Teints de peau aux crayons de couleur : introduction au dessin de portraits en couleur

1. Introduction: [MUSIQUE] Il est possible que vous ayez déjà trouvé des œuvres d'art colorées réalistes sur Internet. Imaginez que seuls des artistes très expérimentés et talentueux puissent le faire. Mais pourquoi ne pas essayer pour la première fois avec des exercices conçus pour les débutants ? Bonjour. Je m'appelle Matheus Macedo, je suis spécialisé dans le dessin réaliste et je suis ici pour vous faire découvrir l'art du portrait au crayon de couleur. Dans ce cours, je vais expliquer le processus que je suis en train de suivre pour dessiner des portraits réalistes. Je commence par vous montrer comment choisir parmi les crayons que vous avez, les meilleures couleurs pour dessiner les tons de peau. Pour cela, je vais faire quelques exercices de dégradé abordant différents tons de peau, où vous pourrez pratiquer les techniques de mélange des couleurs et de coloration. Ensuite, je vais décomposer le processus que je poursuis pour dessiner un portrait en couleur en étapes plus petites afin que vous ne vous contentiez pas de répéter ce que je fais, mais que vous compreniez pourquoi j'ai suivi ces étapes. Vous n'avez pas besoin d'expérience préalable en dessin pour assister à ce cours. Je vais vous apprendre à dessiner parfaitement un portrait, même si vous ne savez pas dessiner. En ce qui concerne les matériaux, ils se composent essentiellement de crayons de couleur et de papier. Vous voyez que les matériaux utilisés sont professionnels. Avec les conseils que je vais vous donner, je vous conseille également d'utiliser des outils moins chers et plus accessibles. Dans ce cours, je ne proposerai pas d'exercices avec des textures complexes telles que des taches de rougeurs, des rides ou des pores. Je vais laisser ça pour un autre cours. Comme je l'ai dit, il s'agit d'une introduction au dessin réaliste de peaux colorées. Si vous voulez commencer à dessiner des portraits en couleur , du caoutchouc, des crayons et dessinons. 2. Points abordés: Bienvenue dans ce cours, où nous allons aborder le dessin réaliste de portraits en couleur de la manière la plus pratique et la plus conviviale possible pour les débutants. J'ai divisé ce cours en deux parties. Dans le premier, je vais vous montrer comment choisir les crayons adaptés chaque teint que vous pourriez rencontrer. Pour cela, je vais utiliser cinq visages différents que j'ai choisis comme exemple. Pour chacune de ces photos, je vous invite à colorier avec moi un dégradé en utilisant les couleurs que j'ai sélectionnées pour chacune de ces photos. Dans la deuxième partie, je vais vous montrer comment dessiner un visage du début à la fin et pour cela, j'utiliserai l'une de leurs photos de référence issues de l'exercice de dégradé. Je suis sûr que vous apprécierez cet exercice. Si vous avez des questions, n'hésitez pas à les poser lors la session de discussion et je me ferai un plaisir de vous aider. Mais avant de commencer, je vais parler un peu des matériaux utilisés dans ce cours. 3. Matériel: En ce qui concerne les matériaux, les gars, commençons par les crayons de couleur. Je vais travailler avec les crayons polychromos Faber-Castell. Je les ai choisis parce que ce sont des crayons professionnels de haute qualité. Ils sont faciles à trouver là où j'habite et je peux les acheter en bourse individuellement. Bien sûr, ce ne sont pas les seuls crayons que nous pouvons acheter en stock libre. Les crayons Polychromos sont à base d'huile, ce qui les rend idéaux pour détails car ils ont une mine plus ferme. En revanche, en couvrir de grandes surfaces prend plus de temps. Je vais vous donner une liste des couleurs que je vais utiliser dans ce cours. Certaines de ces couleurs ne sont pas disponibles dans le plus petit ensemble, vous ne les avez donc probablement pas disponibles. Mais ce n'est pas grave. Nous n'avons pas besoin d'utiliser le même crayon que vous et vous pouvez d'ailleurs les choisir parmi différentes marques. D'autres excellents crayons sont Prismacolor Premier et Caran D'Ashe Luminance. Ces crayons sont espacés les uns des autres, ce qui les rend faciles à mélanger mais plus difficiles à détailler. Si vous souhaitez utiliser des crayons professionnels, il est préférable d' acheter des crayons complets individuellement avant d'acheter un ensemble complet, car ils sont plus complets et vous déterminez les options qui répondent à vos besoins. Vous pouvez faire l'exercice de ce cours en utilisant uniquement des crayons bon marché, comme le set classique de Faber-Castell. Avec ces crayons, vous disposez d'une gamme de couleurs plus large pour un prix bien inférieur. Si j'étais débutant, je commencerais par eux. Sachez qu'ils n' utiliseront pas de crayons aquarelle ici. Vous pouvez les utiliser, mais vous devez savoir qu'ils nécessitent une approche différente et ne sont pas les meilleurs pour faire la queue. Pour les dégradés de teint et les échantillons de couleurs, je vais utiliser la face inférieure de ce papier Canson. Il a une certaine texture qui lui permet d' absorber plus de pigments du crayon. En revanche, la finition aura un aspect granuleux, moins lisse. Pour le projet de classe, qui est le portrait, j'utiliserai les poils de la série Strathmore 300. La version en vélin du même cerveau est également très bonne, mais plus texturée. Tu devrais essayer un papier comme celui-ci. Il existe d'autres bonnes options de papier, préférez celles dont le poids est supérieur à 150 grammes par mètre carré et conviennent bien sûr aux crayons de couleur. Une gomme à effacer sera utilisée dans les vidéos des projets de classe, et je pense que c'est un outil utile pour la technique du crayon de couleur car elle permet d'apporter petites corrections et de créer de la texture. Une gomme ordinaire sera utilisée pour certains traits Ils doivent être effacés après avoir tracé le contour et terminé le dessin. N'importe quel taille-crayon fera l'affaire tant qu'il s'adapte au crayon que vous utilisez. Si vous ne savez pas lequel acheter, recherchez un taille-crayon de la même marque que vos crayons. Personnellement, j'aime ces aiguiseurs à manivelle. Ils façonnent la pointe de manière très pointue et ont seul inconvénient de ne pas être portables. Comme les gommes à effacer éliminent les crampes sur le dessin, je pense qu'il est agréable d'avoir un pinceau doux pour éliminer ces crampes sans avoir à souffler et à les renverser sur votre dessin, ce qui ne serait pas pratique. Pour tracer le contour de notre portrait, je vais utiliser une règle, l'une pour tracer la grille et l'autre pour utiliser le couteau utilitaire. Par conséquent, j'ai mentionné un couteau utilitaire pour couper le papier en cas de besoin. Pour tracer le contour, j'utiliserai également un stylo à bille. Le ruban de masquage sera utilisé pour fixer le papier sur le tableau et constituer l'une des méthodes de traçage. Vous me verrez utiliser un crayon HB pour la signature, et un stylo Exilic pour cela également . C'est ça. [MUSIQUE] 4. Échantillons de couleurs: [MUSIQUE] Les gars, dans cette vidéo, je vais vous faire une suggestion. Créez un échantillon de couleurs ou une palette des couleurs que vous aurez. Je suggère de le faire car nous ne voyons les couleurs telles qu'elles sont que lorsqu' elles sont sur le papier. La couleur du bas du crayon peut être un peu trompeuse. Si votre jeu de couleurs est accompagné d'un nuancier imprimé, cela peut également être utile, mais il est toujours préférable de mettre ces couleurs sur le papier. Comme je me concentre ici sur les tons de peau, je vais séparer les couleurs que je considère pertinentes. Je suggère de choisir des tons de rose, d'orange, jaune, d'ocre, de brun, de gris et de noir. Si vous avez beaucoup de couleurs, choisissez simplement celles que vous pensez vraiment utiliser. J'ai tendance à éviter les couleurs trop fortes car je ne pense pas qu' trop fortes car je ne pense pas elles se marient bien avec les tons de peau, à moins que vous n' utilisiez d'autres couleurs pour les désaturer. Moins vous avez de couleurs disponibles, plus vous devez les combiner entre elles. J'ai ensuite rempli les rectangles avec les couleurs qui me semblaient les plus pertinentes. Chaque rectangle mesure trois par centimètre et demi. J'ai choisi un total de 24 couleurs, ce qui est assez fort si l' on considère que toutes peuvent être utiles pour la couleur des tons de peau. Cependant, même ici, dans ce cours, je ne vais pas tous les utiliser. Je ne suggère pas que vous deviez avoir toutes ces couleurs. En fait, cette palette est simplement destinée à vous aider à choisir les couleurs que vous allez utiliser dans le dessin, car vous voyez déjà la couleur sur le papier au préalable. Le fait de disposer d'un échantillon de couleurs vous aide à mieux connaître les outils dont vous disposerez d'ailleurs. [MUSIQUE] Voici ma palette de couleurs, les gars. Je vous recommande de créer votre propre palette avec les couleurs que vous avez. J'espère que cette astuce vous a été utile. Maintenant, je vais vous montrer comment je choisis les couleurs que je vais utiliser dans un dessin. [MUSIQUE] 5. Choisir les couleurs: [MUSIQUE] Dans cette vidéo, je veux vous montrer comment choisir les bonnes couleurs lorsque je dessine des portraits en couleur. Je pense que c'est l'un des plus gros problèmes pour les artistes débutants. Pour ce cours, j'ai choisi cinq références différentes, chacune ayant un teint différent, pour que nous puissions nous entraîner. Pour chacune de ces tonalités, je vais vous donner un nom. Le premier exemple, je l'appellerai simplement blanc. Je vais décomposer chaque teint en cinq couleurs principales, et j'essaierais d'imiter chacune