Abstração 201 — Princípios de design

1. Introdução: Oi, eu sou Alexandra ler ou Lexi para abreviar, Eu sou um artista de mídia mista e designer de jóias. Eu amo ensinar as mãos em aprender tanto aqui meu estúdio e no Skillshare. Então, bem-vindos à minha abstração de classe para um, princípios de design. Então, esta classe é destinada a ser um seguimento para a minha abstração 101 elementos de design classe no Skillshare. Os elementos de design são blocos de construção usados para criar uma obra de arte. Então, se você ainda não teve a chance de fazer essa aula, eu recomendo que você assista primeiro porque esta classe é destinada a construir sobre as experiências da abstração 101. Portanto, esta série de aulas é destinada a iniciantes que são novos na pintura abstrata ou artistas experientes que estão olhando para se soltar e encontrar algumas novas vias de inspiração. Então vamos começar com uma visão geral dos sete princípios do design e como eles trabalham com os elementos do design. Depois disso, vamos mergulhar em aprender sobre cada um dos princípios. Estaremos olhando para padrão, ritmo, movimento, contraste, ênfase, equilíbrio e unidade. Então isso vai ser uma combinação de aprender sobre o papel de cada princípio e, em seguida, uma atividade prática porque piso esse princípio em maior profundidade. Então, o que você vai aprender nesta aula vai lhe dar as habilidades e confiança para pintar arte abstrata única e intuitiva. Você aprenderá a criticar sua arte e fazer perguntas simples para determinar se seu trabalho está terminado. Mal posso esperar para ver seus projetos. Temos muito para cobrir. Então vamos direto para a aula e começar a jogar com princípios de design e criar alguma arte abstrata divertida. Vejo você na aula. 2. Visão geral: Em abstração, elementos de design um-para-um, exploramos linha, valor, forma, espaço e cor. Forma é geralmente um elemento mais tridimensional visto na escultura, mas você pode considerar sombras dando forma a formas. Nós vamos estar olhando para texturas parte do padrão nesta classe. Acho útil pensar nos elementos e princípios da arte e do design como ingredientes e método de uma receita alimentar. Para uma pintura bem sucedida, você não precisa incluir cada tempero do seu armário, seus elementos, e você não precisa basear Baker flam Bay seus princípios o tempo todo também. Você pode pensar em projetar uma pintura como as escolhas que você faz durante suas atividades diárias. Pode estar considerando o que você já tem em seu armário enquanto compra uma roupa nova. Planejando uma refeição no supermercado, ou estratégias de treinamento baseadas nas habilidades e posição do jogador. Compreender como os elementos e princípios funcionam juntos permitirá que você faça escolhas atenciosas ao longo do seu processo de pintura. Então, a seguir, vamos explorar a textura. 3. Textura: Textura refere-se a qualidade da superfície distinta é encontrada em todas as coisas, bem como os padrões visuais gerais e sensação tátil de objetos e seus arredores, tanto simulados quanto reais. A textura pode ser suave, acidentada, áspera, dura, visual e tátil. É um elemento que acrescenta interesse ao seu trabalho. As linhas de repetição criarão padrões que podem se assemelhar a cabelos ou lâminas de grama. Os fios assentados de fios em um suéter também podem formar textura visual. Textura visual é muitas vezes para ser vista como um padrão, é por isso que eu gosto de incluí-la com os diretores. Técnicas usadas na pintura servem para mostrar textura, IE, a técnica de escova seca produz uma qualidade simulada áspera e uma aplicação pesada de pigmento com uma escova ou outro implante produz uma qualidade real áspera. Isso é chamado de impasto. A textura física também pode ser incluída com objetos naturais ou encontrados para efeitos táteis reais. Existem alguns artistas usando textura para o máximo efeito. É difícil dizer qual é a melhor maneira de abordar isso. Tal como acontece com os outros elementos básicos, geralmente há uma mistura que pode ter cor, linha, forma, parceria com as qualidades texturais do trabalho artístico. Então, em seguida, estaremos explorando texturas reais e visuais. 4. Demonstração 1: Nesta demonstração, vamos explorar diferentes tipos de meios e géis acrílicos. Aqui você pode ver os diferentes tipos de meios e géis que eu tenho no meu estúdio da Golden Liquitex e outras marcas. Diferentes marcas do mesmo meio podem se comportar de forma ligeiramente diferente. Então aqui vamos explorar suas qualidades e fazer algumas folhas de textura para referência futura. Primeiro, vamos preparar papel aquarela com Jessup. Isso dará ao papel algum dente para o meio colar para dar ao papel alguém para enfrentar os meios e géis mais molhados. Estou usando uma cunha de catalisador de silício para espalhar a Jess no papel. Mas você também poderia usar uma faca de paleta para a chave do hotel. Para fazer isso. Deixe esses papéis secarem completamente. Em seguida, na classe se aplica há um folheto chamado modelo médiuns textura. Você pode imprimir isso como um guia para dividir seu papel Jessup usando