Transcription
1. Introduction: Bonjour, je m'appelle Matheus Macedo. Je suis spécialisé dans les dessins réalistes utilisant du graphite et du crayon de couleur. Je me concentre sur le style réaliste depuis des années et j'ai enseigné à des centaines d'étudiants en personne et en ligne. Je suis ici pour vous enseigner les bases de l'ombrage avec des crayons graphite et je suis très enthousiaste à aborder ce sujet car c'est la base de tout ce que j'ai fait jusqu'ici en utilisant du graphite. Cette classe est divisée en deux parties. Dans la première partie, comment aborder l'ombrage avec du graphite en utilisant uniquement des crayons. Je vais vous donner des conseils sur la façon de tenir le crayon, comment travailler avec la pointe du crayon de différentes manières, comment atteindre des valeurs allant du plus sombre au plus clair et comment appliquer ces compétences avec des études pratiques expliquées du début à la fin. Dans la deuxième partie, je vais vous présenter quelques outils qui peuvent vous aider à obtenir des résultats encore plus réalistes, expliquant la fonction de chacun d'entre eux et
comment les utiliser pour faire ressortir vos dessins. Êtes-vous prêt à faire passer vos dessins au niveau supérieur ? Je l'espère. Joignez-vous à nous et dessinons.
2. Matériaux: Jetons maintenant un coup d'œil à tous les matériaux que j'utilise pour ce cours. Si vous ne les avez pas tous, c'est bon. Faites de votre mieux avec les outils que vous avez à portée de main. Il existe des papiers de différentes couleurs sur le marché, mais je préfère ceux qui sont proches du blanc. Mais vous choisissez les couleurs selon vos goûts. En parlant de texture papier pour des dessins réalistes, je préfère travailler avec des papiers lisses. Je vous recommande d'utiliser un papier d'épaisseur moyenne à élevée, son poids doit être d'au moins 150 grammes par mètre carré. Tous les dessins seront de taille moyenne, donc vous n'avez pas besoin de papiers de taille supérieure au format A4. Si vous souhaitez des suggestions de papiers à choisir parmi de bons papiers sont Lana Bristol, Fabriano 4L, Strathmore 300 Series Bristlol Smooth, Hahnemuhle Nostalgie et Canson XL Bristol. Ce sont différents crayons photographiques gris, et vous n'avez pas besoin d'un ensemble complet pour suivre ce cours. Je vais utiliser les seuls Hb, AB, A2B et 4B. Mon crayon préféré est le Staedtler Mars Lumograph, ces crayons bleus. J'utilise également un crayon mécanique de 0,5 millimètre avec du plomb graphite 3B ou 4B. En ce qui concerne l'affûtage, vous pouvez utiliser un taille-crayon ordinaire ou même utiliser un couteau à dents en U pour cela. Personnellement, j'utilise un aiguiseur à manivelle, ce qui est vraiment pratique, mais c'est peut-être un peu plus cher et moins courant. Aucune des gommes n'utilisera cette classe et c'est une bonne idée d'en avoir une. Il s'agit de la gomme Tombow MONO 0, d'une épaisseur de
2,3 millimètres et j'utilise un couteau utilitaire pour chanfreiner la gomme et augmenter sa précision. Éventuellement, une gomme d'autocollants correctifs courante pourrait également être utile. La gomme à crayon complète les autres gommes. Il s'agit de souches mélangées également appelées tortillons et elles ont deux tailles numéro 1 et numéro 3. Procurez-vous un morceau de papier toilette ou un pliage de papier hygiénique Il est en triangles trois fois pour avoir plus de contrôle sur elle et plier l'une de ses pentes pour voir ce que vous mélangez. J'utilise également des pinceaux pour le mélange. Ils sont tous plats et j'ai découpé certains d'entre eux pour avoir des pinceaux plus fermes, ce qui aide à rendre le graphique sur le papier et les autres sont plus délicats pour l'ombrage. Une brosse douce à poils longs pour un dessin plus propre est pratique et il est préférable de l'utiliser plutôt que de souffler la poussière et les miettes sur un papier. Il vous empêche de renverser et de ruiner votre dessin. Je ne vais pas utiliser ces deux-là dans cette classe, mais par curiosité,
c'est un outil de gaufrage que j'utilise pour dessiner des cheveux blancs. Il est utilisé pour
sculpter, embosser le papier, comme son nom l'indique. Vous pouvez également utiliser un stylo à bille sans encre complètement propre pour la même utilisation. C'est ça.
3. Comment utiliser un crayon: Dans cette vidéo, je vais parler de la façon d'utiliser un crayon en tant qu'artiste. Eh bien, pour commencer, j'aimerais faire quelques considérations très élémentaires concernant l'utilisation du crayon graphique. Même si cela semble trop évident, je pense qu'il vaut la peine d'attirer l'attention sur certaines choses. À l'école, on nous apprend à utiliser des crayons principalement pour écrire, même si nous avons également des cours d'art quand nous sommes enfants. Pour cette raison et d'autres, nous ne sommes guère encouragés à tenir le crayon d'une
autre manière et à expérimenter d'autres possibilités. Ici, j'écris mon nom et vous remarquerez peut-être que dans ce cas, nous
tenons le crayon assez fermement avec notre pouce et notre index près de la pointe. Cependant, lorsque je dessine, je tiens souvent le crayon un peu plus loin en arrière avec mon pouce et mon index près du milieu du crayon. Plus la pointe est éloignée, votre coup a tendance à être léger. Essayez de faire des traits plus légers, au
moins pour l'ombrage. Les lignes excessivement fortes doivent être évitées. Vous pouvez essayer ce que je fais ici. Dessinez une séquence de coups, commençant par une petite pression et en éclaircissant votre main pendant que vous vous déplacez le long du papier jusqu'à ce que nous puissions réaliser les coups les plus légers possibles. Répétez la procédure jusqu'à ce que vous ayez l'impression de mieux contrôler le crayon. Cela vaut également pour les stylos à bille. Je pense que c'est en dessinant avec eux que j'ai appris à contrôler la pression dans ma main. Je pense que ce médium vaut également la peine d'être essayé. Ici, j'ai rapidement dessiné un sourcil pour montrer comment appliquer ces traits plus légers et plus fins sur le dessin. C'est en faisant des mèches de cheveux que nous mettons à l'épreuve notre capacité à dessiner avec des ridules et avec des valeurs tonales différentes. Par curiosité, j'utilise un crayon Ferby ici. Il est important de prêter attention à la pointe de votre crayon en graphite. La pointe de votre crayon n'a pas toujours besoin d'être super tranchante pour un bon ombrage. Au fur et à mesure que nous dessinons, la pointe du crayon s'use et forme une zone plate qui peut être utilisée à votre avantage. Cette zone plate peut être utilisée pour remplir les zones d'ombre tandis que le bord tranchant sera utilisé pour réaliser des traits fins et précis. Vous pouvez utiliser du papier abrasif pour obtenir ce plan plat, bien que j'use habituellement un peu de la pointe du crayon sur une feuille séparée pour obtenir le même résultat. En cherchant un effet plus dévoué et réaliste, je préfère que ce plan plat ne soit pas trop large. Dans les études suivantes, je vais vous montrer comment j'effectue réellement l'ombrage dans la pratique.
