Transcription
1. Bienvenue dans ce cours: Avez-vous déjà eu envie de
dessiner des scènes botaniques et des paysages, mais vous ne saviez où commencer ?
Bienvenue en classe. Suis Fat Fishman,
illustrateur et artiste professionnel. Ici, sur Skillshare,
je propose des cours pour les artistes
débutants
ainsi que pour les illustrateurs de
niveau intermédiaire Pour notre cours d'aujourd'hui, j'ai choisi une image de
nénuphars dans un étang J'adore dessiner des fleurs, et c'est une
merveilleuse occasion pour vous d'apprendre à
aller au-delà de la peinture, sujets
uniques et de commencer à illustrer des
mini-scènes de paysage complètes Nous travaillerons dans un style similaire à la façon dont j'ai créé les fleurs
sur une peinture murale que j'ai illustrée pour
un magasin Walmart en Oklahoma Vous découvrirez comment ajouter de la
profondeur à une petite scène, une technique précieuse que vous pourrez utiliser dans de futures peintures de
paysages plus grandes. L'une des idées clés
que nous allons explorer est la couleur. Bien que notre image de référence de classe ait une palette de
couleurs monochromatique, lorsque nous l'illustrons, nous n'avons pas à nous engager
à utiliser cette Au lieu de cela, nous pouvons
choisir des
couleurs plus vives et plus amusantes. Ce qui rend ce projet
facile à suivre, c'est que nous utilisons les mêmes
techniques partout. Donc, même si la dernière
pièce peut sembler complexe, je vais la décomposer en étapes
claires et faciles à gérer Ce cours pratique est parfait pour les artistes
qui souhaitent apprendre techniques
créatives
pouvant être appliquées à vos futurs projets de paysage
et de botanique. Vous gagnerez
en confiance, deviendrez artistique et améliorerez vos compétences en
dessin procréatif en cours de route Rejoignez-moi en classe, et
commençons.
2. Votre projet: Pour le projet de classe, nous nous concentrerons sur la création d'une mini-scène
de paysage représentant un étang aux nénuphars, commençant par un croquis rapide, puis en illustrant de grandes
feuilles et de superbes fleurs Nous vous expliquerons
le processus créatif leçons
en classe avec une approche étape par étape qui vous permettra de le suivre
de manière amusante et facile. Si vous le souhaitez,
partagez ce que vous avez gagné en classe. J'adorerais le voir. Je vous encourage
à prendre votre temps et à vous permettre d'
expérimenter en cours de route. Et j'adorerais que
vous trouviez des moyens de personnaliser votre projet de classe de
manière unique. Lorsque vous serez prêt, veuillez télécharger votre illustration dans la galerie
de la classe. Vous pouvez partager votre maquette, une esquisse rapide ou un premier brouillon. Et si vous le souhaitez, incluez
également des images de processus. J'adore suivre l'évolution de votre travail et je laisse toujours des commentaires
encourageants. Ce projet est dimensionné pour être
imprimé sous forme d'affiche. Les spécifications sont fournies en classe. Donc, si vous créez une affiche et que vous l'encadrez, veuillez partager la photo de votre
œuvre encadrée sur votre mur. J'ai vraiment hâte
de voir votre projet. Cela dit, commençons. Ensuite, nous allons commencer par
créer notre palette de couleurs.
3. Comment choisir une palette de couleurs a: Nous utiliserons l'
image de référence fournie en classe comme source d'inspiration
pour notre projet. J'ai choisi cette image parce que j' étais vraiment attirée par
sa palette de couleurs. Le but n'est pas de le copier, mais de l'utiliser comme guide faire vos propres choix
créatifs, notamment en ce qui concerne les formes de
couleurs et la composition. Lorsque nous pensons à
l'eau qui se trouve dans un étang, nous imaginons généralement de l'eau vert
bleuté et des feuilles d'un vert vif Mais sur cette image, l'
étang est assez sombre. Les feuilles apparaissent dans
différentes nuances de brun. Ce que j'aime, c' est que l'image semble
presque monochromatique En d'autres termes, la plupart des
couleurs sont étroitement liées, ce qui permet aux
fleurs de vraiment se
démarquer et
de devenir davantage le point focal. Dans cette leçon, je vais vous
montrer comment examiner image
de référence et comprendre la
relation chromatique globale qu'elle contient, puis nous utiliserons
ces observations pour créer notre
palette de couleurs. Commençons donc. Dans un premier temps, j'aime prélever quelques couleurs
directement
à partir de l'image et les
placer sur la toile. Cela m'aide à commencer à
voir la gamme de couleurs réellement
présente dans la scène. Sur cette image, je remarque
de nombreuses variations. Il existe des oranges, des bruns atténués et même des bruns
légèrement orientés vers le Maintenant, il serait très facile d' utiliser ces échantillons de
couleurs exactement tels quels Mais j'aimerais que tu prennes
un moment pour t'approprier ces couleurs. Par exemple, j'aime bien l'idée d'utiliser de l'orange dans les feuilles, mais peut-être que cette orange pourrait
être un peu plus saturée. Ce brun pourrait
légèrement virer vers le rose, et ce ton rougeâtre
pourrait devenir une teinte plus foncée De cette façon, j'
utilise les couleurs de
l'image de référence comme
source d'inspiration et de suggestion tout en créant une palette de couleurs adaptée à mon projet. Ensuite,
examinons les couleurs d'arrière-plan. La couleur foncée que nous voyons l'image peut apparaître
brune au début, mais lorsque je l'échantillonne et
que je la vérifie sur la roue chromatique de l'application, nous pouvons voir qu'il s'agit
en fait d'un bleu très foncé. Regarder la couleur de
cette façon nous aide à comprendre sa véritable orientation
sur la roue chromatique. Cela nous
permet mieux comprendre
la couleur de notre image de référence et de faire choix
plus éclairés lors de la
création de notre propre palette. Pour le fond, nous voulons
choisir des couleurs qui font les principaux éléments tels ressortir
les principaux éléments tels que
les feuilles et les
fleurs. J'ai décidé d'utiliser des couleurs
un peu plus saturées que celles que je
vois sur l'image d'origine. Pour les fleurs, nous
voulons qu'elles deviennent le point central de la pièce. Leurs couleurs
seront donc les plus vives, les plus ludiques et les plus
accrocheuses de la composition Maintenant que nous avons suivi
ce processus et que nous comprenons le fonctionnement des couleurs dans l'image et
pour notre projet, voici la palette de couleurs que j'ai
créée pour ce projet. Vous pouvez voir comment cela se rapporte aux couleurs d'origine
dans la référence, ainsi que les ajustements que j'ai apportés pour aider chaque
élément à se démarquer. Vous pouvez donc créer
votre propre palette en utilisant la même
approche ou n'
hésitez pas à télécharger
cette palette
de couleurs à partir des ressources de la classe.