uma régua. Divida seu jornal em oito seções. Em seguida, escreva seus quatro títulos. Plano de capacidade, uma tonalidade pastosa, absorção e desenho. E nesta folha estará explorando dois meios diferentes fora de pincelada de tinta acrílica nas primeiras quatro seções, seguido por uma linha desenhada com um Sharpie ou marcador de tinta. Deixe a tinta secar. Em seguida, escolha seu primeiro meio acrílico. Estou usando um gel de brilho pesado da Liquitex espalhar uma camada fina na primeira seção. Na segunda seção faz um pouco de uma tinta acrílica de cor diferente com o gel para matizá-lo. Raspe o gel no primeiro painel para ver a cor e a linha da tinta por baixo. Na terceira, quarta seções, espalhe uma fina camada de gel no gel matizado para o segundo painel e raspe através dele para ver a cor da tinta e linha abaixo. Defina o lado da gelatina e selecione o seu próximo meio acrílico para usar. Para o próximo, estou usando um ritmo de fibra da Golden. Repita os mesmos passos que antes de espalhar uma fina camada do meio no primeiro, terceiro e quarto painéis. Dependendo da espessura do meio, você pode ter que espalhá-lo algumas vezes para obter um casaco uniforme no papel. Como antes, agora você pode adicionar tinta ao meio para matizá-lo e espalhá-lo. Na segunda seção, raspe o meio para ver a cor da tinta na linha abaixo. Deixe o gel e meio secar por algumas horas para durante a noite. A espessura diminuirá o tempo de secagem. Agora que o gel de brilho pesado e a pasta de fibra estão completamente secos, você pode ver o quão transparentes ou opacas são quando secos. O gel é claro e a pasta é opaca. Em seguida, adicione uma pincelada de pintura sobre as áreas de script. E as duas primeiras seções, isso permite que você veja a transparência ou opacidade do meio gel quando pintado. Em seguida, vamos olhar para o quão absorvente é o gel ou pasta. Escolha duas outras cores de tinta. Estou usando tinta acrílica líquida e adicionando-lhes água para torná-los mais diluídos em uma pincelada de cada tinta ao lado do outro. Nas terceira seções, pulverizar um pouco de água sobre eles para ver como o, como eles misturam ou sangrar no gel ou colar. Você pode ver como a tinta apenas miçangas no gel, mas se espalha e pensa que afunda na pasta. Por último, no quarto painel, selecione alguns materiais de desenho diferentes. Certifique-se de que a superfície do gel ou pasta esteja completamente seca. Estou usando um negro para transar. Todo lápis, um lápis de cor laranja. Concordo cor neo para lápis de cor, uma caneta de ponta de escova de mícron preto, e um pastel de óleo vermelho. O gel de brilho não agarra muito bem os materiais de desenho. É um pouco escorregadio e a textura da pasta de fibra é reforçada pelos materiais de desenho. Então, usando essa abordagem, você pode criar uma biblioteca de folhas de textura para usar como guias de referência para suas futuras pinturas. 5. Demonstração de textura 2: Nesta demonstração, estaremos explorando a textura real e visual. Você precisará de um pedaço JSR de papel aquarela e uma pasta de moldagem leve ou flexível. Você também precisará de um estêncil com uma variedade de recortes de espaçamento. Aqui você pode ver como eu organizo meus estênceis. Este é um fichário de álbum de recortes de 12 por 12 polegadas com folhas protetoras de plástico e um pedaço de papel de álbum de recortes adicionado entre eles. Eu recomendaria usar papel de sucata que foi colorido em ambos os lados e que é mais fácil de ver seus stencils, a menos que seus stencils são bem amados e cobertos de tinta. Uma vez que você tenha seu estêncil selecionado usando a fita do pintor, prenda-o e o papel aquarela na sua mesa juntos. Eu tinha selecionado uma pasta de moldagem flexível da Liquitex, mas quando eu a abri, estava seco sólido. Então certifique-se de que a tampa dela está bem fechada. Então, em vez disso, agora eu estou usando uma pasta de moldagem leve por Golden, usando uma faca paleta ou chave de hotel espalhar e até mesmo camada da pasta sobre o estêncil sobre o papel. Raspe o excesso de pasta fora do estêncil. E quando terminar de cobrir o papel, retire o estêncil cuidadosamente e coloque-o em uma bandeja de água imediatamente para limpeza. Você não quer ter Pasta ou gel preso nos buracos. Seu estêncil. Coloque de lado o papel colado por algumas horas para durante a noite para secar completamente. Agora vou mostrar algumas maneiras de usar este papel texturizado. Primeiro é uma técnica de raspagem de tinta usando papel de caderno de esboço, usando diferentes cores de tinta acrílica líquida. Você pode usar a chave de um hotel para raspar a tinta sobre o papel texturizado. Isso capturará o padrão de estêncil e a pintura, dando textura visual. Repita a técnica de raspagem usando papel deli, que também é chamado de papel de cera seca. Este papel é fino, mas muito forte, então você pode raspar um pouco mais difícil para pegar mais do padrão. Agora você pode ver que a textura visual se torna padrão. Em seguida, vamos fazer uma impressão mono com a placa de geléia. Este é de 8 por 10 polegadas e eu coloquei em cima de uma