4. Petides dégradés : linéaires: Dans cette vidéo, je veux vous donner quelques études pour
commencer à m'habituer à la technique d'ombrage réaliste. Dessinez de préférence à l'aide d'une règle, d'un carré latéral de deux centimètres. Dans ce premier carré, je vais faire un dégradé. Cela commence à sombre sur la gauche et disparaît au milieu de celle-ci. Je vais utiliser le crayon B ici. Le dégradé se fait couche après couche, la première couche étant très légère. Je tire les coups de gauche à droite car ils commencent un peu plus forts à gauche et deviennent plus légers à droite, presque à mi-chemin de la place. La flèche située dans le coin gauche de l'écran vous indique la direction du trait que je suit. Ensuite, je vais faire la même chose, mais maintenant je vais faire les coups en diagonale de bas en haut, de gauche à droite, à un angle de 45 degrés. Maintenant, je vais inverser le dessin diagonal de haut en bas, en gardant
toujours ma main légère dans cette première étape. Lorsque nous franchissons ces lignes, la marque du crayon a tendance à disparaître et nous obtenons un résultat plus homogène. Cette technique s'appelle le croisement et je l'utilise largement dans mes dessins. Lorsque vous remplissez le coin du carré, vous voudrez peut-être avancer un peu le dégradé. C'est pourquoi je le fais ici. Je pensais que mes coups étaient trop concentrés dans le coin. Maintenant, je vais faire les coups verticaux. Ces coups commencent et finissent bien, et je diminue la pression exercée sur ma main en me dirigeant vers le côté droit. Vous pouvez dessiner de bas en haut ou de haut en bas. Faites ce qui vous semble le plus confortable, d' abord sur une feuille séparée, si vous n'êtes pas sûr du mouvement que vous préférez. Remarquez que mes coups sont relativement courts. C'est parce que je ne peux pas faire de coups précis s'ils sont plus longs. De cette façon, je vais devoir commencer d'autres traits tout aussi fins et délicats
là-haut pour qu'il ne semble pas qu'ils aient été épissés ensemble. Assurez-vous donc que votre trait commence et finit mince et se chevauche. C'est le moyen d'obtenir un revêtement plus lisse et homogène. Ici, nous terminons le premier tour de dessin de ce dégradé. Sur l'écran, vous pouvez passer en revue la séquence que nous avons suivie. Afin d'assombrir le dégradé dans le coin gauche, répétons cette séquence, mais nous mettons maintenant un peu plus de pression et de main. Essayez de garder nos lignes fines, même si vous poussez le crayon un peu plus fort. Puisque l'idée est d'assombrir davantage le début du dégradé, je me concentrerai davantage sur cette zone, me rappelant que nous n'utiliserons ici que le crayon B du début à la fin. Une erreur courante des débutants est de ne pas savoir à quel point nous pouvons assombrir le dessin. Nous le verrons plus clairement dans la prochaine vidéo, mais ici nous pouvons déjà avoir une idée en assombrissant le coin de ce dégradé. Quoi qu'il en soit, nous aborderons ce sujet dans la vidéo suivante, lorsque nous dessinerons un dégradé plus grand. Ce dégradé peut être effectué dans différentes directions : droite à gauche, de haut en bas, bas en haut, en diagonale, je vous recommande également de faire cet exercice avec d'autres crayons afin que vous puissiez mieux les connaître. Que diriez-vous de dessiner un dégradé comme l'autre jour pendant une semaine, chaque jour dans une direction et avec un crayon différent ? C'est une excellente idée pour moi. Cette étude est courte. Il me faut environ dix minutes pour le faire, donc en faire un par jour ne sera pas trop exigeant. Vous allez certainement dessiner le septième dégradé mieux que le premier, je n'ai aucun doute là-dessus.
5. Petides dégradés : Radial: La proposition est maintenant de dessiner un dégradé radial de forme circulaire, sombre dans les coins et lumineux au centre comme s'il s'agissait d'une lumière au bout d'un tunnel. Encore une fois, nous dessinons sur un carré de deux centimètres sur deux, mais maintenant j'utilise le 4B afin que nous puissions comparer la distribution à la précédente. Je fais également cet exercice en utilisant la technique de l'éclosion croisée, mais maintenant je vais faire attention à vivre au centre du carré blanc. Lorsque vous assombrissez leur côté droit, inversez la direction du trait. Les flèches indiquent la direction du trait que je suis en train de suivre. Ensuite, nous continuons à franchir ces lignes. Il est préférable de commencer les traits à partir des bords
du carré car nous avons tendance à le faire avec un peu plus de pression. Je pense que c'est assez évident et vous êtes probablement d'accord avec moi que commencer ces coups dans le coin est plus logique. Ici, je vais chevaucher les écoutilles pour approfondir les ombres et remplir encore plus ce dégradé. Dans cette étape, j'ai également voulu aller un peu plus loin vers le centre de la place parce que je pensais que la zone blanche était trop grande et que je n'
aurais pas beaucoup gâché la transition de l'obscurité à la lumière. Pour que ce dégradé soit bien fait, je vous recommande de le faire calmement et d'observer de temps en temps comment sont les tons. Pour effectuer les ajustements que vous jugerez nécessaires, vous devez d'
abord regarder votre dessin pour savoir quelle sera la prochaine étape. Ensuite, faites de courtes pauses pour observer simplement votre dessin. Ici, je vais ajouter la touche finale pour rendre les ombres dans les coins très sombres. Dans cette étape,
vous devez alors mettre un peu plus de pression sur votre main. En fin de compte, j'utilise le rasoir pour éliminer les traces qui l'échappent de la place. J'espère que cette vidéo vous a plu et assurez-vous de pratiquer ce que vous voyez en classe.
