Se faire embaucher comme illustrateur : principes de base pour vous rendre plus adaptable

1. Introduction: Bonjour à tous et bienvenue dans mon cours de partage de compétences. Devenir un bon artiste ou un artiste professionnel demande du temps et du dévouement. Vous savez, je pense qu'il est assez facile et courant de trouver petites vidéos de trucs et astuces en ligne. Mais quelle est la voie à suivre si vous voulez vraiment devenir un artiste polyvalent et recrutable dans l' industrie du divertissement ? Je suis Marco Bucci Je suis artiste professionnel depuis plus de 20 ans. J'ai travaillé pour des choses comme les films, jeux, les films, la télévision, les livres, etc. J'ai également joué de nombreux rôles au cours de ma carrière, allant de la conception de personnages à l'art conceptuel, illustration finale et tout ce qui se trouve entre les deux. J'enseigne également depuis plus de dix ans. J'ai aidé des personnes de tous âges et tous niveaux de compétence à réaliser leur potentiel. Beaucoup sont devenus eux-mêmes des artistes professionnels, tandis que d'autres se sont contentés de rester de sérieux amateurs Pendant mon temps d'enseignement, j'ai pu répertorier un grand nombre de ces moments aha. Ces moments si précieux pour nous en tant qu'apprenants nous aident à nous assurer que nous sommes sur la bonne voie et que nous progressons bien. En enseignant ces concepts, je suis également en mesure d'affiner la façon dont je les utilise dans mon propre travail, ce qui se répercute ensuite directement sur mon enseignement. Cette classe de partage des compétences est hyperconcentrée. Il met l'accent sur la préparation de ces moments aha. Je veux que vous passiez ces moments pour encourager la croissance la plus rapide et la plus efficace de votre apprentissage. Dans ce cours, tout tourne autour de ses capacités, recherche d'un emploi en tant qu'artiste dans différents domaines et compétences, allant de la conception de personnages à l'art conceptuel, en passant par les arrière-plans et les environnements. L'avantage de ces ensembles de compétences est qu'ils s'appliquent à différents supports Vous pouvez totalement les utiliser pour travailler dans le cinéma, la télévision, les livres, les jeux, tout ce que vous voulez. Être recrutable signifie avoir des bases solides sur lesquelles vous pouvez faire appel, quelle que soit la tâche Sur cette note, nous apprendrons grâce à emplois réels que j'ai réellement occupés en tant qu'artiste, emplois qui m'obligeaient à porter de nombreuses casquettes différentes. Il se peut que je développe des personnages un jour, puis que je les intègre à un environnement le lendemain. Le contenu de ce cours est très exploitable. Nous apprendrons les principes fondamentaux individuellement, mais nous apprendrons également à les jongler, car c'est exactement ce que vous êtes censé faire en tant que professionnel Tout au long du cours, vous assisterez à des conférences, à des exercices de renforcement des compétences et à des démonstrations, et vous serez également encouragé à réaliser un ou deux projets de classe. L'un de ces projets sera basé sur le personnage et l'autre sur l'environnement. L'avantage de le diviser en deux projets, c' est que vous pouvez décider quel sujet vous convient le mieux ou qui vous intéresse le plus Ou si vous êtes très enthousiaste, vous pouvez réaliser les deux projets. Cela dépend entièrement de vous. Enfin, ce cours convient à un large éventail de niveaux de compétence. Si vous êtes nouveau dans ce domaine, ce cours vous servira de base solide. Ou si vous arrivez avec un peu plus d'expérience, ce cours vous aidera à affiner vos compétences et à vous montrer la voie de l'amélioration continue Dans les deux cas, mon objectif est de vous rencontrer là où vous êtes et vous faire remarquer les progrès réalisés dans votre travail Je veux que vous commenciez à constater les progrès dans un délai aussi court que des semaines, voire des jours. Ce cours contient de nombreuses informations, alors bloquez du temps sur votre calendrier, accordez-y toute votre attention et commençons à apprendre. 2. Un espace de travail correspondant à votre état d'esprit: Bien, avant d'entrer dans le vif du sujet du dessin et de la peinture, j'aimerais aborder un thème plus large de ce que nous faisons ici Ce que nous faisons, c'est faire preuve de créativité. C'est probablement votre envie de choses qui vous amène à ce cours , à votre poste de travail ou à créer des choses qui vous amène à ce cours, à votre poste de travail ou à votre carnet de croquis Je ne sais pas pour vous, mais je ne suis né ni avec aucune compétence ni talent, mais je suis né avec le désir de créer des choses. Je crée des choses depuis aussi longtemps que je me souvienne. Qu'il s'agisse de dessins horribles dans mon carnet de croquis quand j'étais enfant. C'est exact. Je ne savais pas dessiner étant enfant, mais c'est une autre histoire. De terribles carnets de croquis. Je jouais beaucoup de musique. Je lis beaucoup, et je fais toujours toutes ces choses. Mais c'est une pulsion innée en moi, je ne sais pas d' où elle vient, mais je suis née pour créer des choses pour le meilleur ou pour le pire Quand je dis « pour le pire », je veux dire que si je ne suis pas créative, si je ne peux pas l'être pendant une semaine ou deux, je deviens un peu folle. Je pense que beaucoup d'entre vous peuvent probablement comprendre. Maintenant, quand il s'agit d'être créatif, cela peut sembler un peu étrange, mais je considère cela comme du travail, mais pas comme du travail dans le sens négatif du terme, mais comme du travail comme si vous deviez vous présenter pour accomplir une tâche. Je me souviens que quand j'étais plus jeune, je faisais preuve de créativité quand j'en avais envie. Tu sais, je jouerais de la musique un jour, je dessinais quelque chose un autre jour. Je l'ai traité avec désinvolture, et c'est très bien. Mais quand j'ai décidé de le prendre au sérieux et peut-être de devenir un jour un professionnel, j'ai soudainement dû exprimer cette envie créative à la demande. J'avais hâte que l' inspiration me vienne. Je veux dire, si vous le faites, vous créerez probablement quelque chose tous les deux ou trois mois. L'inspiration n'est pas si courante. Vous devez vous créer un environnement dans lequel, si l' inspiration vous vient ou non, vous pouvez toujours être créatif et faire le travail. Et c'est l'un des meilleurs moyens que j'ai trouvés pour y parvenir. C'est une sorte d'astuce mentale, disons, qui consiste, au mieux de vos capacités, à contrôler et à concevoir l' espace dans lequel vous travaillez, ou peut-être devrais-je dire, à faire en sorte que vous arriviez à un seul espace pour être créatif. Dans mon cas, c'est le studio dans lequel je me trouve en ce moment. C'est là que je viens quand je fais quelque chose de créatif, soit du dessin et de la peinture, comme je le fais professionnellement, ou lorsque j'ai d'autres loisirs. J'aime sculpter. J'aime faire de l'impression 3D. J'ai des appareils électroniques derrière la caméra. Mais tout est contenu dans cette pièce. C'est ma chambre. Mes enfants ne viennent pas ici ou s'ils le font, ils sont très surveillés, même ma femme ne vient pas vraiment ici. C'est mon espace. Je me souviens que je lisais ce livre de Steven Pressfield intitulé The War of Art C'est un livre fantastique, vivement recommandé pour une lecture très rapide. Je pense que c'est 100 pages. Il s'agit de la psychologie ou de la mentalité d' une personne créative. L'une des lignes de ce livre qui m' a toujours marqué est qu'il disait : Steven Pressfield Faites de votre espace un sanctuaire, non pas pour vous, mais un sanctuaire dédié au concept de créativité Faites en sorte que lorsque vous entrez dans votre espace de création, cela vous donne envie de créer quelque chose. Je veux dire, cela semble banal maintenant que je viens entendre sortir de ma bouche comme ça, mais c'est vrai Quand je viens dans cet espace, je me sens bien. Je me sens inspirée. J'aime bien cette chambre. J'ai envie de m'asseoir sur cette chaise , de regarder ces écrans et de sortir un carnet de croquis ou quoi que ce soit d'autre que je fais ce jour-là, et je veux créer Je vais vous faire une petite visite vidéo de cet espace dans un instant. Quelques concepts me viennent à l'esprit et m'ont aidé à concevoir cet espace. Croyez-moi, je ne suis pas architecte d'intérieur. Je veux dire, je devrais probablement suivre des cours de partage de compétences sur le design d'intérieur. Ce que j'ai fait, c'est juste penser aux choses que j'aime voir, aux choses qui me mettent à l'aise. Par exemple, ce lambris ici. C'est du vieux bois de palette que j'ai trouvé sur le bord de la rue, que j'ai coupé à la scie, que j'ai découpé à la bonne taille et que je l'ai agrafé au mur Pourquoi du vieux bois de palette ? Je ne sais pas. Il y a quelque chose que j'aime dans le vieux bois rustique . Je trouve cela réconfortant. Le travail du bois est un autre de mes passe-temps, et il y a juste quelque chose que j'aime dans le vieux bois recyclé J'ai donc posé ce lambris sur mon mur. Maintenant, ce lambris est spécifique à ce coin de ma chambre Tu sais, là où je dessine et je peins. Vous ne pouvez pas voir derrière la caméra, mais le reste de cette pièce est fait vieilles plaques de plâtre que j'ai peintes, comme dans une pièce ordinaire, mais ici, c'est spécial Ce lambris enveloppe tout mon espace créatif ici. Et je ne sais pas. C'est juste un environnement que j'aime bien. J'ai vu d'autres espaces d' artistes peuplés de nombreuses plantes. Maintenant, je ne suis pas vraiment un passionné de plantes. Je veux dire, j'aime les plantes, mais je n'arrive pas à les maintenir en vie, donc pas de plantes pour moi. ai essayé de garder une plante une fois, mais elle est morte en une semaine, donc plus de plantes pour moi. J'aime que les choses soient bien rangées, mais pas forcément que tout soit rangé J'aime avoir les choses à leur place mais à ma disposition. Si j'ai besoin d'un crayon, il est là. Je n'ai pas besoin de fouiller dans un tiroir Même si c'est plus propre s'il y avait des crayons dans un tiroir, j'aime avoir mes affaires à portée de main Je n'abandonne jamais ma mentalité au processus de création. Je peux juste me procurer les outils dont j'ai besoin. Vous verrez comment cela entre en jeu lorsque je ferai la petite vidéo de présentation. Mais le but de tout cela est de comprendre ce qui vous met à l'aise, heureux ou créatif, surtout si votre objectif est d'amener cela à un niveau professionnel, ou même si votre objectif est d'en faire un passe-temps très sérieux, quelque chose que vous pouvez faire quotidiennement ou semi-quotidiennement. Vous ne pouvez pas vous permettre d'attendre l'inspiration. Tu dois être capable de te présenter et de faire quelque chose. Oui, lorsque l'inspiration vous vient, vous pouvez créer quelque chose d'un peu mieux, car l'inspiration est comme un stimulant mental qui fait du bien. Mais en parlant d' expérience, je veux dire que je fais ça depuis plus de 20 ou 20 ans en tant que professionnel de toute façon. Je peux honnêtement vous dire que l'inspiration n'est là que 10 % du temps pour moi. La plupart du temps, lorsque je me lève le matin, j'ai presque l'impression de ne pas avoir envie de le faire, mais c' est dans cet espace que je peux m'installer, écouter de la musique d'ambiance ou boire un café, selon mon humeur du jour, et je peux m'isoler du monde et faire mon truc. Et puis une fois que j'en suis à une demi-heure ou peut-être une heure, je trouve que j'ai du mal à m'arrêter. Le moment passe à toute vitesse. Et tout cela témoigne de l'état d'esprit, et je pense que l'état d' commence par votre espace personnel. Voici donc une petite vidéo de ce que je suis en train de faire ici. Voici donc l'espace que vous venez de voir, mais sous un angle différent, cela simule en quelque sorte mon entrée dans la pièce Il se trouve que c' est une pièce au-dessus de mon garage, donc c'est assez grand. En fait, c'est un bureau de sept pieds que j'ai construit. Il est simplement construit avec une feuille de contreplaqué que j'ai découpée à la taille. J'ai copié mon ancien bureau ICA de mes années d'étudiant et j'ai découpé ce petit coin ici Cela m'aide en quelque sorte à me blottir et à améliorer ma posture. Je n'ai pas besoin de trop me pencher. Donc oui, c'est ici que je travaille tous les jours, enfin, en semaine de toute façon Et parfois je me faufile ici le week-end aussi. N'oubliez pas que c'est mon sanctuaire dédié à la créativité. Les œuvres d'art que j'ai accrochées à mon mur, sont toutes des œuvres originales d'autres artistes, me rappellent ce dynamisme créatif brut Notez que ce sont tous des croquis, pas de travail terminé. Ce sketch de Batman est le mien, mais il y a des raisons particulières à cela. Quoi qu'il en soit, j'ai choisi des pièces non pas pour leur beauté finale, mais pour leur force émotionnelle brute. Je peux voir les empreintes digitales littérales ces sculptures en argile ici J'aime beaucoup les poses et les gestes des sculptures Disney qui s'y trouvent, et je peux voir le graphite sur tous ces croquis au crayon Donc, en termes d'équipement, j' utilise une configuration à double écran assez standard, juste un écran LCD bon marché sur la gauche pour les e-mails et la navigation sur le Web, etc. Ensuite, sur la droite, j'ai un vieux cynic qui rentre chez moi à pied. C'est le modèle le plus professionnel et le plus grand qu'ils fabriquent. Ironiquement, je ne l'utilise pas vraiment , sauf comme moniteur Je préfère de loin ma tablette Walm habituelle, qui se trouve ici Il s'agit de l'Intuos P, qui est la plus grande tablette qu'ils fabriquent, mais j'ai commencé la peinture numérique en 2002 époque, il n'y avait pas de tablettes synthétiques ou à écran, je me suis simplement habituée à cette tablette ordinaire et les vieilles habitudes ont la vie dure, je suppose Maintenant, il m'arrive d'utiliser un syntic, comme lorsque je travaille sur l' animation, par exemple Je l'ai sur un bras de montage que je peux facilement retirer. Et quand je ne dessine pas avec, je peux le remettre dans le mur juste pour l' éloigner de mes yeux. Voici une simulation de ce que je vois lorsque je m' assois dans mon fauteuil. Je laisse cet espace à gauche de ma tablette ouvert pour tous les supports traditionnels, pour la sculpture ou le dessin que je pourrais avoir envie de faire Parfois, j'y fais de petits croquis de gauche ou juste des croquis au crayon ou je prends simplement des notes ou quelque chose comme ça. Bien sûr, j'ai cette œuvre d'art qui m'entoure et vous pouvez vraiment vous en rendre compte de ce point de vue. J'ai mon clavier et ma souris en dessous du bureau. Encore une fois, j'avais un vieux bureau ICA qui le faisait et je l'aime beaucoup sur le plan ergonomique Cela améliore ma posture. Juste ici, j'ai mon micro que j'ai utilisé pour enregistrer des vidéos éducatives comme celle-ci et mes vidéos YouTube. Encore une fois, c'est à portée de main. Je tourne simplement la tête et je peux dire les lignes, c'est exactement ce que je fais en ce moment. Le micro est caché. Il n'a jamais besoin de bouger. Il est toujours là quand j'en ai besoin. J'ai ma petite interface audio ici. Je peux régler le gain du micro ou faire ce que je dois faire. Cela ne bouge jamais non plus. Ce microphone n'est qu'un jouet. C'est une sculpture que j'aime bien. On dirait que ça devient poussiéreux. J'espère que cela vous prouve que ce n'est pas moi qui l'ai mise en scène. Quoi qu'il en soit, il se trouve que trois interfaces d'impression 3D correspondent à tous mes loisirs. J'ai donc l'imprimante 3D ici et elle est en train d' imprimer. Quoi qu'il en soit, c'est pourquoi mon bureau mesure sept pieds de long. Je peux donc ranger tout ça et encore une fois, tout avoir à portée de main. Avant de faire tout ça, c' était un joli petit coin lecture Il y avait un canapé ici, une sorte de petite table basse, mais je savais que c' était l'espace qui me parlait le plus, alors je me suis débarrassé de tout ça et je l'ai remplacé par mon studio. Sur la droite, j'ai une belle fenêtre. J'ai lu quelque part qu'il est utile de recentrer ses yeux sur différentes distances Lorsque je prends des pauses qui ne m'obligent pas à quitter la pièce, ce que j'essaie de faire, j'essaie de quitter la pièce autant que possible lorsque je travaille juste pour les pauses. Mais chaque fois que je n' ai pas le temps, j'aimerais simplement regarder par la fenêtre. Il y a de beaux espaces verts dehors, et j'ai veillé à ce qu'aucun oiseau ne meure à cause de cette fenêtre. Revenons à mon matériel pendant une seconde. Cela ne fonctionne pas sur un ordinateur portable ou quelque chose comme ça. Il fonctionne sur un ordinateur de bureau. Mais ce n'est pas un superordinateur. Mes spécifications sont affichées à l'écran. À mon avis, l'endroit où dépenser votre argent est la RAM. Une grande quantité de RAM permet de garantir que votre logiciel ne s'enlise pas. Quoi qu'il en soit, comme je produis beaucoup de fichiers, j'ai des disques durs portables ici. Ici, juste quelques tiroirs, mes fournitures de sculpture sont là. Maintenant, je ne sculpte pas beaucoup, donc ces fournitures sont rangées, et quand je sculpte, j' utilise simplement la zone située à De l'autre côté de la pièce se trouve mon bureau d'art traditionnel. Maintenant, c'est strictement pour le travail personnel. Je n'utilise pas les médias traditionnels de manière professionnelle. Voici une œuvre personnelle que je viens de terminer à l'acrylique. Comme vous pouvez le voir ici, c'est un gâchis beaucoup plus chaotique. Mais je vous assure que c'est un gâchis contrôlé. J'ai mes pinceaux ici. J'ai rangé des peintures dans ces mini-tiroirs, et elles sont classées par température de couleur J'ai un autre type de peinture ici et un autre type de peinture là-bas. J'ai un tas de crayons de couleur ici et juste au-dessus se trouve mon fidèle Encore une fois, c'est la même philosophie. Tout est à portée de main. Personnellement, je n'ai pas besoin que tout soit impeccable. J'ai une tolérance limitée à l'égard d'un petit gâchis, mais ce que vous voyez ici, c'est l'étendue de cette tolérance. Lorsque les choses franchissent inévitablement cette limite de tolérance, je passe le temps dont j'ai besoin , comme une demi-heure d'habitude, juste pour revenir à la normale. Encore une fois, le simple fait de le faire est très bénéfique sur le plan mental. Maintenant, avant d'aller plus loin, je me rappelle ce que c'était d'être un jeune étudiant. Je louais une chambre individuelle dans une maison, et si c'est votre cas, vous ne pouvez littéralement pas avoir de pièce dédiée aux tâches créatives. Bien que je vous recommande d'accéder à différentes que vous aurez accès à différentes pièces, vous devriez dissocier votre chambre de votre chambre à coucher de votre espace créatif Mais si vous ne pouvez pas encore le faire, je pense toujours que vous pouvez en appliquer les principes. Essayez de vous tailler un petit coin de votre pièce pour les activités créatives. Si vous ne louez qu'une chambre, peut-être vos lits là-bas, objets créatifs le plus loin possible. Fais en sorte que tu ne puisses pas littéralement te retourner sur ta chaise et tomber dans ton lit, ce que je faisais exactement il y a 20 ans. Il existe des recherches qui soutiennent que ce genre de situation n'est tout simplement pas utile à long terme pour votre état d'esprit. Si vous n'avez qu'une seule pièce, essayez de créer le plus d' espace possible entre endroit où vous êtes créatif et le reste de votre vie dans cette pièce. OK, nous sommes prêts à plonger ici. Mais avant cela, une dernière chose, va vous présenter beaucoup d' ce cours va vous présenter beaucoup d'informations, des informations fortement condensées et concentrées. Ne vous attendez pas à tout obtenir et à tout utiliser immédiatement. Je vous garantis presque que cela ne se produira pas, simplement parce que tout est concentré, vous devrez faire le tri et vous donner le temps non seulement de comprendre les concepts, mais aussi de voir comment vous pouvez les utiliser. Maintenant, certaines de ces choses, oui, se produiront tout de suite. Ne vous attendez pas à ce que tout se passe tout de suite pendant le cours. Mais c'est l'avantage du partage des compétences et des classes à la demande comme celles-ci. Vous avez tellement d'options. Vous n'avez même pas besoin de regarder toute la classe de l'avant vers l'arrière tout de suite. Vous pourriez commencer par le premier trimestre ou peut-être par les premières leçons. Les premières leçons de ce cours peuvent certainement vous aider à pratiquer le dessin pendant des semaines, voire des mois. Nous allons commencer ce cours par le dessin gestuel. Lorsque j'ai appris le dessin gestuel pour la première fois, je ne suis pas passé à autre chose pendant environ trois mois. Vous pouvez faire de même avec ce cours. Ou peut-être qu'une autre façon de le regarder est, oui, de le regarder de l'avant vers l'arrière. Ne dessinez même pas ou quoi que ce soit d'autre, regardez simplement le tout, ce que vous pourriez probablement faire en quelques séances, puis revenez en arrière, revoyez les sections et mettez-les en pratique, vous donnant suffisamment de temps pour digérer cela avant de passer à nouveau au reste de la classe C'est comme si vous aviez un sac de biscuits devant vous. Vous pouvez manger un ou deux biscuits et savourer l'expérience Mais si vous mangez le sac entier, vous vous serez ironiquement privé de tout ce plaisir J'ai l'impression qu'apprendre, c'est comme ça. Cela fonctionne généralement mieux lorsque vous prenez de petites portions à la fois, sections digestibles, que vous les digérez, puis que vous passez à l'étape suivante N'oubliez pas que même lorsque vous êtes passé aux trois quarts du cours, il est tout à fait viable de revenir au début, y renforcer certains principes fondamentaux. Après tout, ces classes s'appuient toutes les unes sur les autres. Si vous vous retrouvez à revenir en arrière et à corriger quelque chose dès la première partie du cours, cela aidera en fait ce qui arrivera bien plus tard C'est comme réparer les fondations médiocres d'une maison. Cela aidera le toit à rester si vous avez de bonnes fondations. Je pense vraiment que c'est l'un des inconvénients les plus courants que je constate chez les étudiants aujourd'hui Grâce à Tick Talk, aux courts métrages YouTube et aux Instagram Reels, tout le monde est habitué à faire défiler et à obtenir une satisfaction instantanée Dessiner n'est pas comme ça, malheureusement. Tu dois te donner du temps. Alors je vais te trouver un accord. Je ferai de mon mieux pour vous présenter le contenu de la manière plus divertissante et la plus efficace possible, mais vous devez ralentir et vous donner le temps de tout assimiler C'est bon. Alors, on y va. 3. Flexible = Embauchable: Dans ce chapitre, nous verrons ce que l' on peut attendre de vous en tant qu'illustrateur. Un thème que j'ai remarqué dans mon travail est le fait que les clients varient considérablement. Et parce que je veux le faire manière professionnelle et en vivre, il m'appartient de pouvoir m' adapter à toutes sortes de styles différents Maintenant, j'ai un style de dessin naturel. si je dessine et peins pour moi-même, j'ai tendance à travailler dans un style spécifique. Celui dans lequel je me sens le plus à l' aise, mais qui peut disparaître lorsque je travaille pour des clients. ont très souvent du mal à s'adapter ainsi à votre art élèves ont très souvent du mal à s'adapter ainsi à votre art. Cela ne vient pas naturellement. En général, peut-être qu'un seul style vient naturellement à quelqu'un et que quelque chose d'autre peut sembler complètement étranger au début. Mais avec nos racines dans les fondamentaux de l'art, nous devrions être capables de nous adapter à tous les styles. Parce qu'il s'agit de la compétence de base qui vous rend apte à être embauché, nous devons faire de l'adaptabilité une priorité de notre apprentissage Dans cette leçon, je vais d'abord vous montrer comment j'ai dû m'adapter à différents styles au fil des ans, et j'essaierai également d' expliquer en quoi ils sont tous ancrés dans le même ensemble de principes fondamentaux. Je vais ensuite faire une petite démonstration où je peins deux fois le même tableau de base, en utilisant les mêmes principes fondamentaux et le même sujet, mais j'aborderai ces peintures de manière complètement différente. Cela vous permettra de bien comprendre comment les mêmes principes fondamentaux de l' art peuvent conduire à des styles complètement différents. Allons-y. C'est bon. La première chose que j' aimerais te montrer. Ce que j'ai à l'écran ici, ce sont quatre tableaux différents, que j'ai tous réalisés, et ils sont tous réalisés dans des styles différents. Vous pouvez probablement le voir tout de suite. Cette pièce avec le monstre est réalisée dans un style cartoon, alors que celle-ci est plus réaliste Mais aussi, si vous regardez l'application de peinture, celle-ci est très nette avec beaucoup de bords découpés et de lignes droites. Il comporte très peu de courbes. Les formes semblent très nettes et aux arêtes dures, alors que est le cas ici, où les formes sont très douces et peintes à l'aérographe cela ressemble moins à une lame de rasoir Disons que cela ressemble moins à une lame de rasoir qu'à un oreiller moelleux Cette peinture peut également ressembler à un coussin moelleux, mais dans celle-ci, le coup de pinceau est un peu plus prononcé Vous pouvez presque voir les traits individuels. Comparé à celui-ci où les objets sont brossés à l'aérographe et assez doux Si vous regardez le changement de forme sur le museau de Pete, bords sont très doux Alors que si vous observez le changement de forme du monstre, vous pouvez presque compter les coups de pinceau qui en sont responsables. Il en va de même pour l'ensemble du tableau. Sur le pont, encore une fois, vous pouvez compter les coups de pinceau ici. Dans cette zone, je peux voir les traits de gribouillage que j'y ai faits Il n'y a aucun effort pour se déguiser. Une philosophie similaire est vraie pour celui du bas, sauf qu' au lieu de coups de pinceau, vous avez découpé des formes. On dirait que des objets ont été découpés à l'aide d'un gabarit puis appliqués sur le tableau. Il n'y a vraiment aucun coup de pinceau ici. C'est ce concept qui consiste à découper des formes à bords arrondis. Ce tableau de droite se situe quelque part entre ces deux choses. C'est certainement plus similaire de dire celui-ci ici. Les coups de pinceau sont visibles. Mais dans l'ensemble, l'effet que je recherche ici est plus réaliste. Maintenant, pas le photoréalisme. Je ne veux faire croire à personne qu'il s' agit d'une photographie. Ça devrait quand même être un tableau. Mais si vous zoomez ici, vous pouvez voir qu' il y a encore des coups de pinceau très visibles. l'ensemble, je n'essaie pas de dissimuler les pinceaux que j'utilise Si nous passons au personnage principal, Clara, c'est elle qui est la plus rendue, ce qui signifie qu'elle possède le plus large éventail de bords, du plus dur au plus doux Il existe également une large gamme de types de pinceaux utilisés. Vous pouvez y voir de petites étincelles et des petits points. Mélangé ici à un pinceau plus large où les coups de pinceau sont davantage déguisés, mélangés, disons Si nous montons jusqu'à sa tête, c'est pareil. Le formulaire a un aspect très doux. Je n'essaie pas de montrer les traits autant que dans cette pièce. Mais en même temps, je ne veux pas masquer le fait qu'il s'agit d'une peinture réalisée à la main En fait, plus vous reculez dans cette pièce, faites un zoom arrière pour voir le contexte, voir toutes ces personnes en arrière-plan. Si on zoome dessus, je veux dire, regardez ça. C'est un peu révélateur qu'il s' agit d'une peinture ou d'une peinture numérique, où j'utilise toutes sortes de pinceaux numériques pour obtenir un certain effet. Ensuite, bien sûr, lorsque vous effectuez un zoom arrière, tous ces coups de pinceau se confondent en quelque sorte, et vous avez l'illusion qu'il s' agit d'une foule de personnes en va de même pour cette foule de personnes, bien sûr, j'ai sélectionné quelques détails ici et là, vous pouvez en quelque sorte voir la structure de la tête de cet homme. Il n'y a certainement pas d'yeux ou vraiment pas de bouche là-dedans. Vous pouvez voir cette personne ici, elle ressemble presque à un crâne, juste la structure de base d'un crâne. Mais lorsque vous effectuez un zoom arrière, elles se combinent à nouveau et ces traits commencent à prendre tout leur ces traits commencent à prendre Parfois, je choisis de faire des peintures un peu plus rendues. La cathédrale de cette pièce a juste un peu plus d' étanchéité au pinceau Maintenant, pas complètement, vous pouvez voir des coups nus comme ça, que j'aime laisser ce genre de choses derrière moi. Beaucoup des mêmes pinceaux à pois que ceux que j'ai utilisés pour ce personnage ici Ce sont exactement les mêmes pinceaux parce que j' utilise généralement les mêmes ensembles de pinceaux. Mais dans d'autres domaines, comme les structures ici, on accorde juste un peu plus d' attention au rendu. Encore une fois, pas au niveau du photoréalisme , car ce n'est généralement pas ce qui m' intéresse pour l'art. Mais vous pouvez constater qu'une attention particulière doit être portée, en veillant à ce que cette forme cylindrique soit très, très ronde, avec des transitions très douces, et j'ai probablement utilisé un aérographe au moins pour la bloquer afin de m'assurer que la transition se fasse en douceur avant d' ajouter Dans d'autres domaines, comme par exemple les nuages ici, c'est totalement abstrait les coups de pinceau sont complètement visibles, et ce n'est que lorsque vous effectuez un zoom arrière qu'ils ont tous un sens ensemble. Et oui, ce sont des zombies, d'ailleurs. Voici une autre pièce à l'esthétique très tranchante. Il provient du même projet que celui-ci. Comme vous pouvez le constater, ils semblent tous les deux vivre ensemble. S'il s'agissait d'un livre, vous pourriez tout à fait les imaginer côte à côte sur la même page. Tout cela est une question de style. L'approche stylistique que j'adopte entre ces deux images est parfaitement cohérente J'ai établi les règles de ces photos. À savoir, comme je l'ai déjà dit, il est fait de formes à arêtes dures et de formes qui ne sont pas cachées. Vous pourriez prendre votre crayon ici dans Photoshop et tracer cette forme lumineuse qui tombe sur le sol , quelque chose comme ça Il y a là une forme très claire et simple. Même de petites formes. Je pourrais faire la même chose avec ça. Tu vois ça, c'est quoi un trapèze ? pouvez voir cette forme ici. C'est comme une boîte déformée. L'une des règles que je me suis fixée sur ces photos était de rendre les formes très simples et géométriques. Nous pouvons zoomer sur cette pièce ici et voir le même type d'application. Si vous regardez la lumière et l' ombre qui tombent sur l'herbe, j'essaie d'imiter la lumière tachetée qui tombe d'un arbre, mais ce sont des triangles, des trapèzes, des carrés et des rectangles, les formes n'ont mais ce sont des triangles, des trapèzes, des carrés et des rectangles, les rien de Ils sont graphiques et visibles, et c'est la règle numéro un de ce style que je me suis fixée lorsque j' ai réalisé ce projet. Voici un autre exemple de projet que nous examinerons encore plus en détail tout au long de ce cours. Mais il s'agit d'une série de concepts de personnages pour le même projet. Le projet ne veut qu'un seul personnage. C'est ce personnage qui s'appelle Jake, mais ils n'avaient aucune idée de ce à quoi Jake devrait ressembler. Voici au moins 13 designs, et je crois que j'ai soumis une toute autre page. Mais vous pouvez voir que, tout comme pour ce projet ici, j'ai veillé à ce que tous mes dessins de Jake soient réalisés avec la même esthétique. Si je devais le mettre en mots, ce sont des formes un peu rondes. n'y a rien de vraiment tranchant là-dedans, même si parfois c'est le cas, sa chemise est une sorte de squash en forme de rectangle. Il y a des lignes droites ici. Vous pourriez tracer une ligne droite descendant tout le long de son corps à cet endroit. Mais dans l' ensemble, il est rond. Sa tête est ronde. Cette tête, pareil, a une forme ronde. Mais même lorsque j' utilise des lignes droites, si vous regardez son bras ici, je veux dire, oui, que cette ligne inférieure est plutôt droite, mais vous remarquerez qu'elle se transforme en une courbe gracieuse C'est vrai même pour les lignes de son corps. C'est une ligne assez droite, mais vous remarquerez qu'elle alimente une chaussure arrondie. Chaque fois que j'utilise des lignes droites, j'essaie de les complimenter avec leurs homologues ronds, juste pour m'assurer que c'est agréable, convivial et fluide Les formes rondes ont tendance à être un peu plus conviviales avec beaucoup de ces croquis. Tu peux même voir mes difficultés. Regardez cette zone ici, vous pouvez voir mon ébauche dans des esquisses. Si vous remarquez ces esquisses, cela montre que je pense à la rondeur en procédant comme suit Ce n'est qu'après avoir fait quelques esquisses que je trouve la forme finale que je souhaite utiliser. Bien entendu, ce sont tous des exemples de la façon dont je dois m' adapter en tant qu'artiste. Si ce client vient me voir après ce projet et veut un certain look découpé, eh bien, si je soumettais ces dessins à ce client, il dirait que cela ne marchera pas. Ou si j'avais ce client ici qui est évidemment Disney, sont des personnages de Disney, ils voulaient ce joli look presque aérographe où vous attirez moins d'attention sur l'approche de la peinture, et où il s'agit plutôt et où il s'agit plutôt de simplement lire les personnages et de les faire sentir doux et agréables à regarder. Alors qu'avec ce tableau, il s'agit d'une de mes œuvres personnelles. J'opte pour une combinaison agréable, douce et agréable pour les yeux, mais aussi pour vous faire découvrir le type spécifique de pinceau que j'utilise Je veux presque que tu ressentes l'énergie de mon bras quand je l'ai peint. Vous pouvez voir et sentir ce que vous avez ressenti en peignant ces traits. C'est ce que je recherche ici. C'est souvent ce que je recherche dans mon style personnel. Ce projet a nécessité ici une légère adaptation. Je veux tout de même que vous sentiez l'énergie des traits, mais je devais faire attention aux points focaux, à ces zones où cela doit être à ces zones où cela doit un peu plus proche de cela, où vous remarquez simplement le rendu du personnage et moins le coup de pinceau Mais encore une fois, comme je vous l'ai déjà montré, vous passez à l' arrière-plan, cela ressemble davantage à ceci, où oui, vous pouvez voir quel est le sujet, s'agit d'une statue d'orignal géante, il s'agit d'une statue d'orignal géante, mais où l'on accorde beaucoup plus d' attention au coup de pinceau physique qu'elle contient En voici un réalisé pour le même projet que celui-ci. Elles font partie du même livre. Il s'agit d'un autre projet Disney. J'ai pu illustrer la version livre de leur film sur les biscuits aux noix de 2017, 2016 et 2017, et voici mes illustrations tirées de ce film Encore une fois, celui-ci est plus rendu. Nous pouvons zoomer et nous pouvons voir comment j'utilise bords plus souples pour vraiment montrer la rondeur de la forme Mais comme j'essaie presque toujours de le faire. Je suis toujours en train de trouver des endroits où laisser des traces de coups de pinceau. Mais dans les zones où le point focal est comme son visage, j'essaie d'être très douce et très tendue dans cette zone. Et il en va de même pour la main, c'est aussi une grande partie de l'attention. J'essaie d'être un peu plus habile avec la main. Si nous zoomons, vous pouvez voir que je mélange et que je brouille en quelque sorte mes bords entre les traits J'ai utilisé beaucoup d'outils de maculage pour cela et de l'aérographe ici peux encore voir des preuves de mon blocage ici, pour lequel j'utilise mon pinceau à pois, j'adore l'utiliser Cela me donne juste l' impression d'être libre de peindre ce que je veux avant de passer aux derniers traits. Quoi qu'il en soit, j'espère que cela vous donne un aperçu de ce à quoi cela ressemble, moins dans le contexte de ma propre carrière, de la façon dont j'ai dû m'adapter à différents projets et parler de différents styles. Vous vous posez peut-être la question suivante : comment faites-vous cela ? Comment sautes-tu et deviens-tu un caméléon entre différents styles La réponse à cette question, comme je l'ai indiqué dans l' introduction de ce cours, consiste à connaître les Si vous savez ce que vous faites fondamentalement à une photo. Par exemple, ajouter de la lumière à l'ombre, cela peut être fait dans 1 million de styles différents. Mais pour cela, vous devez d'abord savoir ce qu'est la lumière ? À quoi ça sert ? Qu'est-ce que l'ombre ? Qu'est-ce que ça fait ? Comment se rapportent-ils les uns aux autres sur une photo ? Ce ne sont pas des questions de style. cela va à l'encontre du style, comme les fondations d'une maison, et ce sont des questions fondamentales. Pour renforcer encore ce concept pour vous. Je voudrais faire une petite démo où je peins deux fois la même chose, mais dans deux styles différents avec des approches différentes. Allons-y. J' ai deux toiles ici et je vais les peindre simultanément. Je vais suivre la même approche chacune d'entre elles et elles sont relativement synchronisées, vous pouvez donc comparer chaque étape du processus. Vous aurez une idée claire de la façon dont les principes fondamentaux sont les mêmes dans les deux cas, mais l'approche et, par conséquent, l'esthétique visuelle ou le style qui en résulte sont différents entre les deux. Vous pouvez déjà le voir sur la gauche, j'utilise beaucoup plus de pinceaux et sur la droite, je n'utilise que ces formes découpées, comme dans les projets que je vous ai montrés tout à l' Dans les deux cas, cependant, j'opte pour un arrière-plan supérieur foncé et un arrière-plan inférieur clair. Je vais imaginer que la partie inférieure de l'image ressemble au sol, et qu'il y aura une balle assise sur ce sol, que je bloque ici. Bien sûr, sur la gauche, j'utilise un pinceau pour bloquer cette balle et sur la droite, j'utilise cette sélection irrégulière Et cela illustre déjà le principe de base en jeu ici. L'essentiel est que nous dépeignions une balle sur cette photo Mais la façon dont nous abordons cette balle est complètement différente d' une photo à l'autre. Par exemple, sur la gauche, j'ajoute des ombres simplement avec un pinceau rond, peins, et maintenant sur la droite, je les peins, et maintenant sur la droite, j'ajoute les mêmes ombres, mais avec un outil de sélection, et au lieu de les peindre avec un pinceau, j'utilise des remplissages de couleur de base. Chacun de ces remplissages de couleur sur la droite peut être ajusté, ce que je fais en ce moment. Regarde l'ombre sur le ballon sur la gauche. Remarquez à quel point c'est très brossé. Maintenant, regardez ce qui se passe sur la bonne photo. Je bloque dans la même ombre, mais encore une fois, avec un remplissage des bords durs précis au pixel près. Je vais maintenant utiliser la même technique pour allumer les lumières sur le ballon. Remarquez que je fais la même chose sur le tableau de gauche, mais j' ai reconstruit ces lumières avec un pinceau. Sur la gauche, j' appuie très légèrement sur ma tablette pour mélanger ces tons et ces couleurs. Alors que sur le bon tableau, ce n'est pas possible. Je me limite aux remplissages colorés aux bords arrondis. Il n'y a pas de mélange doux. Le mélange est un autre de ces principes fondamentaux. Je peux imiter le mélange sur la droite. Je dois simplement le faire avec des formes dont ton est très proche, sans trop de changements d' une forme à l'autre. Il suffit de regarder les zones d' ombre des deux sphères, la gauche et la droite, et de remarquer qu'elles ont toutes deux la caractéristique fondamentale d'un mélange doux, mais qu'elles sont obtenues de deux manières complètement différentes On dirait presque que deux artistes différents les ont peintes. Bien sûr, c'est le pouvoir de l'adaptabilité. Vous pouvez imiter le look d'artistes très différents. C'est ce qui vous rend intrinsèquement recrutable ou désirable pour accompagner notre client Il y a là beaucoup plus de polyvalence que si vous vous spécialisiez dans un seul domaine. Et oui, il existe de nombreux artistes qui se spécialisent dans un seul domaine. Mais je pense également que le marché a beaucoup évolué au cours de la dernière décennie, disons, ou plus, où les artistes ont plus de succès lorsqu'ils sont capables de s'adapter Après tout, c'est la nature du métier. Différents clients ont des besoins différents, besoins différents exigent des esthétiques et des styles Il est toujours intéressant pour une entreprise de pouvoir chevaucher cela. En pratique, une entreprise ou client préfère travailler avec un seul artiste, quelqu'un qu'il connaît et en qui il a confiance, qui doit trouver un artiste différent à chaque fois. Par exemple, j'ai beaucoup travaillé pour Walt Disney Publishing. Vous venez d'en voir quelques exemples dans la section précédente. Le directeur artistique m'envoie toujours des e-mails et me dit : « Salut, Marco, voici le style de ce prochain livre. Vous sentez-vous à l'aise de travailler de cette façon ? Comme j'ai toujours été capable de dire, oui, je me sens à l'aise de travailler de cette façon, je peux littéralement compter le nombre d'emplois que j'ai obtenus que je n'aurais pas obtenus si je n'avais travaillé que dans un seul style. J'ai probablement obtenu des années de travail de cette façon. Encore une fois, c'est grâce aux fondamentaux. 