Production vidéo pour les créateurs de contenu : un guide de débutant

1. INTRODUCTION DU COURS: Bonjour, je m'appelle Amir. Je suis créateur de contenu et je réalise des vidéos techniques depuis cinq ans. Ma chaîne principale s'appelle reviews PKA, où je réalise des vidéos et dans ma langue maternelle, qui comporte des heures supplémentaires. J'ai réussi à créer une audience pour mon contenu. Mon objectif en matière de contenu a toujours été de fournir la meilleure qualité possible. Il s'agit donc de la qualité du travail de ma caméra, mon son, de mon éclairage et de la qualité globale de ma vidéo finale. Il m'a littéralement fallu des années de labeur et de recherche et de pratique pour développer mes compétences en tant que créateur de contenu vidéo. Dans ce cours, j'ai essayé résumer ce que j'ai mis des années à apprendre, afin, espérons-le, de donner à quelqu'un qui et facile à assimiler le monde de la production vidéo en tant que créateur de contenu tout juste et facile à assimiler le monde de la production vidéo en tant que créateur de contenu. Lors de la conception de ce cours, j'ai essayé d'aborder toutes les choses que je pense être importantes à savoir en tant que débutant dans ce domaine. Tout, des caméras aux objectifs, en passant par l'éclairage et les microphones, et le type de logiciel que vous devez utiliser. En plus de tout un tas d' autres éléments d'état d'esprit que vous devez avoir si vous voulez produire des vidéos régulièrement et de manière cohérente en tant que créateur de contenu. Maintenant, ce cours ne fera pas de vous un pro du jour au lendemain. Aucun cours ne le fera jamais, mais il vous donnera une bonne base sur les bases de la production vidéo, que vous pourrez ensuite utiliser comme feuille de route pour un apprentissage plus avancé à l'avenir Je partagerai également quelques conseils de pro avec vous, qui sont des pépites d' informations que j'ai recueillies au fil des ans grâce à mes propres recherches et essais et erreurs. Si vous ou quelqu'un souhaitez commencer à produire des vidéos pour les réseaux sociaux, ou si vous venez de démarrer pour quelqu'un qui est simplement intéressé et souhaite découvrir en quoi consiste la production radiophonique. Alors je vous invite à consulter mon cours et j'espère vous y voir. 2. Mindset d'un créateur de contenu: Bonjour à tous et bienvenue. Je suis vraiment heureuse que tu décidé de suivre ce cours avec moi. Et j'espère que vous repartirez avec tout un tas d'informations qui m'ont fait passer des années ensemble. Maintenant, j'ai conçu ce cours comme un cours de base où les deux hypothèses sont que vous êtes un producteur vidéo débutant avec peu ou pas de connaissances en production vidéo. Et qu'en tant que créateur de contenu, vous travaillez seul. C'est important parce qu'en tant qu'armée composée d'un seul homme ou d'une seule femme, vous devez tout faire. Vous êtes le réalisateur, le caméraman , le monteur et tout ce qui se trouve entre les deux. Donc, au lieu d'avoir une connaissance approfondie et approfondie de tous les différents domaines de la production radiophonique. Vous devez en savoir juste assez sur tout pour pouvoir produire vos vidéos vous-même régulièrement. Dans la production vidéo ou cinématographique traditionnelle , des équipes entières travaillent dans différents domaines. Mais en tant que créateur de contenu solo réalisant des vidéos sur YouTube, Facebook ou TikTok, vous travaillerez seul. Il est donc très important que vous ne soyez pas trop enlisé dans un domaine. Maintenant, comme il s'agit d'un cours de base pour les débutants, il vous permettra d'établir vos bases ou votre base, mais c'est à vous de les approfondir. Vous apprendrez les bases de tout ce que je pense que vous devez savoir dès le premier jour. Ensuite, vous pouvez choisir les domaines dans lesquels vous souhaitez poursuivre vos études à l'avenir. Et c'est également très important. Vous devez être en mesure de compléter vos propres connaissances faisant des recherches et en regardant des didacticiels. vous pouvez pratiquement tout apprendre sur Internet De nos jours, vous pouvez pratiquement tout apprendre sur Internet en utilisant des ressources telles que Skillshare et YouTube. Je suis également un créateur de contenu autodidacte. Je n'ai jamais fréquenté d' école de cinéma ou quoi que ce soit de ce genre. Maintenant, avec les créateurs de contenu nouveaux ou en herbe, le plus gros défaut que je constate est cette obsession pour les vidéos virales. Chaque créateur de contenu a envie de cette vidéo qui apparaît simplement lorsque vous la mettez en ligne, obtiendra un grand nombre de vues instantanément, gagnera beaucoup d'argent attirera de nombreux abonnés. Mais il est très important de comprendre qu'en tant que créateur de contenu ou influenceur sur les réseaux sociaux à succès, vous devez considérer cela comme un marathon et non comme un sprint si vous êtes constamment à la recherche de vidéos virales. Et je pense que vous vous exposez à la déception car pour la grande majorité des créateurs de contenu, les vidéos virales sont très rares. Je sais que seuls quelques YouTubers ont réussi à faire apparaître chaque vidéo. Comme M. Beast, qui a beaucoup d'expérience et des centaines de milliers de dollars à dépenser pour chaque vidéo. En gros, il a la formule virale jusqu'à un T. Mais pour la grande majorité d'entre nous, c'est la saison de la mouture faite maison. Maintenant, je ne dis pas que les vidéos virales ne sont pas souhaitables ou qu' elles n'ont aucune valeur. Ils peuvent être très utiles en vous offrant une aubaine et en vous donnant un coup de pouce pour l'avenir. Mais à mon avis, il est très important de rester concentré sur votre constance et sur votre jeu à long terme. Plus vous êtes constant, plus vous avez de chances de créer quelque chose qui devienne viral. Pensez à votre contenu comme à des résilles. Plus vous avez de contenu, plus vous avez de résilles et plus vous avez de chances d'en attraper une grosse. À titre d'étude de cas, je voudrais parler d'un influenceur des réseaux sociaux qui m'a vraiment inspiré à me lancer dans ce travail. Je parle de Marcus Brown Lee, alias MK Ph.D. qui réalise également des vidéos techniques comme moi. Si vous regardez Mark en tant que chaîne en ce moment, il compte plus de 16 millions d'abonnés reçoit des millions de vues sur chaque vidéo. Et beaucoup le considèrent comme le roi du contenu technologique sur YouTube, la référence absolue. Mais regardez son parcours. Marquez crée du contenu depuis 13 ans. À ce jour, il a mis en ligne 1 500 vidéos. Et dans une interview, il a déclaré que lors sa 100e vidéo, il avait 73 abonnés et qu' il était encore en train de progresser, ce qui est très révélateur de l'état d'esprit de Marquez à l'époque. Et ce n'est pas tout lorsque Mark a fait une demande de monétisation dans le du programme partenaire de YouTube Sa première candidature a été rejetée. Vous avez dû attendre six mois, puis présenter une nouvelle demande. Rejeté, a attendu six mois, a été rejeté à nouveau, puis a de nouveau attendu six mois, puis a postulé et a finalement été monétisé afin de pouvoir gagner de l'argent grâce à son contenu. Réfléchis-y une seconde. Il lui a fallu deux ans pour gagner de l'argent grâce à la publicité, mais il s'en est tenu à ses positions, a accepté le rythme et a continué à travailler. Bien sûr, maintenant, quand on y regarde, il gagne surtout beaucoup d'argent. Il est reconnu partout comme un excellent créateur de contenu. Mais le voyage qu'il a entrepris demande du courage et un bon état d'esprit. Mark n'a pas abandonné lorsqu'il a été confronté à ce que beaucoup qualifieraient de déception. Il a continué à persévérer. Et si vous voulez créer du contenu sur les réseaux sociaux et développer votre influence, vous devez, mon ami, être prêt à affronter déception en adoptant une attitude gagnante. Une autre façon d'assurer la cohérence votre contenu est que de nombreuses chaînes ont désormais une date limite définie, certains jours de la semaine pendant lesquels elles sont mises en ligne. Certains ont même une approche à la même heure et le même jour. Et l'avantage de cela est que vos abonnés et vos abonnés savent à quel moment ils peuvent s'attendre à recevoir votre contenu. C'est très difficile à réaliser. J'ai moi-même eu du mal à le faire, mais il faut être constant, une fois par semaine, une vidéo et deux semaines ou une vidéo et un mois, mais il y a un calendrier et ensuite j'essaie de m'y tenir. Si votre cohérence est omniprésente et que vos abonnés ne savent pas quand s'attendre à votre contenu. Vous continuez à avoir des poussées sporadiques tout le temps. Cela diminuera votre influence sur les réseaux sociaux et vous obtiendrez également moins de vues. Croyez-moi, j'ai vu cela arriver à ma propre chaîne. Je sais donc de quoi je parle, qui m'amène à mon prochain élément d'état d'esprit, à savoir que vous devez garder un œil sur vos performances et vous responsabiliser. Les chiffres comptent toujours. Oubliez les gens qui disent que les chiffres et les revenus ne comptent pas. Parce que si vous faites quelque chose de professionnel, votre performance aura de l'importance. Si vous êtes vendeur, le montant que vous avez vendu est important. Si vous êtes un sportif, il mesure le nombre de buts que vous avez marqués. Si vous voulez être professionnel, vous devez garder un œil sur vos performances. Et pour le contenu vidéo, vous devrez consulter vos analyses. Il s'agira d'un cours distinct sur certaines analyses importantes que vous pouvez utiliser pour vous responsabiliser. Mais pour l'instant, gardez à l'esprit que la responsabilité est essentielle si vous voulez être performant. Mais c'est également très important. Ne soyez pas obsédé par les chiffres. Vous devez économiser votre énergie et la consacrer à votre travail. Cela peut être très démoralisant et épuiser votre énergie lorsque vous continuez à regarder vos chiffres et qu'ils n'augmentent pas aussi vite que vous le souhaitez. J'en suis également coupable. Au début. J'avais l'habitude de vérifier le nombre de mes abonnés plusieurs fois par jour. chaque vidéo que je mettais en ligne, je rafraîchissais constamment cette page pour voir si le nombre de vues augmentait. Mais au fil du temps, je me suis rendu compte que c'était beaucoup d'énergie gaspillée. Je ne fais plus ça. J'ai vérifié mes analyses plusieurs fois par semaine. J'ai essayé d'apprécier le parcours et le processus de création de contenu et d'apprendre comment je pouvais l'améliorer. Il est très important d' améliorer vos compétences au fil du temps. Et en général, cela se voit dans votre travail si vous regardez vos YouTubers préférés, si vous regardez les premières vidéos et vous constaterez maintenant une énorme amélioration de leur performance et de ce qu'ils font. Et si vous n'améliorez pas votre travail au fil du temps, vous allez stagner et stagner. Cherchez donc toujours à améliorer constamment votre contenu au fil du temps et faites des choses comme suivre ce cours. Sollicitez également les commentaires de votre public sur ce qu'il aime ce qu'il n'aime pas, et essayez de déterminer ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Vous devez donc avoir l'esprit d' et de développer une communauté. Il est important d'interagir avec votre public, de lui poser des questions, encourager à participer en commentant , en partageant et en s'abonnant. Et avec le temps, ils adoreront votre travail. Ils vont commencer à t'aimer. Ils commenceront à vous faire confiance et à faire partie de cette communauté plutôt que de se contenter de spectateurs. Et puis, au fil du temps, d' un point de vue commercial, une grande communauté derrière vous transformera, vous et votre plateforme de médias sociaux, en une marque qui développera votre marque au fil du temps. Maintenant, évidemment, il y a tout un tas d' autres éléments d'état d'esprit que vous devez avoir en tant que créateur de contenu. Mais je pense personnellement que ce sont certaines d'entre elles qu'il est très important les débutants gardent à l'esprit. Maintenant, lors de notre prochain cours, les choses vont commencer à devenir un peu épicées et nous allons commencer à parler la production vidéo proprement dite, commençant par l'équipement dont vous aurez besoin. voit là-bas. 3. Équipement et équipement: Quoi de neuf, les gars, je suis content de vous retrouver. Et dans ce cours, nous allons parler des outils, de l' équipement dont vous aurez besoin pour commencer à produire vos vidéos, ainsi que besoin pour commencer à produire vos vidéos, de l'équipement qui ajoutera plus grande valeur de production à votre contenu à l'avenir. Il est très important de comprendre que l'équipement et équipement peuvent être très utiles et utiles pour produire des vidéos. Vous ne pouvez pas le laisser devenir un obstacle à l'entrée. De temps en temps, des gens viennent me voir et me posent la question suivante : comment puis-je commencer si je n'ai pas tout cet équipement qui était censé commencer à faire des vidéos. Et la meilleure réponse à cette question est de commencer par ce que vous avez. nos jours, tout le monde a un téléphone. Et en tant que critique technique, je peux vous dire que les téléphones actuels sont dotés appareils photo très performants et d'une puissance de traitement très décente. Je connais personnellement des concentrateurs qui ont lancé leurs chaînes uniquement avec leur téléphone et qui sont maintenant très suivis sur les réseaux sociaux. Ensuite, vous devez également comprendre que les outils et compétences vont de pair, l'un sans l'autre. C'est quasiment inutile. Il ne sert à rien de posséder autant d'équipements que vous ne savez même pas comment vous en servir. Et gardez également à l'esprit que la constitution d'un arsenal prend du temps. Votre YouTuber préféré a passé beaucoup de temps à se procurer tout le matériel cool qu'il a maintenant dans son placard. Mais comme il s'agit d'un cours sur la production vidéo, nous allons passer en revue certains des équipements que vous devez connaître. Le premier, bien sûr, est la caméra. Comme je l'ai dit, même un appareil photo de téléphone fera l'affaire pour commencer. Mais si vous êtes en mesure d'investir et que vous souhaitez investir dans un bon appareil photo, il existe de nombreuses options sur le marché. Nous en discuterons plus en détail dans notre cours sur les appareils photo, mais investir de l'argent et du temps pour apprendre à utiliser un très bon appareil photo peut faire des merveilles pour la qualité de votre production. Et la deuxième pièce d' équipement ou d'objectifs, avec la plupart des reflex numériques et des appareils photo sans miroir, vous avez des objectifs interchangeables, aurez également une classe complète dédiée aux objectifs. Ensuite, il y a les microphones externes et , bien sûr, il y aura un cours sur les microphones. Mais pour l'instant, sachez simplement que le micro intégré à votre téléphone ou à votre appareil photo ne vous donnera pas de très bons résultats. Et la qualité audio est très, très importante. Beaucoup de gens pensaient même que si vous regardez une vidéo qui semble vraiment mauvaise, mais dont le son est vraiment bon, vous avez plus de chances de continuer. Par contre, si la vidéo est vraiment bonne, mais que le son est très faible , retentissant ou très bruyant, vous risquez davantage de vous éteindre et de rebondir. Ensuite, nous avons l'éclairage, qui est encore une fois très important, et vous aurez besoin d'au moins une source de lumière. Il peut s'agir d'un laboratoire installé autour de votre maison ou d'une grande fenêtre où vous pouvez obtenir une très belle lumière naturelle, mais vous aurez besoin d'au moins une et de préférence de plusieurs sources d'éclairage. Nous allons également avoir un cours à ce sujet où je vais en discuter plus en détail. Mais pour l'instant, sachez simplement que plus vous disposez de sources lumineuses, en particulier de sources lumineuses mobiles, plus vous aurez de contrôle sur l'apparence finale de votre vidéo Vous aurez alors besoin d'un ordinateur pour post-traiter votre vidéo. Il peut s'agir de l'ordinateur dans votre poche, personnel ou d'un téléphone. Je vous ai dit que les téléphones sont devenus très bons de nos jours. Et nous parlerons un peu plus des différents écosystèmes tels que Windows et Mac dans notre cours sur les logiciels de montage vidéo. Ensuite, bien sûr, en plus de l'ordinateur, vous aurez besoin d'une sorte de support d'enregistrement comme des cartes SD ou des disques durs externes. Et voici un conseil de pro. Utilisez toujours un bureau externe pour copier et éditer vos vidéos. ce que l'on appelle des disques à gratter, et l'idée est que vous ne voulez pas rayer le disque de votre ordinateur portable ou de votre ordinateur, car si cela échoue, cela endommagera votre ordinateur. Alors que si celui-ci échoue, ce n'est qu'un bureau externe et je peux m'en procurer un nouveau, ce qui nous amène au point suivant de notre liste d'équipements de production, les logiciels de montage vidéo. Maintenant, comme je l'ai déjà dit, nous allons avoir un cours entier qui parlera des différents logiciels de montage vidéo qui sont disponibles pour vous. Mais en tant que débutant, vous devez savoir que vous aurez besoin d' logiciel pour intégrer vos clips enregistrés les assembler et ajouter des effets, du texte et du son, puis être en mesure tout afficher dans un fichier final. Mais pour résumer certains des équipements de base dont nous venons de parler, vous dirigez une caméra, vous aurez besoin d'un microphone, vous aurez besoin de sources d'éclairage. Vous dirigez un ordinateur, enregistrez des supports tels que des cartes SD et des disques durs, et vous aurez besoin d'un logiciel. Il existe également des équipements supplémentaires dont vous n'avez pas nécessairement besoin le premier jour. Et en résumé, il s'agit d'un équipement très avancé. Vous n'en aurez probablement jamais besoin, mais nous allons quand même parler de certaines de ces choses. Le premier est donc un trépied. C'est très simple, mais un trépied vous permet de placer votre appareil photo n'importe où et de le maintenir stable pendant que vous enregistrez. Et les prochains éléments de cette liste sont certainement destinés aux utilisateurs plus avancés qui connaissent les bases. Production en retard assez bien. Nous avons donc des têtes fluides qui vous permettent de vous déplacer vers la gauche et la droite et de les incliner de haut en bas. Des curseurs, qui vous permettent de faire glisser votre caméra d'un côté à l'autre. Des cardans, qui vous permettent de monter un appareil photo ou un téléphone pour une très bonne stabilisation. Ce type d'équipement vous permet d'enregistrer des mouvements intéressants et des perspectives intéressantes. Et nous allons aborder toutes ces classes internes sur les bases du B-roll. Ensuite, il y a d'autres équipements de mouvement comme les grues Gibbs de Dali, etc. Mais la plupart des créateurs de contenu n'en auront jamais besoin. Bien que cette liste soit très épuisante, elle n'est en aucun cas exhaustive. Il existe tout un tas d'autres équipements auxquels vous pouvez également penser. Mais le facteur clé important de ce cours que je veux que vous retiennes est qu'il est important de ne pas se focaliser sur cette liste. Vous pourriez avoir besoin de toutes ces choses ou vous pourriez avoir besoin qu'aucune de ces choses ne quitte réellement l'appareil photo, mais vous n'aurez peut-être besoin que de très peu de ces éléments. Je ne veux pas que ce cours vous décourage ou vous fasse paraître très intimidant de vous lancer dans la production vidéo. Le but de vous dire toutes ces choses est de vous assurer que vous comprenez quel type d' équipement les gens utilisent normalement pour la production vidéo et de vous donner de quoi vous attendre avec impatience. Si vous voulez vraiment vous lancer dans une production vidéo professionnelle de haute qualité, voici ce que vous pourriez envisager de faire plus tard dans votre carrière. Dans notre prochain cours, nous parlerons du flux de production vidéo. Ça va être intéressant. On se voit dans le prochain. 