Illustrer des livres pour enfants (et bien plus !)

1. Bienvenue dans le cours - Introduction: Bonjour, tout le monde. m'appelle Mark Obuchi, et je veux vous souhaiter la bienvenue dans ma classe, illustrant les livres pour enfants et au-delà. Maintenant pourquoi est-il appelé et au-delà ? Bien, pendant que nous allons nous concentrer sur l'illustration des livres pour enfants, les techniques, les outils et les principes que nous allons apprendre se traduisent dans n'importe quel support, vraiment,à vraiment, partir des livres. Deux jeux à la télévision au cinéma, etc. Maintenant, la classe se divise en trois chapitres. Dans le premier chapitre, nous allons parler de travailler avec l'éditeur ce que c'est que de recevoir un manuscrit vierge pour lequel vous devez remplir les illustrations. Je vais parler de mes propres principes derrière la narration pour le médium des livres pour enfants et comment je vais produire quelque chose d'une page blanche à un produit fini dans le chapitre 2. Je vais vous montrer les techniques que j'ai utilisées pour dessiner des personnages. Évidemment, si vous travaillez dans les livres pour enfants, vous allez dessiner beaucoup de personnages. Nous parlerons de geste, pose, conception en forme de forme, d'un peu d'éclairage, et je vais vous montrer comment j'ai le plus d'attrait possible des personnages. Et enfin, dans le chapitre trois, nous allons parler de peindre vos illustrations pour les amener au produit prêt à imprimer final utilisera le support numérique et je parlerai de choses comme l'ombrage des couleurs, arrière-plans la valeur de la composition, tant de choses à obtenir dans le chapitre trois, et je vais vous montrer le processus. J' avais l'habitude de tout garder gérable de toute façon. Il y a beaucoup de choses à faire dans ce cours. Je suis vraiment excité. Allons-y. 2. Chapitre 1 - Le manuscrit: D' accord, commençons en tant qu'illustrateur. n'y a rien de plus fondamental dans votre projet de livre pour enfants que le manuscrit. Et si vous êtes un illustrateur engagé par un éditeur ou un auteur, c'est la procédure standard pour qu'il vous envoie un manuscrit entièrement édité, terminé et verrouillé pour vous donner un exemple. C' est un livre que j'ai illustré pour les fontaines et Penhall. Ah, éditeur prolifique dans l'espace éducatif. Et voici le manuscrit qu'ils m'ont envoyé. Il est venu comme un document pdf standard. Maintenant, ce sont les pages intérieures, pas la veste. Ainsi, comme vous pouvez le voir, si je fais défiler vers le bas, les pages sont soigneusement numérotées et le texte est disposé dans son arrangement final. En fait, m'a donné l'instruction explicite de ne pas occulter ou modifier le texte de quelque façon que ce soit. Et c'est quelque chose qui peut changer d'éditeur à éditeur. Je vais vous montrer d'autres exemples dans un instant, mais en faisant défiler le pdf, nous avons une idée assez claire de ce que serait ma tâche en tant qu'illustrateur. Mais je dois remplir tout cet espace gris maintenant. À cette fin, ils ont également fourni quelques notes d'art, et c'est aussi quelque chose qui va varier d'un éditeur à l'autre maintenant travaillant dans l' industrie du livre pour enfants est rafraîchissant parce que dans mon expérience, les éditeurs embauchent artistes pour leur unicité. C' est différent, disons, travailler sur une émission de télévision où votre travail est d'être invisible et s'intégrer dans la production et les livres pour enfants. Ils veulent que la voix de l'artiste soit une partie importante du livre. Donc, à cette fin, la plupart des éditeurs ne dépasseront pas leurs limites en vous donnant des détails. Notes d'art. L' art note essentiellement l'intrigue et la progression globale de ce livre. Essentiellement, nous voyons une ombre dans l'arbre. Ça a l'air effrayant, mais on ne sait pas ce que c'est. Et puis cette ombre dans l'arbre au fur et à mesure que nous progressons dans le livre devient de plus en plus grande. Donc ici, l' ombre devient de plus en plus sombre. Il s'est déplacé vers le son du sol, qui, qui, bien sûr, s' alignent avec le texte juste ici. Donc, cette note d'art est bonne parce qu'elle me donne une idée de ce que la page a besoin de communiquer. Visuellement, je pense qu'il va sans dire qu'en tant qu'artiste, regarder une feuille de papier vierge peut être un peu effrayant en ce sens qu'il y a possibilités infinies. Mais une bonne note d'art comme celle-ci vous correra dans une certaine direction sans vous attendre complètement. Il y a encore beaucoup de place ici pour que je vienne interpréter à quoi ressemble une grande ombre sombre et effrayante, tant que je suis sûr qu'elle devient de plus en plus sombre. Au fur et à mesure que le livre progresse, faisons défiler jusqu'au bas. Ici, cet éditeur a inclus quelques exemples de mes propres illustrations auxquelles ils ont répondu, ce qui est également très utile. Donc, je sais que lorsque j'illumine ce livre, je devrais utiliser les mêmes techniques que celles que j'ai utilisées pour les peindre. J' ai fait un deuxième livre pour Fountains et Penhall. Ceci étant le manuscrit de ce deuxième livre, j'ai produit ces deux en même temps. Et dans ce pdf, ils ont inclus un peu plus d'informations qui me seraient utiles en tant qu' artiste juste pour le lire. Notre client aime la façon dont vous avez manipulé le monstre dans l'échantillon ci-joint, qu'étant ici, c'est fondamentalement la même page. Il est chaud et pas trop effrayant parce que ce livre est destiné à un jeune public. Nous aimerions éviter le style des têtes surdimensionnées pour notre personnage principal Poppies. La taille de la tête doit être proportionnellement correcte à son corps tout au long de l'histoire, semblable à la façon dont vous avez traité le garçon en bas à gauche de vos échantillons. Et puis ils continuent à fournir des informations sur le personnage que vous connaissez, un contexte de base avec lequel je peux travailler. C' est ce que vous devriez attendre d'un éditeur professionnel. D' autres notes utiles ici, les zones et le gris, que nous avons vu auparavant, sont désignées pour votre art, bien que vous n'ayez pas à vous en tenir à la forme exacte fournie. Nous aimerions que les illustrations sur la page de droite perdent et quelques éléments conjonction gouttière et apparaissent sur la gauche. Cependant, la page de gauche doit rester relativement propre et simple, accord. Ils ont utilisé le terme gouttière ici, donc maintenant est probablement le bon moment pour expliquer ce que c'est. La gouttière est là où le livre se plie. Le livre, bien sûr, sera lié le long du centre de la propagation, et le processus de liaison crée un peu d'espace perdu sur la page. Pour vous montrer à quoi ça ressemble, j'utiliserai un livre épais comme un roman où nous pouvons vraiment voir comment ce livre se plie à droite, et vous pouvez apprécier comment s'il y avait du texte dans ce domaine, cela pourrait grandement irriter le lecteur, parce qu'il est très difficile de voir maintenant. livres pour enfants ont cela aussi, aussi, bien que dans une moindre mesure, parce qu'ils ont tendance à être plus minces et ce livre est particulièrement mince. C' est 16 pages, soit la moitié de la longueur d'un livre d'images standard de 32 pages. Mais quel que soit, en tant qu'illustrateur, vous devriez être conscient de la gouttière. Je m'abstiens de mettre une partie importante de la photo là ou près de là. Nous allons parler de la configuration de votre toile numérique avec des marquages pour des choses comme les gouttières et les saignements dans une prochaine section de cette classe. Ok, donc j'aimerais vous montrer un autre manuscrit. C' est le grand rêve de Norbert, écrit par Lorry Dedmon. Et au fait, il y a une interview avec Laurie Degnan incluse dans cette classe. Juste un peu à part ici, je ne pense pas que beaucoup de gens se rendent compte qu'en tant qu'illustrateur, je n'ai pas vraiment l'occasion de parler aux auteurs, et vice versa. La connexion est établie par l'intermédiaire de l'éditeur, sorte que l'éditeur sollicite le manuscrit, puis fait correspondre le manuscrit fini avec l'illustrateur. Vous savez, un illustrateur dont le portefeuille fonctionnerait bien avec ce manuscrit particulier. Donc, il est assez ironique que les livres pour enfants semblent très collaboratifs, mais ils ne sont vraiment pas ou ils le sont. Mais c'est une collaboration silencieuse, toute façon. Laurie s'est connectée avec moi sur Facebook après la sortie du grand rêve de Norbert, et nous sommes amis depuis. De toute façon. Elle est l'auteur de nombreux livres pour enfants, et je pensais que l'intérieur d'un auteur serait un excellent ajout à cette classe, alors assurez-vous de vérifier l'interview. Ce sera un fichier PDF attaché à la classe de toute façon. Norbert Big Dream est un livre d'images standard de 32 pages, qui, si vous considérez les spreads, est un PDF de 17 pages à droite avec chaque page PDF. Nous regardons deux pages, qui, bien sûr, seraient bien sûr, pliées le long d'une gouttière que nous ne pouvons pas voir dans cette mise en page. Mais comme avant. Chaque page est clairement numérotée, et ce que vous remarquez ici, c'est que le texte est disposé dans une composition presque. Disons maintenant que cela m'a embrouillé quand j'ai eu ce manuscrit pour la première fois parce que je ne savais pas si l'éditeur s'était engagé à mettre le texte exactement là où ils l'ont présenté ici. Vous savez, sur cette page, il est évident que l'intention est d'une grande diffusion. Mais comme sur cette page ici, ils voulaient que je fasse, comme, une illustration là et une illustration ici et une illustration là. C' est là qu'intervient la communication de base. Je leur ai envoyé par la poste et leur ai posé cette question, et leur réponse était Ce n'est pas mis dans la pierre, mais c'est un peu suggéré ce qu'ils avaient en tête. En fait, ils m'ont envoyé cette version du manuscrit après cela et ont indiqué avec le bleu où ils envisageaient l'art et certains d'entre eux ils ont même joint des notes d'art. Mais même cela, disent-ils, n' a pas été posé dans la pierre. Si j'avais de meilleures idées pour mettre en page les pages, j'étais libre d'explorer que la seule chose que je ne pouvais pas changer était le texte qui apparaît sur quelle page. En d'autres termes, ce texte exact doit apparaître aux pages 10 et 11 parce que vous savez quand vous n'avez que 32 pages pour votre histoire, ce qui est encore une fois la norme. C' est le travail de l'éditeur d'exposer le texte en conséquence. maintenant, l'autre propriété des livres pour enfants est qu'il existe différentes tailles standard. Par exemple, neuf sur 12 pouces est une taille particulière que les livres pour enfants viennent dans, mais ils peuvent venir dans pratiquement n'importe quelle taille, donc le manuscrit Pdf doit être formaté en fonction de la taille d'impression précise du livre. Si je reviens au script que nous regardions plus tôt, il est clair de voir exactement les dimensions de cette page. Et encore une fois, je vais vous montrer comment vous pouvez importer cela dans la boutique photo ou vous peignez application de choix plus tard. Mais c'est pourquoi les scripts Manu sont souvent fournis au format pdf car l'éditeur peut déterminer exactement la taille avec laquelle vous travaillez. Si vous recevez un manuscrit au format Microsoft Word, la première question que je voudrais poser à l'éditeur est quelle est la taille du livre ? Parce que sinon vous n'auriez absolument aucune idée de la façon d'aborder l'art. OK, dans la section suivante va plonger un peu plus profondément dans le jargon d'impression que vous devez savoir. Tu vois, là 3. Chapitre 1 - Imprimer le Jargon: traiter le processus d'impression est toujours amusant. Et quand j'ai commencé, il y avait beaucoup de jargon qui m'a embrouillé. Heureusement, il s'est avéré qu'il n'y a pas beaucoup de jargon à savoir, et ce qu'il y a à savoir est assez simple. Alors, nous allons nous familiariser une fois pour toutes. Ainsi, lorsque des éditeurs ou des imprimantes vous fournissent un modèle, il doit contenir les fonctionnalités suivantes. C' est ce qu'on appelle la ligne de coupe. Dans cette boîte se trouve l'endroit où vous illustrerez vos photos. C' est ce qu'on appelle la garniture parce que le papier qui traverse l'imprimante est plus grand que la taille finale du livre, puis ils sont simplement découpés. Donc, parfois, vous pouvez voir ce qu'on appelle la taille de coupe ou le guide de coupe. Ceci, bien sûr, révélera les dimensions réelles du livre. Et généralement il y aura aussi une notation sur la taille du livre dans les dimensions physiques pouces, centimètres, millimètres, etc. et traditionnellement avec est mesurée en premier et la hauteur. Deuxièmement, c'est bon. La prochaine fonctionnalité est une. Nous avons déjà regardé le caniveau, qui, bien sûr, coupe une grande page en deux, faisant deux pages. Ces deux pages devraient être étiquetées avec des numéros de page, ce qui, croyez-moi, est remarquablement pratique lorsqu'il s'agit de communiquer avec votre client ainsi que des choses internes comme la dénomination de fichiers. Il est important de noter ici que lorsque vous livrez vos arts finaux à une imprimante au lieu de livrer à une page par fichier, vous les livrerez en groupes comme Page 23 page 45 page 67, etc. L' imprimante imprime chacun d'une page, puis lie tout le long du milieu, créant la gouttière. La prochaine caractéristique est celle qui confond le plus de gens, y compris moi, quand j'ai commencé, et c'est le saignement. Ceci est généralement appelé saignement, guide ou purge de lignes, et souvent une imprimante l'accompagne avec de petits indicateurs de texte indiquant exactement combien fonds perdu à donner dans ce cas, quart de pouce perdu tout autour. Ok, alors laissez-moi vous expliquer ce qu'est le saignement. J' ai déjà mentionné que les livres sont imprimés plus grands que leur taille finale, puis taillés vers le bas Eh bien, imaginez que vous avez fait des illustrations jusqu'au guide de garniture représenté par ces deux couleurs ici. Maintenant, lorsque cette page est imprimée et coupée à sa taille finale, si vous Onley illustré dans le guide de découpe, vous pouvez imaginer qu'il y a une forte probabilité d' erreur. Tu vois cette petite bande blanche qui a été laissée derrière toi ? Cela peut sembler mineur, mais c'est dû à une réimpression. Et imaginez que vous venez d'imprimer 5000 livres, qui étaient tous des ordures. Ça vous ferait virer ou du moins jamais réembauché, ce qui est quelque chose que nous aimerions éviter si possible. La solution consiste donc à étendre votre illustration jusqu'aux lignes de fond perdu ou au-delà. Et, bien sûr, quand vous faites ça, assurez-vous de ne pas y mettre quelque chose d'important. Bleed n'est qu'un filet de sécurité pour l'imprimante. La plupart des choses sont juste coupées. Une autre chose importante à savoir est que la page un d'un livre n'est pas une propagation. Il se tient tout seul. Voici un exemple d'un livre publié pour vous donner une idée de ce dont je parle. Cette page est généralement appelée la page de titre, par ailleurs, Donc,à par ailleurs, Donc, gauche est généralement comme une page fantôme de page blanche blanche sur la droite est la première œuvre d'art, de sorte que le fond perdu ne s'étend que vers la droite et à les bas et les hauts. Voici à nouveau le manuscrit de Norbert pour correspondre au clip vidéo que nous venons de voir. Le manuscrit de Norbert ne comprenait pas de guides de saignement. On m'a envoyé cette information séparément, comme dans un courriel ou quelque chose comme ça. Ce que nous voyons sur le pdf ici est juste la taille de coupe maintenant défilant vers le haut ici parce que les pages de titre sa propre page unique. Les dimensions de cette page seront la moitié de la largeur de la page 23 et la hauteur reste la même , bien sûr, afin de faire défiler les pages ici. La plupart du livre sera exactement les mêmes dimensions, parce que les pages seront présentées en groupes de deux. Mais cette première page et la toute dernière page, page 32, qui ne fait généralement pas partie de l'histoire pour laquelle elle est habituellement réservée dans ce cas, une dédicace. Parfois auteur bios air situé ici, Mais cette page est aussi debout seul, et l'éditeur va imprimer une page blanche blanche blanche de ce côté, dont nous n'avons pas besoin de nous soucier en tant qu'illustrateur. Donc, lorsque vous faites vos tailles de toile pour la dernière page ainsi que la première page, assurez-vous de couper le fouetté dans la moitié de la couverture avant d'un livre dans le langage de l'industrie est appelé la veste. La veste est un morceau de papier. Il comprend la couverture avant, la colonne vertébrale, la couverture arrière et souvent ces petits rabats qui se replient à l'intérieur. Voici le modèle pour la veste d'un livre différent que j'ai illustré. En fait, je n'ai plus celle pour Norbert. Pour une raison quelconque, cela semble plus compliqué, mais c'est vraiment la même chose que vous pouvez voir la bordure indiquée pour où l'art va imprimer sur les dimensions de la couverture avant clairement marqué 5.625 pouces par 8.5 la colonne vertébrale, bien sûr, étant le milieu du livre, la partie qui fait face lorsque les livres sont sur une étagère, puis une couverture arrière correspondante, qui sera exactement les mêmes dimensions que la couverture avant, puis sur les côtés flanqués. Nous avons ces petits rabats pliants, et vous pouvez voir qu'entre les rabats pliants et la housse se trouve cette petite zone, que le client a indiquée ici. Il dit que l'art doit s'étendre ici, mais sera probablement plié en dessous, ce qui est un peu comme un saignement droit. Ce sont des trucs qui vont se perdre, alors ne mettez rien d'important là. En fait, vous pouvez voir les personnages main dans. Ce rugueux dans la main est étendu beaucoup trop proche de celui à mon goût dans l'art final, j'ai apporté sa main dans de sorte ne serait pas se perdre par le pli. Mais sinon ce modèle est similaire à ce que nous avons regardé. Vous pouvez voir le fond perdu minimum 0,25 pouces. J' ai remarqué que ce modèle l'appelle saignement minimum, peu d'allusion comme, Hey, vous pourriez vouloir nous donner un demi-pouce de saignement, qui est ce que j'ai fait sur ce projet. Je pense avoir remarqué que les clients adorent saigner. Une fois, j'ai fourni un saignement d'un pouce à un client, ce qui est fou et autrement. Le client fait un assez bon travail de remplir le modèle pour vous, qui encore une fois, est quelque chose qu'un éditeur professionnel va gérer. Et cela me rend plus facile, pour moi, l'illustrateur, concentrer sur l'œuvre d'art. Ok, je pense que cela conclut notre discussion sur le jargon imprimé. Maintenant, je sais que je ne vous ai toujours pas montré comment configurer une toile numérique pour cela, mais je vais enregistrer cela pour le chapitre 3 quand nous travaillons réellement sur nos illustrations finales . Pour l'instant, continuons en parlant de contes et de livres pour enfants 4. Chapitre 1 - Storytelling visuel: Oh, livres d' images peuvent jouer un rôle énorme dans le développement d'un enfant, de la prise de conscience des choses qui existent dans le monde à l'apprentissage de la langue, couleur, en favorisant une portée d'attention. Les livres d'images font toutes ces choses et plus encore, et ils les enveloppent dans le vieux rituel de la narration. Maintenant, la narration est une de ces choses intensément personnelles. Tu sais, la façon dont je raconte une histoire sera différente de la façon dont tu racontes une histoire. Donc, dans ce chapitre, je veux partager avec vous quelques-unes de mes philosophies globales, de mes pensées et de mes pratiques sur la façon dont je vais raconter des histoires dans le médium des livres pour enfants. Donc, je vais commencer par un processus de base. La première chose que je fais quand je reçois un manuscrit est bien, je l'ai lu et je l'ai lu plusieurs fois. Oui, les livres pour enfants peuvent être simples, mais ils parlent souvent de vérités profondes. Après tout, ils sont du matériel d'apprentissage pour les enfants, et généralement les éditeurs veulent publier des livres qui ont une signification universelle. J' ai donc du respect pour cela, et je prends le texte très au sérieux. Bien sûr, il peut être bien en dessous de votre niveau de lecture ou de mon niveau de lecture, mais cela n'enlève pas l'importance des choses que vous conglomérez du texte, surtout quand vous êtes un enfant à qui tout cela est nouveau. Quoi qu'il en soit, signet cette pensée et revenons-y dans quelques minutes. Ok, ce que tu regardes maintenant, c'est le Ruff pour le grand rêve de Norbert. Et voici la version que j'ai envoyée au client qui était l'éditeur Sleeping Bear Press. Donc, je considère ces dessins très lisibles, même s'ils ne sont bien sûr pas finis leur gratté et rugueux. Et Nino Norbert n'est peut-être pas exactement sur le modèle dans chacun d'eux. Mais l'action de base est là sur chaque page et vous remarquez que je préserve également le texte à peu près dans les endroits qu'ils ont fournis dans le manuscrit. J' ai peut-être bougé un peu les choses, mais c'est bon. J' aime utiliser l'ombrage de base dans mes dessins bruts. C' est un domaine que j'élabore en grande partie dessus et je peins, vous savez, l'éclairage final et d'autres choses. Mais je trouve que cela aide vraiment à vendre vos idées au client si vous pouviez bloquer les choses dans valeurs globales comme celle-ci. Vous savez, dans ce cas, Norbert, plus près de la caméra, c'est très sombre, et ces trois cochons plus loin sont plus légers. Comparativement. Maintenant, cela concerne mon propre style d'art particulier, qui est fortement basé sur la valeur. Si vous avez vu mon art en ligne, vous savez, je suis un peintre et en tant que peintre, idéal lourdement avec la lumière, l'ombre et la couleur. J' aime donc apporter ça dans mes dessins bruts, mais pas toujours comme vous le remarquez à droite. Je n'ai pas besoin de beaucoup d'ombrage là-bas. Peut-être une petite ombre sur le sol. En outre, avis sur chacune de ces spreads, la gouttière est indiquée. Si je ne l'avais pas et que je sois très difficile pour le client de comprendre, vous savez où la page se chevaucherait. Donc, dans ce cas, la gouttière me conduirait probablement à croire que ce cochon va être coupé un peu trop. Je voudrais peut-être pousser ce cochon vers la droite. Ouais, passant par ça, vous pouvez voir que tout le livre est rugueux dans le même style, le même niveau de dessin. Et je compléterai le manuscrit entier avant de l'envoyer au client. Parce que la façon dont chaque page coule ensemble fait partie d'un rythme visuel, et je veux que le client soit conscient de ce que j'ai en tête, et la seule façon de le faire est de leur donner tout le livre, ou au moins une grande partie du livre. Je pense que je l'ai jamais fait pour un seul client, où je soumets une page à la fois. Et en passant, j'ai utilisé la même approche pour mes dessins bruts pour différents éditeurs. Différents livres comme ce livre est pour Disney, et vous pouvez voir les dessins air fait et à peu près de la même façon que je laisse dans mes marques rugueuses . Je fais beaucoup de gribouillis, hachures et quelques valeurs de base, et je fais de mon mieux pour mettre le texte sur la page où je pense qu'il devrait aller, que ce soit moi qui le déplace sur la base de la composition ou si je dois rester avec exactement ce que le client me donne, je le fais. J' envoie donc chaque page aux clients, et généralement ce qu'ils vont faire est de les assembler dans un pdf. Bien sûr, parce que j'ai dimensionné mes fichiers correctement, tout ce qu'ils ont à faire est de les copier et de les coller, et généralement je reçois les révisions passées. Je veux dire, c'est un livre très simple, donc je n'ai pas eu trop de révisions ici. Ils voulaient queje me que débarrasse de la peinture qui cache le texte. Ici, vous pouvez voir leurs notes dans cette boîte rose. Oh, et en fait, pour celui-ci, j'ai fait une page peinte entièrement finie pour obtenir aussi leur approbation pour le style. Donc c'est un étalage fini juste là, et vous pouvez voir le reste de mes dessins bruts. Et à ce stade, une fois que les clients peuvent voir les illustrations brutes réelles, ils déplacent souvent le texte en fonction de ce que l'artiste leur donne et font tout autre type de, vous savez, changements mineurs qu'ils pourrait vouloir dio. Ou parfois ils vous demanderont de redessiner la page complètement. Maintenant, ce livre est à nouveau simple. Je n'ai pas eu à redessiner beaucoup. Je pense que j'ai dû faire ce chat devant l'arbre au lieu de derrière l'arbre. C' était probablement le plus grand changement sur ce livre. D' autres fois, je vais faire plusieurs itérations par page. C' est un livre tout à fait différent, et l'idée de cette page était cette vieille femme bizarre est amie avec un gâteau. Il y a donc la vieille femme. Voilà le gâteau. Et ces deux enfants étaient comme raconter, comme raconter l'histoire. Et je veux dire, il y a 1 000 000 façons d'illustrer cela. J' ai donc commencé avec trois versions différentes. Il y a celui-là. Il y a celui-là avec sa chaise à bascule sur le gâteau est sur la table avec des souris mangeant le gâteau sans qu'elle ne s'en aperçoive. Et il y a cette option, qui est que je n'ai pas vu ces dessins depuis un moment. Ce livre a été fait il y a quelques années. C' était l'un de mes premiers livres pour enfants que j'ai jamais rugueux, en fait, et je n'étais pas vraiment arrivé à mon style de dessin brut préféré. C' est pourquoi ces dessins ont l'air un peu différents. Mais vous voyez que je mets toujours le texte là où je pense qu'il devrait aller. Les hommes ont aussi remarqué que chaque fois que vous avez affaire à du texte, qui est tout le temps dans ce médium, je recommande de concevoir une zone de votre composition où c'est une valeur assez propre, vous remarquez, comme ici, Je jette la nappe entière dans une ombre, et le texte lisait la lumière sur l'obscurité. Il n'y a pas beaucoup de détails qui viendraient ici et comme ici, j'ai cette tranche de lumière sur le sol et le texte est sombre sur ça. Et voici juste un texte sombre sur un ciel clair. Donc, tu sais, parfois donner des options à un client est quelque chose que je vais faire. Je n'aime généralement pas fournir plus de trois options au 1er 3 est pour moi, est comme un nombre magique, en supposant que vous leur donnez trois bonnes options, non ? Trois est suffisant pour que le client choisisse une direction, même s'il ne choisit pas l'un des trois est le dernier trois est suffisant pour choisir une direction . Donc, quand j'ai écrit sur un manuscrit il y a une minute , j'ai dit , je fais tout le livre, je dio, mais parfois je vais livrer une ou deux ou trois versions d'une page, vous savez, une seule page ou une page de deux pages, et je vais juste voir où ils en sont de façon créative. Voici une autre page de ce livre. C' est une partie de l'histoire où ce petit garçon tombe amoureux de cette fille, et ici j'essaye une mise en scène très dramatique, et ici j'essaye plus d'une simple sorte de plan large des deux personnages chaque fois que possible. J' aime briser les choses en ayant des compositions très simples comme ces deux enfants sont juste allongés sur une page blanche blanche. Je pense qu'il est assez évident pour nous que le texte a un rythme, vous savez. Par exemple, les livres pour enfants qui rime les rimes ont un rythme pour eux, non ? Eh bien, les pages, les images et les illustrations ont aussi un rythme pour eux. Donc, si vous faites quelque chose de complètement réalisé comme ça, vous savez que l'image va d'un coin à l'autre. Vous voudrez peut-être suivre cela avec un relief visuel comme celui-ci, et je veux mentionner que le chapitre 2 est tout sur le dessin des personnages. Donc, si vous vous demandez quand je vais entrer dans ce chapitre du premier chapitre, voici plutôt une discussion globale d'idées et de philosophies. J' utilise dans mes livres parfois m'inspirer des romans graphiques et diviser la page et les panneaux, celui-ci étant une interprétation très littérale des panneaux où j'ai en fait quatre panneaux différents ici, chacun légèrement descendant en taille, ce qui se rapporte aux battements émotionnels qui se produisent dans cette partie de l'histoire. Ce livre particulier présente ces deux personnages enfants que vous voyez en haut, racontant un roman. C' est en fait le classique littéraire de Charles Dickens, Great Attentes. Là, ils lisent de grandes attentes. Ainsi, le livre des enfants leur montre la lecture, mais plonge ensuite dans le monde des grandes attentes. C' est le monde de grandes attentes imaginé par les enfants. Donc, dans ce livre, j'ai dû gérer littéralement deux mondes différents. Le monde réel de ces deux enfants qui lisent, puis le monde du conte de Dickens, qui était plus fantastique. Donc, pour présenter ces deux mondes dans ce livre, j'ai utilisé beaucoup de lambris. Donc ici, j'essaie d'utiliser le texte comme une pause dans le panneau. Et puis les enfants ici regardant vers le bas dans le monde fantastique qui vous balaie vers le bon genre de vous balaie dans cette page, qui est une scène fantastique complète, qui nous conduirait à la page suivante, qui est un propagation complète, une propagation signifiant deux pages, fois à gauche et à droite d'une scène fantastique complète. En fait, j'étais très satisfait de certaines des décisions créatives que nous avons prises sur ce livre. Nous avons fini par chevaucher deux styles d'art différents dans le même livre. Quand étaient dans le monde réel. C' est ce genre destyle d'illustration propre et dur, style d'illustration propre et dur, vous savez, pas très pictural, pas trop texturé, genre de simple, toujours intéressant, mais assez simple et propre. Voici une autre page. Dans le monde réel, tous les objets étaient, vous savez , manipulés avec la même esthétique. Et des trucs comme ça par rapport à ça, qui est répandu dans le monde de la fantaisie, jouaient avec des icônes graphiques comme ça . Vous savez, les cadres en arrière-plan sont comme des scrawling ings, et il y a même des panneaux créatifs en cours, comme où je tourne ici est censé être un panneau, et ensuite ce panneau est divisé par ce personnage qui nous mène dans cette scène. Donc, c'est comme trois panneaux différents où ce personnage est utilisé comme le séparateur entre la gauche et la droite. Également sur cette page, nous avons ici les silhouettes des deux personnages du monde réel qui racontent la scène. Donc je pensais que les garder juste silhouettes les retirerait de la réalité fantastique de la scène et encore communiquer au lecteur que c'est cet enfant qui lit un livre à ce personnage, et c'est ce qui se passe dans le livre . C' est des trucs comme ça qui m'excite vraiment à propos du médium des livres pour enfants. Pour moi, un livre pour enfants est un mélange entre un roman graphique, une bande dessinée et un roman traditionnel. La forme est si souple que vous pourriez faire tant avec elle. Voici une autre page où nous sortons du monde fantastique dans le monde réel. Donc, quand cette scène fantastique, c'est une scène où Jane Eyre est enlevée. Oh, au fait, ce n'est plus le grand livre des attentes. C' est Jane Eyre, qui est une autre partie de cette série de livres pour enfants, et parce qu'elle est enlevée de chez elle, j'ai bien donné ce panneau. Tout d'abord, je lui ai donné une forme triangulaire très bizarre, et je l'ai poussé tout le chemin dans le haut, à gauche pour refléter visuellement le fait que c'est un moment très inconfortable. Elle quitte sa maison. Il ne mérite pas une belle page complète. Vous vouliez vous sentir isolé parce que c'est comme ça que ressent le personnage. C' est comme la forme du livre. La composition est dictée par l'histoire, et je vraiment, vraiment profiter des occasions de jouer avec ce genre de choses, et puis ici dans le fond étaient dans le monde réel. Et bien sûr, le texte irait dans ce grand espace blanc vide à l'arrière. Ce gamin raconte la queue de Jane à sa baby-sitter. Et juste pour continuer, voici une image du monde fantastique pleine page à nouveau, stylistiquement. Si je reviens, c'est le monde réel où tout est propre. Et puis voici le monde fantastique où les choses sont tout sauf propres. Je veux dire, les formes sont toujours attrayantes, espère, mais il y a comme griffonner des lignes comme des arbres ou pas des arbres réels ou juste des triangles que j'ai faits avec un pinceau. Nous avons des choses très graphiques qui se passent ici et un langage visuel qui, dans l'ensemble, est assez différent de celui-ci. Voici une autre page du monde fantastique, où vous pouvez voir beaucoup des mêmes choses, comme des palettes de couleurs impaires, vert vs violet sorte de diviser le cadre en tiers ici, grands passages de l'obscurité sur la lumière Jane ici étant sombre sur un grand passage de lumière en arrière-plan. Et c'est une autre chose que je pense vraiment, vraiment importante dans les livres pour enfants est la clarté. clarté est comme le thème qui imprègne tout l'art que je fais pour mes livres pour enfants. Évidemment, êtres humains voient en fonction du contraste, mais pour les enfants, c'est particulièrement vrai. Leurs yeux vont directement au contraste, et j'ai l'expérience de première main. J' ai une fille de cinq mois, et il y a en fait toute une gamme de livres créés pour les nourrissons qui sont juste du noir et blanc pur . Des images très contrastées, et c'est incroyable quand j'ouvre un de ces livres autour d' elle, ses yeux sont aspirés à la page. Maintenant ce livre que vous regardez n'est pas fait pour les nourrissons, mais vous pouvez voir que j'essaie de concevoir mon image. Le contraste est donc très clair. Et le contraste le plus élevé va toujours là où le point focal est dans ce cas, le point focal étant Jane, regardant la fenêtre en arrière-plan. Donc Jane étant très sombre fenêtre, très légère. C' est le point de contraste le plus élevé, et c'est vrai pour n'importe quelle image. Voici la page suivante juste ici. Le point focal de cette image est ce genre de zone ici que je tourne autour de ma souris et vous remarquez tous les morceaux de contraste les plus élevés de l'image sont trouvés là. Donc on regarde ça beaucoup plus dans le chapitre 3 quand on fait des peintures. Mais la clarté obtenue par contraste est fondamentalement le principe unificateur Onley que j'utilise sur chaque page. Voici une autre page ici où ce grand professeur d'école dicte mal ce que les élèves devraient faire. Il est en train de punir Jane ici. Donc le point central de cette image est ce grand professeur de rotund. Donc, pas de surprise. Je lui ai donné le plus de contraste avec le fond Dark versus Light. Jane n'est pas le point focal. Elle a encore besoin d'être visible, donc elle a encore un peu de contraste. Il a probablement, comme le deuxième plus de contraste dans l'image, ainsi que cette fille ici qui est également très important pour l'histoire. Vous savez, elle est en train de faire sa punition, écrivant la prière du Seigneur sur le tableau. Donc ces filles ont un contraste, mais moins que ce gars. De plus, il est si grand que le spectateur ne peut pas s' empêcher de regarder là. Et juste pour répéter ce que j'ai dit plus tôt, je laisse une partie importante de cette composition ouverte et avec une valeur très similaire, qui fournit un joli petit lit pour le textile. R. À l'heure actuelle, je veux être clair sur quelque chose qui est un principe et non une règle. Voici une propagation du dos qui est absolument ridiculement occupé. Je me permets de dire qu'il n'y a pas de point focal ici en ce sens qu'il y a tant éléments concurrents. Pour votre concentration. Vous pourriez penser que cette tour de l'horloge est un point focal, mais en fait, quand ce livre est plié le long de la gouttière ici, cette tour de l'horloge meurt un peu. Et cela a été fait exprès. Vous savez, quand j'ai illustré cette page, l'éditeur et moi presque comparé à comme un livre porte Waldo où vous pouvez regarder partie donnée de cette image et trouver quelque chose qui vaut vraiment la peine de prêter attention. J' aime particulièrement cette zone de la page où c'est juste un tas de maisons indescriptibles, et vous contractez les petits piétons qui marchent le long de la rue et assis près de la fontaine et ainsi de suite. Bien sûr, les personnages sont ici pour faire une belle petite soirée, et vous pouvez probablement imaginer que lorsque le texte serait inséré, ce qui irait au-dessus du ciel. Ici, le texte discuterait de ce que font les personnages. Mais visuellement, nous voulions vendre comme l'opulence de tout cela, la nature écrasante d'être soudainement haute classe et, comme le raconte l'histoire de Dickens, jetés dans un monde avec lequel vous avez très peu d'expérience. Donc, cette page a été conçue pour être écrasante parce qu'elle correspondait au rythme de l'histoire. Et je pense que c'est efficace dans ce but, et j'ai vu des livres entiers qui utilisaient cette esthétique. Mais en général, ce n'est pas ce que j'aime à dio. En fait, un de mes amis qui est une mère m'a dit que son petit fils, dont l'âge d'un an déteste les livres comme ça parce qu'il est frustré de ne pas savoir où regarder. Il commence juste à battre les pages comme un gorille, dit-elle, tandis que les livres qui ont une zone de contraste simple et donc un point focal retiennent vraiment son attention beaucoup mieux. Et j'ai utilisé cette philosophie a un peu plus de force motrice dans mes compositions , et ce que vous voyez ici est plus un peu hors du commun. D' accord, j'ai mentionné plus tôt dans cette section que les livres pour enfants sont du matériel d'apprentissage pour les enfants, vous savez, leur apprendre des choses communes qui existent dans le monde. Le grand rêve de Norbert a lieu sur une ferme, et voici le manuscrit des pages deux et trois, qui est, en fait, la première page du livre Page 1, Rappelez-vous, était le page de titre. Donc le manuscrit se lit. La plupart des porcs se sont contentés de rouler dans la boue ou de lisser la pente ou de snoozing à l'ombre, mais pas Norbert. Alors, bien sûr, moi, c'est l'artiste. En regardant ce manuscrit vierge, je dois visualiser ce qui se passe sur ces deux pages. Le texte décrit quatre actions différentes. Les porcs roulent dans la boue, porcs bouffant les porcs en pente utilisant à l'ombre. Et puis Norbert, qui ne fait rien de tout ça. Donc la toute première image que j'ai évoquée pour ça était une sorte de collage. Vous savez où est cette section, les cochons qui roulent dans la boue. Cette partie inférieure est une pente de porc, et nous avons un cochon qui snooose à l'ombre. Et puis nous avons Norbert assis en quelque sorte, il pourrait y avoir une incitation au lecteur à demander ce qui le rend si spécial, et je pense que cela aurait fonctionné, mais je ne pense pas que cela maximise ce que je peux apporter aux éléments d'apprentissage de cette page. Je l'ai débrouillé une deuxième fois et je suis venu avec ça. Maintenant, si vous remarquez que le dessin des personnages est à peu près le même. En fait, ces cochons ne sont qu'une copie et une pâte de ces cochons. Mais le simple changement que j'ai fait ici était que je mettais tout dans un environnement, et cela mène à quelque chose que j'ai appris sur les livres pour enfants. Ou je devrais dire comment les enfants interagissent avec les illustrations d'un livre pour enfants. Si vous regardez un enseignant ou des parents lire un livre pour enfants à un enfant, vous remarquerez que l'expérience de chaque page n'est pas terminée une fois que le texte est rouge. Souvent, l'enseignant passe beaucoup plus de temps sur la page, juste en soulignant les choses qui se rapportent au texte. Par exemple, le fait qu'il y ait une grange en arrière-plan. Cela n'est pas mentionné dans le texte, mais avoir ce contexte aide un enfant à visualiser à quoi ressemble une ferme. Vous savez qu'il y a une grange avec de la boue ici, et l'offense dans la zone clôturée est là où la vache traîne. Vous savez, ce sont tous des concepts évidents pour vous et moi, mais je veux dire, un enfant pourrait ne pas savoir que les animaux traînent ensemble des poulets, des cochons et des vaches. Ils doivent apprendre ça quelque part. Et juste en les présentant de vista comme vue d'une ferme, avec les différents éléments d'une ferme, quelque sorte prend l'esprit du texte et ajoute juste une touche d'un calque plus profond à la page. Alors, bien sûr, alors que le point focal de ces dessins reflète l'action représentée dans le texte, vous savez, porcs qui roulent dans la boue, cochons qui bougent la pente et des trucs comme ça. Cette conception donne finalement au lecteur du livre, um, um, ou une expérience riche. Et au lieu de laisser Norbert s'asseoir là, je l'ai fait marcher, ce qui est probablement une façon plus amusante de voir Norbert pour la première fois, page 28 29 de cette année juste à la fin du livre où Norbert a terminé son aventure et vous remarquez que j'illustre la même partie de la ferme, juste sous un angle différent et les principaux changements. Norbert marche maintenant sur deux jambes, indiquant son arc comme personnage. Donc j'ai pensé que c'était un joli bouton pour terminer le livre. Et mon espoir est qu'un gamin lisant le livre puisse dire, comme, Hey, sont les mêmes cochons que ceux d'ici. N' est-ce pas drôle qu'ils dorment encore ? Et vous pouvez même faire une petite sous-histoire comme il y a quatre cochons qui dorment à l'ombre et ici il n'y en a que trois, vous savez, suggérant peut-être qu'un cochon est arrivé orteil a erré et dit : ici il n'y en a que trois, vous savez,suggérant peut-être qu'un cochon est arrivé orteil a erré et dit : ce truc de sommeil semble plutôt bien. Ça ne me dérange pas si je le fais. Ce sont des petites histoires qui ne sont pas assez importantes pour écrire. Tu sais, ce livre parle de Norbert, pas des cochons endormis. Mais tout ce que vous pouvez faire en tant qu'illustrateur pour apporter quelque chose de mawr au manuscrit tout en gardant le focus. Où il doit être, je pense, est une bonne idée pour votre illustration. Voici un autre exemple de moi traversant le même processus de pensée. C' était pour un livre appelé Goodnight Reindeer, où tout le livre dit bonne nuit à diverses choses. Nous avons donc des commentaires et des étoiles et des planètes et des voitures, des biscuits et des jouets, et j'ai illustré chacun séparément comme le sien. Un peu déjà été, et je pense que les dessins auraient été assez amusants pour illustrer. Mais l'éditeur et moi avons fini par aller avec ceci, qui, tout comme Norbert, fournit un contexte pour où ces éléments existent. Et il y a le renne elle-même, endormie, entourée de toutes ses choses préférées, ce qui représente la pensée simple de l'organisation quelque chose que nous devons tous faire face. Donc tu sais, c'est comme si les jouets allaient dans l'avion, Matt, parce que c'est là qu'on joue. Les voitures sont peut-être des objets de collection, donc elles vont bien sur la poitrine ici, et peut-être que les biscuits vont au lit pour une collation de minuit. En outre, cela invite une interaction très commune avec la page, où un enseignant un parent dira, comme, porte les cookies et l'enfant pointera ici. Où sont les planètes ? Le gamin pointe ici. Cette page facilite ce genre de choses, alors que cette page ne veut pas dire, ouais, tu pourrais dire où sont les cookies ? Mais évidemment, le droit là, où est-ce à nouveau fournit plus d'un contexte pour cela, reliant un élément à sa relation dans le monde réel. Voici un autre exemple d'une époque où cela s'est produit. C' est censé être l'atelier des elfes, et ils dorment sur ce lit superposé triple ici et au lieu de les garder à des entités séparées en les combinant simplement dans le même environnement. Et je n'ai pas été trop surpris que l'éditeur ait préféré celui-là. Mais celui-ci vous avez l'impression qu'ils ont juste posé leurs outils, balais sur le sol, la boîte à outils là avec des tournevis car le temps de travail est terminé et il est temps pour une nuit de sommeil . Encore une fois, montrer des choses en contexte peut être un peu plus puissant pour raconter des histoires. Ce n'est pas une règle. Bien sûr. Ça semble être une chose courante que je continue de découvrir. Je voulais vous montrer cette propagation aussi. C' est l'une des dernières pages du livre. Le Père Noël dit Bonne nuit à Rudolph et, bien sûr, Rudolph est un peu un junkie léger. Sa chambre est ornée de lumières de Noël, et dans le manuscrit, Père Noël va la demander pour éteindre la lumière. En fait, il le fait sur cette page. C' est l'heure du lit. Éteignez votre lumière et bien sûr, mon premier instinct ici était de lui demander de grader un interrupteur. Mais j'ai pensé qu'il pourrait y avoir une continuité visuelle intéressante entre ces deux spreads. Si j'y retourne pour te rappeler toutes ces lumières qui tapissent sa chambre, je pensais que ce ne serait pas bien si on amenait certaines de ces lumières dans la prochaine diffusion. Et au lieu d'éteindre un interrupteur, il va débrancher les lumières de Noël de Rudolph. Maintenant. Je ne prétends pas que c'est une idée de génie. Je dis juste que ça va un pas plus profond que le texte sur la page, ce qui est une sorte de métrique que j'ai essayé d'évaluer mon travail par et les livres pour enfants. Combien de fois je suis capable d'aplomber une ou deux couches au-delà de ce que les textes disent littéralement, et peut-être juste tourner quelque chose dans une direction inattendue parce que cela crée une surprise. Et quand on peut surprendre quelqu'un, c'est beaucoup plus susceptible d'être mémorable. Et dans celui-ci a fini par le retourner, parce que quand vous tournez les pages d'un livre, chambre de Rudolph serait à gauche, donc ça a du sens que l'air de lumière vient de la gauche, pas de la bonne couleur, bien sûr, joue un rôle énorme dans l'art du livre pour enfants, et le chapitre trois de cette classe va être consacré à l'utilisation de la couleur et à la peinture vos illustrations afin que nous puissions entrer dans le minutieux de celui-ci là-bas. Mais comme une note globale, je trouve que le médium est le mieux adapté pour les couleurs plus vives parce que les livres pour enfants ont tendance à être imprimés assez grand, surtout en ce qui concerne la taille d'un enfant. Et quand vous avez une très grande page en face de vous qui est couverte d'encre foncée, il y a juste quelque chose qui n'est pas attirant à ce sujet maintenant. Ceci est, bien sûr, juste mon opinion, et cela ne veut pas dire que vous ne pouvez jamais avoir d'ombres ou quoi que ce soit. Vous pouvez voir dans cette page leurs ombres sur Norbert, leurs ombres sur le mur. Mais si j'apporte mon sélecteur de couleurs ici et que j'échantillonne les valeurs d'ombre, vous pouvez voir que les ombres sont très, très légères. Ils sont tous ici. Norbert Shadows sera un peu plus sombre, mais même ses ombres, vous savez, sont dans le milieu de gamme. Bien sûr, petits accents comme à l'intérieur de la bouche qui va devenir assez sombre. Mais n'importe quelle ombre qui fait partie du sujet. Tu sais, son ventre, sa poitrine, le mur. Je garderai ces très légers. Tu connais la botte de foin ici. Ils sont tous gardés au milieu de gamme par ici. Et ce que ça veut dire, c'est tes lumières, comme la lumière sur le mur. Ceux-ci seront poussés encore plus légers. après mon expérience, imprimantes ont tendance à assombrir un peu l'image, en particulier celles d'entre nous qui travaillent sur des écrans LCD lumineux. Rappelez-vous que votre moniteur projette de la lumière dans vos yeux, alors qu'une impression est très différente. Apprenti pigment physique sur papier et pigment prendra une feuille de papier blanche et le rendra plus sombre. Donc, d'une certaine façon, imprime des choses sombres. Les moniteurs éclaircissent les choses. Je sais que c'est trop simplifié, mais c'est ce que je me rappelais quand je peins pour des livres pour enfants, tu sais, je me rappelle de pousser mes ombres un peu plus légères. En fait, ma première passe sur cette propagation ressemblait à ceci. Maintenant, quand j'ai peint ça, je ne l'ai pas vraiment réalisé, mais il y a beaucoup de couleurs foncées ici encore, ramenant le sélecteur de couleurs que vous voyez sur ces cochons comme si nous devions assez sombres. L' auge est assez sombre. Le bâton. La lecture est essentiellement noire. La grange est complètement dans l'ombre et ces ombres sont Ouais, elles sont en quelque sorte dans le milieu de gamme. Mais, tu sais, il fait assez sombre ici. Et alors que cela pourrait sembler OK sur un écran, ce prince juste terriblement sombre et qui peut prendre un livre heureux et tourner dans la direction opposée complète . Donc je révise l'orteil écarté ressemble à ceci, et je ne sais pas pour vous, mais j'ai presque l'impression qu'un poids est levé quand je fais ça comme si j'y vais avant et après, c'est juste comme si le soleil est sorti ou quelque chose comme ça. Remarquez que le côté large de la grange est encore dans l'ombre. Mais regardez combien plus de plaisir vous pouvez avoir avec la couleur lorsque les ombres sont un peu plus légères en valeur. Dans la peinture, cela s'appelle Hai Kee Ah, peinture haute continue utilise des valeurs dans la gamme plus légère, même pour les ombres. Ramène mon sélecteur de couleurs. Je vais goûter quelques ombres sur le sol ici. Regardez comment la lumière est mal échantillonné la couleur et la valeur sur le mur de la grange ici, et, oui, oui, même sorte de légèreté qui se passe à cause de l'occlusion ambiante. Il devient un peu plus sombre ici, mais si c'était un tableau de la vie réelle où l'occlusion ambiante serait probablement ici , j'ai toute une vidéo YouTube sur l'occlusion ambiante, d'ailleurs. Donc je parle juste comme si vous aviez vu que l'occlusion ambiante serait plutôt sombre. Mais ici, j'ai soulevé la clé de la peinture si dramatiquement que même l' occlusion ambiante , les zones les plus sombres, sont encore poussées vers le haut. Et je suis heureux de dire que dans les imprimés, l'ambiance vraiment véhiculée. C' était juste comme une scène invitante à laquelle vous voulez faire partie. C' était la couverture de Norbert, et c'est évidemment une scène nocturne, mais vous remarquez ce que je fais ici. Tout d'abord, le ciel bleu à son plus sombre est encore bien en haut. Aussi juste autour de Norbert. J' ai même éclairci le ciel plus loin, donc c'est bien là-haut. blues, en passant, est célèbre pour l'impression très sombre. Pour une raison quelconque que je ne peux pas expliquer que les imprimantes ont du mal avec le bleu. Donc, chaque fois que j'utilise du bleu dans mes tableaux, j'essaie de les remonter. Vous pouvez calibrer cela avec l'expérience, qui est ce que j'ai fait. J' ai remarqué que le blues était assez sombre, donc au fil des ans j'ai pris l'habitude de peindre le blues plus léger de toute façon, poussant la jolie lumière qui a soufflé autour de Norbert m'a forcé à rendre le côté lumineux de Norbert assez léger. En fait, les faits saillants sont essentiellement blancs. Et puis cela m'a donné l'espace de valeur pour que ses ombres ne soient pas aussi sombres. La chose à propos de la couleur que j'ai appris est que et cela est vrai non seulement pour l'impression des livres pour enfants, mais dans la peinture. En général, quelque chose autour de cette plage, n'importe quelle couleur que vous choisissez est que si vos valeurs ici, il va juste regarder noir pour le spectateur, comme les spectateurs ne vont pas vraiment être en mesure d'apprécier la différence dans ceci et ceci si votre valeur est si faible. Quand je suis ici, couleur n'a pas d'importance, et je ne veux pas ça dans mes livres pour enfants. Je veux que les couleurs soient identifiables, tu sais, c'est l'autre chose que les enfants apprennent avec des livres pour enfants comme le rouge, le rose et jaune. Donc en poussant vos valeurs vers le haut, je dirais que c'est à peu près le plus sombre que j'irais et que quelqu'un apprécie la différence de teinte. Tout ce qui est en dessous de cette couleur disparaît et devient simplement opaquelement sombre, et j'essaie de garder ces zones au minimum. Il y a des zones comme ses sabots ici, un assez sombre. Certaines vaches, sourcils et tuyau d'air sombre, et c'est bon. Quelques petits domaines comme ça, c'est bien, mais en général, mon conseil est garder vos valeurs en haut des peintures clés par opposition aux peintures de Loki. Et, bien sûr, vous le faites sur une base par projet, comme dans Scary Story ici. Rappelez-vous, le manuscrit demandait que cette ombre devienne plus sombre. Et bien, la fin, quand les monstres ont peur et s'enfuient. Cette ombre est opaquelement noire, ce qui, bien sûr, met en place la ligne de frappe pour que ce chaton puisse sortir. Mais j'ai bâti ce noir sur tout le livre. Voici à quoi ressemble l'ombre de l'arbre à l'origine. C' est le début du livre, Les valeurs Air gardé beaucoup plus léger, certainement avec quelques accents très sombres, mais dans l'ensemble, vous obtenez le sens de ah, clé supérieure dans la peinture. Donc, dans ce cas, l'utilisation de la valeur était vraiment liée à la narration. En regardant cette page ici, ce livre n'a pas encore été imprimé, donc je n'ai pas vraiment vu comment cela se passe. L' éditeur et moi avons consciemment poussé notre contraste à un extrême assez haut ici. Comme si je goûte les cheveux de Jane qui sont très foncés, même la partie la plus légère de ses cheveux bien, c'est certainement le milieu de gamme qui va probablement bien imprimer. Mais ça, même les lignes dans vos cheveux pourraient être écrasées au noir. Je m'inquiète à ce sujet, mais ce n'est rien qu' une empreinte d'échantillon ne peut résoudre fera une impression d'échantillon, ce qui, dans le jargon de l'industrie, est appelé une preuve, au fait, et puis je reviendrai et je m'ajusterai. Je pense que c'est génial sur un écran d'ordinateur, mais encore une fois, l' impression est un peu différente. Quoi qu'il en soit, gardons d'autres discussions de couleur pour le chapitre trois. Demandez maintenant. Je pense que cela termine notre discussion sur la narration et termine le premier chapitre. Passons donc au chapitre 2, où je vais discuter et vous montrer certains des concepts clés que j'utilise pour dessiner des personnages. Je te verrai là-bas. 5. Chapitre 2 - Poser: Oh, d'accord. Alors commençons à parler de la création d'art, et je veux lancer cette section avec une leçon sur la pose de votre personnage. Maintenant, je n'ai pas de statistiques officielles, mais je suis presque sûr que 99% des livres pour enfants impliquent des personnages. Et que votre livre ait un cochon ou une personne ou quoi que ce soit entre les deux, vous devez savoir comment les dessiner dans différentes poses. Vous savez, quand vous pensez à des œuvres d'art finies, vous pourriez penser à des choses cool comme le détail, l'éclairage, l'ombrage et la dimensionnalité. Et ces choses font partie de l'art fini. Mais à mon avis, ces éléments sont tous secondaires à un dessin gestuel bien pensé parce que c'est à travers dessin gestuel que nous définissons ce que le personnage est dans n'importe quel éclairage, forme ou dimension que nous appliquons doit servir la pose. Je pense que la puissance du dessin gestuel est mieux démontrée avec l' animation traditionnelle en deux D dessinée à la main . Ici sur YouTube, je vais chercher Sergio Pablos Disney Animation. Nous obtenons nos résultats de recherche et je vais cliquer sur ce 1er 1 ici. Oh, et au fait, avant de regarder ça, Sergio Pablos est le propriétaire des studios de spa. C' est le studio qui a fermé le film Netflix 2019, que j'ai vraiment aimé. Quoi qu'il en soit, il a été un de mes animateurs préférés depuis longtemps, et je pense que vous allez voir pourquoi. ce moment, officiers. Et si je puis m'exprimer ici, je suis le célèbre astrophysicien, Dr Delbert Dubler. Vous avez peut-être entendu parler de moi ? Non, j'ai un officier de clinique. Et si je puis m'exprimer ici, je suis le célèbre astrophysicien, Dr Delbert Dubler. Vous avez peut-être entendu parler de moi ? Non, j'ai une clinique, officiers. Et si je puis m'exprimer ici, je suis le célèbre astrophysicien, Dr Delbert Dubler. Vous avez peut-être entendu parler de moi ? Non, Non, j'ai une coupure. Donc la chose que je veux que vous remarquiez ici en jouant ça maintenant, sans audio, c'est que la pose, le comédien ? Le geste est clair Justus dans cette phase très rugueuse car il est ici dans le film fini final . C' est la planète du trésor de Disney. Au fait, dans ce cadre fini, nous avons des lignes épurées, des détails, détails, polissage, la dimension, couleur claire, de lacouleur claire, toutes ces bonnes choses. Mais l'artiste Sergio Pablos, dans ce cas au tout début, ne résout aucune de ces choses. Il résout la pose, et il le fait en utilisant des dessins très rugueux, les lignes aériennes gestuelles et fluides. Ce n'est pas un processus laborieux. Ne vous méprenez pas. C' est un processus de réflexion, intensif. Mais ces dessins sont conçus pour être réalisés assez rapidement. En regardant ces trois dessins, je pense qu'ils sont très descriptifs. Et ce qu'ils décrivent, c'est comment ce personnage se porte lui-même. En d'autres termes, son attitude. Vous pouvez avoir un sens pour qui il est en tant qu'être humain ou animal humain, dans ce cas, juste à travers le simple flux de la position de son corps, sa pose. En ce sens, je pense que ces dessins sont également très précis, pas nécessairement précis en termes de l'art fini look exact dans le sens où il semble que chaque élément de son corps agit tous vers une émotion singulière. Et, bien sûr, il ne faut pas faire un grand saut d'imagination pour voir que c'est exactement ce que nous voulons faire dans l'art du livre pour enfants, aussi. La raison pour laquelle je vous montre cette animation est que les animateurs doivent dessiner autant images pour transmettre le sens du mouvement. Donc, par nécessité, les animateurs ont dû réduire leur art aux éléments les plus simples et les plus expressifs possibles. Et étudier l'animation c'est vraiment comme ça que j'ai commencé mon voyage dans l'art. En fait, je n'ai pas commencé à vouloir être peintre ou illustrateur. J' ai commencé avec l'inspiration de l'héritage de l'animation Disney, et je voulais être un animateur pour ne pas entrer dans mon histoire de vie, mais j'ai fini par m'éloigner de cela. Mais je suis vraiment heureux. J' ai commencé pendant quelques années à étudier l'animation parce que j'ai développé un vraiment respect, je suppose, pour le pouvoir de l'opposition. Bon, donc je veux te montrer ce que je cherche quand je fais un dessin geste, et c'est vraiment un truc personnel. C' est l'autre chose magnifique à propos des gestes, c'est que chaque artiste est autorisé à chercher ce qu'il pense être la chose la plus importante, et je vais vous montrer ce que je cherche. La première chose que je fais est de chercher une seule ligne, si possible, qui décrit toute la pose. Vous avez probablement entendu ça appelé la ligne d'action. Um, ce sera généralement une courbe S, une courbe C ou une droite dans ce 1er 1 ici par exemple, c'est une courbe C, et ça ressemble à ça maintenant, quand je dis que le terme chercheur de vous pense à la La lettre C est comme ça, non ? On verra. Courbe pourrait aussi être comme ça, ou comme ça, ou comme ça, comme ça pourrait être différentes variations de la lettre C. Comme celui-ci a un cône assez dur juste là et puis c'est plus lisse ici. Cette deuxième pose ici est une bordure similaire, bien qu'elle soit plus raide en haut. Donc, vous savez où ressemble cette courbe C que la deuxième courbe C a plus d'un virage en haut . C' est presque comme une forme de L inversée, qui relève de la catégorie d'une courbe C. Ça affecte l'attitude juste légèrement, évidemment, ces air pour voir les courbes donc ils vont être similaires. Cela dit aussi orteil comment les gens de riel posent. Vous savez, vous et moi avons eu des années d'expérience dans la vraie vie, vous savez, construire notre mémoire musculaire dans nos habitudes et nos attitudes et tout ce qui se filtre jusqu'à notre porte pour se poser comme notre façon naturelle que vous et moi nous tenir quand nous marchons ou quand nous nous asseyons quand nous nous tenons. Sergio Pablos a mis en œuvre ce sens de l'histoire dans ce personnage. Si vous avez vu le film, ce personnage fait beaucoup de courbes C dans sa pose, vous savez, vous savez, parlant de demandeurs, cette troisième pose est aussi un chercheur de, bien que cette fois elle soit inversée, ça va dans l'autre sens, et je vais juste lui jeter n'importe qui pour qu'on puisse comparer les trois maintenant. La prochaine chose qui est vraiment, vraiment important de chercher au moins ce que je cherche. Et je tiens à vous rappeler à ce stade que chaque artiste peut avoir son propre système de priorités. Mais ce que je cherche, c'est comment la ligne d'épaule traverse la ligne d'action. Donc, j'ai choisi une couleur différente ici, et c'est juste un simple est de faire quelque chose comme ça. Faire ce croisement en T où la ligne d'épaule est la 2e 1 ici est très similaire à la première, Bien que beaucoup comme la ligne d'action, il y a une différence d'angle jamais si légère. C' est l'autre chose qui est super puissante dans le geste parce que, comme nous avons tous l'expérience avec, nous sommes extrêmement bons pour lire le langage corporel des gens. Vous savez, le moindre tour d'épaule peut sembler grossier ou la poussée d'une poitrine peut sembler courageuse . L' affaissement d'un ese congéal du dos. Nous avons une vie d'expérience de lecture de la posture des gens, donc l'angle exact, le croisement exact des épaules à la ligne d'action du corps est ce que je pense vraiment est indispensable imposant. Et dans celui-ci, nous avons la ligne de passage ici. La prochaine chose que j'aime faire est à peu près la même chose que l'exercice de l'épaule que nous venons de faire, mais je l'applique aux hanches. Donc, si vous pensez à l'endroit où se trouve le sommet de la hanche, vous connaissez les deux points les plus élevés de la crête iliaque, qui sont les os de la hanche. Pensez à l'endroit où sont ces deux points, et il suffit de tracer la ligne vers le bas. Celui-ci est un peu comme ça, et celui-ci est hors cadre, mais on peut imaginer que c'est probablement quelque chose comme ça, et ce sont les panneaux routiers que je cherche dans n'importe quelle pose que je dessine. Cela inclut quand je dessine des gestes à partir de modèles riel comme des gens de la vie réelle, ou quand je suis en train d'inventer un personnage de mon imagination. Je commence toujours ici à éteindre l'œuvre d'art. Vous pouvez voir ce que je veux dire par panneaux routiers. C' est comme ça me donne un peu de carte sur la façon de bloquer dans le dessin réel du personnage. Maintenant que nous avons la ligne d'épaule en place, je fais la même chose que la ligne d'action du corps, cette ligne rouge. Mais je le fais aux bras. Et il n'est pas surprenant que les bras de ce personnage font aussi beaucoup de courbes C comme un moyen de faire écho à la courbe C dans le corps. Vous voyez, on parle déjà de design ici. Je pourrais faire un chercheur de leur une courbe C plus droite là-bas. Cette ligne est très proche de droite, mais pas tout à fait. Il a encore un peu d'arc à elle. Et, bien sûr, j'essaie de m'assurer que la ligne bleue croise en quelque sorte les points d'épaule. Pas ce point. Il croise là où les épaules sont à droite sur ce poteau. Ici, il est presque comme le bras est un chercheur que l'avant-bras est une courbe droite Remember s , voir les courbes et les détroits. Vous pouvez les combiner. Ce 12 C'est un peu comme un chercheur de cette façon et une belle droite Vous voyez comment les personnages ont eu beaucoup de poids sur sa main, juste là, comme sa main est, vous savez, sa main est solidement posée sur sa hanche comme saisir sa hanche. Chaque fois que vous avez quelque chose qui contient du poids comme ça ou de la force, généralement une courbe plus droite communiquera cette force un peu plus fortement qu'un chercheur de ou s courbe que vous remarquez. Même dans cette pose, sa main pousse hors d'une table. Donc le bras doit être plus droit parce que ça semble indiquer qu'il engage ses muscles. Ainsi, le geste est même lié au raisonnement anatomique. Ce qui est cool, c'est que tu n'as pas besoin de connaître l'anatomie pour pouvoir faire des gestes. Eh bien, en fait, quand j'ai appris le dessin, je n'ai pas touché l'anatomie pendant 2 à 3 ans, j'ai passé 100 % de ma concentration sur le geste et peut-être une construction de forme de base, que je vais entrer dans juste après ça. Quoi qu'il en soit, sur ce troisième poteau ici, ce bras est comme une courbe en C raide presque comme un hameçon, et ce bras est une courbe en C plus gracieuse. , Bien sûr, jambes de ce personnage ont été coupées. Donc, dans le but de vous montrer le corps entier, je veux soulever ce dossier ici. Ce ne sont que des dessins du coup de Glenville que j'ai étudié indirectement de mon professeur . Mon premier professeur de dessin était un grand disciple de Glenn, donc la façon dont il m'a enseigné était la façon dont Glenn l'a enseigné. Donc c'est un peu une lignée là-bas. Je peux retracer mon apprentissage jusqu'aux enseignements de Glenn. Quoi qu'il en soit, vous devriez reconnaître la plupart de ce qui se passe ici. Bien sûr, il y a quelques jambes ici, mais les jambes sont juste traitées comme les bras. Tu sais, quand on a fait les bras ici, Glenn fait la même chose avec les jambes, et je veux dire que tu vois comment il a cette double ligne comme si ça ressemblait presque ces lignes de contour d'air. Ils ne le sont pas. Il n'essaie pas de dessiner ah, jambe. C' est toujours un geste. Si jamais tu peux regarder Glenn dessiner, il fait souvent ce genre de truc rythmique comme l'enfer pour le geste de la jambe. Il va faire un coup en descendant le haut, puis soulever son crayon et comme juste sentir le rythme de son bras. Pendant qu'il fait ça, il va faire la course de cette façon. Donc, au lieu de faire une ligne comme ça, il va aller comme ça et, comme, laisser ce rythme respirer un peu sur la page,pour ainsi dire, pour ainsi dire, la façon dont vous dessinez des gestes peut prendre des années à développer. Même s'ils sont si simples, le geste est tout aussi axé sur le sentiment qu'il est sur la réalité physique, et cela vous forcera à regarder votre travail sous un angle légèrement différent. L' autre information que nous n'avons pas encore regardée est ce qu'il fait avec les têtes ici. L' autre information que nous n'avons pas encore regardée est ce qu'il fait avec les Tu sais, quand on a fait ça, je n'avais pas vraiment affaire à la tête. J' ai juste mis la ligne d'action là. Mais ici, Glenn est assez précis sur l'orientation de la tête. Donc je regarde cette figure assise ici. D' habitude, il bloque. C' était une sorte d'ovale en forme d'oeuf, puis il jettera une ellipse pour montrer l'axe de la tête. Et Glenn commencera ses gestes de cette façon. Et ce qu'il fera, c'est qu'il va descendre le corps. Dans ce cas, voici un exemple de courbe s. En passant, la colonne vertébrale affaissement rencontrant les jambes rendant cette sorte gracieuse d'hommes de s trouvera la ligne d'épaule . Parfois, je dessine aussi de petites ellipses là pour indiquer que vous savez, que le plan des épaules et puis vous savez plus geste vers le bas le corps ici. Ce bras s'est affaissé vers l'avant, prenant un peu de poids sur la jambe. Alors peut-être que je vais utiliser un droit là. Puis les genoux remontent un peu plus haut. Parfois, il aide à mettre un peu de X ou une sorte de point et ensuite vous pouvez dessiner à cela. Et puis peut-être que l'autre genou est juste dehors. Et je pouvais geste vers ça et les pieds, et parfois ça aide à utiliser des lignes ou, vous savez, sorte de course directionnelle ou un coup qui révèle la direction, je dois dire, pour les pieds et encore. C' est quelque chose que Glenn fait tout au long de son dessin gestuel, vous savez, d'autres choses à remarquer. Dans le dessin de Glenn, regardez ce bras flottant comme si vous n'aviez pas littéralement à dessiner un croisement en T pour l' épaule tant que vous savez où sont les épaules, comme le geste peut communiquer que le croisement sans vous avoir à le dessiner littéralement. Vous remarquez que dans la plupart de ces Glenn ne dessine pas vraiment le même passage en T. J' ai tendance à le dessiner dans mon travail juste parce que cela semble m'aider. Mais, vous savez, vous n'avez pas à faire ça tant que vous observez ces modèles que le corps fera . J' aime sur ce geste en bas à droite ici. C' est une courbe de s gracieuse avec une belle, nette, droite pour contrebalancer la s. Maintenant, ce n'est pas une règle que vous n'avez pas à utiliser des détroits. Contrebalance s il n'y a pas de règles. En fait, Glenville s'est fait sauter. Vous dira qu'il n'y a pas de règles, juste des outils. C' est son fameux dicton. Donc, il n'y a pas de règles, mais parfois une courbe de s contrebalancée par une ligne droite plus nette pourrait sembler agréable. Vous savez, design est souvent basé sur le contraste, alors que ce post va dans le sens inverse, et il utilise, en quelque sorte, des courbes semblables. Vous connaissez des courbes fluides similaires et vous obtenez deux attitudes différentes. Tu sais, ce top ressemble plus à un danseur ou à un petit enfant heureux ou à quelque chose où le plus bas ressemble à un peu plus agressif que ça. Et c'est l'autre chose magnifique à propos du geste. Lorsque vous mettez ces courbes sur votre propre travail, ils commenceront à communiquer avec vous immédiatement. Et je me souviens que c'était une véritable percée dans mon progrès quand cela a commencé à se produire. D' accord, ce que j'aimerais faire maintenant, c'est tirer quelques gestes de référence. Donc, nous allons limiter ces dessins à, vous savez, environ une minute chacun. Je ne garde pas le temps, mais, vous savez, les gestes ont tendance à être rapides, comme je viens de parler. Et d'habitude, je les fais en une minute ou moins. Cette femme ici est une belle courbe qui traverse, euh vous remarquez que j'ai les épaules, les hanches. Voici la tête qui arrive maintenant genre de