparência tonal desejada e o nível de contraste. Por exemplo, como nesta fotografia. Mas e se o desvanecimento parecer ótimo, mas você não tem profundidade de cor e contraste na imagem em geral, nos tons que você está desaparecendo. E os ajustes de contraste feitos usando as curvas paramétricas e pontuais não são suficientes para criar a aparência tonal desejada. Nesse caso, você também pode jogar as curvas do canal de cores na mistura. curvas de canal de cores incluem três curvas separadas para os canais vermelho, verde e azul. Que quando usado em combinação entre si, permite ajustar o contraste tonal e modificar a intensidade dos componentes de cor de suas fotografias. Para ajustar o contraste tonal usando curvas de canal, você precisará criar uma curva S, por exemplo, assim. E, em seguida, replique-o exatamente para cada um dos canais de cores. Para tornar as coisas precisas, você pode inserir manualmente os mesmos números para cada um dos pontos em cada uma dessas três curvas. Dessa forma, a curva afetará apenas o contraste e não mudará nenhum matiz em nenhuma região da sua fotografia. Por outro lado, ter curvas diferentes para os canais gratuitos permite ajustar os matizes e selecionar regiões de sua fotografia, que pode ser útil se a representação de cores em certas partes da sua fotografia não é do seu agrado. Ou para criar um efeito de tonificação dividida deslocando preto, branco e outros pontos necessários no canal desejado. Nas novas versões do Lightroom Classic, há essa coloração prática mostrada em cada curva com a cor dos canais acima da diagonal e sua cor complementar abaixo da diagonal. O que torna mais fácil entender qual cor você está adicionando a determinadas áreas tonais em sua imagem. Enquanto o uso das curvas do canal lhe dá maior controle sobre os matizes em toda a fotografia. Dependendo de onde você coloca seus pontos nas curvas, ajustar os tons da imagem dessa forma leva algum tempo e ajustando as curvas para obter a aparência imediatamente usando a gradação de cores e painéis de calibração são uma maneira mais rápida e fácil desenvolver a aparência desejada das cores ao longo de suas fotografias. E veremos essas ferramentas um pouco mais tarde. Não vou entrar em todas as nuances de mistura de cores do uso de curvas de canal de cores para ajustar os tons ou criar um efeito de tonificação dividida. Mas, por todos os meios, sinta-se à vontade para brincar com diferentes combinações de curvas de canal para ver como isso afeta sua fotografia em particular. Ao trabalhar com curvas de canal de cores individuais, é uma boa ideia ficar de olho no histograma principal para garantir que nenhuma cor esteja atingindo o topo e ficando explodida, que criará um efeito de recorte neste canal de cores específico. Enquanto aumenta o contraste tonal em sua imagem. Alterações feitas nas curvas do canal, intensifica as cores e aumenta a saturação em sua imagem. O que pode fazer as coisas parecerem um pouco acima enquanto você está trabalhando. No entanto, sua imagem sendo supersaturada nesta fase é realmente uma coisa boa porque é mais fácil trabalhar com imagens saturadas. E então D satura as cores necessárias depois usando outras ferramentas, em vez de tentar injetar cor em uma imagem dessaturada. Se você estiver trabalhando com as curvas do canal, sua imagem começa a parecer muito brilhante e vibrante. Não se preocupe com isso. E basta olhar para ele do ponto de vista do contraste tonal. Porque trabalhar com curvas, e especialmente se você estiver usando curvas de canal de cores, é bastante complicado para acelerar seu fluxo de trabalho e tornar mais rápido aplicar suas curvas, duas imagens diferentes. Talvez você queira salvar suas curvas como predefinições. Você pode salvar todos os ajustes de curvas juntos salvando predefinição de desenvolvimento irregular com apenas a configuração da curva de tom marcada aqui. Ou se você quiser salvar separadamente a curva de ponto e a configuração das curvas do canal sem a curva paramétrica, você pode ir para o menu suspenso curva de pontos no painel Curva de tom. E salve a predefinição de ajuste de curva separada, que será acessível nesta lista. Como é muito mais rápido ajustar a curva paramétrica e a curva de pontos. Você também pode considerar salvar predefinições das curvas, ajustes que têm apenas algumas alterações nas curvas do canal e mantêm as curvas pontuais e paramétricas inalteradas para que possam ser editadas posteriormente como obrigatório. curvas são a base da edição da imagem. Portanto, lembre-se de que todos esses diferentes tipos de curvas existem e use-os para o que eles foram projetados. Ao ajustar o contraste na criação de uma aparência de túnel, recomendo começar com a curva paramétrica. Então, vendo até onde você pode empurrar sua imagem com a curva de pontos. Em seguida, se necessário, vá para as curvas do canal de cores para fazer ajustes de design no contraste ou aos tons da sua fotografia. E depois disso, volte para a curva de pontos, trabalhe ainda mais nos níveis de tons diferentes. Mas dito isso, ao editar suas fotografias, você não precisa necessariamente usar todos os diferentes tipos de curvas. Depende realmente do que você está trabalhando e do efeito que você deseja criar. Construindo sobre o contraste, profundidade e saturação de cores obtidas usando as curvas e ajustes básicos. Em seguida, vamos dar uma olhada nos primeiros passos desenvolver uma aparência de cores usando a calibração. 6. Fazendo ajustes iniciais de cores: Para desenvolver a aparência de cores de suas fotografias, você tem várias ferramentas à sua disposição, que incluem HSL ou mix de cores, gradação de cores e calibração, bem como as curvas. Embora você possa criar alguns looks interessantes usando apenas uma ou duas dessas ferramentas ao mesmo tempo. Usar todos eles de forma combinada lhe dará muito mais flexibilidade ao desenvolver edições. E permita que você ajuste os tons e seu brilho e saturação para criar looks maravilhosamente desenvolvidos e emocionantes. Por exemplo, nesta fotografia, o contraste e a profundidade das cores vêm da curva de tons. O aumento da saturação dos ajustes de calibração. Pequenas alterações na tonificação foram feitas no painel Gradação de cores. E muito trabalho foi feito através do painel HSL para criar um visual profundo e dramático. Todas essas ferramentas servem propósitos ligeiramente diferentes e ao fluxo de trabalho e para propósitos ligeiramente diferentes e ao fluxo de trabalho e permitem um controle mais preciso sobre os diferentes aspectos da coloração. Na próxima lição, compartilharei com vocês minhas dicas para usar a gradação