de ces couleurs en mélangeant les crayons de couleur dont je dispose. Je pense que c'est un bon moyen de nous organiser encore plus si vous avez beaucoup de crayons dans notre set. Je le fais dans Photoshop à l'aide de l'outil Eyedropper, mais pratiquement toutes les applications de retouche d' image doivent disposer de cet outil, que ce soit sur l'ordinateur ou sur le téléphone portable. Lorsque vous sélectionnez les couleurs, vous pouvez d'abord surligner les couleurs les plus claires et les plus foncées, puis trouver la couleur intermédiaire , celle qui se situera entre les deux précédentes, puis enfin trouver les deux dernières couleurs, la deuxième et la quatrième. Je pense que cela faciliterait le processus car il aurait la référence des couleurs précédentes pour trouver les couleurs manquantes. Dans ce premier cas, vous pouvez déjà me voir essayer de trouver les crayons qui me conviennent pour essayer de donner un teint blanc à la peau en cinq couleurs principales. Pour le ton surligné que j'ai identifié sur la photo, je me suis rendu compte que la combinaison du 103 Ivory 231 Cold Gray II la plus proche que je pouvais obtenir pour obtenir le ton que je souhaitais. Ceci après avoir essayé l'ivoire avec un autre gris que j'ai, le 271 Warm Gray II. Il s'avère que la peau a un ton général plus frais, donc un gris froid fonctionne mieux. s'agit d'un teint très clair, il n'est peut-être pas facile de voir les différences entre les combinaisons que je présente dans la vidéo, mais vous pouvez les vérifier vous-même avec votre matériel. Le deuxième teint que j'ai appelé clair. C'est un teint légèrement bronzé, moins pâle et froid que le précédent. Les crayons choisis doivent donc le dire. Les couleurs de ce teint sont un peu plus chaudes Je choisirais donc des couleurs comme la terre de Sienne brûlée, l'ocre brûlé et le flash lumineux. Ici, je teste quels crayons peuvent convenir à chacun de ces cinq tons de peau. Dans la vidéo suivante, je les appliquerai dans les dégradés où nous allons apprendre à les mélanger. Le troisième teint est plus intermédiaire, sorte que les couleurs seront similaires à celles du teint précédent, mais un peu plus foncées. Parfois, les couleurs peuvent être les mêmes pour différents tons de peau, il suffit de changer la proportion dans laquelle nous les utilisons. Je vais mettre toutes ces listes de crayons dans un fichier que vous pouvez télécharger au cas où vous voudriez utiliser ma liste comme référence. Cependant, il se peut que vous ne soyez pas d'accord avec les sélections que j'ai faites. Après tout, il y a beaucoup de subjectivité dans mes choix, et il est peu probable que vous ayez tous les crayons que j'ai. Je vous recommande donc de faire ces tests vous-même au lieu de simplement copier ce que je suis en train de faire. De cette façon, vous tirerez encore plus de profit de ce cours. terminerai avec ces deux derniers tons de peau, que j'ai appelés marron et noir. Je vais répéter ce que j'ai fait. Le ton brun est similaire au ton intermédiaire, mais encore une fois, il est légèrement plus foncé. Nous comprendrons mieux la différence entre les tons de peau lorsque nous effectuerons les dégradés. Tout comme la peau blanche n' est pas vraiment blanche, la peau noire n'est évidemment pas noire. Dans ce cas, la peau noire est simplement composée de tons bruns plus foncés. Il est important de souligner qu' s'agit d'exemples de tons de peau. Mon objectif n'est pas de résumer toutes les possibilités des tons de peau humaine dans cette vidéo, chaque nouveau cas peut être différent. Maintenant que nous savons quelles couleurs nous pouvons utiliser pour chacune des cinq références, passons aux dégradés. 6. Tonalités de la peau : blanc: Je vais maintenant proposer de colorier certains dégradés en utilisant les couleurs de la peau. J'ai choisi cinq tons de peau différents pour que nous les étudiions en essayant de comprendre comment chaque teint se comporte en fonction la variation de la lumière qui tombe sur la peau. Je vais colorer chaque teint à l'intérieur d'un carré de six centimètres de côté. Comme vous le savez, j'ai décidé de diviser chaque teint en cinq zones claires et foncées. aide d'une règle, je vais tracer une ligne diagonale claire et la diviser en cinq parties. Si vous dessinez un carré de six centimètres de côté, la diagonale mesurera 8,5 centimètres. En divisant la diagonale par cinq, nous aurons 1,7 centimètre pour chaque zone. J'utilise une règle différente ici, mais ne vous inquiétez pas, une règle ordinaire fera l'affaire. Tracez ces divisions d' un trait très léger pour qu'elles ne soient pas visibles à la fin. Commençons par le teint le plus clair, que j'appelle blanc. Je vais commencer à colorier chaque dégradé avec sa couleur la plus foncée. Dans ce cas, il s'agit du Polychromos 177 brun noyer. L'objectif principal de cet exercice est d'apprendre à contrôler l'utilisation du crayon et de savoir comment équilibrer les couleurs. Pour cela, il est important que vous puissiez passer l' ombre à la lumière en douceur. Avec ce brun foncé, je commence à colorier en faisant des mouvements circulaires avec retenue. Dans le coin inférieur gauche, je commence par appliquer un peu plus de pression et je la diminue au fur et à mesure que je me déplace vers le haut à droite. Diminuez l'intensité jusqu'à ce que vous atteigniez la première diagonale que nous avons faite. Un conseil gardez toujours vos crayons bien aiguisés, cela fera une énorme différence au final. Maintenant, la couleur suivante que je vais utiliser est la 132 light flesh. Nous sommes toujours en train de créer la première couche de couleurs, il n'est donc pas nécessaire de mettre trop de pression sur les traits. Commencez à colorier avec une pression intermédiaire et diminuez l'intensité du trait comme nous l'avons fait avec le brun il y a un instant. Cette couleur chair claire est présente dans les trois premières zones du dégradé. Vous pouvez donc aller jusqu' la troisième marque diagonale si vous souhaitez aller un peu plus loin. Ici, vous aurez déjà mélangé la chair claire avec le brun de noix encore légèrement. Cette première étape, qui consiste simplement à définir la structure d'un dessin, c' est-à-dire les formes générales et les valeurs générales de lumière, ombre et de couleur , est appelée bloc. La couleur suivante que nous allons utiliser est le brun 176 Van Dyck, qui est un brun légèrement plus clair et plus chaud que le brun noyer 177. Nous poursuivons ici avec la deuxième zone de notre gradient. N'oubliez pas de télécharger la référence avec les combinaisons que j'ai proposées pour cet exercice dans les fichiers de ce cours. Cela vous facilitera la vie lorsque vous coloriez ces dégradés. Je pourrais continuer avec les couleurs suivantes, mais je suis revenue au brun noyer pour approfondir cette couleur, puis j'ai repris le brun Van Dyck. Petit à petit, je fais de nouvelles couches de couleur pour donner plus de consistance à la coloration. Avec la chair claire, je vais faire la troisième section, celle qui se trouve au milieu de notre dégradé. Je suis toujours en train de faire la première couche, donc la pression sur la main est légère. Maintenant, je vais vous présenter une nouvelle couleur, le nougat 178. Chaque fois que vous ajouterez une nouvelle couleur, vous devrez revenir un peu en arrière et revenir également sur les zones précédentes, même si elles sont plus claires, car la nouvelle couleur n'y prédominera pas. Colorez également les zones adjacentes pour travailler sur les transitions. Cette couleur, le nougat, est une teinte neutre de brun, est pourquoi il peut être utilisé pour neutraliser d'autres couleurs. Dans le cas de la peau, il est bon pour neutraliser tons roses et rouges appliqués avec d'autres crayons. Dans cette section, j'utilise beaucoup de nougat et de chair légère. quantité de chaque crayon que vous utilisez dépend de votre perception. vous de connaître le ton que vous souhaitez obtenir et pour cela, vous devez regarder votre image de référence. Au final, j'appliquerai une couleur plus claire pour mélanger ces couleurs dans le dégradé. Il est important de dire que c'est une bonne idée de changer la direction des traits de crayon. Remarquez à quel point je varie, comment je remplis cette zone avec de la chair claire. Ici, je commence à utiliser le Cold Grey II, qui, je pense, convient bien à ce teint, qui est plus frais que les autres que je vais utiliser dans ce cours. Comme d'habitude, cette coloration doit être claire au début. Ici, nous utilisons à nouveau le nougat. [MUSIQUE] Enfin, en utilisant l'ivoire 103, cette couleur sera appliquée par-dessus toutes les autres et remplit deux fonctions. Comme il s'agit également d'une couleur neutre, elle parvient à réduire la saturation des autres. De plus, il sert également à mélanger les couleurs déjà appliquées. En ce qui concerne la première couche de couleur sur la dernière zone, je ne vais pas encore appliquer trop de pression sur cette couleur. Le processus consistant à appliquer toutes les couleurs en même temps, et petit à petit, s' appelle la superposition. Maintenant que j'ai appliqué toutes les couleurs, l'idée est d' appliquer de nouvelles couches des mêmes couleurs et d' augmenter progressivement la pression sur la main. Cela sera utile pour une sensation plus homogène, atteignant même les parties du papier et réduisant l' aspect granuleux du revêtement. Pour conserver les valeurs de brun les plus foncées évitez d'utiliser des couleurs plus claires, telles que la chair claire qui les recouvre. Lorsque vous dessinez des portraits ou tout autre sujet, il est important que vos dessins soient contrastés car c'est ce qui donne du volume au dessin. C'est pourquoi je