paleta de tinta descartável. Ou você pode usar papel congelador branco. Estou usando tintas acrílicas líquidas e um líquido de vidro acetinado da Golden. Isso ajuda a tinta a ficar mais molhada, que é necessário ao fazer impressão em Delhi. Eu adicionei a mistura de tinta à placa de geléia e, em seguida, usei um brayer de borracha para espalhar a tinta muito fina e uniformemente. Então eu estou usando são papel de pasta texturizada para atuar como um selo na placa de geléia. Você pode ver que a tinta é transferida para a textura claramente. Agora há um padrão na placa de geléia. Estou usando papel de caderno em ambas as superfícies pintadas para pegar os padrões. Você pode ver a impressão de geléia no papel e, em seguida, uma impressão fantasma fraca do papel texturizado. Este é um bom passo para limpar o seu prato ou papel texturizado. Também estou limpando a tinta do meu brayer na minha folha de impressão fantasma. Você pode misturar diretamente a tinta e o líquido de ligação no prato de gelatina com sua oração. Isso acelera o processo de impressão de tinta, o mesmo que antes. Use seu papel texturizado como um selo na placa de gelatina. Você pode ver como seu selo se torna visualmente mais interessante à medida que cada tinta de camada é adicionada a ele. Desta vez eu estou usando o papel delicatessen para tirar impressões da placa e Dell e papel texturizado. E depois limpo o meu prato de geleia com o papel de impressão fantasma. Você pode usar esta combinação de pasta e stencils para criar tanto textura real e visual é colando esses papéis impressos em suas pinturas. 6. Padrão e reprodução: Padrão é as repetições planejadas ou aleatórias de cores, linhas , valores e texturas para criar padrões e melhorar superfícies de pinturas. Os padrões geralmente ocorrem na natureza e os artistas usam motivos repetidos semelhantes para criar padrões em seu trabalho. O padrão aumenta a excitação visual ao enriquecer o interesse da superfície. Você pode ter padrões regulares, um padrão de gota muitas vezes visto em tecidos e em um padrão regular que pode ser lido como textura visual. A repetição de linha, valor de cor ou forma reforça qualquer ideia que você está tentando se comunicar com esse elemento de design. Seu espectador geralmente solta em uma determinada cor ou forma e cai através da composição. Use o bom senso em suas repetições e evite a colocação aleatória. Planeje cuidadosamente as repetições no local onde elas melhorarão o ritmo, o movimento e o padrão e ajudarão os espectadores a percorrerem a composição. Userid com repetição para evitar o tédio. Considere a repetição ou dispositivo a ser usado com cuidado em mente, o que você está repetindo? Uma forma, alinhe uma cor ou um padrão. O que conta é a repetição? Você pode fazer as pazes sem repetição? Como um pouco de repetição você pode escapar com quanta repetição e quais elementos você pode usar e ainda tem coisas agora sexta-feira para tornar a peça interessante, esta linha de questionamento se resume a quanto ou quão pouco contraste você quer, em que áreas. Não há nenhuma regra ou solução que funcione para cada pintura, nem há nenhuma orientação específica. A repetição de alguns elementos é apenas um aspecto a considerar na composição. Então, em seguida, estaremos explorando padrão e repetição. 7. Demonstração 1: Uma das maneiras mais fáceis de criar padrões é usando linha e forma. Aqui eu estou mostrando meu caderno de esboços padrão, que é nove por 12 polegadas e uma variedade de tamanhos, um marcador de afiador preto nos folhetos Eu incluí um modelo de cartão padrão que eu imprimo e uso abaixo do meu esboço página do livro para duas coisas. Um, impede a tinta do Sharpie de sangrar para a próxima página por baixo. E 2. Em seguida, você pode digitalizar a página de padrões do seu livro de esboços e imprimi-lo em um estoque de cartão branco para cortá-lo como cartões padrão para referência futura. Então você usa a fita do pintor para proteger o modelo de cartão padrão na parte de trás da página do seu livro de esboços. Em seguida, usando uma combinação diferente de tamanhos de marcadores fazer linhas ou formas repetidas e cada uma das oito seções de modelos, você pode torná-los tão simples ou complexos padrões como você gosta. Se ele ficar preso por ideias, acesse o Pinterest ou o Google Images e procure o emaranhado Zen. Esta é uma forma de arte rabiscando baseada em padrões desenhados à mão em preto e branco. É uma boa idéia misturar o tamanho de seus padrões também. É bom ter uma variedade de padrões em suas pinturas para criar interesse para o espectador. Então, uma vez que você tem o seu baralho um padrão cartões, você pode usar esta ferramenta para quando você ficar preso em sua pintura e precisa de algo para saltar começar você fora de um bloco. Você pode estudar os padrões existentes em sua pintura e baralhar através do deck, definir um novo padrão para adicionar a ele. Você também pode reverter o padrão em sua pintura. Se o seu cartão mostrar manchas escuras em um fundo claro para pontos claros em um fundo escuro. Estes cartões padrão são um grande recurso para ter na mão como um pintor abstrato. 