Théorie musicale simple pour les débutants

1. Introduction: En tant que producteur de musique, nous devons apprendre le solfège, qui consiste essentiellement à apprendre à parler la langue qui sous-tend la musique. L'apprentissage des comportements et des modèles de musique jette les bases qui nous permettront d'écrire et de parler la langue de musique comme nous le ferions dans notre propre langue maternelle. Mais le problème, c'est que la théorie musicale est complexe. Certains consacrent leur vie entière à l'étude de la théorie. Mais ce niveau d'expertise n' est généralement pas nécessaire. Même si l'anglais est ma langue maternelle, je n'ai pas besoin de connaître tous les mots du dictionnaire. Pour devenir producteur de musique, quelle quantité de théorie musicale avez-vous vraiment besoin de connaître. Le fait est que la plupart des musiques populaires n' utilisent que des idées très fondamentales pour la théorie musicale. Si vous pouvez maîtriser les bases, vous serez parfaitement équipé pour créer des chansons incroyables. Je m'appelle Maddie Kenny. J'ai été musicien presque toute ma vie. J'ai terminé mes études de solfège et je suis également producteur de musique depuis 10 ans. Je suis devenue médecin récemment, mais ma passion pour la musique m' a permis de produire même pendant mes études de médecine. J'ai joué des récitals, joué dans des orchestres, des groupes de musique et même joué en tant que DJ. Ayant produit des musiques dans tous les genres, du classique au hip hop en passant par la house et le cinéma, je crois fermement que la compréhension de la théorie de la musique est fondamentale pour quiconque cherche à créer de la musique. Ce cours est parfait pour les débutants qui n'ont absolument aucune connaissance du solfège. Vous n'avez pas besoin de connaître quoi que ce soit en musique. Mais il s'adresse également aux étudiants de niveau intermédiaire qui peuvent avoir besoin d'un petit rappel ou d'une aide supplémentaire et de précisions sur les domaines conceptuels du solfège. Je vais vous expliquer les bases de ce que sont les notes. Ensuite, nous verrons comment ils sont organisés en tonalités et en gammes, nous apprendrons à créer des accords et des progressions d'accords, et pour votre projet de classe, nous combinerons tout ce que nous apprenons à synthétiser une progression d'accords vers une chanson simple que vous pouvez fièrement appeler la vôtre. J'ai également inclus un classeur téléchargeable avec les exercices et les modèles pour chaque leçon afin que vous puissiez vous entraîner à perfectionner vos compétences. La théorie musicale peut être un sujet très confus, mais ce n'est pas nécessairement le cas. Mon objectif est de supprimer tout le bruit, le jeu de mots voulu et de ne fournir que les principes indispensables pour vous aider à commencer à écrire et à produire des chansons incroyables. J'ai vraiment hâte de commencer et j'espère vous voir tous dans la prochaine leçon. 2. Projet du cours: Pour le projet de classe, vous allez définir la structure d' une chanson en utilisant les connaissances et les compétences que nous abordons. Vous allez choisir une tonalité, une gamme et une progression d'accords. À la fin du cours, je vous demande de partager votre progression d'accords unique avec vos camarades de classe afin que nous puissions tous apprendre les uns des autres. Comme ce cours est destiné à un débutant, la seule chose dont vous aurez besoin pour ce cours est un piano ou un clavier de tout type. Il peut s'agir d'un clavier virtuel ou d'un clavier physique, comme celui que j'ai ici. Mais cela sera très important pour que vous puissiez suivre et appliquer physiquement les leçons afin renforcer les concepts que nous abordons. Si vous êtes capable d'enregistrer sons de votre clavier directement dans votre DAW, c'est l'excellence, mais sinon, un simple enregistrement vocal sur votre téléphone suffira tant que vous pouvez rester responsable et publiez votre projet de classe afin que je puisse vous faire part de mes commentaires et que nous puissions tous tirer des leçons de nos expériences. J'utiliserai une DAW, une station de travail audio numérique appelée Ableton, qui possède des instruments de piano virtuels, et je la jouerai sur un contrôleur midi Novation, le 61 SL MkIII. Encore une fois, il n'est pas nécessaire que vous ayez cet équipement, je ne vais faire une démonstration qu'avec ce clavier de piano ici. Pendant que vous suivez le cours, je vous encourage vivement à faire une pause entre les leçons et jouer sur vos propres claviers de piano pour vraiment comprendre la théorie. La théorie musicale repose sur la reconnaissance des formes . Ainsi, plus nous pouvons passer de temps avec les instruments, plus les choses se mettront en place rapidement et en profondeur. Sur cette base, commençons par les notes et les hauteurs. 3. Notes et pitch: Apprenons-en plus sur les notes. Pour comprendre ce que sont les notes en solfège, il est utile de passer brièvement en revue façon dont notre cerveau interprète réellement le son. Tous les sons sont constitués de vibrations ou d'ondes sonores. Nos oreilles agissent comme de petits amplificateurs qui permettent à notre cerveau de traiter toutes sortes d'ondes sonores. Plus les vibrations sont rapides, plus la note sonne haut, plus les vibrations sont lentes, la note sonne bas. Si la vitesse de la vibration, ce que nous appelons la fréquence de la vibration, est maintenue à un rythme constant, cela créera un son unique que nous appelons note ou hauteur. Par exemple, si je joue cette note A sur mon piano ici, cela crée des ondes sonores qui vibrent pour produire cette tonalité spécifique. Si je remonte lentement le clavier, je créerai différentes tonalités qui vibrent à des fréquences de plus en plus rapides. Pour maîtriser le solfège, nous recherchons des modèles. Il s'avère qu'au fur et à mesure que je monte dans le piano, il