Transcription
1. Bienvenue: Pouvez-vous vous imaginer voyager dans le temps où le design numérique, tel que nous le connaissons aujourd'hui, n'
était qu'un rêve de science-fiction. Vous allez être employé par une imprimerie où votre tâche consiste à créer divers modèles étiquetés de boîtes d'allumettes. La technologie d'impression est limitée, la zone d'impression est petite et la palette de couleurs est restreinte. Néanmoins, certains des designs
les plus beaux et les plus inspirants sont faits pour prouver qu'avec toutes ces contraintes, moins est vraiment plus et l'art peut prospérer sous toutes ses formes et formes. Bonjour, je suis Nina, même si tout le monde me connaît sous le nom de Di Udji. Je suis illustrateur et concepteur de motifs basé à Belgrade, en
Serbie, et c'est un cours sur la création d'étiquettes de boîtes d'allumettes. Dans ce cours, nous plongerons ensemble dans le monde magnifique du design
vintage en regardant de près les étonnantes étiquettes de boîtes d'allumettes tout au long de leur histoire. Nous explorerons et découvrirons certains
des concepts clés que les concepteurs utilisent à l'époque et nous apprendrons d'eux. Je vais vous guider tout au long du processus, de l'inspiration et du brainstorming à recherche d'un moyen d'exprimer vos idées complexes d'une manière visuellement simple, mais efficace. Enfin, pour un retour nostalgique, nous
reproduirons les effets d'impression classiques dans notre boîte d'allumettes et notre design. Nous utilisons Procreate et un peu Photoshop à la fin. Cette classe intermédiaire s'adresse aux illustrateurs, aux designers et à tous les amateurs de vintage. J'ai fait ce voyage temporel de manière à ce que vous vous retrouviez avec des idées de design
incroyables pour des projets personnels et professionnels. À la fin de ce cours, non seulement vous aurez les connaissances nécessaires pour comprendre et reproduire ces designs vintage, mais vous aurez également de nouvelles idées et principes visuels que vous pourrez ajouter à votre répertoire professionnel lorsque vous travaillez sur dessins et illustrations modernes. Au fait, je suis tellement content que tu sois là, alors commençons.
2. Projet: Votre projet consiste à créer une conception d'étiquettes de boîtes d'allumettes. Comme vous le verrez tout au long de cette classe, il existe de nombreux styles et sujets parmi lesquels choisir. La meilleure façon d'aborder ce projet est de choisir un sujet qui vous tient à cœur. Pour vous faciliter la tâche, j'ai créé un document PDF du guide de projet que vous pouvez télécharger à partir de la section Ressources de la classe. Vous y trouverez des idées allant de la création de différents types d'étiquettes de boîtes d'allumettes, du démarrage et de la conception de votre propre plan de boîtes d'allumettes, à l'élaboration des idées publicitaires qui seront placées sur une étiquette de boîte d'allumettes, la conception de l'étiquette qui permettra de sensibiliser ou de célébrer des événements importants. Jetez un coup d'œil à ce document, il vous aidera à plonger directement dans la création sans vous demander par où commencer. De plus, une autre chose que je vous laisse dans la section Ressources de classe est un lien vers mon tableau Pinterest, où vous trouverez une collection d'étiquettes de boîtes d'allumettes que j'ai rassemblées jusqu'à présent. Il peut s'agir d'une excellente fenêtre dans le monde du design de boîtes d'allumettes vintage et d'une bonne ressource de point de départ pour votre inspiration et votre apprentissage. Il existe de nombreuses façons de penser à ce projet et de nombreuses façons de l'aborder. Vous pouvez l'utiliser dans le cadre de vos projets de travail. Par exemple, il agit d'une bonne pratique si vous créez un design d'emballage et que vous souhaitez introduire une touche vintage, ou si vous concevez des cartes postales nécessitant un retour nostalgique. D'autre part, vous pouvez utiliser cette pratique comme un projet personnel et créer un design d'étiquette de boîte d'allumettes que vous pourrez ensuite utiliser comme superbe impression d'art de style vintage. Dans l'ensemble, une chose est sûre, vous apprendrez beaucoup de choses en suivant ce cours. Mais une fois que vous avez toutes les connaissances et les idées, la meilleure façon de les utiliser est de les mettre en pratique en lançant votre propre projet. Nous voulons voir votre inspiration, vos dessins et votre processus de réflexion qui ont mené à la conception finale de l'étiquette de boîte d'allumettes. Une fois que vous avez terminé, assurez-vous de tout partager dans la section projet de cette classe.
3. Une brève histoire de l'art des boîtes d'allumettes: Comment tout a-t-il commencé ? En 1826, un homme du nom de John Walker, un pharmacien britannique, travaille sur une pâte explosive expérimentale pour armes à feu. Un jour, il a nettoyé l'ustensile en bois utilisé pour mélanger cette pâte en la raclant, et il a pris feu. Par accident, des allumettes de friction ont été découvertes et elles ont rapidement décollé devenant un outil indispensable pendant plus de 100 ans après cela. fur et à mesure que les allumettes gagnent en popularité, le marché s'est rapidement saturé et l'art et le design sont devenus la clé de la création de l'identité distinctive de la marque. Si vous vous lancez dans des affaires de match, vous devez vous démarquer parmi les concurrents pour être visible, mémorable et vraiment attrayant pour les consommateurs. Il y avait une variété extraordinaire de modèles, du simple qui comprenait le nom et l'emplacement du fabricant à l'élaboration, influencés par les tendances et les événements actuels. Si vous plongez dans toutes ces incroyables étiquettes de boîtes d'allumettes de cette période, vous verrez une gamme de sujets, de lieux exotiques, inventions
technologiques et d'animaux et de plantes toujours populaires. L'idée était de représenter visuellement quelque chose d'intéressant et d'attrayant, et de l'utiliser comme identité de marque. Au début du XXe siècle,
l' utilisation généralisée des allumettes a fait des boîtes d'allumettes une toile parfaite pour une publicité efficace. Au lieu de l'identité de marque, boîtes d'allumettes étaient désormais ornées de publicités pour cigarettes, restaurants, compagnies aériennes ou produits de nettoyage, par exemple. En ce qui concerne le style, certains pays ont conservé une approche plus traditionnelle basée sur l'esthétique victorienne. Alors que d'autres, en particulier des pays d'Europe de l'Est, ont adopté une approche plus moderne pour les conceptions de boîtes d'allumettes. Sur ces étiquettes de style du milieu du siècle, vous trouverez de nombreux exemples de conceptions publicitaires, ainsi que des messages de santé et de sécurité publiques, des célébrations de réalisations nationales, événements ou des avancées technologiques. Une chose qui lie ces dessins, indépendamment de leur pays d'origine ou de leur période de production exacte, est qu'ils sont définis par les limites de la technologie d'impression de l'époque et de la petite toile. Elles ont été simplifiées et avec peu de couleurs, mais elles ont été très efficaces dans leur langage visuel et leurs concepts de design. Avant de passer à la vidéo suivante, je veux que vous accédiez à la section Ressources de classe et que vous trouviez le lien vers le tableau Pinterest, où j'ai rassemblé de nombreux modèles d'étiquettes de boîtes d'allumettes. Tout d'abord, jetez un coup d'œil à tous ces
modèles pour vous familiariser avec les périodes, les styles et les designs, sujets dont nous avons parlé. Une fois cela fait, choisissez 5 à 10 étiquettes de boîtes d'allumettes qui ont tout de suite attiré votre attention. Vous pouvez les imprimer
ou les rassembler dans un tableau d'ambiance numérique que vous avez devant vous. Parce que dans la prochaine vidéo, nous examinerons de plus près les étiquettes de boîtes d'allumettes que nous avons choisies et verrons ce que nous pouvons observer et découvrir en ce qui concerne les idées et les concepts de conception, et comment appliquer ces connaissances plus tard dans notre propre travail.
