Transcription
1. Introduction: Le range est un concept très
important à comprendre dans
toutes les formes de musique, car c'est ainsi que vous vous rendez d'un
point A à un point B. En fin de compte,
il s'agit
du déroulement de votre morceau, votre exposition, de
votre action montante, votre point culminant, de votre conclusion Je m'appelle Dom McLennon. Je suis musicien, artiste visuel, producteur. Vous avez peut-être vu mon travail au
Boy BrockHampton ai également travaillé
dans les coulisses, aidant tous les musiciens
et producteurs à en apprendre davantage sur les manières dont ils peuvent s'
exprimer en
tant qu' artistes créatifs Ce dont nous allons
parler dans ce cours c'est de la façon dont vous passez de l'intro de votre chanson à l'
outro de votre C'est vraiment un élément central
de votre couplet dans votre hook, décomposition et le
fait que l'harmonie, mélodie, et la façon dont tout cela la
mélodie, et la façon dont tout cela
joue un rôle vraiment important dans vos productions Ensuite, vous comprendrez mieux comment fonctionne la musique
et vous trouverez
des moyens,
par le biais de la composition
et de l'arrangement, prendre des éléments qui fonctionneraient pas normalement et de les
assembler pour en faire
quelque chose de complet. Si vous n'avez aucune expérience
musicale, ce serait un
cours incroyable pour vous permettre de comprendre
comment ce genre de musique fonctionne. Je veux que tu puisses
créer une boucle, puis arranger sur une
playlist
pour que tu puisses dire «
hé, j'ai créé ce rythme ».
Allons-y.
2. Décomposer un beat: Pour commencer notre cours, nous allons commencer par
décomposer un beat down. Nous allons parler de
tous les éléments qui
entrent dans la composition de ce que vous pouvez
normalement entendre sous forme rythme et de ce que vous
allez faire pour recréer ces éléments dans votre propre station de travail
audio numérique. La première chose
que vous entendrez traditionnellement
dans votre rythme sera soit votre
schéma de batterie, soit votre schéma de base. Votre kick track vous
servira
essentiellement rythme d'accompagnement pour tout ce que vous allez y mettre. Si vous donnez un coup
de pied à chaque battement d'une barre, vous obtiendrez une forme
traditionnelle de motif de sol que vous entendrez
beaucoup de votre traditionnel. disques house, peut-être des disques
pop,
des trucs de ce genre. Ça ressemble un peu à ça. [BRUIT] Parlons de la façon dont
la syncope fonctionne au sein d' un rythme pour vous permettre de varier un peu plus votre rythme. Traditionnellement, vous pouvez
entendre un shaker
ou un motif de chapeau haut de gamme qui
sonnera comme ceci en un clin d'œil. [BRUIT] Ce
schéma de shaker n'est pas synchronisé pour le moment, ce qui signifie qu'il n'y a aucune
variation de rythme. Pour ajouter un peu de mouvement
à ce schéma rythmique, je vais commencer à déplacer légèrement
certaines notes. [BRUIT] Nous sommes en train de modifier légèrement
cela. Nous avons déjà créé
un peu de syncope dans notre schéma
rythmique. FL Studio et de nombreux
autres programmes disposent un bouton de nage principal
que vous pouvez modifier pour varier un peu plus votre rythme. Ce bouton pivotant principal se trouve en haut de votre rack de chaînes
dans FL Studio, sur le côté droit, à
côté de la longueur de votre motif, votre éditeur de graphes et de
votre séquenceur de pas. Si vous continuez
et que vous commencez à déplacer légèrement
ce bouton oscillant, vous entendrez encore plus de
syncope dans votre rythme.