Glenville qui sorte de lèvres pour identifier la ligne des yeux comme l'inclinaison de la tête. Et maintenant, je suis juste en train de l'étoffer un peu. Ce ne sont pas des contours. Ils font peut-être allusion à des contours, mais comme il y a les genoux et je vais juste faire un geste vers le bas. Je ne suis pas inquiet de concevoir les jambes comme les contras des jambes, mais je suis juste inquiet de capturer cette poussée de base de la hanche qui est si caractéristique de cette pose, et j'utiliserai des lignes que je ressens juste vont m'aider. Maintenant. Je sais que ce n'est pas très utile, mais c'est là que l'expérience entre en jeu. Je dessine nos lignes que je connais d'expérience. Aide-moi avec la pose, et c'est un peu comme ça. Je commence avec ce genre de truc de l'homme presque bâton, et puis j'entre dans une sorte de quasi-contours ici. Faisons un autre. Je change ma brosse cette fois juste pour te montrer ça. Vous savez, certainement le pinceau que vous choisissez n'a pas d'importance. J' ai la tête, épaule et le bras cette fois parce que je pense qu'ils décrivent tellement que le Chercheur du Corps est deuxième. Mais que ces bras poussent tellement vers l'avant que je voulais obtenir d'abord et puis je suis juste capturer, vous savez, l'inclinaison du pied ou des pieds et ah, que pour deux qu'elle porte rend un peu intéressant geste lui-même, avec quelques détroits qui jouent contre la courbe C à nouveau, Chaque pose présentera différentes opportunités pour votre geste. D' accord, voici une autre, et j'utiliserai une approche totalement différente cette fois-ci. Utilisez un pinceau marqueur et remplissez le geste comme si c'était comme un gros marqueur épais que j'utilisais. Je pense toujours à, vous savez, vous pouvez voir la courbe S qui traverse son corps. Ils sont en bas de sa jambe gauche en bloquant dans sa jambe droite. Et puis maintenant, il a changé ma brosse en une brosse plus linéaire, et je peux revenir sur le dessus à nouveau. Ce ne sont pas des lignes de contour. C' est juste un peu un raffinement sur mon geste super abstrait que j'ai mis dans. Je fais différentes méthodes pour tous ces gestes juste pour ramener les gars à la maison qu'il n'y a pas une façon de le faire. Une des chutes de l'apprentissage de l'art d'une autre personne, par opposition à aimer être pleinement exploré de vous-même. C' est très facile. Être enfermé dans la façon de faire les choses comme tes professeurs. Je veux donc vous montrer qu'il n'y a pas une seule façon de faire les choses, surtout quand il s'agit de geste, ce qui, encore une fois, est plus une chose de ressenti. Bon, donc pour celui-là, je ne vais pas commencer par la tête. Je vais commencer par les jambes parce que la courbe C est si évidente. C' est la partie la plus importante de cette pose. Selon moi, Eso commence là. Et quand il s'agit de rudesse dans le reste des proportions comme je le fais maintenant, je vais juste le balancer en fonction de l'endroit où se trouvent les jambes, vous savez, habitude je commence par la tête et descend. C' est ce que j'ai d'habitude dio. Mais en l'espèce, cela justifiait l'approche inverse. Et je pourrais appeler ça, maintenant. Mais j'essaie juste de cartographier à nouveau ces quasi-contours juste pour voir si je peux me connecter comme la hanche à l'épaule de la hanche, au coude, juste explorer la pose en termes de comment elle coule. Donc celui-ci est plutôt une vue de dos où le bras est comme chevaucher le corps. Ceux-ci pourraient être un peu plus difficiles, donc je ralentit un peu, obtenant un peu plus de la tête bloquée plus précisément, toujours en mouvement rapide, cependant. Un peu de courbe vers le bas du corps. Donc je vais juste rétrécir ça ici pour que je puisse mettre tout le corps sur la page, ce qui est un problème courant que j'ai. J' ai toujours tendance à dessiner trop gros. , Maintenant que j'ai la tête en quelque sorte,j'ai confiné ces courbes un peu plus précisément trouver l'épaule, toujours trouver où est la main. À ce stade, je vais commencer à localiser où sont ces hanches, parce que cela aidera avec les proportions. Donc ils sont là à propos de leur Et puis de là, bien sûr, geste vers les jambes et puis trouver les pieds, vous pouvez vraiment penser à geste comme trouver la pose. Tu sais, je ne sais pas toujours exactement où se trouvent la main, les pieds ou les hanches. Et parce que le geste est si libre, vous pourriez faire, genre, cinq ou six lignes pour tester où vous pensez que les choses sont et ensuite vous engager à celle qui vous semble la plus exacte. Donc, comme un petit bonus rapide pour celui-ci juste pour vous montrer le que vous savez, la liberté dans le pouvoir et le plaisir du geste. Je vais juste faire une variation sur cette pose. Donc bloc dans la tête à peu près de la même manière que dans la référence comme je veux faire cette pose juste des offshoots de l'original. Donc le corps va être poussé vers l'avant, peut-être un peu plus. Je souligne les courbes dans le put original, en jetant les deux bras en arrière, en poussant la hanche vers la gauche. Cela ressemble presque à une manœuvre de danse gracieuse ou quelque chose à ce stade, mais il est inspiré par l'original. Vous pouvez voir comment l'un vient de l'autre. Donc, c'est comme ça que vous pouvez prendre la référence photo et vous éloigner de la sorte de copier aveuglément. Plutôt l'utiliser comme tremplin dans le monde de votre imagination. Ce qui est, bien sûr, le monde dans lequel vous voulez être quand vous illustrez les livres pour enfants. Ok, passons à la section suivante où nous parlerons du volume et de la forme de construction sur notre geste 6. Chapitre 2 - Formulaire: Alors maintenant que nous avons le geste, nous voulons commencer à construire des formes. Et quand je dis forme, je veux dire comme des objets tridimensionnels basiques comme cette année que je dessine est une simple forme de boîte . Il a un plan qui pointe vers le haut un plan qui pointe vers le haut et un plan qui pointe vers le côté. Vous savez, nous avons une idée de sa trois dimensions ou d'autres fois où vous pouvez avoir, genre, ce cercle ici. Contrairement à la boîte. Je ne peux pas séparer ça en plans évidents, mais je veux que ça paraisse plus dimensionnel. Donc quelque chose que nous pouvons faire est que nous pouvons mettre dans une bouche en faisant le tour du cercle, ce qui en fait une sphère. Je pourrais même le faire à partir de l'autre axe de cette façon, faisant le tour de la forme, et nous avons maintenant une idée de sa trois dimensions. Ces lignes qui passent sur le formulaire sont appelées contours croisés. Nous allons utiliser beaucoup de contours croisés et le reste de cette classe. Disons que j'ai eu un geste qui ressemblait à ça comme un petit chercheur de geste comme on l'a vu auparavant. Eh bien, maintenant ce que je pourrais faire, c'est mettre une boîte sur cette partie juste très rapidement. Pas besoin d'être comme une sorte de boite parfaitement précise techniquement. Ça pourrait être juste rapide. Et puis disons que je mets comme une sphère juste là ou un cercle à ce stade. Et parce que je l'ai fait sur un calque, je peux toujours diminuer mon dessin gestuel. Et maintenant ce que je peux faire, c'est utiliser des contours croisés. Je peux comprendre un peu plus précisément quelles sont les trois dimensions de ce petit objet. Tu vois comment ça renverse pour que la sphère se glisse ici ? Ce serait comme où l'estomac serait. Il se glisse et revient ici. J' ai ça sur la couche pour me laisser assombrir ça aussi. Et puis sur un nouveau calque, je pourrais commencer à mieux comprendre la forme que je dessine ici. Ce sont des lignes de contour réelles. Maintenant, cette boîte va être sur le dessus de la sphère donc elle descend mais n'a pas de chevauchement là-bas. Et puis de derrière elle vient la masse de la sphère. De cette partie. Il y a un peu d'un étirement qui se passe ici est comme la forme sorte de donne si peu d'un étirement, puis il prend la forme de la sphère. Ça ressemble à un torse, n'est-ce pas ? En fait, c'est une construction très commune pour un torse. Vous pouvez utiliser des boîtes ou des sphères ou quoi que ce soit. Peu importe ce qui vous convient, vous me laissez faire rapidement des gestes dans quelques bras. Comme si les épaules sont là, peut-être qu'il y a un bras qui vient de cette façon avec la main qui descend. Et peut-être que ce bras sortira de nouveau par là. J' utilise des courbes. Je pense aux secrets. Demandez des droites. Je reviens tout de suite à mon geste Langue les fondamentaux du dessin peuvent couler ensemble. Vous pouvez passer du geste à la forme, revenir au geste, etc. Alors peut-être qu'il y a une tête là-haut qui est pointée toutes les ellipses dessinées pointant vers le haut comme si c' était un danseur ou quelque chose comme ça. Il y a une tête là-bas et peut-être qu'il y a des cheveux qui se répandent par là. Quelques courbes fluides. Maintenant ce que je vais faire, c'est que je vais passer en mode construction. Un point de repère où je pense que le coude serait. Celui-ci est ici, et je vais utiliser un cylindre pour tirer ces bras. Maintenant, un cylindre a un haut, un fond. Et puis, bien sûr, la connexion, qui est assez droite. Maintenant, la chose délicate à propos des cylindres est la façon dont l'ellipse va dépend de votre vue. Ce cylindre que je regarde légèrement vers le bas, ce qui signifie que je peux voir le haut de cette ellipse. Même avec celui-ci. Si je voulais dessiner à travers le formulaire, vous pourriez voir le haut de celui-ci. Maintenant, contrastez ça avec l'autre. Je ferai avec le même genre de chose. Mais celui-là, je vais aller, comme au-dessus de ma ligne des yeux et je ferai de ce côté aussi. Mais cette fois, je vais le boucler de cette façon. Donc ça imite un cylindre où je le regarde dans cet avion, je pouvais voir le haut, mais là je regarde. Et ça, le dos passe en dessous de cette façon. Vous savez, cet avion est pointé comme ça dans l'espace. Tu vois la différence entre ces deux-là ? Ce plan supérieur est orienté vers nos yeux, alors que celui-ci s'en va. C' est un peu subtil de construction sur lequel vous devez avoir le contrôle. Et je vais l'appliquer à ce chiffre tout de suite. Donc, parce qu'on regarde légèrement ce modèle, ne voit pas le haut de l'épaule. Donc je vais dessiner les lèvres qui s'éloignent de nous. Même avec le coude ici. Ça va être comme ça. Et puis je pourrais juste les connecter. Quand je pouvais faire est que je peux aussi traverser le contour de ce cylindre pour souligner la forme. Je pense que c'est peut-être un peu court. Peut-être que le coude est peut-être un ici. Et puis je vais ah, ballpark vite où est le poignet, et je vais faire un autre cylindre. Seulement cette fois, l'Ellipse au bout de ce cylindre va aller par là, indiquant qu'il y a un léger virage dans le coude. Maintenant, vous remarquez que ma main gestuelle est tout le chemin par ici. C' est faux. Ce n'est plus au bon endroit. Le geste a déjà servi son but. Je suis en train de le raffiner. Je construis sur le dessus avec ma construction. Avec mes formes en trois dimensions pour la main, je vais dessiner une boîte assez simple sorte de descendre de cette façon, sorte de boîte conique pour indiquer à la fois le poème et les zones des doigts de la main. Et puis très rapidement je vais faire le même processus pour l'autre côté en utilisant des cylindres. N' oubliez pas de les croiser. Cela aide toujours à comprendre dans quelle direction la forme coule. Peut-être que la boîte pour sa main sera un peu tordue ici et ensuite pour la tête. C' est en grande partie la même chose. Ce que j'ai mis dans est une sorte de combinaison d'une sphère dans une boîte. Donc ce que je vais faire, c'est le pousser dans la direction d'une boîte, trouver où est ce plan latéral étant avec plan latéral, puis nous avons à travers Contra ici, enveloppant autour du côté de la boîte. C' est le dessous de la boîte juste ici. Et puis le cou, bien sûr, sort là-bas comme un cylindre. Alors mettez-le dedans. Nous pouvions le voir de notre imagination. Je n'utilise aucune référence pour cette semaine des figures simples non facturées qui ont réellement le mouvement et l'attente et des poses dynamiques à eux. Connaître l'orientation de cette boîte m'aidera aussi à placer des choses comme le nez qui est en soi comme une petite boîte. Un peu comme ça, bien sûr, regardaient cette tête, alors on va voir le dessous du nez comme on voit le dessous du menton et la mâchoire. Et à partir d'ici, vous savez, vous pourriez commencer à ciseler certaines choses. Vous pouvez toujours ajouter plus de contours croisés en passant sur le formulaire pour vous aider à comprendre ce qui se passe . Par exemple, cette ellipse monte comme ça, mais l'ellipse ici irait de cette façon, et les lèvres encore plus bas seraient encore plus raides. Pouvez-vous voir comment cela informe vraiment la dimensionnalité du dessin ? Et juste pour le plaisir ? Si je voulais ajouter des jambes à cela, je pourrais penser à où serait le cylindre. Descendez ce cylindre. Allons-la. Allons monter une jambe par là. Donc ce cylindre serait l'Ellipse serait de cette façon et sortirait ensuite. Ils sont moi ici. Évidemment, c'est recadré cylindre, et ensuite on peut relier ces masses ici. C' est essentiellement le dessin de figure de base. Ne vous inquiétez pas. Je sais que c'est une classe d'illustration de livre pour enfants, pas une classe de dessin de figure, mais ces fondamentaux de dessin d'air qui sont essentiels pour ce qui est à venir et je ne veux pas que quelqu'un soit laissé dans l'obscurité ici. Si toute cette notion de construction de formes est très nouvelle pour vous, je recommande de vous arrêter ici dans la pratique. Et voici un exercice très basique. Je vais dessiner deux cercles, un chevauchant l'autre et en utilisant la même couleur de lumière, je croiserai Contour genre de chose intéressante, comme passer sur les sphères et différents axes comme ça. Maintenant, avec une couleur plus foncée, je veux construire la forme finale et les exercices, en visualisant quelle sphère est devant et qui craint derrière. Donc je vais commencer par le loin. Ça va être derrière, donc je vais commencer par celui-là. Ici. Ça descend. Maintenant, je vais m'arrêter autour de ce point parce que c'est là que la sphère la plus proche le chevauche. Alors je vais dessiner son contour. Et maintenant, pour montrer le chevauchement tridimensionnel à ce petit noyau d'une forme qui aide vraiment à communiquer qu'une sphère est en face d'une autre. Et de ce côté, il s'étire un peu et descend pour rencontrer cette sphère comme celle-ci. Et puis je pourrais juste envelopper ça comme ça. Ensuite, je peux encore ramener mes contours de croix essentiellement nous avons une sorte de torse . On dirait presque qu'on regarde l'arrière d'une figure. En voici un autre. Dessinez un cercle là et un cercle ici. Donnez-lui rapidement des contours croisés. Ceci est similaire ravi plus tôt. Mais sur celui-ci, faisons en sorte que la sphère supérieure soit devant dans le sirop inférieur, soyez derrière. Donc encore une fois, je vais passer à une couleur plus foncée. On va commencer par ça dehors. On descend comme ça. Donc ici, je ramène mon contour en sentant la forme de cette sphère. Maintenant, c'est devant. Ça va se chevaucher comme ça. Puis de derrière vient cette sphère et nous complétons ce volume comme ça. Et puis, bien sûr, je pourrais ramener mes contours croisés pour améliorer ma compréhension de cette forme. Je pourrais traverser le contour de cette façon. C' est similaire au chiffre que nous venons de dessiner. Que diriez-vous d'un mot plus d'une forme carrée comme celle-ci où nous pouvons vraiment voir le dessous de celui-ci. Et puis voici une sphère. contour croisé ressemblerait à ça au milieu de cette boîte ici et c' est comme un torse tordu. Pouvez-vous voir comment ce contour croisé aide vraiment à montrer cette torsion. Maintenant, ce que je pourrais faire avec ma couleur plus foncée, c'est de le revoir et de trouver exactement où une forme est superposée par l'autre. Je pense que cette sphère se chevaucherait comme ça. Je peux dessiner ce petit. J' ai entendu ça appelé l'effet accordéon à l'école d'animation. Ces petits morceaux sur le dessin ici qui descend, ça arrive en bas, mais c'est encore chevauché par la sphère. Nous obtenons donc ces petits exercices de forme D convaincants qui sont en quelque sorte emblématiques du corps humain. Mais ils n'ont pas à l'être. L' idée est que vous êtes capable de transformer mentalement la page bidimensionnelle en un espace tridimensionnel , vous savez, et de penser à votre geste comme celui-ci et ensuite peut-être construire quelques formes simples de boîte sur le dessus , c'est un excellent moyen de se mettre en phase avec la façon dont ces fondamentaux se connectent. Sa boîte du fond est peut-être par ici. On le regarde comme ça. Et dans ce cas, vous pourriez juste être créatif avec ce contour final, vous arrivez à un peu de, ah, la dépression ici, car ces formes sont organiques et squishy. C' est un exercice que mon professeur m'a eu Savez-vous quand j'irais à la classe de dessin de figure avant le si le modèle était jamais en retard ou quelque chose comme ça ? On ferait ça. Nous ferions simplement dessiner des cercles ou des boîtes et les relier et avoir toutes sortes de plaisir avec eux. Une autre chose que vous pouvez faire est d'anticiper les chevauchements. Je vais dessiner un cercle ici, et ensuite je vais tomber derrière. Cette autre forme Donc ça a déjà l'air de trois D et puis j'aurai juste une couleur plus foncée et je comprendrai que vous savez où ce chevauchement se passe ici. Cette venue dans les fronts qui sortent de derrière et puis je peux croiser les contours qui ont vraiment comprendre sa forme. Voici une autre petite variation rapide sur cet exercice va dessiner une petite boîte juste pour qu' on sache avec quoi on travaille. Et je veux tordre cette forme comme si elle était vivante ou quelque chose comme ça. Et si j'essayais quelque chose comme ça ? C' est le plan supérieur de la boîte que nous voyons peut-être un peu de son dos et le fond se tord et la boîte comme sort ici. J' ai juste jeté ça dans une ombre pour dire que vous voyez la boîte. On dirait qu'il a une colonne vertébrale ou quelque chose comme ça. Maintenant, c'est comme un personnage sorti d'une boîte. Euh, essayons. Un autre aura le plan latéral. C' est l'avion latéral et ça fait ça et c'est comme sortir. C' est marcher sur le tapis rouge ou quelque chose de nouveau. Parfois, il aide juste à jeter l'un des plans arrière dans l'ombre. Tu sais ce que ça me rappelle ? Rappelez-vous ce personnage d'Aladdin, le personnage de tapis ? Il n'est même pas une boîte. C' est un rectangle. Il n'a pas vraiment la même épaisseur que la boîte. Il est juste plat, mais ce tapis est un personnage de motivation avec, comme, géométrie irréductible simple. Et quand il s'agit d'amener votre cerveau à comprendre les formes en trois dimensions dans l'espace, je pense que dessiner ce personnage de tapis magique est un très bon exercice que vous pouvez obtenir, comme, vous savez, Il a des pieds à travers ces trucs de fibre de moquette. Je ne sais pas comment on les appelle. Ces choses sur le dessin maintenant. Ce serait ses mains, mais vous savez qu'il y a une opposition qui semble être sournois ou timide ou quelque chose comme ça. Vous pouviez voir que j'ai eu mon premier geste là-bas, au fait. Et si je veux être responsable de mes trois dimensions, je pourrais traverser le contour au milieu de ce pli ici. Quand il s'enroule derrière le tapis, j'utiliserai des lignes déconnectées comme ça. Ça sort devant, vers le bas. Tu sais, quand ce contour croisé retrace la ligne centrale de notre personnage de tapis magique ici. Si vous vouliez le clarifier davantage, prenez tout ce qui est caché en dessous et jetez juste une petite valeur sur elle pour une ombre, et vous aurez l'impression que cette partie supérieure va se manifester. Vous n'avez pas à le faire, mais c'est juste quelque chose qui est vraiment, vraiment bon pour revenir. Obtenir votre cerveau à reconnaître, pas à reconnaître. C' est ton cerveau à interpréter. La page bidimensionnelle a un espace tridimensionnel. C' est une sorte de point central de tout dessin réussi est que vous voulez être en mesure de le faire. Le truc cool avec le personnage de tapis magique, c'est qu'il peut aimer, plier et s'onduler sur lui-même, non ? C' est un tapis, donc tu verras comme le devant de lui. Et puis autour de l'arrière, vous verrez que le dessous est en quelque sorte enroulé autour de nouveau. Je vais juste jeter ça dans une ombre rapide là-bas et puis peut-être ses bras tranchent les jambes choses. S' il vole ici pendant que vous avez droit, je vais bloquer ces cylindres. Bien que ces cylindres coniques à air droit, ils ne sont pas droits sur leur genre d'un côté est plus court que l'autre. Droit ? Comme ça, le cylindre comme ça, comme 1/2 cylindre demi-cône, je suppose qu'avec son petit truc de fibre de moquette, il est de toute façon, allons avoir un véritable contour transversal là-dedans, donc nous comprendre sa dimension. C' est juste comme une modification à cela. Et si on effaçait cette partie et qu'on l'avait presque agité à la caméra comme si cette partie venait, et c'est comme , tu sais, on peut voir le dessous et il donne une petite vague à la caméra quelque chose. Ce serait le dessous, donc je le jette dans l'ombre. Quelque chose comme ça. Voyez si vous pouvez faire fonctionner ça. Tu sais, c'est le genre de chose qui va vraiment étirer ton cerveau pour reconvertir deux dimensions en trois d'une manière instinctive intrinsèque, je dois dire, et ça va encore, juste pour vous, vous savez, dessiner des personnages. Ce qui ne t'inquiète pas. On va aller au dessin du personnage réel. Juste après ça, on va parler de formes, dont je veux parler avant de faire ça, puis on va se lancer dans un dessin de personnage de feu rapide. Voyons voir, juste pour le plaisir juste pour arrondir la page. Et un frère ? Encore plus, mais tournez-vous vers lui. Voyons voir comme s'il marchait triomphalement en avant ou quelque chose comme ça. Voyons si je pouvais comprendre ça. Donc ça va être difficile. Alors où ça va être comme l'arrière de lui. Ce serait l'avant. Disons que je veux planter un pied. Ce pied sera là. Mettez ce petit cylindre là-dedans. C' est une main. C' est l'autre main, et puis c'est son autre pied. Je n'ai pas besoin de cette ligne au milieu, juste essayer de résoudre un problème en temps réel et d'essayer de le garder gestuel. Mais en même temps, j'essaie de penser à la forme et au geste, en quelque sorte tout en même temps, parce que ce post se tord et tourne tellement dramatiquement, je trouve que je n'ai pas tout à fait besoin du geste et il y a tellement de choses. J' ai juste besoin d'y penser en dessinant ces formes qui se chevauchent. Ce serait son autre pied, bien sûr, comme s'il faisait un pas en avant et se tordait, comme si, si tu cherchais quelque part, il regardait dehors. Comme ça, je peux jeter ça dans l'ombre, c'est de communiquer cette pose. On y va. C' est vrai, vrai, un bon petit exercice. Informer. Ok, mais comme je l'ai dit, il y a un autre fondamental à parler. Avant de commencer à combiner tout cela et de faire des dessins de personnages réels, ce fondamental est la forme. Alors je te verrai dans la prochaine section où on parlera de forme. 7. Chapitre 2 - Forme: forme est le troisième élément fondamental important du riel que nous devons examiner avant de pouvoir commencer appliquer toutes ces choses ensemble. Et j'aimerais ouvrir la section avec ma philosophie globale du design de forme. Comme je l'ai déjà mentionné, il n'y a pas de règles avec ce genre de choses. Donc, si vous n'êtes pas guidé par les règles, par quoi êtes-vous guidé ? Eh bien, vous devez être guidé par une philosophie. Beaucoup d'artistes ont des philosophies similaires. Beaucoup d'artistes auront des philosophies différentes. J' aimerais donc partager avec vous ma philosophie du design de forme. Et ce sont toutes des idées que j'ai récupérées en partie de mes propres professeurs. Mais plus important encore, d'après mon expérience dans l'application de ces choses, vous savez, habitudes et les croyances que j'ai formées en cours de route, rappelons d'abord quelques documents familiers. Voici les trois dessins que nous avons déjà examinés. Ils sont gestuels et rugueux, et voici les versions finales de ces dessins avec la conception de forme entièrement finie leur est appliquée. La forme est une chose très puissante car elle encapsule les deux. Le geste et la forme du formulaire sont également la déclaration finale que votre public voit réellement. Ils ne voient pas physiquement le geste. Ils ne voient pas physiquement la construction de vos trois formes D. Ils voient les formes. Donc, parlant philosophiquement ici, si vous pensez à l'art que vous produisez pour un livre pour enfants, ce que vous faites, c'est que vous racontez une histoire avec vos photos. C' est pourquoi nous lisons des livres, c'est qu'on nous raconte des histoires. Ainsi, en tant qu'illustrateur du livre pour enfants, les formes que vous utilisez deviennent le véhicule de votre conte. Et quand vous pensez à raconter des histoires, quel est le péché numéro un que vous pouvez commettre chez un conteur ? Vous savez quelle est la chose qui fera qu'un public ne veuille pas écouter vos histoires ? Pour moi, ce péché est ennuyeux ou prévisible, ce qui est une autre version d'être ennuyeux. Si vous racontez une histoire prévisible, le public saura déjà où elle va, donc ils vont s'accorder et ils ne se souviendront pas de vous. C' est quelque chose que nous devons absolument éviter. C' est délicat, cependant, parce que les histoires doivent promettre et livrer certaines choses, comme, par exemple, mais dire que vous allez au cinéma pour voir un film de détective. Eh bien, ce film ferait mieux d'avoir un détective dedans, et ce détective ferait mieux d'enquêter sur quelque chose dans ce film, vous savez, si vous ne respectez pas certaines obligations de base en tant que conteur. C' est une autre façon de perdre votre audience. De toute façon. Dans ce film de détective, il y aura probablement aussi une section où le détective pense qu'il l'a résolu. Mais une torsion inattendue arrive, et il se rend compte qu'il n'en sait pas autant qu'il le pensait. Tu sais, peut-être un personnage qu'il pensait comme son allié se transforme en ennemi. Ces émissions diffusent toutes les conventions de genre des choses que nous attendons en tant que public sur le public, conditionnées par des millénaires d'histoires entendues. Donc, l'astuce avec la narration est de savoir comment satisfaire un public est les attentes tout en travaillant dans ce cadre pour livrer quelque chose d'inattendu et créatif ? Alors rappelez-vous il y a une minute, j'ai dit qu'être prévisible est une autre façon d'être ennuyeux ? Eh bien, je pense que vous devriez avoir une certaine prévisibilité dans votre narration parce que c'est ce qui aidera à lui donner une structure. Mais alors vous devez jouer avec cette structure au bon moment. C' est le genre de chose qui suscitera la confiance dans votre public. Et tout simplement, ils vont rester pour entendre ce que vous avez à dire. Ok, donc vous êtes probablement assis là comme comment ça se rapporte-t-il à distance avec les formes ? Disons qu'on avait une forme comme ça. Un carré. Il est composé de quatre côtés égaux. C' est une forme très commune. En fait, c'est probablement l'une des premières formes que nous avons jamais été introduits en tant que jeunes bébés. Il a donc une identité très forte. Mais en même temps, il n'y a rien de particulièrement intéressant dans un carré. Donc, disons que ce carré représente une forme théorique que nous voulons mettre dans notre dessin . Eh bien, au lieu de le faire comme un carré parfait comme ça, pourquoi ne pas travailler dans ce cadre et juste dévier un peu de la place et faire quelque chose comme ça ? Je ne dis pas que tu dois dessiner tous tes carrés comme ça. Je vous montre juste un exemple de la façon dont nous travaillons au sein d'une structure pour trouver quelque chose peut-être un peu plus inattendu. Et ce faisant, l'espoir est de générer de la créativité. Restez à l'écoute pour la prochaine section de ce chapitre pour appliquer tout ça. C' est une sorte de section théorique ici, mais en travaillant dans le respect de nos obligations de genre ici, ce genre étant un carré et juste en lui donnant notre propre petite torsion. C' est un très bon premier pas vers l'originalité de la forme, une autre méthode courante pour ajuster les formes. On a ce cercle ici, non ? Eh bien, pensez peut-être à appliquer comme une force à ça. Disons qu'une force s'effondre. Eh bien, au lieu du cercle ressemblant à ça, peut-être que le cercle semble maintenant un peu. Attendu de cette façon comme à nouveau, les quatre fournissant vers le bas à elle et ce cercle est affecté presque par la gravité ou quelque chose. Tu pourrais faire la même chose, tu sais, avec la force qui monte. Une autre chose extrêmement commune à faire avec la conception de forme est combinée, courbes et droites. Donc nous avons un cercle sur la place. Disons qu'on commence par le carré comme ça. Mais alors il y a une petite partie ronde. Tu sais, ça monte dans une belleligne droite prévisible, ligne droite prévisible, peut-être une ligne droite voisine. Et puis peut-être qu'il y a ce genre de truc et, vous savez, relie des enclos comme ça. Ce qui est requis ici, ce n'est pas vraiment un talent artistique. Je veux dire, après tout, c'est vraiment facile à faire. Mais ce qu'il faut, c'est que nous engagions votre esprit d'une manière plus philosophique, et je ne veux pas paraître profond avec cela. C' est très simple, mais c'est toute la beauté d'avoir une philosophie. Il vous guide vers des solutions simples. En fait, les chances sont que si vous êtes des dessins, regardez plus compliqué. Cela signifie généralement que vous n'êtes pas vraiment guidé par quoi que ce soit, ce qui signifie que vous n'êtes pas puni par quoi que ce soit, ce qui signifie que vous allez être enclins à faire trop de choses en même temps. Et faire trop de choses à la fois n'est pas une bonne structure. Une autre chose courante qui risque d'être trop prévisible est comme deux lignes parallèles disent, comme, c'est une manche et comme, voici le brassard juste là. d' Au lieud'être votre forme de bras, pourquoi ne pas avoir une de ces lignes droites ? Mais l'autre genre de fait ça et, tu sais, tu sais, peut-être que le brassard fait ça était juste de rompre cette symétrie. Pouvez-vous voir comment il est toujours basé sur une structure très évidente ici ? Je suis simplement en train de riffer sur cette structure, en maintenant sa solidité tout en ajoutant quelque chose de nouveau, même quelque chose d'aussi simple était comme changer l'angle de la symétrie. Donc c'est quelque chose comme ça. Je dirais que c'est plus intéressant que d'habitude de toute façon, encore une fois, il n'y a pas de règles. Rien n'est absolu pour revenir à cette feuille. Jetons un coup d'oeil à cet avant-bras et à son art fini correspondant. Remarquant le dessin gestuel Sergio Pablos n'a pas vraiment prêté beaucoup d'attention au design . Ne vous y trompez pas, il y a encore du design même dans ces dessins bruts. Après tout, Sergio Pablos est de maîtres artistes, quelqu'un qui connaît ses fondamentaux, et quand vous connaissez vos fondamentaux, vous pouvez les combiner. Mais regardez le raffinement de forme qui se passe ici. Ce même avant-bras a un petit crochet droit, puis une autre petite courbe pour former un côté. Et puis de l'autre côté, c'est une courbe qui entre, et avec une petite fin, comme un peu officiel. Puis, bien sûr, il s'évanouit pour le brassard. Pouvez-vous voir comment cette forme est très similaire à ce dont nous parlions ? Cela me rappelle un autre principe vraiment important, un principe que j'utilise tout le temps. Je l'appelle symétrie offset. Donc, si vous pensez à l'avant-bras, je pense que tout le monde sait que l'avant-bras renflue à cause des muscles que vous connaissez , les plus proches du coude. Bien sûr, ce que je viens de dessiner là est trop symétrique, donc la symétrie offset bien la symétrie. Donc au lieu de cela, vous avez ceci où il est encore un peu symétrique, mais c'est l'accès est comme diagonale comme ça. C' est le genre de principe qui est en jeu ici. Sauf en plus de la symétrie offset, Sergio Pablos utilise également des variations de droites et de courbes. Permettez-moi d'évoquer ce diagramme du muscle du mollet humain. Ne vous inquiétez pas, je ne vais pas entrer dans une leçon d'anatomie ici, mais je trouve vraiment intéressant cette nature elle-même. Ne vous inquiétez pas, je ne vais pas entrer dans une leçon d'anatomie ici, Est-ce que cette symétrie décalée ? Vous pouvez le trouver sur tout le corps humain, alors regardons le muscle du mollet sur la gauche. Tracons cette élégante sorte d'avis de courbe C. Son côté voisin a un chercheur, mais c'est compensé si nous examinons où se trouvent les points les plus larges dans cette FAC de part et d'autre. Ils sont juste ici et regardent l'accès ceux pour faire une symétrie offset. Les gars, je vis personnellement. Voici juste un autre petit exemple de briser les formes. Ce bras, toutes fins utiles, est assez symétrique comme je l'ai dit tout à l'heure, ce bras a un peu de poids quand il pousse son corps de la table. Donc, vous savez que la manche sera étirée. Pablo est ici utilise des détroits pour communiquer un sens du poids. Mais laisse-moi prendre ce que je viens de dessiner leur mouvement ici. Ce que j'aime dans ce qui se passe ici, c'est qu'il y a un peu de conique ici et là , il y a des coupures comme ça. C' est juste ce petit accent de forme qui recouvre la structure de deux lignes parallèles , mais il ajoute juste cette petite torsion dessus. Et en parlant des manches, j'aime vraiment ce qui se passe avec ces petits trucs à frous, comme sur les deux manches. Il a ces petits que je ne sais pas ce que c'est. Doubles manches. Je ne sais même pas comment on les appelle. Je les aime parce que cette partie de ses vêtements donne plus de liberté pour briser les formes avant de passer à autre chose. Je veux élaborer un peu sur toute cette histoire de Straits portant du poids. Disons que je dessine ce geste ici. Ce chiffre et je veux dire qu'il y a une table ici et que je veux que ce chiffre soit appuyé sur la table. Voilà l'épaule ici. Utiliser des détroits est un excellent moyen de montrer qu'il y a du poids sur ce bras. Et peut-être que ce bras ici fait un geste comme si cette personne parlait ou quelque chose comme ça. Si je fais le même dessin d'une manière différente, vous pouvez voir que le poids n'est pas tout à fait le même. Donc voici le même genre de geste. Mais si j'avais le chiffre comme ça, vous pouvez voir qu'il n'y a pas beaucoup de poids sur le bras. À mon avis, celui-ci vend l'action plus au spectateur. Maintenant, ne vous méprenez pas. Celui-ci a sa propre action. C' est parfaitement légitime. Il ne semble pas qu'il y ait le même poids sur la table. Un autre exemple est comme une contra pasta. S' opposer à ces poses aériennes étaient comme si la hanche était expulsée. Et puis ce pied porte beaucoup de poids. Un peu comme ça. En utilisant ce droit ici, montre vraiment que cette hanche tient beaucoup du poids de ce personnage, et puis, bien sûr, avec l'autre jambe, vous êtes libre de lui donner une courbe à montrer qu'il y a moins de poids sur ce pied, comme peut-être ces personnages qui marchent ou quelque chose, ou juste commencer à déplacer cette jambe vers l'avant, Ou peut-être les personnages juste encore sur le sol. Peut-être que le bras est attaché à la hanche ici, et vous avez ce genre de droit pour montrer le poids qui est placé dessus. Et puis ce bras est un peu pendu paresseusement sur le côté. Maintenant, je ne veux pas comparer mon travail, Teoh Michel-Ange, mais vous pouvez voir dans cette sculpture très réaliste où tout le poids est placé sur une jambe, le même principe apparaît encore. La seule différence est que les dessins animés sont plus simplifiés et donc plus exagérés. Encore une autre facette de forme est quelque chose que j'appelle rythme continu. Et ce que je veux dire par là, c'est l'endroit où un côté du corps se perd comme s'il allait derrière quelque chose et se ramasse ensuite de l'autre côté. Un bon exemple sont comme ses deux épaules ici. Si je devais tracer la ligne d'épaule ici, elle se perd quand elle passe derrière la tête, mais quand elle est ramassée de l'autre côté, on peut prévoir exactement où elle sortira de la silhouette à cause du rythme c' est en jeu ici. C' est un esprit semblable aux obligations dont je parlais dans la narration. Vous mettez en place un rythme, rompre, puis le public s'attend à ce que vous remplissiez l'obligation de le poursuivre. Et quand vous le faites, vous construisez cette confiance visuelle avec le public. Un autre exemple de rythme continu est cette ligne vers le bas du corps Ici, il est cassé juste là par les chemises. Il est cassé juste là par l'Ascot. Je pense que c'est ce qu'on appelle. Mais nos cerveaux sont assez intelligents pour reconnaître qu'il y a une ligne continue ici. En fait, si vous regardez le geste, tracer cette ligne est littéralement continu. Qui, bien sûr, fait partie de l'ensemble d'outils du dessin gestuel. Vous voulez trouver ce flux directement dans la conception finale. Nous ne pouvons pas littéralement garder ce flux à cause de tous ces éléments, mais nous devons nous assurer que ces rythmes continus sont toujours en place. Regarde par ici. Voici un autre petit sournois. Regardez ce beau rythme du bras jusqu'à la main. Tu vois, c'est la courbe. Il est cassé juste là par le brassard. Mais encore une fois, le rythme est indéniablement maintenu intact. En voici une autre évidente ici que vous pouvez voir ici. Pablo pensait à cette courbe en C vraiment dramatique, juste pour le bras à nouveau dans un dessin geste. Il est très littéral à ce sujet. Dans sa finale, vous pouvez toujours en voir la preuve. Il est juste un peu masqué par, vous savez, vous savez accents de forme et, vous savez, vous savez, formes interrompues tout en préservant l'essence de cela. C' est donc ce que je veux dire quand je dis que les formes encapsulent à la fois le geste et la forme. L' autre chose qui relève de la compétence de la forme est les proportions ou, en d'autres termes, la taille et l'espace entre les éléments. Commençons par regarder l'espacement. Voici un cercle, que je partage à peu près en deux. Ensuite, je vais les diviser en deux et ensuite je vais juste lancer quelques fonctionnalités ici, et nous avons un visage assez générique. Conformément à ma philosophie sur la prévisibilité. y a vraiment rien d'intéressant dans ce personnage que je viens de créer. Franchement, c'est très ennuyeux. Personne ne se souviendrait de cette conception, mais juste en changeant cela, permettez-moi d'appliquer une partie de cette force à la sphère ou à la balle. Et changeons un peu les proportions. Allons y aller quelque chose comme ça. Et ajoutons peut-être une sorte de qualité angulaire aux yeux pour changer leurs formes. Et nous y voilà. C' est plus intéressant. Vous savez, nous avons différents degrés d'espacement entre chaque entité ici, alors qu'avec celle-ci, c'était beaucoup plus prévisible. On pourrait aller dans l'autre sens et étendre la tête comme ça. Peut-être qu'Adam est une sorte de courbes contre une chose droite à cette tête cette fois. Mettons le nez ici dans la bouche. a peut-être nos deux yeux en bas. Peut-être que le nez descend ici et que la bouche est là au lieu d'avoir cette bouche s'aligner parfaitement avec le sait ce qui se passe si nous venons d'effacer cette bouche et de la redessiner comme ça . Donc c'est beaucoup plus grand, peut-être même chevauchant un peu le nez. Maintenant, nous avons des esprits différents. La largeur I est là. Le nez avec est là, et la bouche avec est comme ça. Et si on retournait à un petit cercle basique et qu'on faisait quelque chose comme ça ? On a les yeux ici, le nez dans la bouche, peut-être tout le chemin par ici. Dévier des proportions parfaites est l'endroit où vous trouverez du caractère. Il semble y avoir quelque chose dans ce design qui suggère un individu. Et, bien sûr, où vous mettez des choses comme des oreilles pourrait jouer un rôle énorme aussi. Ça par rapport à ça. Je pense généralement à des concepts comme Attendez souvent. Donc, comme sur cette tête ici, au lieu de mettre les oreilles au milieu des traits, qui est à peu près où ils iraient dans la vraie vie, je vais penser à y ajouter un peu de poids. Encore une fois, comme la gravité poussant la forme vers le bas, alors défaites ceux-là. Tu sais et si je mets l'oreille un peu plus pesée au fond ? Ça ne marche pas toujours, mais c'est juste quelque chose que je cherche. J' essaie de l'implémenter. Je trouve que ça devient d'habitude plus intéressant, comme sur ce type ici. Au lieu de mettre les oreilles au milieu, essayez de les mettre ici ou peut-être là-haut en accord avec la force. L' autre chose à savoir quand il s'agit de proportions et de traits du visage, je vais faire quelques exemples plus rapides. Dessinons comme une forme sous-jacente. Ce sera une personne de profil va juste mettre cette forme là-bas et dupliquer quelques fois, et maintenant nous allons commencer à y ajouter des fonctionnalités. Peut-être que sur celui-ci gardera les yeux et le nez haut et la bouche basse et gardera l'oreille haute ainsi. Peut-être que le 2ème 1 aura les caractéristiques sorte de squish plus dans le milieu de cette forme . Ainsi, le front devient haut, le menton devient comprimé et les caractéristiques de l'air pressé au milieu. Sur ce dernier, essayons plus comme des entités rayonnantes. Cette fois, le front et le menton seront à peu près de la même taille, et le nez compensera cela en étant allongé. Donc trois personnalités différentes sur la même forme juste en changeant les proportions. Ok, donc ça m'amène au dernier principe dont j'aimerais parler dans cette section sur les formes. Je vais maintenant vous présenter quelque chose que j'appelle des formes thématiques. Disons que j'avais une forme comme ça. C' est notre forme thématique. Il fournit le thème autour duquel je vais maintenant construire ou concevoir ce personnage entier. La chose cool à propos des formes somatiques est que vous pouvez simplement brosser dans n'importe quelle forme. Riel vite. Disons quelque chose comme ça, puis attrapons un pinceau et voyons juste ce qui se passe quand vous construisez quelque chose au-dessus de lui. Il se trouve que celui-ci se tourne pour faire un ours comme un personnage. Pour celle-là. Voici bloquer quelque chose, juste en utilisant une brosse douce, et cela ressemble aux proportions d'un enfant, donc je vais l'utiliser comme référence pour cela. Et peut-être qu'elle est comme porter une sorte de cape fluide. J' ai visiblement accéléré cette rédaction. ne s'agit pas d'une démonstration de la conception de personnages, mais plutôt de la façon dont les formes thématiques pourraient être. Une facettes de votre conception de forme globale, qui pourrait mener à n'importe quoi, pas seulement des personnages. Les formes thématiques sont d'excellents outils pour comprendre les attitudes globales. Comme quand j'ai conçu ce type, je voulais qu'il soit très brutal, donc la forme thématique que j'avais en tête était un carré. Mais j'ai riffé sur cette place. Sa tête est une sorte de carré effilé comme ça. Son corps est un peu carré. Comme ça. Encore une fois, je vais vous ramener à ce dont j'ai parlé plus tôt dans cette section, où je ne dessine pas exactement des carrés, mais ces air encore identifiables carrés pour jouer avec les proportions. Je lui ai donné deux petits bâtons comme des carrés en bas. Des rectangles, en fait. Et puis vraiment, la seule courbe qu'il a eue est la région du bassin. Je pensais que c'était un peu drôle Toe ont. Je veux dire, c'est un personnage plus grand, non ? Donc je pensais que ça vendait une partie du poids de son estomac et ses bras sont aussi grands, sorte de carrés effilés, un peu comme ça. Même ses petits pieds étaient un petit bâton comme des carrés là-bas. Et quand je le peignais, le dessinais ou le dessinais et diverses pages pour garder son design cohérent, je commençais habituellement par quelque chose comme ça. Mais encore une fois, la beauté des formes thématiques est qu'elles sont si simples que très souvent vous n'avez pas vraiment besoin de dessiner ceci. Vous pourriez juste y penser, bien qu'à l'étape du concept, cela aide à tirer ce truc juste pour l'enraciner dans votre cerveau. Dans ce cas, les formes thématiques ont même joué dans la conception du costume. Tu sais, tout est très carré, les rayures sur ses chemises, l'appelant que je viens de dessiner. Tout est basé sur des carrés et vous remarquez que je suis en train de compenser toutes ces formes pour créer le maximum d'intérêt tout en maintenant, espérons-le, la structure du carré. Bien sûr, oui, c' est vraiment comme ça que vous pouvez commencer à empiler toutes ces leçons ensemble pour concevoir un personnage attrayant , frais et original. Une autre grande fonction de la forme thématique est de différencier les caractères qui doivent apparaître sur la même page ou dans le même livre. Ces monstres sont tous les deux basés sur un cercle, mais il y a assez de différence dans la façon dont je thème à ce cercle pour tout le monde, Enfants et adultes à reconnaître la différence. Très bien, donc cela termine notre discussion fondamentale sur la forme dans la prochaine section prendra tout ce que nous avons appris dans ce chapitre entier, et je vais les combiner pour vous montrer le processus réel que j'utilise quand je travaille sur . Donc, je te verrai là-bas 8. Chapitre 2 - Vos projets réels: Oh, d' accord. Dans cette section, je vais faire quelques dessins basés sur des affectations réelles que j'ai eues dans le passé. Voici un livre que j'ai illustré pour Disney. Le shérif Callie est Far West. Shérif Callie's Wild West était une émission de télévision très populaire il y a quelques années, et en tant que propriété existante, les personnages étaient déjà conçus. Ce personnage s'appelle Peck. C' est le shérif adjoint d'une ville qui, dans ce livre, est ravagé par des méchants, et il fait de son mieux pour aider. Mais finalement, c'est le shérif Callie qui vient sauver la ville de toute façon, après que le shérif Callie ait sauver la journée, il y a ce passage qui se lit comme ça. Tout le monde a applaudi. Callie avait encore sauvé la journée. Pourquoi n'est pas votre part de protéger cette ville ? Kelly a demandé. Tout le monde a peur, a expliqué Peck, et les méchants ne cessent de revenir. C' est le matériel source que j'ai dû travailler à partir du texte. Nous savons que Peck admet avoir peur des méchants qui ne cessent de revenir et ce texte mène sur les pages suivantes où Callie obtient le poste de shérif pour cette ville. Donc nous devons abandonner Peck et nous opposer à cela engage Callie, mais est déférent à elle, vous savez, vous savez, comme pour conférer sa supériorité dans le département de la bravoure maintenant, parce que c'est un personnage que je n'ai pas conçu. Afin de dessiner ce gars correctement, je dois faire le point de quelques proportions. Ce que j'aime faire, c'est mesurer la tête contre le reste du corps. Dans ce cas, la tête et le chapeau comprennent environ 2/3 du corps, le reste du corps étant 1/3. s'agit évidemment d'une information critique, parce qu'en ce qui concerne le geste, je tiens à maintenir une sorte de proportion. Alors je vais le commencer comme ça. Ce sera sa tête, évidemment. Et je pense qu'il va diriger avec sa tête. C' est-à-dire que sa tête sera la plus éloignée, la plus grande partie de la pose. Et comme une sorte d'assombrir ton genre de gars, il va se pencher presque comme si timide pour se montrer à Callie. Donc le geste va être la courbe C. Si je suis le contour de la croix de l'avant de la tête vers le bas le corps et faire cette courbe et les bras seront en quelque sorte derrière lui. Je pense que cela aide à montrer une sorte de posture modérée et timide. Ses pieds seront quelque part ici. Maintenant. Je pense juste au geste en ce moment. Je ne pense pas encore à la forme. Voyons si je peux incliner sa tête un peu plus. Je retourne constamment à ma ligne des yeux et juste peaufiner comment, exactement ? C' est orienté. Je pense qu'un peu de l'inclinaison de la tête montre à nouveau ce genre de traitement déférentiel . Le chapeau est quelque part là-haut. Donc la chose que j'aime dans le personnage de Peck, c'est que cette partie rouge ici est très bonne pour faire le tour de la forme. C' est comme une grande sorte de contour croisé. Donc, je vais l'utiliser même à cette phase de geste rugueux pour comprendre la dimension de sa tête . Cette ligne médiane que je dessine maintenant est littéralement à travers le contour. Il descend la ligne médiane du visage, et nous avons une idée de la façon dont cette tête est orientée. Et cela me montrera aussi où vont les yeux. Maintenant je m'assure de garder leur orientation car cette tête est, euh, un peu inclinée. Donc, quand je serai un peu plus bas que l'autre parce que toute la tête est en train de tourner en ce moment . À ce stade, je veux commencer à penser à la forme. Sa tête est très circulaire, mais pouvez-vous voir ? C' est un peu plat ici en bas. Maintenant, en tant qu'illustrateur de ce livre, j'aimerais qu'il soit un peu plus plat en bas, mais je vais voir ce que je pourrais m'en sortir. C' est là que je dois adhérer au design de Disney. Je ne peux pas me tromper sur eux, non ? Mais en même temps, je suis presque sûr que je pourrais éditer cette forme de tête juste un peu pour donner un peu plus de poids au fond. Peut-être quelque chose comme ça. Maintenant, les yeux vont attirer le shérif Callie, qui sera, vous savez, à gauche, je n'ai pas dessiné. Je vais la dessiner ensuite. Peut-être que je vais jouer avec un peu de sourcil incliné comme s'il s'excusait d'avoir peur des méchants. Il est, vous savez, il est Ce n'est pas son meilleur moment pour leur admettre ça au personnage de héros. Maintenant, rappelez-vous, dans la section de forme, nous avons parlé des proportions. Où est la bouche par rapport à l'I. Une autre chose que vous pouvez faire pour élaborer sur ce est de dessiner un triangle qui relie les coins des yeux au milieu de la bouche, et la nature de ce triangle doit être préservée dans afin de garder la ressemblance. Maintenant, il a un bec qui sort, donc je vais voir si je pouvais avoir un bec juste rugueux là-dedans. Juste rugueuse cela en commençant à traiter avec des formes un peu maintenant. Maintenant que j'ai fait un geste, cependant, je ne veux pas compléter la tête, vous savez, dans tous ses détails. Je veux aller voir le corps et voir si je peux comprendre comment va son bras. Son bras est un cylindre de base, et il va s'enrouler à l'arrière. Le bandanna, au fait, c'était une belle forme de V qui trace le centre. En fait, le point devrait être un peu plus dans, je pense, je pense, et maintenant ce que je vais faire c'est que je vais commencer à travailler quelques volumes pour le corps. Tu vois cette belle courbe là pour les hanches ? Il a ce genre de truc de cylindre, je vais l'avoir ici. Et parfois ça aide à dessiner avec une couleur différente comme je le fais en ce moment, au fait, pour vos repères et autres choses. Les pieds sont en fait un peu bas sur mon geste, ses jambes air riel minuscule donc ses pieds vont probablement aller juste ici. Son corps est une sorte de chose légèrement effilée. Ce n'est pas tout droit de haut en bas. Il a un peu de, ah rétréci, et il va avoir beaucoup de poids pour soutenir son corps, se penchant en arrière. Donc toutes vos forces ici pour avoir son côté inférieur là-bas, et je ne suis pas encore inquiet pour les bottes. Je veux juste savoir où ses exploits ont touché le sol quelque part comme ça. Je pense que c'est probablement le bon endroit pour eux. Son autre bras est caché de la vue, mais je peux un peu rude et où il est, accord. Et maintenant son chapeau est, vous savez, quelque part ici, rappelez-vous, sa tête est inclinée, donc le chapeau va aussi être incliné. Ce n'est pas un droit haut et bas avait il tourne avec la tête. Jetez ceci dans l'ombre juste pour montrer qu'il s'enroule derrière la tête. Et ce chapeau s'enroule aussi autour de la sphère à travers le contour autour de la sphère. Cette façon de montrer que le chapeau s'enroule autour d'un objet en trois dimensions. Ok, laisse-moi juste remplir ce genre de section rouge de sa tête ici. Le modèle que j'aime tellement qu'il me fait réaliser que ses yeux sont trop proches ensemble. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais juste les effacer et les redessiner. C' est la belle partie sur le genre de construction sur un geste. Le geste détermine la pose, pas mes détails finis. Donc, vous savez, dans ce cas, je considère les yeux comme des détails finis. Il n'y a pas beaucoup de détails dans ce personnage. Donc le geste étant en place, je pourrais juste bouger les yeux un peu et savoir qu'il va toujours exister sur une bonne structure. C' est mieux. Je veux aussi encercler si je sa tête un peu plus. C' était juste un peu plat avant. Maintenant, on peut s'occuper de sa veste ici, qui se drape sur son corps. Laisse-moi juste me débarrasser de ces mauves à travers Contras ici pour qu'on puisse voir comment fonctionne le corps. La partie blanche de sa poitrine est là, et les jambes ont, comme cette zone d'entrejambe qui est basse. Donc c'est comme ça et ses bottes se sont enroulées autour de ses jambes. Donc je vais conduire un truc de cylindre comme si le sien était si la botte et le pied étaient comme un cylindre. Et puis j'ai trouvé ce V où il rencontre le centre de la jambe et je peux retrouver la botte. Alors on y va. Il y a notre dessin à picots qui prend vie, et ce que je veux faire à ce stade, c'est juste corriger les erreurs et le nettoyer. Donc voici une petite erreur. Je me suis trompé le ventre. C' est une sorte de courbes dans plus que le genou sort, une fixation que je ramène sa jambe gauche parce que j'ai l'impression que sans ça, il renverrait. Il aimerait, renversé vers l'arrière, donc il a besoin de plus de soutien sur la jambe gauche. Ici. J' applique juste une certaine valeur juste pour séparer les bottes de la partie rouge de sa peau, peaufinant les contours. Maintenant vous savez, en m'assurant que mes formes sont là où elles devraient être pour que j'envoie ce dessin au client pour approbation. Je travaille toujours sur la forme de la tête. Ce n'est pas assez circulaire. Je vais continuer à y revenir. Voici l' autre côté de la partie rouge de sa tête qui continue, c'est qui continue de cette partie. Les yeux sont proches. Le loin, je pense, est un peu petit. Donc ici, je vais juste augmenter la taille. Je trouve que mettre des iris solides dans aide vraiment à donner la vie au personnage. Voici un peu de rythme continu avec les sourcils. Surveillez la mer. Cette ligne de rythme ici rythme continu reliant les sourcils est une bonne idée. Hum, le bec, de cette perspective, comme une perspective 3/4, va être un peu un défi d'avoir à comprendre exactement comment dessiner ça. Alors supporte avec moi pendant que j'essaie quelques itérations différentes à nouveau. Je travaille sur une seule couche ici, euh, euh, ce que je fais souvent avec mes dessins bruts. Je ne veux pas m'enliser dans la technologie, bien que si vous êtes plus à l'aise avec plus de calques comme, peut-être que vous voulez votre geste sur un calque et ensuite, comme vous le savez, cette étape de plus tard dans le dessin. Vous souhaitez créer vos volumes sur une autre couche. C' est tout à fait bien. Quel que soit le flux de travail que vous choisissez, je ne vous montre évidemment pas mes couches ici parce que je n'en utilise qu'un. Je le serai. Je serai sûr de vous montrer mes couches dans le chapitre 3 quand nous ferons plus de peinture. Quand je garde les choses plus sur les couches pour la plupart de toute façon. Oui. Donc j'arrive à une forme de bec là-bas. Cela semble juste pour cet angle, je pourrais le modifier quand je vais peindre. Bien sûr, toutes ces choses sont sujettes à d'autres modifications dans la phase de peinture. Et vous savez qui sait ce qu'un client vous dira ? Soumettez ceci à un client. Ils aimeraient peut-être le poste, mais ils pourraient, vous savez, dire ajuster la taille de ses bottes ou quoi que ce soit. Les clients peuvent être toutes sortes de pointilleux. Ça dépend vraiment de qui vous travaillez. Donc ici, je vais retourner à la tête et juste essayer de souligner la nature circulaire de celui-ci. Sa tête est si circulaire au point où trop de déviation semblera vraiment évidente. Donc, je veux m'assurer que j'ai maintenu que vous avez remarqué que ma forme de cercle pour la tête est un peu plus plate en bas, ce que j'aime ici. Je suis juste en train de comprendre exactement comment va le chapeau. Un peu de détail en haut, il y a le genre de chapeau de compresse sur lui-même. C' est similaire à l'effet d'accordéon que je vous montrais auparavant dans la section de formulaire. Voici juste un peu d'ombre de trésorerie sur le sol pour le raciner au sol et juste peaufiner les plis sur le bandanna et peaufiner maintenant les contours finaux du chapeau. Le dessin à ce stade est à l'étape où son client est prêt. Je trouve que les clients que vous devriez vraiment leur donner un fini ou quelque chose de près fini dans le département de la forme. Vous ne voulez pas leur donner trop de dessin grossier parce qu'ils n'apprécieront pas les étapes qui sont encore à venir. Et je me rends compte que je n'ai pas dessiné son badge adjoint. C' est quelque chose que je pourrais probablement juste manipuler dans les peintures. Je pourrais juste le bloquer ici pour trouver à peu près où va cette étoile. Mais je ne m'inquiète pas trop. Vous remarquez que je l'ai juste bloquée avec une ellipse d'abord, quelque chose qui encapsule l'étoile entière, juste approfondir les lignes sur les yeux, ce qui aide à leur donner un peu de vie. Je trouve que tu sais, ces yeux sont encore un peu hauts. Attrapons-les avec l'outil lasso. Déposez-les un peu. Le fond des yeux, l'air comme en ligne avec le haut du bec. Il fallait nettoyer ça un peu. Le bec pourrait même se chevaucher que je, dans cette perspective 3/4, juste renforcé mes contours de croix là-bas et continuer avec un peu de nettoyage général et quelques petits faits saillants pour finir. Et là, nous avons notre dessin brut fini. Il a l'émotion que la conception du personnage, la pose, la forme, la forme et il est assez propre pour être prêt client. Ok, alors ajoutons Callie au dessin. Elle est là sur la gauche proportionnellement. Elle ressemble beaucoup à Peck, et c'est vraiment à travers sa palette de couleurs qu'elle se différencie. Je trouve que dans les émissions pour jeunes enfants comme celle-ci, les proportions ont souvent tendance à être semblables d'un personnage à l'autre, ce qui peut les aider à se sentir comme s'ils vivaient tous dans le même monde. Donc de toute façon, sur une nouvelle couche, faisons un geste ici. Cali demande : Pourquoi le shérif ne protége-t-il pas cette ville ? Et c'est après qu'elle ait sauvé la journée. Donc elle a confiance ici, mais elle est toujours curieuse, donc tu ne veux pas qu'elle soit comme Inpex. Affrontez-lui tout. Mais tu veux qu'elle ait un air de confiance. Et nous avons beaucoup de place pour cela parce que Peck manque de confiance, que vous avez consacré beaucoup d'efforts à communiquer dans son dessin. Donc il y a beaucoup d'espace émotionnel que vous pourriez dire pour que Callie assume le rôle de confiance ici, donc je vais incliner sa tête aussi. J' ai remarqué que les inclinaisons de la tête sont quelque chose qui arrive si souvent dans la vraie vie. Comme, vous savez, les gens inclinent la tête beaucoup quand ils parlent, et ajouter cela à votre dessin animé peut vraiment apporter un sens de la vie et de la crédibilité à votre travail. Quels éditeurs Likas Well, parce que les livres pour enfants, après tout, modèle de comportement pour les enfants. Donc, plus vous pourriez être naturel dans ce département, mieux c'est. Alors je pense que j'aurai Kallis bras Ah, Kimbo sur sa hanche. Faisons un peu de rythme continu ici pour trouver l'autre bras, qui fait peut-être des gestes vers Peck comme, Hey, que se passe-t-il ici ? Trouve ce chercheur de base de geste, que je peux retracer pour le dos comme peut-être la jambe avant est sortie. Un peu comme ça. Vous remarquez. J' ai un peu affaire à la forme, au geste et à la forme, un peu mélangés à la fois. C' est ce que je fais en fait. Quand je dessine, je les combine. Maintenant, je suis sur une couche ici pour que je puisse la rendre un peu plus grande. Je la remarque. Je veux que leurs deux pieds s'alignent et que leurs têtes soient à peu près au même endroit, parce qu'elles sont proportionnellement très semblables. On vient de passer à une couleur différente ici. Découvre le contour de ses hanches et ce rythme pour ses épaules, et je pourrais y aller un pied. L' autre pied là-bas, elle a mordu petit. Maintenant, allons un peu plus grand. Travaillons sur les yeux. Je trouve qu'une fois que vous travaillez les yeux, le reste du dessin se réunit beaucoup plus rapidement, donc elle doit le regarder, ce qu'elle n'est pas actuellement. Ce n'est pas la bonne position pour les yeux, alors effaçons-les. C' est réparé l'inclinaison de sa tête. C' est pourquoi n'ont pas encore dessiné de détails. Je veux toujours pouvoir faire pivoter mes volumes ici et comprendre ce truc à travers le contour de sa tête. Maintenant, sa neige sort. Donc, à travers le contour de la neige. C' est une façon de le bloquer sans vraiment dessiner quoi que ce soit. Ça va se balancer là où la neige sort, que je peux voir ici, au fait, c'est comme, c'est comme, je ne sais pas, 2/3 en bas de la tête. Alors assurez-vous que le mien est également à peu près 2/3 dans la tête. Parfois, même mettre dans le nez vous aide à garer la dimension d'un museau. Maintenant, sa bouche est en bas. Je la ferai sourire parce qu'elle est amicale. Elle pose juste une question pour voir si je peux mettre ses yeux correctement en place. Maintenant, sa tête doit être un peu plus large ici. Eh bien, juste la courbe de celui-ci maintenant, travers le contour autour de la tête pour trouver où les oreilles dépassent, qui est à peu près comme ça. Cette année. Assurez-vous qu'il est en perspective, de sorte que vous puissiez voir la partie latérale de celui-ci plus avant là-dessus. Cette année, c'est plus plat à la caméra. Sa tête est des formes plus ovales. Je m'amuse avec cet ovale, et son chapeau encadre sa tête. Quelque chose comme ça arrive probablement à l'arrière, et sous cet angle, je ne pense pas que vous voyez le sommet de son sombrero, juste le dessous du bord. Ok, faire des gestes sur le corps pour renforcer ma pose. Mettons le bandanna au milieu du bandana. Devrait toucher la ligne centrale ici, enroule autour de l'épaule. J' ai confiné cette épaule là, et allons de l'autre côté du corps pour voir où se termine ce volume. Ensuite, j'utilise le contour en croix et en pensant au cylindre pour trouver la courbure de la ceinture. Tu aimes ça à peu près. Cette jambe va aller au rythme continu avec le haut du torse. Ici, les hanches vont être chassées. Trouvons le dessous de son ventre ici. Je pense que je devrais tourner tout son corps vers Peck et jouer avec la distance qui les sépare . Ici, je pense que le geste de son corps doit être un peu plus semblable à ce genre de courbe . Elle fait confiance à son corps, mais pas tant que ça. Mais encore une fois, contre Peck, c'est juste assez de lire, je pense, comme une bonne pose confiante. Elle a son gilet, qui s'enroulait autour du torse, pensant à contouring transversal. Ici. Je dessine littéralement les gilets a à travers le contour et encore. Parfois, il aide juste ballpark dans la valeur locale. Tu sais, la veste est une valeur locale plus sombre, alors jetons ça là-dedans. même chose avec la ceinture. Jetez ce Lupin là aussi. Maintenant, mettons Thea la botte là-dedans comme nous l'avons fait avec Peck, ces petits orteils d'air qu'elle a dans cette jambe qui remontent à l'arrière, bien sûr, pensant au cylindre et en pensant à un peu à une ligne de perspective. Ici. Vous pouvez voir que ces deux personnages les pieds ne sont pas tout à fait sur le même plan. Ils sont dessinés en perspective, donc je pense à une profondeur cohésive, Qué presque comme s'il y avait un point de fuite juste là et les pieds agissent en conséquence . Droit ? Voyez si on peut trouver les bras. Son bras devient mince et devient ensuite plus épais. Donc je pense que les cylindres s'épaississent au fond cette fois, et sa main sera juste reposée sur sa cuisse. Mais c'est une belle ligne droite là pour montrer le poids de la main pressant dans sa cuisse. Et puis ses doigts étaient un peu indescriptibles, presque des bosses qui vont comme ce rythme continu pour trouver l'autre épaule. Et voyons si on peut encore trouver une pose pour ce bras. Il devient plus épais vers le poignet. Je vais essayer de bloquer quelques doigts ici pendant qu'elle geste vers lui comme une sorte de les attraper en milieu de phrase. Je trouve que ça aide à unir les doigts avec une courbe comme celle-ci. C' est une chose très réaliste qui arrive dans la vraie vie. Maintenant, Kelly a une queue. Si j'utilise ma vision aux rayons X, la queue sortirait probablement à propos de leur. Donc je vais juste faire un geste juste une queue rugueuse, peu heureuse, un peu heureuse, pointée vers le haut. Ok, il est temps de comprendre le reste de la tête et de tout mettre là-dedans pour atteindre un niveau prêt pour le client avec. C' est, euh, elle a des cils, qui sont une grande partie de ses dessins. Mettons-les à l'intérieur. Obtenez ce type caractéristique de forme ovale aplatie qu'elle a comme ça. Assure-toi, juste qu'on dirait qu'elle regarde Peck. Et c'est vraiment important et en fait en regardant Peck juste ici. Il n'a pas l'air de regarder Cali. Il regarde derrière elle. C' est évidemment parce que je n'avais pas Callie là quand je l'ai dessiné, donc je dois arranger ça aussi. Mais pour l'instant, faisons fonctionner ces yeux, et la bouche est déjà assez belle. Cette petite ligne montre juste le poids de la joue qui est poussée vers le haut. Maintenant, le voisin de l'autre côté est caché par les trois dimensions de la neige . Trois ans, et d'être une touche plus grande, je pense, a été jeté dans une certaine valeur ici spectacle orteil qui ne aide par la façon de retourner votre toile et voir vos dessins de l'autre côté. Il devient vraiment évident que les yeux pics sont au mauvais endroit, pas à ses yeux, mais à l'endroit où ils regardent, il ne regarde pas dans la bonne zone. Je vais arranger ça après ça et Kelly est repéré, alors mettons-nous un peu de ce modèle. C' est une grande partie du personnage à travers le dessous du bord de son chapeau dans l'ombre. Tout ce qui pointe sous toujours agréable de le jeter dans l'ombre dans sa queue a quelques taches sur elle aussi. On aura une ombre en argent juste pour correspondre à celle sous Peck. Cela les aidera également à avoir l'impression qu'ils existent sur le même plan au sol qui revient maintenant à Peck. Voyons si on peut arranger où ses yeux regardent. doit être plus comme ça, ses yeux deviennent plus elliptiques au fur et à mesure qu'ils progressent en perspective 3/4. Et il regarde un peu vers le haut. Callie, c'est là que je pourrais faire quelque chose comme ça qui fera un lasso de toute sa tête et inclinera tout ça comme ça. Je pense que ça aide vraiment, vraiment le coup de pose. Entrez Aereo. Je le remarque juste. Ils sont un peu proches de parler ici, alors attrapons Cali et remets-la un peu en arrière. On y va. C' est une distance plus saine et conversationnelle. Quelque part le long de la ligne, j'ai émergé mes couches accidentellement. C' est pourquoi j'ai dû choisir Cali. Et elle l'a fait. Un badge du shérif est , , c'est de ce côté. Je vais juste le bloquer à nouveau dans les lèvres et juste une sorte d'indice à l'endroit où les points sont nouveau. C' est quelque chose que je traiterais avec de la peinture. Ok, donc on a l'air bien ici. Mais je veux juste faire un petit passé de plus sur des choses aléatoires comme ici. Je pense que je pourrais avoir un peu plus d'une pose expressive de son pied, comme s'il était timide, non ? Peut-être qu'il est comme jouer avec son talon un peu comme soulever son pied de haut en bas. Oh, c' est comme frapper un caillou ou quelque chose comme ça. Ça va sûrement aider son personnage. Juste vous lui donnez un peu plus d'un tour unique, juste en ajustant sa veste. Là, ici, sur Callie, je suis juste en train de peaufiner exactement comment ses doigts vont, en changeant la direction de son index. Vous savez, les choses que je considérerais les détails ici, juste en peaufinant la forme de sa tête, en ajoutant de la forme, de l'épaisseur et de l'obscurité dans ses yeux et quelques reflets aussi. Et parfois, je vais juste passer en revue des formes comme avec des contours croisés comme vous me voyez faire là-bas et juste, vous savez, passer sur des rythmes continus et juste m'assurer que le dessin est sonore. Parfois, c'est presque comme si je ne faisais même rien, mais je vais juste passer en revue les choses ici. Des boucles de ceinture. J' ai oublié de les mettre. Donc, juste quelques indices des boucles de ceinture. Vous savez, parfois vous passez juste sur votre dessin comme l'explorer presque juste en déplaçant votre crayon dessus ou votre styliste dans ce cas et juste voir s'il y a quelque chose qui se sent mal, parce que sent mal, le dessin est une chose si tactile, n' est-ce pas ? Si vous pensez à des rythmes continus, vous devriez pouvoir glisser votre crayon d'une chose à l'autre. Et c'est comme ça que vous contestez. Si vous êtes continu. Le rythme se sent bien, est en fait en le sentant dehors. J' ai l'impression que je pourrais obtenir quelque chose de mieux avec Kallis juste là. Vous savez que peut-être l'orteil était plus pointu vers le spectateur avant qu'ils ne soient en quelque sorte pointés dans la même direction, ce qui me semblait un peu raide. Ici, c'est comme si elle interagissait avec la perspective plus, alors il y a un peu d'ajustement là-bas. Ce sont les choses qui ne deviennent vraiment visibles pour moi de toute façon à la fin du dessin, quand je peux voir vous savez, l'impact fini de celui-ci, aussi la structure finie. Et quand je pourrai construire dessus, je pourrais facilement modifier toutes ces petites choses. Comme, je pense, vous savez, les changements de pieds que j'ai faits à la fois sur Peck et Cali, ou de bons exemples de petits changements qui n'affectent pas la structure du dessin. Ils n'affectent pas vraiment la conception du dessin, mais ils affectent le personnage qui est représenté ici et peut-être aussi certaines choses structurelles . Comme dans le cas de Callie, il y a eu un changement de perspective là-bas, encore un autre passage à Pecs. J' ai vraiment fait ces deux-là gros. Je ne l'ai pas remarqué. Je regardais en arrière Pecs Design, et le triangle entre les yeux et le bec était vraiment beaucoup plus dramatique que ce que j' avais là-dedans. Ce que je fais ici, c'est d'ajuster le sourire dans les yeux de Callie. Quand vous souriez, votre chair pousse vers le haut, et cela provoque un peu d'une bosse renversée, comme une courbe convexe sur vos yeux, je viens d'ajouter ça à Callie, Donc elle sourit un peu plus dans les yeux. Et oui, c' est quelque chose que je serais à l'aise d'envoyer à un directeur artistique. 