Rendez vos dessins réalistes : Maîtriser les techniques 3D en techniques mixtes et Procreate ate

1. Intro: Avez-vous déjà regardé une peinture réaliste et vous êtes-vous dit  : oh, elle a l'air si réelle ? Je peux presque le toucher ? Comment les artistes ont-ils fait cela ? J'aimerais pouvoir le faire aussi. La bonne nouvelle, c'est que vous le pouvez. Aujourd'hui, je vais vous montrer ma façon de créer une œuvre d'art qui semble presque réelle. m'appelle et je suis une artiste de renommée internationale vivant à Berlin. Je travaille avec les médias mixtes depuis longtemps. Cela a donné lieu à de fantastiques collaborations avec des marques célèbres. Je suis également l'auteur d'un livre sur encres de couleur intitulé Brilliant Inks. Dans la plupart de mes travaux, j'utilise des principes qui couvriront. Dans ce cours, je vais vous expliquer l'ensemble de mon processus de création d'une illustration tridimensionnelle. Nous explorerons les règles de base pour créer une illusion sur le papier et aborderons le bref historique du genre. Celui-ci est ancien. Ensuite, nous travaillerons étape par étape sur plusieurs démos et appliquerons pratiquement tout ce que nous avons appris Nous allons commencer par des objets simples comme le papier. À partir de là, je vous envoie une lettre pour obtenir des conseils plus avancés et nous allons peindre un pongrenat symbolique. En suivant mes pas. Vous serez en mesure de créer votre propre illustration réaliste. Vous aurez besoin de crayons et de courge blanche si vous Si vous préférez le flux de travail numérique. Dans la deuxième partie du cours, nous travaillerons sur iPad dans l'application Procreate Bien entendu, vous pouvez utiliser n'importe quel autre logiciel. Maintenant, prenez vos fournitures artistiques et préparez-vous à apprendre quelque chose de nouveau. Commençons. 2. Inspiration: Bienvenue dans la partie ringarde de la classe. C'est mon préféré. Lorsque vous pensez à des œuvres d'art apparemment tridimensionnelles, vous pensez peut-être que c'est quelque chose de tendance et de nouveau. Mais la vérité est que le genre remonte aux peintures murales de l'époque grecque et romaine. Cette technique artistique est appelée tram play, qui signifie « œil trompé » en français Examinons de plus près quelques exemples classiques et modernes. Voici notre premier trésor. Ce livre est consacré aux œuvres de Hans Halbein le jeune Peintre et graveur suisse allemand, il a travaillé dans le style de la Renaissance septentrionale Il est considéré comme l'un des plus grands portraitistes du XVIe siècle. Je voulais vous montrer ce tableau en particulier. Il s'appelle The Ambassadors, en plus d'être un double portrait. Le tableau contient une nature morte représentant un crâne. Regardons-y de plus près. Le crâne est rendu dans une perspective anamorphique. Le spectateur doit aborder le tableau depuis site particulier pour voir le vrai crâne. C'est un effet très intéressant. J'ai été très surprise quand je l'ai vu pour la première fois. Il existe également d'autres superbes portraits avec des objets. Par exemple, celui-ci se trouve dans la galerie locale de Berlin et il est très beau dans la vraie vie. Je l'ai vu plusieurs fois. Cette dame a une main si proche de nous. L'ombre projetée est l'une des méthodes permettant d' obtenir cet effet. Nous l'utiliserons également. L'inspiration suivante est George Fletgels, l'un de mes artistes préférés, également allemand que le précédent Il était un peintre surtout connu pour ses œuvres encore vivantes. C'est un genre qui permet aux artistes de s'engager dans l'illusion. Ce sont des objets, des fleurs, des fruits de manière très réaliste. Nous utiliserons également certaines des techniques de ce cours. Regardez le rendu de la base. J'adore les effets, la variété des formes et la mise en valeur de l'œillet. J'ai un cours sur la peinture d'un oeillet. Veuillez y jeter un œil. Nous peignons dans Procreate, mais les principes sont toujours les mêmes La prochaine source d'inspiration est John Haberl. Tout de suite, vous pouvez voir l' illusion sur ce cadre. Il était un peintre américain dans le style trompe-l'œil. Il a peint de nombreux objets. Veuillez noter le tuyau, nous le reverrons. Celui-ci, il a peint des objets ordinaires de telle sorte que la peinture peut être confondue avec les objets eux-mêmes. Il y a des timbres, des cartes postales, tout ce que vous pouvez imaginer est intéressant. L'ombre projetée par la feuille de papier est la technique qui sera également utilisée dans les prochaines démos que vous verrez apparaître René Magritte, le maître absolu de l'illusion surréaliste Tu te souviens de la pipe ? Je suis sûr que vous l'avez déjà vu. C'était un peintre belge connu pour ses représentations d' objets familiers dans des contextes inconnus et inattendus, comme cette pipe Son imagerie a influencé le pop art, l' art minimaliste et l'art conceptuel. Il a utilisé des techniques réalistes et a complètement changé le sens de ce qu'il peignait. Ici, vous pouvez voir le style réaliste, mais cela signifie quelque chose de très différent. Je voudrais vous montrer un autre exemple spécial. Un autre peintre belge, Leon Spill. J'ai été très impressionné par son art quand je l' ai vu dans la vraie vie. Ses peintures dégagent un sentiment de mélancolie et de silence. Il a utilisé beaucoup d'ombre projetée. Ses peintures représentent souvent un personnage solitaire dans un espace onirique comme celui que nous voyons ici. C'est très atmosphérique Un autre exemple rapide est celui de notre célèbre Salvador Dali. Il a également utilisé beaucoup d' illusions dans son travail, des objets qui apparaissent en trois dimensions. Il nous fait poser beaucoup de questions, j'espère que vous vous sentez expirée et prête à passer à autre chose. 3. Présentation des fournitures: Bon retour. J'aimerais pouvoir vous dire que les fournitures artistiques sont une seule matière et que vous n'avez besoin que d'un crayon. Eh bien, ce n'est pas le cas si vous travaillez traditionnellement pour cette technique, vous aurez besoin de crayons, d' aquarelles et de courge blanche particuliers aquarelles et Nous en reparlerons dans une seconde. Si vous travaillez numériquement, vous pouvez utiliser n'importe quel logiciel sur lequel je travaille dans l'application Procreate sur iPad Et bien sûr, je vous ai préparé des pinceaux personnalisés. Vérifions les matériaux. Voici tous les trésors. Bien sûr, vous n' avez pas besoin de tout avoir. Je vais juste vous montrer ce que j'aime utiliser et peut-être que vous le trouverez intéressant. Commençons par les crayons. C'est un crayon mécanique HB avec une mine automatiquement étendue, ce qui est super sympa C'est un crayon six B graphié et une gomme indispensable. Bien testé dans la vidéo suivante. Crayons de couleur de différentes couleurs. C'est bien d'avoir des couleurs neutres pour les contours, comme le CPA Ce sont des crayons Conta très artistiques. Ils sont parfaits pour dessiner, mais ils sont un peu tachés, vous verrez J'utilise du CPA sanguine et une craie noire pour le maculage. J'utilise un schéma de responsabilité délictuelle et du papier mouchoir. Celui-ci s'appelle, c'est du tissu. Eh bien, celui-ci, tu sais, je vais utiliser du ruban adhésif et une gomme spéciale Vous le verrez dans la prochaine vidéo. Bien sûr, j' utiliserai des aquarelles et la variété de pinceaux que j' utilise à l'aquarelle au stylo Ce sont des pinceaux ronds synthétiques, et ce sont des pinceaux à serpillière Je préfère utiliser de petites tailles, comme 62,3. Il en va de même pour les brosses à balai. C'est juste ma préférence. J'utilise toujours ces pinceaux pour la plupart de mes projets. Mais peu importe les pinceaux que vous préférez utiliser. Ces brosses retiennent beaucoup d'eau. Maintenant, qu'est-ce qui va suivre ? blanc. C'est un marqueur acrylique blanc avec la pointe la plus fine. Vous pouvez également utiliser un stylo gel blanc comme alternative, quelque chose comme ça, et un gaz blanc. Ce qu'il en reste : un journal. Je travaille sur du papier aquarelle 100 % coton appelé presse. Pour l'une des démos, je travaillerai sur du papier teinté, de couleur rose pâle C'est pour le pastel, mais fonctionne pour d'autres médiums. Je me suis procuré un testeur pour pouvoir d'abord tester les couleurs du papier. Eh bien, maintenant tu sais tout. Dans la vidéo suivante, nous allons examiner de près certains crayons et gommes à effacer. On se voit là-bas. 4. Types de crayons et de gommes: Bon retour et testons. Une partie du matériel utilisé ici est le crayon HB le plus courant. C'est parfait pour les contours subtils, et je l'utilise tout le temps pour la plupart de mes croquis. Je commence par ce crayon HB. Le suivant est le graphite six B, qui est beaucoup plus texturé Vous pouvez le voir tout de suite. Cela fonctionne très bien pour les grandes surfaces. Certains artistes préfèrent utiliser des bâtons de graphite. Nous testerons ensuite les crayons Cata. Vous souvenez-vous de la partie d'inspiration où nous avons vu les œuvres de Leon Spill ? Il a beaucoup utilisé la craie noire dans son travail. Comme ici, il l'a utilisé par-dessus la craie. Voyons comment cela fonctionne. Les lignes sont super intenses. La craie noire est efficace pour les croquis dramatiques. Désormais sanguine, elle est également très intense et colorée. Les vieux maîtres dessinaient beaucoup avec. Essayons maintenant. J'adore cette couleur, très neutre et en même temps très riche. Bien, voyons maintenant comment nous pouvons personnaliser ces crayons à dessin. Commençons par Tartiio. Ce sont des bâtons à dessin de différentes tailles et formes. Ils sont souvent utilisés par les artistes pour broyer et mélanger des croquis sur un crayon ordinaire. Cela fonctionne très bien. Vérifie le graphite. C'est très différent, mais j'adore l'effet. Voyons comment il mélange les petites lignes. Idéal pour les petits détails. Voyons maintenant le chark noir. J'en vois tout de suite l'effet dramatique. Si vous ajoutez de l'encre sur le dessus, la craie sera scellée. Essayons maintenant. Est-ce que je préfère utiliser le papier essuie-tout habituel ou un mouchoir en papier ? Mais celui-ci est très intéressant. Vous le pliez comme ça et cela crée un effet très doux. Jetons un coup d'œil. Bien sûr, les fonds d'écran de la deuxième couche sont très bons, ce sont toutes d'excellentes options, mais ma préférée reste un mouchoir en papier pour le visage. Testons-le sur le dernier super. L'effet est excellent et facile à utiliser. Ce sont d'excellentes options et vous pouvez les essayer et voir ce qui vous convient le mieux. Essayons maintenant quelques crayons de couleur. Je préfère avoir au moins deux crayons de couleurs naturelles comme le CPM, une autre couleur proche du CPA Ils sont parfaits pour les contours et, bien sûr, certains crayons de couleur super pigmentés Ici, j'ai de l'orange et du rouge permanent. J'utilise des crayons de couleur très pigmentés. Aucun d'entre eux n'est le même. Les crayons de couleur sont généralement mélangés par superposition Tu dessines avec un crayon sur un autre. Mais il existe également un outil spécial pour cela appelé mixeur. C'est très inattendu. Je l'utilise rarement, mais il existe toujours. Voyons comment cela fonctionne. Nous avons deux couleurs l'une à côté de l'autre, puis nous les mélangeons avec ce truc spécial appelé mixeur. Vous pouvez voir que le pigment est écrasé, bien que ces crayons soient très, très rugueux dans Ensuite, nous allons tester quelques gommes à effacer. Nous devrons couvrir une grande surface pour cela. Il est logique d'utiliser six crayons pour vous battre. Pour un autre exemple , utilisons un crayon. C'est idéal pour couvrir de grandes surfaces. Voici quelques gommes que j'adore utiliser. Bien sûr, il y en a tellement. La première est la gomme à effacer habituelle l' on trouve au dos du crayon Il fonctionne très bien avec le graphite. Je l'utilise généralement pour les arêtes vives afin de corriger les contours et d' effacer certains petits détails. Il existe une variété de tailles. C'est ce qu'on appelle une gomme nécessaire. Un favori absolu. Il est idéal pour choisir des blancs moelleux et il est souple. Je m'en sers pour éclaircir les esquisses et adoucir les bords. Très bel effet. La prochaine gomme est très inhabituelle. Il suffit de regarder celui-ci. Il s'agit d'une gomme blanche dure utilisée pour les encres et les stylos. Il est équipé d'une brosse pour nettoyer les déchets et il est assez précis. J'ai remarqué qu'il peut effacer les crayons à dessin. Voici quelques-uns de mes outils préférés. Dans la partie suivante, nous allons essayer certaines d'entre elles pour créer des ombres et des formes. Retrouvez-moi dans la prochaine vidéo. 