Regardons ce qui se passe. [BRUIT] Ce n'est pas une
balançoire. [BRUIT] Je vais commencer à y ajouter progressivement plus de swing au fur et à
mesure qu'il joue. Je vais également ajouter quatre patterns de coups de pied sur le sol
que vous pourrez entendre un peu plus sur
cette variation pendant le
reste du rythme. Ce que nous avons pu
faire ici, c'est modifier
notre schéma rythmique
et y ajouter des éléments tels que swing et de
la
syncope pour apporter un peu
plus de variation à notre rythme. Un autre élément important
de la
décomposition d'un rythme
est la sélection du son. Il ne s' agit pas seulement
des échantillons que
vous choisissez sur votre
station de travail audio numérique pour travailler, mais aussi de la façon dont vous
les manipulez afin de pouvoir influencer les modèles de
rythmes que vous créez. Supposons, par exemple, que nous
entrions et que nous créions un nouveau modèle, que
nous allons créer un modèle de
piège traditionnel avec celui-ci. Ça sonnera quelque chose comme ça. Cela ressemble à un schéma de piège
traditionnel, mais il contient certains des
échantillons et des sons de nos autres
œuvres précédentes. cette raison, nous allons
devoir modifier légèrement les sons pour
qu'ils
se conceptualisent un peu plus sur la
façon dont ce rythme devrait sonner. Je vais entrer et passer en revue mes prises
de vue individuelles, et je vais trouver un son
qui soit un peu plus en phase avec le
schéma que nous sommes en train de créer. Je vais
les changer un peu. Nous allons le réécouter et voir ce que l'on ressent. [BRUIT] J'ai trouvé des sons
qui me convenaient un peu plus à l'
aise avec le schéma rythmique sur
lequel je travaillais. Puis je les ai remplacés, je les ai présentés, je les
ai un peu embêtés. C'est l'un des
avantages les
plus intéressants de
décomposer un rythme lorsque vous commencez à écouter d'autres musiques que vous aimez
et dont vous êtes fan,
et que vous commencez à
mieux comprendre le
fonctionnement de ces différentes
composantes de la musique. Vous allez me dire : « Waouh, je suis vraiment impressionnée par la façon dont
ils arrangent les rythmes de batterie claire pour s'assurer que l'histoire est
racontée sur ce rythme, ou oh ouah, la façon dont ces
percussions suivent voix de
ce chanteur est un moment
tellement spécial qui
se passe dans une chanson en ce moment ». Mais plus
vous serez en mesure d'articuler comprendre comment fonctionnent les rythmes
et de les décomposer, vous serez en mesure de mieux comprendre et apprécier la musique dans son ensemble tout en apprenant à utiliser une station de travail audio
numérique. Passons maintenant
à la théorie des groupes.
3. Définition de la théorie du groove: Maintenant que nous nous sommes
penchés un peu sur le rythme, la meilleure chose à faire pour le
football serait ce que j'aime
appeler la théorie du groove. La théorie du groove
fonctionne en fin la façon dont vos
micro-ajustements à l'intérieur de vos rythmes
font bouger notre corps au la musique comme il le
fait et
font bouger notre tête et non pas comme elle
le fait. Cela tourne en grande partie autour de petites variations
entre un chapeau haut, moment tardif
avant qu'une caisse claire ne frappe, ou le moment précoce où
une batterie entre en jeu. Quand il s'agit
d'ajouter de la complexité
à la production
sur laquelle vous travaillez, je pense que la théorie du groove et l'idée d'avoir un
peu plus de swing et rebond vous
permettront vraiment de mieux contrôler les sensations et les sons de
votre musique. Maintenant que nous avons un aperçu
de
base du fonctionnement d'un concept tel que la théorie du
groove, regardons-le en action
dans FL Studio. Je vais ajouter un
nouveau motif rythmique dans FL Studio en y ajoutant
un autre titre haut de gamme. Vous entendrez le son
un peu droit et le fait qu'il n'y a pas
beaucoup de
syncope dans le schéma
rythmique. Nous allons ajouter un peu
de rythme à cela en reprenant simplement un schéma tout à fait normal et le
décalant hors de
la grille normale. Nous allons passer au
modèle 1 et ouvrir notre répertoire de piano. Vous allez accéder à
vos options de capture, qui se trouveront en
haut de votre barre d'outils, cet aimant vert. Si vous cliquez sur l'icône magnétique, vous verrez toutes ces
différentes options de capture. À l'origine, il
sera réglé sur Step. Il s'agit de votre valeur par défaut.