9. Chapitre 2 - Affections réelles ii: D' accord, faisons d'autres dessins. Voici Norbert Big Dream Again, qui est un livre que j'ai illustré pour Sleeping Bear Press et Sleeping Bear Press n'est venu à moi avec aucune propriété artistique existante. Norbert n'était qu'un manuscrit. C' est assez typique. Les éditeurs obtiennent un manuscrit, puis le jumelent à un illustrateur et aux illustrateurs responsables de tous les visuels, conception des personnages, des environnements d'éclairage , des palettes de couleurs etc. rêve de Norbert est donc de nager à travers la Manche, qui dans le livre est en fait un étang dans la ferme où il vit. Et toute l'intro du livre est construite autour de Norbert, construisant à la hauteur de son rêve, de manger sainement à l'entraînement. Quoi qu'il en soit, il y a une page entièrement dédiée à ce passage, et quand il était assez grand, il a commencé à s'entraîner Finalement, dit Norbert. Donc ma première pensée ici était la pose de cliché comme Norbert fléchissant ses biceps. Mais comme c'est souvent le cas avec moi et avec beaucoup de types créatifs, votre première pensée est le cliché le plus évident, et je déteste d'aller dans cette direction. Donc j'ai expulsé cette pensée pour mon système et j'ai essayé de m'y plonger un peu plus profondément, tu sais, être un peu plus créatif. Alors j'ai commencé à penser que la mission de Norbert ici ressemble en quelque sorte à une mission que beaucoup d' enfants continuent et qui est d'être grande. Ils veulent être un grand enfant, et je vis dans cette maison où les anciens propriétaires avaient ce mur et beaucoup d'entre nous l'ont fait. Ils avaient un mur où ils marquaient leurs hauteurs à différents âges. Tu sais, voici Jeffrey à l'âge de 1 ans. Mettez une marque de crayon Jeffery à l'âge de trois ans. Une autre marque de crayon. C' est un peu plus haut, non ? J' ai donc un mur dans mon sous-sol où les propriétaires précédents l'ont fait pendant 10 ans . Honnêtement, c'est si mignon. Je n'ai pas le cœur de peindre dessus. C' est ce à quoi j'ai pensé quand j'ai lu ça. Norbert se mesurerait, et quand il se considère assez grand, il est prêt à, vous savez, vous savez, commencer à s'entraîner pour nager la Manche. Donc quand j'ai ébauché cette page, la première chose que j'ai faite, c'est que j'ai dessiné cette petite échelle ici, tu sais, quelques encoches dessus. Et puis j'ai commencé à travailler sur Norbert lui-même. Non, Norbert est un cochon. Et enfin, j'avais les droits de dessin ici. Je pouvais faire ce que je voulais avec le design, donc je voulais faire cette chose où en poussant le corps vers l'avant, qui est quelque chose que je ne fais toujours pas. Mais souvent je vais essayer de trouver un secret pour une courbe s pour le corps, surtout dans les livres pour enfants, où les pages sont généralement actives, comme dans un livre pour enfants traditionnel. Vous avez 32 pages. C' est dommage de gaspiller une de ces pages avec, comme une pose ennuyeuse et statique, bien sûr, bien sûr, moins qu'une pose ennuyeuse et statique soit ce que l'histoire appelle. Mais la plupart du temps, il y a quelque chose d'actif que vous pouvez faire avec ces pages. Donc je voulais vraiment cette pose très active. Norbert est un personnage basé sur des courbes, donc sa tête va avoir cette courbe en C qui mène à son museau. Sa tête s'enroule par ici. Je vais tordre la tête. Peut-être de cette façon, voici la ligne centrale de cross-country dans la ligne centrale de cette tête ici. On va voir un de ses yeux ici. Ses yeux, au fait, sont des yeux boutonnés. Ce ne sont que des cernes avec les petits points saillants sur eux de toute façon, si bloqué que dans l'autre je serais quelque part ici. Souviens-toi, Souviens-toi, quand tu dessines cet autre moi en perspective, ça devient en ellipse, non ? Donc, c'est quelque chose dans l'ordre de ceci. J' ai déjà un formulaire pour la tête, ce qui est plus que ce que je peux dire pour le corps. Le corps n'a pas encore de forme. Il a un geste. Alors continuons ici. Ses pieds vont être quelque part par ici. Il a un cochon, elle a un dos épais et ses bras vont être comme s'il se poussait contre ce mur où il se mesure. Donc il est comme faire ça dans ses bras va juste pousser dehors, et ces autres bras seront peut-être par ici. Je pense aux cylindres quand je dessine ces bras en ce moment. Alors voyons. Je pense que le chercheur pour la poitrine devrait en fait monter plus haut et se garer vers l'intérieur en bas. Ça veut dire qu'il sort sa poitrine plutôt que son ventre. Vous savez, la nature, la nature exacte de ces secrets et de ces courbes comptent vraiment dans ce cas. Comme je l'ai dit, c'est soit ton ventre d'abord, soit ta poitrine d'abord. Et je voulais cette confiance, cette exubérance, qui nous fait habituellement mener avec notre poitrine. C' est un type de posture très courant qui dit confiance. Si vous avez déjà regardé comme de la lutte pro ou quelque chose comme ça, vous connaissez des trucs W E. Ils jouent sur ces archétypes tout le temps. Ok, donc nous allons travailler sur son grand sourire Ici, il est super excité qu'il ait enfin mesuré jusqu' aux hauteurs qu' donc nous allons travailler sur son grand sourire Ici, il est super excité qu'il ait enfin mesuré jusqu' auxhauteurs qu' il juge dignes de nager avec Channel. Je suppose que c'est son oreille. Son oreille vient de sortir de sa tête. C' est comme le tapis magique d'Aladdin. Son oreille va se plier comme s'il l'était. Tu sais, s'il pousse son corps vers l'avant, ça va se balancer d'un élan. Droit ? Donc, en pensant au tapis magique d'Aladdin pour dessiner le dessous de cette année, pliant vers le haut sur lui-même, se pliant vers le haut sur lui-même,c'est le museau Maintenant la neige qu'il a la petite narine est quelque part ici il y a comme les yeux. L' un d'eux est une ellipse. Celui en perspective ici et celui-ci est plus de Ah, c'est aussi dans les lèvres, mais c'est plus de, Ah, Ah, longtemps fermé les lèvres parce que c'est plus proche de la caméra. Le museau est comme un cylindre comme ça, juste avec les narines. Mais au lieu d'un cylindre ennuyeux, je voulais le réduire. C' est comme s'il y avait un alambic et un autre cylindre ici, comme s'ils se chevauchaient. Donc ce que je voulais faire, c'est que ce cylindre chevauche l'autre. Donc c'est comme s'il y avait un peu de double forme, deux cylindres qui composent le museau, donc je ne pense pas que ce soit la bonne perspective là-dessus. Je pense que cela doit se chevaucher et être souligné davantage. Et j'ai des problèmes avec l'espace négatif ici parce que si je faisais ça, comme si j'avais son bras ici brillant et son nez là, il n'y a pas beaucoup de place. Tu vois où est ma souris ? Il n'y a pas beaucoup de place là-bas, et ça va compromettre cette silhouette. Je pourrais faire deux choses ici. Je pourrais. Si je fais la course sur le bras, je pourrais avoir le bras sortir de derrière la narine, mais on dirait qu'il est déconnecté. Alors ne faisons pas ça. Je pourrais le faire sortir ici, mais je n'aime pas ça non plus. Je veux que la tête occupe son propre espace silhouette, c' est-à-dire que je ne veux pas que rien interfère avec la lisibilité de ceci. Encore beaucoup de la tête, la forme de la tête. Donc je veux que le bras vienne ici et qu'il ait un peu d'espace négatif sain ici. Je veux concevoir cet espace négatif pour être, vous savez, aussi attrayant que les formes positives. Maintenant, j'ai les bras à des profondeurs horizontales égales. Disons que comme eux, ils s'alignent et je ne veux pas ça non plus. Eso a tous effacé ce bras et jouons simplement avec la pêche à la ligne vers le bas de cette façon et effilez cylindre de sorte qu'il soit plus large à la fin. Bien sûr, ce bras est orienté vers la caméra, donc nous allons voir l'extrémité inférieure de ce cylindre. La même chose avec ce cylindre. C' est un peu comme ça que ça commence à paraître un peu plus dynamique et vous voyez comment juste compenser ces choses aide vraiment à la vie du post. On dirait que ce personnage est, vous savez, a atteint cela posé en étant en mouvement, et ce n'est pas comme un carton découpé. C' est ce que le geste aide vraiment. Et puis, vous savez, construire des formes solides sur ce geste est ce qui vous amène le reste du chemin. Son corps pourrait se chevaucher, comme s'écraser ici. L' autre principe que j'ai appris de l'animation qui est très commun est appelé squash et stretch. Tu sais, dans la section du formulaire, j'ai parlé de construire des formulaires comme ça et de les faire chevaucher. Eh bien, une chose à laquelle tu pourrais penser est d'avoir un côté étiré de l'autre côté. Squash et le côté E squash obtient ce chevauchement de style accordéon là-bas. Ceci est en fait un principe sacré comme de l'animation, squash et étirement, et c'est quelque chose que vous pouvez utiliser dans l'illustration de votre livre pour enfants pour ce sens supplémentaire de la vie. Ça arrive aussi dans la vraie vie, comme si tu pousses ta poitrine vers l'avant, ce que je fais en ce moment, tu ne peux pas me voir. Mais mon dos se comprime. Mon dos est écrasé et ma poitrine s'étire. a Il yaquelque chose dans la tête. Ça me dérange toujours. J' aime cette structure, mais je n'aime pas la proportion. Donc, un autre outil que j'aime utiliser est l'outil liquéfier dans la boutique photo, qui est un petit outil délicat. Ça ne réparera pas la mauvaise structure, mais ça fera des merveilles sur des petites choses comme je fais maintenant. Comme si je voulais que je sois un peu ici large dans la tête un peu. Si mes trois dimensions n'étaient pas là, je ne pouvais pas l'ajouter avec cet outil. Pour moi, cela me rappelle la sculpture. La sculpture est un exercice que je fais aussi. Je ne le fais pas professionnellement, mais j'aime sculpter avec Clay. Et c'est le genre de chose que tu peux faire avec Clay. Juste, tu sais, choisir une section et la déplacer et une sorte de forme déformée. Voyons voir si je pouvais bouger ce sourire un peu plus comme ça évidemment devra aller et redessiner certains de ces trucs. C' est un peu comme un rude pour mes changements. J' essaie juste de faire en sorte que le nez se sente plus comprimé vers la tête. Je pense que quelque chose comme ça est un peu meilleur que ce que j'avais. Augmente la taille de la brosse et abaisse un peu cette épaule. Ok, je vais frapper. Ok, on a notre dessin maintenant. Il y a des zones qui sont un peu rugueuses maintenant. Mes contours croisés sont partis, donc je veux les redessiner juste pour m'assurer que ma forme est claire. Allons prendre ça. C' est Ah, son sourcil est un bon moyen d'enrouler autour de cette chose parce que cet avion tourne en dessous. Jetons ça avec juste une ombre rapide là-bas. Et maintenant que j'ai fait ça à sa bouche, ça me fait penser que sa bouche devrait être ouverte comme s'il était vraiment heureux ici et il avait peut-être des dents là-bas. Il faisait sombre dans sa bouche. Allons de l'avant et modifions comment ce sourire va ici. J' aime ce rythme que j'ai trouvé maintenant, avec la bouche qui glisse dans le museau ici pour être une narine ici . Ici, il y a à travers le contour au milieu. Jetons simplement cela avec une valeur locale différente profondément dans le ton là pour les narines . Maintenant je pense que ce bras empiète trop sur la bouche. Alors se débarrasser de lui va le redessiner à nouveau. C' est la prochaine chose à propos de rester rude, non ? Je peux toujours revenir en arrière et juste tirer quelque chose de leur redessiner. Maintenant que la bouche est ouverte met prolonger ce travail en arrière. Un peu comme les mâchoires pressées contre l'épaule. Maintenant quelque chose comme ça. Donc le bras est comme sortir de derrière la mâchoire, puis sortir et nous avons besoin d'une rangée de dents en bas. Les dents s'enroulent autour du cylindre de la bouche. Donc c'est ce que je veux dire ici avec ses dents. D' accord ? Ses jambes vont être en bas. Ils sont comme de gros cylindres, mais des cylindres incurvés. Alors voici de l'autre côté de Contour. Le sabot, la partie sombre du sabot du cochon va aussi être décalé Cylindre, ce qui signifie que ce n'est pas parfaitement symétrique. Il y a son clochard derrière. Et bien sûr, il a une petite queue de cochon, qui va être courbée et son autre pied. Il se penche contre le mur pour que ses deux pieds puissent être comme s'il sortait comme ça. C' est le mur qui va être juste se débarrasser de ces yeux ici, c'est le mur. Ça va le soutenir. Voici comme le mur de bois contre lequel il se penche. Peut-être que ça aurait aidé si j'avais dessiné ça plus tôt, mais j'avais dans ma tête que c'était un mur sur lequel il se penche. Et l'air, vous savez, des planches de bois qui composent ce mur ici. Et puis, bien sûr, sur ce mur est l'endroit où l'échelle est dessinée. Il pourrait aller derrière son oreille là-bas, et puis nous avons quelques encoches, ce qui est juste. J' ai résolu ça dans la douleur de commencer un 1234 ou quelque chose comme ça. Ok, retournons là-bas et trouvons la dernière déclaration pour les yeux. Avis. Je suis en quelque sorte en train de compenser le cercle à nouveau. Ce n'est pas comme un cercle parfaitement rond. Il est décalé sur quelques axes différents. Les faits saillants apporteront une touche de vie à ces yeux boutons. Et juste parce que je pense à trois formes D, je vais prendre ça, dessiner un pas plus loin que ce que j'ai fait avec le Shérif Callie, et c'est une source de lumière adéquate. Je vais penser à ma source de lumière venant du haut, à droite, donc elle descend par là. Donc, fondamentalement, je pense juste aux avions qui font face aux directions opposées. J' ai déjà ça dans l'ombre, ce dessous de son front. Là, le museau est déjà dans l'ombre. Mais je peux juste profondément en ce qu'un peu l'oreille jetterait une ombre sur la tête comme ça . J' utilise juste ce marqueur doux brossé. Au fait, la tête jetterait une ombre sur le corps comme le chardon. Et toute cette partie inférieure du travail serait probablement aussi dans l'ombre. Profondément dans l'intérieur de la bouche, ça devrait être très sombre. Ce bras entier serait probablement dans l'ombre du corps, et alors la rondeur de la forme de Norbert provoquerait ce qu'on appelle une ombre de forme. Tu sais, quand la forme tourne autour, elle sort de la lumière juste ici. C' est ce qu'on appelle le Terminator. Donc je vais, vous savez, mettre fin à la lumière là-bas et commencer à y introduire de l'ombre. Ce pied serait entièrement dans l'ombre. Cette partie de la jambe serait aussi dans l'ombre où elle laisse la lumière. Et n'oublions pas l'ombre d'argent qui aide à fondre le personnage. C' est incroyable combien la croyabilité Akash Shadow apporte juste à la scène va sombre dans la zone des espoirs un peu plus. Ok, maintenant je peux aller avec un peu plus de confiance. Retirez juste quelques formulaires ici. Peut-être que le coude de Norbert a un petit Q bouclé là, ce que j'ai fait dans le livre juste pour refléter sa queue. L' année peut avoir un peu plus d'un Q bouclé. Et oui, cette partie pourrait juste être amusante avec le design. J' ai l'impression que la forme est là les gestes là-bas. J' ai passé beaucoup de temps à mettre ces choses dans, et maintenant les formes finales peuvent vraiment commencer à prendre effet. Donc, comme pour le bras ici, je vais m'assurer que je suis au lieu de dessiner comme une extrémité de cylindre comme ça, je l'efface comme un triangle, non ? Tu vois comment je fais ça ? Je change mon langage de forme ici. J' exhorte le cylindre avec le triangle de cette affaire. Cette zone inférieure serait dans l'ombre, et cette ombre serait effectivement abaissée. Sois comme ça, comme si on arrivait. Je pense que cela devrait être un peu plus bas dessous du bras serait dans l'ombre aussi bien. C' est la face inférieure du clochard ici et juste un Norbert séparé du mur. Il suffit de jeter le mur entier dans une valeur locale Lee plus foncée. Cela va juste afficher graphiquement Norbert vers l'avant. Ce n'est pas de la peinture comme si je ne considérais pas cela comme l'étape de la peinture. C' est juste de présenter mon dessin grossier à un client. Ma règle personnelle est que vous devez éliminer autant de doutes de l'esprit du client que possible. Donc, si vous avez soumis un croquis qui disons comme ceci, le client ne saura pas que cette ligne doit être effacée et cette ligne doit être effacée et cette ligne serait plus propre. Je ne compterais pas sur les clients pour le savoir. J' aime donc amener mes dessins au point où ils sont encore rugueux, car ils sont clairement inachevés, mais ils sont assez finis pour communiquer tous les éléments essentiels. Je ne laisse rien à l'imagination quand il s'agit d'aimer la forme et la forme de ce personnage. Mais assez à l'imagination étaient comme si je pouvais peindre cela dans n'importe quel style. Je ne me suis pas encore engagé dans un choix stylistique dans le rendu, donc il y a encore une liberté créative à discuter avec le directeur artistique. Mais pour ce qui est de faire passer cette pose et ce sens du caractère, je trouve que c'est plus mon travail que celui des clients. J' ai besoin d'être le seul à mettre le pied en avant avec confiance dans ce département, et ensuite le client peut le faire. Ou le directeur artistique. Qui que vous travaillez peut alors se sentir libre de peser sur leurs opinions et leurs souhaits sur la façon de progresser et des choses comme ça. Bon, donc ça va finir ce dessin, essayons un autre. Donc, dans ce prochain dessin, je veux vous montrer comment j'ai abordé Norbert en marchant à quatre pattes. Après tout, c'est un cochon. C' est vraiment la même chose. Beaucoup de rythmes et de gestes continus ici. Je travaille juste sur la forme et les contours croisés de la tête. Il y a encore la ligne des yeux, lui donnant une tête inclinée. C' est son corps, bien sûr, et vous remarquez que j'attends qu'il soit haut à l'arrière et bas à l'avant. C' est un choix que j'ai fait juste pour cette variété. J' aurais pu l'illustrer tout droit horizontal comme un cochon normal, mais je me suis dit , vous savez, que ce n'est pas qu'il y a quelque chose que je pourrais apporter au personnage. Et comme c'est souvent le cas, c'est la façon dont vous manipulez ces formes. Ici, en violet. Je vous montre les rythmes continus. Je pense au 1er 1 il y avait pour les oreilles, comme un an se connecter à l'autre. C' est le genre de colonne vertébrale qui coule dans le dos mais qui s'enroule aussi autour du contour de la tête, et ce rythme s'enroule jusqu'à sa jambe arrière. Vous voyez cela comme cette courbe de C exagérée, sorte que ses oreilles font un rythme continu de courbes C, et sa tête, corps et sa jambe sont tous liés au rythme continu. Voilà encore ses yeux, ses yeux, un petit bouton. Donc il suffit de dessiner ceux dans mais Nuys ca NBI mignon sur les animaux. Ils ont l'air un peu étrange sur les personnages humains, bien que je l'ai fait sur les personnages humains à mais ni juste si facile à dessiner devant le tirage au sort, et je trouve qu'ils peuvent encore être expressifs ici avec le sourire. Je vais monter sa joue maintenant que quelque chose parlera un peu plus dans une section ultérieure de ce chapitre sur les expressions faciales. Alors restez à l'écoute pour ça. Voici l'oreille, le truc du tapis Aladdin. Envelopper l'année autour d'un peu, tout comme je l'ai fait dans le dernier dessin Thief sont des enveloppements de l'année sorte de la façon opposée ici maintenant , avec plus d'une brosse à dessin de ligne régulière. Avant cela, j'utilisais un marqueur plus doux pour les choses rugueuses. C' est plus mon pinceau de dessin au trait définitif. J' y vais juste trouver des membres qui seraient une jambe arrière loin de nous, sorte de pousser dehors, vous savez, vous savez, comme s'il se propulsait vers l'avant dans un cycle de marche, juste s' occuper de sa petite queue bouclée ce qui est un peu aussi un rythme continu hors de la colonne vertébrale du corps. Là, possible, j'aime les choses liées orteil avec un rythme continu. C' est son avis sur le ventre. J' utilise des détroits en bas et des courbes en haut, donc tout son corps est un peu comme cette forme de haricot, mais il n'est pas fait des mêmes courbes de chaque côté. C' est contre le commerce, la courbe du bas vers le haut et sorte de cette large courbe pour la zone arrière. Cela maintient la variété vivante, ce qui ajoute à la vie, mais aussi celle directement en bas. Une sorte de dénote ce sens du poids, comme il y a du poids qui tombe sur le ventre et les jambes tiennent le ventre, donc c'est une sorte de le comprimer dans la ligne droite. C' est une sorte de logique, une sorte de double logique pour utiliser un droit en bas. Tu sais, tu n'as pas à dessiner un cochon avec une ligne droite en bas. Bien sûr, c'est tout ce qui concerne la forme comme moi. La forme est vraiment là où un artiste sera différent de l'autre, parce qu'avec un geste, vous savez, les épaules de nos épaules parce qu'ils ne peuvent que bouger tellement et les jambes ne bougent que tellement un geste, peut-être similaire des artistes artistes. Mais c'est la façon dont vous connectez vos gestes et vos formes avec vos formes qui déterminera qui vous êtes en tant qu'artiste, vraiment, Et comme vous le verrez quand nous entrerons dans le chapitre de peinture de cette leçon, formes comptent vraiment là aussi, bien que dans la peinture c'est plus de formes de lumière et d'ombre et de choses comme ça ici, je ne suis pas vraiment affaire à la lumière et à l'ombre. Autre que mon bloc de valeur brute ins. Mais ici, je suis juste face à la silhouette globale au personnage et comment les formes vont et des trucs comme ça. C' est le truc vraiment important. Des peintures importantes aussi. Mais si vous n'avez pas ce fondement, vous ne pouvez rien peindre parce que vous peignez n'aura pas l'air bien sans ce genre de chose en place. Je donne juste un peu de valeur là pour les jambes arrière retournées à ma brosse de marqueur souple pour ça, en fait, pas seulement les jambes arrière. Juste les jambes en général, être juste parce qu'ils sont sous le corps sur et voici le dessous du corps, obtenant un peu d'ombre pour moi comme tout ce qui est sous quelque chose ou pointant en dessous . Je vais juste jeter avec la valeur rapide. Je n'essaie pas de peindre, former ou de rendre la forme ici. Je pense juste à des directions de base. choses pointées comme le haut du corps seront dans la lumière et les choses pointant sous le ventre et les jambes étant sous le corps. Vous savez, ils ont juste un peu d'ombre, peu comme ce scénario d'éclairage de base, qui est, vous savez, vous pouvez penser de la même façon dans la peinture aussi. Je ne veux pas me devancer ici, mais tu peux penser de la même façon quand tu peins. Je pense juste à la délimitation de base la plus élémentaire de la lumière et de l'ombre et à mettre ça dedans. Je trouve que cela aide vraiment quand vous proposez un dessin à un client, ou même si vous êtes juste en train de débrouiller quelque chose pour vous-même. Si vous travaillez sur votre propre livre pour enfants comme vous êtes l'écrivain et l'illustrateur, appliquer ces observations de base à vos dessins ne fera qu'aider à élaborer les bonnes habitudes . Et c'est quelque chose qui vous aidera en tant qu'artiste, peu importe ce que vous faites. Quoi qu'il en soit, Norbert a quelques patchs sur lui, que je n'ai pas mis dans l'essai précédent. J' ai oublié de les mettre. Quelqu' un a des patchs sur le dos. Jetez ceux dedans et vous connaissez ces patchs ou une autre occasion de ne pas être répétitif avec formes, des formes,de regarder la différence de forme négative et tout ça. Voici juste un peu d'ombre sous l'oreille, et la dernière chose que je vais faire est juste effacer cette ligne parce que cette jambe devrait venir en avant. Tu sais, c'est celui qui est devant le corps et d'accord, passons à un autre sujet 10. Chapitre 2 - Des affectations réelles iii: Très bien, je veux en faire un peu ou dessiner ici. Cette fois, je vais faire le personnage que nous venons de voir dans l'écran de titre il y a une seconde. C' est un personnage de ma propre création, quelqu'un que je vais trouver pour un livre pour enfants potentiel à l'avenir, donc personne ne le vole. Je plaisante. Mais oui, je sais que c'est, ah, caractère. Je dessine tout seul depuis un moment, et quand je la développais, je dessinais comme ça. C' est ainsi que j'explorerais la forme. Elle est maigre et grande, contrairement aux personnages que nous avons regardés, où leurs têtes sont assez grandes. Ce personnage est hadas, et bien, encore gros. Je veux dire, c'est une enfant, après tout, dans un enfant de dessin animé, mais son corps a environ 3,5 longueurs de tête haut, ce qui est juste un peu exagéré. Elle a peut-être six ans, et le corps d'un enfant de six ans fait environ six longueurs de tête. Le corps d'un enfant peut être sur les longueurs de front élevées, donc vous savez que je la caricaturai vers une proportion plus jeune. Mais c'est ce que font les dessins animés. Ils exagèrent. Je vais aussi attaquer, viser ou poser directement vers le haut et vers le bas, ce qui signifie qu'elle n'est pas dans une action extrême ici. C' est presque comme si elle dessinait sur son chevalet, et ses parents sont venus dans la chambre et ont dit, Hey, chérie, et elle regarde autour d'eux, et ce que je veux te montrer, c'est qu'il y a encore à trouver même dans ces poses statiques. Une des choses les plus importantes que je reçois quand j'enseigne aux élèves des illustrations comme ça, comme le dessin animé et les choses, c'est que les poses ont tendance à avoir l'air vraiment , vraiment raide, presque comme si nous étions faits de carton et que la moindre rafale de vent allait renverser ce carton. C' est le sentiment que j'ai quand je regarde un dessin très rigide et le dessin très plat que vous puissiez voir que je construis des formes de la tête et forme le corps ici. Je contourne le haut du torse. J' essaie d'obtenir une torsion comme l'air des épaules tordu vers la caméra un peu, et puis les hanches sont plus carrés à la caméra, comme les hanches ou plus en profil, je devrais dire, tandis que les épaules sont un peu tordu vers la caméra et parfois, vous savez, si j'ai des problèmes avec une pose, l' une des meilleures solutions est de mettre votre styliste vers le bas et de se lever et d'agir vous-même. Tu sais, si tu te lèves et que tu fais semblant de dessiner sur un chevalet tranquillement et que quelqu'un tempête dans la pièce pour attirer ton attention et que tu si tu te lèves et que tu fais semblant de dessiner sur un chevalet tranquillement et que quelqu'un tempête dans la pièce pour attirer ton attention et que tutournes vraiment la tête pour les voir, tu vas tournes vraiment la tête pour les voir, remarquez que vos épaules tournent un peu avec elle. Ce n'est pas tout dans le cou. C' est à toi que je le refais maintenant. Tu ne peux pas me voir. Je ne peux m'empêcher de bouger quand je dessine, parce que la façon dont votre physicalité, la façon dont vous ressentez votre propre physicalité quand vous bougez, devrait faire appel à votre sens du geste. C' est pourquoi nous faisons des dessins gestuels n'est pas de dessiner des dessins réalistes. C' est pour comprendre ce que tu ressens. Vous dessinez sur du papier en ce qui concerne la physicalité de Riel. Donc, comme souvent quand je dessine, si je dessine comme quelqu'un avec des épaules vraiment pendues, que je geste ces épaules de chasse, je veux vraiment sentir cette sensation dans mon propre corps. C' est une description bizarre et métaphysique, je sais, mais je crois fermement que ce que vous gagnerez avec l'expérience, c'est que vous serez en mesure connecter votre crayon à votre propre physicalité. Et c'est quelque chose dont je pense vraiment que vous pouvez profiter en étudiant les dessins d'animation . Parce que les animateurs sont des acteurs, ils sont des acteurs avec un crayon, et ils doivent dessiner comme peut-être 24 images pour faire une seconde de mouvement. Ils doivent vraiment être capables de sentir chaque petite facette de la façon dont le corps se déplace. Donc dessiner comme ça est tout de tous. Mais c'est surtout à partir de l'étude de l'animation. C' est aussi d'étudier à partir du modèle en direct. Vous savez, quand vous étudiez à partir du modèle en direct et qu'ils s'opposent, vous pouvez probablement sentir cette pose. Du moins d'après mon expérience. Vous pouvez sentir cette pose mawr. Donc, si c'était d'une photo, parce que quand quelqu'un est juste devant vous pour s'opposer, c'est presque comme s'il y avait une conscience physique partagée entre vous deux. Comme si quelqu'un est vraiment tendu pour atteindre quelque chose et qu'ils le font vivre devant vous. La sensation qu'ils ressentent est probablement plus susceptible de s'enfoncer avec vous parce que vous allez aussi expérimenter toutes les autres nuances subtiles de la vie, comme peut-être qu'ils tremblent un peu pendant qu'ils luttent, vous savez, peut-être que leur équilibre change toujours aussi légèrement. Ce sont toutes des choses qui ne sont tout simplement pas présentes dans une photo, qui, par définition, est sans vie. Bien sûr, je ne veux pas dire ici que les photos ne peuvent pas être une bonne référence. Je dessinais à partir de photos dans la section geste. Mais si vous écoutez cela et que vous n'avez jamais été le dessin de la vie, c'est dans une salle de classe avec un modèle nu ou même un modèle habillé n'a pas d'importance. C' est ma recommandation numéro un pour vous d'améliorer vos compétences en dessin, sortir à un cours de dessin de la vie, puis d'appliquer toutes les choses que j'ai parlé de ces gestes, formes et formes juste au modèle vivant. Très bien, donc en parlant de formes, je veux juste faire quelques commentaires sur les formes qui se passent ici. Remarquez que ses bras sont effilés. Ils commencent maigre et s'élargissent vers le poignet. C' est le même motif dans les jambes. Ils commencent plus mince à la taille et s'élargissent vers les chevilles. C' est une forme que vous pouvez appeler ça une forme thématique. Je suppose que j'utilise ici des formes effilées. J' utilise aussi une sorte de contraste. Les formes E pour la tête sont très horizontales. C' est comme une forme de football, et le corps est plusenforme de en pouf. Donc, à des choses opposées. C' est comme si la tête était comme un pivot sur un bâton qui aidera vraiment sa silhouette à être identifiable. Ses cheveux sont des extensions sur la forme de football, et j'essaie juste de m'assurer qu'aucun de ces petits mèches de cheveux sont répétitifs mieux que je peux tout en ayant toujours un flux comme ils coulent toujours hors du cuir chevelu et vers le bas avec la gravité. Mais je veux m'assurer que les formes que chaque serrure fait est un peu différente, et il joue avec la forme positive et négative de manière unique. Donc vous pouvez voir que c'est ce que je construis ici comme une touche finale sur ce croquis conceptuel. Je veux juste jeter un peu de lumière et d'ombre rudimentaires juste très vite. J' ai un pinceau défini pour multiplier le mode qui va encore assombrir les zones. Je travaille juste sur une couche,au fait, au fait, que je suis si souvent dio, donc je suis profondément dans certaines zones d'ombre, je suis en train d'approfondir la valeur locale des cheveux juste qu'elle a . C' est une brune, donc ça rend un peu plus sombre. Maintenant. Je vais aller directement dans les yeux et faire en sorte que les yeux soient un peu plus légers. Où les blancs des yeux sont quelques faits saillants là vous remarquez le blanc pour les yeux ne sont pas blanc pur qui va le faire ressembler à deux lampes de poche, mais juste un peu plus léger, juste pour montrer qu'il est un peu différent matériel. Là, le pantalon a des pois sur eux. Obtenez ça juste un peu plus d'ombrage. Voici une ombre à l'argent. Je suis toujours sûr d'inclure un peu d'ombre. Ça aide vraiment à montrer que ce personnage est sur le sol, , peu importe sa surface, importe l'éclairage, il y aura toujours un peu d'obscurité sous nos pieds. C' est donc une touche très réaliste que vous pouvez appliquer très rapidement, et vous pouvez voir qu'en utilisant ces principes fondamentaux, nous sommes arrivés rapidement à un design complet de personnage. D' accord, essayons un autre. Je prends cette idée d'une page de mon livre théorique où elle se penche pour engager ses petits amis monstres. Imaginez qu'il y ait un monstre d'un petit monstre sur le sol, et qu'elle le regarde, se penche et lui parle. Donc je reçois le geste et il y a une belle courbe S là pour le corps. Les bras porteront le poids de son penché. Donc elle se penche en avant, à droite, ses bras vont se reposer contre elle, ses jambes. Donc je vais utiliser plus de détroits sur les bras pour donner ce sens du poids. La première chose que je veux faire, cependant, est de mettre le volume de la tête en place. Non seulement je tourne la tête vers le bas, mais j'incline aussi la tête latéralement, donc c'est un angle très étrange pour tirer vers l'avant. Et c'est là que j'ai vraiment besoin de me concentrer au début pour m'assurer que je suis sur la bonne voie. J' aime aborder d'abord la partie la plus difficile d'un dessin. Cela va varier des artistes, artistes, mais je pense que beaucoup d'entre nous auraient des problèmes avec cet angle particulier de la tête, donc je veux obtenir cela d'abord et ensuite le corps, comparativement plus facile, donc je garderai ça pour plus tard. Si vous sauvegardez les parties dures d'un dessin jusqu'à la fin, il y a de fortes chances que vous ne vous mettiez pas en place pour les résoudre. Je préfère résoudre la partie difficile, me mettre en place pour les parties les plus faciles. Non pas que je doive complètement finir la tête. Je veux dire, évidemment, la tête est toujours rugueuse, mais vous savez, dimensionnellement, elle a l'air bien. Je pense qu'il semble maintenant que je vais essayer de chercher la chemise et le pantalon, trouver comment les cylindres fonctionnent. Pour cela, vous pouvez voir que la chemise est fondamentalement un cylindre conique et le pantalon, ou j'en ai parlé dans le dessin précédent. Leur tout a une sorte de fuselé dans ce design, allant de plus mince à plus épais. Et je vais essayer de le souligner en dessinant ces pantalons. Actuellement, ils sont un peu trop symétriques, mais voilà. Voici un peu plus d'un épaississement qui se passe, un élargissement qui se passe. Tu es le bas. Vous voyez ces dessins en temps réel. Bien que je parle au-dessus d'un enregistrement juste parce que je me sens comme parfois quand je dessine en direct et vous savez aussi fournir des commentaires en direct pendant que je dessine. Je fais beaucoup de départs, d'arrêts et d'hum et d'ahhs, et je voulais juste changer ça un peu. Après tout, le dessin est une énorme tâche de résolution de problèmes. Comme, en ce moment, j'essaie de résoudre ces pieds. Je veux une perspective dans ces pieds, donc je ne vais pas les avoir parallèles. Vous savez, le pied le plus proche de nous est un peu plus pointu vers la caméra. Le pied à l'arrière est pointé un peu plus obliquement à la caméra ici. Je fais juste tourner toute la pose. On dirait qu'elle était dans un angle bizarre. Les pieds le feront dans la vraie vie. Tu sais, les pieds sont même quand ils sont parallèles. Selon l'angle de votre caméra, ils apparaîtront dans deux perspectives différentes, n'est-ce pas ? Parce que c'est ainsi qu'une grille de perspective fonctionne. Il change toujours l'orientation en fonction de dans ce cas où le pied est en contact avec le sol. Bref, pendant que je parlais là, tu m'as vu utiliser l'outil de lasso pour faire des sélections de genre, sa tête et son torse et bouger un peu les choses. C' est l'avantage de travailler numériquement. J' ai vu les gens le faire traditionnellement avec des ciseaux. Ils vont littéralement couper leur dessin, se déplacer et ensuite utiliser du ruban adhésif pour le coller sur une autre feuille de papier. Mon professeur de dessin original faisait ça. Ses dessins finis n'étaient qu'une purée de bandes et de lignes de crayon. C' était là. Ils étaient, comme des choses vivantes. À la fin, c'était génial. Mais hé, en numérique, vous savez, nous avons les outils. Pourquoi ne pas les utiliser ? Profitez des outils que nous avons. Ce n'est pas tricher à moins que tu n'aies pas ta structure. Et si vous ne faites pas votre structure et que vous essayez d'utiliser des outils orteils comme résoudre ça, alors je remettrais en question, vous savez, votre plan de jeu. Mais si vous avez une structure solide à l'intérieur, n' hésitez pas à utiliser tous les outils numériques à votre disposition pour déplacer les choses. Ok, revenons au dessin ici. J' ai juste affaire à ce bras. Sa manche est un cylindre et son bras sort. Un côté du cylindre, tu sais, ne sort pas du milieu droit. Son bras est pressé contre l'avant. Je pense à elle juste s'être penchée dans cette pose pour que vous sachiez que l'inertie aura repoussé un peu votre manche, et vous remarquez les bras, l' air, air, formes effilées, mais ils sont aussi en utilisant des lignes droites. Le cône aide les bras à ne pas être si parallèles tout en préservant la structure fournie avec deux lignes parallèles. Cette structure solide. Il n'y a rien, vraiment. n'y a rien de plus solide que deux lignes parallèles. Tu ne veux pas de l'ennui qui vient avec cette forme. Pas toujours, de toute façon. Je veux dire, parfois tu le fais. Parfois, vous voulez réellement mettre en parallèle des lignes. C' est juste d'après mon expérience. C' est l'exception, accord, donc ici j'ai du mal à comprendre comment, exactement cette main repose sur la jambe. J' ai affaire à des choses comme, les deux mains reposent sur deux jambes séparées ou se croisent pour se reposer sur une jambe ? C' est là que je vais me lever et m'opposer à moi et voir ce qui est plus naturel. Je crois qu'elle est en train d'avoir. Elle repose les deux mains sur une jambe, et c'est la jambe la plus proche de nous, et vous savez, c'est un détail en ce moment. Ce n'est pas quelque chose dont je m'inquiéterais tant dans mon geste, bien que vous pourriez le faire, mais habituellement je trouve qu'il est préférable de garder ce réglage fin jusqu'à plus tard. C' est comme quand j'ai fait ce dessin de Peck dans la dernière section où je l'ai changé à la fin pour lui donner un petit coup de pied ou son pied. C' est, Ah, petit détail de la pose que tu as confiné plus tard, à ce stade, juste en train de passer en revue mes formes. Chaque fois que je ne sais pas quoi Dio, je vérifie juste les formes qui y sont exposées en passant sur eux ou un autre grand passe sur vos contours croisés. Tu viens de me voir passer par l'arrière de sa tête. J' ai trouvé son crâne sous ses cheveux. Vous pouvez voir mon gestuel de pas gestuel. Vous pouviez voir que ma forme sous ses cheveux découvre où son crâne est comme son crâne. C' est le genre de chose que je ferai quand je ne sais pas quoi d'autre pour Dio. Je vais en quelque sorte comprendre ou m'assurer que ce qu'il y a du son, et ensuite cela me donne confiance pour aller de l'avant. Donc ici, je trouve la forme exacte de cette bouche, y compris les dents obtenant, vous savez, un peu sombre là-dedans juste pour déclencher cette bouche, généralement avec mes valeurs. Au fait, je travaille plutôt neutre, comme dans le genre. Je ne dessine pas avec une épaisse ligne noire. Je construis pour travailler dans les ténèbres comme je vais. Et c'est vrai aussi pour les valeurs. Même si je ne suis pas vraiment inquiet des valeurs dans ces dessins, ces air, les valeurs que l'air, ne sont que des blocs de base. Je pense qu'il faut toujours laisser de la place pour aller plus sombre ou plus léger aussi. Comme je ne suis pas vraiment affaire avec les faits saillants dans ce dessin un peu dans les yeux, peut-être, mais j'aime travailler sur un gris légèrement neutre. C' est comme un gris clair. Tu vois, mon fond n'est pas blanc, non ? C' est cette couleur légèrement beige. Et puis je pourrais aller plus léger à partir de ça. Si je veux Teoh et que ça peut, vous savez, aider à faire apparaître les formes aussi, à ce stade, le dessin est essentiellement fait. Je veux juste l'adoucir avec peut-être quelques valeurs. Un endroit que je cherche toujours est sous le front parce que généralement les lumières venant haut, donc sous le front est un avion qui fait face vers le bas sur la plupart de la tête bien, toutes les têtes vraiment ? Parce que notre crâne et même les animaux appelle. Ils ont des prises oculaires, non ? Donc, sous le front sera généralement un bon candidat pour obtenir un peu d'ombre. Euh, juste là, pour trouver la forme des cheveux. La forme finale qui finira avec des petits tourbillons et des indices bouclés aux extrémités des cheveux est une belle façon de juste, vous savez, mettre cette forme à la fin. Petite cerise sur le dessus. Et la dernière chose que je veux modifier, c'est quelque chose qui m'a échappé tout ce temps . Tu vois son sourcil juste là ? Vous remarquez comment il coule directement dans la mèche de cheveux qu'on appelle une tangente. Quand deux choses indépendantes deviennent liées dans un espace bidimensionnel en se touchant, ce n'est pas bon. On dirait qu'elle a un sourcil bizarre et allongé. Ça n'a aucun sens. C' est logique pour moi parce que je suis habitué au fort. Ça pourrait être logique pour toi parce que tu m'as vu dessiner ça, mais pour Anu spectateur de cette photo, ça les jetterait probablement. Voyons donc un moyen de faire fonctionner les cheveux là où ce n'est pas un problème. Peut-être qu'on pourrait avoir une mèche de cheveux qui viendrait ici, descendant quelque chose comme ça et en éliminant tout moyen que quelqu'un puisse mal lire ça. C' est un peu comme, tu sais, tu sais, quand tu fais un entretien d'embauche et que tu rentres à la maison, tu es comme à la maison il y a. Ont-ils mal lu ce que j'ai dit là-bas ? C' est le même retrait que vous voulez vous assurer que personne ne peut vous tromper. Et éviter les tangentes est l'une de ces polices d'assurance contre cela. Ok, donc il y a fini le dessin. Essayons un autre. Donc pour celui-là, je reviens à parler en direct en enregistrant, parce que je veux te montrer quelques quatre raccourcis avec cette pose. Je vais faire ça. Ils vont être le même personnage, mais elle va engager la caméra un peu plus. Elle va être comme avoir une conversation avec quelqu'un, et elle va faire des gestes avec ses bras. Donc ces choses que je dessine ici vont être ses mains, ce qui va se chevaucher la tête avec la perspective. Et en ce moment, je bloque un geste. Elle va être comme ça. Je ne pense pas que vous puissiez le voir encore. Mais là où je tourne maintenant, ça va être sa main droite qui se dirige vers la caméra fortement réduite sur le bras. Donc tu as dû faire quatre trucs de raccourcissement avec ta pose va être un peu serré . En fait, c'est plus un secret. Je vais vous montrer que c'est une courbe en C, puis une droite pour que le haut de la poitrine soit ou la poitrine soit un chercheur, puis vers le bas pour les jambes. Je vais avoir les proportions rugueuses ici. La ligne d'épaule va être comme ça. J' adore dessiner avec ce pinceau marqueur O R. Ce n'est pas le pinceau qui compte. J' aime dessiner avec ce marqueur doux comme une sorte de chose que je pourrais juste rapidement frotter dans et bloc gestuel global dans. J' aime vraiment ça. Un pied ira par là. Un pied va aller par là. Elle tient ses talons ensemble. Je pense que maintenant tu peux lire ce qui se passe ici. Ok, alors allons ah, attrapons un pinceau maintenant. Tu sais, je n'ai pas beaucoup parlé de pinceaux parce qu'ils ne sont pas importants. C' est tout ce qui est confortable pour toi. Mais j'ai ce genre de pinceau calligraphique qui devient épais contre mince, en fonction de l'angle de mon coup de pinceau. Oui, c' est le pinceau que j'utilise pour la majorité de ma lignée. Travaillez cela et le pinceau de marqueur doux. Et ces Russes seront inclus avec l'achat de cette vidéo. Ok, donc sa tête va être inclinée, comme je le fais presque toujours. Même la moindre inclinaison pour moi est préférable à une droite sur le visage. Bien sûr, ne faites rien en règle générale, ne faites que des choses si ça a l'air bien. Parfois, un visage droit devant sera ce que vous voulez à nouveau. Juste pour moi. C' est généralement l'exception. Alors bloquons dans ses yeux. Elle va engager un personnage qui est par ici, non ? Donc à travers Contra pour la conquête de la croix de I pour le milieu du visage. Ça va me montrer où est son nez, et je pense à ce triangle ici. Juste un peu à part ici. En parlant de ce triangle, vous savez ce que j'ai entendu une fois que j'ai entendu dire qu'un chat a le triangle optimal pour l'acuité comme façon dont nous les humains réagissons l'acuité, j'ai entendu dire que le triangle d'un chat du bord des yeux au milieu du nez. C' est comme le triangle mignon idéal, et un bébé est juste un peu hors de ce est très proche. Mais statistiquement, un chat est plus mignon qu'un bébé. Je veux dire, je ne pense pas, mais dépend de bébé, je suppose. Quoi qu'il en soit, mon point est que vous pouvez voir que ces deux triangles sont assez similaires. Une autre qualité d'acuité. Et je m'excuse. La tête de ce bébé est coupée, mais une autre qualité d'acuité est la hauteur du front. Vous voulez vous assurer que vous avez un front de taille là-bas. Rien ne tuera Mignon plus que de mettre les yeux près du sommet de la tête. Vous savez, les bébés, l'air connu pour leur géant ou l'apparence d'un crâne géant, et vous voulez vous assurer que cela reste intact dans votre travail. D' accord, donc en revenant à notre dessin ici, vous pouvez voir que c'est pour ça que je passe si souvent sur les têtes de mes personnages juste pour m' assurer que je peux sentir ce crâne. Et c'est toujours agréable de mettre la ligne des yeux, comme dans la direction des yeux où elle regarde. Cela injecte toujours les personnages avec juste un peu de vie qui manque autrement les yeux . Et c'est agréable d'avoir cette injection de la vie tôt juste parce que cela vous inspirera à continuer à dessiner. Ce que je laisse tomber sur moi ici va le redessiner. Ça va être là-haut. On y va. Ces petites choses comptent vraiment et la bouche sera ouverte comme si elle parlait et vous pouvez jouer avec la forme de la bouche. Nous bloquons ça avec une valeur sombre, mais pour l'instant et puis la joue. Notre désolée, le boulot. Lorsque la bouche s'ouvre, la mâchoire s'étend à droite. Donc je veux m'assurer que je me suis allongé pour englober la mâchoire de cette bouche d'enfants, qui est ouverte. L' oreille va être, vous savez, à peu près ici. Bien que je pense que ses cheveux couvrent l'oreille de toute façon. Ok, j'ai parlé de quatre raccourcis et je ne l'ai pas encore fait, mais faisons tourner le torse. Donc elle a un peu de pyjama crop top qui se passe. Donc c'est sa peau nue ici. Voici la ligne d'épaule de la hanche, que je renforce avec la ligne plus sombre ici et le pantalon descend, ils s'évanouissent en bas. Donc je pense globalement, comme les pantalons sont en gros, comme un cylindre en ce moment. Tu vois ça ? Et puis je pourrais tracer la ligne de démarcation. Je ne vais pas juste tracer une ligne droite, cependant. Je veux dire, je pourrais, mais je n'aime pas la symétrie. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais tracer cette ligne pour être, tu sais, inégale. Indiquez juste peut-être que certains plis du pantalon ont juste un peu de plaisir avec elle. Vraiment. Maintenant, quand je dessine l'autre côté comme ce contour pour le pantalon, je ne veux pas imiter celui-là, non ? C' est une autre façon de faire de la symétrie. Tu ne veux pas ça non plus. Vous devez donc vous assurer que vous êtes toujours conscient de ce qui se passe avec vos formes . Mais je m'occuperai de la forme finale un peu plus tard. En ce moment, je veux obtenir que je veux mettre sa main dans sa main, va être vers la caméra. Alors va se chevaucher la tête. Et ce que j'aime faire maintenant, c'est que je vais juste prendre mon pinceau ici et juste peindre ou une course sur la partie que la main couvre. Ça m'aide à visualiser qu'il y a quelque chose en face. Donc son pouce va peut-être être là comme si je dessinais avec la couleur de fond en ce moment. Um, le pouce est là. Son épaule commence là. Et la chose avec quatre raccourcis est pour le tri est en fait assez simple. Il n'y a qu'une forme au-dessus de l'autre. Donc, dans ce cas, il y a trois formes. Si vous pensez aux quatre, si vous pensez au bras, voici le bras de l'avant. C' est le haut du bras. C' est l'avant-bras au bas du bras. Et voici la main droite 123 Donc, quand vous avez affaire à une perspective réduite, vous devez juste vous assurer que dans ce cas, la main vient de l'avant. Donc tu dois t'assurer que la main est la plus grosse et que ça obscurcit les numéros un et deux . Donc le numéro trois obscurcit un et deux, et quand vous dessinez un numéro deux, vous devez vous assurer qu'il est plus grand qu'un et masquer un eso pour court-circuiter est en fait, c'est bizarre. C' est un effet tridimensionnel, mais c'est en fait un exercice bidimensionnel. Alors voici son geste de la main. Laissons son index pointer un peu vers le bas. Je n'aime pas ça. C' est ton petit pinkie qui sort à l'arrière. Je vais aller avec ça pour l'instant. Je ne sais pas si c'est la dernière pose, mais on verra. La voici. Voici la section numéro deux de son avant-bras et à peine derrière. C' est l'épaule. C' est le coude juste là, que je pense que vous pourriez voir de ce point de vue. J' ai parlé de l'importance du dessin de la vie tout à l'heure. C' est là que j'ai appris ça aussi. Rien n'informera votre dessin plus que le dessin de la vie. Bien sûr, dessiner à partir de photos est génial pour vous devriez absolument le faire aussi bien. Ils profitent tous à l'autre. Mais le dessin de la vie est la chose, le catalyseur pour tous. À mon avis, il n'y a pas de règle établie quant à la façon dont les meilleures pratiques sont utilisées. Mais si tu me demandes ces airs, mes meilleures pratiques, ok, ce bras n'est pas réduit. Il y a un cylindre ici. Ce bras est plus comme ça. Laissons ce pouce s'étendre vers le haut et la main s'étendre vers le bas. C' est toujours agréable de donner aux mains un peu d'une courbe, donc j'aime faire une courbe de balayage du pouce, suivant jusqu'à l'index et peut-être quelque chose comme ça. Et puis parfois c'est agréable d'avoir le pinky juste décalé. Donc, l'index fait tomber les pinkies. Je sais qu'elle a des mains géantes, mais ça fait partie de l'attrait de ce personnage. Je pense que je ne suis pas sûr si je l'aime encore les grandes mains. Mais il y a quelque chose sur les mains qui sont si expressifs, et beaucoup de dessins animés mettent l'accent sur les mains. Si vous revenez à la fin du film, que j'ai mentionné dans la section précédente, les mains dans l'air rapproché, juste belle et ils sont grands. Si vous regardez Jesper, les mains du personnage principal, leurs mains géantes. Mais il y a tellement expressif que vous pouvez mettre en pause n'importe quel cadre et étudier ses mains. Un autre grand film pour les mains est le géant de fer. Si vous regardez Hogarth, Hughes est mains leurs mains géantes énormes mains. Mais il y a tellement expressif que vous avez un vrai sens de la façon dont un artiste peut éprouver avec ses mains , ce qui est bien sûr vrai aussi, nous utilisons nos mains beaucoup, surtout si vous êtes italien comme moi. Ok, prenons un peu de, Ah, le blanc de l'œil là-dedans. Juste un peu d'une valeur plus légère dans la mise en évidence aide toujours. Et ne négligeons pas les pieds trop longtemps. Le théâtre Voici le gros orteil, puis les autres orteils, et ce pied est fondamentalement l'inverse de l'autre. Nous avons ce genre de choses, et nous allons juste bloquer dans une ombre, comme je le fais toujours. Maintenant, nous avons une pose intéressante pour ce personnage est clairement engagé à expliquer quelque chose à quelqu'un, peut-être son ami imaginaire. Ici, les cheveux sont un peu Wolverine, comme maintenant. Éloignons-le de ça. J' aime ça. Elle est, elle a, genre, genre, tête de lit en gros. Essayons donc de trouver une sorte de façon expressive de dessiner ses cheveux. Peut-être quelque chose comme ça. N' oubliez pas les cheveux qui chevauchent la tête dans cette zone ici, et ce sont les cheveux derrière elle. Donc, c'est une bonne excuse pour obtenir une belle valeur sombre qui montre vraiment beaucoup de thèse du bras. Ok, maintenant c'est à vous de décider si vous aimez la main qui chevauche la bouche. Ce n'est pas mon truc préféré. Mais juste pour le bien de ce dessin, je le laisse. C' est quelque chose qui me gêne un peu. Tu sais, c'est la bouche est une sorte d'histoire racontant une partie de ce dessin comme si elle parlait, et c'est toujours clair. Mais il y a quelque chose à bloquer la bouche avec la main. Je ne suis pas sûr que ce soit le meilleur choix. Mais tu sais quoi ? Laissons-le comme si c'était quelque chose que je raffinerais plus tard. Comme si ce dessin était réellement en train de le faire dans mon livre pour enfants ou quelque chose comme ça, je l'affinerais plus tard. Mais je pense que comme une sorte de dessin conceptuel, et surtout comme une leçon que ce chapitre est censé être, je pense que c'est correct. Donnons à son pantalon un peu plus sombre, ce qui est toujours un bon moyen de séparer graphiquement un élément du suivant. Comme vous le savez, de la chair des vêtements. Dans ce cas, un peu d'une valeur sous le front ici, peu d'une valeur dans la mâchoire inférieure. Les cheveux ont déjà une valeur sombre, mais nous allons juste le souligner un peu à nouveau. La valeur que j'ai mis autour des cheveux ici, ce qui aide vraiment à identifier la silhouette de sa tête. C' est donc une belle occasion d'y entrer avec des formes définitives, et vous pouvez voir comment je me glisse sur mes formes. Vous savez, ce dessin a l'air assez fini maintenant comme un dessin brut qui est comme un dessin brut fini , non ? Mais je me suis glissé dessus, et vous pouvez voir comment vous pouvez vraiment utiliser ces outils que ce chapitre vous a présenté, espérons-le , pour et vous pouvez voir comment vous pouvez vraiment utiliser ces outils que ce chapitre vous a présenté, espérons-le, pourarriver à une déclaration finlandaise d'une manière qui n'exige pas que vous l'obteniez juste au large du saut. Bon, alors appelons ça fini. 11. Chapitre 2 - Affaires réelles iv: d' accord. Je veux prendre un angle légèrement différent à ce sujet et vous montrer un projet de la vraie vie. Là où on m'a donné un vieux design de personnage cette année, c'est un mouton nommé Gloria, et ils voulaient que je lui donne une touche fraîche et moderne. Et je veux d'abord vous donner quelques commentaires en direct sur mes premières impressions quand j'ai vu ce personnage, vous savez, quand je faisais le bilan interne du design qui se passe ici, juste les choses visuelles que j'étais penser à. Maintenant, comme pour toute forme d'art, les choses vont et viennent avec les tendances et les styles. Donc il y avait probablement un temps où ce personnage était à la mode. Je pense que ce personnage a été conçu à la fin des années 80, au début des années 90 ou quelque chose, et peut-être à cette époque, beaucoup de livres pour enfants et de programmes TV dont ce personnage faisait partie ressemblaient à ça . Mais en regardant maintenant, certaines de ces symétries et rythmes se sentent un peu datés. Et ce n'est pas seulement moi qui pense que la société m'a engagé pour cette raison, comme si vous regardez la forme de la bouche les côtés de la même, le haut est symétrique. Le fond est symétrique. Même la langue est un peu symétrique. Ça ressemble à une bouche, bien sûr, mais ce n'est pas très intéressant, tu sais. Regardez les yeux aussi. Tu sais, je suis prêt à parier que c'est une simple copie et coller de tout ça. J' ai juste les cils inversés. C' est pour moi une utilisation inefficace des formes. Je regarde aussi des choses comme la tête. Si vous regardez le haut de la forme de la tête, c'est comme ça. Le fond comme ça. C' est la même distance, tu sais. Ces lignes sont essentiellement parallèles là, juste courbes, mais elles sont courbées de la même manière. Donc, même s'ils ont des petits morceaux en forme de fourrure, il reste symétrique, même des choses comme la façon dont ces grumeaux sont dessinés. C' est la même forme trois ou quatre fois, peut-être même cinq fois. Ce top est un peu mieux. Ils en ont des plus petits ici. Ensuite, il y en a un grand là-bas, se rétrécit en petit. Mais même ceci, comme ces trois mêmes, ces trois mêmes, et celui-ci est différent. Vous voulez y ajouter de la variété, je pense, je pense, au moins encore une fois. Je parle du contexte moderne. Je ne parle pas de ce qui est objectivement meilleur ou pire, qui n'existe pas. Nous parlons simplement de Si vous travaillez dans l'industrie aujourd'hui, quelles sont les choses que vous devriez examiner ? Et ce sont les choses que j'ai remarquées à propos de ce design de personnage. Maintenant, une chose que j'aime dans le design de personnage, c'est qu'il y a un joli geste de courbe C pour elle. On dirait aussi qu'il y a un peu plus de poids sur cette jambe, un peu moins sur cette jambe, bien qu'ils soient tous les deux comme des détroits. Et je pense que le chercheur de tant qu'il est là, il est un peu raide que le corps est essentiellement droit de haut en bas du cou au pied. C' est presque comme si la courbe C était à la fois là et pas là en même temps, Vous savez, ailleurs, je vois des formes qui ne semblent pas être conçues avec aucune fonction à l'esprit. Comme ceci est essentiellement une ligne parallèle ou deux lignes parallèles. Et oui, les formes sont variées d'un côté à l'autre, comme si ce n'était pas exactement la même chose, mais c'est tellement aléatoire qu'il ne semble pas communiquer quelque chose intéressant sur ce bras. Ces ondulations semblent être plutôt aléatoires, par opposition à dire quelque chose de plus général, comme peut-être le design qui va comme ça, où c'est comme un élargissement global ici, cette partie du bras et un effilement à ce partie du bras. Ce bras semble être plus localisé, comme des grumeaux sans raison. Quelque chose que j'ai manqué sur la tête ici au bandeau divise essentiellement la zone de laine en deux . Le bandeau violet lui-même est varié pour être plus épais ici et plus fin sur les côtés. C' est cool. J' aime ça. Et parce que je redessine Gloria, je vais devoir lui donner un bandeau. Mais je veux le rendre un peu plus intéressant, et enfin, les traits sur la tête semblent plats, comme s'ils étaient alignés avec un carton plat découpé sur la tête. Ils ne semblent pas s'enrouler autour d'un crâne ou d'une structure tridimensionnelle. Cela peut fonctionner dans une image fixe comme celle-ci, mais cela rend le personnage difficile à dessiner sous différents angles. Et c'est quelque chose que je voulais aussi changer dans mon design. Ok, alors mettons Gloria là-bas. Et j'ai fait deux tours de design pour mon premier set. Ça ressemblait à ça. Mon deuxième set ressemblait à ceci avec celui-ci. J' ai essayé de changer complètement sa ressemblance, alors qu'avec le 1er 1 je suis resté un peu plus semblable au modèle original. Comme la ressemblance originale Un peu. Ce n'était pas une exigence totale que je reste fidèle à la ressemblance réelle afin que je puisse dériver un peu. Donc le dessin numéro un ici était le premier dessin. Je l'ai fait. Et vous remarquez que j'ai vraiment collé à la planéité globale de la tête comme si la forme de la bouche est à peu près identique à la forme originale de la bouche. Mais la chose principale que je joue dans le dessin numéro un et tous ces dessins. Si vous regardez la proportion de la tête, les cheveux prennent beaucoup plus d'espace comme je l'ai compensé. J' ai donné le genre de cheveux de ce 2/3 contre 1/3 par rapport au reste du visage sorte de chose, ennuis l'original est fondamentalement divisé en deux. Je suis également en train de compenser la tête entière par rapport au corps en utilisant le même type de Formule 2/3 contre 1/3. J' ai aussi donné un peu de perspective au corps. Tu sais, si c'est son corps comme ça sur ses pieds sont comme ça. Il y a de l'autre côté de Contour. Ce n'est pas juste comme ça. Le corps d'origine est en quelque sorte droit, non ? Je lui ai donné un peu de ah, perspective, certaine courbure pour les cylindres. C' est l'autre chose, au fait, ça n'existe pas dans l'original. Elles sont très droites, comme si tout était droit. n'y a pas de perspective ici parce que le design original ignore la chose du cylindre. Donc, en donnant aux personnages quelques cylindres de base aussi pour les bras, comme le fonctionnement des bras, vous pouvez donner au personnage une dimension instantanée ici. Sur le dessin numéro deux, vous pouvez voir que je joue vraiment avec cette forme de tête, juste en lui donnant ce genre de chose 2/3 contre 1/3 cheveux rapport tête. Et je garde l'oreille super basse comme si c'était une forme très rationalisée. J' ai l'impression que tu pourrais concevoir un vaisseau spatial avec cette forme ou quelque chose comme ça. Il y a quelque chose de très aérodynamique à ce sujet. Je ne sais pas si c'est le bon terme, mais il y a quelque chose de amusant dans ce genre de forme que vous remarquez que c'est sinueux ici , juste là. me rappelle le personnage de Norbert que j'ai dessiné dans la section précédente où j'ai fait son dos courbé dans son ventre droit. Vous pouvez aussi le voir préserver un peu de ce chercheur pour le corps. Mais l'une des choses qui rend cela un peu plus intéressant est que le sac de livre traîne derrière elle, et c'est traîne derrière elle, quelque chose que j'aime dans l'original. Au fait, j'ai vraiment aimé comment elle tenait le livre. On dirait qu'il avait un peu de poids contre son corps. J' ai été inspiré par ce sens du poids, mais dans celui-ci, j'ai juste, vous savez, mis le livre sur le sol. Ce n'était probablement pas conforme au personnage que j'avais imaginé. Elle a l'air un peu plus soignée et bien rangée pour ça, mais ça, c'est juste de l'exploration, non ? Vous avez aussi remarqué que l'endroit où j'ai placé l'arc sur ces deux personnages est juste, vous savez, c'est hors centre, essentiellement, et les deux de ceux que j'ai gardé la symétrie du genre de va maintenant souhaiter comme peut-être je chevauchait comme les cheveux chevaucheraient l'arc. J' aimerais faire quelque chose comme ça. Juste avoir l'impression qu'il est assis dans un lit de surface en laine douce. Tu sais, si je critique mon propre travail, ce que je fais tout le temps, ce serait un peu plus amusant. Vous pouvez voir dans le dessin numéro trois, j'ai joué avec un peu plus d'une forme thématique diamant pour le corps. Le corps est essentiellement en forme de diamant, et vous remarquez que le châle qu'elle porte est également fait de diamants. Donc je joue avec, tu sais, la forme thématique. Ils ne sont pas seulement avec le corps, mais la garde-robe qui est sur le corps et puis deux séries éliminatoires cette netteté que je lui ai donné comme jambes très arrondies. Donc ce sont toutes les choses que vous pensez pour informer votre dessin. C' est une chose très courante, orteil comme regarder le morceau de papier blanc et être intimidé par son Vous ne savez pas quoi dessiner et la forme thématique pourrait être une solution facile pour vous faire passer cette peur, parce que la forme thématique est conçue pour vous commencez, puis une fois que vous commencez, votre créativité commence. Je lui ai aussi donné uneforme de tête très arrondie, , forme de tête très arrondie, n'est-ce pas ? Et puis, bien sûr, je joue aussi avec, genre, genre, une grande section de cheveux contre une section plus petite pour son visage. Et puis sur le dessin numéro 4, je n'ai pas tellement exploré les proportions. Je l'ai gardé un peu plus, même si nous avons mesuré la tête au corps. C' est un peu comme un demi-genre de chose. même chose avec la tête réelle. Les cheveux pour le reste de la tête est également une sorte de 1/2 1 moitié, vous savez, juste en essayant de jouer avec différents types de proportions. Lorsque vous envoyez des concepts à un client, vous voulez toucher toutes les bases et voir avec quoi ils répondent. Ok, donc l'autre page de Gloria que j'ai faite était celle-là, et dans celle-ci, je suis vraiment allé sur un pied avec le redesign, ce que le client m'a permis de faire. Je ne ferais jamais cela si je devais m'en tenir au modèle original. Mais le client m'a demandé d'explorer des conceptions de Gloria très différentes. La chose que je fais toujours quand je fais un dessin de personnage, c'est que j'essaie toujours de penser à la dimension du personnage. Donc, si je veux à travers le contour de ce premier visage ici, la forme monte et descend ensuite eso Quand je dessinais cette forme, je bloquais dans une sorte globale de chose ici, travers le contour et assurez-vous que peut-être un côté était un peu un peu plus près de la caméra. Donc ce que je veux dire par là, c'est comme si ce côté est face à la caméra un peu plus droit de ce côté. Donc ce côté obtiendrait une valeur d'ombre, en fait l'inverse. J' ai donné à ce côté la valeur de l'ombre. Quoi ? Ça le fait. Ça te montre juste comme ça ressemble à une forme dimensionnelle. C' est presque comme une boîte ou quelque chose comme ça, non ? Je veux dire, c'est basé sur une boîte comme une boîte qui rencontre une sphère. Et puis à partir d'ici, je pourrais construire mawr des formes tridimensionnelles comme un nez dont le dessous est là. Et puis je pourrais construire plus de formes dessus comme une bouche qui hisse par le bas. On va parler des bouches dans la section des expressions faciales de ce chapitre, qui arrive ensuite, alors, parce que j'ai une forme dimensionnelle solide ici, je pourrais construire les yeux dessus. Ce gars est plus arrondi parce qu'il fait face à la caméra Mawr juste face sur. Où est l'œil dans le dos est un peu plus elliptique, et il est également partiellement bloqué par cette forme ici, comme la forme du nez, la zone du museau. Donc ça, je sors de derrière et on peut y avoir nos iris. Et avant longtemps, nous avons un design dimensionnel qui est assez simple à dessiner assez rapidement . Non, je manque d'espace ici, mais vous pouvez voir ce que j'ai fait avec les cheveux. J' avais juste étendu beaucoup plus haut pour jouer avec cette proportion. Maintenant, si vous êtes hypnotisé par la couleur de ces motifs, s'il vous plaît ne le soyez pas. La couleur est facile si votre dessin est correct. En fait, c'est une chose courante à laquelle je dois faire face. C' est un professeur d'art. Beaucoup d'étudiants viennent me voir, inquiets pour leur couleur, mais quand je regarde leur travail, ce n'est pas la couleur qui fait tomber l'art. C' est le dessin. Donc, si vous avez ces fondamentaux et que vous pouvez les faire appel à volonté et que vous pouvez les traiter avec facilité, ce qui vient avec la pratique, alors votre couleur pourrait simplement être branchée. Maintenant, il y a encore des principes de la couleur, et nous parlerons de ceux du chapitre 3 est qu'ils concernent les livres pour enfants. Et si vous voyez ma chaîne YouTube, j'ai de nombreuses vidéos sur l'utilisation des couleurs. Mais encore une fois, l'ironie derrière la couleur est que la couleur ne fonctionne que lorsque vous dessinez, les fondamentaux sont en place. C' est pourquoi, dans le chapitre, d'entendre parler de cette classe essayant d'aborder le problème du dessin sous différents angles et de vous montrer que quoi qu'il arrive, je dessine un cochon, un humain, un moutons tous dans diverses poses. Tout se résume aux mêmes principes fondamentaux du geste, forme et de la forme ici sur le deuxième dessin et son désir de se rappeler comme des concepts que j'ai utilisés auparavant. Comme l'idée d'un crâne. Tu vois comment c'est derrière les poils de laine ? Mais le crâne est caché là-dedans. Il y a beaucoup d'espace pour ça. Il fonctionne de manière dimensionnelle avec le reste de la tête. En fait, tous ces personnages vous pouvez voir que dans les coulisses, j'ai tracé toute la forme de la tête. Donc, vous savez quand quelque chose chevauche une forme comme les cheveux chevauchent la tête droite. N' arrêtez pas de dessiner la tête là où les cheveux le chevauchent. Assurez-vous de bien comprendre le formulaire comme si vous aviez une vision aux rayons X. Vous pouvez voir derrière les choses ici sur un niveau de forme thématique. Si vous examinez la forme thématique de la postiche entière ici, c'est c' une sorte de truc ondulé. Notez que le visage lui-même partage de nombreuses caractéristiques avec la forme des cheveux. Maintenant, ils ne sont pas identiques. Mais en ce qui concerne la façon dont ces courbes coulent, l'ADN qui compose la forme est le même. Et ce sont les qualités que je vénère et les autres