4. Se faire embaucher : conception de l’industrie: L'un des grands débats que vous devrez résoudre vous-même tourne autour de la question suivante : dois-je être un généraliste ou un Un généraliste est une personne qui possède des compétences un peu partout, design de personnages, qui implique poses et des revirements, en utilisant des feuilles d' expression, par exemple, en art conceptuel, étant capable de visualiser quelque chose dans un tableau très rapidement, en environnements, en mettant des personnages en arrière-plan ou simplement en arrière-plan sans personnages, et peut-être jusqu' mettant des personnages en arrière-plan ou simplement en arrière-plan sans personnages, au bout à l'illustration terminée. Qui peut combiner les personnages et l'arrière-plan, ainsi que des outils de direction artistique lourds tels que l'éclairage et la composition, etc. Un généraliste est une personne dont les aptitudes couvrent toutes ces matières Un spécialiste, en revanche, est quelqu'un qui est hyper concentré sur une seule chose On le voit partout dans l'industrie. Une personne très courante, par exemple, serait qu'une personne soit créatrice de personnages, et c'est tout ce qu'elle fait. Ils n'essaient même pas de créer des environnements. Vous verrez souvent ces éléments se refléter dans les portfolios des artistes. Si quelqu'un est un généraliste, vous pouvez voir un personnage ici, un environnement ici, ou si quelqu'un est un spécialiste, lorsque vous voyez son portfolio, vous ne devez vous attendre à voir que des personnages Maintenant, en matière de style, je pense qu'il y a une réponse très claire : vous devez être un généraliste En termes de style. Vous devriez être capable de dessiner et de peindre dans différents styles. Bien entendu, nous venons d'en parler lors de la discussion précédente. À mon avis, vous ne vous tirez une balle dans le pied que si vous ne pouvez utiliser qu'un seul style. Si l'art est votre hobby, c'est très bien. Un seul style est tout ce dont vous avez besoin. Mais ce cours a pour thème l'embauche, et l'une des choses les meilleures et les plus évidentes que vous puissiez faire dans ce domaine est de vous adapter à différents styles Mais revenons au sujet pendant une seconde. n'y a pas de réponse facile. Il n'y a pas non plus de bonne ou de mauvaise réponse. Tout le monde est différent. Chacun a des aptitudes, des intérêts et des compétences différents. Bien que vous puissiez élargir vos compétences, ce que j'espère faire dans ce cours avec vous, il est faire dans ce cours avec vous, probablement raisonnable de supposer que vous êtes le plus à l'aise avec une chose. C'est ici que je peux commencer à parler personnellement. J'ai remarqué que ma propre orientation avait en quelque sorte changé au cours de mes années dans l'art. Au début, je m'intéressais surtout aux personnages. En fait, je voulais devenir animatrice de personnages, alors je n'ai fait que dessiner et essayer d'animer Ce n'est que quelques années plus tard, environ quatre ans plus tard, que j'ai découvert que j'adorais peindre et pas seulement peindre des personnages, mais aussi peindre des arrière-plans et des environnements. Cela m'a totalement pris au dépourvu, mais j'ai juste suivi mon cœur sur ce point. J'ai remplacé les personnages par des environnements, et je me suis vraiment concentré sur ce point au cours des années qui ont suivi. Maintenant, j'ai finalement bouclé la boucle et j'ai épousé les deux. Bien sûr, je n'ai jamais complètement oublié les personnages. J'ai réussi à réunir les deux. N'oubliez pas que cela s' étend sur plusieurs années. Mais j'ai découvert que pour moi, il me semblait naturel d'être généraliste, c'est-à-dire que j'avais des compétences dans différents domaines et que je pouvais les combiner. Non seulement cela, mais je voulais vraiment créer des illustrations finies, avec personnages et des arrière-plans où l'on n'a pas l'impression que l'une est mieux faite que l'autre. Ils ont l'impression de vivre ensemble. longtemps que c' est ma volonté en tant qu' artiste, d'être généraliste Cela a fait des merveilles pour moi en tant que freelance, car, bien entendu, les clients peuvent venir me voir pour toutes sortes de choses. L'inconvénient que j'ai découvert en tant que généraliste, c'est que les grands studios, vos Pixars, Dreamworks ou Sony, ont beaucoup plus de mal à vous regarder et à décider où vous vous situez dans leur pipeline Parce que vous pouvez faire un peu de tout, en psychologie, je pense qu'avec un grand studio, ils préféreraient probablement à un spécialiste parce qu'ils s'intègrent parfaitement dans cette boîte Bien que j'aie déjà travaillé dans grands studios en tant que freelance, la plupart de mon travail n'a en fait pas été fait pour plupart de mon travail n'a en fait pas été fait pour les Pixars AA du monde, ou si c'est le cas, par exemple, je travaille pour Disney depuis près de dix ans maintenant une grande partie de mon travail chez Disney travaillé une grande partie de mon travail chez Disney dans leur département d'édition, où ils peuvent utiliser leurs compétences généralistes pour réaliser des illustrations complètes Mais quelqu'un comme Pixar ou Sony ne recherche pas vraiment cela, sauf pour le stade du concept art, mais cela a tendance à être une brève étape du pipeline de production La plupart des artistes employés dans ces studios sont des spécialistes. N'oubliez pas que les grands studios peuvent se permettre d'employer des personnes en fonction de leurs spécialités, et que la description de poste dans ces studios sera très claire. Nous voulons jouer un rôle dans le design des personnages. Comme ce sont de grands studios, si vous êtes un généraliste, vous êtes peut-être en concurrence avec les meilleurs créateurs de personnages du monde qui ont passé toute leur vie artistique se concentrer sur cette compétence, et comme vous avez élargi vos compétences, vous aurez peut-être plus de mal à concourir dans ce domaine Donc, si votre objectif est spécifiquement travailler dans les plus grands studios du monde, encore une fois, avec vos Pixars et Sony, vous devriez probablement être un spécialiste J'ai toutefois découvert qu'au cours de ma carrière, j'ai pu travailler pour toutes sortes de studios, encore une fois, parfois de grands studios, mais parfois de grands studios, mais souvent des studios comme Haspro, qui est une assez grande entreprise de jouets, mais qui possède une division Ils avaient le budget nécessaire pour passer environ un an à réaliser un long métrage. Il n'est toujours pas fabriqué . Je pense qu'il est en production en ce moment, mais je n'en suis pas sûr. Ils embauchaient surtout des généralistes pour toutes sortes de travaux Le travail que j'ai fait a consisté prendre des idées de personnages que quelqu'un d'autre avait faites, et je les ai mises dans deux illustrations. Dans ces illustrations, l'une de mes tâches en tant qu'artiste conceptuel était non seulement de artiste conceptuel était mettre les personnages dans des illustrations, mais aussi d'inventer et de concevoir les environnements dans lesquels ces personnages se trouvaient. Et cela s'est accompagné d'une grande partie de la conception de l'éclairage. Il faudrait que j'intègre les personnages dans un environnement éclairé comme je le verrais. Et c'était un bon test pour voir si leurs personnages pouvaient s'adapter à ce type d'environnement. J'ai fait de nombreux travaux de ce type. emplois qui m'ont demandé de parcourir toute la gamme, des personnages aux environnements, en les combinant la plupart du temps Les livres pour enfants sont un autre exemple. Vous devez absolument être un généraliste si vous voulez travailler dans n'importe quel type d'édition Comme dans le cas de l'édition, vous n'avez pas vraiment de section de conception de personnages et de section de conception d'environnement. Il s'agit d'un seul artiste dans le cas de la plupart des livres pour enfants, ou s'il s'agit d'une petite équipe, ce qui peut parfois arriver J'ai écrit des livres où nous étions deux, mais les deux artistes ont tendance à être des généralistes qui travaillent ensemble et mettent en commun leurs œuvres D'après mon expérience, les éditeurs préfèrent généralement travailler avec un seul artiste, et cet artiste peut idéalement tout faire. Maintenant, souvenez-vous qu'un généraliste, ce que je suis, ne signifie pas que vous êtes d'accord avec tout Tu devrais être bon en tout. Maintenant, cela prend du temps. Je fais cela depuis environ 20 ans maintenant, mais à un moment donné, je pense que vous pouvez acquérir les compétences nécessaires pour arriver à rivaliser avec un concepteur de personnages spécialisé, même si vous ne pouvez probablement pas rivaliser avec sa réputation et son expérience, car un spécialiste sera capable d'obtenir nombreux emplois de conception de personnages où vous serez peut-être pas en mesure de le faire en tant que généraliste. Mais cela ne veut pas dire que vos compétences sont inférieures à celles de quelqu'un d'autre, qui est un spécialiste. Plus vous travaillerez, plus vos compétences se développeront. Pour lier ce concept aux prochains chapitres de ce cours, les chapitres que vous allez voir juste après, nous allons travailler sur tous nos principes fondamentaux. Ce qui est bien avec les fondamentaux de l'art, c'est que les fondamentaux de l'art sont par nature généraux. Vous pouvez les appliquer à n'importe quoi. Imaginons que vous vouliez devenir un spécialiste. Ne vous dites pas : « Oh, je veux faire des personnages ». Cela signifie que je n'ai pas besoin d'apprendre la couleur. Non, ne le faites pas parce que vous allez vous limiter. La nature des fondamentaux de l'art est qu'ils s'entrelacent tous Ils vont tous de pair. Il n'y a rien qui se passe sur sa propre île. Même quelque chose comme la couleur, vous pourriez penser que la couleur n'est pas liée au dessin. C'est vrai, il y a un petit gouffre, mais dans de très nombreux tableaux, vous serez étonné de voir à quel point la couleur peut influencer vos formes et vos dessins Cela m'amène au point suivant concernant le travail dans les studios. N'oubliez pas que la plupart des studios qui existent dans le monde ne sont pas vos Pixars, Soonys et Il y a des studios plus petits. D'après mon expérience, il est avantageux d' être généraliste dans un petit studio, car petits studios n'ont généralement pas les budgets très élevés nécessaires pour engager des spécialistes dans chaque domaine De plus, s'il s'agit d'un petit studio, n'attirera l'attention de spécialistes comme Pixar fait d'être généraliste m'a donc amené à faire une grande partie de mon travail dans de petits studios Parfois, même de très petits studios, qui peuvent toujours payer, bien sûr. Mais jusqu'aux grands studios qui n'ont peut-être qu' un cran de moins que les Pixars. Juste un petit mot à ce sujet. Quand j'étais plus jeune, quand j'avais environ 20 ans, je pensais qu'une carrière artistique ne valait rien si vous ne travailliez pas pour les grands chiens, ce n' ce que je pense C'est mon travail. C'est comme ça que je gagne de l'argent. J' ai une famille maintenant. Si quelqu'un veut me payer pour mon travail, qu'il s'agisse d'une agence d'édition familiale pour laquelle j'ai déjà travaillé, ou d'un Dreamworks Cela n'a pas vraiment d'importance pour moi. Je ne ressens plus le besoin de voir mon nom dans une séquence de crédits Dreamworks Cela vient de quelqu'un dont le nom figure dans de nombreuses séquences de crédits. Pour moi, ils sont tous pareils après 20 ans passés à faire cela. Je ne me soucie plus vraiment de savoir s'il s'agit d'un grand studio tout le monde a entendu parler ou d'un petit studio dont personne n'a entendu parler. S'ils vous payent, c'est ce qui compte. N'oubliez pas que votre objectif ici est d'être embauché pour votre travail. Si votre objectif est finalement de travailler chez Pixar, donnez-vous le temps de gravir cette montagne et d' atteindre ce sommet Cela n'arrivera probablement pas dès la sortie de l'université. En parlant de studios et d'embauche par des studios. Il vous appartient vraiment d' examiner les studios auxquels vous pourriez vouloir postuler voir quels sont leurs projets et d'adapter votre portfolio Je parlerai un peu plus du portfolio, et je vous montrerai certains de mes portefeuilles à la fin de ce cours. Considérez cette première partie de la discussion, que nous reprendrons plus tard. Mais il est très intelligent de regarder ce que produit un studio et d'essayer de travailler dans ce sens. Que vous soyez spécialiste ou généraliste, peu importe Prenez des semaines, des jours ou des mois, peu importe ce que c'est, pour rassembler une collection d'œuvres qui semblent provenir de ce studio. L'autre petit conseil que j' ai pour concevoir votre portfolio et créer un ensemble d' œuvres qui semble cohérent est d'essayer réduire le nombre de pièces uniques que vous présentez Une fois, ça veut dire : « Oh, aujourd'hui, j'ai fait une photo d'un personnage canin. Oh, et maintenant je fais une scène du dieu grec. Oh, et demain, je vais faire une scène de dessin animé avec Bob l'éponge Ne vous méprenez pas. C'est génial de faire toutes ces choses. Mais si votre portefeuille sort constamment du champ gauche, même en tant que généraliste, il est difficile pour les gens de vraiment savoir dans quoi vous êtes doué Essayez de rassembler une collection d' œuvres générales, mais qui donnent l'impression qu'il s'agit d'une vision cohérente, ou élaborez un projet dans lequel vous concevez l'environnement d'un film ou d'un jeu en particulier, par exemple Vous savez, voici une page de dessins de temples mayas. Maintenant, voici une page de personnages qui trouveraient leur place dans ce temple maya Et regardez à la page suivante, voici un exemple de ces personnages réellement dans l'environnement des temples mayas Vous avez donc trois ou quatre pages d' un projet cohérent ou d'une propriété intellectuelle que vous pouvez développer, que vous pouvez ensuite montrer à votre employeur potentiel 5. Se faire embaucher : suite des avis de l’industrie: N'oubliez pas que lorsque les gens regardent votre travail, ils le voient probablement pour la toute première fois, à moins qu'ils ne vous connaissent déjà, ce dont je parlerai également dans la section suivante, cette forme de réseautage. Mais vous devriez envisager l'idée qu'un client verra votre travail pour la première fois et que personne n'ait la patience de vraiment s' asseoir et d'étudier votre travail. Ils vont le feuilleter. Ou probablement ces jours-ci, ils vont le parcourir. défilement est encore pire, car le défilement sur un téléphone ou un ordinateur est bien plus rapide que de feuilleter les Si vous pouvez donner à quelqu'un plusieurs images cohérentes, cela devient presque une déclaration dans le cerveau de votre employeur potentiel, et cela vous place simplement au premier plan de ses préoccupations Lorsqu'il s'agit de curation et de constitution de portefeuilles, il est probablement un peu plus facile d'être un spécialiste Par exemple, si vous créez des personnages, vous allez simplement remplir ce portfolio de personnages. Bien sûr, des styles différents, comme nous l'avons mentionné, mais une page peut être composée plusieurs caractères collés ensemble Ensuite, la page suivante pourrait être consacrée à des explorations détaillées d'un personnage Une autre page serait consacrée à des revirements tridimensionnels de ce personnage Cela s'écoule de manière assez logique. Si vous créez des environnements, vous pouvez avoir des miniatures d'une page Et peut-être des compositions plus grandes, à la page suivante, puis peut-être des études isolées de chaque élément de l' environnement sur une autre page. Et puis peut-être à la page suivante, après cela, un beau rendu complet de cet environnement. Ensuite, vous passez à l'environnement suivant. Donc, vous savez, en tant que spécialiste, c'est assez simple, ce sur quoi vous voudrez vous concentrer dans votre portfolio et comment l'organiser. Mais le même principe est vrai. Ne laissez pas tout sortir du champ gauche. Par exemple, je ne pense pas que chaque page devrait comporter des caractères différents d'un bout à l'autre. Choisissez-en un et découvrez-le. Des tenues différentes, des poses différentes, des tournures différentes, des angles différents. Passez quelques pages à ce personnage avant de passer au suivant. En général, ne tombez pas dans le piège du champ gauche. N'oubliez pas que lorsqu'un studio ou une équipe de production embauche un artiste, c'est très différent d'une personne qui vous embauche pour une commande Pour une commission, il s'agit d'une commission ponctuelle, et je ne parle pas vraiment de commissions dans ce cours. Les commissions sont excellentes, mais elles ne constituent pas un moyen fiable de gagner sa vie. Je vous recommande de construire votre carrière sur le travail de projet. Que ce soit avec des équipes d' artistes, comme dans le cas d'un film ou d'un jeu, ou dans le cadre d'un projet de livre , où vous êtes peut-être le seul artiste à participer, mais il s'agit d'un livre de 32 pages, par exemple. Ces projets exigent davantage de vous en tant qu'artiste, car si vous êtes concepteur de personnages, vous devrez placer un personnage dans différentes poses, différents angles, différents plans, différentes compositions, différentes expressions faciales. Si vous êtes un artiste de l'environnement, vous devrez faire la même chose, mais avec un éclairage différent dans cet environnement, des angles différents, des compositions différentes, ambiances et des sensations différentes Si vous êtes un généraliste, qui sait ce qu'ils vont vous lancer, mais ils s'attendront à ce que vous jouiez au ballon à chaque étape Vous devez avoir les compétences nécessaires pour y faire face. Bien sûr, présentez-vous au travail tous les jours ou dans votre studio à la maison tous les jours en tant que freelance, prêt à relever tous les défis que l' on pourrait vous lancer Je trouve que ce type de projet expérience beaucoup plus précieuse car il complète vos compétences. Vous obtenez une jolie petite chose à écrire dans votre CV ou votre CV. S'il s'agit d'un projet, en particulier d'un projet plus important, y a de fortes chances que les gens aient entendu parler de ce projet lorsqu'ils vous embaucheront un an plus tard. Alors que si vous vous concentrez uniquement sur les commissions individuelles, exemple pour la campagne Donjons et Dragons de quelqu'un, cela n'aura pas le même impact concerne votre CV ou quoi que ce soit Sur le papier, cela n'a pas tout à fait la même apparence quand vous dites que j'ai conçu le personnage orc à partir de la campagne DND de mon ami Breeze. Mais je vais mettre les blagues à part. Ce type de travail est excellent. Ce n'est tout simplement pas vraiment la pierre angulaire d'une carrière. Et dans ce cours, nous considérons l'art comme une carrière continue, vous pouvez vous appuyer au cours des années et des années que vous passerez à le faire. Je suppose que dans ce contexte, les commissions sont excellentes. Fais-les juste sur le côté. Pendant que vous consacrez la majeure partie de votre temps à l' atterrissage, comme si vous travailliez sur un projet. C'est ce que je recommande en tout cas. Encore une fois, je ne suis qu'une seule personne, parle de ma propre expérience. Mais après avoir fait cela pendant 20 ans, j'espère que cette expérience aura du poids pour vous. OK, le sale sujet. Devriez-vous utiliser l'IA ? Je ne le recommande pas. Je ne veux pas transformer ce cours en débat sur l'éthique de l'IA. J'en sais assez pour savoir que tout le monde a sa position à ce sujet. Personnellement, je ne l'utilise pas. Et cela tient en partie au fait que cela me pose des problèmes éthiques. Mais je trouve aussi qu'avec bons fondamentaux et de bonnes compétences, vous êtes meilleur que l'IA. Tu n'en as pas besoin. Vous savez, si j'ai besoin d'une référence pour quelque chose, je ferai juste une bonne vieille recherche sur Google. Je n'ai pas besoin d'utiliser l'IA pour trouver des réponses à un problème. Je veux résoudre les problèmes avec mon propre cerveau artistique. impression que des outils tels que l'IA contournent cela et vous donnent des réponses toutes faites. Eh bien, elles ne seront jamais personnelles car ce n'est pas vous qui les résolvez Dans cette optique, j'ai l' impression que les plateformes d'IA essaient de vous en donner trop. J'ai juste envie de ralentir. Je veux résoudre les problèmes à chaque étape, pas un algorithme. Parce que l'IA a vraiment réduit la barrière à l'entrée, qui était déjà faible, mais l'IA l'a réduite à néant, vous allez maintenant être en concurrence avec les utilisateurs de l'intelligence artificielle Mais je trouve que c'est une bonne nouvelle, c' est que l'IA est généralement assez facile à repérer, et je sais que beaucoup de personnes dans l'industrie et d'artistes la rejettent généralement. Je connais bien des gens qui, s' ils voient l'IA dans le portefeuille de quelqu'un, pas embauchés parce que l'utilisation de l'IA, en particulier son utilisation excessive ou évidente, donne l' impression que vous êtes un artiste paresseux Je veux dire, si vous voulez laisser un ordinateur faire le travail à votre place, pourquoi est-ce que je vais vous engager ? Maintenant, évidemment, je ne peux pas contrôler, et je ne veux pas non plus contrôler votre boussole ? Si vous êtes éthiquement d' accord avec l'utilisation de l'IA, je vous recommande de vous faire une faveur et de ne pas l'utiliser pour un travail terminé, peut-être de générer des références avec elle Encore une fois, je ne vais pas le faire, mais si c'est le cas, assurez-vous que la plupart des problèmes que vous résolvez viennent de vous. Après tout, c'est ce qui va rendre un artiste différent d'un autre. Leurs solutions uniques à un problème, qui est entièrement lié à votre propre personnalité et à votre propre caractère. Pour terminer cette section avant de la reprendre à la fin du cours, nous allons aborder les principes fondamentaux ici. Mais pour terminer cette section, il y a encore une chose dont je voudrais parler. Autrement dit, devriez-vous faire un test non rémunéré pour qu'un studio soit embauché ? C'était une pratique extrêmement courante dans les années 90 et au début des années 2000, j'ai débuté en tant que professionnel au début des années 2000, et faire des tests non rémunérés était presque une chose attendue. C'est comme si, bien sûr, vous faisiez un test non rémunéré. Cela a changé maintenant parce que les gens y voient une forme d'exploitation, ce qui est le cas Mais je ne suis pas d'accord avec le test non rémunéré. Tout d'abord, si vous avez un portefeuille solide et que vous obtenez une bonne réaction de la part d'un employeur potentiel, ils vous demandent si vous feriez ce test pour nous afin de prouver que vous êtes bon pour le projet. C'est évidemment à vous de décider si vous dites oui ou non, mais je vous recommande vivement de poser quelques questions. La première question est la suivante : avez-vous un budget quelconque pour cela ? Même si ce n'est pas ce que vous allez finalement me payer pour le travail, avez-vous un budget alloué à vos tests ? Assurez-vous également qu'ils ne vous demandent pas de faire du travail de production à titre de test, surtout s'il n'est pas rémunéré. S'il s'agit d'un test payant, c'est un peu différent. Ce n'est donc pas vraiment un test, c'est un travail, juste un petit travail qui peut en mener à d'autres. C'est ainsi que je vois les choses. S'il s'agit d'un test payant, vous devriez pouvoir effectuer des travaux de production, pas de problème. Cependant, s'il n'est pas rémunéré, assurez-vous que vous ne travaillez pas pour leur projet, ou si c'est le cas, assurez-vous d' avoir un document écrit, très important qu'il soit écrit, indiquant qu'ils ne peuvent pas l'utiliser. Peut-être qu'à moins que vous ne soyez embauché pour être cet artiste, vous pourrez peut-être alors élaborer un modèle de rémunération, ce que j'ai déjà fait. J'ai fait un test non rémunéré où, lorsqu'ils m'ont embauché, je les ai autorisés à l'utiliser, mais ils l'ont payé. Je pense généralement que plus vous avez d'expérience, moins vous devriez être disposé à passer un test, car votre expérience et votre portefeuille devraient être les preuves dont une personne a besoin pour vous engager. En fait, on m'a demandé de faire un test l'année dernière, j'étais agacée et j' ai ri comme un test, j'ai tout ce travail que j'ai fait Pourquoi ne disposez-vous pas encore d'informations possibles ? Mais ils voulaient un test et j'ai pu négocier un petit budget pour cela. Je crois que j'ai négocié 250 dollars. J'ai fait le test en deux jours environ, donc ça a marché. Cependant, si vous êtes nouveau dans le domaine et que vous n'avez pas d'expérience, je pense, et ce n' est que mon avis, vous pouvez le jeter par la fenêtre Je pense que vous devriez être plus disposé à faire un test, même s'il n'est pas rémunéré, tout en vous assurant qu'ils ne vous confient pas une mission trop importante Vous savez, comme s'il n'y avait pas de changement complet de personnage, peut-être juste un croquis de personnage ou une œuvre d'art conceptuel qui pourrait vous prendre quelques heures Rien qui puisse vous faire passer par les étapes de production, qui ne seront pas toutes rémunérées, et sans aucune garantie que vous obtiendrez le poste à la fin de toute façon. Mais je vous parle par expérience. J'ai la plupart des postes les plus importants tests pour la plupart des postes les plus importants que j'ai décrochés. Encore une fois, je n'ai pas fait test sans celui pour lequel j'ai été payé il y a un an. Je n'ai pas vraiment fait de test depuis dix ans, car avec l'expérience, les gens savent ce que vous êtes. Mais si vous êtes nouveau, vous devriez peut-être en tenir compte dans le coût des affaires et de l'effraction. Encore une fois, juste mon avis, n' hésitez pas à le jeter par la fenêtre si vous n'aimez pas ça. La triste réalité est que pour chaque test que vous refuserez de faire, il y aura d'autres artistes qui le feront. C'est l'un de ces 22 pièges. Je suppose que ce petit segment n'est qu'un avertissement à ce sujet. Vous devez évaluer les aspects pratiques rapport à l'éthique personnelle, par rapport aux affaires Je pense que si cela mène à un emploi bien rémunéré, cela vaut la peine de faire un test non rémunéré, mais ne faites jamais de test non rémunéré moins de demander d'abord s' il y a un budget, car il y en aura souvent Ou si quelqu'un vous demande de faire un test et qu'il recherche un domaine de travail spécifique, vous l'avez peut-être déjà, mais il ne figurait pas dans votre portfolio. Vous pourriez dire : « Oh, voilà, j'ai quelque chose comme ça. Jette un œil à ça. Cela répond-il à vos exigences ? Considérez-le simplement comme un signe qu' ils ne sont pas tout à fait sûrs la manière de parler à un artiste ou de la manière d'évaluer le travail d'un artiste. Parce que n'oubliez pas que beaucoup de vos clients ne seront probablement pas eux-mêmes des artistes, et qu'une personne qui n'est pas artiste a du mal à évaluer le travail d'un artiste. Ils savent qu'ils aiment ça, mais ils ne savent pas exactement si vous pouvez faire ce qu'ils veulent que vous fassiez. En fin de compte, bien sûr, prenez votre propre décision. Rien de tout cela n'est même pertinent si vous n'avez pas de bonnes bases artistiques. Lorsqu'il s'agit d'être embauché en tant qu'artiste illustrateur, concepteur de personnages ou qui vous voulez devenir, vous avez besoin de bonnes bases. Passons à la vitesse supérieure dans ce cours maintenant. Passez en revue un tas de principes fondamentaux. agisse de personnages, de gestes, de formes, couleurs et de lumière, d'études, d' environnements ou d'illustrations. Passons en revue tout cela, puis, juste après, nous reviendrons sur les compétences, les portefeuilles et la façon d'aborder les gens, des choses comme ça, et nous terminerons le cours sur ce point. Allons-y. Passons à la vitesse supérieure et abordons quelques notions fondamentales de l'art. 6. Personnages - Dessin des gestes: Parce que nous connaissons parfaitement l'apparence, les actes et les comportements des gens, dessiner des gens est un excellent point de départ pour acquérir vos fondamentaux Que vous regardiez votre propre art ou que d'autres personnes regardent votre art, dessinant des gens, il deviendra très évident que quelque chose ne va pas. Parce que, encore une fois, tout le monde a cette expérience interpersonnelle Dessiner des gens est donc un excellent baromètre avec lequel vous pouvez évaluer vos progrès Bien sûr, c'est aussi très utile car vous allez probablement beaucoup dessiner des personnages ou des personnages. Lorsqu'il s'agit de dessiner des personnes, le premier aspect à comprendre est le concept de pose. La pose est liée à la façon dont les gens bougent ou se comportent, à leur langage corporel. Le langage corporel est l'une de ces choses universelles que tout le monde comprend dans le monde. Il traverse les pays et les cultures. Que quelqu'un court pour prendre train ou qu'il attende simplement son café, la façon dont il pose peut nous en dire long sur cette personne. Même si je suis assise ici en ce moment, je pourrais être assise comme ça, à projeter une certaine image, ou je pourrais être assise comme ça, ce qui projette une image complètement différente Quel a été le changement ? Eh bien, l'un, les épaules sont en arrière, la poitrine est ouverte, et l'autre, les épaules sont relevées, les bras sont dedans, tout est plus serré il y a toute une différence de langage corporel sans trop de mouvements physiques, Mais il y a toute une différence de langage corporel sans trop de mouvements physiques, et vous tireriez des conclusions quant à mon caractère en vous basant sur ma posture. C'est ce qui nous intéresse dans cette leçon, comment observer et finalement capturer ces choses. La meilleure partie de tout cela est que la capture de poses peut être réalisée rapidement grâce au concept du dessin gestuel. Le dessin gestuel est l'endroit où j'ai commencé quand j'étais jeune étudiante. En fait, je n'étais pas si jeune, j'avais 19 ans, mais le geste est le premier concept qui m'a été présenté en tant que compétence professionnelle Nous ne traiterons pas de lignes finies en un geste. Un dessin gestuel vise à capturer le mouvement ou la sensation d'une pose, en utilisant des lignes très larges, que j'appelle des lignes rythmiques, et nous allons voir ce que cela signifie tout de suite. Dans cette leçon, il s'agit analyser ce qui est important, de séparer ce qui ne l'est pas dans une pose et de le mettre sur la page rapidement, et de le mettre sur la page avec énergie et attitude. Ce laissez-passer gestuel est ce qui capture la vie sur la page, et nous espérons préserver cette vie jusqu'au produit final. Cette leçon donne également le coup d'envoi notre premier projet de classe officiel, alors commençons La première chose que j' aimerais établir ici est ce que j'entends par lignes rythmiques. Eh bien, regardons d'abord ce qui n'est pas une ligne rythmique. Des trucs comme ça. Vous avez peut-être l'habitude de dessiner là où vos lignes sont toutes très courtes et hachurées de cette façon et que vous essayez d'obtenir un contour fini Par exemple, si vous dessinez la tête de quelqu'un, vous pourriez le dessiner comme ceci. Voici la forme de la tête comme ça, et voici le nez et voici les yeux. Vous pourriez penser à dessiner de cette façon lorsque vous essayez d' obtenir immédiatement ces contours finis. ne s'agit pas d'un dessin rythmique ni d'un dessin gestuel Vous pouvez dessiner de cette façon, mais je vous recommande vivement de vous concentrer sur autre chose. Les lignes rythmiques ressemblent davantage à ceci. Ils capturent de larges mouvements à travers la page ou pas seulement à travers la page, mais aussi à travers la pose ou le formulaire, à travers le sujet, à travers la composition, quel que soit le sujet auquel vous les appliquez. Je pense que si vous regardez les traits que je viens de faire sur cette page, vous pouvez sentir leur énergie. Ce que je veux dire par énergie, c'est que vous pouvez, espérons-le, sentir le mouvement de ma main lorsque je fais ces traits, rien qu' en regardant cela. Pensez-y presque comme à des montagnes russes, où vous tracez le chemin ou la trajectoire de l'objet Une place donnée dans la file d'attente n'a pas d'importance. L'important, c'est que cela monte, comme des montagnes russes, qu'il s'arrête haut et qu'il s'effondre Et comme si vous montiez sur ces montagnes russes, vous pouvez sentir les poussées et les tractions qui vous sont propulsées le long de cette ligne rythmique Qu' il s'agisse d' un dessin gestuel ou de tout autre type de dessin, vous devez connaître trois lignes de base. Elles sont communément appelées courbes C, qui ressemble à la lettre C, courbes S, qui ressemble à la lettre S, ou droites, qui sont simplement droites Maintenant, il est important de ne pas prendre ces lettres au pied de la lettre. Par exemple, une courbe C ne doit pas nécessairement ressembler exactement à la lettre C. Voici également une courbe C, ou pourquoi ne pas l' inverser comme ça ? C'est aussi une courbe en C. Une courbe en C pourrait avoir son crochet plus en haut , puis descendre plus gracieusement comme ça J'appellerais aussi cela une courbe en C. Ce sont des objets très libres. Une courbe en S pourrait ressembler à ça. Cela pourrait ressembler à dire ceci. C'est une combinaison de deux courbes en S, mais vous voyez l'idée. Il peut être large et serré comme ça, ou il peut être large et gracieux comme ça Ou quoi que ce soit entre les deux. Une ligne droite n'a pas besoin d'être parfaitement droite comme ça. Ça peut être direct comme ça. Je dirais que cela a une subtile courbe en S, mais je dirais que c' est une ligne droite. Bien entendu, les lignes droites peuvent aller dans n'importe quelle direction. Ils peuvent également être de n'importe quelle longueur. Vous remarquerez que lorsque je trace ces lignes rythmiques, je fais plusieurs traits pour établir que cela a tout à voir avec ce concept de sentiment J'essaie de ressentir ces rythmes dans mon corps. Par exemple, j'assimile les lignes droites au fait de porter beaucoup de poids ou de contenir une énergie très pointue Nous en parlerons dans la prochaine section. Mais quand je trace une ligne droite, j'ai vraiment l'intention de le mettre fermement, d'avoir confiance en ma main. Alors que, disons, lorsque je trace une courbe en S, c'est une expérience plus fluide, un peu plus lente Je dessine ça un peu plus lentement, comme si j'étais sur une rivière paresseuse, un peu plus gracieusement, en essayant de le sentir Si je n'aime pas où celui-ci est passé, je n'ai pas besoin de l'effacer, je peux simplement dessiner dessus, et peut-être devenir un peu plus foncé ou un peu plus épais au fur et à mesure que j' arrive à quelque chose qui ressemble davantage à ce que j'avais en tête, ou simplement à quelque chose qui me semble juste au moment où je le pose. Et pour moi, une courbe en C est aussi comme une courbe en S. Il a cette sensation plus gracieuse. Mais je pense qu'une courbe C se situe entre une courbe S et une droite et qu'elle peut avoir un peu plus de cette énergie pointue. Parfois, je fais des courbes en C avec deux lignes droites, même comme ça En les dessinant, vous pouvez voir comment une sensation d' énergie peut être capturée en fonction de votre propre physique, la façon dont vous tracez physiquement ces lignes Voici un dessin sur lequel j'ai travaillé sur l'un de mes projets Disney. C'est tout à fait approprié, car les animateurs ont contribué à populariser l'idée de ces lignes rythmées et de ces Parce que les animateurs doivent dessiner autant d'images, ils ont développé des outils pour réaliser ces dessins le plus rapidement et le plus efficacement possible L'un de ces outils est communément appelé ligne d'action. Regarde cette pose. Si je vous demandais d'imaginer cette pose réduite à une seule ligne, eh bien, quelle ligne rythmique choisiriez-vous ? Une courbe en S, en C ou une ligne droite ? Pour moi, la réponse est une courbe en C. C'est une courbe en C qui ressemble à ceci, quelque chose qui traverse toute la pose. Je pense généralement que les lignes d' action se situent au milieu du corps. Il ne définit aucun contour ou côté du corps, il se situe au milieu. Remarquez que cette ligne d'action relie tout ce qui se trouve dans la pose, du haut du chapeau au bas des pieds. Tout dans la pose est inspiré de cette courbe. Vous pouvez également commencer à regarder les membres réels de la pose. Par exemple, ce bras ici. Imaginons une ligne d' action pour ce bras. Eh bien, c'est aussi une courbe en C, mais ça se passe comme ça. C'est une courbe très abrupte avec un angle très rude à cet endroit. En fait, ce bras est un peu tendu. J'ai l'impression que c'est un peu reculé. Vous pourriez presque le dessiner en deux lignes droites. Rappelez-vous ce que j'ai dit plus tôt que les lignes droites ont tendance à avoir une énergie un peu plus pointue. C'est un exemple de ce dont je parle. Je pense que vous pourriez considérer le geste de ce bras comme étant construit avec deux lignes droites ou une courbe en C avec un angle aigu très abrupt par rapport à celui-ci Regardons sa jambe gauche ici. Il y a une pose très gracieuse là-dedans. Il ne supporte pas beaucoup de poids, le cas échéant Je dirais que ce membre suit une courbe en S comme celle-ci C'est un type de rythme très gracieux. Et sa jambe droite ? Eh bien, cette jambe supporte un certain poids, et en fait, le rythme de cette jambe est très similaire à celui du bras. Je dirais que c'est une courbe en C qui a également un angle très raide à cet endroit, également très similaire à deux droites Encore une fois, plus vous vous rapprochez de la ligne droite, à mon avis, plus la pièce a de poids ou d' énergie active. Bien entendu, nous allons développer cela avec plusieurs dessins dans cette section. Allons-y maintenant et prenons cette pose ensemble. Je vais commencer par la ligne d'action. Cela m'est également utile d'un point de vue pratique. Je sais où se trouvent le haut et le bas du corps. Mais ce que je peux faire à partir d' ici, c'est que je peux placer la tête avec juste une couche de base et. Je n'essaie pas de dessiner le personnage. J'essaie juste de me faire comprendre qu' il a une tête ronde, ça y va. C'est le haut de la tête et peut-être le bas de la tête ici. À partir de là, je peux dire, où est l'épaule ? L'épaule est sous la tête. Je dois dire que c'est à peu près ici. Nous faisons un geste vers le bas à partir de là. Je peux peut-être commencer à faire le geste du bras. Encore une fois, cette courbe abrupte en C dont j'ai parlé, et je peux continuer sur ce rythme pour savoir où la main pourrait aller. Je n'essaie certainement pas de dessiner une main, souvenez-vous. J'essaie juste de retrouver le même rythme en do de la main, comme celui-ci Comme j'ai maintenant l' épaule et le bras, je peux me faire une idée de l'endroit où se trouve le bas de sa veste. Quelque part ici. Je vais juste le mettre avec une ligne