Storytelling pour les artistes : 15 leçons pour maîtriser la narration d'artiste et vendre votre travail en toute confiance

1. Raconter des histoires pour les artistes : introduction: Bienvenue dans le monde du storytelling pour artistes. Permettez-moi de commencer par quelque chose qui pourrait vous surprendre. Deux artistes peuvent créer une œuvre pratiquement identique, fixer le même prix, l' exposer au même endroit, et l' un vendra régulièrement tandis que l'autre déplace à peine une œuvre La différence, presque à chaque fois, c'est l'histoire. Une histoire n'est pas une décoration qui vient s'ajouter à votre art. Ce n'est pas une légende que vous écrivez parce que l' algorithme l'exige. L'histoire est la raison pour laquelle quelqu'un choisit votre travail plutôt que celui de quelqu'un d'autre. C'est le pont invisible entre une œuvre d'art et la personne qui doit la posséder. Voici pourquoi c'est important sur le plan pratique. Lorsque quelqu'un se tient devant votre œuvre lors d'une foire d'art, il se pose une question. Cela signifie-t-il quelque chose pour moi ? C'est votre histoire qui répond à cette question. Lorsqu'un client choisit entre deux illustrateurs, il se demande si je fais confiance à cette personne pour comprendre ce dont j'ai besoin Votre histoire est ce qui renforce cette confiance. Lorsque quelqu'un fait défiler votre publication sur Instagram, il se demande si cela vaut le coup de s'arrêter C'est votre histoire qui arrête le parchemin. Dans ce cours, nous allons créer votre boîte à outils de narration à partir de zéro pour trois contextes spécifiques : les conversations avec les clients et les entreprises, les événements en direct tels que la semaine de l'art, les studios ouverts et les réseaux sociaux Chaque contexte nécessite une version légèrement différente de votre histoire, et à la fin, vous les aurez toutes prêtes. Permettez-moi de vous présenter les trois couches que comporte chaque œuvre d'art, que vous en soyez conscient ou non. première couche est l'histoire technique, la façon dont l'œuvre a été réalisée, le support, le processus, les décisions concernant la couleur et la composition. C'est la couche que la plupart des artistes utilisent par défaut lorsque quelqu'un pose des questions sur leur travail. J'ai utilisé de l'aquarelle et de l'encre. J'ai travaillé sur du papier pressé à chaud. Cela a pris environ 12 heures. C'est exact. Ce n'est presque jamais ce qui pousse quelqu'un à acheter. La deuxième couche est l' histoire personnelle, la raison pour laquelle vous l'avez créée. Qu'est-ce qui vous a poussé à créer cette pièce en particulier, ce à quoi vous pensiez, ce à quoi vous vous heurtiez ou que vous célébriez ? C'est cette couche qui crée un lien émotionnel, et le lien émotionnel est ce qui transforme un spectateur en acheteur. troisième couche est l'histoire contextuelle, la signification de l'œuvre dans le monde, l'idée générale ou le sentiment que l'œuvre évoque, l' expérience humaine universelle qu'elle touche C'est cette couche qui donne à votre travail une impression significative plutôt que décorative. Les histoires les plus marquantes combinent les trois couches, mais vous n'avez pas besoin de tout faire en même temps et vous n'avez pas besoin de le faire dans tous les contextes Dans les leçons à venir, vous apprendrez à quel niveau diriger en fonction de la personne à qui vous parlez et de l'endroit où vous vous adressez. Étape à suivre Pour cette leçon, choisissez une œuvre d' art existante que vous utiliserez comme étude de cas tout au long de ce cours. Choisissez un sujet auquel vous vous sentez connecté, un sujet dont vous pourriez parler facilement, même si vous n'avez jamais exprimé cette conversation en mots auparavant. Vous reviendrez sur cet article à chaque leçon, en élaborant une histoire de plus en plus riche au fur et à mesure. Dans la deuxième leçon, nous élaborons le cadre de base, une structure narrative simple en trois parties qui fonctionne dans tous les contextes couverts par ce cours. On se voit là-bas. 2. Le cadre de l'étincelle, de la lutte et du changement: Le cadre de l'étincelle, de la lutte et du changement. Toutes les histoires captivantes du cinéma, de la littérature ou d'une légende Instagram en deux phrases suivent la même forme de base. Il se passe quelque chose qui met les choses en mouvement. Il y a de la tension ou de la difficulté au milieu et quelque chose change ou se résout à la fin. Pour les artistes, cela se traduit par trois éléments que j'appelle l'étincelle, la lutte et le changement. C'est l'étincelle qui a déclenché la pièce, non le point de départ technique, émotionnel ou conceptuel. Qu'est-ce qui vous a poussé à le faire ? Il peut s'agir de quelque chose que vous avez observé, ressenti, lu ou vécu. L'étincelle est le moment de l'allumage créatif. Par exemple, j'ai réalisé cette pièce une semaine après le décès de ma grand-mère. Je n'arrêtais pas de penser à la lumière spécifique de sa cuisine, cette lumière chaude et ambrée de fin d'après-midi qui semblait n'appartenir qu'à elle. C'est une étincelle. C'est spécifique, c'est humain, et cela attire immédiatement l'attention de l' auditeur La difficulté est celle à laquelle vous avez dû faire face, techniquement, émotionnellement ou conceptuellement, lors de la création