6. Grand dégradé: Tracons maintenant un dégradé plus grand que les précédents. Cette étude vous donnera l'occasion d'apprendre à mieux connaître les crayons que vous possédez et vous apprendra à mieux contrôler ces crayons. Dessinez un rectangle de huit centimètres de long sur deux centimètres de haut, notre dimension est proche. Je vais diviser ce rectangle en quatre zones égales, chacune correspondant à un carré, mais sans tracer de lignes séparant une zone de l'autre. Ces zones serviront de guide lorsqu'elles couvriront le rectangle. Je fais ce dessin à l'aide du crayon 2B, mais vous pouvez le faire à l'aide du crayon que vous voulez. Le processus que je suit est similaire à celui que nous avons appliqué dans les petits dégradés. Je vais utiliser la technique de l'éclosion croisée du début à la fin, commençant par la zone la plus sombre. Puisque cette zone sera la plus sombre, nous pouvons commencer par exercer plus de pression sur la main, mais ne faites pas cette zone négligemment. Profitez de ce dégradé pour pratiquer la technique que j'enseigne ici. Commencez à ombrer avec des lignes horizontales, croisez ces lignes avec des diagonales, puis tracez des lignes verticales. Au début, concentrez-vous sur le premier carré, mais veillez à ne pas trop marquer cette zone. Laissez la partie la plus droite moins définie pour qu'une scène ne se forme pas à la fin. Je pense que celle-ci est une bonne pratique sur la façon de faire une covariance homogène, alors profitez-en. Maintenant, je vais couvrir les autres domaines, mais cela ne signifie pas que la première zone est terminée. Ce n'est pas le cas. Mais je veux aussi faire la première couche des autres domaines. Commencez les traits avant le deuxième carré venant du premier à gauche. Bien sûr, ces coups ne peuvent pas être plus sombres que ceux effectués dans la première zone, alors allégez un peu la pression sur la main ici. Cela dit, je continue de franchir la ligne pour obtenir un effet plus lisse et plus uniforme. Je vais bientôt commencer à faire le troisième domaine également. La zone la plus à droite sera vide pour le moment. revenant au premier carré, je vais pousser les valeurs sombres ici. Mais maintenant, je vais travailler sur les variations tonales qui se produiront le long de ce rectangle. Pour cela, je vais m'assombrir davantage vers la gauche et diminuer la pression de la main au fur et à mesure que je vais vers la droite. Le défi ici est que les tons deviennent plus clairs, mais ils resteront sombres. Regardez les nuances environnantes pour voir si vous ne
rendez pas cette zone trop sombre ou trop claire. Comme nous n'allons pas utiliser de gommes ici,
veillez à ne pas trop assombrir votre dégradé, car nous ne pourrons pas résoudre ce problème. Traversez maintenant les lignes sur les deuxième et troisième carrés. À ce stade, vous pourriez penser que le dégradé est terminé car nous pouvons voir les variations tonales de gauche à droite. Cependant, il est possible d'aller plus loin et de donner une finition plus cohérente à ce dégradé. Il est également possible de l'assombrir beaucoup plus, et c'est ce que je vais faire. Je veux pousser mon crayon à ses limites. Nous allons créer couche après couche, augmentant la pression sur le crayon pour obtenir des teintes plus foncées. Le processus se répète et je cherche ici à approfondir la variance présente dans chaque domaine. Lorsque les valeurs les plus sombres sont définies, il est plus facile de savoir à quel point les zones claires doivent s'assombrir ou ne pas trop assombrir. Parce que la zone la plus sombre servira de point de référence tonal. Lorsque vous dessinez la zone la plus claire, vous pouvez tenir le crayon avec les doigts un peu plus loin de sa pointe. Vos coups vont naturellement s'éclaircir en utilisant cette astuce. Ici, je vais apporter la touche finale à ce dégradé. Les transitions d'une zone à l'autre requièrent plus d'attention de notre part, et c'est ce que je répare ici. Comme pour les autres études, veuillez prendre le temps de la terminer. Il m'a fallu presque une demi-heure pour réaliser ce dégradé. Mais je pense que c'était assez rapide. Si vous avez pu le terminer en moins de temps, notre dégradé n'est
peut-être pas très bien fait. Attention, ne vous précipitez pas. J'espère que cette vidéo vous plaira et je vous attendrai dans la prochaine. voit là-bas.
7. Sphère: Bonjour les gars. Dans cette vidéo, nous allons aborder l'une des études
les plus classiques du processus d'apprentissage du dessin, qui est la sphère. Ce thème est très important pour ceux qui veulent maîtriser l'art de l'ombrage. Si vous le souhaitez, vous pouvez utiliser l'intérieur
du rouleau de ruban de masquage ou tout autre objet parfaitement circulaire pour tracer le contour. Vous pouvez également utiliser une boussole si vous en avez une. Mon cercle est d'environ 7 centimètres de diamètre. Je pense que c'est une bonne taille pour travailler. Dans cette étude, nous allons commencer à combiner les différents crayons disponibles pour réaliser l'ombrage. Le contour que je fais habituellement avec le crayon HB. Une fois la sphère terminée, je dessinerais l'ombre projetée sur la surface sur laquelle se trouve cette sphère. Faites ce contour très légèrement car il ne peut pas être visible sur le dessin une fois terminé. Je vais également tracer une ligne claire qui marque la transition des tons moyens à l'ombre centrale. Certaines personnes appellent cette division comme terminator. Au fait, dans cette vidéo, je vais faire référence à certains termes techniques que l'on peut voir dans cette image. Il peut être téléchargé à partir des fichiers attachés à cette classe, mais il apparaîtra de temps en temps ici de toute façon. Une information importante, si vous êtes gaucher, vous préférez peut-être dessiner cette image inversée horizontalement avec la lumière venant de gauche à droite et avec l'ombre projetée à droite de cette sphère. Vous pouvez faire cette étude de cette façon, sans problème avec cela. J'ai décidé de faire cette sphère de cette façon parce que je suis droitier. Commençons par l'ombre. Maintenant, à l'aide du crayon B, nous travaillons sur cette ligne de transition des tons moyens à l'ombre. Le but ici est de masquer cette ligne tout en conservant la référence vers les ombres. Remarquez la direction des coups que je fais. Ensuite, je suis en train d'assombrir la partie inférieure. Faire ces ombres avec des couches successives de graphite nous permettra d'
avoir plus de contrôle sur la tonalité des variations que présente cette flèche. Après tout, nous avons ici l'ombre centrale et la lumière qui rebondit sur le sol et qui se reflète sur cette zone. J'ombrage également la zone ci-dessus. Nous sommes toujours dans la première couche et beaucoup de choses vont se passer ici. Notez que dans la partie supérieure, nous avons la lumière