4. Étudier les anciennes méthodes, créer les nouvelles: Commençons par travailler sur les premières étapes pratiques vers la création de notre design. Comme vous pouvez le constater, j'ai imprimé de nombreuses étiquettes de boîtes d'allumettes différentes. Ils sont tous du conseil d'administration de Pinterest dont je vous ai parlé. Maintenant, je veux vous montrer comment je fais ce travail de détective visuel où j' observe différents types d'étiquettes de boîtes d'allumettes pour déterminer ce qui les rend intéressants. Des emplacements et concepts de conception globaux aux styles et aux textures d'impression. La raison pour laquelle je fais cela est de déchiffrer mon inspiration et d'en tirer des leçons afin pouvoir appliquer certains de ces concepts et principes de conception dans mon travail, ainsi que de pouvoir reproduire avec précision ces textures d'impression vintage. Ce que je suggère, c'est que vous suivez mes exemples car je vais essayer de couvrir de nombreuses variantes différentes. Mais en même temps, placez les étiquettes de boîtes d'allumettes que vous avez choisies à un endroit où vous pouvez les voir. Au fur et à mesure que nous franchissons chaque étape, essayez d'appliquer ces connaissances à vos exemples et de prendre des notes. Tout d'abord, observons le positionnement général du dessin sur ces étiquettes. Jetez un coup d'œil à l'arrière-plan pour voir ce que vous pouvez distinguer. Voici quelques choses que je remarque quand il s'agit de fond. Les motifs sont dans un rectangle simple qui a toujours une bordure en papier ou en carton. Mais la bordure peut être simplement un fond simple comme dans ces exemples ou elle peut être remplie d'un slogan qui contourne les bords ou dans ces motifs indiens plus traditionnels, les bordures sont ornées de lignes qui encadrent le dessin. Observez maintenant les étiquettes de boîtes d'allumettes que vous possédez et prenez des notes sur l'emplacement global de la conception ou faites des esquisses rapides. La prochaine chose que nous pouvons observer est la typographie et la façon dont elle est placée dans ces étiquettes de boîtes d'allumettes. conceptions de boîtes d'allumettes combinent essentiellement des illustrations et de la typographie, sur certaines d'entre elles, les illustrations sont plus importantes, tandis que sur les autres, c'est la typographie. Dans cette classe, je me concentrerai davantage sur les aspects d'illustration des étiquettes de boîtes d'allumettes, tandis que dans la classe suivante, je couvrirai en
profondeur l'ensemble du sujet de la typographie des boîtes d'allumettes , de l'historique aux polices que vous pouvez utiliser et adapter. Bien sûr, tout en travaillant sur votre projet maintenant, n'hésitez pas à inclure également la typographie. Tous ces exemples présentent ici des illustrations importantes combinées à une typographie qui a une importance secondaire mais qui sert toujours un objectif. Dans certains cas, il ne s'agit que d'un mot, alors que dans d'autres, vous avez du texte ou des slogans. Il est intéressant de savoir que certains modèles utilisent des rectangles
plus petits en bas pour le placement du texte comme ces trois modèles, par exemple. D'autres peuvent être plus expérimentaux comme ces deux-là. Sur celui-ci, le texte est placé sur le bord et suit la bordure autour. Ici, le texte est placé de la même manière, mais à l'intérieur de l'arrière-plan. Ces deux exemples utilisent l'idée qu'
une boîte d' allumettes soit quelque chose que vous tenez entre vos mains,
et tout en la tenant, vous pouvez la faire pivoter pour lire le texte. Le texte ne doit pas nécessairement être positionné et structuré de manière habituelle, et vous pouvez jouer avec cette idée lors de la conception de votre étiquette. Ces deux derniers exemples sont un peu différents en ce qui concerne le placement du texte. Contrairement aux précédents qui sont liés à la boîte d'allumettes en tant que chose physique, ces placements de texte sont liés à la conception elle-même. Ils y sont intégrés et ils se sentent unifiés avec les illustrations. C'est pourquoi ils peuvent ressembler davantage affiches
miniatures plutôt qu'à des étiquettes de boîtes d'allumettes ordinaires. Vous avez peut-être des exemples similaires devant vous ou quelque chose de différent. Observez comment la typographie est placée et ce que vous aimez. En ce qui concerne les illustrations, il est difficile d'en parler uniquement en termes de placement, car cette zone est très large et dépend du sujet que vous dépeignez et de la façon dont vous le dépeignez. C'est pourquoi nous pouvons les observer brièvement en termes de styles et d'idées visuelles intéressantes. Je ne veux pas me concentrer sur une période stricte de l'art de la boîte d'allumettes car je veux que vous trouviez une période et un style que vous aimez et que vous vous sentez inspiré. Vous serez peut-être plus attiré par les styles traditionnels
du XIXe siècle ou les styles modernes du XXe siècle. Dans ces deux exemples, vous pouvez vraiment voir la différence de style. un côté, il y a des éléments décoratifs ,
des ornements et beaucoup de lignes. l'autre côté, il y a des formes géométriques simplifiées, illustrations en
gras et aucune ligne. En observant les illustrations de boîtes d'allumettes que
vous avez sélectionnées, vous pouvez également entrer dans les détails pour voir le type d'approche d'illustration que vous aimez. Est-ce l'utilisation de couleurs vives, détails et de contours comme dans ce design indien ? Ou opteriez-vous pour un style d'illustration audacieux comme dans le label soviétique ? Ou aimez-vous la simplicité de ce design japonais ? Découvrez ce que vous avez choisi et prenez des notes sur les idées, les styles et les techniques que vous aimez. Vous trouverez peut-être de l'inspiration dans une ou vous pouvez naturellement opter pour une variété d'idées d'illustrations qui se fondent dans quelque chose de unique à vous. Je voudrais ensuite jeter un coup d'œil sur les couleurs et l'utilisation créative de l'espace de conception positif et négatif dans certaines de ces illustrations. Comme nous le savons, en raison des techniques d'impression à la fois, les couleurs de ces boîtes d'allumettes sont limitées. La plupart du temps, les palettes de couleurs varient de cinq couleurs maximum à deux couleurs. Si vous utilisez plus de couleurs, la production de vos boîtes d'allumettes coûtera plus cher. Si vous avez déjà une palette de couleurs limitée, vous devez absolument utiliser le papier ou le carton de boîte d'allumettes comme l'une des couleurs. Ces papiers en carton sont principalement blancs ou brun clair crémeux, ils sont