réapplique le brun et le brun Van Dyck ici pour des raisons de contraste. Regardons maintenant le processus d'application de nouvelles couches de couleur, en augmentant la pression pour estomper les couleurs déjà appliquées. À propos, la méthode consistant à mélanger les couleurs en utilisant plus de force sur le crayon s'appelle le brunissage. Cela se fait généralement avec la couleur la plus claire utilisée dans cette zone. Ici, au milieu, j'ai utilisé davantage de la chair claire et dans la zone plus claire, j'ai utilisé de l'ivoire. Le brunissage est plus facile lorsque vous utilisez des crayons plus durs. C'est le cas des crayons polychromos car ils sont à base d'huile. Les crayons à base de cire, tels que Prismacolor Premier, ont une pointe plus fragile et ont tendance à se casser lorsqu'on les force. Lorsque vous remarquez que vous ne pouvez plus ajouter de couches de couleur à une zone, c'est parce que cette zone est saturée , vous avez terminé. [MUSIQUE] 7. Tonalités de la peau : lumière: Maintenant, je vais faire le dégradé partir d'un teint légèrement bronzé, pas vraiment large, que l' on appelle clair. Le processus de création de tous les autres dégradés est le même que celui utilisé pour le premier teint. La seule chose qui change, ce sont les couleurs. Je pense que c'est une excellente occasion de pratiquer les techniques de superposition et de brunissage. La première couleur ici est le marron 176 Van Dyck, utilise toujours le crayon bien aiguisé et fait des mouvements circulaires dans différentes directions. [MUSIQUE] La couleur suivante est la Sienne brûlée 283, qui est d'un brun plus chaud que Van Dyck. Comme ces couleurs sont présentes dans les deux premières sections, je vais aborder ces deux zones tout de suite. [MUSIQUE] La couleur suivante est l'ocre brûlé 187, qui est déjà d'une teinte différente du brun. C'est aussi une couleur chaude, mais plus proche de l'orange. Même si c'est une orange pâteuse. Notez que je n'utiliserais pas cette couleur pour les peaux pâles, comme c'était le cas pour le premier dégradé. À l'inverse, l'ocre brûlé est utile pour les peaux plus chaudes comme celle-ci. Maintenant, je vais utiliser la 132 chair claire de cette couleur rosée. Comme c'est toujours la première couche de couleur, je n'appuie pas trop fort le crayon sur le papier. Le revêtement est encore léger à ce stade. Cette couleur est présente de la troisième à la dernière zone la plus claire. Lorsque je fais une coloration plus large, j'intègre, en reliant les différents extraits de couleur dans ce dégradé. Ici, je reviens avec l'ocre brûlé pour l'équilibrer avec la teinte rose qui vient d'être appliquée. Maintenant, c'est au tour du 271 Warm Grey II. Il s'agit d'une couleur qui peut éventuellement neutraliser les couleurs plus saturées qui étaient utilisées auparavant. Elle correspond également à des tons de peau plus chauds. Il est conseillé d'utiliser cette couleur avec parcimonie, sinon elle attirera trop l'attention car une peau grise serait bizarre. Vous remarquerez que je n' utilise pratiquement pas cette couleur dans l'exercice. Maintenant, je recommence à utiliser le brun Van Dyck pour souligner la partie sombre du dégradé. Remarquez les différentes directions du trait que j' utilise pour appeler le dégradé, ce qui permet d'obtenir un aspect lisse. [MUSIQUE] Revenons à l'ocre brûlé. [MUSIQUE] Encore une fois, en utilisant la chair légère. Pour la première fois, j'utilise le 103 ivoire sur ce dégradé. Comme vous l'avez peut-être remarqué, j'ai tendance à utiliser ces couleurs plus claires lorsque je suis le point de terminer la coloration, j'utilise même beaucoup cette couleur. Je pensais que le dégradé dans son ensemble pouvait être un éclairage. En regardant de loin la zone centrale avec de la chair claire, [MUSIQUE] et en utilisant à nouveau l'ocre brûlé, je suis en train de mettre la touche finale à ce dégradé. Finissons maintenant avec l'ivoire. [MUSIQUE] 8. Tonalités de la peau : moyen: Le troisième teint est un ton intermédiaire, légèrement plus foncé que le précédent. Je pense que je ne vais pas m' attarder à donner des instructions pour ce dégradé et pour le suivant, car le processus est une répétition de ce que nous avons vu. Commençons par le feu 280. Notez que les couleurs que j'ai sélectionnées pour ce dégradé sont un peu plus foncées que celles du dégradé précédent, et c'est tout ce qui change lorsque vous colorez ce dégradé. Voici la sirène brûlée 283, une couleur que nous utilisions auparavant et qui sera désormais combinée avec l'ombre brûlée que nous venons d'utiliser, et d'autres couleurs à venir. [MUSIQUE] Maintenant, une autre couleur que nous connaissons déjà : l'ocre brûlé 187. À ce stade, vous contrôlez peut-être déjà mieux la pression dans votre main lorsque vous coloriez avec le crayon. n'y a aucun moyen de ne pas s' améliorer si vous savez quoi faire et si vous le mettez en pratique. La couleur suivante à utiliser est la cannelle 189 , une couleur souvent utilisée pour les tons de peau. J'ai tendance à utiliser cette couleur comme s'il s'agissait la version plus foncée de la chair claire du même polychromos. La vérité, c'est que je n'aime pas les crayons à chair moyenne et foncée de leur catalogue parce qu'ils sont trop roses et ne donnent pas un ton naturel à mes portraits. Je ne peux les utiliser que dans des situations spéciales. Pourtant, même la cannelle doit être neutralisée par une autre couleur. La plupart du temps, je l' utilise pour colorer les tons de peau. Ici, je vais également retoucher le gris chaud dans la zone la plus claire du dégradé, où j' utiliserai également le 103 ivoire. [MUSIQUE] Je vais maintenant utiliser le 180 raw umber , une couleur moyenne relativement neutre. À ce stade, vous pouvez constater que le dégradé est encore assez granuleux et qu'il faut ajouter des couches colorées pour obtenir un revêtement plus uniforme. C'est pourquoi je suis de retour avec les mêmes couleurs, en les appliquant avec plus de pression cette fois-ci. Ajoutez ici une autre couche de chair légère. Diminuer la saturation et éclaircir le dégradé avec de l'ivoire. [MUSIQUE] Je préfère utiliser d'autres couleurs que le brun, ça finit par s'éclaircir et devenir terne Je dois donc classer les couleurs les plus foncées en premier. Mais ne vous y trompez pas, les couleurs plus claires nous avons utilisées n'ont pas été vaines, car elles se fondent dans le brun et lui donnent un ton plus riche. Remarquez que je vais réutiliser toutes les couleurs, mais maintenant j'essaie de combler les pores du papier pour obtenir une finition plus lisse et plus homogène, ce que je préfère. Regardons le processus de remplissage de ces pores. [MUSIQUE] Nous avons terminé un autre dégradé. Passons à la suivante. [MUSIQUE] 9. Tonalités de la peau : foncé: [MUSIQUE] Passons maintenant à un teint encore plus foncé, que j'ai appelé brun dans ce cours. La première couleur que j'ai utilisée était le brun noyer 177 , mais n'importe laquelle de ces couleurs que j'ai mises dans la référence aurait pu être choisie. Je l'ai choisie parce que je pense que c'est la couleur dominante dans cette première section. Le critère est le suivant. Quelle est la couleur dominante de cette zone ? Puis j'ai commencé par cette couleur. [MUSIQUE] Les deux autres couleurs à utiliser ici au début sont 283 couleurs de Sienne brûlée et 263 violettes Kaput Martin. violet Kaput Martin, comme son nom l'indique, est une couleur proche du violet, ce qui rend la coloration plus colorée et plus vive. Sachez qu'il existe des violettes chaudes et des violettes froides. Voyez au cas par cas si la couleur que vous choisissez correspond vraiment à ce que vous voulez. L'ocre brûlé 187 est également une couleur que nous connaissons déjà. C'est une autre couleur chaude qui donne beaucoup de vitalité au dessin. Comme il est présent dans trois zones de notre dégradé, je peux ici faire une coloration perdante avec des traits plus larges. [MUSIQUE] De plus, dans ce dégradé, nous utiliserons la cannelle 189 qui est une couleur que nous connaissons déjà bien. Personnellement, je l'utilise pour presque tous les tons de peau. Dans la zone la plus claire de ce dégradé, j'utiliserai le flash à 132 lumières, que j'utilise souvent comme version plus claire de la cannelle. Je vais également utiliser le 271 Warm Grey II, une couleur qui aide à réduire la saturation, le ton rose de la cannelle et le flash lumineux. C'est une couleur plus utile qu'elle n'y paraît. Cela aide vraiment beaucoup dans certaines situations. Plus tard, j'utiliserai toujours l'ivoire, mais je vais d'abord renforcer les couleurs déjà appliquées. Je reviens ici aux bruns, qui sont le brun noyer et la terre de Sienne brûlée. Ajoutez un peu de violette Kaput Martin ou de n'importe quelle violette que vous avez, si vous le souhaitez. C'est à ce moment que nous augmentons la pression pour avoir une couverture plus uniforme. Voici le chiffre brut. [MUSIQUE] Maintenant, une autre touche d'ocre brûlé. Maintenant, les tons roses, la cannelle et la lumière clignotent. Lorsque vous pensez avoir créé une bonne base de couleurs dans la zone la plus claire du dégradé, ajoutez le 103 ivoire aux autres couleurs en appliquant un peu plus de pression. L'ivoire sera plus concentré sur ce coin du dégradé. À côté, je vais plutôt faire le brunissage avec le flash. Plus près du centre. J'utiliserai la cannelle à cette fin. Mais il pourrait s'agir de l' ambre brut II par exemple. Je voulais juste que cette zone soit plus rose, donc cela explique mon choix. C'est ça 10. Tonalités de la peau : noir: [MUSIQUE] Passons maintenant au dégradé avec les couleurs les plus sombres. Comme vous pouvez l'imaginer, rien ne change ici à part les couleurs elles-mêmes. La