Dessiner un oiseau avec 12 couleurs : principes de base du crayon de couleur.

1. Introduction: De nombreux artistes débutants et même plus expérimentés pensent qu'ils ont besoin d' une grande variété de couleurs pour créer des dessins de haut niveau avec des crayons de couleur cette raison, ils dépensent souvent beaucoup d'argent pour acheter des crayons coûteux ou abandonnent parfois avant même de commencer, simplement parce qu'ils se sentent intimidés ou incapables de dessiner certains sujets alors qu'ils pensent ne pas avoir Et si je pouvais vous montrer qu'il est tout à fait possible de créer d'excellents dessins, même réalistes, avec une gamme de couleurs très limitée et vous apprendre à le faire ? Bonjour, je m'appelle Matus Macedo et je me spécialise dans Dans ce cours, je vais non seulement prouver que c'est possible, mais aussi vous montrer comment créer beaux dessins en utilisant un ensemble de 12 couleurs seulement ou les crayons de couleur que vous avez déjà chez Je vais vous montrer comment j'ai dessiné cet oiseau en utilisant un jeu de 12 couleurs. Et je suis sûr que si vous suivez ce dessin avec moi, vous vous sentirez beaucoup plus à l'aise avec des crayons de couleur, même si vous n'avez qu' un nombre limité de couleurs disponibles Le secret réside dans notre capacité à mélanger ces couleurs pour obtenir les tons souhaités, et je vais vous montrer exactement comment procéder dans la pratique. Je vais vous guider étape par étape tout au long du processus que j'ai suivi pour dessiner cet oiseau de l' esquisse initiale aux touches finales, afin que vous puissiez obtenir un excellent résultat, même si vous êtes un débutant complet dans cette forme d'art. Je suis donc prête à tirer le meilleur parti d'un ensemble de crayons de couleur claire. Si la réponse est oui, prenez vos crayons et dessinons 2. Projet de cours :: Bienvenue dans la classe Trama Bird aux 12 couleurs. Comme le suggère le titre du cours, je vais vous montrer comment j'ai dessiné cet oiseau en utilisant un jeu de 12 couleurs, même si le sujet lui-même contient une large gamme de couleurs. J'ai choisi ce sujet précisément pour démontrer que nous pouvons obtenir une grande variété de couleurs, même avec un ensemble plus limité de crayons de couleur Comme vous pouvez le constater, ce dessin n'est pas grand. Il a été réalisé sur une feuille de papier A5. Ce projet n'est ni long ni chronophage. Il n'est pas nécessaire de dessiner exactement le même sujet pour suivre ce cours, mais je pense que c'est une bonne idée de le faire, surtout si vous êtes débutant. Cela vous facilitera beaucoup la vie. En ce qui concerne les matériaux, je recommande simplement d'utiliser des crayons et du papier de qualité professionnelle , car ils permettent de superposer les couleurs et de créer des mélanges directement sur le Je sais que ces matériaux sont plus chers, mais il n'est pas nécessaire de les acheter en grande quantité. En parlant de matériaux, dans la prochaine leçon, je vais vous montrer brièvement quels matériaux j'utilise exactement pour créer ce dessin, y compris certaines recommandations de marque. Je vais voir dans la prochaine vidéo. 3. Fournitures: Dans cette leçon, je vais vous montrer matériel que j'utilise tout au long du cours. Commençons par le matériel le plus important. L'idée de ce cours était de créer un dessin en utilisant seulement 12 couleurs. Et dans mon cas, j'ai choisi le set polypromo 12 couleurs de Faber Castel Je vais vous fournir une liste des couleurs que j'ai utilisées, mais bien sûr, vous n'êtes pas obligé d'utiliser les mêmes crayons que moi Vous n'avez même pas besoin de crayons de qualité professionnelle pour réaliser cet exercice, bien que des crayons de meilleure qualité puissent vous aider. Les gammes Professional de marques telles que Kahan Dash, Prismacolor et Dervent figurent parmi les options les plus populaires et pour réaliser cet exercice, bien que des crayons de meilleure qualité puissent vous aider. Les gammes Professional de marques telles que Kahan Dash, Prismacolor et Dervent figurent parmi les options les plus populaires et les plus fiables. Le papier que j'ai utilisé est le Strathmore 300 Series Bristol Smooth. Encore une fois, vous n'avez pas besoin d' utiliser exactement le même matériau. Ce que je recommande, c'est de choisir un papier avec une bonne ondulation, au moins 150 grammes/mètre carré, afin de pouvoir supporter plusieurs couches de crayon de couleur Comme je préfère une finition plus réaliste, j'opte généralement pour des papiers à surface lisse. À mon avis, Strathmore Bristol trouve un excellent équilibre entre une douceur et une bonne absorption des pigments, ce qui n'est pas toujours facile à Une option plus abordable, je le sais, est un diplôme constant, qui répond à mes critères pour un dessin réaliste. Il existe de nombreuses autres excellentes options sur le marché, telles que Fabriano, Stonehenge Cependant, la disponibilité dépendra de l'endroit où vous vivez et de votre intention d'acheter votre matériel dans un magasin physique ou en ligne. Vous pouvez aiguiser vos crayons avec le taille-crayon de votre choix J'utilise généralement un aiguiseur à manivelle, que je trouve pratique et efficace Cependant, pour plus de précision et pour prolonger la durée de vie du crayon, j'affine souvent la pointe à l'aide d'un couteau artisanal. J'ai utilisé un stylo Posca, mais uniquement pour signer le dessin Cette option est totalement facultative. Une alternative serait un stylo gel, même si personnellement je n' aime pas utiliser ce matériau. Dans ce cours, j'enseigne deux méthodes différentes pour le croquis de notes, et voici le matériel que j'utilise pour cela. Pour la première méthode, la méthode de transfert, j' utilise une feuille de papier d'imprimante ordinaire. À un moment donné, vous avez également besoin de mouchoirs ou de papier toilette. J'utilise le crayon graphique Four B. J'ai également utilisé du ruban adhésif, fois pour le croquis et pour fixer le dessin sur ma planche à dessin Pour la méthode de transfert, vous aurez également besoin d'un stylo Bwpoint, et j'utilise le rouge Pour la méthode de la grille, j'utilise le crayon graphite B, et j'utilise également un rouleau pour tracer les lignes de la grille. Pour les deux méthodes, vous avez besoin d'une gomme. Pour éclaircir les lignes d'esquisse, j'utilise une gomme nécessaire, qui est un outil très utile J'utilise également une gomme en plastique ordinaire. Celui-ci est au format stylo, ce que je trouve très pratique. Et c'est tout. Ce sont les matériaux utilisés tout au long des leçons. Regardez ensuite les vidéos sur les deux différentes méthodes d' esquisse pour mieux comprendre comment ces matériaux sont utilisés Rendez-vous dans la prochaine leçon. 