4. Exercices de coloriage et d'esquisse ching: Dans cette leçon, nous allons commencer
à jouer avec les couleurs. C'est là que nous commençons à jeter
les bases de notre paix. Maintenant que nous
dessinons un étang avec mouvements dans l'eau
et de doux reflets, c'est vraiment une belle
occasion d'explorer les couleurs et les formes
d'une manière libre et ludique. Il n'est pas nécessaire d'être précis ici. Considérez cela comme un échauffement à fois
pour votre main
et pour votre créativité J'ai placé mon
image de référence à côté de la toile afin de pouvoir la regarder comme source d'inspiration
pendant que je travaille. J'ai déjà mes
couleurs de fond dans ma palette, et maintenant je vais choisir un pinceau large et doux
pour commencer. C'est toujours une bonne
idée d'essayer quelques pinceaux et de voir
ce qui vous convient le mieux. Je veux que mes coups de pinceau
restent souples et expressifs. J'utilise donc un
pinceau blanc doux de mon propre ensemble de pinceaux. Si vous souhaitez utiliser
les mêmes pinceaux, vous trouverez le lien dans
les descriptions des projets. Mais n'hésitez pas à explorer vos propres pinceaux et à trouver
quelque chose avec un toucher similaire. Lorsque nous commencerons à créer
l'arrière-plan, nous suivrons librement les formes que nous voyons dans l'image de référence Maintenant, je passe à
un violet plus foncé et peins
doucement la
partie supérieure du lien J'aime vraiment
tout peindre à la main. C'est une façon calme et
relaxante de travailler, et c'est vraiment le but de
cette étape simplement profiter du processus. Si vous le souhaitez, vous pouvez
également utiliser l'outil de maculage, l'
icône du petit doigt en haut Il est idéal pour mélanger les
couleurs, adoucir les bords et créer ces transitions
douces qui se marient si bien à l' Très bien, ça commence
à être vraiment beau. Alors, ajoutons une autre couleur. J'utilise un violet plus clair
pour ajouter des formes abstraites. Cela peut suggérer des reflets ou des ombres
subtiles sur
la surface du lien, puis je vais répéter la
même idée avec un ton bleu, le
superposant légèrement
sur l'arrière-plan C'est un excellent moyen de réchauffer votre main tout en
constituant une base riche et colorée pour
votre illustration. J'aime penser à la couleur comme point
de départ de
l'inspiration. Commencer par
quelque chose de ludique et agréable aide donc vraiment à donner le ton pour le
reste du projet. Maintenant que notre
arrière-plan est en place, passons à l'esquisse
des principaux éléments Prenez votre pinceau et commencez à dessiner légèrement les feuilles et les fleurs de
lys Ce faisant, faites
attention à la façon dont les
feuilles sont positionnées. J'aime particulièrement
cette petite forme de V à la base de chaque feuille. Essayez de l'inclure et de varier légèrement
l'angle d'
une feuille à l'autre. Pensez également aux variations
de taille. Certaines feuilles peuvent être plus grandes, d'autres plus petites. Cela permet de créer une
composition plus naturelle et plus intéressante. Et si vous n'êtes pas sûr de
pouvoir tirer parti de l'observation, c'est
tout à fait normal. Vous pouvez
faciliter cette étape en plaçant l'image de référence directement sur votre toile et en créant
une nouvelle couche sur le dessus, puis en traçant les
formes principales pour guider votre dessin. Le traçage est donc un
excellent moyen de démarrer votre projet sans vous
soucier de votre capacité à
dessiner à partir de l'observation. Dans n'importe quel projet, vous pouvez toujours vous
aider en
passant simplement à cette étape L'une des choses que j'aime
vraiment travail numérique, c'
est sa flexibilité Vous pouvez toujours ajuster votre
croquis, redimensionner des éléments, déplacer des objets ou même
agrandir un peu les fleurs pour qu'elles ressortent
davantage dans la composition Bien, maintenant que nous sommes
tous réchauffés et prêts et nous avons trouvé les bases
de la prochaine leçon, nous allons masquer les formes de
nos feuilles et ajouter de la
couleur à ce projet
5. Créer un flux et une composition: Avant de commencer à dessiner,
je souhaite partager une idée rapide sur la création de profondeur dans les
illustrations de paysages. En général, les éléments
les plus proches de nous ont tendance à avoir des couleurs intenses plus
saturées. Au fur et à mesure que les objets
s'éloignent, ils deviennent plus clairs, plus froids et moins détaillés fur et à mesure
qu'ils
passent au second plan. Garder cela à l'esprit nous
aidera à créer une impression de profondeur dans notre scène de
nénuphars, même dans une petite composition comme celle que nous créons
ensemble en classe. Je vais commencer par dessiner les contours des
feuilles et des fleurs, puis peindre l'intérieur de chaque feuille. Je recommande de dessiner avec un pinceau encreur pour cette
étape du processus. Vous pouvez vous référer à votre image de
référence pour vous aider à placer chaque élément sur le canevas et à utiliser votre
croquis comme guide. Essayez de remarquer où
les feuilles se chevauchent, comment elles sont espacées et le flux général de
la composition À ce stade, nous ne
faisons que bloquer nos formes et
jeter les bases des prochaines étapes. Pour ce projet, nous allons créer une couche différente pour
chaque groupe de feuilles. J'ai donné à mon calque le nom se trouve en haut de la
composition, celui des feuilles. Ensuite, créons une
nouvelle couche de feuilles
au milieu et passons à
une couleur légèrement plus foncée. Ici, je veux essayer
une autre technique pour dessiner les feuilles de
nénuphar Commençons par créer
une forme ovale. Ajoutez ensuite les bords
irréguliers des feuilles tout autour pour créer un aspect et une sensation
organiques. C'est un excellent moyen de colorier les formes de
vos feuilles si vous souhaitez avoir plus de
contrôle sur votre dessin. L'étape suivante serait de dessiner la découpe en V à la base de la feuille et de colorer la
forme. J'adore colorier mes
feuilles à la main. C'est amusant et ça m'aide à me mettre
dans un état d'esprit artistique. Lorsque vous dessinez les feuilles de
nénuphar, gardez quelques idées clés à l'esprit. Optez pour un look organique stylisé aux contours légèrement
irréguliers, inspiré de la photo de référence Remarquez la forme de la feuille. Il a la forme d'un cœur, commençant par le
V à la base et se terminant par une pointe légèrement pointue. Et enfin, variez la
direction des feuilles pour créer une composition plus naturelle et
intéressante. Enfin, nous allons créer
la troisième couche de feuilles en utilisant la
couleur la plus foncée de notre palette À ce stade, nous sommes vraiment jeter les
bases
de l'ensemble de la pièce. Au cours des prochaines étapes, nous donnerons vie à tout avec des coups de pinceau expressifs, en ajoutant de la dimension, de la texture
et un intérêt visuel accru. Prenez donc votre temps ici et concentrez-vous sur la création de formes
claires et fiables. Au fur et à mesure que je terminerai cette étape, je vais également affiner les fleurs, travaillant sur chacune d'elles
sur une couche séparée. Cela me donne plus de flexibilité pour les ajuster et
les améliorer au fur et à mesure. J'aime utiliser la
gomme pour façonner
les pétales et créer des bords
légèrement plus nets. Cela donne aux fleurs
plus de définition, look
stylisé que
j'apprécie vraiment Gardez donc votre forme simple. Faites confiance à votre main et profitez l'étape de création de
votre composition.