première couleur que j'ai utilisée était le brun noyer 177. Même s'il ne s'agit que de la première couche, j'espère que votre crayon restera bien aiguisé. En ce qui concerne ce brun, c'est une couleur intéressante à avoir car il est foncé et presque neutre. Pour l'assortir au brun noyer, j'utilise ce violet, le violet 2663 [inaudible]. Comme cette couleur est présente dans presque tout le dégradé, je vais en faire une couverture plus large dès le début. Pour ce teint, cette couleur va très bien, donc je l'utilise beaucoup dans ce dégradé. Si vous n'avez pas de couleur comme celle-ci, essayez un mélange de brun et de violet. Ce violet sera subtil juste pour ajuster le brun, ce qui lui donnera un aspect plus riche et plus intéressant. Ici, j'utilise la cannelle 189. J'ai simplement oublié certaines couleurs du schéma que j'ai créé pour ce dégradé, mais je vais utiliser toutes les couleurs que j'ai sélectionnées, je vous le promets. Ici, j'utilise le nougat 178 qui est d'un ton brun neutre et relativement clair. C'est une couleur idéale pour désaturer la cannelle. Je l'utiliserai largement dans le projet de classe. Ici, je suis déjà en train de réappliquer les couleurs avec le violet [inaudible],. Je vais appliquer une deuxième couche de couleur avec ce crayon. Ici, je privilégie les valeurs sombres avec le brun noyer. Maintenant, j'utilise la 283 Sienna brûlée appuyant davantage sur la main pour obtenir une couverture plus uniforme. N'oubliez pas de faire ces mouvements dans différentes directions pour atteindre les pores du papier. Ici, j'alterne avec ces mêmes couleurs uniquement les valeurs jusqu'à ce que j'obtienne le ton que je souhaite. Voici venu le moment d'utiliser le 271 warm grade 2 sur la zone la plus claire du dégradé. Cette couleur joue ici le rôle que j'ai rejoué dans vos autres dégradés mais celui-ci est encore plus neutre. Il peut maintenant être appliqué avec plus de pression pour mélanger les couleurs sous-jacentes. Enfin, je vais apporter la touche finale à ce dégradé en recherchant les lacunes qu'il me reste ou en équilibrant les tons trop froids ou trop chauds, puis il s'agit d' obtenir le ton souhaité dans chaque zone du dégradé. terminer le dégradé, je frotte la gomme le long des bords pour effacer les traits qui ont fini par ressortir du carré que j'ai tracé. C'est ça. J'espère que ces exercices vous ont appris quelque chose. J'imagine que vous êtes passé un dégradé à l'autre car petit à petit nous améliorons notre perception et notre capacité à contrôler le crayon. À bientôt pour le prochain exercice. [MUSIQUE] 11. Portrait : projet de cours: Si vous regardez et pratiquez l'exercice de la première partie, vous n'aurez aucune difficulté à dessiner le projet de classe, qui est ce portrait que j' ai ici entre les mains. Oui, cela provient de l'une des références utilisées pour les tons de peau et les dégradés. Maintenant, en dessinant le portrait, j'ai ajouté quelques couleurs pour la bouche, le maquillage, les cheveux, et j'ai également ajouté une nouvelle couleur pour le teint. Parfois, je dois apporter des modifications en cours de route. Comme vous pouvez le constater, ce dessin est plus détaillé. Il ne me reste donc plus qu'à appliquer les couleurs et à les mélanger en utilisant les techniques déjà présentées, superposition et le brunissage. Allons-y. 12. Suivi : méthode de transfert: [MUSIQUE] Dans cette vidéo, je vais vous montrer l'une des méthodes permettant de tracer le contour d'une photo avec une précision de 100 %. C'est ce que j'appelle la méthode de transfert. Pour cela, vous aurez besoin de la photo de référence imprimée, la feuille sur laquelle vous allez en dessiner une et d'une feuille de papier d'impression ordinaire. abord, nous allons remplir le papier d'impression avec du graphite, comme c'est le cas avec cette feuille que je montre ici à l'écran. Pour ce faire, vous utiliserez le papier et le crayon graphite le plus foncé que vous possédez. Il est important que vous utilisiez du graphite, c'est-à-dire du graphite normal. Grâce à cela, vous aurez une esquisse au graphite et vous pourrez effacer les traits si nécessaire. J'ai utilisé un crayon 8B ici. Je vous suggère de le poser un peu et d'utiliser le côté de la mine à crayon couvrir la surface plus rapidement. Vous pouvez également utiliser une barre de graphite pour cela. J'aime remplir presque toutes les teintes en suivant la même direction. Ensuite, je refais la même chose, mais en allant dans une autre direction, franchissant les lignes précédentes. De cette façon, nous pouvons créer un ombrage plus homogène. Je vous suggère également de laisser une marge vide autour du papier. De cette façon, vous pouvez le manipuler sans vous salir les mains. Pour étaler le graphite, je suggère d'utiliser un mouchoir en papier. J'aime plier un morceau de papier toilette en trois triangles, comme le montrent les images. Ensuite, je le plie en 1, 2, 3 fois. Ensuite, je fais un autre petit pli à une extrémité. Sur cette pointe, je place mon index, en dessous, je place mon pouce. Il est maintenant temps d' étaler le graphite, je suggère de le faire en mouvements circulaires ou en le croisant avec des traits de crayon. Ajoutez une ou deux couches de graphite supplémentaires pour assombrir encore plus la surface. Comme mon crayon 8B était trop court, je vais l'utiliser avec une rallonge. Remarquez ici comment je frotte le papier en franchissant les lignes que je viens de faire avec le crayon. C'est le moyen le plus efficace d'étaler la poudre de graphite produite par les coups. Eh bien, après avoir fait quelques couches supplémentaires, j'ai été satisfait de l'ombrage. Maintenant, je vais préparer la photo de référence pour en transférer les lignes de contour le papier sur lequel je vais dessiner. Je vais d'abord me procurer une planche pour protéger mon bureau puisque je vais découper la photo à l' aide d'un couteau tout usage. Ce tableau, je l'ai obtenu à partir d'un bloc de papier comme celui-ci de Canson, ou celui-ci de Strathmore. Il suffit de placer la photo imprimée sur le tableau lors de la découpe. Bien sûr, vous pouvez également le couper à l'aide de ciseaux. La feuille de papier est désormais au format A5, soit la moitié du format A4, l'une des dimensions les plus courantes pour nos blocs de papier. Maintenant, j'ai préparé la référence et la feuille de graphite, que je plie généralement en deux avec le côté en graphite vers l'intérieur. Prenons maintenant le papier sur lequel nous allons faire notre dessin. se trouve que j'ai déjà une feuille coupée en deux, mais elle est un peu plus grande que le format A5 Je vais donc découper les dimensions restantes. Pour fixer la photo sur le papier, utilisez deux ou plusieurs morceaux de ruban adhésif. C'est important. Une fois que vous avez la référence et un papier à dessin prêts, positionnons la feuille de graphite entre les deux. Placez la face en graphite orientée vers le bas en contact avec le papier à dessin. Maintenant, enfin, tracons le contour. Pour cette étape, j'aime utiliser un stylo à bille rouge. J'utilise le rouge parce qu'il est plus facile de voir où vous avez déjà tracé. Lorsque vous appuyez avec le stylo, le graphite se dépose sur le papier. C'est ainsi que vous allez transférer le contour de la photo sur le papier à dessin. Je commence par tracer par les marges, par choix. Je vais utiliser une règle pour faciliter le tracé de lignes droites. D'ailleurs, en ce qui concerne la photo, vous n'avez pas besoin de l' imprimer en couleur. Nous pouvons l'imprimer en noir et blanc, pas de problème. À partir de là, tracez les principales lignes de référence, celles que vous devrez voir lorsque vous coloriez le dessin. Essayez de ne pas trop appuyer sur le papier car le stylo peut créer des rainures sur le papier et, lors de la coloration, le crayon risque de ne pas atteindre ces zones, ce qui créera des lignes blanches sur toute la pièce. Lorsque vous tracez les sourcils et les mèches de cheveux, je vous recommande de tracer mèche par mèche plutôt que de tracer une ligne de contour autour du sourcil. Cela ne marcherait tout simplement pas. Sachez que ces lignes d'esquisse sont importantes pour que vous puissiez colorier votre dessin en toute tranquillité, sans vous soucier des proportions, mais il est important que le contour ne soit pas visible sur le dessin fini. Ne le faites pas trop sombre. En fin de compte, vous pouvez utiliser une gomme pour éclaircir le contour si nécessaire. Faites également attention au contour de la bouche. La transition entre la bouche et la peau environnante est subtile. À mon avis, il n'est pas bon de faire des lignes fermes. Lors de la coloration, nous ne ferons que changer les couleurs, nous ne traiterons pas de ligne autour de celle-ci. Nous pouvons également limiter les zones d' ombre en effectuant de légers traits avec le stylo. Je l'ai fait sur le côté gauche du nez où il n'y a pas de ligne limitée, mais juste une légère variation de teinte. Tracez tous les détails qui vous semblent importants, y compris les mèches de cheveux. À partir de là, je considère que le plan est terminé. [MUSIQUE] 13. Tracage : méthode réseau: [MUSIQUE] Une autre façon de tracer le contour avec précision sans avoir besoin de savoir dessiner est d'utiliser la méthode de la grille. Dans ce cas, il ne sera pas nécessaire d'imprimer quoi que ce soit. En revanche, cette méthode demande un peu plus d'attention afin d'éviter les erreurs. Avec cette méthode, vous avez besoin d'une application pour générer la grille sur la photo que vous allez dessiner. Ici, je vais utiliser une application Android comme exemple. Mais le fait est que beaucoup d'entre eux sont disponibles, que ce soit pour Android ou iOS. Le nom de