de la pièce Chaque pièce présente un défi, et le partager permet de réaliser deux choses importantes. Cela vous permet de vous identifier, car la lutte est universelle, et cela indique l'ampleur de votre investissement dans le travail Les gens paient plus cher pour le travail, ils le comprennent, cela coûte quelque chose. La lutte n'a pas besoin d'être dramatique. J'ai repeint le fond quatre fois avant de me rendre compte qu'il est difficile de trouver le bon ton J'ai continué à abandonner cet article parce que j'avais peur ne pas pouvoir traiter le sujet. La justice est un combat J'ai dû désapprendre tout ce que je savais sur les proportions pour que cela me paraisse juste. Le changement, c'est la résolution. Qu'est-ce qui a changé, ce à quoi vous êtes arrivé ou ce que vous voulez que le spectateur ressente ? C'est l'invitation à entrer dans l'œuvre. Cela répond à la question. Qu'est-ce que cette pièce demande à la personne qui la regarde ? Je voulais que tous ceux qui regardent cette ressentent la qualité spécifique de la lumière dans une pièce qu'ils ont aimée et perdue. C'est un changement. Il passe de votre expérience à celle du spectateur, ce qui est le geste le plus puissant qu'un narrateur puisse faire Voici le cadre complet appliqué à un exemple. Étincelle. J'ai réalisé cette pièce une semaine après le décès de ma grand-mère, en pensant à la lumière de sa cuisine. Lutte. J'ai peint le fond six fois essayant de capturer une chaleur qui ressemblait à un souvenir plutôt qu'à une observation. Shift. Je voulais que tous ceux qui regardent cette pièce sentent la lumière dans une pièce qu'ils ont aimée et perdue. Les phrases. Profondément humain. Impossible de faire défiler la page. Votre étape d'action, rédigez un brouillon. Lancez, luttez et changez pour l'œuvre que vous avez choisie dans la première leçon. Ne modifiez pas pendant que vous écrivez. Il suffit de noter les trois éléments. Nous les affinerons tout au long du cours. Dans la leçon suivante, nous examinerons votre histoire d'origine, le récit personnel plus large qui donne un contexte à tout ce que vous créez. On se voit là-bas. 3. L'histoire de vos origines en tant qu'artiste: L'histoire de vos origines artistiques. Votre histoire d'origine est la réponse à la question. Tous les clients, collectionneurs et adeptes potentiels se demandent discrètement pourquoi êtes-vous artiste Pas comment avez-vous appris à dessiner ? C'est une biographie. Pourquoi es-tu artiste ? Qu'est-ce qui vous pousse à refaire des choses encore et encore, même lorsque c'est difficile ? Qu'est-ce qui manquerait à votre vie et au monde si vous arrêtiez ? Votre histoire d'origine est le fondement de votre marque d'artiste. C'est ce qui fait que votre page à propos vaut la peine d'être lue, vos réseaux sociaux méritent d'être suivis et que votre travail vaut la peine d'être investi. Quand quelqu'un comprend pourquoi vous fabriquez ce que vous fabriquez, il n'achète pas simplement une pièce. Ils adhèrent à un cabinet. Voici la structure d'une histoire captivante sur l'origine d'un artiste. Quatre éléments dans l'ordre. Élément 1, le plus ancien souvenir. La première fois que vous vous souvenez d'avoir créé quelque chose et d'avoir senti que c'était important, pas nécessairement la première fois que vous avez dessiné La première fois que vous avez créé quelque chose, j'ai eu l' impression que c'était le vôtre. Des détails spécifiques le rendent puissant. Quel âge avais-tu ? Qu'est-ce que tu fabriquais ? Qu'est-ce que tu as ressenti ? Deuxième élément, le tournant, le moment ou la série de moments qui vous ont fait passer du statut de personne créatrice à celui d'artiste. Il peut s'agir d'un enseignant qui a vu quelque chose en vous, d'un article que vous avez écrit qui vous a surpris, a décidé de prendre votre pratique au sérieux. Cela aurait pu être un long virage lent au lieu d'un seul instant. L'un ou l'autre fonctionne. Troisième élément : ce que vous fabriquez et pourquoi. Une description précise et claire de votre travail actuel et de la raison profonde qui le sous-tend. Pas seulement le médium et le sujet, le territoire émotionnel ou conceptuel que vous explorez. Je fais des illustrations botaniques parce que je suis obsédée par la façon dont les formes naturelles retiennent mémoire, qui est un élément de l'histoire d'origine. Je réalise des illustrations botaniques à l'aquarelle, c'est une ligne biographique Quatrième élément : ce que vous voulez que votre travail fasse dans le monde. La version la plus importante de votre intention créative, qu'espérez-vous que quelqu'un ressente, pense ou expérimente à cause de votre travail ? C'est cette ligne qui transforme une histoire personnelle en une histoire universelle, et ce sont les histoires universelles qui se propagent. Une histoire d'origine complète n'a pas besoin d'être longue. Trois à cinq phrases contenant les quatre éléments suffisent pour une biographie sur les réseaux sociaux ou une introduction à une page à propos. Pour une déclaration d'artiste plus longue ou une interview à la presse, vous pouvez développer chaque élément. Mais la structure en quatre parties reste la même. Votre étape : rédigez une ébauche de votre histoire d'origine en utilisant les quatre éléments. Encore une fois, ne modifiez pas, écrivez. L'objectif