4. Flux de travail de production: flux de production vidéo fait référence à l'ensemble du processus par lequel vous produisez vos vidéos. Vous devez avoir une idée assez claire du type de flux de production que vous allez avoir. Parce que ce processus comporte de nombreuses pièces mobiles. Il y a des appareils photo, des cartes SD, des disques durs, des ordinateurs et des logiciels. Il est donc utile d'avoir au moins une carte mentale du type de processus que vous allez utiliser pour produire ces vidéos. Un bon flux de travail peut vous aider à identifier les blocages et votre production. Et cela peut également vous aider à atteindre un certain niveau d'efficacité et de rapidité dans vos délais de travail. En gros, votre flux de production vidéo comportera trois étapes. La préproduction, où vous imaginez une idée, faites vos recherches. Vous pourriez peut-être écrire un script si c'est ainsi que vous voulez le faire. Et c'est à ce moment que vous préparez également votre équipement pour le tournage. Donc, en gros, tout ce que vous faites avant commencer à enregistrer votre vidéo est de la pré-production. Vient ensuite la phase de production au cours de laquelle vous allez enregistrer votre vidéo. Ensuite, il y a la post-production au cours de laquelle vous traitez, éditez, puis effectuez le rendu de votre vidéo finale. Ainsi, lorsque quelqu'un dit qu'il va le corriger par la poste, cela signifie essentiellement qu'il va le faire une fois que la vidéo aura été enregistrée et qu'elle sera en cours de montage. Voici un exemple de ce à quoi ressemble un flux de production vidéo de base. Maintenant, avant de commencer à produire vos vidéos, vous devez réfléchir à la manière dont vous allez concevoir votre flux de travail. Mais il y a un certain nombre de questions clés que vous devez vous poser dès le début, car elles auront un impact sur le type de flux de production dont vous aurez besoin, par exemple : allez-vous avoir un script ou allez-vous vous lancer spontanément ? Si vous faites partie de ces ninjas qui se débrouillent spontanément, le pré-production et de post-production flux de travail de pré-production et de post-production semble beaucoup plus simple que celui d'une personne comme moi qui a un script et qui passe par toute une phase de recherche, puis la vérification des scripts et des faits, puis le montage en post-production sont un peu un cauchemar. Ensuite, il y a aussi un tas d' autres questions techniques comme le format dans lequel vous allez l'enregistrer et le publier ? Parce que ceux-ci auront une certaine incidence sur votre flux de travail et sur la manière dont vous devez le concevoir pour la production vidéo, les trois principaux formats sont le RAW, le Flores et le H.264. Encore une fois, il existe un tas d' autres formats, mais ces trois sont ceux que j'ai le plus rencontrés. RAW est donc un format très lourd qui stocke de nombreuses informations, mais qui nécessite également beaucoup d'espace de stockage et de puissance de traitement informatique, mais qui vous offre de nombreuses options en post-production. Les professionnels et les utilisateurs avancés adorent donc vraiment les vidéos brutes. Ensuite, nous avons les progrès réalisés par Apple C'est un format assez riche en données, mais il offre une très bonne qualité. Et il est actuellement préféré par plupart des éditeurs vidéo traditionnels, tels que Final Cut Pro, et la plupart des appareils photo professionnels sont également pris en charge. Ensuite, nous avons le H.264, qui est ce que préfèrent la plupart des plateformes de réseaux sociaux comme YouTube. Il s'agit d'un format très compressé car ces fichiers doivent être de petite taille. Mais comme il est compressé, il nécessite une grande puissance de traitement pour produire le format dans lequel vous décidez d'enregistrer puis de publier, qui aura une incidence sur le type de flux de travail et le type d' infrastructure que vous devrez mettre en place. Une autre question est la suivante : quelle sera la résolution de votre vidéo ? Les vidéos à haute résolution nécessitent davantage d'espace de stockage et puissance informatique et alourdiront probablement votre flux de travail. Alors, les principales résolutions ou oubliez-les, c'est désormais ce que la plupart des créateurs de contenu de haute qualité utilisaient pour des plateformes comme YouTube et Facebook. Ensuite, nous avons le 14, 40 P , également connu sous le nom de Quad HD. C'est quatre fois la résolution de dix ADP avec le cordon nominatif. Ensuite, nous avons dix ADP , également appelés Full HD. Et je vous recommande de commencer à dix ADP, en Full HD, car la plupart du contenu est actuellement consommé sur des téléphones. Et la plupart des téléphones ne pourront pas fonctionner en Full HD n'importe où. Même mes analyses me montrent que 80 à 90 % de mon public regarde mes vidéos sur son téléphone. Au fait, fait amusant, même les cours que je regarde actuellement sont en Full HD. Je suis en train d'enregistrer le tout en six exemplaires, puis de réduire la taille jusqu'à Full HD pour que vous puissiez voir à quel point la qualité de la Full HD est bonne. Et puis en dessous se trouve 720 p, également connu sous le nom de HD. Vous pouvez opter pour 720 p si vous avez des ressources limitées. Mais je ne le recommanderais pas car la basse résolution pourrait affecter la qualité de votre vidéo Nous avons alors des rapports hauteur/largeur, qui vous indiquent essentiellement la relation entre vos vidéos, largeur horizontale et la hauteur verticale. La plus courante à l'heure actuelle est 16 sur 9 pour les vidéos de longue durée. Et c'est ce que montre normalement votre téléviseur. Mais avec le temps , le format 18 x 9 apparaît de plus en comme format d'image, car il est un peu plus large que 16 x 9. Et avec 18 x 9, vous avez des barres noires plus fines sur les côtés. Et cela permet de mieux utiliser l'espace d'écran disponible pour les utilisateurs de téléphones. Cependant, avec des formats 18 x 9, si vous regardez votre contenu sur un téléviseur normal, il est probable qu'il aura un format 16 x 9. Vous allez donc voir des barres en haut et en bas, mais c'est un très petit prix à payer. Mais ces proportions ne s'appliquent que rarement aux vidéos de longue durée, car nous voyons de plus en plus de personnes se tourner vers des vidéos courtes et des vidéos au format vertical. Pour cela, vous devez consulter vos plateformes de réseaux sociaux pour obtenir meilleures résolutions et les meilleurs rapports hauteur/largeur. Enfin et surtout, parlons des fréquences d'images. Et fondamentalement, il existe trois options principales ici. Pour tout, pour FBS, 30 images par seconde et 60 images par seconde. 24 FPS est la tenue la plus traditionnelle. Tout cela parce qu'ils réalisaient des films en 24 images par seconde. Et aujourd'hui, cet héritage s'est perpétué dans l'ère numérique. Et le 24 images par seconde est également largement considéré comme la plus cinématographique de toutes les fréquences d'images. Ensuite, il y a 30 images par seconde, qui commencent à rattraper leur retard. Nous assistons certainement à de nombreuses émissions de télévision réalisées en 30 images par seconde. Il y a un énorme débat pour savoir lequel est le meilleur. Et avec 30 images par seconde, l'avantage est que la vidéo est un peu plus fluide, en particulier lorsque les mouvements de caméra sont amusants. Personnellement, je préfère 30 images par seconde, c'est ma fréquence d'images par seconde standard et fait amusant, cette classe que vous regardez en ce moment est également créée en 30 images par seconde, donc vous pouvez voir à quel point elle est fluide. Ensuite, il y a 60 images par seconde, ce qui est de loin le moins utilisé de tous. Et cela donne à la vidéo une sensation ultra fluide, comme si vous ne vous donniez pas vraiment un aperçu de ce à quoi elle est censée ressembler, car cette vidéo est à 30 images par seconde. Si vous voulez y jeter un œil, allez sur YouTube et recherchez 60 images par seconde. Vous verrez un tas de vidéos. En gros, 60 images par seconde donneront à votre vidéo un champ ultra fluide. Et même si 60 images par seconde sont techniquement beaucoup plus proches de la réalité, c'est étrange, mais c'est presque artificiellement fluide. N'oubliez pas que 60 images par seconde contiennent deux fois ou plus d'images que les deux autres formats. Cela va donc entraîner une augmentation de la taille des fichiers et , encore une fois, une augmentation de l'infrastructure et de la main-d'œuvre. Maintenant, voici un type semi-professionnel car ce n'est pas difficile, ce que tout le monde utilise, mais c'est ce que j'utilise. J'enregistre toutes mes vidéos dans Black Magic Six K Row, puis je les convertit en six K progressions. Mes fichiers finaux sont en K H.264 avec un rapport hauteur/largeur de 18 x 9 et une fréquence d'images de 30 images par seconde. Maintenant, je veux que vous réfléchissiez au type de flux de production dont vous aurez besoin, en fonction de certaines des questions que nous avons posées dans ce cours, en gardant à l'esprit que votre flux de production doit être aussi efficace que possible. Et cela doit vous permettre de reprendre votre travail le plus rapidement possible. Je pense donc que cela suffit pour les flux de production vidéo et type de questions que vous devriez vous poser. Dans le prochain cours, nous parlerons des caméras, et ce sera une question très intéressante. voit là-bas. 5. Intro aux appareils photo: Bon retour, les gars. Dans ce cours, nous allons parler des caméras, des marques et des écosystèmes disponibles sur le marché. Quelques bonnes options pour les créateurs de contenu. Et les trois prochains cours porteront sur l'utilisation de vos appareils photo. Passons donc en revue certaines des options disponibles sur le marché. Le premier est évidemment l'appareil photo de votre téléphone. Au début, commencez simplement à utiliser ce que vous avez déjà. Et de nos jours, la plupart des appareils photo des téléphones disposent d'un mode PRO, qui vous permet de contrôler tous les paramètres manuellement. Nous avons ici un conseil de pro pour travailler avec des caméras professionnelles. Nous voulons essayer de tout contrôler manuellement. Nous ne voulons rien laisser à la caméra. Plus vous pouvez contrôler les choses manuellement, plus vous aurez de contrôle sur votre vidéo finale et sur l'utilisation de l'appareil photo votre téléphone lorsque vous débutez Cela peut être un très bon moyen de découvrir les fonctions de base d' un appareil photo telles que l'exposition, balance des blancs et la mise au point, qui seront nos prochains cours. Et si vous décidez d'utiliser votre téléphone, il existe de bonnes applications de caméra gratuites, comme des appareils photo ouverts, une bonne C'est une application de caméra open source pour les téléphones Android. Et si vous voulez investir de l' argent dans une application, jetez un œil à Filmic Pro pour iPhone, que j'ai également utilisé sur mon téléphone pour enregistrer des vidéos. Et il vous permet de tout contrôler manuellement. Je pense que cela maximise vraiment les capacités de l'appareil photo de votre téléphone. Mais si vous ne souhaitez pas utiliser l'appareil photo votre téléphone et souhaitez plutôt acheter un appareil photo, il existe des options sur le marché pour les appareils photo reflex numériques ou sans miroir. Ils se ressemblent beaucoup. DSLR est l'abréviation de reflex numérique à objectif unique. Et puis un appareil photo reflex numérique, il y a un véritable miroir entre l'objectif et le capteur. Ce miroir se déplace lorsque vous utilisez le viseur, la lumière rebondit sur le miroir puis atteint votre œil lorsque vous prenez une photo ou une vidéo Ce miroir se déplace physiquement pour que la lumière puisse tomber sur le capteur. Ensuite, nous avons les appareils photo sans miroir, qui, vous l'avez deviné, n'ont pas ce miroir. Ils sont donc beaucoup plus petits puisqu'il n'est pas nécessaire d' installer un miroir angulaire. Et c'est leur plus grand avantage. Si vous voulez un appareil photo plus compact, vous devriez opter pour un appareil sans miroir. Désormais, au sein de ces deux catégories, il existe différents types de capteurs. Je ne vais pas vraiment entrer dans les détails à ce sujet, car je ne pense pas que cela importe tant que ça pour les débutants. Mais voici les différents types. Il existe donc des appareils photo à capteur de recadrage tels que l'APS-C, micro four-tiers et le super 35. Et tous ces facteurs ont des facteurs de culture différents. La plupart des débutants commenceront probablement par un appareil photo à capteur de recadrage, car ils sont beaucoup moins chers que les appareils photo plein format, qui sont généralement plus chers car ils sont équipés de capteurs plus grands. Et je ne veux pas vous accabler de trop d'informations dès le premier jour. Donc, en tant que débutant, si vous souhaitez vous y intéresser de plus près, vous devez vraiment vous renseigner sur les différents facteurs de recadrage et sur la manière dont ils affectent votre image. Mais pour passer à autre chose, nous allons maintenant parler de marques spécifiques dans le domaine des caméras. D'après mon expérience, j'ai constaté que les marques étaient les plus populaires auprès des créateurs de contenu. Sony, Canon, Panasonic et de plus en plus de magie noire. J'ai commencé avec Canon , puis je suis rapidement passé chez Sony. Sony A65 100 en arrière-plan. Et maintenant, je fais tout ce qui concerne la magie noire. En fait, ce cours est actuellement enregistré sur un Black Magic Six K. Mais aux débutants, je recommande généralement Sony. Les appareils photo sans miroir Sony sont très populaires de nos jours en raison du type de fonctionnalités qu'ils offrent à des prix relativement inférieurs à ceux des appareils Canon. Nous avons donc assisté à la montée en puissance de Sony parmi les influenceurs en tant qu'écosystème préféré. Et j'utilise le mot écosystème parce que toutes ces différentes marques d' appareils photo sont compatibles avec différents types d'objectifs et d'accessoires. Et d'habitude, vous y allez surtout avec des lentilles. Si vous achetez des objectifs Sony, il est fort probable qu' ils ne fonctionneront pas nativement sur les appareils photo Canon. Il est donc important de prendre une décision éclairée quant à la marque que vous allez choisir. Parce que vous allez probablement investir beaucoup d'argent dans la constitution d'une bibliothèque complète d'objectifs au fil du temps. Et ces objectifs ne fonctionneront pas nativement avec les appareils photo d'autres marques. Et nous en reparlerons dans notre cours sur les lentilles et les filtres. Canon est alors une marque plus traditionnelle qui propose une science des couleurs vraiment géniale. Beaucoup de personnes que je connais Hughes Cannon font en raison de leurs canons, de leur solide héritage sur le marché des appareils photo, et aussi parce qu'ils aiment beaucoup les couleurs Canon. Mais Canon est généralement considéré comme étant plus cher pour un ensemble de fonctionnalités donné. Pendant très longtemps, même les appareils photo d'entrée de gamme de Sony étaient disponibles pour K. Mais si vous voulez un canon, vous deviez dépenser un peu plus d'argent. Et aujourd'hui encore, les appareils photo Canon oublient que les appareils photo coûtent un peu plus cher que ceux de Sony. Maintenant, avec Panasonic, leur série GA est assez populaire. Les modèles GA4GH five et g, h phi of S semblent être très populaires auprès des amateurs de Panasonic. Mais à mon avis, Sony et Canon se taillent la part du lion . En ce qui concerne la magie noire, l'histoire est très intéressante. Nous l'avons vu apparaître au cours des deux ou trois dernières années avec leur gamme de quatre caméras de cinéma K et maintenant de six caméras pour enfants, qui peuvent enregistrer des vidéos brutes et vous donner l'impression d'un film. Même si le coût d'une fraction de ce que coûtent les grandes marques de cinéma comme Airy et Read. La magie noire est donc aujourd'hui une très bonne option pour les créateurs de contenu les plus avancés , les cinéastes indépendants, les réalisateurs de documentaires, mais la plupart des amateurs de magie noire veulent un film qui ressemble. Je recommande aux débutants de se lancer magie noire veulent un film qui ressemble Je recommande aux débutants de se dans la magie noire, car vous devez savoir comment classer les couleurs et post-traiter la vidéo que vous en obtenez. Et vous avez également besoin d'une infrastructure de production robuste. Vous avez besoin de beaucoup d'espace de stockage et de connaissances avancées sur le fonctionnement de ces caméras. Mais la qualité que vous pouvez obtenir avec un appareil photo Black Magic entre deux et 3 000 dollars est tout simplement phénoménale. Passons maintenant à certains modèles d' appareils photo que vous pouvez envisager. Cette liste n'est en aucun cas exhaustive. Ce ne sont que des appareils photo que je préfère. Canons. 