l'application est Grid Drawing et peut être téléchargée depuis Play Store. Après l'avoir téléchargé, ouvrez-le, assurez-vous d'avoir la photo de référence sur votre téléphone. Pour commencer, je clique sur Let's Grid et je sélectionne la photo qui se trouve dans la galerie de mon téléphone. En haut de l'écran, vous pouvez choisir le nombre de lignes et de colonnes que vous souhaitez ajouter à votre grille. Je suggère d'entrer les lignes de manière à ce qu'elles traversent au moins l'une des parties les plus importantes du visage, comme les yeux, le nez et la bouche. Lorsque vous définissez le nombre de lignes et de colonnes, appuyez sur la grille pour faire apparaître les lignes. Dans les paramètres, nous pouvons apporter quelques modifications à la grille. La première est la couleur des lignes. Je recommande de choisir une couleur qui contraste avec la photo. Si vous utilisez une photo claire, utilisez une grille sombre telle qu'une couleur noire. Avant de commencer, utilisez une grille lumineuse telle que le blanc ou le jaune. La dernière fois que j'ai utilisé cette application, j'ai utilisé le mode grille carrée. Le nombre de lignes et de colonnes sera le même. Mais vous pouvez désactiver cette option et générer les lignes et les colonnes séparément. J'ai opté pour la grille carrée car elle correspond parfaitement aux dimensions de ma photo. Lorsque ce mode carré est activé, la dimension qui sera prise comme référence sera la hauteur de la photo. Par exemple, j'ai saisi le chiffre cinq. Ensuite, l'application a divisé la photo en cinq rangées. Les colonnes suivent la dimension des lignes, mais comme elles suivent un portrait le nombre de colonnes ne sera que de trois. Eh bien, cela signifie que ma photo a un ratio de trois à cinq. Cependant, le nombre de lignes et de colonnes me semble faible car les lignes ne passent pas les parties les plus pertinentes du visage. J'ai décidé d'augmenter le nombre de lignes. J'ai mis huit rangées, mais la division en colonnes ne m'a pas plu. En plaçant 10 lignes, le nombre de colonnes est passé à exactement six , sans restes. Je pensais que c'était parfait. Une fois de plus, j'ai changé la couleur de la grille, et j'ai finalement opté pour le blanc. Il est également possible de modifier l'épaisseur des lignes. Dans ce cas, une épaisseur de deux pixels est suffisante. Nous devrons toujours appuyer sur le bouton vert pour voir les modifications. Lorsque vous êtes satisfait, cliquez sur le bouton Enregistrer et la photo avec la grille figurera dans votre galerie. Maintenant, nous pouvons tracer le contour du dessin. Comme notre photo de référence a un rapport hauteur/largeur de trois sur cinq, vous devez évidemment suivre le même ratio. Maintenant, faisons quelques calculs. Une taille qui me semblait bonne à dessiner était 9 centimètres de large sur 15 centimètres de haut. Je voulais réaliser ce dessin sur feuille de papier au format A5 moitié du format A4, et ses dimensions sont de 14,8 centimètres sur 21 centimètres. Je veux que mon dessin soit au centre du papier. Je dois donc prendre les dimensions restantes et les diviser par deux pour que les marges aient la même dimension en largeur et en hauteur. En largeur, j'ai 14,8 moins 9, soit 5,8 centimètres, 5,8/2, soit 2,9 centimètres. Je vais avoir une marge horizontale de 2,9 centimètres. En hauteur, j'ai 21 moins 15, soit 6 centimètres, 6/2 c'est 3. J'aurai une marge verticale de 3 centimètres. Maintenant, je donne à mon papier les dimensions que je souhaite et je crée des marges de grille aux bonnes dimensions. Lorsque je traçais les marges, j'ai déjà divisé les lignes supérieure et inférieure en six colonnes. La distance entre une ligne verticale et une autre sera d'un centimètre et demi. Comme la grille est carrée, la distance entre les rangées sera également d'un centimètre et demi pour un total de 10 rouleaux. Les lignes de la grille étant terminées, il était temps de tracer le contour. Maintenant, j'ai réparé le papier sur le tableau. Comme je voulais que vous voyiez les lignes d'esquisse, j'utilise un crayon 4B, ce qui rend les lignes très sombres. Eh bien, je vous recommande de tracer légèrement les lignes, puis d'utiliser un crayon ( probablement B ou H Maintenant, nous devons regarder la photo et relier les points de notre dessin. J'ai commencé par les cheveux, regardant toujours où leurs limites se croisent. Si vous vous sentez perdu, arrêtez-vous et comptez les carrés pour trouver le point où chaque ligne doit passer. Les zones les plus sombres de la photo sont difficiles à voir, il peut donc être difficile de voir où chaque partie commence ou se termine. Rappelez-vous cependant que cela devrait également être le cas dans votre dessin. Ne t'en fais pas trop pour ça. Essayez de vérifier ces informations sur la photo numérique, en zoomant sur la photo et en augmentant la luminosité si nécessaire. En utilisant les lignes de la grille comme référence, il est facile de dessiner le contour du visage dans les bonnes proportions. 14. Portrait : oeil gauche: [MUSIQUE] Commençons à colorier le portrait que nous avons dessiné. Avant de commencer, j'utilise la gomme à effacer sur les lignes d'esquisse que j'ai tracées pour les éclaircir et les masquer dans le produit final. Parfois, le graphite se mélange également au pigment du crayon, et c'est quelque chose que je veux éviter. À la fin, je vais utiliser le pinceau pour supprimer les instructions du dessin [MUSIQUE]. La première couleur que je vais appliquer est le sépia foncé 175. Je vais m'en servir pour bloquer les zones d'ombre les plus intenses. Je fais un croquis au crayon de couleur à partir de l'esquisse graphique. Cela m'aidera à m'asseoir sur moi-même lors des prochaines étapes. J'utilise le sépia foncé et non le noir 199 parce que je ne veux pas encore utiliser une couleur aussi foncée. Après tout, ces lignes ne sont qu'une base pour la coloration que je ferai plus tard. À ce stade, vous pouvez également jeter les bases de certaines des ombres que nous voyons ici, en particulier sur le cou. J'aime mélanger plusieurs couleurs au cours mon processus de coloration, car je pense que cela enrichit le dessin au final. Maintenant, je vais créer la couche de base pour la peau autour de l'œil gauche. J'utilise le nougat 187, qui est une teinte intermédiaire de brun neutre. Ensuite, j'ajoute le 176 van **** brown pour approfondir ces ombres petit à petit. Remarquez que je commence parfois par des teintes intermédiaires et que je repousse les ombres ou que j'intensifie les reflets plus tard. Nous verrons ces situations de nombreuses reprises tout au long de cette partie. Les couleurs 189 cannelle et 187, ocre brûlé, font également partie des couleurs de base de ce teint. Oui, j'ai ajouté de la cannelle, mais je n'en ai pas parlé dans un excellent exercice parce que je pensais que cela pouvait donner un ton rose sans ce dégradé. La différence est subtile, mais j'ai apprécié cet ajout à la fin du processus. Au mélange, j'ai ajouté la 283 de Sienne brûlée, qui est une teinte brune légèrement plus chaude, mais petit à petit, juste pour voir si cela fonctionnera ou non. Nous n'en sommes qu'à la première couche. Ne vous inquiétez pas trop pour les résultats pour l'instant [MUSIQUE]. Comme je trouvais ce brun trop intense, j'ai recommencé à utiliser du nougat pour réduire l'intensité de la terre de Sienne brûlée. Maintenant, c'est au tour du 132 light flesh or later et ton rose pas trop saturé, que j'aime beaucoup. Cela permet également de diminuer l'intensité de la cannelle. Par exemple, avec le nougat, je vais avancer un peu déjà dans l' ombre du nez, un peu, qui est très subtil et sur la base du sourcil. Ensuite, vous pouvez utiliser un peu de gomme à effacer pour mettre légèrement en évidence les lumières qui tombent sur cette zone. Le violet 263 caput mortuum, est une nuance de violet, très proche du brun, couleur que nous allons recouvrir de brun sans le rendre trop saturé. J'aime cette couleur parce qu' elle est très neutre. Si nous n'avons pas de couleur comme celle-ci où vous avez un violet dans votre ensemble. Utilisez-le très légèrement et l'effet sera similaire. Encore une fois, j'ai utilisé un nougat, puis créé le 101 white pour faire ressortir les tons clairs de cette zone. Le noir 199 vient accentuer les ombres et certaines limites. Cela fera une énorme différence dans ce dessin. Maintenant, le noir ne sera utilisé ici que parce que certaines ombres sont vraiment intenses et que la fille est maquillée. Cette couleur, comme celle des auditeurs, doit être utilisée à bon escient et ne pas excessive si vous souhaitez un résultat plus réaliste. Lorsque vous faites les cils, essayez de les dessiner aussi fins que possible. Cela vaut pour chaque mèche de cheveux que vous allez dessiner. Le compteur de l'iris n'est pas exactement aligné, mais je tache. Ceci est très important car le contour de l'iris est flou sans définition et ne constitue pas une ligne nette. Si vous tracez une ligne, votre dessin aura l'air caricatural. La camionnette 176 **** marron approfondit les ombres et sera également utilisée sur les zones. Sur la paupière inférieure ou on utilise les mêmes couleurs que sur la paupière supérieure. Remarquez que je n'ai pas simplement fait une coloration uniforme, mais que j'ai également essayé de créer un peu de texture. Faire un petit conjoint, c'est simuler des rides, petits plis sur la peau. Cet effet doit être très subtil. Sinon, la fille aura l'air vieille. Utilisez des couleurs plus claires pour dessiner les rides si vous voulez les faire. Je n'ai pas non plus à trop écrire sur les lignes. Recherchez toujours [inaudible] et dessinez votre jeune visage. Comme c'est le cas de celui-ci. Certaines personnes sont impressionnées