4. Esquisse : méthode de transfert: Dans cette vidéo, je vais vous apprendre à créer un croquis parfait en utilisant ce que j'appelle la méthode de transfert. Bien entendu, vous pouvez dessiner votre croquis à main levée si vous préférez Cependant, de nombreux étudiants débutants ne se sentent pas à l'aise pour dessiner à main levée Et comme ce n'est pas le but de ce cours, je vais vous enseigner deux méthodes de préparation de croquis qui ne nécessitent aucune expérience préalable ni compétences spécifiques en dessin. Pour suivre la méthode enseignée dans cette vidéo, vous avez besoin d'une copie imprimée de l'image de référence. Si vous n'avez pas accès à une imprimante, vous pouvez utiliser la méthode de la grille, que je vais vous apprendre dans la leçon suivante. Cette image est imprimée dans un format cinq, soit la moitié d' une feuille A4, et c'est le format que j'ai choisi pour ce dessin. Vous remarquerez que la photo est imprimée en noir et blanc et légèrement éclaircie I pour économiser l'encre de l'imprimante, à la fois noire et couleur. J'ai ajusté l' image dans Photoshop et je vous fournirai un guide étape par étape au cas où vous souhaiteriez faire de même. Je mettrai également cette image en téléchargement. Avec cet ensemble pour cette méthode, vous aurez besoin de l'image de référence imprimée, du papier sur lequel vous dessinez au même format, et enfin, d'une feuille de papier recouverte de graphite, ce que je vais expliquer sous peu. Avant cela, la première étape consiste à fixer l'image de référence sur le papier à dessin. Pour ce faire, je vais utiliser deux petits morceaux de ruban adhésif. Je vais placer une pièce de chaque côté de la marge supérieure pour empêcher une feuille de bouger par rapport à l'autre. Parlons maintenant de la feuille de couverture en graphite. Il fonctionnera comme une sorte de papier carbone. Vous pouvez certainement utiliser du vrai papier carbone, mais je n'en ai jamais acheté car il est très facile de le fabriquer vous-même. Pour préparer cette feuille, il suffit de prendre une feuille blanche de papier ordinaire pour imprimante et un crayon graphite souple, tel qu'un quatre B. Avec ce crayon, remplissez la feuille dans différentes directions croisant vos traits comme vous pouvez le voir à l'écran. Ensuite, à l'aide d'un mouchoir ou d'un papier toilette, étalez doucement le graphite sur la surface, effectuant à nouveau des mouvements dans différentes directions. Répétez le processus deux ou trois fois, et vous devriez obtenir une feuille comme celle-ci. Je laisse généralement un espace vide dans les coins pour ne pas me salir les doigts lorsque je manipule la feuille. J'aime aussi le plier en deux qu'il ne tache pas ce que je range, que ce soit dans un dossier ou un tiroir. Voyons maintenant comment positionner la feuille de graphite. Placez la feuille graphée entre votre papier à dessin et l'image de référence La face dessinée doit être orientée bas, en direction de la surface sur laquelle vous allez dessiner Maintenant, à l'aide d'un crayon, d'un stylo ou de tout autre objet pointu, appuyez sur les contours de l'image de référence. J'aime utiliser un stylo à bille rouge car il me permet de voir clairement où j'ai déjà tracé Vos coups doivent être fermes, mais il n'est pas nécessaire d' appliquer une pression excessive. N'appuyez pas trop fort, car vous pourriez endommager la surface du papier à dessin. Essayez de trouver un équilibre entre légèreté et fermeté. Mon objectif ici n'est pas de transférer tous les détails de l'image de référence, mais de m'assurer que je dispose de suffisamment d'informations pour chaque partie d'un dessin. Je ne veux pas avoir à deviner certaines zones plus tard pendant que je me concentre sur l'application de la couleur. Bref, j'essaie de transférer le plus d'informations essentielles possible. De temps en temps, laissez les feuilles et vérifiez votre dessin pour voir comment il progresse Oh À la fin du processus, voici le dessin que j'ai obtenu après avoir transféré les contours. Ici, je vais dessiner une petite marge d' un demi-centimètre soit 5 millimètres autour du dessin Bien entendu, cette étape est totalement facultative. Vous préférerez peut-être une marge plus importante ou aucune marge du tout. C'est à vous de choisir. Maintenant que l'esquisse est terminée, je peux retirer les morceaux de ruban adhésif et séparer le dessin de l'image de référence À la fin du processus, j'aime utiliser une gomme à effacer pour éclaircir doucement les lignes afin qu'elles n'apparaissent pas sur le Cela empêche également le graphite de se mélanger au pigment du crayon de couleur. J'utilise une gomme pour éclaircir les lignes, pas les effacer complètement me suffit d'appuyer doucement la gomme sur la surface et de la soulever pour retirer une partie du graphite du papier Remarquez comment les lignes sont devenues plus claires. C'était l'objectif final. J'espère que vous avez apprécié cette leçon. Dans la vidéo suivante, je vais vous apprendre une autre méthode d'esquisse, la méthode de notation, vous connaissez peut-être déjà et qui est particulièrement utile lorsque vous n'avez pas accès à une imprimante. Continuons. 