90 D est une option très décente, appareil photo très polyvalent qui ne vous ruinera pas trop. Si vous n'êtes pas vraiment dérangé par k, alors vous pouvez considérer l' ancien ADD ainsi que le boîtier sympa qui utilise ces ETD pendant longtemps et crée ses vlogs, si vous voulez opter pour Sony leur série Alpha est vraiment bonne. Un six contre 360 400,6500. J'ai réalisé la plupart de mes vidéos à mes débuts sur cet A65 100. C'est un très bon appareil photo que j'utilise encore aujourd'hui. Maintenant, si nous voulons aller un peu plus haut sur le Sony, un appareil plus léger que le Sub Three est également une très bonne option. C'est un appareil photo plein format qui coûte un peu plus cher, mais il offre une très bonne qualité d'image. De très nombreux YouTubers l'utilisent encore. Avec Panasonic, le GH five et le g h phi de S méritent d'être pris en compte. Et si vous voulez vous lancer directement dans le vif du sujet, le Black Magic 6k6k G2 et le Six kip Pro sont de très bons appareils photo, mais vous devez évidemment apprendre à les utiliser. Donc, comme je l'ai dit plus tôt, je ne les recommanderais pas aux débutants. Ensuite, si nous passons aux échelons supérieurs des réseaux sociaux, des personnalités comme MK PhD et Jonathan Morrison ont utilisé des caméras rouges, qui ont coûté des dizaines de milliers de dollars. Mais pour le rouge, il faut monter de niveau avant même de penser à emprunter cette voie. Maintenant que nous avons parlé des différents types et marques de caméras à forte inertie. Sachez que je veux que vous retiriez deux points clés de cette vidéo. La première est que lorsque vous choisissez votre appareil photo, gardez à l'esprit que vous choisissez un écosystème. Et la deuxième chose est qu'il est très important de savoir comment utiliser un appareil photo, c'est ce dont nous allons parler dans les trois prochains cours. Le premier portera sur l'exposition. voit alors. 6. exposition: Dans ce cours, nous allons parler de l'exposition, de ce que c'est et de la manière d'obtenir la bonne exposition dans vos vidéos à chaque fois. Mais d'abord, comprenons les bases du fonctionnement réel d'une caméra. lumière entre donc dans l' appareil photo par un objectif, tombe sur un capteur situé à l'arrière de l'appareil photo et expose l' image au capteur. C'est de là que vient le mot exposition. En général, lorsque nous parlons d'exposition, nous entendons la luminosité ou l' obscurité de vos images. Lorsque nous enregistrons nos vidéos, nous voulons une exposition correcte. Nous ne voulons pas que notre image soit surexposée et éclatée, pas plus que nous ne voulons qu'elle soit sous-exposée et sombre. Il est essentiel d'avoir la bonne exposition pour garantir bonnes couleurs et une expérience visuelle agréable à votre public. Bien entendu, la première chose que vous pouvez faire pour régler votre exposition est de régler l'éclairage de votre environnement. Plus de lumière vous donnera une exposition plus élevée. Moins de lumière vous donnera une exposition plus faible. Mais ce n'est pas toujours une option. De plus, trois fonctions clés votre appareil photo vous permettent de régler l'exposition, la sensibilité ISO, l' ouverture ou le diaphragme et la vitesse d'obturation. Regardons-les un par un. Donc, ISO signifie essentiellement la sensibilité du capteur de votre appareil photo à la lumière qui tombe dessus. Il est généralement désigné par un nombre tel que 100200400800, et il peut atteindre des dizaines de milliers. Plus la sensibilité est élevée, plus l'image sera lumineuse. Mais à mesure que la sensibilité ISO augmente, elle ajoute de plus en plus de bruit à l'image. À paraître. La plupart des appareils photo ont un niveau ISO optimal, également appelé ISO natif. Il s'agit de l'ISO sur l' appareil photo qui vous donnera le meilleur équilibre entre luminosité et bruit. Par exemple, dans mon Sony A65 cent, c'est 800. Avec ma magie noire, c'est 400. Et Find my Blackmagic possède une double sensibilité ISO native de 400 pour un éclairage normal et de 3 200 pour des conditions de faible luminosité ou d' obscurité. Mais le fait est qu'il vaut la peine de faire quelques recherches et de trouver la sensibilité ISO optimale ou native pour votre appareil photo. Ensuite, nous avons l'ouverture, également appelée iris. Et voici ce trou et objectif de votre appareil photo lorsque la lumière y pénètre. Et cette ouverture peut être agrandie ou réduite pour contrôler la quantité de lumière qui atteint le capteur de votre appareil photo. Généralement mesuré en diaphragmes tels que F 1,82, 0,55, 0,6. Et plus ce chiffre est élevé, l'ouverture de l' ouverture se rétrécit, moins la lumière pénètre dans votre appareil photo. Par exemple, si nous parlons de F14, qui est une ouverture grande ouverte, cela lui laissera entrer tout un tas de lumière. Lorsque je prends une vidéo avec cette F1, 0,8 correspond également à une ouverture très grande. F 5.6 est relativement étroit et S 16 est essentiellement un trou d'épingle. Donc, évidemment, à f 1,8, beaucoup de lumière atteindra le capteur. Contrairement à un F 16, vous devrez probablement vous exposer au soleil car au soleil car très peu de lumière pénétrera dans votre appareil photo. Mais il y a un hic. Il y a toujours un hic, c'est que la modification de l'ouverture votre objectif a un autre effet fondamental la modification du plan de mise au point. Lorsque vous ouvrez cette ouverture, le plan de mise au point devient de plus en plus fin. C'est donc quelque chose comme f 1.8. Vous aurez un plan de mise au point extrêmement fin et tout ce qui se trouve à l'arrière-plan et au premier plan sera flou, ce qui donnera à votre prise de vue un champ très cinématographique et semblable à un portrait. Mais l'utilisation d'une ouverture aussi large que F 1.8 ou F14 ne fera que laisser entrer des tonnes de lumière dans votre appareil photo. Vous avez donc besoin conditions de très faible luminosité ou vous pouvez utiliser quelque chose comme un filtre ND, qui ressemble essentiellement à des lunettes de soleil pour votre objectif. Ce dont nous parlerons plus en détail dans notre cours sur les lentilles et les filtres. Maintenant, avec un objectif comme F 16, vous obtiendrez ce que l' on appelle « tout ce qui est focalisé » ou « mise au point infinie », car le plan de mise au point sera si large que tout ce qui se trouve dans l'image sera net. Il est utilisé dans de nombreuses photos de paysages très éclairés et de paysages où il y a beaucoup de lumière et où tout doit être mis au point. Mais comme il s'agit d'un cours sur l'exposition, savoir un peu plus sur le fonctionnement de votre ouverture en savoir un peu plus sur le fonctionnement de votre ouverture vous permet contrôler l'exposition de votre photo. Nous avons un autre conseil de pro ici. Utilisez votre appareil photo à la sensibilité ISO native et préférez des réglages d'ouverture plus faibles tels que F 3,2 et F 2,5, et utilisez F1 0.8 pour des prises de vue cinématographiques avec un flou d'arrière-plan important, ou ce que nous appelons le bokeh. Passons maintenant à l'ouverture, parlons de la vitesse d'obturation. La vitesse d'obturation est mesurée en fractions de seconde. Donc à 01:40, huitième de seconde, 50e de seconde, soixantième de seconde, et ça continue encore et encore. À l'époque, les caméras étaient équipées de volets physiques qui s' ouvraient et se fermaient de nombreuses fois par seconde. Maintenant, avec les appareils photo numériques, nous avons des chartes numériques. Et plus l'obturateur s'ouvre et se ferme chaque seconde, moins la lumière atteint le capteur. En d'autres termes, plus cette vitesse d'obturation est élevée, ou plus ce dénominateur inférieur est élevé, moins la lumière finira par atteindre le capteur. Mais il y a toujours un problème et vous ne pouvez pas trop modifier la vitesse d'obturation , car cela commence à affecter d'autres aspects de votre vidéo. Par exemple, si votre vitesse d'obturation est trop élevée, flou cinétique sera réduit au point que vos champs vidéo seront vraiment numériques et plus nets. Ensuite, à certaines vitesses d'obturation, les lumières de votre bureau commenceront à clignoter. Et cela se produit souvent dans les vidéos au ralenti où la vitesse d'obturation est très élevée. Nous avons un autre conseil de pro ici. La vitesse d'obturation optimale est lorsque ce plus petit dénominateur est le double de votre fréquence d'images. Pour une vidéo à 24 images par seconde, vous voulez que ce soit au moins un 48e de seconde. Pour une vidéo à 30 images par seconde, le meilleur est d'un soixantième de seconde. agit simplement d' une règle générale visant à garantir Il s'agit simplement d' une règle générale visant à garantir un niveau naturel de flou cinétique, en particulier en ce qui concerne le type de contenu que nous regardons à la télévision. normes de l'industrie semblent donc les mieux adaptées. Maintenant, posez la question qui vous vient à l'esprit : comment savoir si mon court-métrage est correctement exposé ? Eh bien, nous avons des outils pour cela. Les premiers outils sont vos propres yeux. Vous pourrez voir sur le graphique s'il est surexposé ou sous-exposé. plupart du temps, vous pourrez le savoir simplement en regardant. Ensuite, nous avons également des histogrammes. nos jours, la plupart des caméras sont capables d'afficher des histogrammes en direct. En règle générale si votre histogramme se trouve trop sur la gauche, votre short est légèrement sous-exposé. Si c'est à l'extrême droite, alors votre short sera surexposé et vous devriez garder juste un peu à droite du centre. Un autre outil plus intuitif pour gérer votre exposition sous forme de motifs zébrés. nos jours, la plupart des appareils photo intègrent cette fonction qui vous permet de régler les niveaux auxquels ces motifs de zèbres apparaissent pour vous indiquer quelle partie de votre court-métrage est surexposée. Vous pouvez ensuite réduire la luminosité de votre image en diminuant les lumières ou en utilisant l' ouverture ISO et la vitesse d'obturation pour gérer la luminosité. Et les motifs zébrés sont ce que j'utilise le plus dans ma production au quotidien. Mais si vous voulez contrôler le niveau d'un ninja, vous pouvez utiliser un autre outil appelé False Color, qui code par couleur tout ce qui se trouve sur votre image pour indiquer où elle se situe, sur un spectre de sous-exposition ou de surexposition. Je pense que les fausses couleurs sont un peu plus avancées pour la plupart des débutants, mais si vous souhaitez apprendre à les utiliser, je vous suggère de faire quelques recherches à leur sujet. Alors les gars, c'était notre cours sur l'exposition. J'espère que cela vous a permis de mieux comprendre l'exposition pour pouvoir faire quelques recherches et en savoir plus. Dans le prochain cours, nous parlerons de la balance des blancs. Allons-y. 7. La balance des blancs: Quoi de neuf, les gars ? Bienvenue dans un autre cours. Et dans celui-ci, nous allons parler de la balance des blancs, qui est extrêmement importante lorsque nous parlons de production vidéo. Parce que pour obtenir couleurs précises et de qualité avec votre appareil photo, vous devez vraiment atteindre cette balance des blancs. Je suppose que la première question est qu'est-ce que la balance des blancs ? balance des blancs est définie comme le processus qui consiste à éliminer les coûts de couleur irréalistes afin que les objets qui apparaissent blancs en personne soient rendus blancs sur votre photo. Laisse-moi t'expliquer. Chaque fois que l'éclairage votre environnement de prise de vue change, par exemple si je devais passer d'un éclairage fluorescent blanc à un éclairage jaune au tungstène, je devrais calibrer mon appareil photo fonction du scénario d'éclairage dans lequel je photographie. Cela permet de s'assurer que les blancs de votre environnement semblent réellement blancs. Et si vous ne le faites pas, vous allez avoir des coûts de couleur vraiment étranges et votre image, vous verrez une dominante de bleu vraiment cool. Et avec ce short, vous pouvez constater un coût de couleur très chaud. Et il arrive aussi que vous voyiez coût de la couleur verte ou magenta et votre image. Et si la dominante de couleur de votre image est trop forte, même en post-production, il sera presque impossible de tout faire ressortir sans donner à vos autres couleurs un aspect un peu étrange ou décalé. Pour éviter cela, nous allons donc nous assurer que vous comprenez comment gérer la balance des blancs et vos appareils photo. Et si cela vous semble intimidant ou effrayant, croyez-moi, c'est très facile à faire et ne prend que quelques secondes. Les différents appareils photo ont des méthodes différentes pour régler la balance des blancs. Maintenant, le moyen le plus simple et le plus simple de le faire est bien sûr d' utiliser la balance des blancs automatique, qui permet à votre caméra de regarder l'intégralité de votre partition , puis d'essayer de régler elle-même la balance des blancs. Mais nous préférons toujours tout faire manuellement. Et le moyen le plus fiable d'y parvenir est d'accéder aux paramètres de votre appareil photo pour personnaliser la balance des blancs. Et puis donnez littéralement à votre appareil photo un cadre de référence pour ce qui est du blanc et du gris. Pour cela, vous pouvez utiliser une carte de balance blanche, également appelée carte grise. En voici un autre. Et avec cela, vous dites à votre appareil photo que c'est censé être gris, car votre appareil photo saisira ces informations, puis ajustera quantité de jaune, de bleu vert ou de magenta dont l'image a besoin pour afficher correctement cette couleur grise ou cette couleur blanche. À la rigueur, vous pouvez également utiliser d'autres objets qui se trouvent dans votre studio ou votre espace d'enregistrement. J'ai utilisé quatre feuilles par le passé et même certains de mes murs pour régler ma balance des blancs lorsque je n'avais pas de carte de balance des blancs. Mais il est évident que ce ne sera pas aussi précis qu' une véritable carte grise ou une carte de balance blanche. Mais à la rigueur, il est préférable de les utiliser pour régler votre balance des blancs plutôt que de ne pas régler votre balance des blancs du tout. Certaines caméras auront également la possibilité de régler manuellement la température de couleur de la lumière et de votre environnement. Habituellement, cela se mesure en Kelvins. Vous avez un conseil de pro ici. 3 200 Kelvin est la température de couleur des ampoules jaunes en tungstène. 5 600 Kelvin correspondent à la lumière naturelle du soleil ou à la lumière du jour. Et ces lampes intérieures fluorescentes d'un blanc éclatant ont généralement une température de 6 000 à 6 500 kelvins ou plus. Mais je vous recommande tout de même de vous procurer une carte de balance blanche comme celle-ci. Elles ne sont pas si chères, probablement 15 ou 20 dollars pour l'une d' entre elles, mais les avantages que vous en retirez mais les avantages que vous en retirez sont immenses si vous réglez correctement votre balance des blancs en utilisant la plupart de vos autres couleurs, mais aussi pour les mettre parfaitement en place. Et vous constaterez qu'en post-production, votre travail sera réduit parce que vous n'aurez pas à revenir en arrière pour essayer de sauvegarder les couleurs et d'améliorer votre short. Alors oui, Neil, avec ta balance des blancs, tu seras un campeur heureux. Dans le prochain cours, nous allons parler de la concentration et des outils que vous pouvez utiliser pour vous concentrer à chaque fois. bientôt. 