lorsqu'elles voient dessins très détaillés et texturés. Mais dessiner de tels visages est également un défi. J'ai eu besoin de réappliquer les zones remplies de noir pour obtenir le ton foncé que je souhaitais . C'est ainsi que je travaille en appliquant couche après couche, petit à petit. Ici, je vais répéter le processus suivi sur la paupière supérieure, en utilisant même un peu la gomme à effacer. Utilisez à nouveau la caput Mortuum violet pour colorer l'ombre. Maintenant, en me concentrant davantage sur l'œil lui-même, je vais continuer à colorier les zones avec la Sienne brûlée et le van **** en brun. Ces couleurs peuvent être appliquées de manière plus irrégulière car l'iris n' est jamais très régulier, il présente toujours des variations. Concentrez-vous ensuite sur le blanc de l'œil, qui n'est jamais simplement blanc. Il présentera toujours les autres couleurs, même si tout à coup la couleur la plus foncée que je vais utiliser ici, c' est 274 gris chaud contre 274 sur la gauche. Plus tard, je couvrirai le gris avec des couleurs plus claires. Ces couleurs sont le bleu outremer clair à 140, qui servira à donner une légère touche de bleu à cet œil, en plus du 271 gris chaud ii, qui est un cerveau clair. Avant d'appliquer les couleurs, remarquez dans la référence qu'il existe un surlignage bien défini dans cette zone de l'œil. Les couleurs que j'ajoute seront utilisées autour du surlignage. Ne comptez pas sur la gomme pour blanchir cette zone, car il y a toujours de gros résidus lorsque vous utilisez le crayon de couleur sur une certaine zone. Je veux dire, j'utilise même un peu l' effaceur au crayon parce que cela peut aider, mais cela ne fera pas de miracles si vous coloriez intensément une zone. Ensuite, j'ai essayé de faire ces reflets plus intensément en utilisant la couleur blanche. Le Warm Grey II sera également un peu utilisé car même ces reflets ne sont pas exactement blancs [MUSIQUE]. 15. Portrait : front: Maintenant, je vais colorer le front et le processus ici ressemblera beaucoup aux exercices de dégradé. Cette zone est simple à réaliser. Le plus difficile ici est peut-être de savoir comment utiliser chaque couleur dans la bonne quantité. La première couleur que j'ai appliquée était sépia foncé et l' ombrage donne du volume au dessin. L'ocre brûlé qui vient juste après donnera un aspect plus chaud à la coloration et c'est un teint intermédiaire. Le ton brun Van Dyck complétera la teinte commençant par le sépia foncé [MUSIQUE]. Sur le sourcil, je lance cette tendance en utilisant le sépia foncé précisément parce que c'est une couleur foncée mais pas aussi foncée que le noir. Cette variation de couleur nous aidera à donner un aspect plus naturel étant donné que lors de l'utilisation ultérieure d'un noir, nous pouvons laisser certaines de ces tendances dans leur ton sépia foncé d'origine. Ici, il faut être un peu patient pour superposer les couleurs petit à petit pour donner de la consistance à la peau. C'est ce que nous appelons la superposition. Si vous pensez avoir trop utilisé une couleur, vous pouvez atténuer son effet à l'aide du crayon à effacer. Cela vaut aussi bien pour les zones plus claires que pour les zones plus sombres. Je sais que nous devrons les renforcer à quelques reprises car elles s'éclaircissent au fur et à mesure que nous ajoutons d'autres couleurs plus claires par-dessus. Regardons le processus du front vers le bas, couche après couche. [MUSIQUE] Ces zones situées au-dessus du nez, entre les sourcils, sont moins claires que le front à mesure qu'elles sont superposées. Ainsi, la zone située entre les sourcils a le ton moyen de la peau. Utilisez-vous principalement de l'ocre brûlé, de la cannelle et du flash lumineux ici, car ce sont les couleurs tonales intermédiaires de ce portrait. Lorsque vous colorez le front, essayez de laisser la zone la plus claire presque vide. Vous pouvez utiliser les crayons, ils sont plus susceptibles d'être utilisés, en particulier les crayons à chair claire. Plus tard, j'utiliserai le 103 ivoire et même le 101 blanc pour rendre cette zone plus claire et plus naturelle. Même si je ne suis pas encore près de terminer le front, je peux utiliser l'ivoire pour le colorer un peu. J'en utilise davantage pour sentir comment cette couleur se comporte ici sans compromettre le résultat final. Quand j'aurai terminé cette zone, j'appliquerai cette couleur plus intensément. Pour l'instant, la coloration ici sera plus claire. Ici, j'ai décidé de commencer à colorier l'œil droit dans la zone située sous le sourcil droit. J'utilise la terre de Sienne brûlée pour commencer à ombrager cette zone. [MUSIQUE] En plus de l'ombre, je vais utiliser les couleurs de base de ce teint, que j'ai défini comme du cinéma ocre brûlé et de la chair claire. Pour des teintes plus neutres, il vaut la peine d'utiliser le nougat et le brun Van Dyck. Ces couleurs apparaîtront dans la vidéo au fur et à mesure que je les utiliserai , alors ne vous inquiétez pas si je les mentionne brièvement maintenant. [MUSIQUE] Comme le ton général du front est relativement clair, il peut être difficile pour vous de savoir si la coloration est satisfaisante. Car le séchage peut ne pas sembler terminé lorsqu'il fait plus clair. Si vous ne savez pas si vous devez continuer à colorier ou non, arrêtez de colorier cette zone et passez à d'autres zones de la pièce. Dans le cas de ce dessin, je dois au moins terminer l'œil droit pour avoir une meilleure idée des tons généraux de la partie supérieure. Ce n'est qu'après avoir fini l'œil droit que je pourrai mieux dire si j'en ai fini avec le front ou non. [MUSIQUE] Maintenant, si vous êtes sûr que les couleurs intermédiaires conviennent à votre front , utilisez les crayons plus clairs pour les estomper et leur donner une finition lisse. Dans mon cas, je vais utiliser les crayons ivoire et blanc, en particulier sur la tache lumineuse qui se trouve au milieu du front. [MUSIQUE] Pour les mèches de cheveux plus foncées, je continue d'utiliser les couleurs 175 sépia foncé et 199 noir. Je vais maintenant porter mon attention sur l'œil droit du visage. [MUSIQUE] 16. Portrait : oeil droit: Maintenant, sur le côté droit, je vais commencer par l'ombre sur la paupière supérieure, en calculant le volume de cette zone depuis le début. Je vais utiliser le brun Van Dyck, la terre de Sienne brûlée, violet caput mortuum et le nougat ici, toujours dans le but de trouver le bon ton. Certaines couleurs réchauffent la pièce tandis que d'autres neutralisent la saturation qui devient parfois excessive. C'est pourquoi j'utilise autant de couleurs différentes. Il arrive aussi parfois que j' exagère dans l' utilisation de ces couleurs. Dans ces cas, je me sers d'une gomme à effacer pour enlever l'excédent dans certaines zones du dessin. [MUSIQUE] Outre les ombres, bien sûr, je vais utiliser les couleurs que j'ai choisies pour la base de la peau, savoir l'ocre brûlé, la cannelle et la chair claire. Sur les deux yeux, on voit du maquillage, alors je choisis des couleurs avec un ton rougeâtre, comme le violet caput mortuum. J'essaie également de créer un effet de texture sur la paupière supérieure. Pour cela, j'ai essayé d' imiter les motifs que j'ai vus sur la photo. Pour le sourcil encore une fois, je fais cette base pour la peau puis j'utilise principalement du sépia foncé et des crayons noirs pour suivre cette tendance. Gardez les crayons bien aiguisés lorsque vous les tracez afin qu'ils soient fins et délicats. Lorsque vous dessinez les sourcils, faites attention à la direction que prennent ces tendances, cela fait une grande différence dans votre dessin. Notez que certaines tendances sont plus épaisses et d'autres plus fines, certaines sont plus longues et d'autres plus courtes. Si vous pouvez transmettre cela, votre dessin sera beaucoup plus naturel et réaliste. [MUSIQUE] Je prends également un moment pour comparer les deux sourcils , car il est important qu'ils soient cohérents. Il est souhaitable qu'il y ait une certaine symétrie ici, va de même pour les yeux eux-mêmes. Pour cette raison, si vous préférez, vous pouvez colorer les deux yeux en même temps, en comparant toujours un œil à l'autre. [MUSIQUE] Ici, le sépia foncé peut être utilisé pour contrôler le pli des yeux, car le pli cutané finit par générer une zone d'ombre intense. Ensuite, j'utilise le noir pour souligner cette ligne ainsi que le maquillage, la papille et l' iris de l'œil droit. Ici, je vais renforcer les ombres et le maquillage avec le caput mortuum violet. N'oubliez pas que vous n'avez pas besoin d'acheter ce crayon si vous ne l'avez pas. Mélangez une tonne de violet avec un ou plusieurs tons de brun que vous avez et créez une couleur similaire. [MUSIQUE] Je préfère utiliser une couleur plus neutre, le nougat 178, et une couleur plus claire, la 132 light flesh. Je vais utiliser la gomme à effacer pour surligner cette zone. La gomme à effacer ne produira pas points lumineux très intenses et nets. Il n'a pas cette capacité. Pour cela, j'utiliserais une gomme électrique, mais je préfère réaliser ce portrait en utilisant matériaux plus basiques car ce cours s'adresse principalement aux débutants. Cependant, si vous avez une gomme électrique, essayez de l'utiliser ici car elle produira un effet intéressant pour ces reflets. Maintenant, je vais retoucher ces ombres, les intensifier là où c'est nécessaire, en utilisant un peu le nougat pour obtenir l'intensité saturée des tons rougeâtres. [MUSIQUE] Avec le caput mortuum violet, je vais continuer avec la base de l'ombre, mais cette fois juste autour de l'œil. Je vais utiliser ce violet comme base, puis j' intensifierai les valeurs sombres avec le 199 noir. Je me souviens avoir dit à quel point ce contraste est