8. Demonstração 2: Nesta próxima demonstração, vou mostrar-lhe como criar seus próprios selos personalizados para criar padrões. A primeira técnica é esculpir um selo usando a bola de velocidade, bloco esculpido fácil. Isso é quase como uma borracha rosa gigante, e é realmente fácil de esculpir usando cortadores lineup. Acho que é mais fácil ter que esculpar em movimento. Um com uma lâmina de corte maior para remoção de volume e outro com uma lâmina de corte menor. Para o trabalho detalhado, eu usei um preto para abaixo de todos lápis para desenhar o meu design para o bloco. Depois de terminar de esculpir seu design, você pode usar pintura acrílica ou tinta de impressão em seu selo. Estou usando tinta acrílica preta em paleta descartável e livro de esboços, papel para imprimir. Você pode alterar a direção do carimbo para criar uma variedade em seu padrão. A próxima guia que vamos fazer é usar folhas de espuma artesanal, placa de jacaré, que é papelão ondulado de plástico e fita de tapete dupla face. Você pode encontrar esses dois últimos itens em uma grande loja de ferragens caixa. Você também pode usar o meio de gel acrílico como o adesivo para a espuma. Se você não conseguir encontrar fita adesiva e usar papelão grosso como base, você pode querer revestir ambos os lados do cartão para torná-lo mais durável para impressão. Cortei uma série de tiras de filme e coloquei no gel. Isso precisará secar por várias horas ou durante a noite. Em seguida, estou cortando uma variedade de círculos em tamanhos diferentes e colocando-os na fita adesiva do tapete. Você também pode criar padrões são linhas na espuma usando a ponta do lápis. Novamente, estou usando tinta acrílica preta para carimbar no papel do meu caderno de esboços. Colocar o selo diretamente na tinta às vezes dá um revestimento desigual de tinta. Então, para a próxima impressão, estou pintando a tinta no selo com um pincel. Você também pode criar selos individuais. Aqui eu tenho espuma anexada a rolhas de tamanhos diferentes para fazer selos individuais. Você não precisa carimbar com o selo inteiro também. Você pode ter parte dela saindo da página também. Você pode preencher os espaços em branco no papel com um selo de cortiça menor. Cabe a você como deseja criar seus padrões de carimbo. Novamente, considere ter um padrão regular, queda ou padrões irregulares. 9. Ritmo: Ritmo é a repetição de movimentos visuais, cores, formas ou linhas. A variedade é essencial para manter ritmos emocionantes e ativos, e para evitar movimentos de monotonia e ritmo trabalhar juntos para criar o equivalente visual de uma batida musical. Ele cria um tempo visual em obras de arte e fornece um caminho para o olho espectadores para seguir mais em pintura é definido como a criação de certas marcas, cores, linhas ou formas nele, forma contínua e repetitiva. Em outras palavras, um padrão. Você vai ter ritmo regular progressivo ou fluindo. A repetição e o padrão ajudam a mover os olhos dos espectadores em torno de uma pintura de forma fácil e fluida. Eles atuam como facilitadores para orientar o olhar para os componentes que você deseja enfatizar e para incentivar o movimento, os interesses, o fluxo e a unidade geral. Ritmo estabelecido variando os espaços entre elementos relacionados em uma composição. Você pode usar linha e cor para ajudar o ritmo, como ter um staccato, ziguezague rosa quente ou centrista elegante fluxo azul. Evite interromper a progressão aritmética a menos que deseje interromper intencionalmente o movimento. Seja consistente com a sequência de formas e cores, mas forneça TI. Ritmos conflitantes perturbam a unidade. Então não tente se emaranhar no meio de uma valsa. Você pode sentir como seu olho se move rapidamente sobre verticais próximas? O melhor lugar para um ponto focal é onde o olho está se movendo em um ritmo descontraído. ritmo faz com que seu item se mova rapidamente através elementos bem espaçados e mais lentamente em intervalos maiores. Portanto, varie seus espaços em seus intervalos ao longo de sua composição para manter o olho em movimento. Em seguida, estaremos explorando o ritmo. 10. Demonstração Ritmo: Nesta demonstração, você estará usando uma folha de papel branco Bristol e diferentes valores de cartão de estoque e cinza claro e escuro e preto estará cortando esses papéis coloridos em formas simples, seja com socos de papel ou com Uma tesoura. Os objetivos mergulhar variedade de formas, tamanhos e valores. Depois de cortar suas formas, você pode começar a movê-las no fundo branco para obter uma sensação intuitiva ritmo compõe os tamanhos e o espaçamento dessas formas. Você pode optar por colar as formas do bastão de cola se você quiser manter os arranjos. Ou você pode fazer o que eu estou fazendo e apenas tirar fotos com seu smartphone ou câmera digital para olhar para referência mais tarde. Jogue com organizar as formas em ângulos diferentes entre si e misturando as escuras e luzes ou tamanhos. É quase como se você estivesse tentando escrever uma peça de música visualmente, tendo uma noção das batidas e do ritmo. Está indo