Sélection de sons dans le cours des rythmes

1. [INTRO] - Sélection de sons dans le cours des rythmes: Salut tout le monde, c'est gratuit, dans ce cours, vous allez en apprendre davantage sur la sélection des sons. La sélection du son est probablement le secret numéro un pour créer de très bons rythmes. Donc, tout d'abord, nous avons un placement où vous cliquez sur vos sons. C'est probablement la chose la plus importante à apprendre. Et au fur et à mesure que vous avancez, vous devez réfléchir à votre sélection de sons. Donc, si vous sélectionnez des tambours et que vous utilisez des lignes de base, vous devez faire attention au type de batterie que vous sélectionnez. Dans ce cours, je vais donc vous parler de la sélection des sons. Donc, certaines choses que nous allons aborder dans ce cours, nous allons examiner J'ai en fait beaucoup de choses différentes que j'aborderai avec vous. En fait, nous créons un beat à partir de zéro. Et je vous ai parlé de la façon dont j'aborde la sélection des sons. Mais je vous ai parlé placement des sons par rapport à la sélection des sons. Je vous ai parlé d'une sélection de vos instruments ainsi que de vos samples de batterie pour votre boucle de batterie. Je vous ai parlé du temps. Par exemple, la note est-elle courte ou longue ? C'est une énorme différence si vous voulez avoir un son pour vous démarquer. Je vous ai parlé de la hauteur, c' est-à-dire de tirer parti des octaves pour le son, par exemple jouant le son en bas dans les médiums, les aigus et le volume. Si un son est court ou long, s'il s'agit d'un son plus court, vous pouvez généralement le jouer beaucoup plus fort. Ensuite, je vous emmène dans une zone bonus vraiment cool où je vous ai expliqué comment jouer des sons pour plus de clarté. Nous parlons donc de placement du son. Nous parlons des types de sons et le grand mot vous m'entendrez parler tout au long de ce cours est le terme « falsification ». Tim ARE, nous avons donc notre hauteur de base d'un son. Le timbre est la fréquence la plus élevée pour la saveur. C'est très important à comprendre car certains sons sont des sommes très faibles. Certains sons sont vraiment agressifs. Je vous ai encore parlé de la longueur des octaves sonores. Je vous ai parlé de notes individuelles par rapport aux accords. C'est une énorme astuce pour le savoir. Si vous voulez inclure beaucoup de mélodies dans votre musique et qu'elles ne s' affrontent pas, ainsi que des notes sèches par rapport à des notes humides. Voici un petit exemple de b que j'ai récemment créé et je veux juste que vous regardiez l'analyseur de fréquence. Le titre s'intitule Piece for my family. Alors, jouons ici. l'heure actuelle, la batterie ne joue pas, donc aucun contenu bas de gamme n'est diffusé. Voici la base. La base arrive. Tu as un piège. Chaque fois que cette caisse claire joue, nous l'entendons également ici. Voici le refrain. Vous pouvez donc entendre que ce morceau sonne vraiment, vraiment plein, mûr. Et dans ce cours, vous allez apprendre comment j' utilise des watts d'instruments dans mes rythmes pour obtenir un son super complet. Des tonnes de mélodies différentes. J'avais un piano à la base du VLR, des plucks, du RPS. Ce sont des choses auxquelles vous devez réfléchir. D'accord ? Donc, si vous souhaitez apprendre à sélectionner des sons dans vos rythmes, je vais vous révéler de nombreux secrets que j'ai appris au fil des ans pour vous apprendre à sélectionner les sons dans vos rythmes. Qu'est-ce que cela signifie lorsque nous avons nos instruments ? Comme vous pouvez le voir, j'utilise même les touches FL. Et encore une fois, si vous utilisez FL Studio, beaucoup de gens parlent mal des touches F0. Fl Keys est incroyable. Nous avons plus haut. Vous devez donc vous assurer de tirer parti de vos octaves et de tout ça. Donc, si vous voulez apprendre à créer des rythmes de très haute qualité, c'est un excellent cours pour en savoir plus sur la sélection des sons. Encore une fois, nous avons un placement sonore où nous cliquons sur nos sons. sélection des sons consiste à sélectionner le type d'instrument au bon moment, en veillant à tirer parti des octaves, la longueur de la note, de tous ces éléments j'ai listés au début de cette vidéo. Donc, si vous voulez apprendre à comprendre la sélection des sons dans vos rythmes, inscrivez-vous et regardez le cours et j'espère que vous apprécierez vraiment celui-ci. 2. Regardez cette vidéo d'abord !: Bien, avant de commencer le cours, je voulais faire une vidéo ici, juste pour vous préparer à ce qui va suivre dans le cours. Parce que lorsque nous parlons de sélection sonore, il y a en fait tellement d'informations qu'il était assez difficile assimiler en de simples vidéos pour lesquelles vous connaissez généralement mes cours. Alors prépare-toi à ça. Mais je veux vous préparer rapidement à une certaine terminologie dès maintenant. La première chose que je veux dire, c'est que lorsque nous sélectionnons des sons, nous devons penser au temps. Par exemple, les notes qui étaient jouées ou qui rejouaient de longues notes. Les notes plus longues occuperont plus de place dans le spectre des fréquences. Jouons-nous des notes courtes ? Cela va prendre moins de place dans le mix car ce n'est pas aussi long. Maintenant, en plus du court métrage le plus long, nous avons également des sons lents. Un son lent ressemble à un pad, attaque longue. Par exemple, si notre attaque se fait lentement avec un poing, signifie que dans cette zone, nous avons de nombreuses opportunités de placer nos sons, d'accord ? Et puis il y a aussi des sons rapides , des sons qui jouent instantanément. La plupart des sons sont instantanés. Certaines choses dont je parle spécifiquement sont des choses comme les cueillettes. Ainsi, lorsque nous parlons de temps, nous avons des notes longues, des notes courtes. Nous avons également des sons lents et des sons rapides. D'accord, nous avons aussi un terrain. Lorsque nous parlons de hauteur, je vous parle simplement d'octaves. Et pendant le cours, je fais notre dessin exactement comme ça pour vous. Je veux juste le faire rapidement pour toi. D'accord ? Nous parlons d' octaves et de tonalité. Donc, si c'est notre spectre de fréquences, nous avons 20 Hz ici, puis 20 000 Hz. Encore une fois, tout cela est basé sur nos oreilles humaines. Lorsque nous produisons nos sons, nous sommes limités à toute cette zone. Donc, lorsque vous sélectionnez des sons, vous allez peut-être en émettre un ici. Peut-être que tu vas jouer de la guitare ici. Peut-être que ta casquette sera à la hauteur. Nous tirons donc parti du spectre de fréquences. Le dernier point dont je veux parler rapidement est le volume. D'accord ? Donc, vous remarquerez que tout cela va de pair, d'accord ? Donc, par exemple, vous jouez des accords et ils sont longs, puis les volumes sont très forts Cela va prendre tellement de place dans votre mix qu'il sera difficile de faire correspondre d'autres éléments. Si quelque chose est très court et que le temps presse, vous pouvez généralement le mixer plus fort, car il ne se battra pas autant. Maintenant, une autre chose dont nous parlons dans ce cours est le placement des sons. Le placement est l'endroit où nous cliquons réellement sur nos sons. La sélection des sons permet de s' assurer que nous sélectionnons le bon type de son au bon moment dans notre rythme. Notre cours ici est entièrement consacré à la sélection des sons, d'accord ? Alors, par exemple, allez-vous choisir un goudron, allez-vous choisir un piano à ce moment-là ? Et puis nous nous demandons : est-ce que vous minimisez les basses fréquences et les aigus ? Encore une fois, une courte vidéo avant de commencer le cours, car vous verrez au début que je couvre beaucoup de choses avec vous. Les vidéos sont un peu plus longues que celles auxquelles vous êtes habitué de ma part. Et je viens de découvrir que je devais continuer sur cette lancée pour vous apprendre à sélectionner des sons grâce à de nombreux secrets que j'ai appris au fil des ans. Et tout dépend de ce temps, de cette hauteur et de ce volume. Et au fur et à mesure que vous devenez un meilleur producteur, vous pensez au placement du son. Et lorsque vous vous améliorez encore en tant que producteur, vous pensez à la fois au placement et à la sélection du son. OK, passons au cours. J'espère que vous apprécierez. Et encore une fois, n'hésitez pas à contacter si vous avez des questions. 3. 1 - Qu'est-ce que la sélection de sons sages: Bref, qu' est-ce que la sélection sonore ? C'est lorsque nous sélectionnons nos instruments, exemple, voulez-vous utiliser un piano, une base, un VLR ? Mais lorsque nous sélectionnons nos sons pour être un bon producteur, il faut également penser en termes d'octaves. Je vais donc simplement vous présenter l' analyseur de fréquence dans ce cours, j'utiliserai Pro Q3 pour ce faire. Vous pouvez également suivre l'égalisation paramétrique fruitée pour. La première chose que je souhaite aborder dans ce cours est un analyseur de fréquence, qui nous permet de visualiser le spectre des fréquences. Donc, si je joue juste du piano, cela nous permet de voir les fréquences. Maintenant, dans le domaine de la musique, cet analyseur est entièrement basé sur nos oreilles. Vous pouvez donc voir ici que nos basses fréquences sont les moyennes et les hautes. Tout ce qui est inférieur à 20 Hz. En général, nous avons l'impression de ne plus être tellement ici. Et puis 20 000 Hz, c'est la fréquence la plus élevée que l' oreille humaine puisse entendre. Et à mesure que vous vieillissez, votre haut de gamme diminue, de sorte que vous n' entendez pas le haut de gamme aussi bien que vous vieillissez. Ils disent que lorsque nous créons nos rythmes et sélectionnons les sons, nos instruments sont tous limités dans ce spectre de fréquences. C'est donc là que la sélection des sons peut s'avérer délicate, car si je joue d'un instrument ici, vous pouvez constater qu'il a l'air assez plein et oui, c'est le cas, mais lorsque vous devenez un meilleur producteur, vous commencez à apprendre les astuces pour faire ressortir les choses. Donc, la première chose dont je veux parler est votre point fondamental. C'est ce que nous appelons le fondamental. Les fréquences en haut ou à gauche. Les harmoniques sont des harmoniques. En d'autres termes, cela donne un son différent, passe à un son différent. OK, il y a ces fréquences fondamentales en haut. Mais quand je fais un rythme, je ne regarde pas l'analyseur de fréquence en disant : « Oh, eh bien, peut-être que je devrais mettre des instruments ici ou peut-être que je devrais en mettre autres ici qui ne me tiennent pas à l'oreille ». Donc, pendant que je crée le rythme et que j' écoute le beat back. Je ne regarde pas l'analyseur. Je serais en train de créer le rythme et je me dis : Oui, sais-tu ce dont j'ai besoin pour jouer quelque chose de haut Et puis, quand il s'agit de mixer et de maîtriser le rythme, vous pouvez regarder l' analyseur pour voir tous les repas, peut-être que quelque chose ne va pas ou quelque chose comme ça. Mais jouons le rythme ici. Lors de l'intro. Vous allez voir que c'est le cas, nous n'avons aucune information bas de gamme car c'est la batterie et ensuite c'est la base. Voici le coup de pied. Et le piège est par ici. Nous avons également des hautes fréquences dans ce piège. Ainsi, chaque fois que ce piège joue, vous pouvez voir qu'il se remplit de plus en plus. Il y a un piège. Donc, en ce moment, nous sommes dans le chœur. L'analyseur semble donc très complet. Et c'est parce que c'est dans le refrain. Une fois que vous aurez atteint le couplet juste ici, vous verrez qu'il est plus équilibré parce que c'est plus calme. Regarde comment ça a un peu baissé. Nous avons plus de rebond maintenant. Alors, ce que je veux faire rapidement ici pour vous, si vous n'en avez jamais entendu parler auparavant. Le Pro Q3 nous permet donc de travailler en solo sur différents domaines. Je vais donc vous laisser écouter les basses, les médiums et les aigus. La batterie et la basse. Voici les mythes. Et voici notre haut de gamme. Et encore une fois, je peux l'agrandir ou le resserrer. Donc, juste un bref récapitulatif avant passer à ce cours, car encore une fois, il y a beaucoup d'informations, une grande partie de la terminologie que vous devez simplement comprendre. Donc, quand je crée mes betteraves, je sélectionne mes sons. Je pense en termes d'octaves. Donc, par exemple, vous pouvez voir ici, vous pouvez voir C2 ici, c3 est ici, s4 est ici. Donc ça monte d'une octave et ça ne fait que doubler la fréquence. Et si nous baissons, la fréquence diminue de moitié. Ok, la musique c'est juste des maths. Ainsi, lorsque nous jouons nos mélodies, vous devez vous assurer de choisir une touche et une gamme. Et si vous ne le savez pas, vous pouvez consulter mon cours de piano pour les producteurs qui vous pouvez consulter mon cours de piano pour les producteurs vous apprendra comment choisir un passionné de gamme et ce que tout cela implique. Mais en bref, lorsque vous choisissez une touche et des gammes telles que ré majeur ou ré mineur, vous n'avez que sept notes. Et si vous voulez jouer des cordes, ces sept notes doivent se trouver ces courts, car la musique n'est que des mathématiques. Par exemple, si je joue de ce piano ici et que je joue comme ça, tout dépend du ton. Ça a l'air bien, ça n'a pas l'air bizarre. Maintenant, je vais faire la même chose et jouer l' une des notes qui ne se trouvent pas dans cette tonalité et cette gamme. Alors écoutez ici. Cette note n'est pas dans la même tonalité et la même gamme ou vous pouvez simplement l' entendre une fois de plus. C'est dans le pitch. Et maintenant, je jouerai quand le patch automatique ne sera pas dans la tonalité et la gamme. Regarde si je joue un accord, alors c'est n. Laissons un son musical. Je vais faire exprès de jouer une note qui n'est pas dans la tonalité maintenant. Alors regardez comme si cette note n'était pas entre leurs mains. Donc, ce que j'essaie de dire, c'est que lorsque je sélectionne mes sons, je pense en termes d'octaves. Donc, si je joue un son ici, peut-être que je veux en faire un ici maintenant. Mais je ne regarde pas l'analyseur de fréquence. Je partage simplement cela avec vous à des fins éducatives. Quand je crée le B, je me dis au fond de mon esprit : Oh, oui. Tu veux que je fasse entendre un son ici ? Je devrais peut-être émettre un son là-bas. Encore une fois, si je joue un accord, combien de temps est-ce que je joue un non ? Si je joue une note courte, elle ressort généralement beaucoup plus rapidement car elle ne prend pas beaucoup de place dans la musique. Et je vais aborder toutes ces questions avec toi. La dernière chose dont je voudrais parler rapidement , c'est que vous pouvez parfois voir ces tableaux de fréquences des instruments. Ce genre de choses pourrait être intéressant pour les mixeurs classiques, les personnes qui mixent de la musique classique. Mais en tant que beatmakers , nous nous efforçons de nous assurer que tous nos instruments ne se battent pas les uns contre les autres. Et nous le faisons en minimisant les graves dans les médiums et les aigus, en réfléchissant également à la longueur de la note. Une note plus longue occupera plus de place dans le mix qu'une note courte. Et nous avons également notre volume. D'accord ? Très bien, c'est tout pour cette vidéo. Il y a beaucoup à apprendre. Encore une fois, juste pour récapituler, est-ce fondamental ? Ensuite, nous avons nos fréquences en haut, ce que nous appelons le tamper, qui produisent un son différent. Ainsi, lorsque nous sélectionnons nos différents sons, différents sons peuvent être plus ou moins agressifs. Et avant de terminer, je vais partager cela rapidement avec vous ici. C'est un oscillateur à trois fois, et ce n'est qu'une onde sinusoïdale. Une onde sinusoïdale n'est en fait qu'une seule fréquence. Quand je jouerai la note ici, vous verrez d' autres notes. Et c'est juste à cause de la façon dont ces capteurs ont codé. Ne vous inquiétez donc pas pour ces petits, mais vous pouvez voir qu'il s'agit d'une fréquence unique. Dès que je clique sur une autre forme d'onde, vous verrez d'autres fréquences s'ajouter. Juste là. Et voilà. Ainsi, différentes formes d'ondes donnent un tamponnage différent. Donc, si nous y revenons, une onde sinusoïdale, une onde sinusoïdale, et nous allons opter pour quelque chose de plus agressif. Regardez donc toutes ces fréquences en haut. Alors que nous sélectionnons nos différents sons, nous pensons que Tamar est quelque chose de vraiment agressif, de très brillant. Parce que parfois, il faut quelque chose de vraiment agressif pour réussir. Parfois, vous voulez juste un son doux, quelque chose qui remplira le corps du morceau. Et ce sont toutes des choses que nous aborderons dans ce cours. OK, alors allons-y. Nous allons parler du placement du son pour la sélection du son dans la vidéo suivante. 4. 