de cores e os painéis HSL. Mas vamos começar com uma olhada na calibração e explorar seu uso na edição de fotografias. Ao contrário de todas as outras ferramentas que abordei nesta classe, painel de calibração está disponível somente no Adobe Lightroom Classic e no Adobe Camera Raw, e atualmente não está disponível no desktop e no celular versões do Adobe Lightroom. calibração permite ajustar rapidamente o equilíbrio de cores mudando a tonalidade das cores primárias e ajustando as tonalidades das sombras. E controle de forma inteligente a imagem de saturação alterando a saturação de componentes de cores separados. Você pode usar a calibração a qualquer momento durante o processo. E você provavelmente precisará revisá-lo algumas vezes para ajustar as cores. Normalmente, é uma boa ideia ajustar a calibração depois de trabalhar com as curvas para aumentar ainda mais a saturação de certos componentes de cor. E para ajustar os tons da sua fotografia para entrar no caminho certo para criar a edição desejada. As cores primárias produzidas pelas câmeras digitais geralmente parecem um pouco duras. E usar a calibração para ajustar os tons das cores primárias é uma ótima maneira de compensar como sua câmera captura e interpreta cores diferentes. calibração de matiz pode ser usada para criar cores mais naturais ou ousadas, imitar a aparência dos estoques de filmes clássicos. Ou para reduzir o alcance de matizes em sua fotografia, permitindo que você crie vários looks diferentes. Quando você começa a trabalhar com o controle deslizante de matiz está no painel de calibração. É importante lembrar que elas afetam não apenas cores específicas, como é o caso dos controles deslizantes no painel HSL. Mas a presença de cada componente de cor em todas as cores em toda a imagem. Por exemplo, alterar a tonalidade dos vermelhos também terá um efeito em todas as outras cores. E removeremos todos os vermelhos de pares da imagem e criaremos uma combinação de cores mais sutil e harmoniosa. O mesmo acontece com as outras duas primárias. E alterá-los em diferentes combinações permite ajustar facilmente todos os tons da imagem e tornar as cores mais interessantes, agradáveis ou dramáticas. Por exemplo, enquanto olha para a vegetação nesta fotografia, se eu começar a mudar o primário azul para o acervo, você pode ver que todos os tons verdes ficam mais amarelos porque estou removendo os componentes azuis da cena. E para compensar isso, posso mudar os verdes para ciano para reduzir a presença de amarelo nos grãos. Juntas, essas mudanças me permitem criar uma representação diferente e mais interessante dos verdes na fotografia. A abordagem mais comum ao usar calibração é mover o primário vermelho para laranja, Mover verde em direção a ciano. Azul em direção ao aqua. que, mesmo com os menores ajustes, faz com que vermelhos, azuis e verdes pareçam mais macios e mais orgânicos. Então, se os matizes da sua imagem não parecerem bem para o visual que você deseja criar. Você pode começar movendo suavemente os controles deslizantes nessas direções para criar um visual mais natural ou agradável. Ou você pode ser um pouco mais experimental. E mover o slide está mais longe de 0 para mudar drasticamente a aparência da sua fotografia, o que pode ser útil se você quiser criar uma aparência mais gráfica. Essa abordagem é praticamente infalível porque resulta na criação de um conjunto de cores azuis e laranja complementares. Então você não pode realmente dar errado. No entanto, se você quiser experimentar ajustes alternativos de matiz e aparência diferente, tente empurrar o controle deslizante de matiz ao máximo em qualquer direção e em combinações diferentes para ver como essas alterações afetam as cores da imagem. Quando você tiver estabelecido o que funciona para você, comece a reduzir a mudança de matiz para criar o intervalo de visualizações desejado. Você realmente não precisa ir tudo aqui porque mesmo pequenos turnos afetarão visivelmente sua imagem. Lembre-se de que seus ajustes de calibração de matiz podem ser apenas um ponto de partida para suas edições de cores. E você não precisa fazer todo o trabalho aqui porque você pode trabalhar com matizes individuais depois de usar o painel HSL para encontrar melodias, você olha. Se você quiser, você também pode baixar esse gráfico de roda de cores dos recursos da classe para brincar com as diferentes combinações de cores e ver o efeito das alterações de matiz e, em seguida, aplique as mesmas configurações à sua própria fotografia. Então, aqui, a calibração é sobre mistura de cores e aqui redução, o que permite criar paletas de cores mais harmoniosas, consideradas emocionantes em suas fotografias. Você também pode experimentar o controle deslizante de tonalidade de sombra para alterar ainda mais a representação de cores. Para avançar rapidamente para criar determinados looks de filme adicionando mais magentas ou verdes à sua imagem. Mas lembre-se de que você pode ajustar ainda mais a tonalidade de sombra uma maneira mais avançada usando o painel Gradação de cores, que veremos na próxima lição. Geralmente, tonalidade de sombra na calibração, gradação de cores e configurações de temperatura e tonalidade no painel Básico são melhor usadas em combinação entre si para ajustar a aparência geral das cores em a fotografia antes de finalizar a aparência no painel HSL. Além de ajustar a reprodução de cores, calibração é uma ferramenta inestimável para melhorar ou reduzir a saturação de componentes de cores em sua fotografia. que, por um lado, permite aprimorar fotografias tiradas em condições de iluminação ruim e artificial, adicionando cor e aumentando sua vibração e caráter. E, por outro lado, pode ser usado para ajudar a tornar as cores mais naturais e para afinar a aparência dos tons de pele. Ajustar a saturação no painel de calibração é mais avançado e afeta a imagem de maneira diferente em comparação com os controles deslizantes de vibração ou saturação no painel Básico. Porque você está trabalhando com a saturação de componentes de cores separados, o que também é completamente diferente de ajustar a saturação de matizes individuais. Usando o painel HSL. aumento da saturação dos componentes de cores primárias usando calibração afeta toda a gama de dicas na imagem. E a força de seu efeito depende muito da quantidade dessa cor primária presente na fotografia. Aumentar a saturação dessa maneira permite aumentar suavemente a saturação geral em toda a imagem e evitar problemas com franjas de cores, o que pode ocorrer quando você tenta drasticamente a saturação de matizes específicos usando os ajustes HSL. Nesta fotografia. Se