5. L'illusion de la profondeur : étude de la feuille: Bon retour. Je veux te montrer un truc. Je trace une ligne simple, la ligne plate. Ensuite, je trace une autre ligne horizontale. Ça a l'air différent. Maintenant une ombre projetée. Tout de suite, vous obtenez le classement de l'espace et de la perspective. Notre objectif est de créer une illusion de profondeur. Quelque chose sur une surface bidimensionnelle qui semble tridimensionnelle. Il existe de nombreuses façons de le faire. Permettez-moi de vous montrer une étude pour ma peinture récente. Ici, j'utilise la lumière et l'ombre pour créer une forme dans le dessin. Il est important de comprendre les propriétés de base de la lumière et de l'ombre. Pour définir le formulaire, nous allons nous concentrer sur la valeur, chaque objet ayant des zones surlignées et des zones d'ombre. Ma méthode préférée pour montrer la profondeur est d'utiliser une ombre projetée. Cela peut se faire sur n'importe quel support. Par exemple, voici l' aquarelle que j'ai réalisée après l'atelier Serge Core Pot Ici, vous pouvez voir l'ombre projetée, peut-être que celle-ci sera plus belle. L'ombre projetée joue un rôle important ici. La lumière sur la surface est bloquée par un autre objet. Le chevauchement est un autre moyen de créer de la profondeur. Par exemple, ici en haut, nous voyons qu'un objet est partiellement masqué par l'autre. Et encore une fois, il y a une ombre projetée ici. objets blancs ou clairs fonctionnent mieux car la couleur ne vous détruit pas C'est une merveilleuse façon de peindre pour la première fois, mais il existe une excellente façon d' étudier des objets complexes. J'ai préparé quelques modèles pour la courte démonstration. Ce sont les feuilles. J'ai recouvert les feuilles de peinture blanche. Ils sont réels. Vous pouvez voir que j'ai laissé des preuves. Les formes simples sont mieux visibles en noir et blanc. Je voudrais vous montrer un petit livre d'étude avec des crayons. Je le ferai. Je trouve que celle de gauche ressemble vraiment bien à une sculpture. Je vais choisir celui-ci et passer à autre chose. J'utiliserai juste le carnet de croquis habituel sans papier particulier . Allons-y. J'ai juste mis la feuille directement sur mon carnet de croquis, et j' utiliserai la craie noire pour dessiner le contour Il y a déjà quelques traits au crayon pour gagner du temps. Il s'agit essentiellement de la deuxième couche. J'ai utilisé la craie noire pour dessiner le contour, car ensuite je vais tout écraser avec du mouchoir ou peut-être avec mouchoir ou peut-être avec Ce sera plus rapide. Je dessine les grandes lignes si tu veux. Vous pouvez mesurer la feuille avec une règle ou vous pouvez faire une photo. Tout ce qui fonctionne pour toi. C'est génial. Ensuite, j'utiliserai un crayon Conte plus foncé et je dessinerai l'ombre ici Nous avons une ombre ici, c'est une étude. Ce n'est pas une œuvre finale. Nous explorons juste la feuille. Essayez de ne pas ressentir de pression. C'est facile à dire. Je sais. Et si on ajoutait quelques triangles de l'ombre ici ? Maintenant, San Green. J'imagine juste les couleurs parce que notre feuille est en noir et blanc. Ensuite, je vais tout maculer pour ajouter de la profondeur et de la valeur très rapidement. Je veux donc avoir une étude assez approfondie. Je vais donc répéter la même étape plusieurs fois. Je vais assombrir à nouveau l'ombre , puis je vais tout détruire à nouveau. J'ai besoin d'une feuille de papier sous ma main. Ces crayons sont très sales. J'adore l'utiliser parce que c'est plus facile. On dirait un peu un crayon. Lorsque vous vous contentez de ce bâtonnet en papier, c'est presque comme si vous dessiniez Vous pouvez beaucoup mieux contrôler la direction du maculage Maintenant, en haut, il y a une petite partie avec une ombre ici. Je dessine aussi des vins. Voici la partie que nous voulons manquer ici. Les choses changeront lorsque nous ajouterons une ombre dramatique. Nous travaillons lentement pour créer de la valeur. Le sentiment tridimensionnel. Rien ne presse, c'est juste un entraînement. Nous explorons les matériaux, nous sentons les crayons Nous n'avons pas besoin de ressentir de pression. Notre modèle n'est pas pressé. De plus, je macule tout. Je garde à l'esprit l' orientation des vins. À ce stade, nous avons besoin d'une attaque spéciale. Je peux déjà percevoir la sensation d'espace. Maintenant, assombrissons ce bord à l'aide d'une ombre projetée. En quelques secondes, l'esquisse donnera l'impression qu'une feuille apparaît sur la page, il y a une distance entre la feuille et l'ombre Il est très important de créer une impression tridimensionnelle sous ces plis Ici, l'ombre devient plus foncée près de la feuille et devient plus claire. Dans notre cas, j'utiliserai simplement une autre couleur au fur et à mesure qu'elle recule. Nous utiliserons la même technique dans les autres démos de la classe C'est pourquoi c'est vraiment une bonne idée de tester certaines techniques. Tout d'abord, je n'accélère pas le processus afin que vous puissiez voir tout le travail nécessaire à la création de l'œuvre d'art. Ça a l'air croustillant dans les allées. Manjit un peu, j'ai été assorti d'un trait plus large. De cette façon, nous créons encore plus d'espace autour de la feuille. Ensuite, je vais ajouter un peu de ponçage. On a l'impression de sculpter. Un sketch un peu grossier. Je n'ai pas peur d'être trop précis. Maintenant, nous ajoutons plus de détails et encore plus de tons foncés après le maculage J'essaie toujours d'ajouter plus de tons foncés, encore une fois, que nous avons perdus au cours du processus de maculage De toute évidence, le côté droit de la feuille est beaucoup plus foncé. Je veux dire, l'ombre sur la gauche, nous avons cette partie qui devrait être presque aussi sombre que la droite. Maintenant, j'ajoute un peu de gain pour les intérêts. Bien entendu, je ne vois aucune couleur rouge sur notre modèle. En gros, ces trois couleurs sont largement suffisantes pour ajouter de l'intérêt à notre sketch Je continue d'ajouter quelques traits tout en maculant encore plus Le papier est suffisamment épais pour contenir toutes ces expériences, mais il n'a rien de spécial. Ce n'est pas un papier aquarelle, juste un bloc-notes ordinaire Encore une fois après avoir effacé quelques corrections. Ensuite, je vais enlever un crayon et augmenter la lumière sur les parties les plus claires. Je vais le faire avec notre ami. J'avais besoin d'un rasoir, je retire le pigment. Cela ressemble aussi un peu à de la sculpture. La feuille se rapproche tout de suite du modèle. Elles sont d'un blanc éclatant. Je travaille avec soin dans les zones les plus claires. Je vais également travailler sur le fond pour créer un bel élément de transition minuscule ici, je veux avoir moins de texture, les lumières ici. Je pense que nous devrions augmenter l'ombre. Après toutes nos expériences, je continue à former les ombres. C'est vraiment difficile de s'arrêter. impression qu'à chaque nouveau coup de crayon, je dois ajuster l'ensemble du croquis. Encore une fois, c'est comme pour n'importe quelle peinture, ou si vous travaillez avec des aquarelles, vous connaissez ce sentiment Je veux ajouter des détails et les décortiquer un peu. Je regarde notre modèle, cette gomme. Vous savez aussi que c'est plus net, alors je voudrais éclaircir le milieu Et peut-être que cette partie gauche, je pense que nous en avons fini avec le sketch lumineux, mais c'est vraiment difficile de s'arrêter. Notre objectif ici est simplement d'explorer les matériaux et de voir comment les combiner. Essayez différentes méthodes pour tacher et former l'ombre. De plus, pendant que je dessinais une ombre, mon crayon sanguine s'est cassé. J'ai dû en trouver un autre, et ainsi de suite. C'est comme un processus éternel sans destination finale, ce qui est également excellent pour un artiste. Notre croquis est prêt et je vous attends. Dans la prochaine vidéo, nous travaillerons sur une carte postale vintage très inspirante. C'est l'une de mes parties préférées. Passons à autre chose. 6. Carte postale de démonstration: Allons-y. Je suis très inspiré par notre premier modèle, un morceau épineux de carte postale vintage. Il y a une belle bordure avec belles feuilles blanches sur le dessus. Il y a également deux jolis plis que nous allons peindre. Pour gagner du temps, j'ai préparé un croquis au crayon, vous pouvez le trouver dans le matériel pédagogique. Je vais l'alléger en utilisant la gomme nécessaire. C'est ce que vous verrez dans la plupart des démos. Je commence avec un crayon de couleur en dessinant un contour avec cette couleur marron neutre. J'adore commencer par les feuilles, les contours, c'est juste plus intéressant. Les feuilles à l'aspect vintage et la carte postale. Cela me donne envie de lire de la poésie. Je travaille sur les grandes lignes. Il s'agit d'une couleur neutre. Elle s'appelle Bistter, mais certaines autres marques ont probablement d'autres noms pour cette couleur de base neutre brun crème Je dessine les contours en gardant les lignes claires. Nous augmenterons l' intensité étape par étape. Il s'agit d'une demi-feuille près du bord. Maintenant, je vais prendre un crayon de couleur CPA. Cette couleur convient à presque tous les contours. Je trace la frontière ici et ici. Tu peux utiliser la règle. J'adore utiliser des règles, donc je ne pense pas qu'il devrait y avoir de règles à ce sujet. Je l'utilise pour les lignes droites, l'ordre de gauche ici. Je n'utilise pas non plus la ligne droite. Je modifie légèrement la règle pour que la ligne soit plus naturelle. Et je passe outre les parties où les plis se trouvent maintenant dans la ligne intérieure et une nouvelle. Sur les cartes postales anciennes, elles ont cette jolie bordure de lignes doubles. Je veux aussi les dessiner. Je vais colorier cette bordure au crayon tout de suite. J'utilise juste le crayon de couleur habituel. Il n'est pas soluble dans l'eau avec de l'huile ou d'autres éléments, c'est très important car je vais travailler à l'aquarelle Cela devrait être juste le crayon de couleur habituel. La bordure est prête et je vais prendre le premier crayon. Je travaillerai sur le bord de nos cartes postales. Je pense qu'il est très important d'avoir le contraste entre blanc et le fond de la carte postale. Je souhaite le définir à ce stade. Il sera beaucoup plus facile de travailler dessus plus tard, puis je travaillerai sur ces petites fractures dans les zones de plis. Nous les avons ici. Fondamentalement, l'ensemble de la carte postale se compose de trois grands plis et de petites fractures. Je vais le diviser un peu. Je réfléchis déjà à la façon de peindre à l'aquarelle et de montrer toutes ces nuances des feuilles Juste en haut, nous avons le grand pli et je le montrerai à l'aquarelle plus tard Maintenant, il ne s'agit que d'un croquis du contour et du bord de l'épine. Vous pouvez vérifier la référence. Si vous peignez avec moi ou avec votre objet d'origine, je trace la direction générale du bord et nous aurons ici notre ombre projetée préférée. Plus vous serez attentif et attentif à ce stade, plus les prochaines étapes seront faciles. Je pense déjà à la belle couleur vintage de la carte postale. Testons la peinture. Nous allons tester les couleurs. Je trouve que nous sommes magnifiques. J'utilise le même morceau de papier Le premier est Burn Sienna Ensuite, je vais prendre le jaune et brûler la sienne est une couleur très intense et profonde Vous pouvez voir tout de suite que l'effet est saisissant. Ensuite, j'utiliserai de l'ocre jaune pour ajouter plus de subtilités. J'ajoute CP Brown. Ces couleurs créeront un beau mélange vintage et subtil et nous les utiliserons pour le papier dans la prochaine vidéo. Voici CPR Brown et notre joli mélange fera l'affaire. Génial. Passons à la vidéo suivante et essayons-la. 7. Carte postale : papier et ombre: Bon retour. Dans la vidéo précédente, nous avons testé le mélange de couleurs pour la couleur principale de la carte postale. Ocre jaune de Sienne brûlé et brun CPA. Nous allons utiliser ce beau mélange et créer un joli dégradé directement sur le papier Je commence à peindre dans le coin supérieur gauche ou sur la carte postale ici. Pour les grands coups de pinceau, j'utilise un balai Si vous êtes gaucher, vous devriez peut-être commencer en haut à droite. Mais je suis sûr que tu le sais toi-même. Je colorie la partie supérieure gauche de la carte postale. Je garde à l'esprit le pli maintenant. Je vais rendre un mélange un peu plus foncé simplement en ajoutant du brun CPA directement sur le papier, près du pli, ici Nous allons colorer les feuilles dans la dernière partie. Alors maintenant, je n'y pense pas, je pense à l'impression générale que donne l' arrière-plan à l'aspect vintage. J'ajoute la peinture directement sur le papier et je la mélange avec de l'eau ou avec un beau rendu dégradé. Ce changement est essentiel pour faire preuve de réalisme. Ce changement dans l'obscurité est très important. Le bas de la carte postale