6. Découverte des pinceaux et des textures: Dans cette leçon, nous allons
explorer le pinceau et commencer superposer des couches de couleur pour ajouter de la profondeur
et de la variation à nos feuilles J'ai placé une image des fleurs
de ma peinture murale pour Walmart à côté de ma
toile comme source d' J'aimerais créer
quelque chose de similaire ici, en apportant le même style
de texture
douce nos feuilles de nénuphar Commençons donc par les feuilles
les plus sombres, les plus proches de nous
dans la composition Commencez par ajouter une
nouvelle couche au-dessus votre couche de feuilles et
définissez-la comme masque de découpe Ce sera votre couche de texture. Maintenant, choisissons un pinceau. Pour cette étape, je
recherche quelque chose de large et doux qui me permettra créer des transitions de
couleurs douces. J'aime bien tester quelques
pinceaux avant de me décider. Et ici, j'essaie les
pinceaux de mes sélections. Je vais tester le pinceau à tisser de mes
rêves, le Jellybean et les pinceaux
Misty Chacun a une texture légèrement
différente, et c'est vraiment
le processus que je suit lorsque je crée
mes propres projets, comme je le fais ici. J'ai peut-être une idée
du pinceau que j'aimerais utiliser, je ne peux pas en être certain avant d'avoir abord
testé quelques
options de pinceaux. Donc, pour ces feuilles, je vise un look très
doux et subtil. Je vais donc revenir à
ma brosse Soft Flow. C'est mon pinceau le plus doux, et il
convient parfaitement à ce type de superposition
douce Passons maintenant à l'étape
suivante, celle de la superposition des couleurs. Au lieu de laisser aux
feuilles une seule couleur uniforme, nous allons créer des
variations en ajoutant zones de
couleur
douces et abstraites sur le dessus, en choisissant couleurs proches
de la couleur de base de votre feuille et en peignant légèrement de grandes
formes douces sur la feuille. Il s'agit d'un processus amusant et
ludique. Alors soyez simplement ici et explorez. Vous pouvez ajouter des zones légèrement plus claires et
plus lumineuses ainsi que
quelques tons plus profonds, et cette
variation douce donnera
aux feuilles un aspect plus
vivant et plus dimensionnel. Prenez votre temps ici et
détendez votre main. Pensez à cela comme une
coloration douce de la feuille avec couleur plutôt que de
peindre les détails. Et si vous vous souvenez que sur
notre photo de référence, il y avait beaucoup de jeux
de lumière au-dessus des feuilles. C'est donc une sorte d'effet que
nous cherchons à créer ici. Comme nous travaillons par couches, vous pouvez toujours effectuer des ajustements. Et si
vous avez l'impression d'en avoir trop ajouté, vous pouvez utiliser la gomme pour
supprimer une partie de la texture Un conseil utile ici est de régler votre pinceau à effacer le même pinceau que celui que vous
utilisez pour peindre Et cela permet à tout
de rester souple et uniforme. Passons maintenant
à l'ajout de détails. Créez un autre calque et
définissez-le comme masque de découpage. Passons ensuite
à un pinceau à crayon. J'utiliserai mon pinceau pour dessiner les nervures des feuilles. Gardez vos lignes organiques
et légèrement imparfaites. Ils doivent être naturels mais aussi intentionnels
et stylisés Nous n'essayons pas de dessiner
exactement d'après la nature, mais une sorte de
version stylisée de ce que nous voyons Suivez le flux de la feuille. Il y a une
ligne très précise au milieu,
et à partir de cette ligne, nous avons des lignes plus fines qui
se ramifient Et laissez vos lignes se courber et se ramifier très
doucement et naturellement Vous pouvez également tester les
modes
de fusion de vos couches pour voir ce qui convient
le mieux à votre style Parfois, la réduction de l'opacité ou l'utilisation d'un
mode de fusion peuvent aider la couche détaillée à s'adapter plus naturellement aux
couleurs et aux textures ci-dessous Vous avez suivi
mes autres cours, vous savez que tester
différents modes de mélange est quelque chose que
vous me verrez souvent faire Cela peut également
m'inspirer dans mes choix de couleurs. Pendant que vous me regarderez travailler sur
la prochaine série de feuilles, j'emprunterai le bleu clair
que j'ai vérifié avec l'un
de ces modes de mélange, et je l'utiliserai lorsque je dessinerai
la prochaine série de feuilles Je vais répéter ce processus
sur toutes vos feuilles, en prenant votre temps pour approfondir
progressivement les détails. C'est une étape vraiment agréable où vos formes
commencent à prendre vie. Ayez confiance en
votre processus, relâchez vos mouvements et n'ayez pas peur d'
expérimenter un peu au fur et à mesure.