réfléchie par la sphère et qui va vers l'œil du spectateur. Laissez cette zone vide et l'ombre qui l'entoure. J'ombrage cette vue avec la technique de hachure croisée si ces traits sont très proches les uns des autres, et cela se fait toujours dans les couches de base de mes dessins graphiques. C'est ainsi que je parviens à créer des surfaces lisses et uniformes. La zone inférieure est déjà un peu plus sombre, non pas parce que j'y applique plus de force, mais parce que je passe plus de temps sur cette zone. Cela ne prend pas longtemps, et j'ai déjà changé la direction des traits pour obtenir une plus grande uniformité de l'ombrage. J'utilise toujours le crayon B. C'est en superposant que je vais approfondir les valeurs fondamentales de l'ombre. Ici, nous pouvons déjà utiliser le crayon 2B et c'est ce que je fais maintenant. La direction des traits suit la forme de cette sphère et est plus confortable pour moi. Ici, j'utilise à nouveau le crayon B car je veux remplir davantage la zone de ton moyen. Il est temps d'ajouter d'autres calques graphiques ici. Ils sont légèrement plus longs, stables. Il m'a fallu près de 2 heures pour terminer cette sphère, sans compter les pauses qu'il a fallu pendant le processus. Si vous voulez obtenir un résultat plus raffiné qui vous rend fier, ne vous précipitez pas et profitez du processus. Dans cette étape, je vais assombrir cette sphère dans son ensemble et travailler encore plus sur la transition de la lumière à l'ombre centrale. Je tiens à souligner une chose. Nous avons tendance à rendre la lumière réfléchie plus lumineuse qu'elle ne l'est. Bien qu'elle soit un peu plus claire que les nuances générales de gris dans cette zone, la tonalité de la lumière réfractée doit être plus foncée que celle de la zone éclairée. Pour cette raison, j'utilise encore une fois le crayon B ici. La lumière réfléchie est un peu plus claire, mais elle reste une nuance de gris sombre. À ce stade, vous remarquerez que l'objectif est maintenant d'approfondir les valeurs placées sur cette sphère jusqu'à ce que la couverture soit suffisamment cohérente. J'ai également essayé de faire une transition en douceur de la lumière à l'ombre, sans la laisser marquée par une ligne nette. De plus, contrôlez votre anxiété à cette étape. Nous terminons la sphère, mais c'est dans le dernier tronçon que nous effectuons des ajustements importants, et je vois déjà à quoi ressemblera cette sphère. Le moment est venu pour nous de dessiner l'ombre projetée. abord, je vais frotter une gomme sur le contour que j'ai créé parce que je voulais qu'elle soit très légère et que ces lignes n'apparaissent pas à la fin. Nous utilisons le crayon 4B pour marquer l'endroit où la sphère se termine et où commence l'ombre projetée. Il s'agit de la zone la plus sombre de notre dessin, elle servira
donc également de référence de tunnel. Une fois cela fait, nous pouvons dessiner le premier calque avec le crayon B. Cette étape est également importante pour nous pour définir la forme de l'ombre projetée. Cependant, veillez à ne pas créer de contour net pour cette ombre. Au lieu de cela, il suffit de remplir cette zone en faisant des traits dans la même direction, comme je l'ai fait sur cette sphère autour du point culminant. Je ne veux pas voir de formes profilées ici non plus. Maintenant, je vais utiliser le crayon 4B. Voici un détail important. L'ombre projetée est plus foncée près de la sphère et devient moins sombre lorsque vous vous éloignez de celle-ci. Cette zone d'obscurité est appelée ombre d'occlusion, et c'est principalement dans cette zone que nous utiliserons le crayon 4B. Ici, je vais faire des coups d'une manière qui semble plus logique et confortable. Ces dégradés dans le dessin sont peut-être les parties les plus difficiles pour les débutants. Ne vous laissez pas intimider par eux. Considérez plutôt les parties les plus difficiles comme l'occasion pour vous d'évoluer. Si vous pratiquez ces dégradés, ils deviendront plus faciles avec le temps. Comme l'a dit un poète allemand Goethe, « Tout est difficile avant que ce ne soit facile. » C'est l'état d'esprit que je vous recommande de vous adapter. Pour terminer cette pièce, je vais mieux travailler sur cette transition de l'ombre d'occlusion aux bords doux et flous de
l'ombre projetée à l'aide des crayons B et 2B. Utilisez la technique d'éclosion croisée pour obtenir une zone grise régulière. Nous sommes arrivés à la fin d'une autre étude. Comme je l'ai dit, il m'a fallu près de 2 heures pour terminer cette sphère. Ce dessin prend un peu plus de temps. J'espère que ce sujet vous a plu. Je vous verrai dans les prochaines vidéos.
8. Draperie :: Nous allons maintenant étudier un thème qui est très cher aux artistes quand pratiquer l'ombre. C'est l'étude d'une draperie suspendue. J'adore ce thème comme il ressemble quand il est fait et ainsi de suite. C'est plutôt un thème abstrait, ce qui nous permet de pratiquer notre perception des lumières et des ombres. Mais avant d'ombrager, nous devons esquisser le contour vers le bas du papier. Ce cours ne se concentre pas sur cette étape, mais je voulais quand même vous donner quelques conseils à ce sujet. Tout d'abord, essayez de tenir votre crayon de manière très lâche et détendue. Déplacez votre pouce vers le haut et essayez-le. Cette poignée différente vous permet de mieux voir votre dessin car votre main ne sera pas sur votre chemin et vous donne également de l'agilité sur la légèreté. Vous perdrez une certaine précision, mais ce n'est pas le facteur le plus important à prendre en compte. Au fait, je vais devoir apporter quelques corrections au fur et à mesure que le processus se déroule. Comme toujours, j'utilise le crayon HB pour le croquis. Je commence par placer sur le papier les limites du dessin. C'est-à-dire les points extrêmes en haut, en bas, à gauche et à droite de la pièce. Je dessine généralement de l'extérieur et décompose
toujours la référence en formes plus simples. Après avoir marqué les points extrêmes, je commence à les relier pour tracer ses limites. Au départ, je dessine tout en utilisant uniquement des lignes droites car elles sont faciles à dessiner. Utilisez ce côté du graphique besoin pour dessiner
légèrement la ligne et pouvoir en effacer certaines ultérieurement sans écraser votre dessin. Pour fermer les limites, vous devez faire attention aux angles des différentes marques. Vous pouvez utiliser une règle ou même le crayon lui-même pour vérifier les angles de la référence. Dès que vous dessinez la première forme générale, il est plus facile d'ajouter certaines de ces formes mères qui forment l'ensemble de l'image. Je commence à ajouter quelques lignes couvertes à ce stade si j'en ai envie. Le dessin devient un peu plus complexe maintenant, mais le processus peut être décomposé en observant les relations entre ses composants. Par exemple, de la façon dont je vois cette draperie, je la diviserais en deux sections différentes, la partie supérieure et la partie inférieure, et je les dessine séparément. Tout d'abord, je fais attention à ses tailles. Si l'un est plus grand ou s'il est similaire, j'essaie de les placer à l'intérieur de la forme générale, en remarquant s'ils sont proches du centre ou déplacés sur l'un de ses côtés. Je me concentre sur les relations, comme je l'ai dit. Ce faisant, vous gagnez du temps car le pire scénario est de passer du temps à approfondir les détails et à remarquer plus tard qu'ils ne sont pas à leur place sur la composition. La mesure que j'utilise le plus souvent est le sous-sol des lignes par rapport à la hauteur et à la largeur de la pièce entière. est très pratique d'utiliser la moitié de ces mesures ou 1/3 d'entre elles comme références. Une fois que j'ai fini le contour, je lève certaines lignes pour que le dessin soit net. Ensuite, je saisis à nouveau le crayon et je donne aux autres lignes un aspect plus net et plus fort. Les grandes lignes doivent être délicates à cette étape. Je reviendrai sur la question quand je terminerai ce dessin. J'ai remarqué un problème avec les proportions du dessin, il était donc temps de le corriger. Commettre des erreurs fait partie du processus. Ne vous sentez pas mal si cela vous arrive. En fait, si vous n'avez pas à corriger quoi que ce soit sur l'esquisse jusqu'à ce que vous pensiez que c'est fait,
faites une pause et lorsque vous revenez dessiner, prenez quelques minutes pour l'analyser plus attentivement en comparant votre dessin à la référence. Peut-être y a-t-il quelque chose à réparer avant de commencer à ombrager que vous n'avez pas remarqué. Effectuez maintenant quelques derniers ajustements et ajoutez quelques détails avant de commencer l'ombrage.