8. Focus: Très bien, bon retour. Il est donc temps de parler de concentration, ce que vous pourriez penser comme une évidence et très facile à faire. D'une certaine manière, c'est le cas, mais il est très utile de connaître les options qui s'offrent à vous lorsque nous parlons mise au point et comment l'utiliser pour créer de meilleures vidéos. Comme je l'ai dit plus tôt, nous souhaitons toujours utiliser les réglages manuels sur nos appareils photo autant que possible. contrôle manuel de votre caméra vous apprendra à utiliser correctement votre caméra et vous donnera également un immense contrôle sur ensemble de votre vidéo, et la mise au point entre également dans ce domaine. Nous allons donc utiliser la mise au point manuelle possible et dans la mesure du possible. Mais évidemment, nous devons également comprendre que la plupart d'entre vous sont des créateurs de contenu qui travaillent probablement seuls. Ainsi, lorsque vous vous enregistrez vous-même, votre caméra est parfois trop éloignée. Comment vous concentrez-vous alors ? Ce sont toutes des questions que nous devons garder à l'esprit. Parlons donc d'abord de l'autofocus. C'est extrêmement utile dans les situations où vous vous enregistrez vous-même et que vous travaillez seul. Votre visage reste net même lorsque vous vous déplacez ou que la caméra se déplace. Mais le principal inconvénient de l'utilisation de la mise au point automatique, surtout si vous utilisez un appareil photo et un objectif moins chers, est la respiration ciblée. J'ai vu des vidéos où chaque fois que le haut-parleur bouge légèrement, la caméra cherche à se concentrer encore et encore. Et évidemment, cela peut être très distrayant pour le spectateur. Et cela ne donne pas non plus à votre travail ce domaine professionnel, c'est pourquoi la plupart des professionnels aujourd'hui préfèreront toujours la mise au point manuelle. Mais il existe des appareils photo dotés d'un très bon autofocus, comme le Sony et le 6 400, 6600, deux très bons appareils photo pour les débutants. Ils sont dotés d'un autofocus avec suivi oculaire, qui permet de se concentrer sur vos yeux. Il existe également une fonction de suivi automatique des objets qui se verrouille sur un objet. Et lorsque la caméra est en mouvement, la mise au point reste fixée sur cet objet. Ensuite, il y a Canon, qui a livré ses appareils photo avec leur incroyable mise au point automatique à double pixel et même l'ADD et la ville en possédaient. Ce sont de très bons appareils photo pour les créateurs de contenu. Et maintenant, nous voyons également des appareils photo tels que le Sony A7 R4 avec mise au point automatique basée sur l'IA qui utilise des algorithmes sophistiqués et des puces d' IA pour trouver des visages , puis fixer la mise au point sur eux. Et puis il y a tout un tas d'autres appareils photo sans miroir. Notez également qu'avec les appareils photo sans miroir, tous les objectifs ne disposent pas de la mise au point automatique. Ainsi, lorsque vous achetez un objectif, assurez-vous que votre objectif dispose d'une mise au point automatique. Parce que si votre appareil photo dispose d'une mise au point automatique, mais que votre objectif le fait, cela ne fonctionnera pas. Passons maintenant à la mise au point manuelle. Désormais, le principal avantage de la mise au point manuelle lorsque vous vous enregistrez vous-même est que vous ne pouvez pas vous concentrer en respirant. En fait, même en ce moment, j'utilise la mise au point manuelle. J'utilise toujours la mise au point manuelle et vous pouvez voir mes yeux sont focalisés et que tout est verrouillé. Mais lorsque je me déplace, la caméra ne change pas du tout de mise au point. Et cela peut être très bénéfique pour l'apparence générale de votre vidéo. Un autre avantage de la mise au point manuelle est qu' elle est beaucoup plus fluide. Ainsi, lorsque vous utilisez la mise au point manuelle et que vous prenez des photos de vos produits, vous prenez peut-être un B-roll. Vous constaterez qu'avec de nombreux appareils photo, lorsqu'ils essaient de se concentrer ou de se verrouiller, ils semblent vraiment saccadés. Il va donc être flou et ensuite il faudra qu'il soit focalisé. Alors que si vous utilisez la mise au point manuelle, le focus bull est beaucoup plus fluide et donne alors un champ beaucoup plus cinématographique à votre vidéo. Mais la mise au point manuelle a ses inconvénients. L'appareil photo bouge ou le sujet bouge. La mise au point manuelle devient très difficile. Et cela ajoute au travail que vous aurez à faire et vous devez vous concentrer correctement, sinon vous pourriez gâcher votre court métrage. Alors, comme je l'ai dit plus tôt, si vous vous enregistrez seul, que faites-vous ? Conseil de pro. Mais il s'agit plutôt d'un hack. C'est ce que j'avais l' habitude de faire parce que je m'enregistrais moi-même, je n'avais aucune aide et je n' arrivais pas vraiment à atteindre mon appareil photo. Donc, ce que je ferais, c'est trouver un objet, puis je trouverais l'avion où je pense être mon visage. Et j'ai placé cet objet à peu près là où se trouve mon visage. Ensuite, je passe à la caméra et je me concentre sur cet objet. Et la plupart du temps, en fait, chaque fois que j'arrivais à faire la mise au point avec précision en faisant cela, vous devez faire attention, avant de commencer à enregistrer, vous devez vérifier votre prise de vue et vous assurer que votre mise au point est suffisamment nette pour pouvoir point avec précision en faisant cela, vous devez faire attention avant de commencer à enregistrer, vous devez vérifier votre prise de vue et vous assurer que continuer. Mais cette astuce peut très bien fonctionner. Il existe maintenant un outil que vous pouvez utiliser pour mieux vous concentrer . Il est intégré à la plupart des appareils photo, et je l'utilise tout le temps. C'est ce qu'on appelle le focus peaking. La plupart des appareils photo sont dotés de cette fonction intégrée et le pic de mise au point vous indique essentiellement une couleur sur votre plan de mise au point, où la mise au point est la plus nette. Et vous pouvez l'utiliser pour vous assurer que vous vous concentrez sur le bon endroit. Lorsque vous utilisez la mise au point manuelle, assurez-vous d'utiliser la mise au point maximale. C'est une bouée de sauvetage. Et voici un conseil de pro pour vous  : celui-ci est un conseil de pro. Lorsque vous vous concentrez sur votre visage, l'accent doit être mis sur vos yeux, car vos spectateurs regarderont vos yeux lorsque vous leur parlez. C'est exactement ce que font les humains. Lorsque nous discutons ou écoutons quelqu'un, nous sommes plus susceptibles de le regarder droit dans les yeux. Voici un autre conseil de pro pour vous. Lorsque vous enregistrez vous-même, assurez-vous que votre ouverture n' est pas trop grande. Si vous utilisez une ouverture telle que F 1,8, vous constaterez que le plan de mise au point devient très fin. Et puis, la plupart du temps, tes yeux seront focalisés , mais pas ton nez, et des trucs comme ça. Je suggère donc de maintenir votre ouverture à environ 2,5 ou plus que cela. Donc, pour terminer ce cours, si vous souhaitez travailler rapidement, il est probablement préférable d' utiliser l'autofocus, surtout si vous possédez un bon appareil photo doté technologies de type IA vraiment sophistiquées. Mais si vous voulez vraiment réussir dans le monde professionnel, je vous suggère d' apprendre à utiliser la mise au point manuelle. Une fois que vous aurez commencé à vous y intéresser, vous constaterez que c'est le cas, cela améliorera l'apparence de vos vidéos. C'est donc tout pour se concentrer. Dans le prochain cours, nous parlerons de profils photographiques. 9. Les photos de profils: Les profils d'images sont très importants pour l' aspect général de votre vidéo. Maintenant, celui-ci est un peu plus avancé pour les débutants, mais je pense que mes étudiants devraient avoir au moins une compréhension de base de ce que sont les profils photographiques. La plupart des appareils photo actuels ont des profils d'image intégrés. Certains profils d'image sont plus saturés, autres sont préférables en cas de faible luminosité. Sum vous donne un aspect plus cinématographique et désaturé , tandis que d'autres vous offrent une meilleure plage dynamique. Nous avons parlé de la plage dynamique dans une minute. Commençons par nous familiariser avec les profils photographiques. Il est donc très important que vous passiez revue votre appareil photo et que vous examiniez les différents profils d'images pour voir lequel vous préférez et lequel convient à votre style de prise de vue. Donc, lorsque vous vérifiez les profils d'image de votre appareil photo, je veux que vous fassiez attention à deux choses : la saturation et la netteté. Et en règle générale, nous voulons maintenir la saturation et netteté sur la partie inférieure du profil d'image de votre appareil photo images très saturées et plus nettes ont tendance à donner un champ similaire à celui d'un amateur numérique. Et l'inconvénient est que si vous ajoutez beaucoup de saturation ou de netteté à l'appareil photo, vos options et vos publications seront limitées. Il est vraiment difficile d'améliorer la netteté de votre image en 3D sans la rendre étrange. Vous pouvez supprimer la saturation, mais il est toujours préférable d' avoir ce contrôle en post-traitement et de faire en sorte que votre appareil photo nécessite le moins de travail possible en termes de post-traitement Nous voulons faire tout cela sur ordinateur plus tard. Bien sûr, si vous souhaitez accélérer le processus de production et effectuer processus de production le travail très rapidement. Vous voudrez peut-être choisir un profil photo qui vous donne une image assez belle. Mais si vous voulez faire passer votre jeu au niveau supérieur, il est préférable de contrôler manuellement votre profil photo et d' ajouter des éléments tels que manuellement votre profil photo et la netteté, la saturation et la publication. C'est ce que je fais. Je maintiens normalement la saturation, le contraste et netteté sur les réglages les plus bas de mon appareil photo. Et j'utilise toujours des profils photo de Sydney ou de type film. Ensuite, en post-production, je peux ajouter de la saturation et de la netteté , car cela ne fait pas déjà partie de mes vidéos. Cela me donne juste un peu plus de contrôle. Parlons maintenant plage dynamique dont je vous ai parlé en termes simples. La plage dynamique de n'importe quel appareil photo correspond à la quantité de détails que votre appareil photo peut extraire des zones sombres et lumineuses de votre image. Par exemple, sur ce graphique, si j'avais utilisé une caméra avec une meilleure plage dynamique, vous verriez plus de détails dans le ciel extérieur. Au lieu de cela, le ciel a été époustouflé et les détails sont perdus car la plage dynamique de cet appareil photo se situe au-delà la plage dynamique de cet appareil photo. Mais outre l' appareil photo lui-même, profils d' image peuvent également jouer un rôle dans amélioration de la plage dynamique de vos prises de vue. Et pour cela, nous utilisons normalement des images logarithmiques ou des profils de journal. Sony a un log deux et un log trois, Canon a un log C. Vous constaterez que la plupart des professionnels utilisent ces profils de journal en raison de leur plage dynamique supérieure à celle qu'ils obtiennent, mais aussi en raison du contrôle supplémentaire qu'ils obtiennent sur leur image finale. Maintenant sortie de l'appareil photo, l'image d'un profil journal semble vraiment effacée. Honnêtement horrible. Mais une fois que vous avez réintégré la saturation et vous publiez dans un lot ou dans une table de recherche de couleurs, vous obtenez une meilleure plage dynamique. Je vais vous montrer les différences ici lorsque j'enregistrerai ce court et un profil photo standard avec mon appareil photo, tous les détails étant à l'extérieur de la fenêtre ou soufflés. Tout cela n'est que du bruit blanc. Maintenant, ces détails ne peuvent pas être ramenés même par correction des couleurs. Mais lorsque j'enregistre la vidéo avec les mêmes paramètres, mais que le profil du journal et la couleur des yeux sont corrigés, vous pouvez voir beaucoup plus de détails en dehors de la fenêtre. Encore une fois, n'oubliez pas que plus votre caméra et votre profil photo offrent une plage dynamique , meilleures sont vos vidéos. Nous allons regarder. Encore une fois, les profils de journalisation présentent un inconvénient majeur : ils nécessitent post-traitement intensif et vous devez savoir comment utiliser des lots et corriger les couleurs de vos séquences, ce qui peut augmenter votre flux de travail. Et il vous faudra plus de temps et d'efforts pour produire vos vidéos. Je vais donc vous montrer mes images, quoi elles ressemblent dès la sortie de la caméra. J'utilise une caméra Black Magic avec leur profil de film, qui est un profil journal. Nous allons donc procéder à la suppression de toutes les nuances de couleurs que nous avons effectuées. Et voici à quoi ça ressemble en sortant de la caméra. Je sais que ça a probablement l'air vraiment mauvais. Mais nous allons commencer à ajouter le traitement que nous utilisons vous montrer à quel point il est important de pouvoir calibrer correctement. Nous allons donc ajouter cette LUT et convertir notre profil de journal pour créer plusieurs neuf espaces colorimétriques. Ensuite, nous allons y aller et corriger cette exposition. Corrigeons également ces tons de peau, juste pour obtenir les bons tons de peau. Et fais juste une petite courbe. Je veux m'assurer que mes temps forts sont bons. Ensuite, nous allons ajouter une couche d'affûtage juste pour assurer que tout est aussi net que je le souhaite. Et allons-y et ajoutons également une vignette. Et je pense que c'est le look final. Donc c'est avant et c'est après. Et vous pouvez voir la différence que cela fait. Et c'est le type de contrôle qui, en fin , vous devez vous pencher si vous voulez être en mesure de faire un travail professionnel. Et la base de tout cela est le profil photo lui-même. Je pense que cela permet d'enregistrer les profils. Ce sont tous des concepts très avancés, trop avancés pour les débutants, mais je pense qu'il est également important d' avoir au moins ces connaissances à l' avance afin savoir ce que vous devez apprendre au fur et à mesure de votre carrière Vous devez étudier de nombreux sujets et des profils si vous voulez mieux contrôler les couleurs de votre image. Mais au début, n'hésitez pas à utiliser ces profils d'image intégrés. Votre appareil photo est livré avec. Le prochain cours. Nous allons parler d' objectifs et de filtres que vous pouvez utiliser avec leurs appareils photo. 10. Objectifs et filtres: Il est maintenant temps de parler objectifs et des filtres pour la production vidéo. Il est très important de connaître au moins les bases des objectifs et la manière dont ils peuvent affecter vos séquences. Parce que le type d' objectif que vous utilisez déterminera l' aspect général de votre vidéo. Et vous aurez besoin de différents types de lentilles pour différentes situations. Et à la fin de ce cours, je partagerai également avec vous mes préférences en matière d'objectifs pour les débutants. Maintenant, pour la production vidéo de base, vous devez savoir deux choses en ce qui concerne les objectifs. Distance focale et ouverture. La distance focale est mesurée en millimètres. Et en termes simples, plus ce nombre est petit, plus l' objectif sera zoomé. Ainsi, par exemple, cette photo provient d'un objectif de 30 millimètres, alors que celle-ci provient d'un objectif plus zoomé ou grand angle de 16 millimètres. Les objectifs grand angle de ce type présentent de nombreux avantages. L'une d'entre elles est que vous pouvez vous adapter davantage à votre environnement et votre court métrage en tant que producteur vidéo solo, ce qui signifie également que vous pouvez garder la caméra plus près de vous. Maintenant, dans certains objectifs, cette distance focale est fixe, donc 30 mm, 24 mm. Celui-ci est un objectif de 16 millimètres, et c'est ce que nous appelons des objectifs à focale fixe. Mais il existe également des objectifs dotés d'une gamme de lentilles focales. type d'objectif requis dépend de ce qui est photographié. Par exemple, le Sigma 18, 35 que j'utilise actuellement pour enregistrer cette vidéo. C'est ce que l'on appelle des zooms. Voici les différents types de lentilles que vous devez connaître. Nous avons donc des objectifs grand angle, qui ont normalement une distance focale de 18 mm à 24 millimètres. Et ces objectifs grand angle sont plus adaptés aux paysages, l'architecture et à la vidéographie en intérieur. objectifs focaux plus petits tels que 16, 12, 8 mm sont appelés objectifs ultra-larges. Ces objectifs grand angle sont également mieux adaptés aux vlogs, car lorsque vous utilisez les caméras entre vos mains, elles ne sont pas trop éloignées. Un objectif grand angle peut donc vous aider à tout capturer, y compris vous-même et votre environnement. Ensuite, nous avons les objectifs de portrait. Ils mesurent normalement entre 50 et 70 mm et ont également une très faible ouverture. Ces objectifs de portrait peuvent produire des résultats très flatteurs lorsqu'ils sont utilisés avec des personnes en raison de l'arrière-plan flou et effet amincissant qu'ils ont en raison de la distance focale. Ensuite, nous avons les téléobjectifs, qui commencent à 70 mm et qui commencent à 70 mm et vont jusqu'à des centaines de millimètres. Ils sont utilisés pour des sujets très éloignés. Vous pouvez donc les voir utilisés par les photographes animaliers et pour le sport. Ensuite, il y a les objectifs macro. Ils ont une distance minimale de mise au point très faible et vous permettent de vous rapprocher très près et de capturer de petits sujets et des détails infimes. Il existe également d'autres types d'objectifs, mais la plupart d'entre eux sont destinés aux courts métrages spécialisés et aux effets stylisés. Mais pour la production vidéo de base, je pense que connaître ces cinq types est largement suffisant, moins au début. Parlons maintenant de l'ouverture ou de l'iris. Et nous en avons également brièvement parlé dans notre exposition de première classe. Mais récapitulons rapidement. Ainsi, plus votre ouverture est large, par exemple à 1,8 F14, plus la lumière atteindra le capteur de votre appareil photo. Dans le même temps, votre plan de focalisation s'amincira également. Et plus votre premier plan et votre arrière-plan seront flous et deviendront flous, ce que nous appelons bokeh. Ainsi, tout comme pour la distance focale des zooms, chaque objectif est également adapté à son ouverture. Et vous le verrez généralement dans le nom de l'objectif. Sigma 18, 35, F18 signifie donc que la distance focale est entre 18 mm et 35 mm. L'ouverture minimale est de F18. Normalement, ces objectifs ne mentionnaient que l'ouverture minimale. s'agit donc de f 1.4, ce qui signifie qu'il peut monter jusqu'à f 2.521, 83,2 et plus, mais il ne peut pas descendre en dessous de F14. Un autre exemple est le sigma 30 millimètres F 1.4. Nous avons donc ici un objectif à focale fixe de 30 mm et dont l' ouverture minimale est F14. Vous pouvez aller plus haut, mais pas plus bas que F14. Et les gars, nous avons un conseil de pro. Pour les prises de vue cinématographiques, vous devez utiliser un objectif doté d'une ouverture minimale très large, comme F 1,8 ou F14 Vous verrez de nombreux objectifs avec des ouvertures minimales F35 ou F4 plus étroites, ce qui signifie qu'ils ont besoin de plus de lumière et offrent également moins de flou d'arrière-plan un plan de mise au point plus large. Ensuite, outre la distance focale et l'ouverture, également savoir d'autres choses vous devez également savoir d'autres choses sur les objectifs. Le premier est la stabilisation. Certains objectifs sont dotés d'une stabilisation optique de l'image intégrée. Et ils sont très utiles pour stabiliser les prises de vue lorsque la caméra est en mouvement, en particulier si vous faites du vlog ou quelque chose comme ça où la caméra bouge beaucoup. Vous pourriez vraiment avoir besoin d'une bonne stabilisation, mais gardez à l'esprit que tous les objectifs ne sont pas équipés d'une stabilisation. De même, certains objectifs disposent également de capacités de mise au point automatique intégrées. D'autres ne le font pas. Et n'oubliez pas que nous avons parlé de ces différents écosystèmes et marques d'appareils photo. Eh bien, ces lentilles font également partie de ces écosystèmes et ont toutes des montures différentes. À ce stade, à peu près toutes les marques d'appareils photo disposent d'un type de support différent qu'elles prennent en charge. Et il est important de connaître la monture votre appareil photo avant d'acheter des objectifs pour celui-ci. Par exemple, Sony prend en charge les objectifs à monture E, tandis que les appareils photo Canon prennent en charge EFF et quelques autres types de montures. Tout le monde utilise vraiment un objectif à monture E avec un appareil photo EF , à moins que vous ne trouviez quelque chose comme celui-ci et un adaptateur pour celui-ci. Mais même ceux-ci sont susceptibles de réduire les fonctionnalités