A minha pintura está finalizada? Seis maneiras de saber se sua pintura está realmente finalizada

1. Introdução à aula: Olá, sou Nancy Rainer. Bem-vindo ao meu estúdio. E obrigado por se juntar a mim para esta apresentação ao vivo. Seis maneiras de saber que sua pintura está realmente terminada. Então eu tenho uma apresentação de slides. Agora vou compartilhar minha tela. Vamos ver. Este é o meu teste técnico aqui. Hoje vou mostrar como você pode adicionar facilidade e fluxo ao seu processo criativo. Visualize mais claramente suas ideias e tome decisões criativas com confiança. Você está no lugar certo. Se você quiser aprender a terminar uma pintura mais rapidamente e com melhores resultados. Ou talvez este seja você. Você chegou a um ponto em sua pintura que você está preso e não sabe o que fazer a seguir. Seja qual for a sua motivação para estar aqui agora, eu posso ajudar. Quero levar apenas um minuto para me apresentar se ainda não nos conhecemos. Minha carreira artística começou em Nova York, onde dirigi um teatro de fantoches. Acredite ou não, isso foi muito divertido. Pintar cenários teatrais, construir fantoches e atuar no palco levam a um BFA da Rhode Island School of Design, depois um MFA da Columbia University. Então eu me tornei um artista de trabalho certificado para cores de artistas dourados. Hoje sou um pintor abstrato contemporâneo morando em Santa Fé, Novo México. Sou representado por várias galerias em locais como Santa Fe, Filadélfia e Flórida. Eu ensino workshops, crio cursos digitais e como fazer vídeos. Ofereço pacotes de coaching individuais e escrevi vários livros sobre pintura. Meu primeiro livro, revolução acrílica, foi o livro de técnicas de pintura mais vendido número um nos EUA por vários anos e agora publicado em três idiomas. Mas aqui está o que eu realmente quero que você saiba. Ensinei milhares de artistas de todos os níveis nos últimos 30 anos. E hoje vou compartilhar os segredos que ensino aos meus alunos. Assim, você pode enviar suas pinturas para o mundo com confiança, sabendo que elas estão realmente acabadas. Minha pintura está terminada? Esta é a pergunta número um que ouço dos meus alunos e sei que provavelmente todos nos fizemos essa pergunta quando estamos trabalhando em uma pintura. Vou compartilhar com vocês algumas maneiras infalíveis do meu novo curso, a arte de pintar além da técnica, para ajudá-lo a decidir se você está pintando está realmente terminado. E saber com certeza que sua pintura está comunicando visualmente suas ideias da maneira mais poderosa possível. Vamos começar. 2. Aula 2 principais: A ideia de terminar uma pintura é muitas vezes envolvida com a ideia de perfeição. perfeccionismo é a busca de um ideal e às vezes pode matar a criatividade e sabotar sua capacidade de terminar. Vamos trazê-lo para a terra. A pintura é realmente um processo de resolução de problemas. Adoro usar a analogia de uma escada, onde cada passo no processo de pintura é como dar um passo na escada. A parte superior da escada indica que não há mais problemas para resolver. Para se aprofundar na ideia de terminar uma pintura. Vejamos as etapas para criar um. Uma pintura geralmente começa com uma ideia. Algo que o motiva a começar a pintar. Em seguida, você faz um plano e isso pode ser escrever seu processo ou você pode esboçá-lo ou alguma outra maneira de colocar sua pintura em execução com frequência. Então venha o passo três, você começa a pintar. Agora, é claro, estou simplificando demais esse processo. Para que pudéssemos passar a maior parte do nosso tempo na parte final. Mas esta etapa três, a etapa de pintura, seja qual for o seu estilo médio ou conteúdo, geralmente envolve uma mudança do cérebro esquerdo para escrever. Quando seu cérebro direito entrar em ação, você estará na zona de pintura e pintura. Mas o que acontece a seguir? Normalmente, há um ponto em que você naturalmente pára de pintar e volta para dar uma olhada. Talvez você queira apenas verificar, olhar para o quadro geral e ver para onde ele está indo. Talvez algo esteja acontecendo na tela que você gosta, sua ideia toma forma e a imagem tenha presença. Está terminado? Alguns artistas param por aqui e chamam terminado meramente por causa desse ponto de parada natural. E este é o ponto em que, se você adicionar mais um passo, você pode trazer sua pintura do bom para o ótimo. Vejo muito bom trabalho lá fora em galerias, museus são escolhidos online. Muitas vezes recebo artistas que vêm até mim perguntando por que seu trabalho é bom, mas não vendendo e pedindo conselhos de marketing. trabalho deles pode ser bom. Mas aqui está o problema. Somos todos, cada um de nós, não apenas artistas, mas todos bombardeados com imagens todos os dias, em todos os sentidos. Há uma tonelada de arte por aí. Muita competição pela atenção das pessoas. Seu trabalho precisa se destacar do resto. Bom não corta mais. Você não precisa mudar a forma como você pinta ou o que você pinta. Tudo o que você precisa fazer é adicionar um passo simples ao seu processo de pintura, bem no momento especial em que voltamos para ver nossa pintura. Você provavelmente já experimentou aqueles momentos em que você está pintando é incrível, muito além do que você imaginaria pela primeira vez. E então tenho certeza que há momentos em que suas pinturas nunca pareciam atingir esse nível. Como seria se você tivesse um método que permitiria que cada pintura que você faz funcione da maneira que você queria e provavelmente ainda melhor. Bem, isso é o que vou compartilhar com você hoje. Um método infalível que leva você à linha de chegada rapidamente. E sabendo com confiança que não é apenas bom, mas ótimo. Esse método envolve a edição de suas imagens para uma visualização ideal. Antes de saltarmos para o que quero dizer com edição, quero enfatizar que tudo o que apresento aqui hoje é sobre melhorar suas pinturas e não apenas para tornar seu trabalho comercializável. Há muitas razões pelas quais pintamos, não apenas por ganhar uma renda. Alguns de nós pintam por puro prazer. Para nos expressar, ativar nossa imaginação e nosso lado criativo, experimentar alegria em ver nossas visões de forma tangível. Há muitas razões, no entanto, maioria envolvida querendo comunicar algo de si mesmo através do seu trabalho. Encontrar maneiras de melhorar a forma como suas imagens são visualizadas e interpretadas é o que quero dizer, movendo seu trabalho de bom para ótimo. Sim, as ideias que apresentei aqui melhorarão suas vendas de pintura se esse for o seu objetivo. Mas, por todos os meios, não se limita a isso. Então, vamos prosseguir com essa ideia de editar suas imagens para uma visualização ideal. Aqui está um exemplo de como a edição me ajudou a melhorar uma das minhas pinturas. À esquerda, cheguei àquele ponto de parada natural. Gostei de algumas coisas sobre isso, mas minha intuição me disse que não estava acabada. Ao passar pelo meu processo de edição, consegui avançar para o estado final. A edição envolve duas etapas, analisando problemas e resolvendo esses problemas. Escrever e pintar compartilham essa necessidade de edição. Embora todos aceitemos a