important. Je vais tout de même faire quelques touches supplémentaires sur cette zone située sous le sourcil avant de me concentrer davantage sur l'œil droit lui-même. [MUSIQUE] Avec la chair claire, j'ai commencé à dessiner le canal lacrymal, cette zone rose située à l'intérieur l'œil, du côté le plus proche du nez. Plus tard, j'utiliserai également d'autres couleurs pour le rendre plus détaillé, comme la cannelle. J'utilise le brun Van Dyck 176 à la base du maquillage du mascara pour mieux intégrer ce maquillage à la peau de la paupière. J'ai pensé qu'il était important de faire cette transition avec un peu plus d'intention. Ensuite, j'utilise les couleurs que j'ai pour les fils les plus foncés, à savoir le sépia foncé et le noir. Les instructions pour l'œil droit sont les mêmes que celles que j'ai données pour l'œil gauche. Il n'est donc pas surprenant que vous puissiez faire les deux en même temps si vous le souhaitez. [MUSIQUE] Encore une fois, je vous montre comment j'ai obtenu le blanc de l'œil et comment les couleurs de cette zone sont assez subtiles. Ce bleu est bien plus évocateur qu'autre chose. C'est juste une couleur de fond pour celles qui prédominent, savoir les gris. Si vous n'avez pas un ton bleu très clair, vous pouvez également opter pour un ton vert clair si vous en avez un. La présence de cette couleur doit cependant être très subtile, alors n'exagérez pas. J'essaie également de réfléchir la lumière que nous voyons sur la gauche. Utilisez le crayon blanc et évitez les crayons gris foncé, qui dans mon cas sont le 274 gris chaud V. D'ailleurs, l'utilisation de ce gris foncé est également subtile car je ne veux pas trop assombrir cet œil. La couleur principale ici est ce 271 gris chaud II. Pour poursuivre avec ce portrait, je vais faire la peau sous l'œil droit et le processus est le même. Remarquez le processus et les couleurs utilisés, qui sont les mêmes que ceux utilisés pour l'œil gauche. Rien de nouveau pour vous, les gars. J'ai ajouté ici encore quelques rides pour essayer d' apporter une touche de réalisme, mais n'oubliez pas qu'il s'agit d'un visage jeune, donc n'exagérez pas ces marques si vous voulez en faire aussi. Vous pouvez les esquisser d'abord avec des tons plus clairs, avec de la chair claire, puis les assombrir petit à petit si c'est le cas. J'utilise moi-même parfois le brun Van Dyck pour cela et je trouve qu'il est trop foncé. Ça n'avait pas l'air bien, alors j'aurais dû les corriger avec la gomme à crayon, mais j'ai fini par lâcher prise. Je veux dire, au moment où j'ai fait ces marques, elles ne m'ont pas dérangée, mais plus tard, elles l'ont fait. [MUSIQUE] Quand vous me voyez utiliser la gomme ou la couleur blanche, cela signifie probablement que je suis en train de terminer cette zone. Maintenant, je vais colorer la joue et le nez gauches. [MUSIQUE] 17. Portrait : nez: La coloration de la joue gauche ressemblera à ce que j'ai fait sur le front ou sur n'importe quelle zone plus large de ce visage. Si vous regardez attentivement la photo de référence, vous remarquerez les barres de skin, mais elles seront ignorées ici car je n'ai pas l'intention de les faire. Mon objectif ici est de faire un dessin réaliste, pas hyperréaliste, les gars. Je veux attirer votre attention l'ombre sur le côté gauche du nez. Comme je l'ai dit en dessinant le contour, il n'y a pas de ligne autour du nez dans cette zone. Ici, vous devrez travailler les volumes à travers une ombre, même si cette ombre est subtile. Les couleurs que j'ai utilisées sont principalement le brun védique 176 et le nougat 178. Pour le reste, vous ne verrez que des couleurs que vous connaissez déjà ici, à savoir 187 ocres brûlés, 189 cannelle, 132 flash et 103 ivoire. Pour ce qui est du nez, j'ai commencé par mettre l'accent sur les valeurs les plus sombres en premier. Je renforce le noir à l'intérieur des narines, puis je prolonge ces ombres avec du sépia foncé. Pour donner du volume au nez dans son ensemble, je vais utiliser principalement la zone brune védique [inaudible] et le nougat situé en dessous et sur le côté du nez. [MUSIQUE] Les autres couleurs sont celles de la base de la peau, ocre brûlé et la cannelle sont les tons intermédiaires qui dominent la base. Ensuite, je vais travailler un peu plus sur l'ombre près des narines avec la terre de Sienne brûlée, le brun védique et la gomme à effacer. Ensuite, je peux revenir aux tonalités plus générales du nez, y compris le flash. Il est également important de comparer les couleurs du nez avec le reste du dessin afin que l'ensemble soit cohérent. [MUSIQUE] Comme d'habitude, j'ai laissé la couleur plus claire pour moins cher. Je vais utiliser l' ivoire 103 pour mélanger les couleurs sous-jacentes tout accentuant la lumière qui tombe sur le nez. Après tout, c'est le jeu d'ombre et de lumière qui augmentera le volume de cette partie du visage. Après avoir retouché le nez, dans la vidéo suivante, je travaille sur la peau du reste du visage. 18. Portrait : reste du visage: Dans cette étape, je vais porter mon attention sur la peau du visage dans son ensemble. Comme les couleurs travaillées sur la peau seront les mêmes jusqu'à la fin, j'ai pensé qu'il serait plus pratique de prendre le temps de terminer la peau en une seule fois au lieu de la diviser en plusieurs parties. Vous connaissez déjà les couleurs utilisées pour les tons de base. Les couleurs les plus utilisées seront l'ocre brûlé, la cannelle et la chair claire. Pour les ombres, j' utiliserai de la terre de Sienne brûlée, brun Van ****, du nougat et même du sépia foncé. Pour les tons plus clairs, j'utiliserai de l'ivoire, gris chaud II et du blanc. Cependant, sur la joue droite, il y a un peu de maquillage. Je vais donc utiliser le 129 pink madder lake qui s'y trouve, ce qui donnera une variation intéressante sur la peau. Dans l'ombre, j'utiliserai à nouveau le caput mortuum violet dans la zone située au-dessus de l'œil droit [MUSIQUE]. De mon point de vue, cette étape du dessin nécessite deux choses principales. La première consiste à choisir les couleurs de manière équilibrée. Il est important de maintenir la cohérence des couleurs utilisées ici. C'est pourquoi je les choisis généralement tous avant commencer à colorier au lieu d'improviser en cours de route. Cela me permet de colorier plus détendu et de me concentrer sans avoir à m' arrêter pour chercher un crayon qui, selon moi, pourrait être utile. C'est également pourquoi il est important de faire des tests sur une feuille séparée pour séparer les couleurs les plus appropriées des autres couleurs que vous aurez [MUSIQUE]. Le deuxième facteur à prendre en compte est de régler le volume du visage. Ici, il est également important de faire attention au visage dans son ensemble lorsque vous en colorez une partie. En gros, nous allons donner cela à certaines parties du visage lorsque vous utilisez des couleurs plus foncées, et à d'autres, nous allons passer à l'étape lorsque vous coloriez avec des couleurs plus claires. C'est l'affichage de la lumière et l'ombre qui donne du volume à un objet. Le fait est que vous devrez également gérer les couleurs, alors choisissez les couleurs que vous avez, non seulement en termes de teinte, mais aussi en termes de luminosité. Utiliser uniquement du blanc pour éclaircir et noir pour l'assombrir n' est pas un bon choix. Si vous souhaitez apprendre à donner un aspect plus naturel et réaliste à vos dessins, il est important de comprendre la valeur que chaque crayon de couleur peut apporter en termes de luminosité. À cette étape, j'ai pensé qu'il n' était pas nécessaire de vous donner des instructions détaillées distinctes, car vous avez déjà vu le processus lorsque nous avons fait le front, la joue gauche et le nez [MUSIQUE]. Dans la vidéo suivante, je vais colorier la bouche avec toi. Allons-y. 19. Portrait : bouche: concentrant maintenant sur la bouche, j'ai commencé par masquer les ombres que j'y voyais, ainsi que certaines rides que je vois sur les lèvres. Encore une fois, je commence à dessiner ce type d'ombre en utilisant le sépia foncé 175, car cela me permet de marquer les ombres sans mettre l'accent sur le noir. La bouche est légèrement ouverte, laissant apparaître un peu les dents. Je vous recommande de ne pas tracer de lignes trop strictes dans ce domaine. L'ouverture doit être délicate avec des traces lisses et incurvées. J'ai utilisé le sépia foncé parce qu' il a un ton généralement foncé, mais j'éviterais les lignes de contour très fortes. Une autre chose à éviter est de faire fortes quantités entre les dents. Non, les dents sont le plus souvent délimitées par plusieurs variations d'ombre et de lumière, plutôt que par de fortes lignes de contour. Toujours sur les ombres, mais pour leur donner de la couleur, je vais utiliser le marron Van Dyck 176 et le violet caput mortuum 263. Après tout, il y a du rouge à lèvres sur les et le violet lui donnera son ton. [MUSIQUE] La cannelle 189 et le lac de matière rose 129 contribueront également à la teinte rose que le rouge à lèvres donnera aux lèvres. L'utilisation simultanée de cannelle rend la couleur des lèvres moins différente de celle de la peau, ce qui contribue à la rendre plus cohérente. Bien sûr, si le rouge à lèvres était d'une couleur différente, comme un rouge intense ou même un noir, ce ne serait peut-être pas le cas d'utiliser de la cannelle. Mais j'aime utiliser une couleur présente sur la majeure partie de la peau pour donner de l'unité à l'ensemble. Avec les couleurs utilisées jusqu'à présent, je crée de nouvelles couches pour consolider la coloration tout en ajoutant plus de détails. J'aime utiliser le violet caput mortuum pour ces touches sur la lèvre inférieure, qui sont relativement subtiles. [MUSIQUE] J'ai même un peu utilisé le nougat 178 parce que j'aime sa neutralité la plupart du temps, et il sert également à ajouter un détail ou un autre. Remarquez cependant à quel point ces rides sont subtiles, en particulier celles de la lèvre inférieure. J'utilise un peu le gris chaud également en raison de sa neutralité. Il sera également utilisé sur les dents après avoir utilisé le sépia foncé une fois de plus. Ici, j'ai remarqué dans mon dessin qu'il y avait un contour blanc autour des lèvres, ce qui n'est pas bon du tout. J'utilise les couleurs de la peau pour passer des lèvres à la peau autour de la bouche. Les couleurs utilisées pour celles-ci sont principalement le flash et la cannelle. Je vais également utiliser du blanc pour mélanger ces couleurs et apporter quelques touches avec la gomme à crayon, car sur la lèvre inférieure, il y a une zone rose avant de commencer à appliquer la peau elle-même. Regardez la référence pour mieux comprendre à quoi je fais référence. Ici, nous avons terminé la bouche. En fait, cela ne nous prend pas beaucoup de temps car il ne s'agit que d'une petite partie du dessin et nous n' entrons pas trop dans les détails. 