n'y a que 12 notes qui existent avant que les notes ne se répètent à une hauteur plus élevée. Tu vois, ce A et ce A sonnent de la même manière. L'un est juste plus haut que l'autre. Cette distance d'une note répétée à une note répétée, du A au A ici, est ce que nous appelons une octave. Sur un piano, nous désignons les touches blanches par les lettres A à G. A, B, C, D, E, F, G, puis revenons à A. Pour les débutants, il peut être utile de mettre des autocollants ou des marqueurs sur chaque touche pour que tu te rappelles lequel il s'agit. Cela vous aidera à apprendre la disposition du piano un peu plus rapidement. Les touches noires sont appelées touches tranchantes ou plates. Les aigus sont des notes plus hautes, tandis que les plats sont des notes plus basses. Cela signifie également que chaque touche noire porte deux noms distincts. Cette touche noire ici, qui se situe entre un do et un ré, ici, on peut appeler cela un do dièse parce qu'elle est plus haute que le C. Mais on peut aussi l'appeler un ré bémol parce que c'est un pas plus bas que le D. Cela peut être un peu confus et je vais voir comment déterminer le nom à utiliser pour y faire référence lorsque nous arriverons à la section des touches et des échelles. Mais prenons un autre exemple. Cette touche noire située juste entre le D et le E serait appelée D-dièse parce qu'elle est plus haute que le ré ou elle peut être appelée mi bémol parce qu'elle est inférieure au E. La distance entre deux notes quelconques sont appelées intervalles. Il peut s'agir de demi-pas, c' est-à-dire de demi-tons, ou de pas entiers, c' est-à-dire de tons entiers. passage d'une touche à la touche adjacente suivante s'appelle un demi-pas. Passer du do au do dièse serait un demi-pas. Il s'agit le plus souvent d'une touche blanche à une touche noire, comme je viens de vous le montrer ou vice versa, d'une touche noire à une touche blanche. C'est aussi un demi-pas. La demi-étape correspond à la touche adjacente suivante. Les seules exceptions à ces règles seraient lorsque vous passez d'un B à un C, ici même, B à un C, ou d'un E à un fa, car il n'y a pas de touche noire entre ces notes. Car une étape complète, si nous pensons mathématiquement, serait deux demi-pas, parce que deux moitiés forment un tout. Par exemple, passer d'un C à un D serait une étape complète car il s'agit de passer d'un demi-pas à un autre demi-pas. Deux moitiés forment un tout. Du C au D, c'est donc une étape complète. D vers un E serait une autre étape complète. E vers un F ne serait qu'un demi-pas car il passe à la touche adjacente suivante et qu'il n'y a pas de touche noire au milieu. Il s'agit d'un concept très important à comprendre car la théorie musicale est construite autour la relation entre ces demi-pas et ces pas entiers pour différentes notes. Nous avons abordé de nombreuses notions de base très fondamentales sur le solfège dans cette leçon. Nous avons expliqué ce que sont les octaves, qui sont des notes répétées à des notes répétées, et il y a 12 notes entre chaque octave. Nous avons appris ce que sont les demi-pas, qui sont des étapes se déplaçant vers des touches adjacentes et nous avons appris ce que sont les pas entiers, c' est-à-dire deux demi-pas, donc passer de la touche blanche à la touche blanche ou au noir touche à touche noire ou ces deux exceptions entre un B et un C et un E et un fa, qui ne sont que des demi-pas car il n'y a pas de notes adjacentes entre elles. N'hésitez pas à faire une pause ici et à jouer sur le clavier de votre piano. Dans votre classeur, vous trouverez une octave de clavier de piano avec toutes les touches blanches et noires étiquetées de manière à faire référence. Dans la leçon suivante, nous allons explorer les clés et les échelles. Je vous y verrai tous. 4. Clés et échelles: Apprenons-en plus sur les clés et les échelles. Une touche musicale, utilisons la tonalité de do par exemple, est un groupe de notes où le do est la base principale ou la note racine pour laquelle les autres notes sonneraient bien ensemble. Considérez la clé comme un guide pour savoir quelles notes se combinent dans un morceau de musique. Une échelle est le groupe réel de notes qui font partie de la clé. En général, la plupart des musiques actuelles sont basées sur ce que nous appelons une gamme majeure ou mineure. Son de gamme majeure Les gammes mineures joyeuses semblent plus tristes et mélancoliques. ces deux échelles sont considérées comme des échelles heptatoniques. Hepta signifie sept, donc ils ont chacun sept notes dans leur gamme, 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7 et la huitième se répéterait sur la même note. Apprenons dans la tonalité de C. Voici une note de do, et ce sera une note racine dans la tonalité de C. La gamme de do majeur comprend sept notes commençant par le do, donc do, D, E, F, G, A, B, puis revenons au do. N'oubliez pas que lorsque nous montons les touches blanches, où se fait l'ajout de différentes lettres ? Comme vous pouvez l'entendre, les six autres notes de la gamme sonnent toutes très bien. Avec cette note racine, sonnent toutes très bien. Avec cette note racine n' y a aucune dissonance évidente dans la façon dont cette gamme sonne. Regardons la formule qui m'a permis d'obtenir ces six autres notes de la gamme de do majeur. Chaque gamme majeure suit le même schéma entre les notes. Le motif est entier, entier, moitié, entier, entier, moitié, entier, à moitié, entier, à moitié entière. Cela fait référence à l'intervalle, soit une demi-note soit une note entière au-dessus de la note racine. commençant par la note de base C. Je vais monter d'un pas entier vers D autre pas complet vers E, un demi-pas vers F, pas entier vers G, un pas entier vers A, un pas entier vers B puis une autre moitié revenez à C entier, moitié entière, entière, moitié entière. C'est la formule pour chaque gamme majeure, pour chaque touche que nous voulons