necessidade de escritores editarem, alguns de vocês podem não acreditar no valor da edição para sua pintura. Você pode pensar que a edição é intelectual e medo. Pode tirar o espírito do seu trabalho ou muito pesado e estragar sua diversão. Você pode pensar que está pintando acabou só porque a tinta foi aplicada e porque você a fez. Se este é você e você está totalmente feliz com suas pinturas, então ótimo. Você não precisa ouvir o resto do que tenho a dizer. Se, no entanto, você quer melhores resultados, finalizando suas pinturas mais rapidamente, tornando-as mais visíveis para se destacar na multidão, mais vendáveis. Então você ficará feliz em aprender meu método simples de editar imagens que trará resultados surpreendentes. Aqui está um exemplo de como a edição ajudou um dos meus clientes a melhorar sua pintura. Ele fez meu curso de mestrado, a arte de pintar além da técnica. O lado esquerdo mostra a pintura antes de ele seguir meu curso. É uma boa pintura. Estava pendurado em uma galeria durante um show. E ele notou que as pessoas estavam apenas andando sem nem prestar atenção. Depois de fazer o curso, ele decidiu voltar e revisar a pintura. Você pode ver a grande diferença entre o antes e o depois. As revisões não demoraram muito, mas fizeram uma grande diferença. E quando ele o pendurou de volta e mostra, ele notou que tinha uma resposta de visualização muito melhor. Aqui está outro exemplo de como a edição pode melhorar. Uma pintura. À esquerda está uma pintura de Steve lida em processo. Ele chegou a essa fase pensando que pode estar terminado, mas usando o processo de edição de cursos, ele revisou como você pode ver à direita, e me disse que está muito mais feliz com o resultado. Como eu disse antes, edição envolve duas etapas, analisando problemas e resolvê-los. À medida que você volta para olhar para sua pintura, para analisá-la, você está olhando para três conclusões possíveis. Um, está acabado, não está acabado. Há algumas coisas que você ainda deseja adicionar ou alterar para torná-lo melhor. Ou três, você foi longe demais e o matou. Para descobrir qual dessas três opções você está pintando se encaixa. Vejamos dois principais objetivos para que todas as pinturas sejam consideradas finalizadas. Geralmente queremos que uma pintura chame a atenção de alguém e a mantenha lá. Quanto mais tempo a atenção do espectador for mantida, mais profunda e significativa a experiência de visualização. Ou simplesmente o objetivo número 1, chame a atenção. Objetivo número dois, mantenha-o lá. Um amigo meu no outro dia ele me perguntou se estes ainda são objetivos válidos para um artista não interessado em mostrar seu trabalho a ninguém, apenas pintando por si mesmo? Minha resposta é um grande sim. A pintura é um meio visual. A melhor maneira de melhorar a qualidade da pintura é entender seu poder de visão. Chamar a atenção dos olhos é o melhor teste, mesmo que você seja o único espectador. Para atingir os dois objetivos, chamar a atenção e mantê-la lá. Você está pintando precisa apresentar algo inesperado. Isso tem a ver com nossos dois lados cerebrais, esquerdo e direito. Tenho certeza que todos sabem sobre essa ideia de nosso cérebro ter dois lados distintos. A esquerda é nosso protetor. Ele usa palavras e está ciente do tempo. A direita é espacial, imaginativa e perde a noção do tempo. Em outras palavras, o lado direito é a nossa maneira de entrar na zona. Na maioria das vezes durante atividades diárias normais. E a mente está no cérebro esquerdo. Seu principal trabalho é nos manter seguros. Muitas vezes chamado de mente do macaco. Ele oferece conversas mentais sem parar. Nosso cérebro esquerdo inicia todas as atividades e tenta nos impedir de nos envolver no que ele pensa como perigoso. Isso é uma coisa boa sem o nosso guardião cerebral esquerdo, todos estaríamos longe como o pássaro dodô. O problema que temos como pintores é que o cérebro esquerdo não é muito particular sobre como ele define perigoso. E vê que a pintura é algo a evitar. Acha que se nos distrairmos demais em nosso trabalho, podemos ser comidos por um dinossauro. Esta é uma parte antiga do nosso cérebro. Então, uma ferramenta importante que precisamos pintar bem, é poder acessar nosso cérebro direito à vontade. O interessante é que a mesma coisa acontece quando alguém está olhando para nossas pinturas. Um espectador começa a ver pinturas com o cérebro esquerdo, cujo único objetivo é impedi-los de olhar para qualquer coisa por muito tempo. Ele não quer desviar a atenção e definitivamente não quer permitir uma experiência de visualização profunda. Ao fazer com que o espectador mude do cérebro esquerdo para o direito enquanto visualiza sua pintura, você atinge esses dois objetivos principais. Eu mencionei. Como fazer isso. Aqui está a chave. Primeiro, a pintura precisa tropeçar a mente do macaco dos espectadores. Tenho algo que chamarei de interruptor de padrão. Qualquer coisa inesperada que mude um padrão alertará nosso lado esquerdo para prestar atenção. Agora você alcançou a meta número 1. Chame atenção. Aqui. Nosso cérebro não precisa se concentrar com a uniformidade e o padrão. Nada inesperado para chamar nossa atenção. É bonito, seria um lindo papel de parede como uma forma de adicionar algo a uma parede em uma sala sem chamar muita atenção para ele. Aqui está uma pintura de Bernard. Tem o mesmo assunto floral que importa o slide anterior, e mesmo como uma paleta de cores semelhante, mas com uma grande diferença, é carregado com interruptores de padrão. Então, o que quero dizer com interruptores de padrão? variação é o inesperado que cria interruptores de padrão. Isso é o que chama a atenção e o poder de retenção. Por outro lado, aspectos na pintura que parecem muito semelhantes com muita repetição, uniformidade, seu padrão não vai receber ou prender a atenção. Por exemplo, vamos ver esses lado a lado e compará-los começando olhando para a imagem à esquerda e olhando para as flores cor-de-rosa. As flores cor-de-rosa são um pouco diferentes, mas tão pequenas que realmente parecem iguais. Eles são todos do mesmo rosa, mesmo tamanho, iguais distantes um do outro e todos voltados para fora. Olhando para a pintura à direita, as flores cor-de-rosa e especialmente as laranja, todas diferem. Concentre-se nas flores de laranja por um momento e você pode ver que cada uma tem uma qualidade ligeiramente diferente de laranja. Flores de laranja, mais escuras, uma é mais brilhante, uma é mais vermelha. Alguns estão escondidos atrás dos cor-de-rosa, enquanto outros se apresentam. Existem muitos aspectos aqui que criam variedade. Todos os aspectos da pintura podem variar, como cor, forma, linha. Se houver interruptores de padrão suficientes no trabalho, o visualizador alterna a visualização da pintura de usar o lado esquerdo do cérebro para a direita. O resultado é uma experiência de visualização mais profunda para eles. Agora você alcançou a meta número dois. Mantenha a atenção no trabalho. Ao pintar com o cérebro esquerdo, que usa atalhos, estereótipos em generalidades, O resultado é uniformidade e aplicações chatas. Enquanto o cérebro certo gosta de