9. Draperie : shading: Ici, nous faisons les premières touches d'ombrage. J'utilise le crayon 4B pour établir les valeurs les plus sombres du dessin.
Par conséquent, lorsque j'ombrage les autres zones, j'aurai ces valeurs comme référence. Je vais également marquer les transitions de la lumière à l'ombre que je remarque dans certaines zones, pas vraiment en dessinant des lignes mais en restituant une masse grise lisse. Comme cette zone est considérablement sombre, je commence tout de suite à dessiner le dégradé que je vois ici avec le crayon 4B. Même si j'utilise mon crayon le plus sombre, je fais toujours la première couche de graphite, donc je ne vais pas me forcer la main maintenant. Je suis juste en train de définir les valeurs de crépine à draperies. Maintenant, je passe au crayon B, certains tons sont très délicats, surtout à gauche où la lumière est plus intense. Je prends le temps de souligner que certaines lignes sont importantes, puis je reviendrai à l'ombrage. Remarquez comment j'ai tendance à suivre le mouvement de la draperie. Je vais bientôt franchir la ligne pour la rendre un peu plus réaliste, mais j'ai tendance à faire plus souvent ce qui est plus confortable. Avec le crayon B, je vais bientôt couvrir toutes les zones où je vois même une valeur de gris très clair. Je ne changerai le crayon que là où si je n'arrive pas atteindre les valeurs aussi sombres que nécessaire avec le même crayon. Continuez à utiliser le crayon B et passez au 2B si nécessaire. Ici, j'ai eu le crayon 4B pour pousser les valeurs sombres du côté droit. Ce dessin montre un niveau de contraste élevé et nous voyons toutes les valeurs ici en haut. N'exagérez pas sur l'assombrissement de votre dessin, mais n'ayez pas peur d'aller plus loin si vous remarquez que votre dessin ressemble. Vous devez trouver cette zone entre un dessin équilibré. Peut-être faut-il une certaine expérience pour pouvoir remarquer ces subtilités, je suis d'accord, mais ici, nous gagnons plus d'expérience. Faites-le activement afin de perfectionner vos compétences. Plus tard, je reviendrai aux crayons B et 2B pour mettre la touche finale aux dégradés. Nous passons maintenant à la partie inférieure et la bonne nouvelle, c'est que nous
allons effectuer ici à peu près le même processus que celui que nous avons effectué en haut. Je commence par superposer la couche de base à l'aide de mon crayon le plus clair, qui est le B, même lorsque les tons gris sont foncés et profonds. Je le fais parce que les crayons les plus sombres ont tendance à donner une texture rugueuse. Il semble un peu granuleux même si vous dessinez sur du papier lisse. Les crayons plus durs comme le B jouent également un rôle dans le remplissage des papiers. N'oubliez pas d'utiliser
la technique d' éclosion croisée adaptée à la zone que vous dessinez. Ici, je passe à nouveau au crayon 4B, travaillant sur les dégradés et assombrissant la majeure partie de cette zone. Maintenant, j'ai passé un certain temps avec le crayon 2B à essayer de rendre une surface lisse et sombre. La façon dont je dessine mes œuvres prend généralement du temps et de la patience. Vous en avez besoin si vous voulez obtenir des résultats similaires au mien. Cependant, ce n'est peut-être pas votre cas, peut-être préférez tirer plus rapidement pour pouvoir produire en plus grande quantité. Il n'y a rien de mal à cela, vous êtes la seule personne à savoir si mon approche vous convient. Soyez sûr que vous n'abandonnez pas pour être paresseux parce que c'est une question totalement différente. Restez avec moi si vous voulez dessiner comme moi. Maintenant, je vais réparer quelques zones claires à l'aide du crayon B. Ils ne sont pas exactement blancs, ils présentent des tons gris clair qui peuvent être noyés en utilisant légèrement le crayon B. Puisque je n'utilise aucun outil de fusion, les traits seront tous visibles et je suis d'accord avec ça. J'aime aussi les croquis bruts comme celui-ci. Je me concentre ici sur ces plis lâches du côté droit et c'est un parfait exemple de la façon dont vous pouvez donner cela à une pièce en dessinant des dégradés. Vous assombrissez une zone spécifique et laissez l'environnement lumineux et la flèche, votre dessin semble glisser de la surface du papier. N'est-ce pas fascinant ? C'est juste une illusion, mais nous y croyons. J'utilise le crayon B pour la première couche et je fais plus d'efforts au milieu où les valeurs vont être plus foncées. Prenez le temps d'aller profondément comme si vous sculptiez une pierre. Si vous n'utilisez qu'un seul crayon pendant un certain temps, vous avez plus de contrôle sur le processus. Puis j'ai sauté sur le crayon 4B pour aller plus loin et pousser les valeurs sombres. Cependant, en terminant,
vous verrez que ce n'est pas la zone la plus sombre de destruction, alors n'exagérez pas avec le crayon 4B. J'aurais pu utiliser le crayon 2B ici aussi, mais je ne voulais pas, c'était plus facile d'utiliser le 4B doucement. Même si je vous parle tout le temps du crayon que j'utilise, je vous recommande de ne pas être obsédé par les matériaux car la façon dont vous l'utilisez est beaucoup plus pertinente que les matériaux eux-mêmes. Vous m'entendrez répéter ce conseil plusieurs fois, car c'est une forte croyance à moi. La façon dont vous utilisez vos outils est plus importante que les outils eux-mêmes. Nous avons atteint le dernier tronçon et il est temps de dessiner les ombres projetées. J'ai anticipé l'ombre en haut à gauche, terminée avec le crayon B, et maintenant j'y vais pour le reste. L'ombre est un dégradé, elle n'a pas d'arêtes vives dans ses limites, donc je ferai essentiellement la même chose. J'ai préparé la première couche à l'aide du crayon B ou 2B, en prenant soin de transmettre des limites floues et d'
être plus cohérent sur les zones voisines de la draperie. Sur ces zones plus tard, j'utiliserai les crayons 2B et 4B. Je veux attirer votre attention sur un fait, vous
souvenez-vous quand je vous ai recommandé de rendre le plan propre et propre ? Eh bien, si vous y parvenez, vous pourrez
maintenant travailler sur un contraste et faire ressortir notre dessin. En utilisant le 4B, vous pouvez aller en profondeur pour assombrir les limites de la draperie sur les côtés droit et inférieur où l'ombre est projetée. Il suffit de dessiner des dégradés agréables et lisses et de rendre ce que nous appelons des ombres d'occlusion qui feront ressortir ce dessin. À mon avis, l'effet est génial et vous devriez être fier de vous-même si vous parvenez à y parvenir. Si vous considérez que c'est fini, je fais quelques petites corrections avec leur gomme et je fais la touche finale avec le crayon. Si vous avez une gomme à autocollants, vous pouvez corriger même les moindres détails que vous avez laissés annulés. C'est tout, j'espère que vous avez eu autant de plaisir que moi en faisant cette étude. Merci d'avoir regardé cette vidéo.