jouer. J'aime enseigner en utilisant la touche de do parce que c'est une touche très décontractée. Toutes les notes la gamme ne sont que des touches blanches donc c'est super facile à apprendre et très facile à utiliser. Mais nous pouvons suivre la même formule pour n'importe quelle autre clé et créer une autre échelle majeure. Refaisons-le pour la tonalité de fa dièse et souvenons-nous qu'une touche de la dièse signifie qu' elle se trouve un cran au-dessus de la note de base, donc un fa dièse serait juste un demi-pas au-dessus du fa, qui se trouve juste ici. Voici F, F-sharp serait celui juste au-dessus. Je vais commencer par F dièse et je vais faire un pas en sol dièse, pas en A dièse, un demi-pas en B. Tout le pas en do dièse, pas entier en ré dièse, pas entier en mi dièse et ensuite Un demi-pas en arrière vers F-Sharp. Une autre échelle majeure en fa dièse. Maintenant, vous remarquerez que j'ai appelé cette touche ici, le E-sharp, bien que nous la connaissions également sous le nom de F. C' est parce que lorsque nous nommons des notes dans une gamme, nous ne voulons utiliser des lettres qu'une seule fois, c'est pour aider pour éviter toute confusion, mais techniquement, oui, je pourrais aussi appeler cela fa dièse, la bémol, la dièse B , do dièse, mi bémol, fa dièse Mais cela deviendrait très confus. Il vaut mieux considérer les sept notes comme sept lettres différentes l'alphabet afin de ne jamais confondre l'échelle dans laquelle nous nous trouvons réellement. En plus d'apprendre les lettres associées à chaque note d'une gamme, il est également important de bien identifier le nombre ou le degré associé à chaque note de la gamme. Revenons à la gamme de do majeur, elle est un peu plus facile à utiliser, et déterminons le degré de chaque note de la gamme. C'est aussi simple que l'association de lettres. Dans la gamme de do majeur, nous appelons la note racine la note unique donc le do est la note et chaque note au-dessus augmente d'un degré. C serait l'un, D serait les deux, E serait les trois. F serait le quatre. G serait le cinq, A serait le six, B serait le sept et C encore une fois, nous allons revenir à un. Connaître les degrés devient extrêmement utile plus tard lorsque nous construisons des accords et des progressions d'accords. En guise de remarque, je tiens à mentionner qu'il existe de nombreuses autres gammes vous pouvez jouer pour n'importe quelle touche. Il y a la gamme japonaise, pentatoniques, les gammes de bleus, les gammes indiennes et c'est parce que n'oubliez pas les gammes ne sont que des groupes de notes qui se trouvent dans la tonalité. Mais je recommande d'apprendre d'abord les gammes principales car elles constitueront le concept fondamental qui facilitera l'apprentissage des autres échelles plus abstraites. Nous avons abordé de nombreuses notions de base sur les tonalités et les gammes, et plus particulièrement sur la façon d'identifier et de jouer les notes d'une gamme majeure pour une tonalité donnée en utilisant cette totalité, cette moitié, cette totalité, cette totalité demi-motif. Je recommande vivement de faire une pause ici avant de passer à autre chose et d'expérimenter l'identification de différentes échelles majeures. Dans votre classeur, vous trouverez la gamme de formule principale et n'oubliez pas qu'il existe 12 gammes majeures au total qui correspondent aux 12e notes uniques de chaque octave. Idéalement, vous devriez être capable de maîtriser toutes les gammes, mais commençons par plus petit, entraînez-vous simplement à identifier trois gammes principales différentes et, pendant que vous vous entraînez, réciter les lettres à haute voix et les degrés de chaque note de la gamme pour vraiment comprendre la relation entre la gamme principale. Par exemple, je dirais C un, D les deux, B les trois, F les quatre, G les cinq, A les six, B les sept, puis encore C, un. Dans la leçon suivante, nous aborderons les mineurs relatifs. Je vous verrai alors. 5. Mineur: Apprenons-en plus sur les échelles mineures. Tout comme il y a 12 gammes principales pour chaque touche, il existe également 12 échelles mineures pour chaque touche. Maintenant, tu pourrais commencer à te sentir un peu dépassé, genre, ça fait beaucoup de balances à apprendre. Mais ne vous inquiétez pas, vous avez déjà appris les 12 gammes mineures. En effet, pour chaque échelle majeure, il existe ce que l'on appelle une échelle mineure relative. Cela signifie que pour n'importe quelle tonalité, les sept notes de la gamme majeure sont également les mêmes sept notes d' une gamme mineure correspondante. Tu ne me crois pas ? Expérimentons et découvrons. Pour déterminer la gamme mineure relative, commencez par la note racine de n'importe quelle gamme majeure et descendez de trois demi-pas. Si je pars d'une gamme de do majeur, ma note de base serait Do, et que je descends trois demi-pas, 1, 2, 3, j'arriverai sur un A. Cela signifie la gamme mineure relative de do majeur est en la mineur. Maintenant, si je joue exactement la même gamme de do majeur, mais que je pars de la note de base de la, j'obtiendrai en fait une gamme mineure. [MUSIQUE] Une autre façon de déterminer la gamme mineure relative est de se rappeler qu' il ne s'agit que du sixième degré de la gamme majeure. Encore une fois, si je pars du do, mien, et que je monte de six degrés, souvenez-vous de 1, 2, 3, 4 , 5, 6, j'arriverai aussi en La mineur. Comme vous pouvez le constater, toutes les notes de la gamme relative mineure sont les mêmes que celles de sa gamme relative majeure. Le do majeur sonne comme ceci [MUSIQUE]. Une gamme relativement mineure commençant par A, parce que nous avons descendu trois demi-pas, 1, 2, 3, ressemble à ceci [MUSIQUE]. Cool, non ? Exactement les mêmes notes, mais si nous partons d'un A, nous obtenons cette gamme plus triste et effrayante. [MUSIQUE] Tirons parti de ce que nous savons et recommençons pour une autre tonalité. Faisons-le