artistes travaillent si naturellement. C' est une mission pour moi de comprendre comment je peux obtenir ça dans mon propre travail. Donc, j'espère que cette petite section pourra fournir quelques éclaircissements à cet égard. D' accord, avant de terminer le chapitre, faisons une dernière section sur l'expression faciale 12. Chapitre 2 - Expression faciale: Très bien, donc une grande partie du dessin des livres pour enfants est l'expression faciale. Et contrairement à une croyance populaire, les éditeurs d' aujourd'hui ne veulent pas vraiment des visages souriants sur chaque page. Rappelez-vous que les livres pour enfants sont un modèle de comportement pour les enfants. Il y a donc beaucoup de livres pour enfants, surtout ces jours-ci, qui traitent des émotions autres que le simple bonheur. Nous savons tous que le visage est très élastique, capable de beaucoup de nuances d'émotion, et je veux passer en revue certaines des choses auxquelles je pense quand je m'attaque à l'expression faciale. En accord avec le thème de l'apprentissage de l'animation, je veux vous montrer cette petite page montrant différents personnages Disney. Maintenant, à mon avis, vous faites ou casser l'expression faciale avec les yeux, particulier les yeux et la relation sourcils. Maintenant, nous savons tout sur le rythme continu, et c'est l'un des principes principaux que je cherche dans l'expression faciale. De gauche à droite, regardez le rythme continu qui existe et lie les sourcils de ces personnages. Aladdin ici est plus une courbe S, et Prince, quel que soit son nom est plus un chercheur. C' est quelque chose qui arrive avec les visages humains aux muscles de notre front sont connectés. Donc, quand on bouge un sourcil, c'est très difficile de le faire sans avoir l'autre une sorte de queue. Mais la raison n'est pas seulement anatomique. Le rythme continu nous aide à lire une image rapidement. Tu sais, dans ce cas, c'est si facile de glisser d'un sourcil à l'autre. Donc ce genre de look uni, cette ligne que je viens de dessiner. Créer un unibrow est quelque chose que je pense tout le temps quand je fais des expressions faciales. Il est également important de noter que l'œil est fixé dans une prise oculaire, donc il y a un nez et le sourcil. Laissez-moi vous montrer l'autre sourcil pour le contexte. On y va. Maintenant, vous pouvez voir le profil du visage pour le dessin. Une erreur très courante est que les gens dessinent les yeux trop près du nez. Cela viole une relation fondamentale de notre anatomie, qui est que les yeux sont incrustés dans les douilles. La bonne façon de dessiner ces yeux est de retour ici. Et comme je m'asseyais probablement quelque part là-dedans, tu vois maintenant on dirait qu'ils sont encastrés dans le crâne. Maintenant, dans ton dessin animé, je te conseille fortement de suivre ça parce qu'après tout, les dessins animés ne sont possibles que parce que ce sont des caricatures de la vraie vie. Et bien qu'il y ait des choses anatomiques que vous pouvez ignorer Ceci, à mon avis, n' est pas l'un d'entre eux. Donc pourrait être un exercice amusant pour juste dessiner comme une ligne de rythme continu. Maintenant, avec les crayons plus sombres, séparer ça en deux sourcils. Assurez-vous d'adhérer à ce rythme continu, puis voyez si vous pouvez trouver où les yeux devraient aller à nouveau après l'idée que ces yeux sont enfoncés dans le crâne. Bien sûr, cela laisse de la place au nez pour sortir. Nous devrions probablement finir quelque part ici traditionnellement, et juste comme ça, nous avons une expression crédible qui m'a pris, quoi, 12 secondes pour dessiner. Si vous voulez plus de douceur, vous pouvez toujours jeter la douille à paupières dans l'ombre. Souviens-toi que les prises oculaires ont presque, comme un raton laveur en quelque sorte de forme ou de lunettes de soleil ou quelque chose comme ça. Souviens-toi que les prises oculaires ont presque, Ils suivent l'orbitale du crâne. J' ai toute une classe appelée comprendre et peindre la tête qui plonge dans tout ça. C' est un cours de sept heures sur Li sur la tête, donc je ne vais pas plonger dans l'anatomie et tout ça ici. Nous allons simplement nous en tenir aux graphismes de l'expression faciale. Vous pouvez retoucher les yeux avec une valeur un peu plus légère, et puis c'est un peu accrocheur. La lumière aide toujours à éteindre les yeux un peu. Quoi qu'il en soit, essayons à nouveau avec un rythme différent. Était essayer qui était branché dans un sourcil là, l'autre comme ça maintenant parce que ce sourcil est en place. C' est moi que tu vas voir tout ça. On va le voir comme ça et ça. Je serai un peu obscurci par le sourcil, donc tu l'auras plus comme ça. C' est toujours agréable d'arrondir les sourcils sur leurs bords comme ça. Et si vous voulez un peu plus graphique, regardez, vous pouvez épaissir les poils du sourcil. Évidemment, je ne parle pas de design ici. Je parle de la de mécaniquede l'expression faciale. Vous pouvez, bien sûr, brancher cette leçon dans la conception de votre choix, puis cette partie est appelée le septum. C' est là que le nez se connecte au front et puis, vous savez que vous avez votre nez comme ça. Essayons encore une fois avec quelque chose comme deux droits . C' est presque comme une forme de V, non ? sourcil inversé Unsourcil inverséest comme ça. L' autre est comme ça. Le nez descend ici. Parfois, il est utile de mettre le nez dedans pour vous aider à identifier les trois dimensions de la tête. Vous pourriez penser que je serais quelque part ici. Mais non, ce n'est pas assez d'espace entre le sourcil dans l'œil. Ce sourcil, après tout, est levé. Maintenant, quand le sourcil se lève, l'œil ne se lève pas avec lui. Donc je suis en bas, laissant beaucoup d'espace juste là. Ces sourcils plus bas de sorte que vous pouvez laisser moins d'espace ici. Bien sûr, je peux à travers le contour de la tête un peu. Je serais quelque part ici, jetterais l'élève là-bas, tu sais, c'est encore un peu près du nez. J' allais prendre ça et le déplacer. L' air qu'on va. Pouvez-vous sentir qu'il est enfoncé dans le crâne quand je fais ça ? Et, bien sûr, en cas de doute, n' hésitez pas à faire de l'ombre dans vos paupières juste avec un peu de ton laissant le nez qui fait saillie. Cela n'a pas d'ombre. Seules les prises oculaires obtiennent l'ombre et notre valeur habituelle légèrement plus légère pour les blancs de l'œil et un peu d'un point culminant. Voilà une erreur. Lorsque vous dessinez des yeux avec des paupières lourdes, vous avez votre œil et beaucoup de gens juste mettre une ligne là-bas qui pourrait fonctionner pour style artistique grossier involontairement comme South Park. Mais si vous voulez quelque chose d'un peu plus naturel, essayez de chevaucher le couvercle comme ça. Obtenez le couvercle avec un peu d'angle par rapport à lui. Le couvercle agit essentiellement comme à travers le contour ici, passant sur la forme du globe oculaire rond et ensuite suivre que je comme il sort et obtenir le J'aime ça. Pouvez-vous voir à quel point cela a plus de dimension ? Nous pourrions, bien sûr, traverser tout ça pour mieux le voir en trois dimensions. Le sourcil serait, vous savez, quelque part ici encore, quelque part ici encore, laissant assez de place ici pour que l'on puisse mettre la prise oculaire en place. , ton Parfois, tonpersonnage n'a pas de sourcils comme ce monstre ici, mais je pense toujours au rythme continu. Comme quand je dessine ses yeux, je pense toujours à ce rythme continu, ce qui m'aide à tracer où vont ces yeux. Et en passant, le rythme continu peut également vous aider au bas des yeux aussi bien. C' est un excellent moyen d'unifier deux yeux qui ne sont pas vraiment liés l' anatomie humaine. Après tout, ce monstre n'a même pas de nez, sorte que vous pouvez obtenir un regard très expressif et reconnaissable humain avec très peu. Tout est au sujet de ce rythme continu. Si je voulais dessiner ce personnage avec, comme cette expression faciale, tout ce que je ferais c'est juste m'assurer que j'applique comme ces faux sourcils. Mais vous savez, quelque sorte avoir le sommet des yeux eux-mêmes être le genre de chose des sourcils, et vous avez l'impression qu'il y a des sourcils ici sans vraiment les avoir. Voici Norbert le Cochon de Norbert Big Dream, et vous pouvez voir qu'il s'agit de l'illustration de la couverture finie ou d'un recadrage de celui-ci. Vous voyez à quel point je suis clair sur ce rythme continu pour les sourcils et comment tout ça est comme son oculaire. Tout est encore dans l'ombre. C' est presque comme des lunettes de soleil, juste des lunettes de soleil faites avec de l'ombre comme je le faisais ici avec ce personnage. Ok, je veux parler de sourires une seconde. Vous savez, utilisez cette photo ici. Il s'est passé deux choses à noter. Quand on sourit, je pense que tout le monde sait, comme, la bouche renversée. C' est assez évident. Alors je suppose que trois choses arrivent, c'est le numéro un. Mais le numéro deux, c'est que nos bouches remontent la chair sur nos joues . Il crée comme cette boule de chair tirée sur le contour de sa peau. Ici, il irait comme ça juste autour de la peau, sur la forme à l'extérieur. Contrairement ici, cela crée une ligne convexe qui va comme ça. Si elle ne souriait pas, son contour serait plus plat comme ça. Mais parce que vous souriez les bouquets de joue et il vous donne plus de cette courbe et chose numéro trois. Ça arrive. Et je l'ai déjà mentionné brièvement, mais la paupière inférieure est poussée vers le haut avec la joue et cela vous donne cette courbe comme ça. Cela pourrait vous rappeler la convention d'anime commune d'avoir ces paupières renversées pour passer graphiquement à travers une expression souriante. Maintenant, notamment le sourire a le moins à voir avec la bouche. bouche de ce personnage n'est pas très renversée. Le sourire existe dans les yeux, comme ici. Si je lui cachais la bouche, tu pourras dire qu'elle sourit. Je couvrirai même la joue et la bouche. Tu peux encore dire qu'elle sourit à nouveau. L' expression faciale commence généralement par les yeux. Très bien, donc rapidement Ruffin, un personnage qui sourit ici est une petite forme pour la tête. Croisons le contour de la ligne des yeux. Le nez serait ici pour que nous puissions faire tourner les paupières inférieures. On peut avoir les sourcils, tu sais, et le rythme continu a juste soulevé une touche. Trouvons une sorte générique de bouche renversée maintenant. Une convention de dessin animé qui est très réaliste est de mettre cette petite ligne ici. Nous avons tous vu, comme le visage souriant classique, juste avec les lignes ici. Ces deux lignes sont la partie la plus réaliste de cette petite icône car elle montre la balle de la joue qui revient maintenant à mon dessin. Je voudrais éditer cette partie du contour parce que la balle de la joue pousserait ça vers le haut. En fait, vous pourriez même le rythme continu des cils ou je suis désolé, la paupière. Vous pouvez même jeter une sorte de forme sphérique ici pour avoir un sens pour ça. En fait, il y a beaucoup de dessins animés classiques qui ont utilisé ce rythme continu depuis le bas de la joue ici, jusqu'à la paupière retournée de ce côté, vous pouvez sentir la sphère qui est en dessous. Vous savez, si ce n'était pas déjà clair, j'ai un grand respect pour les bons dessins animés parce que je trouve que c'est une réduction très intelligente de la réalité, vous savez, capturer l'essence de quelque chose très simplement. Bref, revenons à mon dessin. Laisse-moi juste me débarrasser de ce contour inférieur. Et c'est quelque chose que je fais habituellement. Je dois souvent ajuster mes contours une fois que l'expression est en fait là un peu d'un menton là-bas et ensuite nous montons. J' ai également modifié la forme de la tête, orteils, ont un gros front et un peu de zone pour les traits du visage réels. Vous savez, nous appelons quelques-unes des leçons de la section de forme. Nous allons jeter quelques valeurs rapides vers le bas pour plus de clarté, et ce gamin aura une sorte de cheveux faire. Mais juste un rude ça ici, les oreilles par ici. On y va. Cela ressemble à une tête souple faite de chair plutôt que de plastique ou quelque chose. Et c'est comme ça que tu peux faire face à un sourire. Si les yeux sont ouverts, dessinez l'œil. Peut-être l'avoir. Ah, vous avez une paupière supérieure un peu plus épaisse ici. Dessinez l'élève. Mettons l'autre œil en place avec sa pupille que ce que nous pouvons faire est d'effacer le couvercle inférieur. Ici, obtenez un rythme continu pour les paupières retournées réelles et voyez si vous pouvez obtenir une sorte de chose souriante. Et regarde la bouche ici , enlève les joues. On y va. Il y a un peu mignon. Voir peu de caractère souriant. On dirait un petit chipmunk ou quelque chose comme ça. Ok, revenons à ce personnage de garçon, qui, qui, si ça ne vous dérange pas, mérite une mise à jour rapide. Alors maintenant, parlons des expressions de la bouche et de la façon dont la bouche se déplace dans la tête. J' ai mentionné au début de son chapitre que la tête est très élastique et la bouche est probablement l'un des endroits que vous voyez que le plus parce que la bouche ne va pas seulement s'ouvrir et se fermer, mais comme il le fait, il déplace les mâchoires. Laisse-moi sortir ça un peu pour que tu puisses voir ce qu'il y a là. En fait obtenu un fantôme sur la joue aussi, parce que la joue est la chose numéro un qui change. Donc, disons que nous voulions faire une bouche plus ouverte au lieu de dessiner la bouche d'abord. En fait, je vais dessiner la tête en premier. Et tu sais quoi ? Je dois déjà me débarrasser de mes contours précédents parce que là et maintenant dans le chemin. Donc, nous avons beaucoup de place ici pour une bouche très large maintenant tomber pour s'assurer que la structure de la mâchoire reste comme ça. Donc la tête ne monte pas seulement comme une forme de V, les mâchoires se sont étendues vers le bas, puis elle remonte. styles seront différents ici, mais certains adeptes anatomiques donnent généralement des caractères plus agréables, et ce que vous pouvez faire est peut-être de déterminer où sont les coins de la bouche et ensuite de le traverser avec quelque chose. Un peu d'une courbe, comme un peu d'une ligne incurvée, peut parfois aider, et puis cela peut aller fondamentalement, Juste trouver une forme qui a l'air bien. Tu sais, quelque chose comme ça ressemble à une bonne expression de bouche ouverte. Parfois, cette ligne ici doit être un peu réoutillée, comme dans ce cas, cause de la perspective 3/4 sur la tête, elle ne serait pas juste comme ça. C' est un peu plat. Il irait en fait dans un peu et ensuite se rétrécir comme ça. C' est ainsi que nous indiquons en deux dimensions que la bouche entre dans la tête, puis revient et la façon dont elle sort, vous pouvez jouer avec aussi, comme vous pourriez obtenir la bouche sortir plus comme ça. Donc, il va dans et puis dehors plus. Ou tu pourrais être plus subtile avec ça. Quelque chose dans cette gamme. Mais il peut parfois être utile que cette ligne supérieure se chevauche là où la bouche s'ouvre. Donc ce n'est pas comme ça qui peut commencer à paraître plat, mais tu sais, ça pourrait marcher pour Ok, laisse-moi revenir une petite seconde et expliquer ce truc de la bouche un peu mieux, parce que c'est important. Ok, imaginez le personnage de Pac Man, vous savez qu'il est un cercle avec une bouche comme celle-ci . Mais si on dessinait Pacman en trois D avec la même bouche ouverte ? Nous recommencerons avec notre cercle et croiserons le contour des yeux. Mettons un je par ici, un autre par ici donc est en perspective. Maintenant, la bouche est ouverte. Donc on a quelque chose comme ça. Voici le coin de la bouche et la mâchoire inférieure s'étend ici. Mais comment pouvons-nous connecter le dos ? Eh bien, parce que la bouche s'enroule autour de la sphère tirée sur Contour. Il fait le tour de la sphère de cette façon, et de même avec la bouche inférieure. La bouche inférieure fait le tour de la sphère de cette façon. Donc, quand nous dessinons le dos de cette bouche qui remonte, puis sort et puis , bien sûr, vient rencontrer le coin de la bouche. Et puis la mâchoire inférieure, dans ce cas sort juste de là. Et nous avons nos trois hommes de Pac. Laisse-moi juste ombrage ceci pour un peu de clarté. Donc c'est à ça qu'on a affaire ici avec ce gamin. C' est la bouche de Pac Man qui entrera et sortira. Et si vous le vouliez, vous pourriez changer le contour pour refléter un peu plus ce sondage charnu pour la tête . Très bien, j'espère que cet exemple aide. Maintenant, si vous voulez juste indiquer ce qu'il y a à l'intérieur de la bouche, vous pouvez y jeter une forme de langue. Tu peux mettre des dents comme ça. Maintenant, assurez-vous que lorsque vous mettez des dents, vous terminez les dents quelque part par là. Les dents ne vont pas comme ça parce que notre bouche n'est pas couverte de dents sont des dents enveloppent autour du cylindre de la mâchoire pour croix profilée. Ici, il tourne autour d'un cylindre comme ça, et la rangée inférieure de dents tourne aussi autour d'un cylindre comme ça. Donc, le bloc dans les dents, j'aime habituellement les mettre fin quelque part là-bas. Et si je fais une rangée inférieure de dents, je m'assure de montrer comment elles enveloppent. Bien sûr, la langue serait parti de cette zone ici dans les dents enveloppent autour de là, et alors vous pourriez juste obtenir une valeur sombre, remplir tout sauf les dents. C' est comme cela qu'il le fait habituellement, puis aller dans et juste remplir tout à nouveau avec les dents afin que les dents obtiennent un peu d'une valeur plus sombre. Même s'ils sont blancs, ils sont toujours dans le creux de la bouche, non ? Et on y va. Si vous faites clignoter vos yeux de gauche à droite, dessiner vous obtenez un sentiment d'animation. Comme si ce gamin était pareil. Il est sur le modèle deux fois sur le modèle signifie juste que c'est le même personnage, même si l'expression est différente, ce qui, bien sûr, est une chose énorme avec les livres pour enfants que vous vouliez illustrer le même plusieurs pages. Vous devez savoir comment diverses expressions de votre personnage affectent les formes de votre tête. Dans l'animation, cela s'appelle une feuille d'expression et, bien sûr, m'inspirant de l'animation, je vais généralement soumettre une petite feuille d'expression au client pour lequel je travaille. Il leur donne la tranquillité d'esprit que je comprends le personnage. Il leur donne également des options comme ils peuvent voir des expressions pour être comme, Oh, peut-être que cela fonctionnerait sur cette page ou quoi que ce soit ISS sur celui-ci. Ici, j'ai la bouche à quelque chose de très dessin animé exagéré. C' est, ça va chevaucher le visage comme ça. Donc le menton sort ici et cette expression morne est si tombante qu'elle le chevauche et ensuite la mâchoire continue derrière ici. Cela ressemble plus à une expression malheureuse et malade. Et cette petite boule ici est un peu intéressante. Il ajoute juste un peu plus de malais à l'expression. Je pense que tu sais, une forme masculine plus traditionnelle. Il y aurait eu quelque chose comme ça. Je pense que c'est un peu moins intéressant que d'avoir un peu de bosse ici pour exagérer une petite partie de cette forme juste pour la jeter un peu. Allez dans la direction de l'inattendu, remarquez le rythme continu ici que les paupières vous font jeter tout ce truc à nouveau . Ah, encore ton. D' accord. Permettez-moi de faire quelques remarques sur la bouche. Et tu sais quoi ? Je n'ai même pas vraiment besoin de dessiner le visage sur la bouche renversée. Bien sûr, dénote le bonheur. Donc on regarde cette bouche d' un angle de 3/4. Donc, vous remarquez que cette partie se chevauche comme le fond ne sort pas ici. Il vient ici à cause de la perspective. La bouche supérieure chevauche la partie inférieure. De toute façon, nous avons la lèvre supérieure qui dénote le bonheur. Tu sais, on a le genre de joues. Ici, vous pouvez déposer une forme de langue et la forme de dent nuancer cela, comme je vous l'ai montré, et nous avons du bonheur. Maintenant, si nous avons inversé ces courbes, vous avez une bouche qui vous donne plus de l'expression opposée et dans ce cas, montrera les dents inférieures, pas les dents supérieures. Cette bouche pourrait sembler plus exaspéré ou aghast ou surprise ou déçue. Tu sais, les choses opposées au bonheur. J' ai fait un riff sur cette bouche ici, sauf avec cette exagération extrême ici, ça a l'air plus malade. Presque. Cette fonte n'a pas l'air mal. Extreme est juste une sorte d'aller dans la direction opposée du bonheur. Et comme ces lignes qui montrent le tas de joues, c'est le contraire qui arrive ici. Ce ne sont pas les joues qui s'emboîtent. C' est ton genre de quartier de Jowell, donc tu peux avoir ce genre de truc qui se chevauche. Si vous vouliez Teoh à nouveau similaire à ce que j'ai fait là-bas juste moins exagéré juste pour aider à déclencher la dimensionnalité de la bouche. L' autre chose que tu pourrais faire. Si vous voulez montrer que la lèvre inférieure est poussée comme une pochette ou quelque chose comme ça, jetez une petite ombre juste en dessous. Et cela semblera que la lèvre inférieure est, vous savez, a une forme comme du bois de chauffage à travers Contour. En bas à gauche. Ça ressemblerait à ça. Donc, je viens juste d'ajouter de la dimension à ce qui était autrement plat. Tu fais la même chose ici, au fait, jette ça dans le ton et ça déclenche la dimension de la lèvre inférieure. Si vous vouliez le faire, cela serait utile pour un personnage avec des lèvres plus pleines. Probablement pas avec un enfant. Une autre chose que j'aime vraiment faire dans le dessin animé est d'exagérer l'inclinaison de la tête pour donner à la bouche le plus immobilier de votre dessin. Donc tu connais ce Père Noël, Lee le haut ? Quoi ? cinquième de sa tête est ses yeux et son nez réels que toute la partie inférieure. Ça va être la bouche, une sorte de simuler ce truc de perspective forcée. Res inclinant sa tête en arrière. Tu sais, pour que le bout de son nez passe au-dessus de ses yeux. Ses yeux seraient en bas ici et dans le loin I le nez devant le I, complètement obscurcissant un peu. On peut obtenir le genre de rythme continu pour les sourcils. Et puis, bien sûr, parce qu'on regarde vers le haut, les cheveux recommenceraient ici à cause de la perspective. Et puis parce que le Père Noël est très, vous savez , très sinueux, je voulais faire écho à cette forme thématique dans la bouche et juste donner à sa bouche cette forme de fonds sinueuse. Vous remarquez que je joue encore un peu avec la courbe ici. C' est très rare que je le fasse. Oh, forme pour une bouche qui remonte à ma philosophie sur les formes. Je pense que c'est bas, trop prévisible. Et en plus de cela, ce n'est pas non plus très anatomiquement correct. Non pas que ce dessin soit anatomiquement correct, mais encore une fois, c'est la chose avec le dessin animé. Cela pourrait être basé sur des observations anatomiquement correctes, et c'est ce que j'essaie de faire avec cette section. En raison de la perspective, nous voyons le dessous des dents supérieures, de sorte que le cylindre enveloppant autour et je vais juste mettre dans quelques délimitations de différentes dents . Ma peinture originale a plus de dents là-dedans, mais c'est bon. Et puis nous pouvons voir les dents inférieures, enveloppant autour de ce cylindre. suffit de jeter quelques formes là pour séparer les dents à nouveau, en gardant les formes aléatoires et un peu désorganisées. Si tu veux, je pourrais être une belle esthétique. La langue est quelque part ici, et celle-ci je ne l'obscurcerai pas avec la main. Je vais juste l'ombre et on a une belle bouche béante avec un peu de perspective forcée, ce genre de spectacles ou de spectacles sur la bouche. Donc cette expression est principalement tenue par la bouche maintenant parce que cette mâchoire est vraiment, vraiment grande ouverte. Je vais étirer la barbe comme ça. Et puis ce que j'ai fait, c'est que j'ai donné la forme un peu de coup de pied juste là, puis autour . Un peu comme ça. On dirait qu'il a une mâchoire qui est juste en train d'être hyper étendu. Bien que parce que c'est un dessin animé, il ne semble pas hyper étendu. Ça a l'air naturel. Et juste parce que je ne peux pas m'en empêcher, je veux juste vous rappeler des choses comme le rythme continu. Regardez le rythme, courir toute la silhouette ici qui aidera juste à une lisibilité très rapide. En fait, ce personnage du Père Noël a été utilisé sur le rabat arrière d'un de mes livres. L' éditeur a choisi de le mettre là, et je savais qu'il allait là-bas. Donc, je savais que ce dessin devait être juste instantanément lisible parce que c'est ce qu'un parent ou enfant verrait sur la bibliothèque réelle. Cette notion m'a aussi amené à avoir toute la main silhouette par la bouche. Donc, la bouche est une grande forme sombre. La main est une forme légère. Nous allons en parler dans la section peinture du chapitre 3, mais revenir au rythme continu. Comme si j'ai tracé la manche ici, ça ne s'arrête pas là. Vous pouvez voir qu'il monte en quelque sorte sur la manche. Il glisse dans la tête. Comme ces air. Ces courbes sont toutes connectées. Vous pouvez probablement trouver un rythme dans la tête et écrire. Je sais qu'il est bloqué ici, mais il se connecte jusqu'ici. Donc le personnage du Père Noël a, comme une forme thématique qui ressemble à une cloche comme ça, ou comme un baiser de Hershey ou quelque chose comme ça. Je pense que ça devrait le faire pour l'expression faciale. Et je pense qu'il va sans dire que vous devriez combiner toutes ces idées pour faire l' expression que vous voulez,n' expression que vous voulez, est-ce pas ? Ce sont tous des principes et des outils que vous pouvez expérimenter. Très bien, faisons une dernière section où nous discutons des devoirs et des devoirs que vous pouvez utiliser pour pratiquer tout ça. 13. Chapitre 2 - Idées d'accueil: Nous allons terminer ce chapitre avec quelques devoirs maintenant au début comme dire la façon dont j'ai présenté l'information dans ce chapitre, je l'ai fait d'une manière qui correspond à la façon dont vous pouvez le pratiquer. Donc, dans un sens, vous pourriez prendre ce que je fais dans chaque vidéo et faire ça votre mission. Mais en même temps, je sais que quand j'étais étudiant, j'ai vraiment aimé recevoir des idées de devoirs exactes qui ont pour but de développer des compétences dans une progression logique. J' ai donc trois idées pour vous. Trois missions qui sont destinées à progresser de débutant à intermédiaire à avancé. La première affectation consiste à dessiner des gestes à partir de la référence. Maintenant, vous m'avez vu faire exactement cela dans la section de pose de ce chapitre, et pour la mission, je ne ferais absolument rien de différent. En résumé. Essayez d'analyser l'ensemble du flux du corps plutôt que de se fixer sur les bras et les jambes. Le post peut-il être décrit dans une grande courbe s ? Une grande courbe C, peut-être une droite légèrement décalée. Puis, quand il s'agit des membres comme les bras et les jambes, pouvez-vous combiner les courbes s et voir les courbes pour les faire couler ensemble. Rappelez-vous que le dessin de l'ajusteur n'est pas destiné à être fini de l'art. Ce n'est même pas vraiment censé avoir l'air bien. Il est, cependant, censé capturer avec précision l'énergie ou le sentiment d'opposition. Si vous cherchez une référence, essayez d'aller à la référence point esquisse quotidienne point net. Un formulaire vous sera présenté, ou vous pouvez choisir vos différentes options ainsi que les paramètres de minuterie. Disons une minute et je m'excuse des images qui ont été recadrées ici. Mais on vous présentera une pose complète du corps et vous verrez que la minuterie est en train de s'écouler ici. Vous pouvez pousser pause si vous voulez, ce que je recommande. Je n'aime pas vraiment l'idée d'être lié spécifiquement à une limite de temps si strictement, ou peut-être juste faire le temps ou un peu plus long. Ensuite, vous pouvez passer au prochain post ici et faire toutes sortes de choses amusantes. C' est donc un excellent outil. Maintenant, si tu peux. Je recommande vraiment d'aller là-bas de la vie une houle ces dessins d'air par Nick Callously dans mon premier professeur d'art jamais. Vous pouvez visiter son site web ici à Nick Callously dans art dot com, et je suis dans la section dessin de la vie. Donc ce sont tous des croquis rapides de la vie, juste avec un stylo. Et le truc de couleur est avec un marqueur ou un crayon de couleur. J' étais en fait avec Nick quand il a dessiné beaucoup de ceux-là à gauche. Nous étions au zoo ensemble et ici sur la droite, dessins d'air de la ville à partir de nos warmups quotidiens que nous ferions dans les cafés ou dans le métro. En fait, ce gars ici est moi qui dessine d'autres personnes de la vie. Et voici mon ami Marcus. Il a attiré des gens. On travaillait dans un carnet de croquis juste sur nos genoux ou sur la table basse. Et le dessin de la vie est génial parce que les chiffres de l'air se déplacent à droite. Donc, il vous permet vraiment de capturer des gestes rapides parce que vous n'êtes pas lié à une finale. Si vous utilisez la référence photo. Évidemment, les photos ne vont nulle part, donc la tentation est de le copier ou de passer trop de temps dessus. Alors que lorsque vous êtes de la vie, cela fait vraiment, vraiment, la qualité de capturer l'essence d'une pose. Maintenant, si vous pouviez vous mettre dans la salle de classe de dessin de la vie où il y a un modèle nu posant. Je recommande également fortement que ces air plus de dessins de Nick inlassablement et un bon modèle de dessin de vie sera en mesure de distribuer leur poids de manière intéressante et aura toutes sortes de caractère. Comme j'aime le caractère de cet homme ici qui apparaît dans plusieurs dessins. Maintenant, ces dessins vont au-delà du geste. Ceux-ci ont trois formes et volumes en D, et dans celui-ci, même un peu d'ombrage. Mais beaucoup de séances de dessin de la vie auront le modèle commencer par, genre, poses d'une minute. Et dans cette minute, vous pouvez ignorer toutes les complexités du détail et de l'éclairage et simplement essayer d'obtenir ce geste pour communiquer comment les gens portent leur poids. Et aussi la belle partie sur une séance de dessin en direct, surtout quand l'air pose seulement une minute de long est le modèle peut faire comme 30 ou 40 d'entre eux . Donc, les gestes de référence, fois de la photo et de la vie, est un endroit fantastique pour commencer à améliorer votre dessin. Ok, ma deuxième suggestion d'affectation est de dessiner des formes dans trois espaces D, essayer de commencer par la ligne gestuelle et d'orienter vos formes autour d'elle. Rappelez-vous que la façon dont j'ai présenté cela dans le chapitre est exactement comment vous devriez le faire . Et au fait, vos dessins n'ont pas à ressembler à des corps humains ou à quoi que ce soit. Ils peuvent simplement être des boîtes ou des cylindres ou des sphères disposées en trois espaces D et mémorisées sur les contours pour faire vraiment la conversion d'une page plate à un espace dimensionnel . Aussi, n'oubliez pas de dessiner des formes qui se chevauchent dans l'espace. Vous connaissez une forme devant ou derrière une autre pratique utilisant squash et étirer pour obtenir ce petit effet d'accordéon où les formes squish et um, ou ligne allongée où la forme s'étire comme un exercice plus avancé. Essayez des formes torsadées dans différentes orientations ainsi que des perspectives extrêmes comme ici. Nous regardons la boîte supérieure et plus à plat sur la sphère en dessous. Et ne négligez pas le tapis magique d'Aladdin pour vous rappeler que, parce que c'est un objet plat, en papier, il présente un peu moins d'une barrière entre vous et les trois espaces D de la page. En fait, si le dessin de trois formes D est une faiblesse de la vôtre, je vous recommande de commencer par le tapis magique, puis de passer à des boîtes, des sphères et des cylindres, etc. Très bien, donc la troisième idée de mission. Nous allons évidemment tout rassembler, et il pose un personnage sans référence. D' après mon expérience, une bonne façon de le faire est de choisir un type de personnage commun et une action. Donc, par exemple, un gamin lisant, Ok, assez simple. Maintenant, accédez directement au dessin. Combien de façons un enfant peut-il lire pendant que son infinie essayer Juste dessiner ce qui vient à l'esprit ? Que diriez-vous d'un enfant avec se soutenir avec des coudes sur le sol, les genoux pliés vers l'intérieur ? Tu sais, quelque sorte, opposé à ce qu'un gamin utilise pour lire là-bas si près du sol tout le temps. Et c'est la première chose qui m'est venue à l'esprit alors que je fais cette mission avec vous les gars. Divulgation complète. La vidéo de dessin que vous regardez en ce moment est un peu accéléré, accéléré par 1,5 fois parce que vous m'avez déjà vu utiliser toutes ces techniques. Je les explore tous ensemble. Dans mon propre processus personnel. Il y a un geste. Il y a une certaine forme. Il y a une forme. Je cherche des choses comme la symétrie offset pour aider mes formes à être plus attrayantes, mélanger et faire correspondre les fondamentaux à mesure que je vais maintenant ? Une autre chose à faire avec cette affectation est de garder tous vos dessins sur une seule page. C' est en partie pour des raisons d'inspiration. Cela vous aide vraiment à vous sentir productif lorsque vous remplissez une page, en particulier une avec diverses idées autour d'un thème central comme celui-ci. Par presque garantie, rien ne va démarrer votre créativité tout à fait comme elle. Et bien sûr, il vous apportera cette précieuse expérience ici. Vous pouvez voir que je commence par le geste de base sur lequel je construis déjà des formulaires ici. Je pense à une forme, essayant de s'assurer que ses bras air pas tout à fait parallèle juste un peu effilés. En pensant à la perspective sur la tête. Tu sais, la tête est essentiellement une sphère dans ce cas ? Et j'ai fait tourner cette forme en conséquence. Et puis j'ai tracé les trois formes D des yeux et du nez. En plus de cette sphère pivotée, je pense à des cylindres pour les jambes. Rappelez-vous, nous avons parlé des cylindres et de l'orientation des ellipses qui composent le cylindre qui aidera avec les jambes. Dans ce cas, je joue juste ici avec la pose. J' ai pensé qu'une jambe par terre pourrait être intéressante, tu sais, plus intéressante que d'avoir les deux jambes faire exactement la même chose. Rappelez-vous, si vous pouvez surprendre le spectateur de quelque façon que ce soit, c'est généralement mieux que quelque chose de stock. Et cela concerne aussi la pose . Je pense que ce post que je viens de trouver a été rendu plus mémorable avec ce réglage de la jambe à la fin et qui vient de terminer avec un peu d'ombrage de base. Pour cette troisième pose, je vais enlever le personnage du sol et lui faire marcher. Et au fait, je n'essaie pas de me limiter à un personnage spécifique conçu pour cela. Je fais le mien ici, me basant sur des expériences antérieures telles ou similaires à des personnages que j'ai dessinés auparavant parce que parfois vous ne voulez pas avoir à faire le design du personnage et la pose même temps. C' est peut-être trop exigeant. Essayez de trouver un design de personnage qui existe dans le monde déjà un personnage que vous pourriez aimer . Ou peut-être que vous en avez inventé un hier et que vous vous opposez à lui ou à elle aujourd'hui. Avoir un design à votre disposition déjà, puis il suffit de poser ce caractère de différentes manières qui vous aideront à obtenir la viande et pommes de terre de cette mission et ne pas avoir à briser votre pensée en venir également avec un bon conception et une bonne pose. Ce serait un niveau de magnitude, plus de difficulté, ce qui, si vous êtes prêt, donnez-lui un coup de feu. Rappelez-vous que c'est tout à fait correct d'effacer et de redessiner les choses. Je trouve que si les choses étaient basées sur un bon geste et que les formes sont construites sur ce geste, vous pouvez effacer et redessiner tout ce que vous voulez. Et ça va tenir ensemble structurellement parce que vous avez suivi ce processus logique. Alors que si vous commencez par dessiner une tête finie, puis il a fini l'épaule qu'un bras fini, puis il a terminé le torse. y a des chances que votre pose soit très rigide dans le sens où rien ne semble interconnecté parce que vous ne l'avez pas dessiné de cette façon. Quoi qu'il en soit, je vais faire un dessin de plus ici, et je vais prendre la première idée de pose que j'avais, mais cette fois a tourné en perspective, donc ça devient réduit, donc la tête des enfants sera la plus proche de le spectateur, puis ses parties du corps remonteront en cascade dans l'espace. Rappelez-vous, c'est en grande partie un exercice à D, alors assurez-vous que sa tête et ses bras sont la plus grande partie. Son torse un peu plus petit. Et quand j'aurai les jambes là-dedans, elles seront encore un peu plus petites que ça. Avec cette mission, vous pouvez laisser vos dessins à un stade gestuel, peu comme mon 1er 1 et vous pouvez ajouter des formes et des formes. Comme vous le voyez dans mes trois finales. N' oubliez pas de tracer vos rythmes continus comme vous le voyez ici en violet. Pour vous aider à comprendre ce genre de choses, essayez de le poser vous-même, soit devant un miroir, soit simplement sur le sol, sentant comment votre propre corps s'étire et se comprime. Maintenant, ne prenez pas une photo de référence de ceci. Essaie de t'en souvenir comme toi. Retournez à votre journal. Cela nourrit votre mémoire visuelle, qui est un pas que je pense que vous devez faire pour maximiser votre créativité en tant qu'artiste semblable à un vélo avec roues d'entraînement et sans. Non pas que l'objectif est de ne jamais utiliser la référence. J' utilise la référence tout le temps, mais quand vous avez une mémoire visuelle étendue, vous pouvez prendre ce que la référence vous donne et la changer pour répondre à vos besoins et à ces trois tâches ensemble. Nous vous rapprocherons beaucoup d'atteindre cet objectif et avec cela, nous avons fini avec le chapitre 2. Je vous verrai dans le chapitre trois sera traitant de la couleur, de la composition, la composition, ombrage et plus encore. 14. Chapitre 3 - Les couleurs chaudes et confortables et confortables: Oh, j'aimerais ouvrir le chapitre 3 en parlant de théorie des couleurs. Ne vous inquiétez pas. Au cours de mes 15 années d'expérience en tant qu'artiste professionnel, en particulier en tant que peintre, je peux vous dire que Onley doit être doué en théorie des couleurs. Température de couleur en d'autres termes, couleurs chaudes vs couleurs fraîches. Et ce que j'aimerais vous montrer dans ce segment, c'est mon Appelons ça un modèle interne pour gérer et comprendre chaud vs Cool les choses que je vous montre dans ce segment, je vais constamment faire référence à donc étudier cette vidéo correctement, même si vous êtes déjà familier avec ce que chaud vs Cool est. Vous devriez toujours regarder cela de près parce que j'ai mon propre modèle pour le comprendre . Comme je l'ai dit, la première chose est, quand je dis chaud vs Cool, Qu'est-ce que ça veut dire ? , Tu sais, quand j'étais en troisième année, j'ai appris des couleurs chaudes en cours d'art, et ce sont des couleurs comme ça. Les jaunes, les oranges, rouges, les couleurs du feu. Vraiment ces couleurs chaudes de l'air. Au moins, nous sommes tous d'accord sur le fait que ce sont les couleurs chaudes dans le spectre des couleurs. Si on fait apparaître le sélecteur de couleurs. C' est, vous savez, quelque part dans cette gamme, cet air où se trouvent les couleurs les plus chaudes. Maintenant je veux déjà m'arrêter et dire que je suis sur Lee à parler de Hugh en ce moment, Hugh, étant cette bande ici, la bande de couleur. Je ne parle pas de saturation ou de quelque chose comme ça qui entrera en jeu un peu plus tard. ce moment, nous parlons de Hugh, et les teintes chaudes sont, vous savez, dans cette gamme ici. Donc, le contraire de chaud est cool. Et que pensons-nous quand nous pensons aux couleurs fraîches ? Eh bien, que diriez-vous des couleurs comme ça ? Je pense que ce n'est pas surprenant que ces couleurs nous rappellent la glace et les eaux froides et des trucs comme ça . Tu sais, les bleus et les violets et les couleurs de cette gamme. Vous ne serez probablement pas surpris de réaliser que ces couleurs sont du côté opposé ces boutiques de photos maintenant. Hue Strip est un peu une anomalie. La plupart des logiciels et des livres de théorie des couleurs ne montrent pas Hughes dans une bande comme celle-ci. D' autres applications auront un sélecteur de couleurs qui ressemble plus à ceci. C' est une vraie roue de couleur. Maintenant, la chose à noter est que c'est évidemment le même Hughes et dans le même ordre. Vous savez, comme le rouge ici borde le violet, qui borde le vous savez, le bleu et etc. C' est la même chose, c'est juste que cela est affiché dans une bande. Et en fait, si vous utilisez la boutique photo comme moi, je pense que vous pouvez même télécharger des plug-ins qui font de votre sélecteur de couleur une roue de couleur plutôt qu'une bande. Et sans doute, c'est encore mieux. Je viens d'utiliser la bande de couleurs, ce sélecteur de couleurs par défaut Photoshopped depuis 20 ans maintenant, et je suis tellement habitué à cela, c' est pourquoi je l'aime. Mais si vous êtes de nouveaux mots de peinture, vous pourriez vouloir regarder dans une roue de couverture. Cela peut être un peu plus logique pour vous, mais quelle que soit votre préférence, vous serez toujours en mesure de profiter de tout ce qui se trouve dans cette section parce que, après tout, c'est le même sélecteur de couleurs. Et comme je disais juste avant d'aller sur cette tangente, la région fraîche des couleurs. Ces couleurs ici sont directement opposées aux couleurs chaudes, et quand vous voyez que sur la roue de couleur, vous avez l'impression que nous pouvons passer du chaud au frais et de l'orteil frais chaud, il est possible de passer entre eux. Cette transition est à quoi sert la température de couleur, et je veux vous montrer maintenant les différentes façons dont nous pouvons gérer ces transitions. Alors allons de l'avant et prenons l'une de nos couleurs chaudes. Dis ce jaune ici et dessine une nuance juste là. Maintenant, prenons l'une des couleurs fraîches. Disons que ce bleu juste là et qu'on va tout droit en travers et qu'on va peindre une nuance de ça juste ici. Laissez-moi juste apporter le sélecteur de couleurs et je vais le rendre un peu plus grand ici pour vous afin que vous puissiez le voir. Prenons notre jaune la première façon de faire la transition. La température de couleur est strictement avec vous. Déplacez la teinte un peu vers le bas. Peignez cette montre vers le bas, peignez-nous regarder. Je vais accélérer ça pour que tu n'aies pas à t'asseoir à travers ça. Ok, donc nous avons notre première transition ou notre première voie de chaud à refroidir à nouveau Onley en utilisant la bande de teinte Maintenant, bien sûr, je suis passé des jaunes en bas de cette façon à travers les rouges. Vous pouvez aussi faire un exactement de la même manière, mais en remontant à travers les verts et à travers les scions dans le blues de cette façon et juste accéléré rapidement. Voilà à quoi ça ressemble. Des choses assez évidentes jusqu'à présent, n' est-ce pas ? Donc, pour la prochaine, laissez-moi peindre dans mes deux échantillons à nouveau. Cette fois, nous allons passer non pas par le spectre de la teinte, mais par les gris ou, en d'autres termes, différents niveaux de saturation. Quand je dis saturation, je veux dire ça, tu sais, c'est un bleu plus saturé que ça. C' est un gris ou un bleu. Donc, quand je dis le mot gris ou les mots saturation, je veux dire la même chose. Vous connaissez le niveau de couleur qui existe dans la teinte. Alors choisissons le jaune. Et cette fois, nous allons prendre le sélecteur ici et juste le faire glisser un peu vers le gris, en faisant glisser un peu plus vers le gris, un peu plus vers le gris. C' est le même exercice de base. Je ne change pas la teinte, comme vous pouvez le voir, et je ne suis pas inquiet pour la valeur en ce moment. Juste au cas où quelqu'un se pose des questions sur la valeur, je ne pense qu'à la couleur donc en plein milieu de notre transition, nous devrions avoir comme un gris parfait maintenant gris parfait est très spécial. Permettez-moi d'agrandir le sélecteur de couleurs Juste un instant nous avons ici une couleur saturée zéro. La raison pour laquelle cette couleur est spéciale est parce que chaque couleur a cette couleur en commun. Juste pour te montrer rapidement que je pourrais choisir n'importe quelle couleur, cette couleur, cette couleur, cette couleur, c'est tout de même, non ? Je peins la même couleur. Peu importe ce que vous je choisis parce que je suis parfaitement zéro saturation ou parfaitement gris. Ce que cela signifie, c'est qu'une fois que je suis en gris parfait comme ça, je peux me déformer dans n'importe quelle couleur que je veux. Alors je veux aller à mon bleu. Laisse-moi choisir le bleu, retourne au gris parfait et je vais juste me déformer vers mon blues. Complétez simplement le nuancier comme ça. Donc nous avons maintenant trois bandes de couleur qui font tous la même chose. C' est la transition d'une couleur chaude à une couleur fraîche. Mais ils le font tous de différentes manières, mais nous n'avons pas encore fini. Il y a encore une fois à faire, Alors laissez-moi juste échantillon du jaune une fois de plus dans le bleu, et je m'excuse de toujours déplacer ce sélecteur de couleurs autour. Je n'ai pas beaucoup de place pour ça. Je veux le rendre un peu plus grand pour que vous puissiez voir ce que je fais ici. Je l'ai mis au milieu ici. Je vais prendre la couleur chaude, et ce que je vais faire maintenant, c'est que je vais combiner. Je vais combiner notre premier graphique ici avec notre troisième graphique, alors voyons comment cela fonctionne. Je vais choisir mon jaune à nouveau et je vais commencer par ce que j'ai fait dans la 1ère 1 Déplacer la teinte vers le bas. Mais cette fois, je le déplace aussi vers le gris et je vais peindre C'est Watchin, Alors déplacez-le un peu vers le bas, se déplaçant un peu vers le gris. Je ne pense pas vraiment à combien je suis juste une sorte de parking à balles. C' est juste ça. n'y a pas de règles ou de lois qui ne sont pas des lois pour combien vous devriez le déplacer. Essayez juste d'être un peu uniforme avec. Donc peut-être que ce Congar oh plus nous pouvons nous pouvons frapper gris parfait à nouveau pour notre milieu, mais cette fois, au lieu de se déformer droit au bleu, Allons-y, vous savez, comme nous l'avons fait dans le 1er 1 ira jusqu'au Magenta est ici et juste commencer à en sortir comme ça. Donc, évidemment, sur cette moitié du graphique de transition, nous ajoutons la saturation jusqu'à ce que nous arrivions enfin à notre couleur bleue saturée. Alors on y va, je te le promets. Et je parle sincèrement. Je vous promets que ces graphiques déverrouillent les secrets de la couleur parce que ce qu'ils font, c'est qu'ils vous donnent des systèmes de compréhension, mouvement ou de transition de chaud à froid ou froid orteil chaud. Et peu importe la peinture que vous faites, entièrement réaliste ou une peinture de bande dessinée. Si vous utilisez des couleurs différentes, vous utiliserez l'un de ces graphiques, que vous le sachiez ou non. Bien sûr, si vous ne le savez pas, vous choisirez simplement des couleurs au hasard et vous n'aurez aucun système de contrôle. Si vous êtes au courant de ces graphiques, vous pouvez penser dans votre peinture. Vous pouvez penser au graphique que vous utilisez ou à la combinaison de graphique que vous utilisez. Vous savez, comme notre dernier graphique ici combinait les graphiques un et trois à droite. Mais ce que les graphiques vous donnent, c'est une sorte de placement très riel pour vos températures en anglais clair. Les graphiques disent que cette couleur est plus chaude que cette couleur parce que cette couleur est plus proche la gauche, qui est le côté chaud. Et cette couleur est plus proche de la droite, qui est le côté cool. Vous pouvez regarder notre deuxième tableau. Ce graphique indique que cette couleur est plus chaude que cette couleur. Maintenant, je veux m'arrêter ici encore et dire : Ce n'est pas de la science. Je ne dis pas que objectivement, cette couleur est plus chaude que cette couleur. C' est là que l'art est émotionnel et non intellectuel. Personne ne peut vraiment dire que cette couleur est plus chaude que cette couleur 100% du temps qui n'existe pas. Je ressens le besoin de dire cela parce que beaucoup de gens me questionnent sur les couleurs comme s'il y avait recette, une recette qui me guide orteil comme choisir la bonne couleur quand je peins. Non, il n'y en a pas. Ce qu'il y a, c'est juste le contexte. Et encore une fois, ces graphiques vous donnent le contexte. Quelque chose est plus chaud ou plus frais que quelque chose d'autre, et avec la couleur, vous avez toujours besoin de quelque chose d'autre. Il doit y avoir plus d'une couleur pour que vous puissiez déterminer si elle est plus chaude ou plus froide. Comme si j'avais cette couleur et que je te demandais, c'est une couleur chaude ou fraîche ? Et tu as dit, Oh, c'est une couleur cool. Et si je faisais ça ? C' est une couleur plus froide, non ? C' est une couleur plus froide, Eh bien, oui. Donc ça veut dire que notre couleur d'origine est maintenant chaude ? Tu vois ce que je veux dire ? Vous avez besoin de couleurs afin que vous puissiez dire que cette couleur est plus froide ou plus chaude que celle-ci. Et puis la question suivante que vous devez vous poser est combien plus chaud ou plus frais ? Donc, en regardant nos graphiques ici, la différence entre cette couleur et cette couleur est plus petite en température que la différence entre cette couleur et cette couleur. C' est une plus grande différence de température. Donc, lorsque vous analysez ces transitions de couleur, ces graphiques sont si pratiques car ils vous permettent de déterminer non seulement si une couleur est plus chaude ou plus froide, mais aussi de quel degré ? Combien plus chaud ou plus frais est-il ? Tu sais, quelle est la distance entre ces couleurs ? C' est aussi pourquoi vous ne m'entendrez jamais dire les mots comme rouge, vert ou jaune. Je n'utiliserai jamais ces mots seuls pour décrire une couleur. Ce n'est pas assez bon. Je le qualifierai toujours avec un jaune plus chaud ou un vert plus frais ou un vert plus chaud pour vous montrer comment cela fonctionne Peut ramener dans le sélecteur de couleur. Donc, nous avons du vert. Mais degré le mot vert est inutile parce que tout cela est vert. Mais quand tu peins, tu dois savoir quel genre de vert. Donc si je dis un vert plus chaud, ça va être quelque part en bas, tu sais, se diriger vers les jaunes, regardant notre deuxième carte ici les verts qui sont plus proches des jaunes. Je pense être plus chaud. C' est mon modèle pour la température de couleur. Ces verts ici sont plus chauds pour moi que les verts ici, qui sont plus proches du bleu. Donc là, plus froid. Donc, quand vous regardez vert sur le picker Hugh, nous avons nos verts chauds. De ce côté, il y a des verts frais de ce côté. Vous pouvez penser aux rouges de la même façon. Si vous avez une lecture, le mot rouge n'est pas assez bon. Est-ce un sens rouge plus chaud ? Est-ce que ça va comme se déplacer vers les oranges, puis les jaunes. Est-ce qu'il se déplace de cette façon, ou est-ce un rouge plus frais qui se déplace vers le bas vers le magenta est et finalement dans le blues. Chaque teinte que vous choisissez rouge, vert, vert, bleu tout ce qui aura une qualité de mouvement à elle. Il aura une position dans le spectre chaud vs Cool. Ces graphiques sont donc essentiels pour vous aider à comprendre comment les couleurs se déplacent. Et ce faisant, vous enrichirez le vocabulaire que vous avez en interne pour décrire la couleur. Ok, donc c'était environ 11 minutes de théorie des couleurs. J' espère que tu es toujours réveillé parce qu'on va regarder un tableau maintenant. Je suis désolé. J' ai essayé de garder ça aussi vite que possible, parce que je sais que si tu es quelque chose comme moi, ça te fait dormir. Mais tout ce que je viens de dire était l'essentiel. Alors d'accord, regardons ce tableau. J' ai choisi celui-ci parce qu'il est très évident de voir la lumière chaude par rapport à l'ombre plus fraîche. Maintenant, je vais parler de l'éclairage dans d'autres vidéos dans ce chapitre. Donc pour l'instant, acceptez simplement l'idée que je passe d'une lumière chaude à une ombre plus fraîche. La raison pour laquelle je suis sûr que vous pouvez voir cela est parce que les lumières sont très jaunes et les ombres sont très bleues. Et si vous regardez notre premier dossier, ce type ici, c'est exactement ce que je fais. Globalement, dans ce tableau, fois sur le monstre et sur la fille comme si vous regardez le visage de la fille, ses tons de chair et de lumière sont plus rouges, et ses tons de chair et d'ombre sont plus bleus. Et tu sais quoi ? Regardons la fille un peu plus près juste parce que beaucoup de gens me questionnent sur les tons de chair . Vous savez comment choisir les couleurs pour les tons de chair, comme s'il y avait une réponse. Il n'y en a pas. Tout est sur la température de couleur. Et dans la scène comme ça, parce que je peins une lumière du soleil si chaude, tu sais, c'est comme une sorte de lumière presque coucher de soleil, une lumière très chaude. Il est logique que peu importe que la lumière frappe, vous connaissiez cette partie de son visage que je vais utiliser. Je vais juste commencer à échantillonner quelques couleurs qui sont dans la lumière. Je vais utiliser ah Siris de couleurs chaudes ici. Maintenant, toutes ces couleurs que j'échantillonne sont différentes, comme si elles ne le sont pas. Je n'ai pas choisi un ton de chair. J' ai une série de tons de chair maintenant. Certains de ces tons de chair sont plus chauds ou plus frais que d'autres. Comme ce ton de chair est plus chaud pour moi que ce ton de chair ici. Pourquoi c'est ça ? Eh bien, si je l'échantillonne, regardons où c'est. Regarde la teinte. Regarde la saturation. C' est un rouge qui est certainement du côté chaud, vous savez, vous savez, monte vers les oranges. C' est là qu'il est proche de, où comme cette couleur. Regardons ce qui s'est passé là-bas. Encore une fois, voici l'original. Je veux que vous regardiez le sélecteur de couleurs prêt à en goûter. 123 Ok, deux choses se sont passées là-bas. Il est devenu gris er il a perdu la saturation. Et ce changement énorme. Juste une touche. Regardez-le encore. Voici la couleur originale. Prêt ? 123 Voyez-vous cette transition ? Je combine des graphiques. J' utilise essentiellement notre tableau du bas. Ici, je suis passé d'un vous savez, saturé, rouge chauffant vers le bas à un rouge moins saturé, légèrement plus froid. Maintenant, c'est, Ah, relation dans la lumière chaude. Si nous commençons à échantillonner les ombres maintenant et que je les mets juste ici pour comparaison, nous commençons à échantillonner les ombres, nous voyons que dans l'ensemble, les ombres sont généralement plus fraîches, comme dans une famille plus fraîche. Ce serait probablement un peu plus clair si je mettais juste un peu de fond derrière ces couleurs juste pour que nous puissions les voir un peu plus isolés. Donc au sommet de ces airs, mes lumières, mes lumières chaudes et ce sont mes ombres plus fraîches. Vous pouvez voir qu'il y a une différence catégorique globale entre la lumière et l'ombre. Mais comme nous l'avions dans la lumière, nous avions un vous savez, un chaud, chaud et un chaud plus frais dans l'ombre. Nous avons le même genre de relation, comme regarder ces deux couleurs. Je dirais que cette couleur ici est une couleur plus chaude que cette couleur ici. Mais cette couleur et cette couleur sont toutes deux catégoriquement plus cool que n'importe quoi ici, dit-il. Je veux dire, donc vous avez, comme des relations dans les relations. Vous avez la relation globale de, vous savez, plus chaud contre plus frais, mais dans ce contexte, vous avez ces sous-relations, c'est plus chaud que ça. C' est ce qui maintient la couleur intéressante, les relations macroéconomiques globales et les micro relations internes. Mais examinons ces deux couleurs. Juste pour que nous soyons tous sur la même page ici avec cette théorie des couleurs. Encore une fois, j'ai dit que cette couleur est plus chaude que cette couleur. Ok, pourquoi ? Étudions cette couleur, Ce Look où il est, c'est un que j'appellerais ça un rouge très froid. C' est drôle. Je ne dirais même pas pourpre ici parce que pourpre pour moi ne veut rien dire. Histoire de côté rapide. J' ai un gamin de six mois, et tu sais quoi ? Qu' est-ce que tu fais avec les enfants ? Tu leur apprends les couleurs, non ? C' est vert. C' est rouge. Je suis horrible à ça. C' est si drôle pour ma femme parce qu'elle est comme si tu étais une artiste. Comment ne connaissez-vous pas ces couleurs ? Comme si je dirais à mon enfant que quelque chose est lu et que ma femme est comme, ce n'est pas rouge, c'est rose ou c'est violet. Et je suis genre, eh bien, oui, je suppose que tu as raison. Mais je ne pense pas comme ça. Et pour elle, c'est hilarant parce qu'elle ne peut pas comprendre comment je ne connais pas les noms de couleurs, mais je dirais c'est une lecture froide parce que c'est, vous savez, c'est de ce côté du spectre rouge et je Appelez les violets Reds, je suppose, mais de toute façon, je digresse majoritairement. Ici. Laisse-moi revenir sur la cible. Peu importe ce que vous appelez cette couleur avec, regardez où elle est et regardons ce que c'est à côté de Sametons cette couleur. Ok, deux choses se sont reproduites, comme ces deux couleurs à des choses qui se produisent ici. Revenons à l'original. C' est juste là. Nous l'avons échantillonné. Les deux choses qui se sont produites sont la teinte de couleur déplacée vers le bas vers le bleu et elle s'est déplacée plus saturée à nouveau. Ne vous inquiétez pas de la valeur. Je regarde juste la température de couleur. Donc, voici l'original. Pour arriver à cette seconde couleur, elle va descendre et plus saturée. C' est de plus en plus froid de deux façons différentes. Pour moi, il fait froid parce qu'il descend vers le blues, où je dis que les couleurs les plus froides existent. Je vous dis juste, dans mon modèle pour la température de couleur, ces air les couleurs les plus froides, selon moi, pas selon la loi, selon moi. Donc si je suis là et que j'ai déménagé par là, je deviens de plus en plus froid. Et si je suis là, je bouge de cette façon, je deviens aussi plus froid parce que je deviens de plus en plus bluffant avec ça. Tu sais, j'ai déplacé deux bleus et je deviens de plus en plus blues. Alors je déménage. Je gagne la froideur de deux façons différentes. Regardons deux couleurs différentes. Regardons cette couleur par rapport à cette couleur. Ces deux air rouges selon moi, Quoi qu'il en soit, avec un échantillon ce rouge chaud, je pense que nous pouvons tous être d'accord que c'est une couleur rouge. Il y a un peu de saturation et c'est, vous savez, sur le côté chaud du rouge. Bien sûr, c'est une couleur plutôt chaude, je suppose. Mais cette couleur ici que je tourne autour c'est aussi lu, n' est-ce pas ? Mais échantillonnons-le. Tu vois ce qui s'est passé à nouveau ? Deux choses différentes se produisent. Retourne à mon original. Ce qui va se passer ici, c'est que quand j'ai goûté, c'est que ça va descendre vers le blues. C' est toujours le rouge, , donc ça va s'arrêter, tu sais, quelque part ici, et ça va devenir un peu gris. Encore une fois, laissez-moi goûter l'original et juste regarder le sélecteur de couleurs. Un, 23 Voyez ce qui est arrivé aux choses. Il est allé vers le blues mais s'est arrêté encore dans les Reds sur, et il est devenu gris er er Donc, pour moi, cette couleur ici devient plus froide que celui-ci de deux façons différentes. Et ironiquement, il faut tellement plus de temps pour en parler que pour le peindre honnêtement. Quand vous êtes très familier avec ces graphiques, ils sont juste qu'ils font partie de votre ADN, comme votre cerveau traite ces choses très rapidement. Vous savez, je regarde ce tableau ici, et je suis juste que, OK, OK,cette couleur est plus chaude que cette couleur d'un degré de cinq qui couvre la couleur mate de six degrés. Tout ça me rappelle ce type de Spirited Away. Il suffit de tout trier. Ok, alors regardons le monstre. Pour moi, le monstre est beaucoup plus évident. Nous avons nos lumières, qui sont extrêmement chaudes. Cela me rappelle nos tableaux, presque littéralement comme Regardez ces couleurs là-bas, presque la même chose que ce qui se passe ici. Pour moi, c'est notre tableau le plus évident. C' était juste celui avec les changements énormes, comme je l'ai fait avec le visage de la fille jouaient avec divers réchauffements. Tu as des jaunes et des oranges, pas un grand nombre d'entre eux là-bas, même des verts ici, après tout, après tout, c'est un monstre vert, mais c'est là que mon cerveau de couleur ne fonctionne pas comme ma femme l'attendrait. il à. C' est un monstre vert, mais les couleurs sur lui sont jaunes. C' est un monstre vert, Elles ne sont pas vertes, elles sont jaunes. Mais pour moi, un jaune peut juste être un vert chaud. Parce que, vous savez, si vous poussez le vert assez loin dans les réchauffeurs, il devient juste jaune. Donc, d'une certaine façon, jaune et le vert dans mon cerveau peuvent être la même chose, non ? C' est pourquoi je dis les noms de couleur Jaune, vert, rouge ne sont pas assez bons. Vous devez connaître la température. Donc parce que je suis dans ces chauds et qu'un vert chaud est juste à côté. Je peux utiliser des jaunes mélangés avec ces verts chauds. Pas de problème. Tout fonctionnera parce que tout est dans le bon contexte. Puis, inversement, dans l'ombre, nous n'avons pas de surprise une variété de refroidissements et cela devrait encore beaucoup vous rappeler le graphique numéro un, où nous avons beaucoup de violets et de bleus et tout ce qui est magenta comme apparaissant dans l'ombre. Maintenant, cela combine aussi. En fait, cela combine trois graphiques différents parce que nous avons cette couleur plus fraîche cette couleur est atteint sa fraîcheur en se déplaçant de cette façon, droite. Nous avons aussi cette couleur qui atteint sa fraîcheur en se déplaçant de cette façon. Donc j'utilise les deux cartes un et deux sur le Monstre Vert. J' utilise également le graphique 3. Tu connais les gris. Je le manipule aussi avec des gris. Vous ne ferez jamais presque jamais un tableau qui Onley utilise le graphique un et deux parce que si vous avez le même, rappelez-vous que ceux-ci ont la même saturation tout le long du chemin. Si vous faites ça, vous peignez ressemblera à une canne à bonbons géante ou quelque chose comme ça, et ce n'est pas bon. Tu vas devoir combiner tes cartes avec les gris. Donc, chaque fois que je fais une peinture, si j'échantillonne ces ombres, regardez les différents niveaux de gris ou les différents niveaux de saturation qui sont utilisés. Donc, je combine toujours le grand tableau avec tout ce que je fais. C' est comme ça que la nature fonctionne. Comme si vous regardez la nature, ce n'est pas seulement une saturation égale. Il y a toutes sortes de tombes. Je veux sélectionner un des verts dans le monstre et l'ombre, donc je pense qu'il y a un vert juste là. Mettons-le sur notre liste, et comparons-le rapidement à cet écran. C' est le vert que j'ai échantillonné à partir de là, le vert en lumière. Donc ce vert pour moi, est plus chaud que le vert arrière, et je pense que vous êtes en avance sur moi maintenant. Pourquoi il est plus chaud ? C' est plus proche des jaunes, ce que je vous dis, c'est la partie la plus chaude du spectre, selon moi. C' est plus proche des jaunes, ce que je vous dis, c'est la partie la plus chaude du spectre, Et contre ce vert, qui est bien en haut. C' est tellement plus cool. Regardez la distance entre ces deux couleurs est beaucoup de distance là-bas, mais ils sont tous les deux verts, juste les plus chauds les plus froids. Et encore une fois, j'organise ma peinture. C' est une lumière plus chaude avec une ombre plus fraîche, dont je parlerai dans les prochains segments de ce chapitre comme faras, ce segment est concerné. Je veux seulement que vous compreniez comment j'engage plus chaud contre plus cool, mais juste pour garder les couches UNP Ealing ici, regardons les joues de monstres, qui sont classiquement, vous savez, dessins animés rouges joues. Donc tous échantillonnent ça. Laisse-moi juste mettre ce rouge ici. Je vais le peindre ici, prendre ce rouge et le mettre ici et prenons le rouge de la joue de l'enfant et le mettre ici. Un de ces rouges est dans l'ombre, le rouge sur la joue des monstres qui est dans l'ombre. Le rouge de la joue de l'enfant est à la lumière, donc parce que j'essaie toujours de catégoriser chaud vs Cool. Et je vous ai déjà dit que dans les lumières, je veux avoir des couleurs plus chaudes parce qu'il Zaveri lumière du soleil chaud. Examinons la différence subtile entre chaud et frais qui se passe ici. Prenons notre chaud. C' est là. Maintenant, c'est l'échantillon sont d'autres rouges. Cette fois, je pense qu'une seule chose s'est encore produite. Ignorant la valeur. Ignorer la valeur Il suffit de regarder la saturation cette fois. Je pense que la saturation est la seule chose qui a changé. Voici l'original. Regardé le sélecteur de couleurs prêt 123 Vraiment que la saturation a changé. En d'autres termes, j'utilise juste le grand tableau, vous savez, prenant une couleur rouge dans ce cas, pas jaune et granit, qui signifie que je vais de cette façon, qui signifie que je vais refroidisseur. Donc, en retournant ici, c'est ce qui se passe. C' est très subtil, mais ce qui est si intéressant c'est regarder à quel point le rouge ressemble. Si vous regardez cette couleur et que vous regardez ces couleurs, elles ne ressemblent presque pas. Et c'est parce que, comme nous continuerons d'explorer dans le chapitre trois, l'identité d'une couleur, ce à quoi elle ressemble est tellement basée sur le contexte, ce qu'elle est entourée que tout ce que vous pouvez examiner isolément. Donc, en d'autres termes, ce rouge semble très rouge parce que c'est contre des couleurs qui sont tellement plus froides que lui. Les bleus, les violets et les gris et tout le reste. Mais quand on le compare à un rouge encore plus chaud, on peut voir la discipline derrière elle. Et laissez-moi juste me débarrasser de tout ça. Le secret derrière la façon dont j'utilise la couleur s'il y a un secret est que j'utilise toujours la variété . Donc, si je goûte les nombreux rouges que j'utilise dans ce domaine, je ne le suis jamais. J' essaie de ne jamais stagner. J' ai mis beaucoup d'efforts dans mon entraînement avec la couleur pour toujours changer. Vous savez, ces rouges existent tous coexistent dans cette petite zone de la peinture, et ensuite cela se transforme vers vous savez, couleurs beaucoup plus froides par comparaison. Donc, je pense toujours à ces micro relations macro slash, et j'essaie toujours d'ajouter de la variété à mes couleurs, ne les laissant jamais les mêmes. Et avec ce genre de catégorisation à l'esprit, lorsque vous peignez, vous pouvez obtenir toutes sortes de couleurs éblouissantes. Ok, c'est la fin de ce segment. Prenez une minute pour y réfléchir. Ça pourrait être un peu délicat, mais crois-moi quand je commence à peindre, je pense que tu verras à quel point c'est vraiment pratique. 