est la matière première, pas une ébauche terminée. Nous le façonnerons au cours de la phase 5 lorsque nous élaborerons votre boîte à outils complète. Dans la leçon suivante, nous verrons ce qui différencie récits visuels des récits écrits ou verbaux et comment utiliser le langage spécifique de votre support pour rendre vos récits plus vivants et plus précis. On se voit là-bas. 4. Le langage de la narration visuelle telling: Le langage de la narration visuelle. En tant que narrateurs, les artistes ont un avantage naturel que la plupart des personnes travaillant dans d'autres domaines n'ont pas Vous travaillez dans un médium qui communique directement avec les émotions sans passer par le langage au préalable, une peinture, une illustration, une impression. Ils atterrissent dans le corps avant d'atterrir dans l'esprit. Votre travail en tant qu'artiste narrateur est d'honorer cette franchise plutôt que de la combattre Dans la pratique, cela signifie que le langage que vous utilisez pour parler de votre travail doit être aussi visuel, sensoriel et immédiat que l'œuvre elle-même. Langage abstrait, mots comme explorer, voyager, connecter, inspirer, créer de la distance. Un langage sensoriel spécifique crée la présence. Comparez ces deux descriptions de la même pièce. Première version, cette pièce explore le lien entre la mémoire et la nature, invitant le spectateur à un voyage à travers l' expérience personnelle de l'artiste en matière de perte. Version deux, c'est l'arbre du jardin de mes parents, celui que j'avais l'habitude de grimper étant enfant. Je l'ai peint en hiver sans feuilles, comme je le vois toujours maintenant que le jardin n'existe plus. Même paix, même territoire émotionnel , impact complètement différent. La deuxième version vous plonge dans l'expérience. Le langage abstrait de la première version vous en empêche. Voici quatre principes linguistiques pour la narration visuelle Premier principe, nommez le spécifique, pas le général. Pas un arbre, mais le chêne spécifique au jardin de mes parents. n'est pas un chiffre, mais ma fille de 3 ans, vêtue d'un manteau jaune, a refusé de partir tout l'hiver Deuxième principe : utiliser un langage sensoriel au-delà du visuel. Température, texture, son, odeur. Ils activent la mémoire de l'auditeur et enrichissent l'expérience de l'œuvre Le bleu froid du petit matin avant que tout le monde ne soit réveillé donne au spectateur un souvenir corporel à associer à la couleur. Troisième principe, laisser le processus faire partie de l'histoire. L'acte physique de fabrication, l'odeur de la peinture, la résistance du papier, le moment où une pièce s' enclenche sont intrinsèquement intéressants et témoignent de l' investissement et de l'artisanat Forme de principe, fin sur une porte ouverte, pas sur une porte fermée. Des histoires qui indiquent au spectateur exactement ce qu'il doit ressentir pour terminer l'expérience. Les histoires qui invitent le spectateur à donner sa propre réponse, l'ouvrent. Je voulais capturer le chagrin, fermer la porte. Je n'arrêtais pas de penser à la qualité spécifique de l'absence. La façon dont une pièce conserve la forme de quelqu'un qui l'a quittée l'ouvre. Votre étape d'action, revenez à l'étincelle, lutte, au changement que vous avez écrit dans la deuxième leçon. Réécrivez chaque élément en utilisant ces quatre principes de langage Remarquez à quel point l'histoire devient plus précise et vivante. Dans la leçon 5, nous clôturons la première phase en examinant comment adapter votre histoire à votre public, car l'histoire que vous racontez un client est différente de celle que vous racontez lors d'une foire d'art, qui est différente de celle que vous publiez sur Instagram. On se voit là-bas. 5. Faites correspondre votre histoire à votre public: Faites correspondre votre histoire à votre public. La même œuvre d'art, le même artiste, la même histoire racontée trois manières différentes à trois publics différents. Ce n'est pas de l'inauthenticité. C'est de la communication. Réfléchissez à la façon dont vous décrivez un film significatif à votre meilleur ami plutôt qu'à votre patron ou à un enfant de 10 ans Le film ne change pas. Votre expérience ne change pas, mais vous ajustez instinctivement ce que vous mettez en avant, la durée pendant laquelle vous parlez et langue que vous utilisez en fonction de la personne qui écoute Raconter des histoires pour vos œuvres d'art est exactement de la même manière. Voici les trois principaux publics auxquels les artistes peuvent s'adresser pour raconter des histoires et ce dont chacun a le plus besoin Les clients et les acheteurs doivent comprendre la valeur et le résultat du travail. Ils me demandent si c'est la bonne pièce pour ce dont j'ai besoin. Cet artiste est-il la bonne personne à qui confier mon brief ? Commencez par votre histoire contextuelle, ce que fait le travail, ce qu'il communique, problèmes qu'il résout pour eux. Utilisez un langage clair et professionnel. Votre histoire personnelle est la texture de fond, pas le titre Les visiteurs de la semaine de l'art et des événements en direct ont besoin de se sentir invités. Ils naviguent souvent, sont souvent un peu débordés, ne s'attendent souvent pas à acheter. Votre travail consiste à créer un moment de véritable lien qui rendra cette