pour la gamme de ré majeur. N'oubliez pas que pour une échelle de ré majeur, nous voulons utiliser la formule : entier, moitié entière, moitié entière, moitié entière. partant d'un D, je faisais un pas entier vers E, pas entier vers un fa dièse, demi-pas vers le sol, un pas entier vers A, un pas entier vers un B, pas entier vers le do dièse, puis un demi-pas pour revenir en D. [MUSIQUE] Maintenant, pour trouver la mineure relative, nous prenons le sixième degré de ré, qui sera 1, 2, 3, 4, 5 , 6, donc ça va être un B. La mineure relative de ré majeur [MUSIQUE] va être en si mineur. Je peux utiliser exactement les mêmes notes que celles que je viens trouver dans la gamme de ré majeur, et je les jouerai à partir de B. [MUSIQUE] Comme vous pouvez le voir, apprends simplement toutes les gammes majeures. En fait, nous avons déjà appris toutes les échelles mineures relatives. N'oubliez pas de déplacer la note de base au sixième degré ou descendre de trois demi-pas par rapport à la base d'origine, puis nous obtiendrons une gamme mineure. Maintenant que vous savez comment trouver la gamme mineure relative de n'importe quelle gamme majeure, je vous recommande de faire une pause avant de passer à la leçon suivante. Dans votre classeur, vous trouverez une autre page contenant la formule permettant de trouver la clé mineure relative. Prenez le temps de vous entraîner et de découvrir trois gammes mineures relatives parmi trois nouvelles gammes majeures N'utilisez pas les trois que vous avez apprises dans la dernière leçon. Essayez de voir si vous pouvez trouver d'autres modèles pendant que vous expérimentez et pratiquez vous-même. Je vous verrai dans la prochaine leçon. 6. Les accords: Apprenons-en plus sur les accords. Les accords ne sont qu'un ensemble de notes jouées en même temps. En général, si vous jouez un groupe de notes avec la même tonalité, ce sera un accord. Mais nous allons aller un peu plus loin, afin que vous puissiez comprendre pourquoi certaines notes sonnent mieux ensemble que d'autres. Le type d'accord le plus élémentaire est la triade. Une triade signifie trois, ce qui signifie qu'il y a trois notes dans un accord. Dans la tonalité de do majeur, la triade de do serait la note de base du do. Vous joueriez la troisième, puis la cinquième. Vous jouez une note, vous en sautez une, jouez une autre note, vous en sautez une, jouez une autre note. Mettez-vous à l'aise avec la forme de cet accord. Utilisons cette structure d' accords en triade pour apprendre le reste des accords de la tonalité de do majeur simplement en de do majeur simplement en remontant cette structure vers le haut de la gamme. D'abord, il y a l'accord de racine en do, puis nous passons aux deux, qui est le ré, puis le troisième est un mi, quatrième en fa, le quatrième en fa, les cinq seraient un accord de sol, le sixième serait un accord de A, septième serait un B, puis de retour à un C. Il est important de se rendre compte que tous les accords que je viens de jouer, même s'ils sont des accords individuels uniques, font tous partie de la tonalité de do. C'est pourquoi la numérotation par degrés est si importante. C'est pourquoi il est utile d'être très rapide et de comprendre les associations de chiffres et de lettres lorsque nous apprenons des clés. Dans la tonalité de do, nous avons un accord de ré, un accord de mi, un accord de fa, un sol, un A et un si , mais ils font tous partie du C. Par exemple, cet accord de ré est le double accord du do de la tonalité, parce que la deuxième note est un ré, et nous jouons un accord à deux. Cet accord de fa sera également connu sous le nom d'accord à quatre dans la tonalité de do, car le fa est le quatrième degré. 1, 2, 3, 4. Maintenant, écoutons un peu plus attentivement les deux accords que je viens de jouer, l'accord de ré et l'accord de fa. Ce sont toutes les deux des triades, mais l'une semble heureuse dans l'autre plus triste. C'est parce que l'un est un accord majeur et l'autre est un accord mineur. Décomposons la formule pour déterminer quels accords sont majeurs et quels accords sont mineurs. Jouer cette triade F semble heureux, donc c'est une triade majeure. Toutes les triades principales suivent le même schéma de quatre demi-tons , puis de trois demi-tons. 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4 puis trois. Pour en faire un accord mineur, suffit de le retourner. On fait trois, puis quatre. 1, 2, 3, 1, 2, 3, si majeur, puis un mineur, on le laisse tomber. Accord majeur quatre puis trois, accord mineur, trois puis quatre. Une autre façon de s'en souvenir serait simplement de baisser la touche du milieu d'un demi-pas. Très bien, donc c'est la formule pour une triade majeure et une triade mineure. Si nous revenons à la tonalité de C, je vais rejouer toutes les triades dans l'ordre et, cette fois, faire attention aux degrés que je joue qui sont des triades mineures ou triades majeures. L'un nous donne un do majeur, les deux nous donnent un ré mineur, les trois nous donnent un mi mineur, les quatre nous donnent un fa majeur, les cinq nous donnent un sol majeur, les six nous donnent un la mineur. Souvenez-vous de la relative mineure en do majeur. La septième nous donne en fait cet étrange accord diminué. C'est parce qu'au lieu du 3-4 ou du 4-3, celui-ci est en fait un 3-3. 