Proceso de un pintor - De la idea a la obra de arte terminada | The Artmother | Skillshare
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Processus d'un peintre - De l'idée à l'œuvre finie

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      2:55

    • 2.

      L'idée

      4:49

    • 3.

      Le concept

      7:38

    • 4.

      À la ferme

      1:32

    • 5.

      Recherche en ligne

      5:34

    • 6.

      Brainstorming

      7:40

    • 7.

      Ébaucher

      6:11

    • 8.

      Étude d'aquarelles

      8:49

    • 9.

      Fournitures

      3:42

    • 10.

      Le processus de peinture

      3:56

    • 11.

      Préparez vos œuvres d'art pour votre portefeuille

      11:30

    • 12.

      Réflexions finales

      1:53

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

155

apprenants

--

À propos de ce cours

Savez-vous le sentiment de se getting par tous les visuels étonnants que vous trouvez lorsque vous recherchez de l'inspiration en ligne ? Alors vous vous faites simplement de vous procrastiner, parce que vous ne savez pas vraiment quoi peindre ?

Ce cours dans ce moment parfait pour vous !

Dans ce cours, vous aurez un aperçu du processus de création d'une œuvre finie et polie d'un professeur d'art et d'un artiste professionnels. Cela vous fera découvrir une idée, en créant un concept de celui-ci à transformer vos pensées en une forme visuelle. Nous visiterons de vrais lieux d'inspiration puis faisons une recherche en ligne.

Vous apprendrez des stratégies en phase de pré-peinture, quand nous allons faire des visualisations de remue-méninges, faire des esquisses, faire une étude de valeur et ensuite composer une peinture. Nous ferons une palette de couleurs et une étude de l'aquarelle avant que nous ne nous approchions de notre toile.

Vous obtiendrez des conseils pour utiliser les peintures acryliques et voir l'ensemble du processus de peinture, de la peinture de fond au vernis.

Enfin, vous aurez un aperçu de la façon de préparer votre œuvre pour votre portefeuille et de mettre votre concept à une courte description que vous pourrez également utiliser dans votre portefeuille, votre site Web et vos médias sociaux.

Alors, voulez-vous intensifier votre processus de création ?

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The Artmother

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Welcome! My name is Alexandra Finta - a passionate artist, a happy mother and an enthusiastic teacher - in short The Artmother. I am a professional art teacher with a Masters Degree in Art Education with years of experience in teaching in person and online. As an artist, I am creating in all different kinds of mediums from acrylics, watercolors, graphite and digital. I have years of experience in graphic design and photography.

For more info check out my website here: www.theartmotherart.com

Follow me on Instagram and Facebook:)

I am very passionate about helping very beginners to explore their artistic abilities and to build their confidence in creating art, so I have built an open comm... Voir le profil complet