detalhes, adicionando personalidade e individualidade ao trabalho. A pintura e o cérebro direito naturalmente adicionarão variação. Mas como nossa mente usa os dois lados do nosso cérebro, é inevitável que nosso cérebro esquerdo, em algum momento, durante a pintura, adicione algumas das adições chatas ao trabalho. Quando recuamos para análise, nossa principal tarefa é encontrar essas adições do cérebro esquerdo, que poderíamos chamar de problemas porque elas reduzirão os interesses de visualização e o movimento de visualização. Vamos voltar à última ideia que mencionei antes. Como eu disse, uma pintura é criada um passo de cada vez. O primeiro passo na escada é seu primeiro problema. A tela é branca e chata, esse é o problema. Então você faz algo, adiciona tinta, essa é a solução. Cada vez que você fizer esse processo de três partes, encontre um problema, resolva-o, siga em frente. Você sobe os degraus até chegar ao topo, o lugar de não mais problemas. Sua melhor pista, a pintura está terminada. Gosto de dizer que não há pinturas ruins. Existem apenas pinturas com alguns problemas para resolver. Preso em um dos degraus da escada. Editar, usar a análise para encontrar problemas e, em seguida, resolvê-los pode ser usado ao longo desta subida da escada. Aqui no topo da escada, adicionei opções de seta para indicar que ainda poderíamos mover da esquerda para a direita, mesmo no topo sem mais problemas para resolver, ainda poderíamos brincar com a pintura, fazendo pequenos turnos Chamei ajustes à sua preferência. Eu queria ilustrar aqui que não há ponto final fixo para sua pintura. É mais uma ideia solta, chamo uma janela de acabamento no topo da escada. A janela tem espaço de manobra para pequenos turnos. Se for neste momento, reconheça que você está aqui ou pode arriscar sobrecarregar sua pintura e pode matá-la facilmente. Se estiver no topo da escada, essa pintura poderia muito bem ser terminada como está. Em outras palavras, você não está mais resolvendo problemas. Aqui estão duas fases de uma pintura que fiz para uma comissão. À esquerda é onde cheguei a um ponto de vista natural. Havia algumas coisas que eu gostei, mas senti que não estava acabado. Passei pelo meu processo de análise para encontrar qualquer problema e depois soube como melhorá-lo. A versão finalizada está à direita. As mudanças mais óbvias no céu, onde agora está menos confuso e um campo mais aberto. Se você olhar de perto, você pode ver que as montanhas no fundo também são alteradas, bem como muitas outras pequenas mudanças ou ajustes que podem ser sutis, mas ainda adicionam a força de visualização da peça. Vou fazer uma pausa para a bebida. Aqui está outro exemplo de uma pintura minha, uma mais abstrata usando folha de ouro. Assim como antes. À esquerda, você verá uma fotografia dela ainda em processo, onde cheguei àquele ponto de parada natural. Também como antes, gostei de algumas coisas sobre isso, mas ainda não senti que estava acabado. Parecia muito plano para mim. Então, mesmo que eu tenha gostado de algumas coisas como a textura, não foi suficiente para chamar e manter a atenção da visualização. Eu passei pelo meu processo de edição primeiro com a análise de problemas e depois resolvi eles. Você pode ver a versão finalizada aprimorada à direita. A análise me mostrou que eu precisava mudar a relação de calor para frio. Também percebi que precisava quebrar o campo uniforme do terço inferior, bem como a borda superior. Tirar um tempo para editar sua pintura tem várias vantagens. As duas partes principais para edição, análise, para encontrar problemas do que resolvê-los permitem que você avance quando você ficar preso e melhorar o impacto visual das pinturas em geral, você ganha confiança para saber que sua pintura está concluída. Então, nossa próxima pergunta, qual é a melhor maneira de encontrar problemas durante a análise? Seus olhos, seus olhos são sua melhor ferramenta. Você sabia que seus olhos têm uma incrível capacidade de ver e não apenas de uma forma, mas de muitas maneiras. Por exemplo, se eu pedir que você olhe para a imagem à esquerda e me diga onde estão os brancos mais largos. Você pode realmente sentir seus músculos oculares mudarem de foco. Se eu perguntar, Há alguma borda dura na metade inferior, você pode sentir seus olhos mudarem o foco novamente. Nossos olhos podem se concentrar são discernidos de várias maneiras. No entanto, assim como outras partes de nossos corpos, os olhos ficam simplificados ou automatizados para facilitar a vida. Mas, ao mesmo tempo, limita a forma como vemos nossas pinturas. Isso significa que nossos olhos estão programados para focar automaticamente de uma maneira. Sua visualização de preferência para ver. Por exemplo, alguns de nós gostam de ver contraste ou procurar textura, enquanto outros podem gostar de encontrar a história em uma imagem, independentemente das suas preferências, é assim que você normalmente vê o mundo. Suas pinturas e todas as imagens desta forma. Para ver não apenas da sua única preferência e de todas as formas possíveis. Saiba como trocar suas lentes de visualização enquanto analisa sua pintura. Se você usar apenas uma maneira de ver, perderá aqueles problemas que só podem ser descobertos através de suas outras lentes. Veja suas pinturas usando todas as suas lentes. Então você tem todas as suas bases cobertas e será um mestre em terminar como ativar suas outras lentes de visualização. É tão simples quanto fazer uma pergunta. Cada pergunta diz aos seus olhos para se reorientar para a resposta. Faça uma pergunta enquanto olha ativamente para uma imagem. E você pode realmente sentir que seus olhos mudam o foco. Assim como o que aconteceu alguns slides quando pedi para você se concentrar aspectos específicos daquela foto em preto e branco dos olhos da mulher. O truque é, não faça qualquer pergunta, mas use aquelas que sintonizem seu olho áreas importantes onde os problemas provavelmente se esconderão. Meu curso de mestrado, a arte de pintar além da técnica, oferece 10 questões-chave para fazer com muitas outras subperguntas para levar a análise ainda mais longe. A partir disso, selecionei meus três primeiros aqui, que eu acho que são os mais úteis. Como se sente? O que você olha primeiro? E o movimento flui ou parou? Faça essas perguntas uma de cada vez enquanto olha para sua pintura. Aguarde o foco ocular ou a lente se deslocarem. Dê tempo e você receberá sua resposta. Vejamos alguns exemplos para cada uma dessas três perguntas. A primeira é, como se sente? Estas pinturas em folha de prata? Então, muito do cinza aqui é realmente metálico. Eu queria que fosse mínimo, abstrato e hábitos. Então a capa pintada demais da prata. Parei de pintar neste momento e não consegui descobrir o que fazer a seguir. Na verdade, deixei assim por vários meses. Trabalhei em várias pinturas ao mesmo tempo. Então, se algo se sentir preso, às vezes eu deixo e trabalho nos outros. Mas, eventualmente, cansei de vê-lo neste estado inacabado. Então, sentei-me na frente dele e olhei para ele por um tempo e perguntei como se sente? Minha resposta? Parecia deprimente. Então eu me perguntei, não