que vous pouvez obtenir de votre objectif. Souvent, la mise au point automatique ne fonctionne pas aussi bien ou vous constaterez d'autres types de baisse des performances. L'essentiel est donc que si vous commencez à utiliser, par exemple , des appareils photo Sony, vous constituerez probablement au fil du temps toute une bibliothèque d' objectifs pour vos appareils photo Sony équipés de montures E. Et ce sera un investissement important, ce qui vous empêchera de changer de marque plus tard dans votre carrière. Passons maintenant aux filtres et aux types de filtres que vous pouvez utiliser avec vos objectifs. Donc, le filtre est essentiellement quelque chose comme ça. Il s'allume au bout de votre objectif. existe différents types, vous avez donc des filtres UV, filtres polarisants, des filtres promis. Mais celui que je veux que vous connaissiez , c'est ce filtre ND. Il s'agit donc de filtres à densité neutre. J'en ai déjà parlé dans un cours précédent où je vous ai dit que ce sont des lunettes de soleil. Elles sont comme des lunettes de soleil pour vos verres. Elles contrôlent électriquement la quantité de lumière qui atteint votre capteur et vous permettent de gérer l' exposition de votre short. Si vous vous trouvez dans un environnement très éclairé, vous ne pouvez souvent pas vraiment le contrôler. Vous n'avez pas la possibilité de réduire votre ISO ou d'augmenter le votre ISO ou d'augmenter litiges liés à votre maillot ou quoi que ce soit d'autre, vous pouvez utiliser un filtre ND. Et même dans ces filtres ND, je préfère utiliser quelque chose comme ça, qui est un filtre ND variable. Cela vous permet de contrôler la luminosité en la faisant pivoter et ainsi de contrôler l' exposition de votre court-métrage. Une autre chose à noter à propos des filtres ND est qu'ils ont une taille nominale millimétrique. Vous devez donc vous assurer que le filtre ND que vous obtenez correspond à votre objectif. Vous pouvez également avoir besoin de bagues élévatrices ou descendantes pour vous assurer que votre filtre repose correctement sur votre objectif. Et voici un autre conseil de pro pour vous. Pour les prises de vue cinématographiques, utilisez un réglage d'ouverture inférieur (f/1,8 ou F14), ainsi qu'un filtre ND Cela vous donnera beaucoup de flou d' arrière-plan tout en vous permettant de gérer la quantité de lumière entrant dans cette ouverture vraiment grande ouverte. Généralement, avec une ouverture à grande ouverture comme F 1,8 et 1,4, il est très facile de surexposer ou de faire exploser votre court-métrage. Maintenant, comme promis, je souhaite partager certaines de mes préférences en matière d'objectifs avec vous. Et le premier d'entre eux est l' objectif que j'utilise le plus. Il est également connu sous le nom d'objectif YouTubers et je l'utilise actuellement pour enregistrer ce cours. C'est le sigma 18 à 3 051,8. Sans conteste mon objectif préféré. Je connais des gens qui diffusent l'intégralité de leurs chaînes avec ce seul objectif. Il est assez lourd et ne convient pas vraiment au vlogging, mais en studio, cet objectif est génial. Ensuite, j'ai aussi ce Sigma 30 mm et le Sigma 16 mm. Et les deux offrent de très grandes ouvertures, ne vous ruineront pas vraiment et offrent également une très bonne qualité d'image. J'ai l'objectif Sony 16 millimètres F2.8. C'était très bon marché et je l' ai compris dès le début quand j'ai acheté mon Sony 6 500. Enfin et surtout, nous avons le superbe 50 de mes débuts avec Canon et un objectif F1 0.8 de 50 millimètres. Et c'était vraiment bien pour les photos de type portrait avec un flou d'arrière-plan intense. Beaucoup de gens le préfèrent parce que cela ne coûte pas trop cher et peut vous donner de très bons résultats si vous savez ce que vous faites. Voici donc notre guide des lentilles pour débutants. Je pense qu'il y en a assez dans ce cours pour que vous puissiez faire davantage de recherches et en apprendre davantage sur. Dans le prochain cours, nous passerons aux caméras et commencerons à parler de microphones. voit alors. 11. Microphones: Très bien, parlons des micros. Au début de ce cours, je vous ai parlé de l'importance de la qualité audio et de la façon dont elle peut réellement faire ou défaire votre vidéo. Je vous ai dit que beaucoup de gens pensent, y compris moi-même, que la qualité audio est encore plus importante que la qualité de votre image. C'est-à-dire que si vous regardez une vidéo où la qualité d'image n' est pas excellente, mais la qualité audio est bonne. Et vous êtes plus susceptible de regarder cette vidéo plutôt qu' une vidéo où elle est vraiment belle, mais où la qualité audio est vraiment mauvaise. Peut-être qu'il y a beaucoup de bruit, qu'il y a beaucoup d' écho ou que le volume est simplement très faible, plus susceptible de rebondir. Nous allons maintenant parler de la façon d'enregistrer et traiter votre vidéo et d'un cours séparé. Et celui-ci, je veux me concentrer un peu plus sur les microphones et les différentes options dont vous disposez en tant que concentrateur. Et dès le départ, la première règle est de toujours éviter d'utiliser le micro intégré. Il s'agit du micro intégré à votre appareil photo ou, si vous enregistrez une vidéo avec votre téléphone, du micro de votre téléphone. Les micros intégrés ont généralement tendance à donner de très mauvais résultats. Et l'utilisation d'un microphone externe peut faire des merveilles sur la qualité globale de votre vidéo. Maintenant, en un rien de temps, vous pouvez utiliser votre téléphone comme microphone, donc comme enregistreur audio. Mais ce n'est que dans le cas où vous n' enregistrez pas de vidéo avec votre téléphone. Je suppose que si vous êtes blogueur, vous pouvez vous en sortir. Mais si vous utilisez le micro intégré de votre téléphone, sachez qu'un peu de bruit ou un petit écho peut vraiment détruire la qualité de votre son. Voici donc quelques-uns des différents types de microphones externes que vous pouvez envisager en tant que créateur de contenu. Les micros Lavalier figurent en premier sur la liste. Ils sont également appelés micros de laboratoire et ils ont pratiquement perdu votre couleur comme ça. micros de laboratoire sont très efficaces pour le rejet du bruit et ils sont conçus pour capter les sons forts car ils sont normalement très proches de votre bouche. Donc, si vous enregistrez dans un environnement bruyant, ou s'il y a beaucoup de vent ou d'écho dans votre environnement, vous pouvez opter pour un Mike de laboratoire. Mais le gros inconvénient d'un Mike de laboratoire , c'est qu'ils ne sont pas très beaux. C'est peut-être une préférence personnelle, mais je n'aime pas l' apparence des micros de laboratoire. Ils ont l'air moches de ta couleur. Et j'ai l'impression qu'ils nuisent également à l'immersion de votre vidéo. Mais pour les débutants, ils sont très faciles à utiliser. Vous pouvez en trouver un qui se branche directement sur votre téléphone. Vous pouvez donc également connecter ces souris de laboratoire à votre téléphone. Il existe quelques options à faible coût . BY m1 est une bonne option. By K one se branche directement sur votre iPhone puis là, cinco SH, beaucoup de nouveaux créateurs de contenu les utilisent. Ensuite, si vous souhaitez augmenter la fourchette de prix, peut-être un œil au laboratoire intelligent Rhodes qui vous offre un bon mélange de prix et de qualité. Et puis, si vous voulez une qualité supérieure , vous pouvez opter pour quelque chose comme un désinfectant. Ensuite, nous avons les microphones à condensateur, qui sont davantage utilisés en studio. Ces microphones à condensateur sont dotés d'un condensateur à l'intérieur, ce qui leur permet de capter les détails les plus fins. Ils sont généralement très sensibles, vous devrez donc les utiliser dans un studio où vous bénéficierez d'un traitement acoustique pour réduire l'écho et le bruit. Mais en général, les personnes qui diffusent des vidéos en direct , des voix off ou ont tendance à préférer ces microphones à condensateur pour les producteurs vidéo débutants Blue Snowball est une bonne option peu coûteuse, et ce Blue Yeti est également un micro très populaire. La route possède également de bons microphones, comme le Road NT USB et ce Blue Yeti and the road et un port USB Ce sont tous deux des microphones USB Vous pouvez donc les connecter directement à votre ordinateur, ce qui est un avantage supplémentaire si vous souhaitez enregistrer du son directement sur votre ordinateur. Alors que le studio écarlate Mike était là pour me concentrer, non ? pack studio Scarlet Solo que j'ai reçu. Celui-ci se branche via un câble XLR sur l'interface audio. Nous allons y arriver également. Mais oui, ce sont des microphones à condensateur. Ensuite, nous avons le micro fusil de chasse, qui est également un type de microphone à condensateur, mais il est plus directionnel, peu comme un télescope. Et vous pouvez les orienter dans une certaine direction et le micro captera plus de sons provenant de cette direction et rejettera les sons provenant des côtés ou de l' arrière du micro. Les micros Shotgun sont vraiment bons pour le rejet du bruit. Comme je vous l'ai dit, ils sont très directionnels, donc ils émettent ou rejettent les sons provenant d'autres directions C'est pourquoi ils sont beaucoup utilisés dans les films et les émissions de télévision. Et Laura, les YouTubers les utilisent même maintenant, j'utilise des micros à fusil de chasse tout le temps. En fait, le son que vous entendez en ce moment provient de ce micro fusil de chasse, qui est la divinité S Mike Two. Il s'agit du désinfectant V Mike D3 Pro. Mgh 416 est très connu, mais il est un peu cher pour les débutants. Routes. Et la série D G est également une gamme très populaire. Ensuite, il y a des micros pour fusils de chasse. Ils sont conçus pour être montés sur votre appareil photo ou même sur votre téléphone. série Roads Video Mike est célèbre. Et les micros à fusil de chasse se présentent sous toutes sortes de formes et de tailles. Voici le micro vidéo Rode. C'est celui que je suggère à tous les débutants car vous pouvez faire de la montagne avec votre appareil photo. Il existe également une version qui se connecte à votre téléphone, même une version pour iPhone. C'est donc un microphone très populaire et parfaitement adapté aux scénarios d' utilisation d' armes à feu. Au fait, si vous vous demandez ce qu'est ce truc, on appelle un chat mort, j'en ai un autre ici. Et ils sont essentiellement utilisés pour réduire le bruit du vent. Si vous filmez beaucoup à l'extérieur et qu'il y a beaucoup de vent, vous constaterez qu'il y a beaucoup de bruits de vent soufflant , de plosives ou quelque chose qui arrive dans votre vidéo Vous pouvez mettre ce chat mort sur votre micro et nous réduirons le bruit du vent. Ensuite, nous avons un microphone dynamique, qui est principalement utilisé pour les podcasts, les émissions de radio et les voix. des overs et des voix. Ces micros dynamiques ont besoin de beaucoup d'amplification. Ils ne sont pas du tout sensibles. Et normalement, vous devez être très proche d'eux. Mais le principal avantage des microphones dynamiques est qu'ils rejettent très bien le bruit. C'est pourquoi ils sont utilisés pour les émissions de radio et les podcasts, où plusieurs invités où plusieurs invités parlent en même temps et vous ne voulez pas qu'un seul Mike capte la voix de plus d' une personne. Un micro dynamique très connu est celui-ci, le Shore SM7B. Vous devez déjà l'avoir vu dans de nombreux podcasts. Ensuite, Roads Part Mike est également très populaire maintenant, Samson est pour vous une bonne option à bas prix. Outre les podcasts et les interviews, les microphones dynamiques sont également très utiles pour les voix off et les voix. Fait amusant, Michael Jackson a utilisé SM7B à terre pour enregistrer un album Thriller. Voici donc quelques-uns des différents types de micros que vous pouvez envisager d'utiliser comme concentrateur. Passons maintenant aux différents types de connexion qu'ils utilisent, car cela déterminera la façon dont vous enregistrez votre audio. Donc, brièvement, nous avons des jags de 3,5 millimètres. On dirait des prises casque. Normalement, il y a TRS ou TRS. Et ils peuvent être branchés directement sur enregistreur de votre ordinateur portable ou sur certains téléphones. Ensuite, nous avons les micros USB, comme je vous l'ai dit plus tôt, peuvent être connectés directement à votre ordinateur, mais celui que la plupart d'entre vous ne connaissent pas est le connecteur XLR. C'est ce que vous trouverez sur la plupart des microphones et enregistreurs Progress. Cette divinité S2 est un micro XLR. C'est court. Le SM7b est également un micro XLR. Et pour enregistrer avec ces micros XLR, vous avez normalement besoin d'une alimentation fantôme. Vous aurez donc besoin d'un enregistreur ou d'une interface audio pouvant fournir une alimentation fantôme pour que ces micros fonctionnent. Et maintenant, certains d'entre vous se demandent peut-être quel type d'enregistreur ou d'interface audio vous pourriez utiliser avec ces micros. Zoom propose donc tout un tas d' enregistreurs audio que vous pouvez admirer. Personnellement, j' utilise le Zoom H5. Et vous pouvez également utiliser une interface audio connectée à votre ordinateur, comme celle-ci, n'est-ce pas ? Scarlet to Y2 le Scarlet Solo que ne le sont les audios universels. La gamme Polar est également très connue et de nombreux YouTubers l'utilisent. Je pense que c'est une introduction suffisante aux microphones pour les débutants. Si vous souhaitez approfondir vos recherches, je vous suggère vivement d' aborder tout ce qui vous prête à confusion dans ce cours, de le rechercher en ligne et trouver vos réponses. Ça va vraiment t'apprendre beaucoup de choses. Dans le prochain cours, nous parlerons de l'éclairage et des trucs et astuces que vous pouvez utiliser pour améliorer votre apparence devant la caméra. 12. L'éclairage: Avoir même une connaissance de base de l'éclairage peut faire des merveilles sur l'apparence de votre vidéo. Aujourd'hui, l'éclairage est un sujet très vaste et, en tant que créateurs de contenu, nous voulons gagner le plus de temps possible, faire avancer les choses rapidement afin pouvoir produire du contenu régulier. Dans ce cours, je vais donc partager les bases de l' éclairage que vous devez connaître pour produire des vidéos assez belles. Et vous pouvez en savoir plus sur ce sujet sur Skillshare et YouTube. Mais voici les bases. Donc, dans notre cours sur l' équipement et l'équipement, j'ai dit qu'il fallait au moins une source de lumière. Et pour commencer, cela peut être la lumière naturelle à travers une fenêtre. Mais si vous souhaitez améliorer l'apparence de votre vidéo, vous aurez besoin de sources d'éclairage supplémentaires ou, idéalement, d'au moins trois. Et vous pouvez utiliser des lampes dans votre maison pour commencer ou pour sortir et acheter ces lampes LED avec diffuseurs pour de meilleurs résultats. Vous pouvez utiliser des boîtes souples comme des parapluies diffuseurs. Mais quelle que soit la source de lumière que vous utilisez, je pense que vous obtiendrez de très bons résultats. Si vous comprenez l'éclairage à trois points. Dans le système d'éclairage à trois points, il existe essentiellement trois types d'éclairage. Touche, lumière, fond, lumière, lumière des cheveux, parfois aussi appelée rétroéclairage si le sujet n' est pas une personne. Et ces trois lampes ont toutes des fonctions très spécifiques. La lumière principale est la source de lumière principale et généralement la plus brillante qui tombe sur votre visage d'un côté, la lumière d'appoint se trouve normalement l'autre côté de votre visage. Et comme son nom l'indique, il comble les ombres projetées par la lumière principale. Normalement, cette lumière d'appoint est un peu plus faible ou un peu plus éloignée que la lumière principale. Et puis nous avons une lampe à cheveux. C'est généralement au-dessus de votre tête ou parfois derrière le sujet, et sa tâche principale est de séparer les arrière-plans. Il vous sépare de l' arrière-plan et apporte un peu plus de profondeur à votre short. En utilisant le système d'éclairage à trois points, votre visage sera plus flatteur et plus beau. Votre photo aura un peu plus de profondeur, au lieu de simplement paraître plat, comme sur cette photo où nous n' avons qu'un point mort léger à 12 h 00. Nous obtenons ici un aspect très plat sans beaucoup de profondeur. Alors que dans ce court article, passez en revue l'éclairage à trois points et vous pouvez voir la différence par vous-même. Voici un conseil de pro si vous voulez en savoir plus sur l'éclairage à trois points, recherche, Rembrandt, l'éclairage, l'utilisateur et de nombreuses interviews produites par des professionnels, ainsi que sur ces publicités de masterclass, je suis sûr que beaucoup d'entre vous ont dû les voir. Maintenant, un autre aspect très important de l'éclairage que vous devez connaître est la différence entre une lumière dure et une lumière douce. Et nous voulons toujours la lumière la plus douce possible. Une lumière douce signifie essentiellement une lumière diffuse. La lumière doit donc passer par une sorte de diffusion, comme une boîte souple ou un chiffon de diffusion, ou même quelque chose comme du papier beurré ou même du papier de soie si vous y faites attention. Mais je dois insister sur ce point. Si vous utilisez du papier, soyez très prudent. Les lumières chaudes et le papier ne font évidemment pas bon ménage. Tu as été prévenu. Maintenant, le plus grand avantage de l'utilisation de la lumière diffuse est que la lumière diffuse crée des ombres plus douces, ce qui rend son visage ou tout autre sujet beaucoup plus flatteur et plus beau. autre côté, la lumière dure ne diffuse généralement pas et donne un aspect très dur. Les ombres que cela coûte sont très nettes et, moins d'être utilisées pour un effet dramatique, elles ont l'air moches. Et nous avons un autre conseil de pro ici. Utilisez toujours une grande source de lumière diffuse, comme une grande fenêtre givrée ou une softbox. Plus vos sources de lumière sont grandes et diffuses, mieux vous êtes. Votre sujet regardera votre vidéo. Il existe également d'autres aspects intéressants de l'éclairage que vous devez connaître. L'un d'entre eux est ce que l' on appelle un catchlight. C'est le reflet de la lumière dans vos yeux. Dans la plupart des vidéos professionnelles, vous verrez ce reflet dans les yeux du sujet. Et lorsque vous placez vos propres sources de lumière, assurez-vous de bien capter la lumière dans vos yeux pour embellir votre short et permettre à vos spectateurs de se connecter plus facilement à vos yeux lorsque vous leur parlez. Encore une chose à laquelle il faut penser, nos lumières RGB et colorées. Vous pouvez utiliser ces lumières colorées en arrière-plan pour rendre les choses un peu plus intéressantes. Peut-être pimenter les choses parce que vous pourriez avoir juste des lumières blanches. Mais si vous créez du contenu régulièrement, vous ne changerez rien pour rendre vos vidéos un peu plus intéressantes plutôt que plus monotones. Donc oui, les lumières RGB sont également quelque chose à examiner. Mais je pense que le principal point à retenir de ce cours est que vous devriez toujours préférer utiliser des lumières diffuses. J'ai essayé d'avoir le plus de diffusion possible dans vos lumières. Et aussi pour bien se familiariser avec le système d'éclairage à trois points. Dans notre prochain cours, je vais partager quelques conseils que vous pouvez utiliser lorsque vous vous enregistrez. voit alors. 