muito rápido ou lento? É uma batida firme? Estude suas fotos de ritmo e veja quais arranjos lhe atraem mais. 11. Check-in com perguntas: Pergunta de design, check-in, repetição, ritmo e padrão. Assim, sua batida visual que ajuda ou dificulta a visualização da imagem. E, em caso afirmativo, que papel desempenha na criação de movimento, humor ou estrutura? O uso de padrão, decorativo ou de suporte? Como o padrão está sendo usado para criar escala ou espaço? Existe um eco visual ou repetição de elementos que apoiam o tema da peça? 12. Movimento e grade: Movimento e ritmo. Eles estão intimamente relacionados com o padrão e a repetição. A diferença é o espaço entre as formas repetidas, linhas, cores. Colocando coisas em tamanhos diferentes ao redor da composição, você forma uma dança maravilhosa de elementos que libera um senso ilusório de música. Você cria um ritmo dentro de sua composição. Objetos uniformemente espaçados são sedentários, enquanto posicionamentos irregulares de objetos em um ângulo criam excitação e ritmo dependendo do humor que você deseja expressar. Entenda esses princípios pode determinar uma dança lenta para um hip-hop onde seu olho se move em uma pintura tem muito a ver com o peso visual. E peso visual refere-se a quanta atenção as várias partes de seu comando peça. Onde é que o teu olho vai primeiro e para onde vai a seguir? O movimento é usado por artistas para direcionar os telespectadores através de seu trabalho, muitas vezes para uma área focal. Esse movimento pode ser direcionado ao longo de linhas, bordas, formas, cores dentro do trabalho, mas move o olho mais facilmente em caminhos de igual valor. As linhas diagonais parecem dinâmicas e as linhas verticais e horizontais são estáveis e calmantes. As linhas curvas criam movimentos fluidos, enquanto mudanças progressivas no valor podem levar o olho para dentro ou para longe dos pontos centrais. Mudanças graduais nos elementos de design indicam movimento, proporcionando uma transição graciosa de uma área de cor para outra. Por exemplo, você pode alterar a temperatura da cor gradualmente de quente para frio, ou alterar os valores de cor de luz para escuro. À medida que as formas mudam, alterar as cores para gradação suporta Unity melhor do que mudanças abruptas. Então, a menos que você queira expressar um conceito como violência ou raiva, considere como você pode usar gradação com elementos de design para criar mudança e movimento. Mudanças graduais nos elementos de design podem ser executadas de várias maneiras contribuindo para o movimento rítmico através de uma peça ou no espaço de fundo. Como você poderia um pouco da gradação mostrada com o seu assunto. Em seguida, estaremos explorando o movimento. 13. Demonstração em movimento: Nesta demonstração, você precisará de papel de caderno de esboços, materiais de desenho. Estou usando um lápis de cera de grafite e suas formas recortadas do exercício anterior. Primeiro aqueça com linhas de desenho em diferentes orientações. E você pode variar a pressão da linha no papel. Você pode fazer alguns desses desenhos expressar diferentes tipos de promoções ou ouvir música e tentar desenhar o que você ouve. Em seguida, experimente linhas de desenho e faça-as interagir com as formas de papel. Novamente, se você quiser manter esses estudos até mesmo colar as formas para baixo com um bastão de cola ou tirar fotos digitais para se referir mais tarde. A idéia aqui é mover o olho em torno do papel e se você quer usar linha para levar seu olho a uma determinada forma ou longe dele. 14. Check-in com perguntas: Pergunta de design, check-in, movimento e direção. Como o olho do espectador é conduzido através da composição? Onde ou por que ou eu deixo a imagem. Há alguma coisa que impeça ou distraia o meu movimento? E em caso afirmativo, é intencional? São os seus ângulos, curvas, setas ou movimentos implícitos que impedem o espectador de explorar a peça inteira. 15. Contraste e variedade: contraste refere-se ao arranjo de elementos e efeitos opostos. Por exemplo, cores escuras iluminadas, texturas lisas e ásperas, formas grandes e pequenas. contraste pode ser usado para criar variedade, interesse visual no drama em uma obra de arte. O contraste dinâmico atrai a atenção para a área mais importante. Use contraste de valor para sensação visual e contraste de cor para expressão emocional. Contraste bordas, linhas e formas, alterando cores para gerar atividade e movimento. Para Donna, seus horizontais adicionam oblíquos suaves a cores análogas. Um contraste complementar de cintilação com uma cor de tecla alta, mais contraste de valor. Faça sua peça vibrar com energia contrastante para cor usando esquemas de cores baseados em diferenças em vez de semelhanças. Exagere os contrastes de cor e valor para impacto. Você pode olhar para muitos aspectos de uma pintura através da lente de quanto ou quão pouco contraste você tem. E isso considera opções e avançar. Eu não quero dizer que você precisa ter muito alto contraste e fazer uma boa composição. Mas se você prestar atenção ao grau de contraste em vários aspectos, você pode aumentar muito