1, 2, 3, 1, 2, 3. Vous avez touché une corde diminuée. Les accords diminués sont un peu plus complexes et confus à comprendre, donc pour les besoins de ce cours, je ne vais pas les toucher. Ensuite, on en revient à un C. Cool. Dans chaque gamme majeure que nous jouons, nous obtenons le même schéma de triades majeures et mineures lorsque nous montons les degrés de la gamme. Majeur, mineur, mineur. Majeur, majeur, mineur, diminué. Encore une fois, majeur, mineur , majeur, majeur, mineur, diminué. Reprenons avec un ré majeur sur un, un deux serait un mi mineur, les trois seront un fa dièse mineur, les quatre seront en sol majeur, les cinq seront en la majeur. Le sept sera un do dièse diminué. Puis revenons à un D pour un. Majeur mineur, mineur, majeur, majeur, mineur, diminué. En solfège, les accords majeurs sont notés en chiffres romains majuscules et les accords mineurs en minuscules. Cette notation pourrait également être simplifiée pour ressembler à ceci, avec un I majuscule, une minuscule ii, une minuscule iii, majuscule IV, une majuscule V, une minuscule vi, puis un 7 diminué. lettre majuscule, qui signifie un accord majeur, et une lettre minuscule, un accord mineur. Très bien, donc j'ai juste abordé de nombreuses informations sur les accords. Les accords sont les éléments de base des chansons et il est très important de les maîtriser. Avant de passer à la leçon suivante, entraînez-vous à jouer les sept triades pour différentes gammes majeures. Comme si je referais F , donc F, G, A Soyez vraiment à l'aise avec les triades pour différentes gammes et partez à la voile s'il s'agit d'une triade majeure ou mineure, et aussi le degré de cette triade que tu joues à cette échelle. Recommencez pour au moins trois touches différentes. Réessayez ensuite en redescendant la balance pour voir si vous pouvez toujours le dire à haute voix au fur et à mesure. Je vais le démontrer ici. Nous avons un, C, puis les sept diminués B. Ensuite, A sera le sixième mineur. Le sol serait le cinq majeur, le fa serait le quatre majeur, le E serait les trois mineurs, le D serait les deux mineurs, puis revenait au do, qui est le seul majeur. Très bien, entraînez-vous et je vous verrai dans la prochaine leçon. 7. Les progressions d'accord: Dans la dernière leçon, nous avons découvert la relation entre les notes de la gamme lorsque nous les transformons en accords de triade. Passons maintenant à la partie que vous attendiez tous, en rassemblant tout ce que nous avons appris jusqu' à présent pour créer des progressions d'accords. Les progressions d'accords, la façon dont nous assemblons les chansons. Si l'on pense à n'importe quelle chanson, il y a juste une série d'accords dans la tonalité joués selon un rythme particulier. n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon de créer une progression d'accords. La théorie musicale n'est pas une règle pour votre musique. Je préfère le voir comme un outil. Comprenez la relation entre façon dont certains accords sonnent ensemble lorsqu'ils sont joués en progression et utilisez-les pour créer des chansons qui, selon vous, sonnent bien. Entraînons-nous à faire une progression d'accords dans la tonalité de C. Souvenez-vous de la leçon précédente que les triades de la gamme majeure par degré sont les suivantes : Majeur 1, Mineur 2, Mineur 3, Majeur 4, Majeur 5, Mineur 6, diminué de 7, Major 1. Pour faire une progression d'accords, il suffit de choisir un arrangement ou une variation de ces différents degrés numériques et de les jouer en série. Par exemple, faisons l'une des progressions d' accords les plus courantes dans la tonalité de do , à savoir 1, 4, 5, 1. Cela ressemblerait à ceci 1, 4, 5, 1, Cool. C'est une progression d'accords. Faisons-en un autre. Je vais juste choisir au hasard quelques numéros, 2, 5, 6, 1. Comme vous pouvez le constater, vous pouvez créer n'importe quelle variation de progression d'accords dans n'importe laquelle des 12 touches, les options sont pratiquement illimitées. Les progressions d'accords peuvent être longues, courtes, c'est à vous de décider. N'oubliez pas que créer des progressions d'accords deviendra beaucoup plus facile une fois que vous aurez vraiment maîtrisé les bases de la compréhension de la relation entre les triades et les degrés qui ils sont associés à. Sachant ce qu'est un 2, 4, 5, nous pouvons de manière fluide sur place différentes variations et créer plein de types de chansons différents. Maintenant que nous avons appris à faire des progressions d'accords, ce qui consiste simplement à saisir différents degrés et à les assembler, il est temps de continuer à élaborer votre projet de classe. Pour votre projet de classe, créez une progression d'accords qui vous convient. Il peut s'agir d' une progression d'accords originale que vous pouvez créer pendant que vous expérimentez, ou vous pouvez rechercher une progression d'accords de l'une de vos chansons préférées. Notez les accords, jouez-les et déterminez progression d'accords qu' ils ont utilisée dans la chanson que vous aimez vraiment. Si vous le faites au fil du temps, vous constaterez que la plupart des musiques utilisent des progressions d'accords très simples mais qui provoquent des émotions. Par exemple, l' une des progressions d'accords les plus connues est appelée 2, 5, 1 parce qu'elle produit un son très résolvant allant de cinq à un. L'un de mes préférés est de passer de deux à quatre, puis à cinq, puis à un. Ajoute un peu plus de suspense. Cela prolonge la tension que nous sommes en train de créer en passant de quatre à cinq, puis à un. Quoi qu'il en soit, allez-y, entraînez-vous , essayez de trouver différentes progressions d'accords que vous aimez, et ce concept sera développé plus en détail dans la leçon suivante. 