2 - Placement du son vs sélection du son: Très bien, donc dans cette vidéo, je veux vous parler placement du son, de la sélection du son des vers. Je ne vais pas vous enseigner le placement des sons dans ce cours. Ce cours est entièrement consacré à la sélection des sons. Mais en bref, le placement du son est l'endroit où nous insérons nos sons dans notre boucle de batterie, ainsi que nos mélodies. Tout est une question de timing et de rythme, où nous pouvons placer leurs sons. Et quand tu débutes en tant que producteur, tu vas passer presque tout ton temps entraîner à placer le son. Où pouvez-vous cliquer sur vos échantillons de batterie ? Et au fur et à mesure que vous vous améliorez en tant que producteur, lorsque vous positionnez des sons, vous commencez à penser à la sélection des sons en même temps. Le placement et la sélection des sons sont donc très différents, mais ils sont très étroitement liés. Et cela se produit surtout lorsque nous commençons à nous concentrer, disons, sur un rythme réel. Le bas de gamme pour les batteries. Dans cette vidéo, je veux me concentrer rapidement sur les batteries et les différents styles de batterie. Parce que lorsque nous parlons de sélection sonore, concentrons souvent sur nos instruments, n'est-ce pas ? Mais lorsqu'il s'agit de notre batterie, les samples sont des batteries différentes. Ce qui peut se passer, c'est que nous pouvons obtenir annulation de phase si nous ne faisons pas attention. Alors laissez-moi vous expliquer cela. Disons que nous avons une batterie ici et que je vais passer à l'éditeur audio. Donc, ce qui se passe avec le son, c' est que ce ne sont que des formes d'onde. forme d'onde la plus élémentaire que nous connaissons est donc une onde sinusoïdale, car il ne s'agit que d'une seule fréquence. Donc, ce qui se passe, c'est que si nous avons une batterie qui joue avec une autre batterie et qu'elle est un tout petit peu décalée. Et encore une fois, ils jouent sur des fréquences similaires, vous pouvez obtenir une annulation. Disons qu'une batterie est à 5 dB et qu'une autre batterie est à 2 dB. S'il y a une annulation de 100 %, vous vous retrouverez avec 3 dB. Et au moment de l'annulation, vous pourriez littéralement faire la différence entre une batterie percutante et littéralement aucune batterie lorsque cette annulation se produit. Mais parlons maintenant d'un sujet plus général. Disons que nous avons notre rythme. Le rythme comporte une batterie et une ligne de base. Vous devez faire très attention au type de batterie que vous utilisez avec cette ligne de base. Si le tambour a une queue vraiment très longue, il va potentiellement s' annuler de phase avec cette ligne de base. Il faut donc penser à la sélection sonore dans ce sens. Et c'est une méthode vraiment basique. Si vous avez une base de référence, vous ne voudrez probablement pas utiliser un huit. Si vous utilisez un huit à l'extérieur, vous ne voudrez probablement pas utiliser de base de référence. Examinons donc les différents types de kickdrums. J'utilise le kit Urban Heat Drum. Et dans le dossier Kicks, ils les organisent comme ça pour nous, qui est vraiment génial. Ils ont différents coups de pied. Elles sont vraiment grandes. Des coups de pied. Ça a l'air bien. Oui, il possède ce bas de gamme, mais il possède également de nombreuses hautes fréquences, beaucoup de contenu moyen et élevé, ce qui le donne impression d'être plus grand que ce qu'il est réellement. OK, passons à un coup de pied à queue courte. Un coup de pied à queue courte est si puissant parce qu'il coupe le mix et que la queue est raccourcie. Je vous disais donc que lorsqu' un son est une queue raccourcie, cela n'obstrue pas vraiment autant d'espace. Et vous pouvez généralement jouer plus fort. Ça va couper les micros. Voici un petit coup de pied arrière. Nous avons huit attentes. Un style de poids bêta un peu différent. C'est une sorte d' aide classique. Oh, attends ici. Maintenant dans huit heures, oh attends. C'est comme si un hybride comme une batterie et une ligne de base intégrées. En d'autres termes, vous avez une batterie et une ligne de base dans un seul son. Parfois, une 808, je pense que c'est 50 ici, peut être comme une queue. D'accord ? Très bien, regardons d'abord cette batterie. C'est un peu comme si c'était l'une de ces différentes que cette batterie urbaine avait organisée. Mais pour moi, c'est un peu comme un gros tambour. Nous avons maintenant un coup de pied à queue courte, mais ses fréquences sont un peu plus basses. passez à l'autre coup de pied à queue courte, vous allez voir que sa fréquence est beaucoup plus élevée. Encore une fois, je ne regarde pas l'analyseur de fréquence lorsque je fais mes battements. Quand je fais mes rythmes et que je sélectionne des sons, tout se fait à l'oreille. Si la batterie a une queue énorme, comme un huit , je dirais : « Hé, ce morceau n'a probablement pas de base de référence maintenant, je l'ai déjà décidé à l'avenir. Ce type de tambour est donc vraiment bon pour la superposition. En général, faites probablement un peu attention à la fréquence à laquelle je l'utilise. Cela peut sembler un peu répétitif. Mais il a cette queue et c'est vraiment génial à superposer. Nous avons ce coup de pied à queue courte qui passe bien dans les micros. Quelque chose comme ça. Vous n'auriez probablement jamais de problème avec une base, car elle est si courte et si longue, qu'elle émet plus de hautes fréquences, qu'elle frapperait très fort. Voici quelques exemples de batteries auxquelles vous devez faire très attention avec une base de référence. Cela se battrait simplement avec cette ligne de base et vous obtiendrez un étrange son oscillant. Et c'est là que ressemble l' annulation de phase. Je vais, je vais partager ça avec vous dans un instant. Et voici un autre exemple. Surtout si cette queue, lorsque nous avons une batterie, possède ce que nous appelons le transitoire initial. C'est très rapide. C'est un peu tranchant. Mais alors le kick drum peut avoir une queue comme celle-ci. Encore une fois, ça va être très dur à entendre. Mais cette queue après l'initiale, c'est quel combattant cette ligne de base où vous avez cet affrontement. Voici juste un exemple de petite boucle de batterie que j'ai créée juste pour vous donner un exemple. Cela nous donne donc des tonnes d'options si nous voulons ajouter un AoA. Donc, par exemple, disons que j'ajoute ce huit, oh attends, je vais juste me couper tout seul. C'était monter en puissance. Alors tu les regardes, je clique sur Play. Cela ne va pas trop se battre avec le rythme. Et si c'est le cas, vous pouvez faire des choses comme la compression de la chaîne latérale. Si vous ne le savez pas, je peux faire une vidéo séparée plus tard à ce sujet. Nous pouvons donc effectuer une compression de chaîne latérale pour l'ensemble du spectre de fréquences. C'est parfois ce que font les gens. Ils explosent, comme ça. Parfois, certains de ces plugins plus sympas vous permettent de faire comme dans une certaine zone. Donc, par exemple, qu'est-ce qui entre en conflit avec le bas de gamme. Vous pourriez donc simplement réduire le bas de gamme. Vous pouvez également modifier votre forme et des choses comme ça. Mais ce genre de choses résout un problème que vous auriez parfois pu éviter avec la sélection de sons y, si cela avait du sens. Par exemple, si je n' utilisais que des sons comme ça, vous n' allez probablement jamais vous battre avec ce son. OK, c'est un 808 cool, qui frappe fort. Et je vais appuyer sur Enregistrer, passer en mode scie et appuyer sur Play. Donc 34. Vous remarquerez donc que je suis passé à plus de 2 bars, 1 bar, vos rythmes vont sembler vraiment répétitifs. Quelque chose comme ça vous donne un peu plus de flexibilité. D'accord ? Je vais juste le quantifier et appuyer sur Play. Donc, ici, lorsque cette note joue, cela peut poser un problème potentiel et c'est là que le mixage entre en jeu. Encore une fois, vous pouvez effectuer cette compression de la chaîne latérale. Vous pouvez simplement le configurer là où il aime l'ensemble du spectre de fréquences. Vous pouvez le faire là où vous le faites comme dans les basses fréquences. Cette partie pourrait donc être un endroit potentiel juste là. C'est ce que je suis en train de parler. C'est peut-être le problème de votre mix. Revenons donc à un rythme. Encore une fois, nous venons de commencer à créer le rythme. Nous pouvons commencer à en ajouter ici. Pas de problème, car il n'y a rien à reprocher à nous. Alors allons-y. C'est donc comme un art à mon avis. Vous pouvez commencer par un ARP. Vous pouvez faire ce que vous voulez en tant que producteur, j' aimerais généralement faire à l'AARP plus tard, car je trouve que l'AARP ajoute beaucoup de plénitude d'une manière rapide et rapide. Parce que, encore une fois, ça sonne très vite, non ? Des notes rapides, c'est fort , ça l'est, et c'est courageux. Pour l'instant, nous nous concentrons davantage sur la création d'une mélodie. Une fois que nous avons créé cette mélodie, nous commençons à nous demander : OK, maintenant le son suivant arrive. Je devrais commencer à réfléchir à sélection judicieuse des sons au fur et à mesure que je crée la mélodie. C'est un peu comme si nous commencions à parler d'une chose, ou devons-nous parler du spectre des fréquences ? Nous devons parler d'annulation de phase. Oh, eh bien, nous devons en parler pendant que vous avez des coups de pied à longue queue et des coups de pied à queue courte, et c'est juste du côté de la boucle de batterie. Ensuite, nous en venons à nos instruments et je vous disais que vous avez vos fondamentaux. Même si cela ressemble à un ARP, vous pouvez voir que c' est fondamental. Voici toutes les harmoniques en haut, c'est quoi ? Tamar ne pense rien de plus que ça. Faites en sorte que ce soit très simple. En ce qui me concerne, je n'aime pas devenir ringard avec le son. Mais parfois, il faut lire pour comprendre quelque chose et c'est vraiment ringard. Mais ensuite tu te rends compte que tu es du genre, oh, c'est bien trop intense pour ce dont un beatmaker a besoin. Maintenant, vous savez, voici votre point fondamental, à savoir la hauteur du son. Ainsi, lorsque nous écoutons notre musique, nous choisissons une touche de cette gamme, nous recevons sept notes. La musique n'est que des mathématiques, ce qui signifie que ces notes sont espacées de telle sorte qu'elles sonnent agréablement sur le plan musical. Encore une fois, nous avons le placement du son. Où placons-nous nos sons ? Le placement du son est très important pour sélectionner le son, car s'il y beaucoup de monde ou des choses comme ça et que vous faites bon placement du son, vous pouvez gagner de la place. Cela permet le silence, la plénitude. Cela permet à d'autres sons d' entrer à des moments différents car si nous avons cette 808 ou même cette batterie, regardez l'espace qu' il y a dans cette zone , nous avons laissé autant d'espace et d'espacement ici. Cela ne veut pas dire que nous ne pouvons pas jouer en même temps que d'autres jeux, mais c'est comme si nous regardions l'espace dont nous disposons. Et puis disons que nous avions un chapeau haut de gamme. Je vais venir ici avec un chapeau haut de gamme, par exemple, certainement des gens comme ça. Donc, si nous avons une casquette haute, disons que nous jouons à chaque temps ou à chaque étape, et je vais juste appuyer sur Play ici. Alors, à votre avis, où cela se situe dans le spectre des fréquences, n'est-ce pas ? Si tu fais des beats pendant un certain temps, tu sais, c'est dans le haut de gamme. Chapeau haut, il vit juste ici. Donc, même s'il joue avec les autres sons, il ne se battra jamais avec la batterie. Alors, ramenons-le. Voilà à quoi ça ressemble. Un soutien fort selon lequel il ne se battra jamais avec le rythme. C'est un chapeau haut, sa fréquence est très élevée et vous pouvez voir qu'il vit littéralement ici en tant que chapeau haut de gamme, n'est-ce pas ? L'ensemble du processus est assez simple, mais très complexe. Une fois que vous aurez commencé à sélectionner les sons de votre boucle de batterie, si vous utilisez une batterie à longue queue, vous devez vous assurer de faire très attention lorsque vous jouez cette ligne de base. Et si ça se joue en même temps, tu vas devoir faire un mixage plus complexe. Alors préparez-vous à cela. Ce n'est pas ça, c'est nul. Et si vous êtes doué pour le mixage, cela pourrait faire partie du mix. Si vous êtes un beatmaker capable de tout faire. Et ce que je veux dire par là, c'est que tu fais le b, tu peux faire le mixage, tu fais le mastering. Vous apprendrez comment les choses peuvent fonctionner plus tard. Disons que je suis en train de battre, et disons que ce huit matchs à l'extérieur me cause des problèmes en ce moment. Je peux me dire que c'est normal. Je sais que ça marchera plus tard parce que j'ai déjà eu affaire à ce problème. Je sais que ça va marcher et ça ne viendra qu'avec le temps. Mais encore une fois, quelque chose comme un chapeau haut de gamme, à haute fréquence. ne vous battrez jamais avec votre batterie et votre caisse claire, n' est-ce pas ? Regardons le piège. C'est où ? Où habite le piège ? Ici ? Encore une fois, j'ai pensé que le son était fondamental. Et puis il y a beaucoup de hautes fréquences dessus. Viens ici, vers l'autre piège. Commorbide un applaudissement. Nous avons comme piège. C'est peut-être ça. Encore une fois, sur un piège, c'est en fait une bonne astuce. Je vais te le transmettre . Parfois, ce piège éclate vraiment. Nous allons donc essayer ici. Nous allons essayer ici. C'est un peu fondamental, alors regardez-le sans, avec. J' ai reculé un peu. Mais parfois, c'est ce que l' on peut faire avec un piège pour récupérer ce corps, et c'est rapide et rapide. Très bien, vous y voilà, les gars. Ainsi, le placement des sons, la sélection des sons, le placement des sons sont l'endroit où nous plaçons nos sons. Cela va vous prendre toute votre vie en tant que producteur. J' apprends toujours à placer les sons. Au fur et à mesure que vous commencez à progresser tant que producteur avec votre placement sonore, vous pensez à la sélection des sons. Lorsque nous sélectionnons nos instruments, je pense à plusieurs choses différentes. Est-ce un son long, très long comme celui-ci, ou est-ce un son rapide ? S'il s'agit d'un son rapide, je peux l'utiliser de différentes manières. Par exemple, si cet extrait se trouve ici, je pourrais probablement continuer à utiliser le même son car il est joué très rapidement. En d'autres termes, je pourrais les jouer dans la même zone de fréquence. Une fois joué longtemps, qu'est-ce qui se joue rapidement ? Cela commence donc par le placement du son, qui correspond essentiellement à vos mélodies ou au rythme de votre boucle de batterie. Ensuite, il s'agit de réfléchir au spectre de fréquences. Où puis-je placer mes sons ? Ce n'est pas grave si certains sons se produisent dans la même zone, car vous pouvez penser à les jouer plus longtemps ou plus brièvement. Et ce ne sont là que de petites astuces pour savoir comment adapter vos sons à différents domaines. Très bien, alors terminons cette vidéo. Allons de l'avant. Je voudrais vous parler plus en détail ces différentes choses dans des vidéos plus simples, d'accord ? 5. 3 - Les fréquences d'instrument peuvent-elles se chevaucher: Encore une fois, nous avons des bas et des hauts. Plus de mélangeurs complexes ou faites-le simplement comme ça. Ils aiment les basses, les moyennes, les basses, les hautes, les médiums, les médiums et les médiums. Et je suppose que tu peux faire des choses comme les basses, les aigus et des trucs comme ça. Et c'est vraiment agréable de le savoir au fur et à mesure que vous commencez à avancer. Il existe même des outils d'entraînement auditif pour comprendre les fréquences. Et encore une fois, il y a même des tableaux de mixage indiquant comment vous devriez mixer différents instruments. Et peut-être pas la façon dont vous devriez les mixer, mais l'endroit où ils vivent en termes de fréquence. Mais encore une fois, en tant que beatmaker, je ne m'intéresse pas vraiment à ce genre de choses. Je m'intéresse surtout aux mélodies accrocheuses. Pourquoi sélectionner les sons, s' assurer que tout sort du lot. Cela signifie-t-il qu'il n'y a pas de choses négatives telles que l'annulation de phase ? En d'autres termes, si j'utilise de mauvais sons les uns avec les autres, et ce que j'entends par mauvais sons, comme si j'utilisais un son qui se bat contre un autre son. C'est ce que je veux dire par bad sound. S'il y a deux bons sons et qu'ils se battent l' un contre l'autre, alors ce n'est pas un bon choix pour moi. Encore une fois, oui, nous avons des basses fréquences, des hautes fréquences. Si je clique simplement sur Play here, c'est le rythme. Nous ne jouons pas de batterie pour le moment. Ce morceau possède une batterie et une base. Nous avons un piège, qui se trouve juste ici. Alors allons-y un peu. Voici donc le piège. Voici le chapeau haut. De toute évidence, c'est quelque part là-haut. C'est bien trop élevé. Encore une fois, C, 12 000 Hz. Tu entends ça ? Je le peux. Je ne l'entends pas vraiment. Et ce sont de très bons écouteurs qu'ils portent. Alors voilà. Décomposons-le un peu. OK, je pense que ça va t' aider. Donc, dans le cas de ce rythme, vous pouvez entendre que beaucoup de notes sont en fait très, très rapides. C'est donc au son du piano. Et regardons le spectre de fréquences pour voir où ça joue. Ouvrons donc le piano. C'est donc autour de C3. Mais ensuite je joue le bas de gamme. Et le haut de gamme constitue ici la base de référence. D'accord ? Examinons donc la base de référence en elle-même. Regardez donc les hautes fréquences qu'il a. Et cela se répercute vraiment dans le mix. Si je devais filtrer ça. En fonction de la piste sur laquelle vous travaillez, vous souhaitez parfois que votre ligne de base soit la suivante. Car encore une fois, lorsqu'il s'agit de sélection sonore, nous parlons de mixage. Deux d'entre eux se demandaient si nous voulions créer des fréquences pour l'espace, pour d'autres sons. Parce que disons que nous avons aimé le son, mais peut-être que dans une certaine partie de ce son, disons ici, c'est peut-être agressif, donc nous le retirons un peu. Peut-être juste ici, peut-être devons-nous en parler pour que ce soit plus clair. Nous choisissons donc un son parce que nous l'aimons généralement. Ensuite, en mixant, nous pouvons l'améliorer. Les exemples que je vous montre ici sont très drastiques, voici la base de référence. D'accord. Sans l'égaliseur, le cas de ce bip, cette haute fréquence lui a permis de se démarquer. Passons à la cellule suivante. Voici donc le son clé. Il y a beaucoup d'énergie là-dedans, non ? Mais si je joue tout ensemble, vous pouvez entendre qu'il n'y a pas vraiment d'affrontement. Ça a l'air automnal et magnifique. La raison pour laquelle je veux partager cela avec vous, c'est parce que j'ai vu des gens dire que si vous jouez de certains instruments dans une certaine zone de fréquence, vous ne devriez pas y jouer d' instruments. C'est l'exemple parfait de ce genre, quoi tu parles ? C'est comme si c'était émouvant. Et il ne s'agit que de trois instruments. Nous avons un alto, je vais le jouer tout seul. Donc, ce que je veux que vous sachiez, c'est que ce type de son est comme un son pulck. Ce qu'est un son de pulsation est très, très rapide, d'accord, c'est en fait un son de pulsation. C'est très