10. Utiliser des outils de mélange: Dans cette vidéo, je vais vous montrer tous les outils de fusion je dispose et comment les utiliser pour le dessin graphique. Je vais dessiner des taches avec le crayon et faire des démonstrations avec eux. N'importe quel crayon que vous choisissez, mais les crayons plus foncés sont plus faciles à mélanger. Cela ne signifie pas que vous devez toujours choisir un crayon 4B ou 6B, par exemple. Il existe de nombreuses façons de mélanger du graphite et chacune crée un effet différent. Le premier outil que je voulais montrer est le tissu. Pour être plus précis, j'utilise un morceau de papier toilette. Personnellement, je le plie trois fois en triangles pour le rendre plus ferme et plus facile à manipuler. Après avoir plié pour la troisième fois, je plie également une de ses pointes. Cela m'aide à voir ce que je mélange lorsque je retiens le tissu. Les tissus sont parfaits pour mélanger de grandes surfaces et les rendre lisses. Ils n'ont pas beaucoup de précision, donc vous allez certainement fusionner également les zones autour de
la zone que vous vouliez fusionner au départ. Ce n'est pas grave si les autres zones ne sont pas blanches. Si c'est le cas, il suffit d'être plus prudent et d'utiliser une gomme plus tard si nécessaire. Vous n'avez pas toujours besoin d'utiliser votre outil de mélange directement sur le graphite. Vous pouvez également frotter votre outil sur une tache de graphite sur une autre zone d' un dessin ou sur une feuille séparée, puis frotter votre outil sur une zone vide. Il crée des effets délicats qui peuvent être pratiques. Le deuxième outil que je voulais vous montrer est la souche de mélange. Ici, je nettoie un morceau de papier de verre. Vous n'avez pas vraiment besoin de le faire souvent, sauf si vous voulez créer un ton très clair là où vous allez l'utiliser. Contrairement aux tissus, les souches
mélangées sont utiles pour faire de petites imperfections sur votre dessin. Il ne fonctionne pas pour rendre des zones larges et uniformes car il
laisse toujours une texture inégale qui me rappelle les nuages ou la fumée. Je l'utilise généralement pour dessiner quelque chose sur le sol qui n'est pas focalisé. C'est certainement le meilleur outil pour ce type d'effet, mais pas seulement. Peut-être ne voyez-vous pas beaucoup de différence ici lorsque je change les outils, alors je vous recommande de les essayer sur un papier afin de ressentir leur fonctionnement. Ils sont très différents les uns des autres, je vous le garantis. Le dernier, mais non le moindre, vient le pinceau. Je travaille avec les pinceaux de deux manières différentes avec, disons, des pinceaux normaux et des brosses à poils taillés. Je crois que les deux types se complimentent
mutuellement, alors j'en coupe certains. Ce premier pinceau que j'utilise ici est plat. Je coupe ses poils parce qu'il les rend plus fermes, ce qui aide à faire pénétrer davantage le graphite dans les papiers. Le deuxième type de brosse que j'utilise est la langue du chat. Il est plus délicat et idéal pour des effets doux et lisses. Je l'utilise parfois pour la première couche sur de petites zones, qu'il s'agisse de peau, de
blanc de l'œil ou de cheveux, pour donner quelques exemples. En fait, vous pouvez utiliser n'importe où n'importe quel outil affiché ici. Cela ne dépend pas du sujet, mais de l'effet que vous souhaitez ajouter à votre dessin. Ici, je voulais zoomer un peu plus avant pour vous montrer plus de ces outils en action. Profitez-en. Tous ces outils sont très utiles et vous voyez que je continue de les utiliser tout le temps. Ce sont plus d'outils de mélange que vous pouvez essayer, tels que les cotons-tiges ou même votre doigt. Mais personnellement, je les éviterais simplement parce que je ne les aime pas. Vous pouvez évidemment essayer des outils alternatifs. Mais je suis ici pour montrer ma méthode personnelle et j'en ai fini avec ce sujet selon mon approche. Je vous attends dans les prochaines vidéos.