indicatrice. Il ne s'agit pas d'une ligne de contour. Je n'essaie pas de dessiner le contour final de sa veste. J'essaie juste de dire, hé, le bas de la veste est juste là. Maintenant, pourquoi est-ce que j'utilise une courbe en C ? En fait, cela prend un peu de forme, ce que nous aborderons dans la leçon suivante. Vous pouvez facilement y placer une ligne droite pour indiquer où elle se trouve. Mais j'aime utiliser un point de repère ou un point de repère là où c'est juste avec une petite ligne Remarquez que je prends l'habitude d'utiliser plusieurs traits pour dessiner mes gestes. Encore une fois, cela vous aide à retrouver la sensation ou le rythme que vous dessinez. Il est utile de prendre la pose complète le plus rapidement possible. Je vais maintenant passer à sa jambe droite, qui est la jambe qui porte le poids. Je remarque deux choses ici. J'ai déjà parlé du geste en forme de C qu'il comporte, mais j'étudie également la relation entre l' endroit où se trouve le pied et le devant du pied et le devant de la main. Il a cet angle. Je veux reproduire cet angle dans mon dessin. Parfois, il est même utile de marquer un point de repère, placer un petit cercle ou un x pour indiquer l'endroit où vous pensez que le pied va atterrir, puis de faire un geste vers lui comme ceci. Comme ce pied est très lourd, je vais le garder droit. C'est une courbe en C vers une ligne droite. Voilà cette jambe et vous remarquerez que je préserve cet angle. Maintenant, chaque fois que c'est possible, lorsque je dessine sa jambe arrière, par exemple, j'aime sentir le rythme que j'ai déjà dans le corps et l'étendre jusqu'à la jambe. Souvenez-vous que j'ai dit que la jambe est comme une courbe en S qui va comme ça. Eh bien, c'est ce que j'essaie d' établir ici, cette courbe en S. Il est également utile de marquer ou de tracer la position du pied dans le dessin. C'est comme si le bas du pied heurtait le sol et peut-être qu' il y avait le sol et peut-être qu' il le haut du pied, qui présente également une élégante courbe en C ici Je vais peut-être regarder où se trouvent le haut de sa jambe ici et où se trouvent ses fesses , cette zone ici. J'en parlerai dans peut-être deux. C'est une courbe en C évidente ici. Cela me permet peut-être de me balader et de trouver où se trouve le côté par rapport au contour latéral. Je ne veux pas littéralement tracer cette ligne, mais je remarque qu'il s'agit d'une courbe en C, d'une courbe en C, d'une courbe en C, et je reprends également ces rythmes C'est le point de départ pour aborder ma première suggestion quant à l'emplacement final des lignes de contour. Ici, cette ligne est interrompue par le manchon, mais c'est aussi une courbe en C. C'est la beauté de l' étude des dessins d'animation. Ils se limitent à l'essentiel de la pose. Son bras arrière ressort ainsi dans une autre courbe en C. Je vais maintenant appliquer la même idée à son bec. J'ai l'impression d'avoir cette courbe en C ici. Voici le haut de sa veste, en forme de C. Même le haut de son chapeau ressemble à une courbe en C, et l'ensemble de son chapeau lui-même a une action. Elle descend le long du corps. Le bord de son chapeau est peut-être très sinueux. Je suis en train de ressentir les choses qui vont donner à ce dessin une sensation d'énergie vitale. Vous remarquerez que cela n'a rien à voir avec les contours finaux, mais cela a énormément à voir avec le personnage lui-même. Le sentiment que ce personnage est bouger, de penser ou d'être. Maintenant, quand j'ai dessiné, disons la ligne d'action de son bras, je suis descendu au milieu du bras comme ceci. C'est ce que j'ai dessiné ici, la ligne d'action médiane. Encore une fois, lorsque je trace des lignes d'action, je passe au milieu de ce que c'est, je suis une ligne d'action. Mais tout comme je vous l'ai montré avec les contours du corps ici, il est également très utile de se faire une idée de ce que font les contours opposés sur le plan rythmique Par exemple, ces contours sont des courbes en C opposées. Je vais le mettre dans mon geste. C'est comme si une courbe en C descendait dans cette direction et que l' autre reprenait là où elle s'était arrêtée. Je m'étends même aux contours de la chose. Le revers de sa manche ressemble à une autre courbe en C. Ce qui est bien, c'est d'avoir intégré ce premier geste Par exemple, je sais où se trouve le bout de sa main par rapport au bout de son pied. Je sais donc où le brassard risque d'atterrir. Un geste est également un moyen de tracer des proportions. Par exemple, je pourrais regarder ça et dire, ah, ces deux coudes sont un peu trop rapprochés C'est là que tu effaces peut-être un peu. Peut-être lever le coude, redessiner ce rythme pour que le coude soit un peu plus haut, et cela modifie l'action, le langage corporel Mais si je cache maintenant le dessin au trait original, nous avons toujours une pose très définitive ici. C'est quelque chose que je peux ressentir en tant qu'artiste à l'origine de tout cela. Je sais où ça va, et je suis capable de me dire : « Hé, est-ce que c'est le type de pose que je veux ? Est-ce le genre de sensation que je souhaite ? Dans ce cas, il a l' impression d'avancer, mais d'une manière sournoise ou méfiante, il ne sait pas trop ce qu'il va trouver, mais il avance quand même Ce n'est certainement pas une jambe de force confiante. Je peux évaluer tout cela à partir de ce geste, un geste qui peut vous prendre une à deux minutes pour dessiner, voire moins. Passons maintenant à cette page de dessins de personnages de Jake que vous avez déjà vue. Maintenant que vous avez une introduction et une compréhension de base de ce qu'est le geste, je veux que vous regardiez ces dessins sous cet angle Notez qu'ils ont tous un geste dynamique. Le mot dynamique signifie que vous évitez généralement les poses droites de haut en bas, où rien ne bouge dans le corps. Et pour vous montrer exactement ce que je veux dire, choisissons la pose la plus haute et la plus basse que vous pourriez trouver dans celle-ci, comme disons celle-ci ici. Le corps n'est pas très acrobatique ici. À première vue, il semble être droit de haut en bas. Mais juste pour ce qui est de la ligne d'action, regardez ce que je fais pour compenser cela. J'ai incliné la tête, donnant à la pose toujours une belle courbe en S le long. L'idée sous-jacente est qu'un être humain normal pose rarement de haut en bas. Je veux dire, oui, ça arrive, je suppose. D'habitude, nous sommes en mouvement. Quoi qu'il en soit, vous voulez décrire le mouvement parce que cela vous en dit beaucoup plus sur le personnage Le mouvement implique que les choses sont rarement au même endroit. Vos jambes ne seront pas au même endroit, vos épaules, l'une peut-être en haut, l'autre en bas, votre tête pourrait s'incliner. Sur le dessin numéro trois, on dirait qu'il est en train de te dire bonjour, alors j'ai levé la main. Vos hanches sont peut-être décalées , comme ce gars ici. Ce côté de ses hanches est le côté porteur du poids , car son pied est planté sur le sol, supportant ce poids, et le côté haut de ses hanches permet à ce pied d'être levé sans porter trop de poids. Cette pose ici, le dessin numéro sept. C'est aussi assez proche d'une pose droite de haut en bas. Mais même dans ce cas, certaines choses sont compensées. Par exemple, si je trace une ligne reliant ses épaules, elle est soulevée haut dans sa tête, comme s'il soulevait ses épaules, donnant une touche d'action à la pose. De plus, si je faisais un fil à plomb similaire reliant les pieds, vous remarquerez qu'il est également hors axe Ces deux lignes sont des éléments clés du dessin et elles ne sont pas parallèles. Et ce petit décalage contribue à le rendre intéressant. Parfois, j'essaie des poses basées sur une ligne droite. Il n'est pas toujours nécessaire qu'il s'agisse d'une courbe S ou courbe C. Mais remarquez ce que je fais. Je suis simplement en train d'incliner cette ligne pour qu'elle soit inclinée. Même dans cette version du personnage, cette ligne est inclinée, inclinée par rapport à la verticale. C'est quelque chose que je fais assez souvent, comme ce gars ici, cette limite est biaisée. Je dirais que c'est juste ici, mais qu'il fait ensuite une petite action en forme de courbe en C juste en bas. Je dirais que c'est quelque part entre une courbe en C et une ligne droite. Je veux dire, c'est une courbe en C, mais elle est orientée vers la ligne droite. N'oubliez pas que les courbes en C peuvent exploiter la puissance des courbes en S et des droites Regardons celui-ci ici. En fait, j'appellerais cela une courbe en S. Si nous pensons à descendre au milieu du formulaire, eh bien, le milieu de la tête commence à descendre de cette façon, dans une action en forme de courbe en C , puis il change. Il s'agit d'une courbe en S. Ici, il s'agit également d'une courbe en S. N'oubliez pas de parcourir le milieu des formulaires. Ici, il s'agit également d'une courbe en S. Vous pouvez voir que cela ne ressemble pas à une formule. Dans le cadre du concept de courbe en S, possibilités sont encore infinies. Ce n'est pas comme si vous étiez limité à une pose simplement parce qu'elle est basée sur une courbe en S. Cette pose est ici une courbe en C. Mais il s'agit d'une courbe en C dont le sommet se trouve juste là, dans le tiers inférieur du C. Ce n'est pas comme lettre C parfaite que l'on trouverait dans une police, par exemple. C'est également biaisé. Encore une fois, la partie la plus externe de cette courbe en C se trouve juste là, là où se trouvent bien sûr ses hanches Les hanches étant le point de pivot du corps. Allons-y, prenons cette pose et faisons un geste ensemble. Juste pour vous montrer dans quel état d'esprit j'étais lorsque j'ai commencé à travailler sur ce poste. Mais très rapidement, je veux juste parler de mon interface numérique. J'utilise Photoshop ici, mais vous n'êtes certainement pas obligé d'utiliser Photoshop. Il existe des tonnes d' applications, dont beaucoup sont gratuites, comme Creta, par exemple, est gratuite et ressemble beaucoup à Photoshop Si vous utilisez un iPad, vous voudrez probablement utiliser quelque chose comme Procreate ou des pinceaux Ils sont à la fois très bon marché et restent professionnels. Il existe également d'autres applications géniales comme Clip Studio Paint, par exemple. Je pense que la seule raison pour laquelle j'utilise Photoshop, c'est parce que je l'utilise depuis la fin des années 90 et que je le connais très bien. Quoi qu'il en soit, quelle que soit l'application que j'utilise, ma fenêtre de couches est ouverte ici, mon sélecteur de couleurs ici et mon ensemble d'outils de base ici. C'est ça. Maintenant, comme vous l'avez appris lors de ma visite du studio, j'ai également deux écrans. Sur mon autre moniteur, j' ai ma liste de pinceaux ici. Parfois, je mets mes pinceaux ici, même si en ce moment ils entrent en collision avec mes toiles J'ai mis la fenêtre de mon pinceau hors de l'écran, ce que vous ne pouvez pas voir, mais elle se trouve juste sur l'écran à ma gauche. De toute façon, je n'utiliserai qu'un seul pinceau pour cela. Ensuite, j'ai parfois cette fenêtre de navigateur ouverte, qui vous donne simplement une vue miniature de l'image que vous avez et vous pouvez naviguer Mais c'est tout. Ce sont les fenêtres que j'ai ouvertes. Maintenant, lorsque je dessine des gestes, je commence généralement par ce pinceau de calligraphie Il a un bel aspect épais à fin. Pour moi, cela alimente le concept de rythme, car il permet de contrôler si bien l'épaisseur, plus j'appuie fort, plus elle est épaisse. Mais je trouve vraiment très agréable la nature du cône, de de calligraphie l' épais au fin, sur ce pinceau Cela correspond à ma propre philosophie et à mon sens du dessin gestuel. OK, allons-y et dessinons le dessin numéro neuf. En général, je commence par la tête. Maintenant, je ne dessine pas la tête. J'indique simplement, encore une fois, si la tête était réduite à une courbe, ce serait dans ce cas une courbe en C, et je vais simplement indiquer où se trouve cette tête et sa forme gestuelle générale Je commence souvent par la tête, car je peux ensuite passer directement à la relation entre les épaules. la relation entre la tête et les épaules Je trouve que la relation entre la tête et les épaules est votre premier point critique. Au fur et à mesure que nous dessinons ici et que vous vous entraînez, vous verrez à quel point c'est incroyable, attitude que vous pouvez immédiatement commencer à ressentir lorsque vous introduisez la relation entre la tête et les épaules. Ensuite, à partir de là, je vais tracer cette courbe en C. Assurez-vous que le sommet se trouve ici au niveau des hanches. Je suppose que la jambe descend et forme une courbe en S, si je la suis jusqu'au membre externe, puis que cette autre jambe est ici, m' assurer d'avoir un peu de recul. Nous parlerons de la perspective dans la section suivante. Mais pour l'instant, gardez à l'esprit qu'il est assez rare que les pieds soient dans le même plan. perspective linéaire fera sorte que 1 pied soit derrière et l' autre pied devant. Mais encore une fois, nous y reviendrons dans la section suivante. Ses bras suivent le rythme de la courbe en C ou du moins la partie supérieure de la courbe en C du corps. C'est un peu plus droit. J'aime étendre mon geste pour indiquer les doigts. Encore une fois, je n' essaie pas de dessiner une main, j'indique simplement où peuvent se trouver les doigts, les considérant simplement comme des extensions rythmiques du bras Bien sûr, je vais faire la même chose avec le bras arrière ici. Les doigts effilent cette courbe en C pour lui donner un petit crochet spécial au bout Parfois, je me contente d' explorer davantage ces rythmes et obtenir des indications sur l'emplacement des contours extérieurs. Encore une fois, il ne s'agit pas de tentatives finales concernant les contours extérieurs. C'est juste cette idée, comme si le genou allait être là. Je veux avoir une idée de la façon dont le contour extérieur de cette jambe s' interface avec le reste du geste. Je peux aussi le faire dans la jambe arrière. Si nous examinons simplement cette zone, vous remarquerez ce que je n' ai pas dessiné. Je n'ai pas tracé deux lignes parallèles comme ça. Les lignes parallèles ont tendance à être un choix un peu ennuyeux. Je recommande d'éviter les lignes parallèles. Remarquez ce que j'ai fait dans mon geste j'ai d'abord eu la courbe initiale de la jambe comme celle-ci, puis la courbe extérieure s'est effilée et est entrée C'est devenu un rythme beaucoup plus intéressant. Je recommande vraiment de suivre cette voie. Pensez-y comme les flux et reflux d'une rivière. Il est rare que la nature fasse en sorte que les deux rives d'une rivière soient complètement parallèles. C'est biologique. Il y aura un bon flux de décalage. Pour en revenir à notre dessin gestuel, il porte une capuche, et cette capuche est également une branche de cette courbe thématique en S. J'étais comme ça. Ses cheveux peuvent sortir, formant également une courbe en S. Je suis en train de décider qu'une grande partie de mes choix de design sont basés sur des relations gestuelles Plus précisément, les relations entre les rythmes. C'est son oreille. On dirait le dessin d'une oreille, du moins un dessin animé Mais ce qui m'inquiète, c'est le rythme qui l'anime. Même le nez, comme le bas du nez, présente également une courbe en C. Cette petite courbe en C du nez est comme une extension des courbes en C du corps, continuité du thème. Je choisis juste de vraiment porter cela au degré M, en le composant, en le faisant enraciner dans presque tous les domaines. Maintenant, ce n'est plus une règle. Il n'est pas nécessaire que votre courbe thématique en C et votre ligne d' action soient reflétées dans chaque partie. Tu n'es pas obligée de faire ça. Si vous pouvez le faire, vous êtes presque assuré que le dessin sera très attrayant. C'est comme si une histoire était étroitement liée à un thème, et vous avez l' impression que c'est une histoire très étroitement liée dans ce sens Il en va de même pour un dessin. Encore une fois, pour les chaussures, il a ce joli truc avec la courbe de la mer. Quand un poids est placé sur quelque chose, ses deux pieds sont plantés sur le sol et supportent le poids, j'aime bien l' indiquer avec une ligne droite. Placez une ligne droite là où sa chaussure pourrait toucher le sol et une ligne droite là où cette chaussure pourrait toucher le sol. Tu vois ce qu'il ressent comme s'il était vraiment planté sur le sol ? Permettez-moi de me débarrasser de ces choses parce que je pense qu'elles sont un peu confuses maintenant. Oui, pouvez-vous voir à quel point les chaussures, à cause de ces lignes droites, donnent vraiment l'impression d'être plantées ? C'est vraiment agréable d'avoir une petite rupture de rythme J'ai parlé de rythmes thématiques, tout étant basé sur des courbes en C. Mais quand vous pouvez avoir une courbe en C comme celle-ci, arrêtez-vous brusquement dans une ligne droite Il y a quelque chose de bien là-dedans. On commence à avoir l'impression que ces parties du corps cèdent et reçoivent en termes de répartition du poids. Briser un tel rythme, c'est presque comme ajouter du poivre à quelque chose. Juste un petit peu ici et là. Nous allons lui donner un peu de piquant. Ce qu'il faut comprendre à propos du dessin gestuel, c'est qu'il n'y a pas de règles. Les idées présentées ici constituent une série d'outils que vous pouvez utiliser à votre propre disposition. Il a donc ses petites ficelles qui pendent à son sweat à capuche et même ces cordes Il y a des courbes en C. C'est exagéré de les mettre dans un dessin gestuel d'ailleurs C'est un détail que je dirais pour la fin. Mais juste parce que nous analysons une œuvre terminée, je veux juste que vous voyiez ce que j'en pense. Je vois ce que j'ai fait ici. J'ai fait la même courbe en C deux fois. Essaie de ne pas faire ça. C'est similaire aux lignes parallèles. C'est bien mieux et plus proche de la nature si vous pouvez le compenser. Je vais juste créer une courbe en C juste différente de l'autre. Celui-ci est plus large, celui-ci est plus étroit. Celui-ci se termine presque en ligne droite et celui-ci a plus un cône. Tu vois en quoi c'est beaucoup plus intéressant ? Je vais juste effacer celui que je n'aime pas. Vous pouvez le voir ici, nous avons une base très solide. Maintenant, il m'a fallu plusieurs minutes pour le dessiner , car j'explique chaque étape du processus. Mais si je dessinais juste ceci, je pourrais probablement arriver à ce dessin en 2 minutes ou 1 minute. Il est également très modifiable. Je pense que tout peut changer ici parce que je ne me suis pas vraiment engagée dans quoi que ce soit. Ces lignes rythmiques sont suffisamment abstraites pour que tout soit souple à ce stade. Mais la magie, c'est que vous avez toujours une idée de ce que vous pourriez produire à partir d'ici. C'est comme une boule de cristal précieuse dans ce sens. Pour celui-ci, je l'ai enregistré sans parler, donc vous pouvez voir comment je m'y prends réellement. Le processus est le même. Ça va juste être plus rapide. J'ai commencé par la tête et j'aime suivre la ligne d'action le long du corps. Ensuite, j'aime bien vérifier rapidement les proportions. Pour le moment, j'ai les hanches et les épaules en ligne. Ensuite, j'essaie de déterminer exactement où les épaules partent de la tête Dans ce cas, les épaules sont relevées, sorte qu'elles croisent la tête Maintenant, en rythme, regardez l'homme droit responsable son bras tendu, son bras droit là Cette ligne droite aide vraiment à communiquer la poussée. Encore une fois, les lignes droites sont très efficaces lorsqu' agit d' une énergie pointue aiguë, comme une poussée ou le maintien d'un poids. Remarquez que son bras gauche, qui est le bras droit, est incurvé en C, ce qui donne à ce bras une sensation un peu plus détendue. fait d'avoir une différence entre les deux contribue au dynamisme de la pose Pour ce qui est des jambes, j' essaie simplement de reprendre le thème de la courbure du corps ou de la courbure de la ligne d'action. Pour vous donner une idée de perspective, j'aime toujours m' assurer que les pieds ne touchent pas le sol au même point vertical de la page. À partir de là, la pose est prise. Je dessine depuis environ une minute maintenant. Maintenant, je n'arrivais pas toujours à obtenir une pose complète en une minute. C'est quelque chose qui se produit avec la pratique et l'expérience. Mais ce que je fais à ce stade, c'est d'essayer d' améliorer certains des rythmes et des relations qui existent. Par exemple, je ne veux pas que les épaules et les hanches soient parallèles. Comme vous pouvez le constater, ils le sont essentiellement maintenant. En utilisant simplement quelques couleurs différentes, je vais juste légèrement décaler cet angle. C'est tout à fait valable de tracer des lignes comme celles-ci dans le dessin gestuel. N'oubliez pas que le geste est un mode de dessin abstrait . Ce sont les fondations. Ces lignes m'aident à me le rappeler en y ajoutant des formes et des détails afin de respecter ces relations sous-jacentes et de ne pas les oublier au fur et à mesure que j'avance. Bien, jetons un coup d'œil au dessin numéro huit ici. Pour celui-ci, je vais recommencer à le raconter en direct afin de pouvoir transmettre mes réflexions au fur Encore une fois, commencez par la tête. Parfois, il est utile de tracer un petit réticule pour indiquer où se trouvent les yeux et où ils pointent. Nous examinerons ce processus un peu plus en détail dans le chapitre suivant. Mais si vous avez ici un réticule qui représente le milieu des yeux, vous pouvez parfois simplement tracer un nez avec une simple courbe, en gardant vos lignes claires et claires pour commencer, et vous aurez immédiatement une idée de l'endroit où le personnage regarde, la rotation et de l' angle de sa tête. Alors peut-être qu'à partir de là, je pourrais même créer un geste pour les cheveux, par exemple. En descendant par là, et peut-être quelques oreilles. Encore une fois, avec ces lignes fluides et rythmiques gestuelles, vous pouvez avoir une idée de la perspective uniforme et des premières touches de forme Je voulais incliner cette ligne verticale pour qu'elle soit inclinée Vous voyez déjà l' ampleur de l'attitude qui se dégage de cela ? Maintenant, regarde ça. Voici un peu plus d'attitude. Je vais placer la ligne d'épaule. C'est aussi un peu décalé. La lettre T correspond à la ligne d'action de mon corps. Mais encore une fois, ce n'est pas un T parfait qui traverse un angle parfait de 90 degrés. C'est biaisé. C'est comme ça. Ces angles sont un peu bizarres. Ils ne font pas 90 degrés. J'aime beaucoup utiliser le mot offset. À partir de là, je peux placer une épaule haute et une épaule basse. Ni extrêmement haut ni extrêmement bas, mais plus haut et plus bas. Ce sont des mots essentiels auxquels vous pouvez penser : supérieur, inférieur, décalé. Peut-être que pour les hanches, je vais légèrement décaler ça par rapport à la ligne des épaules. Cette ligne va comme ceci, cette ligne va comme ça. Ils sont presque parallèles, mais pas tout à fait parallèles. Parfois, vous pouvez même déterminer où se trouvent les pieds dans ce processus. Je ne fais pas toujours ça. Mais dans ce cas, étant donné que je suis en train de regarder un dessin final, je vais dire où se trouvent les pieds Souvent, je n'en sais pas assez sur mon design pour le placer là où se trouvent les pieds, mais vous pouvez l'essayer. Tu peux toujours déplacer ces objets. Maintenant, regarde ça. Parfois, il est agréable de faire un geste vers le bas depuis le bras, de tracer une ligne d'action pour le bras. Mais au lieu de vous y engager, placez simplement un cercle à l'endroit où vous pensez que la main pourrait se trouver, puis placez un autre cercle à l' endroit où se trouve l'autre main. C'est presque comme s'il portait des gants de boxe ou quelque chose comme ça. Mais tout de suite, je peux me faire une idée de cette action. À partir de là, je pourrais faire un geste en direction de cette main. Geste vers cette main. Peut-être que je dis : « Non, les bras ne devraient pas aller comme ça, ils devraient peut-être sortir de cette façon ». Si vous placez d' abord les mains puis que vous faites un geste vers elles, vous trouverez peut-être qu'il est un peu plus facile de créer des poses plus naturelles ou plus crédibles Ici, ce sont des courbes en C gestuelles pour les doigts. Maintenant, il est parfois utile de savoir exactement ce que fait le personnage. Par exemple, dans le dessin numéro trois, ce personnage dit « bonjour ». C'est l'action que j'imaginais dans mon cerveau quand je le dessinais. Ce type vous parlait d'un spectacle fou qu'il vient de voir. Ce type regarde de la terre sur son pied ou quelque chose comme ça. Ce type explique quelque chose, mais avec un peu d'appréhension, il est intrigué ou peut-être fasciné par quelque chose, et il déplace son corps peut-être vers la personne à qui il parle ou peut-être éloigne son corps de ce qu'il Je ne suis pas sûr. Mais plus vous pourrez assimiler ce que le personnage pense et ressent réellement, plus cela influencera votre geste sur la position physique de son corps Je veux dire, vous serez capable d'intérioriser ces pensées et votre corps bougera en conséquence Ici, je vais faire allusion à certains contours extérieurs, mais en y repensant rythmiquement, s'agit d'une courbe en C, d'une courbe en C plus large et son pied va être planté Encore une fois, vous le savez déjà. J'aime utiliser des lignes droites, chaque fois que quelque chose porte du poids Chaque fois que je fais 1 pied, je pivote et je fais 7. Personnages - Forme 3D: Si le dessin gestuel représentait la partie émotionnelle du dessin où vous capturez les sentiments, l'attitude et l'humeur, la forme du dessin est à l'opposé de ce spectre où nous pensons très littéralement. Nous ne pensons toujours pas aux dernières lignes, mais nous pensons à la solide tridimensionnalité de ce que nous examinons Nous allons utiliser de nombreuses formes de base, comme des cylindres, des boîtes, des sphères, et créer des personnages à partir de ces éléments. Mais surtout, il ne s'agit pas vraiment de créer des personnages à ce stade. Un personnage n'est qu' une des nombreuses applications pour lesquelles vous pouvez l'utiliser. Il s'agit plutôt du développement d' un mode de pensée et de vision lequel nous sommes capables de visualiser les choses non pas dans un espace à deux D sur la page, mais dans un espace en trois D entrant et sortant de l'espace. C'est l'outil qui vous permet de représenter les choses sous différents angles à partir de votre imagination. forme de dessin est la prochaine étape idéale après un dessin gestuel. Prenons donc le même personnage avec lequel nous venons de travailler et appliquons-lui le formulaire. Ce que j'aimerais faire ici, c'est me plonger dans le vif du sujet et appliquer certains outils de création de formulaires, puis nous allons sauvegarder et combler certaines lacunes théoriques. Je veux que ce cours reste aussi appliqué que possible. Commençons ici et nous allons partir du geste que je viens de terminer dans la leçon précédente. Ce que j'ai ici, c'est le dessin sur le calque d'arrière-plan, puis j'ai simplement placé un calque dessus sur lequel je vais dessiner. Tout ce que je fais ici est sur une couche séparée. Bien, recommençons par la tête. J'utilise toujours le même ordre de progression, et la tête posée à partir de notre geste a cette forme et c'est une forme circulaire. Je vais le mettre dedans et tout de suite, juste ici, ce petit réticule s'allonge. Pensez à un élastique qui se déplace au-dessus d'une sphère. En ce moment, je dessine derrière. Je vais utiliser une ligne pointillée pour cela. Je dessine derrière la sphère, puis c'est au-dessus. Il en va de même pour la ligne médiane, mais attention, je vais l'étendre pour passer en revue cette forme sphérique théorique que j'utilise lorsque je place la tête et qu'elle fait le tour. Ensuite, si je devais être responsable et lire le formulaire, procédez comme suit et tracez une ligne pointillée derrière celui-ci Je dis qu'il faut être responsable parce que je trouve que si vous êtes un dessinateur, vous savez, quelqu'un qui veut bien dessiner, un dessinateur, vous voulez toujours connaître les tenants et les aboutissants de tous vos formulaires, pas seulement ce que vous voyez, mais aussi le verso de ceux-ci Si vous pouvez voir à travers vos formes, comme si vous aviez une vision aux rayons X ou quelque chose comme ça, vous aurez une forme plus solide en général. Ce qui semble aller de soi. Si vous en savez plus, vous aurez plus de vérité dans votre dessin. Je vais également simplement augmenter ma couche blanche pour masquer un peu plus le geste, en revenant à notre dessin de formulaire. Il va se débarrasser de ce nez qui était là à cause du geste et le reformuler. C'était un peu trop à gauche. Je veux le mettre juste au milieu comme ça, et j'utiliserai mon rouge pour indiquer les lignes médianes Permettez-moi de redessiner la ligne médiane qui descend le long de la tête. Cette ligne se trouve au milieu du formulaire et passe au-dessus du formulaire. Mais lorsqu'il touche le nez, il doit contourner le nez. Tu vois ça ? Imaginez qu' il s'agit d'une bande élastique enroulée autour de ces formes, et que cette bande élastique se déplace, bien sûr, autour de la forme lorsqu' elle s'enroule autour d'elle, n'est-ce pas ? Et pareil avec ce réticule ici. OK. Retournez à notre noir. Vous voyez à quel point il est utile d' avoir ces couleurs là-haut. Je n'ai pas besoin de faire glisser le sélecteur de couleurs. Ensuite, nous commencerons à construire le corps parce que nous l'avons. Maintenant, notre geste, souvenez-vous que je disais que dans une illustration de dessin animé, lignes rythmiques de votre geste peuvent souvent devenir les contours finaux Eh bien, c'est ici que nous pouvons commencer à voir cela se produire. Mais pensons à la forme. Où serait le haut de son torse comme le haut de sa cage thoracique ? Eh bien, sur le dessin, le haut de sa cage thoracique est caché par les bras, mais c'est quelque part là-haut. Pensons à notre dessin maintenant, et mettons une petite ellipse pour la forme du haut du torse Ensuite, cette ligne gestuelle que nous avons tracée ici, je vais simplement la réutiliser C'est le bas de notre torse. J'utiliserai le bas de la chemise, le haut des hanches, comme point final de ce torse Ensuite, nous le connectons à cette ligne rythmique qui provient également de notre geste. Et ça aussi. Ce que nous avons ici est un formulaire. Laisse-moi juste tourner le dos. Nous y voilà. Ce que nous voulons faire, c'est prendre notre rouge ici et mieux comprendre ce formulaire. C'est plat en haut, puis cette ligne médiane descend à peu près ici Je peux indiquer où le point central se trouve juste en dessous du nombril. Et dessine. Encore une fois, une bande élastique enroulée étroitement autour de cette forme ressemblerait à ceci. Maintenant, remarquez à quel point cela s'écarte de la ligne gestuelle située en dessous et que vous pouvez toujours voir C'est parce que ce n'est pas une ligne gestuelle. La ligne gestuelle a capturé presque le rythme normal du corps, alors que cette ligne dépasse la forme physique littérale en trois D. Continuons donc et dessinons une autre ligne rouge, une ellipse qui passe au-dessus du haut du torse, et il est toujours utile de tracer derrière, et aussi notre première ligne, dessinons derrière le formulaire Nous pouvons en dessiner un autre en descendant ici et l'ellipser. Remarquez que je fais très attention. Je ne dessine plus de façon rythmique. Techniquement, je dessine. Si le rythme était la partie émotionnelle, alors la partie technique est la partie physique. Voici donc comment je construis le torse. C'est tout ce dont j'ai besoin. Revenons à la couleur noire et continuons. Ce que j'aimerais faire en regardant mon dessin de référence sur la gauche, c'est utiliser le short. Construisons les shorts. Au lieu de construire la jambe, fabriquons le short, puis le bas de la jambe qui en sortira. Nous savons que nous partons d'ici et d' Construisons d'abord les shorts ici. Encore une fois, notre geste, qui m' a permis d'y revenir un peu pour que vous puissiez le voir. Un geste nous a indiqué où se terminait le short. Mais maintenant, il est temps de résoudre la forme cylindrique. Ce serait le bas du short. Je vais le dessiner de fond en comble. Je vais utiliser une ligne très fantomatique à l'arrière. C'est la partie du short que vous ne pouvez pas voir, et c'est la partie du short que vous pouvez voir ici. Ensuite, je vais dessiner le formulaire reliant un côté de celui-ci, le contour. Il s'agit en fait d'un contour maintenant, contrairement à un geste. Vous remarquez le geste dans ce cas, certains de ces contours étaient serrés, comme celui-ci. Mais c'est là que je définis enfin les contours de la forme. Maintenant, malgré cela, je sépare cette leçon de la conception de formes. La conception de formes est la toute prochaine leçon. C'est dans le design de forme que vous pouvez encore modifier cela. Mais dans ce cas, j' essaie simplement de m' assurer d'avoir une solide compréhension tridimensionnelle de ce personnage. Pas le personnage, mais la compréhension tridimensionnelle des formes qui le construisent. La forme finale, qui sera la leçon suivante, nous permettra de mieux comprendre l'apparence complète du personnage. Mais c'est la forme tridimensionnelle. Je vais prendre ma couleur rouge ici et dessiner une autre ellipse pour le devant du short Ici. J'annule ça. Cette ellipse était trop plate. Je vais expliquer pourquoi, dans la section suivante de cette leçon, nous reviendrons en dans la section suivante de cette leçon, arrière et parlerons de quelques théories. Mais pour le moment, je veux placer cette ellipse le plus près possible de la droite, faire le tour du formulaire Bien. Nous avons cette partie de l'entrejambe ici. Le cylindre n'y va pas jusqu'au bout, mais on peut l'imaginer s' y rendre et se connecter. J'utilise ma ligne rouge pour me connecter au corps là-haut. Encore une fois, nous essayons de voir à travers le formulaire comme si nous avions une vision aux rayons X. Nous ne dessinons pas seulement le recto de ces formulaires, la partie visible pour nous à partir de cette vue, nous dessinons ce que pourrait voir quelqu'un de derrière. Il s'agit d'une compétence très, très utile et professionnelle dont vous avez absolument besoin si vous voulez devenir un concepteur de personnages de quelque nature voulez devenir un concepteur de personnages de quelque nature que ce soit. Parce que vous allez probablement concevoir pour trois D. Je veux dire, général, les productions, de nos jours, c'est trois D. Mais même si vous concevez pour deux D, vous savez, les animateurs ou le flux de production qui passe par le pipeline doivent savoir à quoi ressemblent ces personnages en trois D. Donc, même si vous dessinez pour un support en deux D, comme une animation en deux D ou quelque chose, vous devez tout de même connaître la tridimensionnalité de votre personnage Bien sûr, c'est ce qui vous aidera à dessiner le personnage dans une pose ou un angle différent. J'ai donc dessiné quelques ellipses pour l'autre côté du short Ensuite, je vais le connecter . Maintenant, vous savez, ce n'est pas un cylindre parfait comme celui-ci. Ce n'est pas un cylindre plat. Sa jambe est pliée, non ? Je vais donc aussi plier mon cylindre. C'est comme ça, et nous allons passer à l' arrière du short. Maintenant, une partie ressemble à cette partie, sans trop sauter en avant, mais cette partie, je suis en train de colorier en noir en ce moment, que je suis en train de colorier en noir en ce moment, sera réellement visible, parce que sa jambe va en sortir. Mais je vais annuler ça, je prends de l'avance sur moi-même. Je pense juste un peu à l' avenir. Il y a ce cylindre et nous pouvons probablement nous assurer de pouvoir associer ce rythme ici, en revenant un peu au geste, en nous associer ce rythme ici, en revenant un peu au geste, revenant un peu au geste assurant que ces deux formes s'alignent de telle sorte que lorsque je dessine la zone de l'entrejambe, nos formes ne soient pas mal alignées pour ce OK, passons à cette étape. La jambe sort directement de l'intérieur du cylindre du short, on peut l'appeler ainsi. Celui-ci touche le haut de ce cylindre à cause de la gravité. Le short va reposer sur la jambe. Mais cette jambe, comme je vous l'ai montré il y a tout juste une minute, sort du milieu du short parce que ce sont des shorts plutôt amples C'est-à-dire cette partie, nous pouvons voir l'intérieur de ce cylindre creux. C'est l'intérieur du short, et cette jambe sort comme ça. Nous avons un cylindre ici et un cylindre ici. Si vous êtes responsable, vous devez également continuer cette étape. Je vais simplement dessiner avec des contours de notes très fantomatiques ou des lignes pointillées, comme vous le souhaitez Continuez cette jambe à l'intérieur du short et remontez-la jusqu'à son point d'origine, près des hanches. Mais pendant que nous sommes là, achetons la chaussure. Maintenant, la chaussure ressemble moins à un cylindre qu'à une boîte. Je vais dessiner sous forme de boîte arrondie. Voici ce que je veux dire. Voici le dessous d'un formulaire en forme de boîte C'est la plante du pied, le dessous, et cette boîte va juste apparaître comme ça en interface avec l'angle Nous voyons cette boîte sous un angle assez extrême. Tu peux le voir ? C'est ainsi que je vais m'accrocher à la chaussure. Bon, il est temps de l'appliquer à l'autre jambe. La première question que je me pose toujours lorsque je dessine des pantalons et des shorts est la suivante : d' où vient la jambe ? C'était assez évident dans celui-ci car la gravité forcera cette intersection juste là où le short touche la jambe. Mais dans celui-ci, ce short se trouve plutôt au milieu de la jambe. Je ne vais pas le mettre au milieu parce que ce n'est jamais un bon choix. Presque jamais. Habituellement, le formulaire passera plus de temps d'un côté ou de l'autre. Je choisirai ce côté. Je privilégie le côté droit ici, l'autre côté de la jambe qui sort de cette façon Ce cylindre se termine ainsi, cette ellipse effilée vers le bas, que je vais dessiner autour de la forme La ligne très fantôme ou la ligne pointillée, selon votre préférence Cette jambe va se relever. Maintenant, où est le genou ? Dans celui-ci, le genou était là. Je n'en ai pas parlé. Désolée. Dans cette jambe. Encore une fois, le genou est un peu enfoui dans le short. Même chose ici, le genou est à peu près là, et soyons constants quant à la position des genoux par rapport aux extrémités du short. Ensuite, cette jambe remonte et rejoint les hanches, entrejambe juste là, et cette jambe ici, et nous allons dessiner à nouveau. En rouge, je dessinerai les ellipses correspondantes qui représentent les formes cylindriques Assurez-vous que notre personnage a un semblant de crédibilité sous les vêtements Vous verrez cela tout le temps dans productions d'animation où les personnages seront dessinés nus. Je veux dire, ils ne dessinent pas comme les organes génitaux ou quoi que ce soit d'autre. Cela ne sert à rien. Mais comme un mannequin est nu, ils dessineront le personnage comme ça juste pour s'assurer que la forme est cohérente, cohérente et crédible Même chose pour la chaussure ici, je vais juste la mettre dans une boîte. J'ignore son élasticité pour le moment. Je vais l'inclure dans la section sur les formes, qui est la toute prochaine leçon. Mais je tiens à souligner le fait qu'il est plié au niveau du talon. C'est comme ça. Je suis allé un peu trop loin là-bas. Laisse-moi juste effacer ça. C'est comme si la chaussure se terminait comme ça et qu'elle était pliée parce qu'il était sur le point de lâcher son pied. Ce n'est pas parfait. Il ne s'agit certainement pas d'un dessin de chaussure. C'est un bon endroit pour vous rappeler qu'il ne s'agit pas nécessairement des formes finales. En fait, ce ne sont pas du tout les formes finales , ce sont juste les formes. Certaines de ces formes sont peut-être presque définitives, mais dans le cas de cette chaussure et même de cette chaussure , ce n'est pas le cas. Ce ne sont que les formes de base que nous visualisons dans notre tête avant de pouvoir nous y visualisons dans notre tête consacrer Maintenant, quand il s'agit de dessiner comme ça, plus on acquiert d'expérience, moins on a à faire physiquement cette étape. En