7. Créer de la profondeur dans vos feuilles: Continuons en complétant la coloration des couches de
feuilles restantes de notre projet. Dans cette leçon, je souhaite expliquer
comment nous utilisons superposition des
couleurs et le pinceau dans les différentes parties
de la composition Même si nous
travaillons sur de nouvelles feuilles, le processus reste très similaire à ce que nous avons fait dans
la leçon précédente. Commencez par ajouter une
nouvelle couche au-dessus vos feuilles et définissez-la
comme masque de découpe Ce sera votre espace pour
créer de la couleur et de la texture. Au début, faites attention à
votre couleur de base. Ces feuilles sont plus claires que celles
du premier ensemble sur lequel nous avons travaillé Les couleurs
que vous superposez
doivent
donc rester dans la même famille, juste légèrement plus claires
ou plus saturées. Dans le même temps,
nous pouvons introduire quelques tons plus foncés pour créer de la
profondeur et donner plus de dimension aux
feuilles. Considérez cette étape comme
une exploration douce. Nous n'essayons pas de
perfectionner quoi que ce soit. Nous créons plutôt de légères variations de
couleur
à l'aide de coups de pinceau lâches et
expressifs. Laissez votre main bouger librement
et laissez les couleurs se mélanger et se chevaucher de
manière organique. Vous pouvez utiliser un pinceau
souple et large pour créer des transitions
subtiles et
superposer progressivement les couleurs. Essayez d'ajouter de plus grandes
zones de couleur claire, puis équilibrez-les avec
quelques tons plus profonds. C'est ce contraste qui donne aux feuilles un aspect plus
dynamique et plus vivant. Vous travaillez, vous prenez du recul de
temps en temps et vous
regardez votre composition. Remarquez comment les couleurs interagissent entre les différentes couches
de feuilles. Cela vous permet de conserver un sentiment
d'harmonie dans l'ensemble de la pièce. Et n'oubliez pas qu'il s'agit d'une partie
ludique du processus. Vous pouvez toujours ajuster,
ajouter de la couleur ou effacer doucement pour révéler
ce qui se trouve en dessous. Il y a beaucoup de
flexibilité ici, alors prenez votre temps et profitez-en. Ensuite, nous allons dessiner les
nervures sur nos feuilles. Je choisis une couleur
bleu clair et j'utilise le pinceau pour dessiner
ces lignes fines et détaillées. Si vous vous souvenez, j'ai expliqué dans la
leçon précédente comment le fait de passer mode de
fusion à un autre peut vous
inspirer dans le choix des couleurs Eh bien, ce bleu a été inspiré
par cette exploration des couleurs. Lorsque vous illustrez les nervures de
ces feuilles,
veillez à ce que vos lignes soient organiques
et légèrement imparfaites Ils doivent être naturels mais aussi intentionnels et stylisés Suivez le flux de la feuille laissant vos lignes se courber et se
ramifier doucement à partir de
la nervure centrale. Nous pouvons répéter ce processus
sur les feuilles restantes, mais nous pouvons également dupliquer
cette couche, puis l'ajuster pour qu'elle s'
adapte à une autre feuille. Je vais répéter le même processus
avec le dernier jeu de feuilles. Au début, j'essaie de superposer une couleur
plus claire et plus froide sur ces feuilles orange vif simplement parce que c'est
la dernière couleur que j'ai utilisée Explorer les différentes options de
couleurs est quelque chose que je fais tout le temps. Cela fait partie du processus de
création. Mais dans ce cas, nous voulons rester plus proches de la couleur de
base des feuilles. Ce bleu semblait trop différent. J'ai créé trop de contraste et détourné l'attention de
l'harmonie de la pièce. Je recommande donc plutôt de
superposer des couleurs
plus proches des oranges plus
clairs, des jaunes
doux et des rouges chauds d'origine jaunes
doux et des rouges chauds d' maintenant à la dernière étape, dessinons les nervures sur les feuilles
comme nous l'avons fait auparavant. Créez un nouveau calque,
définissez-le comme masque de découpage et passez à votre pinceau Tracez les nervures
en
suivant la
forme naturelle de chaque feuille à l'aide de lignes douces et fluides . Gardez vos lignes légèrement
variées et organiques. Cela donnera à vos feuilles une sensation plus naturelle et plus
expressive. Vous pouvez également régler l'opacité ou essayer différents modes de
fusion pour que
les veines s'adaptent parfaitement aux couleurs et aux textures que
vous avez déjà créées C'est le temps que vous passez à cette étape. C'est là que tout
commence à se réunir. Lorsque vous avez terminé, remarquez comment le fait de répéter le
même processus simple sur différentes feuilles crée un sentiment d'unité dans
votre illustration. Chaque feuille est un peu différente, mais elles vont toutes ensemble car nous utilisons les mêmes
techniques partout. Et n'oubliez pas que cette
étape porte autant sur l'exploration
que sur les techniques. Ayez confiance en vos choix, appréciez
le processus de création et n'ayez pas peur de faire petits ajustements en cours de route.
8. Détails : Faire ressortir vos feuilles: À ce stade, nos feuilles semblent
déjà complètes, mais j'aimerais aller
encore plus loin et les
faire vraiment ressortir. ce faire, nous allons ajouter
des reflets et quelques détails de finition
qui apporteront plus de dynamisme et
d'intérêt visuel aux feuilles Pour commencer, ajoutez une nouvelle couche
et placez-la entre vos couches existantes au-dessus la couche de texture et en dessous de
la couche veineuse détaillée. Ce placement permettra
aux reflets de bien
se fondre dans les couleurs tout
en restant en dessous des lignes
que nous voulons conserver Je vais maintenant tester une couleur
rouge très vive sur les feuilles. Ce que je recherche vraiment ici n'
est pas seulement la couleur elle-même, mais aussi la façon dont elle interagit avec
les couches sous-jacentes Je vais donc aller de l'avant et explorer les
différents modes de fusion. Dans ce cas, le mode de fusion de
saturation fonctionne très bien Il met en valeur la couleur
sans altérer la texture, et je veux que tout soit
brillant pour le mettre en valeur Répétez cette étape pour
tous les groupes de feuilles. N'oubliez pas que chaque ensemble de feuilles peut réagir
un peu différemment, surtout si la
couleur de base est plus claire ou plus foncée. Prenez le temps de tester
différents modes de fusion pour chaque groupe de couches et de voir celui qui
convient le mieux à votre pièce Lorsque vous peignez, optez pour un pinceau stylisé et
intentionnel.