13. Conseils pour vous enregistrer: Alors, les amis, nous sommes maintenant prêts à commencer à enregistrer nous-mêmes. Vous y réfléchissez probablement enfin, mais il était très important de vous baser sur caméras, les microphones, l' éclairage et la production vidéo en général Avant de commencer à enregistrer nous-mêmes, cette étape survient une fois que vous avez terminé toute la pré-production, la planification, les scripts et tout votre équipement est prêt. Ainsi, une fois que vous avez fini de tout configurer, la première chose à faire est de régler votre balance des blancs. Nous en avons déjà parlé dans notre cours sur la balance des blancs. Si tu as besoin de te rafraîchir la mémoire, vas-y et regarde à nouveau ce cours. Alors nous avons un conseil de pro ici. Chaque fois que l'éclairage de votre court-métrage change, il est préférable de régler la balance des blancs. Encore une fois. N'oubliez pas cette classe de balance des blancs chaque fois que l'éclairage de votre environnement change, cela peut modifier la façon dont votre appareil photo voit le blanc. Ensuite, une fois que vous avez fini de régler votre balance des blancs, vous pouvez continuer et vérifier votre mise au point. Si vous utilisez la mise au point automatique, il n'y a aucun problème. Mais si vous utilisez la mise au point manuelle, si vous vous souvenez de notre cours sur la mise au point, nous avons expliqué qu'il pourrait être un peu difficile pour vous de vous concentrer sur vous-même. Mais je t'ai donné un truc dans ce cours. Vous pouvez aussi bien l' utiliser ou demander à quelqu'un de vous aider et de vous concentrer à votre place. Sinon, vous pouvez simplement utiliser la mise au point automatique. ensuite le cadrage. Et le cadrage est très important. Un bon cadrage vous donne non seulement une apparence plus professionnelle, mais il offre également à votre public une meilleure expérience de visionnage. Et la méthode la plus simple et la plus efficace pour cadrer votre photo est d'utiliser la grille de la règle des tiers. Vous pouvez vous placer au centre, à gauche ou à droite. Le centre est généralement le plus sûr. Mais ce que je vois beaucoup de gens se tromper, c'est le cadrage vertical. Soit ils laissent trop d' espace au-dessus de leur tête, soit ils sont si haut qu'une partie de leur tête est coupée en RAM. Il est donc préférable d'activer la grille sur l'écran de votre caméra et d'utiliser la règle des tiers pour vous positionner dans le cadre. Ensuite, le placement de la caméra est très important. Normalement, vous devez placer votre appareil photo à la hauteur de vos yeux ou autour de ceux-ci. En effet, chaque fois que quelqu'un vous parle, il normalement à votre niveau. Il est tout simplement beaucoup plus agréable pour votre public de se connecter correctement. Si vos caméras sont trop basses, vous allez regarder vers le bas, vous ne vous en rendrez même pas compte. Et votre public aura probablement impression de vous admirer. De même, si votre caméra est trop haute, vous allez la regarder tout le temps et votre public aura l'impression de vous regarder de haut. Cela ne semble tout simplement pas naturel de la meilleure et de la plus naturelle façon de le faire. Placez l'appareil photo à la hauteur de vos yeux. Ensuite, une autre astuce consiste à toujours utiliser un moniteur lorsque vous vous enregistrez. De nos jours, de nombreux appareils photo sont équipés d' écrans rabattables où vous pouvez garder un œil sur vous-même pendant que vous enregistrez. Ou vous pouvez également connecter un moniteur externe à votre caméra, c'est toujours mieux pour pouvoir vous voir vous-même. Il se peut que vous manquiez d' espace sur votre carte mémoire que votre batterie soit épuisée ou que vous n'enregistrez même pas. Il est donc préférable de garder également un œil sur l'affichage des informations de votre appareil photo. Une fois la balance des blancs, la mise au point cadrage et le positionnement de la caméra terminés, il ne reste plus que quelques vérifications finales à effectuer. Assurez-vous que votre carte SD est bien insérée dans l'appareil photo et qu' elle dispose de suffisamment d'espace, puis vérifiez que votre micro est correctement connecté. Si vous utilisez un micro externe, ce que j'espère que vous utiliserez également, de nombreux appareils photo professionnels ont aujourd'hui une limite d'enregistrement d' environ 30 minutes. Et de nombreux créateurs de contenu aiment garder un chronomètre sur leur téléphone ou sur leur écran afin de savoir depuis combien de temps ils enregistrent. Donc oui, c'est à peu près ça. Vous êtes maintenant prêt à enregistrer. Alors allez-y et assurez-vous appuyer sur le bouton d'enregistrement, car vous seriez surpris du nombre de fois où j'ai oublié d'appuyer sur le bouton d'enregistrement. Et cela peut être très pénible une fois que vous réalisez à quel point votre enregistreur audio ou votre caméra ne fonctionnent même pas sans graisse ou vidéo enregistreur audio ou votre . Voici donc quelques conseils pour vous enregistrer et sur les choses que vous voudrez peut-être surveiller. Dans notre prochain cours, nous parlerons de l'enregistrement et du traitement audio. 14. Enregistrement et traitement audio: Dans ce cours, je vais vous expliquer comment enregistrer votre son et lui appliquer un traitement de base sous forme de cratères de quantité Vous avez généralement deux options. La première consiste à brancher un micro directement sur votre appareil photo afin que votre son soit gravé directement dans votre fichier principal. Les gens le font généralement avec des microphones Lavalier car ils peuvent être branchés directement sur la plupart des caméras. L'autre option consiste à enregistrer dans un enregistreur audio externe, puis synchroniser vos fichiers audio, vidéo et publications. Il existe maintenant de nombreuses marques d'enregistreurs audio. L'un des plus connus est Zoom. J'utilise le Zoom H5, mais ils proposent une gamme de produits pour différents budgets. Vous pouvez également enregistrer votre audio directement sur votre ordinateur, en connectant un microphone USB y connectant un microphone USB ou en utilisant une interface audio, puis sur le logiciel et vous pouvez utiliser un logiciel gratuit comme Audacity pour enregistrer et traiter le son. Au début, mon flux de travail consistait enregistrer mon audio dans mon Zoom H5 traiter le fichier audio dans Audacity, puis le synchroniser avec ma vidéo dans mon logiciel de montage vidéo. Maintenant que je sais comment post-traiter un peu mieux mon son, je fais tout ce que j'ai à faire dans mon logiciel de montage vidéo. Mais au début, j'ai appris à tout faire avec Audacity. Maintenant, en tant que producteur vidéo débutant, vous devez savoir trois choses à propos de votre son . Le premier est l'intensité ou le volume. Votre son doit donc être suffisamment fort pour vos spectateurs, mais il ne doit jamais être coupé. Qu'est-ce que le découpage ? Nous allons aborder le sujet. La seconde est que l'écho ou la réverbération ne doivent pas produire trop d'écho, car votre écho audio gâchera l'expérience de votre spectateur. Et il sera difficile pour votre spectateur de se concentrer sur ce que vous dites. Et le troisième, c'est le bruit. Le bruit de fond peut être très distrait pour vos spectateurs. Et s'il y en a trop, votre public ne pourra pas se concentrer sur ce que vous dites. Parlons donc d'abord du volume. L'intensité sonore est mesurée en décibels désignés par dB, et ce sont toujours des valeurs négatives. Donc -12 moins six moins trois, et cetera. Et l'hypothèse est que tout ce qui est supérieur zéro est un écrêtage ou un bruit blanc. Il est donc très important que votre son ne dépasse jamais zéro. Si c'est le cas, votre son commencera à se couper et le son sera vraiment mauvais. Et vous pouvez contrôler le volume en contrôlant l'enregistreur de gain. Vous verrez un bouton de gain. Votre logiciel disposera également certaines fonctionnalités pour contrôler le gain de largeur, et le gain contrôle essentiellement le volume ou le volume de votre audio. Heure. Pour un conseil de pro, chaque fois que vous enregistrez votre son, il est préférable de l'enregistrer entre -12 et -6 dB. Essayez de ne pas dépasser -3 dB afin d'avoir une certaine marge de manœuvre. Parfois, votre voix peut devenir un peu plus forte. Personne ne parle tout le temps au même volume. Et puis, une fois l'enregistrement terminé, vous pouvez toujours ajouter du gain à votre son, augmenter le volume et publier. Passons maintenant à la façon de post-traiter votre audio une fois que vous aurez fini de l'enregistrer Comme je l'ai dit plus tôt, nous utiliserons Audacity pour cela plus tard. Vous pouvez le faire dans votre logiciel de montage vidéo ou dans Adobe Audition si cela ne vous dérange pas de dépenser plus d'argent. Pour l'instant, nous allons nous en tenir à la gratuité. Et comme nous sommes des débutants qui souhaitent le faire rapidement, nous allons simplement utiliser un processus en deux étapes : amplifier et réduire le bruit. Plus tard, vous pourrez y ajouter d'autres processus tels que des compresseurs et des limiteurs. Mais pour l'instant, nous allons faire simple. Avec amplification. Nous allons augmenter le volume de notre audio. N'oubliez pas que nous l'avons maintenu autour de moins six dB. Nous voulons maintenant utiliser toute la gamme de niveaux sonores à notre disposition. Et dans notre Udacity, c'est très facile. Vous n'avez qu'à accéder à votre panneau d' effets et à votre volume. Maintenant, une fois l'amplification terminée, nous allons appliquer notre réduction du bruit. Maintenant, la façon de procéder dans Audacity est de donner à Audacity un échantillon du bruit de votre pièce. C'est ce que l'on appelle le profil de bruit. Ainsi, lorsque vous enregistrez, il doit y avoir quelques secondes. Je fais environ 5 secondes où vous êtes silencieux et où il n'y a que du bruit de fond. Ou udacity peut utiliser ce profil de bruit pour réduire le bruit dans votre audio, ce qui est très facile à faire. Il vous suffit de sélectionner cette partie de votre audio où vous étiez silencieux. Je mange le profil de bruit, puis je passe aux effets et à la réduction du bruit et je clique sur Obtenir le profil de bruit, sinon udacity enregistrera ce profil de bruit. Ensuite, vous revenez en arrière et sélectionnez tous vos fichiers audio. Et encore une fois, nous allons réduire le bruit. Vous pouvez maintenant définir le degré agressivité de la réduction du bruit. N'en faites pas trop si vous voulez rendre votre son audio vraiment étrange et traité. Et puis, une fois que vous êtes satisfait de tout, cliquez. Bien, voyons maintenant à quel point cette amplification et cette réduction du bruit ont fait une différence . Voici donc comment le son sort directement de l'enregistreur, et voici comment il sonne après amplification et réduction du bruit. Et vous pouvez constater à quel point une amplification et une réduction du bruit de base peuvent faire toute la différence . Avant, mon son semblait vraiment terne et le volume était très faible. Mais après cela, mon son est beaucoup plus complet et beaucoup plus propre. Maintenant, il est évident que vous pouvez faire bien plus pour votre audio. Mais je viens de vous apprendre ces étapes parce qu'en tant que créateurs de contenu, nous voulons essayer d' accélérer les choses, tout faire rapidement et rapidement. Mais si cela ne vous dérange pas d'un peu plus, vous pouvez utiliser des outils tels qu'un égaliseur pour régler les aigus et les basses Votre son, sur la gauche, correspond aux basses ou aux fréquences de base. Sur la droite se trouvent les fréquences aiguës les plus élevées. Tout ce qui se trouve au milieu se trouve au milieu. Vous pouvez en quelque sorte jouer avec eux pour améliorer le son de votre son. Ensuite, vous avez les compresseurs, qui ne représentent que la plage dynamique de votre audio et la rendent plus complète. Vous pouvez utiliser les paramètres de mon compresseur ici pour votre son si vous faites des voix off, si vous avez un scénario très spécifique, vous souhaitez utiliser un compresseur. Il est préférable de regarder quelques tutoriels sur la façon de les utiliser. Ensuite, il existe des limiteurs que vous pouvez utiliser pour augmenter votre gain ou volume tout en maintenant une limite sur le volume maximum. Et un limiteur fera en sorte que votre son ne soit jamais coupé. Voici à quoi ressemble mon limiteur dans Final Cut Pro, et il vous indique littéralement en jaune chaque fois que le son devait être enregistré, mais que le limiteur se déclenchait. Mais encore une fois, vous ne voulez pas exagérer le limiteur, sinon cela pourrait déséquilibrer légèrement votre son audio . Donc, si vous voulez le faire rapidement au lieu d'amplifier et réduire le bruit pour la majorité des gens, ce traitement sera suffisant pour que votre son audio soit à la hauteur. Mais si vous voulez faire plus d'efforts et rendre votre son audio meilleur que lui, recherchez des compresseurs, des égaliseurs et des limiteurs. Ils vous donneront beaucoup plus de contrôle sur la façon dont vous sonnez dans votre vidéo. Dans notre prochain cours, nous allons parler des bases du B-roll. Qu'est-ce que le B-roll, demandez-vous ? Eh bien, vous devrez vous rendre au cours suivant pour le savoir. voit là-bas. 15. Les bases de B-Roll: Dans ce cours, nous allons parler du B-roll, son importance et de la façon de l'utiliser pour ajouter des perspectives intéressantes à vos vidéos. B-roll est très important que vous soyez un blogueur qui souhaite montrer quelque chose d'intéressant à ses spectateurs ou votre critique souhaite présenter un produit sous un angle intéressant. Et l'utilisation de B-roll rend ses vidéos plus intéressantes et plus attrayantes car votre spectateur n'a pas à regarder votre visage pendant tout ce temps. Je ne dis pas que vous n'êtes pas assez jolie, mais cela peut devenir un peu ennuyeux pour vous, spectateurs. Mais si vous utilisez B-Roll, cela peut améliorer la rétention de l' audience car votre spectateur peut voir , car votre spectateur peut voir davantage ce dont vous parlez et avoir une perspective intéressante sur les choses. Et parfois, B-roll est absolument essentiel pour transmettre les informations que vous essayez de transmettre. Mais tout d'abord, pourquoi l'appelons-nous B-roll ? Mais comme la séquence de têtes parlantes que vous êtes en train de regarder en ce moment est connue sous le nom de flèche, et tout le reste devient un B-roll. Donc, dans ce projet, c'est la flèche où je parle à la caméra. Et voici le B-roll où je montre différentes photos du produit afin que mon public puisse mieux comprendre de quoi je parle. Maintenant, il existe différents types de cartes de bureau que vous pouvez utiliser. Parlons de certains d'entre eux. C'est si simple. L'un est le stylet, où l'appareil photo se déplace de gauche à droite ou de droite à gauche. Pour cela, on utilisera normalement une tête fluide qui ressemble à ceci. Il est conçu pour être monté dessus avec une caméra et vous permet d'obtenir des mouvements vraiment fluides. Ensuite, il y a l'inclinaison, où la caméra s' incline de haut en bas ou de bas en haut. Encore une fois, nous utilisons un fluide pour cela. Alors voici quelque chose d'un peu plus avancé. Il s'agit d'une diapositive pour laquelle nous utilisons un curseur. Et en utilisant un curseur, vous pouvez passer d'un côté à l' autre ou de l'arrière vers l'avant. Et ces plans coulissants peuvent être très utiles pour rendre un court métrage ennuyeux plus dramatique et cinématographique. Un peu de mouvement permet de modifier l'apparence de votre tir, puis de passer à un territoire encore plus avancé. Voici l'un de mes palmarès préférés de tous les temps. C'est ce qu'on appelle un court-arc ou un court-circuit de parallaxe. Nous venons de procéder au montage de la tête à fluide sur un curseur. Il vous permet donc de glisser, de déplacer et de vous incliner en même temps. Cela demande un peu d' entraînement pour réussir, car vous devez faire glisser et déplacer le sujet en même temps tout en gardant votre sujet au centre du cadre. Mais lorsqu'il est bien fait, ce court métrage est extrêmement dramatique et très impressionnant. Ensuite, nous avons un autre type de photo que j'aime vraiment et que j' utilise tout le temps. Il s'agit d'un graphique général. C'est ce que j'appelle une prise de vue de haut en bas, où la caméra est montée au-dessus de la tête et regarde vers le bas un bureau ou un comptoir. Et je pense que cette perspective est particulièrement utile pour les vidéos de produits Les vidéos de cuisine sont des vidéos pratiques astucieuses. Cela vous donne au spectateur un aperçu très clair et rapproché de ce dont vous parlez. Il est temps de donner un autre conseil de pro. Ainsi, lorsque vous prenez ces photos aériennes, utilisez l'application utilisateur sur votre téléphone pour vous assurer que l'appareil photo regarde droit vers le bas. C'est pour vous assurer que votre point de vue est bon. Sinon, tout ce qui a un bord droit commencera à paraître tordu et déformé. Il existe de nombreux autres types de cartes de bureau que vous pouvez aborder en un seul cours. Je vous suggère donc d'aller en ligne et de faire de meilleures recherches, trouver des tutoriels et d' apprendre à obtenir un bon B-roll. Mais pour terminer, lorsque vous enregistrez votre rouleau B, essayez de le rendre intéressant avec un éclairage différent. Certaines personnes utilisent des lumières RGB des instructions et des textures différentes. N'oubliez pas non plus que lorsque vous enregistrez vos vidéos, n'exagérez pas les cinématiques. De nombreuses cinématiques et photos de beauté deviennent distrayantes au bout un certain temps et nuisent parfois à l' histoire de la vidéo. L'histoire compte vraiment. On ne peut pas vraiment substituer une histoire à de bonnes cinématiques, mais il ne faut pas non plus annuler les cinématiques. Ils font une énorme différence. Et lorsqu'il est bien fait, le B-roll cinématographique peut ajouter des perspectives intéressantes à votre vidéo et augmenter sa valeur de production. Dans le cours suivant, nous allons commencer à parler du montage vidéo et plus particulièrement des logiciels de montage vidéo que vous pouvez utiliser. bientôt. 