11. GOMMES: Jetons maintenant un coup d'œil aux gommes que j'utilise pour un dessin graphique. Cela peut vous paraître surprenant,
mais les gommes à effacer que je vais mentionner ici ne sont pas destinées à corriger les erreurs visuelles, mais à rendre des effets sympas pour un dessin. Je parle de faits saillants et je ne peux pas trop insister sur leur importance,
surtout dans les dessins réalistes. La première est la gomme à crayon. C'est bon marché et utile, surtout si vous ne pouvez pas acheter la gomme à effacer, que je vais vous montrer bientôt. La gomme à crayon est très ferme et solide, ce qui permet d'
effacer même du graphite vraiment sombre que vous souhaitez éliminer. Je l'utilise parfois pour les reflets ronds, s'il n'a pas besoin d'être très net. Il laisse quelques miettes, c'est un peu désordonné, mais c'est pratique. Il fonctionne très bien avec les crayons de couleur. Le second est un Darley parmi les dessinateurs réalistes. C'est la gomme à autocollants. Le plus utilisé est le Tombow MONO, 0,233 millimètres que nous voyons en action à l'écran. Cette gomme est géniale car elle est nette et a réussi à créer de fines lignes blanches sur des masses de graphite. Il devient encore plus net si vous chanfreinez la pointe à l'aide d'un couteau utilitaire. L'inconvénient est qu'il ne fonctionnera pas sur surfaces recouvertes de crayon graphite fabby ou plus foncées, alors soyez conscient de cela. Je l'utilise sur tout, de la texture de la peau à la fourrure d'animal, et il m'aide toujours quand il s'agit de points forts. Le troisième outil ici est un outil sophistiqué, et j'ai commencé à l'utiliser plus récemment. C'est la gomme électrique. Il existe des options de différentes marques et certaines peuvent être si minces que vous pouvez faire les plus petits points forts possibles parmi ces outils. Il peut être affûté en l'utilisant sur un morceau de papier de verre. Comme je l'ai dit, c'est assez chic, pas si facile à trouver. J'ai réalisé 99 % de mes dessins sans cela. Mais tout ce qui vous aide est le bienvenu. Il fonctionne à merveille avec des crayons de couleur.
12. Garlic :: Bienvenue dans cette vidéo et son objectif est de vous montrer comment utiliser toutes les techniques et outils présentés précédemment. L'étude va tout boucler. J'ai choisi le sujet de l'ail. Mais pourquoi vous demandez peut-être ? Sa forme est simple, forme ronde rend la tâche semblable à celle de cette étude de sphère. Mais maintenant, nous allons utiliser les outils de fusion pour le rendre réaliste et rendre des textures différentes. Je promets que ça va être amusant. Comme toujours, je vais chercher le crayon HB pour préparer le contour de l'esquisse. J'ai marqué des points extrêmes d'un côté à l'autre pour déterminer la taille
du dessin depuis le début et d'autres ajustements seront effectués en tenant compte de ces premières marques. Dès le départ, vous devez également définir l'inclinaison de l'objet puisqu'il est incliné. Posez un crayon ou une règle sur la photo de référence pour en avoir une meilleure perception. Essayez de transférer cette inclinaison sur votre papier. Dès que vous marquez les lignes structurelles, dessinons la forme extérieure de l'ampoule. Je n'ai pas réussi à le dessiner parfaitement à la fois, mais avec quelques corrections, ça s'est amélioré. Essayez de laisser votre dessin aussi propre que possible pendant tout le processus. Si vous voulez obtenir un résultat comme le mien, ne tracez pas trop de lignes esquissées et soyez prudent chaque fois que vous effacez quelque chose, car vous risquez d'entacher votre dessin. Dessinez intentionnellement, ne faites pas de lignes sans but. Ajoutons maintenant quelques détails en bas et en haut,
délimité la taille des deux endroits et ajoutons les détails en fonction de la référence. Vous pouvez le faire à l'aide du crayon HB ou B à cette étape. Les crayons plus durs sont un meilleur choix pour les détails. Ces fils sont des racines et ils ont une certaine épaisseur. Ne tracez pas vos lignes comme si vous étiez des mèches de cheveux. Il y aura une nouvelle essence de valeur sur chaque itinéraire. Nous nous occuperons de cela plus tard. En haut, les formes sont un peu différentes, mais des deux côtés, je mettrai l'accent sur les valeurs les plus sombres. Cela peut ressembler à de l'art abstrait, mais en fait, observez les masses sombres au lieu de souligner les bords. La plupart d'entre nous ne savent pas vraiment ce que nous dessinons ici, mais cela n'a pas d'importance. Nous essayons simplement de saisir les formes et les valeurs et les
jeter correctement sur la surface du papier.
13. Garlic : couche de base: L'ampoule peut être dessinée comme si nous dessinons une sphère. Les deux présentent un comportement similaire lorsqu'ils sont exposés à la lumière. Tout d'abord, je fais ces lignes de croisement à l'aide du crayon B. Ils peuvent s'estomper un peu lorsque nous allons fusionner cette zone, mais de toute façon, ne faites pas de lignes dures. Essayez de traiter toutes les lignes avec soin. Vous remarquerez que je dessine presque tous les calques minces sur un
calque, c'est l'une des bonnes caractéristiques du dessin graphique. La possibilité d'aller de plus en plus loin jusqu'à ce que nous atteignions les bonnes valeurs. Ensuite, je procède à l'ombrage à l'aide du crayon B pour déposer la couche de base sur la base. Ensuite, j'utilise le tissu pour mélanger le graphite. Je vais répéter ce processus jusqu'à ce que j'obtienne les tonalités générales que je veux rendre volume. Observez où se trouvent les points forts et les co-ombres. Je refais aussi certaines lignes parce que je ne veux pas les perdre. Ils sont importants et seront visibles là où le dessin est terminé. Regardons un peu le processus. Il y a un moment où vous réalisez qu'il faut changer de crayon pour que tout soit plus facile. La photo de référence que j'utilise montre des marques sombres sur des zones spécifiques, donc je vais prendre le crayon 2B pour les faire. Ensuite, j'obtiendrai une souche de mélange car ces marques sont plus concentrées et la souche est le meilleur choix pour les créer. Vous pouvez vous sentir en insécurité pendant le processus de dessin de cet ail, cela m'arrive aussi, je dois être honnête avec vous. Parfois, je regarde mes dessins et je ne
crois pas que ce soit beau quand c'est fait, parce que lorsque nous sommes à la moitié du processus, cela n'a pas l'air bien. Croyez-moi, ce sentiment est tout à fait normal. Soyez patient et tenez-y jusqu'au bout, car il faut un certain temps pour voir à quoi ça va ressembler à la fin. La seule façon de se fier davantage à soi-même est
d'acquérir plus d'expérience et de le faire en dessinant davantage. Vous avez une meilleure idée du fonctionnement du support et nous
pourrons anticiper les éventuels obstacles qui pourraient apparaître.