est sombre et près de la faille, la peinture doit également être plus foncée. Ensuite, je vais ajouter une autre couche avec un peu de changement dans notre mix. Les couleurs seront les mêmes, mais elles sont plus intenses, donc j'ajoute simplement parties plus foncées ou plus claires si j'en ai envie. Ici, nous avons un pli. Maintenant, cette partie devrait être plus foncée. En comparaison, la première couche n'est pas complètement sèche. Le dégradé semble très naturel. Nous n'aurons pas de frontières rugueuses. Je travaille très soigneusement près des plis, par exemple ici en haut. Et c'est une bonne idée de regarder de plus près notre modèle. Jetons un coup d'œil. C'est ici. Ici, nous pouvons voir le pli créé par les ombres. Maintenant, j'ai un meilleur plan de ce que je vais faire ensuite. Les plis divisent la carte postale. Nous devons garder cela à l'esprit. Ici, nous en avons un mélangé avec un peu d'eau. Je travaille autour des feuilles maintenant, mais si vous peignez quelque chose de plus lumineux, vous pouvez changer l'ordre des choses, peu importe ce que cela signifie. J'ajoute un peu de couleur ici. Le chêne jaune est également très intense. Maintenant, le petit triangle formé par le bord de l'épine est mélangé à de l'eau Il n'y a pas de lignes nettes ici. Nous pouvons ajouter de la couleur près du blanc du papier Rn. Je réfléchis à la marche à suivre et j'ajoute de l'intensité au fur et à mesure que le reste de la peinture sèche. Ensuite, je vais travailler sur le bord de l'épine, mais je dois d'abord tester la couleur. Pour l'instant, j'ai envie de tout mélanger un peu avant cela. Peut-être augmenter le noir. Je pense à l'équilibre général. Une fois que vous avez ajouté une touche plus foncée, vous souhaitez en ajouter une autre. Et c'est juste la sensation de votre goût esthétique, quoi les choses devraient ressembler. Je pense que c'est suffisant. Maintenant, je veux travailler sur la page déchirée. Nous allons d'abord tester la couleur. Je pense que le brun CPA avec un peu de noir ivoire fonctionnera bien Le noir ivoire est l'une de mes couleurs préférées. Je vais faire de très petits traits juste pour montrer la variété de la texture. Donc, juste quelques marques, elles seront plus claires lorsque la peinture sera sèche. De plus, nous avons le bord inférieur qui est légèrement recroquevillé, et nous le montrerons en utilisant de l' ombre projetée à l'étape suivante Bien sûr, pour le moment, je travaille très attentivement sur cette partie recourbée Nous ne voulons pas qu'il fasse trop sombre. Je préfère faire quelques couches. Au lieu d'une couleur foncée, je peins un petit triangle juste pour montrer la texture du papier. Comme ça. J'augmente donc la couleur s'il le faut, mais elle sera quand même très, très claire. Je me prépare déjà pour la prochaine étape importante, et ce ne sera qu'une ombre. C'est presque prêt pour la prochaine étape, mais nous devons être patients à ce stade. Ces petits détails font une énorme différence dans l'œuvre finale. Prenez le temps d' ajouter cette texture. Vous serez vraiment content du résultat. Maintenant, le grand pas dans notre carte postale. Une pointe du papier est recroquevillée. Cela crée une grande zone sombre dans l'ombre. Nous l'avons déjà esquissé au crayon, et maintenant je vais le peindre avec un mélange très subtil Je vais progressivement créer le dark radiant à l'étape suivante. Pour l'instant, je peins juste le contour de l'ombre. Ensuite, bien sûr, je vais mélanger les bords avec le blanc du papier pour qu'il soit lisse et qu'il ressemble à une vraie ombre. L'ombre est plus foncée et plus étroite à certains endroits et plus claire à d'autres. Je garde toujours cela à l'esprit car à l'étape suivante, j'ajouterai une couleur très intense au mélange. Vous verrez la différence spectaculaire. Pour ne pas tout gâcher, nous devons réfléchir dès le départ à ce stade Maintenant, ce que nous allons faire, c'est prendre couleur très intense et créer une ombre. Moment dramatique, très foncé, donc ivoire, noir ou brun. Tout va fonctionner. Et le bord plus tard, j'ajouterai un peu d'ocre Oups, c'est trop pointu. Vous pouvez le mélanger un peu avec de l'eau si vous le trouvez trop tranchant. Ensuite, je mélangerai le bord avec de l'eau. J'ai formé l'ombre. C'est très étroit ici et il fait plus clair à certains endroits Plus tard, on ajoutera de l' ocre jaune ou peut-être du pa au mélange, nous aurons cette couleur riche de l'ombre Vous pouvez essayer d'autres couleurs. J'utilise un peu d'harmonie ici. La plupart d'entre eux ont cette couleur brune, orange et sourde Formons maintenant le bord de l'ombre et une autre couche d'obscurité. Ajoutons un peu de couleur au corps de l'ombre. Comme l'ocre et le CP sont tous deux très intenses, vous devez les mélanger un peu dans les aquarelles C'est toujours un effet magnifique lorsque vous ajoutez la couleur de l'arrière-plan de votre objet ou une couleur des éléments lumineux à l'ombre, c'est comme une lumière réfléchie. Maintenant, quelques coups près du bord recourbé , les petits détails très importants J'ajoute rapidement quelques points noirs avec de la peinture et la peinture est encore humide. Je le mélange facilement avec de l'eau ajoute un peu et je le mélange à nouveau. Vous pouvez faire pivoter le canevas et mélanger l'ombre au blanc du papier. Nous sommes prêts à passer à la vidéo suivante. Nous allons enfin travailler sur les détails. Passons à autre chose. 8. Carte postale : les touches finales: Bon retour. Revoyons notre modèle une fois de plus. Nous avons créé une belle base et pouvons enfin travailler sur les détails. Préparons le mélange pour les feuilles. J'utiliserai du vert olive et un peu de Sienne brûlée. Le vert olive est vraiment une belle couleur intense. Vous pouvez utiliser d'autres légumes verts. Ils se comportent tous différemment. C'est une bonne idée de le tester d' abord avec de la Sienne brûlée. Nous avons un mix au look vintage. Nous allons peindre les feuilles. Notre maison est superbe. Cela semble déjà très réaliste. Maintenant, nous allons travailler sur les feuilles. En gardant à l'esprit les plis, le bord recourbé et tout ce que nous avons fait dans les parties précédentes Je commence par la feuille en haut à gauche. Vérifie la référence. Notre mix change un peu sur le papier. C'est la magie de l'aquarelle. Je change également la couleur près des plis. Elle est plus foncée d'un côté et plus claire de l'autre. Vous pouvez modifier le mix au fur et à mesure que vous travaillez. Par exemple, je commence par le vert olive , puis j'ajoute Burn Sienna Ils se mélangent parfaitement sur le papier. Mais ils ont toujours cette variété de dégradés, comme sur la feuille. Ensuite, je dessinerai sur les feuilles avec des crayons, mais ce sera Pour l'instant, je vais juste peindre le corps de la feuille ici. Et pour le reste des feuilles que nous pouvons voir, j'ai changé le variage de couleur pour chaque feuille J'adore déjà son apparence. À un moment donné, vous voudrez simplement vous arrêter et dire que le tableau est terminé, mais je sais que nous devons aller de l'avant. Chaque feuille est unique. Et je repasse le pli, vous pouvez voir que la couleur est différente, elle est plus lumineuse. Ensuite, je vais peindre le bas de la feuille séparément ici, la ligne ne doit pas être très précise. C'est une carte postale au look vintage. Nous ne voyons pas trop de détails, mais nous aurons tout de même besoin de quelques couches pour les feuilles, deux ou plus. Nous avons également cette demi-feuille ici, si je puis me permettre. C'est formidable de nous donner une impression de réalisme, car je vais rapidement ajouter quelques traits ici La bordure blanche et la partie de la feuille rendent l' effet tridimensionnel encore plus évident. Maintenant, la tige, les petits détails, je garde le contraste de la bordure très net à cet endroit et j'ajoute des lignes précises. Il s'agit de la plus grande partie de l'œuvre d'art de cette carte postale. C'est pour nous et je veux le rendre plus lumineux. Une nouvelle couche pour la feuille et une couche plus lumineuse ici. La nouvelle couche se mélange toujours à la précédente. Nous avons un beau dégradé et quelques plis d'une couleur plus foncée. Bien entendu, j'essaie toujours d' ajouter quelques traits près des plis. Lorsque vous ajoutez du vert, vous souhaitez augmenter les ombres. Il vous suffit de regarder le tableau en général et de suivre votre intuition artistique. Il est temps d'ajouter de la couleur à la bordure. J'utilise le CPA Et peignez la ligne. Je pense que j'ai besoin d'un petit pinceau pour cela. Je peins soigneusement la ligne. Encore plus petit ? Oui, le plus petit pinceau. La ligne doit être très subtile et je passe la partie où il y a un pli ici, nous avons une partie très intense. Après le pli, il devrait rejoindre le bord. Comme ici, nous voulons un trait très précis. De plus, le bord de l'épine rend la géométrie un peu différente. J'ai donc légèrement modifié l'angle de la bordure. Lorsque je peins, l' effet est immédiat. Vous pouvez voir que la carte postale ressemble à un objet en trois D. Allons, mélangeons un peu la bordure. Nous ne voulons pas d'arêtes très tranchantes. Je vais maintenant intensifier l'ombre et corriger quelques erreurs à l'aide du crayon de couleur. L'ombre est plus foncée à certains endroits et plus claire à d'autres. Du bord très net au bord doux, j'ai utilisé la même couleur pour la bordure. Ensuite, je travaillerai sur les contours des feuilles de la même couleur ici, au plus près de la ligne légèrement estompée avec le doigt Razor est une aide précieuse. Maintenant, les contours des feuilles devraient être plus sombres. Je pense qu'il devrait faire plus sombre. Au début, je pensais utiliser un autre crayon, mais maintenant je vois que la couleur plus foncée convient le mieux. Le congé le plus important doit être le plus détaillé et le reste n' est pas si important. Mais j'apprécie juste le processus. Nous avons presque terminé et pour le moment, j'apprécie juste les derniers coups. Peut-être qu'un autre crayon peut être une bonne idée. Nous avons presque terminé, mais nous ne sommes pas paresseux. Et nous ajouterons une autre couche de notre mélange de couleurs sur le dessus. Cela donnera une illusion de profondeur à notre œuvre finale. J'ai utilisé le même mélange et j'ai intensifié la couleur, comme si la zone d'ombre devait être un peu plus foncée. En outre, il a un autre objectif. Lorsque vous travaillez avec de l' aquarelle par-dessus un crayon, cela scelle le crayon et l' illustration dure un peu plus longtemps. Nous devrions ajouter plus de zones sombres dans cette zone. Je pense qu'après cela, nous intensifierons les feuilles avec encore plus de vert. Maintenant, dans le noir, n'oubliez pas de les mélanger avec l'eau et quelques nuances foncées ici Tout devrait être super fluide. des coups rapides, sculpte, il plie ici. Ensuite, nous allons ajouter du vert aux feuilles. C'est super important, mais c'est aussi important qu'une feuille peut l'être. Nous assombrissons la partie droite de la feuille, en particulier la feuille qui se trouve près du blanc du papier, celle qui se trouve près de l'ombre projetée Ensemble, elles créeront cette belle sensation tridimensionnelle. Lorsque nous voyons le contraste entre la feuille, le blanc et l'ombre projetée, comme dans notre modèle original, traits verts intenses qui feront la différence en termes d'impression générale. Tout est une question de petits détails pour ce style. Lorsque vous avez la base avec belles ombres, comme nous le faisons, nous y voilà. Regardons encore une fois notre modèle. Je pense que nous avons capturé la beauté vintage. Je suis très content du résultat. Dans les prochaines vidéos, nous allons expérimenter encore plus et créer de plus belles œuvres d'art. Passons à autre chose. 