œuvre et cet artiste mémorables. Commencez par votre histoire personnelle. Soyez chaleureux, précis, bref. La meilleure histoire d'un événement en direct est celle qui donne au visiteur l'impression avoir été informé de quelque chose. Les abonnés des réseaux sociaux ont besoin d'une raison pour arrêter le défilement et d'une raison pour revenir Ils ont besoin de l'histoire personnelle et l'histoire contextuelle tissées dans un format adapté à la plateforme Instagram récompense l'honnêteté émotionnelle et la spécificité visuelle. Pinterest récompense les aspirations et l'utilité. Une newsletter récompense la profondeur et l'intimité. Nous allons créer des versions spécifiques pour les trois publics au cours des trois prochaines phases. Pour l'instant, le principe à appliquer est le suivant. L'histoire ne change pas, mais l'accent change. Sachez à qui vous parlez avant de commencer à parler. Votre étape d'action. Pour l'œuvre d'art avec laquelle vous avez travaillé, écrivez une phrase pour la décrire pour chacun des trois publics. Trois phrases, trois accents différents, une œuvre d'art Remarquez comment votre langage change naturellement lorsque le public est clair. Au cours de la deuxième phase, nous passons à la narration pour les clients, le contexte dans lequel votre histoire a le plus d'impact financier direct Rendez-vous dans la leçon 6. 6. La présentation d'une phrase: Deuxième phase, narration pour les clients, présentation graphique en une phrase Lorsqu'un client potentiel vous le demande, parlez-moi de votre travail. La plupart des artistes surexpliquent ou sous-vendent. Ils se lancent dans une description technique qui ne signifie rien pour un non-artiste ou bien ils oublient que c'est difficile à expliquer et perdent complètement le moment Le pitch artistique en une phrase résout ce problème. Il s'agit d'une phrase unique, claire et convaincante qui décrit ce que vous créez, qui c'est destiné et ce que dans un langage avec lequel le client entre immédiatement en contact. La formule est la suivante : je crée un type de travail spécifique pour un type de client spécifique, un résultat ou un sentiment spécifique. Des exemples. Je réalise des illustrations botaniques pour des marques de bien-être qui donnent l'impression d'une bouffée d'air frais sur un marché bondé. Je crée des illustrations éditoriales axées sur les personnages pour les éditeurs, qui donnent idées complexes un aspect immédiatement humain. Je dessine des motifs de surface pour des marques d' articles ménagers qui apportent une touche naturelle aux objets du quotidien Remarquez ce que fait chacun d'entre eux. Il nomme spécifiquement l'œuvre. Il identifie clairement un type de client et aboutit à un résultat, à un sentiment, à un résultat, à une raison pour laquelle le travail est important pour l'entreprise du client. Cette dernière partie est celle que la plupart des artistes oublient, et c'est celle qui fait mouche. Votre discours d'une phrase n' est pas votre slogan, votre biographie ou votre discours d'ascenseur. C'est la phrase que vous lancez dans un e-mail à un client, un appel de présentation ou une conversation de réseautage. Une fois que vous l'avez, vous pouvez l'adapter à l'infini, mais vous avez d'abord besoin de la phrase principale Votre étape d'action, rédigez cinq versions de votre discours d'une phrase en utilisant la formule. Cinq itérations, pas une seule version parfaite. Ensuite, lisez-les toutes à haute voix et encerclez celle qui vous ressemble le plus Passons à la leçon suivante sur le storytelling dans les propositions et les pitchs. 7. Raconter une histoire dans les propositions et les présentations: Raconter des histoires dans les propositions et les pitchs. Une proposition n'est pas une liste de prix. C'est une histoire qui explique pourquoi cette collaboration a du sens pour vous deux. Les propositions les plus efficaces pour les clients suivent une structure narrative. Voici ce que je comprends de vos besoins. Voici pourquoi mon travail répond parfaitement à ce besoin. Voici ce que je vais créer, comment et voici ce que cela coûtera. Voilà l'histoire. Situation, réponse, plan, investissement. La section que la plupart des artistes oublient est celle de la réponse, le moment où vous associez explicitement votre approche créative aux besoins spécifiques du client. C'est là que vos compétences en narration sont le plus utiles. Voici une formule pour la section story de toute proposition. Votre marque, publication ou produit communique ce que vous avez observé à propos de leur identité visuelle ou de leurs valeurs. Mon travail, qui décrit votre style ou votre approche pertinent, apporte une qualité spécifique qui, à mon avis, s'adresse directement à leur public ou à leur objectif. Pour ce projet en particulier, je l'aborderais par une brève description de votre direction créative, qui, je crois, en résulterait pour eux. Ce paragraphe indique trois choses au client. Tu leur as prêté attention. Vous comprenez le lien entre votre travail et leurs besoins, et vous pensez déjà à leurs résultats plutôt qu'à votre processus. L'autre élément narratif qui transforme les propositions est la spécificité de votre processus. Les clients qui n'ont jamais travaillé avec un illustrateur auparavant s'inquiètent souvent de ce qui