5. Ébauche : méthode de grille: C'est bon. Dans cette vidéo, je vais vous apprendre à créer une esquisse en utilisant la méthode de la grille. Ce n'est pas ma méthode d' esquisse préférée, mais c'est une excellente option lorsque nous n'avons pas la possibilité d'imprimer l'image de référence Nous aurons besoin du papier sur lequel nous allons dessiner un crayon, un rouleau, des gommes et un appareil électronique pour créer les lignes de la grille sur une image de référence Je vais le faire sur un téléphone, mais vous pouvez également le faire sur une tablette ou un ordinateur, par exemple, à condition de disposer d'une application ou d'un logiciel capable de générer des lignes de réseau. Dans cette démonstration, je vais utiliser une application Android gratuite appelée Grid drawing. Dès que vous ouvrez l'application, sélectionnez l' option Let's Grid afin que nous puissions choisir l'image de référence. Repérez ensuite l'image dans votre galerie. À des fins pédagogiques, j'ai créé une version en noir et blanc de l'image pour créer la grille. J'ai pensé que cela créerait moins de distractions et rendrait les lignes de la grille plus faciles à voir dans la vidéo. Une fois l'image chargée dans l'application, vous verrez des options vous permettant de choisir nombre de lignes et de colonnes de la grille. Appuyez sur le nombre de lignes et de colonnes que vous souhaitez , puis appuyez sur le bouton de la grille pour que l'application génère les lignes. Par exemple, ici, j'ai inséré quatre lignes, sorte que l'application a divisé l'image en quatre sections horizontales égales. Cependant, les lignes de démarcation sont très fines. Je vais donc passer aux paramètres, à savoir l'icône en forme de roue dentée en haut à droite où je peux modifier l' épaisseur des lignes. Notez qu'à quatre pixels, ils deviennent beaucoup plus faciles à voir. Maintenant, je vais également ajouter quelques colonnes. Le but de la grille est de créer des points de référence pour l'esquisse en fonction de l'intersection des contours de l'image de référence avec les lignes de la grille Pour cette raison, le nombre de lignes et de colonnes sera déterminé par vous. Si vous choisissez une grille comportant moins de divisions, l'image sera plus nette, mais elle comportera moins de points de référence. Si vous créez une grille comportant plusieurs divisions, vous aurez plus de points de référence, mais l'image deviendra visuellement plus dense. Je recommande de trouver un équilibre qui vous convient. Une grille de sept lignes sur sept colonnes, par exemple, m' a semblé être une bonne option. Avec dix lignes et dix colonnes, l'image devient un peu plus encombrée, même si cela facilite le processus de dessin N'hésitez donc pas à expérimenter différentes divisions jusqu'à ce que vous trouviez le nombre qui vous convient le mieux. Vous pouvez également modifier la couleur des lignes de la grille. Encore une fois, accédez aux paramètres pour ce faire, pour appliquer les modifications, revenez à l'écran précédent et appuyez à nouveau sur le bouton de la grille. Jusqu'à présent, la grille que j'ai créée est composée de sections rectangulaires. Il est également possible de créer des sections carrées, ce que je préfère personnellement. Pour ce faire, retournez dans le menu des paramètres et sélectionnez la grille en mode carré. J'en profite également pour ajuster à nouveau l'épaisseur du trait. Pour en revenir à l'image, je vais maintenant déterminer le nombre de divisions uniquement par le nombre de lignes. Les colonnes générées auront la même dimension que les lignes, ce qui signifie que toutes les sections seront des carrés parfaits. Cela simplifie considérablement le processus de projection de la grille sur votre papier car vous utilisez la même mesure pour les lignes horizontales et verticales. Faisons maintenant un peu de calcul. Les dimensions d' une feuille A 5, qui est le papier que je vais utiliser pour ce dessin, sont de 21 centimètres de hauteur et 14,8 centimètres de largeur Comme la grille est générée sur la base des lignes horizontales, je vais utiliser la hauteur du papier pour le calcul. Si le papier mesure 21 centimètres haut et que je le divise en dix rangées, chaque rangée aura une hauteur de 2,1 centimètres. Comme j'ai choisi une grille carrée, les colonnes auront également une largeur de 2,1 centimètres. Génial. Cela signifie que j'ai créé une grille avec des carrés de 2,1 centimètres de chaque côté avec le point de départ de la grille situé dans le coin supérieur gauche. C'est pourquoi, si votre image de référence n'est pas parfaitement carrée, la dernière colonne risque de ne pas s'aligner exactement sur le bord droit de l'image. C'est tout à fait normal. Je le mentionne juste au cas où vous vous poseriez la question. Dans mon cas, après la dernière colonne verticale, il reste encore 1 millimètre avant d'atteindre le bord droit de l'image Il s'alignait presque parfaitement, mais pas tout à fait. Si le nombre de lignes et de colonnes de votre image vous convient, appuyez sur le bouton Enregistrer pour enregistrer l'image sur votre appareil. Dessinons maintenant la grille sur notre papier à dessin. Prenez votre feuille de papier, votre règle et votre crayon. À l'aide de la règle, je commence à marquer les divisions des rangées, toujours espacées de 2,1 centimètres, en commençant par le coin supérieur gauche. Dans ce cas, nous allons créer dix divisions. Tu te souviens ? Faites de même sur le côté droit, encore une fois, en commençant par le haut. Non, je vais tracer les lignes horizontales. Ensuite, je vais dessiner les lignes des colonnes. Je marquerai les divisions avec la règle le long des première et dernière lignes horizontales que je viens de tracer. La mesure est la même, 2,1 centimètres. Une fois les marques faites, il suffit de les connecter pour tracer les lignes. La grille est maintenant terminée. Avant de commencer le dessin lui-même, je vais dessiner la marge que j'ai créée pour cette pièce, qui est d'un demi-centimètre À l'aide d'une gomme ordinaire, j'effacerai les lignes de la grille situées en dehors de la marge, juste pour donner à la surface de dessin un aspect plus propre Nous pouvons enfin commencer cette esquisse. Comme je l'ai mentionné précédemment, le but de la grille est de créer des points de référence en fonction l' intersection des contours de l'image avec les lignes de la grille Sur l'écran, vous pouvez voir certains des points que j'ai marqués sur l'image. En commençant par la tête de l'oiseau, je cherche ces points d'intersection et je relie un point à un autre tout en observant l'image de référence. Comme vous pouvez le constater, il est beaucoup plus facile de penser carré par carré plutôt que de se concentrer sur l'ensemble du dessin en une seule fois. Cela simplifie considérablement le processus d'esquisse. Il vous suffit de faire attention aux points d' intersection entre l' image et la grille et de transférer ces points sur votre papier. J'ai d'abord dessiné le contour de