fait, quand je dessine maintenant, je ne le fais presque jamais, mais je le fais toujours, et ce mot est utilisé intentionnellement. Pensez-y toujours. Il n'y a jamais un moment où je ne pense pas à trois D. C'est juste que vous devez suivre les étapes pour dessiner ceci ? Cela dépend de votre expérience. Allons chercher les épaules. Il y a une ellipse là où se trouve l'épaule. Encore une fois, en utilisant notre geste, nous savons que notre coude est là. Mais je vais me débarrasser de ce X parce que je peux voir le geste, et nous allons dessiner l'embout du cylindre, puis nous allons le connecter. Dans ce cas, le bras est un cylindre plutôt droit. Il est un peu effilé comme s'il était plus large ici, étroit ici, donc il se rétrécit un peu, mais c'est à peu près un Mettons l'autre bras dedans pendant que nous sommes ici, nous saurons où se trouve le coude. Encore une fois, nous allons parcourir le formulaire si je continue et nous savons où se trouve le haut du torse, se trouve l'autre épaule Nous pouvons donc dessiner ce cylindre, je peux dessiner à travers le cylindre de forme. C'est là que je remarque que mon coude est un peu trop écarté. Ce bras devrait être trop long pour atteindre ce point. Maintenant, il existe des astuces graphiques, surtout en deux D. En trois D, vous ne pouvez pas le faire autant En deux D, je pourrais allonger légèrement la longueur de ce bras si je le voulais. Dans ce cas, je vais en parler un peu, juste pour être honnête. Mais lorsque nous arriverons aux formes finales, il se peut que je change d'avis et que je fasse ressortir les choses un peu plus. Les productions D ont ce problème tout le temps, d'ailleurs, lorsqu'elles veulent une certaine pose, une certaine silhouette, elles n'arrivent pas à l'obtenir parce que le personnage ne peut pas le faire physiquement. Des studios comme Pixar intègrent constamment des capacités de triche à leurs modèles En art, il est très courant de tromper l'apparence d'une silhouette en se basant sur le graphisme ou la silhouette que vous souhaitez Mais il s'agit d'une question de forme, pas d'une question de formulaire Nous y reviendrons dans la prochaine leçon. Voyons maintenant le cylindre pour le bas, le bras inférieur, qui est le haut de ce dessin. C'est là que le poignet se terminerait pour le bras avant et nous savons où se trouve le coude. Je ne vais même pas dessiner quoi que ce soit, mais ce serait là. Je vais juste continuer comme ça. Remarquez que ce que je fais habituellement, c'est de trouver les deux extrémités du formulaire, puis de le connecter. Ensuite, ce que j'aime faire, c'est rouler un peu embrouillé par les files d'attente ici, juste en peignant du blanc dessus, effacer ce qu' il y a Vous voulez toujours voir ces lignes, mais je ne fais que les deviner. Tu peux te procurer un aérographe. Il y a un aérographe ici. Tu peux le faire. Je vais juste clarifier un peu ces lignes. Même ici. Laissons ce bras apparaître comme s'il était devant, et c'est parti. Revenons à notre pinceau de dessin. Je vais d'ailleurs partager ce pinceau avec la classe. J' apprécie vraiment ce pinceau. C'est celui que j'ai fabriqué et personnalisé. Je crois que je l'ai obtenu à partir d'un pinceau Photoshop par défaut que j'ai ensuite personnalisé pour mon propre usage de dessin. Encore une fois, il est toujours utile que ces ellipses intermédiaires traversent le formulaire Vous êtes littéralement responsable du formulaire à chaque instant. Vous devez savoir ce que fait ce formulaire partout. Si vous ne savez pas à quoi sert le formulaire à un moment donné, vous risquez fort de faire une erreur. Dessiner n'est presque jamais gratuit. Il est très rare que vous ayez de la chance et que vous considériez simplement la bonne chose comme extrêmement rare. Lorsque vous regardez un pro dessiner, il semble que c'est ce qui lui arrive, mais son instinct est tellement aiguisé qu'il n'a pas toujours à suivre ces étapes Voici une boîte pour la main. Voici une boîte juste là et les doigts se recroquevillent dedans. Vois ça. Voici le revers des doigts. Nous y voilà. Ce bras, nous pouvons utiliser notre rouge et simplement le continuer derrière la tête. La main serait là. Il y a le poignet, et la main, bien sûr, se ramifierait à partir de celui-ci. Mais je sais que cette main est au bon endroit, donc je ne vais tout simplement pas la dessiner pour ça. Mais l'essentiel, c'est que je sais que c'est au bon endroit. C'est pourquoi je n' ai pas besoin de le dessiner ici. Pour ce qui est du jouet qu'il hisse en l'air, je vais juste dire quelque chose, mais je vais le dessiner plus rapidement et avec les formes les plus élémentaires, voici une forme sphérique pour la tête, la ligne des yeux là-haut, quelques poils qui s'en détachent Il a un bras effilé très cylindrique plus étroit au niveau de l'épaule et beaucoup plus large au niveau des doigts Et ce bras ici ressemble aussi à un cylindre conique, et cette jambe est un énorme cylindre qui fonctionne comme ça Je passe juste plus rapidement en revue cette partie du dessin ici et quelques cases ici pour les orteils. Nous y voilà. cela prend tout son sens maintenant en termes de forme tridimensionnelle. Je vois ce que je fais ici. dépassant les limites, en veillant à ce que tout soit bien aligné, en veillant à ce qu'un formulaire apparaisse devant l'autre. On pense que les épaules sont reliées à l' endroit où elles devraient se trouver approximativement sur le torse Je ne pense pas à l'anatomie, je ne pense pas à la façon dont les épaules sont reliées dans la vraie vie à la clavicule ou à quelque chose comme ça. Ce n'est pas important ici. C'est juste un placement général. De toute évidence, l'anatomie entre en jeu lorsque vous apprenez le dessin vivant , une matière différente de celle de ce cours, mais plus vous en savez sur l'anatomie, je suppose que cela pourrait également vous aider dans ce domaine. Mais vous n'avez certainement pas besoin d'être un expert en anatomie pour dessiner de cette façon. C'est bon. de pouvoir visualiser les choses de cette façon garantira que votre dessin final aura cette sensation de profondeur et de forme souhaitable. Pour mieux comprendre ce que nous faisons ici, je suis passé à Blender, qui est un programme en trois dimensions. Maintenant, vous n'avez pas besoin de connaître Blender pour cela. Je vais juste vous montrer quelques points sur la nature du dessin dans un espace tridimensionnel et tridimensionnel que vous devez connaître à nouveau pour bien le faire. J'ai un cylindre chargé ici, et je peux faire pivoter ma vue pour voir le cylindre sous différents angles. Mais regarde ça. Si je passe simplement dans ce mode ici, je peux voir tous les points qui le composent, ce qui est utile. Parce que ce que je vais faire, c'est ajouter un anneau autour du cylindre. C'est ici. Ce sont comme les anneaux que nous avons dessinés dans notre personnage. Maintenant, regarde ça. Au fur et à mesure que je déplace cette bague vers le haut et vers le bas, voyez-vous que sa perspective change ? Je peux également vous le montrer en rendant le cylindre transparent. Nous voyons maintenant le verso du formulaire, comme nous l'avons fait pour le dessin. Regarde ça. Au fur et à mesure que je déplace l'anneau vers le haut, voyez-vous l'ellipse se rétrécir ? Et au fur et à mesure que je le déplace vers le bas, l'ellipse s'élargit ce que tu vois. Cela dépend également de la vue de la caméra. Si je procédais comme ça, si je déplace la caméra juste en ligne avec le cylindre, la caméra juste en ligne avec le cylindre, ou plutôt avec l'ellipse qui s'y trouve, je suis exactement dans la même ligne Ce qui ressemble à une ligne droite en ce moment. Maintenant, regarde ça. Si je fais la même chose, si je le déplace vers le haut, il s' élargit au fur et à mesure que nous montons. Ensuite, je peux descendre et passer par le point où il y a une ligne droite juste là, et je peux descendre et le champ s'élargit dans le sens inverse. Il est essentiel de comprendre comment cela fonctionne. Tout est lié au concept de ligne d'horizon. Un autre mot pour désigner la ligne d'horizon est la ligne clé. La ligne d'horizon ou ligne d'horizon est une ligne théorique dans l'espace située au niveau de vos yeux, ou dans ce cas, la vue de ma caméra ici en trois D. La ligne d'horizon sur cette image est ici Je sais que c'est là parce que c'est là que mon ellipse s'est transformée en une ligne parfaitement droite Ce que vous devez savoir à propos de la ligne d'horizon c'est que tout ce qui se trouve au-dessus la ligne d'horizon se trouve au-dessus vos yeux ou au-dessus de l'objectif de l'appareil photo. Nous en voyons le revers. C'est le contraire qui est vrai. Tout ce qui se trouve en dessous de la ligne d' horizon se trouve en dessous de vos yeux ou de l'objectif de votre appareil photo, et nous en voyons donc le dessus. Par exemple, avec ce cylindre ici, encore une fois, la ligne d'horizon se trouve juste à l'endroit où je croise le curseur de ma souris. Cela signifie que le haut du cylindre, cette partie ici, est au-dessus de la ligne de nos yeux, donc nous ne pouvons pas voir le haut du cylindre, et le bas du cylindre, cette partie ici, est en dessous de la ligne de nos yeux, donc nous ne pouvons pas en voir le bas. Si je déplace le cylindre en dessous de la ligne d'horizon, eh bien, regardez ça. Nous pouvons maintenant voir le plan supérieur du cylindre. Cela signifie également que si j'ajoute un autre anneau, je rendrai le cylindre transparent à nouveau. Si j'ajoute cet anneau, observez-le maintenant Même si je le place juste en haut du cylindre, cette juste en haut du cylindre, ellipse a une perspective différente maintenant Juste pour te rappeler que si je déplace ce cylindre là où il était avant, cette ellipse s'éteindra comme ça Mais si c'est ici en dessous de la ligne des yeux, maintenant cette ellipse a changé pour aller vers Je peux donc placer ce cylindre quelque part, mettre ici et peut-être déplacer mon contour des yeux à peu près comme ça vous pouvez voir où se trouve mon contour des yeux en trois D, ailleurs, vous pouvez voir où se trouve mon contour des yeux en trois D, parce que vous pouvez voir que c'est là que la grille se termine Elle est très faible, mais pouvez-vous voir cette ligne dans horizon très lointain ? D'ailleurs, c'est pourquoi on l'appelle ligne d'horizon Elle se trouve à votre horizon et elle est déterminée par vos yeux Ne confondez pas la ligne d'horizon avec l'endroit où l'eau rencontre le ciel. Oui, c'est ce qu' on appelle aussi un horizon, mais ce n'est pas ce que représente la ligne d' horizon lorsque l'on dessine. La ligne d'horizon est cette ligne horizontale égale à celle de vos yeux. Dans ce cas, même si je regarde ça, même si je regarde vers le bas, j'ai fait pivoter mon appareil photo pour regarder vers le bas. Ma ligne d'horizon est toujours là. C'est parce que même si je regarde vers le bas, la hauteur physique de mes yeux, le niveau auquel ils se situent dans l'espace, se situent au-dessus du cylindre. Même si je regarde vers le bas, ligne de mes yeux est toujours au-dessus du cylindre, ce qui signifie que si je rendais le cylindre transparent et que je déplaçais cette ellipse, vous pouvez voir que peu importe où se trouve l'ellipse dans le cylindre, je peux toujours voir le haut de cette ellipse, car elle est toujours en dessous de la Aujourd'hui, le changement est le suivant : plus la ligne d'horizon se trouve en dessous de la ligne d'horizon, plus elle s'élargit. C'est bon. Voici une capture d'écran de cette dernière image dans Photoshop. Entraînons-nous un peu à dessiner dans l'espace ici. Je sais où se trouve la ligne d'horizon parce que, encore une fois, je peux la voir là où la grille se termine par trois D. Si je devais dire juste à cette distance de l'horizon, eh bien, cette ellipse serait sacrément Mais comme nous sommes toujours en dessous de la ligne d'horizon, nous pourrions toujours en voir le haut, mais nous serions très étroits, quelque chose comme ça. Si je continuais ma distance à partir de la ligne d'horizon, quelque part ici, peu près au niveau de ce cylindre, alors je sais, quand je peux le voir dans la référence, que l'ellipse devient plus large que la première, quelque chose comme ça Maintenant, mes ellipses sont dessinées à la main par un humain. Ils ne seront pas aussi parfaits mécaniquement que le modèle informatique, mais ce n'est pas grave. Je vais essayer de faire en sorte que ce soit aussi bon que possible, quelque chose comme ça. Maintenant, si je continue les lignes ici, c'est comme si je dessinais un cylindre. Maintenant que je suis bien en bas à ce niveau, je suis tellement plus loin de la ligne d'horizon que l'ellipse doit vraiment s'élargir J'essaie presque de faire un geste. J'essaie de le sentir avec mon bras avant de m' engager dans ces lignes. C'est quelque chose comme ça. Maintenant, cette ellipse doit se détacher des cylindres, pieds là, bien sûr, et c'est quelque chose comme ça Je pourrais effacer le fond en peignant dessus, mais souvenez-vous qu'il est important de dessiner le verso de ces formes, comme nous l'avons fait pour notre personnage il y a un instant, nous dessinons à travers la forme comme si nous avions une vision aux rayons X. Cela nous aide à améliorer notre style de dessin. Parce que, encore une fois, si vous pouvez voir à travers vos objets, vous aurez une forme plus cohérente d'un bout à l'autre Nous y voilà. Voilà notre cylindre. Pour souligner qu'il s'agit de la partie supérieure du cylindre, je vais peut-être simplement le peindre en blanc, pour qu'il ressemble à une forme solide . Et voici notre cylindre. Maintenant, disons que nous étions au-dessus la ligne d'horizon quelque part là-haut. Eh bien, maintenant l'ellipse s'éteint dans cette direction. Mais comme nous sommes toujours proches de la ligne d'horizon, elle ne sort pas tant que ça. C'est peut-être quelque chose comme ça. Mais nous voyons maintenant le dessous de cette ellipse. Si nous relions simplement ces deux points, eh bien, nous avons maintenant un autre cylindre spatialement précis Mais dans ce cas, je masquerais ou masquerais cette zone arrière pour m'assurer que nous la voyons toujours, que nous en sommes toujours responsables. Mais la ligne visible à nos yeux est cette ligne inférieure. L'inverse est vrai en haut, je vais masquer ou cette partie de l' ellipse pour m'assurer de souligner que la ligne supérieure de cette ellipse est celle visible à nos yeux C'est un concept simple, mais curieusement, est pas enseigné et passe inaperçu pour de nombreux artistes Par conséquent, cela rend les dessins de beaucoup de personnes tout simplement incohérents en trois D. La tentative est là, mais la précision est mauvaise. Si la précision de base de votre formulaire est incorrecte, cela va à l'encontre de son objectif Vous pouvez vous en tirer avec un geste tout en capturant une sensation parfaitement valide, mais vous ne pouvez pas vraiment vous en sortir trop avec le formulaire et capturer un formulaire valide. en revenir à notre fiche de personnage de Jake, celle que vous avez déjà vue, je veux juste vous montrer comment je les applique. Regardons ce type ici. La première question à se poser est où se situe la ligne d'horizon ? Autrement dit, si vous deviez regarder Jake ici, c'est-à-dire si vous deviez projeter votre ligne vers l'avant, où cette ligne entrerait-elle en collision avec le personnage ? À quelle partie de son corps sont égaux tes yeux ? Je dirais que c'est probablement par ici. Le fait d'avoir l'œil sur son menton signifie que l'appareil photo est assez bas par rapport au sol, ce qui est vrai Si vous regardez ça, vous avez l'impression d'être près du sol, le regarder un tout petit peu. Permettez-moi de remettre cette ligne d'horizon là-dedans. Cela signifie que cette zone est au-dessus de la ligne d'horizon. Comme nous l'avons vu avec notre ellipse il y a un instant avec les cylindres, cela signifie que ce contour en croix ou cette bande élastique, parfois appelés contours croisés, d'ailleurs, se déplacent comme ça Pouvez-vous voir à quel point cela s'enroule bien autour de sa tête, et on dirait que cela correspond au point de vue ? Si j'ai fait ceci, quelque chose comme ça, ça n'a pas l'air correct. Il y a quelque chose de faux ou d'inexact là-dedans. C'est ce qui semble s' enrouler autour de sa tête. À l'inverse, regardez cette partie où la chemise se termine, la ligne de ceinture, qui se trouve en dessous de la ligne d'horizon. Tu vois comment j' ai fait descendre l' ellipse ? C'est comme ça. Si nous dessinons un cylindre théorique à endroit et que nous dessinons ensuite un fantôme dans les lignes qui le suivent, vous constaterez que nous sommes responsables de notre point de vue. Très bien, passons au bas la page à cette version de Jake. C'est un angle très différent. Dans celui-ci, nous le regardons légèrement de haut. La même question s'applique. Où se situeraient nos yeux dans cette vision ? Je dirais que c'est quelque part ici, projetant le contour de mes yeux à l' infini dans l'espace, qu'il s'alignerait là-bas, ce qui signifie qu'il entre en collision avec le bout de ses ce qui signifie qu'il entre en collision avec le bout de Cela signifie que dans ce cas, contrairement à celui où la ligne tournait de cette façon. Sur ce type, toute sa tête est en dessous de la ligne d'horizon. Cette ellipse tourne autour de sa tête de cette façon. Si on devait se cacher derrière, ce serait comme ça. Si nous examinons à nouveau sa ligne de ceinture, remarquons que l'ellipse est plus large car elle trouve plus en dessous de la ligne d'horizon Encore une fois, nous pouvons être responsables et faire le dos, puis nous pouvons y connecter notre cylindre théorique, et vous pouvez voir comment je suis responsable de l'espace en trois D dans lequel vivent ces formes. Même sur des photos très réalistes comme celle-ci, elles sont peintes dans un style plus réaliste. Mais bien entendu, le même principe est vrai. Première question, où est la ligne d'horizon ? Où sont nos yeux au même niveau que son corps ? Je dirais que c'est quelque part là-bas. Il y a des ellipses très évidentes comme celle-ci. Voyez qu'il se plie vers l'extérieur parce qu'il descend. Celui-ci se plie encore un peu plus vers l'extérieur. Ici, cette ellipse se courbe également vers l'extérieur. Maintenant qu'il a la tête au-dessus de la ligne d'horizon, celui-ci sort par là. J'espère que cela souligne l' importance de savoir où se trouve cette ligne d'horizon. Maintenant, il y a une petite chose qui joue un rôle clé à molette dans tout cela, c'est la rotation De retour dans le mixeur, j'ai sélectionné une boîte en forme de boîte rectangulaire. Je vais le rendre transparent comme je l'ai toujours fait, et j'y mettrai notre petite coupe transversale. Mettons-le juste là. Maintenant que nous sommes en dessous de la ligne d' horizon, nous regardons vers le bas, même s'il s'agit d'une forme de boîte C'est le même principe qu' une ellipse, un cylindre se trouve que j'utilisais des cylindres Il se trouve que j'utilisais des cylindres auparavant et maintenant ce sont des boîtes, mais nous examinons la face supérieure de ce contour ou de cette section transversale parce que nous sommes au-dessus de la ligne d'horizon, dessous de la ligne d'horizon. Je vais juste me débrouiller avec la ligne d'horizon ou juste là. Maintenant, il est parfaitement plat. Nous ne pouvons voir ni le plan supérieur ni le plan inférieur, donc c'est parfaitement droit Mais regardez ce qui va se passer maintenant. Si je fais pivoter l'objet. ce que je fais. Je fais une rotation comme ça. Permettez-moi de revenir à mon point de vue. Si je fais pivoter l'objet, eh bien, tout à coup, nous voyons le plan supérieur de cette section transversale parce que l'objet est incliné vers nous Nous devons en être conscients. Si l'objet n'a pas été pivoté, parfaitement plat de haut en bas comme ça, nous le voyons plat, mais dès qu'il commence à tourner, c' est une variable que nous devons prendre De retour dans ma peinture , il y a quelques objets qui sont pivotés. Par exemple, cette jambe ici. Cette jambe ressemble à un cylindre, mais parce qu'elle est étendue vers nous, comme s'il marchait, cette forme cylindrique de la jambe a été tournée vers nous Notre ligne d' horizon était où ? Même si cette jambe se trouve bien en dessous de la ligne d'horizon, parce qu'elle a pivoté vers nous, ces ellipses l'interrompent et suivent cette Le cylindre va comme ça et ça s'enroule autour du dos comme ça Je tiens compte de cette rotation. C'est pareil pour les bras ici. Laisse-moi peindre ce bras très vite. Si je voulais dessiner ce bras juste à plat de haut en bas, eh bien, il est à peine en dessous de la ligne d' horizon. Cette ellipse descendrait donc à peine. Nous aurions les pieds de notre cylindre ici, et cette extrémité du bras serait comme ça. Cela représenterait le bras suspendu vers le bas dans l'espace d'une manière parfaitement verticale. Mais ce n'est pas ce qui se passe ici. Ce bras a tourné vers nous. Cette rotation est suffisante pour changer la nature du cylindre, il s'éteint donc comme ça. Ici, permettez-moi de replacer la ligne d'horizon quelque part à peu près. Le concept de ligne d'horizon est toujours important car ce que vous pouvez faire, c'est vous pouvez toujours partir mentalement d'une forme parfaitement plate de haut en bas, comme la forme de boîte que je vous ai montrée il y a un instant, et qui était parfaitement plate de haut en bas Vous pouvez donc imaginer où se situent ces sections transversales par rapport à la ligne d'horizon. Ensuite, vous pouvez les faire pivoter en conséquence. Encore une fois, je trouve que c'est quelque chose qui est sous-enseigné dans le domaine de l'art, et vous devez vraiment en être conscient pour que votre forme ait un sens cohérent dans un espace en trois D. Passons maintenant à l'étape suivante qui créer un personnage, la forme. 8. Personnages - Formes finales: Très bien, design de forme. C'est là que nous arrivons enfin aux dernières lignes de notre travail. Les formes sont comme le ciment qui unit le geste à la forme. Les formes, cependant, sont aussi leur propre problème à résoudre. Une forme est simple. C'est comme si c'était un cercle. Ce n'est qu'une forme. Tout le monde dessine des formes dès son plus jeune âge. Mais en tant qu'artiste professionnel, nous devons comprendre le concept selon lequel nous allons dessiner de nombreuses formes pour créer une image. Et ces formes doivent être lues ou comprises visuellement par le spectateur. Il va de soi que plus vous pouvez concevoir ces formes simplement , plus vous pouvez appliquer de logique à la façon dont elles sont dessinées, mieux ce sera pour votre spectateur. Par conséquent, une bonne conception de forme donne à votre travail un aspect attrayant. Dans cette leçon, nous allons nous intéresser directement aux formes. Nous travaillerons avec le même personnage avec lequel nous avons travaillé, mais nous examinerons également des exemples de la façon dont j'utilise les formes de manière plus générale. Nous allons acquérir une philosophie générale pour la conception des formes , puis nous l'appliquerons. C'est bon. J'ai donc mes dessins de Jake à l'écran ici et j'en ai déterré quelques autres ici sur la droite. Voici la page complète que j'ai soumise au client pour ce travail en particulier. Certains chiffres n'auront plus aucun sens. J'ai deux numéros cinq, deux numéros six, peu importe. J'ai d'abord présenté ces dessins au client sur deux feuilles différentes et en deux passes différentes. Quoi qu'il en soit, j'aimerais passer en revue ces dessins et élaborer une petite liste des principes de conception de formes à garder à l'esprit principes que j' utilise tout le temps, Des principes que j' utilise tout le temps, des principes que je trouve très efficaces, et nous allons créer un petit livre de recettes pour les formes que nous utiliserons ensuite dans un dessin OK, le premier point de notre liste de contrôle est quelque chose que j'aime considérer tout de suite, dès le départ. J'aime bien l'appeler la méta-forme. La méta-forme est comme une forme générale à laquelle votre personnage ou quel que soit l'objet que vous dessinez, fait, la forme générale à laquelle il se conforme. Je peux identifier ce qui m'a appris cela. C'est ça juste ici. Cette feuille de maquette de Disney's Aladdin. Je vais zoomer dessus rapidement ici. C'est assez basse résolution, mais peu importe. Vous avez tous les personnages du film ici. Ici, vous pouvez voir à quelle méta-forme simple ou forme générale ils se conforment tous. Vous remarquerez que chaque forme est unique. L'idée étant que l'ADN de la forme différente permet à votre œil de différencier rapidement et facilement un personnage donné. C'est un outil tellement utile que les illustrateurs l'appliquent à leur travail, même si vous pouvez regarder une illustration indéfiniment si vous le souhaitez. C'est toujours très utile pour lire rapidement le binaire ou l'ADN de vos fichiers. Jetons un coup d'œil à certaines des plus évidentes. Comme par exemple, ce gars ici, la forme est un gros triangle effilé, juste pour le corps Si je devais inclure la tête là-dedans, ressemblerait à un gros ballon qui lui ajouterait un changement de forme. J'aime même les colorier ou simplement me procurer l'outil de remplissage du seau à peinture outil de remplissage du seau à pour avoir une idée de la forme. Nous verrons comment déterminer si cette forme est intéressante ou non dans un instant. Ce seront d' autres éléments de notre liste de contrôle Mais pour l'instant, pensons simplement à l' idée d'avoir une méta-forme globale. Encore une fois, ce ne sont que des principes. Tu n'es pas toujours obligée de le faire. Parfois je le prononce plus, parfois moins. Par exemple, ce personnage utilise la même méta-forme. C'est la même chose triangulaire effilée pour le corps. Sachez d'ailleurs que je n'inclus pas les bras, parce que les bras peuvent tellement bouger, qu'il est utile de ne considérer que le tronc du corps à ce stade, et je relie les pieds comme je le fais ici. Alors, oui, pour ce type, la tête se rétrécit également, mais c'est plutôt un style incliné L'autre était plus rond Si vous le souhaitez, vous pouvez simplement vous procurer un outil de remplissage de seau à peinture et le faire. On dirait presque un pion sur la poitrine ou quelque chose comme ça avec cette petite pointe intéressante Lorsque vous remplissez vos formes de cette façon, j'allais parler de silhouette. Ce n'est pas une silhouette. La silhouette est la forme finale réelle créée par le personnage. C'est plutôt la force motrice de la silhouette. Ce que vous faites ici, c'est simplement regarder votre forme et essayer de lui attribuer un caractère. Dans ce cas, est-ce que ça a l'air amusant ? J'aime la façon dont ça a une inclinaison. Il y a presque un geste intégré . J'aime bien ça. Cette version de Jake est toujours très similaire, mais elle est un peu plus arrondie, un peu moins exagérée, un peu plus basée sur la réalité, et où les courbes et les angles sont un peu mieux équilibrés Nous allons compléter cela et voir à quoi cela ressemble Vous pouvez voir que je pense ici à une philosophie de conception globale. Dès le début de cette étape, lorsque vous incarnez votre personnage pour la première fois, vous pouvez commencer à aborder l' idée de la méta-forme. Cela aidera vraiment à donner à votre personnage ce sens du caractère. Cette version de Jake est plus souple et soyeuse et courbée en S. Même la tête est aussi élégante. Je vais le remplir. Vous pouvez voir la différence. Cette forme me suggère une physionomie, un langage corporel ou une attitude générale très différents , alors dites ceci : cette version de Jake est plus dynamique Disons que ce type est un peu plus replié sur lui-même. Regardons cette version géniale de lui. Dans celui-ci, c'est comme si le corps sortait, il rentrait puis ressortait. Ensuite, dans tous ces cas, la tête est énorme parce que c'est un jeune personnage. Les jeunes personnages se prêtent bien aux grosses têtes. Mais il y a beaucoup d'ondulations ici, dedans et dehors, et c'est ce à quoi je pensais quand j'ai conçu cette version de lui. J'ai un look assez animé. Ça me plaît. Celui-ci ici, regardez-le. C'est une version très anguleuse de Jake, presque inspirée du cubisme, où tout est géométrique Il y a quelques courbes là-dedans comme sur les chaussures, par exemple. Mais presque toutes les parties du corps présentent cette géométrie angulaire, et je vais également inclure les mains ici, simplement parce qu'elles reflètent totalement la même philosophie méta-façonnée. Tout est très incliné, pas beaucoup de courbes, bien qu'il y en ait certaines, peut-être plus particulièrement, la tête est très incurvée Est-ce une bonne idée ? Eh bien, je ne sais pas. Cela dépend du client. Je présente simplement différentes options ici. J'essaie juste d'intégrer un peu de contraste dans mes méta-formes, entre angles et ronds dans ce cas. Nous pouvons voir à quel point celui-ci a un aspect presque abstrait, encore une fois, cubiste Dans cette version de Jake, j'ai inversé ce que j'ai fait ici et je l' ai plutôt fait vers le bas en commençant par le bas au niveau des épaules. Ici, je vais juste remplir celui-ci sans la tête. Ce n'est pas vraiment mon travail ici de décider ce qui est mieux que l'autre. Mon travail consiste à proposer des options. C'est bon. Ce que nous avons obtenu jusqu'à présent, c'est la capacité de garder nos formes simples et facilement lisibles. La logique est assez simple. Si une forme est simple, votre œil peut la lire rapidement, et si votre œil peut lire quelque chose rapidement, votre œuvre a beaucoup plus de chances d' attirer le spectateur. Maintenant, l'un des principes clés que nous avons utilisés pour y parvenir est la différence de forme. Et jusqu'à présent, nous y sommes parvenus d'une manière assez basique, ayant une différence de largeur entre le haut et le bas. Vous pouvez voir que cette forme est beaucoup plus fine en haut, plus large en bas. Cela a joué un rôle clé dans toutes ces silhouettes Celui-ci est plus large en haut, étroit en bas, comme nous en avons discuté Celui-ci ici, plus étroit en haut, plus large en bas. Rappelez-vous que celui-ci est beaucoup plus étroit en haut et beaucoup plus large en bas Encore une fois, je parle du tronc du corps, car c'est généralement ce que je recherche lorsque je crée des personnages, car c'est la partie de la silhouette la plus cohérente. Donc, le fait d'avoir cette impression de différence dans votre forme lui donnera un niveau d'intérêt inhérent car l'œil peut en quelque sorte l'identifier, un côté de la forme est le haut, l'autre est le bas. Ils ne sont pas interchangeables. C'est peut-être l'aspect essentiel garder vos formes intéressantes. Allons-y maintenant et ajoutons-les à notre liste de conseils de forme que nous avons élaborés jusqu'à présent. Nous les avons en forme de méta. Passons maintenant à l'asymétrie. Le principe directeur est que si vous avez une forme symétrique comme un carré, eh bien, elle est symétrique sur les quatre côtés, haut en bas et d'un côté à l'autre. Vous savez, ce carré peut être pivoté à n'importe quel angle et il a la même forme à chaque fois Cela n'est pas souhaitable dans le cas d'une conception en bon état. Cela ne veut pas dire qu'il n'y a jamais de place pour la symétrie. En art, le mot « jamais » ne devrait presque jamais être utilisé, car il y a toujours des exceptions. Mais la réalité générale est que la symétrie a tendance à être ennuyeuse et qu' elle n'attire pas vraiment l'attention du spectateur. Nous devons donc créer des outils et des moyens de compenser la symétrie. C'est ce que j'appelle cette symétrie décalée. Dans ce cas, nous voulons l'idée d'un carré, mais que diriez-vous du carré un trapèze Ce que nous avons fait ici pour compenser la symétrie est donc assez simple. Nous avons pris des droites parallèles gauche et à droite, par exemple, et nous les avons supprimées en leur donnant juste des angles légèrement réduits Si nous devions continuer ces lignes, il deviendrait évident que les angles ne sont plus symétriques. va de même pour les lignes du haut et du bas, bien qu'elles soient un peu plus subtiles Si je devais simplement les tracer, vous verrez qu'elles convergeraient très vers la droite si je maintenais ces lignes Ainsi, chaque fois que vous avez affaire à une forme comportant des lignes parallèles, un excellent moyen de la décaler consiste simplement à faire légèrement pivoter ces angles dans les deux sens. C'est à peu près la même chose. Si nous avions une forme trop circulaire, disons comme ça, il s'agit d'un cercle numérique parfaitement dessiné ici. Eh bien, pour cela, c'est en fait facile. Si j'essaie juste de dessiner un cercle à la main, c'est automatique parce que je suis humain et imparfait, ce cercle est automatiquement décalé , et c'est quelque chose comme ça Je vais simplement continuer à passer en revue cette forme ici, puis si je le voulais, je pourrais effacer les zones sur lesquelles je ne veux pas m'attarder, quelque chose comme ça, et la version M du cercle représente maintenant la même chose que nous venons de faire avec le carré, nous avons décalé la symétrie du cercle. Dans ce cas, je n'ai aucune ligne parallèle à comparer, bien sûr, ce que je vais faire, c'est prendre le point le plus large de chaque côté Je pense que le point le plus large du côté droit est là et le point le plus large du côté gauche est Et vous remarquez que cela ne forme pas une ligne horizontale. Il est pivoté d'une dizaine de degrés environ. Nous pouvons prendre la partie la plus large en haut, qui est probablement à peu près là, et la partie la plus large en bas, qui se trouve peut-être là, et vous avez ceci Au lieu d'un réticule parfait, nous l'avons compensé. Cette idée de mesurer les points les plus larges est quelque chose que j'utilise tout le temps. Disons que nous avions une forme plutôt organique, quelque chose qui n'est pas un cercle ou un carré, quelque chose qui combine les deux et contient quelques courbes, peut-être quelque chose comme ça. La chose à laquelle je réponds négativement à propos de cette forme ressemble beaucoup à l'idée de symétrie. Si je devais mesurer la largeur de cette forme à l' aide de ces lignes vertes, cette largeur serait plus ou moins constante d'un bout à l'autre de la forme. Encore une fois, même si cela n' enfreint aucune règle ou quoi que ce soit d'autre, je n'aime pas cela en général, car encore une fois, je pense que cela rate des occasions de faire participer le spectateur Comment pourrais-je utiliser une telle forme, tout en la concevant d'une manière un peu plus intéressante ? Eh bien, j'utiliserais l'idée de symétrie décalée, et je dirais : OK, comment puis-je trouver un moyen de créer un semblant de cette forme, tout en faisant en sorte que le point le plus large chaque extrémité soit légèrement différent, peut-être quelque chose comme ça Je dirais que cette forme répond en quelque sorte au même objectif que notre forme originale Il a le même type d'identité. Mais vous pouvez voir maintenant le point le plus large de la forme, peut-être qu'il se trouve ici, et c'est la largeur de Eh bien, c'est différent maintenant du haut et du bas. Nous avons un milieu plus large et un haut et un bas rétrécis, et même le bas est encore plus rétréci Cette forme gagne donc en quelque sorte un effet de rétrécissement de haut en bas au fur et à mesure qu'elle descend. Et lorsqu'une forme présente ces effilés, ces décalages, ces différences, vous avez beaucoup plus de chances que cette forme attire l'attention en revenir à nos dessins de Jake présentés ici, ces principes de forme ne s'appliquent pas seulement à l'ensemble du corps. Mais n'importe quelle petite forme individuelle, comme si je zoomais sur le bras de Jake juste là. Commençons par tracer cette forme et je la découperai au niveau du poignet. Cette partie supérieure du bras est droite, peut-être une courbe en S très subtile, et la partie inférieure du bras est légèrement effilée et il suffit de la couper au niveau de l'épaule. Permettez-moi de redessiner cette forme ici, à mains libres. C'était le haut, coupez-le là, coupez-le là, et c'est le bas de cette forme qui donne cette impression de décalage. Il y a donc un changement de largeur. C'est plus large ici, plus étroit ici. Une chose que je sais est vraie pour les étudiants, car je suis étudiante depuis le plus longtemps, et je me considère toujours comme une étudiante et j' enseigne aux étudiants depuis plus de dix ans maintenant. Je pense que je suis professeur depuis 13 ans à ce stade. La nature humaine en général n' est pas de le faire. La nature humaine voudra créer de telles formes , simplement symétriques. Encore une fois, il n'y a rien de mal à cela, mais si vous répétez la symétrie encore et encore, vous êtes sur le point de créer des images ennuyeuses Maintenant, ce principe est omniprésent dans mon travail, car j'ai entraîné mes muscles pour le faire. La façon dont je déplace ma main, je l'ai entraînée au fil des ans à créer des formes de cette façon. Tu peux voir comme le nez. Vous remarquez que ce nez est légèrement incliné et qu'il prend un tel angle Si nous devions encore une fois identifier les points les plus larges de la forme, c'est là et là, c'est sur un angle Même les côtés, c'est là et là. C'est incliné. Si vous regardez cette oreille, n'est pas une oreille circulaire parfaite, elle est décalée. C'est biaisé. Encore une fois, j'adore utiliser les points les plus larges par rapport à là C'est sous cet angle. Ce n'est pas vertical, il est à 20 degrés. N'oubliez pas à quel point il serait facile de dessiner l'oreille en demi-cercle parfait si vous n'étiez pas au courant de ces principes dessiner l'oreille en demi-cercle parfait si vous n'étiez pas au , là où les choses sont un peu Encore une fois, même si ce n'est pas seul à tuer ce personnage. Je veux dire, vous pourriez le faire dans une petite zone et vous en tirer comme ça. Ce que vous voulez apprendre à faire dans votre art, c'est entraîner votre main pour éviter cela au profit de quelque chose de moins symétrique. Ainsi, si vous voulez de la symétrie, vous pouvez toujours le faire, mais cela ne se produit pas par défaut. Si je devais simplement sélectionner cette forme ici dans Photoshop, j'activerais l'outil Warp ici, et c'est littéralement ce que fait mon cerveau Mon cerveau déforme la forme comme ça, juste en l'inclinant légèrement, pour qu'elle soit décalée On peut dire que c'est très bien pour les dessins animés, mais que se passerait-il si je voulais dessiner de façon réaliste ? Mais il s'avère que c'est la nature qui nous l'enseigne. J'aime utiliser le muscle du mollet humain comme exemple. Ce n'est qu'un petit exemple. Il existe des millions d' exemples dans la nature. Mais regardez la symétrie décalée qui se produit dans cette partie de l'anatomie, la partie la plus large de la forme est différente Il y a ces différents angles comme je vous l'ai montré dans la boîte, la partie la plus large ici par rapport ici se trouve en dehors de l'axe horizontal, juste un petit peu, dix degrés, cinq degrés, quelque chose comme ça, un peu fonctionne Même si vous regardez où se trouvent les os de chaque côté du pied, ils sont décalés. aussi, au milieu de Ici aussi, au milieu de l'arrière du genou. C'est décalé. Ce que la nature fera à maintes reprises, c'est qu'elle changera ces méta-angles globaux. Les angles entre une chose et une autre vont alterner. Il n'y a pas de schéma précis quant à la façon dont ils alternent. Mais tant qu'ils alternent, ou en d'autres termes, qu'ils ne sont pas simplement constamment parallèles, vous êtes sur la bonne voie pour imiter ce que fait la nature, ce qui, à son tour, crée un spectacle très familier pour le spectateur, car il est crée un spectacle très familier pour le spectateur, car il est habitué à le voir dans la nature tout le temps Je veux dire qu'il n'est pas nécessaire d'être un artiste pour savoir que la nature crée très rarement de la symétrie. La symétrie est plutôt une affaire humaine. Bien sûr, si vous concevez un bâtiment comme un bâtiment urbain, vous y utiliserez peut-être la symétrie. Mais probablement pour la grande majorité de ce que vous allez dessiner, en particulier si vous dessinez personnages ou des scènes organiques, cette idée de compensation de la symétrie est extrêmement précieuse Encore une fois, vous pouvez le trouver