Basculez cela sur Aucun. Vous allez utiliser
l'option « Sélectionner »
et sélectionner tout ce qui se trouve dans votre titre haut
de gamme. Nous allons maintenant
cliquer sur votre outil « Dessiner ». Nous pouvons zoomer un
peu pour avoir un peu plus de contrôle ce
sujet et un
peu plus de précision. Nous allons le décaler
un peu. La quantification est un élément très
important de la théorie du groove. L'ordinateur
est capable de corriger les imperfections
qui se
trouveraient normalement les imperfections
qui se
trouveraient normalement sur un enregistrement
humain, mais nous ajoutons cette touche humaine en
déquantifiant et en
déplaçant des éléments la grille afin de nous donner une sensation différente
sur la piste. Cela ajoute un
peu de rainure subtile. Nous allons monter un peu la
barre déplacer d'autres sons et
d'autres instruments, et les déquantifier
un peu exprès pour ajouter un peu
plus de rythme à notre pattern. Par exemple, cet
accord qui a été joué à l'origine et qui
sonnait comme ceci. Peut être manipulé
en utilisant certains de ces sons et
en les déplaçant légèrement hors de la grille, de sorte que vous obtenez
presque un effet de flamme. Ceci contre cela. Cela ajoute juste un peu de
variation à ce que vous faites. Maintenant, quand je le déplace un
peu sur cette grille, cela commence à
ressembler à ceci dans contexte du reste de notre rythme. Vous pouvez faire bouger les choses un
peu en avance sur le rythme. Vous pouvez déplacer les choses un
peu en retard. Il suffit d'utiliser
un peu de toucher et de toucher pour voir ce qui vous convient
et ce qui vous convient le mieux. C'est l'un des
avantages du
groove , c'est assez subjectif. Tu vois ce que je veux
dire ? Vous pouvez accéder à la grille
aussi à
gauche que vous le souhaitez ou à droite de la grille
comme vous le souhaitez. Tout ce qui compte, c'est que vous vous
sentiez bien dans la façon dont cela sonne. J'ai ajouté un peu
plus de syncope à ce
sample percussif que nous
avons et cela ajoute beaucoup plus de
rebond au premier pattern. a un peu plus de
swing et de rebond sur
ce petit
son éclatant ou Tom,
ou un son percussif si vous le
souhaitez, alors ce pattern. C'est vraiment la raison d'être de Groove
Theory. Il s'agit simplement de trouver
ces
petits accents , ces touches et ces
petits moments où vous pouvez déplacer les choses
un peu en
retard ou en avance sur le rythme pour vous donner
une sensation vraiment cool. Nous allons utiliser cette forme
traditionnelle de motif de sol dont
nous avons déjà
parlé lors de notre dernier cours. Nous allons également y ajouter un peu de syncope
, un peu de groove en
modifiant le son
du shaker. Lorsque vous ajoutez ce clap in
, un peu de syncope et de délai
sur ce shaker, cela donne un
peu plus de rythme à ce modèle plus
traditionnel. Ensuite, lorsque vous commencez à y ajouter de plus en plus de
couches complexes, la
synchronisation se produit à l'intérieur de ces couches
complexes C'est à ce moment-là
que vous pouvez vraiment explorer la
sensation et le son des éléments. Maintenant que nous avons parlé
un peu fonctionnement de la théorie du groove, de la manière dont
la syncope et la quantification peuvent fonctionner dans le cadre de
la
programmation de votre batterie, de vos
rythmiques et de vos mélodies, j'adorerais voir certains des
grooves que vous avez imaginés si vous souhaitez les
partager dans la galerie de
projets ci-dessous. Ensuite, nous allons
parler d'harmonie et de
mélodie à parler d'harmonie et l'intérieur de votre station de travail audio
numérique.