que deprimente é sempre ruim, mas não é isso que eu pretendia com a pintura. Então eu me perguntei por que era deprimente e meus olhos realmente subiram para o céu. Céus pesados podem parecer sinistro e deprimente. Além disso, aquele verde amarelo no canto superior direito parecia horrível. Então, veja como eu terminei à direita. Gosto desse cara. Eu adicionei um monte de azul brilhante e o centro da linha do horizonte. Coloquei um esmalte sobre o branco no horizonte para suavizar o contraste e twittei e várias outras áreas, especialmente aquela borda inferior. Eu faço a pergunta, como ela se sente e olhando profundamente para a resposta, consegui avançar e terminá-la. Nossa segunda pergunta é o que você olha primeiro? Aqui está uma pintura de Pieter Bruegel, o Velho, chamada paisagem com queda de Ícaro, feita nos anos 15 sessenta. Para onde seu olho vai primeiro ou o que você percebe primeiro? Acho justo dizer que a maioria das pessoas apontaria para as figuras centrais, mangas de camisa vermelha. Isso também é conhecido como ponto focal e gosto de chamar esses itens. São formas, formas, desculpas, linhas ou áreas que chamam sua atenção primeiro. Nesse caso, é cor. Tomar um momento para notar onde seu olho vai primeiro é muito importante porque isso lhe dirá o que é o principal par de opostos das pinturas e é assim que a maioria dos problemas são descobertos. Como exemplo, vamos revisitar esta pintura de Ross Davis. O par principal de opostos nesta pintura é legal e quente, ou podemos dizer azul e laranja. O artista notou que não recebeu muita atenção de visualização com esquerda em sua etapa de pré-edição à esquerda, a análise mostrou que se o azul é a cor predominante que a laranja, quando colocado estrategicamente e em pequenas quantidades, criará pontos focais. A pintura acabada à direita tem mais poder de visualização devido à adição de cores laranja mais fortes colocadas em torno da forma principal na pintura, a roda do vagão. Nossa terceira pergunta, o movimento flui ou pára? Existem muitos fatores que criam movimento visual ao longo de uma pintura. Estes podem ser ângulos, linhas direcionais, contrastar a ilusão de detalhes do espaço. No entanto, há um fator significativo que muitas vezes é negligenciado, e essa é a pesquisa visual criada com pares de opostos. Para olhar mais profundamente para essa ideia, vamos voltar à pintura de Bruegel que olhamos antes. Observamos que o primeiro ou principal ponto focal é a manga vermelha da camisa. E um movimento visual emocionante pode ser criado à medida que passamos deste primeiro para o próximo e continuamos seguindo os pontos focais. Muitas vezes penso no conto de fadas Hansel e Gretel, onde eles deixam um rastro de migalhas de pão para que não se percam. Com pinturas, poderíamos seguir a trilha de pontos focais, como farinha de rosca, mostrando o caminho. Novamente, esse não é o único aspecto que cria movimento visual, mas é muito significativo porque nosso cérebro possui sensores integrados para pares de opostos. Se você quiser testar isso por si mesmo após esta apresentação, basta olhar para algo vermelho por um minuto. Em seguida, feche os olhos e você verá verde aparecer atrás das pálpebras na forma exata do vermelho. Isso porque vermelho e verde são um par de cores opostas. O que vocês pares de opostos têm a ver com o movimento de visualização. Digamos que você esteja caminhando por uma praia branca. Seus olhos irão procurar cascas pretas naturalmente. Se você estiver em uma praia de areia preta, seus olhos naturalmente procurarão conchas brancas. Talvez isso seja porque pensamos na escassez como rara e digna de ser encontrada. Então, se você estiver em uma praia de Pebble preto e branco que os tenha distribuídos igualmente, seus olhos nascidos se incomodam em escanear, em vez disso, você vai procurar em outro lugar. Vamos transferir essa ideia para a pintura que acabamos de ver. O principal ponto focal vermelho é criado porque é cercado por uma paleta predominantemente verde. Como a analogia da praia, nossos olhos se movem direto para o vermelho. O par predominante de opostos nesta pintura é verde a vermelho, principalmente verde com uma pequena quantidade de vermelho. Poderíamos dar a isso uma proporção real para o relacionamento e dizer que é 80, 20 verde para vermelho, ou talvez até 90, 10, o que for menor. E a proporção como o vermelho neste caso, é para onde nosso olho vai. Uma vez que pousamos em nosso primeiro ponto focal, procuramos naturalmente algo semelhante a ele. Outra forma vermelha se houver uma, mas não como neste caso. Então, em vez disso, vamos para os marrons quentes. De lá. Os outros aspectos, como linhas direcionais ou ilusão de espaço que mencionei antes, entrarão em ação para continuar o movimento dos olhos. Nesta pintura, o movimento dos olhos continua fluindo. Nenhuma parada real aqui. Neste slide, o original que acabamos de ver está no canto superior esquerdo para comparação. A imagem maior à direita é alterada no Photoshop. Então, a proporção verde para vermelho agora é mais de 5050 com o verde e o vermelho visualmente aproximadamente iguais. Semelhante ao Pebble Beach preto e branco que me referi antes. Aqui não está tão claro para onde o olho vai primeiro. É um pouco confuso e pode parar o fluxo do movimento visual. Mais pontos focais não criam mais interesse e, neste caso, cria mais confusão e diminui o poder dos pontos focais no original. Aqui está outra versão alterada com o original no canto superior esquerdo. Mais uma vez, para comparação. Este é alterado para eliminar todo o vermelho. Então, agora nosso par predominante ainda é verde a vermelho. Mas em uma proporção de 1000, isso é tão difícil de ver, talvez ainda mais sem nenhum vermelho. O par predominante de opostos, verde a vermelho, com sua proporção de 1000. Isso vai parar tanto todo o movimento visual que eu chamo isso de saída rápida. Ou, como um aluno meu gosta de chamá-lo de “walk-away”, qualquer espectador que veja isso seguirá em frente tão rapidamente a imagem nem se registrará. Vamos rever as três perguntas que acabamos de abordar que ajudaram você a visualizar sua pintura para determinar se ela está concluída ou se ainda há alguns problemas que, quando resolvidos, podem melhorar a experiência de visualização, como ela se sente? O que você olha primeiro? E o movimento flui ou pára? Fazer a pergunta é uma coisa, mas é obter as melhores respostas para essas perguntas que realmente importam. Vejamos maneiras seguras de garantir respostas honestas e precisas para o seu processo de edição. Essas são perspectivas diferentes. Corte seções, mantenha-se objetivo e finja que está concluído. Veja usando diferentes perspectivas. Uma das minhas maneiras favoritas de analisar é simplesmente virar a pintura em todas as quatro direções, girando-a para que cada lado tenha a chance de estar no topo. Se for muito grande ou pesado para se mover. Tire uma foto dela e visualize-a girada no computador ou em outro dispositivo. E você também pode segurar um espelho para virá-lo na vista espelhada. Então aqui está uma pintura em um ponto em que parei para