partout. Regardez le point le plus large du biceps ici par rapport au point le plus large du triceps là, point le plus large de cette forme, il est là par rapport à là, décalé Regardons le deltoïde, qui est le muscle situé près de l'épaule, à l' interface entre le bras et l' Tracons simplement cette forme de deltoïde. Regardez ce décalage comme une forme de sphéroïde. Si je devais le dessiner, il y a peut-être un sommet sphérique ici, mais vu qu'il se rétrécit, nous sommes poussés vers la droite et un tout petit peu vers la gauche Cet axe est décalé. Et ce que nous faisons ici n' est pas d'étudier l'anatomie, bien que vous puissiez tout à fait appliquer cela à l'anatomie, car c'est littéralement ce que l'anatomie fait pour façonner. Mais ce que nous faisons, c'est simplement remarquer ce que fait la nature, qui se contrebalance constamment J'utilise simplement le terme méta-angle. Cela fait simplement référence à l' observation de quel est cet angle par rapport à cet angle ? Si vous pouvez introduire de la variété d'une chose à l'autre, dans d'une chose à l'autre, un formulaire, ce n' est qu'un bras, mais nous avons trois angles très différents ici, et nous pouvons aller encore plus loin. Regardez l'angle créé dans la zone des articulations ici. Je sais qu'il porte un gant, mais la main a été tournée pour former un tel angle Il s'agit de simples freins et contrepoids que vous pouvez utiliser pour vous aider à créer une symétrie décalée , par exemple, ou simplement cette impression de différence dans votre forme qui contribue à les propulser encore plus loin Continuons à explorer l'idée d'ajouter de la différence à vos formes, mais aussi le concept des lignes droites par rapport aux courbes Rappelez-vous qu'en matière de gestes, nous avons parlé d'objets conçus avec des droites, des courbes en C ou des courbes en S. Il en va de même pour les formes. Vous utilisez toujours une sélection de ces trois types de lignes ou de courbes de base. Ce que vous voulez faire avec vos formes, en général, c'est vous assurer que votre forme est composée d'une variété de ces éléments. Encore une fois, ce ne sont pas des règles strictes, elles peuvent changer ou vous pouvez les appliquer en différentes quantités en fonction du style que vous recherchez. Mais en général, l'ajout de différents types de courbes à la façon dont vous composez votre forme contribuera à accroître l'intérêt. Voici quelques modèles de Big Foot qui vont de pair avec le personnage de Jake. Jetons un coup d'œil à ce gars ici, par exemple. Voici une courbe en S définissant forme d' un côté du bras et de l'épaule Remarquez-vous que de l' autre côté de cette forme, c'est une ligne droite. C'est assez simple. Maintenant, laissez-moi vous montrer ce que ce n'est pas. Si je devais le modifier rapidement. Remarquez que ce n'est pas ça. Ce n'est pas pour voir à quoi cela ressemble à un ballon maintenant ou simplement pour quelque chose d' un peu moins attrayant. y a rien de mal à cela, comme je n'arrête pas de le dire Mais en général, je pense que si je . Mais en général, je pense que si je l' annulais, si je revenais à l'original, cette idée d'une courbe en S rencontrant une ligne droite serait un peu plus dynamique et intéressante parce qu'elle est plus inattendue Encore une fois, l'œil n'a pas grand-chose à faire lorsque vous lui présentez une symétrie ou lorsque vous lui présentez le même choix à plusieurs reprises. Parce que c'est un peu comme copier et coller la même chose des deux côtés, non ? Donc, dans le cas de ce bras, si j'ai une belle courbe en S d' un côté et une ligne droite ici, la forme qui en résultera sera un peu plus inattendue pour le spectateur. Permettez-moi de répondre rapidement à cette question. Par conséquent, cette nature inattendue de la forme suscite un certain intérêt qu'une telle forme ne susciterait pas autant d'intérêt. Car encore une fois, cette forme a côtés très similaires de part et d'autre. Ce n'est pas une mauvaise forme, elle est parfaitement lisible et simple, mais si vous trouvez quelque chose trop symétrique ou symétrique, prenez simplement un côté, éliminez-le et essayez de le composer avec un autre type de courbe, une ligne droite, ou peut-être s'agit-il prenez simplement un côté, éliminez-le et essayez de le composer avec un autre type de courbe, une ligne droite, toujours d'une courbe en S, mais celle-ci descend plus bas. Et nous pouvons utiliser la symétrie décalée pour en décaler l'axe diagonal. Permettez-moi de vous montrer d'autres exemples ici. Je vais juste apporter une feuille de papier calque ici, comme je l'ai fait auparavant. Si vous regardez la méta-forme générale de ce personnage le long du tronc , voici une courbe en C. voyez à quel point cette courbe C est belle et simple ici, qu'est-ce que c'est ? C'est une courbe droite, ou peut-être une courbe concave en C, mais une courbe concave très étroite Cette courbe en C est inclinée et celle-ci est presque angulaire J'ai combiné le principe des lignes droites par rapport aux courbes avec le principe de la méta-forme, ce que je vous recommande vivement de faire, et vous trouverez des opportunités pour cela au fur et à mesure que vous acquerrez l'expérience et que vous vous entraînez de l'expérience et que vous vous entraînez à combiner tous ces conseils J'ai profité d' une opportunité similaire en ligne droite contre courbe avec Jake ici Il est couché, donc je pourrais probablement utiliser une ligne droite, là où son corps touche le sol, et aussi où il tend la main, donc je pourrais aussi utiliser une ligne droite là-bas Tout cela est en quelque sorte deux lignes droites, qui a laissé beaucoup de place pour cette méta-forme globale soit vraiment incurvée de ce côté C'est cette idée très exagérée des lignes droites par rapport aux courbes Laisse-moi juste prendre le pot à peinture et le remplir. Je vais en dessiner une version plus abstraite en bas, en gros quelques lignes droites Ensuite, de l'autre côté, en utilisant toutes les opportunités que je peux pour toutes sortes de courbes différentes. La forme n'est pas simplement celle de Jake, elle peut être un nuage, par exemple. Il pourrait s'agir d'un dragon couché sur le dos avec un gros ventre. Les formes sont abstraites. Ils peuvent être appliqués à tellement de choses différentes. Jetons un coup d'œil au bras ici. La partie du bras, voici une courbe en C et voici une autre courbe en C, mais il existe deux courbes en C différentes. Je considère toujours cela sous la bannière des lignes droites par rapport aux courbes, mais il n'est pas nécessaire d' y penser littéralement Vous n'êtes pas obligé d'utiliser littéralement une ligne droite contre une courbe. C'est plus quelque chose que quelque chose. Dans ce cas, une courbe C étroite contre une courbe C plus large. Bien entendu, cela est combiné à l'idée de symétrie décalée, car nous avons ici la partie la plus large des angles hors axe Vous pouvez voir en quoi cela ressemble à un livre de recettes pour les formes plutôt qu' une formule qui produit toujours le même résultat Vous pouvez le rechercher partout. Si nous avons tracé une forme derrière la tête de la créature comme ça, c'est une courbe en S, mais regardez ensuite de l'autre côté. Il s'agit d'une grande et large courbe en C, même au bout des doigts. exemple, nous avons une courbe en S ici, une courbe en S large et ventrale contre une courbe en S plus étroite là-bas . Encore une fois, recherchez une symétrie décalée, une symétrie décalée. J'aimerais rappeler aux gens à quel point il serait facile de le dessiner dans l'autre sens. Par exemple, si le doigt tournait comme ça, imaginez à quel point il serait facile de créer un doigt très symétrique. Sachez que c'est facile parce que je le vois à maintes reprises dans le travail des étudiants, y compris dans mon propre travail d'étudiant. des années, lorsque j'ai découvert ces principes pour la première fois . Pour moi, cela a représenté un énorme changement d'état d'esprit. que c'est dans la nature humaine Je suppose que c'est dans la nature humaine de créer une telle forme symétrique. Mais si vous commencez à créer formes symétriques après des formes symétriques, vos affaires commencent à avoir l'air gonflées ou c'est ce que j'appelle l'effet banane Cela ressemble à un tas de bananes, et il est difficile de ne pas le voir Il est difficile d'y trouver un sentiment d'attrait. Tu sais, regarde même les ongles des pieds. Droit, courbe. Il y a l'élément le plus fondamental cette pointe droite et courbe. Regardons le pied de Jake ici. Nous avons une courbe en S comme celle-ci, peu cette forme intéressante de courbe en S par rapport à une ligne droite et à une courbe C'est donc une sorte de forme carrée. Laissez-moi le dessiner ici. C'est donc un peu une forme carrée. Mais il est fait d' une courbe en S, puis d'une courbe en C étroite et d'une ligne droite. Au lieu de faire quelque chose de générique comme celui-ci, vous respectez ces directives et vous le rendez simplement un peu plus intéressant en variant le type de ligne que vous utilisez pour créer cette forme. Une autre façon d'appliquer cette technique consiste à examiner comment une forme se déplace du début à la fin. Et ce que je veux dire par là, c'est que nous allons jeter un coup d'œil, par exemple, à son pantalon ici même. Il m'aurait été très facile de tracer une ligne droite jusqu'en bas. Ce serait bien. Cette forme semble correcte et je l'ai fait dans d'autres Jakes Ce n'est pas illégal ou quoi que ce soit d'autre. Mais une chose que vous pouvez faire pour utiliser la ligne droite par rapport aux courbes, c'est si jamais vous avez l'impression OK, je fais beaucoup de choses , je voyage beaucoup en ligne droite ici. Passons maintenant quelque part au bas de la forme. C'est la même forme. Ajoutons maintenant une petite courbe en bas, comme une petite épice, un petit tourbillon, une petite éruption Encore une fois, cela ressemble à une grande courbe en C, et passons simplement à la courbe S en bas. Dans ce cas, c'est comme une courbe C contre une courbe S, et pareil ici, une courbe C contre une courbe S. Je pourrais faire la même chose avec une ligne droite. Si je dessinais une forme droite ici, ce ne serait qu' un côté d'une forme, et je voudrais que ce soit ici. Eh bien, au lieu de laisser la ligne droite descendre à fond, pourquoi ne pas simplement dire « allez en large et faites une petite courbe en C » ? Maintenant, ne soyez pas tenté de faire de la symétrie de l' autre côté comme ça. Peut-être que de l'autre côté, j'irais tout droit et une courbe en C plus large comme celle-ci. Je compenserais cette symétrie tout en utilisant l'idée des lignes droites par rapport aux courbes, et tout en utilisant l'idée des lignes droites par rapport aux courbes, c'est exactement ce que j'ai fait sur ce Jake ici On pouvait le voir dans l'ensemble, son pantalon est plus étroit que large. Dans ce cadre, il est plus large d'un côté et plus étroit de l'autre. Encore une fois, en combinant ces techniques de conception de formes. Maintenant, n'oubliez pas que ce n'est pas une règle. Pour son pantalon ici, je ne l'ai pas fait. Je les ai juste clarifiés. Il se trouve que ce n'est donc pas un aussi bon dessin, même si je ne suis pas personnellement attirée par ce dessin autant que par certains autres. Je pense que c'est précisément parce que mes formes sont moins intéressantes ici. Maintenant, il s'agit d'un domaine artistique très subjectif. Cette liste de conseils, ce petit livre de cuisine, est une série de choses que vous pouvez essayer N'oubliez pas qu'il n'y a pas de lois sur l'art. La police de l'art ne viendra pas à votre porte si vous ignorez cela. Mais si vous examinez travail d'un artiste professionnel, vous verrez que ces principes entrent en jeu. Je vais juste vous montrer quelques exemples supplémentaires. Si vous prenez sa tête ici, c'est comme une courbe en C de ce côté et une courbe en C plus large de ce côté. Pareil ici. Courbe en C de ce côté, lignes droites de ce côté. Celui-ci est un peu plus symétrique, mais les angles sont différents. Il s'agit plutôt d'une question de symétrie décalée. voici une bonne, une courbe en S, comme si vous deviez penser à la ligne générale de sa tête, c'est comme une courbe en S avec une courbe en C dans le dos Ensuite, le bas ressemble à une ligne droite. Alors si je devais connecter ça, c'est un truc en C Cette forme ressemble presque à une balle de Super Mario Brothers Forme très simple composée des trois types de courbes dans ce cas. Tu peux aussi rester très subtil sur ce type. Je pense qu'il s'agit d'une courbe C continue, mais de l'autre côté, il s'agit plutôt d'une courbe en S. C'est subtil, c'est subtil, et c'est quelque chose dont j'ai pleinement conscience lorsque je le dessine. Maintenant, souvenez-vous que j'ai entraîné ma main, la façon dont mes mains bougent, je me suis entraînée au fil des ans. J'ai relégué cela à une décision presque inconsciente. C'est quelque chose qui devient facile lorsque vous arrivez à ce stade. Avant d'arriver à ce stade, vous devez le pratiquer consciemment. Même s'il s'agit simplement de prendre un carnet de croquis créer une forme comme celle-ci et de dire : «   OK, il y a une ligne droite par rapport à une courbe J'aime l'ombrer juste pour mettre davantage en valeur la forme de mes yeux. Je ne sais pas pourquoi cela aide, mais il semble que oui. Dites, OK, quelle est une autre façon de créer cette forme ? Et s'il s'agissait de deux lignes droites et que la courbe en S montait comme ça ? C'est une variante de cette forme. Ce sont toutes des décisions de conception très conscientes que vous pouvez prendre pour rendre vos formes aussi intéressantes que possible. Comme j'aime toujours le faire, j'aime comparer différents styles juste pour vous montrer que ces principes s'appliquent quoi qu'il arrive. Ce style ne pourrait pas être plus différent de ce style. Mais souvenez-vous que cela n'est pas réservé aux artistes, aux dessinateurs, aux dessinateurs, aux dessinateurs et aux peintres Le design de mode le fait aussi. J'avais une photo de référence pour cette robe. Je ne suis pas créatrice de mode. J'avais une photo de référence pour cette robe. Mais la façon dont cette robe est conçue est droite, droite, dans le dos, c'est plutôt une courbe en S et une grande courbe en S. C'est ainsi que le créateur de mode a fabriqué cette robe. Ces principes sont donc universels. Lorsque je peignais Clara ici, je me suis assurée de choisir l'angle sous lequel je la peignais de manière à maximiser cette relation entre les formes Parce que n'oubliez pas que lorsque vous faites zoom arrière pour voir le tout dans son intégralité, votre œil n'a pas beaucoup de temps pour tout lire Vous devez donner au spectateur ces formes très simples pour qu' il puisse exploser, les obtenir immédiatement. Si votre silhouette suit les conseils que je vous donne, je vous jure qu'ils seront plus mémorables pour le spectateur. Très bien, faisons un dessin ensemble. Je vais redessiner cette version de Jake, et je vais vous faire part de mes réflexions tout au C'est du temps réel avec des pensées racontées et nous allons utiliser tous ces outils de conception de formes. Maintenant, la première chose que je fais toujours est de faire un geste et nous reprendrons un peu la forme dont nous avons parlé. Vous remarquerez que je vais combiner un grand nombre de ces concepts. J'ai juste fait un peu de forme, un peu de geste. Je veux savoir où cette épaule appuie contre sa joue par rapport à l'autre épaule Ensuite, nous aurons une belle courbe en C pour le corps et cet endroit précis où je pense que le t-shirt se terminera, peut-être là où se trouveront les hanches Et il y a un cylindre là. C'est comme un cylindre conique. Il y a un formulaire ici. Maintenant, ce n'est pas la forme définitive. Je trouverai la forme finale plus tard. La forme finale s'en écartera certainement un peu Il est impossible de bien faire les choses du premier coup, moins c'est le cas pour moi, et je ne m'y attends pas de ma part. Le bras va descendre en forme de courbe en C et se terminer ici. Ce bras est ouvert, peut-être plus droit avec un petit crochet au bout. La grosse main ici, et le gant de boxe, que je pourrai manipuler plus tard. Les pieds maintenant, allons-y tout droit car les jambes sont tendues Ce n'est pas vraiment gênant, mais c'est un peu comme une pose attelée Je veux avoir un peu de ligne droite dans les jambes pour m'aider à vendre ça, et nous allons simplement bloquer l'idée d' une poursuite d'une courbe en C au moment du geste et aussi un soupçon de la forme symétrique effilée ici et du f que je peux également bloquer dans les pieds selon le principe de l'amour de la boxe C'est comme ça. Ce bras est dedans. Il y a aussi ma carte gestuelle avec une petite touche de forme dedans. Maintenant, ce que je vais faire, c'est bloquer ce que je pense être la forme de la tête. Je vais suivre la courbe en C ici. Allons un peu plus droit vers le dessous de la mâchoire, qui pénètre directement dans le cou Une fois que j'aurai une zone solidifiée pour le cou juste ici, et qu'il y aura un cylindre ici Maintenant, je sais où peut se baser l'épaule à partir de cela. Je sais qu'en ce moment, l'épaule est probablement un peu trop large. Je peux donc l'emménager. Je veux l'avoir juste là-haut et je pense que ça va se faire de cette façon. Mais encore une fois, je peux toujours l'effacer , si je le veux. Après tout, c'est numérique. Même si c'était un crayon, je pourrais l'effacer. Mais c'est tellement plus facile avec le numérique. Entrons. J'aime bien prendre la tête, cette ellipse centrale qui tourne autour Je peux dessiner derrière le formulaire à droite avec ma ligne pointillée. Mais je ne le fais généralement pas lorsque je dessine. C'est quelque chose que je vous recommande de pratiquer, mais lorsque vous dessinez, allez-y, faites-le si cela vous met plus à l'aise, mais je ne vais pas le faire autant, mais je suis toujours en train de visualiser Vous me verrez parfois parcourir le formulaire de manière invisible, vous pouvez suivre m 9. Projet de cours 1 : Créer une fiche de personnages: Dans ce projet de premier cours, j'aimerais que vous utilisiez toutes les leçons de dessin que nous avons examinées jusqu'à présent pour concevoir votre propre feuille de caractères. Lors de la conception et du développement des personnages, il est important de créer plusieurs versions d'un personnage. La comparaison de ces designs vous aide à mieux comprendre et à affiner qui est le personnage. Pour ce projet, le premier critère est de produire au moins cinq versions d'un personnage. la description du personnage, je vais rester Pour ce qui est de la description du personnage, je vais rester simple, comme Jake, un enfant de 5 à 7 ans à l'attitude enjouée Le sexe et l'origine ethnique de l'enfant peuvent être choisis par vous. Dans vos dessins, assurez-vous d' explorer différentes poses et différents angles. Cela permettra non seulement de savoir qui est le personnage, mais aussi d'aider le client à mieux visualiser son idée. Enfin, il n'est pas obligatoire de colorier le personnage, mais vous êtes libre de le faire si vous le souhaitez. En prime, si vous souhaitez présenter vos différentes étapes de travail, geste, forme, forme, forme, dans votre présentation finale, hésitez pas à le faire également, mais ce n'est pas obligatoire. C'est un projet de premier ordre. Allez-y et amusez-vous bien. 10. Environnements - Théorie pratique de la lumière et des couleurs pour les illustrateurs: D'accord. Nous sommes sur le point de passer des concepts de dessin à la peinture. Plus précisément, nous allons traiter de la couleur et de la lumière. Les principes que nous allons aborder sont presque totalement indépendants des principes du dessin, mais comme nous le verrons dans la leçon suivante, ils sont tous réunis pour créer une illustration finale. Dans cette section, cependant, j'aimerais me concentrer sur aspects clés de la théorie des couleurs et sur la façon dont la lumière et couleur fonctionnent ensemble afin de nous donner une sorte de vocabulaire visuel sur la façon de comprendre la lumière et la couleur, ainsi que sur la façon de les analyser à partir de références photographiques, et je vais finalement vous montrer mon processus pour peindre une étude photo spécifiquement dans le but de maximiser vos compétences augmentation de la couleur et de la lumière. Préparez-vous à prendre un nouveau départ ici. Allons-y. Pour comprendre la couleur, il faut d' comprendre le concept de température de couleur. Il s'agit d'une roue chromatique. Je suis sûr que vous en avez déjà vu un. Il montre toutes les teintes que nous pouvons voir dans le spectre visible de la lumière, et la teinte désignant les noms des couleurs, rouge, orange, jaune, bleu, cyan, violet, etc., vert, et il montre la progression à travers elles. La principale chose que nous allons examiner dans un premier temps, c'est en quelque sorte le concept clé de tout cela, et c'est très basique. Est-ce qu'il y a une section globale de couleurs chaudes sur la roue chromatique et une section globale de couleurs froides, et qu'elles sont opposées l'une à l'autre. Il s'agit de la section chaude de la roue chromatique. C'est comme une tranche de tarte qui fait le tour d'ici et qui englobe les jaunes, les rouges, les oranges, cette région C'est le côté chaleureux de la roue chromatique. La section la plus intéressante, c'est que c'est exactement le côté opposé de la roue chromatique. Cela commence ici avec le bleu cyan et se poursuit avec certains violets, et en cours de route, vous avez le bleu ici Des cyans, des bleus, des violets, certaines violettes. Cette section est la section la plus cool de la roue chromatique. Nous avons le chaud contre le froid. Ce concept s'appelle la température de couleur. Passons à l'étape suivante et examinons les différentes couleurs en fonction de la température de couleur, réchauffement ou du refroidissement. Quand il s'agit de comprendre la couleur, la première et principale chose que nous devons savoir est que les noms des couleurs, la teinte sont inutiles, rouge, jaune, vert, bleu, violet, peu importe, cyan, turquoise, orange. Cela n'est pas très utile. Ce n'est pas utile parce que ce n'est pas assez précis. La température de couleur est l'outil qui nous permet de parler de la couleur de manière en ce sens qu'elle nous permet de comparer et identifier exactement le type de teinte que nous examinons. Je pense que tous ceux qui suivent ce cours, même s'ils n'ont aucune expérience, savent qu'il existe différents types de rouge, différents types de vert , différents bleus, etc. Il n'y a jamais qu' une seule teinte. Vous pouvez le voir en haut de mon tableau ici. J'ai une température plus froide et une température plus chaude, et au milieu se trouve la teinte d'où elles émanent toutes les deux Commençons par dire rouge. Juste pour nous assurer que tout le monde comprend ce que dit ce graphique, afin que nous puissions aller plus loin. Nous commençons donc par le rouge. Maintenant, où est ce rouge sur la roue chromatique ? C'est probablement juste ici. Nous commençons par là. Maintenant, nous pouvons nous réchauffer, ce qui signifie que nous évoluons dans cette direction. Pourquoi est-ce que c'est plus chaud maintenant ? Eh bien, la zone chaude de la roue chromatique est le jaune, l' orange et le rouge. Il s'agit de la tranche chaude de la roue chromatique. Déplacer un rouge de cette façon garantit qu'il reste chaud au lieu de le refroidir, et fur et à mesure que nous réchauffons le rouge, nous le modifions légèrement. Il finira par devenir orange. Si nous revenons à notre graphique ici, il s'agit de la même progression que celle que je montre ici. L'inverse est vrai, nous avons même point de départ rouge, mais nous voulons maintenant passer à une température plus froide. Si nous regardons notre graphique ici, rouge veut se refroidir, et vous pouvez simplement le voir visuellement. Il devient de plus en plus violet au moment où il y arrive. Eh bien, sur la roue chromatique, ce changement représente un mouvement de cette façon. Le rouge change de cette façon, je sélectionne les couleurs le long la roue chromatique jusqu'à ce que nous arrivions aux violets Maintenant, je me suis arrêté au violet et je me suis arrêté à l'orange de l'autre côté parce qu'une fois que nous avons atteint ces couleurs, ce n'est plus rouge. Il devient orange puis jaune et vert, et de ce côté, il vire au violet puis au bleu Ils ne sont plus rouges. J'ai arrêté mon travail avant que la teinte ne change totalement. Faisons-en une autre. Choisissons un vert car beaucoup de gens se demandent si le vert est chaud ou froid. Le vert est une sorte de caméléon. Il se trouve que c'est la couleur dont nous pouvons voir le plus de variations. Il existe entre les tranches chaudes et froides de la roue chromatique. Green peut vraiment avoir beaucoup de flexibilité dans les deux sens. Supposons qu'il s'agisse de notre point de départ vert moyen que j'ai identifié ici sur notre graphique. Quand on passe du vert au chaud, comme au rouge. Nous sommes en train de le déplacer vers cette zone. Nous déplaçons le vert de cette façon. Nous changeons une glacière verte, nous la déplaçons de cette façon. Il y a une tonne de légumes verts entre les deux. Vous pouvez le voir sur la roue chromatique et de même, vous pouvez le voir dans le graphique. Au fur et à mesure que je fais un chauffe-légumes et que je prends cette direction, je cueille des légumes verts comme ça, et il y en a tellement. Tout cela est vert. N'oubliez pas qu'il y a tellement de légumes verts que nous pouvons voir. Ces verts se réchauffent à mesure qu'ils se rapprochent du point chaud de la roue chromatique. Vous pouvez presque imaginer que la roue chromatique comporte deux arrêts de train différents. C'est la gare chaude, et voici la gare cool. Et pour passer du chaud au froid , l'essentiel est, vous savez, de parcourir la roue chromatique pour passer du chaud au froid, et de revenir en arrière pour passer du froid au chaud. Et c'est ce que nous faisons avec ces graphiques. Donc, ce même vert est vert ici, qui existait ici. Ce vert se refroidit en se déplaçant de cette façon. Ces verts finissent par entrer dans le bleu cyan. C'est pareil pour toutes les couleurs. C'est aussi, d'ailleurs, la façon dont on réchauffe un bleu. C'est une autre question de couleur courante qu'on me pose souvent, et n'importe quel instructeur se poserait si le bleu est une couleur froide stéréotypée, et c'est vrai Comment réchauffe-t-on un bleu ? Est-ce même possible ? Eh bien, oui, c'est en fait très facilement possible en utilisant cette méthode de base. Tout ce que vous avez à faire est de prendre votre point de départ, disons que nous commençons par ce bleu. Et déplacez-le simplement de cette façon vers le chaud. Je dirais que ces bleus, je ne veux pas aller trop loin, parce que là encore, je vais me tourner vers le violet et le violet, puis je vais me tourner vers le violet et le le rouge, et ceux-ci ne sont plus Mais pour changer un chauffe-eau bleu, il suffit de le déplacer de cette façon. Maintenant, si votre bleu est là, vous devriez peut-être le décaler de cette façon, car il est plus proche de la chaleur dans cette direction C'est là que cette méthode en particulier est un peu insuffisante, car si vous deviez utiliser le bleu et le décaler dans cette direction, eh bien, vous devez passer par les verts avant de passer au jaune, et cela peut poser problème Nous allons résoudre ce problème dans la section suivante. Mais en général, sachez simplement que nous avons notre part de tarte chaude de la roue chromatique et notre part de tarte cool de la roue chromatique. la plus simple pour modifier température consiste à déplacer la teinte donnée, rouge, jaune, vert, bleu, dans ce cas, vers ces zones de la roue chromatique. Avec ces concepts à notre actif, nous pouvons trouver des moyens plus complexes de passer du chaud au froid. Voici quatre graphiques. Maintenant, n'ayez pas peur si vous ne comprenez pas immédiatement ce qui s'affiche à l'écran en ce moment. Je vais l'expliquer. C'est en fait assez simple. Eh bien, la première chose est quelque chose que nous savons déjà, les deux premiers charts, ces gars là sont exactement ceux dont nous venons de parler. C'est juste qu'ils sont présentés différemment. Dans les deux cas, je prends une couleur chaude pour commencer, dans ce cas, ce jaune, et nous voulons arriver à une couleur froide dans les deux cas, le même bleu. Et dans le graphique numéro un, je me déplace simplement dans une direction à travers la roue chromatique. Le jaune vire à l' orange, au rouge, au violet, au violet ou à l'indigo, puis au bleu. Sur le cercle chromatique ici, ce jaune a commencé ici et simplement contourné le cercle chromatique de cette façon jusqu'à ce qu'il atteigne notre bleu. Ensuite, avant de revenir au graphique ici, le graphique numéro deux va simplement dans l'autre sens. Il prend le même jaune et le même bleu, mais on y arrive de cette façon. Comme vous pouvez le voir, sur le graphique numéro deux, le jaune est le même, mais cette fois, nous traversons les verts, les turquoises et les cyans, finalement passer à ces bleus profonds Ce sont les graphiques numéro un et deux couverts. Ce sont deux moyens tout à fait valables de contrôler la température de couleur, en passant du chaud au froid. Le problème avec ces deux graphiques, cependant, c'est que tout est très saturé. Les couleurs sont odieuses. Cela ressemble à quelque chose que l' on trouverait à une foire à barbe à papa ou quelque chose comme ça. Ils ont l'air trop vifs d'un bout à l'autre. Nous devons être en mesure de contrôler des différences de couleur plus subtiles, et c'est là qu' intervient le prochain concept puissant lorsqu'il s'agit comprendre la température de couleur, le concept de gris. Pour en revenir à notre roue chromatique, vous avez probablement remarqué qu'il y a cette section centrale qui se trouve entre chaque couleur. Vous avez probablement aussi remarqué que lorsque vous passez d'une couleur saturée, la saturation étant ici, saturation étant lorsque vous avez une couleur, disons cette orange, la saturation des couleurs à l'extérieur, la plus éclatante de cette couleur puisse être. C'est de la saturation. Sur cette roue chromatique, si nous choisissons une couleur saturée et que nous la déplaçons vers le milieu, vous remarquerez que la couleur devient de moins moins saturée. Il fait de plus en plus gris. En la regardant sur cet écran, cette orange, lorsque vous vous déplacez vers le milieu de la roue chromatique, deviendra de moins en moins saturée jusqu'à ce qu' elle atteigne finalement ce gris parfait ou une saturation nulle. Cette saturation nulle, toutes les couleurs ont cela en commun, c'est pourquoi elle se trouve au milieu de notre roue chromatique. Chaque couleur a ce gris saturé zéro en commun. Maintenant, sur cette roue chromatique, ça a l'air blanc, ça pourrait facilement être un gris comme celui-ci. Le problème, c' est qu'il n'y a aucune saturation. Si je l'échantillonne et que j'apporte mon échantillonneur, vous pouvez voir que la saturation est nulle C'est tout l'intérêt de cette section centrale. C'est gris. Mais quand je dis gris, je ne parle pas d'un seul point. Je parle de la région environnante. Il y a une sorte de tache de couleur ici. Pluriel gris. Vous avez peut-être déjà entendu cela auparavant : les couleurs neutres. Le concept de neutralité est assez simple. Si nous choisissons une couleur très saturée et que nous la mettons là. Eh bien, qu'est-ce qu'une version neutre de cela ? Eh bien, c'est simplement une couleur c'est la même couleur, juste moins saturée. Ce serait une version neutralisée de cela, et vous pouvez peut-être choisir quelque chose au milieu, le mettre au milieu Nous avons deux couleurs neutres et une couleur saturée. Il en va de même pour toutes les couleurs, choisissons cette couleur violette. Mettons-le ici. C'est une version très saturée de cette couleur. Eh bien, comment puis-je le neutraliser ? Même chose, réduisez la saturation et procédez comme ça. Il s'agit d'une version neutralisée de cela. Je peux même le neutraliser davantage et procéder comme ça. Maintenant, j'ai tendance à ne pas trop utiliser le mot neutre. Je vais juste dire « gris ». Mais que quelqu'un parle de gris ou de neutre, c'est pareil Maintenant, vous remarquez que lorsque je fais quelque chose de gris comme ça, l'identité de la couleur commence à se dissoudre Si nous avons juste vu le zoom ici, si nous avons juste vu cette couleur comme ça, eh bien, tout à coup, il est difficile de déterminer la teinte. Nous pouvons voir que c'est violet, mais c'est loin d'être aussi évident que cela. Et c'est précisément là entrent en jeu ces deux derniers graphiques. Ils progressent à travers les températures de couleur en passant par le gris. Prenons le graphique numéro trois, par exemple. Celui-ci est en fait assez simple. Je vais ramener le sélecteur de couleurs ici. Tous les graphiques commencent par la même couleur et se terminent tous par la même couleur. Je vais juste essayer cette couleur jaune et elle est là sur le sélecteur de couleurs ici. Ce graphique passe du chaud au froid, sans utiliser aucune des teintes. Permettez-moi d'y goûter à nouveau. Cela se fait simplement de cette façon, en revenant directement par une saturation nulle par le neutre ou par le gris. Puis il apparaît, sort instantanément et revient là-bas. Maintenant, comment est-il autorisé à simplement sortir ? Parce que n'oubliez pas que les deux premiers palmarès, ces gars là-haut, ont évolué dans toutes ces nuances. Je vais y goûter, vous pourriez voir si vous regardez le sélecteur de couleurs ci-dessous, verrez qu'il se déplace dans toutes les teintes Celui-ci, si je l'échantillonne, encore une fois, regardez le sélecteur de couleurs Au fur et à mesure que je parcourt ce graphique, vois qu'il passe dans le gris et que les teintes sont épinglées Tu vois que ça vient de sortir ? Le voici dans les jaunes Quand il devient gris, il apparaît tout simplement dans le bleu Maintenant, cela n'est autorisé que parce qu'une fois que vous avez un gris parfait à saturation nulle ou même à un endroit très proche de celui-ci, quelque part ici, souvenez-vous que toutes ces couleurs, comme si nous étions à saturation nulle, toutes ces couleurs ont cela en commun. Ce point de saturation nul peut tout aussi bien être n'importe quelle teinte. Cela signifie que vous pouvez l'utiliser comme zone de distorsion ou comme passeport, peut-être entre deux couleurs ou même plus, trois ou quatre couleurs, ce que vous voulez, en fait Je vous le montre simplement ici dans ces graphiques en deux couleurs, juste pour simplifier les choses. Mais lorsque nous passerons à la peinture, ce que nous verrons dans la prochaine leçon, nous verrons que le gris est un point de passage unique entre toutes les couleurs que nous utilisons dans notre palette. D'accord. Le quatrième et dernier graphique montre une fois la même progression globale entre ce jaune et ce bleu. Mais il le fait en utilisant une combinaison des graphiques numéro un et trois. Il utilise le gris, mais il utilise également la teinte. Au fur et à mesure que je l'échantillonne, permettez-moi de l'agrandir pour que vous puissiez le voir. Regardez le sélecteur de couleurs pendant que je fais cela. Vous voyez que les teintes deviennent de plus en plus grises, mais aussi de plus en plus changeantes Ensuite, une fois que la saturation est proche de zéro, nous sommes maintenant dans la partie cool du sélecteur de couleurs du nuancier de la couleur Évidemment, même si Photoshop représente ici la roue chromatique sous la forme d'une ligne verticale droite, la progression des teintes est toujours la même. En fait, revenons à notre roue chromatique, et je vais vous montrer ce que je viens de faire dans les graphiques 3 et 4 de cette feuille. Le graphique 3 a commencé ici et est simplement passé directement par le gris pour s'y terminer. En cours de route, j'ai choisi ces couleurs en cours de route pour y arriver. Ensuite, le graphique numéro quatre commence et se termine ici ou là. Mais celui-ci, au lieu de faire tour de l'extérieur, de contourner la saturation, comme l'a fait le graphique numéro un, souvenez-vous que le graphique numéro quatre est une combinaison de un et de trois. Au lieu de le faire, il a étreint le gris comme ça et est sorti par là Au fur et à mesure que les couleurs s'éloignaient du jaune, elles devenaient moins saturées et plus grises Puis, au fur et à mesure qu'ils progressaient dans les couleurs plus froides, les violets et les bleus, ils ont pu devenir plus saturés À mon avis, le graphique numéro quatre est ce qui se rapproche le plus de ce que fait réellement la nature. Juste après cela se trouve le graphique numéro trois. La nature utilise aussi souvent le graphique numéro trois, qui passe directement à travers les gris pour faire ressortir une autre couleur La nature utilisera très rarement la saturation pure, graphiques numéro un et deux. Vous pouvez en voir une partie dans un coucher de soleil, par exemple, des couleurs très saturées, mais en général, vous verrez beaucoup de cartes C 3 et 4. Passons maintenant à l' analyse de ces couleurs et des changements de température à partir de photos réelles. La première question à laquelle vous devez connaître la réponse est où allez-vous placer vos couleurs chaudes et froides en général ? Cela a tout à voir avec l'ombre et la lumière. s'agit évidemment d'une scène ensoleillée, Il s'agit évidemment d'une scène ensoleillée, qui ressemble à une scène de fin d'après-midi, ce qui signifie que le soleil devient beaucoup plus chaud et plus saturé Maintenant, c'est simplement une question de science. Voici un graphique de température en Kelvin, et vous pouvez le voir dans cette zone, nous avons une lumière directe du soleil quelque part vers midi, c'est comme ici Puis, lorsque nous arrivons au lever et au coucher du soleil tôt ou plus tard dans la journée, la saturation augmente. De plus, le soleil devient plus orange. Au moment où nous approchons du coucher de soleil profond, vous pouvez même entrer dans le rouge. Je suis sûr que nous l'avons tous vu dans la vie de tous les jours. La photo que nous examinons est prise entre le milieu et la fin de l'après-midi, donc la couleur du soleil se trouvera quelque part par ici. Le soleil semble changer de couleur au cours de la journée et ce n'est qu'une question de science. Vous pouvez consulter le tableau de l'échelle de température des couleurs Kelvin ou simplement vous référer à celui qui s'affiche à l'écran dès maintenant Bien que vous puissiez probablement en trouver qui indiquent les différents moments de la journée un peu plus clairement que cela. Mais tu n'as même pas besoin de connaître le Kelvin. Rien qu'en regardant la photo, vous devriez être en mesure de déterminer la couleur du soleil, simplement en échantillonnant les zones éclairées par le soleil. Faisons appel à notre sélecteur de couleurs. Ce faisant, nous pouvons constater qu' il n'y a pas beaucoup de variété entre les différents objets éclairés par le soleil. Je peux même choisir certaines de ces couleurs d'arbre. Ils regardent très bien où se trouve la teinte. Voici le champ de blé et voici l'arbre. Notez que ces teintes ne changent pas beaucoup. Voici la zone de blé coupée. Voici comme le blé cultivé. Je ne sais pas si c'est vraiment du blé, on dirait que c'est le cas, mais je ne sais pas. Alors voici l'arbre. Vous pouvez le voir dans l'ensemble, même si je prélève trois types de matériel différents. La teinte est coincée quelque part par ici. Cela nous donne une idée de la couleur du soleil. C'est une bonne preuve car le soleil influence très fortement la couleur. Le soleil est en fait le plus puissant influenceur de couleurs que nous ayons. Lorsque vous avez une scène de lumière solaire, il suffit de prendre un échantillon des objets exposés à la lumière si vous avez une photo à regarder, échantillonner les couleurs divers matériaux, de divers objets , directement touchés par le soleil, et vous obtiendrez la moyenne de votre teinte la couleur du soleil. Ce que ces couleurs représentent, ces couleurs chaudes éclairées par le soleil. C'est la section chaude de notre nuancier. J'ai fait un petit espace sous la photo. Je vais juste le mettre ici comme une représentation de la partie chaude de notre graphique. Il existe quelques variantes. Je vais juste