4. Découvrir l'harmonie et la mélodie: Dans cette leçon, nous allons
parler d'harmonie et de mélodie. mélodie sera la séquence
de sons qui s' assemblent pour créer un
flux à l'intérieur de la musique. L'harmonie serait un
mélange de sons harmonies se composent
donc d'accords
et de progressions d'accords. La façon dont cela
fonctionne à l'intérieur de votre station de travail audio numérique est que vous allez programmer des accords
et des mélodies pour pouvoir séquencer la façon dont toutes ces
choses se combinent. Ouvrons notre studio
et passons à ce que nous
avons construit jusqu' à présent. Si vous regardez certains
de nos modèles, ils incluent harmonie et mélodie réunies dans un seul morceau. Ce que nous allons
faire, c'est séparer ces harmonies de ces
mélodies afin de
pouvoir mieux
contrôler individuellement chaque composante des
éléments musicaux de notre chanson. Par exemple, examinons
le modèle 2 et
jouons en solo notre instrument de musique qui joue une harmonie
et une mélodie ensemble. Je vais
dupliquer notre son. Je vais placer la mélodie sur une piste distincte
de l'harmonie. À l'intérieur de notre rouleau de piano, je vais sélectionner les notes
qui composent notre mélodie. Je vais le découper dans ce rouleau
de piano et le
placer sur un nouveau rouleau de piano afin qu'il soit à
sa place. Je vais renommer chacun de ces contrôles en
harmonie et en mélodie. Je vais faire la même chose
et créer le quatrième modèle également. Nous allons
sélectionner notre mélodie. Nous allons la découper dans la piste
d'harmonie, ouvrir notre piste mélodique et la coller dedans. Cela nous donne un contrôle
individualisé sur
les composants de notre musique. Disons que nous examinons
cette mélodie et nous disons que je voudrais y ajouter quelque chose. Maintenant, nous avons plus de liberté, car c'est indépendant
de l'harmonie. Vous avez un peu plus d'
espace pour jouer avec. Je vais choisir une note,
une note fondamentale à partir d'ici. Nous ne faisons que voir. Et je vais vous montrer une petite astuce d'
harmonie et de mélodie que j'ai apprise au fil mon expérience et que
j'utilise lorsqu'il s'agit créer des mélodies de base, de comprendre les mélodies de
base et comprendre les mélodies de
base comprendre les harmonies. Nous avons pris ce C,
ce que je vais faire, c'est ajouter une note
qui se trouve une étape plus haut. Alors écoutons-le. Encore un
pas, un demi-pas et un pas entier, et ce que cela crée s'
appelle un tétrachord. Dans la théorie musicale
de base, ce tétrachord composants qui composent
un accord majeur et un accord mineur. Donc, si vous retirez la deuxième et la quatrième note d'un tétrachord, vous
obtenez un accord majeur. Maintenant, si vous prenez
votre deuxième note dans cet accord majeur et que vous la
réduisez d'un demi-pas, vous
obtenez un accord mineur. Avec ces deux astuces simples, vous pouvez
trouver l'harmonie et mélodie sur une gamme
de base
majeure et mineure n'importe quelle note Si vous connaissez le nœud racine, il
vous suffit d'ajouter un pas entier, un pas entier, un
demi-pas et un pas entier. Je vais utiliser les
mêmes principes pour ajouter un peu de variation
à l'harmonie et
à la mélodie du rythme que nous
avons créé jusqu'à présent et je vous
encourage à
faire de même avec le rythme que vous avez
créé. Une autre astuce que j'utilise parfois pour la
mélodie est écrire des tétrachordes au
début de mon pattern. Cela me dira quelles notes je suis capable d'utiliser et qui sont dans la tonalité et que je peux
utiliser pour production mélodique
vraiment très basique. Maintenant que nous avons séparé
notre harmonie et notre mélodie, nous pouvons créer de nouveaux instruments
pour notre harmonie et pour notre mélodie afin qu' ils ne soient pas dans le