rapide. Ainsi, lorsque nous sélectionnons nos sons, nous avons un son long, ce que nous appelons un son soutenu. Ensuite, je vais partager une astuce sympa avec vous. J'ai donc un fils avec ça. Vous pouvez voir que si j' augmente l'attaque, c'est ce que cela fait. Écoutez la lenteur avec laquelle un arrive. Ce qui se passe, c'est que si je joue ce morceau, il y a tellement de place pour tous ces sons rapides puissent être écoutés dans le mix, et de nombreuses fois lorsqu'ils sont joués. Disons qu'un son rapide retentit ici. Disons qu'il a une réverbération et un délai activés. La réverbération et le délai vont en quelque sorte se chevaucher. Et puis ce qui va se passer, c' est que ce son va arriver. Donc, lorsque nous créons nos rythmes, nous pensons que ce type de sélection sonore est un son très rapide. Le son est-il lent, comme un pad, par exemple ? J'ai quelques pads ici. Hein ? C'est donc lent. Si nous nous en tenons à la morale, j' essaierai de trouver un son plus vif. Alors allons-y comme celui-ci. Comme un son de pulsation. Quelque chose comme ça va passer avec ce bloc-notes. Comme si vous n'auriez jamais de mal à le faire ressortir. Parce que c'est exactement la façon dont le son est conçu et qui figurera dans nos prochaines vidéos. OK, allons-y. Encore une fois. C'est un son courageux, qui traverse le mix. Pas de problème. Encore une fois, rajoutons tous ces instruments et c'est un peu comme du staccato, donc un son de pincement. Une autre chose à mentionner est un arpège. Donc, un arpège, comment ça marche, c'est de passer au sérum. Vous pouvez utiliser l'arpégiateur intégré de FL Studio avec n'importe lequel de ces outils, vous pouvez utiliser l'arpégiateur. Un arpégiateur est donc idéal pour obtenir la plénitude sans trop encombrer les micros de nombreuses fois. Alors écoute. Nous partageons ces sons et ils sont très rapides, mais vous pourrez toujours entendre tous ces autres sons. Donc, dans ce morceau, cet ARP est celui-ci, et ça sonne comme ça. L'alto. Ce genre d'instruments se bat un peu ici parce qu'ils sonnent tous assez vite. Mais encore une fois, il s'agit d'un placement sonore dans lequel ces sons sont joués et lorsqu'ils sont joués à des moments différents, ils se tiennent debout tout seuls. Mais quand ils jouent ensemble, il y a une sorte de bagarre juste, tu sais, juste après avoir entendu que ça pourrait être mauvais mixage de mon côté ou un viol. Et encore une fois, un autre son rapide. Eh bien, je peux tout entendre très clairement, comme d'habitude. Et encore une fois, voici le spectre de fréquences. Juste pour te donner une perspective. Encore une fois, il n'y a pas vraiment de bas de gamme en ce moment. Désactivez-le pour pouvoir sélectionner les fréquences. Apportez une bassine. Voilà ce que cela ajoute. Il a l'air vraiment plein, mais ce n'est vraiment pas cet automne-là parce que la ligne de base ne joue pas comme ça. Par exemple, je ne tire pas comme une ligne de base où c'est juste comme ça. Et si je le jouais comme ça ? Et c'est un peu comme une base unique. En fait, la raison pour laquelle j'ai joué la basse avec ces notes rapides, c'est parce que la façon dont elle a été conçue en harmoniques, c'est comme un ARP. Donc, ou comme si c'était sur une sorte de séquence similaire, comme un LFO. Donc je n'ai pas aimé ça. C'est pourquoi j'ai fini par le faire comme ça. Mais encore une fois, écoutons. Donc des tonnes de plénitude. Il cherche. Voici le piano avec la boucle de batterie, et c'est le rythme. Bon, encore une fois, dans cette vidéo, je voulais juste parler rapidement du fonctionnement du spectre de fréquences. Ensuite, je voulais juste parler rapidement de ce rythme, des différents instruments et leur apparence dans le spectre des fréquences. Juste pour vous donner une idée, lorsque je crée le B, je vous dis que je n' utilise pas l'analyseur pour créer le rythme. J'utiliserai l'analyseur une fois qu'il sera passé au mixage et au mastering. Tout se résume donc au placement du son. Comment jouez-vous ces mélodies ? Il s'agit de le répartir sur votre spectre de fréquences. Ne vous inquiétez pas si vous diffusez des sons dans la même zone. Si c'est le cas, vous devriez vous demander il s'agit d'une note longue, par exemple, encore une fois, au piano, s'agit-il d'une note longue ou d'une note rapide ? Et dans le cas de ce piano, même les notes rapides restent des notes assez longues pour moi. Je le fais aussi vite que possible. Quelque chose comme le courage. Les effets, ajoutez-les à ce son. Viens ici pour aimer un alto. Cela semble plus complet que ce qu'il est. Et c'est juste à cause de la réverbération. Alors écoute. Et si j'en viens à l'alto, désactivons tous les effets. Et je vais simplement désactiver le routage parce que cela s'y ajoute. Voilà à quoi ressemble le vélar. J'ai donc eu deux réverbérations dans ce morceau. Alors voilà, les gars. Nous avons donc un analyseur de fréquence. Nous essayons d'adapter nos sons. Ne vous inquiétez pas si deux sons vivent dans cette zone. Si c'est le cas, demandez-vous en termes de quoi s'agit-il d'une note longue ou d'une note courte ? Et lorsque nous parlons d'un son, souvenez-vous de l'essentiel, puis de nos nuances bois pour la saveur. Même son, tamponnage différent. sons du soap peuvent se produire dans la même zone, mais vous devez vous demander s' il s' agit d'un tamber totalement différent ? Est-ce que c'est un son beaucoup plus agressif là où c'est un peu graveleux, ça va vraiment se trancher tout seul. Ou s'agit-il d'un son plus doux ? Par exemple, je vais simplement accéder à Init Preset. Ce que nous allons faire, c'est obtenir des formes de base. Donc, ce que c'est, c' est juste que nous voulons, je veux juste une onde sinusoïdale. Nous pouvons ajouter quelques voix, ce qui signifie qu'elles joueront comme cinq ondes sinusoïdales à fois et qu'en D, elles seront légèrement ajustées. Il n'y a que ça. Donc, ce que je veux partager avec vous, c'est quelque chose comme ça. Comme si ça allait être un son très doux. Si nous optons pour quelque chose de plus agressif, comme celui-ci, non ? Salé ou agressif, il prendra beaucoup plus de place dans le mix. Chat. Et encore une fois, quand on fera ça, allez-vous jouer haut ? Allons-nous descendre encore plus bas ? C'est juste pour que vous puissiez le voir et l'écouter. Un son plus doux. Ce n'est pas le cas, c'est un son magnifique. Mais si nous devons utiliser d'autres sons, quelque chose comme ça indique un bit clé, ça va passer, pas de problème. L'alto, ça passe probablement sans problème parce que le son est si doux. C'est écrit. C'est donc de cela que je parle en termes de tamber, d'agressivité du son. Nous réfléchissons donc au placement du son. Nous réfléchissons à la brièveté ou à la longueur des notes. Nous réfléchissons au style sonore, quel point le son est-il agressif ? Parce que si nous voulons jouer ce son dans la même zone, sont les choses auxquelles vous devez réfléchir. 6. 4-1 - Comprendre la hauteur temporelle et le volume: Très bien, donc dans cette section de vidéos, je voudrais vous parler de manipulation du son pour un contrôle total. Parce que généralement, lorsque vous entendez pourquoi choisir le son, nous pensons à ce spectre de fréquences. Les octaves se planent vers le bas, jouent dans les médiums, jouent dans les aigus. Mais c'est vraiment très basique. Tu sais, quand tu prends ton rythme. Oui, il faut penser haut et bas. Mais je voudrais parler davantage en ce qui concerne le temps, le ton et le volume. OK, nous avons donc le temps. Alors, quand on parle de temps, qu'est-ce que cela signifie ? Cela signifie qu'un son peut être joué de manière longue ou courte. C'est assez simple, mais la différence est surprenante. Un son long ou court en même temps qu'un son peut vraiment prendre beaucoup de place en génomique, un son court, très court, prend moins de place dans le mixage. Donc, quand on parle sélection des sons et de fréquences, se bat un peu les uns contre les autres. Si le son est si court, il ne combattra pas autant avec certains éléments. Alors, quand vient le temps, que pouvons-nous faire ? Donc, par exemple, un accord de piano long, disons, qui serait long et soutenir un accord court pourrait être quelque chose comme si vous aviez déjà entendu parler d'une porte de transe. C'est donc quelque chose que je voudrais vous transmettre. C'est une astuce vraiment cool et ce que nous faisons, c'est votre barrière. Donc, si vous ne savez pas ce qu'est une porte, il s'agit essentiellement d' éteindre et d'activer le son. Et vous pouvez utiliser une porte trans pour créer un motif rythmique. Donc, quelque chose comme ça peut aussi être comme du courage. Très bien, alors parlons rapidement du pitch. Nous parlons maintenant d' octaves qui sont rejouées en bas ou en haut. Nous jouons au milieu des années. Ensuite, nous pouvons également maintenant penser en conjonction avec le temps, avec le pitch. Disons que nous jouons un accord de piano. Disons qu'au C5, nous émettons également un son pulsatile. Nous le jouons également en tant que C5. Ils ne se battent généralement pas. La raison en est que si nous jouons le long d'un accord de piano , le son sera plein et magnifique. Et le son pincé est généralement assez agressif, dans sens où lorsque nous parlons de tambor, de nombreuses fréquences et de haut de gamme, cela met vraiment en valeur ce transitoire initial. En d'autres termes, nous n'allons pas vraiment avoir trop de conflits lorsqu'il s'agit, disons, d'un accord de piano de base joué longuement et pincé. Et c'est jouer dans la même octave, c'est jouer et voir cinq, par exemple si vous deviez jouer, disons un accord de piano comme celui-ci. Ensuite, vous prenez un autre son de piano, ce que j'ai fait de nombreuses fois en tant que producteur. C'est là que vous allez commencer à vous retrouver dans de nombreux affrontements d' instruments, au lieu de vous démarquer. Dans ce cas, vous vouliez parler de placement du son, mais c'est là que le placement du son entrerait en jeu si vous faisiez jouer ces deux pianos différents dans la même zone de fréquence et de hauteur. Très bien, nous pouvons le faire, en utilisant simplement placement du son plus judicieux ou si nous sommes plus agressifs dans notre égaliseur, ou en utilisant des effets tels que la distorsion ou même des éléments comme le refrain. Le refrain est un effet, un effet de retard, non ? Vous devez donc également réfléchir à l'emplacement de votre son si vous avez affaire à ce genre de choses. OK, nous avons donc le temps. Combien de temps la note est-elle jouée si des instruments se battent dans la même zone ? C'est là que vous pouvez commencer à vraiment tirer le meilleur parti du son, vraiment tirer le meilleur parti qu'il s'agisse d' une queue longue ou d'une queue courte. Nous avons le pitch low, le médium et le haut. Très, très simple. D'accord ? Maintenant, le prochain dont je veux parler est un volume. Ainsi, lorsque nous parlons de volume, si nous avons un son long avec du volume, cela occupera beaucoup plus de place dans le mixage. Il y a donc deux choses que nous pouvons faire. Nous pouvons le compresser très fort ou limiter ce son pour le créer. C'est donc vraiment, vraiment égal. Et puis, comme c'est si uniforme, nous pouvons réellement le baisser, ce qui signifie qu' il ne dominera pas tous nos autres éléments. C'est un état d'esprit à avoir. Mais maintenant, quand quelque chose est court, parce que, encore une fois, la musique ne prend pas beaucoup de temps. Nous pouvons parfois être beaucoup plus bruyants avec le volume. Le volume va donc de pair avec le temps. Et puis cela va de pair avec le terrain. Parce que lorsque nous créons notre rythme, vous savez, quels sont les différents éléments dont nous disposons ? Nous avons comme des tambours, des claps. Ça va ? Les applaudissements ne se feront généralement jamais entendre. Il collera toujours, la plupart du temps, parce que c'est un clap ou un piège. Je laisse toujours ce piège ressortir. Nous avons donc des tambours. Qu'est-ce qui peut se battre avec des tambours ? basse, comme une vraie guitare basse, une ligne de base et huit attendent va se battre avec la base. Nous devons donc être très prudents notre sélection de sons en ce qui concerne la hauteur. Si nous avons du pitch et que nous parlons maintenant sélection sonore, de notre batterie, n'est-ce pas ? Nos tambours. Nous devons nous assurer de ne pas nous battre avec des poids de base et Ada, des applaudissements et des pièges. Je vais juste faire des claquements. Rien ne va vraiment se battre avec ce genre de choses. Tout cela se démarque vraiment. J'ai également partagé cette petite astuce intéressante avec vous lorsque vous avez votre spectre de fréquences. Nous allons simplement le faire rapidement. Disons donc que c'est comme les bas et que nous avons nos hauts et nos médiums. Disons que nous avons notre piège et qu' un piège ou un élément fondamental se trouve ici ou quelque chose comme ça. Encore une fois, sur un égaliseur, vous pouvez augmenter le niveau ici. Et cela mettra vraiment l'accent sur ce problème fondamental. Cela lui donne juste un peu plus de corps. Quels autres types de sons avons-nous ici ? Nous avons des chapeaux hauts. Rien ne va vraiment se battre avec un chapeau haut. Sa fréquence est tellement élevée par rapport à la plupart des éléments de votre chanson, n'est-ce pas ? Nous avons des tambours , que nous pouvons combattre avec la base et les huit. Oh attends, c'est l'une des choses les plus importantes en tant que beatmaker de vraiment s'entraîner, de comprendre et de faire attention à notre batterie. Soit nous voulons renforcer cette approche et je vais partager cela rapidement avec vous. Donc, par exemple j' ai cette batterie ici. Hein ? Disons que c'est la batterie et que j'ai déjà une base de référence. Donc, ce que je suggère, c'est que vous pouvez utiliser la garniture ici et vous pouvez utiliser la sortie, vous pouvez également utiliser la longueur si vous ne pouvez pas en utiliser autant. Mais écoutons le kick drum maintenant. OK, alors resserrons-le encore plus. Donc par rapport à ça. Cela va aller à l'encontre de votre base de référence. Montre. Nous pouvons apporter beaucoup de queue. Toujours à Tales Là-bas. OK, maintenant que vous entendez ce clic, c'est ici que nous pouvons utiliser le out et cela éliminera ce clic. Je vais donc continuer jusqu'à ce que ça disparaisse. Voilà, ramène-le. Maintenant, nous avons une batterie qui pourrait être bien meilleure sur notre piste si nous avions une ligne de base ou un huit différent. Oh attends, celui-ci n'est pas vraiment un débat, mais je veux juste partager avec vous ce dont je parle. Un kick drum et une base rongée. Vous pouvez resserrer la batterie comme ça ici et la faire fonctionner encore plus. Nous allons le monter en puissance. Hein ? Nous pouvons en venir au volume , le lancer davantage que la longue queue. Alors voilà. Revenons au dessin. Très bien, et ensuite nous avons nos instruments. Maintenant, il est très difficile de parler d'instruments , d'une manière générale, comme si nous avions de vieux pianos qui se trouveraient ici ou là-haut. C'est totalement unique pour chaque battement. Donc, quand tu crées le rythme, tu dois te dire : OK, j'ai ces instruments, ils vont jouer dans les graves comme les médiums sont les aigus. En fonction de la mélodie, qui est essentiellement le placement de votre son. Où placez-vous vos sons partir de ces mélodies ? Parce que si votre morceau est si chargé, il ne sonnera pas bien. Vous devez vous assurer que le positionnement du son est correct. Pour un bon rythme, quelque chose qui sonne comme une musique. Ensuite, ce que vous voulez faire, c'est sélectionner différents sons, différents instruments qui sont tout simplement très différents. Par exemple, vous pourriez avoir une harpe, peut-être un piano, peut-être une flûte, peut-être une trompette. Donc, quand je fais mes rythmes, c'est mon état d'esprit auquel je pense toujours : OK, eh bien, j' ai joué de longs accords. Maintenant. C'est l'heure de faire quelques brèves choses. Quelles sont les petites choses que nous pouvons faire, comme une porte de transe. Nous pouvons faire des cueillettes, nous pouvons aussi faire du RPS. Un arpège est donc très souvent comme une note rapide. Et encore une fois, cela peut vraiment se démarquer et ne pas prendre trop de place, mais cela peut vraiment ajouter à la musique et aussi au type de sons. Donc je vais juste le faire ici. N'oubliez donc pas le mot tambor et écrivez-le ainsi. Ça va ? Quand je l'ai vu pour la première fois, j'étais très confuse. On pourrait penser que c'est du TAM BER, mais c'est du timbre. Encore une fois, nous avons cette note fondamentale, qui serait la suivante. Et puis nous aurons un tas d'autres fréquences en plus de cette note fondamentale. C'est justement ce qui fait la hauteur de la note à nos oreilles, qui fait de la musique. Lorsque vous choisissez une touche et une gamme, vous avez ces sept notes. Lorsque vous jouez vos mélodies ou vos cordes, vous devez utiliser les sept notes de cette tonalité de gamme. Et puis, quel que soit le principe fondamental de cette note, ce sera toujours dans le pitch. Et puis nous avons différentes fréquences sur le dessus, ce qui ajoute à la modification de la saveur. OK, donc chaque fois que vous entendez ce mot timbre, pensez à saveur, qui signifie essentiellement que vous utilisez, disons que vous avez entendu un son de piano , puis vous passez à un son plus vif. Ils ont toujours la même tonalité fondamentale si vous utilisez, disons, le C5, mais ce ne sont que les fréquences supérieures qui sont différentes, ce qui leur donne un son tout à fait unique. En plus de l'enveloppe de volume lorsque je vous ai partagé l'enveloppe ADSR contenant du sérum, lorsque j'ai partagé ce bloc-notes, j'ai pris l'attaque et j'ai prolongé l'attaque pour la ralentir. Nous avons donc le débarcadère, je suppose que vous pourriez même opter pour la lenteur. Nous avons un son lent. Ça gonfle et quand ça gonfle, on l'entend. Mais quand c'est lent, cela permet essentiellement ces sons courts de vraiment se faire entendre. Et puis le son est un peu comme une corde