essayer quelques-unes de ces variations et voir ce sont les chaleurs. Maintenant, où sont les cools ? Eh bien, c'est le contraire ? Les chouettes vous les trouverez principalement dans l'ombre Maintenant, arrêtons-nous une seconde pour comprendre pourquoi c'est vrai. Eh bien, souvenez-vous que le soleil donne sa couleur à tout ce qu'il frappe. Eh bien, les ombres sont des zones qui ne sont pas directement touchées par le soleil. Ils sont exempts de l'influence du soleil, les frais parce qu'ils sont bloqués Oui, certaines couleurs du soleil peuvent se retrouver dans l' ombre sous l'effet de la lumière rebondissante, mais ce n'est pas encore de cela que nous parlons Nous parlerons de la lumière rebondissante lorsque nous aborderons la peinture et tout ça. Ce dont nous parlons, c'est de l'influence directe. Les ombres B sont des ombres, car elles ne sont pas touchées directement, elles sont susceptibles d' être beaucoup plus froides. Échantillonnons nos ombres et voyons ce que nous avons ici. Nous avons vraiment toutes sortes de couleurs. Maintenant, pendant que je fais cela, il y a deux choses générales que vous devriez voir ici. première est que la teinte a augmenté ici, mais aussi qu'il y en a encore quelques unes , ici, je peux en goûter une juste là. Cette teinte était dans l'ombre, mais elle est toujours là. Là, c'est-à-dire près de l'endroit où se trouvaient les teintes du soleil. Mais vous avez aussi des teintes allant jusqu' au bleu et, dans certaines d' entre elles, dans le vert. Cela couvre toute cette gamme. C'est la première chose que vous devriez remarquer, la teinte change. La deuxième chose que vous devriez remarquer est que nous avons beaucoup de tons neutres ou gris Permettez-moi juste de goûter à l'un d'entre eux, parfait. Cette teinte était du domaine du soleil, mais regardez la saturation, le niveau de gris, elle a nettement diminué. En comparaison, c' est quoi éclairé par le soleil, et c'est la même teinte similaire, mais regardez-la dans l'ombre C'est beaucoup plus gris. Évidemment, c'est aussi plus sombre parce que c'est de l'ombre, mais regardons simplement la température de couleur pour le moment si possible. Revenons à nos nuanciers pour parler de ce que nous venons de voir et nous utiliserons le graphique numéro trois pour commencer. Les couleurs chaudes du soleil, nous n'en sommes pas encore là. Il s'agit d'un jaune à saturation complète. Ce n'était pas ça. Elle se situait plutôt dans cette fourchette. C'était comme, disons, à propos de celui-ci. Sur notre photo, nous avons commencé ici comme notre couleur la plus chaude Peut-être que nous en avons eu un peu aussi, alors nous pouvons peut-être commencer quelque part ici où il fait le plus chaud Puis nous sommes arrivés, c' était à peu près là. Je vais couper la parole. Le graphique de notre photo ressemble plus à ceci. Laisse-moi t'apporter ça. Apportons-le ici. Je vais juste me débarrasser de ce graphique initial. Je vais juste y goûter. Je le peins et je vais voir comment il convient. Maintenant, c'est un peu trop jaune. Notre champ de blé est plus orange, mais il ne me reste plus qu'à le faire. Et voilà, peut-être un peu plus léger. Allons-y. Voici notre champ de blé en lumière. Je peux avoir de petites variétés, comme je pourrais devenir un peu moins saturée, je peux devenir un peu plus saturée. Toutes ces couleurs semblent convenir car elles sont influencées par le soleil. Je pourrais changer un peu de teinte tout en restant bien, car je suis dans le domaine des couleurs chaudes du soleil. Maintenant, quand je passe à l'ombre, si je devais simplement assombrir cette couleur et peindre avec, elle ne correspond pas. Elle ne correspond plus à la photo, et pourquoi ? Eh bien, la valeur est correcte. Je suis devenu plus sombre, plus intéressant, c'est-à-dire plus clair que noir. J'ai approfondi la valeur pour qu'elle devienne aussi foncée que nécessaire. C'est certainement une teinte foncée, mais ce n'est pas la bonne température. Pour que cette couleur soit adaptée, il faudrait que je la refroidisse. Comment est-ce que je peux m'y prendre ? Eh bien, je peux le faire de deux manières. La méthode numéro un est que je pourrais l' éloigner des chaleurs, je pourrais monter dans cette direction si je le voulais et le faire, mais c'est encore trop saturé, donc, je pourrais essayer de prendre l'autre sens Allons-y dans l'autre sens. Et fais-le. Mais c'est aussi trop saturé. La méthode numéro un ne fonctionne pas tout à fait seule, ce qui correspond aux graphiques numéro un et deux C'est ce que je viens d'essayer là-bas. n'ont pas fonctionné parce qu'il s' agissait de deux couleurs enrobées de bonbons. C'était trop saturé. Ce que je dois faire ici, c'est essayer autre chose. Reprenons la couleur de notre soleil. Passons à l'obscurité comme nous venons de le faire, mais passons maintenant au gris. Regarde ça. Ça va. Il fait peut-être un peu trop sombre, je vais opter pour un peu plus clair. Regarde ça. Il s'adapte parfaitement. Ce que je viens de faire là-bas, c'est d'utiliser le graphique numéro trois. Je note simplement la couleur. Maintenant, je l'ai aussi assombri . Nous sommes dans l'ombre. Les nuanciers ne vous montrent pas la lumière par rapport à l'obscurité. Ils vous indiquent simplement la température de couleur. J'ai dû ajouter l' étape supplémentaire ici et l'assombrir. Mais j'utilise le graphique numéro trois, en prenant la couleur du soleil et si je veux entrer dans une ombre plus froide, je l'assombrit, je diminue la saturation et boum, regardez ça Juste comme ça, cela ressemble à une couleur photographiquement crédible OK, mais je peux faire autre chose. Je peux aussi regarder, en revenant à notre nuancier ici. Essayons le graphique numéro quatre, qui permet de diminuer la saturation, mais aussi de modifier la teinte. Essayons cela sur notre photo. Encore une fois, je vais commencer par la couleur du soleil, quelque chose comme ça, assombrir pour créer de l'ombre, puis changer la teinte et diminuer la saturation Qu'en est-il de cette couleur ? Regarde ça. Oui, ça marche. Je n'aurais probablement pas envie de peindre ça partout, mais je pourrais trouver de petits endroits où cela fonctionne, car je en galets, comme mot d'artiste désignant le gribouillage comme mot d'artiste désignant le Je peux le mettre dedans et ça marche. Je peux en mettre partout. Je peux le mettre dans cette ombre, cette ombre, ici. Partout où il y a de l'ombre, elle trouvera sa place. Mais je vais l'annuler, juste pour revenir à la photo. Et si je faisais la même chose, mais que je continuais ma descente vers Kool et j'y serais Regarde ça. Cela fonctionne aussi. Et si je continuais comme ça ? Cela fonctionne aussi. Et si je continuais vers le bleu, et comme nous l'avons fait dans le graphique numéro quatre, nous devenons plus saturés au fur et à mesure que nous nous rapprochons du bleu. Et si je le faisais ? Eh bien, revenons à notre photo ici et allons-y peut-être pour augmenter la saturation. Oui, ça marche. On dirait que ça pourrait convenir. Comme je le place dans différentes ombres, il semble qu'il puisse rentrer. Comment ferais-je si j'y allais et que je devenais encore plus saturé ? Maintenant, nous commençons à être un peu trop saturés, mais un peu de ça ici et là au fur et à mesure que je m'y attarde, suivez mon curseur Je le place dans les zones d'ombre. Cela peut également fonctionner. C'est le pouvoir de nos nuanciers. Nous avons soudainement une carte, une carte de la façon dont les vers se transforment en cools et vice versa. 11. Environnements - Pratique de la lumière et des couleurs: Je veux vous expliquer comment étudier à partir d'une photographie et réaliser une peinture que nous pouvons qualifier de nôtre une peinture que nous pouvons qualifier de nôtre en termes de capacité à internaliser la lumière et la couleur La première chose que je vais faire est apprêter la surface de la sous-couche ici Nous sommes juste quelques neutres génériques chauds et froids que je ne connais pas. Au sens générique, ils peuvent provenir de n'importe quelle teinte. Il y a donc du violet et du rouge et voici du jaune et du vert, mais des tons Il y a donc du violet et du rouge et voici du jaune et du vert, mais des Notez que mon sélecteur de couleurs ne laisse jamais 20 % de saturation Nous savons que cette apparence déjà agréable d'une sous-couche vous aidera Vous verrez comment il influence les couleurs à l'avenir. C'est un peu sombre, donc je vais ouvrir les niveaux et l' éclaircir un peu Je ne veux pas qu'il soit trop brillant, mais juste un peu plus brillant que ça. Donc, c'est légèrement au-dessus du ton moyen, quelque chose comme ça. Cependant, ces couleurs vont passer à travers et, en général, vous voulez que les couleurs plus claires passent à travers. C'est du moins mon expérience. Il est bénéfique que les couleurs claires passent à travers. OK. Faisons le dessin le plus élémentaire ici, et c'est l'une des raisons pour lesquelles j'ai choisi une photographie comme celle-ci, c'est parce qu' elle est très facile à dessiner. Il n'y a que quelques formes. Voici les arbres au loin, les lignes d'horizon là-bas. Il y a là un nuage intéressant que nous allons simplement évoquer. ne s'agit pas d'une étude détaillée et complète, bien au contraire. Cette toile, d'ailleurs, celle sur laquelle je peins ici ne fait que 600 pixels de large. Il se trouve que c'est 600 sur 439. Très petit Cela vous permet non seulement de peindre rapidement, mais cela vous décourage de peindre les détails L'autre règle, qui est une règle absolue, est qu' aucun échantillonnage n'est autorisé. Vous n'êtes pas autorisé à échantillonner ceci car cela n'apprend rien si vous échantillonnez. Tu dois choisir les couleurs toi-même. Tu peux toujours regarder. Ce que vous pourriez faire, c'est faire venir le sélecteur de couleurs et dire  : « Oh, qu'est-ce que la lumière par rapport à l'ombre ? Vous pouvez examiner ces relations, puis revenir ici et les rétablir en les choisissant dans votre peinture C'est autorisé. C'est du fair-game, mais ce n'est pas un échantillonnage direct. Donc le ciel. Le truc avec le ciel, c'est qu'il se réchauffe à l'horizon. Maintenant, c'est toujours une couleur plus froide, c'est toujours une couleur bleutée, mais un bleu plus chaud Maintenant, comment réchauffez-vous un bleu ? Eh bien, nous en avons parlé. Vous pouvez vous éloigner du bleu, vous pouvez monter vers le violet, ce qui se passe réellement dans ce ciel, si vous pouvez le croire. Le ciel, voyez-vous, devient légèrement plus violet, mais il devient surtout plus gris. Je vais les utiliser, je vais utiliser ces gris violets juste Et assurez-vous qu' il soit assez clair ou légèrement plus violet. Remarquez que ce n'est pas littéralement violet. Ça ressemblerait plutôt à un coucher de soleil. C'est du poisson violet. Il se dirige vers le violet. L'une des choses que nous pouvons apprendre propos de la couleur, c'est qu'il ne s'agit pas nécessairement de la couleur finale à laquelle vous arrivez. C'est la direction dans laquelle il évolue qui compte. C'est pourquoi je vous ai montré ces modes de déplacement des couleurs, de la modification de la teinte à la modification de la saturation. Il ne s'agit pas de la couleur que l'œil ne voit pas réellement celle que vous choisissez. Il voit le contexte de cette couleur à travers la façon dont elle se déplace. Le haut du ciel devient de plus en plus saturé vers le bleu. Je viens de le mettre dedans. Je laisse de la place pour ce nuage là-bas. Le nuage dans lequel je vais m' étendre un peu plus tard. Laissons les choses comme ça pour le moment. Allons-y. J'essaie juste de mélanger un peu de pinceau Il suffit d'utiliser cette brosse à cheveux. Maintenant, pensons aux champs de blé. La couleur est quelque part ici. Maintenant, peu importe ce que c'est exactement. Tant que je choisis la couleur de mon soleil et que je choisis une saturation relative pour celui-ci. Je dois dire que c'est autour de cette orange et c'est à peu près là. C'est ce que le soleil va frapper. Ça va influencer les couleurs d'être comme ça. Vous pouvez voir dans quels domaines la sous-couche est déjà utile. Je n'ai pas à me contenter d'un fond blanc. Oh, au fait, je ne fais que le peindre sur une seule couche. C'est pourquoi vous ne voyez pas la fenêtre de mes couches. Les couleurs du soleil ou quelque chose comme ça, et vous pouvez les varier. Je peux le rendre un peu plus jaune et faire comme ça. Mets ça dedans Le gommage est une technique très utile. J'essaie de me débrouiller de manière directionnelle même si ce serait Le gribouillage est aussi terrible que ça, le gribouillage directionnel. Il existe une bonne définition du scumbling. En mettant ça dedans, je pourrai devenir un peu plus rouge si je le voulais. Juste en changeant la teinte. Chaque fois que vous vous trouvez dans des voisins proches, comme le jaune, orange ou le rouge, vous pouvez vous déplacer librement. Je ne pouvais pas passer au bleu, cela ne marcherait pas du tout. Tu es en face de la roue chromatique. Je ne pouvais même pas vraiment passer au vert. Cela commence à paraître un peu étrange. n'y a aucune raison pour que ces couleurs se mélangent, elles sont trop éloignées les unes des autres. Mais si vous effectuez de petits changements comme celui-ci, vous pouvez facilement glisser avec la même saturation, vous pouvez simplement glisser entre les teintes. Mais encore une fois, essayez de minimiser ces mouvements lorsque vous le faites. Mais au début, il est utile d' en parler. Je veux déjà ajouter quelques couleurs d' ombre. Pour cela, je pourrais simplement les peindre avec un pinceau. Mais tu sais ce que je vais faire ? Je vais juste prendre l'outil de sélection et je vais dessiner en regardant simplement la photo, en dessinant des formes d'ombre d' arbre, rien de spécial, et ce n'est pas grave si je me trompe. Je peux toujours y retourner et cela couvre tout cela. Mais au lieu d' utiliser un remplissage de couleur, je vais prendre un pinceau, et j'appuierai sur le contrôle H dans Photoshop pour le masquer. Maintenant, je dois penser à la couleur. Eh bien, j'aime toujours savoir où je suis. Exemple de mon point de départ. Je veux que l'ombre soit plus foncée et plus froide. Maintenant, c'est exactement ce qu'il faut. Mais au lieu de rester exactement dans la même teinte, éloignons-nous également de cette tranche chaleureuse de la roue chromatique. Je peux aller dans les deux sens. Je peux descendre par là. Et en fin de compte, j'y arriverai ou je pourrais monter par là. Montons par là. Posez ça dedans. Pendant ce temps, je pourrais changer d'avis et suivre cette voie. C'est tout à fait normal de le faire en mélangeant certaines de ces couleurs. Mais comme il s'agit d'une herbe verte au premier plan, je vais peut-être remonter par là, me faufiler dans certains de L'autre point à propos de la couleur, c'est que lorsque vous mélangez des teintes comme celle-ci, essayez de conserver la même valeur. Si j'avais un vert beaucoup plus foncé, vous voyez que cela ne fonctionne pas aussi bien. Si vous avez la même valeur, vous pouvez mélanger les teintes plus librement. C'est ce que je fais ici. Je peux également poursuivre ma trajectoire vers le blues et peut-être même ajouter un peu de saturation au fur et à mesure. Regarde ça. Cela fonctionne. Peut-être plus vers le bleu et plus saturé. Encore une fois, en suivant le graphique numéro quatre. Cependant, contrairement au graphique numéro quatre, qui a suivi les teintes de cette façon, je passe en revue les teintes de cette façon, comme a fait le graphique numéro deux. Je combine ces graphiques. Maintenant, j'ai toujours ma sélection rigide en pixels. Je souhaite le désélectionner. Je vais utiliser mon outil de maculage préféré ici et commencer à maculer ces ombres, ce qui est un bon moyen d'imiter leurs bords souples. Ce n'est pas vraiment un mélange Je n'essaie pas de mélanger les ombres aux lumières. J'essaie simplement d'adoucir le bord dur, car plus l'ombre projetée s'éloigne de l'objet qui la projette. Ce sont clairement des arbres derrière la caméra qui projettent une ombre sur ce champ. Mais comme ces arbres sont si éloignés, les bords de l' ombre qu'ils créent seront très doux. C'est vrai pour toutes les ombres. ils sont éloignés de l'objet qui les projette, plus leur arête sera douce. J'essaie juste de garder intactes les formes de ces ombres, mais j'essaie simplement d'en adoucir le contour. D'ailleurs, avec mon outil de maculage , je peux aussi peindre avec Je vais peut-être prendre une température neutre ici, il fait trop sombre. Allons-y. Laissez-vous emporter par certains de ces chaleurs Maintenant, je sais qu'il y a un premier plan herbeux et une coupe au milieu Je le recevrai un peu plus tard. ce moment, j'essaie juste de faire bouger certaines couleurs les unes par rapport aux autres. Même si je suis dans la même teinte que le soleil, je suis très gris. Cela est valide. Cela aura toujours l'air plus frais que la lumière du soleil. Alors ce que je peux faire. Parce que maintenant j'ai une petite gamme de couleurs. Je peux retrouver mon blues et me rappeler où j'étais, et peut-être même un peu plus léger, je pourrais trouver un peu de ce blues plus cool ici. Maintenant, je vais placer le bleu à la périphérie de l'ombre car c'est là que la lucarne est le plus susceptible de tomber et de les toucher. Parce que cette zone du terrain est tellement ouverte sur le ciel. Alors que, si nous revenons à la photo, je trouve que cette partie du champ est plus proche des arbres qui projettent l'ombre. Cette zone risque de bloquer un peu plus la lucarne, mais vous pouvez certainement voir si je l'échantillonne Regarde comme ces verts sont bleus. Si je l'apporte, regardez comme c'est bleu-vert. Il est clair qu'il y a aussi beaucoup de ciel bleu là-dedans. n'y a pas de ciel bleu qui pénètre dans le champ au soleil, car le soleil est si fort qu'il domine toute la lucarne bleue y a effectivement aucune lucarne bleue visible là où le soleil se couche. Il en résulte alors l'idée d'une température de couleur distincte de la température de couleur distincte lumière solaire par rapport d'autres températures de couleur distinctes de l'ombre. Vous avez deux camps différents, et cela est évident sur cette photo. J'ai choisi cette photo sa clarté. Même les nuages. Si nous devions peindre ce nuage, qui s'est bloqué ici, eh bien, nous savons que le soleil va le frapper d'en haut, le soleil est au-dessus des nuages, bien sûr. Et le soleil est cette couleur plus chaude. Maintenant, les nuages sont blancs, alors que les champs de blé ont déjà un peu ce ton terreux, ce ton kary. Supposons que la terre, le champ de blé, la couleur locale du champ de blé est à peu près là. C'est comme si vous enleviez toute la lumière, ce qui est impossible, mais si vous le faisiez, ce serait la couleur locale du champ de blé, quelque chose comme ça. Eh bien, vous ajoutez le soleil chaud et cela le réchauffe encore plus. Un nuage ne part pas d'ici, un nuage commence sans couleur, ils sont blancs. Ce que vous faites, c'est que vous l' augmentez toujours en fonction de la couleur du soleil, mais seulement un tout petit peu, et bien sûr, les nuages sont très clairs. Il y a quelque chose là-dedans. Même ça, c'est peut-être un peu trop. C' est un peu mieux. C'est toujours le même principe selon lequel la couleur du soleil influence ces nuages, mais nous devons en tenir compte à partir d'une couleur locale ou d'une couleur de base moins saturée . Le soleil ne peut pas le rendre aussi saturé, il ne peut pas le rendre aussi saturé que les champs de blé. Mais si je l'ai échantillonnée et que je l'ai légèrement prise dans cette couleur, je dois la rendre un peu plus claire pour qu'elle corresponde un peu mieux à la valeur. Mais cela pourrait convenir. En fait, cela pourrait aider à harmoniser, même si je ne le vois pas vraiment sur la photo, cela pourrait aider à harmoniser la scène en intégrant encore plus ce facteur de couleur solaire Même ici, dans les nuages. Maintenant, l'ombre des nuages, c'est la même idée que l' ombre des champs de blé. Ils sont plus frais. Mais en raison de la perspective atmosphérique, pensez aux montagnes lointaines, elles seront encore plus froides J'ai vraiment augmenté ce bleu. Ce bleu n'existe pas vraiment ici. Même si j'ai trouvé la bonne valeur juste là, c'est plus saturé que tout ce qui se trouve ici. Lorsque vous vous éloignez, vous êtes autorisé à augmenter la saturation de votre blues, car c'est ce que fait la nature. C'est ce que fait la perspective atmosphérique. Il le fait d' ailleurs, parce que, pour une raison ou une autre, je ne sais pas pourquoi, les jaunes sont les premières couleurs à être filtrées avec la distance Maintenant, il faudrait demander à un scientifique pourquoi. Je ne sais pas Cela a quelque chose à voir avec la longueur d'onde, je suppose. Mais ce n'est pas le but de cette classe de partage des compétences. Ici, j'essaie un autre type de bleu dans les nuages, inspiré de la photo ci-dessus. Encore une fois, c'est juste pour les ombres, les ombres des nuages. Parce qu'il va faire plus frais, tout comme la terre, et tout est comme ça. Faisons les arbres. Commençons par la lumière des arbres. Eh bien, je sais, un arbre c'est quoi, un arbre est vert. Eh bien, il y a du vert, mais il fait trop froid. Il faut que ce soit vert plus chaud. C'est ici que vous pouvez revenir à la photo et dire : OK, apportons notre sélecteur de couleurs, il y a la terre, les champs de blé boisés et l'arbre Vous pouvez voir tout d'abord, regardez la teinte. Ça ne bouge pas tant que ça. Mais il est intéressant de noter que la valeur change, le champ de blé est là, regardez la valeur, la lumière par rapport à l'obscurité, c'est là-haut, et l' arbre est tout en bas. Les arbres sont très sombres. Même à la lumière. Les arbres sont les choses les plus sombres de votre peinture. Oups, je viens de le goûter, c'est contraire aux règles. Repartons ici. Voyons si nous pouvons le recréer. Eh bien, un arbre est vert, mais d'un vert plus chaud. Je vais m' y rendre, verdâtre, plus foncé. Et mais voilà. Mettons-le dedans. Quand je dis, je ne sais pas si c'est vrai. Moi, essayons-en un autre. Essayons ça. Essayons un peu plus chaud. Il fait un peu trop froid pour moi, je pense. Les arbres sont sombres parce que c'est ainsi qu' ils se nourrissent. Ils piègent la lumière, la photosynthèse et tout ça. Encore une fois, c'est un sujet pour un autre cours, et je ne suis pas un expert en la matière, mais c'est ainsi qu'un arbre obtient sa nutrition. Il piège la lumière et, par conséquent, parce qu'il piège la lumière, il ne laisse pas sortir autant de lumière, de sorte qu'ils sont plus sombres. Même un arbre en lumière. C'est vrai pour pratiquement toutes les espèces d'arbres, en particulier les pins et autres espèces de ce genre, mais ils sont très, très foncés Même dans la lumière. Vous remarquerez que malgré mes valeurs ici, cela ressemble toujours à un arbre dans la lumière. Mais attention à ce que je fais avec les ombres. Les ombres vont peut-être être beaucoup plus sombres ici. Comme ces arbres sont assez éloignés, je vais me lancer dans le blues. Je vais juste sauter directement dans le blues et voir si je peux trouver que c'est à peu près juste, très saturé à cause de la distance. Je vais juste essayer de le mettre, il semblerait qu'il y ait une grande ombre projetée le long ces arbres. Par ici. D'ailleurs, je peux toujours appuyer légèrement sur ma table. Si j'appuie fort, ça ressemble à ça. Si j'appuie légèrement, j' obtiens un peu de mélange. Comme avec la peinture traditionnelle, vous pouvez charger le pinceau avec moins de peinture, ce qui, en numérique, vous permet d' appuyer plus légèrement sur votre styliste J'essaie juste de trouver ces petits motifs d'ombres sur les arbres auxquels je fais référence sur la photo Je n'essaie pas de les copier à partir de la photo. Tout d'abord, mon canevas est trop petit pour être copié comme ça. J' essaie un autre blues. Essayons ce bleu ici, un peu plus cyan. Je sais par expérience que plus on recule, plus le bleu devient cyan. Ici, la distance entre cet arbre et cet arbre, je ne sais pas, un demi-mile, quelque chose comme ça. Une différence de profondeur significative entre ces deux points. le bleu ultramarin profond, Plus le bleu ultramarin profond, qui est un bleu plus chaud, est plus proche du rouge, comme nous l'avons vu au début de la section Mais lorsque vous revenez dans cette partie des arbres, le bleu est plus cyan car c' est plus proche de la couleur du ciel. Parce que la perspective atmosphérique force finalement les choses à évoluer vers la couleur du ciel, cela devrait comprendre pourquoi il en est ainsi. Assombrissons la valeur de notre premier plan pour obtenir un vert frais Quelque chose ici, un vert plus froid, nous prenons un vert qui le déplace vers le bleu. Je vais juste prendre un pinceau fou pour ça, et ce sera juste claque, encore plus sombre, je crois Maintenant, cette partie est intéressante car regardez ce qui va se passer ici. Cela resterait totalement dans l'ombre. R Ces roseaux et brins d'herbe sont entièrement dans l'ombre. Mais ils ont aussi leur ombre profonde en eux. Je vais vous montrer ce que je veux dire sur la photo originale. Pouvez-vous voir comment il fait vraiment noir dans ces endroits, comme sous l'herbe ? Comme une ombre dans une ombre. C'est ce qu'on appelle l'occlusion ambiante, et ce n'est pas simplement un mot fantaisiste pour désigner ombre, en fait, ce n'est pas du tout une ombre Tout cela n'est qu'ombre. occlusion ambiante est l' endroit où la lumière ambiante, c' est-à-dire la lumière qui descend du ciel, la lumière ambiante qui éclairait nos ombres, se colore ici depuis le ciel La lumière ambiante ne peut pas atteindre ces zones, la lumière ambiante est occluse, c'est pourquoi nous l'appelons occlusion ambiante C'est un peu un vestige d'un logiciel 3D, en fait. Le logiciel Three D a commencé à appeler cet effet « occlusion ambiante C'est un langage très programmatique à utiliser là-bas, et il a pris de l'ampleur. Maintenant, l' occlusion ambiante est plus sombre, mais vous avez aussi une excuse pour y réchauffer, s'inverser Vous avez la couleur la plus froide pour l'herbe et l'ombre qui redevient instantanément plus chaude en cas d' occlusion ambiante C'est un sujet sur lequel les peintres plaisantent. C'est juste quelque chose à faire, réchauffez simplement les couleurs d' occlusion ambiantes . Ça a juste l'air mieux. Je ne sais pas pourquoi , mais pour une raison ou une autre, lorsque les couleurs d' occlusion ambiantes sont trop froides, les choses commencent à paraître un peu inanimées. Je vais juste utiliser ce pinceau en forme de râteau et y mettre des points pour ajouter vraiment une certaine occlusion ambiante, plus sombres de l' L'occlusion ambiante sera toujours votre obscurité la plus foncée, oui, c'est toujours le mot Cependant, il n'est pas toujours noir. Je suis toujours là, pas totalement noir, mais c'est assez proche. C'est parce que cette photo est exposée de cette façon. Mais en fonction de toutes sortes de facteurs et peut-être lors de la prochaine démonstration que nous allons peindre, j'allégerai la palette en général et nous pourrons obtenir une occlusion ambiante plus légère Nous verrons, nous verrons. Mettons un pinceau en mode multiplication, comme vous pouvez le voir ici. L une couleur chaude. Ce que je vais faire, c'est suivre le chemin du blé coupé ici. Juste quelque chose comme ça. Cela me donne ce chemin découpé gratuitement parce que je veux que les valeurs restent toutes, les lumières et les ombres restent. Je veux juste avoir l' impression qu'il y a une petite section d' herbe coupée , quelque chose comme ça. Et je peux rester sur ce pinceau multiplicateur pour continuer à bloquer certains de ces détails. Multipliez, si vous ne savez pas, cela ne fait que rendre les choses plus sombres. C'est comme de l'aquarelle. Il conserve la structure de valeur que vous avez. Cela ne fait que l'assombrir, mais il l' assombrit pour lui donner une couleur. Si je choisissais le bleu, cela l' assombrirait vers ce bleu. En fait, une partie de ce bleu pourrait convenir à certaines zones d' ombre, où il y aurait des passages légèrement plus froids. Même dans cette zone, faisons en sorte que le blé chaud soit un peu plus frais pour mieux s'adapter à nos ombres plus froides. Pendant que je suis ici, je pourrais assombrir tout mon premier plan avec ce gros pinceau circulaire Des violets intéressants et autres trucs dans cette herbe. Tu peux le voir ? Comme de petites touches de violet ? Je le fais avec mon pinceau multiplicateur ici. Et je vais sortir ce pinceau fou, et il y a juste ces petites fleurs sauvages violettes dedans. Ce pinceau est idéal pour capturer le caractère aléatoire d'objets tels que des fleurs sauvages, un peu plus chaudes, mais toujours grisées pour être J'appellerais cela une fraîcheur plus chaude. Dans le contexte de cette peinture, s'agit d'une fraîcheur plus chaude, car il fait certainement plus chaud que les bleu-verts que nous avions, mais il ne fait pas si chaud que ça, ce n'est pas aussi chaud que le soleil. C'est comme une chaleur neutre. Il fait donc plus chaud. Et vous pouvez aussi avoir des températures plus fraîches. Si nous montions dans un endroit ensoleillé, nous le nivelons, il ferait plus chaud Tu peux le voir ? Comment s'y prend-il ? Il s'agit simplement d'ajouter un peu de cette variété et une partie de cela pourrait être bien. Juste pour ajouter. Même si vous ne le voyez pas sur la photo, il est tout de même approprié car il mélange toujours à nos chaleurs réelles. Je me rends compte que seuls certains de ces arbres sont plus ombragés. Je devrais commencer par donner la priorité à l' emballage afin que nous puissions passer à notre prochaine démonstration où nous allons peindre quelque chose inspiré de notre imagination Et cela devrait vous donner un aperçu juste, comme une bonne base de travail pour le fonctionnement des couleurs et de la lumière. Ensuite, dans la section suivante, nous allons y aller et peindre quelque chose. Mais pour l'instant, je m' amuse, je n'ai pas encore fini. Je m'amuse à explorer différents types de teintes. Souvenez-vous du graphique numéro quatre, quand j'étais ici, pas tout en bleu, quand j'étais ici, je commençais tout juste à sortir du gris. Et c'est ce que je fais ici Je comprends ce niveau du graphique. Présent sur la photo. Maintenant, c'est une chose importante. Vous n'avez pas besoin que toutes les parties de votre graphique soient présentes sur l'image. Ce n'est pas une obligation. Tant que vous avez de petits points de contrôle en cours de route, et où qu'ils se trouvent, c'est à vous de décider Mais tant que vous en avez quelques-uns, et encore une fois, je ne sais pas combien. Trois, quatre, cinq, je ne sais pas. Mais j'essaie d'en prendre au moins trois, je suppose, si je peux y mettre un chiffre. Tant que ces points de contrôle sont présents en cours de route Vous serez capable de communiquer au spectateur en lui disant : « Hé, c'est le chemin que je prends, parce que tous les chemins que je vous ai montrés sont en grande partie dérivés de la nature, le spectateur le reconnaîtra. Même s'ils ne sont pas des artistes, ils sauront instinctivement ce que vous faites parce qu'ils sont tellement habitués à voir ce type d'information Voici quelques feuilles de plantes plus bleues, très, très bleues et autres. C'est parce que nous sommes dans une zone d'ombre très froide. Cette herbe est verte. Nous pouvons monter jusqu'à ces chambres froides. Je considérerais toujours cela comme un vert frais. Vous pourriez regarder ça et dire : Oh, ce n'est pas vert, c'est du cyan. Je ne sais pas, quelque chose comme ça. Ce n'est certainement pas vert, mais pour moi, c'est un vert plus froid parce qu'il est dérivé du C'est vert, je suis arrivé. Par ce chemin. Pour moi, dans mon cerveau, c'est toujours vert. C'est pourquoi, pour en revenir à la première partie de cette leçon, les noms de couleurs sont inutiles. Parce que si je dis vert, eh bien, qui aurait cru que c'était vert ? Mais dans ce tableau, je pense que c'est vert. Cela fait partie de la verdure, de toute façon, c'est indéniable. On peut même y trouver un peu de cet étrange cyan légèrement grisé Maintenant, j'ai légèrement diminué, ce qui fait chauffer le tout, mais il fait loin d'être chaud C'est encore assez saturé pour être cool. Mais il ne fait tout simplement pas aussi froid qu'au premier plan. Je suis juste en train de le mettre dans l'ombre. J'aime beaucoup avoir une symphonie de couleurs dans l'ombre. Alors qu'en matière de lumière, vous pouvez être un peu plus monotone, car la lumière du soleil, en particulier dans des situations comme celle-ci, la lumière du soleil est dominante, est tellement dominante qu'elle ne laisse pas vraiment entrer beaucoup Comme nous en avons discuté, cela intimide les couleurs pour qu'elles soient comme ça. Aucune autre couleur n' est vraiment autorisée. Personne n'est autorisé à entrer dans le club. Avec les ombres, tout le monde est autorisé à entrer dans le club car les couleurs des ombres peuvent venir de n'importe où. Cela peut venir du ciel ou de la lumière rebondissante. Maintenant, nous n'avons pas encore vraiment parlé de Bounce Light. Nous participerons à la démonstration de peinture. Je vais m'assurer de choisir une scène contenant une bonne quantité de lumière rebondissante et nous pourrons discuter de la façon dont cela modifiera encore Mais c'est une bonne représentation de ce que nous recherchons en termes de couleur et de lumière. C'est une étape très latérale par rapport aux personnages. C'est une piste complètement différente en ce qui concerne la lumière et la couleur. Mais ce que j' aime dans la lumière et la couleur est aussi complexe que cela puisse être et demande beaucoup de temps à apprendre, tout comme le dessin prend du temps à apprendre. Ce que j'aime, c'est que ça ne demande pas vraiment une tonne de dessin, de peinture comme ça. Je veux dire, je n'ai pas beaucoup dessiné ici. Il y a quelques formes. J'ai l'impression que n'importe qui pourrait dessiner ce que je viens de dessiner. La peinture et la couleur sont une autre histoire, mais le dessin sous-jacent est très simple et basique. Si vous pouvez suivre les principes que j'ai exposés ici, je pense que vous pourriez facilement me suivre et peindre ceci avec moi. Vos peintures s'amélioreront avec le temps, la pratique, la pratique. N'oubliez pas que les relations entre les couleurs sont, par nature, très subtiles. Ce que nous voulons faire avec notre peinture et notre illustration, c'est être capable de gérer, de visualiser et observer des changements de couleur très subtils, et non de grands changements. Ces changements de couleur subtils prennent juste du temps. Mais continuez à vous entraîner et vous y arriverez. Mes premières peintures ne ressemblent en rien à cela, et je ne pourrais certainement pas peindre aussi vite. Mais l'avantage de comprendre, disons, les nuanciers que je viens de vous montrer dans cette section, c'est qu'ils sont vraiment une recette de la nature. La nature le fera encore et encore. Et si vous pouvez le comprendre, vous pourrez le voir non seulement sur des photos comme celle-ci, mais même lorsque vous êtes debout dehors et que vous vous promènerez la prochaine fois. J'espère que vous chercherez ce genre de choses. Si tu es comme moi, tu en arriveras au point où tu ne pourras même plus l'éteindre. Vous êtes du genre : « Oh, ouah, vous voyez ces relations partout parce qu'elles sont tellement cohérentes. lumière et la couleur ne sont un mystère une fois que vous avez étudié ces principes. Bien, terminons notre étude là, et je vous verrai dans la prochaine leçon où nous approfondirons cette information en peignant quelque chose de complètement imaginatif 12. Compléter une illustration - Partie 1: OK, nous avons atteint, je pense le moment le plus excitant du cours. Il est temps de combiner nos connaissances du personnage et l'environnement pour créer notre propre illustration. C'est le produit que vous allez probablement fabriquer pour vos clients. Même si vous ne faites que créer un personnage, il vous sera probablement demandé de le peindre il vous sera probablement demandé de le peindre pour cette présentation professionnelle finale. Ou si vous êtes comme moi, le client veut une illustration complète, un personnage, arrière-plan, entièrement peint, entièrement intégré, aspect professionnel et entièrement fini. C'est ce que nous allons aborder dans cette section. En cours de route, je vous donnerai également des conseils pratiques pratiques pour développer des environnements et travailler avec perspective Ce projet est donc inspiré de ce qu'un client m'a demandé de faire avec les personnages de Big Foot. Je vais donc d'abord vous montrer ce travail et vous expliquer les étapes qui l'ont précédé, puis nous exécuterons un projet similaire ensemble. Très bien, allons-y. Tout d'abord, je vais vous lire mot pour mot ce que disait mon brief de projet C'est pour la couverture de notre package de présentation. Belle image de Jake et de son ami Big Foot jouant et s'amusant dans un environnement lacustre accueillant, peu comme une scène de chalet. Veuillez les représenter en mouvement alors qu'ils jouent ensemble. D'accord, ça a l'air assez simple. Voici les croquis que je leur ai montrés. C'est un peu le même environnement trois fois. Je viens de changer le modèle de Big Foot car en fait à ce stade, nous n'avions pas encore fait les fiches de conception des personnages. C'est marrant, c'était en fait mon premier coup de couteau sur les personnages. C'est pourquoi Jake ne ressemble à aucun des Jakes des draps et Big Foot a trois idées différentes Nous avons finalement opté pour celui-ci. Et dès le départ, ils ont aimé la pose animée. Je suis devenu un peu cliché, j'ai fait pivoter le pneu, mais il y a la relation entre les deux personnages, à l' avant et au centre, et c'est évidemment la chose la plus importante que je devais faire en termes de narration, non Il s'agit bien plus de l'interaction entre les personnages que de l'environnement. Maintenant, l'environnement est là, bien sûr, mais je n'avais de place que pour un arbre, un rocher et un peu d'eau. Vous n' avez pas vraiment beaucoup de place, surtout sur une toile verticale, je trouve que cela permet de faire beaucoup de choses. Les personnages étant eux-mêmes un peu verticaux , ils occupent une grande partie de cet espace. Et c'est le dernier tableau que j'ai produit pour eux. Permettez-moi de l'élargir un peu. En fait, permettez-moi de zoomer. Vous pouvez voir à quoi ressemblent mes derniers tableaux. Ils sont encore assez brusques. Ils sont rendus, mais pas photographiques. Cela ressemble certainement à une peinture, et c'est un style que j'ai affiné au fil des années. Encore une fois, je fais cela depuis au moins 20 ans. J'ai toujours recherché ce genre de look pictural. Permettez-moi de faire un zoom arrière pour que vous puissiez avoir une idée de tout cela, car c'est là tous les coups de pinceau se rejoignent réellement Vous pouvez le constater sur le plan de la composition, c'est une pièce assez simple Il s'agit essentiellement de mettre en valeur les personnages, et je dis cela parce que ce sont les points les plus contrastés de l'image. Ce sont également les éléments les plus importants de l'image. Il peut être utile de vous le montrer en niveaux de gris. Vous pouvez constater qu' au niveau des valeurs, les caractères sont le point de contraste le plus élevé , tout comme le pneu. C'est comme cette triade, triangle de point focal, le tiers droit de l'image, pourrait-on dire, et le contraste le plus élevé est l'endroit où votre œil va regarder, et je l'utilise toujours comme une esthétique très simple pour le design. Si vous voulez que quelqu'un regarde quelque part, comme le point focal, les personnages dans ce cas, utilisez un contraste élevé à cet endroit. C'est assez basique. J'ai veillé à ce que les personnages aient une gamme complète de couleurs sombres à claires. Si j'apporte mon sélecteur de couleurs ici et que j'échantillonne, j'utiliserai celui-ci Je vais échantillonner comme suit : quel est le noir le plus foncé ? C'est essentiellement noir, même pour le gamin ici, même pour Jake, ses ténèbres sont tout aussi sombres Sur le pneu, ces tons foncés sont fondamentalement les mêmes. Et puis les lumières les plus légères. Vous pouvez voir le gros museau