15. Chapitre 3 - Peindre un personnage: sur les talons de cette leçon de théorie des couleurs. Mettons un personnage ensemble. Je vais prendre ce personnage ici. Voici Peck, le personnage que nous avons regardé dans le chapitre 2, bien que ce soit un dessin que j'ai fait pour le livre pour enfants publié, et je vais vous emmener maintenant à travers mon processus de peinture de ce gars. D' accord, donc je suis allé de l'avant et je viens d'isoler. Emballez le sien. Sa propre couche s'est débarrassée de l'arrière-plan et vous pouvez voir que j'ai juste une couche. Je vais définir ce calque pour multiplier le mode. Maintenant, ce sera la même chose dans n'importe quel logiciel de peinture numérique. Chaque logiciel que je connais a le mode multiplier. Ce que cela signifie, c'est que je pourrais créer un calque sous la couche de ligne. En fait, allons-y et appelons cette ligne. J' aime verrouiller la couche de ligne pour ne pas peindre accidentellement dessus. Je pourrais juste prendre n'importe quel calque ci-dessous peindre n'importe quelle couleur, et il apparaîtra en dessous de la couche de ligne. Laisse-moi juste apporter mes pinceaux ici. C' est un outil pour ceux qui ne l'ont pas vu appelé Brush Box, qui est disponible dans le commerce. Je pense que c'est très bon marché. J' ai payé, comme 7$ pour ça. Juste un mot sur ces pinceaux. Beaucoup de pinceaux. Tu vois, c'est ma boîte préférée ici. plupart des pinceaux que j'utilise proviennent de ma boîte préférée. Et beaucoup d'entre eux sont disponibles pour vous avec cette classe, je dis beaucoup d'entre eux par opposition à tous. Parce que certains pinceaux que j'utilise, j'ai acheté d'autres artistes. Et donc vous ne pouvez pas les vendre légalement. Par exemple, mes brosses ici, Ce dossier ici, ce dossier demi-ton Il s'agit d'un kit par Kyle Webster. J' ai aussi connu sous le nom de Kyle Brush. Et dans ma peinture quotidienne, j'utilise aussi beaucoup de pinceaux par lui. Mais la bonne nouvelle est que si vous avez un abonnement à Adobe Creative Cloud comme moi, vous avez accès à tous les ensembles de pinceaux de Kyle Webster. Mais comme je l'ai dit, la plupart des brosses que j'utilise dans ma boîte favoris, vous aurez accès à l'achat de cette classe. Ok, donc je vais choisir une brosse particulièrement grasse et douce ici, et je vais juste donner un peu de couleur de fond ciel. Je ne veux pas que ça soit totalement isolé sur blanc. Je veux avoir un contexte. Ce sera une journée éclairée par le soleil, donc je suis juste en train de bloquer, vous savez, un ciel rudimentaire Grady int ici et ça va passer. C' est bien aussi, comme un paysage désertique, qui est, vous savez, où ils vivent dans le livre réel. Donc il balaie le sol dans cette zone de sable désertique, et j'ai cette petite passe de couleur bloquée en préavis. Je travaille juste sur une couche. Je vais probablement travailler sur deux couches pour toute cette démo, l'arrière-plan étant une couche, puis le personnage étant l'autre. Maintenant, mon objectif est d'arriver au point où je n'ai plus besoin de la couche de ligne. En ce moment, la couche de ligne est là, et c'est un beau dessin, mais je veux que la peinture fasse tout le travail. C' est juste un choix esthétique que je fais pour ce tableau. Alors, le ciel est bloqué avec le ciel et tout ça. C' est un orteil utile. Avoir un peu de Grady dedans. Vous savez que vous avez l'horizon, qui est généralement la partie la plus légère du ciel. Ensuite, au fur et à mesure que le ciel monte, il devient plus bleu et plus sombre eso si vous voyez cela en niveaux de gris juste pour un petit conseil rapide sur les cieux deviennent plus sombres à mesure qu'ils montent en valeur. Et puis l'horizon est traditionnellement le point le plus léger de ce gars. Bon, donc ce que je vais faire, je vais juste, euh, je vais juste appeler ce BG pour l'arrière-plan. Je vais faire une nouvelle couche. Et sur cette couche, je vais commencer à peindre. Je viens juste d'apporter la référence pour Peck que nous avons examinée au chapitre 2. J' ai des couleurs locales pour moi, tu sais, sa chair est rouge et blanche et sa veste est marron. J' ai toutes ces couleurs, donc la première chose que je vais faire est juste de bloquer dans les couleurs locales. Ce serait très facile parce que tout ce qu'on a à faire est de dire, OK, est-ce que cette partie de sa tête est blanche ? Hum, je vais laisser un peu de valeur de pièce sage à, donc j'ai de la place pour aller un peu plus léger si j'en ai besoin. Et après avoir fait cette étape, on parlera de la lumière et de l'ombre et de ces considérations. Mais pour l'instant, vous savez que sa peau ici est que sa peau, ses plumes, tout ce qui est rouge. Je le suis encore. Je ne vais pas utiliser cette couleur, cependant, cependant, parce que cette couleur est déjà une sorte de toit. n'y a pas beaucoup de place pour moi pour aller plus léger avec ça. J' aime bloquer mes affaires un peu plus sombre, donc j'ai de la place pour aller à la fois plus clair et plus sombre lorsque j'y applique la lumière. Donc je vais bloquer cette couleur en rouge, sachant que ça va être un peu plus clair dans la lumière et plus sombre dans l'ombre. Donc, en gros, j'utilise un ton moyen maintenant, la tête étant blanche. J' aurais pu devenir un peu plus sombre. Voyons comment cela fonctionne, bien qu' un peu plus sombre, ce soit juste pour, vous savez, rester prévisible avec mes choix de couleurs. Maintenant, c'est bizarre, parce que si j'échantillonne cette couleur, c'est échantillonner la couleur rouge plus la ligne sombre. Vous voyez que le rouge est en bas. Je ne veux pas ça. Je veux goûter juste le rouge et la peinture. Si je tous cliquer sur un calque, je peux révéler la couleur. Maintenant, je peux choisir ça, mais c'est un peu ennuyeux à faire, non ? Donc, ce que j'aime faire est de passer à l'outil d'échantillonnage, puis en haut de l'écran, nous avons ce pull down qui est actuellement défini sur la valeur par défaut de l'échantillon de toutes les couches. Eh bien, je voulais seulement échantillonner la couche actuelle pour l'instant. Donc, une couche de sélection actuelle. Et maintenant, quand j'ai mon calque sélectionné et que je maintiens tout pour échantillonner, vous remarquez que c'est seulement échantillonner le rouge de ce calque. Donc je vais continuer ici pour bloquer les bras. Et j'ai l'impression que je devrais accélérer un peu ce processus parce que c'est moins de peinture et plus comme la copie par rote. Donc nous voilà, accéléré un peu. Juste pendant que je bloque dans ces couleurs locales. Je fais la même chose avec toutes les couleurs. Je le choisis à partir de la référence et puis je m'assure juste que sur le sélecteur de couleur j'ai assez de place pour aller à la fois plus clair et plus sombre sur les choses pour le balai et autres choses. J' improvise juste une sorte de couleur orange jaunâtre. Je n'utilise aucune logique derrière cela autre que comme, si j'étais un enfant, quelle couleur de crayon ? Quoi ? J' avais l'habitude de couvrir ça. Ok, donc nous voilà, avec le bloc en ce moment, si je cache la couche de ligne, vous pouvez voir à quoi ressemble la peinture maintenant c'est très rude. La peinture ne tient pas encore. Nous avons encore besoin de la ligne pour déterminer ce que fait l'éclairage et ce que font les formes . Mais c'est un début. C' est la couleur locale et la valeur locale, qui signifie que chaque partie a, comme une décision sur la valeur et une décision sur la couleur. C' est la même chose que vous auriez avec le crayon et un livre de coloriage. Alors que ce n'est pas une peinture complète, c'est un bon premier pas. Vous pourriez vous demander si je veux nettoyer tout ça. Vous savez, c'est très désordonné, mais je recommande vraiment que si vous êtes intéressé par un langage pictural, ne vous inquiétez pas pour un désordre. La chose avec la peinture est que je trouve très bénéfique de pouvoir rester à l'intérieur d'un gâchis et de travailler votre chemin autour ou hors de lui, parce que cela aidera à influencer l'apparence de votre brosse. Ironiquement, le brossage concerne moins les brosses que vous choisissez et plus le flux de travail que vous implémentez. Donc j'aime vraiment ce petit gâchis que j'ai pour moi-même ici. D' accord ? Il est temps de penser à l'éclairage. Et en fait, avant que je le fasse, vous voyez à quel point le fond est transparent. Mon petit truc pour cela est de prendre l'arrière-plan, dupliquer qui se débarrasse de la transparence, peut être dupliqué à nouveau, puis juste aplatir ces trois avec un décalage. Sélectionnez et contrôlez e e pour les aplatir. Donc d'accord, parlons de la lumière qui va frapper ce personnage. Je voulais être éclairé par le soleil. C' est une belle journée de ciel bleu, ce qui veut dire qu'il y a un soleil quelque part. Je pense que je vais avoir le soleil venant d'un haut à droite donc en bas de cette façon. Et c'est une décision cruciale pour notre couleur globale. Parce que maintenant que je sais quelle est la source de lumière et d'où elle vient, je peux formuler une vision globale de la façon dont ces couleurs locales seront affectées par juste agrandie le sélecteur de couleurs. Pendant une seconde, je pourrais vous donner une théorie de base sur le fonctionnement de la lumière, moins en ce qui concerne les livres pour enfants. Laissez-moi vous donner une théorie de travail de base pour la lumière. Si le soleil est un chaud orangé lumières jaunâtres, ce qu'il est souvent. Et c'est ce que je fais dans ce tableau, une couleur agréable et accueillante, tu sais, chaude. Tout ce que le soleil frappe sera influencé par cette chaleur. Donc, qu'il frappe un rouge ou un blanc, un jaune ou une orange, qui sont, vous savez, vous savez, couleurs et quelle que soit cette gamme de vert, ça n'a pas d'importance. Quelle que soit la couleur qu'il frappe, il va faire glisser cette couleur vers la couleur du soleil parce que le soleil est la source de lumière et donc donne sa couleur à tout ce qu'il frappe. Donc je peux être très organisé avec mes décisions légères, sachant qu'elles seront toutes influencées dans une certaine mesure ou un autre par le fils jaunâtre orange. En d'autres termes, jaune et l'orange étant comme sur l'extrémité chaude du spectre de couleurs, chaque couleur que je peins qui est dans la lumière devra être plus chaude que les couleurs que je peins dans l'ombre. L' ombre est le manque de lumière du soleil, il est donc logique que ces couleurs apparaîtront un peu plus fraîches. Donc quand je les refroidisserai, eh bien, j'utiliserai mes couleurs du dernier segment. Je pourrais les refroidir en déplaçant la teinte vers les refroidissements comme on l'a vu soit en bas soit en haut de cette façon. Ou je pourrais les refroidir en devenant grise ou une combinaison des deux. Maintenant, à ce stade de la peinture, je ne sais pas encore quelles couleurs je vais choisir. Tout ce que je sais, c'est que je vais utiliser librement tous ces graphiques de couleurs. Je peux les combiner de la façon que je veux. Je vais commencer par la tête elle-même. Maintenant, si le soleil va frapper la tête parce que la tête est blanche, il n'y a pas vraiment couleur. Donc je vais m'assurer qu'il est très léger, et je vais l'incliner sur le côté des jaunes comme au lieu de faire une lumière bleue, je vais faire une lumière jaunâtre parce que, vous savez, le soleil est chaud, pourquoi ne pas le faire maintenant ? Ça n'a pas vraiment l'air chaud en ce moment. Je pourrais même mettre un peu plus de couleur là-dedans si je voulais peut-être quelque chose comme ça. Le soleil va frapper le haut de la tête parce que encore une fois, le soleil va se coucher de cette façon. Donc ça va frapper le haut de la tête. Mais vraiment, nous n'aurons pas de définition de ces lumières tant que nous n'aurons pas l'ombre. L' ombre est ce qui révèle la lumière. Donc, ce que je vais faire maintenant, c'est que je pense à ma couleur d'ombre, donc je vais goûter la lumière. Je veux penser à avoir une couverture plus sombre. Et puis je veux aussi penser à obtenir une couleur plus fraîche. Donc ce que je vais probablement Dio va devenir plus sombre. Peut-être quelque chose comme ça. Je descends par là vers les Cools et commençons par là. Je pourrais aller ici. Ça n'a pas d'importance tant qu'il est plus frais. Commençons par là, OK, ça a l'air un peu sombre. Allons monter. Après tout, c'est ce qu'il vous connaît. Il a un visage très blanc ici. Assurez-vous donc que lorsque nous mettons ces valeurs, conservons quelque chose de légèreté dans l'ombre. Nous allons mettre cette couleur un évidemment au bas de la tête parce que c'est là que l' ombre serait sur le fond de la tête quand elle tourne autour, vous savez, vous savez, pensant à trois formes D que nous avons si bien couvert dans le chapitre 2. Maintenant, tu sais, continuons. Ce bandanna serait entièrement dans l'ombre parce que sa tête va jeter une ombre vers le bas . Donc je vais prendre la couleur du bandana et il fait déjà très froid, donc je vais juste m'y plonger pour un bandanna de couleur plus foncée. Ça commencera à faire croire au bandana qu'il est dans l'ombre, et je ferai la même chose à la veste. Je vais goûter la veste. Maintenant, c'est une couleur très chaude, en quelque sorte par défaut. Alors ce que je vais faire. Je veux refroidir ça parce que ça va être dans une ombre plus fraîche. Alors je le ferai. Encore une fois, descendons de cette façon vers les refroidissements. Allons même un peu plus loin. Allons plus gris et plus sombre, plus sombre parce que c'est une ombre. Donc la valeur devient plus sombre et plus fraîche de deux façons. En bas de cette façon pour les violets en gris er. Et bloquons ça, obtenons un peu plus de couleur dedans. Ils vont gris sur une couleur locale forte comme ceci est une couleur forte, saturée. Si tu vas en gris, tu en suceras la couleur. Ouais, je ne veux pas faire ça, alors je vais choisir mon ombre, et j'ai l'impression que si c'est un peu trop gris. Je pourrais juste commencer à y ajouter de la couleur. Et c'est peut-être là que je veux aller avec cette ombre. Oh, je devrais goûter mon ombre pour la tête parce que sa poitrine devrait aussi être dans l'ombre, et vous remarquez qu'il n'a pas fait ça. Je raffine mes contours, affine pas mon dessin au trait, mais je raffine les formes pour qu'elles soient un peu plus proches de mon dessin au trait. Donc essentiellement, ce que je pense ici, les gars, c'est que la tête ce que je pense ici, les gars, c'est que la têtejette une ombre sur le corps qui va comme ça. Donc la tête étant une grosse forme ronde jette une ombre sur le cylindre denté du corps juste pour faire une démonstration rapide ici. Si c'est la tête et que c'est le corps, la tête étant une sphère sera sombre ici et jettera une ombre sur le corps. C' est tout ce à quoi je pense. Très simple petit modèle brut se moque pour ce personnage plus complexe. Ce personnage n'est pas très complexe, mais il est plus complexe que ça . Et maintenant sa partie inférieure ici, je dois gérer sa peau rouge dans l'ombre. Je ne l'ai pas encore fait, alors échantillonnons son Redskin et je veux me rafraîchir pour une ombre. Alors, qu'est-ce que je vais faire ? Eh bien, c'est déjà du côté cool du rouge, mais je veux aller encore plus froid. Donc, je descends de cette façon plus sombre pour l'ombre et peut-être juste une touche grise ou pas trop, juste une touche. Il va y avoir une ombre dans le chapeau qui va sur sa tête, l'argent du chapeau à sa tête. Et tu sais, cette partie inférieure va être dans l'ombre. Cette partie de son bras va être jetée dans l'ombre de la tête. L' ombre pourrait continuer autour de son bras ici, pensant à trois formes D et à l'argent de contournement croisé. ombres, Lesombres, en passant, sont de très bonnes occasions pour contourner le fond de son bras. Ici. La raison de jeter des ombres sur de bonnes possibilités de contournement transversal est que lorsqu'une ombre est jetée sur une forme, elle adopte les trois dimensions des formes qui contourne le bras. Ça ne va pas juste comme ça. Lorsque vous effectuez un zoom avant, vous pouvez voir qu'il ne va pas simplement à plat comme ça. Il tourne autour du bras et décrit le cylindre qu'il décrit. Et comme celui-ci, il décrira le cylindre du bras décrit la forme sur laquelle il est, vous savez, jeté. Très bien, zoom arrière et déjà sont la peinture commence à paraître plus dimensionnelle. Quelque chose que j'aime entrer dans un tableau tôt est une ombre coulée qui relie le personnage au sol et définit cette relation. instant, c'est difficile de dire à quel point il saute. Difficile de dire où sont ces balais, vous savez, où est le point du sol où il saute d'une ombre liquide aidera à résoudre tout ça. Laissez-moi vous décrire une brosse douce. C' est comme un pinceau marqueur. Créez un calque sous le calque de couleur, qui est au-dessus du calque d'arrière-plan, et je vais simplement échantillonner la couleur de fond et encore une fois je vais aller plus sombre et plus frais. Allons plus sombres et allons-y un peu plus frais. En fait, allons dans le blues. La raison pour laquelle je vais aller dans le blues, les violettes. Mais vers le blues, c'est parce qu'il y aura beaucoup de ciel qui se projette dans l'ombre. Donc, sur cette couche, je vais juste peindre ah, ombre cash que je pense se produire sous cette condition de laisser donc vous pouvez déjà voir comment cela aide vraiment vraiment à définir où est le personnage aura l'ombre aller droit Off frame, parce que le soleil se couche d'un angle, est-ce pas ? Donc le cash out va être légèrement compensé à gauche de ce personnage. Et c'est sympa. Cette partie de la photo que je peins vient de son corps. Et à partir d'ici, , je pourrais mettre d'autres couleurs. Comme, si je veux que le ciel bleu apparaisse plus, je pourrais prendre un peu de bleu et, tu sais, juste ça s'appelle Scum bling. Si vous faites des petits coups de pinceau comme ces petits gribouillis, gros, c'est un mot artistique pour gribouiller. Mais si je travaille dans la même valeur, l'ombre dans ce cas étant toutes la même valeur relative, je pourrais obtenir n'importe quelle couverture. Regardez ça, je vais avoir une couleur verte et je peux tomber dedans, et ça marche. La couleur fonctionne car elle fonctionne dans la même valeur. couleur de Trump 100% de la valeur temporelle est la décision la plus importante, et ensuite vos couleurs peuvent travailler dans cela. Maintenant, ce dont je parle ici, les gars, les gars, c'est de la lumière réfléchie ou de la lumière ambiante. Ils veulent dire la même chose que lumières provenant de l'atmosphère, vous savez, lumière provenant de sources autres que la lumière du soleil. Maintenant, quelles sources de lumière proviennent d'autres endroits que la lumière du soleil ? Eh bien, je viens de parler du ciel qui descend. Ou que diriez-vous de la lumière du soleil entrant dans la scène comme ça ? C' est un rayon de soleil. Il frapperait le sol et rebondissait. Et comme ça rebondit, ça va frapper notre personnage. Plus précisément, ça va frapper le dessous de notre personnage. Et ce sont deux sources très courantes de lumière réfléchie de la lumière du ciel lumière du soleil rebondissant autour de sources très courantes de lumière réfléchie ou ambiante. Donc, une fois nos ombres terminées, il est temps de commencer à en tenir compte dans ce tableau. Et comme je dis que j'ai réalisé que j'avais un peu d'avance sur moi. Je n'ai pas encore une passe d'ombre sur le chapeau, alors laissez-moi juste prendre une brosse que je peux obtenir Ok, c'est un échantillon qui va un peu plus sombre un peu plus frais et sélectionnez la bonne couche et puis obtenez un peu encore une passe d'ombre sur le chapeau, alors laissez-moi juste prendre une brosse que je peux obtenir Ok, c'est un échantillon qui va un peu plus sombre un peu plus frais et sélectionnez la bonne couche et puis obtenez un peu ombre passe sur ce chapeau. C' est là que je pourrais référencer mes dessins au trait. J' ai beaucoup réfléchi. OK, j'ai demandé aux ombres de faire quelque chose comme ça. Laisse-moi ramener mon calque de couleur avec la ligne. Je peux réduire la capacité de cette ligne juste pour avoir un peu de référence. C' est une bonne façon d'utiliser le dessin au trait est un peu une référence, parce que je me souviens avoir, vous savez, élaboré certaines de ces formes d'ombre dans le dessin au trait. Ok, éteignez la ligne. Et on y va. Voilà notre petite passe d'ombre pour le chapeau. C' est une bonne occasion de nettoyer le dessin sur ce chapeau. Il y a un peu de bizarreries là-bas. Alors voyons ce que j'ai fait avec ma ligne. Ouais, il semble que dans mon quartier, je n'ai pas complètement bloqué le reste de la tête. Ce motif rouge ferait tout le chemin ici. C' est ce qui arrive quand on adopte une sorte de désordre dans ton tableau. Mais c'est bon. Tu sais. Je vais juste arranger ça maintenant. Eh bien, je suis là. Le rouge de sa tête irait juste ici avant qu'il ne disparaisse autour de l'arrière de sa tête. Tu vois, j'aurais pu perfectionner ces formes dans mon bloc en passe. Mais tu perds la vie quand tu fais ça. Au moins, je ne pense pas que ce soit une chose universelle. Mais si j'essaie d'obtenir mes formes parfaites la première fois que tout le tableau commence à perdre la vie . J' aime affiner mes formes au fur et à mesure que j'y vais. Utilisons cette texture bizarre Un pinceau pour entrer dans une passe d'ombre pour les balais. Juste des petites lignes décalées ici pour simuler les poils du balai. Et enfin, je pense que nous avons une vie complète sur les bottes ici. Full shadow pass fait pour notre peinture. Et cela va beaucoup de chemin. Comme tout ce que j'ai ici, ce sont des formes légères et des ombres. Formes genre d'une forme chacune et d'une couleur chacune. Espérons que vous pouvez voir le pouvoir de ces décisions. Et je veux vous rappeler que ce ne sont pas seulement des décisions de peinture. J' ai pris de bonnes décisions de dessin IE chapitre deux trucs le long du chemin pour m'aider à arriver ici. Ce sont donc de bons principes fondamentaux qui contribuent à la vitesse. Ok, nous allons zoomer juste une petite touche ici et regarder une partie de la lumière réfléchie sur le fond de sa tête. La première chose que je vais faire est de passer à l'outil anti-taches. Ce type ici et moi voulons vous montrer rapidement mes réglages. Je dois ramener la vitrine de la boutique photo pour que vous puissiez la voir. J' allume la peinture des doigts, et ce que cela fait, c'est qu'il utilise la couleur que vous avez choisie pour peindre. Donc vous pouvez voir que je peux choisir comme cette couleur verte et qu'elle peint avec elle. Si je ne l'ai pas sélectionné, il ne fait que macérer les couleurs qui sont là avec elle sélectionnée. Ça va peindre et tacher, donc la peinture des doigts s'est allumée. J' aime régler ma force à 95% et si vous peignez sur plus d'un calque comme je suis, allumez l'échantillon de toutes les couches et puis il va tacher le ciel avec le personnage dans l' arrière-plan, etc. Maintenant, ce paramètre peut devenir intense de calcul si vous avez beaucoup de couches, mais je n'ai que trois couches pour que mon ordinateur puisse le gérer. Pas de problème. Et j'aime vraiment peindre avec cet outil. Le seul problème avec cela est que je ne peux pas pousser, modifier et changer mon curseur dans un exemple d'outil. Donc, pour changer de couleur, je dois retourner à la boîte. Laisse-moi juste mettre la boîte plus près du tableau. Et je pense que la première chose que je vais faire est de chercher du blues du ciel, peut-être filtrer dans l'ombre. Donc c'est juste la mauvaise valeur. Alors changeons ça et commençons à baver. C' est toujours la mauvaise valeur. Je veux que ce type soit un peu plus léger. On y va, en mettant des bleus plus légers dans l'ombre, vous savez, toujours en gardant l'identité d'une ombre, vous savez, ne changeant pas trop la valeur, mais le ciel est prêtant de la lumière à l'ombre. Donc je veux que ce bleu soit un peu plus léger que quand j'y étais. Et de cette façon, je pourrais faire prendre une ombre dure et l'adoucir un peu avec cette lumière Lay ou andine réfléchie à nouveau. Quand je dis la lumière réfléchie, je veux dire aussi la lumière ambiante. C' est la même chose. Ce que je peux aussi penser, c'est l'autre type de lumière réfléchie, qui est le soleil qui entre, frappe le sable chaud et rebondit. Donc peut-être que ce que je vais faire est d'obtenir une lumière réfléchie plus chaude, quelque chose dans cette gamme et, vous savez, commencer à frapper le fond de son visage. Maintenant, pourquoi le fond ? Eh bien, parce que c'est là que le soleil rebondissait et frappait le sable et remontait à la face inférieure de son menton et de sa mâchoire, tandis que l'extérieur de l'ombre. Je vais laisser ça dans le royaume du blues parce que c'est là que le ciel aurait probablement frappé plus précisément. Vous avez probablement été sur ma chaîne YouTube, mais j'ai une conférence de 25 minutes sur la façon dont la lumière rebondit autour et les effets des couleurs d'ombre , donc vous pourriez vouloir aller vérifier ça. C' est youtube dot com slash marque Obuchi. L' autre chose que je veux bien faire, je suis ici, c'est que je veux adoucir le bord entre la lumière et l'ombre. Donc, ce que je pourrais faire ici est juste ramasser quelque chose dans la gamme de lumière et juste utiliser ceci pour adoucir le bord. Et encore une fois, j'ai l'impression que ce que je fais ici, c'est que je contribue à l'ensemble intéressant look de cette peinture en utilisant des outils qui tachent la peinture autour et en utilisant, vous savez, coups de pinceau énergiques que vous pouvez voir comme je bouge ma main assez rapidement que je fais ces coups, mais toujours en essayant de maintenir un certain degré de contrôle. Mais je ne suis pas si prudente. Cela contribue à une énergie dans votre travail de pinceau, et c'est quelque chose que je tiens vraiment sacré dans mon propre processus de peinture. Je veux que le tableau ressemble à ce que j'ai eu du plaisir à le peindre. Je veux dire, après tout, les enfants gravitent dans les livres pour enfants qu'ils s'amusent à lire. Et je crois vraiment que les gens peuvent sentir une joie dans le processus si vous le sentez aussi pendant que vous travaillez OK, alors laissez-moi goûter le bec ici. On n'a pas de passage clair sur ça mais il a l'air un peu sombre. Je vais goûter le bec, retourner à mon outil pour les taches et prendre un beau bec léger. Après tout, si je tire les références de pack parce que très jaune, presque la même couleur que les yeux. Donc, je vais obtenir un beau, jaune vif chaud pour représenter le soleil frappant cette chose, et j'utiliserai cet outil beaucoup pour peindre de la lumière sur ce bec. Et en ce temps, je vais utiliser la couleur que j'avais bloquée là-bas comme l'ombre précédente à cela toutes les autres zones. La couleur que j'avais bloquée est fondamentalement debout pour la lumière en ce moment, et je change probablement un peu ça. Mais dans le cas du bec, il semble que cette couleur soit mieux adaptée comme l'ombre. Obtenez un peu plus de lumières sur le fond, mais pas beaucoup, parce que le fond du B pourrait être plus dans l'ombre. Et pendant que je suis ici, passé à un échantillon de pinceau l'ombre que je pense que le bec entier jetterait une ombre sur le visage. Alors je vais faire ça. Et je vais profiter de cette occasion pour vraiment nettoyer cette forme ici aussi. Et ici, j'ai juste accéléré la vidéo un peu pour aborder le dessin réel et les formes appropriées de sa main. C' est juste en train de se tailler. Il forme ses mains, l'air bizarre, leurs petites choses en spirale. Vous pouvez le voir dans la référence en haut à droite. Donc je suis juste en train d'ajuster mes formes, penser à dessiner et vous savez, envelopper ces petites choses bizarres autour des bâtons de balai et les balais eux-mêmes auront de petites ombres comme ça quand ils vont sous la main. Juste des trucs de base. petites choses bizarres que j'ai senti seraient mieux juste accélérées comme ça. Et pendant que je suis ici, je vais profiter de cette occasion pour nettoyer certaines formes, comme sur la ceinture sur les bras, juste des petites choses qui sont tombées au bord du chemin jusqu'à présent. Mettons-les au courant. En parlant de mettre les choses à la vitesse, regardons les yeux. C' est juste le bloc d'origine dans. Je vais chercher un pinceau qui est plus un pinceau de calligraphie. J' aime vraiment peindre avec ce pinceau. Commençons juste à leur donner une définition. Je vais obtenir une couleur rouge foncé et commencer à mettre juste une définition de forme. C' est là que la partie supérieure que je tremperais dans la tête avant que le globe oculaire ne commence à piquer et je ne le ferai pas. Voilà ce que je ne ferai pas. Je ne ferai pas ça. Je ne dessinerai pas de lignes autour d'elle en langage pictural. Il est très rare que vous puissiez vous en sortir avec une ligne solide qui définit quelque chose. C' est pourquoi je n'ai plus mon dessin au trait parce que ces lignes sont maintenant perturbantes et en conflit avec le langage de la peinture. Donc, ce que je veux faire ici, c'est que je veux indiquer qu'il y a un peu de changement de plan, donc, une ombre qui va qui donne à cette région sourcils l'impression qu'elle tourne en dessous, tout comme la région des sourcils humains tourne en dessous avant notre les yeux apparaissent et ici je vais juste ajuster la forme du blanc réel de l'œil, révélant la pupille, et je vais goûter la pupille. Faisons un beau, sombre, chaud. J' aime privilégier les couleurs chaudes pour les élèves. Il ne le fait pas pour une raison quelconque, donne l'impression qu'il y a plus de vie dans le Je ne suis pas sûr de comment cela fonctionne, mais d'une manière ou d'une autre je viens de remarquer que c'est le cas, donc je vais avec elle maintenant. Je veux que l'œil ait l'air d'avoir une certaine forme. Il a l'air un peu plat en ce moment, donc je vais choisir un pinceau qui est réglé en mode multiplicateur. Essentiellement multiplier mobile, sombre et qu'est-ce qu'il y a, non ? Donc, je pourrais juste choisir n'importe quelle couleur et sombre dedans, donc je vais choisir une couleur ish très claire, peut-être plus cool parce que le je vais dériver dans une ombre et juste donner une forme à ces globes oculaires juste un peu. Et puis je peux passer à mon outil pour ramollir ça un peu. Peut-être que je pourrais aller dans la lumière et y ajouter un peu plus de lumière, juste en travaillant avec des bords très doux ici pour m'assurer que le globe oculaire se sent juste comme un peu comme si c'était une boule et pas un disque plat. Si je veux que ces gars soient plus jaunes dans l'ensemble, je vais retourner à ma brosse multiplier et juste obtenir une couleur jaune forte et juste mettre ça dedans. On y va. Ces globes oculaires commencent à ressembler à plus de forme, et ensuite la partie préférée de tout le monde le point culminant. Je vais juste aller en blanc pur pour ça et pour la forme des faits saillants. Je laisserai la forme se chevaucher à la fois la pupille et le blanc de l'œil, donc je ne vais pas le faire comme ça. Je vais le faire plus comme ça puisque la même chose avec ça, je peux être une forme légèrement différente. Cela imitera plus la structure réelle de l'du globe oculaire. Non pas que le point est la précision anatomique. Après tout, c'est un personnage de dessin animé de pingouin. Au moins, je pense que c'est un pingouin. Mais parce que nous peignons Mawr pour imiter les effets de la lumière naturelle, je pense que c'est une meilleure forme de mise en évidence. Peut-être aussi une autre forme de mise en évidence ici juste pour rendre ces yeux super brillants, et je vais m'assurer qu'ils ne sont pas les mêmes sur les deux yeux. C' est un autre principe. J' avais l'habitude de garder la vie dans les choses. Chaque fois que vous avez deux de quelque chose deux bras, deux jambes, deux yeux essaient de ne pas leur donner exactement un traitement égal. Vous pouvez voir que sur les bras, comme cette forme de lumière est plus grande que cette forme de lumière. Les petites choses qui compensent c'est presque comme une symétrie décalée du chapitre 2, juste dans un sens pictural, Laissez-moi juste aller prendre un pinceau, goûter la couleur de la chaussure et nous allons avoir quelques lumières sur ces bottes. Ils se sentent un peu sombres, alors je vais y aller. Ok, restez au chaud parce que c'est une lumière du soleil et je vais juste essayer d'obtenir des petits morceaux de définition alors que cet avion pointe ces avions ici et c'est des bottes en cuir, donc il pourrait y avoir un peu de ah Highlight qui coule vers le bas C'est comme ça. Le point culminant là à la pointe. Et la même chose avec cette botte ici. Juste des petites lumières qui contribuent à la forme. Je veux garder les formes très simples. Tu sais, ce n'est pas le but de ce personnage. Les bottes ne sont pas là où le public va regarder. Donc, plus il est bas dans cette hiérarchie visuelle, plus simple et minimale je serai avec la gomme de saisie de forme et nettoyer cette petite partie de cette botte aussi bien. Assurez-vous que la forme est propre. Et avec cette gomme, je peux également aider à concevoir les formes de bottes. Maintenant, je remarque qu'il doit y avoir plus de jambe ici pour tenir dans cette botte. Maintenant, nous avons un problème intéressant ici où le bras et la jambe sont côte à côte et ça ressemble à la même valeur. Eh bien, c'est la même valeur en ce moment. La jambe serait en sorte d'une double ombre. Et par là, je veux dire que le bras est devant la jambe, donc le bras jetterait encore plus d'obscurité dans l'ombre de la jambe. C' est ce qu'on appelle l'occlusion ambiante. La lumière ambiante qui maintient la valeur de l'ombre relativement légère en ce moment, il y en aurait moins parce que le bras l'inclurait. Donc je vais aller plus sombre et donner à cette jambe cette valeur d'ombre plus sombre qui la sépare du bras. Inversement, je vais aller dans le bras et lui donner un peu d'une ombre plus légère et plus fraîche refroidisseur cause le ciel , je pense, serait descendre et frapper cette partie du bras. J' utiliserai cet outil pour cela, et cela séparera également la forme du bras de la forme de jambe. Donc quelque chose comme ça, mettre ce bleu dans le bras de Put That Blue ici est bien, le ciel serait probablement frapper cette partie de l'ombre à nouveau. L' outil de taches est agréable ici car il mélange ma couleur choisie avec la couleur est déjà sur la toile. Je vais prendre un pinceau doux comme celui-ci, et cette veste, je pense, serait un peu plus chaude. Il a l'air un peu gris, un peu trop froid. Il a besoin d'avoir plus de sa couleur locale radis dedans. Encore plus frais que la lumière, mais un peu plus chaud et un peu plus sombre comme ce gilet plonge profondément dans l'ombre, donc il va devenir un peu plus sombre. Maintenant, je laisse cette ombre tranquille, peut-être une touche de cette ombre plus sombre ici, comme le gilet tourne vraiment sous le coup de frapper le corps, entrer en contact avec le corps là-bas, il y aura beaucoup d'occlusion ambiante dans cette zone et encore une fois sur ma page YouTube . Si vous voulez une plongée plus profonde dans l'occlusion ambiante, regardez cette vidéo Ambien, l'isolement et la lumière ambiante pour les peintres. Comme vous pouvez le voir, il s'agit d'environ 20 minutes de cours sur le thème de l'occlusion ambiante. Une autre zone d'occlusion ambiante pourrait être l'endroit où le chapeau touche la tête. Il y a un espace si serré que je pense que le chapeau saignerait dans cette petite conclusion d'Ami . Il n'y aurait pas autant de lumière réfléchie à partir de là, et ils en profiteront comme une occasion pour adoucir le bord de sorte que la tête émerge en quelque sorte dans le chapeau d'une manière très douce. Vous n'avez pas besoin de bords durs sur tout. En fait, si vous peignez comme une chose picturale comme celle-ci, je vous encourage à ne pas avoir de bords durs partout. Cela aidera la peinture à y avoir un peu d'une vie quand tout n'est pas parfaitement défini. Après tout, dans la vraie vie, nous ne voyons pas tout comme des formes parfaitement définies. Nos propres yeux ont des zones de concentration. La chose que nous regardons tend à être la plus focalisée, où tout le reste s'estompe un peu, ou du moins reculent en importance visuelle. Tout cela pour dire trouver des raisons pour adoucir les bords et l'occlusion ambiante est l'une de ces raisons. Je pourrais aussi regarder le bandanna ici. Il pourrait devenir plus sombre avec l'occlusion. Je change la couleur juste parce que chaque fois que je peins Amy Inclusion, j'aime juste faire un peu de changement de couleur. Je n'ai aucune raison pour laquelle je suis allé vers leur. Je pourrais devenir rouge si je le voulais. Cela n'a pas vraiment d'importance tant que la valeur est sombre. Ce qui lit, c'est l'obscurité, pas nécessairement la teinte. En fait, il s'agit d'une règle importante et non pas du tout. Mais une théorie des couleurs que j'utilise est plus la valeur est foncée, moins la couleur compte parce que plus la valeur du je vais simplement l'enregistrer comme sombre en fait, faisons juste une démonstration rapide. Si j'ai ce vert contre ce bleu avec ces valeurs en haut, vous pouvez vraiment remarquer la différence, non ? Mais maintenant, allons-y. Ce même vert par rapport au même bleu Avec des valeurs sombres, la couleur devient beaucoup moins évidente. Vous pouvez toujours remarquer la différence, mais ce n'est pas aussi évident que le top. Donc, la lettre, la valeur, plus je serai en mesure de discerner la couleur et vice versa pour les valeurs plus sombres. L' opposé de l'occlusion ambiante, bien sûr, est la lumière réfléchie. Et je pense qu'en dessous de sa zone d'entrejambe, vous auriez une lumière réfléchie chaude venant de la terre. Maintenant, il va être encore un peu plus frais que la lumière que vous avez remarquée, la lumière a cette saturation lourde . Donc pour la lumière réfléchie, je veux garder ce gris, même si sur le Hugh Spectrum c'est plus proche des jaunes, je veux le garder un peu grise, juste pour qu'il ne soit pas tout 16. Chapitre 3 - Arrières dans perspective: mettons la couleur de côté un instant pour faire quelques sections sur les arrière-plans. Maintenant, en tant que professeur d'art, j'ai entendu à maintes reprises des élèves dire que les antécédents leur posent beaucoup de difficultés, et je comprends que les antécédents peuvent être très complexes. Non seulement cela, mais vous devez faire face à des défis techniques comme la perspective et la façon dont la perspective rencontre design. Et puis certaines scènes n'ont même pas de perspective linéaire. Ils ont plus de perspective organique au four, et je vais le couvrir dans la section suivante. Dans cette section. Je veux parler de perspective linéaire et comment vous pouvez concevoir avec elle. Et quand je dis perspective linéaire, je veux dire des scènes qui ont une ligne d'horizon, un point de fuite qui serait en fait juste à côté du cadre ici, où ma souris tourne autour et à partir de ce point de fuite, vous savez, vient des lignes qui rayonnent à travers la scène et semblent définir la perspective. Maintenant, la chose que je fais dans mon travail est surtout dans mon travail de livre pour enfants. Je veux être très stylisé avec ça. Je veux mes scènes orteil, avoir un sens de l'espace, et j'utilise les principes de la perspective linéaire pour le faire. Mais je n'y adhère pas comme un mathématicien. Je suis très flexible avec ça. Si vous regardez les lignes rayonnantes que je viens de dessiner ici, si je fais juste un zoom avant, vous savez, comment est-ce que c'est ? Les planchers ne suivent pas tous ces lignes. Exactement. Ils ont un peu de nous pour eux, vous savez, un peu de stylisation. Mais en général, les choses le suivent comme regarder les pattes du chevalet là-bas à peu près en suivant cette ligne de perspective. Même chose avec la petite étagère à cette partie du chevalet, peu près en suivant cette ligne de perspective. Et quand on remonte au sommet du chevalet, c'est bizarre. Mais il suit à peu près cette ligne de perspective. Donc, dans un certain seuil, j'aime improviser dans une perspective rigide. Grid et moi avons quelques exemples supplémentaires ouverts ici. voici un dans un garage, et si je devais placer une ligne d'horizon là-dessus, ce serait à peu près ici. Vous savez comment vous pouvez dire où placer la ligne d'horizon lorsque vous décomposer une scène, une photographie ou l'art de quelqu'un d'autre. C' est à la surface où vous ne pouvez plus voir le plan supérieur. Donc, si je fais un zoom avant sur cette porte, c'est très caché. Mais vous voyez cette porte, il y a des marches qui mènent à la porte. Peux-tu voir ces deux pas juste ici ? S' il y a un pas juste ici, je ne serais pas en mesure de voir le haut de cette étape plutôt que de dire cette étape où je peux à peu près voir ce dernier plan. Droit ? Et ce truc, je vois juste un peu l'avion du haut. S' il y avait un pas juste ici, ce serait au niveau de ma ligne des yeux. Donc je sais que si je fais juste un zoom arrière, je sais que c'est là que se trouve la ligne d'horizon. C' est là que le plan supérieur est au niveau de la ligne des yeux. Et puis à partir de là pour tracer votre point de fuite, vous pouvez voir certaines de mes lignes de perspective initiales. Tu vois ces lignes ? Ce sont ceux que j'ai bloqués en premier. Le point de fuite est juste au milieu de cette porte. Et puis à partir de là, j'ai dessiné une grille et vous pouvez voir que mes formes tout au long de la scène suivent grossièrement la grille et laissez-moi tracer une ligne pour le haut du garage. Ici, vous pouvez voir il s'ensuit que les lignes pour les portes de garage. Maintenant, ces scènes ont montré que vous avez réellement des points de fuite. Nous avons un point de fuite ici. Et si je zoomais, sortir, sortir, il y aurait un autre point de fuite, non ? Probablement là où je tourne autour de ma souris juste ici. Donc, si j'ai recommencé ici et que j'ai dessiné quelques lignes dans la scène à nouveau, vous n'avez pas besoin d'être super précis avec ça, moins pas dans ce style. Vous pouvez avoir une idée pour les formulaires qui s'alignent également avec ces points de fuite. Vous pouvez voir le bureau. Vous savez, le truc de l'établi ici correspond à peu près à ça. Maintenant, ramenez simplement cette grille de perspective un peu vers le bas dans l'opacité. Une autre chose qui est vraiment, vraiment essentielle lorsque vous avez affaire à une perspective linéaire est l'endroit où les choses touchent le sol. Nos yeux sont très habiles à trianguler les points qui touchent le sol. Par exemple, le pied des personnages touche le sol. Là, le pied de monstres touche le sol là-bas. Je vais cacher ma grille de perspective un instant, et ce que je veux vous montrer ici, c'est que ces lignes ne sont pas le même point vertical. Ils sont très proches. Mais le je suis capable de déterminer que ce personnage est juste jamais si légèrement plus proche caméra que ce personnage, vous savez, en termes de combien de profondeur ils sont dans ce garage, un point plus évident. Nous pouvons voir où le pneu touche le sol ici et maintenant nous avons essentiellement un triangle. Nous pouvons trianguler la position des différents objets dans la scène. Nous savons que ces trois points ont touché le sol. Nous savons aussi que notre grille de perspective ressemble à ceci. Ces trois points nous donnent vraiment beaucoup d'informations détaillées. Donc, autant que possible lorsque je fais mes dessins qui ont une perspective linéaire, j'essaie de montrer plusieurs objets autant que possible. Vraiment, j'essaie de montrer où ils touchent le sol. S' il n'y a pas de sol dans votre scène, alors j'utiliserai un autre avion comme si c'était un mur ou un plafond ou n'importe quel avion est connu pour être au niveau du spectateur comme si un sol était de niveau. Un mur est un niveau de vol de son niveau. Si vous avez un objet comme celui-ci dans votre image, essayez d'afficher plusieurs choses qui le touchent. Vous savez, juste ici, le spectateur est capable de faire une distinction claire que le chevalet touche le sol là-bas. Le point médian entre les pieds de la fille est fondamentalement juste là, et l'autre jambe de toile touche le sol là-bas. Cette petite relation triangulaire met clairement la fille au milieu de ce chevalet. Si j'avais recadré la photo, disons, comme ça et vous l'avez fait, je n'ai pas le fond. Je n'ai plus d'informations détaillées là-bas, et c'est bon. Vous pouvez découper les choses hors de perspective, mais vous devez être très prudent. Si vous recadrez à de nombreux objets de points focaux, vous savez, les objets principaux, la qualité de la perspective s'aplatira, et le spectateur n'aura pas assez de repères de profondeur pour vraiment comprendre ce qui se passe. Tu sais que ce recadrage que nous examinons en ce moment ne marche pas. Au moins, je ne pense pas que ce soit très bon, parce que je ne sais pas où se trouve quelque chose par rapport à autre chose. Vous savez, nous avons besoin de ces données que notre cerveau peut traiter. Nous devons savoir que ce tabouret entre en contact avec le sol à un point différent de celui, et quand nos cerveaux font référence à notre grille de perspective, nous pouvons placer là où les choses sont en trois dimensions, même si notre image est en fait deux dimensions. Le dernier exemple que je voulais vous montrer avant de commencer à dessiner quelque chose est celui-ci ici. Maintenant, cela a des principes de perspective linéaire en elle, bien qu'il n'ait pas vraiment un point de fuite. La raison pour laquelle il n'a pas de point de fuite est différente de ce dessin, où les choses air grossièrement orientées de la même manière. Vous savez que le chevalet est en quelque sorte parallèle avec le mur parallèle au lit parallèle aux planches de plancher qui permettront à la grille de reculer à un point de fuite commun. Alors qu'ici les choses sont orientées différemment, il n'y a pas assez d'objets pour déterminer où se trouve un point de fuite. Tu sais qui veut dire que l'orientation de cette fille est la même que ce n'est probablement pas le cas. En fait, si vous tracez la ligne des deux jambes ici et la ligne des deux pieds ici, ceux-ci reculent deux points de fuite complètement différents. Donc, dans cette image, je n'utilise pas de points de fuite, mais j'utilise ce concept de triangulation. En fait, il y a un exemple très clair que je peux vous montrer avec les deux acteurs majeurs de cette photo de la fille et du tabouret. Ici, ils font tous les deux trois points de contact avec la cloison du pied au sol dans trois jambes ici. Et comme je l'ai démontré, ils formeront des triangles qui nous donneront des informations précieuses. Maintenant, en dessinant ces triangles, ce que je veux que vous remarquiez, c'est qu'il y a une sorte de compression qui se passe. Jetez un oeil à la pose des filles. Ok, si on la dessine complètement du haut, c'est le haut de sa tête, , disons qu'elle tient le livre ici. Ses jambes sont posées comme ça. Elle crée un triangle égal avec ses jambes. Mais remarquez en perspective que le triangle est compressé. Cet angle ici est beaucoup plus grand que cet angle ici. En outre, remarquez en général comment ce triangle est beaucoup plus vertical que ce triangle, qui est beaucoup plus écrasé. C' est une chose très critique. C' est ce point de vue. Il comprime l'espace vertical lorsque vous vous déplacez en profondeur. Voici une autre comparaison. Cette ligne ici est beaucoup plus diagonale que cette ligne ici, qui devient plus horizontale. Si je devais dessiner ce même tabouret ici comme ça, disons que cette pièce est très, très longue, très longue, et il y a un tabouret ici. Les pieds des selles formeraient essentiellement un triangle comme celui-ci, où le triangle est extrêmement aplati. Donc, avec la profondeur, vous devez aplatir la relation verticale de vos formes ou la qualité verticale. Je considère que c'est l'un des secrets moins connus de la perspective. Vous savez, je pense que c'est une connaissance très courante pour les gens de savoir sur les points de fuite dans les grilles de perspective . Mais la chose que je trouve les gens qui trébuchent sur beaucoup est cette compression verticale ou l'écrasement des formes et la relation des points avec la profondeur. Et si tu ne gardes pas une trace de ça, comme si je me laissais juste effacer ces trucs ici si tu ne gardes pas une trace de ça et voyons que tu as dessiné cette jambe ici, en d'autres termes, ignoré l'écrasement vertical et fait plus d'un triangle tendu. On pourrait juste jeter un oeil à cette scène. Les trois jambes ne sont plus au même étage qu'elle est assise. En d'autres termes, ces deux objets semblaient maintenant faire référence à différents plans au sol et dans une vue plus large qui peut causer de gros problèmes. Donc, toute cette chose de compression verticale est une façon de garder votre perspective en échec même lorsque vous ne travaillez pas avec une grille de perspective. Essayons de reproduire cette scène de chambre à coucher. Et comme je l'ai fait avec la peinture de Peck dans la dernière section, je vais en quelque sorte vous raconter à travers mon processus et ce que je pense en ce moment. Ce que je fais est juste quelque chose que j'aime faire. Je suis allergique à une toile blanche. J' ai juste besoin d'avoir quelque chose là-bas. Je ne sais pas pourquoi, mais ce n'est que moi. Tu n'as pas à faire ça. Je prends juste un pinceau. Mon pinceau craie avec une taille énorme tuant ce blanc sur le campus. Mais le garder très léger est évidemment vouloir être en mesure d'utiliser une valeur plus tard et d'aller plus sombre. Alors je vais choisir un pinceau de style calligraphique. Ce genre de fait ça et ce que je vais faire tout de suite et juste sur une couche. Je ne suis pas intéressé par l'utilisation de couches en ce moment. Je te le ferai savoir quand je le serai, mais mettons une ligne d'horizon vers le bas. Peut-être quelque part ici, habituellement Ah, chose courante que les gens disent c'est qu'il n'est pas conseillé de mettre la ligne juste au milieu. Ce n'est pas une règle, juste un peu une ligne directrice. Donc, vous savez, je vais suivre ça ici. Je vais le placer un peu au centre. Le point de fuite sera juste hors cadre. Maintenant, ce que j'aime faire pour dessiner une grille, je ne veux pas dire que vous pourriez utiliser l'outil de ligne et aller comme ça, mais je n'aime pas avoir une grille si rigide, surtout quand je sais que stylistiquement, je veux virer un peu peu. Ce que je vais faire, c'est zoomer et ça me donne juste moins de place à couvrir avec ma main sur ma tablette. Donc, les points de fuite seront à peu près ici, et je vais juste aller au ballon. Parfois. En fait, je vais utiliser une couleur différente. C' était comme une couleur rouge. Je vais juste balancer dans la grille de perspective et annuler le redessin de la ligne. Essayez de l'obtenir aussi précis que possible, mais avec une main libre. Donc, je ne suis pas inquiet pour la précision technique ici. Et puis il y aura une autre perspective. Désolé, il va y avoir un autre point de fuite quelque part par ici. probablement encore plus loin quand vous avez une perspective à deux points. Souvent, l'un des points ou les deux points sont loin hors cadre. Je ne veux pas que la perspective de cette façon soit super dramatique. Donc, plus ce sera loin, vous savez, la perspective la moins dramatique sera. Et je vais juste mettre quelques lignes que tu dois annuler quelques fois ici. C' est là que peut-être la ligne qu'on dit aiderait. Mais on y va. Mais mettez quelques lignes qui vont juste m'aider à faire avancer l'espace. C' est bien. Voilà ma grille. Je pourrais même prendre une couleur et gribouiller dessus, juste pour ne pas avoir trop à m'en soucier, ok ? Obtenir une couleur foncée et maintenant j'aime vraiment zoomer un peu et juste commencer à disposer hors de l'espace. Donc encore une fois, je sais ce que je dessine un peu en regardant la pièce que j'ai dessinée précédemment. Mais c'est ce que je ferais. Je saurais qu'il y a un lit ici et je suis, vous savez, parking à balles. J' ai ma ligne de perspective. Alors, où recule ce lit ? Fondamentalement dessiner une boîte où la boîte a reçu de cette façon le côté du lit serait ici. Ce côté du matelas recule, haut descend, et je sais que c'est une jolie ligne droite qui est près de l'horizon. En fait, ça va être au-dessous de l'horizon parce qu'on doit voir le haut de ce lit. Donc je dois mettre ce lit en dessous de la ligne d'horizon. C' est la seule façon de voir le haut si c'est en dessous de l'horizon. Donc, là où il traverse doit être, peut-être ici, au-dessous de l'horizon. Tout ce qui est au-dessus de la ligne d'horizon. Je ne pourrai pas voir le haut. Alors mettez le lit là-dedans. Peut-être qu'il y a une tête de lit stylistique bizarre, oreiller et un couvre-lit désordonné ici. À ce stade, je vais juste changer de pinceau. J' aime aller à mon pinceau pour aucune autre raison que c'est plus gros, et je pourrais juste bloquer et je pourrais juste bloquerdes valeurs rapides avec ça Maintenant. Dans l'original, j'avais un tapis ici. C' est un tapis circulaire, mais rappelez-vous, c'est en perspective et les points verticaux sont écrasés. Donc, un cercle en perspective devient une ellipse parce que ces points sont écrasés. Il y a un parfait exemple de l'endroit où vous utilisez le squishing vertical en perspective pour dessiner un tapis circulaire, et j'aime juste jeter dedans. Ceci à ce stade, a été mis dans certains des planchers et encore une fois, je suis très libéral avec mon point de vue. Super. Je ne me soucie pas de le suivre textuellement. Il y aura des moments dans les arts où je veux le suivre textuellement. Cela dépend du style d'illustration de faire dépend de la vous connaissez l'application. Mais un livre pour enfants, à mon avis, devrait être un peu plus amusant. Et l'une des choses à propos d'une perspective technique grande est qu'ils ont tendance à manquer de plaisir un peu si je suis juste totalement franc à ce sujet. Tu sais, je ne dis pas que tu ne peux pas faire du bon art qu'il suit une grille de perspective jusqu'au thé, mais j'aime ça quand ça ne le fait pas. Il va y avoir un bureau ici, et je pense que ce que je vais faire, c'est juste un petit conseil d'administration. Je pense qu'avec le bureau, je vais le faire chevaucher le lit pour que le lit soit devant le bureau. C' est une autre chose géniale à penser lorsque vous dessinez des scènes qui ont une perspective est de se souvenir avec profondeur, est de se souvenir avec profondeur, quelque chose est en face de quelque chose d'autre qui arrive beaucoup parce que nous avons beaucoup de choses dans notre maison. Alors ne sois pas timide à propos des choses qui se chevauchent. Donc il va y avoir un bureau ici et il y aura une lampe ici, et, vous savez, la lampe va chevaucher la cour derrière elle. Je ne pourrai pas voir le plan supérieur de ce bureau parce qu'il est au-dessus de la ligne d'horizon . Donc il y a le bureau, et maintenant j'ai un peu d'espace. Vous remarquez que je travaille dans une zone connectée très semblable comme tous ces objets ont dessinés sont connectés les uns aux autres en deux dimensions. Que cela me donne un point de départ, que je peux maintenant, vous savez, vous savez, débrancher, et si jamais je veux effacer quelque chose ce que j'aime faire, j'échantillonne les ordures que j'ai sur ici, et je l'efface comme, si je n'aime pas cette forme, eh bien, juste l'effacer en peignant dessus, toujours sur une seule couche. Alors je vais, tu sais, remuer mon collier à ça. J' ai mon sélecteur de couleurs juste hors écran. Bien sûr, ce n'est pas vraiment impératif. Vous voyez quelles couleurs j'utilise ici. Je dessine juste avec des lions, et peut-être que je peux faire une forme plus amusante avec ce système ou une forme exagérée . C' est évidemment à votre goût design. Nous avons parlé des formes et du chapitre deux. Je pense à ça, vous savez, garder mes formes variées et peuvent être réparties entre grandes, moyennes petites formes. Peut-être que ce côté pourrait être un peu plus hors jeu, vous savez, juste essayer de le rendre pas répétitif et donc pas ennuyeux. Mais comme je l'ai dit au chapitre 2, vous pouvez donner à votre forme trop de variété qui détruit son identité. Alors j'essaie de ne pas faire ça. Voici un endroit où, avec le lit, je voudrais juste goûter ça et juste effacer la boîte avec laquelle j'ai posé ça parce que le couvre-lit est fini, les boîtes au-dessus du matelas. Droit. Donc quand je dessine ce couvre-lit, je veux voir le couvre-lit, pas nécessairement la boîte de matelas que j'ai commencée. Et puis je peux peut-être m'amuser avec la façon dont le couvre-lit se plie. Voici le plan latéral du pied de lit. Ok, passons à autre chose. Voyons où se trouve le côté de la pièce. Les verticales dans la pièce vont être verticales. Je pourrais tenir le décalage et tracer une ligne parfaitement droite, mais encore une fois, je suis un peu allergique à ça. Donc, je vais juste dessiner la ligne à main levée. Ils tombent. Mon point de fuite. C' est le côté du mur. Verticalement, le lit est assis sur le sol ici, donc le mur serait juste derrière lui, donc je pourrais juste un peu de C'est là que le mur serait. Changez de brosse à nouveau. Mon marqueur est un peu trop épais pour ça. Et puis le plafond est ici dans sa chambre. Peut-être que la chambre en a un. Comme le ballon Keady. Les choses étaient le Ce n'est pas tout à fait une pièce parfaitement carrée. Prends mon pinceau marqueur. Remplissez juste cette fin. Voyez ce qu'on peut faire avec quelque chose comme ça. Tu veux dire qu'il y a Ah pourrait avoir une zone en retrait ici. Cela se présente maintenant. La clé de cette scène, c'est qu'elle dessine sur son chevalet. Voyons où les chevalets vont aller, ce que j'aime faire, je fais juste une idée gestuelle la plus élémentaire de ce truc et je vois où, par rapport au lit, les chevalets vont aller pour que les chevalets vont aller. Tu sais, ça va être contre le mur sur le côté de sa chambre. Donc, je trouve où sont ces points. Peut-être que le haut du chevalet devrait être là. Voici la chose qui tient le papier. Ok, Paper lui-même est comme ça. Maintenant, je veux une référence. Ma perspective est géniale. Un peu comme ça, tu sais, c'est à quel point je suis agité avec mes lignes. Je voudrais peut-être effacer le mur derrière le papier. Donc ça me confond quand je vois à travers le, tu sais, quand je vois à travers mes objets, c'est déroutant. J' ai juste effacé ce qu'il y avait derrière. Quand je dis une course, je n'efface pas vraiment. Je peins juste à nouveau. Tout cela est juste fait sur une seule couche. J' aurais pu mettre ma note de perspective sur un nouveau calque et ensuite l'effacer comme je l'ai fait. Mais ça me ralentit, et je n'aime pas être ralenti quand je travaille. Donc les jambes, signore, dans mon point d'origine, toujours pour les courir comme s'ils viendraient ici, et je saute toujours au lit pour voir où c'est par rapport au lit. C' est un peu conforme au pied de lit. C' est bon. Voyons voir comment ça marche. Assurez-vous de voir, Voici une petite erreur que je fais déjà. Je ne peux pas. Je dois m'assurer que mon alignement vertical sur ces deux jambes suit la grille de plus près que celle-ci. Ce n'est pas bon. Ces deux jambes air de deux longueurs complètement différentes pour s'assurer que cette jambe se termine un peu plus par rapport à l'endroit où la grille de perspective dicte, qui est ici. Il suffit de jeter ça dans une ombre et les ombres ont aussi vraiment aidé, parce que quand vous mettez dans une ombre comme sous cette chose, cette ombre devrait suivre la grille de perspective, non ? Nous savons que la ligne de grille de perspective va comme ça, donc cette ombre devrait renforcer la grille de perspective. La chose avec le dessin en perspective est fondamentalement que vous voulez essayer de faire en sorte que tout ce que vous dessinez a également une raison de renforcer la perspective sur laquelle vous venez de dessiner ici. Vous ne mettrez jamais quelque chose dans l'intérêt de sa propre présence physique. Les choses doivent toujours suivre la perspective. Il y a un vous savez, et renforcez ce que fait la grille de perspective, parce qu'à la fin de la journée, si je finissais cette illustration dans un tableau, je ferais évidemment éteindre complètement la grille de perspective. Et même si je le faisais, le spectateur devrait avoir assez de repères de profondeur pour calculer à nouveau la grille de perspective dans son cerveau. Et c'est quelque chose que le spectateur est va faire très facilement si vous leur donnez suffisamment d'informations. Même si c'est votre fantasme et stylisé comme je le fais ici, le spectateur aura assez d'informations pour calibrer et calculer où c'est génial. Les planchers auront peu en morceaux que vous savez est l'est. Les planchers sont installés de différentes manières. Une chose que je voudrais essayer de faire est juste sombre dans tout le sol, parce que ce sera comme un plancher de bois sombre ou quelque chose comme ça. Maintenant, mettons quelque chose que vous savez, cette chambre se sent très vide et pas comme une chambre d'enfants amusante. Alors mettons un autre tapis circulaire ici. Et ce qui est bien à propos d'un autre tapis circulaire ici, c'est qu'il sera moins écrasé verticalement que ce tapis waas. Ce tapis est très écrasé, très elliptique, car il est plus profond. Ce tapis est plus proche de nous. Il suffit de la colorer plus foncée pour qu'on puisse voir ce que je fais. Je vais me débarrasser du sol en dessous. Ça va être beaucoup plus ouvert d'un cercle, et ce que je vais mettre ici, c'est comme dans l'original. Il y a un petit banc qui va ici avec des livres sur le dessus de la façon dont j'aime les bloquer dans ces livres, j'ai laissé tomber comme une boîte qui sera un espace réservé pour tous ces livres hors. En outre subdiviser cela dans deux livres différents, et maintenant je vais juste en faire un petit repose-pieds amusant ou un petit tabouret qui contient des livres. J' ai remarqué que le dessin réel de ce tabouret est très rude. Tu sais, je ne suis pas intéressé d'en venir à la conception finale. J' y arriverai plus tard, mais en ce moment c'est beaucoup plus utile, surtout si vous apprenez ce truc pour pratiquer le rudesse dans un espace, vous savez, dessiner grossièrement mais obtenir l'espace pour paraître cohérent, la profondeur de l'espace d'un cohésif. C' est là que je subdivise cette boîte originale en plus de livres, et je vais essayer d'orienter ces livres de différentes manières pour qu'une boîte devienne, vous savez, trois boîtes où chaque boîte est maintenant comme son propre livre. Et ce que j'aime faire, c'est juste avoir cette petite convention de valeur où les choses au premier plan sont plus sombres et les choses en arrière-plan sont plus légères. Maintenant, quand je vais peindre une scène, tu sais, peindre une scène complète dans une section future. Dans ce chapitre, je n'adhère pas toujours à ce système de valeurs, mais en ce qui concerne le dessin, il aide à séparer, vous savez, premier plan et l'arrière-plan simplement en bloquant des valeurs différentes pour chaque un. Donc tout ce qui est au premier plan va avoir une valeur plus sombre ici. Mettons une autre étagère peut être sur le côté ici, et pour l'instant je vais juste la bloquer avec une autre valeur sombre, qui chevauche les chevalets. Je vais me débarrasser des informations qui se trouvent derrière cette petite étagère, et juste pour évaluer une partie de notre profondeur. Maintenant, nous avons certainement assez de points qui touchent le sol et ont des relations les uns autres pour vraiment avoir un sens des choses qui reposent sur le plan du sol, et c'est génial. Mais à ce stade, je veux juste réévaluer le design de la pièce que je fais. Je ne suis pas sûr que j'aime tout ça encore. Je ne pense pas que ça nous fasse quoi que ce soit, alors je vais m'en débarrasser. En fait, la pièce semble être beaucoup trop longue ou quelque chose comme ça. Donc je pense que Dio devrait peut-être faire entrer la chambre. Peut-être ici, et peut-être qu'il y a une sorte de non bizarre. Ici. Je dessine juste des boîtes en perspective et, vous savez, peut-être que c'est un placard dans la chambre de ses parents, qui est à côté, vous savez, donc, ça vient dans sa chambre un peu, et ce mur effacerait le coin de la pièce. Et peut-être que le coin de sa chambre est là où ce mur rencontre ce mur. Donc c'est On comprime un peu l'espace, et peut-être que la pensée de la cloison fonctionne toujours. Mais ce serait plus comme ça. Marchez cela et juste jouer avec différents types de géométrie et d'autres choses. C' est intéressant. Je pense qu'on verra si si, si j'étais enfant et que j'avais ce genre d'espace dans ma chambre, je remplirais cet espace avec des affiches et des papiers et, vous savez, petits écrits sur le papier. Peut-être qu'il y a un bureau comme un petit bureau circulaire. Maintenant, ce bureau va être juste à l'horizon, donc je ne veux pas pouvoir voir le haut ou juste voir leur montée en ligne. J' aimerais que ma ligne d'horizon soit plus haute. Je peux tricher un peu si je fais ce lit, je vais devoir m'ajuster. Mais je devrais ajuster d'autres objets pour s'adapter. Donc je vais faire un peu de tricherie ici. Au nom du design visuel, je vais tromper le lit pour avoir une sorte de perspective bizarre. Débarrassez-vous de ça. Et c'est pourquoi c'est si agréable d'avoir une seule couche. Je pourrais juste peindre des choses, y mettre des choses. Je recommande vraiment, vous savez, si vous choisissez d'utiliser plus de couches à votre place. Mais je recommande de favoriser un processus de dessin qui permet une itération et une correction très rapides . C' est si facile et nuisible de tomber amoureux de votre propre travail et de dire, Oh, j'ai déjà dessiné cette zone donc je ne peux pas revenir en arrière si vous vous apercevez avoir une de cette pensée, écraser immédiatement. Ce qui rend le dessin bon et ce qui rend les artistes bons, c'est la révision. Donc ce que je fais, c'est que je révise l'espace et qu'il y aura un oreiller ici. Je suis en train de réviser l'espace pour que mes hauts et les lignes un peu plus haut parce que je veux voir le haut de ce bureau. Mais je pense aussi que ça a plus de sens si je fais juste, vous savez, si je soulève la hausse dans la ligne un peu parce que les choses étaient bizarres dans cette scène, personne ne remarquera le soin des slash. Cela ne marcherait pas si je faisais un dessin de perspective très technique. Vous ne pouvez pas simplement soulever une ligne d'horizon comme ça parce que tout serait affecté. Mais dans celui-ci, parce qu'il y a une marge d'erreur si saine, disons que je peux totalement m'en sortir. Ok, donc sur ce petit bureau, il y aura des jambes, évidemment. Alors mettez trois jambes. Ils s'assurent que je suis très écrasé verticalement. Tu sais que le triangle que je fais mon zoom dans le triangle que je fais entre les jambes est écrasé verticalement, non ? C' est utile car vous allez juste que j'aime passer à mon pinceau marqueur à nouveau. Il est utile de bloquer juste un peu de lumière et d'ombre de base pendant que vous travaillez. Je ne pense pas à technique ici. Je pense juste à vous savez, les choses en dessous vont devenir plus sombres, cause de l'ombre, les choses en haut vont s'alléger. J' imagine juste la lumière venant d'en haut. En fait, je pourrais même considérer une source de lumière dans toute la scène. Maintenant, peut-être qu'il y a une lucarne au-dessus de nous que nous ne pouvons pas voir. Mais la lucarne serait comme au-dessus de ce point dans le sol, vous savez, briller dans cette zone de la pièce. Alors regarde ça. Je vais mettre mon pinceau en mode multiplicateur, et je vais juste aller de l'avant et obscurcir la scène en général, juste en passant tout le truc, assombrissant, et je vais peut-être exagérer les ténèbres de ce côté de la chambre. Je pourrais aussi pousser le contrôle l et élever les niveaux et juste glisser ce gars vers le bas à nouveau. Je suis sur une couche. Ce niveau a juste été affecte tout. Alors jetez-le. Ce que je vais faire, c'est que je vais prendre l'aérographe et mettre l'aérographe sur Dodge linéaire et commencer à jouer avec une idée de, ah, source de lumière qui brille. Peut-être que j'aurai même une sélection comme celle-ci. Voyons voir. Je vais obtenir une sélection comme celle-ci, exclure les trucs de premier plan donc il va autour des livres comme ceci est très lâche. Peut-être qu'il ira ici. J' aime pousser le contrôle h orteil. Cachez cette sélection, et je peux toujours peindre à l'intérieur. C' est cette lucarne que j'appuie sur Control de pour sélectionner que les puits de lumière vont frapper le sol. Un chevalet ici ? Peut-être. Donc c'est As-tu obtenu que ramassé à l'âge de contrôle pour le cacher, peindre dans un peu de lumière. Cela aurait probablement plus de sens visuel si tout le morceau de papier que nous obtenons la lumière de la lucarne comme ceci est son point de dessin préféré. Parce qu'il est si ensoleillé ici ou quelque chose comme ça. Donc c'est sympa. Ok, bien. Maintenant, mon premier plan sombre aide vraiment à faire apparaître l'image. Et nous avions un point focal solide. Ok, donc à ce stade du dessin, j'ai mis le personnage et juste pour être facile, je vais coller ce qu'on avait avant. On y va. Prenez notre personnage juste, vous savez, mettre à l'échelle correctement. Elle est probablement aussi grande. J' aime comment elle bloque cette zone parce que ce n'est que des boîtes ennuyeuses. Il y a quelques beaux détails, mais avoir des détails se bloquent par quelque chose en face de lui est un très bon moyen de créer capacité de croire dans votre travail parce que encore une fois, la vraie vie le fait tout le temps. Nous sommes tellement habitués à ce que les choses soient bloquées de notre point de vue. On y est tellement habitués, on n'y pense même pas. Mais les chances sont quand vous regardez juste autour de la pièce où vous êtes en ce moment, plus de choses d'air probablement bloqué de votre vue, puis révélé à vous, et je vais juste pousser le contrôle l pour les niveaux à nouveau et juste la faire devenir plus sombre. On y va. Vous gardez juste l'éclairage cohérent. Nous allons juste, euh, jeter un peu de lumière sur le personnage. Et une chose que j'aime faire, parfois avec des puits de lumière et des choses comme ça, c'est souvent que vous savez que Windows aura des motifs sur eux, comme ces petites barres qui traversent le cadre de la fenêtre. Donc, je vais juste échantillonner comme une sorte générique de ton sombre ici et juste les dessiner dans un peu, comme si cette fenêtre était coulée mais d'une ombre. En outre, le personnage jetterait une ombre sur le chevalet à nouveau. Je ne suis pas super technique avec ces ombres ou quoi que ce soit. Je les bloque juste. Ce n'est pas un tableau. Après tout, c'est un dessin. C' est un dessin de design que si j'allais aller aux pieds pour aller peindre ça, je redessinerais ces formes à partir de zéro avec de la peinture comme je l'ai fait avec Peck. Tu sais, j'ai commencé avec un dessin au trait, mais je suis retourné rapidement à un tableau. Cela passerait par le même processus. Donc, toute valeur et mise en place en ce moment, comme n'importe quel soupçon de la lumière et de l'ombre, est strictement à des fins suggestives. Dans la peinture originale, j'ai eu une sorte de chose amusante de poutres sur le plafond, comme le plafond a été construit avec ces genre de poutres d'entrepôt. Maintenant, cela n'a pas tout à fait de sens avec la cloison, mais peut-être que la masse avait des extrémités ici, et ensuite ça donne à cette sorte de toit de poutre. J' ai beaucoup joué avec l'idée de poutres sur le toit, et je l'aime parce que ce que ça fait, c'est si j'avais des poutres dans ma chambre, qui, malheureusement, je n'ai pas vraiment accrocher des trucs comme des petits jouets et des trucs. Et cela donne beaucoup d'intérêt à cette partie de l'image. En parlant de ça, commençons à développer ce qui se passe ici. Ça va être un conseil d'administration. Je pense que tu sais, c'est une fille très créative. Elle a donc des petits dessins et des petites idées d'histoire sur son conseil d'administration et c'est un conseil d' administration. Ce serait un peu plus sombre. La partie en liège jetant de petites ombres. Tu te souviens de ça ? Comme la raison pour laquelle je parle tant d'ombres, même si vous pourriez être comme Pourquoi vous embêtez ? Vous pouvez mettre dans l'ombre. ombres contribuent à la conception de votre image, et parfois vous n'avez besoin de rien d'autre. Comme si vous dessinez une forme d'ombre, la forme d'ombre seule contribue suffisamment au langage de forme pour que vous n'ayez besoin rien d'autre ? Peut-être que nous voyons ici, comme le dessous de la lampe. Et s'il y a un plafond ici, il va faire assez sombre là-haut à cause de toute l'occlusion ambiante, pas beaucoup de lumière d'équilibre du sol ne pourra atteindre ce plafond . Donc je viens juste d'avoir un gros pinceau marqueur et juste assombrir, presser légèrement sur ma tablette, assombrir ça. On peut plus sombre dans la tête de lit, et je pense qu'il y a un peu de perspective bizarre qui me dérange. On dirait que ce bureau est trop haut, trop haut dans le cadre. Je veux que le bureau soit plus assis là. Maintenant, la différence entre avoir un point là-bas et avoir un point là qui fait un bon 5 pieds d'espace, ce qui dans une pièce est une grosse affaire. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais prendre tout ce mur Maintenant, c'est pour mon travail sur une couche d'insistance qui revient me hanter parce que la fille est juste sur une couche. Je l'ai aplatie pour ne pas l'ajuster aux orteils. Maintenant quoi ? Je vais faire avec tout push control J, ce qui duplique ma sélection. Je vais me débarrasser de mes couches et ensuite je peux simplement déplacer cette sélection. Je vais l'agrandir, mettre le bureau là où je pense qu'il devrait aller. Je pense que ça devrait aller juste ici et ensuite je vais frapper, entrer. Et puis, bien sûr, cela étant sur une couche temporairement. Je peux effacer. Tu sais, tout ce que la fille devrait occuper tout l'espace qu'elle devrait occuper. Donc ça est effacé, et je sais que c'est un idiot, mais c'est juste mon processus créatif. Vous n'avez en aucun cas à utiliser mon insistance myopique d'utiliser une couche. Et quand je suis content avec ça, toujours pousser le contrôle E aplatir. Maintenant, je pourrais juste zoomer à nouveau et continuer à travailler. Ouais, ce bureau semble maintenant occuper le bon espace comme si la pièce était un peu plus petite maintenant, ce qui devrait l'être. Tu sais, c'est juste une chambre d'enfant. Ce ne sera pas une grande pièce. Hum, et c'est juste. Ensuite, je redessine les trucs que j'ai accidentellement foiré ici. Peut-être qu'un autre poster est accroché sur le mur par ici. Donnez-lui une touche plus légère d'une valeur plus légère. Alors nous lisons. C' est un objet distinct. Peut-être qu'il est suspendu à une ficelle ou quelque chose comme ça. Suggérez quelque chose dessus. Ça va alléger la valeur des filles en général ici, juste la faire interagir avec la lumière de la scène, vous savez, vous savez, assombrir mes cheveux et des trucs comme ça. Même si la section est sur des arrière-plans, j'inclut des personnages dans les croquis d'arrière-plan, mais comme vous l'avez vu, je ne mets pas le personnage avant d'avoir un espace crédible représenté sur la toile. Alors je vais essayer le personnage. Je trouve que ça va de l'autre façon qu'il peut pour le travail sûr. Cela ne fonctionne pas aussi bien pour moi, comme mettre le personnage d'abord en arrière-plan derrière eux, je trouve que je devais en quelque sorte obtenir un peu de chemin avec l'arrière-plan d'abord , puis 17. Chapitre 3 - Perspective organique: C' est une page rude que j'ai faite pour un livre pour enfants appelé Goodnight Forest. Maintenant, comme son nom l'indique, bonnight Forest se déroule entièrement dans la nature, et par conséquent, et par conséquent, vous ne pouvez pas vraiment vous attendre à suivre n'importe quelle sorte de grille de perspective linéaire, parce que les grilles de perspective linéaires air seulement vraiment utile lorsque la géométrie prévisible s' aligne comme les murs d'une pièce, un paysage urbain ou un paysage urbain avec des bâtiments. Donc une scène comme celle-ci est ce que j'appelle la perspective organique. Maintenant, la perspective organique n'est pas complètement différente des leçons que nous venons d'examiner dans la dernière section. Vous vous souvenez de toute la compression verticale ou de l'écrasement vertical ? C' est l'un des principaux outils de perspective que j'utilise chaque fois que c'est possible avec la perspective organique . Et je vais juste te rappeler ce que je veux dire par là. Voici une grille de perspective très techniquement générée. C' est comme une grille mathématiquement précise ici, et ce que je veux que vous vous concentriez sur la nature des lignes proches de la caméra comme ici par rapport à la nature des lignes ici qui s'éloignent de la caméra. Les lignes sont assez diagonales et les lignes plus éloignées de la caméra. Si je peux les tracer correctement sont de plus en plus horizontales maintenant. Si cet espace hypothétique avait encore plus de distance de cette façon en profondeur, les lignes sur le sol finiraient par devenir indiscernables de l'horizontale. Donc cet équilibre est quelque chose que je suis très prudent de préserver dans mes arts de perspective organique. Quand on le verra ici dans le flux, je traiterai des lignes diagonales, vous savez, vous savez, lignes diagonales dans toutes les directions. Ils sont très diagonaux comme. Cette zone est très proche de la caméra, mais alors regardez ceci Comme nous commençons à revenir en profondeur, ces lignes commencent à perdre ce sens de nous diagonale et commencent à devenir très horizontales. Maintenant, ils n'ont pas à être parfaitement horizontaux ici. Je veux dire, c'est encore assez proche de la caméra. C' est juste qu'ils doivent être plus horizontaux. Si ce flux continuait en arrière plan, je tiendrais le décalage ici dans un magasin de photos, ce qui me fait dessiner des lignes parfaitement horizontales . C' est ainsi qu'une perspective fonctionnerait si loin de la caméra. C' est le genre de relation qui va vraiment faire beaucoup en termes de profondeur de vente sans grille de perspective. Je veux vous montrer ce tableau de Scott Christenson, qui peint beaucoup de paysages. Il y a un peintre à l'huile de paysage d'art maintenant. Dans cette scène particulière, presque tout est loin des caméras. Vous allez voir beaucoup d'horizontaux partout. Mais ce que je veux illustrer avec cette image est le changement de distance qui se produit avec lignes diagonales. Tiens, je vais te montrer ce que je veux dire. Je vais dessiner deux points par point ici et un point là et les relier avec une ligne. Maintenant, si je devais vous demander quelle est la distance entre ces deux points en termes de, disons, mètres, combien de mètres existe entre ces deux points ? Vous pourriez dire que ça ressemble à environ 100 mètres. C' est le tableau de bord de 100 mètres juste là. Et pour des raisons d'argumentation, disons juste que c'est correct. Il fait 100 mètres entre ces deux points. Si j'ai dupliqué cette ligne et l'ai amenée ici, c'est plus loin en profondeur. Quelle est la distance entre ces deux points maintenant ? Eh bien, maintenant c'est plus un demi-kilomètre ou quelque chose de bien plus dramatique que ça. Donc, pour préserver ce sens cohésif de la profondeur, cette ligne ici. Si nous voulions être les mêmes que l'autre en termes de distance, il le faudrait. Ça me ressemblerait probablement plus à ça. Ces lignes ressemblent à décrire la même distance entre deux points en termes d' espace tridimensionnel dans cette scène. Donc j'espère que vous pouvez voir à quel point cette relation est critique. Un autre principe, vous pouvez utiliser l'idée simple de relations de taille entre des objets similaires en haut. Voici une photographie, et nous pouvons voir, comme la largeur de l'arbre devient plus mince avec la profondeur. Je dessine des arbres à divers points de profondeur. Ce simple exercices quelque chose que mon premier professeur d'art nous a fait pratiquer. Il suffit de dessiner des compositions où les choses semblaient aller en profondeur en fonction de la taille. Il semble que la profondeur augmente simplement à cause de la différence de taille. n'y a certainement aucun semblant de grille de perspective là-bas. Voici Paul Felix de Disney, faisant la même chose avec les arbres et les rochers. Il l'a conçu. Donc il y a un arbre très clair là-bas, un 2ème 1 là qui devient un peu plus petit et, bien sûr, tous ces arrière-plans. Maintenant, je sais que ces air probablement différentes espèces d'arbres. Mais l'idée générale est que vous concevez vos images avec des objets très similaires afin que le spectateur puisse interpréter cette différence de taille. Tu sais, je ne mettrais pas un arbre à feuilles persistantes ici et un bouleau. Ils ne partagent pas les mêmes propriétés pour commencer, donc vous ne pouvez pas vous attendre à atteindre la profondeur de taille avec des espèces d' arbres totalement différentes . Mais dans ce cas, utilisant des arbres qui ont des diamètres de tronc similaires, vous pouvez utiliser ce principe simple de diminution de la taille avec la profondeur, et c'est la même chose avec les roches. Je suis juste en train de tracer des formes de roche qui sont plus proches de la caméra. Ils seront généralement plus grands, et au fur et à mesure que nous allons au milieu du sol, voir, ces roches deviennent un peu plus petites à mesure que nous allons à l'arrière-plan. Ces roches sont très petites, et pendant que je suis ici, le principe de la diagonale existe encore complètement dans cette image aussi. Et vraiment, ces deux principes, seuls en combinaison, seront assez puissants. Un autre principe que nous pouvons utiliser est de catégoriser la profondeur dans trois plans différents, premier plan de fond moyen et de leur appliquer un système logique de valeurs. Ce que vous regardez est un cadre de Disney's Brother Bear. n'y a pas de perspective. Super, bien sûr. Et dans celui-ci, il n'y a même pas ce truc de compression verticale. Tu sais quoi ? Les diagonales deviennent plus horizontales avec la profondeur. Il n'y a pas eu de raison de le faire dans cette image, mais la profondeur est encore très claire. La première chose que je veux faire est de le changer en noir et blanc. Je promets que nous continuerons à parler de couleur au chapitre 3. Ne vous inquiétez pas. C' est en fait la dernière section que nous traitons de noir et blanc seulement, bien que comme une note de côté, comme je suis sûr que vous le savez ou avez probablement entendu avant, valeurs l'emportent sur la couleur tous les jours de la semaine. Si vous n'avez pas de bonnes valeurs, vous ne pouvez pas obtenir une bonne couleur. Aussi belle que la couleur soit, il vaut la peine de faire nos études en noir et blanc, au moins dans cette section ici. Bref, l'idée est que le premier plan, qui est probablement toute cette zone ici que je griffonne, monte à travers ces arbres à travers ces arbres dans tout ce plan terrestre. Tous ces trucs ici qui sont au premier plan, au premier plan , ont un Siris de valeurs sombres. En fait, je vais juste les échantillonner à partir de l'image et je vais les mettre et vous pouvez voir à quel point ces valeurs sont similaires . Ce que je veux dire par similaire, c'est qu'ils sont regroupés dans une sorte de motif sombre , l'air, toutes les valeurs sombres le milieu, vous savez, les zones derrière. Tout cet échantillon c'est le milieu du terrain. Ce sont des valeurs globales plus légères. Cet arbre, là, c'est la rue du milieu. Maintenant, c'est une relation subtile. Rappelez-vous, nous n'avons que tellement de place ici que les peintres travaillent avec les orteils, sorte que ces regroupements peuvent être assez subtils. Maintenant, je tiens à souligner rapidement qu'il peut y avoir un croisement entre ce groupe de valeur moyenne du sol et notre groupe de valeurs de premier plan. Laissez-moi échantillonner cette valeur ici. Il peut s'agir de la valeur la plus sombre actuellement échantillonnée dans notre plage du milieu du sol et enregistrer cette valeur ici pourrait être la valeur la plus légère de notre plage de premier plan, et ils sont fondamentalement identiques. En fait, si je suis super technique à ce sujet, la valeur la plus légère de notre groupe de premier plan, qui est censé être sombre, est toujours aussi légèrement plus légère que la valeur la plus sombre de notre groupe de milieu de terrain. Donc tout cela pour dire qu'il peut y avoir crossover, mais en général, vous voulez vous assurer que vous avez des groupes très clairs et distincts. Et puis, bien sûr, personne ne s'en souciera si vous savez qu'il y a un cheveu de croix ici et là. Mais en général, vous voulez maintenir cette relation. Ou peut-être que je devrais dire cette ségrégation entre les avions et ensuite pour terminer notre démo, entendre le fond, que j'échantillonne maintenant je vais mettre ici, ce qui est en conflit avec ma couleur d'arrière-plan. Laisse-moi juste changer ça. On y va. On peut le voir mieux maintenant. Ce sont des valeurs que nous voyons en arrière-plan. Alors laissez-moi juste rapidement étiqueter ce premier plan milieu et arrière-plan, vous savez, vous savez, pour naviguer dans le sélecteur de valeurs. Il peut être utile de simplement peindre les échantillons sans avoir à peindre une image réelle . Si ce concept est nouveau pour vous, je pense que ce serait vraiment très utile. Donc, ce que je veux vous montrer ici est une méthode d'étude rapide que vous pouvez faire sans avoir à vous surtaxer, retirant quoi que ce soit souvent avec des exercices. Nous voulons les approcher rapidement, donc je vais vous montrer un petit raccourci vers la partie de dessin. J' ai dupliqué le tableau et je le jetterai ici. Et puis dans la boutique photo, je vais monter pour filtrer les bords de recherche stylisés. Et Photoshopped crée fondamentalement ce dessin au trait quasi I basé sur l'image. Maintenant, il y a beaucoup plus de détails que nous en avons besoin, donc je vais juste pousser le contrôle L pour les niveaux et essentiellement juste un peu aplatir cela un peu. Il suffit d'enlever certains des sombres, de lever quelques lumières juste pour me donner le dessin le plus basique et fondamental de cette scène. Quelque chose comme ça va probablement. En fait, je vais revenir dans les niveaux et juste élever le point blanc parce que vous voulez que l'arrière-plan soit assez blanc pour que je puisse. Maintenant, je peux définir ce calque pour se multiplier et avec un calque blanc en dessous, que je vais juste remplir rapidement là. Nous avons maintenant une belle petite toile, donc fondamentalement c'est mon dessin au trait, puis sur cette couche, je vais peindre quelques valeurs, je vais peindre quelques valeurs, alors prenez n'importe quel pinceau avec lequel vous vous sentez à l'aise. Je vais utiliser le genre de brosse huileuse Harry qui a été partagé dans ce cours. jeux de téléchargement brossé échantillonnent une de mes valeurs de premier plan, et commençons simplement à le remplir Peut-être un peu plus léger. Donc je ne peins pas complètement sur les lignes juste pour voir les lignes, en fait, et cela n'a même pas vraiment besoin d'être parfaitement propre. Rappelez-vous que nous voulons un regroupement de différentes valeurs ici. Alors bloquez tout ça. Et tu sais quoi ? Je crois que je vais accélérer la vidéo juste parce que tu n'as pas à me voir pour faire ça en temps réel. Donc à trois fois la vitesse ici, tu me verras bloquer au premier plan. Maintenant, j'essaie de répliquer une partie de la plage de valeurs au premier plan. J' ai donc mon tableau de valeurs là-bas en bas à droite de l'écran. J' en fais un échantillonnage, et j'utilise aussi mes yeux pour voir quelles valeurs vont où. Ainsi, par exemple, l'arbre sur la gauche, ce grand tronc d'arbre ici et la peinture qui me semble un peu plus sombre que les bouleaux et aussi le plan de sol. Les troncs de bouleau sont plus légers mais toujours dans la plage sombre du premier plan. Mais ils sont plus légers à l'intérieur de ça, et le feuillage qui, en peignant ici, est un peu plus sombre. feuillage des arbres, en passant, sera souvent quelques-unes des parties les plus sombres de votre peinture, parce que les arbres absorbent la lumière. C' est comme ça qu'ils se nourrissent de la photosynthèse, que j'aimerais pouvoir expliquer plus loin, mais je ne peux pas. Mais les arbres absorbent la lumière et sont donc plus sombres. Donc je peins juste dans certains des motifs ici. Je n'essaie pas d'aller dans les détails. Après tout, ce n'est qu'un exercice de valeur rapide. Mais tu sais où je vois des sombres, probablement des sombres au premier plan. Je vais les mettre, et je remarque que les bouleaux ont un motif sur eux. Bien sûr, le motif de bouleau signature. Ces sombres d'air au-dessus des troncs relativement légers les mettent à l'intérieur et c'est notre premier plan . Si j'ai désactivé la couche de ligne, vous pouvez voir que j'ai une petite scène qui va pour moi ici et n'hésitez pas à mettre plus de détails comme, évidemment, je suis très lâche avec la façon dont je décrit, vous savoir, la forme de la racine du tronc juste ici. Je me fiche de ça. On parle d'études de valeur ici, pas d'études d'objets. Et, bien sûr, l'étape suivante. Je veux prendre dans cette étude de valeur est de mettre le plan du milieu du sol derrière le plan de premier plan. Donc, à travers la magie de la vidéo accélérée une fois de plus, je vais peindre le milieu du terrain. Parfois, je me suis confus quant à ce qui était à mi-chemin que tu as vu. J' ai juste peint quelque chose là-bas. Mais, vous savez, regardant attentivement la référence de la photo, je vais juste peindre au milieu du sol, et j'ai remarqué que c'est là que je dois être très contrôlée avec mes valeurs. J' ai commencé à remarquer que pendant que je posais ces valeurs intermédiaires, mes valeurs de premier plan n'étaient pas suffisamment sombres. Et tout au long de cette vidéo accélérée ici, vous me verrez revenir au premier plan et les zones sombres qui, je pense, ont besoin d'assombrir, aussi haut a manqué certaines des zones de premier plan, et je vais devoir les peindre comme je vais. Et c'est tout à fait bien. Donc, continuant à peindre et je peins quand j'ai mis classé comme milieu de terrain là-bas. En fait, ça fait partie de l' arrière-plan, arrière-plan, et on verra très bientôt. Une fois que j'ai fini ici, je vais allumer et éteindre la couche de ligne, et nous verrons l'impact total. C' est la chose lorsque vous peignez sous la ligne, le dessin du trait commence à masquer l'impact de vos décisions de valeur parce que les lignes y sont si persistantes, si visuellement persistantes. Ce sont des objets très sombres et continus. Les lignes le sont, et parfois ils ne conduisent pas si bien avec la peinture. Mais on y va. Voilà mon milieu fini. Je vais éteindre la couche de ligne, et on peut voir que la peinture commence à se réunir. Maintenant, rappelez-vous, il est toujours possible d'attraper, disons, une couleur sombre de premier plan. Et je, vous savez, je pense que je devrais, vous savez, assurer que mon premier plan ici est plus sombre, juste pour qu'il se sépare. Il y a ces taches sombres et herbeuses ici qui aident vraiment à séparer l'obscurité du groupe de premier plan de la légèreté du groupe de milieu du sol. Parce que, comme je l'ai dit, ils sont assez similaires. Donc vous voulez faire des excuses pour que la séparation devienne évidente dans ce cas, en mettant des buissons plus sombres ici juste contre ce milieu de terrain. Ce n'est pas un accident. C' est un choix de conception pour obtenir une perspective organique. même chose avec certaines de ces plantes plus sombres que je vois ici contre cet arbre est une sorte d'endroit. Quelques-uns de ça ici même est par ici, juste quelques petits coups tout au long d'une dernière chose. Je pense que le côté général du tronc d'arbre ici est encore un peu plus sombre que je l'ai, et même le sommet du tronc d'arbre devient un peu plus sombre que je ne l'avais. Il saigne en quelque sorte un passage plus léger ici, mais le sommet est assez sombre, sans doute pour assurer une séparation maximale entre le premier plan et l'arrière-plan dans cette zone. Maintenant, parlant de fond, je pense que ce que je vais faire ici, je vais juste chercher l'outil magique. Sélectionnez ici tous les pixels blancs sur lesquels je travaille sur un calque. Donc, je sélectionne tous les pixels blancs contrôle H, qui masque cette sélection. Et maintenant je peux pousser, disons, vous contrôler, ce qui fait apparaître le dialogue de saturation de la teinte. Mais il a aussi un contrôle de légèreté, et je juste que je peux changer la valeur des blancs droit. Je pourrais juste réduire cela pour approximer ce genre d'une bonne valeur moyenne pour notre arrière-plan, et l'arrière-plan n'a pas besoin de beaucoup de détails. Je vais juste indiquer rapidement quelques arbres ici, assurant que leur genre global de plus mince que ce qui est au premier plan, comme nous avons parlé plus tôt dans cette section ressemble à cause de tous les buissons et trucs ci-dessous en bas il fait un peu plus sombre en bas ici qu'en haut, ce qui est un peu plus dominé par la lucarne. Alors quoi ? Je vais bien faire, même en fait avoir un peu de cette petite lucarne. J' ai entendu ces trous de ciel. Vous savez, comme vous pouvez le voir à travers le feuillage dans une forêt au ciel, petits trous, trous du ciel et semble un nom approprié pour elle. L' autre chose à laquelle vous pouvez penser est la quantité de contraste dans chaque plan. Si vous regardez notre graphique de valeurs ici, le plan de premier plan qui est le plan le plus proche de la caméra a un peu plus de contraste de valeur que le milieu du sol, qui est légèrement plus loin de la caméra. Et puis l'arrière-plan, qui est le plus éloigné de la caméra, a le moins de contraste de valeur. C' est quelque chose que la nature fait, en passant, surtout à l'extérieur. Il y a quelque chose qu'on appelle la perspective atmosphérique. Je suis sûr que vous le voyez tous. C' est la raison pour laquelle les montagnes de fond apparaissent bleues et très basses et contrastent l' atmosphère sorte d'avaler le contraste, et donc nous obtenons une sorte de modèle de valeur plus doux, plus nous sommes loin de la caméra. Et c'est un principe que je n'ai pas encore mentionné. Dans notre liste de contrôle des valeurs de perspective organique qui diminuent en contraste avec la profondeur, on dirait qu'il y a une bûche tombée dans cette zone. C' est-à-dire, je dirais toujours que c'est en arrière-plan, mais c'est probablement presque entre le premier plan et l'arrière-plan, vraiment, ou entre fond de fond, je dois dire, et ça provoque un peu de rupture là-haut. Quelques petites cotes et extrémités, branches et feuillage divers qui en sortent. Et vous savez, avec ça, nous avons une bonne petite étude ici, et ensuite vous pouvez ajuster. Tu sais, je pense si j'échantillonne cette valeur sombre, on dirait que des ombres saignent sur le bouleau ici. Je pourrais être un peu plus précis avec certains de ces de modèlesde bouleau. Au premier plan, il y a de la lumière. C' est une très forte lumière du soleil qui se répand dans l'arbre. La même chose qu'ici. Et c'est l'un de ces domaines où vous devez dire qu'une forte lumière vient ici est où vous pouvez franchir cette ligne du premier plan à l'arrière-plan. Je suis en fait, vous savez, échantillonnant certaines des valeurs de couleurs de fond que je devrais dire, et les amener au premier plan. Mais c'est pour obtenir une sorte d'effet de lumière globale. Je ne veux pas trop faire cela dans cette scène car cela nuira aux regroupements de valeurs globales , sorte que la chose d'arrière-plan de premier plan au milieu du sol peut souvent fonctionner mieux lorsque la scène est principalement dans l'ombre. Vous savez que cette scène a une certaine puissance, mais le soleil est Onley, influençant seulement quelques zones de la scène. Et ces situations d'éclairage sont vraiment faites sur mesure pour ce genre de traitement de premier plan catégorisé , de fond moyen. Et juste pour ramener l'étude à la maison, j'ajouterai quelques petites touches plus spécifiquement, comme certaines variétés de formes et la rupture comme comment le feuillage se décompose en feuilles plus petites et plus petites près de la silhouette, peut-être un plus de trous de ciel dans l'arbre pour enlever seulement les formes de feuillage plat, vous savez, et juste amener cela à un point où il se sent attrayant comme l'original. Et on y va. Je pense que c'est un bon exercice qui va vraiment vous faire penser à divers aspects de la perspective organique, même si nous n'utilisons pas les grilles de perspective comme un outil essentiel dans cette section, je tiens à souligner que vous pouvez dessiner sur une grille de perspective arbitraire pour vous aider à un sens à un objet plat comme nous avons une grande surface plane ici. Je pourrais facilement trouver un point de fuite, rester là et dessiner à partir de ce point, vous savez, une série de lignes de perspective rayonnantes. Bien sûr, ils deviennent plus horizontaux avec la profondeur. Et à partir d'ici, tu sais, peut-être que je vais inventer un point quelque part, loin du cadre à gauche comme je t'ai montré dans la dernière section et juste une sorte de boule comme ça. Maintenant, si je cache l'original, je reste avec ma grille, et je viens de rendre plus facile sur mon cerveau de convertir en espace D en espace trois D. Et, vous savez, je pourrais commencer à m'amuser dans cet espace, comme si c'était une clôture et, vous savez, les poteaux de clôture sont comme ça. Je pouvais facilement voir comment l'infraction interagirait en perspective ici. Peut-être qu'il y a un cochon derrière la clôture, quelques cochons différents derrière la clôture. Si je voulais qu'il y ait un creux de cochon ici, je pourrais facilement utiliser ma grille de perspective arbitraire pour bloquer dans cet abus de porc en laissant plus de porcs ici et en m'assurant que ces porcs sont plus gros que les porcs au milieu sol là à cause de la profondeur. Et oui, c' est une excellente façon de combiner des éléments de la dernière section avec des éléments de perspective organique de cette section. Si je voulais être cette sorte de terre herbeuse, je pourrais penser à des lignes diagonales ici. Puis, mesure que je dérive dans l'espace, les diagonales deviennent très horizontales. Si je voulais un peu de mort ici, je pourrais le couper. Donc, au lieu d'aller en diagonale comme ça, je vais faire une petite diagonale et une autre horizontale pour m'aider à préserver cette nature horizontale . Un de mes amis est un storyboard. Les artistes pour les émissions de télévision et les artistes de storyboard doivent dessiner comme, ah, 100 photos par jour, probablement plus, et l'une des choses que mon ami utilise pour le faire commencer avec ses dessins est exactement ce sorte d'une grille arbitraire qui convertit la page en un espace de trois d, puis nous allons juste commencer à placer des éléments. Et, bien sûr, si maintenant nous devions cacher la grille de perspective, vous pouvez voir comment cela nous a aidés à visualiser cet espace en Trois D. Comme si je le voulais. Maintenant, pour tracer un chemin, vous pouvez savoir plus facilement visualiser comment ce chemin interagirait dans espace tridimensionnel. Et peut-être qu'il y a une grange ici en arrière-plan. Je pense à dessiner essentiellement quelque chose qui est en quelque sorte que je n'ai pas besoin d'une grille de perspective pour cela, parce que le papier a été suffisamment converti en quelque chose qui a de la profondeur. Et maintenant, je peux juste bloquer mes éléments ici. Peut-être qu'il y a une autre clôture ici, juste vite. Peu d'indications de diverses formes, quelques arbres, fond. Et vous pouvez voir avec quelle rapidité vous pouvez commencer à composer une scène avec ces fondamentaux à votre disposition, même quelque chose d'aussi stupide que cette petite section du grand rêve de Norbert. J' ai arrangé ces éléments comme s'il y avait une grille de perspective, vous savez, j'ai laissé tomber de petits indices que le lecteur peut extraire une grille de perspective de Nous pouvons regarder la ligne créée par le bas des poteaux de clôture ici. Donc une ligne comme ça, la ligne des nageoires, la ligne de ces objets. Et à partir de là, vous pouvez extrapoler une autre ligne ici, traversant les lunettes et, vous savez, fonction de la façon dont les objets grandissent en taille, comme comment les lunettes ici sont un peu plus grandes qu'elles ne sont là. Et vous savez, c'est juste une bouteille de lotion, qui est assez grande parce qu'elle est proche de la caméra. Ce sont des repères de profondeur déguisés en objets réguliers. Nous pouvons également générer une grille allant de cette façon avec encore de petits indices dans le dessin, comme un point entre son fesses et son talon juste là crée une ligne allant comme ça. La relation entre ces deux objets crée une ligne qui va comme ça, et la perspective sur ce gars crée une ligne qui va comme ça. C' est donc un petit truc caché pour convaincre le spectateur qu'il voit quelque chose en profondeur. Maintenant, bien sûr, vous n'avez pas à le faire, mais j'ai trouvé que c'est une façon attrayante de présenter une page de style de vignette autrement vierge et ces compositions d'air qui se produisent souvent dans les livres pour enfants vous causent nous besoin de laisser beaucoup de place pour le texte parfois. Et comme vous pouvez l'imaginer, il y a amplement de place pour mettre du texte tout autour de cette œuvre. Ok, donc pour résumer cette section, nous avons parcouru quatre grandes idées pour une perspective organique. Le premier a été une utilisation vigilante de l'idée de squishing verticale, et a lié à cela l'idée de la façon dont les lignes diagonales deviennent horizontales avec la profondeur. Nous avons également examiné l'idée simple des relations de taille qui est, choses deviennent plus petites à mesure qu'elles s'éloignent du spectateur. Nous avons regardé la profondeur fournie par les groupes de valeurs de fond de premier plan, et je vais presser un certain nombre d'étrangers ici. Nous avons examiné des grilles de perspective arbitraires, qui peuvent rapidement convertir les deux pages D en un espace de trois D. Et ça peut aider à démarrer les trois premiers éléments. Ok, ça se termine pour cette section. Je vous verrai dans la section suivante où nous utiliserons tous ces trucs en conjonction avec la couleur 18. Chapitre 3 - Rouges de couleurs: Ok, ramenons la couleur dans le mélange et parlons de la planification de vos pages avec des toits de couleur. Je me souviens d'un passage du grand rêve de Norbert qui demandait un tas de cochons qui fouillaient dehors. Donc je vais faire une nouvelle toile et je vais la rendre très minuscule, peut-être 600 par 400 et nous allons dire Ok, voilà. En fait, c'est même trop grand. Revenons à la taille de l'image et disons juste comme 4 50 par n'importe quel côté 300. Note. Si vous avez peur de travailler en couleur, travailler sur une petite toile est un excellent moyen d'apaiser cela. La première chose que j'aime généralement faire est de tonifier la toile, et j'aime faire, Ah, couleur chaude, neutre donc, vous savez, vous savez, chaud n'importe où dans les oranges, les jaunes ou les rouges ou quoi que ce soit neutre, ce qui signifie qu'il est presque gris . Parfois, je vais même saupoudrer dans les couleurs opposées parce que rappelez-vous, comme je l'ai parlé en moins d'un dans le chapitre trois sur la température de couleur, si vous êtes dans le gris, vous pouvez fondamentalement être dans n'importe quelle couleur, donc juste augmentez cette chaleur neutre avec un peu de fraîcheur neutre. J' ai donc cette petite soupe de couleurs neutres dans laquelle je peux peindre. Je fais cela parce que déjà la page me semble coloré, ce qui est quelque chose que je trouve stimulant. Et ça m'aide à travailler si c'est presque juste pour garder mon humeur positive plus qu'une technique de peinture. Ok, donc c'est ce que je fais. J' imagine que je pourrais avoir un croquis au crayon à l'heure actuelle, mais à ce stade, c'est dessiner quelques porcs à l'ombre. Ceci est basé sur une page que j'ai illustrée dans les grands rêves de Norbert. Une sorte de rappel de ce qui était là, ces porcs d'air au premier plan. Ça va être une sorte de perspective organique Shot. Bloque dans la grille de perspective la plus rare ici, il y aura des arbres à l'arrière, et ces cochons vont fouiner partiellement à l'ombre de ces arbres. Bloque dans la grille de perspective la plus rare ici, il y aura des arbres à l'arrière, Peut être de retour ici. Il y aura la grange ou quelque chose comme ça. Donc bloquez juste, euh, juste griffonner. Maintenant, parlons de ce que nous voulons faire avec le point focal. Les porcs du point focal. Tu te souviens du chapitre 1 ? J' ai parlé du point focal et vous voulez donner le plus de contraste à cette zone, donc ces porcs sont un cochon à un cochon trois. Juste des petites boules de beurre qui vont dormir. Bien que dans une couleur rugueuse, je ne suis même pas vraiment intéressé par la conception exacte du porc. Tu sais, yeux de ce cochon pourraient être comme ça. Sa neige pourrait être là, tu sais, coller dans le sol ou quelque chose comme ça. Toutes les choses dont j'ai parlé au chapitre 2, tous les principes de dessin, je, ironiquement, les jette dans une couleur rugueuse. Maintenant, si vous connaissez les fondamentaux, il est impossible de les jeter complètement. Vous savez, par défaut, je vais toujours les obliger dans une certaine mesure, mais je n'ai pas forcément à frapper mon plan final. Dessin bureau de couleur est de quatre couleurs, pas nécessairement pour le dessin. Donc tu sais quand je dessine ces cochons, je n'ai pas nécessairement besoin d'avoir leurs yeux parfaitement en perspective. Ou des choses comme ça n'étaient qu'un bloc dans l'Es-tu pas, les membres d'un cochon ici. Parlons couleur, cependant, cependant, donc je veux que les porcs soient le point focal, ce qui signifie généralement que je veux commencer par leur donner le plus de contraste et ce que cela signifie juste sur un niveau de valeur et d'ailleurs, Je travaille juste sur une couche en ce moment. Bloquons. L' arrière-plan est sombre comme ça. J' utilise juste un pinceau, une couche pour te faire savoir que tu peux voir mes pinceaux ici. Oh, parfois utiliser tous parfois passer à, comme, comme, un pinceau rond ou quelque chose comme ça. Mais maintenant j'aime le genre de brosse à huile Harry, et les arbres vont être sombres comme ça. Je ne m'inquiète même pas de les faire ressembler à des arbres. En ce moment, je pense strictement à la façon dont je peux utiliser la conception de valeur, vous savez, noir et blanc, sorte d'ombrage pour déterminer un point focal. Et je ne pense même pas vraiment à la couleur en ce moment. Juste valoriser le sol va être un peu plus léger que ça. Je sais, d'ailleurs, juste après des années de peinture à l'extérieur, que les arbres sont de bons candidats pour être très sombres. Les arbres absorbent la lumière. C' est comme ça qu'ils se nourrissent. Par conséquent, ils ne laissent pas beaucoup de lumière. Ils ne reflètent pas beaucoup de lumière. Par conséquent, leur sombre Ainsi un arbre, surtout un arbre et l'ombre. Ça va être la chose la plus sombre de ton tableau. Si jamais vous êtes à la recherche d'une excuse pour peindre quelque chose près de noir peindre l'arbre dans ombre. Donc je vais faire semblant que ces arbres sont dans l'ombre, ce qui, bien sûr, jetterait de l'ombre sur l'endroit où les cochons dormaient. Et cela me donnera une bonne excuse pour aller très sombre en arrière-plan. queue de ce cochon doit être là. C' est une excuse pour aller très sombre en arrière-plan avec ces arbres. Et maintenant, les porcs de l'air dans cette ombre. Mais je veux m'assurer qu'une partie de la lumière du soleil est peut-être filtrée sur eux. Donc on a assez de contraste, parce que si j'avais les cochons dans l'ombre, ils seraient comme ça et je les perdrais dans ce contexte. Je ne veux pas ça. Alors défaites quelques étapes là-bas, ouvrez quelques lumières du soleil frappant ces cochons. En fait, il n'y a rien qui dit que je ne peux pas aller plus léger avec ma valeur. Et déjà j'ai un design de contraste très simple dans mon image. Un design de valeur, Vraiment. Ce cochon aurait de l'ombre ici. Maintenant, ces cochons jetteraient des ombres sur le sol pour que je puisse brancher ces ombres avec les arbres en arrière-plan et l'idée ici est que j'essaie de regrouper et de fusionner autant formes que je peux. Ce que je veux dire par là, c'est l'ombre que je peins ici. Cette ombre du cochon. Je veux voir si je pourrais peut-être regrouper ça avec les arbres. Tu ne peux pas faire ça tout le temps. Certaines formes doivent rester séparées comme l'ombre de ce cochon. Ici. Ce sera une forme distincte, non regroupée avec quoi que ce soit. Il pourrait être regroupé avec l'ombre du cochon ici, ce qui est sympa. Mais, vous savez, certaines formes doivent opérer seules. Mais plus vous aurez de regroupement, plus je lirai facilement cette image, plus vite je lirai l'image. Et c'est vraiment ce que nous voulons, surtout dans un rapide sur une petite miniature comme celle-ci. Cela m'empêche de peindre les détails et, plus important encore, cela m'amène à penser à une lisibilité rapide. La chose qui fait lire un tableau est la simplicité et l'efficacité de votre composition, non pas la façon dont vous avez été intelligent avec le rendu de toutes sortes de détails. Joli. Bien sûr. Parfois, il y a de la place pour ça. Parfois, il n'y a pas de place pour ça. En fonction de votre photo, il vous sera parfois nécessaire de zoomer et de retirer des trucs de nouilles. D' autres fois, comme dans cette composition, ce sont les grandes formes qui font essentiellement tout le travail. Maintenant, commençons à penser à la couleur en ce moment. J' ai pensé à la valeur, mais je vais peindre la couleur au-dessus de tout ça. Commençons par la couleur la plus évidente dans la peinture. Le ciel, le ciel est bleu, non ? Donc je vais choisir une couleur bleue quelque part par ici, euh, peindre juste au-dessus de cette valeur neutre et chaude. En fait, c'est une technique de peinture à l'huile. C' est quoi ? Au moins, je l'ai appris en tant que peintre à l'huile. Beaucoup de peintres à l'huile tonifient leur toile avec, comme un nombre brûlé ou quelque chose comme ça. Tu sais, une sorte de couleur chaude, sienne brûlée, peut-être, et ensuite ils peignent leurs couleurs plus froides juste au-dessus de ça. Et quand vous faites ça, vous obtenez cette électricité car le type bleu vibre des rouges neutres. Il y a juste quelque chose d'intéressant à ce sujet. C' est sans doute plus intéressant que si vous venez d'y aller avec le bleu droit et la couleur a rempli. Il y a juste quelque chose dans les compliments vibrants. Joli. Dans l'horizon, je pourrais y aller, mais plus chaud. Dans l'horizon, je pourrais y aller, Peut-être que c'est peut-être comme un scénario tôt le matin. Au début du matin, l'horizon du ciel devient juste plus chaud vers les jaunes. Et cela a aussi du sens pour cette condition principale parce qu'il devrait y avoir une ombre assez dramatique qui est jetée par ces arbres. Donc ce que je pourrais faire maintenant, c'est que le terrain dans la composition est aussi. C' est trop vide. Je ne pense pas en faire assez maintenant. Si je voulais qu'il y ait du texte ici, comme peut-être que le texte va ici dans ce cas, je laisserais le terrain ouvert. Tu sais quoi ? Je pense qu'il pourrait encore y avoir du texte ici, mais nous voulons des ombres. Ou du moins je pense que c'est bien d'avoir quelques ombres Dapple des arbres qui viennent juste dans ces zones. Ok, alors continuons à entrer avec la couleur. Hum, je sais d'après notre discussion dans le chapitre de la première section du chapitre 3 que c' est une lumière solaire. Le soleil du matin est quelque part dans la gamme chaude. Peu importe où il est, mais je vais faire mon soleil du matin par ici. Donc tu sais que cette couleur va frapper un chemin chaud comme un chemin de terre de ferme. Donc ça va vraiment le réchauffer. Alors Spino choisira probablement une couleur qui est juste là dans les réchauffeurs. Mets ça, en fait, va zoomer sur le toucher et juste peindre ça dedans parce que tu peux voir ton tableau juste au-dessus de mes blocs de mots. Tu sais, mon bloc de texte est que je ne m'inquiète pas du désordre ou de toute sorte de processus ordonné. Quand je fais mes refs de couleur, je veux que des accidents se produisent. Vous savez, comme Bob Ross dirait, heureux accidents. Je me lance pour ça. S' il y a un peu d'herbe, euh oh. Rampe jusqu'aux greens. Encore un vert chaud, cependant, parce que c'est chaud soleil frappant ces zones. Il y a peut-être des taches d'herbe ici. J' essaie juste d'inventer ces trucs à la volée. Les cochons vont être, bien roses, alors commençons par une sorte de couleur locale, euh, aérée du côté de la lumière. Je sais que je veux qu'ils soient un peu légers. Donc, cela a été mis dans ce genre de couleur rosâtre. C' est peut-être un peu trop Porcinets Eric pour un peu vers les oranges. Amenez ce type là-dedans. En fait, je vais peindre sur les ombres. Je vais juste repeindre ces ombres pour peindre ces boules de porc ici. Varions la couleur un peu, juste pour le plaisir. C' est toujours agréable d'avoir un appel il vibrations de couleur. Vous savez quand une couleur est contre une autre couleur qui tend à b'plus engageant à l' œil que si c'est juste une couleur. Donc, si un cochon est rose, assurez-vous de ne pas peindre le même rose pour chaque cochon dans chaque zone de chaque cochon. Ça n'aura pas l'air aussi bon goût. À mon avis, la couleur est très subjective, et vous connaissez quelqu'un qui enseigne la couleur, y compris moi. Vous devriez prendre ce qu'ils disent avec un grain de sel parce qu'il n'y a pas de réponses définitives sur la couleur. C' est exactement ce que votre expérience vous dit. Et c'est ce que mon expérience me dit. Qu' est-ce qui est bloqué dans l'ombre pour ces cochons ? En fait, on se débarrasse de cette ombre ici. Oh, euh, je vais passer à ce pinceau. C' est une brosse multiplier. Vous pourriez voir ici. Il est réglé sur le mode multiplicateur. C' est multiplié. Il devient plus sombre, non ? Je vais choisir une couleur plus fraîche parce que le cochon c'est la lumière du soleil, qui est une lumière chaude. Donc les ombres vont se refroidir un peu. Donc ce que je vais faire, c'est que j'aurai un rose plus frais et peut-être quelque part par là. Et je vais juste utiliser cette brosse multiplier pour bloquer ça. Ce cochon va l'avoir. On y va. Et revenons hors du mode multiplier. Teoh, retourne à ce pinceau rond. C' est juste une fois de plus. Vous avez ce pinceau inclus dans la classe. C' est juste un pinceau rond régulier, mais avec quels bords tournés sur quels bords rendent le trait transparent au milieu et opaque autour des bords, ce qui explique comment fonctionne l' aquarelle. Donc c'est, vous savez, je suis aussi ah, peintre aquarelle, et j'adore la façon dont le pigment aquarelle conduit. Et ce que la brosse EJ sorte d'imite que même ici dans le chemin varient la zone de couleurs de ces couleurs. Prends quelques roses là-dedans. Je ne connais pas les cochons ou les roses. Prenons quelques autres roses dans le sol, tu sais pourquoi pas ? J' aime ces petites taches d'herbe qu'ils m'intéressent. Parfois, cela peut aider juste à montrer leur épaisseur. Un peu plus frais, juste les orteils. Vous savez, l'herbe est élevée au-dessus des sentiers. Je montre juste cette épaisseur avec un peu d'ombre. Je gribouille juste dans de l'herbe. N' oubliez pas de changer la couleur de cette herbe pour Peut-être qu'il y a des taches de terre, qui pourraient être un peu plus terreux. Peut-être les herbes qu'on rentre. Parfois, c'est bien d'avoir une couleur plus fraîche car, euh, euh, la perspective de l'atmosphère que le ciel bleu commence à filtrer dans nos couleurs ici. En fait, je vais juste obtenir une sorte générique de bleu et bloquer dans tout ce fond avec elle. On va devenir très atmosphérique en retournant. C' est là que sera la grange. Mais la grange n'est pas le point focal du tir, donc je le joue. Les arbres ont besoin de couleur alors qu'ils ont une couleur, mais ce n'est pas la bonne couleur à moins que vous ne vouliez peindre un champ d'arbres morts. Et je suppose, mais allons aller un peu plus vert avec eux et je veux garder leur valeur sombre. Mais nous allons juste cela s'appelle scum bling quand vous venez de griffonner comme ceci est une technique de beaux-arts appelée scum bling. Et chaque fois que j'ai un terme fantaisiste pour gribouiller, j'adore ça parce que ça me donne l'impression de savoir ce que je fais. Je suppose que je sais ce que je fais parce que j'ai peint la couleur maintenant depuis près de 20 ans. Mais je n'ai pas de réponses définitives. Ce que j'ai, c'est l'expérience qui m'a amenée à découvrir les fondamentaux. Donc j'enregistre ce segment de cette façon. Tu sais, en temps réel, je raconte mes pensées en temps réel. C' est quelque chose que je ne ferais jamais sur YouTube, en passant, parce que cela fait des vidéos qui sont beaucoup trop longues pour le public YouTube. Mais en même temps, je pense que c'est beaucoup plus profond parce que vous voyez chaque pensée et chaque étape du chemin. J' ai appris ça en peignant de la vie. Maintenant, si ces arbres Aaron ombre, je sais que dans l'ombre il y aura quelque chose qui s'appelle la lumière réfléchie. J' ai des leçons sur ma chaîne YouTube sur la façon dont les couleurs d'ombre fonctionnent avec la lumière réfléchie vérifient ceux, mais essentiellement le bleu du ciel va infiltrer mes couleurs d'ombre. Le soleil ne frappe pas ces arbres. Alors qu'est-ce qui frappe les arbres ? Eh bien, c'est la lumière du ciel quand nous n'avons pas à faire face à la lumière du soleil, mais quelques lumières très fortes. Quand nous n'avons pas à faire face à la lumière du soleil, la lumière du ciel peut se faufiler, donc je vais goûter ma couleur de friandise la lumière du ciel peut se faufiler, quelque part ici, et je vais aller plus frais. Je vais plus refroidir en remontant de cette façon et allons-y un peu plus léger parce que c'est le cas. C' est de la lumière du ciel. Donc on ira un peu plus léger que ce que j'ai. Et je pourrais juste commencer. J' utilise mon outil de taches ici change beaucoup d'outils. Va à celle-là. Je vais juste commencer à mettre ces bleus et vous remarquez qu'ils semblent s'harmoniser assez bien . C' est parce que je crée ou re créer un effet très naturel. Je peins ce que nous voyons tous, essentiellement tous les jours, en supposant que vous sortiez ou que vous regardiez par une fenêtre, je vois l'influence du ciel dans l'ombre. Nous le voyons tout le temps, que nous le reconnaissions ou non. On le voit tout le temps. J' ai changé mon bleu pour un autre genre de bleu. Mettons ça dedans. Peu importe où je l'ai mis parce que les arbres sont tous dans l'ombre. Donc, tant que je garde ma valeur en tant qu'ombre, je pourrais essentiellement mettre ce bleu n'importe où. Maintenant, il y a une certaine logique. Je ne veux probablement pas mettre le bleu ici en bas parce que je ne pense pas que le ciel puisse aller tout sous ces arbres. En fait, ce qui est sous l'arbre va être une occlusion ambiante. J' ai une vidéo YouTube sur l'occlusion ambiante pour ceux d'entre vous qui veulent brosser ce fondamental. Mais ce que fait l'occlusion ambiante, c'est qu'elle s'obscurcit encore plus dans l'ombre parce que la lumièreambiante lumière , par exemple, la lumière du ciel, est occlusive. C' est bloqué. Donc sous ces arbres, vous pourriez avoir des choses très, très sombres. Et c'est tout simplement génial pour mon plan de valeur, parce que l'art Aiken dirige les sombres les plus sombres d'être juste à côté des porcs les plus légers . Et maintenant, avec ces sombres en place, nous avons quelque chose qui vraiment et je ne mets pas les noirs d'autres endroits aussi. Mais nous avons maintenant un très beau contraste dans ce coup. Je vais te montrer ce que je veux dire. Je consomme moyen de sortir et de regarder, il lit encore. Tu n'as pas besoin de détails comme si je pouvais presque avoir fini cette couleur rugueuse en ce moment. En 15 minutes, je peux avoir une couleur rugueuse, et je pense que c'est très puissant. Et rappelez-vous, cela n'a rien à voir avec le détail de la peinture. C' est tout à voir avec l'organisation de vos valeurs et, bien sûr, Ah, un peu de connaissance sur le fonctionnement de la nature, vous savez, en termes de lumière réfléchie et de lumière du ciel qui peut vraiment aider. Passons maintenant aux cochons dans l'ombre. J' ai un peu bloqué ça chez ces cochons. Aaron Shadow à cette partie. Maintenant, je pense que ce que je veux faire ici en ce moment, j'ai un rose plus chaud, qui est dans la zone des oranges rouges plus chaudes, et puis j'ai une ombre plus fraîche qui ISAT plus cool bien, parce qu'il a chuté de cette façon vers les rouges magenta. Souviens-toi, pour moi, c'est plus cool, mais il y a beaucoup de vert autour de ces cochons de l'herbe. Donc ce que je veux essayer de faire, c'est voir si je peux avoir une certaine influence du vert rebondir dans l'ombre des cochons. Donc ce que je vais faire, c'est essayer où ils en sont. Ici, on retourne à ma belle brosse ronde. J' aime beaucoup ce pinceau rond. Je sais que je voulais être un vert plus frais parce que nous sommes dans l'ombre, donc il n'y a pas de soleil chaud pour encourager notre couleur à se réchauffer. Donc je vais aller dans un vert plus frais quelque part ici, plutôt qu'un vert plus chaud là-bas. Montez ici et essayons de le griser parce que n'oubliez pas, Gray pour moi, est toujours là où je commence parce que c'est plus proche de toutes les couleurs. Donc si je prends un risque ici et que je mets du vert dans une ombre rose, ce qui est un peu fou, non ? Allons Ah, couvons nos paris un peu et gris de la couleur, et je vais juste peindre dans ce vert très doucement et regarder ça pour moi. Cela semble OK maintenant, j'aime ou non chaque alléger, j'aime ou non chaque coup de pinceau. Je ne sais pas. Cela reste à voir. C' est là qu'il s'agit d'une couleur rugueuse, pas d'une finale de couleur. C' est la partie du processus, les gars, où vous êtes autorisé à explorer et découvrir des choses qui ne fonctionnent pas. Si vous avez l'impression que ces verts ne fonctionnent pas, alors tout ce que vous avez à dio est de retourner à votre vous savez, ombre rose plus fraîche et juste de le mettre à nouveau. Va à droite sur le vert. Ne vous inquiétez pas de l'effacement. Je ne travaille pas sur les couches est tout un seul calque cette nuit beaucoup d'outils parce qu'il mélange la couleur dans. Mais voici un petit conseil, cependant, cependant, et j'ai déjà mentionné cela avec la lumière réfléchie et d'autres choses. Lorsque vous travaillez des couleurs dans d'autres couleurs comme, disons, voulait plus de variété de couleurs à la lumière de ce cochon ici. Eh bien, je veux m'assurer que je peux choisir mon autre couleur. Allons avec une couleur violacée pour une raison quelconque, sans autre raison que c'est différent. Le truc, c'est que tu dois utiliser des bords souples, donc j'utilise mon outil de bavure, ce qui fait des bords très doux, accord. Et au fait, quand j'utilise mon outil de salissure. J' ai l'option de peinture des doigts juste ici activée quand vous terminez, ma force est réglée à 95%. Lorsque vous avez la peinture des doigts sur, il utilisera la couleur que vous avez sélectionnée dans ce cas, ma couleur rosé violacée à peindre avec. Si j'avais la peinture des doigts éteinte, elle ne peindra pas ça. Ça va juste tacher ce qu'il y a là ? Donc je veux peindre les doigts. Et maintenant, avec cet outil et avec des bords souples, je peux mettre vraiment n'importe quelle couleur ici. L' autre chose que vous devez faire, cependant, cependant, est de vous assurer que votre valeur est cohérente, comme même ce choix de couleur bleue fou. Si c'est la même valeur, cela peut fonctionner. C' est vraiment un gratuit pour tous. La couleur est probablement la partie la moins rigide de l'art. Hum, est tant que vous travaillez dans le groupe de valeurs correct, vous pouvez presque utiliser n'importe quelle couleur que vous voulez. Ensuite, à partir de là, c'est une question de voulez-vous adhérer à la nature ou non ? Dans ce cas, je le fais tous les deux quand je ne le fais pas. Je veux que la nature influence l'image parce que, vous savez, je pense que cela conduit à une esthétique naturelle dans mon travail, mais en même temps, je veux m'assurer que je suis probablement plus coloré que la nature. La nature ne colore pas les choses si brillamment. Ce ne sont pas des couleurs extrêmement vives. Je veux dire, je peux si je les échantillonne. ne Ilsnesont même pas au milieu d'une échelle de saturation. Et au fait, c'est sympa, parce que si je voulais une couleur saturée juste pour vraiment chanter hors de ça, je pourrais augmenter la saturation en dehors et toute la vente. Essayez de trouver une place pour cette orange. Vous pouvez voir comment ça commence vraiment à être gentil avec moi. C' est comme chanter. J' utilise le terme que les verbes chantent beaucoup. Ces couleurs sorte de chanter sur les couleurs grises er, même si les couleurs qui sont là ne sont pas gris. Ils sont gris. Tout comme ces arbres, comme ces airs, vous savez un peu. Sois juste sur neutre. Je dirais que l'air neutre est dans cette région. Mes couleurs sont juste au-delà de ça. Mais regarde ça. Je pourrais prendre cela, peut-être aller dans le blues à nouveau et juste essayer de vraiment ramper cette saturation et peut-être une valeur un peu trop légère. Mais certaines de ces couleurs peuvent vraiment devenir spéciales quand elles sont placées au-dessus de couleurs légèrement plus tamisées ou saturées. À ce stade, en passant, je pourrais penser à concevoir sous la lumière du soleil, frapper ces arbres. Les arbres sont la plupart du temps dans l'ombre est déjà dit, mais peut-être que quelqu'un vient et vous savez, juste frapper certaines de ces feuilles. Et j'utilise juste cette brosse qui me donne beaucoup de motifs Dottie. Vous savez, comme peut-être que certains des sommets arrivent, je vais passer à un graphisme plus concret et plus solide. Ce soleil et peut-être qu'il y a un peu de soleil à travers ces arbres ici. Et, bien sûr, les arbres étant pleins de feuilles et de feuillage. Tu vas causer toutes sortes de petites formes intéressantes. Donc juste pour parler de formes rapidement, j'ai déjà parlé de grouper des valeurs, et quand vous faites cela, vous créez des formes plus grandes comme lorsque j'ai regroupé l'ombre de ce cochon dans les arbres, j'ai essentiellement émergé que forme avec cette forme, bien que maintenant que je regarde, je pense que pour le bien de la perspective, montrant un peu de terrain en arrière il va être souhaitable, donc je vais en fait contre ma décision antérieure et ungh enracinement cette forme. Mais malgré cela, malgré cela, j'utilise toujours très peu de formes dans cette image. J' ai laissé de la place pour quatre petites formes. orteils se produisent quand je dis de petites formes, je pense comme, vous savez, petites feuilles qui sont juste en train de briser la silhouette de l'arbre petits trous de ciel comme je l'ai dit dans une section précédente. Eh bien, le ciel tient à travers l'arbre. Toutes ces petites formes accessoires qui pourraient aider la composition à se sentir un peu plus occupée. Vous ne voulez pas que la composition soit occupée partout, mais avec quelques petites formes bien placées, vous pouvez vraiment obtenir une belle vie pompée dans vos photos. Une autre zone pour les petites formes, comme si je trouvais des branches d'arbres et des troncs d'arbres à travers ces arbres et juste trouvé de petits passages de troncs d'arbres perdus et trouvés, et certains de ces arbres troncs pourraient en fait être frappés par la lumière du soleil Encore une fois, c'est une couleur. Rough est la miniature. Je n'essaie pas de concevoir de beaux troncs d'arbre en ce moment. Une partie de cela pourrait en fait arriver à la finale. Une partie de ça n'est que ma première compréhension, et c'est à toi de décider ce que tu veux. Ce que tu n'aimes pas. Comme pour toute forme d'art, peu de troncs d'arbres, il peut y avoir un puits de lumière qui le frappe. Donc, je suis passé dans les bleus plus froids, et ce sont toutes des formes plus petites. Je pourrais maintenant avoir des trucs de feuillage. Je vais chercher une sorte de pinceau bizarre et peut-être trouver des petites formes qui chevauchent le tronc de l' arbre. Tu m'entends, tu entends ma tablette ? Il y a juste des petites zones dedans. Et c'est ainsi que vous pouvez rendre vos grandes formes un peu plus peuplées. Eso Si vous avez une composition tout simplement pleine de grandes formes, elle courra le risque de paraître un peu ennuyeux car elle est si rapide à lire. Les petites formes vont ralentir un peu la lecture, ce qui est bon. Tu sais, tu veux que le spectateur soit capable, Teoh vraiment couler les dents dans certaines parties de ta photo, mais pas partout. La caractéristique de la mauvaise composition est quand il y a trop d'encombrement partout. Bien sûr, comme je l'ai mentionné dans le premier chapitre, vous pouvez le faire exprès, mais soyez très prudent. Si tu fais ça, parfois ça pourrait être sympa. Ayez une brosse douce ici pour imiter comme mal. Il a appelé Dieu a soulevé juste des rayons du soleil qui se répandaient sur l'ombre de l'arbre. On ne peint pas des lumières dans l'arbre comme si je ne le faisais pas et ne peignais pas lumière du soleil sur l'arbre. J' imite juste le sentiment que nous voyons tous dans la vraie vie où quand le soleil traîne à travers ombre, voit souvent comme après les tempêtes de pluie. Quand le soleil traîne à travers une ouverture dans les nuages, vous obtenez ces rayons de lumière. Elles sont très droites et parallèles parce que c'est ainsi que la lumière se déplace, et cela peut simplement ajouter une atmosphère agréable à votre travail. Nous allons faire face à certaines des ombres sur les cochons là-bas, trop sombre et trop juste de couleur morte. Ils doivent être plus bleutés parce que le ciel va briller là-dedans. Donc, comme tu l'as fait avec les arbres, certains de ces bleus vont entrer dans l'ombre des cochons. Et tu le sais. Cela ajoute vraiment de la vie. Je trouve quand tu auras le bon type de lumière réfléchie dans ton ombre. Ça a beaucoup de vie à tes affaires. Comme le progrès de l'ombre est plus proche du cochon, , peut-être qu'il devient un peu plus chaud car il y a moins de lumière du soleil qui frappe. Désolé, moins de lucarne la frappe et peut-être plus d'influence des cochons roses qui rebondissent autour. Ainsi, les ombres sont presque doubles colorées, allant d'une lecture plus chaude à un bleu scion plus frais. Une chose que j'ai négligée jusqu'à présent est la lumière tamponnée qui jetterait de petites formes d' ombres sur les cochons. Donc un échantillon du côté ombre des cochons et ici j'essaie juste de trouver des petites formes. Tu sais, jeter des ombres par des feuilles. L' astuce ici est de ne pas le faire. 50 50 favorisent soit la lumière, soit l'ombre. Dans ce cas, je préfère la lumière, qui signifie qu'il y aura plus de formes légères qu'il y a des ombres, des formes, et ça pourrait être délicat. La tendance humaine est de faire des formes très répétitives comme un damier. Presque. Je ne veux pas ça. Je veux essayer de le faire au hasard, donc l'une des astuces est de ne pas vous donner beaucoup de temps sur Juste laisser vos muscles se détendre un peu et juste faire des coups aléatoires du mieux que vous pouvez. De toute façon. J' en ai déjà fini avec ça. Au moins, j'ai bloqué une valeur pour eux. Maintenant. J' essaie juste d'obtenir que les orteils de porc ressemblent un peu plus à des porcs, surtout celui de gauche qui n'a aucune caractéristique du tout. Donc je mets quelques jambes, vous savez, les quatre jambes là-bas maintenant. Eh bien, il en a trois. J' en mettrai un autre dans un instant. On y va. Trouve où vont les yeux, aussi momentanément et, tu sais, fais que ces gars ressemblent à des personnages. Après tout, c'est un travail que vous soumettrez à un éditeur, et en tant que tel, ils ont besoin, vous savez, vous devriez généralement avoir une idée de ce que les personnages posent. Même si vous dessinez sera affiné dans la finale. Tu sais, tu veux avoir une idée de ce que fait le personnage et juste faire des yeux simples, du nez, nez, la bouche, genre de chose peut vraiment aider. Bien que ces cochons n'aient pas vraiment la bouche, au moins, mais leur bouche, ils sont cachés par la neige, donc je n'ai pas encore dessiné la bouche. Vous savez, prenez les oreilles de disquette comme ce gars ici a juste un presque juste flotter vers la droite. Tous ces trucs peuvent être entièrement peints plus tard, mais il est beau orteil ont des indications de celui-ci dans le croquis couleur et souvent, pour être honnête, parfois parce qu'un croquis de couleur encourage un travail plus rapide, je trouve parfois que les formes que je viens avec dans une esquisse de couleur que je veux réellement recréer dans la finale parce que leurs formes qui ne sont pas surchargées vous savez, cela peut parfois arriver lorsque vous travaillez sur une grande toile et que vous êtes coincé dans, genre, zoomer et surtravailler les choses. Vous savez, j'aime les petites j'aime les petitesexpressions faciales qui se produisent maintenant sur certains de ces cochons, surtout le cochon moyen. expressions faciales qui se produisent maintenant sur certains de ces cochons, J' aime la façon dont son visage est complètement écrasé contre le sol. C' est quelque chose que je n'ai pas dessiné au début. Je veux dire, vous m'avez vu dessiner des cercles au début et, vous savez, il s'est épanoui au fil du temps, presque accidentellement, dans une pose de fonds. Mais puis il y a des adversaires où je changerais probablement vous savez le cochon sur la gauche. Il est en quelque sorte. Il a presque l'air mort, juste un peu égaré uniformément. Je changerais probablement ça. Mais ce cochon du milieu, j'aime bien cette pose. Quoi qu'il en soit, Si cela était pris en finale, Je voudrais évaluer quels succès j'ai eu dans la couleur rugueuse en termes de conception. Et puis je m'approprierais ça en finale. Et encore une fois, le point de ces croquis est la couleur et la valeur. Vous savez, votre composition, votre schéma de valeurs et votre schéma de couleurs que je fais maintenant, c'est que j'ai juste un peu de ce ciel bleu dans les ombres des porcs. Juste pour être cohérent. Toute zone qui fait face au ciel, comme le sommet de ces cochons, les corps, ils vont avoir de l'influence du ciel bleu. Donc, certaines ombres sur les cochons pourraient sembler plus bleuâtres. Et voici ce que je fais, c'est que j'essaie d'obtenir une couleur plus fraîche pour l'ombre coulée des arbres sur le sol de simplement gribouiller dans une forme. Et je veux favoriser le côté gauche de la composition. Ce que j'essaie de faire, c'est d'amener toute la composition d'un passage sombre sur la gauche à des passages plus légers, plus vous arrivez à droite, donc vous savez, l'air des arbres poussé vers la gauche. Et je pense qu'avoir l'ombre aussi poussée vers la gauche donnera à cette composition un peu de mouvement, vous savez, mouvement de gauche à droite, sombre à la lumière. C' est ce que je fais. Donc beaucoup plus d'action d'ombre se déroulant dans la gauche, puis s'effilant lorsque nous gagnons de la lumière lorsque nous nous dirigeons vers la droite. Et c'est encore quelque chose qui est une organisation de valeur. Et puis les couleurs se branchent simplement dans les valeurs. Comme vous pouvez le voir, cependant, je ne choisis pas la couleur exacte que je veux d'abord, comme ces ombres sur la peinture sur les cochons en ce moment. Un bon exemple, et aussi comment j'aborde toute cette clé de couverture. Je bloque mes valeurs. La première valeur est toujours la chose la plus importante, donc même eso. Si vous êtes inquiet pour la couleur, demandez-vous ou donnez-vous la permission de ne pas penser encore à la couleur. Demandez-vous quelle est la valeur d'une lumière plus foncée et quelle est l'obscurité ou la lumière que vous connaissez, est-ce qu'elle est liée à d'autres sombres ou à d'autres lumières, par exemple, puis bloquez cela avec n'importe quelle couleur. Il suffit de choisir la valeur n'importe quelle couleur, de bloquer la valeur et de regarder et de voir si elle est adaptée à vos besoins. Et puis si la valeur correspond à vos besoins. Trouver la bonne couleur est beaucoup moins stressant. Essayez donc de le diviser en deux segments si vous le pouvez. Et ici, avec un pinceau superposé en superposition, je vais juste mettre l'accent sur quelques couleurs et peut-être un peu plus de Dieu soulevant ici, et nous sommes assez bien maintenant, probablement juste quelques indications petite offense dans le arrière-plan. Allons chercher, euh, la grange elle-même. Je pense que si le soleil vient de la gauche, le toit de la grange sera plus lumineux. Cela obtient la lumière du soleil et ensuite aussi le mur de la grange. Ça va être comme une grange rouge. Je me demande si on pourrait juste indiquer juste avec quelques écumes, Billy coups. Juste une partie de la grange rouge dans l'ombre. Je ne veux pas enlever le bleuissement, donc juste très doucement avec un rouge foncé. Mais c'est peut-être un rouge plus frais, en fait, je défais ça, en fait, et retourne à un rouge plus frais ici, juste bloquer une indication de l' ombre rouge fraîche de la grange. Et on y va, et on peut peut-être avoir quelques indications de juste hasard. S' il y a une porte ici dans la grange, affaiblir, bloquer ça dans un petit truc classique à double porte. Peut-être qu'il y a, ah, eh bien, motifs de bois ici sur la grange. Ce truc n'est vraiment pas le point de l'esquisse, bien qu'il puisse être totalement résolu en finale. C' est juste une indication de quelque chose qui traîne là-bas. C' est bon pour les clients, vous savez, surtout avec le grand rêve de Norbert. L' un des défis de ce livre était la géographie de la ferme. Donc, si vous saviez où se trouvait la grange, vous savez, par ses éléments environnants, je voulais que le spectateur puisse toujours reconnaître où était Norbert dans le livre. Parfois, il est loin de la grange, et parfois il est proche, et je m'assurerais de reproduire la géographie correcte de l'endroit. Donc, vous savez, avoir un peu d'un bloc dans d'autres éléments des parties précédentes du livre est une bonne idée. Comme peut-être plus tôt dans le livre. Ces porcs seraient près de la grange et le lecteur aurait un beau gros plan de la grange . Et maintenant, nous sommes un peu plus loin, comme un film que la continuité dans un film. C' est tout ce que les lecteurs ramassent, ou les parents qui lisent les livres à leurs enfants. Tu sais, quand je lis les livres de ma fille, je commente toujours les choses en arrière-plan et, tu sais, tu sais, peut-être qu'il y a quelque chose à la page 5 que nous avons vu aussi à la page 2, quand je serai sûr de pointez ce genre de chose. Tout est au nom de l'histoire me disant ce que 19. Chapitre 3 - Rouges de couleurs ii: Très bien, donc voici une page que nous avons examinée brièvement dans le premier chapitre, et en fait, et en fait, ces dessins n'ont jamais été approuvés pour le projet de dos pour lequel ils ont été dessinés. Nous avons fini par faire des révisions et nous sommes réglés sur différentes pages. Mais j'aime toujours ces dessins, surtout celui de droite. Je pense que ça pourrait faire une belle petite scène, alors pourquoi ne pas faire des toits de couleur pour celui-là ? Cette fois, cependant, faisons des enveloppements de couleur au lieu d'un seul. Bien sûr, la raison pour laquelle vous faites plusieurs bureaux de couleur pour présenter des options à un client ou juste pour votre propre édification en tant qu'illustrateur, en vous assurant que vous avez couvert toutes les bases avant de passer à une finale. Ok, donc voici la page. Isolé. Maintenant, il y a quelques décisions que je n'aime pas vraiment, et je vais vous dire pourquoi. Quand je les change, vous voyez ces trois marqueurs funéraires à l'avant. J' aime ce qu'ils apportent à l'atmosphère. Il fournit beaucoup de contexte. Vous savez, ces personnages sont dans un cimetière, grâce à ces trois marqueurs funéraires, surtout, et les avoir un peu plus détaillés me permet de les indiquer en arrière-plan. Cependant, celui-ci ici, je vais juste effacer pour l'instant parce que c'est, euh, euh, il est en conflit avec les personnages pieds sur le sol. Nous en avons beaucoup parlé dans la section précédente du chapitre 3. Je veux vraiment montrer la relation du personnage sur le sol les pieds du personnage, parce que cela montre vraiment qu'il fait allusion à une grille de perspective. Il fait allusion à la profondeur. Il y a beaucoup d'informations qui sont cachées, cachées si je ne montre pas les pieds des personnages. Donc je veux montrer les pieds pour cette raison. Alors on y va. Juste qu'un changement aide vraiment maintenant aussi, voyons, testons quelque chose. Débarrassez-vous de cette pierre tombale aussi. Je vais devoir les remettre parce qu'en avoir un qui n'est pas assez bon à nouveau . Comme Bob, Ross dit, chaque arbre a besoin d'un ami, tandis que dans ce cas, chaque marqueur tombe a besoin d'un ami. La théorie derrière cela est, si vous ne montrez qu'un de quelque chose, il peut être confondu comme juste au hasard là-bas. Mais si vous montrez plus d'un de quelque chose, ils semblent plus ciblés et contribueront Lee plus concret à la scène. Donc je vais remettre plus de marqueurs funéraires. Mais la raison pour laquelle je l'ai pris, c'est maintenant que nous avons la capacité de jouer avec exactement où cette colline que je dessine à l'arrière ici, où cette colline il rencontre le sol en utilisant horizontal est parce que ceux-ci sont très loin de la caméra ou assez loin pour qu'ils soient horizontaux. Je pense que ça va être un peu d'eau là où je suis juste en train de ruiner. Il y aura peut-être une clôture ici. Je ne suis pas sûr qu'on verra ce qui se passe là-bas. Mais le personnage Pip ici rappelez-vous, ce sont de grandes attentes. Voici Pip et c'est le mag, qui pour ceux d'entre vous qui connaissent l'histoire de Dickens, Pip aura une ombre juste là, un peu d'ombre qui le liera à sa position dans le sol. Et la raison pour laquelle j'aime ça, c'est que nous avons maintenant cette relation triangulaire entre les pieds des pieds de magicien. Et l'ombre de Pip nous donne vraiment beaucoup d'informations de profondeur maintenant pour les marqueurs funéraires de premier plan . Parce que je vends la profondeur dans cette