9. Démo Apple sur du papier tonique: Bienvenue dans le très expérimental Dema, nous allons peindre ce décor en forme de pomme. Sur le papier pastel, j'ai choisi la couleur rose subtile qui convient au modèle brillant. De cette façon, la couleur papale fonctionnera comme couleur de base pour notre dessin et nous fera gagner du temps Nous allons tester quelques crayons. C'est très important pour le contraste. Le bleu cobalt fonctionne, le jaune convient au grade 2, mais je ne l' utiliserai probablement pas pour les blancs. Je dois utiliser des marqueurs acryliques. Oups, ça arrive. Laisse-moi réessayer. Maintenant ça marche. C'est le blanc le plus brillant et je vais l'utiliser par-dessus le crayon blanc Quelle est la prochaine étape ? Le crayon blanc. Bien sûr, j'utilise différents crayons, vous pouvez essayer de voir ce qui vous convient le mieux Celui-ci est très pigmenté. Le premier est juste le crayon blanc habituel. Maintenant, le violet rouge. Cette couleur fonctionnera parfaitement pour la couleur principale de la pomme. Je teste également des tons neutres, comme le gris violet subtil et le très subtil sienna Et j'ai aussi ce rose vif. Je ne sais pas si je vais l'utiliser. Vous trouverez la liste des crayons que j'utilise dans les ressources pédagogiques. Maintenant, commençons. Nous avons le croquis du contour blanc. Je l'ai fait avec un crayon blanc que nous venons tester et vous pouvez le trouver dans les ressources pédagogiques. Je vais également prendre un crayon rouge violet et travailler sur le contour blanc. Je vais définir les bords en tenant compte de l'attribution de la source lumineuse. Nous dessinons la pomme habituelle, pas la pomme rouge ou quelque chose comme ça. Nous créons l'œuvre d'art partir des objets de décoration. Nous pouvons imaginer la texture ou rendre brillante ou ce que nous voulons. C'est une façon très expérimentale de dessiner sur du papier pastel. Je travaille en gardant à l'esprit la forme de la pomme. Nous avons ici les points forts. Je veux les réserver pour les Blancs. Il est plus facile de travailler avec vos marques de crayons préférées. Chaque crayon est très différent, tant par sa texture que par sa douceur. C'est une bonne idée de tout tester avant choisir l'objet ou le sujet à dessiner. Je superpose les ombres. Nous avons déjà la couleur de base. Nous pouvons travailler beaucoup plus rapidement que si nous travaillions sur le livre blanc. Maintenant, pour ce qui est des grands traits, je veux garder l' aspect sommaire de cette pomme, comme pour ce intéressant avec ce rose super intense que je viens de vous montrer, je veux ajouter des zones de couleurs vives, puis je vais à nouveau recouvrir le tout de mouchoir en papier, m'en aller, les ombrager comme si je pensais que c'était trop intense pour ne pas Ensuite, je vais répéter la même étape une fois de plus. Vous pouvez le répéter plusieurs fois et vous obtiendrez une œuvre d'art éclatante ou une illustration onirique J'adore vraiment l'effet, mais cela prend du temps. Il ne nous reste plus qu'à explorer ce type de dessin réaliste. Esquisse réaliste, si vous voulez. Des ombres sur les côtés. La pomme émerge de notre papier rose pastel. Coups rapides près des points forts. Je laisse les zones intactes. Lors des dernières étapes, j'ajouterai du blanc sur le dessus. Probablement le marqueur critique ou peut-être le crayon blanc très pigmenté Nous verrons ce qui semble le mieux. Maintenant, les arêtes sont assez nettes. Je pense que je vais les détruire un peu plus tard. Mais pour le moment, j'ajoute simplement de la couleur sans réfléchir. Maintenant, je voudrais ajouter quelques teintes neutres ici. C'est un gris violet. Cela ressemble un peu à un gris naturel, je dirais. Je vais tout couvrir à nouveau. J'utilise des crayons hautement pigmentés lors du maculage, ils créent une agréable sensation de brouillard ou même de peinture Maintenant, l'ombre que j'utilise est la même que celle que nous utilisions auparavant, mais maintenant elle est plus intense. Comme vous l'avez remarqué, l' ombre est beaucoup plus foncée près du bord et beaucoup plus claire lorsqu'elle s'éloigne. Gardez cela à l'esprit, même pour un croquis rapide sur du papier teinté. Il est très important de suivre cette règle. Je l'esquisse légèrement près de la pomme puis j' augmente l'intensité. Encore une fois, nous voulons intensifier les ombres sur la pomme. Nous allons unifier l' ensemble de l'œuvre ici. Elle doit être de plus en plus foncée pour compléter l'ombre et créer cette sensation tridimensionnelle. Un peu plus d'ombre ici, presque tout. Encore une fois, cela ajoutera la sensation d'un dessin réaliste. Je voudrais également soulever un peu certains pigments. J'ai besoin d'une gomme à effacer et de soulever les zones les plus claires ici et même sur l'ombre. Maintenant, il est temps d'ajouter du blanc J'utilise un peu le crayon sur la pomme et même sur l'ombre, ce n'est pas une vraie pomme. Nous utilisons des reflets super brillants. J'ai l'intention de les rendre encore plus brillants. Voici la partie avec le crayon, et maintenant notre héros. Voici le marqueur acrylique. Il fonctionne sur de nombreuses surfaces, y compris ces crayons de couleur Mais si vous utilisez des crayons à base d'huile, testez d'abord la couleur Les propriétés sont très différentes. J'essaie différentes marques, et celle-ci fonctionne sur presque tout. La magie opère immédiatement lorsque vous dessinez ceci, faites quelques lignes et la pomme commence à briller. Même avec l' aspect sommaire de l'œuvre d'art, elle semble terminée tout de suite ici. Et d'un autre côté, j'adore vraiment son apparence et j'y ajoute un peu de fond bleu, comme nous l'avons testé avec les matériaux. Le contraste du bleu et du jaune, la touche finale avec le blanc ici. Essayons l'arrière-plan. J'utilise un ruban adhésif. Je l'utilise pour définir la zone d'arrière-plan. J'adore l'effet. Quelque chose comme ça. Faisons un coin. C'est donc une technique courante pour les œuvres d'art au pastel et nous avons ici un support mixte. Choisissons maintenant l'arrière-plan. Je pense que le bleu fonctionne très bien, Super. Le contraste est tellement agréable à regarder. Le jaune fonctionnerait aussi, mais celui-ci est tout simplement génial. Encore une fois, c'est un crayon très pigmenté. Tous les bleus ne fonctionneront pas comme ça. Je vais travailler intensément dans ce coin gauche et laisser le reste Vous pouvez essayer de tout détruire si vous le souhaitez, mais je vais laisser la cage à effet rugueux dans le coin de quelques couches Je ne pense pas à la direction des coups pour le moment. Le crayon est très intense. Cela ressemble plus à un crayon pastel et vous pouvez même voir les petites particules du pigment. Je fais des traits larges près de la pomme et ici et là, quelques traits sur la gauche, près des lumières, étaient presque terminés. Étalez-le un peu avec les doigts, changez le sens des traits et maculez-le avec du papier comme suit Maintenant, le plus satisfaisant, si vous voyez ce que je veux dire, je suis doucement tombée du ruban adhésif très lentement, révélant l'âge parfait. Super maintenant, celui de gauche, super lent, super, c'est fini. Jetons un coup d' œil à notre modèle brillant. Encore une fois, super brillant, super rose. Je pense que nous avons créé une belle interprétation que je vois dans la vidéo suivante, et nous allons essayer d'autres styles. 10. Coqueluche de démonstration: Bon retour. Nous allons peindre une coccinelle. Voici un croquis au crayon si la nature vous inspire. Cette carte est pour toi. Il y a quelque temps, j'ai fait une étude au crayon d' une coccinelle dans le style d'illustration de l'histoire naturelle. Bien sûr, vous n'êtes pas obligé de faire quelque chose comme ça, mais c'est intéressant à explorer. Ici, vous pouvez voir tous les petits détails, les reflets blancs, les points noirs, le milieu. Nous allons tout peindre à l'aquarelle. J'ai passé quelques heures sur cette coccinelle. C'était une très belle expérience pour les Blancs. Vous pouvez utiliser un stylo gel ou un marqueur acrylique. Je préfère le marqueur acrylique, mais tu te verras toi-même. Nous allons tester quelques couleurs. J'ai d'abord utilisé la même feuille de papier aquarelle que celle que j' utilise pour la peinture La première couleur est le rouge cadmium. J'adore utiliser la combinaison de trois couleurs. Viennent ensuite le cadmium orange et le marron nacré. Vous pouvez essayer une autre combinaison, mais celle-ci fonctionne très bien pour la marque que j'utilise. Ce beau mélange conviendra parfaitement à la carapace colorée de notre coccinelle. Je prépare les couleurs que nous avons choisies dans ma palette de couleurs. J'utilise une palette en porcelaine. Il est facile de le nettoyer et j'adore la vue sur la surface. Je mélange les couleurs, et en utilisant un mélange très subtil, je commence à colorer la coque. La première couche est très subtile. J'utilise le balai pour ne pas avoir à prendre beaucoup d' eau à chaque nouveau pas Celui-ci tient beaucoup de choses dès le départ. Adaptez le pinceau dans les trois couleurs. De cette façon, nous avons cette merveilleuse variété. Vous pouvez le voir tout de suite. Même à ce stade, vous pouvez voir le dégradé des couleurs. Je vais peindre toute la carapace qui recouvre les ailes de notre belle dame. J'évite les points noirs. Je sais déjà où ils sont. Nous avons un croquis très détaillé en plus de cela. J'ai cette étude de style d'illustration d' histoire naturelle avec des reflets, des zones sombres et des ombres Tout est préparé. Je n'ai qu'à peindre avec de la couleur. Je vais laisser les points noirs intacts. Je ne m'inquiète pas trop de la direction des traits, car il ne s' agit que de la première couche. Je vais maintenant couvrir l' ensemble de la coque. Ensuite, pendant que la première couche est encore humide, j'ajouterai la nouvelle avec le même mélange de couleurs pour accentuer l'impression générale. La partie droite de la dame, je mélange la couleur directement sur le papier, sur le bord droit. La deuxième couche va directement sur la première. Vous pouvez attendre qu'il soit sec, mais je préfère simplement travailler sur de la peinture humide. Pour la deuxième couche, je vais ajouter un peu plus de rouge. Je refais le mix. Je veux ajouter plus de pigment au mélange. Nous aurons une couleur plus vive. J'utilise de l'orange cadmium plus près du bord, bien sûr, avec un peu de rouge. Et j'utilise du rouge cadmium sur le dessus de la coque. La variété de couleurs est très importante si vous voulez avoir ce look tridimensionnel. Dans la vraie vie, la coccinelle est un personnage très brillant et tellement intéressant. Maintenant rouge sur le dessus, bien sûr. Je vais le mélanger rapidement pendant qu'il est encore humide sur le papier. Nous aurons donc une transition en douceur, comme moi. Un peu plus d'eau ici et ici. Je ne m'inquiète pas pour les reflets et les points noirs pour le moment. Je vais juste construire cette magnifique coque pleine de couleurs. Ici, je vais vous faire part des points saillants. Maintenant, je vais intensifier la zone lorsque la peinture est sèche, elle devient plus claire même si vous utilisez trop de pigment. Ne t'inquiète pas pour la coccinelle, ça va très bien. Ensuite, je vais ajouter un peu de dynamisme. Je vais utiliser du marron de Berlin et de l'orange cadmium ici. C'est la partie la plus sombre. Je le sais déjà grâce au croquis, et le pigment est super intense. Plus tard, je vais le mélanger un peu avec de l'eau claire sur le côté gauche, de manière à ce que vous puissiez mélanger toutes les étapes. C'est une excellente technique pour créer des œuvres d'art réalistes. La partie gauche est peinte avec du perlin marron et un peu d'orange cadmium juste pour unifier l'autre côté, je vais peindre un peu avec du rouge cadmium et du cadmium orange. Nous y retrouverons cette belle vivacité et ces nuances de couleurs Les nuances que nous avons là seront récompensées par une magnifique œuvre d'art. À la fin, j' expérimente un peu et ajoute quelques touches lumineuses sans crainte des deux côtés. En fait, j'adore son apparence, même sans les points noirs. Je me demande s'il y a une dame avec des taches blanches à l' arrière. Maintenant, je veux lisser un peu la bordure. Nous ne voulons pas avoir d'arêtes vives. Il n'y a pas d' arêtes vives dans la nature. Nous allons donc les mélanger. J'ajoute un peu d'orange et de rouge là où j'en ai envie. Bien entendu, je garde à l'esprit la forme du sac à dos pour femme en général et de la coque en particulier. Maintenant bord et ici un peu plus sombre. Et là aussi, je trouve que ça a l'air bien. Ensuite, je vais peindre la tête et les jambes. J'adore utiliser le jaune de Naples. Nous allons retirer un peu de rouge de notre papier avec ce mélange subtil. Je peins quelques traits ici et ici. Bien sûr, nous le colorerons en noir par la suite. Mais la première couche est une base et elle brillera de toute façon, colorez la tête et l'antenne ici. Ensuite, je vais ajouter la même couleur, peut-être même plus claire sur les reflets. Cela rendra la peinture encore plus réaliste si vous utilisez quelques couches, pas seulement du noir et blanc, du rouge et de l'orange. Ils doivent être mélangés. Je le mélange avec de l'eau. Vous pouvez voir des points rouges ici et quelques traits sur les jambes. Je pense également que je devrais tracer la ligne au milieu de la coque pour montrer l'ombre la plus foncée Je vais le faire dans cette partie, puis nous passerons à autre chose. Nous avons maintenant la base. Je vais faire cette ligne plus foncée juste pour avoir une impression de la valeur. Et il nous reste les cheveux blancs juste pour rendre le contraste du bord plus clair. Maintenant, je vais utiliser un sèche-cheveux pour gagner du temps et nous allons passer à la partie suivante. 