se passe entre le briefing et la livraison. Une description brève et claire de votre façon de travailler. Nous commençons par une conversation sur le mood board. J'envoie des croquis dans les cinq jours. Nous procédons à deux séries de révisions avant la livraison finale, ce qui élimine cette anxiété et renforce la confiance. Votre étape d'action, rédigez le paragraphe de l'histoire d'une proposition client réelle ou imaginaire en utilisant la formule ci-dessus. Utilisez les illustrations sur lesquelles vous avez développé votre histoire comme base si cela peut vous aider. Dans la prochaine leçon, nous verrons comment utiliser le récit pour justifier votre prix. 8. Utiliser l'histoire pour justifier votre prix: Utiliser l'histoire pour justifier votre prix. Voici une vérité que la plupart des conseils sur les prix omettent. Les clients ne se contentent pas de payer pour leur travail. Ils payent pour avoir confiance en soi, et l'histoire est l'un des moyens les plus efficaces de renforcer cette confiance. Lorsque vous pouvez définir la profondeur de votre processus, la spécificité de votre expertise et les résultats que votre travail crée, votre prix semble inévitable plutôt qu'arbitraire L'histoire justifie ce chiffre. Cela fonctionne de trois manières spécifiques. Tout d'abord, l'histoire du processus décrit l'investissement artisanal. Cette pièce a duré 12 heures, indique l'heure à un client. J'ai repeint le fond six fois pour trouver la qualité de lumière précise que je recherchais et leur indiquer les normes auxquelles vous vous astreignez L'un d'eux est un fait. L'autre est une raison de payer plus cher. Deuxièmement, l'histoire de l'expertise communique une valeur spécialisée. L'histoire de la façon dont vous avez développé votre approche particulière, les influences, la formation, les années de pratique qui ont produit cette voix visuelle spécifique donnent votre travail un aspect irremplaçable plutôt qu'interchangeable Troisièmement, l'histoire des résultats établit un lien entre le prix et la valeur pour le client. Lorsque vous racontez l'histoire d' un projet similaire et les résultats qu' il a permis à un client précédent, le design d'emballage que j'ai créé pour une petite marque T l'a aidée à augmenter ses commandes en gros de 40 % dès la première saison. Vous ne demandez plus au client de se fier à votre prix. Tu leur montres des preuves. Vous n'avez pas besoin d'une longue histoire pour tout cela. Une ou deux phrases spécifiquement choisies font l'affaire. L'essentiel est de les préparer afin que, lorsqu'un client hésite sur votre tarif, vous ayez une histoire à raconter plutôt qu'une justification Votre étape d'action consiste à rédiger une phrase d'histoire sur le processus, une phrase d'expertise et une phrase d'histoire sur les résultats que vous pourriez utiliser dans le cadre d'une conversation sur les prix. Limitez chacun à moins de 30 mots. Ensuite, nous étudions le storytelling pour les événements en direct. 9. L'introduction aux œuvres d'art en 30 secondes: Raconter des histoires pour des événements en direct, présentation de la 32e œuvre d'art Semaine de l'art, studios ouverts, foires d'art, vernissages de galeries. Il s'agit des contextes en direct dans lesquels votre narration a l'impact le plus immédiat Quelqu'un se tient devant ton travail. Ils sont curieux. Ils pourraient acheter. Qu'est-ce que tu en dis ? L'introduction de la 32e œuvre d'art comporte trois parties et s'inspire directement du cadre Spark Struggle et Shift de la deuxième leçon, compressé pour une conversation en direct Ouvrez avec l' étincelle. Une phrase sur ce qui a déclenché la pièce. Rendez-le précis et immédiat. Tout a commencé par une photo que j'ai prise de la cuisine de ma grand-mère la semaine précédant la vente de la maison. Passez à un détail sensoriel. Une observation sur la qualité visuelle ou émotionnelle de l'œuvre qui invite le visiteur à y regarder de plus près. J'étais obsédée par l'idée d'obtenir ce feu orange tel qu'il se trouve dans le coin inférieur gauche. Terminez avec le quart de travail, l'invitation. Je voulais que cela ressemble à une pièce dans laquelle vous êtes déjà allée, même si ce n'est pas le cas, puis faites une pause. Laissez-les répondre. 30 secondes. Les phrases sont une histoire complète qui crée un lien sans pression. Quelques principes de narration d'événements en direct méritent d'être soulignés. Établissez un contact visuel lorsque vous distribuez la dernière ligne, l'invitation. Cela indique que vous êtes vraiment intéressé par leur réponse, et pas seulement par leurs performances. Ne comblez pas le silence une fois que vous avez terminé. La pause est l'endroit où la connexion se fait. Et s'ils commencent à parler, écoutez, les meilleures conversations sur les ventes d'œuvres d'art sont celles où l'artiste pose plus de questions qu'il n'y répond. Pour les artistes introvertis qui trouvent cette conversation épuisante, préparez trois ou quatre versions différentes de votre 32e introduction et alternez-les fait d'avoir des options permet d'éviter le sentiment de répétition qui rend les événements en direct épuisants. Votre étape d'action, rédigez votre 32e introduction pour l'illustration de votre étude de cas Ensuite, pratiquez-le à haute voix, seul avec un ami ou enregistré sur votre téléphone jusqu'à ce que cela ressemble à une conversation plutôt qu'à une performance La leçon suivante porte sur la lecture dans la salle lors d'une semaine de l'art ou lors d'un événement en studio ouvert, car tous les visiteurs ne sont pas des acheteurs. 