sua idéia e compreensão da composição. Quanto ou quão pouco contraste você injeta em sua pintura, em que aspectos dela depende de você e qual mesmidade e onde, quanta diferença depende do que parece certo para você como o artista para qualquer pintura em particular. O chato de uma pessoa pode ser meditativo de outra pessoa. Por exemplo, o excitante e atraente de uma pessoa pode ser uma confusão acidental para outra. Muito baixo contraste em um aspecto e alto contraste em outro pode ser apropriado para uma pintura enquanto uma pintura diferente, meu apelo para sutilmente todo. Variety refere-se aos elementos de composição que diferem um do outro. variedade cria interesse visual na energia. Muita variedade pode fazer uma obra de arte parecer ocupada ou esmagadora quando emparelhada com unidade, variedade oferece pontos de interesse ao espectador. Em seguida, exploraremos o contraste. 16. Demonstração de contraste: Para esta atividade, quero que você brilhe uma série de opostos usando um elemento de design para sua inspiração. Como lembrete, os elementos do design são alinhados, valorizam o espaço, a forma e a cor. E você pode considerar textura também. Então, para a linha, você pode ter espessura versus fina para forma, orgânica versus geométrica. Para valor, claro versus escuro para cor. E você pode ter suave e silencioso contra negrito. Para a forma, a caneta pode ser dimensionada, pequena ampliação, e para textura nenhuma versus lotes. Tenho certeza que você pode vir para cima com muitos exemplos, como bordas duras versus bordas irregulares e assim por diante. Você pode usar esta folha de brainstorm como está, ou usar o modelo de cartão e escrever ou digitar seus contrastes de opostos nos cartões. Agora você tem uma referência para guiá-lo enquanto você cria sua pintura e você está pensando em como seguir em frente com ela. Verifique se há uma boa mistura de contrastes. Escreveu sua peça para a TI cria interesses para o espectador. 17. Check-in com perguntas: Pergunta de design, check-in, variedade e contraste. Existe variação suficiente ou demasiada entre os elementos para manter a atenção do espectador? Ou parece haver uma mesmice geral que torna as coisas chatas? Será que os elementos se relacionam uns com os outros de uma forma que faz com que as coisas sejam mesmo previsíveis. Tenho variação suficiente de tamanhos, pequeno, médio e grande? Algum elemento se destaca por ser único ou diferente daqueles que o rodeiam? 18. Emphasis: A ênfase é usada por artistas criar dominância e foco em seu trabalho. Os artistas podem enfatizar cor, valor, formas ou outros elementos de arte para alcançar o domínio. Vários tipos de contraste podem ser usados para enfatizar um centro de interesse. Um ponto focal é o centro da ação. Existem três ferramentas primárias que o pintor de designer usa para enfatizar o domínio. Nosso contraste, posicionamento e isolamento. A ênfase tem a ver com encontrar o seu ponto focal ou o que você deseja ter o espectador mais atraído sobre o elemento que você escolhe para ser dominante. Você pode criar ênfase de várias maneiras. Aumentar a intensidade de cor de um objeto, escurecimento ou contraste de clareamento através do uso de linhas convergentes ou até mesmo isolar o objeto que ele gostaria de carregar mais peso visual. A área focal é o lugar em sua pintura quando seu olho é naturalmente atraído à primeira vista, você está pintando por apenas um segundo. E o que você vê é às vezes desafiador para obter essa perspectiva em seu próprio trabalho. Então eu acho útil para recuar cerca de 10 pés ou então tirar uma foto e visto em uma tela, então olhar por apenas um segundo. Sê honesto sobre o que vês. Você pode ter pretendido que uma área fosse seu ponto focal, mas a peça pode não concordar com você. Ver um ponto focal é sobre trabalho sênior. Trata-se de observação. Quando você olha para uma pintura ou pintura e progresso, o que você vê primeiro? Esse é o seu ponto focal ou área maior peso visual. Em seguida, vamos explorar a ênfase. 19. Demonstração de destaque: Na minha classe anterior, abstração, elementos de design um-para-um, falamos sobre a regra dos terços e como centros de interesse ou pontos focais caem nos pontos de interseção dessas linhas divisórias. Nessa classe, aplicamos uma grade sobre estudos de valor R para aumentar o contraste desses pontos. Nem todos os pontos de interseção precisam ser um ponto focal. Na verdade, deve haver apenas uma estrela do show, com as outras áreas apoiando jogadores para ajudar a mover o olho ao redor da pintura. Outra ferramenta de composição muito útil que é usada ao longo da história para levar o olho ao redor da pintura para o seu ponto focal é chamada de proporção dourada. Parece uma espiral, espiral para dentro como uma concha. A proporção dourada é derivada de uma série matemática chamada série Fibonacci, onde cada número sucessivo é adicionado ao anterior. Ou se você olhar para os segmentos de linha de a mais b, ele lhe dá um valor numérico de 1,618. Se você Google a proporção dourada e você pode vê-lo aplicado ao longo da história para arquitetura, pinturas, ou até mesmo projetos fractais modernos. Você pode experimentar usando essa proporção para criar um ponto focal em sua pintura. 