où il prend tellement de temps. Parfois, vous les entendez comme s'ils s'appelaient des accords puissants pour une bonne raison. Encore une fois, nous avons le temps. Quelle est la longueur, la brièveté, la lenteur ou la rapidité de la note. Vous pouvez profiter du temps ici. En plus du temps, le placement du son est une question importante. Nous avons lancé. Tu veux jouer en haut et en bas au milieu ? Quand je crée le beat, je pense toujours à ces choses dans le fond de ma tête quand il s'agit de batterie, n'est-ce pas ? Je me demande toujours : « OK », que j'utilise une ligne de base dans ce morceau ou est-ce que j'utilise un huit ? Oh attends, c'est très simple. Une fois que vous aurez compris ces claps et ces pièges, dans la plupart des cas, je ne trouve vraiment rien qui puisse vraiment résister à mes claps et à mes pièges, le chapeau haut de gamme, n'est-ce pas ? fréquence est si élevée que rien ne s'y oppose vraiment. Les instruments, les objets peuvent potentiellement se battre avec vos instruments. Mais si vous pensez à toutes ces choses concernant le long, le court, le lent , le timing, tout cela vous aidera à sélectionner plus judicieusement le son, puis les volumes. Donc, en ce qui concerne nos différents éléments, vous devez simplement penser à certains éléments que vous pouvez réellement augmenter sans blesser autant les oreilles de l'auditeur. Vous savez, la plupart du temps, ces sons plus courts sonnent parce qu'ils sont si rapides et qu'ils vont percer. OK, donc cette vidéo portait sur la manipulation du son pour un contrôle total. C'est essentiellement comme les secrets de la sélection sonore, que j'ai partagés ici. J'essaie de transmettre le temps, le ton et le volume d'une manière tout à fait unique, espérons-le. Très bien, une fois que vous aurez vraiment maîtrisé cela, vous allez vraiment comprendre votre sélection de sons. Et vous serez capable de vraiment créer vos rythmes et de vous amuser. Et vous devez toujours garder cela en tête lorsque vous créez des rythmes. Ne vous inquiétez pas si vous regardez l'analyseur de fréquence. Si tu fais ça, je ne pense pas que tu t'amuseras beaucoup à créer des beats. Tu dois juste te dire si je dois choisir une batterie, d'accord, cool. J'ai un coup de pied à queue courte, un coup de pied long, peu importe. Vous avez juste pris conscience que plus tard dans le morceau, est-ce que vous allez y aller, est-ce que cela va vous donner une direction lorsque vous choisirez ce son ? Très bien, allons-y dans ce cours Je voudrais parler un peu plus façon de placer ces sons avec clarté. Nous allons donc aborder un peu le placement. Encore une fois, vous pouvez consulter le livre des endroits sûrs. C'est sur Amazon pour plus de détails. Hum, mais je vais vous donner quelques exemples de choses que j'ai sur la liste ici, des informations sur les placements sonores, autres sur les types de sons. Alors Tamber, nous en reparlerons un peu plus . Encore une fois. Nous parlerons de la durée du son. Nous parlerons des octaves. Nous parlerons de notes simples par rapport aux accords. Donc, lorsque nous parlons de hauteur, vous pouvez utiliser une seule note qui ne prendra pas autant de place qu'un accord. J'ai aussi des notes sèches par rapport à des notes humides. Lorsque vous avez une note sèche qui n'a aucun effet sur elle, elle résonne directement sur votre visage. Kaic est vraiment très proche de toi. Dès que vous commencez à appliquer des effets, tels que la réverbération, cela les repousse dans le mix. Le son sera plus large et généralement plus musical, plus agréable à écouter. J'espère donc que vous apprécierez beaucoup de ces prochaines vidéos. 7. 4-2 - Comment placer des sons pour obtenir de la clarté: Très bien, dans cette section de vidéos, je vais vous expliquer comment jouer sons pour plus de clarté, juste un état d'esprit. Et nous allons juste suivre la construction d'un petit rythme nous-mêmes. Et je vais juste improviser et je vais suivre. D'accord ? Ce sera le moyen le plus simple pour moi d'expliquer les choses dans un environnement réel. Donc, le placement du son, la première chose par laquelle nous allons commencer est notre boucle de batterie et nous allons créer une petite boucle de batterie ensemble rapidement. Très bien, donc je vais juste continuer pour ne pas expliquer. Je vais expliquer au fur et à mesure. Nous avons donc cette batterie tirée de leur vidéo précédente. C'est vraiment difficile. Il était huit heures auparavant. Oh attends, regarde si je le copie juste pour que ce soit une bonne astuce. Vous copiez toujours si vous voulez modifier quelque chose , puis vous pouvez revenir en arrière. Encore une fois, c'est ça qui a rongé. Nous allons le retirer. C'est donc très difficile. Encore une fois, c'est assez bruyant et nous allons prendre un piège. Je vais superposer. La superposition est la façon dont nous pouvons créer un dossier sonore. Et je viens de régler mon tempo à 87 et nous cliquerons sur quelque chose au hasard. Je vais juste superposer mon piège pour obtenir de la plénitude. Vous n'avez pas toujours besoin de superposer des couches, mais vous pouvez le faire si vous le souhaitez, et il suffit de faire un peu de swing pour donner un peu de saveur aux rythmes. Dans ce que fait Swing je vais prendre un chapeau haut de gamme parce que je dois m'en procurer un de toute façon. Nous avons donc des chapeaux hauts. Encore une fois, le kit Urban Heat Drum comporte des casquettes fermées et ouvertes. Idéal pour le flux de travail. OK, donc je vais prendre celui-ci. Donc, ce que fait Swing, c'est d'ajuster vos notes de huitième, d'accord ? Donc, chacun d'entre eux est en fait un 16e. Et balancez, ajustez la huitième note, la huitième note. Cela les pousse un tout petit peu. D'accord ? Donc, ce que je fais, c'est que toutes ces notes de huitième, comme celle-ci et celle-ci, les donnent automatiquement un coup de pouce, qui nous donne une sensation un peu plus détendue de la boucle de batterie. Très bien, alors allons-y. Mettons ça ici. Ce que je vais faire, c'est y aller, revenons en arrière. Je vais cloner cette coque afin que nous puissions la cloner ici, et je vais le faire comme ça. Nous avons donc deux versions différentes de cette boucle de batterie. Et je vais juste continuer à utiliser cette simple scie comme John Loop 1, et nous allons passer à Drum Loop 2. Et nous utiliserons le même brun , mais nous l'augmenterons et le colorerons un tout petit peu. Maintenant, nous savons qu' ils sont différents, alors nous les avons comme ceci et ensuite comme cela. La note est donc différente. Alors écoute. Très bien, on va porter un chapeau haut. Ajoutons simplement ceci. N'oubliez pas qu'un casque haut de gamme ne se bat généralement pas beaucoup avec un casque haut de gamme, car si nous examinons déjà le spectre des fréquences, c'est à cela que nous avons affaire. Period est sa casquette , un peu baissée. Nous allons donc créer un D ici rapidement. OK, allons-y, continuons comme ça. Je cherche donc juste à vraiment remplir ce chapeau haut, juste pour ajouter de la plénitude à ce B. Il suffit donc d'un coup de tambour et nous avons un Atlas un peu élevé. Je vais donc cliquer dessus pour nous. Portez des chapeaux hauts. Et d'habitude, je n' aime pas utiliser ce rouge. Le rouge dans FL Studio signifie généralement des sons manquants et je n'aime pas cette couleur dans FL Studio, alors voilà. Très bien. Encore une fois, c'est trompeur. Il cherche en quelque sorte le spectre des fréquences. C'est pourquoi je ne regarde pas ça quand je fais un beat. Cela n'a aucun sens. Nous n'avons même pas encore d'instruments. OK, alors allons-y. Je vais juste entendre quelques sons de percussion ici. Nous avons utilisé un peu de Bond pour écouter le son. Cela semble un peu à droite, donc vous pouvez le faire à partir d'ici. Il suffit de le tirer un peu vers la gauche. Je voulais juste que ça sonne au centre. Une autre chose que j'entends dans ce son, c' est qu'il y a un peu bizarre dans la queue. Je vais donc revenir en arrière et partager avec vous exactement comment je m'y prendrais pour sélectionner les sons pour créer des rythmes. J'entends des problèmes avec les sons lorsque je les sélectionne et je suis peut-être en train de les corriger. Si vous voulez l'avoir à nouveau, je vais le copier parce que je vais le réinitialiser. Si vous aimez le son d'être un peu panoramique vers la droite, il n'y a rien de mal à cela et il ressortirait probablement mieux que d'être au milieu. Mais je vais juste le mettre davantage entre les deux pour le moment. Mais vous pouvez entendre que c'est beaucoup plus rapide que regarder si je le ramène complètement. Il y a donc une queue bizarre dedans. Je vais juste obtenir un son un peu plus rapide et un son de bonne qualité. Je vais juste faire la même chose pour tout ça. Vous pouvez également les normaliser pour les rendre plus bruyants. Et nous allons simplement le faire. Donc, une autre chose, lorsque vous créez vos rythmes, c'est que si un son est très fort, il va ressortir vraiment gênant. Je vais donc juste baisser le volume. Très bien, et nous avons encore un son. Encore une fois, l'implication est assez longue. Je vais juste renforcer ça. Très bien, donc je ne fais que resserrer les choses et nous pourrons toujours y travailler plus tard. Quand je l'envoie au mixeur, je me dis toujours que je pourrais peut-être ajouter de la réverbération. Peut-être que lorsque nous compressons des objets, les queues s' allongent également. Très bien, donc en faisant une petite boucle de batterie, je ne sais pas à quoi ça va ressembler. Nous ne faisons que cliquer sur des éléments aléatoires ici. Une simple petite boucle de bongo sur le graphique, un peu moins de volume. Juste ici. J'ai juste entendu dire que ce Bongo est un peu à gauche, alors je vais juste le mettre un peu. Très bien, cool. Alors maintenant, ajoutons simplement quelques instruments. Et la première chose que vous devez vraiment comprendre. faisant une boucle de batterie, vous ne savez pas comment elle va sonner dans le rythme. Donc en ce moment, si tu écoutes du genre, oh mec, ce drame est nul. C'est possible. Mais dès que vous commencez à améliorer le rythme, vous vous rendez compte tout à coup : Oh, sais-tu quoi, nous allons nous débarrasser de ces bundles ? Ils sont faibles ou ils peuvent vraiment augmenter le rythme. Et surtout une fois que je commence à ajouter des mélodies maintenant, et encore une fois, les mélodies sont autorisées. Nous allons donc le retirer. Alors, appuyons simplement sur Play ici. C'est un peu bruyant. Encore une fois, retirez-le et je dois sélectionner un instrument ici. OK, passons à, disons, aux chaînes de caractères et sélectionnons quelque chose ici. Donc, la première chose que j' entends, c'est que c'est trop calme. Il va être très difficile de créer une mélodie à partir de ce son . Je pourrais augmenter mon limiteur, le baisser. Nous allons beaucoup augmenter notre réverbération. Augmentez légèrement le tempo . Très bien, alors allons-y. C'est un son très difficile à utiliser pour créer ma mélodie initiale, ma mélodie initiale. OK, donc je vais passer à pour le premier. Il s'agit de trouver le bon son. Une autre chose que j' entends avec ce son est que les problèmes liés au son lui-même sont, à mon avis, problématiques. Et encore une fois, le mono n'est même pas activé. air un peu, Daisy. Donc, pour moi, c'est un son, honnêtement, juste à éviter, d' accord, donc je vais opter pour un son très agressif. Je cherche quelque chose. Je vais donc m'éloigner de Flex. D'habitude, j'utilise beaucoup Nexus et la raison pour laquelle je le fais est que la conception sonore est vraiment très bonne. Et je vous dis que ces préréglages sont tout simplement géniaux pour les créateurs de rythmes. Pour entendre la différence. Oui, je pourrais jouer ces mélodies avec Flex. Mais il m'a fallu tellement de sons pour les entendre. Je connais très bien Nexus, je peux simplement sélectionner n'importe lequel de ces sons et nous pouvons commencer à avancer rapidement. Encore une fois, en ce qui concerne nos mélodies, nous devons faire attention à la longueur de la queue. Pour la plupart de ces préréglages, les concepteurs sonores accentuent vraiment la réverbération et les retards. Et ce qui se passe, c'est que chaque son s' accumule, ce qui rend le mixage plus difficile à long terme . Je dois trouver une mélodie ici juste pour commencer. Très bien, on y va. Très bien, alors je vais arrêter ça. Et je n'ai pas vraiment enregistré. Donc, ce que nous pouvons faire, c'est accéder au journal des scores sauvegardé par les outils pendant 2 minutes. Et comme vous pouvez le voir, j'ai ajouté un tas de mélodies pour essayer de trouver ce que j'aimais dans les coulisses. Et je sais que la mélodie se trouve à la fin parce que j'ai pris un peu de place. C'est ma voix. J'ai dit : « OK, allons-y ». J'ai attendu la boucle de batterie et je sais que nous y sommes. Je vais écouter. Très bien, donc ce n'est pas là. Donc je vais juste prendre ça. Je vais passer à un nouveau modèle, appuyer sur Contrôle et cliquer avec le bouton droit de la souris, je vais le coller dans le contrôle. Et q. Dans ce cas, je ne pense pas vouloir contrôler. Q, parce que vous pouvez voir à quel point ça capture tout ce qui est bizarre. Appuyez sur Control Z pour annuler cela. Shifting Q est le raccourci clavier que nous voulons. Vous pouvez voir ici, outils qui quantifient les heures de début. Cela permet donc de placer les notes sur une grille et de conserver la longueur de la note, ce grille et de conserver la longueur de la note, qui est très important pour cette mélodie dans ce cas. Je vais donc passer au mode résolution. Nous allons fermer le Piano Roll, nous allons le poser. D'habitude, j'aime mettre toutes mes mélodies en haut. Et puis je vais y aller, j'utilise mon pavé numérique pour régler rapidement les choses. Alors écoutons ça. Je vais donc le modifier rapidement ici. C'est ici, je parle simplement du placement rapide du son dans cette vidéo. Ensuite, nous passerons à autre chose et nous parlerons davantage des types de sons lorsqu'il s'agit de falsifier et d'autres choses de ce genre. OK, alors laissez-moi modifier rapidement ces notes ici avec vous. Non, je pense que nous sommes un peu trop rapides. Bon, donc ce que je vais faire, c'est la dupliquer deux fois pour pouvoir jouer la mélodie deux fois et j'espère pouvoir la faire correctement la deuxième fois. Il est parfois difficile de jouer tout de suite. Très bien, voici le nouvel enregistrement. Parfois, j'aime faire ça parce que dans cette situation de mélodie, je n'arrivais tout simplement pas à comprendre ce que je voulais et je constate juste qu' elle fonctionne un peu plus lentement. Donc, en fait, je vais simplement recopier ces notes et y retourner parce je sais que j'ai plutôt préféré cette base de référence. C'est donc comme si c'était pareil ici. Je veux prendre ceci et nous reviendrons en arrière et je vais supprimer ceci ainsi que cette note, et je le sais. J'espère donc que c' est ce que c'était. C'est un peu ce que je voulais. Donc, ce que je cherche ici, c'est que j'ai dû l'enregistrer deux fois. Profitez essentiellement du meilleur des deux mondes. OK, nous avons donc créé notre mélodie de base. Maintenant, il est important de comprendre que c'est en grande partie comme les notes ou lorsque je les surligne, je maintiens la touche Alt enfoncée et je peux juste les ajuster un tout petit peu. Et l'objectif ici est de trouver la bonne longueur. Si c'est trop long, cela ne convient vraiment pas à la mélodie. Tout cela va donc de pair avec ce placement sonore, qui ajoute à l'émotion. Et c'est ce que vous essayez toujours d'apprendre en tant que producteur : le placement du son. OK, donc, revenons juste un petit peu à ça. Les premiers sons, peut-être que je vais juste y aller un peu plus longtemps. Je pense que cela doit également être plus long. C'est peut-être un peu fort et un peu trop fort et je peux le retirer un tout petit peu. Peut-être que cela se chevauche trop, et peut-être que nous pouvons les renforcer un tout petit peu. Très bien, nous avons donc une base pour notre morceau. Je vais juste baisser le ton. C'est un peu pour moi. Regardons le spectre des fréquences, ce que, encore une fois, je ne fais jamais lorsque je fais un battement. Mais juste pour vous donner une idée ce que tout le rythme semble super automnal, que pouvons-nous ajouter ? Ainsi, toute cette règle vous permet de mettre des notes là où se trouvent d'autres notes. Ça n'a aucun sens K, parce que tout bat à fond. Techniquement, cela pourrait être comme un beat terminé. La mélodie est assez entraînante. Nous avons la boucle pour tambours, les chapeaux hauts. Et encore une fois, souvenez-vous que les Mongols l' ont fait parce que le lien était faible, ou ont-ils ajouté à ce rythme ? Sans le ballon, c'est parti ? Pour moi, les Mongols l'améliorent. Voyons donc rapidement comment nous pouvons ajouter peut-être une mélodie ici et comment je l'aborderais. Alors j'écoute le son et j'entends que c'est au milieu d'un instrument. Nous avons des éléments forts car j'ai joué de la main gauche et de la main droite. Alors, en bas, jouons-y. Donc, en bas, c'est la main gauche. Ici, tout est à gauche. Ici, c'est la main droite. Si je l'élève d'une octave, je pense que c'est la mélodie de retour. C'est un peu comme une jolie mélodie intermédiaire. Nous devons y ajouter quelque chose. Et qu'allons-nous faire ? Quels sont les types de sons que nous pouvons ajouter ? C'est donc, encore une fois, pourquoi j'aime tant Nexus. C'est vraiment très simple. Nous avons donc des sons similaires à ceux du plomb. Ils sont vraiment puissants pour éliminer un mélange. donc Ce son est un peu trop désaccordé. Le désaccordage n'est pas correct. Montez un peu le volume là-dessus. J'ai donc configuré mon clavier midi où vous pouvez voir que je peux régler le volume d'un clavier midi. C'est vraiment un conseil de pro. Alors regarde, je peux me tourner pour qu'il ne l'entende pas. Quand je prépare mes betteraves. J'aime bien avoir cette configuration. J'aime pouvoir augmenter et diminuer le volume à partir du clavier