10. Lire la pièce à Art Week et en Open Studios: Lire dans la salle à Art Week et Open Studios. Les visiteurs d'un événement artistique ne sont pas tous des acheteurs. Tous les acheteurs n'en ont pas l'air, et l'histoire que vous racontez à un collectionneur sérieux est différente de celle que vous racontez à quelqu'un qui cherche du vin gratuit Apprendre à lire votre public en direct est l'une des compétences les plus précieuses qu'un artiste puisse développer, et cela commence par l'observation avant de commencer par parler. Voici quatre types de visiteurs que vous rencontrerez lors de n'importe quel événement artistique et comment aborder chacun d'eux. Le navigateur se déplace rapidement, jetant un coup d'œil au lieu de s'arrêter. Ne les interceptez S'ils ralentissent près de votre lieu de travail, offrez-leur une brève ouverture chaleureuse. Celui-ci est nouveau ou simplement, n'hésitez pas à demander si vous voulez en savoir plus sur quelque chose et à les laisser vous guider. Le visiteur curieux s'arrête et regarde mais ne s'engage pas. C'est votre ouverture. Votre 32e introduction, présentée chaleureusement et sans pression, est parfaite ici Regarde leur visage pendant que tu parles. Ce que vous dites qui les fait pencher est votre meilleur accroche. Le visiteur engagé pose des questions, ramasse des objets, lit votre liste de prix. Cette personne est intéressée. Répondez spécifiquement à leurs questions , puis posez-leur une réponse. Y a-t-il une pièce en particulier qui a attiré votre attention ? Cette question fait passer la conversation de la diffusion d'informations à l'établissement de liens. L'acheteur sérieux a souvent fait des recherches avant d'arriver. Ils connaissent peut-être déjà votre travail. Avec cette personne, allez plus loin. Votre histoire d'origine, votre processus, ensemble de votre œuvre. Ils n'achètent pas simplement une pièce, ils investissent dans un cabinet. Donnez-leur l'histoire qui justifie cet investissement. Le principe fondamental est de laisser le visiteur définir le rythme. Votre travail consiste à être disponible, chaleureux et sincèrement intéressé, et non à être performant ou à persuader. Les vendeurs d' événements artistiques les plus efficaces sont ceux qui font en sorte que les gens se sentent vus et non pas vendus à eux. Votre étape : rédigez une courte introduction pour chacun des quatre types de visiteurs ci-dessus adaptée à votre travail et à votre personnalité. Limitez chacune à une phrase. La leçon suivante consiste à transformer une histoire en une histoire identique sans le pitch. 11. Transformer une histoire en une vente - sans la présentation: Transformer une histoire en vente sans argumentaire. Dans chaque conversation sur un événement artistique, il y a un moment où un véritable lien s'établit, le visiteur est engagé, où il aime l'œuvre, l'histoire est arrivée, puis rien ne se passe. L'artiste ne sait pas comment passer de l'histoire à la vente et le visiteur ne sait pas comment acheter. Cette leçon vise à combler cet écart sans mettre l'une ou l'autre personne mal à l'aise Le principe clé est une vente n'est pas une transaction que vous faites à quelqu'un. C'est une décision que vous leur permettez de prendre facilement en main. C'est votre histoire qui fait le travail émotionnel. En fin de compte, votre travail consiste simplement à éliminer les frictions pratiques. Voici trois passerelles naturelles entre l'histoire et la vente. Bridge One, l'offre pratique. Si tu veux le ramener chez toi aujourd'hui, je peux te l'emballer. J'ai aussi des cartes si vous voulez y réfléchir. Aucune pression, juste une prochaine étape claire et facile. Deuxième pont, la question de la connexion. Est-ce le genre d'œuvre qui vous attire en général, ou y a-t-il quelque chose de spécifique dans cette pièce ? Cette question révèle souvent ce que la pièce représente pour eux, et cette signification est généralement la véritable raison pour laquelle ils achètent. Le troisième pont, la future invitation. Je travaille sur une nouvelle série allant dans ce sens. Je peux vous ajouter à ma liste de diffusion si vous souhaitez la voir quand elle sera prête. Même s'ils n'achètent pas aujourd'hui, vous avez entamé une relation. De nombreuses ventes importantes ont lieu lors de la deuxième ou de la troisième rencontre. Ce que vous remarquerez à propos des trois , c'est qu'aucune d'elles ne fait pression. Elles créent toutes des ouvertures. C'est l' approche narrative de la vente. Vous établissez la connexion, puis vous maintenez la porte ouverte et vous laissez l'autre personne passer. Vient ensuite la phase quatre. Dans la prochaine leçon, nous aborderons le storytelling pour les réseaux sociaux 12. : les cinq types de titres: Phase quatre, narration pour les réseaux sociaux, les cinq types de sous-titres des histoires sur les réseaux sociaux pour les artistes ne consiste pas à publier davantage Il s'agit de publier avec plus d'intention. Les cinq types de sous-titres que je vais vous présenter répondent à tous les