la commande, puis je me concentre sur les parties internes. Vous pouvez suivre l' ordre que vous préférez. Avec les explications données jusqu'ici, je pense que vous comprenez déjà comment fonctionne le processus. Je n'ai pas inclus tous les détails de l' image de référence dans l'esquisse, mais vous pouvez ajouter autant de détails que vous le souhaitez. Non, non. À la fin, à l'aide d'Ed Eraser, j'efface les lignes de la grille car nous ne voulons évidemment pas qu'elles apparaissent dans le dessin final À l'intérieur de l'oiseau et de la branche, j'utilise la gomme un peu plus doucement, en essayant de supprimer les lignes de la grille sans trop perdre le dessin Ensuite, je retrace quelques lignes qui se sont estompées. Je choisis la gomme dont j'ai besoin parce qu'elle fait moins de dégâts et me permet également d' éclaircir les lignes au lieu de les effacer complètement Et voici à quoi ressemble la cache des oiseaux en utilisant la méthode de la grille. Je suis revenu avec une gomme ordinaire pour supprimer quelques lignes que je n'arrivais pas à effacer avec la gomme nécessaire J'ai également effacé quelques marques de marge. Comme une partie de la marge a été effacée au cours du processus, je redessine également ces lignes Et c'est tout. J' espère que cette leçon vous a été utile et que l' explication était claire. Maintenant, commençons enfin à colorier. 6. Oiseau : premières couches: D'accord. Commençons maintenant le projet principal de notre classe, le dessin d'oiseaux. Tout au long de ces leçons, j'ai divisé le projet en étapes successives, et dans chacune d'elles, je travaille sur le dessin dans son ensemble. D'habitude, je préfère travailler pièce par pièce du début à la fin. Par exemple, je pourrais commencer par la tête de l'oiseau et ne passer aux zones suivantes qu'après l'avoir complètement terminée. Cependant, pour ce cours, j'ai décidé de suivre une approche différente, en travaillant simultanément sur toutes les parties du dessin, en les finissant toutes en même temps, à l' exception de l'arrière-plan. J'ai pensé que cette structure serait plus didactique. Dans cette première vidéo, je vais donc vous montrer comment j'applique les couches initiales. À ce stade, je travaille généralement avec des couleurs plus foncées. D'une certaine manière, cette étape fait toujours partie de l'esquisse, mais à l'aide de crayons de couleur Cela m'aide à définir les différentes parties du sujet, telles que la tête, la poitrine, les ailes et les branches, et me donne plus de confiance pour me concentrer sur les couleurs elles-mêmes lors des étapes suivantes. Comme vous pouvez le constater, j'ai commencé avec un crayon noir. Avec elle, je commence à marquer les zones les plus sombres du dessin Il n'est pas nécessaire d'appuyer trop fort à ce stade, puisqu'il s'agit toujours de la première couche. Dans certaines zones, je recommande en fait d'utiliser le crayon plus légèrement, créer des traits plus doux, visant presque un ton grisâtre Remarquez comment je fais varier les valeurs des tunnels tout au long de cette vidéo. Ici, sur l'aile, par exemple, il y a des zones où le noir est assez intense car ce sont en effet des détails très sombres. Il en va de même pour l'œil et la zone située sous le bec de l'oiseau D'autres zones nécessitent plus de soin en raison de la quantité de détails, comme ici au bout de l'aile. Dans cette région, j'ai initialement créé des lignes de contrôle pour définir clairement chaque section de l'aile. n'est qu'après cela que je me sens plus à l'aise pour ajouter les ombres. N'oubliez pas que si vous souhaitez obtenir un résultat plus réaliste comme le mien, vous devez éviter de vous fier lignes de contour, car les lignes n' existent pas dans la nature. Ce qui existe réellement, ce sont des variations d'ombre et de lumière, et c'est ce que je cherche à créer dans le dessin. Pourrait Sur la poitrine, je travaillerai également avec des coups plus contrôlés. abord, je les applique légèrement, car cette zone n'est pas très foncée et je vais progressivement obtenir la bonne valeur. Un autre aspect sur lequel je commence à travailler ici est la texture. Pour ce faire, j'essaie d'imiter la direction des plumes. Remarquez le mouvement de mes traits de crayon. Je suis toujours l'image de référence. Ici, je vais marquer les griffes de l'oiseau. Puis je retourne dans l'aile, en ajoutant d'autres ombres. Il y a plusieurs domaines ici où je travaille plume par plume. Le début de la queue est assez sombre mais pas complètement noir. Je vais donc construire cette pierre progressivement. Vous allez me voir appliquer plusieurs couches dans cette zone. Maintenant, en passant à la succursale, le processus reste le même. La première chose que je fais est définir les contours et les zones ombrées, encore une fois, sans trop appuyer avec le crayon Mon objectif est de visualiser clairement les limites de la branche, renforçant les lignes d'esquisse à l'aide du crayon noir. Je commence également à ajouter quelques détails ici, qui m'aideront à développer la texture lors des prochaines étapes. J'ajoute ici une autre couche d' ombre pour renforcer les zones les plus sombres, car il s'agit également d'une région à fort contraste. Et ici, renforcer un peu plus les ombres. Maintenant, pour en revenir à la tête, je vais commencer à appliquer la première couche de couleur. Je commence à cartographier les couleurs, en commençant par le rouge. Ici, j'utilise le jaune en appliquant un simple remplissage juste pour indiquer à quoi appartient cette couleur. Sur l'aile, nous avons également du jaune mélangé à d'autres couleurs. En fait, tous les domaines impliqueront un mélange de couleurs. Pour l'instant, je ne place que la couleur dominante. Dans cette zone, j'utilise le bleu outremer clair, qui est le bleu clair disponible dans mon ensemble de 12 couleurs Avec ce bleu, je commence à donner un peu de volume à ces plumes. Au début de la queue, nous avons une autre zone rouge. Et ici j'utilise à nouveau le bleu clair. Dans cette zone, j'utilise un bleu légèrement plus foncé, c' est-à-dire trop bleu. Maintenant, j'introduis une nouvelle couleur, magenta, que je peux voir dans certains détails de la branche. J'utilise cette couleur avec parcimonie, mais j'ai pensé qu'elle valait la peine d'être incluse ici Voici à quoi