donc d'une excellente couleur neutre pour n'importe quelle palette de votre choix. Puisque vous utilisez le papier comme couleur et que vous ne l'imprimez pas, vous devez laisser les parties blanches comme découpes dans votre dessin. Il existe différentes façons créatives de le faire. Nous avons ces trois exemples, l'oiseau, le label de la ville et un autre label de ville similaire issu de la même collection, je suppose. Si vous regardez la dernière, vous pouvez voir qu'une tour et un pont sont des découpes blanches et que les autres couleurs sont imprimées sur le dessus. Il s'agit d'un exemple typique de découpes blanches. Dans les deux autres, nous avons des exemples d'utilisation plus créative des découpes, ainsi qu'un jeu avec un espace de conception positif et négatif. Dans cet exemple, la bordure inférieure est découpée et c'est là que commence le bâtiment blanc. L'artiste relie visuellement le bâtiment au reste de la boîte d'allumettes, ce qui rend l'ensemble du design plus lisible. En utilisant du papier, non seulement pour le bâtiment mais aussi pour le navire, le ciel bleu devient également de l'eau. C'est un excellent exemple de conception simplifiée qui raconte une histoire complexe. Celui-ci est également un bon exemple sur la façon de jouer avec des espaces positifs et négatifs. Il a la silhouette d'un oiseau, que je pense être un paon. L'oiseau n'est pas contenu à l'intérieur de la frontière. Les plumes de sa tête traversent le bord supérieur où elles se connectent au reste du papier et aux bordures, et la même chose se produit en bas à droite. Maintenant, jetez un coup d'œil aux étiquettes de boîtes d'allumettes que vous avez devant vous. Pouvez-vous repérer des concepts de design intéressants que vous souhaitez explorer ? Dans ma conception, je veux expérimenter un espace de conception
positif et négatif ainsi que des découpes. Mais vous pourriez être plus intéressé par les compositions géométriques audacieuses, par exemple. Une chose qui lie tous ces modèles, indépendamment de leur époque ou de leur style, est qu'ils sont limités par la technologie d'impression de l'époque. Vous pouvez voir qu'aucune de ces impressions n'est parfaite. À mon avis, c'est ce qui les rend absolument uniques et parfaits. Dans cette partie, je voudrais examiner de plus près la façon dont ces étiquettes ont été imprimées afin comprendre toutes les erreurs qui se sont produites afin que nous puissions les observer et les répliquer ultérieurement. Si vous regardez de près ces étiquettes de boîtes d'allumettes, vous verrez que chaque couleur a été imprimée séparément. Cela signifie que vous devez placer le carton dans l'imprimante et imprimer une couleur, le
retirer, puis le remettre et imprimer une autre couleur sur le dessus, etc. Vous pouvez réaliser ce type d'impression en sculptant du bois,
en créant des tiges, puis en faisant tout manuellement ou en utilisant une méthode d'impression offset rapide. Lorsque vous imprimez des couleurs séparément, il y a de fortes chances que quelque chose bouge, surtout si le processus d'impression est rapide. Ensuite, en fin de compte, les couleurs ne s'aligneront pas parfaitement les unes avec les autres. Très souvent, vous verrez ces calques découpés et ces chevauchements de couleurs. Même si c'est une erreur, il devient quelque chose d'unique et d'inséparable de ce style vintage. Si vous souhaitez recréer cet ancien look vintage dans votre design numérique moderne, vous devriez le rendre imparfait en reproduisant ces erreurs d'impression. Autre chose intéressante dans la technologie d'impression, c'est l'utilisation de demi-tons. demi-tons sont des séries de petits points qui peuvent être utilisés pour l'ombrage d'une seule couleur, comme dans ces deux exemples, ou ils peuvent être utilisés uniformément pour remplir l'ensemble de la zone comme dans ce troisième exemple. Enfin, nous allons examiner comment les couleurs réagissent avec une surface en carton. Si vous comparez toutes les étiquettes de boîtes d'allumettes que nous avons vues jusqu'ici, vous remarquerez que certaines d'entre elles ont une meilleure qualité d'impression que d'autres. Sur certains, comme sur ces trois, par
exemple, il y a beaucoup d'imperfections. L'imprimante a probablement utilisé plus d'encre que nécessaire, et elle s'est trempée dans le carton et a fait toutes ces lignes bancales et ces taches d'encre. Vous pouvez également remarquer même sur ceux de meilleure qualité, qu'il n'est pas possible d'obtenir des bords nets et nets, et vous pouvez le voir ici, par
exemple, ou sur ces lettres. Une autre chose est que les couleurs unies ne sont souvent pas solides. La plupart du temps, des points blancs apparaîtront
à travers parce que la couleur est trempée dans le carton. Nous garderons tout cela à l'esprit tout en recréant nos propres textures d'impression. J'ai analysé ces étiquettes de boîtes d'allumettes en trois catégories : le placement global, concepts
clés de conception et les textures d'impression. C'est maintenant à ton tour. Si ce n'est pas déjà fait, vérifiez les étiquettes de boîtes d'allumettes que vous avez choisies et prenez des notes sur ce que vous observez. Vous avez peut-être des exemples différents de ceux que moi. Si vous trouvez des fonctionnalités supplémentaires dans votre travail de détective visuel, partagez-les dans vos projets afin que nous puissions tous en apprendre davantage les uns des autres. Dans la vidéo suivante, nous commencerons à réfléchir à des idées de conception d'étiquettes et commencerons à esquisser.