11. Coccinelle : points forts et détails: Bon retour. Nous allons continuer à travailler sur la tête de Notre-Dame. Pour revenir tout de suite, j' utiliserai un mélange d' ivoire, de noir et de CPA Cela permettra d'avoir accès à des zones sombres pour tous nos usages, pour la tête, mais aussi pour les points noirs Je commence à travailler sur la tête. J'utilise le petit pinceau, encore plus petit, comme celui-ci numéro deux ou encore plus petit. Je travaille avec soin sur les antennes sur les éléments. À ce stade, j'essaie de faire très attention et si la ligne est trop nette, je la mélange avec de l'eau. Nous voulons créer un dessin réaliste. Et pas un dessin, mais un bord de peinture doit être subtil et lisse. J'utilise la combinaison d'un pinceau à balai pour mélange et d'un petit pinceau rond synthétique pour la partie principale J'essaie de ne pas toucher aux points forts. Parfois je l'oublie et ce n'est pas effrayant. Plus tard, je pourrai utiliser un marqueur critique ou quelque chose dessus. Je mélange les bords avec un mix de la partie précédente. En gros, j'utilise les mêmes couleurs. Cela permet d'éviter une trop grande luminosité. Les illustrations doivent être unifiées lorsque vous travaillez. Traditionnellement, c'est plus facile à réaliser car votre palette de couleurs physiques est limitée. Lorsque vous travaillez numériquement, par exemple sur iPad ou dans Photoshop, vous pouvez choisir n'importe quelle couleur Et c'est un défi maintenant, la grande zone sombre qui a une lumière très claire. Mais pour l'instant, je vais le colorer avec un vernis foncé. Voici donc le point culminant. Maintenant, je dois intensifier la couleur. Tant qu'il est encore humide. La tête de la coccinelle a une texture particulière. Lorsque nous travaillons mouillé sur mouillé, nous obtenons cette agréable sensation du monde naturel. Le surlignage est de plus en plus foncé. Je pense que je devrai soulever un peu de peinture plus tard. Maintenant, les pattes sont légèrement plus foncées ici, elles sont plus foncées près de la carapace. Bien sûr, nous avons la première couche avec du jaune de Naples, qui rend tout beau sur la gauche ici. Maintenant, avec un petit pinceau rond, je peins soigneusement la ligne médiane de la coque ici, l'écart étant beaucoup plus foncé. Et cela nous donne également une sensation de réalisme. Je corrige certaines erreurs. Oui, il devrait y avoir un point fort. Maintenant, je vois qu'il n'y en a pas. Il faut que je le corrige. Je prends de l'eau claire et j'enlève la peinture. Au fur et à mesure que je le soulève, j'utilise de l'eau claire, et même avec de la peinture très pigmentée, il est possible d'obtenir ce point culminant Maintenant, enfin, nous pouvons travailler sur les points noirs. J'utilise le même mélange foncé, plus intense. Bien entendu, je garde à l'esprit la forme tridimensionnelle du sac pour femme. Nous peignons la variété des formes. Les points noirs ne devraient pas être les mêmes. Ce n'est pas juste un cercle ou une marque. Nous sommes très attentifs à la forme du spot. Ils ont l'air plus gros sur le dessus et ils sont assez plats sur les bords. Ensuite, nous travaillerons sur les points forts et il sera beaucoup plus facile d'en voir la valeur, mais pour le moment nous gardons à l'esprit l'espace et le look réaliste de notre héros. Peut-être que ça devrait être plus grand. Je sais qu'une partie de la première place est couverte par le point culminant. J'ajoute soigneusement un petit triangle ici, et c'est suffisant. Je ne colore pas le tout. Je continue à modeler notre coccinelle. J'utiliserai un petit pinceau pour corriger la forme du plus gros point ici. Et je vais ajouter une nouvelle couche d'obscurité sur le bord de la tache ici. Et ici, je peins des formes différentes. À chaque fois, nous obtiendrons cette texture naturelle qu'aurait un vrai dos. J'adore peindre avec de petits pinceaux. C'est un moyen rapide d' ajouter de la texture lorsque vous en avez besoin sur de petites pièces. Maintenant, quoi d'autre ? Les jambes ici. Je ne peins pas toute la jambe, juste le début. La fin, si vous pointez. Et peut-être que cette partie devrait également être intensifiée avec l'obscurité. Et ici aussi, je vais l'examiner dans la prochaine vidéo, ajouter des points saillants et corriger certaines erreurs si nécessaire. Les ténèbres sont superbes. Comparons-le avec notre modèle. Nous voulons ajouter plus de reflets et de texture ici. C'est ce que nous allons faire dans la prochaine vidéo. Et nous ajouterons également la jolie ombre, l'ombre projetée. Passons à autre chose. 12. Coqueluche : touches finales: Continuons tout de suite, j'utilise du white gosh pour ajouter beaucoup de points forts Je peins un surligneur avec un pinceau synthétique rond. Ensuite, je vais lisser les bords avec un balai Dans le même style, je travaillerai sur tous les points forts du dos de notre belle dame. Vous pouvez également utiliser le bout du pinceau pour ajouter de la texture, mais cela viendra plus tard. Maintenant, le point fort, c'est que j'utilise beaucoup de quash. Il est presque sans eau et mélangé à l'aide d'un balai. La brosse à balai est remplie d'eau claire. Bien sûr, comme ça. Ajoutons maintenant un surlignage ici, plus de pigment. Assurez-vous d'utiliser un garage de bonne qualité. C'est très important parce que parfois ça jaunit avec le temps ou ça ne marche pas. J'ajoute du blanc sur la coque. Je continue de la même manière, je change de pinceau de temps en temps. Si je souhaite avoir plus de contrôle avec un pinceau plus petit, il est plus facile de corriger les petites formes. Ce reflet doit être très clair et il y a du noir en dessous J'en ajoute donc une autre lorsque le blanc est sec. Il devient également plus clair comme l'aquarelle. Même si vous utilisez de la courge ou parfois même de l'acrylique, c'est une bonne idée d' utiliser une deuxième couche ou peut-être même un marqueur blanc sur le dessus Je le mélange avec de l'eau. Nous ne voulons pas d'arêtes vives. La coque est super brillante, mais elle n'est toujours pas en verre ou en plastique. C'est surnaturel et nous voulons que ce sentiment reste réaliste. Le dessin est célèbre pour ses textures et ses ombres. J'intensifie le milieu de la carapace maintenant encore plus blanc sur cette ombre spécifique et je le mélange. Et plus encore, peut-être que vous le ferez plus rapidement dès le premier essai. Maintenant, sur les bords, notez qu'il y a un espace entre la haute lumière et le blanc du papier. Ici, cela crée un effet en trois D. Lorsque vous placez une ligne blanche près du bord, mais pas sur le bord même. Il devrait y avoir un espace entre le blanc ici et le mélange réaliste Intensifiez les points forts. Nous allons bientôt travailler sur notre partie préférée, l'ombre projetée. Celui-ci va être assez subtil mais toujours très important. Préparons les couleurs pour qu'il y ait une harmonie dans la peinture. Nous utiliserons les mêmes couleurs. J'adore utiliser le CPA et tout ce qui se trouve dans notre mélange rouge est magnifique C'est déjà une jolie couleur pour l'ombre. Je délimite légèrement la zone de l'ombre, donc près du bord, près des jambes. Vous pouvez d'abord utiliser de l'eau pure, mais j'utilise un mélange pour que nous puissions mieux le voir sur la vidéo. Parfois, je commence par l'eau pure. C'est l'ombre, bien sûr. Je vais ensuite le lisser avec de l'eau. Maintenant, près des jambes, je vais augmenter la couleur en plusieurs étapes. Voici l'ombre qui vient de la partie gauche. Mélangeons-le avec l'eau claire et mélangez-le au blanc du papier. C'est super subtil et je vais intensifier la couleur. Bien sûr, près du bord de la coccinelle, alors que la première couche est encore humide, on en ajoute une autre, plus foncée, plus proche de la coccinelle Ensuite, je le lisse avec un pinceau rond, foncé Vous pouvez d'abord le mélanger avec un pinceau à balai ou un pinceau rond, cela dépend des couleurs que vous utilisez Les miens sont assez intenses. Je mélange beaucoup. Les ombres doivent être très subtiles. Nous avons une coccinelle brillante et nous ne voulons pas que les œuvres d'art soient trop fréquentées ou trop choquantes La subtilité de l' ombre est un must. Il est plus facile d'obtenir cet effet en quelques couches. Vous avez tendance à n'en utiliser qu'un et à le mélanger. Je prends le temps de le remplir soigneusement d'eau. Je remplis le pinceau d'eau et je remplis l' ombre d'eau. Et mélangez-le partout. Pour gagner du temps, je vais utiliser un sèche-cheveux maintenant. Ensuite, nous passerons à l'étape suivante et utiliserons des crayons pour la texture Maintenant, attention au sèche-cheveux, et voilà que nous ajoutons de la texture. Avec les crayons, j'utilise celui qui se rapproche le plus de l'aquarelle que nous avons, donc c'est le rouge et J'ajoute de la texture sur le dessus, sur certaines parties, près des bords, de la même couleur, et j'en fais un peu avec mes doigts Je corrige les erreurs de profondeur et de texture. Avec ce type de crayons, vous pouvez ajouter des motifs uniformes si vous le souhaitez, quelques traits rouges Cette fois, je garde à l'esprit le sens du coup de pinceau. Avec un crayon, je prends la même direction, je contourne soigneusement les hautes lumières. À l'étape suivante, je vais augmenter les reflets à l'aide d' marqueur acrylique et peut-être d'un stylo gel. Maintenant, je corrige quelques erreurs, améliore la forme du parc pour femmes et je le rends simplement plus intéressant J'utilise des crayons très figurés Ensuite, je vais ajouter une lumière vive à l'aide d'un stylo gel. J'ai mis quelques points près du point culminant existant ici et ici. Ensuite, je travaillerai dessus au marqueur acrylique car il est beaucoup plus lumineux. Le stylo gel est très fin et crée plus de possibilités pour les motifs. Mais je préfère quand même le marqueur acrylique sur le dessus, avec de petits points. Je les mélange un peu avec le doigt et avec de petits points sur les bords de l'ombre. Et le même effet se produit sur la coque. Comme si cela créait tellement d'intérêt d' avoir ces petits points près des points noirs. Cela donne à notre coccinelle un aspect réel. Il faut beaucoup de temps pour ajouter des points forts. C'est tout à fait normal de passer des moments supplémentaires à essayer une variété de nos fournitures, comme un stylo gel, un marqueur acrylique, un guash pour ajouter petits détails et jouer avec la surface et le motif Nous avons presque terminé et nous allons ajouter un dernier détail avec un crayon CPA Quelques coups sur les jambes, sur l'ombre peuvent corriger quelques erreurs. Notre merveilleuse coccinelle est prête pour son vol. Je pense que nous avons créé une magnifique œuvre d'art. Je vous retrouverai dans la prochaine vidéo et nous parlerons ensemble de nos prochaines démos Je t'y verrai. 13. Peindre une grenade: Je suis heureuse de voir que tu es toujours avec moi. J'espère que vous avez apprécié de travailler sur l'outil de démonstration précédent. Nous allons maintenant créer un projet très ambitieux. Nous allons peindre une grenade à poèmes. Cela ressemble un peu à un poème rien qu'à le regarder. Vous pouvez imaginer comment il est possible de dessiner autant de sièges que nous occupons. Bien sûr. C'est beaucoup plus facile que tu ne le penses. Le secret réside dans les couleurs et la combinaison de formes. Rejoins-moi dans la prochaine vidéo et tu te verras toi-même. 14. Démo grenade: Allons-y. J'ai préparé un croquis au crayon, vous pouvez le trouver dans les ressources de classe ainsi que dans d'autres fichiers. Et je l'allège à l'aide de la gomme dont j'ai besoin. C'est donc mon processus normal. Je crée un croquis, puis j'en efface une partie avec cette gomme nécessaire Mais je constate qu'il reste encore beaucoup d'informations. Maintenant, testons les couleurs du rouge. J'utiliserai le lac Mader comme couleur rouge. Vous pouvez essayer d'autres rouges. Je trouve que c'est le plus adapté à la peau de grenade. J'utiliserai également de l'orange au cadmium. Ensemble, ils créent un joli mélange. J'adore cette couleur, qui est orange, un peu rouge, voire un rose subtil. Vous pouvez essayer de mélanger du rouge vénitien pour assombrir le mélange. Il a l'air lourd et nous pouvons l'utiliser sur la droite pour essayer de mélanger des rouges et des oranges que vous avez déjà. C'est Pthalo Green. Je l'utilise pour les ombres, vous pouvez utiliser N'importe quelle grenade verte a une couleur inégale L'utilisation d'une variété de teintes ajoute de la brillance à vos œuvres d'art. Je prépare le mix sur ma palette de couleurs. Le lac métallique semble un peu plus foncé sur la palette de porcelaine. Et l'orange au cadmium possède également de nombreuses aquarelles. Ils paraîtront plus transparents sur le papier. Je prends beaucoup d'eau et je commence à peindre la croûte avec notre mélange Comme vous pouvez le constater, je mélange