analisar. Ao usar essa ideia, consegui descobrir o que estava me incomodando. Nesta posição de cabeça para baixo. Foi fácil para mim ver a faixa escura pesada que está no topo aqui, mas na verdade está correndo ao longo da parte inferior da pintura. Um lugar em que nem sempre preste atenção quando está em sua orientação normal. Aqui está a pintura acabada com os resultados da borda inferior. Portanto, este é um exemplo de como visualizar sua pintura com diferentes perspectivas pode lhe dar as melhores respostas às nossas principais perguntas de análise. A próxima maneira de obter boas respostas é cortar ou isolar diferentes áreas da pintura. Não precisamos cortá-lo com a tesoura. Podemos segurar folhas de papel branco ao lado da pintura para bloquear algumas seções. Agora isole os outros. Minhas maneiras favoritas de dividir a pintura em quatro quadrantes. Como exemplo, aqui está uma pintura acabada minha. Para analisá-lo, cortei em quatro quadrantes iguais usando papel branco. Este é um slide de aparência estranha, mas eu queria te dar uma ideia do que eu quis dizer segurando folhas de papel branco para isolar uma seção. Isso permite que seus olhos se concentrem apenas em uma área isolada específica. Cada quadrante deve parecer uma pintura acabada. E você pode analisar cada quadrante separado fazendo as perguntas da análise. Além de visualizar cada quadrante separadamente, também gosto de isolar apenas a área central. E se for uma paisagem ou ainda vida, também isolarei as seções horizontais de primeiro plano, meio termo e fundo. Uma terceira maneira de obter as melhores respostas enquanto visualiza sua pintura é manter-se objetiva. Prática, não julgamento. Tente pegar qualquer autofala negativa, agendas ocultas ou crenças inúteis que surjam enquanto visualiza sua pintura, que as que impedem você de ser objetivo. Vejamos uma crença limitante comum, que é que você deve gostar de pintar para que ela seja boa ou acabada. Bem, adivinha? Você não precisa gostar da sua pintura para que ela seja concluída e bem executada. Isso vai soar estranho, mas é um ponto importante para falar. Aqui está uma analogia. Digamos que você seja um chef bem conhecido e esteja trabalhando em um restaurante cinco estrelas, você prefere a culinária francesa, mas o que, você só vai cozinhar comida francesa, você pode eliminar o público do seu restaurante. Você precisa saber como fazer uma boa pintura, mesmo que não esteja no seu estilo ou preferência. Se você acha que tem que amar tudo o que você cria, você se limita. A maioria dos artistas quer continuar evoluindo seu trabalho ao sair da sua zona de conforto ocasionalmente, você permitirá que isso aconteça. Como exemplo, aqui estão duas das minhas pinturas. O da esquerda é mais meu estilo habitual, com uma paleta de cores sutil e uma sensação abstrata com ênfase na atmosfera, em vez de uma paisagem específica. Mas às vezes tenho vontade de pintar de forma diferente com uma paleta de cores mais rica ou imagens mais realistas, como a pintura que fiz à direita. Fazendo uma pintura fora da minha zona de conforto habitual. Posso parar e pensar, Oh, por que estou pagando isso? Não é meu habitual. Então, na análise, posso cometer o erro de pensar sempre que meu estilo não é um problema. Em vez de vê-lo objetivamente, para ser um pintor bem-sucedido, não fique muito apegado ao que você gosta. Em vez disso, analise uma edição com um olhar crítico para mover a pintura em direção à linha de chegada. Outra ótima maneira de obter as melhores respostas é simplesmente fingir que está terminado. Pendure em uma parede limpa e bem iluminada. Coloque-o temporariamente em uma moldura ou simplesmente limpe e pinte os lados para facilitar a visualização se ela está acabada. Gosto de pensar na pintura como uma conversa ativa entre mim e a pintura. Uma boa indicação de que a pintura está concluída é quando a conversa parece que chegou ao fim. Enquanto finge que está terminado. Veja se parece que ainda há algo não dito. A conversa parece que ainda está ativa? Em outras palavras, a pintura ainda está pedindo algo mais a ser feito? eu continuo se movendo para uma área que se sente fora do lugar? Se a resposta for sim para qualquer um desses, isso significa que ela pode não estar concluída. Se seus olhos continuarem se movendo em um movimento fluido e não ficarem presos em qualquer lugar, isso pode indicar que não há problemas e provavelmente está concluído. Então fluidez e movimento, e a pintura deixa de pedir mais ou fecha a conversa. Estes são fortes indícios de que está terminado. Até agora. Você pode ver que tomar um tempo para editar sua pintura antes de declará-la concluída, inacabada ou morta pode economizar tempo, dinheiro e agravamento. Também lhe dará a confiança de saber que está verdadeiramente acabado. Sem tomar tempo para analisar uma edição, você corre o risco de sobrecarregar a pintura. Uma das maneiras infalíveis de matar uma. 3. de aula 3 e pontos principais: Vamos analisar os pontos-chave para editar sua pintura. Analise em um bom ponto de parada. Não analise muito cedo. Faça perguntas para visualização focada para ver de maneiras que você normalmente não usa. Veja com novos olhos para obter as melhores respostas. Encontre problemas geralmente criados pelo cérebro esquerdo. Use interruptores de padrão para reduzir a uniformidade e resolver qualquer problema. Em resumo, editar sua pintura envolve duas partes, análise de problemas e resolvê-los. edição melhorará o poder de visualização de suas pinturas. E para repetir o que enfatizei no começo, isso é a seu favor, se você está interessado em exibir, vender ou pintar puramente para si mesmo, para mantê-lo privado ou compartilhar com familiares e amigos. Aproveite o tempo para editar e sua pintura melhorará e terminará rapidamente. E agora vamos rever as seis maneiras de saber que sua pintura está realmente concluída. Um chama a atenção para prender a atenção. Lembre-se que esses dois primeiros são seus principais objetivos. Três, queremos que a pintura convide a visualização do cérebro direito para, queremos que o movimento de visualização flua. Cinco, sem saídas rápidas. Seis, parece certo. A pintura expressa a qualidade de sensação que você quer e em todas as perspectivas de visualização. E aqui estão nossas seis maneiras de saber que uma pintura está terminada. Espero que você ache os conceitos que acabamos de abordar úteis para o seu processo de arte e arte. Que você gostaria de aprender mais conceitos como esse. Mais maneiras de melhorar o poder de visualização de suas pinturas e desenvolver sua visão em um estilo exclusivo de assinatura. Para levar essas ideias mais adiante, convido você para o meu mais novo curso de mestrado, a arte de pintar além da técnica. Ele inclui uma série de vídeos e exercícios, projetos e tarefas que você faz por conta própria para fortalecer seus olhos para ver imagens e aprimorar sua mente para melhor analisá-las. Você aprenderá a mudar os lados do cérebro esquerdo e direito para pintar. Você aprenderá todos os aspectos para revisar seu trabalho e muitas maneiras de resolver problemas. Este curso é para qualquer artista que queira dar uma olhada mais profunda em conceitos de pintura significativos. 