J'aime créer des formes douces, des
arches, des formes courbes et rondes J'aime la façon dont tout
apparaît et prend
vraiment vie
avec cette étape supplémentaire Vous commencerez à remarquer à
quel point cet ajout
subtil donne plus de vie et de
mouvement aux feuilles. C'est exactement l'effet que
nous recherchons. Maintenant, pour la touche finale, ajoutez un autre nouveau calque et
définissez-le comme masque de découpage Pour cette étape, passez à un pinceau
plus petit et plus précis. J'utilise mon pinceau à doublure, qui est idéal pour nettoyer les détails
non texturés Nous allons dessiner
le long des bords de chaque feuille pour créer une
impression de dimension. Presque comme si
les bords étaient légèrement surélevés. Choisissez deux tons d'
une couleur similaire, l'un plus clair, l'autre plus foncé, pour dessiner ces bords. Utilisez le ton le plus clair pour mettre en évidence les parties
des bords susceptibles d' être touchées par la
lumière et le
ton plus foncé pour ajouter une ombre subtile. Pendant que vous dessinez, laissez votre ligne
se déplacer doucement pour
imiter le
bord naturel légèrement irrégulier de la feuille Evitez de le rendre trop parfait. Ces petites variations
sont ce qui le
rend vraiment plus
organique et vivant. Travaillez lentement autour de chaque feuille, en ajoutant juste assez de
détails pour définir la forme sans
la surcharger. Cette dernière étape permet vraiment de tout
rassembler. Il donne à vos feuilles un aspect fini et poli tout en
conservant cette douce sensation
picturale Prenez un moment pour prendre du recul
et regarder votre travail. Vous verrez comment ces
reflets et bords
raffinés font
ressortir les feuilles et leur donnent un aspect
plus dimensionnel. Profitez donc de cette étape
de votre projet, donnez à vos feuilles de nénuphar
un bel aspect fini. Ensuite, je veux vous montrer
comment nous dessinons les fleurs de
nénuphar. Je te verrai dans la prochaine leçon.
9. Dessiner le nénuphar : forme et structure: Nous passons à l'une des parties
les plus passionnantes du projet, à savoir
la création des fleurs. À ce stade, maintenant que j'ai défini le
style général de cette pièce,
je me sens à l'aise pour ajuster
mon croquis initial. J'aimerais que les fleurs
suivent d'
un peu plus près
la structure d'un vrai nénuphar. C'est le moment idéal pour vous
rappeler de rester flexible. Il est tout à fait naturel votre idée évolue au fur et à mesure que vous travaillez. Commençons par
dessiner à
nouveau la fleur en utilisant l'
image de référence comme guide Commencez par le centre
du nénuphar, qui a la forme d'une larme À partir de là, dessinez les
pétales qui l'entourent. Au fur et à mesure que vous dessinez, remarquez à quel point
les pétales sont organiques, forme
similaire,
mais pas identiques. Au fur et à mesure qu'ils s'étendent vers l'extérieur, chaque pétale change légèrement
de taille et de direction J'aime dessiner des pétales
légèrement plus grands sous ceux du haut. Cela permet de créer cet aspect
stratifié
si caractéristique des fleurs de
nénuphar. Chaque pétale a la forme d'une larme
allongée, commençant à la base de la fleur et s'étendant sur tout
le pourtour
. Petit rappel :
n'hésitez pas à retracer l'image de référence si vous avez mal à dessiner à
partir de l'observation. Une fois que vous êtes
satisfait de votre croquis, commençons à créer les formes. Créez une nouvelle couche pour
le centre de la fleur. J'utilise mon pinceau et sélectionne le blanc dans
ma palette de couleurs. J'aime dessiner et toucher
la forme à la main. Cela permet de conserver un aspect
doux et naturel, et j'adore dessiner et colorier même ces
éléments de base de l'objet, c'est tellement amusant et relaxant Ensuite, créez une autre couche en dessous du centre et commencez à
bloquer les pétales. À ce stade, il est utile de
réfléchir à l'avance et de
planifier vos couches. Essayez d'imaginer que votre
farine est composée
d' environ trois
couches de pétales, empilées les unes au-dessus des
autres sous le centre C'est la couche inférieure, j'ai
donc choisi
la plupart des gros pétales pour les mettre en
toile de fond de la farine. Pour vous faciliter la tâche, vous pouvez réduire l'opacité de
la couche sur laquelle vous travaillez Cela vous permet de voir
clairement ce qu'il y a en dessous et
de décider où placer les prochains pétales. Ajoutez une nouvelle couche
et, au fur et à mesure que vous dessinez, essayez de séparer
visuellement les pétales. Les pétales placés côte à côte ou légèrement touchés à la base peuvent
être dessinés sur la même couche. Mais si un pétale en chevauche un autre, il est préférable de le placer
sur une couche séparée Cette
approche de superposition permet d'éviter un aspect plat ou encombré et donne une impression de profondeur et de
structure à la fleur Prenez votre temps à cette étape. Il s'agit vraiment d'organiser vos formes de manière réfléchie. Et c'est à peu près tout. Pour cette étape, nous avons maintenant la structure principale du
nénuphar construite à partir de plusieurs couches, le centre et les pétales. Vous pouvez rétablir l'opacité
de vos couches
et, à l'étape suivante, et, à l'étape suivante, nous commencerons à ajouter de la texture et couleur pour donner vie à la
fleur
10. Dessiner le nénuphar : textures et définition: Dans cette leçon, je veux vous
montrer comment donner plus de définition et de
profondeur à vos fleurs. Commençons donc par accéder à nos couches et définir
chacune d'elles sur Alpha loq Vous pouvez le faire en appuyant sur
la couche et en sélectionnant Alpha Log ou en balayant deux doigts vers la
droite Ensuite, choisissons un pinceau. Je préfère un look pictural plus
expressif, alors je vais utiliser mon pinceau à gravure sèche Il a cette texture sèche légèrement
rugueuse qui ressemble à un
vrai pinceau sec. Maintenant, choisissons une couleur. J'aimerais que mes fleurs
soient chaudes. Je choisis donc
l'une des oranges
de ma palette quelque part
dans le milieu de gamme, et en utilisant une touche très légère, commence à colorer
les pétales, commençant par le centre de
la fleur et en allant vers l'extérieur Essayez de laisser une grande
partie du blanc visible, en particulier sur les bords. Ce contraste permettra de définir
la forme de chaque pétale. Nous allons répéter le même processus sur chaque couche de pétales, en
travaillant doucement, en augmentant lentement la couleur et en conservant ce léger dégradé
du centre vers le bord Au fur et à mesure que vous passez d'une
couche à l'autre, vous commencerez à voir
la structure de la fleur
apparaître plus clairement. Chaque couche ajoute un peu plus de profondeur et de richesse au fur et à mesure que nous créons définition et ajoutons une texture
douce à la fleur pour lui
donner vie. Passons maintenant au
centre de la fleur. J'aime ajouter de la couleur
principalement autour de la base tout en laissant
le dessus plus clair, afin qu'il