du pied, il est presque blanc Les yeux de Jake sont très proches Les personnages représentent cette gamme complète. Ensuite, l'arrière-plan est, si les personnages étaient là, l'arrière-plan est là, juste un cran plus étroit Si vous regardez les arbres, j'échantillonne les valeurs de l'arbre. Tu peux le voir ? Voici le plus clair de l'arbre juste là, et voici le plus foncé de l'arbre Il est proche des personnages car l'arbre occupe toujours une place importante dans cette image, mais il n'est pas aussi visible que les personnages. J'ai également atténué son contraste, juste un peu plus bas. Ensuite, bien sûr, l'arbre d' arrière-plan, cet arbre pourrait tout aussi bien ne pas être là. C'est juste là pour l'ambiance. Il doit être là pour l'environnement, mais cela n'a pas d'importance pour l'image. Regardez sa plage de valeurs. C'est comme de là-bas. C'est très étroit. Encore une fois, c'est la même idée de base. Plus le contraste entre les différents éléments de votre photo est élevé, plus le public sera enclin à les regarder. Aujourd'hui, inventer un environnement est une tâche ardue. Ce que j'aime faire, c'est partir d' une référence photo qui vous met dans le vif du sujet. Dans ce cas, il s'agit de cette photo que j'ai prise lors d' un voyage de camping il y a quelques étés J'ai également esquissé cette scène de la vie dans mon carnet de croquis, et je l'ai fait parce que je voulais capturer cette sensation chaleureuse que dégage cette Bien sûr, il est toujours utile de prendre une photo de quelque chose si vous n'avez pas le temps de faire croquis ou simplement en général. Je conserve un dossier très actif de références photographiques que je collecte auprès de qui sait où ? Je suis ici dans Photoshop et je vais créer un nouveau canevas, et selon la demande des clients, je vais le faire huit par dix, et je vais le régler à 150 DPI. Désormais, votre résolution d'impression finale sera de 300 DPI, c'est la norme. Mais pour que mon ordinateur et mes pinceaux fonctionnent plus rapidement, j'aime le régler plus bas puis le relever au fur et à J'ai accéléré le tournage de cette première partie de Toning the canvas J'utilise principalement des produits chauds, mais il y a un froid neutre, comme un froid grisâtre. Mais je vais ralentir la séquence maintenant, et je dessine dans une grille de perspective de base. Comme il s'agit d'un environnement organique, perspective linéaire ne joue pas un rôle important Je vais vous montrer exactement où elle joue un rôle et c'est là, au début. En gros, je veux développer le plan du sol. Dans ce cas, le sol est l'eau. Je mets un point de fuite sur le cadre. Vous pouvez voir où je reviens constamment juste pour cadrer. Vous remarquerez que ce point se trouve sur la ligne d'horizon, qui est la ligne violette que j'ai tracée en premier. Il en résulte simplement une série de lignes rayonnantes. Il s'agit principalement d'une petite astuce mentale qui m'aide à commencer à voir plus rapidement dans un espace en trois D. Ce que je vais faire ici, c'est simplement atténuer l'opacité de cette couche J'ai fait la grille de perspective sur une nouvelle couche. En utilisant la théorie de base de la perspective dont nous avons déjà parlé, je dessine au bas d'un cylindre, c'est-à-dire une ellipse Cette ellipse va me montrer le plan du sol. Il s'agit de la zone d'eau devant ce gros rocher que vous voyez dans la référence. Ce domaine est important pour moi parce que c'est là que je vais occuper le devant de la scène. C'est là que les personnages vont aller. C'est là que se trouveront tous les éléments intéressants . Je dessine la zone de perspective avec laquelle je vais travailler. Je pars maintenant de cette ellipse pour découvrir où se trouve le rivage et où va cette grosse Le rocher est la pièce maîtresse de l'arrière-plan. C'est comme cet arbre dans ma peinture initiale. C'est une partie intéressante du contexte. Cela donne beaucoup de contexte, mais en fin de compte, cela fait partie de l'arrière-plan, et je ne manquerai pas de mettre les personnages en avant. Bien entendu, j'ai mes deux pièces de référence chargées à gauche, la photographie, ainsi que ma peinture de la scène. Vous remarquez qu'il y a des différences. Ma peinture de la scène est un peu plus idéalisée que la photo de référence J'ai choisi ce que je pense être la zone la plus importante de la scène, par exemple, dans mon croquis en bas à gauche. J'ai insisté sur la nature de ce gros rocher rond, assurant que dans mon croquis, c'est le point central. Dans ma peinture, ce sera un point focal secondaire. Je viens de mentionner que les personnages occuperont le devant de la scène. Mais je crée l'environnement ici. C'est ce que je fais habituellement. Il existe différentes manières de procéder. Vous pouvez d' abord dessiner les personnages , puis remplir l'environnement. J'aime aller dans l' autre sens lorsque je crée un environnement vu avec des personnages. J'aime d'abord établir l'environnement. Maintenant, je ne le rends pas complètement à un diplôme complet. Vous verrez au fur et à mesure que nous progressons ici, les personnages doivent apparaître relativement tôt dans le processus car ils influencent énormément la composition. J'aime bien définir une perspective , qui existe déjà. En fait, j'ajuste ma grille de perspective en ce moment, juste pour m'assurer que ma ligne d'horizon est bien là où je pense qu'elle se trouve. Souvenez-vous que je projette mes yeux directement dans la scène et que je me demande : où mes yeux entreraient-ils en collision avec la photo ? Je me trouverais dans la partie supérieure de ce rocher, ce qui est vrai, car lorsque j'ai photographié cette scène, j'étais également assise sur un rocher surélevé au-dessus de l' eau, comme vous pouvez le constater. Si je projetais physiquement mon corps vers l'avant dans l'espace, il heurterait la partie supérieure de cette roche Je sais donc que mon point de vue est correct. Très bien, à ce stade précoce, regardez ceci. Voici les personnages. Je l'ai sur une couche séparée. Maintenant, ne prenons pas d' avance sur nous-mêmes. Il ne s'agit pas d'un dessin final des personnages. C'est juste un placement. Vous remarquerez que c'est juste la silhouette la plus grossière possible pour un garçon. Voici Jake. Je n'ai aucune idée de sa pose ou je ne voulais pas simplement copier-coller l'un de mes modèles précédents. Je veux vous montrer comment je m'y prends pour découvrir une toute nouvelle image. Voici un tout nouveau Jake dans une toute nouvelle pose. Je n'ai jamais peint cette scène auparavant, à l'exception de l'arrière-plan de mon carnet de croquis Mais je veux dire, je ne l'ai jamais peint comme une illustration, ai jamais peint numériquement, y ai jamais mis de personnages , etc. C'est important pour moi à ce stade pour définir la taille principale du personnage. Il s'agit principalement de la taille du personnage, qui définit l'échelle partout. En ce moment, il est bien trop gros, c'est comme un géant. Parce que je veux que cette pierre paraisse beaucoup plus grosse. Et c'est le cas actuellement. Ce rocher devrait mesurer environ 15 pieds de haut. Si Jake est si gros, nous avons soudainement une idée de l'échelle du rocher, qui ne fait que le double de sa hauteur. Je vais le réduire et, bien sûr, c'est pourquoi je l'ai placé sur une couche séparée. C'est le personnage de Big Foot, si vous pouvez le croire. Encore une fois, le fait de l'avoir sur une couche signifie que je peux le faire, que je peux le déplacer. Maintenant, il y a déjà un élément fondamental très important sur lequel je veux capitaliser, savoir l'idée du chevauchement Vous voyez que le dessus de la tête de Jake recouvre le rivage derrière lui, comme si le rivage disparaissait derrière la C'est important parce que cela montre de la profondeur. Dans votre illustration, maximisez l'opportunité de mettre un élément devant un autre. Un autre exemple de cela est la façon dont le gros rocher en arrière-plan se trouve devant les arbres. Cela semble si simple et ça l'est. Mais c'est incroyablement courant, et je suis toujours surpris de constater à quel point les étudiants en art prennent la décision de ne pas superposer les choses Par exemple, je pense qu' une pire décision dans ce cas serait placer Jake et Bigfoot entièrement silhouettés dans le cylindre d'eau, comme le plan au sol qui s'y trouve, si je place leurs silhouettes entièrement dans Je veux dire, oui, l' illustration pourrait fonctionner. Mais j'aurais perdu la profondeur que je gagne ici simplement si la tête de Jake croise le rivage derrière lui Mais j'ai déjà dépassé le niveau des personnages. Je suis dans la couche d'arrière-plan maintenant. Il n'y a que deux couches sur cette photo. Désolé, il n'y a que trois couches si l'on compte la grille de perspective, sur laquelle je ne peux plus peindre. Pour peindre les couches, le fond et les personnages. n'existe pas de règles strictes quant à la manière dont vous devez répartir vos couches d'illustration. C'est vraiment ce avec quoi vous vous sentez à l'aise . Je fais partie de la minorité où je n'aime pas vraiment les couches parce que cela m'oblige à m'éloigner du processus de création. Du moins, pour moi, c'est le cas, et je dois commencer à réfléchir à ce qu'il y a sur quelle couche, et je ne peux vraiment pas le supporter. Je peins sur le moins de couches possible. Je ne crée une nouvelle couche que lorsque je ne sais absolument pas où va quelque chose. Dans ce cas, il s'agit du personnage. OK, je commence donc à bloquer le début d'un reflet, reflet de la roche dans l'eau ainsi que des arbres en arrière-plan dans l'eau. Parlons des reflets, car vous vous demandez peut-être l'eau réagit aux mêmes informations de lumière et de couleur que celles que nous venons de voir dans le paysage, qui n'avait qu'un plan de sol normal, les champs de blé. La réponse est oui et non. L'eau réagit à la lumière qui la frappe, en particulier l'eau calme, il s' agit d'une eau moyennement calme ici. C'est une crique dans un lac. Il réagira à la lumière, et vous verrez que je vais peindre dessus la lumière du soleil réelle au fur et à mesure que nous le traverserons. Mais tu dois aussi faire face aux reflets. Tout le monde sait ce qu'est un reflet. C'est l'eau qui reflète la surface au-dessus, sorte que l'image apparaît dans l'eau. Parce que dans ce cas, nous reflétons des arbres sombres, vous allez avoir beaucoup de passages sombres à cet endroit. Vous remarquerez que dans l'illustration de mon carnet de croquis, j'ai minimisé cela parce que je voulais privilégier le rock, comme je l'ai déjà indiqué J'ai choisi de mettre en valeur et de souligner le reflet de la roche claire dans l'eau, flanqué de reflets plus sombres dans mon croquis Mais sur la photo, le reflet sombre des arbres. N'oubliez pas que les arbres sont souvent très sombres, comme nous l'avons indiqué dans la leçon précédente, que le reflet sombre domine sur la photo C'est la direction que je vais suivre dans cette illustration. C'est parce que je planifie un peu à l' avance et que je veux que la lumière du soleil illumine vraiment les personnages. Je pense que je vais avoir un rayon de soleil venant de la droite, et nous pouvons voir ce faisceau de soleil sur la photo, mais je vais insister pleinement sur ce point et faire entrer un faisceau complet de soleil illuminera les personnages Par conséquent, je peux utiliser le reflet foncé pour ajouter du contraste aux caractères plus clairs. C'est vraiment le conseil numéro un je donnerais à tous ceux qui souhaitent créer des environnements : planifiez votre contraste l' avance et un seul aspect de celui-ci. C'est là que se situera le contraste le plus élevé ? Vous pouvez l'intégrer à la lumière, faire en sorte que la lumière atteigne quelque chose d'une certaine manière qui vous donne ce contraste, par exemple, si un personnage est dans l'ombre ou dans la lumière, et que ce qui se trouve derrière le personnage se trouve dans l'ombre ou dans la lumière, le contraire. L'autre chose qui est vraiment très utile à propos des ténèbres et des lumières, gérer les ténèbres et les lumières dans votre environnement, c'est de les alterner, clair, foncé, clair, foncé Si vous regardez ma peinture, le ciel en arrière-plan, qui n'est pas encore vraiment dessiné, mais vous pouvez voir que le ciel en arrière-plan serait clair, puis les arbres devant lui sont sombres, puis le rocher devant est clair, puis le reflet devant est sombre, c'est une alternance entre lumière foncée et lumière foncée. Cela vous donnera encore plus de profondeur dans votre photo. Ici, j'essaie un autre Jake. C'est juste un dessin gestuel de lui en train de nager, mais je n'aime pas ça, alors je m'en débarrasse. Et je reviens à la case départ en ce qui concerne les personnages. Mais dans mon esprit, je sais qu'ils travailleront dans ce domaine central. Une autre raison pour laquelle j'ai confiance en cela est que si vous pensez à une scène, j'ai laissé cette zone d'eau complètement vide. On dirait que c'est vide en ce moment. Dans mon croquis de paysage en bas à gauche, cette zone était peuplée d'un reflet intéressant de la roche. Dans ma peinture actuelle, c'est plus blanc que cela, ce qui signifie qu'il peut utiliser des caractères. Il y a de la place à remplir. Utilisez l'outil Smudge dans Photoshop pour commencer à développer ces reflets L'autre aspect d'un reflet est qu'il s' agit de versions adoucies ou plus floues, disons, de ce qu'il Un outil similaire à Photoshop, appelé littéralement outil Smudge, mais dans d'autres applications, il porte des noms différents Tout ce qui semble maculer la peinture est un bon outil pour les reflets Maintenant, j'utilise l'outil Warp juste pour rendre la forme de cette roche un peu plus ronde, centrale et conviviale Je pense à mon cours de design de forme , à Clean Shape. Je cherche juste une certaine rondeur. Une rondeur qui, selon moi , ferait du bien. C'est le mieux que je puisse dire. N'oubliez pas que lorsque vous suivez des cours comme celui-ci ou n'importe quel autre cours d'art, on vous présentera des informations et des informations exploitables que vous pourrez utiliser sur les bases Mais il y a aussi un aspect de l'art qui est intuitif, comme la forme de ce rocher. Comment savoir si je me sens bien ? Eh bien, je ne sais pas. C'est juste qu'il y a quelque chose en moi qui dit que le rocher devrait ressembler davantage à ça. C'est quelque chose qui ne peut pas être enseigné parce que c'est complètement individuel et subjectif. Vous devez absolument utiliser votre propre intuition lorsque vous en ressentez le besoin. Rappelez-vous cependant qu'avant tout cela, les fondamentaux doivent être solides, et c'est sur cela, bien sûr, que ce cours met l'accent pendant la majeure partie du cours. En parlant de principes fondamentaux, les couleurs que j'utilise dans ma scène suivent exactement la leçon que j'ai présentée dans la section précédente. Observez les couleurs de la lumière par rapport à celles des ombres de la roche. Vous pouvez voir qu'ils sont clairement séparés en deux camps, les lumières étant de couleurs plus chaudes, les ombres de couleurs plus froides. Il y a un niveau d' organisation supplémentaire là-dedans : ce sont les couleurs d'ombre les plus bleues face visible sur le rocher Regarde, ils sont situés au sommet du rocher. Alors peut-être qu'au pied du rocher, vous avez ce que j' appellerais des températures plus chaudes. C'est parce que la lucarne, qui est bleue, descend d'en haut Il va de soi que les zones de la roche orientées vers le ciel deviennent les plus bleues, simplement parce qu'elles reçoivent le plus de lumière directe Maintenant, je veux amplifier l'effet de la lumière du soleil. Dans ma fenêtre de couches, j'ai créé une nouvelle couche, je l'ai mise en mode esquive linéaire, et j'ai ce pinceau à trois têtes que je ne connais pas, qui ressemble à un pinceau rond. Il n'y a rien de spécial là-dedans. C'est juste que sa forme est légèrement décalée par rapport au rond et je l' utilise beaucoup, je ne sais pas pourquoi. Il n'y a rien de spécial là-dedans. J'apprécie juste sa forme. Désormais, lorsque vous travaillez avec une couche d'esquive linéaire, vous n'avez plus à choisir la couleur Super Light. Notez que mon choix de couleur est au milieu. C'est un processus très additif tout comme la lumière dans la vie réelle. lumière réagira à la couleur de l' objet et l' éclaircira et se rapprochera de la couleur du soleil dans ce cas. Mais l'esquive linéaire agit également de cette façon, ce qui en fait un mode de mélange idéal pour peindre des objets tels que la lumière du soleil Et j'aime vraiment la composition des formes qui existe la photo et les formes que j'ai capturées sur la photo et les formes que j'ai capturées dans mon plan de peinture aérienne en bas à gauche. J'aime le fait que les formes soient de tailles variées. Regardez le rocher, par exemple, sur la photo. Je veux dire, il y a de grandes formes de lumière solaire, des formes de lumière du soleil de taille moyenne et de petites formes tachetées de lumière solaire là-dedans C'est une autre forme de contraste. C'est presque comme si le contraste était synonyme d'intérêt. Ce n'est pas toujours vrai , mais dans la plupart des cas, nous avons besoin de contraste pour que quelque chose soit intéressant à nos yeux. un des principaux moyens d' ajouter du contraste à vos photos est de varier les formes et les tailles des objets. N'oubliez pas que nous avons déjà parlé contraste entre la lumière et l'obscurité, qui suscite l'intérêt. C'est une autre façon d'apporter du contraste et donc de donner le plus d'intérêt possible à votre photo. Maintenant, revenons à la production d'eau pendant un moment. Remarquez que je garde cette eau beaucoup plus immobile que sur la photo. Plus l'eau est calme, plus elle peut accepter la lumière, comme le ferait un paysage. Je traite la lumière du soleil sur l'eau presque exactement de la même manière que la lumière du soleil sur le rocher. Il fait peut-être un peu plus sombre parce que, encore une fois, il fait concurrence à l'arbitre, à la réflexion foncée. Cela va rendre cette valeur, cette valeur claire et foncée un peu plus foncée dans son reflet. Mais sinon, il n'y a aucune différence. Vous pouvez le voir à nouveau sur eaux calmes, que je représente ici, mais aussi sur des eaux moins profondes, car le soleil peut réellement traverser la surface de l'eau et toucher le sol en dessous Si vous peignez au milieu de l'océan, des centaines de mètres de profondeur, vous ne le verrez pas. Ce ne sera qu'une réflexion. De plus, la turbulence des vagues déformera cette réflexion, et l'eau sera essentiellement monochromatique OK. Permettez-moi de parler rapidement de ce que je fais ici dans Photoshop. J'ai créé une nouvelle couche. Je veux peindre de l'herbe, des algues et d'autres choses. Mais j'ai défini le style du calque sur un effet de trait. C'est-à-dire qu'un trait trace simplement un contour autour de votre coup de pinceau. J'ai créé un contour très foncé et chaud, comme s'il s'agissait d'un contour rouge très foncé, et j'en réduis l'opacité, pour qu'il ne soit pas totalement dans votre 13. Compléter une illustration - Partie 2: Au fur et à mesure que je note ces coups de pinceau, cela apporte une touche graphique supplémentaire. C'est quelque chose que j'ai découvert au fil des ans qui correspond à mon style. Il ajoute des graphismes, je crois, des graphismes, c'est-à-dire des formes épurées. Parce que lorsque vous faites des choses comme du gazon, vous ajoutez tellement de formes. Maintenant, ce qui est génial, c'est que l'herbe comme celle-ci a tendance à prendre de petites formes. N'oubliez pas que je viens de parler du contraste inhérent aux grandes, moyennes et petites formes. Le truc avec les petites formes c'est qu'on peut en avoir plusieurs. peut contenir un nombre exponentiel de petites formes Votre image peut contenir un nombre exponentiel de petites formes que de grandes formes Comme voir ce gros rocher. Eh bien, il n'y a de place que pour un de ces rochers, mais il y a de la place pour 100 brins d'herbe. Au moins. maximiser le nombre de petites formes que vous insérez dans votre photo et Il est également important de maximiser le nombre de petites formes que vous insérez dans votre photo et l' endroit où vous les placez. Ma stratégie, il n'y a pas de règles à ce sujet, mais ma stratégie consiste à placer les petites formes autour du point focal. L'accent sera mis les personnages qui n'y figurent pas encore, mais vous pouvez bien voir, vous savez où ils vont aller parce que vous m'avez déjà vu les mettre en miniature, et ils y iront quand même Mais je sais que les personnages vont y aller. Vous remarquerez que je garde cette partie de la scène très ouverte. J'aime utiliser l' analogie avec une scène parce que c' est là que le public va regarder une pièce de théâtre. Gardez cette zone de la scène ouverte et ayez l'impression d'être un peu vide sans les personnages. Et là, je mets juste un autre rocher, un rocher de taille moyenne sur lequel Jake peut se tenir debout. Mais vous remarquez, je rends ce rocher très spécial en l'illuminant avec ce faisceau direct de soleil C'est là que je reprends l'idée du rayon de soleil qui se fraie un chemin en cascade dans la scène, illuminant le petit rocher sur lequel Jake sera debout, et le personnage du Big Foot nagera, je crois, juste devant ce C'est là que mon processus porte ses fruits. Je n'ai pas eu cette idée avant être arrivée à cette partie du tableau. Je n'avais aucune idée de Jake debout sur un rocher et nageant avec de gros pieds. J'avais besoin de développer un peu le monde, et c'est dans ce domaine que je trouve personnellement utile de prendre en compte l' environnement en premier. a aussi l'idée que je fais des vignettes sur la même toile que celle que je peins, comme vous l'avez vu, parce que j'ai commencé par la nature abstraite du fond, ces bouquets d'arbres en arrière-plan et le rocher J'ai été capable de déformer les objets les déplacer, de retourner les cavas dans tous les sens et d'utiliser simplement le pinceau pour peindre, peindre des objets dedans, et j'ai pu faire tout cela sans trop de pénalité car rien n'était encore totalement engagé Une fois que vous commencez à intégrer les personnages, vous commencez à vraiment vous engager dans la scène. L'autre avantage de commencer par l' arrière-plan est que vous pouvez vraiment manipuler la scène dans le monde dans lequel vivent ces personnages. Avant de s'engager avec les personnages. y a vraiment rien de pire que de faire un beau rendu de vos personnages pour découvrir qu' ils ne correspondent pas vraiment à l'environnement ou que l'environnement semble collé d'une manière ou l'environnement semble collé d'une autre. C'est une question très courante. La sensation d'environnement collée en arrière-plan au lieu de vraiment faire partie de l'illustration Pendant que je discutais à la dernière minute, j'ai juste pris un pinceau texturé et posé sur un arbre au premier plan Encore une fois, en répétant mon schéma alterné, la lumière pour le ciel, l' obscurité pour les arbres, la lumière pour le rocher, et maintenant le noir pour le tout nouvel arbre que je viens de planter. Ce n'est donc pas comme si j'avais simplement mis un arbre là parce qu'il se trouve également dans la référence. Je veux dire, c'est un bon exemple. Oui, cet arbre est dans la référence, il est devant le rocher. Mais vous remarquerez que dans la référence, l'arbre contredit la valeur de la roche, comme si la lumière sur cet arbre était similaire à la lumière sur le rocher. Mais je l'ai édité. J'ai assombri l'arbre cause de l'idée de contraste, continuant mon alternance entre le clair, le foncé et le clair C'est un bon conseil pour vous lorsque vous réalisez études photographiques comme nous l'avons fait dans la section précédente. Maintenant, la photo que nous avons prise dans la section précédente présentait un assez bon système de valeurs alternatives. Je n'en ai même pas parlé là-bas parce que je savais que j'allais en parler ici. Mais si vous avez une photo qui ne fonctionne tout simplement pas dans le cadre d'une étude photo, essayez d'organiser les valeurs d'une manière plus artistique. Voyez si vous pouvez obtenir la profondeur, par exemple, pour mieux lire en procédant ainsi. OK, il est temps de faire entrer un personnage ici. C'est bien que je sache où il va parce que j'ai trouvé l' endroit idéal pour lui. Vous remarquerez que sa tête croise le rivage, comme je l'avais prévu il y a environ une demi-heure, Je viens de me procurer un pinceau de style aquarelle de base et j'essaie de faire des gestes avec ça J'ai choisi une couleur de peau de base à partir la référence figurant sur ma feuille de modèle Jake, et je peins juste avec ça. Ajouter un peu d' ombre et de lumière n'est qu'un indice de l'idée que le soleil traversera la moitié de son corps Je vais le mettre sur ce rocher, qui est à moitié éclairé. Je veux que Jake soit également à moitié éclairé, ce qui ne fera que susciter un peu d' intérêt et peut-être un peu réalisme et d'inattendu en matière d'éclairage Quand je peins ainsi, je pense surtout au geste. Vous remarquerez que mes coups de pinceau sont très larges et tranchants et je n'essaie pas d' obtenir des formes exactes ici. Tout cela est dû à un état d'esprit gestuel, qui signifie que peindre de cette façon, avec beaucoup de caractère, repose sur vos études fondamentales antérieures sur le geste J'utilise cet état d'esprit gestuel tout au long de ma peinture. Vous remarquez que la façon dont mes coups de pinceau apparaissent partout est très gestuelle Je l'apprends grâce au dessin gestuel. C'est quelque chose avec lequel vous ne pouvez pas être à l'aise tant que vous n'en avez pas beaucoup d'expérience. Maintenant, une fois que j'aurai apprécié l'apparence générale du personnage, je commencerai à réfléchir à la forme et, finalement, aux formes finales. Mais aussi parce qu'il s'agit d'un dessin animé, parfois d'un geste, je l'ai mentionné dans la leçon précédente, parfois le geste peut se rapprocher d'une forme finale. Pour commencer, Be a cartoon parle de ces rythmes, ces simples énoncés d'une chose. Mais une grande partie de ce processus à l' heure actuelle consiste à comprendre ce que font les personnages. Je fais des gestes, mais quelle pose est-ce que je fais des gestes ? J'ai commencé par un truc assez générique pour Jake. J'ai juste copié mon dessin sur la gauche, modèle de Jake que j'ai dessiné sur la gauche. Je ne sais même pas vraiment ce qu'il fait. C'est une action anticipative de quelque chose. Ce n'est pas clair. Je l'ai dessiné et j'ai réalisé que ses bras ne racontaient pas la bonne histoire. J'utilise également, d'ailleurs, le dessin flottant de Jake en haut Je finis par l'emporter. Tu vas voir pourquoi. Mais il est là maintenant. Et pour ce que je vais faire avec Big Foot, je vais en fait garder Big Foot plus petit, ce qui est une blague courante que nous avons déjà vue, Big Foot étant un petit personnage. Mais je vais garder le gros pied petit, et je vais le faire porter un costume de requin, comme les enfants portent ces costumes d'Halloween qui passent au-dessus de leur tête comme un gros sweat à capuche Le requin va avaler la tête de Big Foot, yeux du requin sont là ou son œil est vu sous cet angle Et il y aura un aileron de requin, bien sûr. Mais le visage de Big Foot sortira du costume de requin. Maintenant, les personnages sont sur une autre couche. Je l'ai déjà décrit car je ne sais pas exactement où ces personnages vont aller. Assurez-vous qu'ils sont sur une nouvelle couche afin que je puisse les déplacer à ma guise Ce que j'essaie de faire ici, c'est d'immerger le personnage de Big Foot dans ce beau rayon de soleil chaud, surtout pour des raisons de contraste Si le rayon de soleil atteint le personnage du Big Foot, cela signifie qu'il projettera également une ombre sur l'eau Cette alternance de lumière et d'obscurité sera agréable. Ici, j'ai juste un pinceau superposé et je réchauffe simplement le sol pour que vous puissiez voir à travers l'eau car il s'agit d'une crique de lac moins profonde J'avais un rivage là-bas avant de l'emporter. Je veux que tout cela soit de l'eau, mais il ne fera peut-être que quelques mètres de profondeur. C'est ce que j'imagine et le soleil peut facilement passer travers et illuminer le sol chaud C'est bon. C'est l'heure d'une petite astuce de texture numérique. C'est une photographie d'une roche que je viens de découvrir sur Google en recherchant la texture de la roche. J'ai mis la couche en mode superposition et je vais réduire son opacité ici de manière significative Ensuite, je vais simplement appliquer la même texture photo sur l'ensemble du rocher J'utilise juste Alton Photoshop et je clique pour le dupliquer J'ai plusieurs couches, je vais les aplatir, m' assurer qu'elles sont toutes prêtes à être superposées , puis je vais créer un masque de couche Si je peins du noir sur ce masque de couche, ce que je suis en train de faire en ce moment, je cache des parties de la texture que je ne veux pas voir. C'est une façon de l'intégrer grossièrement à votre peinture. Quand cela prendra 30 secondes, et quand je serai contente de l'apparence rugueuse que cela donne, je vais l'aplatir, ce que je suis en train de faire en ce moment Maintenant, cela semble terriblement numérique dès la sortie de la boîte, il faut donc vraiment plus de pinceaux peints à la main pour intégrer complètement la texture Mais je voulais le faire ici sur le rocher, juste pour un peu de réalisme, et aussi pour vous montrer une astuce rapide que vous pouvez utiliser en tant qu' illustrateur ou artiste conceptuel dans un souci d'efficacité. Revenir à la couleur pendant une seconde. Voyez comment la lumière à la surface de l' eau est plus rouge. C'est quelque chose que j'ai remarqué dans la vraie vie. Pour une raison quelconque, la couleur est légèrement plus rouge Je le capture ici en ajoutant encore plus rouge pour le séparer de la lumière jaunâtre sur le C'est normal de le faire. Il y a toujours les deux couleurs chaudes. Que j'utilise une lumière jaunâtre ou rougeâtre, ils auront toujours l'impression d'être dans le même camp, de vivre dans le même éclairage ils auront toujours l'impression d'être dans le même camp, chaud et influencé J'ai découvert que la nature offre une belle variété. Vous pouvez le voir sur la photo, où la lumière entre en contact avec l'eau. Sur la photo, c'est plus orangé que rouge, mais l'orange est en train de passer du jaune au rouge Je viens de suivre cette voie préexistante. Faire sourciller Jake ici influence vraiment l'expression du visage. Ce n'est pas méchant, mais il joue le méchant. Il a une canne à pêche, comme vous pouvez le voir. Il essaie d'attraper le requin et il fait preuve de méchanceté Je vais t'attraper un truc. C'est ce à quoi je pense en ce moment de toute façon. Maintenant, en termes de lumière et de couleur, le teint réagit exactement de la même manière que tout le reste. La peau de Jake partage des couleurs presque identiques à celles de la roche. Il a une peau très pâle, c'est comme ça que je le dessine et le rocher est un rocher de couleur très pâle, c'est pareil, en gros. C'est simplement le dessin qui change la nature de l'objet. Au cours de mon exploration constante sur la toile, vous remarquerez que je change maintenant l'expression faciale de Jake. Quelque chose d'un peu plus amical et presque excusable Cela se fait simplement en changeant les sourcils. Je n'ai rien changé . Il a toujours ce sourire souriant. Mais vous remarquez que cela peut se comporter comme un caméléon. Il peut prendre 100 expressions différentes fonction de ce que font les sourcils. Les sourcils sont magiques comme ça. En fait, je commence toujours par les sourcils, que je fasse un dessin animé ou un rendu réaliste, je commence toujours par les sourcils et la zone des sourcils lorsque je travaille sur une expression faciale Dites « zone des sourcils » , car parfois, si les sourcils sont froncés, la chair du front dépasse les yeux et masque un peu le Ce ne sont pas vraiment les sourcils qui font ça, c'est comme la zone charnue autour des J'ai d'autres cours ici sur le partage des compétences qui en parlent. Vous pouvez envisager de comprendre et de peindre la tête, ainsi que d'illustrer des livres pour enfants En parlant de livres pour enfants, voici un personnage de dessin animé aux gros pieds, s'intégrerait très bien dans un livre pour enfants. Vous remarquez que cette lumière va partiellement éclairer son visage, tout comme elle éclaire une partie du visage de Jake Maintenant, je joue un peu avec la couleur en utilisant cette couleur violette. Cela n' est pas réaliste. Le soleil ne permettrait pas vraiment à ce violet d'exister. Le soleil rendrait la couleur plus proche des rouges. Mais encore une fois, comme il s'agit d'un dessin animé, je suis prêt à contourner un peu les règles de couleur ici. Encore une fois, en matière d'esthétique, il n'y a pas de règles et vous êtes libre de vous éloigner de la réalité comme bon vous semble. Ce que je suggère cependant, c'est que lorsque vous vous éloignez de la réalité, comme je le fais ici avec cette couleur violette, vous sachiez que vous vous éloignez de la réalité et que vous avez une raison de le faire. Si vous ne répondez pas à ces deux critères, vous vous éloignez constamment de la réalité généralement sans raison valable, et cela se reflétera dans l'œuvre. Cela ralentira votre travail. vue philosophique, je pense que les gens aiment l'art qui décrit ce qu'ils s'attendent à voir en termes de comportement de la lumière. Par exemple, si vous leur montrez des œuvres d' art illustrant le comportement de la lumière, ils s'y connaissent déjà et ils peuvent partir de là qui décrit ce qu'ils s'attendent à voir en termes de comportement de la lumière Par exemple, si vous leur montrez art illustrant le comportement de la lumière, ils s'y connaissent déjà et ils peuvent C'est comme s'ils croyaient déjà en ton monde. Si vous ne savez pas comment fonctionne la lumière et que vous ne la décrivez donc pas bien, tout à coup, je pense que vous en demandez trop au spectateur À moins que le but de votre art ne soit d'être complètement abstrait et surnaturel, c'est une tout autre chose Ce n'est pas ce que je fais ici. Je veux que le spectateur soit instantanément reconnu et connecté à cette scène. Je veux que le spectateur ait l'impression : « Oh, je sais exactement ce que c'est que de rester là, parce que je pense que nous avons tous vu des scènes comme celle-ci. J'espère que le spectateur aura même réaction que moi lorsque je vois des scènes comme celle-ci et que c'est beau, apaisant et relaxant. Cela est largement possible grâce à la base de familiarité qui existe si vous pouvez obtenir le bon éclairage, par exemple Je pense qu'il est bien plus important d' obtenir le bon éclairage que de bien dessiner. Si vous regardez les arbres en arrière-plan, ce sont à peine des arbres. Ils sont très abstraits. Mais leur éclairage est crédible, les couleurs qui existent grâce à la lumière Au fur et à mesure que je travaillais sur le personnage de Big Foot, j'ai remarqué qu' il était difficile de connaître sa taille. J'ai posé sa main sur la droite pour sortir de la surface de l'eau et maintenant j'ai envie de faire la même chose aux pieds. J'essaie de dessiner deux pieds qui sortent de l' eau, juste les talons. Et je vais voir ce que je peux y faire. Je n'ai vraiment aucune idée de ce à quoi c'est censé ressembler. Je vais donc improviser jusqu'à ce que quelque chose me convienne. Je sais que le talon sort de l'eau, donc je ne fais peindre l'arrière d'un pied ici, comme un pied poilu. Je les simplifie dans cases de base et je peins simplement de la couleur par-dessus Le bas du pied sera plus clair pour une raison quelconque, puis les poils violets seront sur le talon lui-même, comme une patte d'animal ou quelque chose comme ça Ici, je peaufine un peu le museau du personnage du Big Foot, assurant que ces formes sont suffisamment visibles pour être rouges Les petites formes, c'est bien, mais je ne veux pas qu' trop grand nombre de petites formes masquent la forme déjà petite qu'est le visage de Big Foot Le simple fait de s'assurer que ses muscles ont une forme et sont légers et que son menton est grand comme région du menton est une autre forme et légère, ne s'y passe pas trop de choses. Et j'aime faire du ping-pong dans les deux sens. Pour une raison ou une autre, je suis en train de passer à l'eau ici. C'est parce qu'une forme inspire d'autres formes qui l'entourent. Si je simplifie des formes dans une zone, il se peut que je trouve la pièce ou l'espace nécessaire pour avoir plus de formes dans une zone voisine. Encore une fois, en guise de contraste. Je dois vraiment passer du temps ici pour m'assurer que ses mains s' articulent correctement lors de l'interaction avec la canne à pêche Pour moi, les cannes à pêche sont l'une de ces choses qu' il est facile de visualiser dans votre tête, mais dont il est difficile de peindre les détails. Je ne savais pas où se trouvait ce vilebrequin par rapport à la zone que vous tenez de l'autre main Et là, je suis juste en train de nettoyer cette pierre. est très important de garder cette forme de roche propre, même que les ombres des personnages qui y sont projetées. Maintenant, il y a une décision à prendre. J'édite plus tard parce que ça ne me plaît pas. Vous voyez comment l' ombre de Big Foot s'insinue sur le rocher et croise celle de Jake. Je n'aime pas ça. Je pense qu'il n'est pas certain que ce soit ce qui se passe. propos de ce qui n'est pas clair, je n'aime pas le requin sur la tête de ce type. J'aime bien le fait qu' il y ait un costume de requin sur la tête de Big Foot, mais je ne pense pas que ce soit assez clair ou peut-être pas assez bien fait. J'ai cherché un costume de requin sur Google et j'ai remarqué que beaucoup d' entre eux avaient une couleur différente en haut De plus, on m'a rappelé que l'œil d'un requin n'est qu'un point noir, et je pense que cela m'a fait trébucher aussi. Je fais ces modifications et c'est déjà mieux. Cela ressemble plus à un faux requin parce qu'avant, la façon dont les yeux étaient fixés sur le requin était très similaire à celle des personnages, comme sur les personnages vivants, ce qui était source de confusion. Cela ressemble beaucoup plus à un requin déguisé en synthétique. Et je retourne la toile tout le temps. Vous m'avez probablement déjà vu le faire plusieurs fois. J'ai souvent retourné le canevas, j'ai une touche de raccourci que j'ai programmée car elle vous permet de voir votre œuvre d'un œil neuf dans un instant Toutes les cinq ou six minutes, je retourne le tableau ou chaque fois que j'ai l'impression de ne pas l'avoir fait depuis longtemps. Oui, ça a l' air bien mieux. Une chose que je fais pour la texture ici, c'est que j'utilise ce pinceau à points épars, puis je mets un coup de pinceau dur vers le bas comme ça et je l'estompe avec Photoshop Si vous appuyez sur la touche de contrôle F, et je l'estompe avec Photoshop. Si vous appuyez sur la touche de contrôle F, vous pouvez effacer votre dernier trait C'est un moyen pratique de mélanger des traits à la peinture. C'est ce que j'ai fait juste pour donner un peu de texture à cette tenue en forme de requin synthétique. Encore une fois, juste pour le séparer des êtres vivants. Ensuite, je prends quelques photos peut-être ouvrir la bouche de Jake, juste en essayant quelques coups de pinceau dedans. Je n'aime pas vraiment tout ça, alors je vais annuler, réessayer. Je crois que j'essaie quatre ou cinq choses différentes. Puis je me rends compte qu'il faut peut-être déplacer légèrement le sourire vers la gauche pour m' assurer qu'il n' entre pas en collision avec l'oreille C'était une autre tangente qui se produisait. La partie gauche du sourire se déplaçait directement dans le contour supérieur de son oreille, et je n'aime tout simplement pas cela du point de vue du design. Tout ce que j'ai eu à faire pour y remédier, c'était de tirer le sourire vers la droite d'un millimètre Il a les cheveux blonds clairs, mais les cheveux blonds dans l'ombre sont encore très foncés. Toute sa tête est dans l'ombre, pensant également à l'occlusion ambiante, comme sous ses cheveux, là où ses cheveux rencontrent son cuir chevelu Il va y avoir des passages très sombres là-bas. Maintenant, je pense au blanc des yeux, tout comme le rocher, en ajoutant un peu plus de bleu là où il recevrait plus de lumière du ciel, peut-être un peu plus de jaune là où il pourrait recevoir un peu plus de lumière rebondissante provenant du rocher ensoleillé Et maintenant, ce que tout le monde préfère, ce les points forts dans les yeux. Les yeux sont des matériaux très réfléchissants. Ils sont recouverts d'un brillant mouillé, ils refléteront donc différentes choses. La plupart du temps, ils reflètent les lumières de l'environnement. Comme il se trouve dans un environnement très lumineux qui l' envahit complètement, j'ai mis quelques points forts dans son j'ai mis quelques points forts dans Cela ne fait que souligner encore plus le caractère brillant de ce matériau. Aidez également à le séparer de l' œil de requin synthétique, d'ailleurs. J'en suis à la fin, je joue juste avec l'idée d' allonger un peu le costume de requin. Mais je finis par ne pas aimer ça car cela commence à gêner les deux pieds qui sortent de l'eau. Je suis en train de surpeupler cette petite zone, juste là où les deux pieds sortent. Je vais me débarrasser de ce corps de requin supplémentaire pour préserver mes deux pieds, car j'ai décidé que les pieds du monstre sont plus importants que ce que je pourrais obtenir avec le costume de requin allongé que j'ai ici. Je vais retourner le canevas juste pour me décider. À la seconde où je l'ai fait, j'ai même remarqué l'erreur de perspective. Le costume est qu'il doit être posé entre les pieds du monstre, mais il n'est plus là, alors supprimez-le simplement. Nous n'avons pas besoin d'un nouveau problème à ce stade. Remplissons simplement cette zone sombre ici, pour faire croire qu' elle n'est pas vide. Remarquez que les couleurs des ombres du requin se réchauffent au plus près de l'eau. Cela est simplement dû à la lumière réfléchie qui rebondit sur l'eau Je suppose qu'à ce stade, j'ai l' impression que tout fonctionne. Ce costume de requin pourrait utiliser un peu plus de matière différente, juste pour le différencier encore plus des personnages. Parce que les gens vont voir ce requin tout de suite parce qu'il cache le monstre et c'est intentionnellement qu'il cache Bigfoot Mais je ne veux pas que les gens pensent que le requin est vivant. Je veux que lorsque vous le regardez, vous sachiez instantanément qu'il y a quelque chose qui ne va pas, que ce n'est pas un personnage. Ensuite, bien sûr, vous remarquez un gros pied en dessous. Toujours en train de me balader ici, derrière le garçon, j'ai envie augmenter la saturation du bleu J'avais juste l'impression d'être un peu grise là-bas. Mais quand je perce de petites zones comme ça, je sais que j'ai terminé Et voici le fruit de notre travail, une illustration complète qui combine le personnage, le récit, l'environnement, la lumière et la couleur. Quelque chose comme ça pourrait être utilisé conceptuellement pour présenter le type d'histoire, de récit ou de divertissement et de jeux qui pourraient se produire dans cette émission, ce livre ou quoi que ce soit Mais en dessous de tout cela, il ne s'agit que d'une image attrayante qui retiendra ou attirera l'attention de quiconque la regardera. Quel est ton objectif principal en tant qu'illustrateur ? C'est bon. Dans la section suivante, nous parlerons de la diffusion de votre travail et des stratégies pour trouver du travail en tant qu'artiste. 