même champ sonore. Une autre chose amusante avec laquelle vous pouvez jouer et qui tourne un peu autour de la
mélodie, en
particulier de la hauteur, est de
pouvoir modifier la hauteur de tous vos échantillons
spécifiques, ainsi que la
hauteur de votre VSC. Nous pouvons le faire de différentes
manières, mais je vais me concentrer
plus particulièrement sur le bouton de tonalité du
canal, qui modifie la hauteur de l'ensemble
du canal sur lequel
vous évoluez. Nous allons aborder nos mélodies de
contact et nos harmonies. Nous allons modifier
la gamme de notre tonalité qu'elle augmente
encore de quelques demi-tons, puis je
vais l'aborder
sur les deux de la
même manière, juste pour
voir comment cela sonne
lorsque ces instruments
jouent
quatre pas au-dessus de ce même manière, juste pour
voir comment cela sonne lorsque ces instruments
jouent qu'ils sont
actuellement. Maintenant que nous avons ajouté
un peu de variation au
niveau de l'harmonie et de la mélodie, je vais vous
encourager à essayer vous-même. Voyez si vous pouvez proposer
quelques petites variations et ajouts en vous basant sur notre compréhension du fonctionnement de
l'harmonie et de la mélodie, nous
parlerons ensuite de l'arrangement.
5. Arrangement de musique: Maintenant que nous avons
décomposé les rythmes, parlé un peu
de théorie des groupes , d'harmonie
et de mélodie, la question qui se pose est peut-être j'ai ce rythme ou cette petite
boucle de quatre mesures que nous avons créée, mais comment
en
faire une chanson ou comment en faire une
section d'une chanson ? Nous allons régler cela
avec arrangement. Au fur et
à mesure que nous passons en revue les différents modèles que nous
avons créés, j'aimerais commencer
à séparer certains
des composants individuels
de ces modèles afin qu'ils puissent servir de sections
différentes de notre arrangement dans notre composition dans son ensemble. Je vais prendre certaines de
nos
composantes d' harmonie et de mélodie et les isoler, pour
créer leurs propres
motifs distincts. Je vais les placer dans
la playlist afin qu'ils deviennent notre intro pour
le reste de notre rythme. Ce que je fais maintenant,
c'est cloner chaque
pattern individuel que nous avons créé jusqu'à présent dans
FL Studio puis, dans ces modèles
clonés, je supprime tous les composants de
la batterie afin que notre harmonie et mélodie soient isolées dans leurs
propres modèles distincts. Une fois que nous aurons terminé,
je l'ajouterai
à notre playlist,
puis les sections dans lesquelles j'ai
spécifiquement isolé ces
mélodies et ces harmonies deviendront
l'intro de notre rythme. Maintenant, j'ouvre notre playlist, je
passe à notre arrangement,
et je reprends passe à notre arrangement, tout ce qui existait à
l'origine dans notre mode chanson actuel et je déplace sur quatre mesures supplémentaires, ce qui me
donnera l'occasion intégrer les
nouveaux patterns dont
je viens de parler et qui ne contiennent que nos accords, notre harmonie ou notre mélodie. Si l'on considère cet intervalle, je pense que cela peut être
un peu plus long. Je vais dupliquer l'intro et m'assurer que cela nous
laisse suffisamment de temps pour ajouter un
peu plus de variation avant de passer à la batterie, ce que je considère comme
le couplet de notre chanson. Permettez-moi de reproduire l'
introduction une fois de plus. Je vais commencer à y ajouter quelques
composants
différents , puis je vais également dupliquer notre
verset afin qu'
ils aient tous deux le même temps et
la même structure
en ce moment. Nous avons créé une
intro à huit mesures et nous avons intégré des vers
à 16 mesures à notre composition
grâce à un arrangement. L'une des choses intéressantes
que vous pouvez faire,
c'est vous vouliez faire un petit solo au
clavier ou que vous vouliez ajouter un petit synthétiseur principal
à quelque chose comme ça.