zone, je n'ai pas nécessairement besoin de le faire avec la pierre tombale. Alors, qu'est-ce que je peux faire ? Où puis-je mettre ça ? Peut-être que ça pourrait être un tour quatre. Pas sûr, peut-être. Voyons voir, peut-être que ça va ici. En fait, au lieu de cette clôture que je bloquais au hasard avant au lieu de ça, peut-être que maintenant c'est peut-être là que j'ai mis une petite pierre tombale de premier plan comme ça. Alors peut-être par ici, en mets-en un petit. J' ai vu beaucoup de cimetières qui ont de petites petites pierres funéraires et cela pourrait être envahi par de l'herbe. En fait, tout ça peut, et c'est plutôt bon. Je pense que ça peut marcher. Peut-être qu'ici il y a juste un petit buisson qui obscurcit juste une partie du béton du marqueur funéraire et ces collines en arrière-plan. Ça pourrait être des oiseaux. Et, bien sûr, on va économiser de la place pour les textos. Il va y avoir un texte ici, donc je vais m'assurer que le ciel est très vide pour soutenir ça. Ok, alors allons-y et mettons-nous un peu de couleur sur ce truc. Je vais Teoh double-cliquer sur cela, ce qui en fait un calque régulier au lieu d'un calque d'arrière-plan. Je vais définir ceci pour multiplier, puis contrôler en cliquant sur le bouton nouveau calque amène un calque en dessous de celui-ci, et je vais peindre la couleur sur cela. Je les aplatirai plus tard. Mais je te dirai quand je le ferai pour l'instant, je veux juste que ce dessin sur sa propre couche me donne la possibilité de le faire et de peindre, tu sais, juste peindre, tu sais, en dessous. Et je vais juste comprendre sur la palette globale. Donc, dans l'exemple précédent avec les cochons Norbert, j'ai tonifié la toile avec, comme, une sorte de barre oblique chaude neutre. Cool. Cette fois, je ferai la même chose. Mais avec celui-ci, je vais essayer de faire allusion à l'atmosphère. Je veux connaître la couleur de l'atmosphère. Je vais prétendre que c'est une journée très ennuyeuse et classique de Londres. Tu sais, le livre de Dickens, Great Attentes, décrit beaucoup de jours de gris. Et allons-y avec le stéréotype classique de Londres et Co. Avec un palais morne. Ne vous offensez pas à Londres. En fait, j'aime Londres, mais ils ont beaucoup de bons jours, alors allons-y. Et je pense que ce que je veux faire est d'utiliser le schéma de valeurs que nous avions dans ce tableau, qui se souvient, qui se souvient, comme je l'ai mentionné précédemment, ce schéma de valeurs est très utile quand il n'y a pas de lumière directe du soleil dans la scène. Tu sais, dans la peinture des porcs, on a entendu qu'il y avait de la lumière du soleil, donc, comme si les porcs étaient plus légers que les arbres derrière eux. Évidemment, si quelque chose est touché par la lumière du soleil, ça va le rendre assez léger. Mais dans ce cas, il n'y a pas de soleil. Je vais rendre les choses de plus en plus sombres, plus ils se rapprochent de la caméra. J' ai donc attrapé la même brosse huileuse que j'ai utilisée avant, et je bloque ce fond. Je voulais être léger, bien sûr. En fait, peut-être que je vais passer à une couleur plus foncée et je vais commencer à bloquer au premier plan. Au moins, c'est en fait plus de milieu, où Mag, qui et Pip sont des langues. La chemise est une combinaison de prison. Dans le livre, il vient de sortir de prison, et peut-être que ce sera comme des rayures oranges comme orange et blanc. Um verrait une orange rayée là, là et là. Mais c'est une chemise blanche qui est plus sombre, donc j'utilise comme une couleur assez géniale. La plupart de l'éclairage dans cette scène va être une lumière plus fraîche que c'est la nature de la lumière nuageuse. Il les nuages droit et les nuages sont généralement au moins dans la nature là, vous savez, dans les bleus et les couleurs plus froides comme ça, et quelque part dans le et le neutre se refroidit. Donc, chaque fois que je bloque, cette lumière fera en sorte que j'ai une bonne part de blues et de violets qui sont juste une sorte de jouer l'un l'autre peut se déplacer dans quelques scions. y a, bien sûr, pas de règles avec la couleur, mais comme je veux le faire, j'essaierai de varier cette couleur et de les faire vibrer les uns des autres de toute façon. La même chose avec sa chemise sera faite de divers bleus et autres choses. Son ton de chair sera plus dans la gamme PCI, mais encore une fois, garder sombre parce qu'il a besoin d'être plus sombre parce qu'il est plus proche de la caméra. Il va mettre un jean, donc j'irai avec un bleu plus riche. Et bloquons ça et voyons à quoi ça ressemble maintenant. Je ne peux pas vraiment dire à quoi ça ressemble parce que les lignes dominent vraiment. C' est OK pour l'instant. J' ai besoin des lignes pour m'aider à bloquer les formes parce que c'est pour cela que le dessin au trait est bon. Mais je le cacherai éventuellement. Ce n'est pas encore tout à fait. J' aime prendre ma meilleure idée pour bloquer certaines couleurs, des choses et des valeurs, puis je vais cacher le dessin au trait et laisser toute la pièce me frapper tout à la fois. Et puis je peux m'ajuster ici. Je pense juste que ses joues et son nez seraient un peu plus rouges. Euh, faisons l'ouverture de sa bouche ici. Ce serait, bien sûr, plus sombre. Au fait, Au fait, réduisons la taille de la toile. C' est beaucoup trop grand. Allons-y encore 50. Donc, c'est à un autre pinceau juste pour le plaisir. Pip va avoir un visage un peu plus rose. Je pense qu'il a une écharpe bleue, qui est un peu plus sombre, qui va bien contraste avec le fond et aussi avec le ton de chair plus clair. Et son chapeau est comme cette sorte de chapeaux de couleur terreuse en tweed va bloquer ça dans les blancs de ses yeux. Je devine juste ici, les gens je ne pense pas que ces air les bonnes couleurs. C' est pour ça que je vais si vite. C' est la beauté d'une couleur. C' est rugueux. Dans la dernière vidéo, je l'ai mentionné. Il enlève la peur de la peinture et de la couleur. Je ne m'attends même pas à obtenir les bonnes couleurs. ce moment. Je veux dire, certains d'entre eux auront raison, ou du moins il n'y a pas de droit. Mais certains d'entre eux auront l'air OK et certains d'entre eux ne le feront pas. Et puis je m'ajusterai à partir de là. Ok, donc ils sont sur un terrain herbeux, mais il doit être un peu plus sombre parce qu'il est au milieu du sol. Alors voyons. Allons avec une herbe peut-être légèrement réchauffer parce que je vais avec une couleur Warmish afin que je puisse ajouter des couleurs plus fraîches plus tard et refroidir à cause de la lumière fraîche. J' ai mentionné que la lumière du ciel est très bleuâtre, ce qui va refroidir, hum, herbe plus chaude quand elle la frappe. Donc je commence plus chaud, ce qui me permettra d'aller plus frais dessus plus tard. Les pierres tombales. Mettons-les dedans. Je vais choisir cette texture bizarre, un pinceau et bloquons ça. Je ne connais pas de voiture comme ça. Je ne suis pas sûr que ce pinceau soit beaucoup de variété. Comme ça change de couleur et de valeur. Donc, peu importe quelle couleur et choisir. Ça va changer tellement. Bloquons ces pierres tombales avec des sombres, et je sais déjà que ça va être une façon de contraster. Il a comparé à l'herbe. Donc, avec cette même couleur dans ce pinceau de style râteau, je vais obtenir la lecture de premier plan encore plus sombre. Tu sais, mesure qu'on se rapproche de la caméra, ces zones vont devenir de plus en plus foncées juste pour s'amuser. Tous renversent une partie de cette brosse dans le mag, qui ici ces chaînes d'air qui sortent de son bras. Au fait, dans le livre, il s'échappe encore de prison, et nous avons pensé que c'était drôle pour lui d'avoir encore la chaîne attachée à ses bras. Mettons quelques maillons de chaîne là-bas, et il a une chaîne, euh, enchaînée euh, autour de ses poignets. Ok, toujours pas prêt à cacher les lignes parce que je veux bloquer dans ce fond. Pas de réflexion. Maintenant, ça va être plus léger et plus frais parce qu'il est plus loin de la caméra et cela suit mon schéma de valeur et mon mélange plus frais. Certains se réchauffent là aussi, mais la couleur plus fraîche de l'herbe dans l'herbe de premier plan, parce que je pense juste que la perspective de l'atmosphère le rendra légèrement plus frais à mesure qu'il remonte. Cette sorte de donnée quand vous êtes dehors dans la nature, l'atmosphère, perspective rendra toujours les choses plus fraîches. Et c'est que malgré l'heure de la journée, malgré l'emplacement ou quelque chose comme ça, malgré l'éclairage, parce que notre ciel est généralement cool, il rend les couleurs plus fraîches à mesure que nous revenons en profondeur. Juste à cause de son influence est la façon dont la perspective atmosphérique fonctionne. Ok, donc obtenir ça maintenant, si cette herbe a l'air un peu trop froide, je peux toujours la réchauffer en descendant vers l'orange est un peu et juste une écume dans quelques réchauffements. Et nous allons dans certaines de ces collines de fond. De quelle couleur seraient-ils ? Probablement grisâtre, un mélange de gris chaud et frais. Peut-être que c'est peut-être gonfler un peu le blues. Ce sont juste de petites collines de fond comme plus de cimetière. Mais il y a C'est si lointain qu'on ne le voit même pas vraiment. Mais peut-être qu'il y aurait quelques verts dans leur transition, l'herbe moyenne du sol dans les collines de fond. Ok, faisons un saut de foi et cachons la couche de ligne. D' accord ? D' accord. Ce n'est pas un début terrible. Vous pourriez voir un peu de transparence. Pourtant, comme si je n'avais pas poussé à 100% le cœur de ma brosse. Alors, qu'est-ce que j'aimerais faire avec mes couches ? Voici la couche de peinture. Droit. Donc, ce que j'aimerais faire est de dupliquer ma couche de peinture et vous pouvez voir qu'elle devient plus opaque. Tous ces trucs transparents en damier ont disparu. Ensuite, je vais juste contrôler E et le fusionner. Alors ce que je pourrais faire est d'aller à des ajustements d'image, des courbes. Et puis je pourrais juste jouer un peu avec le classement des couleurs juste au fond de la scène un peu . Préservez les lumières, cependant. Le haut de la courbe est des lumières, et le bas de la courbe est sombre. Sur eux au milieu sont les tons moyens. Quelque chose comme ça, je pense, est un peu ce que je cherche. Ok, maintenant, à ce stade, je veux seulement travailler sur le tableau. Je n'ai plus vraiment besoin des lignes, mais je vais prendre une copie du dessin au trait et juste le mettre hors écran sur mon autre moniteur pour que je puisse le regarder comme référence au fur et à mesure que je vais. Mais maintenant, nous allons faire est que je vais juste cacher la couche de ligne et continuer à peindre sur la couche un si efficacement que je peins sur un seul calque maintenant et maintenant. Je pourrais prendre des décisions en fonction de la couleur et de la peinture sur la toile, pas des lignes. Rappelez-vous qu'après un certain point, les lignes vont se battre avec votre technique de peinture et parce que je suis, vous savez, très peintre dans le style. Je veux que ces lignes disparaissent aussi vite que possible. Je pense que ce que je vais faire, c'est enlever la colline derrière lui et obtenir une meilleure silhouette de caractère . Je vais peut-être passer à un aérographe ici. Il suffit d'obtenir un beau ciel doux derrière le personnage et le texte. Rappelez-vous, il y aura du texte ici en haut, donc laissez vraiment cette zone claire et vierge, donc ces collines seront toujours là. Mais ils seront plus bas pour ne pas interférer avec le texte et, vous savez, ne pas interférer autant avec le personnage. Très bien , , ça va être un petit courant. Je pense que oui. Ce que je vais faire, c'est goûter au ciel, peut-être au fond de la couleur du toucher, et ce sera plus léger que ça. Ça va refléter le ciel clair. Donc ça va être un petit ruisseau qui traverse à nouveau le cimetière, en utilisant des traits très horizontaux pour lui donner plus de distance. Et voici cette zone critique étaient les pieds Rencontrez le mag au sol, qui a ces minuscules petits pieds de bande dessinée que nous pensions être des petits éléments de design amusants où il a un si grand haut du corps. Puis ces petits pieds comme s'il manquait une journée à la salle de gym ou quelque chose comme ça. Hum, mettons ça ici. Et puis j'ai dit qu'il y aurait une ombre pour Pip. Cette ombre va être là maintenant. Ok, voyons si on peut comprendre un peu plus de l'éclairage de cette première. Permettez-moi de continuer rapidement à faire des écueils dans le ruisseau Little en passant par la scène ici, donc nous avons un bon bloc, mais il n'y a pas encore de sens de la lumière de riel. Je veux dire, c'est un peu là, mais ce que je veux commencer à faire maintenant c'est lier les objets des personnages de la scène à une source de lumière commune. Cette source de lumière va être le ciel frais. Alors, qu'est-ce que je vais faire ? Je vais juste prendre un petit pinceau rond ici, la brosse à bords humides que j'aime tellement choisir. Je vais commencer par sa tête, disons et je veux la refroidir pour que je puisse aller Grey er, et peut-être parce que le Grey est si proche de toutes les autres couleurs, peut-être que je vais passer au blues et je verrai si je peux obtenir une sorte de bleuâtre sur sa tête sur son nez sur sifflement mains joues. Maintenant, à ce stade, je veux aller plus chaud pour les ombres de son nez. Est-ce que leur jeté une ombre, toute sa tête va dans l'ombre ici, utilisant ce rouge plus chaud pour ne pas être. Je m'en fous qu'il soit rouge. C' est juste une couleur plus chaude. J' aurais pu aller ici. C' est aussi une couleur plus chaude que ces bleus. J' aurais pu utiliser ça si je voulais Teoh. En fait, s'il a une barbe, parfois les barbes deviennent un peu plus fraîches donc je peux obtenir presque comme un truc d'ombre à cinq oclock avec son vert plus frais Une touche d'un bleu plus frais mais pas aussi froid que ce bleu. C' est ce bleu est la source de lumière. Assurez-vous donc que ce bleu reste le bleu le plus clair de la scène. Aussi, sa chemise ici va être allumée par la même source de lumière partie supérieure de son épaule. Pour être très explosé. Sa tête jetait une ombre sur le corps ici. Donc ce que je vais faire, c'est prendre ma brosse ronde multiplier. Goto une couleur plus chaude n'importe où ici est probablement plus chaud que le bleu est juste. Et c'est une brosse multiplier. Je peux choisir une couleur claire et ensuite faire en sorte que le pinceau le multiplie, assombrit pour l'ombre. C' est sa tête qui jette une ombre sur son corps. Son bras serait dans l'ombre. Tout son ventre serait dans l'ombre quand il tourne sous On dirait que j'ai déjà une valeur sombre pour son pantalon. Donc c'est déjà un peu dans l'ombre. Sa main serait dans l'ombre ici. Son bras, tu sais, toutes les formes qui se tournent sous seront dans l'ombre. Même Pip va avoir des ombres, et c'est bizarre qu'il ait juste des blancs blancs pour les yeux. Alors mettons un soupçon de globes oculaires là. C' est ça. Le bord de son chapeau. Rappelez-vous que les toits de couleur n'ont pas besoin d'être dessinés de manière finie. Je peux juste indiquer, comme si ses oreilles, ils vont indiquer que, Um, si Pip reçoit un peu de la même lumière bleuâtre sur lui, je vais aller à un bloc violet er er violet er er goto plus violet bleu ceci dans. J' utilise la même couleur pour le bord du chapeau. Peut-être. Et pendant que je suis sur ces violets, voyons si certains de ces violets peuvent, genre, harmoniser la lumière sur le mag. Quel personnage et je pense qu'ils le font. Il y a un joli que tu sais, c'est tant qu'il est dans la portée d'une lumière plus froide. Ce violet est plus frais, tout comme ce bleu était. Je pourrais les mélanger, mélanger le violet avec le bleu. Bien sûr, j'essaie d'utiliser des bords souples comme j'ai parlé dans la démo de cochon de la dernière vidéo, et j'essaie. Teoh, fais en sorte que mes valeurs soient correctes. Tu sais, si je le suis, si je le suis. Si j'avais un violet ici qui était trop sombre, ça ne ressemble plus à la lumière. Donc ce n'est pas bon. Votre valeur doit être correcte, et ensuite votre couleur peut, vous savez, juste se mêler. Donc peut-être qu'une partie de cette violette serait belle sur le bras ici. Mais une chose que j'ai aimé dans le dessin était qu'il y avait une ligne très droite à une ligne très droite ici. C' était une belle sorte d'élément de design. L' orange de sa combinaison doit aussi entrer dans l'ombre, cette partie de sa combinaison étant probablement des ombres à une autre en bas, une pour le bras. Ne soyez pas trop précis à ce sujet. On nettoie une partie de la brosse , , qui se passe dans son ventre ici. Allons en prendre quelques-uns. Blosil est passé à mon outil anti-taches. Certains de ces bleus en haut, frappant les sommets des marqueurs funéraires. Cela leur donnera des dimensions. Je frappe les plans supérieurs des pierres tombales. Mon retour dans mon dessin. C' est comme une boîte, non ? Ils ont des plans supérieurs à l'intérieur des avions, et voici un autre plan supérieur. Il y a un avion haut. Je veux m'assurer que je frappe ces avions avec la lumière bleue du ciel parce que vous savez pourquoi ces avions, eh bien, eh bien, sont eux qui font face au ciel, vous savez, tout comme j'ai frappé le sommet de mag, qui est la tête là-bas. Je frappe les sommets des marqueurs funéraires et je les relie instantanément avec le ciel tout comme j'ai lié Mag qui avec le ciel et pip avec le ciel je relie tous ces objets chose avec l'herbe. Ici, je vais sélectionner le vert ici. C' est le vert de l'herbe. C' était cool. Arrêtons ça en allant de cette façon et en augmentant un peu la valeur parce que ça va être léger du ciel. Cela ressemble beaucoup à la façon dont j'ai mis cette lumière bleue réfléchie dans les arbres dans l' exemple précédent avec les porcs. C' est la même chose. C' est de la lumière venant du ciel. Quand vous n'avez pas de lumière du soleil, toute votre lumière vient du ciel. Donc, dans la démo de lumière du soleil précédente, je ne pouvais mettre la lumière du ciel dans les zones d'ombre parce que c'est ainsi que la nature fonctionne. Si vous avez peut-être les choses que le soleil frappe ne reçoivent pas également la lucarne. Au moins, tu ne peux pas vraiment le voir. Mais ici, il n'y a pas de soleil à affronter, donc la lumière du ciel influence essentiellement tout. Je vais le garder un peu plus sombre, , donc j'ai encore plus de lumière du ciel. Mais je veux que ces collines soient encore plus froides, alors refroidissez-les encore plus maintenant. Ils devraient avoir des trucs sur eux comme des poteaux de clôture. Voyons si je deviens grisâtre. Je n'ai aucune idée si c'est correct, mais un peu de, ah, ah, clôture ici en marchant à l'intérieur. Peut-être quelques marqueurs graves sur cette partie à nouveau parce que je les ai appelés les pierres tombales de héros ici, les appeler héros parce qu'ils font la plupart du travail dessin sage et environnement sage, je peux alors avoir la liberté de suggérer par ici. C' est ainsi qu'il le ferait dans une dernière illustration que je voudrais simplement les suggérer. Bien sûr, la clôture jetterait des ombres qui, à une couleur plus chaude, juste, euh, indiquent juste, euh,un peu d'ombre est jeté par la clôture. même chose avec les petits marqueurs de tombe là-bas. Et je saute beaucoup, non ? Je ne suis pas comme un rendu sur un objet, puis rendre l'objet suivant. Comme maintenant, je vais sauter sur le visage de Mag Witch et juste obtenir où sont ses yeux. Il a ce front très saillant qui se rampe dans ses yeux, et je veux m'assurer qu'il a des dents cassées que je peux indiquer. Ce sont toutes des petites choses que vous savez, juste rendre votre couleur rugueuse, prendre vie un peu. Ce serait sa langue. Ici, je le fais. J' essaie d'obtenir un peu de ça, même dans mes voleurs de couleur. Mais tu n'as pas à le faire . artistes artistes varient en fonction de ce qu'ils veulent capturer sur leurs toits. J' aime capturer un peu de vie, bien que dans les rochers, surtout quand il s'agit des personnages. Ok, on dirait qu'il est allumé par le ciel, et maintenant ce que je vais faire, c'est que je vais commencer avec des adoucissements, chercher mon outil de taches. Vous adoucir les pierres tombales dans l'herbe, peut-être O mag, qui a besoin d'un peu de ah, ombre sous eux qui peut le lier avec les pierres tombales, dessinant littéralement le triangle qui relie sa position sur le le sol avec Pips position sur le sol. Il y a un buisson ici. Je viens de commencer des formes. Il fait sombre dans une partie de cette eau. C' est que l'eau était si légère et qu'elle refléterait une partie de l'herbe qu'il y avait de l' obscurité dans ce bas. En fait, pour montrer l'intersection de la colline avec la rivière, Ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons obtenir un peu d'épaisseur, un peu d'ombre, juste là où la colline croise l'eau et je fais juste varier cette ligne. Je ne dessine pas une ligne droite comme ça. Je dessine des lignes droites, mais je fais varier leurs positions juste pour montrer la nature organique de ce paysage, mais certainement en utilisant des lignes horizontales, parce que cette zone doit apparaître loin de nous en profondeur. Et comme nous le savons, ce sont des lignes horizontales qui aideront à le faire. J' ai fait une sélection rapide, qui, sur un nouveau calque, je vais juste remplir de sombre pour indiquer qu'il y a du texte là-bas. Vous savez que le texte fait partie de la composition. C' est une chose qui est si facile à oublier avec les livres pour enfants que le texte ne peut pas simplement être giflé sur quoi que ce soit. Vous devez laisser de la place pour cela sans le texte. Ce ciel a l'air très ennuyeux, mais avec le texte tout d'un coup, vous savez qu'il se sent dans cette zone. Mais en fait, il y a beaucoup plus de place que ça pour la technologie, alors amenez ces blocs un peu plus grands. Je vais verrouiller cette couche pour ne pas peindre accidentellement dessus. Et puis je continuerai à partir d'ici. Eso ce qui doit être fait ? Je pense que c'est juste que le paysage est un peu ennuyeux, comme s'il n'y avait pas beaucoup de fonctionnalités. J' aime les marqueurs funéraires comme la clôture, mais tu sais quoi ? Si on a attrapé un pinceau, peut-être que cette chose est bizarre texture un pinceau. Et s'il y avait des arbres qui étaient ici comme des plantes à feuilles persistantes et autres choses ? Je me souviens avoir visité divers cimetières, et il y a toujours et il y a toujoursde beaux paysages. C' est un endroit respectueux et comme il y a beaucoup de jardinage en train de faire et d'autres choses. Donc s'il y a des arbres qui sont là, peut-être que celui-ci ne devrait pas être là. Exit croise trop avec pip, mais certains arbres et puis, bien sûr, serait que vous savez qu'il était Porter ces arbres comme une caractéristique de conception sur ce côté. Peut-être qu'il y a, tu sais, un autre genre de branches d'arbres ici. Juste une sorte de végétation dans cette zone. C' est un peu de Ah ah, sorte sombre de bas, vu émotionnellement. Alors peut-être que là, tu sais, je pourrais m'en sortir avec des branches d'arbres qui ne sont que des ours. Ce genre de chose ajoute au sentiment de piégeage que Pip ressent à cette partie de l' histoire. Donc, vous savez, après tout, c'est là que Mag, qui vient d'être libéré de prison ou de s'échapper de prison, c'est là qu'il va se cacher. Donc, il est logique que l' Teoh mettel'accent sur ce genre d'humeur. Nous pouvons jouer avec seulement quelques arbres morts ou des arbres qui ont perdu leurs feuilles. Comme ça. Bien sûr, les arbres à feuilles persistantes étant à feuilles persistantes auraient leurs verts intacts. Et là, j'essaie juste d'avoir un peu de cette lucarne sur eux. Cette lucarne bleue est juste raclée en étant très, très lâche avec elle. Et je pense que Mag, qui ne se distingue pas assez, alors va aller plus clair avec ce fond et plus sombre avec lui. Donc c'est à une brosse multiplier. La même couleur est sombre et elle est dedans. On y va. C' est ce que je veux voir. Je me sentais juste comme un soupir de soulagement. Passez à travers mes globes oculaires comme je l'ai fait de même avec la fosse. Allons le rendre plus sombre. Souviens-toi, ces gars doivent lire. Voici un bon moyen. Zoom arrière. Est-ce qu'il lit ? Oui, je pense que c'est le cas. Une autre façon est de retourner la toile. Retourner la toile aidera toujours. Tu sais, je ne sais pas si tu ressens ça comme je viens de le faire, mais j'ai l'impressionque mais j'ai l'impression je ne sais pas si tu ressens ça comme je viens de le faire, mais j'ai l'impressionque c'est une toute nouvelle image. Je n'ai jamais vu cette photo avant. C' est une sorte d'illusion que vous obtenez quand vous retournez une toile. Votre cerveau se fait tromper en pensant qu'il n'a jamais vu cette image avant, et tout à coup, vous savez, vous savez tant que tel, vous voyez des choses que vous n'auriez jamais eu la scène avant. Je suppose que les mains de Pips sont ici. Prends ça et je n'avais même pas bloqué ça avant. Réparez certains des contours. Voilà son oreille. Il y a le dos de son chapeau. Juste être un peu plus honnête avec le dessin dans les parties sous le chapeau est le bord, qui va être très sombre. Peut-être que c'est sa bouche. On y va. Le haut de l'écharpe va obtenir de la lumière du ciel, des joues roses sur le personnage ici. Rosie connaît les oreilles de Rosie et peut-être juste ajuster là où la silhouette de son bras est juste pour la lisibilité, que c'était un peu une tangente où il a rencontré la tête. Donc je pense que la tête devrait se chevaucher un peu plus le bras, juste pour la clarté de la forme. C' est mieux. La tête a l'air un peu trop bleue, surtout. C' est comme si c'était devenu la même couleur que la chemise. Alors, changeons ça. Um, juste rajouter un peu plus de ce ton de chair dans cette balle d'écume pour que sa tête lise plus charnue. Quelque chose qui m'arrive souvent, c'est que je mets, vous savez, lumière bleue du ciel, par exemple. Je vais en faire trop, et tout d'un coup sa tête ressemble à une peau bleue. Je ne veux pas ça. Je veux que ça ressemble à , peau de couleur charnue,mais éclairée par une lumière bleue. Donc vous êtes je lutte toujours d'avant en arrière avec la couleur locale contre la couleur de la lumière et ramener la couleur locale dedans. Vous savez, vous allez passer par de nombreuses itérations de ce genre de choses. Même sa barbe est un peu trop bleue pour moi. Rétrébuchons dans une couleur de chair. Tu sais, je choisis comme cette couleur orange orangée pour ça. Il aurait, ah, ah, une sorte de rigoler dramatique là, et peut-être que le haut de sa barbe va attraper un peu un point culminant du ciel. Un peu de point culminant sur sa tête, peut-être que le point culminant sur le nez est quelques faits saillants prévisibles sur la tête que, euh , vous savez, si vous connaissez les plans de la tête, vous pouvez les composer. Il y a tellement de principes fondamentaux au dessin que vous savez, ce n'est pas comme le livre pour enfants. Ce n'est pas comme dessiner des livres pour enfants nécessite un ensemble différent de base que le portrait des beaux-arts . Si vous voulez bien dessiner, les fondamentaux sont toujours les mêmes. Tu sais, j'ai toute une classe sur les plaines de la tête. Si vous n'avez pas vérifié ça. C' est un cours de sept heures qui parle juste de la tête humaine et si vous connaissez les plans de la tête humaine. Vous pouvez ensuite les dessiner, vous savez, les éditer, les simplifier, les supprimer ou ajouter des plans différents. Mais tout commence par une compréhension fondamentale de la réalité. J' ai l'impression que c'est ce que je fais ici avec le dessin, oui, mais aussi l'éclairage. J' essaie de décrire les fondamentaux de l'éclairage que j'ai remarqué dans la nature, et j'essaie de les utiliser pour arriver à une version de dessin animé. Encore une fois, comme en ce moment, j'ai affaire à la perspective de l'atmosphère dans les collines de fond, ce qui rend les choses bleues. Mais, tu sais, amusez-vous avec d'autres couleurs, peut-être des violets ici. Mon violet si violet est aussi une couleur plus fraîche, qui je pense irait bien. Après tout, peu importe la couleur que vous utilisez tant que vous pensez aux bonnes températures . J' aime bien comment ça se passe. Le jaune qui était à l'origine là à partir de mon blocage original de la toile. J' aime ça. Je me demande si je pourrais simplement le faire passer plus loin. Il ajoute un peu de, ah, presque comme une légère chaleur à la scène qui est intéressante, un peu d'espoir en bouche. Ce n'est pas si agressivement bleu Steely que je pense que c'est plutôt sympa. C' est un pied de la toile de retour à sa bonne orientation. Cela commence à sembler intéressant. Je vais maintenant m'occuper peut-être de quelques ombres sous ces arbres. Ils vont être des ombres très douces. Si la prochaine fois que vous vous promenez par une journée sombre comme cette journée nuageuse, jetez un oeil aux ombres sous les pins. Ils sont très, très sombres. Et c'est parce que même si l'éclairage est diffus et frappe tout, vous savez, lumière diffuse vient de toutes les zones du ciel, ce qui la rend très, très uniforme. Mais les zones où la lumière ne peut pas être comme sous un pin. Ils vont être très sombres. Je veux juste jouer avec un peu de ça. Même le pin lui-même sera assez sombre parce que encore une fois, arbres absorbent la lumière et les pins sont très denses, sorte qu'ils absorbent encore plus de lumière. Donc, ce que je viens de faire avec ces arbres et ces sombres, c'est que j'ai fait ce genre de cadrage. C' est comme cette grande forme de V et bien sûr, au milieu de la VR. Les personnages ont en quelque sorte organisé cette composition. De cette façon. Il y a un peintre nommé Jim Wilcox. C' est un peintre paysagiste à l'huile, peintre fantastique, et dans un de ses DVD que je possède. Il a dit qu'à son avis, compositions devraient sourire, et ce qu'il voulait dire c'est qu'il y a une courbe de sourire, deux compositions. Ce n'est pas une règle, mais c'est quelque chose dont je me suis toujours souvenu. Et il y a quelque chose à propos des compositions qui sourient qui ont une forme agréable. Et c'est quelque chose de curieux, qui est coincé avec moi depuis que j'ai vu ce DVD, 10 ans. Donc je fais sourire cette composition. Je veux juste passer les prochaines minutes à finir ce truc. Je me sens comme des notes plus chaudes. nez de couleur dans le fond de ces arbres pourrait simplement aider à augmenter la fraîcheur globale de cette pièce. Température de couleur fraîche, c'est. Je trouve que quand vous avez les ombres les plus sombres, comme sous ces arbres, pour une raison quelconque, vous pouvez vraiment vous en sortir avec quelques notes de chaleur là-bas. La nature le fait aussi, aussi, au fait, et je ne sais pas comment expliquer pourquoi. En fait, je ne peux pas expliquer pourquoi, mais c'est juste quelque chose visuellement que je vois encore et encore et beaucoup de peintres font écho à cela dans les sombres sombres. Vous pouvez aller un peu plus chaud que vous ne le pensez, et cela semble plutôt bon pour que certains de ces arbres aient ces réchauffements là-bas. J' adore ces notes de couleur rouge. Maintenant, je fais le contraire, mettre des notes de couleur bleutée autour de repérer ça et vous savez ces deux opposés chauds vs cool. Au fur et à mesure que vous poussez leurs extrêmes, ils ajouteront plus de couleur à la peinture que si vous venez de tout faire super coloré. Comme vous pouvez le voir, j'ai commencé avec comme de nouveaux trolls, puis ramifié un peu plus coloré, peu plus coloré, et puis au-dessus de tout cela, vous pouvez mettre des trucs très colorés, et il va vraiment ont un bel effet. C' est ce que Gray fait. Ils fournissent la base de la couleur, alors que si tout était vraiment saturé, c'est inutile parce qu'il n'a rien à comparer. J' utilise juste un petit pinceau de texture ici pour ajouter des points et de la crasse et tout ce qui indique texture sur ces marqueurs graves, tout comme un pinceau à pois que j'ai. Je crois que j'ai eu ça de Kyle Brushes, un des kits de brosses Kyle Webster. Je ne peux pas les partager avec ce cours parce que je n'ai pas fait ces brosses. Mais si vous êtes abonné à Adobe Creative Cloud, vous pouvez rechercher les kits de pinceaux de Kyle Webster. Il y en a tellement et ils sont tous très bons. Voici quelques autres indications sur les plaines supérieures de ces marqueurs funéraires. Il y a juste un peu de détail au-dessus de celui-ci et le même détail au-dessus de celui-ci. Vraiment, je me laisse un peu trop dans ce croquis couleur. Maintenant, c'est fait. Je vais juste passer la prochaine quelques minutes. Juste peaufiner les choses. Parfois, quand je commence à peindre sur quelque chose et que j'ai trouvé mes solutions visuelles ici , j'ai tellement de plaisir à peindre que je ne veu 20. Chapitre 3 - Rouges de couleurs iii: Allons de l'avant et essayons autre chose pour celle-là. Je pense que je vais le faire la nuit, et l'une de mes principales raisons de le faire est que je peux vous montrer une palette différente . Donc, au lieu de ce bloc chaud en ce que je commence par avant les deux précédentes, commençons par une sorte de mélange frais. Maintenant, j'utilise ma brosse de mixage juste ici, qui est un outil qui vous permet de sorte de C'est comme cet outil beaucoup que vous pouvez aimer. Si je choisis une couleur verte, vous pouvez mélanger la peinture avec la lettre de pixels existante sur la toile, n'est-ce pas ? Il ne va pas peindre juste ce vert plat. Donc, ce que je pourrais faire ici, c'est que je dois encore déterminer la structure de valeur. Les mêmes principes sont maintenus. Je pense que ce que je vais faire ici dans l'esprit de juste inverser le cours sur ce que j'ai fait précédemment, rendons l'arrière-plan plus sombre et les personnages globalement plus légers, et je vais essayer de rendre cela aussi propre que je peux, qui signifie une réunion propre. Les personnages vont être en gros plus léger que l'arrière-plan, donc c'est une pensée simple qui me conduit à une solution très efficace et globale, qui est de rendre l'arrière-plan sombre. D' abord, ils commettent l'arrière-plan, Dark va sortir les personnages. Donc, j'essaie instantanément de penser à ce que je peux faire à un grand niveau qui m'aidera à résoudre l'image. Permettez-moi de me débarrasser de ce texte. C' est une sorte de bug, et May n'a pas besoin d'être là pour cela tant que vous savez où le texte va grossièrement sorte une faveur. Ce genre d'idée de bloc de texte fonctionne comme ça maintenant parce que ce, um textes est sur le fond sombre. Je vais rendre ce texte plus léger, donc juste faire un nouveau calque et juste le remplir avec une sorte de boîte lumineuse là-bas et peut-être une capacité réduite un peu. Alors je fermerai ça plus tard. Donc je ne peins pas dessus et puis revenons ici toutes sortes à un outil de brosse ordinaire. Et voici ce que nous voulons faire ici. Nous voulons commencer à bloquer dans les tons de peau, je suppose. Et le truc avec cette palette, c'est que ça va être une palette de nuit et que 10 palettes de nuit sont généralement privilégiées vers le blues. C' est comme une convention, ce n'est pas une nuit réaliste. C' est plus comme la soirée de la bande dessinée. Mais même les films hollywoodiens le font. Ils font qu'ils colorent la nuit correcte vers le blues. Ça veut dire que nos tons de chair ne seront plus ici comme ils l'étaient auparavant . Ils doivent se rapporter à la température de ce bleu, sorte que le ton de chair va être plus chaud que ce bleu. Mais il ne mange plus. Il n'a pas besoin d'être si chaud. Alors j'ai choisi le bleu et je vais aller vers les Reds en glissant de cette façon, et je vais le griser. Et, bien sûr, allégez parce que je veux que les personnages soient plus légers et regardez cette magie qui se produit. C' est juste génial, en fait, et remarquez à quel point mes couleurs sont géniales en fait juste passer à un bleu Ici, regarde gris. Mes couleurs sont, et ça ressemble à de la chair rosée. Pour moi, cela a toujours été une chose magique, que c'est possible. La couleur qui est la couverture que je peins ne ressemble pas à la couleur que je choisis. Et si je veux que Pip soit un peu plus rouge, je pourrais simplement glisser vers les rouges un peu plus Leurs globes oculaires vont être bleu le plus clair tandis que ses globes oculaires mag sorcières globes oculaires sont cachés par l'ombre. Alors pour lui, allons-y avec une ombre chaude. Et ce que je veux faire avec ses ombres, c'est, euh, ouais, les rendre plus chaudes que les lumières. Et aussi, je veux prendre ce calque de ligne, juste diminuer son opacité pour que je puisse voir ce que je fais. Couleur sage, ses chemises, yeux à nouveau. Rayures claires avec des rayures foncées. Donc ça va être les rayures légères qui vont peindre sur toute la chemise pour l'instant. Il va mettre sa chair dessus, c'est son estomac qui sort. Voici son bras. Maintenant, le Monaco qu'il porte, c'est pas une manille monocle qui s'appelait la manille armée qu'il porte va être sombre. Donc, nous allons juste obtenir une valeur sombre à nouveau. Quand je suis en bas et que les couleurs en bas, ça compte moins quoi ? Hugh, j'y suis. Donc, tant que je suis dans une valeur sombre, va les obtenir là-dedans et ses chemises sont là où j'étais avant, juste en m'assurant que je reçois n'importe quelle couleur connue. Si j'ai choisi un ton de chair, je mettrai le ton de chair là où il va, et il aura une chemise orange. Maintenant garder l'orange est proche du gris plus foncé que cela, cependant, cependant, près du gris parce que je n'ai pas besoin d'orteil. Sublimez mon orange pour son orteil look orange dans cet éclairage. Tu connais cette palette. Tout est favorisé vers le blues dans cette palette, donc c'est comme si l'un d'entre vous était musicien, pensez à cela comme un changement clé. C' est pourquoi ces air appelaient des touches de couleur et de la musique. Nous avons une signature clé, ce qui vous aide à déterminer quelles notes jouer pour que vos cordes soient harmonieuses. Mais dans la musique, vous pouvez changer les touches et avoir les chansons le même son, mais dans une touche différente comme la touche supérieure ou inférieure. Et quand vous faites cela, vous déplacez toutes les notes en même temps, sorte que vous gardez les mêmes relations. C' est ce que je fais ici. Je change la température de chaud à frais. Vous savez, la couleur fraîche dans cette peinture est très froide, et donc les couleurs chaudes ne doivent pas être aussi chaudes parce que c'est moins sur la couleur que c'est, et plus sur la façon dont elle se rapporte à la couleur fraîche, c'est contre à nouveau. La meilleure analogie est de changer la musique, bien que je sais que ce n'est pas totalement efficace si vous n'êtes pas un musicien, que je suis un musicien amateur, pas une position de sonde. Mais ces principes sont omniprésents dans l'art. Donc, en fait, l' un des meilleurs conseils que j'ai jamais eu se souvient qui m'a dit savoir ce que c'était . C' était un DVD Iain McCaig de retour au début des deux milliers. Il a dit que si vous êtes un artiste, il vous sera utile d'étudier toutes sortes de nos études sur la musique, la sculpture, l' étude, l' animation, l' étude, étude, peinture, l'étude, dessin de figure. Parce que tout se nourrit dans tout le reste, il n'y a pas de forme d'art qui existe seul et dedans. McCaig, à mon avis, fait raison à ce sujet. J' étudie la musique. J' ai étudié la musique toute ma vie. J' ai étudié de la sculpture. J' ai certainement étudié les beaux-arts. J' ai étudié la figure dessinant toutes ces choses, aidez-moi à acquérir une connaissance des fondamentaux. Et puis, vous savez que vous êtes en mesure de choisir les principes fondamentaux que vous voulez utiliser dans votre travail. Tu sais, tu sais que tu as non, je voulais dire animation parce que je te l'ai montrée au chapitre 2. J' ai commencé mes études d'art en voulant être animateur parce que je pensais juste que et je pense toujours que les sont la forme de l'animation est juste exige tellement de connaissance du monde vous entoure et de mettre ces observations du monde dans une forme artistique. Et j'adore ce genre de choses. C' est mon truc préféré dans l'art, c'est que tu mets ta connaissance du monde sur papier, ce soit une animation ou dans la peinture, la peinture sur toile comme ça, c'est ce que nous faisons. Donc, plus tu étudieras de formes d'art, plus tu seras bien arrondi. Quoi ? Je règle juste la clé. Je pense que les marqueurs de tombe ici. On retournera à l'obscurité et ce que je ferai. Je vais prendre un aérographe, ai beaucoup parlé et je ne me suis pas vraiment concentré sur la peinture. Je tiens à souligner, cependant, cependant, que le vert de l'herbe n'est pas vraiment tout ce vert. C' est juste vert par rapport au bleu et juste en le regardant compositionnellement. Je pense que mon texte prend un peu trop de place parce que ce que je veux faire avec ce ciel Peut-être que le texte irait là-haut dans cette version particulière de cette composition. Mais ce que je veux faire juste prendre un pinceau et mettre des étoiles chaque fois que vous avez un ciel nocturne juste parsemé. Et j'utilise une sorte depinceau rond, pinceau rond, ce genre de texture pour elle. Donc, il a différentes tailles que je point dans ce pinceau au nom de la variété de forme. Je parie juste dans quelques étoiles et je trouve que les étoiles peuvent vraiment aider, vous savez, juste vendre un ciel nocturne, évidemment, évidemment, mais ça a l'air sympa. Je pense que j'ai besoin d'un pinceau différent parce que ma toile est si basse résolution que la ruée texturée n' apparaissait même pas la moitié du temps. Alors prenons un autre pinceau ici. Vous savez, essayer de changer l'espacement et la taille de ces étoiles, ne pas faire un très bon travail. Mais je peux toujours peindre des étoiles sur les peindre à droite. Peut-être qu'on peut même avoir une lune. Allons s'asseoir sur une lune où ? Là-haut, Mettons-le avec une texture, un pinceau qui n'aime pas juste une petite lune texturée. Parfois, vous obtenez une lune chaude, parfois les lunes, même dans la vraie vie, sont chaudes. Ce que j'aime faire quand j'ai une lune comme ça est attraper l'aérographe De temps en temps je vais allumer la boîte de bruit Ici, monter la dureté du toucher régler cette brosse à, dire esquive linéaire Et puis juste la subtile couleur vers le bas même plus sombre que ça. Peut-être devrait aller au Blues, en fait, juste obtenir un peu d'une sorte de chose brillante que ce que cela va motiver est un peu de lumière de jante sur les personnages. Permettez-moi juste de tuer le calque de ligne pour l'instant sont juste le cacher, en fait, et instantanément il se transforme en plus d'une peinture, droite avec le dessin de ligne, les lignes se battent maintenant. J' ai déjà parlé de ça. Les lignes se battent avec le langage de la peinture. Éteignez le dessin de la ligne. C' est à ça que ressemble notre photo. Il semble beaucoup plus harmonieux sans ces lignes. Même si nous n'avons pas fini, bloquent. Pourtant, je vais choisir notre couleur de lune, qui dans mes efforts pour éclairer dans le ciel, est devenue blanche. Je vais récupérer des jaunes là-dedans, juste en utilisant mon pinceau de calligraphie ici juste orteil trébuchant quelques textures intéressantes dans ce clair de lune. Donc de toute façon, avec cette couleur, je vais commencer à ramasser la petite lumière de la pièce sur le personnage. Rim Light est une méthode d'éclairage de film traditionnelle. Vous pouvez juste Google Rim lumières. En fait, je vais le faire pour vous ici, j'utilise unspool ash dot com, qui est un site photo stock gratuit. Tu vois, comme la femme dans la lumière de la pièce ici, c'est juste un petit doigt d'une lumière qui vient de derrière, comme notre clair de lune sur notre photo, et c'est juste, tu sais, ça illumine le puits à la chambre des termes explicatifs. La lumière éclaire le côté d'eux. Juste les cheveux de la lumière que nous pouvons voir sont les anciens enveloppements autour de l'arrière vers l'avant. Maintenant, la chose avec la lumière de jante est que vous voulez les garder variées si cela ressemble à une ligne nette , mais ce n'est vraiment pas pointu tout le chemin autour. Il y a divers éléments de douceur là-bas, petits morceaux de perdus et trouvés, surtout pour regarder la lumière là-bas. Tu vois, c'est comme si c'était plus prédominant sur l'épaule ici, moins sur l'avant-bras. C' est le genre de chose que nous voulons faire et, vous savez, différentes lumières de jante auront beaucoup, même beaucoup plus de variété que ça. Ce que je veux faire quand je fais cette lumière, c'est que je veux juste frapper les plaines supérieures du mag, qui ici et aussi piquer ses chapeaux. Probablement aller là-bas et je veux Oh, briser cette ligne, utiliser un peu perdu et trouvé utiliser un peu de variétés d'épaisseur est toujours une bonne. Voici la manille sur son poignet. Et je pense que cela aurait un plan supérieur plus large pour obtenir plus de lumière de lune par rapport à . Peut-être que sa tête en ferait un peu plus à son tour comme un haut plat de sa tête . Où est son bras est plus d'un cylindre, Donc ses bras seulement allumé le haut de son bras est seulement un peu d'une fraction de ces formes. C' est comme ça. Tu vois, je brise cette jante comme si elle ajoutait toutes sortes de variété à la forme. Quand vous faites cela, il n'y aurait pas de reste de ce côté-ci. Eso laisse ça tranquille. En fait, ça irait dans l'ombre. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais chercher mon pinceau multiplicateur, qui est ce gars ici. Vous savez, il est prêt à se multiplier comme vous pouvez le voir là-bas, et je vais prendre une couleur chaude. Voyons ce que ce multiple je brosse si je peux bloquer dans un peu d'ombre sur lui maintenant, je ne veux pas entrer en conflit avec l'arrière-plan. Cet arrière-plan est plus sombre que le personnage, donc même dans l'ombre du personnage, je veux m'assurer que je suis encore plus léger que l'arrière-plan. Alors et, eh bien, défaites tout ça. Parfois, il aide à choisir une couleur plus claire et juste aller très agressif avec la tablette. J' ai plus de cette orange dans l'ombre. Je pourrais faire plusieurs passes, bien sûr, comme plusieurs coups larges dans la même zone pour le multiplier davantage et nous allons prendre comme il l' enveloppe ici, le dos, le sol herbeux dans cette zone est assez léger. Donc ici, je vais effectivement aller dans l'obscurité avec le personnage. Donc le personnage lit des lumières sur l'obscurité ici, sombre sur la lumière là-bas, quand je dis sombre sur la lumière. Je veux dire, son pantalon est sombre, et le truc derrière lui est léger et vice versa. Ici, sa peau est claire, les arrière-plans sombres. J' avais des arbres là-bas avant, n'est-ce pas ? Quelques petits arbres. Maintenant, ces arbres peuvent je probablement avoir la licence d'aller assez sombre avec eux. Au fait, je ne pense pas avoir mentionné que je travaillais cette touche de couleur encore plus petite que la dernière. C' est sympa. Cet arbre ici, vraiment encore un mariage contre cette lune apportera probablement quelques petites lumières sur l'arbre aussi. J' utilise le même genre de pinceau. Souvenez-vous de vous. J' utilise ce pinceau la dernière fois pour l'autre touche de couleur. C' est juste une sorte de sauvagement qu'il a. Cet effet est obtenu par la façon dont dans la boutique photo avec la boîte de dynamique des couleurs. Le Hugh Hugh Jitter saturation Jenner luminosité. gigue. Ça change juste. Minute, Lee, basé sur vos curseurs. Eh bien, la saturation de la teinte en valeur lorsque vous peignez, je pense que ce que je vais faire, cependant, est d'obtenir un pinceau plus prévisible comme, disons , celui-ci et d'augmenter ceci pour un peu de lumière de jante. La lumière de la jante sur l'arbre restera plus subtile. En théorie, ce serait la même lumière de la pièce. Ce serait le même gars ici, mais je ne veux pas faire ça parce que je ne veux pas attirer trop l'attention sur ces arbres . Je veux que la lumière de la bordure de ces arbres me donne un peu de forme sur un peu d' intérêt et d'attention attirés sur ces arbres. intérêt et d'attention attirés sur ces arbres. Mais je ne veux pas qu'ils soient dominants dans la composition. Je me rends compte que je ne l'ai pas fait. J' ai abandonné mon quartier à mi-chemin, alors mettons-nous cette zone ici. J' ai l'impression que j'ai besoin de ma ligne en arrière et nous allons entrer en écharpe, qui gardera les mêmes couleurs que l'écharpe. La couleur locale est bleue. Gardions ça. Alors quoi ? Je veux que vous regardiez comment je traite avec les mêmes couleurs. Le en termes de couleurs de l'objet, les couleurs locales, mais juste avec un éclairage différent, palette différente. Le palais que j'utilise en ce moment, passant, est appelé dans une palette analogue. Signification analogue. Les voisins de la porte comme les couleurs sont à côté l'un de l'autre. Ils sont analogues l'un à l'autre. Donc tu sais que l'ombre a l'air orangée. Mais quand je l'échantillonne, regardez ce que c'est réellement. C' est un super bleu foncé maintenant. J' ai réalisé cela en mélangeant les couleurs sur la toile. Je veux être clair à ce sujet. J' ai choisi un pinceau multiplier cueilli sur orange orangé quelle que soit la couleur que c'est et le mettre sur. Mais Photoshopped a mélangé les couleurs pour moi sur la toile. Donc je savais très bien juste parce que je connais mes brosses et je sais que tu sais, je sais juste que le mélange de couleurs par expérience que, tu sais , Et aussi, , Et aussi,en passant, ce nombre de pinceaux mis à 52% opacité et 40% d'opacité, donc ce ne sera pas 100% coup de pinceau, non ? Donc, je savais que la boutique de photos mélangerait ces résultats ou désolé, mélangeant ces deux couleurs pour arriver à un résultat différent. Je fais juste la chose simple de mélanger les couleurs sur la toile plutôt que de choisir la couleur, choisissant mon choléra final ici il est ah, une pratique courante pour sorte de dépasser votre couleur et puis laisser Photoshopped vous fait le résultats. Lequel ? Si je l'ai mentionné plus tôt dans l'atelier dans cette classe, mais c'est ce que les artistes traditionnels font tout le temps. Vous savez, quand vous mélangez des couleurs sur une palette, vous mélangez deux couleurs et arrivez à 1/3 couleur. C' est ce que je fais ici. Donc, pour ceux d'entre vous qui ont peut-être travaillé uniquement en numérique, il y a une tentation avec les artistes numériques qui ont l'impression d'avoir besoin de choisir la bonne couleur du sélecteur de couleurs ici. Mais vous ne le faites pas. Vous pouvez dépasser votre couleur et la mélanger comme mélanger sur la peinture. Je me demande l'esprit de l'exploration, Prenez un pinceau, dit qu'il mode écran, en fait le mode d'esquive couleur. Et je me demande si une partie de ce clair de lune pourrait réellement se répandre dans le personnage comme ça. Donc cette ligne ici devient une ombre d'argent que c'est le bras qui jette une grosse ombre dans le corps. Et ce que je viens de faire ici, c'est un peu de clair de lune qui m'intéresse , c'est-à-dire, et ce serait la bande orange sur sa chemise, juste amplifiée par le clair de lune. Et nous le faisons avec une couleur différente parce que ce pinceau est réglé sur le mode d'esquive de couleur, et parfois je ne sais pas quelle couleur choisir pour obtenir la couleur que je cherche. Mais c'est sympa. Ouais, c' est quelque chose que je n'avais pas prévu quand j'ai commencé ça. Et c'est ça la magie de Ah, Color Ruff est que tu trouveras souvent des choses que tu n'avais pas prévu. Aussi, c'est un autre. C' est une autre raison de travailler petit, parce que quand vous travaillez petit, c'est. Je ne comprends pas la psychologie ici, mais c'est vrai quand vous travaillez petit, vous avez beaucoup moins peur de prendre des risques, et vous ferez des choses que vous ne ferez pas quand les toiles de 3000 pixels de grande taille, croyez-moi, travailler petit, et vous trouverez de la magie là-bas et ce genre de métal informer votre vous savez, peintures plus grandes, bien sûr. Et vous savez, pour ceux qui se demandent, nous allons faire une plus grande peinture. C' est ce que nous ferons dans la prochaine section qui finira le cours avec, vous savez, une toile de taille réelle, et vous savez que nous choisirons une image à peindre ensemble, et je vous guiderai à travers ce processus, aussi. Bien que le spoiler mineur alerte, il est très similaire à ce processus, juste avec un peu plus d'attention aux détails. En termes de chaque individu, les objets obtiennent un peu plus de reconnaissance parce qu'ils doivent être, vous savez, plus résolus que cela, mais en termes de couleur, c'est la même chose. Donc ici, si je l'avais bloqué pour être comme ce tweed brun, qui, bien sûr, est un rouge grisâtre parce qu'il est plus proche du bleu, non ? Mais je veux toujours qu'une partie de ce clair de lune bleuâtre s'y renverse. Alors je vais monter. Tu sais que le rouge grisâtre peut devenir grisâtre et que le gris est proche d'un bleu. Donc je vais utiliser cette licence pour apparaître dans le blues et juste obtenir cette lumière bleuâtre juste avant que la jante ne frappe. Bien sûr, l'ombre du chapeau ici et je pourrais aller très sombre. Voici une vérité sur les scènes de nuit semble explicative, mais les ombres la nuit sont très sombres parce qu'il y a très peu de lumière rebondissante. Donc, comme sous ces arbres, Aiken sombre dans ce sombre en toute sécurité dans ce truc, ombres la nuit, très sombre, même avec comme sous le personnage, ont négligé le premier plan . Mais il fait vraiment, vraiment sombre là-dedans. C' est la chose qui fait peur la nuit. Je veux dire, même dans la vraie vie, c'est parce qu'on ne peut pas voir autant dans l'ombre. C' est pour ça que les gens ont peur du noir. C' est ma théorie, de toute façon. On ne voit pas ce qu'il y a dehors. Alors qui sait si on sait quand on ne peut pas voir ce qu'il y a dehors ? Dieu sait ce qu'il y a là-bas pour que tu puisses l'utiliser dans ton tableau. Hum, fais les ombres Mawr Impénétrable e sombre. Donc si vous faites ça pendant la lumière du jour, ça aura l'air faux, ce qui pourrait être très bien. Comme tu le sais, tu es l'artiste. Vous pouvez inventer n'importe quel schéma de couleurs et de lumière que vous voulez, même s'il s'écarte de la réalité. Mais cela aurait l'air faux à la lumière du jour, parce que la lumière du jour est plus connue de nous. Il y a beaucoup de lumière rebondissante, par exemple, qui illumine les ombres dans lesquelles peuvent rendre les scènes très conviviales, en passant, pour les livres pour enfants, quand vous jetez beaucoup de lumière d'équilibre dans lieux. Oh, et au fait, juste pour m'amuser, je vais essayer de ramener le dessin original de ces trois pierres tombales, même si avant de vous dire mes raisons pour les changer ici, je vais être comme et voyons ce qui se passe. C' est juste une couleur rugueuse, après tout, toujours la peine d'expérimenter, même si vous pensez que quelque chose enfreint les règles de l'art, qu'il n'y a pas de règles. Mais même si vous pensez que quelque chose enfreint les règles de l'art, essayez une où vous enfreignez les règles et voyez ce qui se passe. J' ai découvert que j'ai fait de grandes découvertes en enfreignant ces soi-disant règles de l'art et, vous savez, m'a amené à découvrir qu'il y a réellement des connaissances. Alors j'espère que dans cet atelier, quelqu'un pourra m'envoyer un e-mail si j'ai glissé là-dessus. Mais j'espère que je n'ai jamais dit une fois que quoi que ce soit est une règle. J' essaie toujours de faire de mon mieux pour rappeler à tout le monde que, hé, ces principes de l'air basés sur l'expérience et c'est peut-être ainsi que la nature le fait. Mais même si c'est comme ça que la nature fait, cela ne veut pas dire que c'est une règle de l'art. La nature. La nature n'est pas un artiste. La nature est belle et parfaite, mais pas un artiste. Les êtres humains sont les artistes, et nous changeons et filtrons la nature dans nos arts. Si nous choisissons Teoh, nous pouvons aussi choisir d'aller dans l'autre sens et de faire le contraire de ce que la nature serait dio. Par exemple, si c'était une vraie scène de nuit dans la vraie vie, ce ne serait pas presque aussi brillant. Tu sais, sors la nuit. Il fait sombre. Ta tu ne vas pas voir magnifiquement éclairée. Hollywood demande des scènes comme ça qui nécessiteraient une direction partielle,ce qui est exactement ce que je fais. Hollywood demande des scènes comme ça qui nécessiteraient une direction partielle, Je suis l'art de diriger la nuit de la nature, de prendre des repères de la nature et de les élever ou de les exagérer ou peut-être de les jeter . Si j'ai l'impression que je n'ai pas besoin d'eux mais de changer les choses et que c'est la partie des arts que je peux vous dire comment je le fais. J' ai commencé tout ce chapitre avec tout mon aperçu du fonctionnement de la température de couleur dans mon cerveau. J' ai commencé tout ce chapitre avec tout mon aperçu du fonctionnement de la température de couleur dans mon cerveau Je fais de mon mieux pour vous donner les raisons et les mécanismes derrière la façon dont je fais les choses. Et bien sûr, je vous montre physiquement peindre ici en temps réel. Comment je le fais mais s tellement est basé sur l'expérience. C' est ça, et c'est la partie qu'aucun professeur ne peut te donner. Il est très utile de regarder les artistes travailler, et j'aime regarder d'autres artistes travailler, Vous savez, à ce jour, j'achète des DVD d'artistes que j'aime juste parce que je veux voir leur processus. Je veux voir comment ils résolvent les problèmes, mais je sais très bien Quand je regarde un autre artiste travailler, je ne peux pas télécharger leur expérience comme un téléchargement. Leurs vidéos ne peuvent pas télécharger leur expérience, c'est donc à vous de gagner de l'expérience. Et tu sais quoi ? Tu fais ça avec la pratique. Vous le faites en faisant ce que je fais ici en suivant mes devoirs, regardant cet atelier quelques fois, sortant et en peignant, vous savez, éloignant de ce cours et en sortant et en disant : Tu sais que Marco parlait de températures de couleur. Allons dehors et voyons si juste sur mon porche avant et voir si je peux remarquer les températures de couleur de la . C' est ce que Ideo En fait, j'ai des dizaines de peintures de poubelles sur mon trottoir. Tu sais quand je sors les ordures, parce que ce n'étaient que des sujets qui étaient facilement disponibles pour peindre. Vous n'avez pas besoin de peindre des scènes de fantaisie épiques. Vous pouvez peindre des poubelles pour même des sacs poubelles. Très utile. J' ai l'impression d'être un peu timide avec cette rivière. Allons, euh, amenons-le. C' est un cadre plus et utiliser plus de ces diagonales dont j'ai parlé plus tôt dans ce chapitre. Alors que diriez-vous si le ruisseau venait de couler, vous savez, plus près de nous dans cette partie maintenant ce que je peux faire ici, c'est que je peux jouer avec peut-être cette clôture se rapprochant un peu, mais aussi peut-être certaines des ombres que je peux jouer avec certains des formes d'ombre ici. Une chose que j'oublie toujours de mentionner assez est de retourner la toile pour que je monte à l'image. Qu' est-ce qu'une rotation d'image ? Caméras volantes, horizontales. Tu sais, quand tu fais ça, tu sais, tu as juste une nouvelle sensation d'yeux frais et frais dans ta peinture dans ce que je viens de remarquer. Je n'ai pas été bloqué au fond de la fosse. Honnêtement, j'avais oublié. Je n'ai pas fait ça. Alors faisons ça. Il va avoir Hance sombre, comme un pantalon de sorcières magiques ou plus sombre. Je vais faire battre le pantalon Pips noir et son Il a ces petites jambes maigres, ce qui serait léger, qui serait léger, et à ce stade je peux cacher le dessin de la ligne à nouveau. Petites jambes maigres ou légères ? Probablement. Auraient-ils un peu de cette jante comme ça ? Donc juste une petite touche de ça. Peut-être juste sur cette jambe. Ne faisons pas les deux jambes et les chaussures sombres. Cela me motive à peindre l'arrière-plan derrière lui. Plus léger ? Eh bien, la mer. Non, parce que je veux qu'il soit plus léger, non ? Alors voyons ici. Allons plus sombres avec le fond. Ensuite, cela me rappelle un autre conseil que j'ai appris quelque part dans ma collection de DVD aurait pu être à nouveau dans McCaig. Je ne suis pas sûr de dire que vous pourriez faire bouillir tous les problèmes de votre illustration soit une question d' obscurité, lumière ou de lumière sur l'obscurité, ou de temps en temps la même valeur, qui se perdrait alors, que vous pouvez faire exprès aussi. Mais tu sais, qu'est-ce que tu fais de la lumière sur l'obscurité ou l'obscurité sur la lumière ? Chaque petite partie est cette écharpe lumière sur l'obscurité, que vous savez, la peau, le chapeau, le personnage du théâtre Tombstone. Sombre sur la lumière, cette zone de tombe est sombre contre la lumière. C' est ce qui fait lire les choses dans une image, bien sûr. Le contraste droit, les valeurs comparatives de deux choses assis côte à côte du Père Noël dans l'image, je vais le faire lire, Donc si jamais vous êtes aux prises avec quoi que ce soit dans vos photos, je me demanderais probablement cette question d'abord. Est-il sombre sur la lumière ou est-il clair sur l'obscurité ? Et vous seriez étonné combien de fois ? Vous n'aurez probablement pas facilement la réponse à cela parce que vous n'y avez pas pensé. Et je me rattrape de ne pas connaître les réponses que tout le temps. C' est un peu embarrassant. Je fais ça depuis longtemps. Je devrais probablement connaître la réponse à cette question, mais de temps en temps j'oublierai. Et il est toujours utile de vous ramener sur Terre quand vous illustrez quelque chose. Et souvenez-vous de cette simple question. C' est, Ah, arbre que j'avais dans l'autre avec le chevauchement de l'arbre. La lune est belle, et j'utilisais juste ma brosse texturée parce que encore une fois, il n'y a rien de pire que d'avoir des arbres qui vont comme ça. Et ce que je fais ici, c'est le même bord, la même qualité de ligne. Ça aplatit vraiment ton travail. Essayez de ne pas faire ça. Si vous peignez quelque chose qui a une forme répétitive comme un arbre. Un arbre est comme ça la plupart du temps. Dans la vraie vie, il n'y a pas beaucoup de variété et les troncs d'arbre font. Rendre votre peinture mawr intéressante que la nature. Donne-le. Donnez plus de variété à votre peinture parce que, rappelez-vous, ce n'est pas une peinture d'un arbre. C' est une peinture où il y a un arbre en arrière-plan. Ce sont deux choses différentes. Si vous faites un portrait d'un arbre comme juste une peinture d'un arbre, alors peut-être que vous savez que vous utilisez des conseils différents. Mais dans ce cas, cet arbre ne l'est pas. C' est là pour la saveur. Ce n'est pas là pour être vu. C' est là pour être ressenti, pas vu. C' est une autre façon de le dire. Alors je vais prendre un échantillon, le soleil, prendre quelques lumières de jante. Et puis encore, Lawson a trouvé avec les lumières de la chambre. Ne fais pas ça. Ne fais pas ça. C' est trop littéral. Même pas littéral, ça ne l'est pas aussi. C' est trop peu au point d'être faux quand je dis littéralement. Ne veux pas dire réaliste. , Dans la plupart des cas,on a tendance à peindre intellectuellement plutôt que visuellement. Ce que je veux dire c'est comme intellectuellement, nous savons qu'un arbre branches ah, dur, forme solide tout le long. Donc nous le peignons comme ça. Mais ce que nous ne faisons pas Ce que nous négligeons quand nous faisons cela est la réalité visuelle de la vie, qui est si souvent différente de la réalité objective de la vie. J' ai une vidéo sur ma chaîne YouTube intitulée Learn to See Like a Painter with Edge, et le thème de cette vidéo est de savoir comment les peintures diffèrent souvent de la façon dont nous connaissons réellement la vie, où les choses sont concrètes et les choses ont bords durs. Un objet est différent d'un autre dans la vie réelle. Dans la peinture, ce n'est souvent pas le cas. Les peintres fusionnent des objets tout le temps et perdent des objets qui, dans la vraie vie, ne seraient pas perdus . sur ma chaîne YouTube, il est de nouveau appelé Apprendre à voir comme un peintre avec des bords. C' est une autre petite vidéo que vous pouvez regarder qui complète aussi ce que vous apprenez ici dans cette classe. Il y a tellement de sujets à couvrir avec la peinture que n'importe qui ne peut pas leur enseigner. aussi Vous connaissezaussicette classe. J' ai essayé de le résumer aux principes fondamentaux que j'utilise sur les livres pour enfants et, vous savez, vous savez, illustration générale au-delà des livres pour enfants, bien sûr, mais je ne peux pas plonger dans tous les fondamentaux. Donc, vous savez, j'ai mes vidéos YouTube et j'ai mes autres ateliers, et je suppose que mon but est d' avoir un professeur, c' d'avoir une quantité de vidéos. Peut-être que je peux communiquer tout ce que je sais sur la peinture, ce qui n'est pas beaucoup, Mais il est plus d'une vidéo vaut quand même. Et plus vous peignez, plus vous apprenez. C' est l'arrière de la magie. Ok, donc j'ai presque fini avec cette clé. Peut-être que c'est que Moon jetterait un peu de réflexion ou ne coulait pas, mais l'eau refléterait cette lune juste un peu en bas. Je veux juste ramener des jaunes dans le ciel nocturne ici. J' ai fait de cette lune une lumière chaude comme une lumière jaunâtre. Alors, récupérons ça un peu. Je retournerai ma toile en arrière et ceci Le placement de ce texte me dérange vraiment. Je crois que j'ai fait un travail bâclé à l'origine. Je pense que je dois considérer combien de texte va réellement dans cet espace. Et peut-être que c'est comme si un bébé était comme ça un jour. Ça dépend du livre sur lequel vous travaillez. Parfois, les auteurs sauront, à droite, beaucoup de mots dans un livre. Parfois, les auteurs vont juste juste quelques mots. En fait, l' une des choses qu'un manuscrit publié professionnellement, nous vous dirons est le nombre de mots dans le livre. Je ne l'ai pas mentionné dans le premier chapitre, mais ça dira, comme le grand rêve de Norbert, 200 mots. Je me souviens du nombre de mots du Grand Rêve de Norbert. Mais certains livres sont comme des centaines de mots plus longs que d'autres livres, et vous devriez évidemment considérer où va le texte lorsque vous planifiez vos affaires. Et quand je fais l'illustration finale dans le chapitre suivant de la section suivante dans ce chapitre, nous allons, vous savez, vous savez, traiter plus directement du texte littéral qui est apparu dans l'un de mes livres, ou peut-être juste inventer du texte à mettre là. On verra. Allons un peu plus léger. Ce ruisseau peut être plus léger parce qu'il est, euh, lisant plus léger contre la sorcière plus sombre. Je vais en avoir un peu ou perdre dans son pantalon parce qu'ils sont supposés être comme un jean bleu , et je les ai fait lire un peu avant, donc tu es là dedans. Mais des bleus là-dedans, on y va. Nous n'avons rien à rendre de plus que ça. Ont été finis ici. Je fais juste quelques ajustements de dernière minute. Oh, voilà quelque chose que je fais tout le temps. J' ai peint sur cette couche, ce calque supérieur, , qui est censé être juste mon calque de texte, mais je peignais, vous savez, des coups de pinceau. Donc, dans ce cas, nous allons faire est tout. Sélectionnez cette commande de poussée X pour le couper, puis contrôlez le décalage V pour le coller à sa place. Un médaillon prend couche pour le ramener ici, contrôler le que vous avez tué. Je fais ça tout le temps. J' oublie de verrouiller les couches que je peins dessus. C' est pourquoi surtout si je ne pouvais jamais m'en sortir. Je peins juste sur une couche. Ça évite juste toutes ces bêtises. Quoi qu'il en soit, je veux finir ça. Étaient essentiellement là. Je veux juste Teoh, je pense qu'un peu d'ombre ici du côté de lui. Vous savez, si la lumière vient de cette façon, on peut s'attendre à nous. Un peu plus d'ombre sur le visage. Peut-être un peu plus de lumières ici. Ce n'est pas encore. Rendez le visage bleu. Ramène du rouge là-dedans, des rouges froids, cette violette que je peins avec son plus proche du blues. C' est donc plus proche de la palette de couleurs que j'ai en tête. C' est un peu droit sur le nez. Je ne veux pas m'aventurer trop souvent, trop loin de cette palette de couleurs bleues. J' ai fait du bon travail de m'y tenir jusqu'à présent serait une honte si je m'aventurais trop loin de là. Maintenant, je me demande , cependant, si juste un peu ici sous le personnage. Nous ne pouvions même pas rendre cela un peu plus léger encore dans la gamme bleuâtre vert, juste pour imposer un peu de contraste, ce qui sera intéressant que vous savez que je veux. Évidemment, c'est le point focal, sorte que plus le contraste Aiken se résume dans cette zone du mieux. Et alors que j'ai cette couleur folle, mettre quelques quelques petites notes de couleur juste autour de l'image dans des valeurs différentes. Même type de couleur, mais différentes valeurs est un excellent moyen d'obtenir un peu subtil d'harmonie des couleurs dans votre peinture. Si jamais vous peignez avec un peu d'une note de couleur sauvage comme celle-ci, voyez si vous pouvez trouver d'autres zones juste pour le faufiler, il va vraiment, vraiment lier votre image ensemble. Sur un niveau très subliminal. Je trouve ça vraiment efficace. Assurez-vous que je reçois MAG, qui lit avec facilité les sombres des arbres derrière lui, juste contre ses valeurs plus légères, compa 21. Chapitre 3 - Art final: Ok, faisons un tableau du début à la fin quelque chose que je me sentirais à l'aise d'envoyer à un éditeur pour impression. Maintenant, la première chose que vous voulez faire est de faire une nouvelle toile, Bien sûr. Donc, je vais aller au dossier nouveau et cette étape pourrait être étonnamment délicate. La première information que vous devez connaître est les dimensions du livre que vous créez ici en Amérique du Nord. On utilise beaucoup de pouces, donc je vais changer ces deux pouces. Et je travaillais récemment sur un livre qui était 10 sur 12. La largeur était de 12 et la hauteur était de 10. Alors frappe