5. Conception d'étiquettes: Parfois, en tant qu'artistes, illustrateurs ou designers, nous avons besoin d'un défi. Nous avons besoin de restrictions qui
nous sont imposées afin de sortir de notre zone de confort et de nous gratter un peu la tête pour voir comment tirer le meilleur parti de la situation ou tirer le meilleur parti du projet de conception. C'est alors que notre créativité peut s'épanouir et que nous pouvons commencer à donner vie à des idées étonnantes. Nous commencerons notre projet de conception en gardant à l'esprit que la conception que nous réalisons concerne un produit qui présente diverses contraintes de production. Il est de petite taille et possède une palette de couleurs restreinte. Nous travaillons avec une technologie d'impression limitée. Nous allons le faire, bien sûr, l'aide d'outils du 21e siècle. Mais il est bon d'imaginer que le scénario une certaine limite lorsque vous travaillez sur ce projet, surtout si vous voulez finalement recréer un look vintage authentique. Pour choisir facilement un sujet pour votre projet, consultez le guide de mon projet PDF, que vous pouvez télécharger dans la section Ressources de la classe. J'ai distingué trois catégories d'exemples parmi lesquelles vous pouvez choisir, ainsi que quelques noms d'étiquettes ou idées de slogans possibles. Je pense que cela vous aidera à plonger directement dans la création. L'option 1 consiste à concevoir une étiquette de marque de boîte d'allumettes. Vous pouvez créer un nom intéressant pour votre marque et créer une illustration qui l'accompagne. Vous pouvez également utiliser certains des noms que j'ai répertoriés dans le guide de projet. La deuxième option consiste à créer un design publicitaire placé comme étiquette de boîte d'allumettes. Ce domaine de design est également très intéressant et plein d'exemples exceptionnels. Choisissez une entreprise pour laquelle vous souhaitez créer une annonce ou utiliser certaines des entreprises de ma liste. La troisième option est quelque chose que j'appelle un message de boîte d'allumettes. Il comprend des étiquettes utilisées comme moyen de diffuser de l'information ou de la sensibilisation. titre d'exemple, vous verrez messages de santé et de sécurité
publiques ou des célébrations de réalisations ou d'événements technologiques. J'ai dressé une liste de slogans et de messages possibles que vous pouvez utiliser, mais bien sûr, créer quelque chose qui vous tient à cœur. Pour ce projet, je vais créer une marque de boîtes d'allumettes portant le nom Horizon. Il m'a fallu beaucoup de temps pour m'arrêter sur le nom et c'est pourquoi j'ai décidé de créer un guide de projet pour vous avec des listes de noms afin que vous ne soyez pas coincé sur ces petits détails et non pas si importants. En outre, j'ai choisi cinq étiquettes de boîtes d'allumettes comme préférées et je les utiliserai pour m' inspirer et comme référence à toutes les choses j'ai observées et évoquées dans la vidéo précédente. Maintenant que nous sommes réglés sur le sujet et le thème, nous pouvons commencer à réfléchir à des idées. Ce que je suggère, c'est de prendre un morceau de papier et de commencer à
énumérer les éléments liés à votre projet de conception. Peu importe si c'est quelque chose de très évident ou non. Ce qui comptait dans mon cas, c'est que je viens de laisser passer toutes les informations que j'avais en tête liées au mot horizon. Voici ce que j'ai fait. abord, j'ai dressé une liste de choses visuelles qui, dans mon esprit, sont liées au mot horizon. J'ai énuméré le coucher de soleil, l'océan, les montagnes, le pont, la rivière. Comme vous pouvez le constater, mon cerveau ne crée pas seulement une connexion pour l'horizon, mais il crée également un lien entre ces mots. La liste suivante est liée aux sentiments que j'éprouve lorsque je pense à l'horizon. Ce sont les sentiments que je veux explorer et exprimer dans mon design. J'ai écrit une vue magnifique, des sentiments calmes, la pleine conscience, du repos, une respiration plus profonde. Vous pouvez rendre ces listes aussi simples ou aussi longues que vous le souhaitez. Vous pouvez développer davantage ces concepts ou vous pouvez les garder à l'esprit lors de l'esquisse. Ce que je veux dire par là, c'est que si le calme est un sentiment
qui définit ce design, cela signifie que je veux explorer comment visualiser quelque chose de calme et d'immobile. Je pourrais utiliser des lignes horizontales droites, par exemple. Si nous comparons cela à quelque chose d'opposé, qui serait, par exemple, une publicité pour les voyages spatiaux commerciaux, vous voudrez peut-être utiliser des lignes diagonales, comme c'est le cas avec ces avions ici. Vous voulez créer un sens du mouvement et un sens de l'accomplissement. Dans ce cas, vous ne voulez absolument pas de calme et de calme. Vous voulez créer quelque chose de frappant, d'audace et de rapidité. Ces listes vous donneront un point de départ facile. Utilisez vos sentiments à l'égard d'un sujet comme guide sur la façon dont vous allez visualiser les choses que vous avez notées dans la première liste d'idées physiques. Dans la prochaine étape, commencez à esquisser en suivant vos idées. Vous n'avez pas besoin de vous concentrer immédiatement sur le design final. Essayez plutôt de voir où vos croquis vous mènent et concentrez-vous sur la liste. D'après mes exemples, vous pouvez constater que je voulais jouer avec les formes, géométrie et les lignes. J'ai également exploré l'idée d'un demi-cercle qui pourrait être utilisé comme bateau. Ici, j'ai eu l'idée de jouer avec les formes et l'espace de conception négatif et positif. Nous en avons parlé plus tôt. L'idée était de fusionner une rivière et un coucher de soleil. Ici, j'ai essayé de voir à quoi ressembleraient les montagnes et le soleil dans une composition. Une fois que j'ai exploré cela, j'ai commencé à créer des croquis avec le design final à l'esprit. Comme vous pouvez le constater, il s'agit de conceptions plus développées qui reposent essentiellement sur les esquisses précédentes de la liste. Au début, j'ai eu un problème avec nom de