14. Projet de cours 2 : Créer une illustration narrative: Avant de passer à la section suivante de ce cours, nous avons un autre projet de classe à réaliser. Encore une fois, c'est ce que vous venez de me voir faire, créer une illustration narrative, quelque chose qui convient à la couverture d'un dossier de présentation. C'est quelque chose qui communique efficacement l'idée générale et l'ambiance d' une émission de télévision, d'un film ou d'un livre. Vous pouvez travailler dans un format standard huit sur dix, comme je l'ai fait, ou si vous voulez que ce soit plus, hésitez pas à travailler dans un format d'écran large de 16 x 9 Ce que vous allez peindre est personnage de votre enfant de Project One, joue dans un environnement amusant , et vous pouvez utiliser plusieurs personnages ici si vous le souhaitez. Il n'est pas nécessaire d'inclure un gros pied, bien que cela soit possible. Il peut s'agir simplement de votre personnage qui fait quelque chose ou peut-être de votre personnage et d' un autre personnage humain. C'est à vous de décider. Une petite histoire ou un récit doit être invoqué par les personnages, ce qui signifie que vous devez être capable de lire un peu l'image et de comprendre l'action qui s'y déroule. Si votre personnage ou vos personnages jouent à un jeu, eh bien, de quel type de jeu s'agit-il ? Dans mon illustration, ils jouaient à un jeu de pêche où Big Foot est déguisé requin et le garçon en pêcheur Vous avez une idée globale de la fenêtre d'interaction qu'ils ont. Vous pouvez imaginer des moments qui se produisent avant, après et en dehors du cadre. Enfin, pour ce projet, j'aimerais que vous décriviez une scène éclairée par le soleil car c'est la situation d'éclairage nous avons examinée dans ce cours Il est tout à fait logique d'essayer cela dans votre illustration. Un petit conseil à ce sujet. N'oubliez pas que les scènes de soleil incluent des ombres. Je vois souvent des élèves essayer de représenter la lumière du soleil, évitant notamment l'ombre, mais c' est justement la présence d'ombres qui contribue à faire croire à la lumière du soleil N'oubliez pas que vous pouvez utiliser les ombres manière stratégique comme outil de cadrage pour vos personnages, comme je l'ai fait Un dernier conseil, ne vous fixez pas de limite de temps pour cela. Laissez l'illustration prendre le temps qu'il vous faut . Vous deviendrez plus rapide avec l'expérience. Mais dans l'ensemble, il est très important que vous suiviez votre processus jusqu'au bout. Si cela vous prend un jour , trois jours ou une semaine, donnez-lui le temps dont il a besoin. chose la plus importante à propos ce projet de classe est de voir votre idée évoluer d'une idée abstraite à quelque chose de tangible et de fini. C'est bon. C'est le projet de classe numéro deux. Profitez. 15. Se mettre en valeur: OK, donc vous avez du travail à votre actif, et vous pensez que vous êtes prêt à vous lancer et à essayer de trouver du travail en tant qu'artiste professionnel. Tout d'abord, félicitations. Cela représente à lui seul une étape importante, et de nombreuses personnes peuvent avoir du mal à se demander comment savoir si je suis prêt à travailler ? Il est impossible de répondre objectivement à cette question. Mais ce que j'aime faire, c'est regarder le travail de quelqu'un ou regarder le mien et me demander si ou regarder le mien et je suis capable de gérer les différents aspects qu'un travail peut impliquer. Par exemple, puis-je bien dessiner des personnages ? Puis-je dessiner des expressions faciales de manière crédible ? Puis-je placer ce personnage dans un environnement ? Vous savez ce que nous avons fait ensemble dans ce cours, si vous pouvez étendre l' éventail de ces compétences, ou si vous voulez vous concentrer sur un ensemble de compétences en particulier, le design des un ensemble de compétences en particulier comme le design des personnages, mais faire pivoter les personnages dans l'espace, être capable de les dessiner dans certaines poses, par exemple, alors je dirais que vous êtes prêt à commencer à chercher Maintenant, en ce qui me concerne, il existe deux manières principales de chercher du travail. une d'elles est celle d'un indépendant, où vous travaillez simplement à domicile et vous interrogez des clients et des personnes en ligne pour savoir si vous pouvez trouver du travail, ou deux, essayer de trouver du travail dans un studio d'animation ou tout autre type de studio , un studio de publicité, par exemple, un studio de cinéma, un studio de jeux vidéo, sorte de studio qui fait de l'art et emploie des artistes Et c'est le chemin que j'ai emprunté. Mon premier emploi a eu lieu en 2004. mon premier emploi rémunéré C'est mon premier emploi rémunéré, et j'ai une petite histoire à vous raconter. Je suis entrée dans l'industrie grâce à un emploi non rémunéré. Maintenant, je veux m'arrêter ici et dire que je ne recommande pas nécessairement de travailler gratuitement. En fait, je pense qu'aujourd'hui c'est un peu mal vu de le faire et je ne le ferais pas Mais j'ai commencé mon parcours professionnel, disons, en 2004. À cette époque, le studio dans lequel je dessinais, la personne avec laquelle j'étais devenue amie , une personne qui dirigeait le studio, cherchait juste un stagiaire, quelqu'un pour l'aider dans certains travaux artistiques, mais aussi dans des emplois de gestion tels que l'organisation de sessions de dessin sur la vie tels que l'organisation de sessions de dessin J'étais encore étudiant à l'université à cette époque. J'étudiais le cinéma, j'ai eu le temps de le faire et j'ai aussi adoré vivre dans cet environnement. J'étais près de lui pour le regarder travailler et il m' aidait avec mon propre art. Pour moi, l'avantage était là, et j'ai assumé ce rôle. J'y ai travaillé pendant environ neuf mois, je crois, avant de découvrir un salon de l'emploi se tiendrait à Toronto, la ville dans laquelle je vivais, et que ce salon de l'emploi était destiné à un studio situé juste en bas de la rue, en fait, et qu'ils préparaient une émission d'animation Maintenant, comme j'ai eu ce travail de stagiaire non rémunéré, d' ailleurs, si vous avez vu ma chaîne YouTube, j'ai ce personnage de stagiaire non rémunéré, c'est Quoi qu'il en soit, comme je fais de l'art et que je prépare vraiment mon portfolio environ neuf mois, j'avais une présentation assez solide à montrer au directeur artistique lors de ce salon de l'emploi Bref, j'ai obtenu ce poste. Je reviendrai sur cette histoire un peu plus tard dans cette conférence, mais pour l'instant, j'ai obtenu le poste, et c'est ainsi que je suis entrée dans l'industrie. Le terme « effraction » est en fait très approprié, car une fois que vous obtenez votre premier emploi dans un studio, vous rencontrez soudainement des centaines d' artistes, des centaines d'artistes professionnels comme vous qui souhaitent travailler dans l'industrie. Et ce qui est bien, c'est que l'avantage, c'est qu' une fois le travail terminé, et peut-être que le studio doit licencier les employés parce qu'ils n'ont pas plus de les employés parce qu'ils n'ont pas travail ou parce qu'ils n'ont qu'un peu de travail, les gens se tournent vers d'autres studios. Et quand ils le feront, en supposant que vous ayez été une bonne personne avec qui travailler, ils penseront en quelque sorte à votre nom. Pour moi, c'est ce qui s'est passé, c'est que j'avais un ami que j'ai rencontré dans le cadre de ce travail et qui est allé dans un studio appelé Nlvana, qui est un grand studio à Toronto, l'est toujours Cette personne savait que Nel Vanna et moi cherchions un peintre de fond et j'ai reçu un appel Et c'est une sorte de réseau naturel gratuit qui se produit lorsque vous travaillez dans un studio. Maintenant, je suis resté dans le système des studios depuis 2004, et je crois que je suis parti en 2013 ou quelque chose comme ça. Donc, presque dix ans, j'ai travaillé dans le système des studios. Et à cette époque, je n'étais pas vraiment intéressée par le travail indépendant parce que j'avais un emploi de neuf à cinq et que je faisais de l'art toute la journée au travail. Je n'ai pas ressenti le besoin d'en assumer davantage, mais quand est venu le temps de me séparer du système des studios, je l'ai fait parce que c'était un peu naturel, car j'avais rencontré tellement de monde en presque dix ans. J'ai commencé à recevoir des demandes de freelance de la part d'autres studios avec lesquels j'avais travaillé auparavant ou, vous savez, de gens qui me connaissaient , des trucs du genre ami d'ami. J'ai également commencé à enseigner des choses et à trouver un emploi de cette façon. J'ai commencé à me rendre compte : « Hé, peut-être que je pourrais le faire sans le fardeau de neuf à cinq. Neuf à cinq heures, c'était amusant pendant un moment, mais oui, finalement, je me dis que je pourrais faire de l'art à la maison. Je pourrais peut-être me lancer dans ce genre de liberté personnelle. J'ai utilisé le contexte que j'avais à l'époque décrocher un travail indépendant grâce au bouche-à-oreille qui s'était développé de manière organique. Alors je suis là aujourd'hui. 2024, je l'enregistre plus de dix ans plus tard. Je travaille toujours en freelance aujourd'hui. Je veux dire, à moins que quelque chose de catastrophique ne se produise, je n'ai jamais l'intention de retourner dans le système des studios, je préfère de loin le travail indépendant. Maintenant, beaucoup d'étudiants que j'ai rencontrés au cours mes années d'enseignement souhaitaient commencer en tant que pigiste Et même si je pense que c'est certainement possible, je pense que c'est certainement plus difficile parce que vous n'aurez pas ce réseau organique à votre avantage. La question qui se pose alors est comment y parvenir ? Comment rencontres-tu des gens ? Vous pourriez faire plusieurs choses, mais je pense que c'est la meilleure, et elle est un peu controversée, mais à mon avis, c'est juste mon avis, bien sûr, je pense que la meilleure option est les conventions artistiques Même si vous êtes une personne introvertie, ce que je suis. Fais-moi confiance. Vous ne le savez peut-être pas si je parle à la caméra, mais je suis seule dans une pièce en ce moment. Je gagne de l'énergie quand je suis seul. Je pense que beaucoup d' artistes sont comme ça. Mais lors d'une convention artistique, vous êtes entouré de personnes partageant les mêmes idées. Tout le monde là-bas est un peu comme vous, du moins dans le fond, ils s'intéressent à l'art et à la création d'objets qui attirent les gens, et il est très facile de se faire des amis lors de conventions artistiques. Tu n'as même pas besoin de table. Vous pouvez simplement être un participant Ou si vous souhaitez présenter et présenter votre travail, vous recevrez ainsi beaucoup de commentaires. Et vous vous ferez également des amis de cette façon avec vos tapis de table et peut-être avec les personnes qui viennent à votre table pour vous parler. Et n'oubliez pas que les studios professionnels sont également souvent présents lors de conventions artistiques. Ainsi, non seulement vous serez en mesure de nouer des contacts avec des pairs, mais vous pourrez également rencontrer des employeurs potentiels. En fait, j'ai obtenu plusieurs emplois l'année dernière. J'assistais à Lightbox, une convention d'art populaire à Los Angeles ou juste à côté de Los Angeles C'est à Pasadena, en Californie. J'ai obtenu deux emplois différents grâce à cela. Et ce sont des gens que je n' avais jamais rencontrés auparavant. Des gens qui ont trouvé mon travail et ont suivi plusieurs mois plus tard, et je travaille pour eux aujourd'hui. Je pense que c'est une bonne façon de se lancer si vous n'avez pas l'expérience du studio, car en réalité, si les gens savent qui vous êtes et peuvent donner un visage à votre nom, il est savent qui vous êtes et peuvent donner un visage à votre nom, beaucoup plus probable pensent à vous, qu'ils se souviennent de vous ou qu'ils pensent à vous lorsqu'ils ont besoin de faire quelque chose. S'ils ont besoin d'une œuvre d'art, s'ils veulent parler d'un client. Si un client a besoin d'un travail, la première chose qu'il se pose est de ne pas se demander : Oh, qui est une personne que je peux trouver au hasard en ligne. La première question qu'ils se posent est la suivante : est-ce que je connais quelqu'un ? Ou est-ce que mon ami Jim connaît quelqu'un ? C'est ce que l'on pense en premier lieu. Je ne peux pas vous dire combien de fois les gens m'ont demandé, comme Marco, si vous connaissiez quelqu'un qui pourrait faire ce travail ? Cela arrive tout le temps. Revenons à l'idée d' avoir un portfolio. C'est le cœur de tout ça. Sans moyen de présenter votre art, vous ne serez jamais embauché de toute façon. Un portefeuille se présente sous différentes formes. Je pense que la principale chose que font beaucoup d'artistes aujourd'hui est de publier leurs œuvres sur les réseaux sociaux, et c'est ce que vous devriez absolument faire. Publiez votre travail sur n'importe quelle plateforme de réseau social avec laquelle vous vous sentez à l'aise. Et je pense que c'est une bonne idée publier sur les réseaux sociaux des croquis, des travaux terminés , des études, quoi que vous fassiez en tant qu'artiste, essayer de maintenir une présence sur les réseaux sociaux qui rappelle aux gens que je suis là pour travailler et que les gens peuvent examiner l'ensemble de vos œuvres. Cependant, ce n'est qu' un type de façon de présenter votre travail, et ce n'est peut-être pas la meilleure façon de décrocher un emploi. En effet, lorsque vous présentez votre travail à un client, vous souhaitez lui donner une version très prédigérée de ce que vous faites En d'autres termes, vous souhaitez proposer votre travail à un client. Un client type, surtout s'il s'agit d'un studio ou autre, n'a pas le temps de lire deux ans de publications Instagram et de déterminer dans quel domaine vous êtes doué. Avec votre portfolio, un portfolio organisé, une sélection d'œuvres, vous devez leur expliquer votre portfolio, un portfolio organisé, une sélection d'œuvres, en quoi vous êtes doué , ce que vous voulez faire C'est du matériel pour un site Web. 16. Se mettre en avant, suite: Jetons maintenant un coup d'œil à mon propre site Web. Il s'agit de makobc.com. Je ne peux pas être plus clair et direct que cela. Il se trouve que je suis dans la section du travail personnel en ce moment. L'une des principales choses que vous voyez, c'est qu'il s'agit très grandes vignettes sur lesquelles vous n'avez même pas vraiment besoin de cliquer pour les apprécier pleinement Je veux dire, bien sûr, je pourrais en choisir un et cliquer dessus, et le voilà un peu plus grand. Il est également agréable d'avoir ces flèches pour un défilement facile. Mais tu n'es pas obligée de faire ça. Les peintures sont lisibles à cette taille, et quelqu'un peut regarder mon travail personnel et je pense avoir une bonne idée de ce que je fais. Par exemple, je m' intéresse beaucoup à la couleur, à la lumière, j'aime les dessins animés. Mais il y a aussi des éléments de réalisme, comme dans celui-ci, et bien sûr, vous pouvez cliquer dessus pour le voir plus en détail, mais pas très haut. Je ne veux pas que quelqu'un soit capable de l'imprimer, mais juste assez pour qu'il puisse se faire une idée de ce que je fais. Et cela ne semble tout simplement pas onéreux de devoir parcourir tout cela C'est une expérience très conviviale. Peut-être 30 tableaux là-bas. Ces nombreux tableaux qui donnent une bonne idée de ce que je fais, et c'est tout. Bien sûr, cela représente 5 %, peut-être moins de ma production globale, bien moins si l'on considère les 20 années que j'ai passées dans ce domaine depuis plus de 20 ans. Mais en tant que professionnel, cela peut représenter 3 % ou 5 % de ma production. Il ne s'agit donc que des pièces les plus fortes ou des pièces qui, selon vous, vous représentent le mieux. Maintenant, si vous allez dans la section professionnelle, c'est exactement la même mise en page. Mais c'est exactement la même idée. n'est pas nécessaire de cliquer, mais cela vous donne une idée des clients pour lesquels j'ai travaillé et des différents projets que j'ai réalisés. De plus, les différents styles qui, mon avis, constituent une force pour moi. Je suis capable de faire des œuvres plus réalistes comme celles-ci, dessins animés très traditionnels comme ça, et aussi des dessins animés beaucoup plus pénibles comme ceux-ci ici. Et, vous cliquez sur l'une d'entre elles, par exemple, c'est une couverture de livre que j' ai faite pour le livre de la Jungle, et vous pouvez faire défiler certains articles détaillés. En fait, j'aime bien la façon dont cela se fait. Lorsque j'ai travaillé dessus, j'ai d'ailleurs utilisé WIC pour créer mon site Web Ce n'était qu'un des modèles WIC. WIX s'écrit W X et je l'utilise encore aujourd'hui. J'aime vraiment ça. La quantité d'interaction est minimale. Tout est ici sur une seule page. J'essaie vraiment de minimiser le nombre de clics qu'un client devrait effectuer pour avoir une idée de mon travail. Il suffit de cliquer sur une seule chose, disons, travail personnel, par exemple, et c'est fait. Tu peux le voir. Je veux dire, si vous comptez qu' un deuxième clic est le clic sur la barre latérale pour faire défiler la page, deux clics, et vous aurez une idée de mon travail Ensuite, si cela vous intéresse, vous pouvez cliquer sur Plus. Mais minimisez le nombre de clics et maximisez la quantité de travail que vous affichez sur une page. Tu sais, j'ai quelques trucs ici. C'est ce que j'appelle Finer Things. C'est une sorte de blague sur les beaux-arts. J'ai une boutique où j' ai mes cours premium, et vous pouvez voir quelques sections supplémentaires. Ensuite, j'ai une section de contact claire. Et au lieu d'avoir un formulaire, j'aime simplement y mettre mon adresse e-mail. Et oui, les robots spammeurs vont le supprimer, mais je m'en occupe Google dispose d'un bon filtre de courrier indésirable. J'aime y mettre mon adresse e-mail pour que les gens puissent la saisir, m'envoyer un e-mail directement, et bien sûr, j'ai mes liens sociaux ici. Cliquons maintenant sur mon Instagram et comparons-le, car je pense que ce sont des choses très différentes. Notez que mon Instagram est, oui, vous pouvez certainement vous faire une idée des vignettes là-dessus aussi, mais Instagram recadre les choses dans un carré, ce qui n'est absolument pas propice aux artistes parce que regardez Il l'a recadré. celui-ci. Son visage est recadré. À ma connaissance, il n'y a aucun moyen de contrôler cela. De plus, comme Instagram ne conserve pas le format d'image, tout est dans le même carré. J'ai l'impression que c'est très bruyant sur le plan de la composition. C'est très difficile de s'en faire une idée car, par exemple, ce tableau est totalement recadré. Il est difficile de se faire une idée de la façon de lire quoi que ce soit parce que vous ne pouvez pas contrôler le cadrage Alors que sur mon site Web, tout était encadré dans son format d'origine, c'est pourquoi vous pouviez le parcourir librement sans avoir à cliquer sur quoi que ce soit. Alors que sur Instagram, surtout si vous regardez cela sur un téléphone, ces vignettes sont très petites, comme nous le savons sûrement tous. faut vraiment cliquer sur quelque chose pour le charger et le regarder. Instagram, c'est bien. Vous dites qu' Instagram est un proxy pour tous les réseaux sociaux. Kara est nouvelle maintenant et je suis nouvelle sur Cara, donc je vais devoir en publier d'autres, mais Facebook, Art Station, peu importe ce que vous voulez faire. C'est bien de publier des articles comme celui-ci, annoncer que je suis chez Lightbox. Je ne mettrais jamais cette photo sur mon site Web. Il s'agit d'un article très urgent. Et pareil pour ce genre de choses. Voici un petit croquis de carnet de croquis que je suis faire après Lightbox J'aime bien en parler, petits articles de journal à Pasadena, passé un bon moment chez Voici un petit sketch d'adieu. Je ne pense pas que ce sketch soit assez solide pour figurer dans le portfolio de mon site Web. Vous savez, j'ai fait de meilleurs croquis à mon avis, mais c'est une belle preuve de vie pour un artiste de dire : «   Hé, je suis là, je fais mon truc ». Et j'aime bien l' idée de combiner petits croquis informels comme celui-ci avec un travail professionnel. C'est un travail que j'ai fait pour Wizards of the Coast sur Magic the Gathering Et c'est bien que tu puisses simplement avoir toutes ces choses. Il n'est pas sélectionné, ce qui signifie qu'il n'est pas le meilleur pour la présentation Parce qu'un client va regarder ça. Imaginons que vous ne sachiez pas qui je suis et que vous vous dites : « Eh bien, ok, Marco fait la couverture d'un livre de catcheurs, puis il fait cette peinture aérienne de la scène californienne en avion de la scène californienne en C'est cool qu'il puisse le faire, mais pourquoi est-ce que je l'embauche ? En tant que client, je dois faire le travail pour déterminer s'il existe une preuve de concept ici et voir Marco travaillera pour ce poste ? C'est juste trop de travail. Pour la plupart des clients. Je pars du principe que les gens ont une courte durée d' attention. Malheureusement, je pense que cela s'avère plus vrai que faux, surtout aujourd'hui. Un site Web est donc un excellent moyen de pré-digérer tout cela, pour reprendre une phrase que j'ai utilisée plus tôt, pré-digérer tout cela et de montrer à un client uniquement pour quoi vous aimeriez être embauché Maintenant, il va sans dire que votre travail doit également être bon. C'est pourquoi tu prends ce cours. Vous souhaitez améliorer votre travail. Malheureusement, le simple fait d'avoir votre travail à la hauteur, à moins que vous ne soyez le meilleur, ne suffira pas. Vous avez besoin de quelque chose pour vous différencier, surtout aujourd'hui avec des outils tels que l'IA, qui permet malheureusement à un plus grand nombre de personnes d' entrer dans les écoles d'art chaque année. C'est beaucoup plus saturé et donc compétitif aujourd'hui qu' il ne l'était à mes débuts. C'est donc une nouvelle un peu malheureuse , je le crains. Mais je pense que les principes fondamentaux de l'embauchage sont toujours aussi applicables aujourd'hui qu'ils étaient lorsque j'ai commencé il y a 20 ans, ayant du bon travail et en étant en ayant du bon travail et en étant capable de faire du réseautage Maintenant, est-il possible de réseauter en ligne ? Je pense que c'est le cas aujourd'hui, oui , bien plus qu'il y a 20 ans. Aujourd'hui, vous avez des communautés, comme Discord, par exemple Je pense que c'est probablement la plus forte, moins au moment où je le raconte ici Et Discord, c'est bien parce que c'est un peu un moyen de se faire connaître et de rencontrer des gens Étant numérique, cela présente un petit inconvénient et le fait que les gens ne connaissent toujours pas votre visage. Je veux dire, mettre un visage sur un nom, je le pense littéralement. Les gens savent à quoi vous ressemblez et à quoi ressemble votre voix, et ils vous ont parlé en personne. Je pense que cela aura toujours plus de valeur si vous avez les deux ? C'est l'idéal. Heureusement, les conventions artistiques sont présentes dans le monde entier. Peu importe où vous vivez, vous trouverez probablement quelque chose à proximité, même si vous devez prendre l'avion pour vous y rendre trouverez probablement quelque chose à proximité, . Pour moi, lorsque je vais à des conventions artistiques, d' habitude, je prends l'avion pour m'y rendre. Je prends l'avion pour les États-Unis la plupart du temps. Je veux participer à des conventions artistiques en Europe l' année prochaine, par exemple, mais je pense que vous devriez être prêt à économiser de l'argent pour participer à une convention artistique. Cela m'amène à la prochaine étape, car je viens de mentionner l'argent. Voici quelques conseils. Encore une fois, ce ne sont que quelques conseils, vous pouvez les prendre ou les laisser. Essayez de ne pas vous mettre la pression pour obtenir un emploi avant une certaine date. Ne perdez aucun revenu actuel en disant : je vais quitter mon emploi, faire de l'art, et je me donne dix mois pour trouver un emploi, ne faites pas ça Le monde de l'art est malheureusement instable. Elle monte et descend. Les studios, les productions et les clients sont soumis à toutes sortes de forces régulières du marché. Les investissements sont élevés, alors les investissements sont faibles. Comme pendant la pandémie, les investissements étaient très élevés et il y avait beaucoup de recrutement de travailleurs indépendants. Puis, après la pandémie, certains de ces investissements n'ont pas porté leurs fruits, alors ils ont diminué. Au moment où je l'enregistre aujourd'hui en juin 2024, marché est actuellement au plus bas, et je pense que tout le monde le ressent. J'étais chez Lightbox en octobre, et cela ne faisait que commencer à ce moment-là ou se produisait alors de toute façon Et beaucoup d'artistes, même de grands noms disaient que c'était un peu aride là-bas. Mais j'ai déjà vécu ça. Il faisait sec également quand j'ai commencé, puis j'ai connu au moins un cycle d'expansion et de récession. J'ai donc confiance en le fait que cela reviendra. Et ce sont des pouvoirs qui échappent à votre contrôle, n'est-ce pas ? Donc, si vous vous donnez dix mois pour trouver un emploi, eh bien, si vous ne pouvez pas le faire et que vous perdez soudainement des revenus pendant dix mois ? Cela va vous peser, et comme vous le savez probablement grâce à ce cours, j'aime beaucoup l'état d'esprit positif, et si vous faites des choses qui peuvent entraîner une défaite personnelle, ce genre de choses peut ébranler votre mentalité et, avec le temps, vous risquez de devenir blasé par tout cela votre mentalité et, avec le temps, vous risquez de devenir blasé par tout Ne te mets pas dans cette position. Si vous avez un emploi qui vous rapporte un revenu, j' essaierais vraiment de le garder et d'essayer mobiliser une certaine énergie créative avant ou après cela C'est ce que je faisais quand j'étais étudiant, j'avais un emploi de maintenance dans un studio de cinéma. Je nettoyais littéralement les sols, je me levais à 6 h pour aller travailler rentrais chez moi vers 16 h et après 16 h, 4 h à 10 h ou peu importe, je faisais de l' art Maintenant, j'étais plus jeune et un peu plus énergique à l'époque. J'avais environ 20 ans. Mais à ce moment-là, cela a fonctionné pour moi. J'ai réussi à mobiliser cette énergie. Maintenant, le prochain conseil, c' que vous n'avez pas besoin de travailler sur votre art pendant des heures et des heures par jour. C'est formidable si vous pouvez réunir l'énergie nécessaire pour le faire. Quand j'étais plus jeune, j'ai pu le faire, par exemple. Aujourd'hui, les choses sont un peu différentes pour moi. J'ai une famille, j' ai deux jeunes enfants, il est beaucoup plus difficile de trouver le temps dans cette pièce et de faire preuve de créativité Je réserve mes neuf à cinq jours ici, mais c'est en quelque sorte occupé par le travail. Lorsqu'il s'agit de travail personnel, il est beaucoup plus difficile de le trouver au moment opportun. Cependant, vous n'avez pas besoin de dépenser et vous n'avez pas besoin de vous sentir coupable si vous ne pouvez pas consacrer des heures à vos propres projets personnels. Je dirais que tant que vous pouvez le faire au moins 30 minutes par jour, vous êtes bon. Et quand je dis par jour, exemple cinq jours par semaine, quatre jours par semaine, tant que vous pouvez laisser de l'élan derrière vous, vous êtes bon. Même si c'est 30 minutes par heure, 2 heures, c'est génial. Deux heures, c'est génial. N'attendez pas que le temps passe sur vos genoux et vous allez dire : Oh, une fois que j'aurai le temps, je vais faire ce roman graphique Cela n'arrivera pas. Tu dois le faire 30 minutes par jour. Si c'est tout ce que vous pouvez faire, si vous êtes un parent qui travaille, peut-être 30 minutes par jour, vous trouverez probablement le temps nécessaire pour vous concentrer sur votre journée. C'est comme ça qu'on fait les choses. C'est comme ça qu'on grandit. La croissance et le développement des compétences, en particulier sur le plan créatif, sont une question de dynamisme Tu as besoin de cet élan. Le vent dans le dos, c'est comme ça que tu avances. Être bon en art et perfectionner votre capacité à exprimer vos idées créatives, pas un sprint Si vous êtes vraiment là, vous devez être là pour le long terme, et le long terme, c'est un petit peu par jour. Peut-être que certains jours, vous pouvez y passer 3 heures, peut-être que le dimanche, vous pouvez y passer 10 heures. Peut-être le lendemain, 30 minutes. Alors peut-être que pendant deux jours tu as besoin d'une pause. Les pauses sont géniales. Cela vous donne le temps de réfléchir à ce que vous faites. En fait, ces temps-ci, je trouve mes meilleures idées créatives quand je ne suis même pas dans cette pièce. C'est ma salle d'exécution. C'est ici que je concrétise mes idées. La plupart du temps, je vais courir ou simplement passer du temps dehors avec mes enfants, et tout à coup, toutes ces idées me viennent à l'esprit : « Oh, je pourrais faire ceci ici et cela ici, et c'est là que je fais le meilleur de moi-même ». Ensuite, chaque fois que je peux, je viens ici et j'exécute. OK. Mais revenons à quelques conseils pratiques et trouvez du travail Une chose que vous voudrez peut-être faire est de faire appel à un agent et de demander à un professionnel de vous représenter. Voici Kid Shannon, et c'est l'agence qui m'a représentée pendant presque dix ans, en fait Je ne suis plus avec eux aujourd'hui, mais ma relation avec eux était excellente, et ils m'ont même décroché certains de mes postes les plus importants, comme Wizards of the Coast, par exemple Un agent négocie en votre nom et, comme vous pouvez le voir sur son site Web, il affiche toutes les œuvres de l'artiste sous sa bannière Vous avez ici de jolies vignettes sur lesquelles un client peut facilement rechercher styles en faisant défiler la page. S' il voit un artiste qu'il aime, il peut cliquer sur le bouton de toute évidence pour consulter une peut cliquer sur le bouton de toute évidence portfolio Permettez-moi donc de vous montrer le portfolio que j'ai soumis à Kid Shannon et qui m'a permis de me représenter par eux. Voici le PDF que je leur ai envoyé. Il fait 26 pages. Vous voyez que vous avez juste des informations de contact là-haut, qui ne sont d'ailleurs plus mon numéro de téléphone. J'ai des illustrations qui vont des personnages aux environnements, voici juste un environnement pur et voici un pur personnage. Mais la plupart d'entre eux combinent des environnements de personnages, comme ça. Vous pouvez voir que je ne leur montre que le type d' illustration. Eh bien, A, je pense qu'ils voudraient me représenter et B, le type d' illustration que j'aime faire. Je pense que c'est remarquable de parler de ce qui n'est pas là. Par exemple, comme si le dessin animalier n'était pas là ou que les études photographiques n'étaient pas là. Ces types d'études sont des choses que vous faites pour pratiquer. J'assimile cela à aller au gymnase pour m'entraîner pour un sport. Ce que vous faites en fin de compte, c'est de performer dans votre sport. Tout ce que vous faites au gymnase est préparatoire. Lorsque vous faites des études de dessin sur la vie, des études photographiques ou toute autre pratique, cela vous est bénéfique en tant qu'artiste. Mais le résultat final que vous voulez montrer à un client ou, dans ce cas, un agent, est le fruit de votre travail. À la toute fin, je me suis accordé quelques pages de vignettes Ce ne sont pas des études, ce sont toujours des illustrations conceptuelles, mais j'utilise la section pour intégrer différentes ambiances, différentes palettes de couleurs, etc. Oui, on pouvait leur envoyer un mail, ce qui signifie qu'ils ne s'attendaient pas à un e-mail de ma part. Je les ai juste envoyés par la poste à l' improviste, et je vais vous lire maintenant l'e-mail auquel j'ai écrit Bonjour, Shannon Associates, LLC. Je m'appelle Marco Bucci. Je suis un illustrateur avec une expérience allant des livres d' images à l'animation et à la conception de films. J'apprécie la qualité des artistes représentés Shannon Associates et Kid Shannon, et j'apprécierais beaucoup que vous preniez en compte mon travail pour trouver un logement auprès de votre agence Mon projet le plus récent consistait illustrer un livre d'images Disney Press pour le shérif Kalis Wild West, dont la sortie est prévue pour janvier 2015 Avant cela, mon travail d'illustration comprenait des couvertures américaines et britanniques pour le catalogue de produits Lego, Lucas Arts, des illustrations de jeux vidéo, ainsi que la conception de personnages et d' environnements pour nombreuses productions télévisées d'animation à Toronto, au Canada. Vous trouverez une sélection PDF de mon travail en pièce jointe à cet e-mail. De plus, vous pouvez consulter mon site Web à l'adresse www.marcab.com. Merci pour le temps que vous m'avez accordé et j'espère avoir de vos nouvelles à votre convenance. Oui, c'était mon e-mail, et ils s'intéressaient à mon travail et à ma représentation. Mais avant d'être totalement d'accord, ils voulaient que je réalise un test, un exemple de brief de projet qu' un client pourrait fournir. C'est l'illustration qui en a découlé. Très similaire à cette classe. Ce sont deux personnages engagés dans une histoire narrative. J'ai imaginé un duo de livreurs de spaghettis, c'était ma propre idée Je veux toujours en faire un livre, d'ailleurs. Je le ferai peut-être un jour. L'agent l'a vraiment apprécié. Ils m'ont apporté quelques révisions parce qu' à ce stade, je n'avais jamais travaillé des livres pour enfants auparavant. Ils voulaient que je précise les caractères et le texte. Avant cela, j'avais beaucoup plus d'arbres et pinceau derrière les personnages et derrière le texte Je viens de le nettoyer pour m'assurer que les caractères et le texte se lisent très clairement. Pourtant, ils ont accepté le travail et j'étais alors sur leur site Web. J'attribue à cette agence le mérite de m'avoir fourni de nombreux emplois, mais pas seulement cela, de nombreux contacts, pour lesquels je travaille encore aujourd'hui. Ce sont les mesures que j'ai prises pour me lancer davantage dans l'industrie. J'espère que cette section vous a donné des idées de mesures que vous pouvez prendre. Un dernier conseil pour terminer : je ne recommanderais pas votre portefeuille à des clients et à des agents, en particulier à des agents, avant d'avoir l'impression d'avoir 10 à 20 images solides qui, selon vous, vous représentent parfaitement Les agents vous catégoriseront rapidement, et si vous leur soumettez un portfolio désordonné ou quelque chose qui n'est pas entièrement fait, ils se souviendront probablement votre nom pour de mauvaises raisons Je ne recommande donc pas d'interroger un agent avant d'avoir, encore une fois, environ 10 à 20 peintures solides qui représentent pleinement vos capacités Bien, c'est tout pour cette section. Passons à quelques dernières réflexions. 17. Réflexions finales: Félicitations. Nous avons terminé le cours. J'espère que ce cours vous a aidé à comprendre l'importance des principes fondamentaux nécessaires pour travailler professionnellement en tant qu'artiste. Et j'espère que le cours vous a donné l'inspiration nécessaire pour continuer. Continuez à progresser. Continuez à y consacrer votre temps, car cela en vaut la peine. J'aimerais prendre un petit moment pour vous rappeler que si vous éprouvez des difficultés avec un aspect quelconque de votre art, dessin, de la peinture, de la couleur, de la lumière, etc., ce il s'agisse du dessin, de la peinture, de la couleur, de la lumière, etc., ce sont probablement vos fondamentaux qui font défaut, non la qualité de vos idées. Quel que soit l'aspect de votre vie d' où vous venez, vous allez apporter toutes sortes de bonnes idées qui ne demandent qu'à être concrétisées. Les gens hésitent si les fondamentaux ne sont bonnes idées qui ne demandent qu'à être concrétisées. Les gens hésitent si les fondamentaux ne sont pas suffisamment ajustés pour faire passer votre vision correctement ou de manière optimale C'est là qu'intervient ce cours. J'espère vous avoir donné les outils nécessaires pour mettre en pratique divers principes fondamentaux afin que vous puissiez finalement les utiliser pour exprimer ce qui est en vous, et que vous puissiez le faire d'une manière professionnelle qui vous aidera peut-être à trouver du travail à l'avenir Ici, sur Skillshare, nous avons une excellente plateforme de feedback Veuillez publier vos projets dans la galerie de projets ci-dessous. Cela aidera tout le monde, vous, moi et tous les étudiants. Nous pouvons voir ce que tu as fait. Vous pouvez voir ce que les autres étudiants ont fait, tout cela se combine et inspire les gens, et vous recevrez probablement d' excellents commentaires de la part de sources peut-être même inattendues Merci de publier votre travail. Nous aimerions tous le voir. À ce stade, je pense que la dernière chose je dois dire est au revoir, merci, bonne chance et amusez-vous bien. C'est Marco Bucci qui signe, et je te verrai dans un autre cours