eu aumentar a saturação dos vermelhos e azuis, toda a cena se torna mais vibrante e todos os verdes estouram. Mas para compensar isso e evitar criar um visual excessivamente ácido, vou diminuir a saturação do primário verde. Depois de trabalhar com a saturação, vou ajustar rapidamente as mudanças de matiz ainda mais para que as cores pareçam corretas para a edição que tenho em mente. Nesse caso, a mudança não é dramática, mas me ajuda a trazer calor e aumentar saturação para o cervo esconder e intensificar os verdes. Depois de ajustar a curva de tom. Estou trabalhando com calibração, sua imagem pode começar a parecer muito vibrante e excessivamente saturada. Mas, novamente, isso é uma coisa boa porque você pode reduzir a saturação de matizes individuais usando o painel HSL mais tarde, quando ajustar o log e aumentar a saturação nesta fase permitirá você criar um visual profundo e vibrante se é isso que você está procurando. modo geral, se você quiser ter uma fotografia com cores ricas e profundas, é melhor usar calibração e curvas para intensificar as cores primeiro. E, em seguida, use o HSL para diminuir a saturação de Hughes separados e ajustar a aparência. E chegaremos a isso mais tarde na aula. Além de usar a calibração ao fazer ajustes iniciais e trabalhar com ela durante todo o processo. Também pode ser útil ao finalizar a aparência da sua edição. Por exemplo, a calibração pode ser usada para ajustar os tons de pele. Depois de desenvolver a aparência usando o painel HSL e a gradação de cores. Ajustando a saturação e tonalidade dos componentes de cor vermelha. Ou uma combinação de componentes de cores. Você pode fazer com que os tons de pele pareçam mais naturais. E trabalhar em conjunto com os painéis de calibração e HSL permite que você ajuste a aparência dos tons de pele junto com todas as outras cores em suas fotografias. Então, brinque com a calibração durante todo o processo para ajustar os matizes e criar looks mais harmonizados ou gráficos. E para aumentar ou diminuir a saturação de componentes de cores individuais para afetar a saturação global da imagem. calibração é uma daquelas ferramentas que podem ajudá-lo a alterar ou ajustar drasticamente a aparência da sua fotografia. Portanto, ao desenvolver suas edições, tenha em mente as alterações que você fez usando o painel de calibração para entender melhor o que está acontecendo na cor da imagem e volte a ela enquanto trabalha com os painéis de classificação de cores e HSL. Como mencionado anteriormente, você aproveitará ao máximo essas ferramentas ao usá-las juntas. Em seguida, analisaremos as ferramentas disponíveis no Painel de avaliação de cores e como elas podem ser usadas para ajustar ainda mais as cores em suas fotografias. 7. Como entender as ferramentas de classificação de cores: Depois de trabalhar com calibração, mas antes de fazer quaisquer ajustes importantes com o painel HSL, é uma boa ideia fazer alguma gradação inicial de cores e tonificação dividida. A gradação de cores ajudará você a equilibrar e harmonizar a aparência de cores diferentes dentro dos conjuntos. intervalos tonais animam todos os tons que não têm cor ou saturação, matiz, aquecem ou resfriam toda a imagem sem alterar o balanço de branco. E siga no caminho certo para o clima que você deseja definir. gradação de cores e a tonificação dividida podem ser feitas usando o painel Color Grading e as curvas do canal de cores, que às vezes você pode precisar usar em conjunto para obter uma aparência específica. Mas nesta classe, vamos nos concentrar em como você pode tirar o máximo proveito das ferramentas disponíveis no painel Gradação de cores. O painel Color Grading é um desenvolvimento do Adobe Lightroom, ferramenta de tonalização dividida mais antiga. E permite que você tonifique separadamente suas imagens, destaques, sombras e tons médios, bem como matize a fotografia em geral usando as configurações globais. No painel Color Grading, você pode controlar e editar a tonalidade, saturação e a luminância de cada uma das regiões tonais livres. A tonalidade e a saturação de cada tom são bastante simples. E eles controlam a intensidade e a tonalidade da cor que você está adicionando a um intervalo tonal selecionado. Por outro lado, a Luminância controla o brilho da região tonal real e não o brilho da cor que você está adicionando. Portanto, ele pode ser usado para refinar ainda mais os níveis em tons diferentes. Contraste entre eles e pode ser ajustado mesmo se você não aplicar uma fila específica à região tonal, você está trabalhando. Para ajustar a forma como a tonificação é aplicada e como ela afeta diferentes faixas tonais. Você pode usar os controles deslizantes de mesclagem e equilíbrio. Aqui. O controle deslizante Blending permite ajustar como os tons e os destaques, tons médios e sombras se misturam. Por padrão, o controle deslizante Blending é definido como 50%. Então você já está recebendo alguma mistura, mas não o valor total. Quanto menor o valor de mesclagem, mais aparente. Portanto, a diferença entre os matizes aplicados às suas imagens, diferentes regiões tonais serão. Com valores mais altos. Os Hughes serão misturados mais e terão um efeito mais forte em todas as regiões tonais. O controle deslizante equilibrado permite que você altere quais áreas tonais são afetadas pelas sombras, tons médios e tonificação dos destaques. Quando o saldo é definido como 0, todos os tons são afetados por seus respectivos Hughes. Mover o controle deslizante para a esquerda mudará o equilíbrio em direção à sombra aqui. E isso se tornará mais dominante em toda a imagem. E movê-lo para a direita tornará os destaques mais dominantes. Em vez disso. Não há regras rígidas e rápidas sobre o uso de mistura e equilíbrio. Mas geralmente é bom começar com sua configuração padrão e , em seguida, ajustá-las conforme necessário para obter a tonalidade exatamente em todas as regiões tonais da fotografia. Virar os destaques e sombras e dar-lhes Hughes de lados opostos do espectro de cores é uma abordagem tradicional para a tonificação dividida. Mas virar tons médios pode permitir que você desenvolva ainda mais a aparência de cores diferentes e imite certos looks de filmes fotográficos. Mas tenha em mente que quer que o efeito do destaque e da tonificação das sombras possa ser muito sutil. Tonificar tons médios pode criar um efeito muito mais forte porque os tons médios são geralmente a maior região tonal em fotografias digitais com uma exposição bem equilibrada. Às vezes, é uma boa ideia deixar tons médios neutros ou dizer-lhes com uma cor criada entre os destaques e a sombra Hughes, e controlada usando