ma marque parce que lorsque j'ai pensé à l'horizon, j'ai eu cette idée clichée visuelle d'un demi-cercle sur une ligne horizontale qui avait été utilisée tant de fois auparavant. Je voulais faire quelque chose de différent. Au lieu de cela, j'y retournais constamment. Mon conseil est que même si vous avez des idées mauvaises ou clichées, laissez-les toutes sortir pour que vous puissiez continuer à faire quelque chose de mieux ou de plus développé et c'est ce que j'ai fait. J'ai commencé par l'idée de base, puis j'ai continué à l'explorer. Ces deux-là sont très similaires et basiques, même si le second a une possibilité de chevauchement de couleurs. Ici, j'ai exploré l'idée qu'un bateau soit un coucher de soleil à l'envers, mais je ne savais pas trop comment le consommateur potentiel pouvait se rapporter à cela comme étant une représentation d'un horizon. Ensuite, je suis devenu un peu abstrait avec la géométrie et les lignes comme les rayons du soleil. Maintenant, dans ces deux-là, vous pouvez voir ma dernière idée prendre vie. J'ai beaucoup aimé la silhouette de montagne et l'idée de retourner le design horizontalement, ce qui correspond parfaitement à la représentation de l'horizon. Pourtant, je n'étais pas encore satisfait de cette idée. C'était bien, mais tout de même un peu basique. Je voulais raconter une histoire à travers ce design. En regardant la montagne et en pensant à ce que j'ai écrit, la pleine conscience, le calme les respirations
profondes, cela m'a amené à penser à un visage humain qui se repose et respire profondément. En bref, c'est le processus dans lequel je me suis retrouvé avec cette idée où j'ai un visage humain dans le premier plan et une silhouette de montagne qui ressemble à son visage en arrière-plan. Avec ce design, je peux maintenant raconter visuellement l'histoire d' un lien humain avec la nature qui se traduit par l'harmonie et le calme. Dans ce croquis, le visage est un peu caricatural et je continue d'explorer l'idée de demi-cercles, qui sont trop importants pour ce design, surtout si je veux le garder audacieux et simple. Dans le croquis final, j'ai créé un visage humain défini. J'ai pensé aux calques de couleurs et à la façon dont je pouvais les chevaucher. J'ai sorti tous ces demi-cercles. Au lieu de placer la police dans un rectangle, comme je l'ai fait ici, j'ai choisi cette idée, comme dans cette boîte d'allumettes. J'ai placé la police sur le bord extérieur de la bordure. J'ai maintenant un croquis de conception simple,
bien structuré, avec une bonne idée et une histoire à raconter. Pour cette étape, commencez à développer et à construire vos esquisses de conception en relation avec votre liste de base. Ensuite, laissez toutes ces idées fusionner et brasser ensemble jusqu'à ce que vous trouviez celle que vous recherchez. Gardez à l'esprit toutes les choses dont nous avons parlé et les choses que vous avez notées. Gardez à l'esprit les idées et principes de conception que vous souhaitez suivre ou essayer. Si vous ne savez pas comment faire quelque chose,
revenez à ces étiquettes de boîtes d'allumettes et jetez un coup d'œil à la façon dont elles ont fait cela. Vous le faites maintenant afin de recréer ce que quelqu'un a fait, mais pour utiliser toutes les informations visuelles disponibles comme référence et outil d'apprentissage afin de pouvoir résoudre vos obstacles de conception en cours de route. Je vais maintenant le photographier et l'ajouter dans Procreate. Dans les prochaines vidéos, nous parlerons des calques, des couleurs et de la façon de recréer les effets d'impression vintage tout en finissant notre conception.
6. Couleurs d'impression: Nous sommes officiellement dans Procreate maintenant et nous pouvons commencer à travailler sur la conception finale.
Jusqu'à présent, nous avons beaucoup appris et nous pouvons intégrer ces connaissances dans la conception de notre étiquette de boîte d'allumettes. Dans cette partie, nous parlerons principalement des couleurs et de la façon dont nous utiliserons les calques pour imiter la technologie d'impression utilisée sur ces étiquettes de boîtes d'allumettes vintage. Comme je l'ai déjà mentionné, sur ces étiquettes, chaque couleur est imprimée séparément. Vous ajoutez la pile de papiers à l'imprimante et une couleur est imprimée sur chaque feuille. Ensuite, vous réalisez les papiers et vous imprimez une autre couleur sur le dessus. Ce qui se passe avec cette impression, c'est que vous pouvez utiliser deux couleurs, les chevaucher et créer une troisième couleur, ce qui rend cette méthode d'impression très amusante à explorer et à jouer. Quelque chose de très similaire qui est largement utilisé aujourd'hui, surtout dans le monde de l'art et que vous en avez probablement entendu parler est l'impression risographique. Maintenant, comme nous travaillons numériquement et que nous ne l'imprimons pas sur une machine à risographe , par
exemple, nous allons simplement imiter le processus et le recréer dans Procreate. La première chose que nous devons savoir, c'est que si nous voulons que les couleurs se chevauchent, nous devons placer chaque couleur dans un calque distinct, comme nous le ferions si nous l'imprimions. Je vais maintenant ouvrir un nouveau calque, sélectionner une couleur et créer une forme simple. Maintenant, en mode de fusion ici, je vais changer de normale pour se multiplier. Nous voulons que tous les calques aient un mode de mélange multiplié. De cette façon, les couleurs peuvent se chevaucher et se fondre les unes avec les autres pour produire de nouvelles couleurs. Je vais maintenant créer un nouveau calque, sélectionner une autre couleur et changer à nouveau le mode de fusion pour être multiplié et je vais maintenant créer une nouvelle forme. Si nous ne travaillons qu'avec deux couleurs, nous pouvons utiliser le chevauchement entre ces deux couleurs pour créer une troisième couleur et c'est quelque chose de très amusant à explorer dans notre design final, je vais maintenant créer une troisième forme et introduire une autre couleur. Encore une fois, je vais le mettre en multiplication et voilà. Si vous souhaitez tester les couleurs pour voir leur apparence ensemble dans un chevauchement, vous pouvez également sélectionner un calque que vous souhaitez modifier. Par exemple, celui-ci et que vous pouvez accéder aux réglages, à la saturation de la
teinte, à la luminosité, calque, puis vous pouvez jouer avec la teinte par exemple, ou la saturation et la luminosité et avoir un aperçu en direct de la façon dont ces couleurs interagissent. les uns avec les autres pendant que vous modifiez ces paramètres. Maintenant, je veux vous montrer un nuancier que j'ai créé pour vous. Vous pouvez le télécharger dans la section Ressources de classe. Il s'agit d'un fichier PNG que vous pouvez ajouter à votre Canvas Procreate. C'est ce que je vais faire maintenant. Je vais ajouter « Insérer une photo » et voici ce nuancier. Pour créer ce nuancier, j'ai choisi sept couleurs différentes. Je les ai placés horizontalement puis à nouveau verticalement et utilisé le mode de mélange multiplié pour qu'ils puissent se chevaucher. Cela me donne une belle vue d'ensemble de la façon dont ces couleurs interagissent les unes avec autres et je peux voir avec quel chevauchement de couleurs je souhaite potentiellement travailler. De plus, il sert de limite de couleurs imaginaire que je dois suivre comme si je préparais mon design pour l'impression. Vous pouvez utiliser mon nuancier et choisir ces couleurs ou créer les vôtres. Je laisserai un lien dans la section Ressources de classe pour un site Web qui contient une liste de couleurs imprimées risographes disponibles avec leurs numéros hexadécimaux. C'est une très belle sélection de couleurs que vous pouvez utiliser comme source