Maintenant, grâce à cette introduction, vous pouvez créer
l'espace nécessaire pour jouer
dessus et ajouter plus de contexte à l'histoire musicale
que vous racontez. Je vais apporter
quelques modifications
et ajouts supplémentaires à
l'intro pour apporter quelques variations
et quelques ajouts
au couplet que
nous avons construit jusqu'à présent. Je passe par
des choses moins rythmées, moins
mélodiques et plus texturales. Je vais commencer à ajouter
certaines de ces textures à notre intro et peut-être ajouter quelques éléments à l'
arrière-plan de notre couplet,
juste pour lui donner un peu
de profondeur et d'ambiance. [BRUIT] Lorsque vous vous intéressez à
cet élément d'arrangement, vous pouvez également commencer à explorer
avec votre table de mixage. Avec cette nouvelle texture
que nous avons ajoutée, nous allons lui attribuer une piste de
mixage gratuite en appuyant commande L ou en cliquant sur le bouton de piste situé
sous son canal. Vous avez toutes ces options
pour différents plugins afin d'ajouter plus de textures et de profondeur, comme
des réverbérations, égaliseurs, des compresseurs, des
limiteurs, de la distorsion. Ce monde immense s'
ouvre à vous au fur et à mesure que vous vous
plongez dans le design sonore. Je ne parlerai pas trop design sonore dans ce cours car je
considère qu'il s'agit d'une technique de
production musicale plus avancée, mais je vais vous montrer
ce que le design sonore peut faire en matière d'arrangement pour vous offrir un paysage sonore plus
vaste. Je vais juste
participer encore à quelques moments de
la production. Maintenant que nous avons
exploré un peu quoi
peut ressembler un arrangement, j'aimerais
que vous preniez ce que vous avez
composé jusqu'à présent FL Studio, dans vos patterns
individuels, votre boucle à quatre mesures, boucle à quatre mesures, et que vous en fassiez quelque chose qui comporte une introduction et un
couplet, puis si vous vous
sentez vraiment ambitieux, allez-y et essayez d'explorer
ce crochet aussi. Maintenant que nous avons parlé un peu de l'
arrangement, la description de son contenu,
des
introductions, des couplets, des
accroches, nous allons maintenant parler de l'
échantillonnage intégré introductions, des couplets, des à la
composition afin de vous offrir encore plus de variations dans votre expérience de production
musicale.
6. Échantillonnage: Poursuivant notre exploration la composition
et de l'arrangement, je pense qu'une
chose vraiment intéressante à aborder ensuite serait de sampler l'
intérieur de Composition. L'une des questions que
vous pourriez même vous poser est qu'est-ce que l'échantillonnage dans son ensemble ? échantillonnage consisterait à
recontextualiser une œuvre qui a été enregistrée, puis
à
l'utiliser dans votre composition pour
créer plus de variation, plus d'authenticité et
d'originalité. J'ai quelques
boucles de percussions préfabriquées, créées par moi-même et quelques amis, que
je vais
intégrer à la composition
que nous avons créée jusqu'à présent. Juste pour vous donner une
idée de la façon dont ces différentes variations peuvent fonctionner au sein de vos rythmes, et de la façon dont vous pouvez les
utiliser pour créer variations entre votre
introduction,
votre hook, vos couplets afin de donner
un
son vraiment gros et cher ou de le rendre un peu plus discret. Dans un autre de nos cours, nous
approfondirons le monde
de l' échantillonnage et
explorerons le fonctionnement de l'échantillonnage, particulier des éléments
tels que
la manipulation , l'étirement du temps , l'étirement du temps, le
découpage, etc. Ça devient vraiment amusant. Mais ce que nous allons faire pour instant, c'est
prendre quelques échantillons
différents que j'ai récupérés pour simplement
ajouter une certaine variation
à la composition que
nous avons construite jusqu'à présent. ce moment, je teste quelques échantillons
de notre arrangement, voir ce que j'en pense. Voir si ce sont
ceux que je veux
vraiment utiliser ou non. Parfois, il faut
faire quelques essais et erreurs lorsqu'il s'agit de cet
aspect de la production. Cela peut être amusant et parfois un peu fastidieux,
mais ce n'est pas grave, l'ennui fait partie
du processus lorsqu'il s'agit d'utiliser une station de travail
audio numérique. Alors que j'auditionne toutes
ces différentes boucles, vois ce que je ressens et je ressens dans
cette composition. Quand j'en trouve un qui me plaît, c'est là que je sais : OK, cool. Je suis en train de tester ça. Nous allons l'
intégrer
ici et nous donner
plus de ici et nous donner
plus place pour jouer avec la production que nous
avons construite jusqu'à présent. Je vais continuer à m'
appuyer un peu plus là-dessus. de mes aspects préférés
de
l'échantillonnage dans une composition, c'est juste l'
aspect expérimental.