as configurações de mesclagem e equilíbrio. A intensidade da tonificação é controlada pela saturação da cor. E na maioria dos casos, para ter tonificação leve, o valor da saturação deve ser definido bastante baixo. Se ficar muito complicado para ajustar a saturação arrastando o ponto na roda de cores. Ou se você quiser trabalhar com mais precisão ao ajustar os matizes e a saturação de regiões tonais selecionadas. Você pode alternar para os controles separados da região selecionada e trabalhar com esses controles deslizantes. Além da diferença de interface, esses controles gratuitos ou para os mesmos ajustes que na exibição principal. Tonificação global. Uma nova ferramenta super útil que permite criar mais looks de tonificação gráfica sem sair Lightroom e refinar a aparência das cores e equilibrá-las adicionando a mesma tonalidade a todas elas. É um controle separado do outro livre e pode ser usado para matizar toda a imagem para criar um visual específico. Para chamar a fotografia para baixo ou aquecê-la de uma maneira diferente. E sem brincar com o balanço de brancos. Novamente, o controle de saturação aqui controla a intensidade do efeito dessa sobreposição de cores na imagem. E o controle deslizante de luminância afeta a imagem real e permite aumentar ou diminuir suavemente o brilho geral. Agora que analisamos os aspectos técnicos do uso do painel Nova classificação de cores. Vamos dar uma olhada em como você pode usar o painel Gradação de cores em seu fluxo de trabalho de edição para desenvolver e harmonizar ainda mais as cores em suas fotografias. E use tonificação dividida para ajudar a criar o clima desejado. 8. Harmonizando cores: Antes de começar a gradação de cores, você precisa analisar sua fotografia para ver o que falta Hughes, quais tons você pode misturar para harmonizar as cores e criar uma aparência desejável. Normalmente, você usaria cores opostas ao elenco original presente nas áreas tonais das imagens. Por exemplo, se você tiver um custo desagradavelmente frio nas sombras, precisará compensá-lo adicionando sombra quente, tonificação dividida. É sempre uma boa ideia experimentar o emparelhamento diferentes combinações de matizes de lados opostos da roda de cores. Ou para combinar sombras quentes com destaques frios ou vice-versa. E, em seguida, escolha visualmente uma combinação que funcione melhor para a aparência das cores que você deseja ter em sua imagem específica. E o clima que você quer definir. Além dos aspectos técnicos da mistura de cores, você precisa ter em mente a psicologia das cores e como diferentes matizes podem ajudar a comunicar certas narrativas e evocar sentimentos. Por exemplo, a classificação de cores visualmente quente evocará sentimentos de felicidade, calor, nostalgia ou romance. Embora chamado de expiação, pode ser usado para transmitir medo ou tristeza. Mas é tudo sobre encontrar o equilíbrio entre virar as sombras e os destaques e sua respectiva intensidade. Por exemplo, aplicar sutil azul ou verde virando para as áreas sombreadas de uma fotografia que apresenta muita água ou plantas, pode ajudar a aprofundar essas cores e desequilibrar com a forma como os destaques são tonificado não fará com que a cena pareça triste ou assustadora. A classificação de cores é uma arte sutil, mas super poderosa. E você precisará experimentar a aplicação diferentes combinações de matizes em tons diferentes até que as cores comecem a parecer bem. Por exemplo, nesta fotografia, há um elenco ligeiramente azulado nas sombras e tons médios, o que faz com que a imagem pareça um pouco fria. Mesmo com todas essas cores vibrantes. A sombra aqui é fundamental para mudar a sensação de temperatura em sua imagem e ajuda a harmonizar as cores e os tons mais escuros. E eu recomendo começar com as sombras, tonificar, brincar com diferentes matizes e ajustar a saturação para obter a cor nas sombras ao seu gosto. Quero dar à minha imagem um resumo mais quente. Então, vou dar as regiões de sombra e a tonalidade laranja, que remove a cor azul, tornam a imagem mais agradável. Como um bônus traz as cores no esconderijo de veado. Quando as regiões mais escuras começam a ficar melhores, sugiro avançar para os destaques. Nesta fotografia. Os destaques são bastante quentes, criam uma espécie de visão lavada. Os detalhes aqui não têm contraste. Pode tornar os destaques mais frios, que misturará um pouco de azul nos verdes amarelados brilhantes e ajudou a diferenciar entre os tons verde e amarelo. E geralmente os tornam um pouco mais emocionantes. Porque as mudanças na tonalidade dos destaques podem ajudar a significar diferentes momentos do dia com luz azulada mais clara pela manhã e ao meio-dia e luz dourada mais quente em direção à noite e ao anoitecer. Essa classificação de cores cria a impressão de um sol de manhã ou meio-dia. Depois de obter os tons nas sombras e nos destaques, se necessário, você pode ajustar a luminância desses tons. Fazer alterações na luminância de tons separados no painel HSL é super fácil. E é ótimo para ajuste fino, aparência e profundidade dos tons em sua imagem sem voltar às curvas. Portanto, definitivamente vale a pena brincar para que sua imagem pareça correta. Por exemplo, para aumentar ligeiramente o contraste tonal nesta fotografia, vou reduzir a luminância das sombras para torná-las mais profundas e aumentar a luminância dos destaques. O próximo passo é ajustar a distribuição de matiz usando os controles deslizantes de mesclagem e equilíbrio. Nesta fotografia, continuarei a mesclagem definida como 50 por enquanto. Muda o equilíbrio um pouco para as sombras. Provavelmente, precisará ajustá-los depois de usar o painel HSL. Depois de tonificar as sombras e os destaques, dê uma olhada nos tons médios e, se necessário, gire-os também para refinar seu visual. Nesta fotografia, estou muito feliz com os tons médios. Que vem da mistura entre as sombras e os destaques. Então, não vou mudar a tonalidade. Vou brincar com a iluminação para ver como ela afeta a imagem. E talvez levante os tons médios para iluminá-los. Porque nesta fase, você provavelmente trabalhará com uma imagem brilhante ou excessivamente saturada. Pode potencialmente tornar todos esses ajustes um pouco complicados e um pouco contra-intuitivos. Mas fazer algumas gradações de cores iniciais antes desenvolver a aparência com o painel HSL, na verdade, facilitará a criação da aparência que você procura ao trabalhar com o painel HSL mais tarde porque as cores serão mais equilibradas e harmoniosas. Então, para começar, certifique-se de que você está adicionando os tons certos para o visual que você procura. Em seguida, revisite