d'inspiration ou de point de départ pour votre nuancier. Je vais maintenant choisir ces sept couleurs principales et les
enregistrer dans une nouvelle palette de couleurs, puis je peux commencer à travailler sur mon étiquette pour vous montrer quelques façons implémenter ces couleurs dans mon design. Ce que vous pouvez voir ici, c'est mon croquis raffiné et fini. Le format que j'utilise est un format de papier A3 car je veux pouvoir imprimer cette étiquette de boîte d'allumettes sous forme d'affiche. En outre, il est toujours plus sûr de travailler à plus grande échelle et de réduire plus tard si nécessaire. J'ai également ajouté la typographie. J'ai utilisé une police, Rousseau 1. Il est audacieux et fort, et il ressemble aux polices vintage que nous avons observées. Il s'agit d'une police Google et possède une licence open source. Maintenant, si je vais dans la police et que je vais dans Modifier, vous pouvez voir dans les paramètres que j'ai ajusté la taille de la police. J'ai ajusté le crénage et le suivi et j'intègre tout dans ce rectangle que j'ai créé. La prochaine chose que j'ai faite avec cette police, c'est que je l'ai dupliquée. Je l'ai tapé dessus, et je viens de le rasteriser. De cette façon, j'ai pu l'utiliser comme objet comme forme régulière. Au fait, dans les ressources de classe, vous trouverez des liens pour toutes les choses que j'utilise dans cette conception, de cette police aux différents jeux de pinceaux et textures. Dans ma prochaine étape, j'ai tracé des lignes d'esquisse avec un pinceau à encre et créé des blocs de couleurs, chacun dans un calque distinct et avec un mode de fusion multiple. Je laisse cette partie du visage comme découpe et je le laisse respirer et se connecter
aux bordures, mais je veux avoir ces trois surfaces en trois couleurs différentes. Pour vous montrer comment obtenir ces résultats de différentes manières, j'ai créé trois variantes possibles pour mon design. Le premier utilise trois calques de couleurs et ne se chevauche pas. Comme vous pouvez le constater, chaque forme de couleur a sa propre place et dans cet exemple, nous n'explorons pas la possibilité de mélanger les couleurs, mais si vous dessinez chaque forme de manière imparfaite, vous pouvez créer des erreurs de chevauchement intéressantes sur ces connexions. chemins. Le deuxième exemple est également trois couleurs, mais il y a un chevauchement. Comme vous pouvez le voir, il est composé de trois couches de couleurs et si je retire celui-ci, agit de deux couches de base et celle-ci va au-dessus et crée un chevauchement pour cette silhouette de montagne. Si nous pensons à l'efficacité de l'impression, il existe une autre façon de le faire avec seulement deux couleurs et c'est
quelque chose que j'ai créé pour mon dernier exemple où je n'ai utilisé que deux calques de couleurs. Permettez-moi de vous montrer le troisième exemple. Ici, nous n'avons que deux couches et deux couleurs. Nous en avons le principal, puis sur le dessus, nous avons celui rose clair. Cela crée également un chevauchement pour la silhouette de la montagne. Si vous regardez cela, vous verrez que lorsqu'elle se chevauche avec cette couleur sarcelle, nous obtenons des montagnes et une couleur sarcelle plus foncée et nous gardons la couleur originale sur place sans chevauchement. Maintenant, nous voulons rester dans cette idée d'imiter le processus d'impression, au lieu de choisir la couleur que nous voulons, nous pouvons nous limiter au nuancier et utiliser certaines des sept couleurs que nous avons enregistrées. Cette limite serait également prévue si vous préparez l'impression sur une machine à risographe, par exemple. Maintenant, si je veux rendre cette couleur sarcelle un peu différente. Je peux placer une autre couleur par-dessus pour la changer et si je ramène mon nuancier et que je le regarde, je peux voir qu'en ajoutant la couleur rose au-dessus d'une couleur bleu sarcelle, j'obtiendrai une couleur bleu indigo plus. Ce que je vais faire maintenant pour changer la couleur mon calque au lieu de choisir n'importe quelle couleur que je veux, comme je l'ai dit, je vais juste dupliquer ce calque bleu sarcelle et je vais la colorer dans cette couleur rose que j'ai choisie dans mon nuancier. Comme vous pouvez le voir, nous avons fait du bleu indigo. Le calque que j'ai dupliqué est également en mode de mélange multiplié et maintenant je peux jouer avec l'opacité pour le rendre moins sombre, donc je vais peut-être le mettre à 50 %. Nous y voilà, nous avons maintenant une couleur bleue plus subtile. C'est une façon de le faire et une autre façon amusante de le faire est d'utiliser des demi-tons. Comme nous l'avons vu sur les étiquettes de la boîte d'allumettes. Vous pouvez utiliser des demi-tons pour ajouter de l'ombrage et des détails, pour couvrir toute la surface et changer la couleur qui se trouve en dessous, donc la façon dont je vais le faire est tout d'abord, je supprimerai le calque dupliqué et je sélectionnerai cette base couche. Je vais appuyer dessus et cliquer sur « Sélectionner ». Maintenant, pendant que tout cela est sélectionné, je vais ouvrir un nouveau calque, définir le mode de fusion pour qu'il se multiplie et je prendrai un pinceau qui est un pinceau demi-teinte. Je vais utiliser un ensemble de pinceaux à partir de vraies textures de grille et c'est ce que l' on appelle Beat Tones et je peux utiliser ce shader point 2. Je vais maintenant passer en revue avec ce pinceau demi-teinte. Une fois cela fait, je peux appuyer sur « Sélectionner » pour le désélectionner et cette fois je peux jouer avec l'opacité et je peux l'amener à 50 % comme je l'ai fait dans le dernier exemple. Si je fais un zoom arrière, vous pouvez voir le changement de couleur et, par exemple, si je zoome avant, vous pouvez voir la belle texture de demi-teinte que j'ai créée. Le design est très beau même à ce stade, mais nous n'en avons pas encore fini. Dans la prochaine vidéo, nous ajouterons quelques imperfections d'impression pour le rendre vintage et authentique.