ressorte sur les pétales. À ce stade, j'aime
approfondir un peu plus la couleur. Je vais introduire une autre couche de pinceau en utilisant un
rose plus foncé de la palette Encore une fois, en travaillant doucement
et intentionnellement. J'ajouterai cette couleur principalement
à la base de chaque pétale et je la
mélangerai doucement vers l' Je fais attention à ne pas
recouvrir complètement l'orange. Je veux que les deux couleurs
fonctionnent ensemble. Lorsque vous répétez cette étape
sur les couches de pétales,
considérez cela comme une
accumulation de couches de couleur douces Pensez-y comme si vous ajoutiez
une texture douce. Appliquez une légère pression et laissez les couleurs se chevaucher
de façon naturelle. Ces changements subtils
créent de la texture et donnent à la fleur une sensation plus dimensionnelle, plus
vive et plus chaleureuse. Essayons maintenant une nouvelle technique mélange avec l'outil de maculage. Sélectionnez l'outil de maculage
représenté par l'icône en forme de doigt dans le menu de la barre supérieure et choisissez le même pinceau à gravure sèche que celui que
nous avons utilisé pour peindre Cela aidera à maintenir la
consistance de la texture. Utilisez l'outil de maculage pour mélanger
délicatement les
couleurs de chaque pétale Prêtez attention à votre direction. Lorsque vous mélangez du
centre vers l'extérieur, vous apportez plus de couleur
sur les bords Si vous mélangez de
l'extérieur vers l'intérieur, vous adoucirez la couleur et
révélerez davantage de tons
clairs Ce
mouvement de va-et-vient vous aide à trouver un équilibre entre
la couleur et la lumière. C'est cet équilibre
qui crée de la profondeur et donne aux pétales
un aspect doux et naturel. Veillez à utiliser un toucher très
léger ici. Nous voulons adoucir les transitions
tout en gardant une partie de ce
pinceau texturé visible J'aimerais vraiment que tu te
sentes à l'aise avec
cette technique. Regardons donc le processus
complet avant de passer
à l'étape suivante. Lorsque je travaille sur la couche supérieure, le centre de la fleur, j'aime
être un peu plus intentionnel. Vous pouvez utiliser cette étape pour
définir des formes plus petites
au centre en
faisant glisser doucement les tons clairs
entre les plus foncés. Vous pouvez suggérer de minuscules pétales qui commencent tout juste à s'ouvrir. Je vais affiner la forme en
ajoutant une touche d'orange, mélangeant avec le rose et en la brossant doucement sur les zones les
plus claires Prenez donc votre temps ici
et profitez du processus. C'est là que votre fleur commence
vraiment à prendre vie. Dans les dernières leçons qui suivent, je vais vous montrer comment
entrer dans les détails avec un petit pinceau
pour créer des
pétales pliants et des mouvements
dans la fleur.
11. Créer du mouvement et de l'éclat: Rentrons dans les détails et
donnons vie à cette fleur. Je vais en ajouter une couche au-dessus des pétales de fleurs et la
placer dans un masque à découper C'est une étape que nous allons répéter avec toutes les couches de fleurs au fur et à mesure que
nous leur ajouterons de la vie. Ensuite, choisissons un pinceau. J'ai choisi mon pinceau. Il est super polyvalent et possède une texture granuleuse
intégrée Dessinons les bords
du pétale de fleur, comme suit. Remarquez comment j'ai commencé mon trait
près du bout des pétales, puis j'ai continué à dessiner à l'intérieur la forme du pétale
avec une ligne ondulée. Ensuite, je veux marquer les lignes à la surface des pétales, comme ça. Maintenant que nous
utilisons un pinceau, nous pouvons l'utiliser pour
ajouter des textures et de la profondeur. Comme je l'ai déjà mentionné, c'est un pinceau très polyvalent, c'est pourquoi je
l'adore et je l'utilise comme l'un de mes premiers choix
lorsque je choisis un pinceau à dessin. Nous pouvons modifier la pression
de notre main pour créer lignes
plus épaisses et contrôler la densité de notre coloration
lorsque nous ajoutons de l'ombrage Regardez comment j'ai laissé
des pétales de fleurs avec juste un contour
des bords et d'autres qui ont été colorés pour mieux définir leur
dimension et leur profondeur. J'ai intentionnellement créé
ces variations de couleur pour obtenir un look plus diversifié et
intéressant. Commençons donc par tracer ces
lignes parallèles nettes à travers les pétales, puis nous ferons de même avec tous les
autres pétales de cette couche. Comme ce sont les pétales supérieurs, nous ajouterons le plus de
détails sur eux, puis nous ajouterons moins de
détails sur les couches ci-dessous. Nous voulons donc que ces
pétales supérieurs ressortent le plus, car ils se trouvent
au centre de la farine. Je peux également choisir le blanc
comme couleur et voir à quel point il est
beau lorsque nous
dessinons les lignes blanches
au-dessus de la fleur colorée. De plus, le fait de dessiner les bords blancs sur les pétales les
fait vraiment ressortir. J'essaie de garder
les couleurs que j'utilise pour ces détails cohérentes, alors je change de couleur. Parfois, je mélange même deux
couleurs sur le même
pétale de fleur , comme l'orange et le rose
ou une couleur avec le blanc J'aimerais maintenant
vous montrer une nouvelle technique. Créons un pli à l'
extrémité du pétale de fleur. Imaginez la pointe
repliée vers le
centre de la fleur Pour ce faire, nous
devons nous diriger vers
nos couches et libérer le masque
de verrouillage alpha de la couche. Nous allons maintenant retirer ou effacer le bout du pétale
et créer des bords arrondis N'oubliez pas que nous avons deux couches
pour chaque partie de la fleur, une pour les pétales et une pour les détails dessinés au crayon. J'ai supprimé une partie de
la couche de base. Répétons donc ce processus
avec la dernière couche de pétales. Je vais retirer le masque, puis effacer le bout du pétale
pour créer une finition arrondie. Ensuite, nous ajoutons une couche pour dessiner tous les jolis détails
sur le dessus et nous l'utilisons pour dessiner le bout du pétale plié et ajouter ces lignes parallèles par-dessus
pour ajouter de la texture à notre pétale C'est une étape vraiment amusante. Tu peux faire une expérience. Par exemple, vous pouvez ajouter une teinte douce au pétale inférieur,
puis
le mélanger délicatement à l'aide un outil de maculage pour créer une transition
fluide À partir de là, vous pouvez revenir en arrière et ajouter un peu de définition
sur les bords. Au fur et à mesure que vous travaillez
, vous donnez vie à
chaque pétale Déplacez-vous sur toutes les couches
que vous avez créées pour la fleur, en
ajoutant de subtils changements de couleur et de détails, afin que les pétales
aient l'impression de se plier et de
capter la lumière. Essayez de faire de petites variations
d'un pétale à l'autre. Cela permet à la fleur de se sentir plus
naturelle et plus active. Une
teinte légèrement différente, un mélange plus doux ou un bord plus net peuvent faire toute la différence.