o Painel de avaliação de cores para ajustar as configurações, se necessário, enquanto desenvolve a aparência usando o painel HSL. Embora a gradação de cores inicial feita antes de desenvolver um visual usando o painel HSL facilitará a criação uma aparência mais harmoniosa de cores em sua fotografia. É sempre uma boa ideia voltar ao Painel de classificação de cores durante todo o processo. E depois de trabalhar com os ajustes HSL para refinar ainda mais a tonificação. Por exemplo, as cores desta fotografia geralmente ficam boas após alguns ajustes com o painel HSL terem sido feitos. Mas posso ajustar ainda mais as sombras aqui e mudá-las um pouco mais para o azul, que ajuda a refinar a tonalidade da vegetação. Agora, a imagem parece um pouco mais fria em geral. Então, para aquecê-lo um pouco, vamos aos ajustes globais e adicionar um pouco de calor com uma tonalidade laranja. Ao ajustar a imagem usando as ferramentas de gradação de cores, você precisa ser muito sutil. Vale a pena passar algum tempo acertando porque pode realmente ajudar a unir todas as cores. Mesmo que seja muito sutil. A gradação de cores ajudará você a comunicar narrativas específicas para suas fotografias. Do ponto de vista técnico. classificação de cores e a mistura da mesma tonalidade em cores diferentes nas mesmas regiões tonais ajudarão você a harmonizar todas as cores e tornar a imagem mais natural. Portanto, faça os ajustes iniciais de gradação de cores antes de continuar trabalhando com o painel HSL e volte a ele para ajustar e ajustar a aparência ao longo do processo. E use-o em combinação com o HSL e os ajustes de calibração para que as cores pareçam corretas. Em seguida, vamos para o painel HSL e explorar como você pode usá-lo para desenvolver ainda mais a aparência das cores em sua fotografia. 9. Finalizando seu olhar de cor: Se você deseja alterar consideravelmente a aparência de cores diferentes em sua fotografia e criar visuais gráficos fortes. Ou simplesmente afinar a aparência de diferentes matizes, a imagem e ter mais considerado uma coloração harmoniosa. Ajustar Hughes a saturação e a luminância separadamente umas das outras usando o painel HSL permite que você desenvolva ainda mais a aparência das diferentes cores da sua fotografia e tire-as na direção que você quer. Ser capaz de ajustar a saturação de diferentes matizes independentemente um do outro permite equilibrar as cores, desenvolver looks gráficos emocionantes tornando alguns tons mais proeminentes do que outros. E simplifique o mesmo ou remova distrações indesejadas causadas por cores excessivamente dominantes. Se você seguiu as dicas anteriores quando chegar a este estágio desenvolvendo suas fotografias usando o painel HSL, você estará lidando com imagens bastante saturadas e brilhantes. Então, antes de começar a brincar com a mudança de qualquer Hughes, é uma boa ideia ajustar a saturação de diferentes matizes para fazê-los parecer mais naturais e trabalhar com a edição geral você quer criar. ajustes iniciais de saturação são apenas o primeiro passo. E você provavelmente precisará ajustá-los ainda mais em conjunto com os matizes e particularmente, a luminância durante todo o processo. Então, para começar, basta ajustar os níveis de saturação de todos os matizes ao seu gosto para compensar o aumento da saturação criada com outras ferramentas e seguir no caminho certo para o editar que você deseja criar. Geralmente, e particularmente ao desenvolver mais looks gráficos, é uma boa ideia ter um nível variável de saturação para diferentes matizes e tornar alguns tons mais vibrantes e proeminentes. Com base no assunto. O que você quer ser o ponto focal na cena e o clima que você quer definir. Por exemplo, nesta fotografia, quero fazer com que as laranjas e o veado escondam os elementos mais saturados. E eu quero ter verdes menos saturados em segundo plano. Vou reduzir a saturação nos verdes e amarelos, o que imediatamente faz o veado se destacar. Também reduzirei a saturação do blues e do acervo. Para que essas áreas pareçam mais naturais. Então eu posso aumentar ainda mais a saturação das laranjas para fazer o veado se esconder mais vibrante. Ao trabalhar com os controles deslizantes de saturação, é uma boa ideia verificar cada cor para ver onde ela está presente na imagem, mesmo que não seja aparente à primeira vista. Por exemplo, é difícil ver vermelhos, magentas e roxos nesta fotografia. Mas isso não significa que essas visões não estejam presentes. Ao lidar com algo complicado como este. Basta arrastar o respeito ao controle deslizante para o máximo em ambos os sentidos e ver quais áreas são afetadas e basear seus ajustes nele. E muitos casos, roxos e magentas podem ser particularmente difíceis de detectar, mas provavelmente estarão presentes em alguns elementos menores estão de uma maneira muito sutil. Verificar sua presença dessa maneira também ajuda você a aprender onde eles estão e ajustá-los. Você não vai acabar com manchas aleatórias de cores. Especialmente se você quiser aplicar as mesmas configurações a uma fotografia diferente ou criar uma predefinição. Embora você altere a saturação diferentes matizes, é importante lembrar que a luminância é uma variável que afetará a presença de diferentes matizes na fotografia. E ele pode ser usado em conjunto com a saturação para ajustar a intensidade das cores ou para criar looks completamente diferentes, mesmo que todas as outras configurações sejam semelhantes ou iguais. Por exemplo, depois de reduzir a saturação, certos tons podem começar a parecer um pouco leves demais ou lavados. Então, para tornar a cor mais profunda e trazer de volta a presença de certos tons, como os verdes nesta fotografia. Vou reduzir a luminância deles, o que tornará esses tons mais pronunciados. E neste caso, também quero escurecer as laranjas para intensificar a coloração no esconderijo do dia. E então vou ajustar a luminância do resto dos tons para desenvolver ainda mais a aparência e ajustar o contraste entre cores diferentes na imagem. Trabalhar com a saturação e a luminância em conjunto permite ajustar a profundidade e intensidade de pistas específicas em sua fotografia, bem como recuperar alguns detalhes. E fotografia ao ar livre. Isso pode ser particularmente útil se você quiser ter céus emocionantes. Para fazer isso, você precisará recuperar o blues e acervo reduzindo sua luminância. E, em seguida, afine saturação deles para obter o visual que você procura. Usando a saturação junto com a luminância, permite reduzir o nível de detalhes na imagem, criando uma aparência mais gráfica. Isso pode ser usado de duas maneiras opostas. Dependendo do