14. Garlic : texture: À l'aide du crayon B, je vais
maintenant ajouter de la texture sur l'ail. Ces doigts que nous voyons à sa surface. Comme je vous l'ai déjà dit, les crayons
durs sont plus précis, donc j'obtiens le crayon B ou même le crayon HB pour dessiner des textures comme celle-ci. Essayez de comprendre cette texture d'un point de vue plus général au lieu de concentrer sur chaque petit détail comme si c'était la chose la plus importante au monde. À mon avis, l'ensemble du tableau est plus important que chaque partie distincte. Même les crayons plus durs peuvent paraître granuleux, vous pouvez
donc les mélanger également. Cependant, utilisez quelque chose de moins agressif et plus précis. Choisissez un pinceau ferme pour cela. Il rend chaque ligne plus lisse, mais elle souhaite fusionner ou annuler la texture. Ici, il fallait que je prenne le crayon 4B. Il n'était pas assez sombre. Cela ne veut pas dire que les étapes précédentes étaient inutiles, elles ne l'étaient pas. Ce dessin a déjà une couche de base et un volume agréables. Je suis en train d'ajuster le contraste pour qu'il soit encore meilleur. Sur le côté droit, je pensais avoir exagéré un peu sur certaines lignes et certaines imperfections et je les ai dessinées trop sombres, alors j'ai eu la gomme à crayon pour les ajuster. À mon avis, la gomme à crayon est géniale pour
regarder les zones où les valeurs graphiques sont trop sombres. Si vous devez éventuellement le faire aussi, ne le forcez pas. N'appuyez pas fort sur le papier car cet outil est très agressif. J'utilise la gomme à crayon pour ce point fort assez grand sur l'ampoule, ce qui est étrange. J'utilise normalement la gomme autocollant pour cela, mais dans ce cas spécifiquement, le reflet n'a pas l'air net sur la photo d'origine et il n'est pas parfaitement blanc mais a beaucoup de nuances. Je pensais que cette gomme à crayon produirait l'effet que je voulais. Cela nécessitera juste quelques ajustements fins. Comme la texture est presque apparue, je vais la refaire, mais remarquez que je ne couvrirai pas toute la texture précédente. Profitons du fait qu'il a maintenant un ton gris clair et n'améliorons que quelques points spécifiques. Il donnera plus de dynamisme et de réalisme.
15. Garlic : Zone supérieure: Passons maintenant aux deux extrémités en commençant par le haut. N'oubliez pas que j'ai fait référence aux valeurs très sombres que j'ai vues ici auparavant, et maintenant je vais les fabriquer à l'aide du crayon mécanique de 0,5 millimètre avec du plomb graphite 4B. Le porte-mine est un outil très précis, et il sera pratique ici car cette zone est petite. J'ai juste dû corriger le contour avant de commencer l'ombrage. Marquez dans les masses les plus sombres que vous repérez dans la référence puis utilisez le pinceau pour étaler le graphite sur la zone. Vous voyez que cette étape n'est pas difficile du tout. Le pinceau va également lisser la verdure du 4B. Vous pouvez utiliser une fine tige de mélange ici et là aussi. Ensuite, nous utilisons enfin la gomme à autocollants pour les points forts. Taillez pour que la pointe puisse atteindre les zones les plus étroites ici. Avant de passer à la zone inférieure, je vais régler le volume de l'ampoule là où elle est incohérente.
16. Garlic : zone inférieure et ombre: Je vais maintenant travailler sur la dernière partie de cette pièce, qui n'est pas la plus difficile à mon avis. Je vais commencer par l'ombre jetée car elle est derrière sur le fond et le fond de l'ail nécessitera plus d'attention plus tard. Mon objectif ici est de dessiner un dégradé ovale et, comme toutes les ombres, sa zone est régulière. Je vais faire la première couche d'ombrage avec le crayon B, essayant d'être aussi soigné que possible. Je vais bientôt fusionner cette zone, mais n'oubliez pas que les outils de mélange ne sont pas destinés à corriger le travail effectué avec le crayon, mais seulement à le lisser ou à l'améliorer. Comme cette ombre est assez petite, je veux utiliser ici
le tissu qui serait approprié pour les masses régulières, mais plutôt la souche de mélange. Utilisez-le propre pour éviter que la souche ne sache ou ne sèche. J'utilise également le pinceau ici pour compléter la souche de mélange. Comme d'habitude, je construirai les tons en dessinant un calque sur un calque, passant à des notes graphiques plus sombres au fur et à mesure qu'elles avancent. J'ai commencé par le crayon B, la deuxième couche sera faite à l'aide du crayon 2B, puis j'obtiendrai un crayon mécanique avec du plomb en
graphite loin simplement parce que cette zone est petite. Comme il arrive à toutes les ombres, ses limites sont floues, c'est comme dessiner un dégradé sur les bordures. Observez également cette variation totale de valeur à l'intérieur du jeu d'ombres. Il est un peu plus sombre à gauche car il y a aussi des ombres d'occlusion. Vous verrez que j'ai utilisé le 2B et le loin B là-bas. Maintenant, en me concentrant sur les racines et les zones entre les deux, je vais faire les tons les plus sombres avant et mélanger la zone à l'aide du pinceau. C'est la même procédure que j'ai suivie lorsque je dessinais le dessus de l'ail. J'utilise la brosse à poils longs juste pour étaler un peu de graphite pour la couche de base qui a créé cette couverture gris clair qui va être utile. Quoi qu'il en soit, je l'améliorerai après avoir utilisé le crayon mécanique pour obtenir les valeurs les plus sombres et le mélanger à l'aide du pinceau. J'ajouterai également quelques détails à l'aide des crayons B et 2B. Enfin, les points forts, je les fais normalement à l'aide de la gomme autocollant. Si vous pensez que les reflets ont fini par être trop lumineux, vous pouvez réduire son intensité en frottant le pinceau dessus. Vous pouvez faire des allers-retours à l'aide de la gomme et du pinceau pour ajuster les tons jusqu'à ce que vous soyez satisfait.
17. Garlic : Dernières touches: C'est tout, les gars. Je ne ferai que les derniers ajustements ici maintenant que nous avons presque tout fait. Faites une pause si vous le souhaitez et revenez à votre dessin plus tard pour vérifier s'il y a quelque chose à corriger. Cette pièce m'a pris près de trois heures. C'est un peu plus complexe que les études précédentes, mais ce n'est rien du monde. Vous n'avez pas à le dessiner trois heures d'affilée. Vous pouvez diviser le processus en deux ou trois sessions si vous préférez. Merci beaucoup d'avoir regardé ce cours. J'espère que cela a été utile et que vous serez plus confiant de vous attaquer à de nouveaux projets de dessin à l'aide du graphite. On se voit dans le prochain cours.
18. Conclusion: Si vous avez déjà regardé toutes les vidéos jusqu'à la fin et que vous avez dessiné avec moi, je tiens à vous féliciter de l'avoir fait. J'espère que ce cours vous aidera à remonter vos dessins à partir de maintenant. N'oubliez pas de partager vos dessins sur la plateforme et de nous laisser un avis aimable si vous le souhaitez. Merci d'avoir regardé ce cours, et je vous verrai dans le prochain. Au revoir.
Matheus Macedo, Realistic Drawing Artist