ressemble mon dessin après cette première étape. Je vais maintenant commencer à travailler davantage sur le volume et la tridimensionnalité du dessin 7. Oiseau : contraste: Bien, comme je l'ai déjà mentionné, dans cette vidéo, je vais me concentrer sur le volume du dessin. Pour y parvenir, je dois me concentrer sur le contraste, c' est-à-dire sur la différence entre les valeurs de lumière et d'ombre. C'est ce qui donne de la profondeur au dessin. J'ai commencé ici avec le magenta, qui est la couleur de mon ensemble de 12 couleurs qui se rapproche le plus de notre rouge foncé. Le fait qu'il ne soit pas vraiment rouge n'est cependant pas un inconvénient. En fait, je pense que ce choix donnera au dessin un aspect plus riche et plus éclatant que si j'avais simplement utilisé un rouge plus foncé. Je pense que vous serez d'accord avec moi une fois ce dessin terminé. Je vous présente ici une nouvelle couleur marron. Vous remarquerez que je ne compte pas uniquement sur le noir. Même si je travaille sur le contraste, je n'ignore pas la qualité des couleurs. Je ne veux pas que ça ait l' air monotone. À ce stade, vous me voyez intensifier les ombres, et dans chaque zone, j'essaie d'apporter des couleurs qui se marient bien avec la couleur dominante Dans ces zones rougeâtres, par exemple, j'ai choisi le magenta et le brun pour créer une transition entre le rouge et le noir Alors, comment puis-je créer ce sentiment de tridimensionnalité en créant des dégradés Pour obtenir des dégradés lisses, je fais varier la pression appliquée sur le crayon, appuyant davantage dans les zones sombres et en relâchant la pression dans les zones claires Lorsque le brun n' atteint pas le niveau d' obscurité souhaité, je reprends le noir. Essayez de garder votre crayon bien aiguisé, en particulier lorsque vous travaillez dans des zones qui nécessitent plus de précision et de détails. Les plumes en général, situées autour des yeux, nécessitent un soin particulier. Ici, je ne fais que renforcer les marques que j'ai faites plus tôt, en pressant le crayon un peu plus fermement contre le papier. Encore une fois, un crayon bien aiguisé est essentiel ici. Examinons de plus près le travail réalisé dans ce domaine. D'après mon expérience, les pièces qui prennent le plus de temps ne sont pas nécessairement les plus grandes, mais celles qui contiennent le plus de détails. Maintenant, je reviens avec le bleu foncé, le bleu suif. Ensuite, j'ajoute également quelques touches de magenta et de bleu clair. Cette étape consiste davantage à ajuster les couleurs qu'à travailler uniquement sur le contraste. D'une certaine manière, j'avance légèrement dans le processus, mais ce n'est pas grave. L'ajout de ces couleurs me donne plus de confiance pour revenir au noir, que je considère comme une couleur plus agressive. Ici je reviens avec du brun pour développer davantage la partie inférieure de la poitrine. Je trouve également que le brun se marie bien avec le jaune. C'est une couleur plus neutre, ce qui la rend très polyvalente dans les différentes zones du dessin. Maintenant, je présente une nouvelle couleur vert émeraude, qui est le vert le plus foncé de mon ensemble de 12 couleurs. Dans ce domaine, il y a une transition du jaune au vert que je développerai davantage au cours des prochaines étapes. Maintenant, je reviens au brun et au noir, qui dominent ces zones d'ombre plus profondes. Dans ces régions plus sombres, je crée de nombreuses couches de noir. Je préfère superposer des couches plutôt que d' appuyer trop fort sur le crayon Pour moi, les crayons de couleur donnent bien meilleurs résultats lorsqu'ils sont manipulés avec contrôle plutôt qu' Passons à la queue, noir est également présent ici. Je tonifie également légèrement ces bleus avec un peu de magenta. Notez que je continue à créer des dégradés même dans des zones plus petites Pour certains détails sombres, il est parfaitement normal d' appliquer un peu plus de pression. Sur la branche, j'applique de nouvelles couches de brun et de magenta. magenta apparaît subtilement dans cette zone, je l'utilise donc avec parcimonie marron et le noir resteront toutefois les couleurs dominantes. Progressivement, je commence également à ajouter détails de texture en utilisant ces mêmes couleurs. Je reviens ici avec du noir pour ajouter de la profondeur. Notez que je travaille toujours avec un crayon pointu, quel que soit le stade dans lequel je me trouve. J'ajoute également quelques détails aux griffes de l'oiseau en utilisant du brun. Il s'agit d'une zone très sombre à cause de l'ombre projetée par l'oiseau. Le noir sera donc également largement utilisé ici. J'incorpore tout de même d'autres couleurs, car elles sont présentes dans cette zone, notamment le magenta. Ce sont des couleurs de base qui ne ressortent peut-être pas immédiatement, mais elles enrichissent l' ensemble du dessin. Le processus le long de la branche est essentiellement le même partout avec quelques variations de couleur. Dans certaines zones, la branche devient plus claire et le magenta devient plus visible. Faites attention à cela lors de la coloration. Pour l'instant, je vais laisser certaines zones de la branche intactes car elles contiennent des reflets plus forts Ils ne resteront pas d'un blanc pur jusqu'à la fin, mais le blanc dominera toujours dans ces zones. L'autre moitié de la branche est une couche construite et contient plus de détails. C'est pourquoi j'observe plus attentivement l'image de référence. Cependant, je n' essaie pas de créer une copie parfaite de la photo. C'est simplement mon point de départ. Si le dessin s' avère légèrement différent, cela ne compromettra en rien le résultat. Et ici je vais conclure cette deuxième étape du dessin. Non. 8. Bird: adjusting the colors: Nous avons maintenant atteint un stade où les choses commencent à devenir plus intéressantes, du moins de mon point de vue. Il s'agit plutôt d'une étape intermédiaire où le dessin commence à se rapprocher de son résultat final et où les formes commencent à devenir plus claires. Ici, je me concentrerai sur le réglage des couleurs J'utiliserai donc presque tous les crayons disponibles dans mon ensemble de 12 couleurs Ici, je réintroduis le rouge tout en affinant le volume de la tête Notez qu'il s'agit d'une zone légèrement plus éclairée. Une nouvelle couleur