7. Style d'impression: Je vais vous montrer plusieurs façons différentes de recréer le style d'impression classique. Nous allons prendre ce design numérique et le rendre plus sujet aux erreurs, comme si nous l'imprimions il y a 70 ans. Si vous vous souvenez, en observant les étiquettes de boîtes d'allumettes, nous avons pris des notes sur des erreurs d'impression qui se produisaient depuis des bords bancaux, taches d'
encre ou des calques de couleur déplacés accidentellement. Voyons maintenant comment recréer cela. Comme vous pouvez le voir ici, j'ai supprimé le calque de demi-tons que j'ai créé auparavant, et il ne me reste plus que deux couches principales que j'ai besoin de changer un peu, et une fois que je l'ai fait, je peux réintroduire le calque demi-teinte. La première chose que je remarque, ce sont ces lettres. Ils sont très nets
et tranchants, et ils ont ces arêtes vives. En observant les étiquettes de boîtes d'allumettes, j'ai également remarqué qu'en utilisant l'ancienne technologie d'impression et en imprimant sur le carton, on ne pouvait jamais avoir de lignes et de coins aussi nets. Pour changer cela, je vais prendre le même pinceau que celui que j'utilise pour créer des formes de couleur, et je vais grossir ces lettres et arrondir les coins. Comme vous pouvez le voir, c'est quelque chose que j'ai fait en dessinant les principaux blocs de couleurs. Le pinceau que je vais utiliser est un pinceau RetroSupply, et c'est juste un pinceau à encre, il produit de jolies textures d'encre. Je vais juste sélectionner le calque et sélectionner la couleur, et je vais juste grossir ces lettres. Les lettres sont bien meilleures et plus authentiques maintenant. La prochaine chose que je vais faire est de prendre un autre pinceau à encre. Celui-ci est issu de l'ensemble Risograph, et il s'appelle de l'encre de calmar. Avec ce pinceau, je veux imiter un
saignement d'encre qui se produit lorsque vous ajoutez trop de couleur à l'imprimante, ce qui fait que la couleur s'imprègne dans le carton et s'étale sur les bords du design, et crée ces lignes de purge murale. Encore une fois, je vais entrer dans ce calque déjà sélectionné, et je vais simplement ajouter un battement de ces saignements d'encre sur les bords. Le calque est sélectionné, et j'ai mon pinceau, et je peux juste aller un peu ici, et je peux simplement créer un peu de fond d'encre qui échappe simplement aux bords du design. Mon plus grand conseil ici est d'essayer de trouver un équilibre et de ne pas en faire trop. Je vais simplement l'ajouter à quelques endroits, et ce sera juste suffisant. Maintenant que j'ai fini de changer les calques, je peux ramener le calque demi-teinte. Encore une fois, j'
irai dans Calques, je vais appuyer sur celui-ci, et je cliquerai sur Sélectionner. Maintenant, pendant que je l'ai sélectionné, je peux créer un nouveau calque en haut et passer en mode de fusion pour se multiplier. Comme nous l'avons fait auparavant, je vais sélectionner la couleur rose, aller dans les pinceaux, et utiliser ce pinceau à demi-teintes. Encore une fois, je vais juste passer revue et ajouter la texture demi-teinte. Pour terminer cela, je peux simplement appuyer sur Sélectionner pour le désélectionner, et encore une fois, je vais baisser l'opacité à 50 %. Jusqu'à présent, c'est tellement bien. À ce stade, vous pouvez vraiment voir que ce design est en train de s'assembler. Maintenant, je veux ajouter la dernière erreur d'impression en déplaçant
un peu les calques comme si nous bougions accidentellement le papier tout en imprimant différentes couleurs. Vous pouvez maintenant sélectionner le calque que vous souhaitez déplacer, par
exemple, je peux le faire. Je vais le sélectionner, et je vais le pousser un peu. Maintenant, je peux faire la même chose avec la couche demi-teinte. En gros, ce que vous voulez faire ici, c'est déplacer un peu
ces calques pour créer de beaux chevauchements. De plus, vous pouvez voir les merveilleux effets qu'il a. Par exemple, cette erreur de demi-teinte rose crée un ombrage sur les lettres. Maintenant que tout est réglé, il ne reste plus qu'à ajouter la texture de superposition de papier sur le dessus. Je vais vous montrer deux façons de le faire. première consiste à utiliser Procreate, et une autre consiste à utiliser Adobe Photoshop. Tout d'abord, voyons comment nous pouvons le faire dans Procreate. Pour créer une superposition de papier dans Procreate, j'utiliserai des pinceaux de texture et des filtres. Tout d'abord, je vais aller sur ce kit de risograph que j'ai, et là, je vais sélectionner cette superposition de papier préférée, c'est un pinceau à texture. Pour l'utiliser, je dois définir les couleurs, une pour être noire et l'autre blanche. De cette façon, une fois que je commencerai à ajouter la texture sur le
dessus, elle sera en gris moyen, et je pourrai l'utiliser avec un mode de fusion réglé sur superposition, ou avec d'autres modes de fusion. Maintenant, je vais simplement créer un autre calque qui est au-dessus de tout, et avec ce pinceau sélectionné, je peux simplement passer en haut et créer cette texture de papier. Maintenant que cela est créé, je vais simplement passer aux modes de fusion,
et comme vous pouvez le voir, je peux le définir pour superposer,
vous pouvez voir à quoi il ressemble, ou une autre option consiste à le définir en lumière linéaire. Avec la lumière linéaire, ce que
je peux faire, je peux réduire l'opacité à 50 %. Je peux avoir une texture de papier visible non seulement sur les couleurs plus foncées, mais aussi sur les couleurs claires et surtout sur le fond clair et crème. Dans l'ensemble, vous pouvez jouer avec cela et voir ce qui convient le mieux à votre design. Pour finir, je veux ajouter un peu de vert en plus de tout. Je vais le faire en utilisant le filtre Procreate. Tout d'abord, je dois créer un nouveau calque au-dessus de tout. Je vais colorer ce calque avec un gris moyen. Pour obtenir un gris moyen parfait, je vais passer à la valeur Palette de couleurs, puis R, G et B, je dois taper 128. Je vais juste aller ici et changer ça par 128. Nous avons un gris moyen et je dois juste le déposer dans