ça et frappe OK, et tu pourrais penser que je pourrais commencer à peindre. Mais non, j'ai déjà fait une erreur critique si je retourne dans ma taille d'image et je retourne cette image sur deux pouces, oui, oui, j'ai ma toile de 12 x 10 pouces, mais ma résolution est réglée sur 72. La résolution est également connue sous le nom DP I ou P P. I points par pouce ou pixels par pouce signifie la même chose pour les impressions. Vous voulez que ce nombre soit 300 mais regardez quel est le problème, si vous acceptez une valeur de 72 comme je viens de le faire. Et tu fais un tableau. Faisons semblant que je viens de peindre ça. Et bien sûr, cette peinture est belle et nette. Mais maintenant, je suis genre, Oh, non, je dois m'assurer que mon DP j'ai mis la cause 300 c'est ce dont l'imprimante a besoin. Alors je vais ici, j'ai mis ça à 300 que j'ai frappé. Ok, eh bien, photo shopped vient d'ajouter beaucoup de pixels. Et si je fais un zoom avant, tu vois comment c'est floue ? Il n'a pas l'air bien comme ça. Ils n'étaient pas pointus avant. Laisse-moi annuler ça et revenir à 72. Regarde comme c'était pointu ici. Mais si je reviens à la taille de mon image, un 300 FBI, regarde comme c'est doux. C' est juste moche. Ce n'est pas bon. Lorsque nous transformons notre nouveau fichier de toile, nous devons nous assurer que deux choses sont en place. Je reviens à pouces. Nous reproduirons notre canevas 12 par 10 dans cette boîte de résolution, en fonction du logiciel que vous utilisez. Cela pourrait s'appeler DP I ou P. p I. Vous voulez probablement mettre cela sur 300 hit. OK, maintenant votre toile est à la bonne taille pour l'impression. Ce fichier serait imprimer à 10 par 12 pouces, et il aura l'air exactement comment vous le peignez pixel pour pixel. Maintenant, si vous voulez savoir exactement quelle est la différence entre 72 d. P. P. I et 300 DP I, j'ai fait un bref aperçu à ce sujet dans une leçon vidéo différente. Donc si ça ne te dérange pas, je vais juste jouer ça pour toi maintenant. On y va. Lorsque vous démarrez un nouveau canevas, il y a deux éléments importants à prendre en compte les dimensions des pixels pour la largeur et la hauteur, ainsi que ce paramètre, que Photoshopped appelle la résolution. C' est la quantité de pixels par pouce. Généralement, cela est raccourci à ie I pixels par pouce, ou points DP I par pouce. Maintenant, le plus important des deux ici est les dimensions des pixels. La quantité de pixels détermine la quantité de données que vous êtes en toile peut contenir une toile de 7 20 par 4 80 pixels assez petite selon les normes actuelles. Une image de 1920 sur 10 80 pixels est ce que vous voyez sur la plupart des écrans HD et une image de 38 40 2160 est ce que vous regardez sur quatre écrans K. Ok, si vous faites des arts pour la visualisation numérique sur Lee, pixels sont tout ce dont vous avez à vous soucier. Le dp i ou P P I n'est pas pertinent. Voici une peinture numérique. Allons vérifier les pixels et dp I dessus. Tout droit sont pixels 1100 avec 8 79 hauteur et notre dp i slash p p I est 72. Faisons une petite expérience. Je vais décocher la case d'exemple de re qui verrouille les pixels en place pour que je ne puisse pas les changer . Et maintenant je vais changer le DP i en quelque chose de fou comme 3000. Maintenant, vous pourriez penser que mon ordinateur va exploser quand je frapperai. OK, mais rien ne se passe. Mon moniteur d'ordinateur ne lit que ces pixels, qui, malgré la hausse de DP, je n'ai pas changé. Ok, alors qu'est-ce que je fais ? Eh bien , je compte quand tu imprimes. Disons que nous voulons faire une impression de 8 pouces par 10 pouces. abord, nous devons dire à l'imprimante combien de points ou de pixels elle doit utiliser pour remplir chaque pouce du papier. Par souci de maths simples, fixons notre DP I à 100. Et voici une petite règle divisant notre avec en huit segments parce que nous imprimons à 100 DP I. L'imprimante utilisera 100 pixels de notre image pour remplir chaque pouce consécutif. Les maths ici sont faciles. Nous utilisons 100 pixels par pouce multipliés par huit pouces. Cette toile devrait être de 800 pixels de large, et pour les hauteurs, elle ne fait que 100 pixels par pouce fois 10 pouces. Cette toile devrait avoir une hauteur de 1000 pixels. Photoshopped peut faire ce calcul pour vous. Bien sûr, si je vais fichier nouveau changer cela sur deux pouces et définir ma taille d'impression de destination à huit par 10 et changer ma résolution ou DP I ou P I à 100 hit. Ok, j'ai mon fichier, et maintenant nous allons revenir à la taille de l'image et le regarder en pixels. Nous pouvons voir que nos maths vérifient maintenant la qualité professionnelle. Vous voudrez imprimer à 300 dp I de sorte que les mêmes huit pouces par 10 pouces à 300 DP I. La largeur est 300 fois huit, ce qui équivaut à 2400 pixels, et la hauteur serait 300 fois 10 ce qui équivaut à 3000 pixels. Il est utile de savoir comment cela fonctionne pour éviter les pièges de base. Par exemple, si je vais déposer un nouveau commutateur de deux pouces et que je veux une impression de neuf par 12 et je frappe OK et puis passe des heures à peindre un peu d'art de fan géant de fer. Super. Maintenant, je peux avoir mon empreinte 9 sur 12, non ? Eh bien, pas si vite. Avez-vous attrapé l'erreur que j'ai faite quand j'ai créé cette toile, j'ai accepté la valeur par défaut de 72 d. P. P. I. Et si je suis allé à la taille de l'image ici, vous pouvez voir que je peignais en fait avec très peu pixels. Et si je voulais imprimer ça à 300 DP, j' aurais une pitoyablement petite impression. Laisse-moi te montrer une dernière chose. Je vais revenir à 72. Vous pouvez forcer brutalement cela et faire Photoshopped vous donner 9 par 12 empreintes à 300 dp. Je vais cliquer sur le bouton re échantillon maintenant va changer. C' est 300 DP. J' ai frappé OK et Photoshopped annonces les données de pixel nécessaires pour y parvenir. Cependant, il le fait sans discernement et la peinture semble douce et floue, pixélisée et généralement horrible. Et il imprimera de cette façon aussi. Donc, je ne recommande pas de faire ça. Ce que je recommande, c'est que vous gardez votre sortie à l'esprit chaque fois que vous faites une nouvelle toile. Une petite information va beaucoup de chemin. Donc, après avoir traversé tout ça, vous pourriez penser que j'irais juste. OK, classez de nouveaux interrupteurs de 2 pouces et faites ma toile de 12 par 10 à 300 BP, je dis Ok, et soyez heureux et commencez à peindre. Mais non, je ne vais toujours pas faire ça. Et pour expliquer pourquoi. Voici un autre court segment de cette même leçon vidéo. On y va. Nous avons déjà discuté de la façon dont les toiles peuvent avoir différentes tailles de pixels, et comme il s'agit d'un environnement numérique, il est logique que les pinceaux agissent de la même manière. Photoshopped indique la taille des pinceaux en pixels. Avec ces chiffres, une résolution de pinceaux est définie quand il est créé, donc ce pinceau que j'ai actif ici est de 261 pixels ce qui signifie que lorsqu'il est utilisé à sa pleine taille, il se répète tous les 261 pixels, brosses numériques, des tampons comme de l' air qui sont pressés encore et encore. Et c'est la racine d'un défi esthétique global auquel nous sommes tous confrontés avec le support numérique pour démontrer comment cela a un impact sur votre peinture. J' ai deux toiles de différentes tailles chargées ici. La première toile mesure 700 pixels de large, sorte que le pinceau n'a qu'à répéter quelques fois pour le traverser. Cette toile, cependant, 3000 pixels de large, sorte que la même brosse de cette même taille doit répéter plusieurs fois pour passer à travers. Et quand je regarde celui-ci, je peux vraiment détecter la répétition. Alors que le 1er 1 me semble plus organique maintenant, vous pouvez simplement augmenter la taille de votre pinceau à une taille similaire par rapport à la toile et peindre avec ça. Mais le problème maintenant, c'est que les pinceaux ont une résolution beaucoup plus élevée que celle pour laquelle ils ont été conçus, et qu'ils sont enclins à avoir l'air doux et numérique en conséquence. Donc le dilemme est le suivant. Je voudrais peindre à une résolution inférieure pour profiter à mon pinceau, mais je veux souvent que ma finale soit haute résolution. C' est donc le problème de base. Ma solution à cela est quand je fais ma nouvelle toile et une fois de plus nous allons aller 12 par 10. Et au lieu de mettre ça à 300 DP, je vais le mettre à quelque chose en dessous de ça, disons, genre, 1 90 J'ai juste inventé ce numéro, mais c'est probablement bien et je vais frapper. Ok, c'est la toile sur laquelle je vais commencer à peindre et je vais juste faire une démonstration rapide sur comment ça se passe. Je choisirai un pinceau et je commencerai à peindre comme ça. Et une fois que j'aurai 20 minutes dans le tableau, j'irai à la taille de l'image. Mes pouces sont déjà fixés, donc les dimensions sont parfaites. Mais je vais juste ajouter une résolution. Je vais aller jusqu'à, , disons, à 10 et Photoshopped fait un peu de soulèvement. Maintenant, quand tu fais des petits soulèvements comme ça, Photoshopped fait un excellent travail, et ensuite on va faire maintenant c'est que je vais peindre Mawr sur ce tableau. Mais disons que ça vaut une demi-heure de peinture. Je vais revenir à la taille de l'image à nouveau, et j'ajouterai peut-être encore 20 pixels par pouce je trouve que l'ajout de 20 à 30 pixels par pouce à la fois est généralement un bon nombre tant que vous êtes dans ce genre de plage. Boutique de photos fera un assez bon soulèvement de travail. Et parce que vous travaillez constamment sur la peinture tout au long de l'insurrection, quand nous avons fini et que nous sommes à 300 DP I en théorie, cela semblera indiscernable, comme si vous l'aviez peint à 300 db I tout le temps. Mais bien sûr, l'avantage que nous en tirons est qu'au début, nous pouvons utiliser les pinceaux à leurs résolutions natives , et nos ordinateurs fonctionneront plus rapidement car il y a tellement moins de pixels à calculer. J' ai donc apporté un de mes croquis grossiers du Grand Rêve de Norbert, et voici ce qui sera la peinture en finale. Cette toile, bien sûr, mesure 12 par 10 pouces à 100 90 dp. Je te l'ai montré, et au fur et à mesure que j'irai dans le processus, j'essaierai de le signaler quand je le soulèverai. Mais garde ton oeil dehors, tu me verras le faire pendant que je vais et d'accord, commençons. Vous voyez que l'ombrage en échelle de gris que j'ai fait ici fait partie de ma passe de croquis. Pour préparer cette peinture, je vais monter aux niveaux d'ajustement de l'image, et je déplace juste ces curseurs vers la gauche, ce qui soulève le point blanc. Je n'ai pas besoin de voir toutes ces ombres en noir et blanc que j'ai faites là-bas. C' est sympa, c'est un croquis, mais maintenant que je veux faire la peinture, je ne veux pas rivaliser avec mes propres valeurs. Je veux que la peinture passe elle-même pour contrôler toutes les valeurs, et la meilleure façon de le faire est de commencer sur une toile blanche ou quelque chose est presque blanc comme vous pouvez l'obtenir. Donc je suis juste en train de détruire un peu mon croquis. Ici. J' utilise juste la gomme là pour une course dans le ciel. Ensuite, je vais double-cliquer sur le calque et l'appeler ligne juste pour étiqueter mes trucs soigneusement, le changer pour multiplier et puis contrôler. Cliquez sur le bouton du nouveau calque pour créer un calque en dessous. Sur ce calque. Je vais le remplir avec cette couleur bleue. Cela servira comme je juste sous la peinture passé et sur le dessus de ce bleu, je vais juste commencer à bloquer dans les couleurs que je pense sont proches des couleurs que je veux. Comme je l'ai dit, je ne sais pas exactement quelles couleurs sont les bonnes, mais je sais que ce sera un ciel nocturne. Comme je l'ai dit, je ne sais pas exactement quelles couleurs sont les bonnes, Donc je vais avec une clé de couleur bleuâtre, comme je l'ai fait dans la section précédente avec la scène du cimetière. Et aussi je veux qu'il y ait beaucoup de texture qui descendent tôt. C' est une chose qui est vraie à propos de la peinture que nous n'avons pas encore vraiment discuté parce que nous n'avons pas encore fait une peinture finie. Vous êtes le processus que vous utilisez dicte fortement le résultat. Donc, si vous voulez une sorte d'image tactile de Tex Cherie, surtout dans l'environnement numérique comme celui-ci, vous devez y aller. Libéré, à mon avis, tout de suite. N' attendez plus tard pour ajouter les textures et les traits picturaux. Allez les chercher maintenant parce que la façon dont vous posez vos affaires, dicte vraiment la façon dont vous progressez, est-ce pas ? Et vous pouvez voir ici que j'utilise des pinceaux très texturés et l'image n'a même pas air très belle en ce moment. Comme si la couleur n'était pas près de finale ici. Au fait, je suis juste en train de tracer la lune. Je ne pouvais pas le voir avec mes couleurs là-bas, donc j'ai caché ma couche de couleur, tracé la lune. On va faire une nouvelle couche pour cette lune, et je l'étiquetterai juste de la couleur. Remplissez-le et c'est une forme très plate. Je n'aime pas la planéité de ça. Donnons-lui un peu de texture ici. Et pour faire cette texture, j'utilise juste ce pinceau, cette sorte de pinceau rond d'aquarelle pour repérer dedans. C' est tout. Pour l'instant. J' y reviendrai, et c'est l'autre chose avec votre processus. Ne ressentez pas le besoin de finir n'importe qui Zone. En fait, vous peignez probablement mieux quand vous construisez tout à la fois parce que c'est le truc avec, vous savez, vous savez, lumière et je vais commencer à peindre la lumière et les ombres bientôt, c'est que vous voulez la lumière effet mawr qu'une seule zone comme vous voulez voir comment la lumière affecte le porc et comment elle affecte la botte de foin et comment elle affecte les animaux et et vous savez à quoi il ressemble dans le ciel. Vous voulez voir toutes ces choses se réunir à la fois pour évaluer le fonctionnement de l'image entière , donc c' est beaucoup moins impactant à quoi ressemble un objet beaucoup plus impactant ce à quoi ressemble tout le reste. Donc ce que je fais, c'est que je suis en train d'inventer ce genre bizarre de projecteurs dans le ciel qui aidera à attirer notre attention sur Norbert à travers le contraste, fois la couleur et la valeur. Et ici, j'utilise juste l'outil lasso pour tailler une forme pour la botte de foin. Et dans cette forme va obtenir certains des petits égarés Hey, brins. Vous pouvez me voir les sélectionner, faire le tour du cochon. Je travaille juste sur une couche ici. Je n'ai pas Norbert sur une couche et je n'ai pas la botte de foin sur une couche. Tu n'as pas à le faire comme ça. C' est juste le genre de couleur locale du foin qui ajoutera de la lumière et de l'ombre à plus tard. Donc, tu sais, balles de foin ou comme un brun jaunâtre. C' est ce que je fais ici et mêle, tu sais, comme tu me vois ici, en mélangeant des couleurs à d'autres couleurs. Ne vous inquiétez pas que c'est une couleur plate, tout comme Norbert. Vous savez, j'ai bloqué dans Norbert avec une texture bizarre re re brosse qui change de couleur par lui-même. puis pour la botte de foin. Je fais la même chose ici. Je viens d'avoir un outil de taches et je bloque dans la couleur locale pour l'herbe. Et j'ajouterai de la lumière dans l'ombre à tous ces éléments au fur et à mesure que je vais ajouter de la lumière et de l' ombre à la fois. Je ne finirai pas une zone pendant que je discutais. C' est juste le genre de chemin de terre que vous connaissez qui est sur le sol là-bas. Alors je bloquerai les animaux un peu plus tard. Je ne sais pas. Je ne ressens pas le besoin de tout bloquer en même temps. Comme si tu avais les poulets et la vache là-bas. Je vais probablement les sauver un peu pour plus tard. Ce ne sont que des joueurs mineurs sur la photo. Et quand je dis que vous devriez tout soulever en même temps, , ce que je veux dire,c'est les principaux acteurs, et c'est ce que je considère le Major Norbert comme le ciel, la botte de foin dans le sol. Voilà ce que je considère comme les choses les plus importantes. Et puis les mains et les vaches. Ils étaient juste là pour les paillettes, je suppose. Juste un peu de plaisir. Je n'ai pas besoin de les bloquer tout de suite. Vous savez, le succès de ceux-ci dépendra du succès des choses dans lesquelles j'ai bloqué actuellement. Donc mon bloc en phases très bref. Je commence déjà à ajouter la lumière et l'ombre sur Norbert. Maintenant, quand je fais ça, je cherche des formes simples. Au chapitre deux, nous avons beaucoup parlé des formes. Maintenant, je veux dire que ces formes ces principes s'appliquent également à la façon dont vous faites ressortir la lumière et l'ombre. Donc, comme vous me voyez bloquer dans ma forme d'ombre ici sur Norbert, je dirais la forme globale. Je cherche ça. La chose que j'ai en tête juste en regardant la forme tridimensionnelle de ce cochon, la forme de l'ombre ressemble à ça. Et c'est moi. Avec le recul, je suis record. Je vous parle ici après que ce tableau ait été terminé. Mais même en peignant, je cherche une forme propre à nouveau. Reportez-vous au chapitre 2 pour connaître toutes sortes de principes sur la forme. Je ne veux pas que cette forme se sente trop ennuyeuse, mais en même temps elle ne peut pas se sentir si complexe qu'elle est illisible. Il doit être rapidement lisible. J' ai cette règle drôle dans Ce n'est pas vraiment une règle, mais j'ai ce principe directeur dans ma classe c g m. Je l'appelle le directeur de la maternelle, et tout est question de formes. Le directeur de la maternelle dit fondamentalement si la forme ne pouvait pas être découpée avec des ciseaux par un enfant de la maternelle, ce n'est probablement pas une très bonne forme. Et je veux dire ça littéralement. Si vous pensez à un enfant avec la dextérité manuelle de base, donnez-leur une forme que vous avez conçu et demandez à l'enfant. Tu peux découper ça avec une paire de ciseaux ? Si c'est une forme simple, sera probablement en mesure de le faire. Mais je parle littéralement en ce moment. Mais si la forme a tant de petites ondulations, des tenants et des hauts et des bas et toutes ces petites choses, ils ne seront probablement pas en mesure de le faire. Et si c'est le cas, vous ne serez probablement pas en mesure de le lire visuellement très bien. Formes si simples dans la lumière et l'ombre. Et ce n'est pas seulement pour le personnage de cochon. Je ferai la même chose dans la botte de foin et la même chose dans l'herbe. La même chose que les animaux. Tout est façonné à base. Une chose qui, à mon avis, vole beaucoup sous le radar dans la peinture, pas seulement la peinture numérique, mais n'importe quelle peinture ou dessin, aussi. Tout ce que vous faites se réduit à une forme en deux D, deux dimensions sur la toile. Peu importe si vous dessinez de l'anatomie ou des animaux, des gestes ou des mouvements ou ah, ne vous faites pas de tissu ou de détails. Peu importe ce que vous dessinez ou peignez, tout ce que vous posez est une forme bidimensionnelle. C' est un peu comme le code binaire de la peinture est deux formes D, donc ces formes doivent être bien conçues. Et quand vous concevez une forme, peu importe que son anatomie, son tissu ou, vous savez, la figure humaine ou quelque chose que ce soit, c'est une ombre plus claire. Peu importe ce que cette forme représente, peu importe ce que c'est. Vous devez appliquer le langage de forme pour le faire paraître bien. Il est donc possible d'avoir beaucoup de connaissances sur quelque chose comme l'anatomie est un excellent exemple . Il est possible d'avoir beaucoup de connaissances sur l'anatomie, mais pas encore être capable de bien le dessiner. J' ai entendu une analogie une fois, vous savez, si tout ce qu'il fallait était de la connaissance, alors, comme les médecins seraient les meilleurs artistes parce qu'ils connaissent le corps humain beaucoup mieux que moi. Tant mieux que nous, c'est des artistes, tu sais. Mais le médecin en général n'a pas de compétences en dessin. Ils n'ont pas de compétences en forme. Donc, d'une certaine façon, être bon dans l'art vient avec une sorte de disciplines distinctes. L' une est la connaissance du monde que vous devez savoir quoi dessiner, puis la seconde est l'esthétique que vous appliquez pour le façonner et le filtrer dans le milieu de l'art. Ok, la prochaine chose que je veux souligner avant d'aller trop loin ici, c'est que j'utilise le concept de rythme continu pendant ma course il y a une minute, je vous ai peut-être manqué de comprendre le rythme continu de la meule de foin. C' est juste une ligne simple qui ressemble à ça, vous savez, la ligne traverse Norbert et assurez-vous que la botte de foin ressemble à une belle sorte de croissant de lune. Et il me vient juste d'arriver que je dis ceci, qu'il y a en fait une lune littérale dans l'image. Peut-être que ces formes riment ensemble. Je dois admettre que ce n'est pas quelque chose que j'ai littéralement pensé quand j'ai conçu ça, mais c'est logique. Et parce que les rythmes visuels sont partout, plus vous pouvez les remarquer, mieux c'est. Votre image deviendra probablement un autre rythme que je connais bien lorsque je peins. C' est ainsi que le corps de Norbert se conforme à la courbe que je viens de vous montrer sur la botte de foin. Je voulais m'assurer que malgré ses membres et la perspective qu'il y a une courbe générale sur le fond de lui qui rime avec le rythme continu de la botte de foin. Regardez aussi le côté supérieur de Norbert, le sien, l'arrière de son corps, ainsi que sa tête là une sorte d'exagération de la courbe de botte de foin. Pour moi, sont des rythmes de rime, comme si vous pensez à un poème qui, à mon avis, à mon avis, est l'analogie la plus proche de la peinture dans le monde de l'écriture comme poésie. Ces airs aiment des mots plus proches que vous connaissez, mots qui ne riment pas parfaitement, mais ils sont assez proches pour sentir qu'ils ont ce flux. Il est très, très bien maintient ce monde des images cohérentes ou peut-être un meilleur. Word est le design, et il prend le design de l'image et la rend cohésive. Ainsi, le cochon devient une partie de la botte de foin, qui fait partie de la lune et de tout le reste. C' est ce que les bons designers font, c'est qu'ils comprennent sur un niveau de forme abstraite à deux dimensions , ce qu'ils créent à nouveau. Je répète en quelque sorte le commentaire que j'ai fait quelques minutes plus tôt sur les connaissances que vous avez est la première partie, Mais alors comment vous les mettez en deux dimensions ? Comment ceux qui se sont transformés en deux dimensions formes et des motifs et des rythmes. C' est vraiment la partie de la composition de l'image. Et c'est la deuxième partie, et vous avez besoin des deux. Tu sais, si tu ne sais pas dessiner un cochon ou un cochon de dessin animé, alors tu ne pourras même pas arriver à la partie rythmique. Mais si vous savez que vous avez un design élaboré, alors vous pouvez commencer à l'analyser à ce niveau abstrait et voir, vous savez, thématiquement ce que vous créez au niveau du design. Ok, parlons de la couleur de la botte de foin. Je pense que c'est assez évident visuellement le cool versus chaud que je vais chercher, et je n'ai pas vraiment parlé de ça du tout que je reçois dans cette démonstration. Laisse-moi en parler. Tout dans cette scène va être allumé avec une lumière fraîche. Maintenant, il y a quelque chose de délicat qui se passe ici, même si la lune semble être une couleur assez chaude, jaunâtre saturée. Je n'utilise pas ça comme une lumière chaude. Je pense toujours que la scène est allumée par une lumière froide. Donc, si vous regardez la botte de foin, je pense que la botte de foin montre l'exemple le plus évident d'un avis de lumière fraîche. J' utilise des bleus grisâtres en haut, où la lumière frapperait la botte de foin, et ce que je fais ici, c'est que j'utilise mon outil de lasso pour me dessiner une forme d'ombre. Alors il suffit de le mettre en plumes, ce qui adoucit la sélection là-bas, puis regardez la couleur que j'utilise. C' est une couleur plutôt chaude en comparaison, et je suis juste en train de brosser une grande, graphique, simple forme d'ombre. Maintenant, quand j'ai choisi cette couleur pour l'ombre, je ne pensais pas à Oh, quelle est la couleur de cette botte de foin ? Je réfléchissais. Qu' est-ce qu'une version plus chaude de la couleur locale par rapport à la lumière qui est un peu plus complexe parce qu'elle met en question deux choses que vous n'êtes plus seulement penser . Quelle est la couleur de tout ça ? Tu penses ? Quelle est la couleur par rapport à une autre couleur ? J' ai eu des bleus grisâtres du haut. Peut-être que je vais obtenir des oranges et des rouges plus saturés au fond pour l'ombre, et puis je vais juste le regarder et juste analyser visuellement cette comparaison. Ai-je aimé le chaud vs Cool que j'ai créé ? C' est assez évident ? Doit-il être plus évident ou moins évident ? C' est là que ton goût entre en jeu. Chaque artiste qui est bon avec la couleur jouera avec ces principes chauds et cool, mais où les gens changent simplement en fonction de leur propre personnalité. Certains artistes aimeront vraiment la pompe à orteil dans beaucoup de couleurs et beaucoup de contraste entre leurs changements de température de couleur, tandis que d'autres préfèrent travailler Maurin the Grays. Vous savez, nous sommes tous les deux comme il y a eu des moments où j'aurai plus de peintures grisâtres. D' habitude, je ne fais pas ça avec les livres pour enfants. J' aime pomper en plus de couleur comme ici je vais encore un peu plus chaud avec le ton de l'ombre . J' ai aussi dessiné une forme amore adaptée aux enfants. Disons quelque chose d'un peu plus évident sur le plan graphique. Je vais l'adoucir un peu, mais c'est tout ce que je fais ici. Je compare le chaud contre cool, dans ce cas, le zehren cool, les lumières et l'air chaud dans l'ombre. des Parlonsdescouleurs que j'utilise sur Norbert. Maintenant, ils suivent le même principe. Si vous regardez les couleurs claires et Norbert, ils sont généralement plus frais. J' utilise principalement des rouges dans cette gamme, qui pour moi est plus cool d'un rouge parce qu'il est plus proche de la famille bleue. Tu sais, c'est dans la famille violente contre l'ombre de Norbert, où j'utilise plus les rouges de cette partie de la roue de couleur. Et quand vous voyez que ce sélecteur de couleurs est côte à côte comme ça, vous pouvez vraiment voir à quel point ces différences dramatiques, vous savez. Ces deux couleurs sont dans le je les considérerais dans la catégorie rouge, même si je sais que l'un est plus rose violet. Techniquement, ce sont deux mélanges de rouge. Regardez la différence de température. C' est le type de chose que vous voulez pouvoir remarquer dans vos peintures, et vous voulez organiser cette différence en fonction de la lumière et de l'ombre. Dans ce cas, c'est une lumière froide, donc j'utiliserai des versions plus fraîches des couleurs dans la lumière et plus chaudes dans l'ombre. Maintenant, je brise ces règles tout le temps parce que ce ne sont pas des règles. La nature ne suit pas ces règles. Par exemple, si vous regardez sur le front de Norbert là-bas, il y a comme un coup de jaune, ce qui n'a aucun sens. Je ne peux pas expliquer pourquoi j'ai fait ça. J' aime juste enfreindre les règles et les principes à nouveau. n'y a pas tant de règles pour arrêter de dire le mot règles. Mais j'ai aimé prendre des principes et les plier et voir où ils se brisent maintenant quand il s'agit de couleur, Si vos valeurs et formes air bon, vous pouvez faire n'importe quoi avec la couleur. Vous n'avez pas à suivre à peine n'importe quelle structure du tout. J' aime suivre la structure parce que cela me rappelle la nature. Mais il y aura des moments où je vais dévier de cela, et puis ce que je fais est que je me suis simplement demandé, Ok, quand un mon dévier de lui et pourquoi et la raison pour laquelle est toujours goût, c'est comme je pense que cela va ressembler Bien. Ce n'est jamais comme Oh, je le fais parce que scientifiquement, il est prouvé que ce n'est rien comme ça. C' est juste que je pense que le jaune a l'air bien sur la tête de Norbert. Allons-y avec cela n'a pas d'autre sens que que j'utilise des couleurs parce que j'aime la façon dont ils regardent sur la toile. Maintenant, si vous regardez ce que je fais ici avec le côté lumière de Norbert, je travaille juste à différentes températures et couleurs comme si je travaillais avec un rose légèrement plus saturé ici. Je mets même quelques coups les plus verts dans leur température de couleur sage, cependant, je pense que ces verts sont assez froids. couleurs comme vous remarquent à quel point elles sont grandes pour moi, la grandeur de ce vert les rapproche des tons plus rosés. Parce que grise, tu sais, comme je l'ai dit dans la première partie du chapitre 3, Graze est une bonne façon de rapprocher les couvertures je puisse relier ces verts aux violettes à travers le gris, et c'est ce que je suis faire là. Maintenant, je suis bien conscient que le rouge et le vert sont des couleurs complémentaires, et encore et encore il n'y a pas de règle qui dit que vous ne pouvez pas mettre des couleurs complémentaires ensemble, mais ce que je fais pour une sorte de tampon. L' effet est parce que le vert est un compliment à lire, ce qui signifie le à l'extrémité opposée de la roue de couleur que j'achète grisant sur ce vert. Tu lui donnes une chance de se battre contre le rouge. Si j'étais allé très saturé avec ce vert contre certains des rouges les plus saturés qui sont actuellement là, alors vous pourriez avoir un peu d'effet Gadi qu'il est très difficile de faire fonctionner ça . Je ne suis pas sûr si vous appelez cette théorie des couleurs, mais si vous utilisez des couleurs complémentaires à saturation égale, je recommande d'en avoir l'une reléguée à la lumière et l'autre reléguée à l' ombre. C' est comme ça que vous pouvez obtenir des compliments comme ça pour fonctionner. Si vous voulez mettre des couleurs complémentaires ensemble dans la même famille, vous le savez soit dans la famille de la lumière, soit dans la famille de l'ombre. Essayez un grand off, rapprochant ainsi du compliment, qui pourrait être plus saturé dans cette partie de la peinture. J' ai une sorte de brosse à cheveux grasse ou la brosse à râteau. J' ai utilisé les deux en conjonction, et je suis juste en train de ramollir les formes. Il s'agit d'un pinceau très approprié pour imiter la texture de la botte de foin que vous avez remarquée. Parfois, j'ai un plus gros pinceau. Parfois, j'ai un petit pinceau ici. Je fais une autre sélection, et puis j'utiliserai probablement ces pinceaux de texture dans cette sélection pour faire à la fois une forme claire et une forme de texture en même temps. C' est une chose très courante. Je fais, vous savez, choisir une forme qui est, vous savez, agréable et contrôlée avec un outil lasso, mais ensuite utiliser un pinceau très texturé pour peindre dedans. C' est une bonne façon de mélanger les deux techniques. Ce que j'ai appris avec l'aérographe, comme les artistes d'aérographe traditionnels découpent toujours des petits masques pour eux-mêmes et, vous savez, vous savez, Arabes se précipitent dans ces masques. C' est un bon flux de travail numérique que j'ai trouvé, vous savez, fonctionne assez bien. Et si vous regardez les couleurs claires sur la botte de foin maintenant, j'ai mentionné avant que ce soient des lumières plus fraîches. Mais regardez la variété des refroidissements. J' ai des scions là-dedans. J' ai des violets là-dedans. J' ai des jaunes sourds là-dedans. J' ai comme je viens d'énumérer trois types différents de couleurs fraîches et parce que la chose qu'ils ont tous en commun est qu'ils sont cool par rapport à l'ombre plus chaude qu'ils fonctionnent, vous savez que vous pouvez mélanger n'importe quelle couleur fraîche ensemble. après mon expérience, il n'y a pas de limite à la mesure dans laquelle vous pouvez expérimenter avec la couleur tant que vous suivez cette structure de vous savez que vous savez que vous utilisez des couleurs plus fraîches dans la lumière. Car dans ce cas, vous pouvez mélanger comme n'importe quelle quantité de couleurs fraîches ensemble. Et ils seront unifiés par cet aspect qu'ils sont tous des couleurs fraîches à nouveau par rapport aux ombres plus chaudes et juste la même chose dans les ombres chaudes. Si vous voulez devenir fou en mélangeant différentes couleurs chaudes et l'ombre, vous pouvez vous en sortir maintenant. Un choix esthétique que je fais souvent, c'est que je contrôle où je deviens fou par rapport à ce que je ne fais pas à la lumière de la peinture, et c'est souvent le choix que je fais, parce que la lumière est la partie spéciale de la peinture. Tu sais, la lumière est là où les gens vont regarder. Je vais réserver souvent mes changements de couleur amusants pour la lumière et garder l'ombre d'un peu moins ludique, un peu plus solide en termes de couleur, ne pas bouger autant. C' est ce que je veux dire par solide, comme si ça pouvait bouger. Mais la plupart du jeu de couleurs se passe dans la lumière, ou vous pouvez inverser cela et avoir la plupart du jeu de couleurs qui se passe dans l'ombre et diminuer la lumière. C' est un choix esthétique que vous pouvez faire. Et je recommande d'attendre l'un ou l'autre. Vous savez, attendez 1 70% pondérés contre 30% en termes de combien vous jouez avec la couleur, vous savez, 70% de jeu et la lumière 30% de jeu dans l'ombre. Ce genre de rapport fonctionne généralement. C' est un peu ce à quoi je pense, même si ce n'est pas comme si je pensais aux chiffres quand je peins. Mais si je devais analyser ce que je fais ici, c'est ce que je fais. Et voici un autre bon exemple, ces petites ombres que je mets dans l'herbe. Cela montre l'épaisseur de l'herbe. Regardez la couleur donc c'est une couleur rouge, mais je peins de l'herbe verte mais en utilisant une ombre rouge. C' est parce que je suis beaucoup plus favorable à la relation de température de couleur que je suis la couleur littérale qui ressemble toujours à l'herbe et à l'ombre même si elle est rouge. J' ai une sorte de harpe là-dessus, parce que beaucoup d'étudiants me demandent, tu sais, comment tu sais quelle couleur peindre quelque chose, et je ne le sais vraiment pas. La question devrait être reformulée comme quelles sont les températures relatives ? Et crois-moi, tu peux peindre de l'herbe rouge comme je viens de le faire là-bas. Et cela aura l'air bien si la température de couleur fonctionne. Maintenant, intéressant, cependant, cependant, la partie légère de l'herbe, le côté clair de l'herbe est un vert bleuâtre. Donc, ce que nous avons est l'herbe verte bleuâtre, qui en soi n'est pas verte en soi. Et puis nous avons, comme un rouge est ombre, qui en soi n'est pas vert. Mais, tu sais, au milieu de ça, c'est vert. Et c'est un peu l'effet psychologique qui se produit. Tu sais, le spectateur ne lit pas forcément quelqu'un de couleur. Ok, ce que je fais ici, c'est que je sélectionne la botte de foin et je veux en extraire un peu plus de texture . Donc, je suis allé au filtre plus aiguisé et je le fais deux fois. Je l'ai fait deux fois. Je zoome ici pour vous montrer l'effet de ça avant et après. Je vais essayer de la troisième fois, mais c'est trop fané en arrière. L' option de fondu et la boutique photo est le décalage de contrôle F. Vous pouvez fondre la commande la plus récente, et c'est un bon moyen. L' utilisation du filtre plus affûté pour juste obtenir un peu plus de grossièreté de vos pinceaux. Et je fais ça sur, tu sais, le travail. La texture le supporterait comme une botte de foin est une sorte de grossier, chose tranchante. J' avais l'impression que ça marcherait. Ça peut être imperceptible maintenant parce que, comme vous pouvez le voir, j'ai un zoom arrière à 24%. Vous voyez, je pourrais le haut de ma toile là-bas, ça dit 24%. Cela signifie que je suis assez loin zoomé, et c'est typique de la façon dont je travaille. Je vais zoomer parfois si j'ai vraiment besoin de composer enfin quelque chose. Mais le plus souvent, même lorsque vous travaillez sur des images plus réalistes, les formes que vous faites devraient pouvoir être faites zoomer comme si ce n'était pas comme si vous alliez jamais y aller et faire comme des formes de pixel parfaites qui sont comme trois pixels de large. Parfois, tu l'es si tu peins des hyper détails. Mais dans un livre pour enfants, généralement les formes sont assez grandes, et je peux les faire trouver tout en zoomant. Et, bien sûr, l'autre avantage d'être zoomé est que vous pouvez constamment évaluer l'ensemble de l'image. En parlant de la taille de l'image, ici je travaille l'image de 2 35 dp i 2 à 55. Photoshopped rend l'image un peu plus haute résolution. Et comme je l'ai mentionné dans l'intro, je l'ai fait tout au long de la peinture. Plus tôt, j'ai parlé sur elle, mais plus tôt sur mon éloges de 192, je pense était 210. Souviens-toi, on a commencé à 190 on a commencé à 190heures et maintenant je suis à 255. on a commencé à 190heures et maintenant je suis à 255. Je vais essayer de me rapprocher le plus possible de 300. Mais honnêtement, même si je finis, c'est un 270 dp I. C'est assez proche de 300 que je pourrais juste avoir Photoshopped supérieur que l'ensemble de la peinture fini par 30 points donc il arrive à 300 photo Shop fera un bon travail sur c'est ici. Je mets juste les étoiles dans le ciel. J' ai fait un nouveau cal 22. Chapitre 3 - Livraison au client: Ok, donc les peintures ont été faites, mais nous devons maintenant le préparer pour la livraison comme une première étape devra fournir des fonds perdus pour l' imprimante si nous allons à la taille de l'image et passer cela sur deux pouces. Vous savez, nous avons fait une toile 10 sur 12, que nous avons vu au début de cette section. Maintenant, nous allons juste faire semblant que l'éditeur veut 1/4 pouce de fond perdu tout autour, donc cela signifie 1/4 pouce de fond perdu sur le côté gauche. Ici, 1/4 pouce purge sur le côté droit, mais dans le bas et 1/4 pouce lame sur le dessus. Donc, ça fait 1/4 de pouce. Times 2 fait un demi-pouce tout autour, donc nous devons ajouter 1/2 pouce tout le chemin autour. Donc, c'est cela devient facile. Je vais annuler de cela et au lieu de cela ira à la taille de la toile de l'image, pas à la taille de l'image, à la taille la toile. Et nous avons les mêmes mesures, bien sûr, mais ici je vais juste aller 12,5 sur 10,5, en ajoutant 1/2 pouce tout le chemin autour. La boutique de photos fera ça, et c'est le saignement. C' est ce que nous devons remplir maintenant saignements un assez facile à peindre. Tout ce que tu as à faire dans ce cas, c'est juste prendre ah, tranche du ciel. Je suis sur ma couche inférieure ici, prends une tranche de ce type, Push control T et Photoshopped pour faire apparaître la transformation. Vous devez maintenir Shift et simplement faire glisser cela vers le haut. Fait. C' est le saignement pour le ciel. Et peut-être pour les étoiles. Honnêtement, ce que je vais faire, c'est prendre la couche d'étoiles, contrôler le thé et l'augmenter un peu. Donc juste pour qu'il ne semble pas que les étoiles soient coupées nulle part, et ensuite je ferai la même chose de ce côté-ci. Maintenant, ce côté droit est plus difficile parce qu'il englobe la vache, la botte de foin. Donc ce que je vais probablement faire c'est que je vais commencer, dire , ici, contrôler T tenir, déplacer, faire glisser ça et honnêtement, ça n'a pas l'air mal. Comme ça pourrait probablement voler, mais je peux repeindre un peu la vache, mais voyons ce qui se passe la même chose dans le fond. Je vais prendre ce contrôle T le faire descendre et voir ici. Je commence à étirer la vache, non ? Aussi, je dois garder à l'esprit que ce truc du fond que je viens de changer ne sera probablement pas vu. Tout le but du saignement est qu'il est coupé, donc je vais probablement vouloir les orteils repeindre la vache. Allons juste à gauche pour faire la même chose va juste prendre un morceau sain. Ici, le contrôle T apporte le dessus. Ok, donc maintenant nous avons une photo avec nos saignements complètement intacts. Mais comme je l'ai mentionné, je veux repeindre quelques zones comme, par exemple, la vache étant la principale. Je veux juste ramener ce sabot à la vue. Donc, vous savez, juste vite sur la peinture ici. C' est là que les couches peuvent vous aider. Comme si tu avais cette vache sur une couche qui, en théorie, tu n'aurais pas à l'étirer quand je fais cette passe de saignement. Mais, je veux dire, ça ne prend pas longtemps juste pour revenir ici avec un pinceau et retourner à l'endroit où il est avant que le saignement ne se produise. Quelque chose là-dedans. Et bien sûr, je pourrais, tu sais, affiner ça plus si je voulais Teoh. En fait, voici un petit conseil. Si vous poussez le contrôle sont dans un magasin de photos. Vous avez des dirigeants et j'ai ma règle de 2 pouces. Si vous n'avez pas votre règle définie deux pouces, allez jusqu'à modifier, puis les préférences, qui est juste hors écran, sont en bas des préférences du menu et ensuite aller à laquelle est-il ? Unités et règles. Ici, nous allons Unités, règles, puis assurez-vous que vos règles sont définies deux pouces par défaut. Je pense que c'est des pixels, alors montez 2 pouces. Ça va ? Et tu auras ça en pouces. Et ce que j'aime faire maintenant, c'est Mark. Le guide des guides est juste. Si vous prenez le déplacement à un ici et vous cliquez sur la règle, vous avez ce guide que vous pouvez faire descendre. Ah, positionnez ce guide au quart de pouce. Donc, il y a un quart de pouce. C' est un demi de 10, donc ily a 1/4 de pouce là-bas, et ensuite dehors du côté, il y a 1/4 de pouce là et 1/4 de pouce là. C' est un demi de 10, donc il y a 1/4 de pouce là-bas, Ok, donc maintenant je sais exactement bien, presque exactement où l'éditeur va couper la page. La ligne de coupe, non ? C' est fondamentalement que j'ai recréé la ligne de coupe et maintenant ce que je vais bien faire, assurez-vous juste que le sabot de la vache est juste hors de cela. Donc, faites une sélection tournée. Si vous appuyez sur le contrôle H, vous pouvez vous débarrasser des lignes de coupe. Par ailleurs, les guides, je devrais dire contrôle h va les cacher et sur les cacher et juste remplir les lacunes qui viennent d'être créés en déplaçant cela à nouveau. C' est là que le fait d'avoir la vache sur une couche aurait pu aider. Mais ce n'est pas une grosse affaire juste de faire ça. Et aussi c'est une partie si mineure de l'illustration que ça ne me dérange pas, même si elle est coupée par 1/16 de pouce ou moins, ça n'a pas vraiment d'importance. Vous savez qu'il ne détient aucun pouvoir particulier de l'histoire. La vache tient une histoire, mais pas le fond du sabot. C' est bon. Et puis il suffit de combler les lacunes et nous appellerons cela terminé. Une dernière étape serait d'exporter la peinture. Maintenant. La première chose est, je n'ai pas encore atteint 300 BP. Je suis assis ici à 75, donc d'un seul coup, je vais aller jusqu'à 300. C' est un soulèvement si mineur à ce stade, que la boutique photo fait du bon travail, vous savez, je suis là. Je vais zoomer sur 100%. Les coups de pinceau sont beaux et pointus. Je peux faire tout le chemin autour de la peinture et vous pouvez voir des zones ici qui sont vraiment lâches. Comme si j'aimais vraiment la façon dont la queue de cochon a été rendue. C' est tellement lâche, mais ça ressemble toujours à une queue tourbillonnante. C' est le truc que tu peux tuer si tu zoomes. Vous savez, j'aime ces petits coups de pinceau ici, et le sabot est fait juste avec les lignes rayantes et, vous savez, d'autres zones sont plus lisses. C' est ce que j'aime, en particulier dans l'art du livre pour enfants. Vous pouvez vraiment pousser cela Si vous travaillez pour un client dont la cible est plus d'adultes, ils aiment dans l'industrie du jeu vidéo. Probablement vous ne serez pas en mesure de vous en sortir avec ce niveau de douleur froid, même si ce ne serait pas loin, mais vous devez probablement vous serrer un peu. Mais dans les livres pour enfants, ils aiment vraiment beaucoup de texture. Il semble juste promouvoir plus comme l'exploration de la part des enfants qui viennent de m'arriver maintenant que je n'ai jamais vraiment résolu. J' ai tendu la vache ici et je ne l'ai jamais réparée. Mais j'ai oublié. Et ça a l'air bien. Je vais juste partir. Ça a l'air bien. Il y a un peu d'écart là-bas. Je vais à ce stade prendre un pinceau et juste combler cette lacune. Juste pour qu'on n'exporte pas des choses avec des lignes blanches qui le traversent, ce serait mauvais. Mais je vais résister à l'envie de nettoyer la peinture. Tu sais, quand tu zoomes sur 200% comme ça, tu pourrais être comme , Oh , mon Dieu, regarde tout ça. Ne vous inquiétez pas pour ça. Tu es la personne ne verra jamais ça. Ils vont voir ça. Et si cela fonctionne ici, cela fonctionnera dans l'impression. Ok, le prochain est l'espace colorimétrique. Vous voyez où ça dit RGB ici. Il s'agit de l'espace colorimétrique par défaut dans lequel nous peignons lorsque nous travaillons numériquement. Mais les imprimantes n'impriment généralement pas dans l'espace RVB. Ils imprimeront dans ce qu'on appelle C M Y K. C'est une façon différente de mélanger les couleurs maintenant dans Photoshopped par défaut. Si vous appuyez sur Contrôle pourquoi la peinture va aller. Tu vois, il est dit de le voir comme un droit, il y a un contrôle poussé. Pourquoi encore ? Voir Mike A revient au contrôle RVB. Pourquoi tu vois mon K ? Ce n'est qu'un aperçu. Je fais un aperçu de ma peinture et le vois comme un coup d'oeil au changement. Nous retournerons en avant et en arrière surtout, vous verrez probablement le bleu. Et le ciel bleu est complètement aspiré dans cette version laide comme grise de lui-même . C M y Qué. A des limitations physiques basées sur la façon dont les pigments mélangés dans une imprimante. Et j'aimerais pouvoir l'expliquer mieux que ça. En fait, je ne sais pas pourquoi c'est comme ça, mais il y a des limites dans l'impression. Il ne semble tout simplement pas produire la même vibration de couleur que nos moniteurs numériques peuvent. Quel genre de sens, à droite, droite, parce que les imprimantes Prince utilisent des pigments comme des médias physiques pour reproduire les couleurs où avec numérique étaient juste éclairer les pixels. Vous savez, nous avons beaucoup moins de limitations dans l'affichage couleur quand il s'agit de numérique. Donc, nous devons avoir une solution pour cela parce que nous voulons soumettre notre travail en C M. Y Qué. Mais nous ne voulons pas de cette horreur dans les empreintes comme, je préfère vraiment mon beau ciel bleu là-bas. Alors voici mon processus pour soumettre les finales et le voir comme un que je ramènerai dans mes couches . C' est le moment où je vais faire un duplicata de mon fichier pour le faire. En passant, dans Photoshop, juste dans la fenêtre d'historique, cliquez sur le bouton plus. Il fait une nouvelle version de votre image. Alors ce que je fermerai, c'est que je fermerai mon original. Laisse-moi juste ramener ça dans le cadre pour toi ici. Et puis sur ce, je vais calquer l'image des calques jetés, Oui. Donc je suis de retour sur une couche Maintenant, ce que je vais faire ici, c'est que je veux vraiment convertir ça pour le voir comme un contrôle. Pourquoi est juste un aperçu ? Je veux en fait, vous savez, me consacrer à la voir Mike une version donc mode d'image C m y que. Et la même transition se produit avec la couleur. Alors, ce que j'aime faire pour résoudre ça ? Sur mon second moniteur, j'ai deux moniteurs ici. Sur mon second moniteur, Je mets une version RVB sur mon autre écran afin que je puisse y faire référence. Et puis sur cela semblait être une version. Je vais créer un nouveau calque, et généralement je mets ce calque à superposer. Puis, avec mes brosses, je vais prendre un aérographe, que j'ai quelque part ici, voici un aérographe et je vais peindre un bleu sur le mode superposition dans le ciel. Maintenant, quand vous peignez sur C m y que mode comme je suis maintenant, ces couleurs vont imprimer sembler comme une volonté seulement vous laisser peindre des couleurs qui va imprimer. Maintenant, vous pourriez être comme Pourquoi ne pas juste faire votre peinture dans C M y que espace dès le début  ? Et absolument, vous pourriez le faire. Je n'aime pas faire ça, cependant, parce que je ne veux pas peindre dans un espace limité dès le départ. Je préférerais simplement être complètement libre d'utiliser les couleurs que je veux utiliser. Et puis à la fin, qui est ce que je fais maintenant, je veux juste, vous savez, ramener ces couleurs maintenant parce que C. M. Y Qué est limité par rapport à RGB. Les couleurs que je reçois ici sont en fait différentes de mon RVB. Mais trop motivations un mode de mélange agréable. Tu vois, j'ai récupéré quelques brilles sur Norbert. Je peux obtenir un peu de lueur ici sur la lune, et tout cela va imprimer tout ce que vous voyez en mode C N y que traduira, au moins dans mon expérience, à l'imprimante. Je veux dire, j'imagine qu'il y a probablement, vous savez, mauvaises imprimeries là-bas qui feront un mauvais travail de toute façon. Mais d'après mon expérience, vous savez, avoir publié ou fait publier mes œuvres dans de nombreux livres professionnels. Ce que je vois et voir mon K sur mon moniteur est généralement ce qui apparaît dans le livre final. Donc si je retourne ce calque, voici avant et après que tu saches, je récupère cette couleur. Une autre chose que vous pouvez essayer. Nous déplaçons ça hors de l'écran. Si vous faites un calque de réglage et allez à la saturation de la teinte, puis essayez simplement d'augmenter la saturation, ne faites pas Ne devenez pas fou, mais juste une touche de saturation. Il pourrait y avoir du bon pour que je puisse cliquer dessus et éteindre, et c'est certainement je pense que c'est fondamentalement une amélioration, alors laissons ça. Donc voici tout ce qui est naturel ici. Ça semblait être une version. Et voici mes modifications beaucoup mieux juste avant après. Ok, alors disons que c'est bien. Vous pouvez éditer cela au contenu de votre cœur, bien sûr, mais disons simplement que nous sommes satisfaits de cela. Je le ferai. Je vais calquer l'image, qui est juste hors écran, mais je vais aplatir l'image, et maintenant il est juste temps de l'enregistrer. Je suis en mode C M I K, donc je veux l'enregistrer en C M I k. Encore une fois. La façon d'y arriver est sièges en mode image et semblait comme un fichier enregistrer sous. Et c'est juste mon dossier de livres pour enfants ici. J' aime utiliser le format tiff, qui est juste ici, et appelons-le, vous savez, vous savez, Norbert Final et appuyez sur OK, et vous obtiendrez une boîte de dialogue qui vient ici. Tout est une bonne compression d'image. Assurez-vous qu'il est réglé sur none. Les deux articles sont très bien. Ce sont toutes les valeurs par défaut, et vous ne devriez pas avoir de calque même disponible parce que nous sommes juste sur une seule couche, donc vous ne devriez pas en avoir. Si vous avez des calques, appuyez simplement sur, jetez les calques et enregistrez une copie qui enregistrera tout cela sur un seul. Couchez-le. D' accord. Et on y va. Si je devais fermer mon dossier et le charger, ça s'appelle Norbert Final. Ce tiff si juste là va charger ça. Il l'enregistre même avec les guides, ce qui est pratique pour que l'imprimante puisse voir vos traces de fond perdu. Si je vais la taille de l'image, nous avons notre toile 300 DP I. Mettez ces deux pouces. Tu sais, c'est 10 par 12 avec le saignement, et c'est en mode C m y que, comme on peut le voir ici. Et comme nous pouvons nous le prouver en allant en mode image, le voir comme un.Ceci est un fichier imprimable prêt pour le client, prêt pour l'imprimante, et c'est tout. C' est mon processus de livraison. Évidemment, vous devrez vérifier avec votre imprimante slash de l'éditeur s'ils veulent juste des pages individuelles comme celui-ci soumis ou s'ils veulent des pages dans des spreads soumis, vous savez, vous savez, droite de la page de gauche, différents éditeurs auront des exigences différentes. C' est un boulot. Les critères de travail, toute façon, qui recouvre cette section. Faisons une section de plus ensemble où je recommande quelques exercices de devoirs. Je te verrai là-bas 23. Chapitre 3 - Idées d'accueil: Très bien, tout le monde, nous voilà dans la dernière section de ce cours. J' ai des idées de devoirs pour toi. La première consiste à analyser les températures de couleur en fonction des échantillons. Quand je veux dire par qui est prendre n'importe quelle peinture. Je vais juste utiliser celui que nous venons de faire dans la dernière section Aller à la taille de la toile d'image. Cliquez sur ce bouton ici. Donc, il étend la toile vers le bas, va 2% et juste étendre la hauteur de l'orteil comme 120. Et Photoshopped vous donnera ce genre de peu supplémentaire. Maintenant, ce que j'aime faire, c'est que j'aime juste tracer une ligne juste au milieu. Ce seront mes couleurs claires, et ce seront mes couleurs d'ombre. Vous pourriez le faire avec des peintures avec des photographies et ensuite dans mes lumières, juste échantillon des couleurs qui sont dans les lumières de ce tableau et juste le mettre côte à côte ici . Donc, vous savez, la botte de foin qui pousse l'herbe piquer tout va. Ne le fais pas. Je ne vais pas goûter au ciel. J' échantillonne comme des objets qui sont frappés par des lumières. Eso Vous savez, tous les objets physiques ici. Ok, c'est probablement bon pour la lumière. Peut-être qu'on va chercher des trucs de vache ici aussi. D' accord ? Et puis, euh, et puis pour l'ombre. La même chose juste dans l'ombre. Je tiens juste en bas Ault orteil accéder à l'outil d'échantillonnage, bien sûr. Et nous allons dans quelques couleurs d'ombre. Ok, allons-y avec ça. Il y a plus d'ombres dans cette image, mais c'est assez bon. Maintenant, je vais juste zoomer ici et mettre ça à l'écran, même dépourvu de la peinture. Ne regarde même pas la peinture. Regardez vos échantillons et commencez à voir si vous pouvez catégoriser la différence. Je pense qu'il est assez évident dans notre étude SWAT ici de voir cool versus chaud, la lumière étant plus froide et les ombres sont plus chaudes. Si vous ne pouvez pas le voir, commencez à échantillonner. Et c'est là que vous allez faire référence à la première partie du chapitre 3, où je parle de mon modèle pour la température de couleur. Prenons deux rouges. Ok, il y a un pinkie, une couleur rose, ce qui pour moi est une version de rouge. C' est là. Regarde où il est sur le Hugh Spectrum. D' abord, c'est votre plus grand don, et ensuite vous pouvez regarder où il est. Contrairement à l'échelle grise contre saturation, c'est en quelque sorte juste au milieu. Mais, tu sais, la teinte est la plus révélatriced' habitude d' . Et puis goûtez un rouge dans l'ombre. D' accord. Que s'est-il passé ici ? Deux choses sont arrivées. Revenons à celui-là. Regarde où c'est, Hugh sage, et laisse-moi goûter ça. Gardez votre œil ici. D' accord. La teinte a glissé de là à peu près. Jusqu' à peu près là. Cela va vers les réchauffements en référence à nouveau la première partie de ce chapitre pour mon modèle ici, dans mon esprit, qui se réchauffe sur un niveau de teinte. Non seulement ça se réchauffe, laissez-moi goûter à notre point de départ. Non seulement il se réchauffe, mais il est aussi devenu un peu plus saturé. Il est passé à peu près ce niveau de saturation à peu près ce niveau de saturation. Il est donc plus chaud en allant là-bas. Et pendant qu'il est dedans, il fait plus chaud. Hugh. Il est aussi devenu plus saturé, ce qui, pour moi, est comme une double chaleur. Deux façons se réchauffent. Maintenant, fais attention ici. Je ne dis pas que devenir plus saturé est plus chaud. Il est plus chaud dans ce cas parce que le Hugh est devenu plus chaud. D' accord. Comme si tu sais, si cette couleur devenait plus bleue et plus saturée, j'appellerais ça plus froid. Donc la saturation n'est pas toujours égale à la chaleur. Ça dépend de l'endroit où. De quelle façon la teinte glisse sur la roue de couleur. Ok, euh, vous pouvez aussi regarder, comme, couleurs grisâtres. Regardons ce gris dans la lumière. Ok, faisons le point sur l'endroit où il est à la fois sur le spectre de Hugh et le spectre de saturation de gris . Bon, maintenant, échantillonnons un gris. Ça me semble plutôt génial dans l'ombre et regarde ça s'est réchauffé. Comment ça s'est réchauffé ? Revenons à l'original. Le Hugh n'a pas changé du tout. Lorsque vous voyez que l'énorme n'a pas changé, échantillonnez ces deux couleurs. Regardez cela ne change pas un cheveu, mais la saturation change. Et parce que c'est un vous savez, dans mon esprit de rouge assez chaud, c'est un rouge qui souffle sur le côté chaud du rouge. Obtenir plus saturé équivaut à la chaleur. Donc c'est comme ça que vous pouvez étudier à nouveau. Peintures, photographies, euh, n'importe quoi. Vraiment. Vous pouvez les étudier à ce niveau et vous constaterez que le plus souvent, ah, ah, motif émergera dans vos familles de lumière et d'ombre. Vous trouverez ces catégories. Les lumières seront soit plus fraîches ou plus chaudes dans leur ensemble, et les ombres seront l'inverse dans leur ensemble. Mais ne vous attendez pas à une règle. Ce n'est pas une règle. n'y a pas de règles et d'art, et surtout il n'y a pas de règles avec la couleur. C' est un principe que je décris que le plus souvent, vous trouverez probablement être vrai. J' aimerais pouvoir le garantir, mais je ne peux pas. Um, vous savez, artistes vont tout le temps plier ça, comme je l'ai fait dans ce tableau. C' est un échauffement que j'avais l'habitude de faire quand j'apprenais tout ça. C' est comme ça que je commencerais ma journée. Je ferais juste ces études Swatch et je les échantillonnais et je commencerais juste à internaliser. Vous savez comment ce sélecteur de couleurs fou fonctionne en termes de relations entre chaud et frais . Ok, donc il y a de l'exercice. L' exercice numéro un numéro deux vise à peindre des objets simples dans différents types de lumière, et l'objet le plus simple auquel je puisse penser est une sphère. Vous pouvez aussi peindre une boîte ou un cylindre, mais j'aime utiliser des sphères. Donc ce que je vais faire ici en premier, c'est dans une sorte d'environnement, juste une petite nuance. Ce pourrait être un ciel bleu est un peu comme ce que j'ai fait pour la peinture de picots qui a ouvert chapitre 3. En ce qui concerne les leçons de peinture, c'est juste un petit environnement avec un peu d'ingrédient du sol au ciel. Et je vais commencer par ce qui pourrait représenter ce qu'on a fait avec Peck. Une sphère rouge. Voici donc une petite sphère. J' utilise ce genre de brosse poilue. Peu importe le pinceau que vous utilisez ici. Toute brosse que vous vous sentez à l'aise avec la peinture. Cette peur n'a même pas besoin d'être une sphère bien dessinée. C' est une sorte de blobby. Mettez cette peur là et faisons celle-là comme une lumière chaude. Ok, donc rouge dans la lumière chaude va probablement vous faire savoir qu'il va rester chaud, donc rester dans cette gamme va probablement augmenter en valeur la peinture de la lumière dans la lumière va descendre d'ailleurs, de cette façon. Donc, il est peindre la lumière ici et nous allons peindre l'ombre échantillon sont rouges. Et qu'est-ce qu'on va faire pour se refroidir ? Eh bien, on va descendre vers le blues comme on l'a vu, pas tout le chemin. C' est une boule rouge après tout, donc il ne peut pas aller trop loin au-delà des rouges va baisser notre valeur. Peut-être le gris un peu, ce qui est aussi un moyen de se refroidir sous mon modèle pour la température de couleur. Il fait peut-être un peu sombre. Allons un peu plus léger, et ça devrait être rapide. N' essayez pas de peindre comme des sphères parfaites que vous voulez envoyer à votre mère pour regarder. Juste ah, tu sais, juste comme ça. Et alors ce que nous pouvons faire, c'est peut-être saisir cet outil et gérer la transition. Il suffit d'adoucir un peu ce bord de la lumière à l'ombre. Et n'oublions pas de mettre une ombre dans l'ombre de l'argent. Essayons avec quelque chose d'encore plus cool comme ça. Il suffit de jouer avec les couleurs et les valeurs. Rappelez-vous ces études de l'air ces air pas comme à nouveau. Ce ne sont pas des peintures finies. Ces études sur l'air, à leur jet, ne ressentent même pas le besoin de les publier sur les réseaux sociaux ou quoi que ce soit. Ces airs, pas pour se vanter des droits en soi. C' est l'échauffement. C' est de l'exercice dans la salle de gym, l'exercice de ces muscles pour votre éventuel travail d'illustration. Ok, donc il y a une lumière chaude. Si nous le voulions, nous pourrions ajouter un point fort, qui serait tout simplement très léger. Petit spot juste là. point culminant étant le reflet de la source lumineuse. Il y a donc une sphère éclairée par une lumière chaude. Ok, allons, hum, juste nous peindre une autre petite Swatch fera la même chose. Même environnement, mais cette fois fera un rhume, comme ça, je vais prendre le même genre de rouge Mettez cette boule rouge. Même chose. Faites ça sur la même toile, aussi, au fait, comme je le fais ici, ça va vraiment vous aider à comparer. Vous savez, compréhension, couleur et la lumière, c'est faire des comparaisons comme de l'ombre chaude à fraîche, etc. Donc cette peur va être allumée avec une lumière plus fraîche. Donc nous prendrons notre couleur rouge locale cette fois au lieu de la réchauffer, en la gardant au chaud. On va le refroidir. Et bien sûr, la foudre. Um, allons-y un peu grise, juste parce que je pense que ça va aller. Hum, on y va. Il y a plus cool, non ? Et pour l'ombre, il est juste de prendre la même couleur parce qu'il est plus chaud, droit sont faits, sont basés. Couleur. Que je me suis mis ici est plus chaud que ce que je viens de faire pour les lumières. Je vais juste laisser tomber la valeur, et ça pourrait être notre ombre plus chaude. Et pour l'ombre au lieu de devenir bleue comme ça, gardons-la au chaud. Ne savons pas quelque chose ici. Supprimez la valeur. Peut-être un peu plus chaud et juste voir ce qui fonctionne pour vous à nouveau. Ce qui fonctionne n'est pas basé sur les manuels scolaires ou même ce que je dis. Ce qui fonctionne est basé sur ce que vous aimez. Maintenant, quand il s'agit d'aimer les formes et autres choses, vous pouvez toujours évidemment utiliser toutes les évaluations de forme que nous avons faites au chapitre 2. Mais la belle partie sur la peinture des sphères et c'est pourquoi je recommande de le faire est qu'il est si facile de dessiner une sphère. C' est juste un cercle rugueux, avec quelques formes faciles à compter, faciles à dessiner. Tu sais, ma forme de lumière ressemble à ça, et ma forme d'ombre ressemble à ça dans ma forme d'ombre. On dirait qu'une sphère est fondamentalement trois formes lorsque vous y ajoutez de la lumière et de l'ombre, et ils sont tous très faciles à dessiner des formes. Et maintenant, vous pouvez juste commencer à comparer, euh, les températures de couleur. Il y a donc ma sphère. Sphère rouge à la lumière fraîche. Faisons deux de plus. Euh, c'est très l'environnement. Juste pour le plaisir. Je ne sais même pas ce que je peins ici, une sorte de couleur grisâtre rougeâtre. Et puis nous allons juste faire passer ce quelque chose de plus sombre pour le sol. Cette fois a été mis une sphère blanche là-dedans. Je vais commencer par, comme ça. Voici notre annulation qui l'a vraiment mis un peu plus haut. C' est notre sphère blanche, d' accord ? Et vous pouvez voir le rythme rapide que je garde ici. C' est ce que je veux que vous fassiez quand vous étudiez ces trucs. Je suis un fervent croyant en quantité. Je ne dis pas ta qualité, Congar. Je ne dis pas ta qualité, Oh, complètement au bord du chemin. Mais la quantité est ce qui vous mènera à des peintures de qualité. Comme l'a dit un de mes profs, peignez dans la poubelle comme dans la peinture pour la poubelle comme si vous alliez la jeter. Comme l'a dit un de mes profs, peignez dans la poubelle comme dans la peinture pour la poubelle comme si vous alliez la jeter Tu ne vas montrer ça à personne. Tu vas le jeter. Et cela vous aidera à peindre plus. Faisons de ça une sphère cool, une sphère éclairée cool. Alors choisissez ma couleur ici. Et refroidissons quelque part par ici, peut-être que j'aurais pu monter ici. Ce sont aussi des refroidissants. Mais j'utilise ces couleurs sur ma sphère rouge. Allons quelque part par ici pour l'éclairer. Après tout, c'est une sphère blanche, donc ça va être très, très léger. Allons juste là-haut et peignons ça. Et maintenant, l'ombre sur une sphère blanche est en fait assez sombre. Beaucoup de gens font cette erreur. Ils vont le faire à la lumière. Mais pour mon ombre, allez plus sombre. Quelque chose comme ça. Disons maintenant que ça a presque l'air un peu mal en ce moment. Je pourrais peut-être augmenter un peu les rouges, y faire un peu plus chaud, faire la différence entre chaud et frais. Un peu plus évident. Mettons d'autres couleurs là-dedans qui sont encore plus chaudes que la lumière. Tout est correct pour Dio maintenant dans, hum, a un peu de transition douce là-bas et pour l'ombre. Allons juste obtenir une ombre plus sombre et c'est ce qui fera que la boule blanche ressemble à une boule blanche est quand l'ombre, l'ombre coulée, est encore plus sombre. Cela aidera vraiment cette boule blanche à sortir. Hum, et je ne crains même pas que ça se mêle à son environnement juste là. C' est bon, si vous n'aimez pas ça, hésitez pas à faire sombre dans le ballon. En fait, ce que je vais faire est que je vais obtenir un pinceau ici, qui est réglé sur le mode multiplicateur. Et avec ce pinceau multiplicateur, je peux juste passer dessus et sombre dedans. Si je voulais à nouveau multiplier, vous savez, assombrit votre valeur vers une couleur. Et on y va. Regarde ça. C' est juste que ça sort de ce fond. Super. Faisons un de plus fera le même type de fond e Swatch abstraite. J' adore les études comme ça. C' est juste si amusant de dio. Il y a tellement de libération. Je ne veux pas me moquer des médias sociaux, mais je recommande que vous ne ressentiez pas le besoin de publier sur les médias sociaux aussi souvent que les gens le signalent . Ce n'est vraiment pas le meilleur pour votre développement. Je ne dis pas de ne pas publier de médias sociaux. Vous devriez certainement le faire aussi, aussi, pour obtenir que c'est un bon moyen d'obtenir des commentaires, évidemment. Mais quand il s'agit de vos études, vous savez, gardez certaines choses sacrées, gardez certaines choses sous clé et les gens n'ont pas besoin de voir ça. Ils verront le résultat de ça dans votre travail. Que ce soit la surprise pour le monde. Que ça soit. Tu sais que tu fais des représentants dans la salle de gym ici. Ok, prenons la même boule blanche et nous ferons une lumière chaude cette fois. Donc d'accord, voilà ma couleur de base. C' est gentil et neutre. Aiken. Réchauffe-le en descendant de cette façon vers ce que j'appelle des teintes et des lumières plus chaudes. Nous allons le mettre dans et pour l'ombre plus fraîche, c'est déjà plus cool. Mais bon, nous allons le refroidir en allant vers les bleus plus sombres dedans. Peut-être le refroidir encore plus en devenant plus saturé de ce bleu. Et mettons-le comme ça. Si ça se sent un peu trop bleu, je peux toujours très bien et peut-être avec une couleur violette différente. Encore une fois. Si je suis dans la même chose. Si je suis dans la bonne valeur et que je suis dans la bonne relation de température, cela étant plus frais que la lumière ? Je pourrais juste faire ça. C' est bon. La couleur comme la montre. Je vais prendre un frais verdâtre. Cela fonctionnera toujours comme la couleur est extrêmement libérante. Et puis pour l'ombre. Hey, pour le pour celui-là, nous allons avoir une ombre plus douce. Je viens d'avoir un aérographe ici. Je n'ai pas mes brosses sur l'écran exprès parce que je ne veux pas que tu penses que je ne veux pas que tu choisies les mêmes brosses que j'utilise. Euh, évidemment je vous ai montré mes pinceaux pour les autres démos, mais pour celle-ci, mais pour celle-ci, juste n'importe quel pinceau avec lequel vous vous sentez à l'aise, ce qui est vrai pour toutes les autres démos de peinture, aussi. Mais quoi qu'il en soit, ce que je fais ici, c'est juste avoir une ombre plus douce juste pour s'amuser. J' en ai goûté beaucoup comme peut-être qu'on l'échantillonnerait et qu'on le ramènerait un peu dans la sphère. Goûtez ceci et assombrirez un peu. Faisons une ombre douce ici, et gérons cette transition de cette sphère pour qu'elle devienne un peu plus sombre quand elle glisse dans l' ombre. Regarde ça. Nous avons une boule blanche très intéressante, picturale et expressive avec la couleur, et c'est juste une sphère simple. Si on voulait mettre un peu de lumière sur ces gars, on pourrait. Ce 12 Je l'ai manqué si je voulais réchauffer cette couleur dans la lumière. Si ce n'est pas assez chaud, je pourrais facilement le faire. Il suffit de trébucher dans ce petit peu de chaleur ici. Et c'est un excellent moyen de vous faire tester la théorie et de la mettre en pratique. Vous savez, les études SWAT que je viens de vous montrer dans cette section sont géniales pour la théorie, comme la compréhension de la théorie de la couleur des couleurs. Et ces études SWAT sont idéales pour la pratique. C' est comme ça que j'organise cette théorie et cette pratique de la section des devoirs. Et c'est tout. donne mes deux idées de devoirs pour vous les gars. Et puis, bien sûr, vous savez plus loin que cela juste essayer de peindre vos propres photos. Bien sûr, ce qui n'est pas nécessairement des devoirs. C' est comme l'application vers laquelle nous travaillons tous. Très bien, tout le monde, ce cours est rejeté. J' espère que ça vous a plu. J' ai certainement aimé le faire. Je pense qu'on a beaucoup couvert. Je pense que nous avons gagné le titre et au-delà que j'ai marqué sur cette classe car tout ce que j'ai présenté dans cette classe est applicable non seulement aux livres pour enfants, mais certainement au-delà. Merci d'avoir regardé. J' espère vraiment que cela aidera votre art et votre développement. Je veux vous souhaiter plein succès dans votre travail, et je vous verrai dans une autre leçon.