midi, car tout dépend du moment où l'on fait le bec. C'est bien trop fort, non ? Dans ce cas, j'ai besoin d'entendre cette boucle de batterie et je vais créer un rythme. J'ai besoin de le sentir, non ? Revenons donc au mode chanson. Hein ? Alors, que pouvons-nous ajouter à cela ? Nous pouvons commencer par une base de référence. Nous pouvons, nous pouvons y travailler. Ça pourrait être cool. Travaillons un peu avec ce son désaccordé, voir si nous pouvons obtenir quelque chose. Et si ce n'est pas le cas, alors nous allons passer à autre chose. Nous allons essayer de trouver autre chose. Donc, encore une fois, je suis juste en train d' improviser avec toi. C'est vraiment difficile parce que tu vas juste t'asseoir là, tu vas me regarder faire ça et c'est un peu ennuyeux de ton côté. Donc c'est plutôt cool. C'est ce que nous avons, ce que nous appelons port ou mental, c'est une diapositive. Maintenant, une chose à mentionner ici avec ce type de son, c'est que c'est un son extrêmement puissant. C'est presque si puissant que si je l'ajoute maintenant, cela risque de perturber mes mélodies que je pourrais créer. Now, si cela a du sens, donc ce que j'essaie de dire, c'est ce que j'essaie de dire. Si je devais utiliser le son, il serait tellement puissant, il sonnerait bien. À mon avis, cela convient à la chanson. Je pense que je vais garder ça pour plus tard. D'accord, alors regardez comment il va le cloner. Nous allons obtenir un autre instrument. Qu'est-ce que c'est essayer de trouver quelque chose qui nous plairait. J'ai donc commencé par un son de guitare. Optons peut-être pour un son plus prononcé, d'accord, quelque chose qui va juste ressortir . Quelqu'un qui pourrait être cool. Encore une fois, je peux régler mon volume à l' d'un clavier midi ou vous pouvez utiliser votre souris. Mais encore une fois, tout dépend du flux de travail en tant que paramètre. Je vais donc cliquer sur Play ici pour le mixer plus fort parce que c'est plus rapide. C'est ce que j'essaie de dire. Essayons de jouer plus bas. Cela va se perdre dans le mix. Je pouvais juste l'entendre. Essayons-le plus haut, mais je l'ai plutôt aimé ici. Je vais donc enregistrer ça. OK, encore une fois, je vais juste utiliser ce quart de travail et Q. Et c'est quoi ça ? Très bien, donc dans cette situation, lorsque je vous parle de sélection du son je parlais de compression et de limitation. Donc, même s'il s'agit d'un son très, très rapide, parfois, en limitant ou en compressant le son, vous le ferez s' adapter exactement à ce que vous voulez. Donc je vais juste passer aux effets. Voici le limiteur. C'est un petit truc sympa. Nous le faisons directement dans le VST actuel. Vous n'avez pas besoin de retirer de plugins. Tu pourrais le faire ici. Et puis, lorsque nous allons mixer la musique, vous pouvez commencer à créer vos effets et tout le reste. Je vais donc juste limiter un peu cela. Et je vais baisser le volume pour compenser. Ajoutons une autre mélodie ici. Alors, à l'intérieur de Nexus, il suffit de cliquer comme si c' était le cas ici. Essayons de trouver quelque chose de cool. Fais quelque chose. Maintenant, je dois savoir ce qu' il y a. Il y a une progression d'accords. Parfois, ils font un beat et je ne sais pas quelle est la progression des accords, alors je vais passer aux mélodies. Donc je sais que c'est en sol dièse, en ré dièse, je sais que c'est un dièse et ensuite ça revient au C. OK, donc, d'accord, donc quand je composais ma mélodie, c'était un peu comme ça. Donc, mon objectif est simplement m' assurer que la progression des accords se poursuit de la même manière . Sinon, le son sera plus fort, attention. Nous choisissons donc une clé, c'est l'échelle. On nous donne sept notes, mais nous devons également suivre en quelque sorte cette progression d' accords. Sinon, les choses sembleront également un peu étranges. Appuyez simplement sur Play, essayez de trouver quelque chose. C'est un peu bruyant. Et cela pourrait être un cas où c'est comme si, vous savez quoi, j'allais l'envoyer au mixeur et je veux juste un égaliseur ici et je trouve que c'est trop brillant à mon avis. Donc je vais juste le supprimer. C'est bon. Ça a l'air bien. J'essaie donc de trouver quelque chose qui me plaît ici. Voici ces portes, donc je vais les partager rapidement sur Nexus. Donc, la façon dont cela fonctionne, c'est que vous pouvez procéder à une translocation. Passons donc à un son principal pour sélectionner quelque chose de très simple comme celui-ci. OK, on va passer à Trans Gate, on peut l'activer. Donc je vous ai dit qu'une porte trans affectait le volume, d'accord, donc partout où le son n' est pas joué, cela coupe le son. Nous pouvons les ajouter. Nous pouvons en fait ajouter la note de gauche ou de droite. Tu veux faire ce genre de choses. Vous pouvez aussi le faire aller plus vite, non ? Encore une fois, c'est très populaire et ça piège la musique. Ils ont retiré le mix. On ne l'entend pas du tout. Nous pouvons l'augmenter. Maintenant. En plus de cela, une bonne astuce, encore une fois, puisqu'il s' agit de sélection des sons, nous devons essayer de trouver des sons qui nous conviennent. C'est donc dans le mot-valise de modulation, afin que nous puissions faire glisser la note. C'est peut-être un son, on le joue très haut. Je vais également aborder les effets. Et encore une fois, limitons cela très sévèrement. Encore une fois, ne pensez pas que vous devez vous limiter et faites attention à la quantité de limites que vous adoptez. Mais parfois, je trouve que cela permet à un son de vraiment se répercuter sur le mixage. Agréable. Très bien, commençons donc avec un compte rendu clair. Alors on y va. Alors très bien, nous allons obtenir quelque chose comme ça. Et voyons à quoi ça ressemble. Maintenant, je veux que ces notes se chevauchent réellement. Donc, ce que nous pouvons faire, c'est réduire un peu la grille et nous concentrer comme ce gesso. Nous avons un autre son principal, je disais, qui va un peu contrebalancer celui-ci. Mais je pense qu'il pourrait se démarquer à sa manière. Et j'aime généralement ajuster ces instruments dans l'ordre lequel ils apparaissent dans la playlist. Cela facilite simplement les choses. J'ai donc le premier, le deuxième, le troisième. Maintenant, nous allons passer au modèle suivant et ce serait comme celui-ci. Voyons donc si nous pouvons faire quelque chose comme ça. Encore une fois, voici notre spectre de fréquences. Vous avez vu exactement étape par étape, comment je fais le placement du son. Positionnement du son. Comme si tu me voyais prendre ces notes. Est. Impossible à enseigner, non ? J'ai passé des heures et années à m'entraîner au placement du son, mais voici à quoi cela ressemble sur le spectre des fréquences. Je pense toujours que ça a éliminé ces deux points. Très bien, alors essayons d'ajouter d'autres sons. Je peux donc essayer de jouer ce son lorsque l'autre son ne joue pas, parce que ce son est très similaire. son très similaire mais encore une fois, un tamber légèrement différent, mais je joue celui-ci, c'est comme celui-ci, puis celui-ci, il est beaucoup plus élevé, donc il est plus agressif. Et je l' entendais avec mes oreilles, surtout quand je faisais le beat. Celui-ci passe à travers. Donc, même si je joue ce son avec ce son, ce son résonnera quand même. Mais que se passera-t-il si nous perdons ce son ? Le placement du son nous permettra donc d'entendre les deux et nous essaierons de tirer parti de nos précautions. Alors, appuyons sur Play et nous essaierons de trouver quelque chose. Très bien, donc j'ai quelque chose ici et ce que je vais faire, c'est le dupliquer plusieurs fois. Votre chœur. Parfois, il est agréable d' avoir une mélodie plus longue que celle des autres instruments. C'est juste pour apporter de la fraîcheur aux oreilles de l'auditeur. Et je veux juste jouer à ce jeu parce que je l'ai en tête. Tu es rapide. Alors ça se passe comme ça. OK, donc très bien, donc je l'ai ajouté rapidement. Encore une fois, je veux généralement faire un demi-pas ou un pas, c'est plutôt sympa. Il suffit de les accrocher à la grille tout en conservant les longueurs. C'est une queue trop courte. Tu as entendu ça ? Je ne veux pas vous faire perdre votre temps ici, mais c'est ce que je fais pour trouver les mélodies adaptées à ce placement sonore, qui va de pair. Placements sonores, sélection des sons , mélodies, synchronisation de la note. Tout cela va de pair. Parfois, encore une fois, certaines de ces notes glissent. Vous voyez donc comment cela se chevauchait ici. Si cela se chevauche, nous n' entendrons pas cette note. Ça va juste glisser. Cela doit donc être un peu plus long, continuez comme ça. Et il remarque également si je clique à l'endroit où je joue. Donc, si j'ai déjà édité ces notes ici et que j'en suis content. Je vais juste cliquer ici. Et vous pouvez le voir ici. Ça va bouger avec moi. OK, tu vois comment ça se déplace ici ? Donc, lorsque je modifie les notes, je vais appuyer sur Stop. Donc, tout va bien ici. Je vais donc cliquer, nous allons continuer à partir d'ici. La façon dont il s'est faufilé là-dedans ne semble pas trop mal. Et peut-être que je ferai la même chose ici. Qu'est-ce qui en augmente la durée ? Revenons en arrière. Très bien, il y a quelque chose avec lequel je peux jouer ici. Je vais juste mettre la vidéo en pause. Je vais le modifier et je reviendrai car cela prendra trop de temps. Très bien, donc quand j'ai joué ce son, je me suis assuré de le réduire d'une octave par rapport à l'autre saignement. Donc, si je monte d'une octave, ça va se battre avec l'autre son principal, et ça ne marchera pas. Je descends donc un peu et j' utilise le contrôle de l'arc en haut ou en bas. C'est trop faible. Ce n'est pas le bon endroit. Ça ne suffit tout simplement pas. Très bien, donc pour terminer cette vidéo, nous allons simplement ajouter cette ligne de base, car ce sera probablement la touche finale à ce rythme. Ensuite, nous parlerons un peu d' autres choses dans des vidéos séparées ici, dans vidéos séparées ici, dans cette section, sur la façon de jouer des sons pour plus de clarté. D'accord ? Donc, ici, en x, je vais tout faire, je vais cliquer sur base. Cela me donne accès à tous mes sons de basse au même endroit que tous mes packs d'extension et aux éléments à sélectionner ici. Le plus difficile est donc de vraiment, honnêtement, trouver une bonne base sonore. Peu importe qu'il s'agisse d'un lien. Ou dans d'autres VSTS. Je trouve généralement qu'il est très difficile d'obtenir une bonne base. C'est vraiment difficile de trouver une base qui convienne à la piste que je recherche. Ces sons de basse ont une fréquence un peu trop élevée. Quand j'écoute, je cherche un remplaçant sympa. Alors regardez-le. On peut venir ici et partir comme un panneau. Je pense que nous pouvons aller signer. Oui. Il y a donc un sous-ensemble des signes de base. Tu te souviens, quel est le signe ? Nous arrivons ici, onde sinusoïdale. Tu vois ça ? Fréquence solo, c'est tout. Maintenant, je vais vous assurer une bonne astuce. Encore une fois, si nous voulons ajouter des éléments tels que la distorsion, vous allez voir que cela ajoute. Je vais juste l' ajouter ici. Et puis voici toutes les fréquences. Pour ce cours. Je veux me lancer dans la distorsion. Et maintenant, vous pouvez le voir commencer à ajouter toutes ces fréquences. Vous pouvez donc l'augmenter où vous souhaitez ou selon votre envie pour l'affiner. La raison pour laquelle je dis cela, c'est parce qu' il s'agit d'une base de référence. Nous avons besoin de certaines fréquences dessus. Sinon, ça va juste toucher le sous-marin. Et quand nous avons de petites enceintes, votre base, vous avez envie de la percer, d'accord, donc sans cette distorsion on passe un peu mieux. Surtout cette note. Cela ne va pas se répercuter sur le mélange. Donc c'est probablement le niveau le plus bas que je voudrais atteindre. Je vais retrouver cette ligne de base avec cette mélodie. OK, dans le cas de cette vidéo, je vais simplement supprimer cette partie. J'essaierais probablement de faire en sorte que cela fonctionne à mon rythme quand j'aurai plus de temps. Mais ce qui se passe, c'est qu'il est un peu difficile de travailler avec moi. Et donc je vais juste travailler avec ça, d'accord ? Cela signifie que nous pouvons établir une base de référence facile, tout faire fonctionner. C'est donc juste le rythme. Et je sais que je pense que je vais jouer la ligne de base, que je pourrais honnêtement probablement simplement copier, mais je vais la jouer moi-même et ensuite je vais les aligner ensemble. D'accord, 234. donc C'est donc une bonne astuce. Je vais le faire. Réduisons donc nos notes pour pouvoir les voir ensemble. Je vais rapprocher la ligne de base de cette mélodie. Et c'est probablement à peu près là où c'était. Donc, la ligne de base, je veux la jouer ici. Donc, même si la mélodie est là, ça va, je m'en tiens là. Écoutons donc la ligne de fond avec la mélodie. Essayons-le sur le F. Et je vais juste quantifier les notes, en particulier les lignes de base pour les rendre plus serrées. Passons au G. Donc, ce qui est confus, c' est que pour la base, je dois suivre la progression des accords. En fait, la mélodie n' a pas suivi la progression des accords et c'est là que se trouvent la ligne de base et la mélodie Je pense toujours que nous pouvons les faire sonner bien. Mais encore une fois, la ligne de base doit généralement suivre la note fondamentale de l'accord. Si c'est nouveau pour vous, c'est une chose très importante à comprendre. Permettez-moi d'apporter la base de référence ici. Il s'agit donc de la base de référence. Je vais l'intégrer dans la partie guitare, ici. Et voici la véritable progression des accords. Alors, abaissons-en un. OK, et nous allons essayer de suivre ça. Alors non, regarde ce G et un G dièse. Continuons comme ça. entendu que cela sonnait bien mieux qu'avec la mélodie ou comme avec ce rôle principal ? Le plomb ira bien. Cela pourrait faire son propre travail, mais je dois m'assurer que c'est le cas. OK, je vais m'en tenir aux toutes dernières notes. Nous allons donc littéralement le copier sur tout sauf les dernières notes. Donc, sur la dernière mesure, c'est encore pire, ou désolée, sur le dernier temps. Alors on y va. Donc cette note, trop courte, ne nous servira à rien. Ça va sembler vraiment bizarre. Je peux donc les mettre en évidence et quantifier uniquement ces notes. C'est un bon conseil de pro. Au lieu de tout quantifier, vous pouvez simplement mettre en évidence ce que vous voulez. Vous pouvez le quantifier et nous le ramènerons un tout petit peu. Et les volumes, donc parfois le volume peut être trop fort, comme je le disais. Alors jetez un œil à ça. Peut-être ces notes aiguës, car lorsque nous avons une ligne de base, basses sonnent bien jusqu'aux notes les plus aiguës. Et ça peut sembler un peu bizarre sur le rythme. C'est presque comme si cette onde sinusoïdale avait été déformée. Et c'est comme sortir bizarrement. Nous pouvons donc prendre un peu de recul sur ceux-ci. Et celui-ci recule un peu. Disons encore une fois, je vais juste cliquer ici. Démontons-le maintenant. Alors on y va. Très bien, donc retirez la ligne de base. Revenons à ce que nous avons ici. Vous devriez pouvoir le coller parfaitement. C'est donc la base. Et maintenant, voici juste un petit morceau que nous avons créé ensemble et vous avez tout vu, comment cela s'est passé. Je n'aime pas que cette base de référence soit si rapide. Je pense donc avoir ajouté ces notes. Très bien, nous allons donc supprimer ces mélodies. Et encore une fois, c'est la raison pour laquelle, lorsque je crée mes betteraves, j'aime avoir plein de mélodies différentes, car je peux les mixer et les assortir où je veux. J'entends donc une distorsion. C'est juste parce que nous parcourons cette chanson assez fort. Je pense qu'en fait, ce Trump frappe un peu trop fort. Alors bonjour, on pourrait enlever les chapeaux hauts et les autres. Ralentissez. Peut-être que nous supprimons totalement la ligne de base. Les pièges sont un peu bruyants. Hein ? Pause, reviens un peu. Nous avons ici deux scénarios. Celui-ci est un peu plus fort, donc je peux augmenter celui-ci car il est plus rapide. On peut l'entendre plus fort. Ce piège peut en fait occuper une partie de l'espace des autres instruments. Nous pouvons également venir ici et, si vous le souhaitez vraiment, vous pouvez renforcer cela. J'essaie de ne pas le faire pour tout. Juste les sons qui me dérangent vraiment c'est que ces pièges sont un peu trop longs. Encore une fois, vous venez ici à la sortie et vous vous contentez de le réduire un tout petit peu. C'est un conseil vraiment pro de NFL Studio et c'est tellement rapide que c'est comme si c'était gratuit ici. J'ai un peu plus aimé cette queue, non ? Alors on y va. Donc, juste un bref résumé de ce que nous avons abordé dans cette vidéo, car je pense vraiment que la meilleure façon de sélectionner les sons est voir comment un rythme a été créé. 8. 