besoins de votre public pendant un mois de contenu. Utilisés en rotation, ils permettent de diversifier votre fil d'actualité, fidéliser votre public et de stimuler votre capacité à raconter des histoires. Type de légende 1, le titre de l'histoire d'origine. Une version courte de votre histoire d'origine personnelle ou un chapitre de celle-ci, le premier souvenir, le tournant, le pourquoi. Ils fonctionnent exceptionnellement bien car ils sont rares. La plupart des artistes post-traitent et terminent leur travail. Les légendes des histoires d'origine créent de l'intimité. Publiez l'un d'entre eux une ou deux fois par mois. Légende Tapez deux, le processus s'affiche. Il ne s'agit pas d'une description accélérée, mais d'une histoire sur une décision précise prise lors de la création d'une pièce J'ai repeint ce fond six fois. Voici pourquoi le septième a fonctionné. narration technique qui communique le savoir-faire et l'engagement fonctionne sur toutes les plateformes Sous-titre de type 3, The Struggle et Lesson. Un récit honnête de quelque chose qui a mal tourné, quelque chose que vous avez évité, quelque chose que vous avez finalement affronté. Cela fait trois ans que j'ai peur de peindre des personnages. C'est la pièce où j'ai arrêté d'attendre pour me sentir prête. Ce sont eux qui génèrent le plus de commentaires et de sauvegardes car la vulnérabilité invite à la réciprocité. Sous-titre de type 4, le sens de l'article, l'histoire contextuelle Le véritable sujet de cette pièce va au-delà du sujet, l'expérience humaine universelle vers laquelle elle vise. Ce n'est pas vraiment une question de fleurs. Il s'agit de ce à quoi nous nous accrochons lorsque tout le reste change. Ce sont les légendes qui sont partagées. Sous-titre, tapez 5, l'invitation. Une question directe ou une invite qui invite le public à apporter sa propre réponse. Dans quelle pièce de votre enfance aimeriez-vous le plus pouvoir retourner ? La légende de l'invitation renforce la communauté car elle fait du public le sujet plutôt que l'œuvre d'art. Votre étape : rédigez une légende de chaque type pour l'illustration de votre étude de cas, cinq légendes, une œuvre d'art Il s'agit également de votre projet de classe. Nous allons le formaliser dans la leçon finale. 13. Raconter des histoires spécifiques à une plateforme: Storytelling spécifique à la plateforme. La même histoire racontée différemment pour chaque plateforme. Voici un guide rapide. Instagram récompense l'honnêteté émotionnelle et la spécificité visuelle. La première ligne de votre légende est votre crochet. Il doit gagner le plus de clics avant que le texte ne soit coupé. Dirigez avec votre lignée la plus humaine la plus spécifique, la lutte, la leçon et le sens. Les formats de publication fonctionnent le mieux ici. Choisissez 150 à 300 mots pour vos légendes narratives les plus fortes Vous pouvez utiliser le format adopté par d'autres artistes en publiant non seulement le texte dans la légende, mais également en l'intégrant sous forme de texte dans l'image et rendant le message complet lisible avec cinq à dix diapositives Paragraphes de l'histoire. Utilisez des sauts de ligne généreux. Les paragraphes denses font perdre des lecteurs sur mobile. Pinterest récompense les aspirations et l'utilité. Les sous-titres sont ici plus courts et plus fonctionnels. Concentrez-vous sur le résultat et l'invitation. Il a fallu 12 couches pour que la lumière de cette pièce soit parfaite. Voici ce que j'ai appris sur les patients. La langue consultable est importante sur Pinterest. Donnez un nom précis à votre sujet, à votre médium, à votre humeur. newsletter et le courrier électronique sont au cœur de vos récits les plus profonds. Vos abonnés ont opté pour un plus grand nombre d'entre vous. Donnez-leur l'histoire d'origine, le du processus à long terme, le récit honnête de la lutte. Ils doivent être envoyés par e-mail. Écrivez comme si vous écriviez à une personne en particulier qui se soucie vraiment du fait que vous l'êtes. TikTok et les rouleaux récompensent l'angle inattendu et les détails spécifiques Vidéos de traitement de voix off avec un script de narration. est pas mon processus, mais voici le moment où cette pièce a cessé fonctionner et ce que j'ai fait pour y remédier, c'est bien performer. Le format de la lutte et des leçons se traduit particulièrement bien par une courte vidéo. Un seul principe pour toutes les plateformes terminer par une ouverture et non par une fermeture. Une question, une invitation, une idée irrésolue. Les histoires qui se terminent par une porte ouverte obtiennent plus de réponses que les histoires qui relient tout. Ensuite, nous examinerons la narration pour une série ou un ensemble d'œuvres 14. Raconter une histoire pour une série ou une série d'œuvres: Raconter des histoires pour une série ou un ensemble d'œuvres. Les récits d'œuvres individuelles sont puissants, mais le récit d' artiste le plus captivant fonctionne au niveau d' une série ou d'un ensemble d'œuvres, le récit plus large reliant plusieurs pièces dans une déclaration créative cohérente La narration d'une série est importante pour quatre raisons. Cela donne aux collectionneurs et aux acheteurs une raison d'investir dans plusieurs pièces. Il donne à la presse et aux galeries un récit cohérent sur lequel