que você está trabalhando. Com imagens de alta chave e elementos de luz, você pode reduzir a saturação de certos matizes enquanto aumenta sua luminância. Então eles se tornam elementos mais neutros dentro da fotografia. Por exemplo, nesta edição, decidi criar um olhar reduzido dessaturando, iluminando os verdes, amarelos e azuis presentes nas plantas e no céu. Para que a atenção recaia sobre as laranjas e vermelhos na fotografia. Por outro lado, se você estiver editando uma imagem discreta, você pode combinar saturação reduzida com luminância reduzida de certos tons para criar um visual mais intenso e mal-humorado. Por exemplo, ter verduras escuras e dessaturadas permite criar cenas ricas, temperamentais e sofisticadas, onde a cor verde apenas define o clima e trabalha para suportar outras cores na fotografia. Em alguns casos, ao trabalhar com fotografias que têm uma exposição neutra, você poderá usar qualquer uma dessas abordagens que permitem criar looks muito diferentes. E é sempre bom brincar com essas configurações e ver o que funciona melhor. Especialmente se você não estiver totalmente definido no visual que deseja criar. Alterar a luminância de Hughes separados permite aumentar ou diminuir ainda mais aumentar ou diminuir o contraste tonal em sua fotografia. Ao trabalhar com a luminância dos Hughes adjacentes, é importante ficar de olho no que está acontecendo em sua fotografia e evitar mover os controles deslizantes para longe demais, pois isso pode causar alguns gráficos problemas e ruído. Isso ocorre porque uma área com uma cor percebida será feita com pixels dos tons adjacentes. Por exemplo, laranjas e amarelos, amarelos e verdes, e azuis e acervo. Eu costumo apresentar um ao lado do outro. Mesmo que você não possa vê-los em sua fotografia. Para evitar esses problemas, você pode usar este widget para ajustar a saturação e a luminância em áreas específicas visualmente e afetar vários matizes simultaneamente. E, em seguida, ajuste as configurações manualmente, se necessário. Além disso, ao trabalhar com luminância e saturação, você precisa tomar cuidado com a franja de cor, que pode ocorrer quando você puxa as configurações dos tons adjacentes na direção oposta e aumenta o contraste tonal e a diferença de saturação entre eles. Se você detectar algo assim, ajuste cuidadosamente os controles deslizantes para eliminar os problemas. Ao trabalhar com saturação e luminância, concentre-se em desenvolver a aparência geral das cores em sua imagem. E se sua fotografia apresentar as mesmas cores em diferentes áreas que você deseja parecer diferentes umas das outras. Por exemplo, as laranjas em uma cena, que também são proeminentes em tons de pele clara. Não se comprometa tentando fazer com que essas áreas pareçam corretas com o painel HSL. É melhor deixar alguns desses elementos para serem ajustados posteriormente usando máscaras. A maior parte do trabalho principal realizado no painel HSL é feito com a saturação e a luminância, pois podem mudar drasticamente toda a aparência de uma fotografia. Por outro lado, trabalhando com os tons, permite que você faça ajustes mais precisos em cores diferentes na imagem e crie uma aparência final de diferentes matizes. Explorar grandes turnos é um processo visual. E, novamente, você pode tentar puxar cada um dos slides para ver qual parte da imagem ela afeta. E, em seguida, traga-o de volta e encontre a configuração desejada. Se você quiser desenvolver looks mais fílmicos, cinematográficos ou cinematográficos. Lembre-se, esses looks geralmente têm mudanças de matiz muito específicas e sofisticadas. E você não verá muitas cores primárias brilhantes, pois elas vêm da câmera digital. Além de trabalhar com a saturação e luminância para todos os tons desenvolvam olhares mais harmoniosos, equilibrados e considerados. Você pode experimentar aproximar conjuntos de matizes adjacentes. Você pode agrupá-los de maneiras diferentes, dependendo do que você está trabalhando e do efeito que deseja alcançar. Por exemplo, você pode aproximar os vermelhos, laranjas e amarelos, tornando-os um pouco mais laranja. E também aproximando os verdes e azuis, tornando-os mais cianos. E neste caso, você também pode mudar os roxos e magentas na direção mais quente. Você também pode trabalhar em pares, por exemplo, vermelhos e laranjas, amarelos e verdes. E blues, roxos e magentas. Magentas e vermelhos, laranjas e amarelos. Verdes e aquíferos, e azuis e roxos. E experimente diferentes mudanças de matiz para criar a aparência e o conjunto de cores que você gosta. Ajustar os tons permite aumentar ou diminuir o contraste de cores em sua fotografia. Ao separar diferentes tons uns dos outros ou esmagá-los juntos, ajuda a criar pernas curvadas emocionantes. Você precisa ficar atento ao ruído, franjas de cores e evitar a criação de áreas sólidas com a mesma cor que provavelmente causarão recorte de cores e alguma perda de detalhes. Se algum desses problemas ocorrer, eles serão melhor corrigidos o mais rápido possível usando uma combinação dos controles deslizantes de matiz, luminância e saturação. Assim, você pode ter uma edição que pode ser aplicada a imagens diferentes sem precisar fazer muitos ajustes adicionais a elas depois. Lembre-se de que os ajustes de matiz feitos no painel HSL funcionarão em conjunto com quaisquer outros ajustes feitos usando calibração, gradação de cores e curvas de canal de cores. Portanto, talvez seja necessário revisitar esses painéis no processo, bem como para ajustar a aparência dos diferentes matizes da sua fotografia. Hsl é uma ferramenta muito poderosa que ajuda você a levar suas edições para o próximo nível e em várias direções diferentes. Colocado neste fluxo de trabalho, geralmente é a etapa principal final. Você provavelmente precisará ajustar a aparência saltando entre diferentes controles deslizantes HSL. E indo e voltando entre calibração HSL e painéis de gradação de cores para finalizar o registro. E, além desses painéis, você também pode precisar ir ao painel básico e reduzir ou aumentar globalmente a vibração, a saturação. Ou ajuste a configuração de contraste global. Ou ajuste o visual com o D Hayes ou configurações de clareza. O painel HSL é a forma ou a edição finalmente se reúne. Então use-o para desenvolver esquemas de cores emocionantes e harmoniosos reduzindo o número de tons diferentes. Edite cores complicadas, remova distrações indesejadas e chame a atenção para os elementos desejados em sua fotografia. Embora o HSL e outras ferramentas abordadas anteriormente sejam ótimas para desenvolver a aparência da imagem geral. Na maioria das vezes, você precisará fazer mais ajustes locais em diferentes áreas, cores ou tons da imagem para finalizar cada fotografia em particular. Ao desenvolver sua aparência geral, você precisará ignorar certos elementos são áreas em sua imagem que podem parecer realmente estranhas ou não correspondem à vibração geral. E, em seguida, endereça-os separadamente e ajuste-os usando máscaras. E é isso que estaremos vendo na próxima parte. 