Je me demande ce qui se passera
si nous l'étendons
et si nous le
doublons ou triplons Je me demande ce qui se passera
si nous l'étendons le temps, ou
si nous le mettions
parfaitement sur le rythme, puis en coupons la moitié
pour n'en utiliser qu' puis en coupons la moitié
pour n'en utiliser qu'une partie. Nous allons simplement entrer
dans cet extrait que nous avons sélectionné pour le
moment, que nous avons sélectionné pour le
moment, en y apportant un peu de
design sonore pour manipuler
un peu plus
le champ stéréo. J'ai ajouté un peu
de fondu, puis retardé
cet extrait spécifique sur lequel nous
travaillons en ce moment, afin qu'il apporte
un
peu plus de variation et de dynamisme
à notre production. J'ai des sons qui des
va-et-vient dans
le champ stéréo, font des
va-et-vient dans
le champ stéréo,
presque un petit
appel et une réponse avec le reste de l'
instrumentation. Ce que je fais maintenant, c'est
à l'intérieur du couplet J'ai ajouté une autre
boucle de
percussion dans laquelle je vais également
retarder un peu la variation , car
le sample
entre dans une mesure sur deux de la composition, il apporte juste un peu
de variation au mix. Cela vous donne quelque chose qui vous
met un peu sur vos
gardes ou peut-être que c'est
quelque chose que vous voulez entendre plus souvent, en intégrant ces différents
types de moments la musique
avec laquelle l'auditeur peut passer son temps et en profiter. De plus, vous pouvez
aussi profiter de la création en tant que créateur. Ajoutez un delay, un phaser et le refrain à certains des
autres sons qui figuraient dans notre introduction,
juste pour, comme je l'ai dit, donner un peu
plus de variation, variété stéréo dans le champ stéréo sur
lequel nous travaillons. Je pense que nous sommes dans une situation plutôt cool
avec ça en ce moment. J'en suis plutôt content. J'adorerais que vous utilisiez
certaines des boucles que nous avons ajoutées à partir de là aux ressources de classe et que vous les intégriez à vos
propres productions Découvrez comment vous pouvez vous amuser
avec l'échantillonnage et la composition ensemble dans votre DAW et quelle magie vous
pouvez créer.
7. Réflexions finales: Nous avons beaucoup appris
aujourd'hui sur ce qui se passe lors la composition et de l'
arrangement au sein d' une station de travail audio numérique. J'adorerais
entendre certaines des compositions
et
des arrangements que vous êtes en train de créer, ajouter quelques contributions à la galerie
de projets. Si vous avez quelque chose
qui pourrait être une intro vraiment cool pour une chanson ou un
couplet sympa pour une chanson, j' vraiment hâte de voir ce que
vous avez pour nous. Je te verrai au
prochain, jusqu'à la prochaine fois.
Dom McLennon, Producer, Recording Artist