4-3-1 - Problème fondamental de la hauteur désunie: OK, dans cette vidéo, je veux vous parler du timbre, c' est-à-dire que lorsque nous sélectionnons un son, il est caractéristique. Encore une fois, lorsque nous jouons une note, c'est toujours la même note fondamentale. Si nous venons ici. Ce type de son lui-même est en fait un peu décalé. Et à mon avis, je me retirerais probablement. Il faut faire attention aux graves de la réverbération. plupart du temps, cela brouille vraiment une piste, donc nous pouvons l'améliorer un peu, tout comme le retard. Ce son est donc un peu unique, mais nous avons toujours la même tonalité fondamentale, n'est-ce pas ? Donc, le voici, juste là. Vous pouvez voir qu'il y a un argument fondamental. Voici notre argumentaire fondamental. Même si nous l'avons toujours, il descend très bas sur cette piste. Il se peut que tu sois là. Ça y est. C'est le son. Il s'agit donc d'un son un peu différent, façon dont il est traité. Mais encore une fois, nous avons toujours une note fondamentale et, encore vous inquiétez pas si vous regardez cette note et que chaque fois que vous voulez créer un rythme, vous vous demandez quelle est la note fondamentale pour un son comme désaccordé. Et le désune, c'est quand nous prenons un son et que nous prenons différentes versions de ce son, que nous les augmentons ou que nous les diminuons légèrement et que le son retentit. Il s'agit d'une astuce dans l' industrie audio pour créer de la plénitude. Donc, si nous parlons du mot unissons, jetez un œil à ceci. Je ne vais donc pas me désaccorder. C'est le premier son. C'est exactement ce que l'on dirait. D'accord, si j'augmente le detune. Donc, ce qui se passe, c'est que nous avons 13 voix. En d'autres termes, vous voyez à quoi cela ressemble à cette forme d'onde. Treize de ces formes d'ondes sont jouées exactement en même temps, mais certaines sont aigües et descendantes. Mais si je n'ai pas de détune, ça sonne tellement mono. Donc, en fait, nous augmentons le désaccordage et nous obtenons de l'ampleur. Nous allons plus loin. On va devenir comme Tom, mais ça va commencer sur un terrain. C'est trop, non ? Donc, ce que j' essaie de dire, c'est si nous avons un son et que vous êtes trop désaccordé quant à la façon de lancer. C'est là que, tu sais, comme si l'essentiel allait sembler bizarre, non ? C'est le seul cas. Et dans ce cas, il y a une sorte de pitch qui lui arrive. Cela affecte le son initial. Donc, dans ce cas, j'essaierais probablement de résoudre ce problème avec l'égaliseur et d' essayer de le faire avec ce son, je vais partager cela avec vous. Donc, si nous avons ce son, j'essaierais de prendre l'égaliseur et de faire un Q. plus serré Et partout où c'est un peu les hauteurs sonores sont un peu étranges. Je le ferais probablement pour le corriger afin que ça sonne mieux dans le mix, si cela a du sens. D'accord ? Très bien, ce n'est donc qu'un exemple rapide de votre manque fondamental de terrain. Mais dans la plupart des cas, vos sons seront toujours à la hauteur, surtout lorsque vous avez de bons sons. 9. 4-3-2 - Notes ne jouant pas le problème de VSTi: donc une chose que je veux partager y a donc une chose que je veux partager rapidement avec vous avant de passer à autre chose. Si je clique sur Play, vous remarquerez ce OneNote n'est pas entendu. Écoutez cette note sur le tube du cours. Donc, ce qui se passe, c'est que je pense que cette note doit être ramenée un tout petit peu. Nous n'entendons pas qu'il s' agisse d'un ou deux. Et nous allons entendre cette note comme si elle était là parce que son fonctionnement est qu'elle va continuer à tourner en boucle. Maintenant, nous allons entendre cette note et vous pouvez réellement voir l'écart. Encore une fois, il y a des choses que l'on apprend parfois en tant que producteur, des instruments virtuels. C'est ainsi qu'ils fonctionnent pour entendre une note. Parfois, il suffit de créer un peu d' espace pour que cela fonctionne. 10. 4-3-3 - Timbre et types de sons: Bon, allons-y et je voudrais vous parler du timbre. Essayons donc d'ajouter un autre instrument à ce rythme. Donc, ce que nous allons faire, c'est nous concentrer sur le refrain parce que c'est la partie la plus chargée de la chanson. Donc, quand je compose mon b, je veux continuer à ajouter mes instruments au chœur. Maintenez donc la touche Ctrl enfoncée et cliquez. Et nous allons simplement mettre en valeur tous les éléments liés aux percussions et les réduire un peu car nous utiliserons cet espace pour nos nouveaux instruments. Très bien, retrouvons un nouveau son. Et nous allons essayer de trouver quelque chose qui soit vraiment pertinent. Encore une fois, nous pensons au tamber. Si nous avons un son très, très doux, nous ne pourrons pas le faire passer. Très bien. Nous aurons probablement besoin de quelque chose avec des fréquences un peu plus agressives. Donc, par exemple, quelque chose comme dans les mains en l'air, du plomb. Si je préfère les sons principaux, ce sont des sons très agressifs, mais nous devons déjà jouer des sons principaux. Ce n'est donc peut-être pas une bonne option, mais essayons de jouer quelques notes. Ce son est en fait tranchant, et c'est parce que le son initial a cette très haute fréquence. Encore une fois, regardons le spectre des fréquences et je m'éloigne de mes oreilles. Je ne vais pas partir de ce que j'ai vu jusqu'à présent, parce que je suis justement en train de vous enseigner. Son à très haute fréquence. Si nous en venons aux autres. Oui, il y a quelques fréquences, mais il y a beaucoup de lacunes là-dedans, non ? Nous arrivons ici, CCl4, c'est en comparant et puis pareil. Celui-ci a un son très complet, mais il reste très doux, toujours très doux. Cette initiale, c'est ce qui fait la différence dans les micros. Descendez. C'est un son qui se démarquerait. Pas de problème. Passons à un autre son. Le volume. C'est un son qui va vraiment nous battre. Il n'a donc pas vraiment beaucoup de courage. son assez long, C'est un son assez long, destiné à une belle mélodie. Essayons donc de trouver d' autres sons. Encore une fois, ce type de son n'a pas vraiment de caractère transitoire initial et aucune sorte de force. Encore une fois, il peut être un peu difficile de se démarquer dans le rythme. Ça n'a pas l'air mal, non ? Parce que la sortie standard augmente également d'une octave. Mais c'est tranchant, non ? Essayons de les réduire en octave. Vous devez donc faire attention, car si vous jouez un son trop bas, vous devrez jouer cette progression d'accords. Sinon, cela entrera en conflit avec la base de référence. Quand on joue trop bas. Le son est puissant. Mais ce qui se passe, c'est affecte réellement cette base de référence. C'est ce que j'ai entendu. Encore une fois, une solution est de l'envoyer une console de mixage et d'ouvrir un égaliseur, vous pouvez vous en sortir si vous voulez jouer plus bas, vous pouvez, je ne vais pas me lancer dans un mur de briques, mais nous pouvons faire quelque chose comme ça. D'après ce que j' entends, un gros problème avec ce son est la quantité de réverbération. Écoute-le. Désactive la réverbération. Ce retard aussi. Je ne ferais pas comme je crée la mélodie. Je ferais en sorte de trouver cette mélodie où le son sonne bien. Et puis je me suis dit : OK, je dois te manger ça un petit peu. Regardons juste quelques autres sons, car encore une fois, il s'agissait de pistes. leads se démarquent incroyablement bien en raison de leur richesse et de leurs fréquences. Regardons en fait quelques arpèges. Ce qui est vraiment bien avec Nexus, c'est qu'il possède des tonnes d' arpèges intégrés à ce type de son. Ça ressemble un peu à un pitch. Très bien, voici un exemple de son. C'est comme un arpège. Maintenant, je ne sais pas s'il va se démarquer dans ce titre. Mais une chose à mentionner est que vous ne voyez ici que les effets sur cela. C'est vraiment puissant si vous voulez simplement utiliser ce son. Mais comme nous avons recommencé à jouer toutes nos différentes choses, faites très attention aux basses fréquences de la réverbération ainsi qu'au delay. Nous allons réessayer. Maintenant. Nous ne ressentons pas la même émotion, mais lorsque nous avons des tonnes d'instruments, il faut parfois faire des compromis , car le son ne convient peut-être pas aussi bien. Très bien, alors j'ai enregistré l'AARP. Ce que j'ai entendu, c'est que le bas de gamme est peut-être un peu bizarre pour ce morceau. Et encore une fois, tout ce que nous avons à faire, c'est de l'utiliser à nouveau comme un filtre à faible débit. Très bien, alors le voici dans le bip. Encore une fois, je vais en parler un peu plus. Maintenant, si tu écoutes. Bien sûr. Peut-être pensez-vous que je vais surpasser le volume. Mais ce qui va se passer, c'est que certaines de ces notes seront beaucoup plus fortes que les autres. Et c'est là que la plupart du temps, j'utilisais simplement le limiteur et nous pouvions simplement limiter, peut-être augmenter considérablement le nombre de sorties. Ça va juste égaliser les choses. Mets le volume trop fort sinon, d'accord. OK, donc nous allons garder l'ARP pour mettre en évidence la zone. Passons à un nouveau son. Nous avons tous ces différents types de sons que nous pouvons sélectionner. Et quand je suis un acre de poutre, je me dis : OK, essayons des sons de flûte et je crée plein de rythmes différents avec ce type de sons. Vous pouvez donc voir ici un son très doux. Donc, lorsque nous parlons de timbre, regardons simplement le spectre de fréquences. Donc, un son très doux, c'est une mélodie très puissante, c'est un son très puissant. Mais ce que j'essaie de dire, c'est que quelque chose comme ça va vraiment se perdre dans le mix. Alors, comment faire pour qu'il se démarque ? Tout d'abord, j' entends des tonnes et des tonnes de réverbération et ce sera la première chose à corriger. Ensuite, encore une fois, la compression, la limitation et la distorsion. Alors ajoutons simplement une distorsion ici. Ajoutons-le à un insert de mixage juste pour que vous puissiez le voir. Je vais donc simplement l' ajouter au crâne 15. Donc 15, celui-ci passe à 15 et vous pouvez jouer la distorsion directement dessus ou, si vous le souhaitez, vous pouvez l'envoyer en parallèle, ce qui est probablement la meilleure pratique. Vous pouvez en quelque sorte mélanger ce que vous voulez. On l'entend, on entend la distorsion. Tu peux faire des trucs comme ça. Je les utilise généralement sous forme effets très généraux que je peux réutiliser pour plusieurs instruments lorsque je commence à mixer ma musique. Donc, si je voulais faire une distorsion, envoyer. Je vais donc revenir à mon histoire et à celle de l'école, et je vais simplement supprimer le routage. OK. Nous avons donc ceci. Donc, à mon avis, dans ce morceau, parce que c'est un son unique où je veux une distorsion unique. Je vais juste régler la distorsion. Et donnons-lui la même couleur. Et nous arrivions ici et appuyons encore une fois sur F3 pour garder la même couleur. Donc, ce qui va se passer, c'est que je peux l'envoyer ici et ajouter la distorsion et juste là. OK, alors allons-y. Très, très fort. Je vais juste le retirer. Cela a donc contribué à la distorsion. Avec la distorsion. Maintenant, une autre chose que j'entends dans ce son, c'est qu'il a une longue queue. Alors, qu'est-ce que cela signifie ? Donc, ce qui se passe, c'est que je ne peux pas y jouer rapidement. Donc, ici au Texas et dans presque n'importe quel synthétiseur, vous pouvez revenir en arrière dès la sortie et vous obtiendrez des sons plus rapides. Alors regardez ça ici, comment ça se coupe. Je ne veux pas que la sortie soit aussi serrée et que cette flûte sorte du lot. Pas de problème. Très bien, regardez combien d'instruments nous avons. Et je pense que chacun apporte sa propre touche au rythme. Et le plus important, c' est que vous le verrez une fois que nous aurons commencé à composer une chanson. D'accord ? Ces fluides, j'essaie vraiment de les faire fonctionner. Cela pourrait être quelque chose comme juste pour le chœur, car je pense que cela ajoute au cours. Il se peut que je doive te les manger d'une certaine façon. Essayons à nouveau un autre son, je vais juste le cloner à partir d'ici. Nous avons les Woodwinds et le Highlander. J'ai donc voulu écouter des instruments à vent et j'ai entendu un son cool. Je pense que c'est celui-ci. Je pense que c'est un son qui pourrait vraiment se démarquer. C'est très net. Je vous parlais donc de volume. Nous avons un son long qui joue des sons comme celui-ci. Et le volume devra être très faible pour ce type de son. C'est une fréquence très élevée. C'est un produit très agressif, il est vraiment agréable, pas trop agressif. Très bien, voyons si nous pouvons essayer de trouver quelque chose plus bas que le milieu. Encore une fois, dans le très bas de gamme. C'est un peu fait sur ce morceau. C'est comme si j'avais la batterie, j'ai la base. Vous n'allez pas vraiment y mettre quoi que ce soit. Si tu le voulais, tu serais vraiment rusé. À mon avis. D'habitude, je suis content de l'endroit où il se trouve. Concentrez-vous maintenant sur les médiums, les aigus, car vous pouvez entendre que c'est un son très plein. Énorme. Encore une fois, beaucoup d'effets sont allumés, et il n'y a pas que Nexus, il y a à peu près tous les synthétisés ou ils essaient toujours de tirer le meilleur parti de leur son prédéfini. Tu dois juste le recomposer un peu. 234. Je vais donc juste tout quantifier. Encore une fois, je vais juste augmenter le volume. va falloir que j'écoute vraiment ça, surtout quand tu essaies d' ajuster la mélodie au refrain. Nous commençons à ajouter un certain nombre d'instruments maintenant. Mais encore une fois, quand je fais mes rythmes, quand tu n'as pas de voix, c'est parfois difficile de savoir quand arrêter. Mais pour ma part, j' aime toujours essayer de trouver des tonnes et des tonnes de mélodies différentes, car fur et à mesure que le rythme commence à se développer, je dois dire que cela vous donne beaucoup plus de flexibilité. Écoutons-le d' abord dans le couplet , puis j'essaierai de l'intégrer au cours. Même chose ici. Il se peut que je doive vraiment limiter cela car ce qui se passe, c'est j'entends dire que c'est le haut de gamme du son, mais que l'essentiel du son est en train de se perdre. Maintenant, quand je mixe le rythme, quand il s'agit d'un son comme celui-ci, c'est comme si je savais que j'en avais déjà dans les bas de gamme et tout ça. Je suppose que je vais en parler un peu. Sans ça. Si je devais le faire, je le ramènerais ici. Juste un peu dans ce bas de gamme. Mais un très bon producteur sait quand s'arrêter. Je vais juste continuer à en ajouter jusqu'à ce que ce soit trop. Très bien, donc on va continuer encore un peu. Je pense que quelque chose comme un bloc-notes va être très difficile à découper dans un mixage comme celui-ci. Alors, qu'est-ce qu'un bloc-notes ? Encore une fois, c'est un de ces sons qui se gonflent lentement. Alors, comment pouvons-nous faire en sorte qu'un son comme celui-ci se démarque ? Tout d'abord, des tonnes et des tonnes de réverbération, nous voulons supprimer ce bas de gamme pour qu' il apparaisse également dans l'AMP. Vous pouvez voir que nous pouvons recommencer notre sortie. Cela va resserrer la queue. Très bien, donc je vais juste enregistrer et rejouer ça. Alors on y va. OK, cool. Alors je vais juste le jouer comme ça. Juste ici. Je vois que j'ai joué un peu à OneNote, alors je vais juste l'apporter, le mettre sur Shift et appuyer sur la molette de défilement pour le faire, n'est-ce pas ? Et jouons-le tel quel, même si les notes sont un peu décalées. Encore une fois, je vous ai parlé du calendrier. Si nos notes sont un peu décalées, elles peuvent se démarquer à leur manière. Et aussi parce que c'est un PAD lent, non ? Lorsque nous avons une attaque lente, l'attaque peut écouter. Certains sons ressemblent à ça. Donc, si vous avez une note tardive ou quelque chose comme ça, elle n'est pas aussi perceptible lorsqu' un son est aussi rapide que celui-ci. C'est vraiment le moment. C'est vraiment perceptible. OK, alors réessayons. Parfait. Je pense que c'est vraiment très puissant et nous allons simplement jouer cette cellule, cela ajoute vraiment au couplet. Donc, une chose que je viens d' entendre ici, c'est que c'est tellement puissant que c'est comme si on dépassait toute la piste. Nous sommes donc arrivés à faire en sorte que l'état d'esprit soit la seule autre utilisation du refrain, ou nous avons l'égalisation de cette manière. Donc, celui-ci peut arriver à un nouvel insert de mixage, passons à 18. Si je créais la guitare B, je m' assurerais d'aimer, disons que si c'est la guitare, je m'assurerai de choisir même couleur et tout le reste. Il avait veillé à ce que tout soit organisé. Mais j'essaie juste d'aller vite. Je vais juste venir ici pour un QE et je vais le faire à la légère. Encore une fois, lorsque nous avons un égaliseur de gain automatique, faut être un peu prudent car c'est possible. Dans ce cas, je ne sais pas où je veux en venir, ce qui signifie que quelque chose comme ça pourrait être puissant. Donc, en d'autres termes, si je baisse le son, c'est en fait l'augmenter et cela compense en quelque sorte les fréquences. C'est l'avantage d'un égaliseur comme celui-ci. Si j'ai mon instrument exactement là où je veux et que je me dis : « Hé, sais-tu ce que je veux, peut-être couper un tout petit peu juste là ». C'est là que je désactiverais cela, car cela ne fausse pas les autres fréquences. Il s'agit simplement de se concentrer là où je veux qu'il se concentre. Dans ce cas, je vais l' activer là où je vais essayer de trouver ce qui bénéficiera à cet instrument. Nous sommes ici à l' envers de la piste. Disons simplement que nous examinerons les effets. Je n'ai rien fait pour modifier cette limitation. Écoutons juste la différence, attention. Donc 90 points ont été perdus au cas où nous voudrions revenir en arrière. Alors, ramenons-le un peu. Donc, évidemment, trop fort. Et encore une fois, ce bas de gamme. Donc, dans ce cas, disons que j' aime l'EQ tel qu'il est. Et ils peuvent activer le gain automatique. Je peux ouvrir un autre égaliseur et je vais désactiver ce gain automatique. Et je vais peut-être supprimer une partie du bas de gamme. Maintenant, il y a deux façons de le faire. Nous pourrions utiliser une forme de cloche. Nous pourrions utiliser l'étagère basse, et c'est ce que je vais faire. Ou encore, vous pouvez utiliser la coupe basse comme ceci. C'est à toi de décider ce que tu veux faire. Je vais juste l'apprivoiser. Très bien, alors n'ayez pas peur de faire ce genre de choses. Reculez un peu. OK, encore une fois, maintenant nous sommes en quelque sorte à mi-chemin entre le mixage et la création d'un beat. Et je ne veux pas suivre ce cours. Mais voilà, les gars. Des tonnes et des tonnes d'instruments. Et chacune avait vraiment sa propre saveur. C'est comme la mélodie principale du morceau. Encore une fois, il y a beaucoup d'effets, on peut un peu reculer. Non, j'écoute juste. Voici à nouveau ce son. Pour moi, je viendrais probablement ici, je prendrais cet égaliseur, et j'essaierais probablement de l' égaliser telle sorte que je ne l'entende pas vraiment hors du terrain. Peut-être quelque chose comme ça. Je ne sais pas. Encore une fois, je les mixe en solo. C'est dangereux. Si vous voulez mixer quelque chose comme ça, d'accord, nous