20. Check-in com perguntas: Pergunta de design, check-in, domínio em ênfase. O que chama a minha atenção primeiro? E por que é para lá que eu quero que o olho do espectador vá? Existe uma hierarquia visual que deixa claro quando uma coisa é mais importante do que outra coisa. Existe um elemento que é a estrela do show e que está sendo apoiado pelos outros elementos. 21. Equilíbrio e proporção: Bounce a arte refere-se ao uso de elementos simétricos, formas de igual peso em ambos os lados de um ponto central, ou elementos assimétricos, formas e formas são desiguais, mas ainda equilibrados em termos de seu peso visual. Encontrar esse equilíbrio pode ser um desafio ao pintar, mas quanto mais você experimenta e pratica, mais fácil será sentir o que significa equilíbrio. E nosso trabalho com equilíbrio simétrico é bem equilibrado e parece estável quando um lado da obra de arte espelha o outro tem simetria absoluta. Quando o equilíbrio simétrico não é exato, é chamado de simetria bilateral. Uma obra de arte com equilíbrio assimétrico é mais pesada ou mais leve em algumas áreas, pode parecer instável e torna o espectador desconfortável. Equilíbrio assimétrico como um olhar dinâmico para obras de arte e muitas vezes chama a atenção para os pontos focais na composição. E o trabalho artístico com equilíbrio radial é organizado em torno de um componente central, formas e objetos em uma composição de balanço radial parecem irradiar de um ponto focal circular da obra artística. Os designs assimétricos geralmente são mais complexos do que os simétricos, mas muitas vezes mantêm seu interesse por mais tempo porque exigem atenção extra para identificar seu equilíbrio. Considere combinar, ao contrário de elementos como penas e chumbo, você pode equilibrá-lo muito denso, visualmente pesado área não expansivo espaço aberto. Esta peça não seria simétrica, mas pode parecer equilibrada. Proporcional tem a ver com o tamanho e escala de vários elementos em uma pintura. Cada elemento está em relação ao outro e também com o todo. Estes diferentes elementos não devem lutar entre si por importância se forem, a mensagem geral e a composição de uma peça serão confusas e pouco claras. Os artistas podem usar escala e proporção de Creta. Sensações como profundidade, realismo, desorientação e drama. Escala sobre TARV descreve o tamanho de um objeto em relação a outro, e também se refere à nossa percepção de perspectiva e proporção. Obras de arte que parecem realistas ou dimensionadas de forma semelhante a objetos do mundo real. Escala na arte também pode se referir ao tamanho geral da obra. Escala hierárquica é uma técnica usada na arte, muitas vezes usada na escultura e na pintura, na qual o artista retrata objetos dentro uma escala natural para mostrar sua importância ou falta deles. Essa manipulação de tamanho chama a atenção do espectador onde o artista quer atenção. Em seguida, estaremos explorando o equilíbrio. 22. Demonstração de equilíbrio: Nesta atividade, estaremos explorando o equilíbrio radial desenhando mandalas I Mandela, que significa círculo e sânscrito, é um padrão geométrico circular que se destina a ser um objeto de meditação, a fim de ajudar um desenvolvimento espiritual, Eu forneci três modelos diferentes para ajudá-lo e começando a desenhar seu Mandela, cada um dividido em oito seções. Estou usando papel de caderno e um afiador preto para desenhar meus desenhos. Novamente, olhar para padrões de emaranhado Zen pode ser uma grande inspiração para projetar seu Mandela. No interesse do tempo, só estou desenhando em um segmento do círculo. Normalmente você completaria cada anel do círculo começando no centro e trabalhando seu caminho para o exterior do círculo para o seu Mandela. Você pode adicionar cor ao seu Mandela quando estiver completo, ou deixá-lo em preto e branco. Quando completo, você pode admirar a simetria radial que você criou como um girassol ou floco de neve. 23. Check-in com perguntas: Pergunta de design, check-in, proporção e equilíbrio. Olhando para a escala e proporção. Terceira maneira de dizer quão grande ou pequeno, distante ou fechar as imagens. Qual é o nível dos olhos do espectador e como isso afeta a resposta que temos à imagem? Sentimos a relação das partes da imagem com o todo? Como o formato do trabalho ajuda ou dificulta a imagem? Balanço? Existe uma sensação de peso visual que faz com que a composição se sinta torta? Existe algum elemento que pode ser eliminado sem afetar a composição para quaisquer outras áreas parecem desnecessariamente desordenadas. Outras áreas se sentem vazias para quaisquer áreas parecem causar tensão por causa da proximidade com uma borda de uma forma geral do trabalho. 