que je présente ici est l'orange, qui contribue à rendre le rouge plus éclatant. Il ajoute une autre couche au mélange contribuant, quoique subtilement, à l'aspect général du dessin Il en va de même pour le magenta, en particulier dans les zones les plus sombres. Je l'utilise comme s'il était rouge plus foncé. Sur ces joues blanches et sur le bec, j'ajoute une légère touche de bleu clair tout en laissant la majeure partie de la zone Dans les dernières couches, je vais entrer avec un crayon blanc. Donc, en ce moment, je prépare la base pour que le crayon blanc puisse tout mélanger plus tard. magenta et le brun apparaissent également dans les zones les plus sombres, mais de manière très subtile. Si vous les utilisez dans votre dessin, veillez à les appliquer avec modération. Ici, juste une petite touche de jaune. Et j'ajoute ici quelques très petits détails. Ne le faites qu'avec un crayon très pointu, idéalement aiguisé avec un couteau de bricolage, afin de pouvoir ajuster très précisément la pointe Maintenant, je répète le même processus à partir de la tête, dans la partie inférieure de la poitrine de l'oiseau. Ici, je tiens à vous rappeler l'importance de la direction du trait. Il joue un rôle clé dans l' obtention d'une texture convaincante. Même si le titre de cette leçon est l'ajustement des couleurs, le travail sur la texture et le volume est toujours très présent et mérite la même attention. Ici encore, vous voyez du brun, de l' orange et du magenta, et vous devez équilibrer ces couleurs fonction de la façon dont vous les percevez dans la composition globale. Je reviens avec le rouge, qui est la couleur dominante. Ici, je reviens au noir car les ombres sont plus fortes dans cette zone. Notez que les ombres ne sont pas créées uniquement en utilisant le noir, mais plutôt en combinant des couleurs plus foncées. Si la couleur dominante dans une zone donnée est le rouge, par exemple, j'essaie d' utiliser une version plus foncée de la couleur. Comme je n'ai pas de rouge foncé, j'utilise plutôt du magenta et du brun. Dans le cas du jaune, je le combine avec du brun et de l'ocre. L'ocre est un ton qui se situe entre le jaune, orange et le brun, et il est moins saturé que l'orange J'ai trouvé que l'orange était trop vif pour cette région, tandis que l'ocre a une qualité plus neutre qui fonctionne mieux ici Ici, je reviens avec du jaune pour rendre le remplissage plus homogène. Travailler avec des crayons de couleur consiste à créer plusieurs couches J'utilise ici un vert émeraude vert plus foncé issu du tissu Castel Je le vois davantage dans cette zone inférieure. J'utilise également un peu de vert plus clair, même si je ne pense pas que cela ait fait une différence significative. Passons maintenant à l'aile. magenta fonctionne bien avec le bleu, et le bleu que j'utilise en premier est un bleu plus foncé. Je continue à mettre l'accent sur les zones les plus sombres, mais progressivement je commence à me déplacer vers les zones les plus claires. Certaines parties de l' aile sont plus claires, donc plus tard, je proposerai du bleu clair et du blanc. Il y a aussi quelques traits verts ici, qui interagissent bien avec le bleu et le jaune. Dans ce domaine, j'utilise à la fois des bleus plus foncés et des bleus plus clairs. J'ai également expérimenté quelques touches subtiles d' ocre pour donner un ton légèrement différent au jaune Nous passons maintenant à la partie inférieure de l'oiseau en utilisant le brun, le noir et le rouge. Sur la queue, j'ajoute de nouvelles couches de noir et de bleu, à la fois clair et foncé. On y retrouve également une subtile touche de magenta, mais très discrète. Enfin, j'ajoute quelques touches de jaune, que vous pouvez voir très soudainement sur l'image de référence. Au fur et à mesure que j'ajoute des couches, le remplissage devient de plus en plus uniforme. À ce stade, lorsque je retourne à la succursale, je me concentre davantage sur les détails. Je commence par le marron, en ajoutant plus de détails que j'observe dans l'image de référence. Ces traits sont plus forts et plus définis. Vous remarquerez qu'il ne s'agit pas d'une copie exacte de l'image de référence. J'essaie de recréer l'effet que je vois plutôt que de le reproduire parfaitement J'utilise ensuite l'ocre pour mettre en valeur certains de ces détails, en leur donnant un ton légèrement différent Et je passe encore une fois en magenta. Les domaines sont donc particulièrement intéressants et j'y passe plus de temps, comme si ce n'était pas dans la succursale. Je le fais parce que j'ai une approche plus réaliste et que j'aime vraiment travailler sur les queues. Ici, les traits sont réalisés en brun puis teintés d'ocre Vous remarquerez sans doute que j'ai remodelé la pointe du crayon brun à l' aide d'un couteau artisanal, ce qui m'a apporté beaucoup plus Je ne sais pas pour vous, mais je remarque également un ton légèrement bleuté dans cette branche J'ai donc introduit ici un crayon bleu clair dans cette partie du dessin. J'ajoute également plus de détails aux griffes de l'oiseau. Le marron et le noir sont les couleurs les plus utilisées ici. Nous arrivons ainsi à la fin d'une autre étape de ce dessin. À ce stade, j' obtiens déjà un résultat très intéressant. J'espère que tu l'es aussi. 9. Oiseau : mélange et brunissage: Nous approchons maintenant de la dernière étape du processus de dessin d'oiseaux. À ce stade, j' ai déjà créé plusieurs couches de crayon de couleur, les unes sur les autres, dans le cadre d'un processus connu sous le nom de blaering Il est maintenant temps de mélanger ces couleurs. À ce stade, j'applique généralement un peu plus de pression avec le crayon pour favoriser ce mélange Alors, quelles couleurs devons-nous utiliser pour cela ? En général, j'utilise les couleurs les plus claires de chaque zone. Dans la tête de l'oiseau, par exemple, je combinerai principalement le rouge, l'orange et le blanc. Lorsque j'applique le crayon blanc avec plus de pression, je fais ce que nous appelons le brunissage. En bref, cela signifie appliquer à nouveau les mêmes couleurs, mais avec une plus grande intensité. Sur le bec, je vais tout de même faire quelques ajustements en utilisant même un peu de bleu clair avant d'appliquer le blanc avec plus de pression N'oubliez pas qu'après avoir appliqué une pression plus forte, le