4. Aula 4 a Q&A com gravados: E chegamos ao nosso Q e um vivo imaginando como uma forma de nos levar rapidamente ao nosso Q e um. Vou perguntar à minha assistente, Bonnie. Ela está checando Bonnie, você está verificando o bate-papo para perguntas. Deixe-me parar minha parte aqui. Existe uma pergunta que muitas pessoas têm feito ou fazem perguntas frequentes? Tenho várias perguntas. A primeira é de Diane Paris e diz, faço todas as minhas pinturas enquanto toda a tinta ainda está molhada. Como faço para editar rapidamente? Uau, essa é uma pergunta muito boa e uma ótima maneira de pintar. Ou você faz, você pinta uma tinta a óleo? Só estou curioso. Diana, se você ainda está aqui, você pode querer se silenciar e saber se arrastar o em acrílico. Uau, isso é bom. Sim, então essa é uma boa pergunta. E mesmo quando você está pintando enquanto está molhado, você se vê recuando para olhar para ele? Aqueles momentos em que é quase como se estivéssemos na zona e então eu já me deixei ouvir essa coisa de bate-papo está na minha cara aqui. Certo. Então, para responder à sua pergunta, deixe-me ver se consigo tirar isso do caminho para não me distrair. Certo, isso é bom. A ideia é fortalecer seus olhos. É quase como eu chamo de ioga, é que nossos olhos são como esses músculos mágicos que eles realmente têm. E eles têm uma conexão direta com nosso cérebro direito. Se olharmos o tempo suficiente e fizermos uma pergunta, ele ativa o cérebro direito. E há um ditado de que eu ouvi isso. Há um cara chamado Nick Ladies que escreveu um livro chamado a forma natural de desenhar. Era um livro muito conhecido usado em escolas de arte nos anos 80. E ele diz que não há erros no cérebro direito. Quando você está no cérebro certo, tudo é perfeito. Portanto, a análise de problemas é realmente quando esse cérebro esquerdo entra. Então, duas coisas. Uma delas é responder à sua pergunta. 1 é ficar no cérebro direito é o máximo possível para se pegar quando você está no cérebro esquerdo e voltar para a direita. E uma das minhas maneiras favoritas de conseguir se você reiniciar, o cérebro esquerdo usa palavras. Então, se você está começando a falar e ter diálogo, isso é um bom sinal de que você está no cérebro esquerdo. Se seu cérebro esquerdo está dizendo palavras que ajudam você a pintar como mais vermelho aqui ou isso é divertido, então seu queimador esquerdo e direito realmente trabalhando juntos como uma boa equipe. Mas se o cérebro esquerdo começar a dizer coisas sabotadas e negativas como, oh, isso não é bom, estou ficando sem tinta. Por que estou fazendo isso? Esse é o cérebro esquerdo assumindo o controle para tirá-lo das pinturas. Então, quando eu encontro meu cérebro esquerdo tentando me puxar para fora, eu respiro, engolir cobertor porque o cérebro esquerdo te impede por respirar. E é segurar seus olhos assim. Então, se você respirar, piscar de andorinha e olhar para o seu trabalho quando você voltar para olhar para ele. Então, mesmo que você esteja trabalhando molhado e molhado o tempo todo e queira terminar tudo de uma só vez. Você ainda vai dar um passo, presumo que você ainda vai dar um passo atrás e meio que analisar como as partes estão trabalhando juntas como um todo. Você quer vê-lo no cérebro direito também, e então seus olhos naturalmente, levará um segundo. Você anda para trás e vai, Oh, há muita escuridão. Oh, está muito ocupado. Oh. Então, não sei se isso ajudou. Você quer uma resposta? Você pode ativar o silêncio. Acho que Bonnie permite que as pessoas desmudem agora. Sim, você me ouviu? Sim, eu posso fazer. Isso respondeu à sua pergunta? Isso ajudou a alinhar? Sim. E eu dou um passo para trás durante ele. Então isso ajuda. Eu tenho mais uma coisa a acrescentar a isso, que é se você estiver pintando nessa sessão, molhada e molhada, é muito importante que sua configuração permita que você crie a máxima variedade. Então você tem que ter um palete completo. Então isso é um calor e um frio de cada uma das três primárias. Você tem que ter tudo ali. Porque se você não fizer isso, você só vai gostar, digamos que você só tem duas cores fora. Seu problema será que você não tem cor suficiente. Quero dizer, certo. Sim. Então, sim, estou com um acrílico de secagem rápida ou usando o acrílico de secagem rápida ou o lento, uso o acrílico regular. Eles são fortes. Então meu truque é misturar minhas primárias pré-misturadas por dois vermelhos, dois amarelos, dois azuis, quente e fresco de cada um em frascos de uma ou duas onças com tampas. Eu os misturo. Eu adiciono um pouco de retardado ou um pouco de líquido de vidros, um pouco de água porque não gosto tão grosso. Se eu estou começando com o cérebro e depois eu pego o topo e coloquei a tampa de volta. Eu faço isso com todos eles. Então, quando estou pronto para pintar, tudo o que faço é desparafusar as tampas. Coloque as vidas em um arco. Gosto de trabalhar em um arco. Vou tirá-los. Eu coloquei as tampas para fora para ver quais são as cores porque é diferente do que, você sabe, quando está molhado. E então eu faço minha mistura e se eu estiver fazendo uma pausa, eu apenas coloquei as tampas de volta rapidamente, então não vou deixá-las secar. Isso ajuda um pouco. Eu uso uma faca de paleta, mas faço uma tampa final de azeitona minha tinta ao mesmo tempo. Então, é feito antes de começar, porque caso contrário, demora muito. Sim. Isso é o que eu é o que eu quis dizer é, você sabe , como você pinta, juntando todas as suas coisas para que você possa trabalhar rápido assim. Sim. E isso ajuda. Obrigado. Oh, você é bem-vindo. Obrigado pela pergunta. Há outras perguntas que alguém queira fazer? Apenas desmude a si mesmo ou pedirei a Bonnie para me dar outro. Bem, todo mundo está sendo tímido, então eu vou aumentar listas, listas atrás. Então Gatto perguntou, como você combina a folha de ouro e tinta acrílica? E então ela também perguntou o curso vai ensinar as técnicas de folhas de acrílico? Sim, o então há, você sabe, o prato principal, a arte de pintar além do carrapato. Altamente perguntado a propósito, o prato principal, a arte de pintar além da técnica. Ou seja, está além das técnicas. É por isso que estou incluindo o curso baster de acrílico, que é tudo técnicas. Assim, quase como a parte um e a parte dois, o guia completo para pintura acrílica é de 30 vídeos que tem todas as técnicas, incluindo como fazer folha de ouro e como trabalhar com acrílico na folha. Porque existem alguns truques. Porque o acrílico irá manchar a folha, a menos que você a sele corretamente. E há algumas maneiras interessantes de pintar usando folhas. Então isso é definitivamente no curso de acrílico que virá com o tapinha todo o pacote Dados listados, sua pergunta? Sim, ele fez. Sim. Muito obrigado. Obrigado por compartilhar sua experiência e experiência. Tenho uma pergunta. Posso sim. Margaret ou mag Margaret. Margaret. Olá Margaret. Eu uso um aberto dourado quase que exclusivamente. Mas às vezes eu sou como misturar na tela e depois chego a isso, acabo como estragar tudo porque são arranhões. Eu coloquei