10. Fazendo ajustes locais: Criar ótimas edições de imagens é um processo intransigente. E ao editar suas fotografias, é importante que você não se contente com uma edição de imagem, o que é mais ou menos bom. E para que todos os elementos da sua fotografia pareçam corretos, você precisará fazer ajustes locais em áreas selecionadas usando máscaras. Você provavelmente precisará de máscaras para ajustar a exposição e os tons em determinadas áreas para destacar os detalhes. Um enquadre o assunto e remova as distrações para ajustar a tonalidade ou a saturação de elementos na mesma cor. E para ajustar a luminância específica ou a faixa de cores para que funcione melhor com o esquema de cores geral das imagens. Trabalhar com máscaras na versão mais recente do Adobe Lightroom Classic e Adobe Camera Raw agora está mais fácil do que nunca, graças a vários novos recursos de mascaramento automático, o que torna a seleção de elementos, cores e faixas tonais super rápidas e cria novas possibilidades, edição e ajuste fino de fotografias. Com todas essas máscaras poderosas à sua disposição. Você pode usá-los para selecionar e refinar áreas específicas em sua imagem. Então, nesta lição, compartilharei algumas dicas para usar diferentes tipos de máscaras para definir efetivamente uma seleção. E vários exemplos de ajustes que você pode fazer que terão um impacto poderoso em sua fotografia e ajudarão a reunir suas edições. Você só pode usar uma faixa limitada de ferramentas de ajuste dentro da máscara. Portanto, é importante que você aproveite ao máximo as outras ferramentas do adobe Lightroom primeiro ao editar a fotografia inteira. E, em seguida, use máscaras para ajustar áreas específicas, elementos ou cores ou intervalo de tons específicos dentro da sua imagem. boas máscaras de pincel antigas, combinadas com a opção Máscara automática para definir as bordas de suas máscaras, ainda são a melhor maneira de trabalhar quando você precisa selecionar uma área contínua específica. Por exemplo, nesta fotografia que D é cabeça e pescoço estão um pouco escuras demais em comparação com outros elementos. Vou escovar rapidamente uma máscara nessas áreas específicas. E, em seguida, geralmente aumenta a exposição e as luzes e os destaques nesta área para fazer com que o veado pareça mais uniformemente exposto. A nova máscara Selecionar assunto é ótima quando você precisa selecionar uma pessoa em sua fotografia. É uma ferramenta muito rápida de usar e permite que você faça ajustes em todos os assuntos. Por exemplo, você pode alterar a saturação. A exposição trará mais detalhes em apenas alguns cliques. Embora seja projetado principalmente para trabalhar com pessoas. Esse recurso também pode detectar outros objetos e assuntos em sua fotografia com diferentes graus de precisão. O recurso de assunto selecionado pode ser super útil em muitos casos. Mas dito isso, se você quiser apenas editar partes selecionadas do seu assunto ou assuntos, por exemplo, os tons de pele ou roupas. Você precisará refinar sua máscara usando o modo Subtrair. E, em seguida, a ferramenta Pincel para remover áreas da seleção. Por exemplo, assim. No entanto, se sua seleção automática incluir muitos elementos que você não deseja ajustar, às vezes é mais fácil e rápido desenhar uma seleção manualmente usando o pincel. Por exemplo, aqui, só quero ajustar os tons de pele para torná-los mais naturais. O rosto, as mãos e os braços mascarados. Posso reduzir a saturação nessas áreas. E para trazer um pouco mais de detalhes no rosto, vou aumentar o contraste, aumentar os destaques, recuperar um pouco as sombras e levantar os brancos. E para deixar o rosto um pouco mais leve, vou aumentar a exposição tão ligeiramente. Se você precisar enquadrar melhor o assunto dentro da composição das imagens, assim, faça qualquer área de distração. Você pode usar uma combinação de máscaras de gradiente plásticas, radiais e lineares. Por exemplo, nesta fotografia, o pássaro já foi iluminado usando uma máscara de pincel. Mas não basta mudar o foco para ele. Existem essas áreas que estão distraindo devido ao brilho em detalhes. Então, mudar a visão é focada em direção ao pássaro. Posso criar um novo gradiente radial. Nesta área, que eu quero formar o ponto focal. E depois inverta a máscara. Então, torna-se uma espécie de vinheta personalizada. Agora vou diminuir os destaques da exposição e brancos um pouco para tornar os detalhes ao redor das bordas menos pronunciados. Agora parece melhor. E eu gosto da iluminação deste lado. Então, para desenvolvê-lo ainda mais, vou adicionar um gradiente linear adicional aqui e reduzir ainda mais a exposição e tornar os destaques mais escuros nessa área. Essas mudanças muito simples e sutis na iluminação ao redor do quadro realmente ajudaram a compor o assunto da fotografia e a focar a atenção do espectador. Quando você precisar melhorar o céu em sua fotografia, você pode usar o novo recurso Select Sky, que economizará muito tempo mascarando manualmente elementos contra o céu ou ao longo do horizonte. No entanto, como é uma máscara de área, talvez seja necessário subtrair parte da seleção usando a máscara de gradiente linear. Se você quiser aplicar os ajustes gradualmente. Por exemplo, assim. Essa abordagem inteligente permitirá que você combine o melhor dos dois mundos ao editar céus. A máscara de alcance de luminância é um novo recurso emocionante que facilita a afinação da aparência de diferentes tons em sua imagem, preservando a aparência e a coloração de outros tons que são afetado pela gradação de cores e outros ajustes. Por exemplo, nesta fotografia, gosto da coloração. Seria bom, muito escuro e mais longe e D saturar as fotos tons mais escuros ao redor dos troncos das árvores, que fará com que o veado se destaque um pouco mais. O uso da máscara de faixa de luminância facilita a seleção de áreas tonais específicas. O melhor dessa ferramenta é que você pode ser realmente preciso e refinar ainda mais os tons selecionados e a suavidade da seleção aqui. Se você quiser ajustar globalmente a aparência de todas as áreas da sua fotografia com o mesmo tom. Por exemplo, o D satura os pretos e as sombras, mantendo a cor em tons adjacentes o mesmo. Então esta é uma ferramenta super rápida