papier deviendra plus saturé, ce qui compliquera les ajustements ultérieurs. Sachez donc que vous êtes en train de finaliser votre dessin. La poitrine est une zone où je pense avoir obtenu un résultat particulièrement intéressant. Et ici j'ai appliqué le rouge assez intensément. Ce rouge en tant que couleur dominante devient la base qui se fondra avec les autres couleurs Après le rouge, j'ai utilisé de l' orange et du blanc dans les dernières zones et du noir pour accentuer les ombres. Au milieu, j'ai remarqué une petite zone où le jaune est également présent. W. W. Dans la partie jaune de la poitrine, je me suis rendu compte que je devais encore ajouter d'autres couches avant de mélanger Je peux encore voir beaucoup de grain, ce qui signifie que la couverture n' est pas encore suffisante. Pour cette raison, j'ajouterai d'autres couches, principalement du noir, ocre brun et de légères touches de vert clair avant de les mélanger au jaune et au C'est principalement avec le brun que j'ai amélioré la texture de la plume, en ajoutant des détails et en affinant la surface Maintenant que je suis plus satisfaite de la base, je peux enfin mélanger les couleurs. Je commence par le jaune, et j'utilise aussi un peu de blanc. Dans la partie inférieure où les tons foncés dominent, j'utilise plus de brun et noir tout en incorporant du vert émeraude, car c'est une couleur de base dans cette région. J'ajoute également de petites touches de vert clair et de jaune ici et là. Maintenant, l'accent est de nouveau mis sur l'aile. Il est temps de rendre ce noir plus uniforme, appliquant la couleur avec plus de pression tout en gardant le crayon net. Comme je ne veux pas un noir pur, je le recouvre de bleu foncé et de magenta. noir, du bleu foncé et du magenta sont présents dans chaque plume de l'aile, moins dans cette zone où le bleu prédomine Maintenant que la base est bien établie, je peux utiliser du bleu clair et du blanc pour mélanger les couleurs. Cela me donne un autre domaine terminé. Mmm, hum. Dans la partie la plus jaunâtre de l'aile, j'applique une légère couche de vert clair avant de terminer avec du jaune Je renforce également les zones noires. Il n'y a pas de véritable misère ici. Dans les autres parties de l'aile, j'utilise encore une fois du noir, bleu foncé et du magenta, le magenta étant légèrement plus présent. Je l'utilise principalement pour donner un ton violacé au bout de l'aile Ici, je renforce le noir beaucoup plus fortement. Le crayon blanc intervient pour mettre en valeur les détails les plus clairs. Et c'est tout. L' aile est terminée. Maintenant, je vais me concentrer sur la queue. L'aile étant terminée, j'ai maintenant une référence pour les valeurs les plus sombres, ce qui m'aide à finaliser cette zone. Je reviens donc avec du noir, du marron et du rouge en utilisant chaque couleur en fonction du ton que je souhaite obtenir. J'ai pensé qu'il valait la peine d'ajouter une autre couche de vert foncé, puis j'ai fait la transition avec le brun et le noir. Je ne veux pas qu'une ligne dure sépare une zone d'une autre, surtout si l'on considère la noirceur de cette région. Sur ce plan plus large, nous pouvons voir à quel point les couleurs des oiseaux sont belles. Maintenant, il suffit d' appliquer les mêmes principes à la queue et à la branche. Sur le côté droit de la queue, je vois plus de magenta et de noir se mêler au bleu foncé Sur le côté gauche, je vois plus de brun, noir et de bleu clair. Pour terminer cette zone, j'ajoute également une touche de jaune et de blanc. Sur la branche, les couleurs sont déjà bien ancrées, mais il faut tout de même une finition plus uniforme. Je peux encore voir un peu de grain dans le dossier. En utilisant le noir, j'intensifie les ombres pour augmenter le volume. Avant d'appliquer du blanc sur les zones claires, je porte également quelques détails en bleu clair. Il est maintenant temps d'utiliser le crayon blanc. Même si cela semble intéressant, je ne trouve pas cette branche particulièrement difficile. Il n'est pas nécessaire d'être totalement fidèle à l'image de référence ici. Je m'accorde une certaine liberté lorsque je travaille sur ces détails. Dans cette zone plus sombre, il y a clairement une prédominance de noir et de brun, mais j'utilise tout de même un peu de blanc car il y a de petits reflets. Maintenant, j'ajoute les derniers détails aux griffes en utilisant du noir et une subtile touche de magenta avant de terminer également avec du blanc Avant de commencer ce dessin, je pensais que le crayon gris me manquerait, car il est excellent pour réduire la saturation. Cependant, je me rends compte que nous pouvons très bien nous débrouiller en utilisant judicieusement le noir, le brun et le blanc Ce sont des couleurs neutres qui répondent efficacement à cet objectif. Ici, j'ajoute également des touches de bleu clair, et je peux même appliquer une légère couche de brun dans les zones plus claires. Comparez le blanc de la branche avec le blanc de la tête de l'oiseau. Notez que, malgré les reflets sur la branche, le blanc n'est pas aussi intense que le blanc de l'oiseau lui-même. Si vous pouvez saisir cette différence dans votre dessin, félicitations. Cela signifie que vous avez une perception très nette. C'est quelque chose qui vient avec de la pratique, alors ne vous inquiétez pas si vous n'y êtes pas encore. Et cette dernière partie se fera de la même manière. J'ajoute maintenant de nouvelles couches de noir avec plus d'intensité pour augmenter le volume. Ensuite, le brun aide à rendre les ombres plus naturelles. Il y a aussi quelques détails ici et là que j' améliore avec du magenta, et dans les zones surlignées, j'utilise à nouveau du bleu clair. Enfin, j'utilise du blanc pour mélanger le tout, effectuant le brunissage en appliquant plus de pression Et avec cela, nous avons terminé l'oiseau et la branche. Dans la prochaine leçon, je vais créer un arrière-plan pour ce dessin. Si vous préférez vous arrêter ici, c'est très bien. Mais croyez-moi, l'ajout d'un fond coloré en vaut la peine. À mon avis, cela rend le dessin beaucoup plus beau. C'est une étape qui prend plus de temps mais qui n'est pas difficile. Passons à la vidéo suivante où je vais vous l'expliquer plus en détail. 