Prends ton temps. C'est là que votre fleur se réunit
vraiment et commence à être
vibrante et vivante.
12. Les touches finales au centre de la fleur: Concentrons-nous maintenant sur le centre
de la fleur. C'est la
partie la plus détaillée et la plus accrocheuse de la fleur. Prenez un moment pour regarder
votre image de référence. J'aime le garder
visible sur ma toile afin de pouvoir le regarder pendant que je travaille. C'est un excellent moyen de rester inspiré et de guider
vos décisions. Pour commencer, ajoutez une nouvelle couche
au-dessus du centre de la fleur. Ce sera votre couche détaillée. À l'aide du pinceau, commencez à affiner ce que
vous avez déjà. À ce stade, nous n'
ajoutons pas de formes complètement nouvelles. Nous améliorons et définissons les formes de pétales qui
existent déjà J'aime me concentrer sur ces petits pétales fermés qui se trouvent au
centre de la fleur. Comme nous avons déjà
créé une transition douce entre le blanc en haut et les tons
plus foncés en bas, cette étape devient beaucoup plus simple. Il me suffit de
les définir avec mes traits de crayon. Maintenant, ajoutons
des couleurs plus vives. Regardez l'image de
référence. Vous remarquerez ces
magnifiques oranges et rouges dans les zones où les
pétales ont commencé à s'ouvrir. C'est une excellente occasion
de rendre le centre dynamique et
encore plus expressif. Commencez par ajouter ces
tons chauds au centre de votre fleur. Inscrivez doucement la couleur au crayon. Utilisez ensuite l'outil de maculage
pour l'adoucir et le mélanger afin qu'il soit intégré
aux couches sous-jacentes Une fois que vous avez cette base, revenez avec une orange plus claire et commencez à ajouter un definitian Utilisez-le pour suggérer les petits
pétales fermés situés au centre, garder votre trait
doux et contrôlé. Ensuite, nous pouvons passer au blanc pour affiner
encore ces détails. L'ajout de blanc sur le dessus
permet à ces petites formes de
se démarquer et donne au
centre lumière et clarté. J'adore vraiment cette étape. En passant
simplement d'une couleur à l'
autre, vous pouvez créer un
beau contraste et donner au centre une sensation de richesse, de
détail et de vie. Ensuite, ajoutons une nouvelle couche
au-dessus du centre de la fleur. Cette fois, nous n'
utiliserons pas de masque de découpage. Nous voulons avoir la liberté de dessiner
au-delà des formes existantes. Et comme nos mains
sont déjà chaudes, nous pouvons
nous permettre d'être vraiment ludiques et créatifs lorsque nous apportons la
touche finale à notre projet. Commencez par choisir
le rose foncé dans votre palette et
dessinez légèrement de petites formes ovales. Elles représentent les étamines, où se trouve le pollen,
et elles ajouteront des détails amusants et
ludiques au centre À partir de là, j'aimerais que tu te détendes un peu et que tu
dessines plus librement Il s'agit d'une étape plus intuitive. Il s'agit moins de suivre exactement la
référence réagir
à ce que vous ressentez, ce que
vous voyez et à ce que vous pensez
vouloir ajouter à votre dessin. Vous pouvez suggérer doucement
quelques pétales ouverts supplémentaires en dessinant des contours doux
autour du centre Vous pouvez également affiner la forme générale du centre de
la fleur, ajustant
légèrement au
fur et à mesure. Utilisez des touches rapides et légères. Ils n'ont pas besoin d'être
parfaits ou uniformes. Vous créez de
la texture et du mouvement, en laissant l'œil
se concentrer sur le reste. Ensuite, retournez dedans et ajoutez d'autres petits points et marques
pour suggérer le pollen. C'est une scène ludique où
tout est réuni. Pensez-vous que cela suffit ou devrions-nous en ajouter plus à la farine ? Pour Meat,
tout fonctionne maintenant. J'aime la façon dont les pétales et le centre
détaillé se marient. J'espère que vous aimerez dessiner la fleur de nénuphar
avec moi. Ensuite, nous utiliserons
cette fleur pour créer la deuxième fleur
et terminer notre projet.