les deux couleurs directement sur le papier, je travaille avec le balai car il contient beaucoup d'eau Comme nous en avons discuté dans la section des matériaux du cours, c'est parfait pour la grande partie de notre héros. J'utilise beaucoup d'eau et je change de couleur au fur et à mesure. Je vais répéter la même étape, mais pour l'instant je dois peindre la première couche. La couleur paraîtra plus foncée, plus près de la pointe. Je garde cela à l'esprit. J'ai l'intention d' assombrir le bout du pongrinat Maintenant, je verrouille juste certaines pièces. Je pense également à ce à quoi ressemblera l'œuvre finale. Ma prochaine étape sera de créer une nouvelle couche avec le même mélange que celui que nous avons préparé. Je travaille sur la puce, ce n' est pas si facile de trouver un beau modèle à la grenade avec cette puce qui soit jolie J'ai fabriqué le mien, maintenant j'utilise un pinceau plus petit et j'ajoute une nouvelle couche de peinture sur le dessus. L'effet est meilleur si vous ajoutez le même mélange une fois de plus, et si vous ne vous contentez pas d'utiliser le mélange super audacieux dès le départ. J'ajoute du rouge vénitien pour intensifier certaines parties plus proches de la pointe. Ensuite, j'ajouterai le vert jaune, notre ingrédient secret. Pour ajouter les tons foncés, je vais ajouter quelques coups de pinceau ici et là , directement sur la croûte La couleur de la marque Pon est inégale. Les traits irréguliers seront beaux. Maintenant, le conseil est plus détaillé. Je peux ajouter quelques ombres ici pour appuyer cette partie plus sombre. Bien sûr, il faut ajouter un peu de couleur foncée sur la croûte ou sur la peau Le pinceau plus petit permet de mieux contrôler les zones sombres. C'est pourquoi j'adore l'utiliser. Maintenant, à l'étape suivante, nous allons peindre la grande partie de la pâte. Je vais avoir besoin d'un plus gros pinceau. Je pense que je vais utiliser ce pinceau ou mieux utiliser du synthétique. Peut-être qu'il a un autre poil , ce qui lui permet de travailler plus net. C'est vrai. Ce que je fais, c'est frotter le bord rouge du palmier et j' utilise le rose subtil pour colorer la pulpe Prenez beaucoup d'eau et frottez le bord pour colorer toute la surface de la pulpe. En gros, nous utilisons les couleurs que nous avons déjà mises sur notre grenade à paume. Je vais peindre autour du groupe de graines et laisser le blanc du papier. Vous pouvez ajouter quelques gouttes de rouge si vous trouvez que cette eau est trop claire. J'utilise des aquarelles très pigmentées . Je n'ai besoin de rien de plus à ce stade. J'ai également peint autour des groupes de sièges. Nous avons ici un croquis très détaillé. Je vois chaque élément. Je peux même planifier mon travail à l'aquarelle. J'ajoute rapidement quelques traits et nous avons préparé une belle base pour les prochaines étapes. Dans la vidéo suivante, nous travaillerons sur les graines de cette zone et je vous montrerai comment les peindre de manière rapide et amusante. Passons à autre chose. 15. Grenade : peau et graines: Nous continuons. Je vais peindre les ensembles ovales en utilisant un lavis rouge très subtil. La brosse à balai, parfaitement utilisée à cet effet, retient beaucoup d'eau Lorsque vous peignez les graines, imaginez que vous peignez de grandes formes géométriques. Pensez au groupe de graines, pas simplement à des éléments séparés par le temps. Palm Grand contient beaucoup de graines. Nous voulons créer des œuvres d'art expressives, pas seulement pour la copie, c'est notre impression et votre œuvre d'art sera unique. Quoi qu'il en soit, je peins autour des reflets, nous les laissons intacts Assurez-vous de laisser beaucoup de blanc. Ces points forts ressemblent un peu à des triangles. Dans la dernière étape, nous les mettrons en évidence à l'aide d'un marqueur acrylique ou d'un stylo gel. Donc, ne vous inquiétez pas si vous avez repeint certains d'entre eux. À ce stade, je pense à la source de lumière, les reflets devraient être plus clairs d'un côté, mais ce n'est pas si important non plus. Pour la première couche de peinture, nous utilisons un lavage subtil. Maintenant que la première couche est encore humide, j'utilise de la peinture rouge non diluée et je m'endette directement sur le plateau, en particulier sur le blanc Si la peinture n'est plus aussi humide, la deuxième couche ne saignera pas et l'effet sera différent Vous pouvez ajouter un peu d'eau claire juste pour déplacer à nouveau la peinture. La deuxième couche ajoute immédiatement de l' intérêt. La prochaine étape sera très importante, comme vous pouvez le deviner, nous devrions ajouter quelques zones sombres. J'utiliserai un peu de vert pâle et j'ajouterai les tons foncés très profonds directement aux reflets Le petit pinceau fonctionne mieux, comme nous l'avons déjà indiqué dans la partie précédente. J'utilise beaucoup d' ombres de ce côté parce que j' imagine que les reflets viennent de la gauche. Le côté droit de la grenade paraîtra donc plus sombre. Vous pouvez toujours légèrement lisser la peinture avec de l'eau claire si vous trouvez que les ombres sont trop sombres ou si vous n'aimez pas la forme du groupe de graines À ce stade, vous pouvez toujours changer quelque chose. Et c'est un excellent moyen d'améliorer l'œuvre d'art pendant qu'elle est encore en cours de fabrication. Je lisse le bout sur les bords comme si le pinceau à balais vous permettait de travailler longtemps sans ajouter d'eau ni de peinture, ce qui simplifie J'ajoute rapidement quelques groupes de pieds sur la gauche. Je pense aux formes géométriques et à l'impression générale du Palm Grande. Vous pouvez le rendre aussi expressif que vous le souhaitez. Parfois, les artistes ne peignent que quelques touches de rouge, puis quelques reflets en haut et à droite C'est le style de la Pogrenade qui convient parfaitement à certains modèles Hotton, par exemple Celui-ci est plus réaliste, mais toujours avec notre impression artistique personnelle, j'ajoute des tons foncés près des points forts Je travaille avec un pinceau synthétique et j'utilise de l'eau claire pour lisser les bords Maintenant, je vais travailler sur la bonne partie, disons-le. OK. Plus de groupes, de graines, cette partie est beaucoup plus sombre. Je vais utiliser beaucoup de peinture rouge, non diluée, comme deuxième couche La première couche est toujours très subtile. Je préfère le faire ainsi parce que vous avez de nombreuses façons de le changer. Il est vraiment difficile de passer du noir au clair avec de l'aquarelle. Maintenant, je vais ajouter Matter Lake comme celui-ci ici. Et puis tout de suite les ténèbres. J'utilise un autre pinceau pour accélérer les choses. Capturez les formes et les zones foncées situées près du bord droit du groupe de graines, encore plus Bien sûr, nous devons les faire ressembler aux autres, à tous les éléments. Ensuite, je vais ajouter de l' intérêt avec quelques graines éparpillées. Nous les avons sur notre Skage. Il est maintenant temps de les peindre avec la première couche de rouge. C'est un mélange subtil. Je peins la forme de la petite graine, cette fois c'est très, très précis. Le suivant, ils ont tous un aspect différent. Bien entendu, je laisse le blanc du papier pour le surlignage. J'ajouterai quelques ombres par la suite. Maintenant, la première couche contenant beaucoup d'eau est encore humide. Maintenant, je vais ajouter de la peinture. Le rouge très pigmenté convient parfaitement à ce style. Mettons-en quelques gouttes ici et ici, et aussi ici. Maintenant, les ténèbres ici et ici. Il me reste donc encore de la peinture, je vais donc ajouter quelques traits ici et peut-être ici. C'est exact. Dans la prochaine vidéo, nous ajouterons des couleurs éclatantes à notre Nous allons ajouter le sens des couleurs ici et l'ombre. Passons à autre chose. 16. Grenade : pulpe: Nous continuons à travailler sur la pulpe, nous voulons ajouter du brillant. J'utiliserai du jaune et de l'ocre jaune. Cela nous donnera une texture mate, et pour le contraste, j'utiliserai du bleu cobalt. J'adore la combinaison des deux jaunes. Cette jolie texture, le bleu nous donne ici une touche de vert et de gris neutre. Si vous le mélangez encore plus, il est vraiment difficile d' obtenir le mélange que vous aimez. Je le testerais un peu sur une feuille de papier séparée. C'est le même papier pour aquarelle que j'utilise pour l'œuvre d'art. J'adore avoir un exemple précis de ce que contiendra le tableau final. Je commence par quelques coups pinceau avec soin. Ici, vous pouvez voir le contraste tout de suite. Je commence à appliquer les coups de pinceau de manière très chaotique et irrégulière. Un peu de jaune ici, vous pouvez même ajouter de l' orange si vous le souhaitez. Cela donnera un excellent contraste avec le rouge. Nous avons une texture naturelle et il y a toujours un beau contraste entre le rouge, le jaune et le bleu dans notre mélange Parfois le bleu brille, parfois le vert apparaît. De cette façon, vous obtiendrez une peinture brillante. en prie, dans les yeux, j'ajoute du jaune ici. Ensuite, j'ajouterai les points bleus vifs avec bleu pavé et cela fera briller notre grenade. Voyons maintenant comment cela fonctionne. Je prends beaucoup de peinture Au bout d'un peu de jaune, nous avons ce vert qui fleurit. Et encore une fois, c'est toujours une bonne idée de tester d' abord les couleurs , car il existe une variété de marques, elles contiennent toutes des pigments différents dans les mélanges. Ils se comportent différemment, c'est toute une science, mais elle est très excitante. Je pense que je suis content du mix. Je vais ajouter quelques traits directement sur le palp du pungrnater Sound Here, peut-être que c'est difficile Vous pouvez les soulever avec de l'eau claire, mais ce n'est pas comme de la jauge ou de l'huile Nous devons déjà être attentifs à ce stade. Maintenant, je pense que c' est assez subtil. Je vais ajouter quelques traits ici et là, près du noir, encore plus clair, le bleu est superbe Profitez de cette touche picturale, d'un rose subtil, d'un mélange de jaunes et de bleu vert Je continuerai à travailler sur les membranes palpes de la même manière. J'utilise de petits traits, jamais les plus grands près de la pointe, même sur la croûte Vous pouvez ajouter un peu de notre nouveau mix, mais vous pouvez surtout voir qu'il se trouve sur la bonne partie du pon grand. Juste pour avoir ce contraste avec les rouges foncés, nous voulons ajouter plus de détails. J'utilise le vert pyl et rouge pour obtenir le mélange plus foncé que nous utilisons pour l'ombre Je vais utiliser un petit pinceau, je pense qu'il s'agit d'un très petit pinceau synthétique. Et ajoutez quelques fissures plus sombres et des ombres très fines ici et là. Vous vous souvenez des rayures et de la grenade lorsque vous voyez presque du travail en ligne près des sièges J'utilise donc le mélange avec soin, appliquant les vins sur les bords, jamais sur le palpe ou sur les zones très claires, car nous ne voulons pas donner à cette peinture apparence d'un dessin à l'encre à ce stade. Bien sûr, vous pouvez le faire aussi, mais ce n'est pas ce que je prévois pour le moment Ajoutons des détails sur le conseil. Je pense que je dois l' adoucir un peu. Je mélange les lignes avec de l'eau. Si je trouve qu'elles sont trop nettes, j'utilise de l'eau claire et je mélange les bordures, ou mieux vaut dire «  Maintenant, les ombres ici et ici, sous les graines, éponger, badigeonner d'eau claire pour mélanger le tout Ajoutez un peu de couleur foncée même sur le côté gauche du Palm Grande Ensuite, nous voulons unifier l'œuvre d'art et y ajouter un peu de brillance Je vais utiliser de l'orange Et nous allons ajouter quelques nuances à l' ensemble du Pm grande, très, très subtiles ici et là. L'orange est super brillant. Nous devons faire très attention à ne pas le surcharger. Quelques nuances ici et là sur les graines éparpillées, on peut même ajouter un peu de rouge. Je pense que c'est également une bonne idée. Mélange également très subtil. Nous avons presque terminé. Dans la dernière partie de cette démo de Pongrnde, nous ajouterons une ombre spectaculaire et un Cela créera une merveilleuse sensation d'espace même pour ce petit tableau. Passons à autre chose et ajoutons l'ombre dans la vidéo suivante, vous verrez. 