écrire. Cela donne à vos réseaux sociaux une ligne directe qui incite les abonnés à revenir et vous donne, en tant qu'artiste, une idée plus claire de ce que vous faites réellement et pourquoi. Voici comment créer un récit de série en utilisant le même cadre en trois parties. La série Spark. Quelle question, obsession ou expérience plus large sous-tend cet ensemble d'œuvres ? Ce n'est pas le sujet, le plus profond est le pourquoi. fait trois ans que je travaille sur l'impermanence, c'est une série d'étincelles Je fais des illustrations botaniques, c'est une description du sujet. Les difficultés de la série, quelles tensions ou contradictions explorent-elles ? Les meilleures séries s'inscrivent dans une tension productive entre la permanence et le changement entre l'appartenance et l'exil, entre le domestique et le sauvage. Le fait de nommer la tension donne votre série une profondeur intellectuelle et émotionnelle. Le changement de série. Que souhaitez-vous que cet ensemble de travaux ait accompli une fois qu'il sera terminé ? Ce n'est pas une réponse fixe. Une aspiration. Je veux que quelque chose qui change la façon dont les gens perçoivent les espaces domestiques ordinaires soit un changement de série. récit de votre série peut être aussi court que trois phrases en utilisant cette structure. Il devient le fondement de votre déclaration d'artiste, vos demandes de subvention, de vos photos de galerie et de votre contenu le plus puissant sur les réseaux sociaux. Vient ensuite la phase cinq, laquelle nous compléterons votre boîte à outils de narration 15. Projet : Créez votre boîte à outils complète de narration: Phase 5, votre boîte à outils de narration. Créons ensemble votre boîte à outils de narration complète. Il s'agit de votre dernière leçon et leçon de votre projet de classe. À la fin de celle-ci, vous aurez une boîte à outils complète de narration qui couvre tous les contextes abordés dans ce cours Permettez-moi de vous présenter les sept composants de votre boîte à outils et de vous expliquer comment finaliser chacun J'ai également préparé un téléchargement décrivant les sept composants Vous pouvez le trouver dans les ressources du cours. Composante 1, votre histoire d'étincelle, de lutte et de changement pour les illustrations de votre étude de cas. Vous l'avez rédigé et affiné depuis la deuxième leçon. Rédigez votre version finale dès maintenant. Trois phrases, un langage spécifique, se terminant par une porte ouverte. Deuxième composante, votre pitch artistique en une phrase. Extrait de la leçon 6, la formule qui décrit ce que vous créez, qui c'est destiné et ce qu'il fait, la version qui vous ressemble le plus. Troisième composante, présentation de votre 32e événement en direct. Extrait de la leçon 9, trois phrases pour une conversation en face à face lors d'une foire d'art, d'un studio ouvert ou d'un événement de la semaine de l'art. Pratiquez-le jusqu'à ce que cela ressemble à une conversation. Quatrième composante, vos cinq sous-titres sur les réseaux sociaux. Un article de chaque type tiré de la leçon 12, histoire d'origine, révélation du processus, lutte et leçon, c'est-à-dire publication et invitation, tout écrit pour votre illustration d'étude de cas. Composante 5, l'histoire de vos origines artistiques. la troisième leçon, quatre éléments en séquence : le souvenir le plus ancien, moment décisif, ce que vous créez et pourquoi, ce que vous voulez que votre travail fasse dans le monde. Écrivez-le sous forme de paragraphe fluide plutôt que sous forme de liste. Le sixième volet, le récit de votre série ou de l'ensemble de vos œuvres. À partir de la leçon 14, trois phrases utilisant le cadre des séries Spark, Series Struggle et Series Shift pour votre œuvre principale actuelle. Septième composant, le paragraphe de votre proposition. Extrait de la leçon 7, le paragraphe qui relie votre approche créative aux besoins spécifiques du client. Rédigez une version généralisée, vous pouvez l'adapter à différents clients. Votre projet de classe consiste à télécharger ces sept composants sous forme de document unique, votre boîte à outils complète de narration Incluez une image de l'œuvre d'art vous avez utilisée comme étude de cas. Dans la description de votre projet, racontez l'histoire qui vous a semblé la plus difficile à écrire et ce qui vous a surpris dans le processus de recherche. Avant de terminer, je voudrais expliquer pourquoi la narration est importante au-delà de la pratique Votre art est porteur d' expériences, d'observations et de manières de voir qui n'existent nulle part ailleurs dans le monde. Lorsque vous ne racontez pas l'histoire qui la sous-tend, une partie de cette signification reste ancrée dans l'œuvre, visible uniquement par les personnes qui s'y connectent de manière intuitive Lorsque vous racontez une histoire, vous donnez à ce sens une façon de voyager. Tu as laissé entrer des gens. Vous faites en sorte que votre travail soit non seulement visible, mais aussi compris. Ce n'est pas du marketing. C'est de la générosité. Merci d'être là. Je suis Ricarda, et c'est un plaisir de vous guider et de vous soutenir Consultez mon profil pour d'autres cours et cliquez sur Suivre ou vous abonner pour recevoir une notification dès qu'un nouveau cours sera disponible. Je te verrai dans le prochain.