24. Unity e harmonia: A unidade é um dos aspectos mais importantes da arte bem desenhada e é planejada pelo artista. O Unity fornece a qualidade coesa que torna um campo de arte completo e acabado. Quando todos os elementos de uma obra parecem estar juntos, o artista alcançou a unidade. A unidade, também conhecida como harmonia, é um princípio de sinal que forza a coesão de uma obra de arte. Quão completo, consistente e completo. Parece. Unidade na arte. Não é necessariamente apenas uma repetição do mesmo elemento uma e outra vez, mas como a combinação agradável de elementos para criar uma composição harmoniosa. Harmonia resulta de relações de elementos e design semelhantes, como linhas repousantes, cor monocromática ou análoga, movimento serino, valores próximos ou formas e tamanhos comparáveis. Tudo isso contribui para um senso de unidade, que guia o desenho do princípio. Algumas das maneiras como um designer ou artista alcança a unidade incluem o uso de formas semelhantes, usar padrões semelhantes, harmonizar cores, uso do espaço, uso de um único fundo. Criar unidade e arte é muitas vezes baseada mais em um sentido do que em um sentido estrito de regras. Tem dois outros que resolvem quaisquer elementos conflitantes e fazem com que o trabalho global se reúna em harmonia. unidade acontece quando o trabalho tem um senso de conclusão e cada elemento serve seu propósito em relação a todos os outros. Então, em seguida, estaremos explorando a unidade. 25. Demonstração na Unity: Nesta atividade, estaremos olhando para criar unidade harmonizando cores de tinta. Você precisará de uma variedade de cores de tinta acrílica fluida e também do meio SAT e vidros. Aqui estou pintando uma série de pinceladas coloridas em papel de mídia mista. Você pode ver como as cores saturadas são vibrantes, o que as torna fortemente contrastadas entre si. Se eu misturar um pouco de cada cor em uma mistura, ele cria uma cor mãe neutra, que agora contém todas as cores nele. Em seguida, se eu adicionar um pouco desta cor Mãe de volta para cada uma das cores originais da pintura. Isso ajudará a harmonizar ou ter as cores das tintas se relacionam entre si. As novas cores são um pouco silenciadas, mas leia agora como uma família de cores relacionadas. Outra maneira de comer, unir ou harmonizar cores de tinta é pintar um esmalte colorido sobre eles. Aqui eu estou usando quinacridona, ouro faz com o líquido de vidros para criar um esmalte colorido. Glaze precisa ser transparente, a fim de trabalhar para harmonizar como se você estivesse olhando através de vitrais. Agora, todas as cores de tinta sob o esmalte foram deslocadas ligeiramente juntas para uma cor mais dourada. 26. Check-in com perguntas: Pergunta de design, check-in, unidade e harmonia. Será que o trabalho visto completo? Os elementos parecem estar funcionando bem juntos para apoiar o personagem principal? Estão brigando uns com os outros? Estão competindo por atenção? Será que o trabalho sentindo que a mesma pessoa fez isso? Ou algumas partes parecem fora de caráter para certas áreas parecem não resolvidas ou tentativas. 27. Perguntas de crítica: Por que você deveria criticar seu trabalho? O objetivo principal de uma crítica é ajudá-lo a resolver problemas que estão causando problemas em uma obra de arte e ajudá-lo a decidir se algo é feito. O objetivo é identificar áreas problemáticas e, em seguida, determinar opções para resolvê-lo. Há sete passos para autocriticar seu trabalho. Primeiro, tire uma foto da sua imagem, que você seja forçado a objetivar o trabalho. Em segundo lugar, inventário, como cada elemento está funcionando. Em terceiro lugar, identifique quais são os problemas. Quatro, considere as opções para mudanças. Quinto, faça uma mudança de cada vez. Seis, avalie como os princípios estão funcionando. E sétimo, repita o processo até sentir que chegou a uma boa solução. Nos folhetos, eu forneci um modelo de matriz de design que você pode usar ao realizar sua auto-crítica. Você pode não ter todos os elementos são princípios em sua pintura. Mas agora você pode fazer perguntas a si mesmo enquanto revê sua pintura. Em resumo, faça uma lista de verificação e estude sua arte recente para ver como você usa essas ferramentas de design importantes, quais aparecem com mais frequência seu trabalho, quais são as mais eficazes, onde seus pontos fracos. Os elementos e princípios do design são feitos para ser diretrizes, memorizá-los, usá-los conscientemente e, eventualmente, eles se tornam uma segunda natureza para você. 28. Conclusão: Obrigado por levar minha abstração de classe para um princípio de design. Cobrimos muitos exercícios em pouco tempo para explorar esses sete princípios de design. Aprendemos como usar esses princípios para fortalecer nosso trabalho artístico e criticar o que pode estar faltando e como corrigi-lo. Minha próxima aula será sobre cor. Então eu toquei um pouco na cor durante a abstração 101 e 21. Mas a abstração três-para-um, explorar a cor será focada na mistura de cores e na análise de relações de cores. Então, quem quer que você use suas habilidades e técnicas, eu adoraria ver o que você faz. Então, por favor, faça o upload para a seção do projeto e conecte-se comigo no Instagram na Lexi lê estúdio. E se você gostou desta aula, por favor, não se esqueça de deixar uma crítica positiva. E espero que aprenda de novo comigo em breve. Obrigado, e tenha um ótimo dia.