de usar e economizará muito tempo mascarando diferentes áreas e elementos. Neste caso, no entanto, quero apenas os troncos de árvores e alguns dos galhos incluídos na minha seleção. Vou precisar subtrair algumas áreas da máscara que compartilham a mesma luminância. Estes incluem o veado e um pouco de vegetação. Como preciso remover um pouco, vou usar o pincel com a máscara automática desligada para remover essas áreas sem deixar nada para trás. E então vou mudar para a máscara automática novamente e trabalhar em áreas onde há algumas arestas, por exemplo, ao redor do veado. Agora minha máscara está pronta. E vou deixar as áreas de sombra um pouco menos distrativas , tornando-as mais escuras usando o controle deslizante de sombra. Também vou reduzir a saturação para que não haja cores nas sombras. Tudo isso ajuda a focar o espectador no assunto da fotografia, que é o desafio. Fazer ajustes para selecionar faixas de cores em sua fotografia, usar máscaras é um toque final importante que ajuda a obter todas as cores da imagem com a aparência correta. E pode ser útil quando você precisa alterar as cores em áreas ou elementos específicos. Por exemplo, em produtos ou fotografia de alimentos, ou para refinar localmente as cores em áreas específicas da sua fotografia. De forma semelhante à faixa de luminância, você pode selecionar e mascarar um intervalo de cores específico em sua fotografia. Por exemplo, para criar uma coloração mais agradável e consistente da água nesta fotografia, vou usar a Máscara de Faixa de Cores e selecionar essa cor aqui. Então, vou refinar rapidamente o intervalo de cores usando esse controle deslizante para reduzir o intervalo de cores incluído na máscara. Existem, no entanto, algumas áreas que eu não quero incluir na seleção. Vou subtrair esses usando o pincel. Porque quero que a água pareça mais fria e clara. Vou ajustá-lo alterando a temperatura. Nesse caso, basta criar a aparência desejada. Mas você também pode usar uma combinação de mudança de matiz, branco, equilíbrio e saturação para ajustar as cores ou qualquer uma das outras ferramentas básicas para obter a aparência que você gosta. Agora, a cor da água do Tamisa parece muito melhor. Quando você está editando suas fotografias. Não aguente todas as configurações que afetam toda a imagem e use máscaras para ajustar diferentes áreas e melhorar a aparência geral da sua fotografia. E é isso para minhas dicas para usar uma variedade de ferramentas de edição de cores. Claro, a edição não pára com essas ferramentas. E você provavelmente precisará usar algumas outras ferramentas para finalizar suas edições. Por exemplo, efeito de grão, nitidez e correção de lentes. Mas é uma história diferente. Então, vamos encerrar esta aula com alguns pensamentos finais. 11. Dicas finais e conclusão: Nesta classe, compartilhei meu fluxo de trabalho de edição e fazendo ajustes na ordem em que acho que essas ferramentas são melhor aplicadas para permitir que você construa umas sobre as outras e crie facilmente edições variadas. Mas ao criar suas edições de cores, você provavelmente precisará pular entre essas diferentes ferramentas e painéis para ajustar sua aparência. Não se sinta restrito a trabalhar com essas ferramentas na ordem prescrita dos fluxos de trabalho. Mas entenda como cada uma dessas ferramentas afeta a edição da imagem e seu papel no processo de edição. Começar a edição da imagem do zero é uma ótima maneira criar um novo visual ou dois experimentos com edição de imagens. Mas usando predefinições salvas ao longo do caminho, que capturam todos os pedágios aplicados ou aspectos separados de uma imagem. Editar é uma ótima maneira de acelerar seu fluxo de trabalho e experimentar a aplicação de predefinições diferentes, às vezes inesperadas, a fotografias que você normalmente não pensaria em editar de uma determinada maneira no primeiro lugar. Isso ajudará você a sair da sua zona de conforto. Potencialmente tropeçar alguns novos estilos de edição no processo. E também crie novos looks alterando as edições criadas por suas predefinições para desenvolver predefinições ainda mais diferentes que você pode usar no futuro. Xerife sua equipe, ou até mesmo vendedores de produtos digitais. Para experimentos de projeto de classe com a edição de suas fotografias usando o fluxo de trabalho completo abordado nesta classe. Ou implemente qualquer uma das dicas e técnicas para aprimorar seu fluxo de trabalho pessoal e edições de fotos. Fotografias posteriores, incluindo os estados antes e depois em seu projeto de classe, e compartilhe quais ferramentas você usou para aprimorar suas imagens. Também sinta-se à vontade para usar o fórum de discussão para compartilhar suas dicas e truques favoritos. Ferramentas do Adobe Lightroom, que você aprendeu nesta aula, ou use você mesmo ao editar suas fotografias. Ao trabalhar em seus projetos de classe, ou geralmente praticar edição. Eu recomendo experimentar com a criação de edições diferentes, usando fotografias de diferentes gêneros e com cores específicas. E, em seguida, aplicando as mesmas configurações a outros tipos de fotografias para ver como a edição funciona com elas. E, em seguida, ajustando as configurações para desenvolver looks mais diferentes. Por exemplo, depois desenvolver o tratamento geral de cores, você pode explorar ainda mais a criação looks alternativos com base nos mesmos ajustes de cor. Voltando ao painel básico e ajustando os controles deslizantes de tom, contraste e configurações de dehaze. Estou fazendo ajustes nas curvas pontuais e paramétricas para criar edições alternativas de chave alta, baixa ou neutra. Então é isso para esta aula. Eu realmente espero que isso ajude você a aprimorar suas edições de fotos e aumentar o nível do fluxo de trabalho de edição. E não posso esperar para ver suas fotografias na guia projetos e recursos desta classe. Se você achou esta aula útil, por favor, deixe um comentário e não hesite em nos seguir no Skillshare para ser o primeiro a ouvir sobre nossas novas aulas, atualizações e anúncios. Se você gosta de fotografia em preto e branco, não deixe de conferir minha aula. Fotografia em preto e branco, usando filtros coloridos para aprimorar seu filme e imagens digitais. Para aprender minhas dicas para criar edições emocionantes em preto e branco no Adobe Lightroom, Classic, Adobe Camera Raw. Para o Adobe Photoshop. Se você geralmente está interessado em fotografia, não hesite em conferir meu novo blog, que exploro a fotografia é história tecnológica e antropológica e seu papel no mundo moderno. Obrigado por se juntar a mim nesta aula, e espero vê-lo em nossas outras aulas.