10. Oiseau: Dans cette leçon, je vais vous montrer comment j'ai créé un arrière-plan pour ce dessin. Comme je l'ai déjà mentionné, s' agit d'une étape facultative, mais à mon avis, cela en vaut vraiment la peine, surtout si vous êtes débutant. Travailler sur l'arrière-plan est une excellente occasion de pratiquer la superposition, perception des couleurs et le mélange avec des crayons de couleur Pour le contexte, je vais suivre mon approche habituelle. Je travaille section par section, et ne passe à autre chose qu'une fois la zone précédente terminée. Je vais consacrer un peu plus de temps à ce premier domaine à titre d'exemple, afin que vous puissiez bien comprendre le processus. Dans les autres domaines, je vais aller un peu plus vite. Comme la méthode reste la même, la seule chose qui change, ce sont les couleurs. Tout d'abord, observez les couleurs que vous voyez dans chaque région. Ici, nous avons principalement du brun et du jaune. Pour ajouter plus de variation, je peux également utiliser de l'ocre et de l'orange Dans les couches initiales, mon objectif est de cartographier les couleurs. Cela permet de définir approximativement à quoi appartient chaque couleur. Ensuite, en utilisant ces mêmes couleurs, je crée des couches pour remplir la zone. C'est ce que nous appelons le layering. À la fin, une fois que je suis satisfaite des couleurs, j'augmente la pression pour les mélanger. C'est ce qu'on appelle le brunissage. Ici, par exemple, j'ai déjà appliqué les couleurs que je voulais : ocre, marron, orange et jaune Maintenant, j'ajoute d'autres couches avec les mêmes couleurs, en les ajustant pour obtenir les tons souhaités. À ce stade, j'augmente la pression pour créer un remplissage plus solide. Je laisse généralement la couleur la plus claire pour la fin, dans ce cas, le jaune. Maintenant que je suis satisfait de ce premier domaine, je peux passer aux suivants. Ici, je commence par le vert foncé, que je combine avec le marron, vert clair et le bleu clair. Comme il s'agit d'une zone plus claire, je vais la terminer en blanc. U Même si je travaille section par section, n'oubliez pas les zones environnantes. Il est important de créer des transitions fluides afin que le dessin ne ressemble pas pièces séparées mais à un ensemble. Les transitions doivent être douces, autant plus qu'il s'agit d'un arrière-plan flou et abstrait Créez des dégradés en commençant par augmenter la pression puis en la réduisant progressivement à mesure que vous vous approchez des zones voisines Ici, j'ai réutilisé le jaune et l'ocre, ainsi que le bleu et le vert J'ai utilisé moins de brun et plus blanc car il s' agit d'une zone plus claire. C'est ainsi que je continue à travailler en arrière-plan. Comme je l'ai mentionné, le processus se répète tout au long. La seule chose qui change, c'est le choix des couleurs. Oh, je n'essaie pas de faire une copie parfaite de l'image de référence. Accordez-vous une certaine liberté ici. Vous pouvez même utiliser différentes couleurs si vous le souhaitez. Mon objectif principal était de garder le fond flou et d'utiliser couleurs qui ne rivalisent pas avec l'oiseau, qui est le sujet principal Dans certaines régions, le jaune est plus dominant. Dans d'autres, orange, surtout dans la région supérieure. Sur le côté droit, j'ai également mouillé des touches de rouge. Notez que cette zone est plus éloignée de la tête de l'oiseau, sorte que l'arrière-plan ne sera pas confondu avec le sujet principal. En regardant l'image de référence, je dois admettre que je ne comprends pas parfaitement ce qu'il y a en arrière-plan. Cela ne semble pas être un cadre naturel. Cela ressemble plus à une toile de fond à motifs. En tout cas, cela n'a pas d'importance. Le but de l'arrière-plan est d'améliorer le dessin, rendre plus intéressant et agréable à regarder. I Maintenant, en passant à la zone située sous la branche, suivant le même processus, il y a une forme plus linéaire suggérant d'autres branches en arrière-plan, et je les représente principalement en brun et en vert foncé. Dans la partie inférieure, moins dans ma version, il y a une plus forte présence d'orange, d' ocre, de rouge et de brun À la fin, j' ajoute également du jaune, blanc et quelques touches de vert. N'oubliez pas ces deux zones situées entre l'oiseau et la branche. Passons maintenant à la dernière partie de l'arrière-plan. Ne sois pas stupide. Cette étape peut prendre beaucoup de temps. Soyez patient et consacrez-vous à cela comme vous l'avez fait avec l'oiseau. Chaque partie du dessin compte. Je commence généralement par marquer les branches, qui servent de guide pour les taches de couleur environnantes. Même si je ne cherche pas une copie parfaite, j'essaie tout de même de conserver certaine ressemblance avec la référence Ici, j'ajoute des taches d' orange et de rouge plus intenses, mais je les mélange avec du brun pour réduire leur saturation. L'ocre joue également ce rôle. Il s'agit essentiellement d'une orange moins saturée, et elle a fini par être l'une des couleurs les plus utilisées dans ce fond. J'ajoute également des zones brunes et vertes, et vers le bas, l'arrière-plan devient plus sombre. Ici, une fois de plus, Red joue un rôle plus important. J'utilise du bleu clair entre les zones rougeâtres et les branches Et j'ai terminé le dessin avec des touches de brun, de vert et de blanc. Merci . Pour la signature, j'ai utilisé un stylo Posca. Le crayon polychrome blanc n'est pas très opaque. Il se fond dans les couches sous-jacentes et ne crée pas de contraste important. J'ai donc opté pour le stylo à la place. J'espère que vous avez beaucoup appris et que vous appréciez ces leçons. Merci beaucoup d'avoir regardé. 11. Conclusion: Merci beaucoup d'avoir fait tout le chemin jusqu'à la fin de ce cours. J'espère que vous apprendrez non seulement à travailler avec une palette de couleurs limitée, mais que vous aurez également pris du plaisir à dessiner cet oiseau avec moi. Dans tous les cas, n'oubliez pas de télécharger votre dessin dans la section projet. J'adorerais voir votre travail et vous faire part de vos commentaires. N'oubliez pas non plus de laisser un commentaire pour ce cours. Vos commentaires m'aident à continuer à améliorer mon contenu et à créer des cours encore meilleurs pour vous à l'avenir. Cela signifie vraiment beaucoup pour moi. Merci encore une fois, et j'espère vous voir bientôt dans un autre cours. Au revoir.