avons aussi ce lead. Écoutez tous les effets qui s'y trouvent. Encore une fois, si je devais mixer ce morceau, je choisirais ici, je reviendrais sur certains des morceaux que nous avons en cours. Nous avons ce son. C'est la base. Donc j'entends ça un peu cliquetis. Cela pourrait donc être quelque chose concernant l' enveloppe du volume où nous voulons soit avoir une attaque un peu plus douce soit une sortie un peu plus longue, mais je veux que cette attaque soit rapide. OK, voici l'arc. Beaucoup d'effets. Encore une fois, des tonnes et des tonnes d'effets, non ? Je te dis que ça prend vraiment de la place pour ton prochain. Ça a toujours l'air vraiment génial, tel quel. Nous avons également ajouté ces flûtes étranges. Je vais faire un peu attention à cause de la distorsion. Donc, dans ce cas, je peux vraiment le reculer un tout petit peu. Très bien, on entend le son de la cloche. Il faudrait peut-être l'écraser un peu plus, ça a l'air un peu mince. Il a donc du haut de gamme, il a du corps. Je pense que ça manque un peu au milieu. Un peu comme ici. C'est comme si c'était un peu comme si c'était un manque. Laissons ça ici. Et encore une fois, lorsque nous aurons nos égaliseurs, vous voudrez pouvoir les désactiver. Et ainsi de suite. Un léger recul social. Lorsque j'éteins et active cet égaliseur, nous devrions entendre une comparaison de volume assez juste. Cela semble donc très naturel, très normal. On dirait que je suis en train de le traiter assez dur. Je vais donc juste me retenir un peu. Et puis il y a ce son, qui est le pad que j'ai ajouté avec vous, qui a vraiment ajouté des tonnes de plénitude. Voyons si nous pouvons ajouter une autre extrémité , puis nous terminerons cette vidéo. Je voulais juste partager avec vous comment vous pouvez aborder les sélections de sons. Nous avons donc un rythme très complet. Quel est un instrument que nous pouvons ajouter ici plénitude et améliorer le rythme ? Nous avons donc déjà un son de basse dedans. Nous avons déjà une sonnette. Il y a un laiton, qui ressemble à des cornes et des trucs comme ça. Des trucs vraiment très puissants. Essayons ce lead de trompette. Encore une fois, des tonnes et des tonnes d'effets. Allons-y. Cette trompette ne trouvera pas sa place dans cette zone. Devine ou je suis en train d'y jouer. Je le mets en marche. Mais montons plus haut avec ça. Il faut quand même vraiment se battre avec ce que nous avons, c'est essayer de monter plus haut dans le haut de gamme. Mais quand ce sera le cas, je vais m'en sortir, essayer d'aller un peu plus bas. Donc, comme je l'ai dit, nous n'avons généralement pas envie de jouer quelque chose de très, très bas de gamme parce que nous avons déjà ce bas de gamme. Nous avons cette base, nous avons ce coup de pied. Nous avons donc le sol dièse, D dièse, le A dièse, puis jusqu'à la mer. Cela ajoute tellement de plénitude à ce B, mais je pense que je voudrais descendre plus bas. Très bien, donc ce type de son est Horn, a des tonnes de plénitude dans les bas de gamme . Encore une fois, faisons le tour le plus rapide. Si je devais le mixer moi-même, je ne dépenserais pas beaucoup de choses à mixer ou à insérer. Et j'ouvrirais des égaliseurs et des compresseurs. Essayons simplement de travailler là-dessus. Alors, tu l'entends avant et après ? Je veux juste entendre ce gaz bas de gamme, épais et énorme se retirer. Nous allons juste l'envoyer à une autre console de mixage, l' insérer, donc je vais juste compresser un peu plus fort, juste en essayant de le rendre vraiment uniforme. Nous allons nous concentrer sur l'EQ. Maintenant. Nous allons prendre un peu de recul par rapport à ce bas de gamme. Augmente la luminosité. Maintenant, c' est le problème d' un égaliseur à gain automatique. Si je dois augmenter la luminosité là où l'objectif bas de gamme est dépassé. Désactivez donc le gain automatique. Donc, sans les effets, le bas de gamme serait peut-être un peu trop élevé pour ce bec. Coupe, resserre un peu. Mettons donc ce cor ou cette trompette et son propre motif. Et voici à quoi cela ressemble. Peut-être trop fort. J'aime le rythme, j'ai aimé les mélodies. Maintenant, il suffit de faire fonctionner tous ces instruments tout au long de l'arrangement, ce qui est un état d'esprit totalement différent à apprendre en tant que producteur. Nous créons donc le rythme en fonction du placement du son, c'est ce que vous avez appris ici. Nous passons ensuite à la sélection des sons, assurant que nous utilisons les bons sons dans les bonnes zones, qu'ils ne se disputent pas vraiment s'ils ne se démarquent pas La première chose à essayer est le volume. Augmentez le volume. Oh, c'est tout ce que c'était. Si ce n'est pas le volume, alors vous allez jouer d' une octave vers le haut et d'une octave vers le bas. Essaie de trouver ce point idéal. Faites toujours attention au très bas de gamme. Fais attention à la base, fais attention aux huit à l'extérieur. Faites également attention au coup de pied. Et puis, en ce qui concerne les mélodies, demandez-vous si je veux qu'elles soient courageuses, comme un vote court ? Je veux qu'ils soient plus longs. Et je vais jouer des notes individuelles, et ils vont jouer des accords. Ce sont toutes des choses auxquelles il faut réfléchir. D'accord ? Très bien, passons à la vidéo suivante. 11. 5-1 - Longueur de votre son: Très bien, dans cette vidéo, je voudrais parler rapidement de la longueur des sons, juste pour vous donner un peu plus de clarté. Donc, ce que j'essaie de dire ici, c'est que lorsque nous avons nos notes, ce sont des notes rapides. Métronome. La première chose dont je veux vous parler est l'enveloppe elle-même. heure actuelle, nous avons nos notes et si nous augmentons la publication, écoutez la durée de ces notes. Donc, si nous avons un autre son, passons à l'analogique, nous opterons pour des formes de base. Et encore une fois, si vous cliquez ici, vous pouvez parcourir toutes vos différentes formes. Donc, ici, dans le sérum, nous pouvons créer des choses comme des pincettes. Je vais juste accéder à une nouvelle enveloppe et nous pouvons simplement cliquer dessus et la faire glisser sur la coupure. Et cela va accentuer la luminosité. Nous allons également le réduire, intégrer un peu plus. Regarde ça. Cliquez sur Play ici, combien de temps ça peut encore trancher. Donc, tout ce que j'essaie de vous dire, c'est que nous avons nos sons, même s'ils ont l' air d'une queue raccourcie. Nous avons une sortie très longue, ce qui signifie que la queue est longue et que le son en lui-même n'y est pas vraiment attaché. C'est un son très doux, très doux. Nous passons à l' autre son et celui-ci est beaucoup plus agressif. Très bien, essayons une autre forme d'onde. Essayons plus de distorsion. Vous pouvez donc simplement entendre à quel point il est tranchant. OK, c'est exactement ce que je voulais te faire comprendre. Notes longues, notes courtes. Vous devez penser à quel point il est agressif en termes de bois, n'est-ce pas ? Si nous appliquons une distorsion et que le son est très agressif, si nous examinons, encore une fois, le spectre, vous regardez celui-ci. Donc, regarder notre analyseur de fréquence ne vous aidera pas vraiment à savoir quand vous émettez vos battements. Au début de ce cours, c'était juste bon pour vous de comprendre ce qui se passait. Mais encore une fois, écoutez, ce n'est pas fondamental. Voici ce point fondamental. C'est tout ce qu'il y a à dire. C'est le même terrain que nous jouons par-dessus. Et ce que nous appelons les harmoniques, ce sont les harmoniques, qui nous donnent cette touche, cette saveur. Très bien, j'espère que cela vous a permis de mieux comprendre le calendrier de la note. Et ce dont je parle, c'est savoir combien de temps dure cette note qui peut vraiment prendre beaucoup de place dans le mix. Cela peut également être utilisé pour la plénitude. Cela ne veut donc pas dire que c'est mauvais, mais comprenez simplement que tous les sons ne peuvent pas être longs. Parfois, vous voulez juste des sons courts. Parfois, vous voulez que certains sons soient un peu plus faciles à entendre que d'autres, et qui vous permettront de profiter de nombreux sons dans la même zone. Très bien. 12. 5-2 - Utiliser des octaves pour la sélection du son: Très bien, dans cette vidéo, je voulais juste vous donner un exemple rapide de l' utilisation des octaves. Ça va ? Encore une fois, nous avons notre spectre de fréquences, ou celui de Lowe, ou les médiums et les aigus. Si je joue le même son qu'avant , avec cette longue queue, c'est comme ça. Je vais cliquer avec le bouton droit et le cloner. Maintenant que c'est fait, je vais juste passer au son aussi. Bien. C'est donc exactement le même son. Je vais retirer la queue au deuxième son. Maintenant, je vais jouer le son exactement dans la même zone de fréquence. C'est vraiment difficile de vraiment l'entendre. Essayons de jouer plus bas. Vous pouvez donc voir qu'il devient trop bas. Juste ici. Nous pouvons utiliser le même son à plus basses et tirer parti du spectre de fréquences. Alors allons-y, embauchons quelqu'un comme ça. Cela va probablement passer par les basses, les basses, les très hautes, les aigus, pour des raisons évidentes : nous parti de l' ensemble du spectre de fréquences lorsque nous utilisons sons similaires dans la même zone de fréquences. Et ce n'est pas un son de courage comme celui-ci. C'est juste tranchant quoi qu'il arrive. C'est super, très bas. Hein ? On revient au même son et je ferai la même chose. ne l'entend pas. Il se débrouille à sa manière. Trop élevé, ne serait-ce que pour des raisons de facilité d'utilisation, c'est tout simplement trop élevé. Je ne l'utiliserais probablement jamais. C'est bon. Tranche. Maintenant, si nous pouvons l'entendre, c' est simplement à cause du timing des notes, du placement du son dans lequel nous plaçons nos sons. Donc, si vous avez un placement judicieux des sons, cela peut faire ressortir vos sons. Ainsi, si vous avez une mauvaise sélection de sons, un placement judicieux du son sera généralement toujours gagnant. Et beaucoup de gens n' y pensent pas. Profitez donc de vos sons. Assurez-vous de jouer différentes octaves. Parfois, vous pouvez être très créatif, comme cette base de référence. Joue-le en hauteur. Cela peut être une avance extrêmement puissante dans votre rythme. Très bien, passons à la vidéo suivante. 13. 5-3 - Notes simples vs accords de plénitude: Très bien, dans cette vidéo, je voudrais vous parler de notes individuelles et les tribunaux. Ça va ? Lorsque nous utilisons une seule note, elle occupera beaucoup moins de place dans le mix. Lorsque nous jouons un accord, il prend beaucoup plus de place, ce qui est bien si vous recherchez la plénitude. Mais si vous recherchez un son, une nouvelle mélodie ou quelque chose comme ça, vous pouvez vous en tirer en utilisant une seule note pour ajouter beaucoup plus de mélodies à votre musique sans qu' beaucoup plus de mélodies à votre musique elles se battent toutes les unes contre les autres, n'est-ce pas ? Cela semble très simple, mais beaucoup de gens n'y pensent pas, une seule note prend moins de fréquences, un accord en prend plus. Je vais juste donner un exemple rapide parce que c'est assez simple. Si nous jouons une note, nous jouons un accord par rapport à un seul nœud, un accord à note unique. D'accord ? Donc, si vous voulez ajouter plus de mélodies à votre morceau sans qu'il prenne plus de place, vous pouvez utiliser vos notes individuelles. Si vous souhaitez ajouter plus de volume à votre piste, vous pouvez vous tourner vers les courts si vous n'y avez jamais pensé, maintenant vous en êtes conscient. OK. 14. 5-4 - Réverbération de notes sèches vs notes humides: Dans cette vidéo, je souhaite vous parler rapidement des notes sèches, d' abord des notes humides. Tous les effets ne projettent donc pas votre musique en arrière-plan. Il n'y a que certains effets , comme la réverbération. Elle est comme une grosse. retard peut également le repousser si nous voulons paraître ennuyeux ou faire face à un son sec. Si nous voulons le repousser davantage, vous pouvez vous tourner vers la réverbération, ajoutant un backend désaccordé pour en faire à nouveau un dossier audio. Mais maintenant, vous savez que si vous avez une note sèche, vous voulez quelque chose juste dans votre visage. Vous y voilà. Nous voulons que quelque chose soit légèrement repoussé. Vous pouvez utiliser votre réverbération. La réverbération est quelque chose de très spécial, tout comme notre musique, n'est-ce pas ? Mais voilà, les gars. Je voulais donc juste vous faire prendre conscience de la différence entre les notes sèches et les notes humides. Et comme vous l'avez vu tout au long de ce cours, quand je créais le rythme avec vous, je n'arrêtais pas de réduire la réverbération pour vraiment nettoyer la queue. Je n'étais pas tellement concentrée sur le fait de te le faire dans la figure, mais plutôt sur le fait de t'y opposer. Mais vous pouvez penser à cela : si vous avez quelques mélodies différentes et que vous voulez quelque chose dans votre visage, moins de réverbération sur une mélodie repoussée, vous pouvez simplement ajouter plus de réverbération et obtenir des notes sèches. C'est dans ton visage. Les notes humides sont un peu repoussées. Les notes mouillées se vendent vraiment plus de musique. Et voilà, les gars. Une autre astuce dans vos outils de poche arrière. Passons à autre chose. 15. 5-5 - Porte de transe pour la plénitude et l'espace: Très bien, dans cette vidéo, je voulais vous parler un peu plus d'une porte trans parce que je vous en ai parlé. J' en ai parlé dans l'une des vidéos précédentes où nous parlions de sélection de sons et autres choses alors que nous construisions un B, je crois. Mais je veux créer une vidéo dédiée et vous faciliter la tâche. Bien, tous les instruments virtuels n' autorisent pas une porte trans. Donc, une transcription permet de couper le son de manière rythmique. Très bien, donc en d'autres termes, si je joue un son comme celui-ci, c'est du sustain si j' active la transcription. OK, tu obtiens ce verrouillage rythmique. Donc, c'est tout sans la porte trans. Ça ressemble à ça. Avec le transgate. Nous y voilà. Très bien. Cela pourrait être trop agressif, vous pouvez donc le retirer. Tu as ta vitesse. Maintenant, qu'est-ce qui le rend si puissant ? Il est intégré directement à l'instrument virtuel. Vous n'avez pas besoin d' ouvrir d'autres plugins. Et encore une fois, vous avez des tonnes de préréglages différents qu' ils vous donnent raison. Le voici donc à nouveau, sans la transcription. Il jouerait donc réellement les notes soutenues. Mais comme nous avons un portail activé, il est muet partout où il n'est pas cliqué. Tu peux le faire plus vite. Dans ce cas, encore une fois, le mélange peut être agressif. Et puis votre retard dans votre réverbération peut également vraiment se répercuter sur ces sons. Hein ? Maintenant, une chose que je veux juste partager rapidement avec vous avant de passer à autre chose, c'est qu'il ne s'agit essentiellement que d'une porte. Donc, si je joue ce son ici, on ouvre une porte. Maintenant, vous pouvez utiliser le limiteur de fruits pour ce faire. Vous pouvez voir qu'il a sa section de portail juste ici. Je vais donc tout mettre en place. Tout d'abord, nous allons appuyer sur Play. C'est donc à cela que sert une porte. Tout volume situé en dessous cette ligne jaune est réduit. Très bien, c'est ce que fait un portail. Et c'est en fait une technique très puissante pour la production musicale. Le limiteur de fruits n'est pas aussi personnalisable que Pro G. Je vais donc vous en parler. Pro G est donc une porte d'entrée vers le plug-in. Encore une fois, vous avez votre ratio, vous avez une portée, vous avez une attaque de relâchement, une prise, un genou, un regard vers l'avenir. Éléments courants que vous pourriez voir sur un compresseur. Cela vous donne donc beaucoup de flexibilité lorsque vous souhaitez faire du verrouillage. Mais nous allons simplement utiliser le limiteur de fruits et je vais juste partager une bonne astuce avec vous. Quand on crée cette porte trans comme ça. Lorsque nous créons cette porte aléatoire, elle ne fait que l'automatiser. Il s'allume et s'éteint donc automatiquement pour nous, ce qui est vraiment génial. Ce serait donc comme ça. Je vais simplement créer un clip d'automatisation. Ensuite, nous allons simplement créer un point ici. Et je vais faire en sorte que ça tienne. Ensuite, nous viendrons également ici et ferons cette attente également. Donc, chaque fois que c'est en panne, c'est éteint, ce qui signifie que nous allons l'entendre. Mais vous pouvez voir à quel point c'est fastidieux et c' pourquoi quelque chose comme Nexus est si génial. Mais vous pouvez voir à quel point c'est difficile et qu'il faut tellement de temps pour créer une telle porte. Maintenant, si vous avez un rythme brut, passons à la modulation. Et j'ai un B. Encore une fois, j'ai organisé mes effets et cela facilite vraiment les choses, comme vous pouvez le constater. Voici donc Gross Beat. Maintenant, Gross Be vous permet de descendre ici dans le volume. Donc, celui-ci, c'est l'heure. Tout le monde aime la manipulation du temps. Je vais juste laisser le champ vide, mais vous pouvez voir si je sélectionne le volume, écoutons juste ça. Donc, ce qui se passe, c'est que nous avons cet instrument, ce piano, et je vais en jouer dans la playlist. Ok, alors débarrassons-nous de tous ces limiteurs que sont ces portes. Et nous nous concentrons uniquement sur Gross Beat Now Cat. Encore une fois, le moyen le plus simple est de le faire avec une porte trans. Hein ? Si simple, dégoûtant soit-il, vous permet de le faire pour obtenir et c'est pourquoi, c'est pour cela que c'est éteint. Si vous ne voulez pas être aussi radical, nous pouvons le retirer. Nous allons en choisir un autre qui ira plus vite. Essayons-le. Encore une fois. Cela peut être radical. Baisse légèrement le volume . C'est une sorte de bouton de mixage. Maintenant, voici quelques préréglages qu'ils ont conçus pour nous. Maintenant, nous entrons en quelque sorte dans ce lien. Le prochain est Kinda Trans Gate, n'est-ce pas ? Ensuite, je vais vous taquiner parce que dans la vidéo suivante, je vais faire compression de chaîne latérale parce que j'en ai parlé, vous devriez peut-être faire compression de chaîne latérale et je voudrais juste partager quelques méthodes rapides sur la façon dont vous pouvez faire dans l'autre vidéo. Mais ce que nous allons faire ici, c'est appliquer une certaine compression de chaîne latérale. Et si vous êtes confus en ce moment, ne vous inquiétez pas, vous suivrez dans la vidéo suivante. Donc, ce que j'ai fait, c'est insérer la batterie dans l'instrument pour qu'elle soit considérée comme un déclencheur. Et vous allez voir que nous pouvons voir la batterie maintenant. Je vais le faire tomber. Je vous conseille de pomper, de pomper, non ? Et si je voulais partager cela avec vous dans ce cours de sélection de sons, c'est parce qu'il s'agit prendre un son et de le rendre musical de manière rythmique. Et il retire l'instrument et le ramène. Et en fait, c'est juste une sorte de création, qui vous permet de créer de l'espace et d'ajouter du rythme. C'est juste une astuce vraiment puissante que beaucoup de gens ne connaissent peut-être pas en tant que producteur. Bien, passons à la vidéo suivante qui traitera de la compression par chaîne latérale et des différentes manières d' aborder cette question. 