13. Dupliquer et ajuster les couleurs: Dans cette leçon, nous allons développer
notre composition en créant une deuxième fleur et en veillant qu'elle soit similaire
mais pas identique. Mais d'abord,
rangeons nos couches. Commencez par organiser
vos couches de fleurs. J'aime d'abord
regrouper toutes les couches centrales des
fleurs, puis créer un groupe principal qui inclut la farine entière. Cela permet de tout garder
propre et facile à gérer. Vous pouvez également supprimer les couches vous n'avez plus besoin pour
laisser de la place à d'autres couches. Certains appareils ont un nombre
limité de couches, c'est
donc une bonne habitude de
garder les choses organisées. Vous pouvez également aplatir vos groupes de couches de feuilles si
vous avez besoin de libérer de l'espace Dupliquons maintenant
le groupe
de fleurs pour créer notre deuxième fleur. Une fois le
groupe de doublons sélectionné, utilisez cet outil de transformation
et retournez-le horizontalement. Mettez-la en place
à côté de votre première fleur et commencez à réfléchir à la façon dont elle
s'intègre à votre composition. Pour que cette deuxième fleur soit un
peu différente, passez de la forme uniforme à la forme libre dans vos paramètres
de transformation Cela vous permet de régler la hauteur et la largeur
indépendamment. Commençons donc par sélectionner le centre de la fleur et
en utilisant la forme libre, vous pouvez le raccourcir légèrement ou ajuster ses proportions. Même de petits changements peuvent faire une différence
notable, car nos yeux sont très entraînés
à reconnaître les modèles. Donc, si quelque chose est
exactement comme l'autre, l'œil le
reconnaîtra immédiatement. Vous souhaitez apporter
ces petits changements. Revenons ensuite
à vos couches
et commençons à fusionner des
parties de la farine Pour fusionner, vous pouvez simplement choisir dans le menu
déroulant et fusionner les
couches vers le bas ou pincer chaque couche de pétales avec
sa couche détaillée, pour fusionner les couches Ainsi, chaque section devient
une seule couche. Maintenant, à l'aide de cet outil de
transformation, ajustez
doucement chacune de ces couches de
pétales une par une. Nous apportons donc des modifications légèrement
différentes. Vous pouvez en étirer un légèrement, comprimer un autre ou modifier légèrement
son angle. Et en faisant de petites
variations entre les couches, vous créerez une fleur qui
ressemble à la première, tout en restant unique. Si vous ne souhaitez pas
fusionner des calques, mais que vous souhaitez conserver le nombre de
calques que
vous avez ici, vous pouvez simplement dupliquer le document
entier et laisser intact celui qui contient toutes les anciennes œuvres
avec les calques Dans le nouveau document, vous pouvez
fusionner vos calques. C'est juste une autre
chose que tu peux faire. Pour la dernière étape, vous souhaiterez peut-être ajuster la
couleur de la deuxième fleur. Si votre appareil le permet,
vous pouvez d'abord dupliquer le groupe pour l'
enregistrer en tant que sauvegarde, puis aplatir le groupe en
une seule couche de fleurs Il s'agit de l'étape importante
avant de régler la couleur. Accédez au menu des réglages sélectionnez la saturation
et la luminosité commencez à jouer avec le curseur U pour explorer les
différentes options de couleur Vous pouvez ensuite augmenter
la saturation pour rendre les couleurs plus éclatantes et régler
la luminosité jusqu'à ce que vous aimiez la
couleur que vous voyez. Optez pour des variations subtiles mais
perceptibles. Juste assez pour différencier la
deuxième fleur
tout en s'intégrant parfaitement à votre palette de couleurs. Dans la prochaine leçon, nous allons tout
assembler avec les touches finales.
14. Ajouter de la dimension avec les touches finales: Nous avons presque terminé.
Pour cette dernière étape, nous allons ajouter un peu plus de profondeur afin de rassembler l'ensemble de l'
illustration. Commencez par créer une nouvelle couche et placez-la au bas de la pile de votre couche, juste au-dessus de
la couche d'eau d'arrière-plan. Ce sera votre
couche d'ombrage pour l'étang. Passez maintenant à une brosse souple et large. Je vais peut-être utiliser ma vague de rêve ou
choisir mon pinceau à bonbons. Il est idéal pour un ombrage doux et
diffus. Choisissez le vert foncé dans la
palette de couleurs de votre classe et commencez à peindre sous les
plus grandes feuilles de nénuphar. Le but ici est de
séparer doucement les feuilles de l'eau et de donner l'impression qu'elles
flottent légèrement au-dessus de celle-ci. Nous créons un ombrage qui
permettra de mieux percevoir la profondeur de l'eau en utilisant
des mouvements doux et lâches et en augmentant progressivement l'ombrage Ensuite, aidons ces ombres se fondre plus naturellement
dans l'eau. Essayez d'expérimenter
différents modes de fusion. Je trouve que Darken
fonctionne très bien ici. Cela permet aux ombres de s'intégrer harmonieusement aux
couleurs sous-jacentes. Une fois que vous avez choisi
votre mode de fusion, continuez à affiner l'ombrage, à
colorier, en ajoutant une douce profondeur
sous les feuilles et les fleurs Vous pouvez ajouter un peu
plus d'ombre sous les fleurs, tout en restant subtil J'aime placer l'ombre
légèrement en dessous et la
décaler d'un côté plutôt que de
dessiner toute la forme Vous ne voulez pas
faire les grandes lignes. Colorie donc légèrement
en dessous et sur le côté. Cela permet de conserver un effet naturel, donnant l'impression que tous les éléments
flottent au-dessus de l'étang. Pour une touche finale, réduisez la taille de votre
pinceau et utilisez-le pour dessiner des tiges avec quelques
lignes douces sous les feuilles. C'est ainsi que nous proposerons
des tiges qui se trouvent sous l'eau car ces plantes
ont des racines au fond
de l'étang, n'est-ce pas ? Gardez ces lignes souples
et légèrement incurvées. Ils ajoutent une subtile
sensation de mouvement et aident à relier les éléments
de votre composition. Prenez un moment pour prendre du recul
et regarder votre travail. Ce petit ajout réunit le
tout,
ajoute de la profondeur, ancre les éléments, ajoute mouvement et donne une
touche finale à votre illustration Un beau travail donnera vie à l'ensemble de
votre scène.
15. Réflexions finales !: Félicitations. Vous avez
terminé le cours, et merci beaucoup d'
avoir dessiné avec moi. J'espère que vous avez aimé illustrer votre bassin de nénuphars
autant que j'ai aimé vous y
guider Vous avez exploré des palettes de couleurs,
créé votre composition et donné vie à votre scène à l'aide de textures et de pinceaux. En cours de route, vous avez pratiqué techniques
simples et reproductibles,
telles que le travail en couches, l'utilisation de masques et l'augmentation de la
profondeur grâce à la variation des couleurs Ce sont toutes des compétences
que vous pourrez appliquer à de
futurs projets de scènes botaniques
et de paysages. N'oubliez pas que plus vous vous
entraînez, plus
vous deviendrez confiant. Alors restez curieux, continuez à jouer et continuez à vous
approprier ces techniques. J'adorerais voir
notre projet final, alors n'oubliez pas de le partager
dans la galerie de la classe. J'aime apprendre comment vous interprétez le projet
à votre manière. Si vous aimez ce cours, je vous
serais vraiment reconnaissant de bien vouloir laisser
un bref commentaire. Cela m'aide à m'améliorer et
permet également aux autres étudiants de
découvrir la classe. Merci encore d'être là, bonne création, et je vous
verrai au prochain
cours. Au revoir pour le moment.
Yifat Fishman, Artist & Illustrator