ce nouveau calque qui est au-dessus de tout. La raison pour laquelle j'utilise un gris moyen est très simple. Une fois que j'ai réglé le mode de fusion ici pour superposer, je le réglerai simplement sur superposition, vous verrez qu'il n'y a pas de différence. Si je l'allume et l'éteint, il n'y a pas de différence. Mais une fois que nous commencerons à ajouter la texture et un filtre, la modification sera visible. Réglons ce mode pour superposer le mode de fusion et passer à Réglages, passer à la couche de bruit, et maintenant tout ce que je dois faire est de glisser pour ajuster. Vous pouvez voir si je le glisse comme ça, le bruit est très visible et ce n'est pas ce que nous voulons. Bien sûr, je vais juste le ramener un peu à 15 %, et c'est tout. C'est joli et subtil. Maintenant, si je zoome et que je l'éteins et que je l'allume, vous pouvez voir la différence. Les résultats finaux sont vraiment beaux et réalistes, à
la fois à partir du pinceau à texture risographe et de ce filtre anti-bruit sur le dessus. Quand il s'agit de Procreate, notre travail est terminé. À l'étape suivante, je veux vous montrer comment je vais utiliser Adobe Photoshop pour créer des résultats similaires. Comme vous le verrez, nous n'allons pas utiliser de pinceaux ou de filtres, nous allons en fait utiliser du vieux papier. Tout d'abord, je désactiverai les calques de texture Procreate que j'ai créés, et j'enregistrerai ce design au format JPEG. Vous pouvez également l'enregistrer en tant que fichier PSD au cas où vous souhaitez le modifier davantage dans Photoshop. Pour cette étape, nous avons besoin de vieux papiers ou livres qui ont été vraiment exposés au passage du temps. Comme ceux-ci, par exemple, vous pouvez utiliser les couvertures, surtout si elles présentent une décoloration et des textures visibles. Vous pouvez également utiliser les premières pages vierges à l'intérieur. Je viens de numériser ces pages à 1 200 ppp, ce qui suffit, mais vous pouvez aller encore plus haut si vous le souhaitez. Si vous n'avez pas de scanner ou de vieux livres, allez
simplement dans les ressources de la classe et téléchargez le mien pour tester l'ensemble du processus. Maintenant, une fois que vous êtes dans Photoshop, ouvrez votre conception sous forme de PSD ou de fichier JPEG comme je l'ai fait. En plus de cela, ajoutez le papier numérisé. Ce que vous voulez tout d'abord, c'est sélectionner ce calque de papier et changer le mode de fusion sur Gravure linéaire. Allons dans Modes de fusion et sélectionnez Gravure linéaire. Tout est trop sombre et indéfini en ce moment, et pour l'améliorer, il faut ajuster les niveaux. Allez dans Réglage, sélectionnez Niveaux, puis cliquez avec le bouton droit de la souris et sélectionnez masque de détourage. Dans les niveaux, vous pouvez commencer à jouer avec ces paramètres pour rendre la superposition plus droite et visible, donc je vais simplement faire glisser ça un peu et la rendre plus légère, et peut-être celle-ci juste un peu ici. Essayez de rendre le papier subtil et réaliste, mais gardez à l'esprit que votre design est le plus important et que la texture est là pour donner une touche finale. Ça a l'air très bien. Mais la dernière chose, je veux ajuster ce sont les couleurs, vous pouvez voir que ce papier a donné à tout un ton jaune et
vert différent , donc je veux réparer ça aussi. Je vais revenir à Réglages et sélectionner Teinte et Saturation. Maintenant, une fois de plus, je vais faire un clic droit et créer un masque de détourage. De cette façon, en utilisant des masques de découpage, ce que je fais, c'est ajouter tous ces effets uniquement sur le calque de papier. Quand il s'agit de teinte et de saturation, je vais simplement jouer un peu avec ces paramètres afin que je puisse peut-être
baisser à la teinte moins huit ou quelque chose comme ça. Cela semble mieux, et je peux aussi réduire la saturation, un peu plus, peut-être à moins 20, et allons-y un peu la légèreté. C'est ça. Je suis vraiment content de ce résultat. La texture du papier est absolument incroyable et donne une finition parfaite à l'ensemble de ce design. Si vous comparez celui-ci à celui que j'ai fait dans Procreate, vous remarquerez que celui-ci a un aspect papier teinté plus réaliste, tandis que l'autre est plus subtil. Une bonne raison d'ajouter cette finition finale dans Photoshop est que vous contrôlez les textures que vous souhaitez utiliser. De plus, il est toujours amusant de trouver différents types de textures et de vieux papiers, les
scanner et de les tester pour voir ce que vous obtiendrez. Maintenant, si vous vous demandez si vous pouvez faire quelque chose comme ça dans Procreate, la réponse est oui et non, car il est possible d'ajouter une numérisation papier dans votre fichier Procreate et d'utiliser différents modes de fusion, mais vous ne serait pas en mesure d'ajuster les niveaux et affiner votre numérisation pour un look final parfait.
8. Merci: Je voulais juste dire merci d'avoir passé du temps avec moi et de regarder ce cours. J'espère que vous avez apprécié tout ce processus d'apprentissage et découvert quelque chose de nouveau, quelque chose d'excitant et de quelque chose dans lequel vous voulez plonger directement. Une fois que vous commencez votre projet, documentez-le et partagez avec nous vos observations artistiques de boîtes d'allumettes, processus de
pensée, vos croquis et, en fin de compte, votre conception finie. Au fait, j'aimerais entendre ce que vous pensez de ce cours. Assurez-vous de l'évaluer et de le réviser. Comme toujours, si vous avez des questions ou quelque chose que je n'étais pas clair, hésitez pas à poser quoi que ce soit dans la section discussion de ce cours et je reviendrai vers vous dès que possible. Pour être informé de mes prochains cours, suivez-moi ici sur Skillshare. Vous pouvez également rester en contact avec moi sur Instagram @diujdi. Je vous envoie beaucoup d'amour et de bonnes vibrations. Je vous verrai dans le prochain.
Di Ujdi, Illustrator & Art Explorer