17. Grenade : ombre et arrière-plan: Travaillons maintenant sur l'ombre. Nous utiliserons les mêmes mélanges de couleurs. Je vais utiliser notre rouge, nous avons juste de l'importance, Lake dans mon cas. Et peignez une ombre ovale projetée sous le palmier. Ensuite, j'ajouterai un peu de vert sarcelle et je répéterai cette étape. Vous pouvez commencer avec de l'eau claire. J'utilise juste un subtil mélange de rouge et de vert clair pour que vous puissiez mieux le voir sur la vidéo, bien sûr, sous les graines éparpillées. Encore une fois, je vais répéter cette étape plusieurs fois, intensifiant l'ombre à de très nombreuses reprises en fait Mais je pense que vous n'êtes pas surpris si l'ombre est trop nette. Je le mélange avec de l'eau. Je préfère utiliser un balai pour ce type de travail car il est très lisse et je peux facilement le mélanger à de l'eau Vous pouvez donc utiliser un sèche-cheveux pour accélérer un peu les choses Ou si vous avez le temps, vous pouvez simplement profiter du processus. Si vous utilisez un papier en coton, il sèche assez rapidement. Je répète la même étape plusieurs fois. Tu peux utiliser des crayons si tu te sens mieux. Contrôlez de cette façon. Je préfère utiliser uniquement des aquarelles, ce que l'ombre du Pô ne ressemble pas à d'autres démos Vous pouvez mélanger la peinture directement sur le papier, comme si vous ajoutiez du vert sarcelle et elle se mélange instantanément au papier rouge Les serviettes sont essentielles pour éliminer l' eau du pinceau et mélanger au fond Bien entendu, le fond n'est que le papier. J'utiliserai le sèche-cheveux pour accélérer les choses. Le son Maintenant, je vais ajouter une nouvelle couche. Oui, encore une fois, quand tout est sec, j'ajoute l'épaisse couche de vert et de rouge sous les pogranaten Nous devons l'atterrir et ainsi obtenir une sensation réaliste et illusion de profondeur en même temps. Comme ça, bien sûr, n'oubliez pas ces petites graines. Ils sont si jolis, comme de petits cercles. Nous allons maintenant peindre un fond avec de grands coups de pinceau. J'utilise le même mélange subtil, avec plus de rouge, juste un peu de vert peut-être sur le pinceau, mais c'est surtout du rouge. Avec de grands traits, je crée simplement cette sensation d' espace autour du Pom Grande. Vous pouvez utiliser n'importe quel type de brosse, mais une brosse à balai ou une brosse plate seront plus belles Lorsque la peinture est sèche, la couleur sera plus claire. Vous pouvez donc garder cela à l'esprit, même si votre arrière-plan est trop sombre, peu importe. Je peins donc soigneusement autour des graines, puis je vais réessayer avec un sèche-cheveux. Mais avant cela, j' ai d'autres projets. Je pense que tu vois ce que je veux dire ? Mais pour l'instant, finissons-en avec le contexte. Je pense que c'est presque suffisant. Peut-être ici et ici. Oui, c'est beaucoup plus facile dans Photoshop ou Procreate lorsque vous utilisez simplement le pinceau Je vais encore ajouter un peu de vert. Ici, ici et ici. Et bien sûr, ici, ici et ici. Super. Maintenant, je pense que nous devons l'assombrir en rouge. Lorsque vous mélangez sur du papier, vous obtenez un effet très spécial. C'est très courageux de le faire, mais nous sommes courageux. C'est donc un excellent moyen d'expérimenter. J'estompe l'ombre et maintenant je vais utiliser un sèche-cheveux après autre coup pour battre les choses. Oui, je pense que ça suffit. Essayons le Palm Grand avant de passer à l'étape suivante. Elle est sèche. Voici le marqueur blanc pour éclaircir les reflets Bien sûr, vous pouvez utiliser un stylo gel blanc bâillon ou un crayon, mais je préfère utiliser le marqueur acrylique Je dessine quelques triangles blancs sur les graines ou juste quelques points blancs. Cela les fait briller. J'aime tellement cette partie. Il n'y a aucune pression et cela peut durer éternellement. Tu ajoutes les reflets, tu ajoutes de la magie à ta grenade Je pense que nous avons créé un beau tableau, et j'ai hâte de voir vos œuvres d'art. Peut-être quelques points par ici. Ici et ici. Nous avons presque terminé. Vous pouvez prendre une boisson chaude pour fêter ça. Je vous retrouve dans la prochaine vidéo où nous parlerons de nos prochaines aventures. J'ai hâte de vous y voir. J'espère que vous créerez beaucoup de beauté et, bien sûr , nous les partagerons dans la galerie de projets. Je vous verrai dans la prochaine vidéo. 18. Réalisme numérique: Merci de m'avoir rejoint dans la deuxième partie du cours, nous travaillerons numériquement. J'ai commencé à travailler en tant qu'artiste numérique bien avant les iPad et la plupart de mes œuvres commerciales sont peintes dans Photoshop Mais la bonne nouvelle, c'est que les principes d'un bon dessin restent toujours les mêmes. La technologie ne nous aide qu'en tant qu' outil, mais elle ne pourra jamais nous remplacer. Aujourd'hui, je vais peindre dans procreate, mais vous pouvez utiliser n'importe quel logiciel si vous utilisez procreate pour ne pas oublier de télécharger pinceaux. Dans la section des projets de classe, j'oublie les pinceaux personnalisés Dans la vidéo suivante, vous découvrirez quelques paramètres utiles. Passons à autre chose. 19. Paramètres et symétrie dans Procreate: Bon retour. Avant de commencer, je souhaite partager avec vous certains paramètres qui nous aideront. En cours de route, je vais dans Settings Procreate et je m' assure que l'annulation simplifiée est désactivée De cette façon, nous avons un meilleur contrôle sur notre processus. Ensuite, je passe à l'Apple Pencil et je désactive le double toucher correspondant à mon style de dessin, cela ne fait que créer de la confusion. Ensuite, j'irai procréer et nous travaillerons sur une toile carrée Vous pouvez créer le vôtre, disons 3 000 x 3 000 Utilisez généralement des pixels. Voici le nombre de couches que vous pouvez utiliser dans cette taille. Si vous prévoyez d' imprimer votre maquette, assurez-vous que le DPI est de 300 ou plus. Ensuite, nous passons à l'icône française qui fait référence Chester Controls et nous nous assurons que le dessin assisté est désactivé. Nous l'utiliserons plus tard. Nous allons créer des illustrations symétriques et utiliser l'outil de symétrie. Nous passons au guide de dessin de Ranch Icone Canvas. Lorsque le guide de dessin est ajouté et que la grille apparaît, appuyez sur Symétrie. C'est ça. Vous pouvez modifier la capacité, l'épaisseur de la ligne même la couleur du dessus. Ici, je ne change généralement pas grand-chose. Lorsque nous voyons la couche, il y a un petit panneau indiquant Assisted. Au fait, voici les pinceaux que je vais utiliser. Vous pouvez les télécharger dans les ressources pédagogiques. Laisse-moi choisir un pinceau pour te montrer que j'aime. Ainsi, tout ce que je dessine sera reflété de l'autre côté. Nous dessinons un mode symétrique. C'est parfaitement logique pour nous. Juste le sketch habituel. suite, ça a l'air magnifique, mais que faire si je voulais ajouter une nouvelle couche ? Essayons-le. Touchez une couche, rien ne se passe. Appuyez sur le calque et choisissez le dessin***. Assurez-vous que cela fonctionne pour toutes les couches que vous souhaitez voir similaires des deux côtés. Encore une fois, si vous souhaitez ajouter une nouvelle couche, assurez-vous de toucher Drawing Assist. Nous l'utiliserons de différentes manières. Vous le verrez dans les prochaines démos. Je voulais juste vous donner un aperçu rapide pour avoir une idée de ce que nous allons faire. Je commence par un croquis à l'aide de mon pinceau. C'est juste le crayon habituel que j'ai créé. Et vous pouvez modifier la taille et l'opacité du pinceau. J'aime juste tester un peu les choses. abord, la tête du papillon, j'aime créer un croquis assez détaillé Vous le verrez dans la prochaine vidéo. Je suis juste en train de tester le pinceau et la taille du papillon. Vous pouvez en fait changer la taille, comme je l'imagine. Nous aurons des ailes. Nous avons besoin de suffisamment d'espace. Passez-moi à la vidéo suivante et nous commencerons à créer nos magnifiques œuvres d'art. 20. Papillon de nuit de démonstration: Allons-y. J'ai créé une couche avec l'aide au dessin. Ensuite, j'utiliserai mes pinceaux et la palette de couleurs. Vous pouvez le trouver ici. De plus, dans les ressources pédagogiques, je commence par un croquis très vague de la bouche en rouge foncé. À ce stade, je pense aux modèles de proportions. Je commence par la tête. Comme nous utilisons la symétrie, je gagne beaucoup de temps pour cette esquisse. Donc le corps, quelque chose comme ça. Je pense à la forme des ailes, aux éléments que je souhaite mettre en valeur. Même à ce stade, je pense déjà à la valeur, aux ombres et aux éléments sur lesquels je souhaite me démarquer. La toile carrée est un peu délicate. Nous voulons garder les proportions, les ailes ont une belle forme qui convient parfaitement à notre toile. Ensuite, je vais créer une nouvelle couche et nous allons faire un croquis propre et raffiné sur le dessus. J'aime ajouter beaucoup de détails et expérimenter un peu avec les ailes en particulier. C'est une belle pièce qui peut être décorée de nombreuses façons. Cette fois, j'aimerais avoir deux grands ovales avec des reflets à grands ovales avec l'intérieur des cercles Et quelques motifs ici que je vais colorier avec des touches orange et lumineuses. Maintenant, je vais juste le marquer une couleur plus foncée pour ne pas l'oublier. J'utilise des hachures et des ombres sur certaines zones avec le crayon. En général, les choses que je faisais traditionnellement sans trop de pression. Maintenant, l'esquisse affinée, je crée un nouveau calque, je tape, j'aide au dessin. Je modifie l'opacité de l' esquisse initiale et je la verrouille bien. Ce n'est pas nécessaire, mais c'est juste une habitude, alors je dessine avec un crayon, un pinceau sur le dessus. Cette fois, je dessine soigneusement chaque élément. Comme certaines de ces lignes resteront dans l'œuvre finale dans mon style, j'utilise l'esquisse initiale affinée cadre de l'illustration finale. Je pense que je devrais encore modifier la capacité. Nous travaillons maintenant sur ce joueur de haut niveau. J'ai également téléchargé le croquis dans les ressources de la classe, afin que vous puissiez utiliser le mien ou créer le vôtre. Chaque ligne a un objectif précis. Désormais, c'est beaucoup plus facile de travailler numériquement, car vous pouvez toujours annuler sans trop de pression C'est juste une façon différente de créer quelque chose de plus amusant sans trop de pression. Cette partie de l'aile porte probablement un nom spécial que nous ne connaissons pas. Je suis très fasciné par l'illustration de l'histoire naturelle. Je pense que je devrais faire un cours à ce sujet un jour. Ici, j'aimerais y dessiner des éléments décoratifs. Dynamique, le corps s'en va ici. Cela ressemble toujours beaucoup à un croquis. Le crayon a déjà une texture. Je vais donc simplement ajouter quelques traits. Nous avons ici le bord de l'aile, une belle ligne. Vous pouvez toujours masquer la couche initiale pour mieux voir la version améliorée. Pour gagner du temps, nous allons commencer la vidéo suivante avec l'esquisse terminée. Vous pouvez toujours le trouver dans les ressources de classe au cas où vous voudriez l'utiliser. Passons à autre chose. Et j'ai hâte de continuer à dessiner avec toi. 21. Papillon de nuit : couleurs: Voici notre croquis raffiné. Vous pouvez insérer le fichier ou une photo en appuyant sur Actions. Insérez un fichier ou une photo. Vous pouvez utiliser n'importe quelle image ou mon croquis. Je veux créer un fond sonore. Je crée donc un nouveau calque, le place sous l'esquisse, ce sera un arrière-plan. Évidemment, je choisis une couleur dans la palette de couleurs et laisse tomber comme si le nouveau calque avait un dessin en guise de signe. Assurez-vous qu'il est allumé. Je vais utiliser une couleur blanche pour dessiner une grande forme de l'aile. Nous allons légèrement modifier l'opacité sur le nouveau calque situé sous le sketch J'utiliserai juste un pinceau habituel et je vais dessiner une forme fermée de l'aile. Ensuite, nous allons faire glisser la couleur blanche de cette façon, nous aurons une belle forme blanche de l'aile. À partir de maintenant, je vais créer les couches. Vous pouvez remarquer que la deuxième aile est déjà colorée. Maintenant, je veux ajouter un peu de couleur nuancée, peut-être du vert sur le dessus ou du vert crème clair, quelque chose de la couleur que nous avons Je voudrais ajouter de l'intérêt près du corps du papillon, peut-être un peu jaune Donc, pour ajouter de l'éclat à l'aile, je pense que je veux ajouter une zone rose. Vous pouvez essayer différents pinceaux. Vous pouvez simplement utiliser des pinceaux standard. Je préfère créer quelques ajustements pour chaque œuvre d'art. Par exemple, nous avons ici du charbon de bois et une certaine texture pour les ailes. J'aime utiliser une variété de combinaisons. Dans une œuvre d'art, je colore l' aile avec un rose subtil. Ensuite, je vais me contenter de tout pour obtenir un rose lisse et encore plus vif. Il y aura des ombres sur chaque ligne. Cela renforcera notre profondeur d'illusion ici, ici et À l'intérieur de notre cercle. J'ai l'intention de vous faire part de quelques points saillants. J'ajoute du noir à ce stade. Ensuite, je vais ajouter un pinceau à charbon sur le dessus. Maintenant, je suis en train de maculer et un peu d'utiliser un outil de maculage . Peut-être que ce