como, ok, hoje está trabalhando como se fosse um pássaro roxo e verde. Eu decido que não gosto disso. Eu queria ser todo verde e amarelo, talvez um pouco de azul lá dentro. Então, ele está colocando a nova tinta em cima e ela tinha desaparecido principalmente. Tudo bem. Mas então, de repente, tive esse buraco na tinta verde no roxo estava lá. É como um empurrão muito duro na brochura. Sabe, eu não sei. É como se eu estivesse sempre como quando trabalho com artistas, a única coisa número um que surge é como eles seguram o pincel. E quando você segurá-lo verticalmente, você sabe, pense em colocar gelo em um bolo, certo? Digamos que seu bolo é todo friável e você ainda quer ficar com gelo lá e esconder o fato de que você tem bolo atualmente. Você não vai, você não vai pegar sua faca diretamente para baixo e ir assim. Você vai cavar no bolo. Então é a mesma coisa quando você segura seu pincel. A maioria das pessoas o mantém vertical e longe. Remove verticalmente a tinta. Certo. Então, como você e o aberto para aqueles de vocês que não sabem, o aberto é uma tinta de secagem muito lenta, tinta acrílica. É como óleo. E então, se você segurá-lo mais perto do, você sabe, um pincel. Este é um Photoshop para todos arrependidos. Eu não tenho minhas ferramentas ou o direito aqui na minha frente. Mas se você segurá-lo e ver como se eu for em um ângulo como este? Sim. Então, quando eu aplico tinta, se você está trabalhando molhado em molhado e a pergunta anterior, ela estava trabalhando molhada em molhado. Você aplica tinta e, em seguida, aplica outra cor em cima dela. Você tem que segurá-lo em um ângulo como este, quase paralelo ao, um toque mais suave. Então, muitas vezes eu realmente seguro meu pincel assim. As pessoas acham isso muito estranho. Como quando as pessoas vêm até ela delicada, quando as pessoas, eu pego a mão deles e apenas tento, você sabe. Mas o problema é que, se eu mantê-lo vagamente assim, posso criar muita variedade enquanto me inscrevo. Certo, para trabalhos de linha e pinceladas. Ok, então experimente isso. Se não funcionar, se não funcionar, vamos ver qual é a segunda coisa? Você pode querer traduzi-lo para encaixar, para parar até o dia seguinte. Você sabe o quê? Esse acrílico funciona em camadas. Mesmo o acrílico de secagem lenta ainda precisa trabalhar com camadas. E eu, é por isso que trabalho em várias pinturas ao mesmo tempo. Porque se eu, se eu ainda quiser trabalhar e estiver molhado e quiser secar antes de aplicar algo, vou arruiná-lo se eu apenas trabalhar em outra coisa e deixar secar. Agora, eu sou horrível em dirigir coisas, esfregá-las e ter que ficar bem. Não sei, como limpar isso. As células são divertidas. Então eu acho que há muita diversão. Mas a única maneira de fazer as cores é que tenho que colocá-lo lá para olhar para ela. Não consigo imaginar minhas cores da maneira que algumas pessoas podem. Você sabe, no entanto, a cor, a cor não existe. Ela só existe em referência ao que está ao lado dele. Então, se você imaginar, eu vou deixá-lo ir. Isso é tão natural. Quando você misturá-lo no paladar, quem sabe se vai tentar chegar o mais próximo possível e depois colocá-lo na pintura e você vai, Oh, está muito escuro, colocá-lo de volta, raspador, recuo. Eles ficam mais leves. Isso faz parte da pintura é, é responsivo ao que você está, que você está fazendo na tela. Então, é bom. Tudo bem. Muito útil. Tenho que experimentar o meu pincel. Tenho que segurá-lo assim. Mas eu acho que você não gosta, muito parecido, ok. Alguém tem outra pergunta aqui? Tenho algumas perguntas. Sim. É bom te ver. Você também, Rona, tem um. Então esse é, é melhor ter apenas um ponto focal em uma pintura, ou depende? Na verdade, é uma saída rápida. Um ponto focal é uma saída rápida. Deixe-me explicar. Lembre-se que falei sobre o Hansel e o Gretel indo de pão ralado para pão ralado. Esse movimento visual. Se você deixar esses dias lembrar as pegadas a seis pés de distância com o COVID. É como se houvesse apenas um pé, onde você vai a seguir? Se houver um ponto focal, é a esquerda. Lembre-se, o espectador vê uma pintura com o cérebro esquerdo primeiro. E a pintura precisa ter algum tipo de um, algo lá dentro para permitir que ela se transfira para o cérebro direito para uma experiência de visualização mais profunda, o cérebro esquerdo procura saídas fáceis. Não quer ir para o cérebro certo. Então, qualquer coisa que seja se for uma coisa como, oh, há um círculo vermelho vermelho, em verde. Entendi. Fui embora. Então, se for muito fácil, se for um padrão demais, se for muito fácil para o cérebro esquerdo rotular Um vaso com fundo azul. Entendi. Mas se o azul variar e se as flores variarem, o cérebro esquerdo não tem tanta certeza sobre a rotulagem e é aí que ele se transfere para a direita. Então, raramente você tem um ponto focal. Quero dizer, se houver um par de opostos, se você tiver apenas um dos, você sabe, isso seria um ponto focal. Mas não se confunda com o formulário. Se você tem um retrato de alguém com um fundo em branco, esse não é um ponto focal. Esse é um formulário com um formulário e plano de fundo. E há muitos pontos focais emocionantes que eu destaque no lábio, mas, você sabe, então um ponto focal não é uma forma representacional. Um ponto focal é o que rastreia seu olho. Portanto, um ponto focal não é necessariamente o mesmo que o centro das atenções. Como se você está fazendo um paisagismo, você escolhe que é para onde meus olhos vão e ela vai para esta árvore ou vai para esta cabana ou casa. Isso é diferente do ponto focal. Você se lembra da roda do vagão na pintura de Ross Davis, havia uma pintura azul com uma roda de vagão. A roda do vagão não é um ponto focal. Essa roda de vagão é o principal assunto do conteúdo. E qualquer assunto pode ser uma saída rápida ou uma coisa envolvente, dependendo do ponto focal. Então é por isso que quando ele colocou a laranja, a laranja iluminada, iluminou o conteúdo principal. Então essa é uma pergunta muito boa que, se olharmos para o assunto representacionalmente, poderíamos dizer que o conteúdo poderia chamar a atenção de alguém. Mas lembre-se que eu disse que cada pessoa tem preferência pela visualização. Então, digamos que alguém seja textura de Preferências. E você não tem textura em sua pintura, mas você tem um retrato pintado incrivelmente detalhado. Eles não vão olhar porque estão procurando por outra coisa. É por isso que é tão importante usar seus olhos em todas essas diferentes lentes de visualização. No olho, no livro criar pinturas perfeitas, que é a base de todo o novo curso, mas vai, o novo curso vai mais fundo. Eu digo que há 10 porque quem quer dizer um 100? Tanto? Mas dez maneiras básicas que seu olho pode ver. Então, se você visualizar sua pintura para que ela funcione de todas as 10 maneiras, você aumentará seu público. Você também tem que aumentar o poder de visualização dele. Certo? Sim, o conteúdo é uma visualização, uma em cada dez. Então você tem que olhar para a textura, então você tem que olhar para o contraste e o, sim, e então quando você estava falando sobre variação em uma pintura, isso também significa que o contraste inclui contrastes. A variação pode ser texturizada, suave. Poderia ser espaço e forma. Também pode ser realismo e abstração. E se você tiver 80% de pintura abstrata e 20% de realismo? O foco será as partes realistas. O foco é, se você olhar para a minha ideia 820, o foco é sempre o menor da bolsa da proporção. E a porcentagem de 1820 não é a única maneira de criar movimentos de visualização e pontos focais. Mas se você tem um par principal de opostos, pode ser cor, pode ser borda, borda dura, borda macia, textura realista, abstrata, suave. Qualquer uma dessas cores preto e branco e não colorido. Você olha para sua pintura, decide com o par principal que seus pontos focais serão os menores. Assim como a analogia da praia, você sabe, os olhos das pessoas naturalmente vão procurar o que é raro. O vermelho naquela pintura verde. Essa é uma boa pergunta. Como essas perguntas e para isso responda. Sim, eu não executo. Obrigado. Claro. 