20. Portrait : col: [MUSIQUE] Le cou est probablement la partie la plus facile de ce portrait, car ici , vous connaissez déjà les couleurs et vous maîtrisez les crayons. Mon processus suit les mêmes étapes, commençant par les ombres et en passant progressivement aux couleurs plus claires. Lorsque je faisais le visage, lorsque je colorais les zones proches de la mâchoire, je passais à des couleurs plus foncées parce que c'était ce que je voyais. Je n'ai pas vu de ligne noire séparant le visage du cou. Mais j'ai effectué un changement progressif et en douceur pour assombrir les couleurs en fonction de la référence. À ce stade, j'ai beaucoup plus utilisé le sépia foncé que dans d'autres domaines, ainsi que le brun védique car les ombres y sont plus foncées. Ici, il était également nécessaire d' utiliser le noir pour intensifier la profondeur, ce qui fait sauter le visage vers l' avant et faire reculer le cou. J'ai utilisé presque toutes les couleurs de peau ici aussi, alors regardez la vidéo pour voir de quelles couleurs il s'agit. Ceux que je n'ai pas utilisés étaient l'ivoire et le blanc du flash, des couleurs claires qui, à mon avis, ne conviennent pas ici. [MUSIQUE] Cette étape est très similaire à la constante du dégradé. Tu n'es pas d'accord ? Encore une fois, il est important passer en douceur de l'obscurité à la lumière. Regardons le processus de coloration ici, puis nous verrons comment je le fais ici. Attention, le fait que cette vidéo soit courte ne signifie pas que tout le cou soit aussi rapide. Rappelez-vous comment se sont déroulés les exercices de gradient, le temps passé sur chacun d'eux. Remarquez que ce col est plus grand que tous ces dégradés si vous dessinez votre portrait à peu près de la même taille que moi. Je crois qu'il faut environ 15 minutes pour colorer cette zone, alors ne vous précipitez pas. 21. Portrait : cheveux: [MUSIQUE] Maintenant, coiffons-nous. Le premier point à prendre en compte est la direction des traits. Du début à la fin, le mouvement des cheveux doit être donné par les crayons de couleur rouge. Nous le faisons souche par souche, quelle que soit la couleur. J'ai choisi de recommencer par la couleur la plus foncée, ce qui indique que ces cheveux sont noirs. Essayez d'identifier les mèches de cheveux et les zones les plus sombres afin de comprendre la logique qui sous-tend le désordre. Avec le noir, j'ai attiré mon attention sur une petite zone foncée des cheveux et j'ai essayé reproduire ce que j'ai vu dans la référence. Comme je colore souche par souche, il est essentiel de garder la pointe du crayon bien affûtée. Le Van **** brown sera également à nouveau un protagoniste dans l'ombre, qui correspond également à la peau. La sienne brûlée jouera désormais un rôle plus important, car elle sera l'une des couleurs intermédiaires pour ces cheveux bruns. Bien que nous ne le voyions que sur le côté gauche du portrait. Dans d'autres zones, les cheveux paraissent plus foncés. Voici une nouvelle couleur dans ce dessin, l'ombre brute. C'est un ton jaunâtre et brun clair et il ne sera pas utilisé en grande quantité. J'ai juste pensé que ce serait également une bonne couleur intermédiaire car elle neutralise la chaleur de la terre de Sienne brûlée. l'ocre brûlé sera également utilisé, bien que la terre de Sienne brûlée soit utilisée plus souvent. Après la première couche de couleurs, nous pouvons renforcer les mêmes couleurs en exerçant plus de pression sur le crayon. C'est particulièrement important pour le noir car, encore une fois, le contraste est important. À un moment donné, j'ai voulu assombrir les cheveux, mais je ne voulais pas utiliser uniquement noir car cette couleur est trop foncée Je les ai donc ramenés au sépia foncé. Remarquez à quel point chaque ton est différent des noirs malgré leur ressemblance. Si vous êtes débutant, vous n'avez peut-être pas encore remarqué cette nuance. Mais ces subtilités apprendront à se percevoir au fil du temps et elles finiront par faire la différence. Les tons intermédiaires, qui dans cette zone sont le brut, ombre et la terre de Sienne brûlée, seront utilisés pour mélanger les couleurs de cette zone. Dans la zone plus claire, que je vais faire ci-dessous, j'utiliserai plutôt des couleurs plus claires pour le mélange. Dans la zone ci-dessous, je vais continuer à colorier de la même manière, mais comme c'est plus clair, j'utiliserai d'autres couleurs, en particulier lors du mélange. Vous pouvez maintenant deviner de quelles couleurs il s'agit. J'ai commencé par le noir pour marquer les zones sombres entre une souche et une autre. Ensuite, j'utilise la Sienne brûlée et le Van **** Brown pour avancer avec les ombres. Mais remarquez que je laisse certaines zones vides car elles finiront par être claires. Pour couvrir toute cette surface, j'ai utilisé du bois brut et de l'ocre brûlé avec plus parcimonie car ces couleurs seront éclaircies par d'autres. Je vais lentement assombrir les cheveux, mais cette zone sera moins foncée que la précédente, comme je l'ai dit. Les cheveux sont dans la référence, projetant une ombre sur le visage et c'est ce que je vais faire maintenant. Pour cela, je vais prendre les couleurs correspondant aux tons de peau et remplir les zones que j'ai laissées en blanc. Pour le cou, j'ai inclus le noir et pour le visage, j'utilise principalement le Van **** marron. Enfin, pour les reflets sur les cheveux, j'ai choisi l'ivoire. Pour que cette couleur soit envoyée, vous devez appuyer un peu plus sur le crayon. Si son extrémité est tranchante, il est possible qu' elle se casse. Mais dans ce cas, vous pouvez utiliser le crayon même s' il n'est pas tranchant. Ensuite, je vais appliquer un peu moins de points sépia foncé sur les cheveux pour augmenter le contraste à certains endroits. Maintenant, un exemple intéressant sur façon de tracer les taches de cheveux sur la peau. faire n'est pas très complexe, mais tout d'abord, c'est essentiellement que vos crayons sont très tranchants. Deuxièmement, portez une attention particulière à la qualité de l'accident vasculaire cérébral. Il doit être à la fois léger et ferme pour que les traits soient continus et ressemblent en fait à des cheveux. Je vous recommande de les pratiquer sur une feuille de papier séparée avant de les faire directement sur votre dessin. Une fois que toutes vos pièces sont pratiquement terminées et que vous ne voulez pas les ruiner. En ce qui concerne les couleurs, j'ai utilisé le marron Van ****, sépia foncé et le noir, dans cet ordre. Avez-vous remarqué que je ne commence pas par la couleur la plus foncée cette fois ? Le principe que je suit dans ce cas est de commencer par l'intervention la plus légère, disons, puis de l'approfondir au fur et à mesure que je suis plus convaincue de ce que je fais. Dans ce cas, le brun Van **** des trois couleurs choisies est celui qui ressemble le plus à la couleur de peau ci-dessous. Les foulées effectuées avec sépia foncé et du noir attireront davantage l'attention, il est donc préférable de les utiliser une fois la base préparée avec le brun. [MUSIQUE] 22. Portrait : touches finales: Voici votre dessin peut-être terminé ou non. En regardant mon propre dessin, j'ai remarqué un manque de volume sur le nez, en particulier sur le côté gauche. J'ai donc retouché cette zone avec de l'ocre brûlé, la cannelle et du nougat, toutes de couleurs intermédiaires. Avec le nougat, j'ai également touché l'ombre située sous le sourcil droit, qui me semblait trop saturée. Enfin, j'utilise la gomme sur marges du dessin pour qu'il soit plus droit, ce qui m'a fait plaisir quant à la finition et à la signature de l'œuvre. Comme je voulais signer mon dessin avec un stylo acrylique blanc, j'ai déjà fait un léger croquis de ma signature à l'aide d'un crayon graphite dur. C'est ça. J'espère que vous avez beaucoup appris et que vous vous êtes amusé avec ce projet. [MUSIQUE] 23. Conclusion: [MUSIQUE] Nous voici arrivés à la fin de ce cours pour débutants sur la façon dessiner la peau humaine à l'aide de crayons de couleur. Si vous avez fait les exercices de ce cours et j'espère que vous l'avez fait, vous pouvez les partager ici dans la zone des projets afin que je puisse les consulter et vous donner des conseils pour les améliorer. Si c'est le cas, bien sûr. Puisque vous avez regardé les vidéos jusqu'à la fin, n' oubliez pas de laisser un commentaire. Cela m'aidera beaucoup à vous fournir un meilleur contenu et même temps, à toucher plus d'étudiants désireux d'apprendre comme vous. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours, et je prévois les prochains. Au revoir.