sera le rose foncé et le rose plus clair. Nous avons déjà une texture réaliste simplement en maculant deux couleurs contrastées Ajoutons maintenant. Oui, la texture est très importante pour le millésime. Regarde quelque chose comme ça. La texture anthracite plus brillante de l'aile. Vous pouvez facilement créer vos propres pinceaux. Si vous dessinez, par exemple, un papillon aux ailes en soie ou aux ailes brillantes, vous suffit de toucher et de choisir la couleur, il vous suffit de toucher et de choisir la couleur, de la modifier légèrement et d'ajouter de l'intensité. Vous pouvez donc toujours le modifier si vous le trouvez trop contrasté ou s'il est trop clair pour l'arrière-plan. Il en va donc de même de l'autre côté de l'aile. Maintenant, je le macule une fois de plus. Ensuite, je vais ajouter un peu de gris ici, près du corps du papillon. Elle est généralement plus foncée que les ailes. Et un contraste jaune ou blanc plus vif. Je pense que c'est blanc ou peut-être même quelque chose comme ça ici, au milieu de la bouche. En tant que look unifié. Avec ce vert terne et ce rose subtil, il est temps de travailler sur le motif des ailes, je choisis l'orange. Et à l'aide d'un pinceau, colorez les éléments. Peut-être que tu peux choisir un autre pinceau. Je ne sais pas s'il aura l'air trop grand. Peut-être que celui-ci et l'orange fonctionneront très bien ensemble. Vous pouvez simplement tester quelques pinceaux. Oui, ça marche toujours. Je sais que nous utilisons un outil de symétrie, mais je vérifie s'il fonctionne de temps en temps. Je colore ces éléments avec de l'orange, puis je vais choisir parties de couleur brun plus foncé , puis je les écraserai ensemble. Vous l'avez probablement déjà deviné de cette façon. Vous aurez un beau dégradé d'aspect vintage lisse. En même temps, ce sera irrégulier, comme une œuvre picturale, pas simplement un dégradé créé numériquement J'ajouterai également un peu d'orange. Ensuite, je vais le mélanger. Je pense que le blanc sera plus beau. Regardons l' autre côté, orange. En plus, j'aimerais ajouter quelques couleurs sur la tête du papillon. Nous allons avoir une illustration intéressante, pas seulement la tête grise d' un insecte suspect. Appliquez un peu de brun foncé sur les bords, près des lignes, puis étalez le tout en douceur. Tellement beau dégradé. Nous aurons ici un contraste plus sombre et couleur très subtile sur le dessus avec des ombres plus foncées près des lignes où se trouvent les antennes. Dans la prochaine partie, nous ajouterons quelques détails et nous effacerons certaines erreurs. Ensuite, je vais ajouter des reflets blancs sur certains éléments. Puis peut-être une petite lueur jaune. Nous pouvons déjà constater que la plus grande partie du travail est réalisée grâce à l'outil de symétrie, notre mousse est magnifique. Dans la prochaine vidéo, nous ajouterons des détails. Un peu de texture sur le dessus et, bien sûr, de l'ombre, un peu de lueur ici. Passons à la partie suivante. 22. Papillon de nuit : ailes et bords: Nous continuons. Voyons ce que nous avons ici. Nous ajoutons maintenant quelques points forts. Nous sommes prêts à passer à autre chose. Nous avons ici nos papillons colorés. Notre croquis, j'adore m' arrêter pour voir à quoi ressemble la couleur et nous allons utiliser un outil de découpe de masque. C'est vraiment génial. Tout ce que nous avons à faire est de créer un nouveau calque, de toucher, de découper le masque De cette façon, tout ce que vous dessinez au-dessus de ce calque est bloqué dans le calque inférieur. Dans notre cas, c'est le sketch. Juste au cas où j'utiliserais le log alpha pour la couche d'esquisse. C'est une bonne habitude de ne pas franchir les limites, mais ce n'est pas nécessaire. Le masque de découpage est un excellent outil pour ce type de style que j'utilise Maintenant, choisissons une couleur proche de celle de l'aile. En gros n'oubliez pas que l'aide au dessin est activée, nous allons colorier les lignes. Vous pouvez voir que j'ai choisi le jaune et que je colore les lignes, mais notre esquisse est verrouillée. Au cas où nous voudrions prendre un peu de recul , ce n'est pas un problème. Je choisis une couleur proche la partie où le contour est rose ou rose plus foncé. Ou si je veux un contraste, j'utilise du blanc, du jaune ou du vert. Et je colore les parties des lignes. Par exemple, ici je veux avoir un gris. On peut encore voir la texture du crayon. Ce bord doit être très, très clair car l'aile est foncée. Le contraste est déjà là et nous n'avons pas besoin qu'il y ait trop de monde. Maintenant, l'orange, le bas de l'aile, comme vous l'avez probablement deviné, je travaille ainsi sur tout le corps du papillon La prochaine étape sera de tout fusionner et de mélanger un peu. Je vais fusionner les couches et broder les couleurs avec les contours Mais pour l'instant, je travaille avec soin sur chaque trait que j'ai ici, pour créer un effet intéressant. Certains bords restent tranchants et certaines parties bougent, même un peu rêveuses vert contraste bien avec le rose, c'est pourquoi je l'utilise près de la partie de l'aile avec un élément circulaire, le corps du papillon Il s'agit d'un élément central. C'est pourquoi il est important de ne pas trop le surcharger car les ailes sont très efficaces Mais il est très important que la tête et le corps soient unifiés avec le reste de l'œuvre d'art. Nous allons avoir le contraste le plus foncé sur le motif. Voyons à quoi ça ressemble. Ajoutez peut-être un peu de texture ou des éléments légers sur les ailes. Ça a l'air bien mieux. Maintenant, je veux le rendre plus réaliste en maculant certains bords Je fusionne toutes les couches sauf l'arrière-plan, assurez-vous que c'est Alfolog Nous n'appliquerons pas accidentellement les contours à l'arrière-plan Je vais choisir un beau pinceau, voyons en maculer les bords Comme. Nous pouvons donc voir ici tous les pinceaux et les meilleures méthodes de test. Je les teste à chaque fois parce qu' on ne sait jamais qu'on a un plan en tête. Et lorsqu'il s'agit de dessiner, les résultats sont très différents. J'utilise la petite taille du pinceau et mélange très doucement les bords. Les bords deviennent doux, plus rêveurs et plus réalistes. En même temps, cela semble encore un peu sommaire et j' aime cette sensation expérimentale de notre mousse Je travaille sur les bords, on mélange le vert et le rose. Ensemble, ils créent du gris. L'œuvre d'art devient de plus en plus douloureuse. Les couleurs avec des oranges et des bruns foncés. Ici, nous avons une situation très inégale. Nous, c'est l'idée. C'est blanc ici, c'est crème. Ne vous inquiétez pas des erreurs ou des lignes qui se trouvent sur les bords. Nous pourrons les élever par la suite. Maintenant, tu ne peux pas faire ça, Cato. Je le ferai plus tard. Badigeonner un peu les choses, unifier les œuvres d'art. Il en va de même sur le côté gauche. Maintenant, voici le contraste entre le vert et l'orange. Et ici aussi, quelques coups. Maintenant, la tête, nous ne voulons pas de lignes très raides, donc je veux en tacher un peu les bords Le brun fonctionne donc très bien. À la fois comme ombre et comme contour de cette façon. Travaillez plus vite. Et n'oubliez pas que nous avons maintenant alphlog et Drawing Assist sur Maintenant, je vais ajouter de la texture sur le dessus avec le charbon de bois. Ce sont de petites étapes qui ne sont pas nécessaires, mais j'aime ajouter beaucoup de détails à mes œuvres d'art juste pour nettoyer un peu les choses. C'est pourquoi je voudrais maintenant signaler quelques erreurs dans le schéma. Je dois désactiver le verrouillage alpha. De cette façon, je peux faire le travail afin de nettoyer le contour. Ce n'est pas la précipitation habituelle ici. De plus, cet élément est trop intense. Je voudrais le soulever un peu, donc ce sera quelque chose comme plupart des lignes trouvées, un peu comme ceci. Nous avons presque terminé. Dans la prochaine courte vidéo, nous ajouterons quelques touches finales et notre ombre dramatique préférée. voit là-bas. Nous allons continuer. 23. Papillon de nuit : ombre et texture: Allons-y. Nous n'avons plus besoin d'aide au dessin. Éteignons-le. Nous n'avons également plus besoin de guide de dessin. C'est vrai. Nous allons dessiner une ombre fantastique Je crée une nouvelle couche sous notre bouche. Et à l'aide d'un pinceau à charbon et d'une couleur foncée de la palette de couleurs, je vais dessiner l'ombre. Je vais esquisser grossièrement l'ombre ici, comme s'il y avait une distance entre l'ombre et le corps de la bouche. Nous créons ainsi un effet réaliste et impression convaincante d'apparence tridimensionnelle. Cela semble également différent sur la gauche. C'est pourquoi nous n'utilisons plus d' outil de dessin de kyste et de symétrie. J'utilise cette couleur foncée et je souhaite ajouter un peu de vert pour le contraste. Ensuite, j'ajouterai un peu de rose pour compléter les ailes. J'esquisse grossièrement l'ombre. Nous n'avons pas besoin d'arêtes vives, juste d'un peu de texture et de gloire. Sentez un peu de rose ici, comme la lumière sur l'ombre et sur les ailes un peu transparentes. Maintenant, je veux effacer une partie de l'aile ici. Je corrige la forme de l'aile inférieure, je la complique. Maintenant que nous avons une ombre, le contraste entre elles est très évident. Quelques erreurs, c'est normal. Tu sais ? Joyeux accidents et ainsi de suite. Nous voulons maintenant ajouter de la texture. Ajoutons une nouvelle couche. Appuyez sur Réglages. Bruit Nous avons ici tous les réglages. Vous pouvez modifier l'intensité, nous pouvons faire quelque chose comme ça. Ici, nous avons différentes options et effets que nous pouvons utiliser. Je préfère choisir la superposition puis modifier un peu la capacité de la couche. Nous avons terminé. Nous avons une belle illustration réaliste. Je veux le faire pivoter un peu. Fusionnez les couches, la bouche et l'ombre. Appuyez sur la flèche et faites-la pivoter un peu comme suit. Cela ajoutera plus de dynamisme et d'intérêt à nos œuvres d'art. J'ai peut-être besoin d'une touche finale dans ce nouvel angle. Vous pouvez voir certains détails que vous souhaitez ajouter, mais je suis très content du résultat. Un peu de blanc ici et ici. Et c'est tout. Nous pouvons maintenant expertiser nos œuvres d'art. Il suffit d'appuyer sur Actions, de partager, de choisir le format et de l'enregistrer. C'est ça. Vous pouvez transformer vos œuvres d'art et les utiliser pour tant de belles choses. Maintenant, retrouvez-moi dans la prochaine vidéo et nous parlerons de votre devoir pour ce cours et des choses merveilleuses que vous pouvez créer. On se voit là-bas. 24. Votre projet: Félicitations. Vous avez regardé toute la classe et vous êtes maintenant prêt à travailler sur votre propre projet réaliste. le cadre de ce cours , vous devez peindre un objet de manière réaliste et l'applaudir dans la galerie de projets Vous pouvez suivre n'importe lequel de mes exemples ou choisir vous-même quelque chose de très spécial. Un jouet, une pièce de monnaie, un tampon, un bouton ou une carte postale, quelque chose qui possède une caractéristique unique. Regardez de plus près l' objet, mieux regardez le vrai. Essayez de sentir la texture, obtenir une impression artistique. Je sais que nous sommes tous très occupés. Il peut s'agir de quelque chose de petit. Vous pouvez également partager un simple croquis. C'est un excellent moyen de soutenir notre communauté créative. Vous pouvez également le partager sur Instagram. N'oubliez pas de me placer directement sur l'image pour que je puisse la retrouver. Il reste encore une vidéo à visionner. 25. Thougths finales: Eh bien, ça y est. J'espère que vous avez aimé explorer cette technique vraiment fascinante autant que ai fait lorsque j'ai travaillé sur ce cours. J'ai plein d'idées créatives et j'espère que vous en avez eu aussi. C'est le point le plus précieux à retenir de ce cours. N'oubliez pas que la clé la plus importante de toute technique est votre vision artistique et votre façon de voir les choses. Aujourd'hui, nous avons appris le principe suprême de l'apparence tridimensionnelle. L'ajout de texture et de contraste à votre œuvre d'art ajoutera également de la profondeur, du réalisme et de l'intérêt. Si vous aimez ce cours, n'hésitez pas à consulter mes autres cours sur le partage de compétences. Il y a une variété de sujets qui me passionnent. Vous pouvez ajouter beaucoup à votre arsenal créatif. N'oubliez pas d'appuyer sur le bouton Suivre ci-dessus pour être informé des nouveaux cadeaux inspirants, des nouveaux cours et des nouveaux projets Je travaille sur le bouton quelque part au-dessus. Vous pouvez également me suivre sur Instagram. Merci encore d'avoir créé avec moi. Pour l'instant, je vais ranger cette pomme empoisonnée du conte de fées J'attendrai vos œuvres dans la galerie de projets. À voir la prochaine fois.