8. Inversions: Maintenant que nous avons les bases des accords et des progressions d' accords, apprenons-en plus sur les inversions. Nous pouvons créer des inversions de n'importe quel accord en déplaçant la note de fond [BRUIT] de cet accord vers le haut d'une octave. [MUSIQUE] Cela nous permet d'utiliser les mêmes notes dans l'accord, mais cela crée un son et une saveur différents de ceux de cet accord. Ce que je viens de jouer là-bas était une triade en do majeur. [BRUIT] Je vais faire une première inversion en déplaçant la note de fond, la note de fond, le haut d'une octave. [BRUIT] Ceci est maintenant considéré comme une première inversion. Je peux le refaire et déplacer la nouvelle note de fond, qui est maintenant un mi, vers le haut d'une octave également. [BRUIT] C'est ce qu'on appelle une deuxième inversion. Bien sûr, si je le faisais encore une fois, déplaçant la note du bas vers le haut, je reviendrais simplement à la triade en do majeur [NOISE] d'une octave. Refaisons-le pour une triade en la mineur, la relative mineure en do majeur. Voici la triade en La mineur. [MUSIQUE] Je vais faire une première inversion en remontant la note de fond d'une octave. [MUSIQUE] Je vais le refaire pour en faire une deuxième inversion en déplaçant la note inférieure suivante d'une octave vers le haut. [MUSIQUE] Nous pouvons même jouer en inversant la note de basse de l'accord si nous jouons à deux mains. Si je joue toujours un la mineur ici, je peux simplement jouer le La mineur avec la note de basse, [MUSIQUE] ou je peux jouer en inversant la note de basse jusqu'à la première inversion ou le deuxième inversion. [MUSIQUE] Comme vous pouvez l'entendre, toutes ces variations ont une ambiance légèrement différente de leur sonorité, mais j'utilise toujours les mêmes notes. Ce sont toutes les bases des inversions. Nous pouvons désormais ajouter inversions à nos progressions d'accords pour créer nouveaux accords sonores qui rendent notre musique beaucoup plus intéressante. Un autre avantage de l'utilisation des inversions est que cela nous facilite la tâche , car nous n'avons pas à les déplacer aussi loin pour jouer ces triades, et nous pouvons simplement créer des accords plus proches les uns des autres. Par exemple, jouer une progression de triades de I à IV ressemblera à ceci. [MUSIQUE] V, IV. Mais si je joue avec quelques inversions, je peux jouer la même triade qui ressemble à ceci. [MUSIQUE] Cela sonne tellement différemment, même s'il s'agit exactement des mêmes accords joués à l'envers, et c'est aussi beaucoup plus facile à jouer puisque ma main n'a pas eu à bouger complètement pour frapper des notes différentes. En tant que producteur de musique, l'utilisation des inversions est un moyen très puissant de maintenir les instruments dans leur gamme de fréquences. Parce que lorsque nous mixons de la musique, nous voulons généralement que les sons de basse n' occupent que leurs basses fréquences, nous voulons que les synthétiseurs, les guitares ou autres instruments occupent les fréquences moyennes, et nous Je veux que notre voix capte les fréquences moyennes et hautes. L'utilisation d'inversions pendant que nous jouons nous permet de séparer et créer plus de clarté dans nos mixages. Mais encore une fois, rappelez-vous qu'il n'y a pas de règles en théorie de la musique. Si vous aimez le son de vos accords lorsqu'ils sont répartis sur tout le clavier, c'est totalement cool. C'est à vous de décider comment vous voulez que votre musique sonne. Avant de passer à la leçon suivante, revoyez votre projet de classe. Vous devriez déjà avoir une progression de base pour la chanson que vous voulez écrire, et maintenant vous pouvez la pimenter en ajoutant quelques accords inversés pour créer une ambiance différente. Jouez avec elle pendant un moment et je vous verrai tous dans la prochaine leçon. 9. Mélodies: Parlons des mélodies. La mélodie d'une chanson est la phrase musicale entraînante qui se trouve au-dessus des accords. Dans la plupart des musiques, la mélodie se trouve plus haut dans le mix et les accords, de sorte qu'elle ressort clairement à nos oreilles. De la musique au chant et au chant, c'est généralement ce que nous chantons avec la mélodie. Mais même dans les morceaux instrumentaux, il existe généralement une sorte de mélodie qui aide à faire avancer la chanson et à vous donner cette histoire émouvante à suivre. Pour trouver une mélodie qui s'inscrit au sommet de notre progression de base, vous n'avez pas seulement à vous en tenir aux nœuds qui se trouvent dans l'accord car cela semble assez ennuyeux. Je vais juste jouer un 1451 en do majeur mais je vais uniquement utiliser les nœuds du refrain pour jouer la mélodie et voir à quel point cela semble ennuyeux. Ça a l'air plutôt fade, assez ennuyeux, comme si c'était « Lego Movie » ou quelque chose comme ça. Nous voulons y ajouter un peu plus de créativité. Une meilleure façon de penser aux mélodies est qu'en général, vous pouvez utiliser tous les nœuds qui se trouvent dans la tonalité que vous jouez pour créer des mélodies. Encore une fois, si j'utilise cette progression de 1451, je peux utiliser toutes les notes de la mélodie dans la tonalité de C. Vous avez beaucoup plus de marge de variation et vous pouvez créer des mélodies beaucoup plus intéressantes qui fonctionnerait avec la progression des accords que vous jouez. L'utilisation de notes situées en dehors des triades que vous jouez est appelée notes de passage Ce sont des nœuds qui se trouvent à l'extérieur de l'accord mais qui sont toujours dans la tonalité de do majeur. Il est généralement préférable d'utiliser des notes situées en dehors de la touche si vous essayez d' atteindre une note en particulier. Par exemple, si je voulais passer de ce fa à un sol, lorsque je suis passé de l'accord à quatre accords à l'accord à cinq, je peux utiliser ce fa dièse comme note de passage trille. N'oubliez pas qu'il n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon d'écrire de la musique, mais écrire mélodies est notoirement difficile à faire pour les artistes. En tant qu'artiste, il est toujours difficile de trouver quelque chose d' original et d'accrocheur, qui ne se déroule pas toujours de cette façon, mais plus vous pratiquez et plus vous écrivez de chansons , Plus vous aurez de chances de toucher joyau doré d'une mélodie qui restera gravée dans votre tête pendant des jours et des jours. Un autre conseil pour écrire des mélodies est écouter certaines de vos chansons préférées, certaines des mélodies que vous aimeriez le plus, les comprendre sur le clavier lui-même avec la progression des accords puis découvrez la combinaison à utiliser pour créer cette mélodie et imitez et