16. Logiciel de montage vidéo: J'espère donc que vous avez maintenant enregistré toutes vos séquences vidéo et audio. Et maintenant, vous voulez tout intégrer dans un logiciel de montage vidéo pour l'assembler. Mais quel que soit l'éditeur que vous choisissez, ils auront tous les fonctionnalités ou la chronologie suivantes. Il s'agit essentiellement de l'épine dorsale, du fondement de votre vidéo. Pendant le montage, vous verrez l'intégralité de votre projet sur cette chronologie. Vous pouvez couper et assembler la vidéo comme vous le souhaitez. Et vous pouvez placer des séquences, des images, des textes et des sons où vous le souhaitez. Et la plupart des logiciels de montage vidéo modernes vous permettent également d'empiler des couches les unes sur les autres. Ensuite, il y a les images-clés. Avec les images-clés, vous pouvez sélectionner n'importe quel point ou différents points de votre vidéo , puis modifier les propriétés de l'objet entre ces images-clés. Par exemple, je peux ajouter une image-clé ici et une ici. Ensuite, je peux ajouter un effet de zoom entre ces deux images-clés. Ou je peux modifier l'opacité et faire passer ma vidéo au noir. n'y a pas de limites, il y a une multitude de choses que vous pouvez faire avec les images-clés. Ensuite, il existe des transitions qui vous permettent d' ajouter une transition entre deux clips, ce qui est essentiellement un effet fantaisiste qui changera la scène d'un clip à l'autre. Les titres vous permettent d'ajouter toutes sortes d' éléments de texte à votre vidéo. Vous pouvez ensuite ajouter des graphismes et des animations intéressants vos vidéos pour les rendre plus intéressantes et attrayantes. Nous avons un conseil de pro ici. Prenez le temps de trouver des polices, des graphismes et des sons intéressants pour vos vidéos. Toutes ces choses ajouteront de la richesse à votre contenu. Vous pouvez également installer des plugins très utiles à partir de sites Web tels que motion vfx.com et Pixel Film Studios. Aujourd'hui, le montage vidéo en soi est un sujet très profond. Je ne vais pas vous apprendre à éditer des vidéos ou à utiliser votre logiciel de montage vidéo, car je ne sais pas quel logiciel vous allez utiliser. Chaque logiciel est différent, mais je vais essayer de vous donner quelques informations importantes sur les différents logiciels de montage vidéo. J'espère donc que vous pourrez prendre une meilleure décision quant logiciel qui vous convient le mieux. Et dans le prochain cours, je vais partager quelques conseils de montage vidéo avec vous pour vous aider à améliorer vos vidéos. Parlons de certains des logiciels de montage vidéo les plus populaires sur le marché. Il y en a trois en particulier, qui sont les plus populaires. Le premier et sans doute le plus populaire est Adobe Premiere Pro, que vous pouvez exécuter à la fois sur Windows et Mac. Et il est largement utilisé dans l'industrie par les professionnels car il n'est pas limité aux écosystèmes Windows ou Mac et en raison de toutes les fonctionnalités avancées qu'il propose aux professionnels, Adobe Premiere Pro est un abonnement mensuel. Tu ne peux pas l'acheter, ça a explosé. C'est donc une décision financière que vous devrez prendre si vous souhaitez l'utiliser. Mais son principal avantage est qu' Adobe Premiere Pro est largement utilisé et reconnu dans le secteur car apprendre à l'utiliser peut être une compétence très précieuse et transférable. Ensuite, il y a Léonard de Vinci Resolve by Black Magic, qui a vraiment gagné en popularité ces dernières années, notamment grâce à la magie noire. les caméras K et 6 K Au départ, les caméras K et 6 K étaient considérées comme un outil d'étalonnage et de correction des couleurs, mais de plus en plus, les utilisateurs l'utilisent comme un guichet unique pour tout, de l' étalonnage des couleurs au montage vidéo. Encore une fois, DaVinci Resolve fonctionne à la fois sur Windows et Mac, mais à mon avis, c'est l'un des logiciels les plus difficiles à apprendre à utiliser car il regorge de fonctionnalités avancées. Une version gratuite est disponible en téléchargement, mais si vous voulez le studio complet, cela coûte environ 295$. Mais la bonne chose est qu'il s'agit d' un abonnement unique et non mensuel. Maintenant, le troisième que j'utilise pour ma production vidéo est Final Cut Pro d' Apple , connu pour sa facilité d'utilisation. Il est plus facile à apprendre que les deux autres, et il est également très efficace et rapide grâce son optimisation avec les logiciels et le matériel Apple. D'après mon expérience, le rendu prend moins de temps et fonctionne beaucoup plus facilement qu'Adobe Premiere. L'inconvénient évident est que Final Cut Pro est bloqué dans l'écosystème d' Apple, vous aurez donc besoin d'un Mac pour l'exécuter. Final Cut Pro coûte environ 300 dollars sur l'Apple Store pour l'acheter. Mais là encore, il s'agit d'une dépense ponctuelle. Ensuite, il existe quelques autres logiciels de montage vidéo comme Sony Vegas Pro, que très peu de personnes utilisent de nos jours. Si vous vous lancez dans un domaine plus amateur de slash pour débutants que de Wonder Shares, remplir plus et vous sentir plus pro sont également une bonne chose si vous voulez simplement vous plonger dans le monde du montage vidéo. Ainsi, en plus de ces logiciels de montage vidéo sur ordinateur , il existe également de nombreuses options pour les téléphones et les tablettes. Et oui, vous pouvez totalement éditer une vidéo sur un téléphone ou une tablette de nos jours. Voici quelques options pour Android et iOS que j'ai vues. Pour les iPhones et les iPad, Luma Fusion est plutôt bonne, mais elle coûte environ 30$ sur Android Fillmore. Un objectif, Adobe Premiere Rush, notre réalisateur aimable maître. En bref. Il existe de nombreuses options, mais prenez le temps réfléchir à celle qui vous convient le mieux. Parce que si vous voulez investir autant d'énergie pour apprendre à utiliser un logiciel, il est préférable de choisir un logiciel que vous allez continuer à utiliser sur le long terme, et qui vous donnera des compétences précieuses et transférables. Il s'agissait donc d'un aperçu des différents logiciels de montage vidéo disponibles. Et aussi le type de fonctionnalités que vous pouvez attendre de la plupart des logiciels de montage vidéo. Je vais terminer ce cours ici et le suivant, je vais partager quelques conseils de montage vidéo avec vous. Et ce sont les choses que j'ai apprises au fil des ans. On se voit au prochain cours. 17. Conseils de montage vidéo: Maintenant que nous avons une compréhension de base des logiciels de montage vidéo et des différents écosystèmes existants. Dans ce cours, je vais partager quelques conseils de montage vidéo avec vous et le conseil numéro un, ou clip numéro un, c'est de ne pas en faire trop. Parce que n'oubliez pas que sur les réseaux sociaux, vous devez être en mesure produire du contenu de manière très régulière et cohérente. Si vous exagérez le processus de montage vidéo, vous pourrez publier vos vidéos. Mieux vaut être fait que parfait. C'est quelque chose que j'ai appris de Casey. C'est bien d'être minutieux dans vos modifications, mais n'en faites pas trop. Conseil numéro deux : vous avez besoin d'un processus. Il est vraiment utile d'avoir une routine pour vos modifications. Mon propre processus se déroule essentiellement en trois étapes. étape est ce que j' appelle un montage de base : je prends mon fichier brut non édité, je le découpe, supprime toutes les erreurs et je prépare le squelette de base qui constitue la base de ma vidéo. Ensuite, la deuxième étape est le B-roll et la correction des couleurs. C'est là que je commence à placer tous les rouleaux B là où ils doivent être. Et je vais aussi généralement effectuer toutes les corrections de couleur dont j'ai besoin pendant cette phase. Et la troisième étape consiste à terminer où je vérifie que tout est là où il doit être. J'ai peut-être besoin d'une animation de texte quelque part. Peut-être que je veux des effets sonores quelque part. Et je vérifierai également mon blanc et mon teint au cours de ce processus. Après la troisième étape, il ne reste généralement plus qu'à regarder l'intégralité de la vidéo plusieurs fois pour s'assurer qu'il n'y a pas erreurs ou d'erreurs factuelles. Le numéro trois est utilisé. Sauter des coupes. Les sauts sont un bon moyen de contrôler le rythme de votre vidéo. En général, sur les réseaux sociaux, vous devez essayer de vous assurer que le rythme de vos vidéos est correct. Si votre vidéo est trop lente, les gens risquent de rebondir. sauts sont donc un bon moyen de retirer ces bras et de respirer fort. Mais n'exagérez pas les sauts Trop de sauts peuvent distraire le pair. Pour que vos sauts soient plus tranchants et moins brusques. Vous pouvez ajouter un effet de zoom à vos sauts. Ici, vous pouvez voir la différence. C'est une décharge d'avions et c'est un saut avec Zoom. Et nous avons ici un autre prototype. Le meilleur type de saut est ce que l'on appelle un Jacob. Jacob se produit lorsque le son du deuxième clip commence une fraction de seconde avant que la vidéo ne change. Jacob, à cause de la disposition des clips , cela ressemble à un J, mais il est généralement admis que les coupes en J sont beaucoup moins choquantes qu'une simple carte à sauter. Voilà à quoi ressemble une coupure d'avion, et c'est ce que ressent Jacob. La prochaine fois que vous regarderez votre YouTuber préféré. Remarquez où ils utilisent ces cartes J. Une fois que vous saurez ce que sont les vestes, vous commencerez à en voir partout. Conseil numéro quatre. N' abusez pas des transitions. Je constate que de nombreux nouveaux créateurs de contenu abusent de leurs transitions. Au début, j' allais être pareil. Tous les autres effets de flou de zoom radial de l'en-tête court se produisent. Mais si vous regardez les professionnels, ils utilisent rarement des transitions. À quand remonte la dernière fois que vous avez vu une transition dans un film, une émission de télévision ou un documentaire, utilisez les transitions avec parcimonie et délibérément. C'est le numéro cinq. sons s'estompent toujours. C'est plutôt une de mes bêtes noires. Je vois beaucoup de YouTubers ajouter, par exemple , de la musique à la peropératoire l'interrompre brusquement. Cela semble vraiment choquant et rend votre vidéo très rugueuse. Donc, chaque fois que vous avez un son qui va s'arrêter, il suffit de le faire disparaître. Ici. Numéro six. Oh, et celle-ci est importante. Utilisez toujours les raccourcis clavier Quel que soit le logiciel de montage vidéo que vous choisissez, cela vaut toujours la peine d'apprendre les raccourcis clavier et d'ajouter vos propres raccourcis clavier pour accélérer votre processus de montage vidéo, en particulier une fois que la mémoire musculaire est activée. Le septième et autre point important est de regarder de nombreux tutoriels pour votre logiciel de montage vidéo. Vous seriez surpris de voir tout ce que vous pouvez apprendre en ligne de nos jours. Je veux dire, vous regardez ce cours sur Skillshare. Moi-même, j'ai tout appris grâce à des tutoriels et quel que soit votre problème, il y a de fortes chances que quelqu'un ait eu le même problème ou un problème très similaire et décidé d'écrire à ce sujet ou de faire une vidéo à ce sujet. Alors oui, regardez les tutoriels. Et le conseil numéro huit, qui est mon dernier, est de pratiquer, pratiquer, pratiquer. Plus vous vous entraînez, meilleur sera votre travail et plus vite vous pourrez mener à bien les projets. Voici donc quelques conseils qui, je l'espère, vous aideront à mieux apprendre le montage vidéo. Dans le prochain cours, nous aborderons les bases de la correction des couleurs. On se voit là-bas. 18. Les bases de la correction de couleur: C'est bon, les gars. Il est donc temps de parler de correction des couleurs et d'étalonnage des couleurs. Et en tant que créateur de contenu vidéo, vous devez au moins avoir une compréhension de base des outils à votre disposition. Dans ce cours, je vais vous expliquer mon processus, façon dont je le fais en tant que créateur de contenu quotidien. Et vous pouvez choisir la quantité de ce que vous souhaitez suivre, si vous voulez tout faire ou ne rien faire J'espère que ce cours vous donnera une compréhension de base de ce qu'est la correction des couleurs. Maintenant, la première chose à la correction des couleurs est ce dont nous avons parlé dans nos cours sur l'exposition et la balance des blancs. Il est très important d'avoir une bonne photo pour commencer. La toute première chose est donc, bien sûr, la balance des blancs. Si vous réglez correctement la balance des blancs sur votre appareil photo, la correction des couleurs et l'étalonnage des seront beaucoup plus faciles pour vous. Mais si vous commencez par un bleu froid ou un jaune chaud, vous devez corriger cela et publier. Et d'ailleurs, ce n'est pas toujours possible. Mais si vos couleurs sont légèrement décalées ou si cela peut être corrigé par la poste, c'est là que la correction des couleurs et l'étalonnage des couleurs entreront en jeu. Quelle est donc la différence entre correction des couleurs et l'étalonnage des couleurs ? En termes simples, la correction des couleurs est effectuée pour corriger les couleurs de la photo et leur donner une apparence réaliste ou pour leur redonner un aspect de base non édité. Le classement des couleurs, en revanche, est davantage un choix stylistique. Ainsi, dans les films ou les vidéos YouTube, vous pouvez voir un certain style de couleur. orange sarcelle est un look très célèbre. Si vous avez vu The Matrix, vous vous souviendrez que lorsque nu est dans la matrice, tout prend une teinte verte. Tout cela n'est qu'un grade de couleur. Si vous êtes intéressé par l'étalonnage des couleurs, je vous invite à consulter en ligne pour en savoir plus. Il y a beaucoup à apprendre là-bas. Mais dans mes vidéos, puisque je fais des critiques de produits, j'ai essayé de donner vie à mes vidéos. Écoutez, je veux que mes spectateurs voient ce que je vois, exactement à quoi cela ressemble dans la vraie vie. Dans ce cours, nous allons donc parler principalement de la correction des couleurs. Ma première étape pour corriger les couleurs consiste donc à vérifier l'exposition et à l'ajuster. Si besoin est, j'utilise ce diagramme de formes d'ondes LUMO, qui indique les niveaux de lumière de votre image de gauche à droite en haut Nos points forts sont les zones claires et blanches situées dans les tons moyens ou moyens. Tout ce qui se trouve entre les zones claires et les ombres. Et en bas, voici les parties sombres de votre image ou les ombres. Si les zones claires dépassent 100, elles commenceront à s' estomper et à devenir blanc pur et votre image sera surexposée. Si vos ombres descendent en dessous de zéro, elles seront écrasées et deviendront noires. Encore une fois, vous perdez des informations et cette fois, la photo sera sous-exposée. Vous pouvez donc utiliser ce diagramme de forme d'onde luma pour garder un œil sur votre exposition et l'ajuster via l'onglet Exposition. Et nous avons un produit ici : gardez vos reflets de 75 à 95 % et vos ombres de 10 à 6 %. Je ne descends généralement pas en dessous de 6 %. Cela donne juste à ma vidéo un aspect vraiment étrange et sombre. s'agit évidemment pas d'une règle absolue. C'est juste quelque chose que je préfère. N'oubliez pas non plus que vous devez avoir la bonne exposition de l'appareil photo lorsque votre vidéo est enregistrée et que si elle est surexposée ou sous-exposée, vous ne pouvez souvent pas faire grand-chose en post-production , car ces données sont tout simplement perdues. C'est soit du bruit blanc, soit simplement des ombres noires écrasées. Ensuite, après l'exposition, la deuxième chose que je vérifie est la balance des blancs. Maintenant, la plupart d'entre vous ont probablement réglé la balance des blancs, dès le départ. Mais même si vous le faites de nombreuses fois en post, vous avez commencé à vous rendre compte que cela avait encore besoin d'un léger ajustement et qu'il y a des choses que vous pouvez y faire et publier, par exemple ce plus court qui a toujours l' air un peu cool. moyen très simple de résoudre ce problème est d' accéder à vos paramètres de teinte et de supprimer une partie du bleu de l'ensemble de votre court-métrage vers le global, où vous pouvez choisir si vous souhaitez que cette couleur soit où vous pouvez si vous souhaitez que cette couleur supprimée ou que les tons moyens soient des ombres. Au fait, je travaille ici dans Final Cut Pro. Maintenant, vous allez ajuster cela en le jouant simplement devant nos yeux. Mais il existe un outil spécifique que vous pouvez utiliser pour régler la largeur de la balance des blancs , à savoir le RGB Parade. Ce graphique montre essentiellement comment les trois couleurs, rouge, vert et bleu, sont équilibrées dans une image. Donc, ce que je vais faire, c'est mettre un masque ici sur cette zone blanche pour l'isoler. Maintenant, cette période RGB me dit quelle couleur du rouge, vert et du bleu est la plus dominante. Et mon blanc. Je peux ensuite commencer à le sortir soit via mon onglet Hue, soit dans Final Cut Pro Nous avons ces roues chromatiques qui me permettent de régler la balance des blancs pour m'assurer que mes blancs sont blancs. Maintenant, je ne veux pas trop compliquer ce cours, surtout pour les débutants. Mais si vous voulez régler votre balance des blancs, vous devez apprendre à utiliser un RGB Parade. Maintenant, une fois que j'en ai fini avec l'exposition et la balance des blancs, j'ai l'habitude de vérifier le teint de ma peau. C'est là que les créateurs de contenu