00 00 00, 00 começando a trabalhar. E eu estava me perguntando qual seria a textura média em seu óleo? Você está fazendo óleo sobre acrílico. E você quer adicionar textura no com o acrílico para o óleo? Sim. O óleo passará por cima do acrílico. Quero dizer, se você pensar sobre isso, maioria das pessoas acabou de ver com um jato de acrílico. Então, hoje em dia, então a tinta a óleo passará por cima de qualquer acrílico. Eu esperaria que ele secasse pelo menos alguns dias. Textura, há qualquer coisa que seja um gel ou uma pasta é grossa o suficiente para criar uma textura. Você já trabalhou com algum desses antes? Mas eu prometo que você recomendou. É mais alto com o SOC vendo. Então, sim. Ou mais como um pastoso? Sim. A pedra-pomes é a mais difícil porque é cinza e é grande e corajoso. Eu diria se pasta de moldagem ou pasta de moldagem leve, dependendo se você queria que ela fosse absorvente ou não absorvente. Então, se você quisesse fazer lavagens com sua tinta a óleo, a pasta de moldagem leve é ótima. Ele cria como uma superfície semelhante a papel. Mas a pasta de moldagem é feita com pó de mármore. Então, se você quisesse que a tinta a óleo deslize mais por cima, use a pasta de moldagem e ambos fazem uma textura muito boa. Isso é o que eu queria saber. Obrigado. Temos tempo para mais uma ou duas perguntas. Alguma outra alma corajosa quer dessilenciar e perguntar? Bonnie alguma outra pergunta no chat? Eu faço. Espere apenas 1 segundo. Certo. Paul Bear adolescente pergunta ao associado, seu livro fala sobre a fase de jogo e a fase de crítica. Não existe uma tendência de ir para a fase de crítica desde o início, por exemplo, certifique-se de que a regra 80 20 seja usada desde o início. Obrigado por perguntar isso. Essa foi uma grande decisão da mente colocar a fase de jogo lá para garantir que as pessoas não usassem a análise muito cedo. Então, se agora, eu diria análise, se você as fases de jogo é suposto ser onde você entra no cérebro direito. E o cérebro certo nem sempre pensa analiticamente. Então, se você quer pensar estratégia enquanto estiver na fase de jogo e isso não está incomodando você, então isso é ótimo. Todos terão um processo diferente. Mas descobri que, uma vez que ensinei esses conceitos, a primeira questão que surgiu foi as pessoas descobrindo que isso estava interferindo na pintura deles. E eu sou como, bem, certifique-se de que você não faça e analise muito cedo. Então é por isso que eu também enfatizei esse ponto natural onde voltar para olhar, é um bom momento para pensar sobre isso. Gosto de usar estratégias como o 1820 no meu talvez começo quando estou planejando como, ok, digamos que estou usando principalmente cores quentes e frias. Agora eu não acho que eu possa ter um plano no começo, mas me deixei eu gosto de ver o que surge naturalmente no cérebro direito antes de começar a analisar. Não sei se isso faz sentido ou não, mas acho que cabe a cada pessoa. Se você gosta de analisar e tem esse tipo de cérebro e isso faz com que você produza mais do que você gosta com bons resultados, então ele funciona para você. Se você quiser experimentar a outra abordagem que vai jogar cara, veja o que você obtém e depois analise. Então você pode ver qual deles você mais gosta. Não sei se essa pessoa ainda está aqui ou não. É trimestre, é um trimestre depois. Eu pego mais um e então vamos chamá-lo de uma noite. E quanto a isso mais um? Bonnie é outra. Onde vocês estão com muito medo de silenciar. Reese Williams, você é perguntado, como você reconhece os problemas em sua pintura? Como reconheço os problemas da minha pintura? Ok, um problema que defino como algo que o cérebro esquerdo colocou em, em aplicação ou repetição chata ou algo que vai manter o cérebro esquerdo do espectador engajado para que eles se afastem. Então, em questão é qualquer coisa que seja, é não envolver o olho em um movimento fluido é como o que toda a apresentação, como você reconhece problemas? Você tem que fazer perguntas diferentes. E cada pergunta redireciona seu olho para ver. Então, digamos, eu digo, vamos dar uma olhada na pintura e ir, Onde estão meus valores de luz? Se eu olhar para um é branco e 10 é preto, e eu tenho uma escala para 10 passos, 1 a 10 brancos e valores de luz r, onde r eu realmente gosto de ir. Gosta de ir para luzes e pontes. Então eu poderia dar um passo atrás e olhar e dizer, tenho um problema nas luzes? Bem, onde estão as luzes se elas estão presas em um canto ou se eu tiver nove, isso pode ser um problema, então eu tenho que olhar para toda a pintura para ver. Isso vai parar meu olho ou isso vai ajudar meu olho a se mover através dele? Então, se eu disser, bem, acho que parece muito bom. Minhas luzes estão em lugares interessantes, meu olho continua se movendo, procurando luzes. Em outras palavras, você pode ter um movimento de visualização com cada pergunta. E se você ficar preso em uma determinada pergunta, então há um problema lá. Então, não sei se isso responde à pergunta ou não. Mas uma segunda pergunta. Como pintores, não há regras. Essas são apenas ferramentas a serem usadas para decidir. Se você acha que o movimento de visualização em todas as diferentes lentes de visualização está fluindo. Se você continuar ficando preso, então você se pergunta em qual movimento de visualização você está. Você está nos escuros, luzes, bordas duras, as pontas, você sabe, as formas, as linhas direcionais, cada coisa que você se pergunta, você vê se ele flui ou não. E se não acontecer, então há um problema lá. Esse é o curso inteiro é como você encontra problemas? E então, uma vez que você encontrar a resolução do GCD, se você disser, Oh, eu tenho muitos valores escuros, então você apenas elimina alguns. Essa é a maneira que você resolve isso. O difícil é encontrar os problemas. Nancy, não tenho mais perguntas neste momento e agora estamos em 617, então é um bom momento para fechar. Obrigado, Bonnie, e obrigado a todos por estarem fora o tempo todo. Bom. Resto do dia. Vou te agradecer. Não vou fechar. Isso é muito divertido. Maravilhoso, Nancy. Muito obrigado. Estou feliz que você goste. Obrigado por vir. Tudo bem, todo mundo. Vou acabar com isso. Vou acabar com isso.