contournez cette mélodie pour créer quelque chose pour vous-même. Je voudrais vous donner quelques conseils pratiques supplémentaires façon dont je pense à l' écriture de mélodies. La première est que les mélodies plus simples sont souvent préférables car si nous avons moins de notes, il y a plus de place pour que ces notes soient très expressives. L'un de mes exemples préférés pour une mélodie très expressive forte est la mélodie de Hans Zimmer dans Superman. n'y a que quelques notes qui sont jouées dans cette mélodie mais la façon dont elle laisse de la place au cours pour , mais la façon dont elle laisse de la place au cours pour vraiment s'allonger lui donne tellement d'expression que s'il s' agissait d'une mélodie. Parfois, les mélodies qui sont trop rapides et qui sautent trop souvent ne restent pas vraiment dans votre tête et elles sonnent un peu incohérentes. Le conseil suivant pour écrire des mélodies est créer une mélodie de type appel et réponse ce qui signifierait quelque chose comme si vous aviez une séquence de trois notes comme mélodie, vous pouvez y répondre une séquence de trois notes différente. Par exemple, ça peut être comme. Cette idée d'appel et de réponse est constituée de ces trois notes. L'appel est quelque chose qui introduit une question comme une idée et la réponse serait similaire , mais cela reviendrait à la faire redescendre. L'appel et la réponse peuvent être utilisés pour construire une idée et la partie réponse développe cette idée pour compléter la phrase. Quand je pense à écrire des mélodies, c'est comme raconter une histoire, quand tu poses une question, tu obtiens une réponse, quand tu mets quelque chose dans ton histoire, quelque chose d'autre se passe. Appel et réponse, cause et effet, c'est vraiment ainsi que nous racontons des histoires avec la musique que nous écrivons. Le prochain conseil pour écrire des mélodies est ce que j'appelle tension et relâchement. Semblable à la réponse en colonne, où vous publiez quelque chose et vous vous attendez à ce que quelque chose revienne, une sorte de réponse, mais la tension provoque en fait cette frustration qui nous attendons que quelque chose se résolve de lui-même dans la mélodie. L'une de mes méthodes préférées est de simplement maintenir les notes dans vos mélodies jusqu'à ce que la progression des accords revienne à une note ou à une autre. Par exemple, je peux faire même progression en 1451 que celle que j'ai faite dans cette vidéo. Même si je tenais juste cette note de do en haut, elle continuait à ajouter de la tension fur et à mesure que je l'ai construite avec ces quatre et ça fait cinq accords , puis ça s'est finalement résolu à nouveau sur un accord sur le même , mais j'ai créé des tensions jusqu'à ce qu'elles disparaissent Le dernier conseil que je voudrais donner pour n'importe quelle mélodie est de terminer votre mélodie sur une note qui se trouve dans l'accord. Ce n'est pas du tout une règle absolue, c'est juste quelque chose que j'aime faire parce que je pense que terminer vos mélodies sur les notes l'accord ramène vraiment la boucle. Si nous adoptons cette idée de tension et de relâchement, la sortie sera bien plus satisfaisante si elle se termine sur une note qui se résout complètement sur un accord que nous aimons. Sonnerie très satisfaisante. Maintenant, vous savez comment je m'y prends pour réfléchir et créer des mélodies pour des chansons, alors allez-y et commencez à vous entraîner. Dans la leçon suivante, nous allons présenter la dernière pièce du puzzle, à savoir le rythme qui permet de tout assembler. 10. Rythme: Maintenant, nous avons expliqué ce que sont les notes et comment elles sont liées aux gammes et aux tonalités Nous avons également expliqué comment combiner notes de la gamme en accords pour créer des progressions qui servent de ce fondement de notre musique. Mais l'élément clé qui manque encore est le rythme. Le rythme nous aide à déterminer comment savoir quand une note va être jouée. Combien de temps durera une note individuelle ? rythme fait en sorte que notre musique soit vibrante qu'elle se bouscule, qu'elle avance et qu'elle ait un certain rythme, quelque chose sur lequel nous pouvons danser, quelque chose dans lequel nous pouvons nous perdre et transe vers. Lorsque nous réfléchissons au rythme en solfège, nous utilisons ce que l'on appelle le système de comptage. La musique est divisée en intervalles régulièrement espacés appelés barres ou mesures. Chaque barre ou mesure est ensuite divisée en battements. Le type de rythme le plus élémentaire est le 4/4. Si je compte un rythme jusqu'à 4/4, ça sonnerait comme ça, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Chacun de ces comptes, 1, 2, 3, 4 est un battement. Quand je reviens à l'une d'elles, c'est le début de la mesure suivante, ou de la barre suivante. 1, 2, 3, 4, c'est une barre, maintenant nous passons à la barre suivante, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Quatre battements par barre, c'est pourquoi j'ai répété les comptes au fur et à mesure que j'arrivais à quatre. Maintenant, si je tiens un accord qui dure les quatre comptes, on parle de note entière parce qu'il occupe toute la mesure. 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Si je tiens l'accord et qu'il ne prend que deux temps, cela s'appelle une demi-note parce que deux temps représentent la moitié de la mesure. 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Si je joue un accord et qu' il n'obtient qu'un seul compte, cela s'appelle une note de quart parce que c'est le quart de la mesure. 