encore plus avancés se trompent. C'est très subtil, mais croyez-moi, si votre teint est exact, je pense que cela donnera à l'ensemble de sa vidéo un aspect un peu plus raffiné, un peu plus professionnel, et les couleurs sont je pense que cela donnera à l'ensemble de sa vidéo un aspect un peu plus raffiné, parfaites, et c'est très facile à faire. Nous avons donc simplement mis un masque sur mon visage ici et, isolément, je vais utiliser un outil appelé scope vectoriel, qui vous montre essentiellement quelles couleurs sont présentes dans votre image. Mais ce que nous recherchons ici, c'est cette gamme, c'est la gamme de teint. Et tous les tons de peau humains se situent toujours sur cette ligne. Tout ce qui est inférieur à cette ligne aura une teinte verte et tout ce qui trouve au-dessus de cette ligne vous donnera une apparence rouge et un coup de soleil. Ici, vous pouvez voir que mon teint est légèrement vert. Alors, comment l'ajuster à cela ? Nous allons utiliser des courbes de saturation des teintes, qui vous permettent essentiellement de sélectionner n'importe quelle couleur et de modifier sa teinte ou sa saturation. Dans ce cas, seule la modification de la teinte nous intéresse. Je vais donc obtenir ce compte-gouttes à partir de la courbe Hue vs Hue. Je vais sélectionner la couleur de ma peau avec le compte-gouttes. Je peux ajuster cette couleur pour m' assurer qu'elle correspond à la ligne du teint. Et maintenant, vous pouvez voir que mon visage est beaucoup plus naturel. Maintenant que mes tons de peau sont enfin triés, je viens de vérifier la saturation. La saturation signifie essentiellement la vivacité des couleurs. Ainsi, plus la saturation des couleurs sera élevée. Mais au-delà d'un certain point, les couleurs paraîtront trop dures et discordantes. Vous vous souvenez que nous avons parlé de l'utilisation profils d'images désaturés et de vos appareils photo. C'est parce que maintenant imposé, nous pouvons choisir le degré de saturation que nous voulons. Certaines personnes préfèrent une plus grande saturation et ont un style et une esthétique plus désaturés. En fait, j'ai un conseil de pro pour ceux qui souhaitent un champ plus cinématographique : réduisez légèrement la saturation . Les vidéos très saturées ont tendance à sembler très numériques aspect légèrement désaturé peut donner votre vidéo un aspect plus cinématographique. Aujourd'hui, comme pour tout ce qui concerne la production vidéo, la correction des couleurs est également un domaine très vaste. Mais en tant que créateurs de contenu, je vous conseille vivement de faire en sorte que vos processus soient assez courts. Vous pouvez utiliser tous ces outils, mais aucun d'entre eux, c'est à vous de décider. Mais passons maintenant à quelques concepts plus avancés concernant la couleur. Et ce sont d'autres éléments qui vous donneront une feuille de route pour l'avenir. Et le premier d'entre eux est Let's or Lookup Tables. Et je vais être bref ici. Mais les tables de recherche sont principalement utilisées pour convertir profils colorimétriques des journaux en profils de couleurs standard tels que rec seven ou nine. Mais beaucoup sont également utilisés pour styliser la vidéo. Souvenez-vous donc de l' exemple de Neo in the Matrix et de la façon dont tout avait une teinte verte. Tout est terminé avec le déjeuner. Vous commencez donc par l'image de base, puis vous en appliquez beaucoup pour obtenir une grille de couleurs stylisée unique. s'agit également d'un concept important que nous allons découvrir si vous souhaitez faire passer votre jeu au niveau supérieur. Mais bien sûr, il s'agit d'un cours pour les débutants. Je ne veux pas trop vous compliquer les choses, mais si vous souhaitez utiliser des outils plus avancés pour gérer votre exposition, vous pouvez utiliser des courbes de couleurs. Les courbes de couleur vous permettent de mieux contrôler votre image. Et vous pouvez sélectionner chaque zone spécifique de l'image et modifier l'exposition. Et ces courbes vous permettent également de mieux atténuer les reflets. Il existe de nombreux outils différents que vous pouvez découvrir en matière de correction des couleurs et d'étalonnage des couleurs. Mais j'espère que ce cours vous donnera un aperçu du type de processus que vous pouvez utiliser pour améliorer l'apparence de vos vidéos. Et j'espère que vous serez en mesure de tirer parti de ces connaissances au fur et à mesure que vous en apprendrez davantage sur la production vidéo. Dans le prochain cours, nous parlerons rendu et de la publication de vos vidéos. 19. Rendu et édition: Nous en sommes maintenant aux dernières étapes de la production de notre vidéo. Il s'agit de la dernière étape de notre processus de post-production, et il ne vous reste plus qu' à effectuer rendu et la publication de votre prototype vidéo ici. De nos jours, la plupart des plateformes vidéo en ligne préfèrent le format H point deux C64 pour les téléchargements, car il est très compressé et produit des fichiers de plus petite taille. Mais comme il est très compressé, il faut beaucoup de travail à votre ordinateur pour le rendre. La principale chose à garder à l'esprit en matière de rendu est donc qu'il prend du temps, surtout si vous travaillez sur un projet à haut risque , comme un fork, une vidéo, et plus encore si vous avez beaucoup d'effets et de niveaux de couleurs dessus. Et donc, évidemment, la rapidité du rendu de votre vidéo dépend de la puissance de votre ordinateur. Cela vaut donc la peine de consacrer du temps à la conception d'un flux de production afin que vous n' ayez pas à effectuer le rendu puis à le restituer encore et encore avec mon ancien ordinateur portable, mon projet final, même dans Final Cut Pro, ou à prendre une demi-heure à 45 minutes pour le rendu. Donc, chaque erreur a coûté très cher, même avec mon puissant Mac Studio. Désormais, le rendu d' un fichier final peut prendre de 15 à 20 minutes pour certains projets . Maintenant, une fois le fichier final rendu, nous allons le télécharger. Et c'est là que les vignettes et optimisation pour les moteurs de recherche entrent en jeu. Parlons d'abord des miniatures. miniatures sont très importantes car elles constituent le premier point de contact entre vous et votre spectateur. Il est donc important de disposer d'une miniature attrayante qui vous permettra d'obtenir des clics. Il n'existe pas de science établie pour déterminer ce qui constitue une bonne miniature. Chaque créateur a une approche différente, mais soyez très prudent avec vos vignettes. L'erreur que j'ai commise au départ avec ma chaîne YouTube est que toutes mes vignettes n'ont été prises qu'après coup. C'était juste que ma vidéo était prête et que je devais créer quelque chose et simplement la mettre en ligne. C'était comme un truc de dernière minute. Et puis, au fil du temps, j'ai réalisé que les vignettes sont très, très importantes. J'ai vu une vidéo dans laquelle Marcus Brown Lee disait que c'était un très bon parc d'attractions. Si le panneau est nul, personne n'entrera. Je pense donc qu'il vaut la peine de réfléchir au type de vignettes que vous souhaitez pour votre contenu et de rechercher quel type de vignettes convient à votre niche de contenu. Je pense qu'il faut garder à l'esprit que les vignettes sont généralement très petites lorsque les gens les voient sur une liste ou sur leur téléphone. miniatures doivent être conçues pour transmettre des informations, même lorsqu'elles sont petites. Beaucoup de gens préfèrent avoir visages et leurs vignettes, car apparemment l'algorithme YouTube préfère les vignettes avec des visages d' avoir un visage et votre miniature permet également de personnaliser le contenu. Gardez à l'esprit que de nombreuses personnes préfèrent YouTube et les réseaux sociaux raison de l'aspect non lié à la personnalité de l'entreprise . Ensuite, après la miniature, il y a généralement un titre et une description ou une légende pour la vidéo. Encore une fois, il n'y a pas de science établie ici, mais en général, la description permet attirer votre public et joue également un rôle dans l'algorithme de la plateforme de réseau social sur laquelle vous vous trouvez. Il est donc généralement admis que vous souhaitez des termes de recherche dans votre titre et votre description, car de nombreuses plateformes vous permettront également d'ajouter des balises. Il s'agit de termes de recherche avec lesquels vous souhaitez que votre contenu soit identifié. La question de savoir si ces balises fonctionnent ou non fait l'objet de nombreux débats , mais je pense qu'il est préférable d'avoir au moins quelques balises pour le moteur de recherche de plus en plus de temps Nous voyons également des vidéos avec des codés et des sous-titres. Et la croyance générale est qu'ils aident la vidéo à être indexée par les moteurs de recherche. Maintenant, une fois que tout cela est fait, la vidéo est mise en ligne. Il y a une miniature, un titre ou une légende, des balises et tout le reste. Il ne vous reste plus qu'à appuyer sur Publier. Et maintenant, votre vidéo est disponible pour toujours. Félicitations. Vous êtes officiellement un créateur de contenu, mais l'histoire ne s'arrête pas là. Après la publication, il est très important de recueillir des commentaires sur vos vidéos et de suivre leurs performances. Dans le cours suivant, nous parlerons de l'importance des analyses et de la manière dont vous pouvez utiliser vos analyses pour améliorer votre contenu au fil du temps. voit alors. 20. Importance de l'analyse: Si vous vous souvenez de notre excellent cours sur l'état d'esprit d' un créateur de contenu, vous vous souviendrez que nous avons parlé de l'importance de responsabilité et de l'amélioration constante votre contenu au fil du temps. Et c'est littéralement ce que les analyses, ou pour le, vous permettent de suivre vos performances et de voir si elles ne sont pas suffisantes. Ils vous obligent à rendre des comptes en ce sens que vous pouvez juger nos propres performances et voir les tendances de vos performances. Et ils vous fournissent des commentaires que vous pouvez ensuite utiliser pour améliorer votre contenu au fil du temps. Et dans le contexte de la production vidéo, quatre indicateurs issus vous devez garder un œil sur quatre indicateurs issus de vos analyses. Nombre de vues Durée de visionnage , fidélisation de l' audience et taux de clics. Au fil du temps, les plateformes comme YouTube ont cessé de se contenter de ViewCount pour évaluer la qualité de votre vidéo. Cela posait particulièrement problème avec les clickbait, car même si quelqu'un regardait une vidéo et rebondissait en une seconde ou deux, elle était toujours prise en compte. Alors que maintenant, c'est plus une question de temps de visionnage. Le nombre de vues est largement considéré par le grand public et les entreprises comme un indicateur très important de votre portée. Mais dans l'ensemble, le temps de visionnage est désormais devenu plus important, car temps de visionnage indique combien de temps les gens regardent vos vidéos. Pour. La plupart des plateformes vidéo souhaitent que vous gardiez les utilisateurs sur leur plateforme le plus longtemps possible. Et le temps de visionnage d'une vidéo est un bien meilleur indicateur que ViewCount pour déterminer l'intérêt des internautes à regarder votre vidéo. Ensuite, nous avons la fidélisation de l'audience, qui est également d' une importance capitale en tant que boucle de feedback direct pour votre contenu. Cela ressemble à ce graphique, et il vous montre essentiellement deux choses. La première est qu'il vous donne un pourcentage de la rétention moyenne de vos spectateurs. Ainsi, 40 % de rétention de l'audience signifie qu'en moyenne, un spectateur regarde 40 % de votre vidéo avant de la rediriger. Bien entendu, plus ce chiffre est élevé, mieux c'est pour votre vidéo, et plus l'algorithme va proposer ou suggérer votre vidéo à d'autres spectateurs de manière agressive . Mais la deuxième information, encore plus intéressante , que vous donne ce graphique est qu'il vous montre les moments spécifiques de votre vidéo où les gens rebondissent ou reviennent pour la regarder à nouveau, où de plus en plus de personnes rebondissent, cela ressemble à une baisse et où les gens reviennent pour la regarder à nouveau, cela ressemble généralement à un pic. Et ce sont des informations très précieuses pour savoir ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Parce que vous voulez vous concentrer davantage sur les sommets et moins sur les pourboires. Je vais partager quelques exemples personnels avec vous ici. À l'époque, j'avais un message d'abonnement dans chacune de mes vidéos. Et une fois que j'ai commencé à m'intéresser à la fidélisation de mon audience, chaque fois que ce message d'abonnement apparaissait, je constatais une baisse et une fidélisation, ce qui provoquait des rebonds. J'ai donc arrêté de diffuser ce message et j'ai un peu amélioré la rétention de mon public. Pareil pour les intros. J'avais l'habitude d'avoir cette intro animée au début de chaque vidéo. Et je me suis vite rendu compte que beaucoup de personnes rebondissaient, alors j'ai arrêté de le faire. En fait, je vais juste résoudre une vidéo de Mr Beast où il parlait d'analyse. Et il a dit que tout le monde devrait revenir en arrière et vérifier la fidélisation de l'audience pour ses 50 ou 100 dernières vidéos. Notez toutes les informations et arrêtez de faire les choses qui font rebondir les gens sur les vidéos. Alors, faites plus de ce qui fait que votre rétention maximale et moins de ce qui fait baisser votre rétention. Et le dernier indicateur dont nous parlerons dans ce cours est le taux de clics, qui vous indique en pourcentage le nombre de fois votre vidéo a été cliquée lorsqu'elle présentée à un spectateur potentiel. ce que l'on appelle des impressions. Encore une fois, plus ce pourcentage est élevé, mieux c'est pour votre contenu. Et votre taux de clics dépend généralement de nombreux facteurs, tels que force de votre accroche, attrait de votre titre et de votre miniature ? Est-ce un sujet d'actualité ou non ? Et dans quelle mesure vos abonnés vous sont-ils fidèles ? Le monde de l'analyse est un véritable terrier où vous pouvez aller aussi loin que vous le souhaitez. Mais les quatre indicateurs dont j'ai parlé dans ce cours sont ceux sur lesquels je me suis le plus concentré Ils sont absolument essentiels pour garder une île. C'était donc le dernier cours approprié de ce cours. Dans la prochaine, je vais commencer à résumer les choses et nous allons également parler d'un projet de classe. voit alors. 21. Projet de cours et note de fin: À ce jour, nous avons passé en revue de nombreux ingrédients essentiels requis pour la production vidéo en tant que créateur de contenu. Il est évident que ce cours ne fera pas de vous un maître producteur vidéo dès le premier jour. Mais j'espère que cela vous a donné suffisamment de ces connaissances de base ou bases sur lesquelles vous pourrez, espérons-le, vous développer. Bien sûr, aucun cours ne vous apprendra tout ce que vous devez savoir. Vous devez revenir en arrière, faire des recherches, pratiquer et développer vos compétences au fil du temps. Mais je pense que ce cours est un bon résumé de ce que j'ai appris ces dernières années en tant que créateur de contenu. Et j'ai essayé de donner la plupart des informations dont je pense que chaque créateur de contenu bénéficierait à ses débuts. Et il y a tout un tas de choses qui sont délibérément exclues de ce cours parce que je voulais qu'il soit assez facile à comprendre et à assimiler pour quelqu'un qui n'a aucune expérience en quelqu'un qui n'a aucune expérience production vidéo et qui en est à ses débuts. Je veux donc vraiment que vous fassiez vos propres recherches, que trouviez des tutoriels et que vous pratiquiez ce métier de production vidéo moderne pour les réseaux sociaux. Maintenant, puisque je termine, il y a quelques points dont je veux que vous vous souveniez toujours. Une approche à long terme. Youtube ou toute autre plateforme de réseau social est un marathon, pas un sprint. Et l'amélioration constante doit être votre objectif. Affinez vos compétences grâce à des tutoriels en ligne. Rappelez-vous toujours que c'est en s' entraînant que l'on se perfectionne et faites très attention aux questions de droits d'auteur. N'utilisez pas le contenu d'autres personnes sans leur autorisation et n'utilisez pas de musique protégée par des droits d'auteur. La plupart des plateformes de réseaux sociaux sont très, très strictes à ce sujet. Sur YouTube, il faut trois avertissements pour atteinte aux droits d'auteur pour fermer définitivement vos chaînes. Ce sont donc des années de sang, de sueur et de larmes qui ont disparu en un instant. C'était donc notre cours de base sur la production vidéo. J'espère que vous avez appris certaines choses que vous serez en mesure de construire sur cette base. Et cela vous aidera à démarrer votre parcours en tant que producteur vidéo. Maintenant, il y a un projet de classe que je veux que vous réalisiez, parce que vous pouvez me regarder faire parce que vous pouvez me regarder du vélo autant que vous le souhaitez, mais vous n'apprendrez que si vous essayez de faire du vélo vous-même. Je veux que vous produisiez une vidéo de vous-même, dans laquelle vous vous présentez et parlez de tout ce qui vous intéresse. La vidéo doit respecter ces cinq règles. Vous devez être assis et les caméras ne doivent pas être dans votre main. Cela vous permet de suivre facilement les quatre autres règles. L'exposition doit être bonne et vous ne devez pas être surexposé ou sous-exposé. Utilisez un Mike externe. Sachez uniquement que Mike est autorisé à utiliser n'importe quel nombre de lumières à bord. Le système d'éclairage à trois points que je vous ai enseigné et inclut au moins deux plans de B-roll et votre vidéo. dehors de ces cinq concepts, vous pouvez suivre à peu près tous les autres concepts que vous avez appris dans ce cours et en parler dans la vidéo. N'oubliez pas, amusez-vous simplement avec. Une fois votre vidéo terminée, vous pouvez la soumettre ici pour le reste de la communauté étudiante. Et j'espère voir de merveilleux contenus vidéo part de vous tous à l'avenir. Ce sera donc tout pour ce cours. Merci beaucoup d'avoir fait ce voyage avec moi. Vous pouvez me retrouver sur YouTube, sur ma chaîne principale qui s'appelait Reviews Speaker. Vous pouvez également me retrouver sur Instagram. C'est Amygdala qui signe, et je te verrai la prochaine fois. Paix.