16. 5-6 - Compression de sidechain avec sélection de sons: Très bien, dans cette vidéo, je veux vous parler de la compression par chaîne latérale. J'ai cité quelques exemples différents. Nous allons donc utiliser le limiteur fruité. Eh bien, nous utiliserons un plugin tiers pour vous montrer comment procéder. Nous allons vous montrer comment le faire à partir d'un égaliseur. Et je ferai également un égaliseur tiers. Et je vais également vous montrer la manette Fruit UP, qui est super, super puissante. Vous aussi pour d'autres choses. Qu'est-ce donc que la compression par chaîne latérale ? Quel en est le but ? Et les différentes manières dont nous pouvons le faire, que je vais partager ici. OK, donc, l'objectif de la compression de la chaîne latérale a en fait plusieurs objectifs différents, selon ce que vous voulez faire. Si vous souhaitez améliorer les basses fréquences, par exemple si vous avez une batterie avec une queue de base et que vous avez une ligne de base, vous pouvez utiliser la compression par chaîne latérale. Par exemple, si la batterie joue, cela peut réduire ce problème. C'est l'une de ses utilisations. Supposons que je vous parle et que je souhaite réduire le volume de la musique. Supposons que vous fassiez du montage vidéo ou même de la diffusion. plupart du temps, si quelqu'un parle au micro, la musique baisse lorsqu'il arrête de parler à la musique et revient automatiquement. Il s'agit également d'une autre forme de compression de la chaîne latérale. Et une autre façon d'utiliser la compression par chaîne latérale est d'utiliser le rythme. Par exemple , la plupart du temps, nous avons notre batterie et elle est acheminée vers le piano comme je l'ai indiqué dans la vidéo précédente. Nous allons le faire ensemble dans un instant. Et si je le rallume, vous pouvez entendre la batterie baisser le volume du piano et cela crée un son palpitant , ce qui est très courant dans les musiques de danse comme celle-ci. OK, bien. Je pourrais être plus agressif là-dessus, non ? Sans elle. Vous venez d'entendre que c'est juste un coup de pied de piano normal. Si je l'active, vous allez voir le pompage. Dans ce cas, l'objectif de la compression par chaîne latérale est de faire en sorte que les sons de pompage et de musique ne soient pas trop accentués, vous voulez juste que le son soit parfait. Parlons donc de la façon de configurer cela. Très bien, donc si vous avez un insert, n'importe quel insert peut être routé n'importe où dans FL Studio. Si vous cliquez simplement sur l'un d' entre eux et que vous le baissez complètement, vous pouvez désormais l'utiliser comme déclencheur. En d'autres termes, insert 12 peut voir l'activité du volume de l'insert 13s. En d'autres termes, si je joue du 11, qui est la batterie, si je veux que le piano voie l'activité, je le baisserais. Si je veux l'envoyer en tant que sous-groupe ou quelque chose comme ça. Si vous en savez plus sur la table de mixage, dès que vous augmentez le volume, vous dupliquez essentiellement le son. Nous voulions donc réduire tout cela et c' est pareil. C'est juste passer le long de la chaîne jusqu'à cette piste. Cela ne fait que faciliter les choses. Regarde, si j'écris sur ce morceau, je peux juste le baisser. Et maintenant, c'est la même chose que suivre une chaîne latérale sur cette piste. D'accord ? Très bien, maintenant que la batterie est envoyée à dix en tant que déclencheur , passons à Insérer dix. Aujourd'hui, tous les compresseurs ne sont pas équipés de ce que l' on appelle une chaîne latérale externe. Tous les compresseurs sont équipés d'une chaîne latérale interne. En d'autres termes, s'il doit être compressé, il se contente de le compresser en fonction de son propre signal audio. Mais si vous souhaitez utiliser une entrée externe, par exemple si nous voulons que cette batterie soit intégrée au piano soit considérée comme un déclencheur permettant de réduire le volume. C'est là que vous avez besoin d'une chaîne latérale externe. Et c'est ce que possède le fruité limiteur. Vous pouvez voir que nous sommes toujours là, voici le coup de pied, puis vous pouvez ajuster vos paramètres. Tu veux le faire comme tu veux. Très bien, donc je ne vais pas parler de la façon de régler les paramètres. C'est quelque chose que vous devriez vraiment pratiquer pour l'obtenir où vous le souhaitez. Très bien, c'est donc une façon de procéder à la compression de la chaîne latérale. Je vais également partager comment configurer cela avec un plugin tiers. Donc, dans le cas de procéder, c'est ainsi que vous procédez. Vous allez cliquer sur le pignon d'engrenage. Tu vas venir ici. Vous allez passer au traitement et vous allez voir une chaîne latérale stéréo. OK, donc nous avons la chaîne stéréo N, mais nous voulons la chaîne latérale. Encore une fois, on va donner un coup de pied, on revient. Et donc, en continuant, vous allez appuyer sur la chaîne latérale en bas, vous allez cliquer sur Externe. Et maintenant, ça va arriver c'est quand la batterie jouera. C'est le kickdrum. Si je devais entrer, on ne le verrait pas. Encore une fois, chaque compresseur possède une chaîne latérale interne, qui signifie que ce piano, si je clique sur Play, est le piano. Il se comprime simplement contre lui-même. Si je veux que la batterie déclenche ça, je passe à l'extérieur. Maintenant. C'est le kickdrum. Et encore une fois, nous pouvons être agressifs. Cela a un gain automatique. Je vais l' éteindre. Maintenant, entendez-vous à quel point cette batterie est claire ? Éteint. On entend le piano plus fort et la batterie se perd un peu. Maintenant, regardez à quel point le tambour est clair. C'est ainsi que vous pouvez faire autant de choses en matière de compression. Avec un compresseur tiers, cela s'éteindra. Et donc. C'est une autre façon de le faire maintenant, vous n'avez plus besoin de l'écrire de cette façon. Quand nous aurons le contrôleur Fruity Peak. Maintenant, cela est propre à FL Studio. Donc, si vous utilisez une autre poupée, celle-ci est propre à FL Studio. Le contrôleur Fruity Peak est probablement l'un des plugins les plus puissants de FL Studio. Il vous permet d'utiliser ce volume comme déclencheur pour n'importe quoi. Ainsi, dans FL Studio, si vous cliquez avec le bouton droit de la souris et accédez à un lien vers le contrôleur, le contrôleur Fruity Peak crée ce que l' on appelle un contrôleur interne. Si je l'ouvre, vous pouvez voir Fruity PI Controller and Kick. Dans. En d'autres termes, si je devais jouer de la batterie, je pourrais littéralement contrôler presque tout dans FL Studio grâce cette batterie, car elle dispose désormais d'un contrôleur interne. OK, nous avons donc le pic, le LFO, pic et le LFO dans mon cas, je veux juste contrôler le volume pour sélectionner Peak. Ça va ? Nous devons donc décider ce que nous voulons contrôler. Je vais donc laisser ça ici. Nous allons aller au piano. Et maintenant, c'est ici que vous pouvez effectuer compression de chaîne latérale uniquement sur le bas de gamme. Ça va ? Alors, comment s'y prendre ? Celui-ci, ici, fait le volume, il suffit de cliquer avec le bouton droit de la souris pour accéder au contrôleur. Car encore une fois, nous avons un contrôleur interne à notre disposition, qui provient de la batterie. Tu vas y jeter un coup d' œil et accepter. Maintenant, si je clique sur Play, vous verrez que je vais être capable de manipuler le volume de celui d'un groupe à manipuler le volume de celui d'un groupe chaque fois que la batterie joue. Regarde ça. Donc, dans ce cas, c'est le contraire. Augmentons donc le volume. Je vais cliquer avec le bouton droit de la souris. Je vais saisir valeur. On va passer à 0,5. OK, ça va le remettre à la normale parce que je suppose que l'un est 40, c'est le bas et 0,5, c'est normal. Donc, si je joue de la batterie, vous pouvez voir que cela augmente en fait le volume du huit. Oh attends, si on règle le volume dans l'autre sens, cela diminuera le volume du huit. Ça va ? Et tu peux ajuster la façon dont tu veux que ça se passe. Si tu veux changer de groupe, tu peux le faire. Il vous suffit de sélectionner le groupe de votre choix. Encore une fois, si c'est trop radical, parfois vous en voulez juste un tout petit peu. L'objectif ici est que si les Ada jouent en même temps, nous essayons de faire en sorte qu'elles ne se battent pas. Et vous pouvez voir que ça va très, très vite. C'est donc ici que vous pouvez régler le temps de décroissance. Donc, pour le moment, c'est encore plus rapide. C'est donc plus lent ici. Mais ce n'est pas une bonne chose car cela ne revient pas à son volume et à son heure. Nous voulons donc aborder cette question un peu. Je ne dis pas que c'est une bonne ou une mauvaise chose, mais je dis simplement que si vous avez un problème avec votre coup de pied et votre AIDL 8, voici comment vous pouvez procéder. Maintenant, laissez-moi vous expliquer comment procéder avec un plugin tiers. Si vous voulez faire la même chose, disons avec le Pro Q3, je vais vous montrer deux façons de procéder. Il en va donc exactement de même. Disons que je crée le groupe comme ça. Vous pouvez cliquer avec le bouton droit sur ce bouton. Et si vous ne parvenez pas à cliquer avec le bouton droit sur un bouton tiers, il vous suffit de déplacer le bouton pour accéder aux outils et vous pouvez voir les dernières modifications. Et puis ce serait le lien vers le contrôleur que vous pouvez faire. Je veux accéder au contrôleur LinkedIn , puis au contrôleur interne, nous passerons au pic. Donc, chaque fois que la batterie joue, vous y êtes. Nous pouvons donc ajuster cela comme nous le souhaitons. Vous pouvez même augmenter fréquences chaque fois que la batterie joue. Une chose unique du Pro Q3 est qu' il possède en fait un égaliseur dynamique. Et au lieu de l'ouvrir, je vais juste le désactiver. D'accord ? Nous devons donc maintenant l' acheminer avec une compression par chaîne latérale. En d'autres termes, nous voulons pouvoir considérer comme un déclencheur. Je vais donc cliquer ici avec le bouton droit de la souris et accéder à cette piste en chaîne latérale. Encore une fois, c'est exactement la même chose que si je clique, si je clique avec le bouton gauche de la souris, clique avec le bouton gauche de la souris et que je baisse le volume, c'est comme si je passais simplement par une chaîne latérale jusqu'à cette piste. La batterie est envoyée au piano en tant que déclencheur du Pro Q3. Encore une fois, je vais cliquer ici, cliquer ici, lancer le traitement. Et nous voulons passer à la chaîne latérale. OK, donc cet égaliseur peut réellement effectuer une compression de chaîne latérale. C'est ce qu'ils appellent un égaliseur dynamique. Je l'ai donc activé ici, d'accord, je dois cliquer sur Auto pour passer en mode manuel. Et puis ce petit bouton, juste ici, c'est la chaîne latérale. À mon avis, je pense que façon dont ils l'ont présentée est un peu confuse. Donc, si je joue de la batterie, vous verrez que c'est la batterie. Si je le désactive, nous ne verrons pas ce volume. Et c'est parce que la batterie est acheminée vers le piano juste pour être considérée comme un déclencheur. On ne l'entend pas. Nous le voyons juste chaque fois qu'il joue. Je vais donc l'activer. Nous pouvons y voir un déclencheur. Et donc, quel est le niveau de compression que vous voulez ? Et puis c'est le seuil. Donc, s'il est en dessous du seuil, il sera complètement compressé. Et c'est essentiellement comme la plage, ce qui signifie qu'il s'agit du compression que vous souhaitez obtenir ? Cela ne dépassera donc pas, disons, 4 dB. C'est donc le maximum que vous pouvez faire, vous pouvez le faire avec plusieurs choses. Je peux augmenter le volume ici. Passons donc à la chaîne latérale. Et pour que vous puissiez le voir, regardez ça. Donc, si j'ai le piano, mais c'est un peu bizarre. Je ne fais que partager avec toi. Comment pouvons-nous faire en sorte que la compression de la chaîne latérale contrôle les choses. Donc, si quelque chose nous pose problème, de nombreuses reprises, c'est bien de pouvoir le faire de manière dynamique. Contrôlez quelque chose quand quelque chose joue. Et c'est ce que j' essaie de partager avec vous. Je vais donc partager à nouveau un exemple rapide avec un vrai piano et une vraie guitare ici. J'ai juste pensé que je voulais juste apporter un peu plus de clarté avant de terminer cette vidéo. Voici ce piano et cette guitare. Disons qu' il ne tient pas très bien debout. Alors je vais prendre cette guitare. Je suis donc surligné sur la guitare. Je vais appuyer sur Control L, c'est le raccourci clavier. Je maintiens la touche Alt et la flèche gauche enfoncées. Je vais mettre la manette Fruity PI sur la guitare. Maintenant, lorsque vous ajoutez ce plugin, vous verrez qu'il est muet, vous devez le réactiver. Désormais, chaque fois que la guitare joue, vous pouvez utiliser comme déclencheur n'importe où dans FL Studio. Donc, par exemple, revenons à ce piano. Tous les effets sont désactivés. Ouvrons donc un nouvel égaliseur en or pour l'autorisation EC2. Et c'est une astuce vraiment très puissante. Encore une fois, je vais juste cliquer avec le bouton droit de la souris, disons celui-ci. Accédez au lien vers le contrôleur. Et maintenant, vous allez voir que nous en avons deux, donc nous devons être prudents. Tu veux la batterie ou nous voulons la guitare ? Je veux la guitare, sa pointe, c'est-à-dire le volume. Acceptons-le. Le guitariste, nous pouvons l' entendre très clairement, mais dans ce cas, ce n'est pas ce que nous voulons. D'accord ? Passons donc au type et à la valeur. Nous allons passer à 0,5. Et nous allons baisser le volume. Et encore une fois, vous pouvez régler cela où vous le souhaitez. Et si c'est trop rapide, tu vas devenir un peu bizarre comme ça, pour ne pas dire que ça va sonner mal. N'oubliez pas qu'une grande partie de la musique passe avec vos oreilles, mais il est parfois agréable d'avoir des choses un peu plus naturelles et plus fluides. Encore une fois, tu peux jouer avec cette tension, Rebecca Decay. Ainsi, comme vous pouvez le constater, lorsque je règle la tension, nous pouvons voir le son un peu plus sensible. Peut-être un peu trop vite. Encore une fois. C'est un outil à utiliser en cas de problème sérieux, par exemple si vous avez deux instruments qui ne se démarquent tout simplement pas. Ou si vous voulez le faire pour le chant, disons que vous avez une voix et que vous voulez réduire le volume de l'ensemble du mix, disons autour de moi, disons que je suis à k ou quelque chose comme ça. Vous pouvez réduire le volume de toute votre musique et garder votre voix disponible. Très bien, voici cette vidéo sur la compression par chaîne latérale. Et en gros, lorsque nous parlons de compression par chaîne latérale, c'est comme si vous pouviez manipuler dynamiquement votre audio en fonction d'autres sons. Et je partage des tonnes d'exemples. Juste la compression de base de votre chaîne latérale, n'est-ce pas ? Pour vous permettre de baisser le volume de tout, c' est-à-dire l'ensemble du spectre de fréquences, j'ai expliqué comment procéder dans certaines zones uniquement. Encore une fois, vous pouvez également sélectionner différents styles de groupes pour le faire. Et c'est tout. Passons donc à la vidéo finale du cours où nous ne faisons que résumer ce à quoi il faut penser en matière de sélection sonore. Comme je le disais, il y a tant de choses à savoir sur la sélection des sons dans vos betteraves. J'espère que vous avez apprécié ce cours. Concluons donc la vidéo finale ici. 17. [OUTRO] Sélection de sons dans le tutoriel et astuces de Beats: Très bien, j'espère que vous avez apprécié ce cours sur la sélection des sons. Il y a tellement de choses à savoir sur sélection des sons et j'ai essayé de vous expliquer comment il abordait la sélection des sons dans un contexte réel . Lorsque nous avons créé un b, j'ai essayé de vous expliquer comment il abordait réellement la sélection des sons. Donc, lorsque nous voulons tirer parti de nombreux instruments différents dans notre musique, voici toutes les astuces dont nous disposons. Utilisez-vous des notes individuelles ? Utilisez-vous des cordons ? Tirez-vous parti des différentes octaves pour pouvoir répartir vos sons ? Encore une fois, la longueur de la note est la longueur. Courte ? C'est long ? Encore une fois, ce n'est pas parce que vous avez joué la note courte que le nœud est réellement court. Également, le placement des sons, où placez-vous vos sons dans le morceau ? C'est énorme. Ensuite, la sélection du son se base sur le placement de votre son. Encore une fois, j'espère que vous avez apprécié ce cours sur la sélection des sons. Si vous avez des questions ou si vous souhaitez que je couvre un cours différent, n'hésitez pas à me contacter. Je suis gratuit. Je m' appelle Riley Weller. Je suis entraîneur de FL Studio. Merci d'avoir consulté ce cours et je vous en reparlerai dans le prochain.