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Nous pouvons également continuer à diviser ces battements de plus en plus petits. Si je tiens un accord deux fois moins long qu'une note de quart, cela s'appelle une huitième note parce que la moitié d'un quart, dans le système de comptage, nous l'appelons un et deux, trois et quatre et, en ajoutant cela et c'est la demi-note. Si je joue ça, ça sonnerait comme ça. Un et deux et trois et quatre, et un et deux et trois et quatre et. Allons encore plus loin. Si nos notes sont deux fois moins longues qu'une huitième note, ce sont des notes de 16e. Ce qui signifie que 16 de ces notes se trouvent dans une seule barre. En termes de comptage, nous appelons cela 1 e&a, 2 e&a, 3 e&a, 4 e&a, 16. Si on joue ça, ça sonnerait comme ça. 1 e&a, 2 e&a, 3 e&a, 4 e&a,1 e&a, 2 e&a, 3 e&a, 4 e&a. Revenons aux notes de huitième ; une et deux et trois et quatre et un et deux et trois et quatre et. Sortir aux notes de quart, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Demi-notes, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Notes entières, 1, 2, 3, 4. Théoriquement, vous pouvez continuer à diviser vos mesures selon les intervalles que vous voulez, n'est même pas nécessaire qu'il s'agisse de nombres pairs, il y a des choses comme des triplets que je peux diviser en tiers. Un. Je n'ai jamais vraiment dépassé les 16e notes quand j'écris de la musique, moins de faire un peu de remplissage de batterie qui nécessiterait une 32e ou une 64e note, mais celles-ci sont si rapides que c'est presque comme du bégaiement sons. Mais de toute façon, revenons à cette idée de 4/4. Le 4/4 est ce que nous appelons la signature temporelle. Le chiffre du haut indique nombre de battements qu'il y a par mesure, le chiffre du bas indique la durée du battement réel. Quatre. Cela signifie qu'il y a quatre battements dans la mesure, et c'est pourquoi nous avons compté jusqu'à quatre, 1, 2, 3, 4. Le chiffre inférieur de quatre signifie que chaque battement fait 1/4 d'une note entière, donc un quart de note. Il existe de nombreux autres types de signatures temporelles comme 3/4, 6/8 ou 2/2. Ils sont un peu plus avancés, donc pour les besoins de ce cours, ne vous inquiétez pas pour eux, restons simplement au 4/4 classique, apprenons les bases, puis une fois que vous serez devenu bon en comprenant comment fonctionne cette signature temporelle, vous pouvez expérimenter ces signatures plus complexes. Maintenant que nous savons comment compter les rythmes, il ne nous reste plus qu'à jouer nos progressions de code et nos mélodies pendant que nous comptons. Nous pouvons faire jouer nos instruments, notre batterie, nos sons, nos cris, ce que vous voulez, sur les rythmes ou n'importe où entre les temps. Par exemple, je peux jouer un accord de note entière à jouer sur le rythme, ou on l'appelle sur une note, donc 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Mais je peux aussi jouer les accords de la note complète au compte 3 du temps, donc c'est un peu plus décalé. Ce serait comme ça, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Les notes sont de la même longueur, simplement jouées sur un nombre différent de la mesure. Sachez que vous pouvez mettre vos notes vos accords ou vos sons de batterie sur n'importe quel rythme ou entre les temps, et cela vous aidera à créer groove que vous souhaitez pour vos chansons. Savoir compter est incroyablement utile, surtout si vous envisagez de faire du DJ ou si vous envisagez d'introduire de la batterie dans vos chansons. Si vous vouliez compter avec une batterie, le schéma de batterie le plus courant serait une batterie à un et trois temps, et une caisse claire ou à clap aux deux et quatre temps. Ça sonnerait quelque chose comme ça, 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4. Si vous vouliez y ajouter des chapeaux, les chapeaux seraient des notes de huitième. Les chapeaux sonneraient quelque chose comme ça, un et deux et trois et quatre et un et deux et trois et quatre et. Une fois que vous êtes à l'aise avec ce rythme, vous commencez à essayer donner des coups de pied sur différents , entre les comptes, peut-être même en ajoutant des caisses claires ou différents toms au mix. La dernière chose que je veux aborder ici est le tempo. Le tempo fait référence au nombre de battements par minute ou par BPM. Plus le tempo est rapide, plus la chanson est rapide. C'est à vous de décider du rythme que vous souhaitez donner à vos chansons. Les chansons plus rapides appartiennent généralement à des genres tels que la house music, le dubstep ou le hip hop, tandis que les chansons plus lentes appartiennent davantage au R&B ou au Lo-Fi. Expérimentez et trouvez le rythme idéal pour votre chanson. 11. Synthèse: Félicitations pour avoir atteint la fin du cours. Nous avons tellement abordé la théorie de la musique que vous avez maintenant toutes les connaissances nécessaires pour commencer à créer des chansons en 5D. Maintenant que vous disposez de tous les outils dont vous avez besoin, je vous encourage vivement à publier votre projet de classe afin que les autres élèves puissent voir et apprendre de vos yeux et de vos oreilles créatifs. Pour votre projet de classe, téléchargez un enregistrement de votre progression principale inversé avec ou sans mélodie sur le dessus. J'ai hâte de les écouter et de vous faire part de vos commentaires. N'oubliez pas que pour devenir confiants et maîtriser le solfège, nous devons pratiquer régulièrement. Ne gaspillez pas les connaissances que vous avez apprises dans le cadre de ce cours, prenez une guitare ou une DAW, et commencez à créer de la musique pour vraiment perfectionner ces compétences. J'espère vraiment que toutes les compétences que vous avez acquises dans ce cours vous permettront de démarrer votre carrière musicale. Que ce soit simplement pour l'apprendre comme passe-temps, vous créiez des chansons pour des vidéos YouTube ou pour du contenu en ligne, ou si vous vouliez simplement un cours de remise à niveau pour vous remettre dans le vif du sujet si tu étais musicien. Encore une fois, merci beaucoup d'avoir regardé J'espère que vous avez appris des choses précieuses et que vous les utiliserez pour commencer à produire vos propres morceaux. Bonne chance.