Level: Intermediate

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Transcription

1. Introduction: Vous savez que vous n'avez pas besoin de parcourir le monde pour voir de belles choses. Vous avez juste besoin d'ouvrir les yeux [MUSIQUE] Vous vivez déjà dans le monde et vous êtes entouré de choses magnifiques et étonnantes. Votre travail consiste à les voir et à les découvrir [MUSIQUE] Bienvenue, je suis Alexander Gabor, professeur d'art et artiste professionnel. Dans ce cours, je vais vous montrer mon processus de création d'une œuvre d'art finie et soignée. Je vous expliquerai comment trouver une idée, créer le concept à partir de celle-ci, en utilisant votre environnement local comme source d'inspiration. Je vais vous montrer comment faire une recherche et comment donner à vos pensées une forme visuelle. Parce que, en fait, c'est la partie la plus difficile. Je vais vous donner des conseils sur l'utilisation des peintures acryliques, mais en fait sur l' ensemble du processus de peinture. À partir des premiers croquis, des études de valeur, vous pouvez me regarder peindre et terminer. Je vais également vous expliquer comment préparer vos œuvres d' art pour votre portfolio, comme la prise de photos, design, la description de l'image, afin que vous puissiez maximiser le potentiel de votre processus de création et œuvre d'art. Le cours est idéal pour tous les créatifs, ceux qui créent déjà, mais qui aimeraient amener le processus de création à un niveau supérieur. Ce n'est pas grave si vous n'avez pas déjà votre propre voix artistique Peut-être avez-vous besoin de ce cours pour vous perdre suffisamment face aux tendances et pour suivre votre propre voix, ou vous avez peut-être déjà votre votre propre voix, mais, par exemple, vous ne comprenez pas la différence entre une peinture et une œuvre d'art. Je vais approfondir cette question dans ce cours, mais en bref, une peinture est l' image de quelque chose, mais une œuvre d'art repose sur des concepts clairement formulés. Vous pouvez retrouver mes peintures et œuvres d'art si vous me recherchez en tant que Artmother sur les réseaux sociaux, par exemple sur Instagram ou Facebook. Vous pouvez également visiter mon site Web, www.theartmother.com, où vous pouvez trouver tout ce que vous devez savoir sur moi. Bien sûr, n'oubliez pas de me suivre ici sur Skillshare pour être informé de la sortie des autres cours aujourd'hui. J'espère que vous apprécierez le cours, plongeons-nous dedans [MUSIQUE] 2. L'idée: Dans cette vidéo, je vais vous montrer un croquis et une œuvre d'art terminée que j'ai réalisés en 2017. C'est la plus grande œuvre que j'ai jamais faite. On l'appelle la Slovaquie moderne. Il mesure 100 et 120 centimètres, acrylique sur toile. Toute l'idée est née après une longue période de procrastination. Avant cela, j'étais obsédé par la peinture de motifs folkloriques. Je suis né et je vis en Slovaquie, et cette région faisait partie de la Hongrie. Je fais partie de la minorité hongroise qui vit ici. J'adore les motifs folkloriques hongrois et j'étais obsédée par leur peinture. Mais j'ai aussi adoré peindre des galaxies des animaux et des paysages des bois. Tous ces visuels m' intimidaient. Je ne savais pas quoi peindre, alors je n'ai tout simplement pas peint. Un soir, je me suis assis et j'ai créé un croquis à l'aquarelle. Je l'ai tellement aimée que j'ai acheté la plus grande toile de tous les temps et j'ai commencé à composer. Eh bien, voici le résultat. Je me suis rendu compte que je ne savais rien des visuels slovaques. J'ai fait des recherches et j'ai trouvé le chihimonia et les motifs folkloriques, qui correspondent à mon style de peinture sombre et maussade. Je les ai intégrés dans ma peinture. Je me suis aussi dit : pourquoi peignez-vous des montagnes si nous avons les Hautes Tatras ici ? Les Hautes Tatras sont les plus grandes montagnes de Slovaquie, je les ai donc prises comme référence. J'ai également fait des recherches sur les plantes on trouve dans la forêt des Hautes Tatras. Toutes les petites fleurs du bouquet de l'ours brun sont authentiques. Vous pouvez également trouver l'ours brun ici. Le concept qui sous-tend cette peinture est je vais expliquer ce qu'est un concept dans la vidéo suivante. Mais là réside l'universalité. Même si j'utilise les éléments caractéristiques de la Slovaquie, il peut s'agir de n'importe quel ours, importe quelle montagne, de n'importe quelle fleur. Même les motifs par défaut comportent des éléments universels tels que le cœur et la spirale. J'ai inclus un ciel galactique au-dessus des montagnes pour comprendre que même si nous appartenons tous à une nation et vivons dans un pays, nous vivons tous sous le même ciel, qui nous unit. Revenons à l'idée de départ. Je suis sûr que vous connaissez cette sensation lorsque vous vous inspirez en ligne lorsque vous parcourez Facebook, pages d'art, Pinterest ou Instagram d' artistes que vous aimez, tant de styles, de sujets et de points de des vues, des visuels, des palettes de couleurs qui vous submergent. Je veux que tu saches que c'est bon. C'est un élément crucial du processus de création, car vous êtes en train de digérer les informations visuelles. Lorsque cette procrastination se produira, vous ne ferez que sélectionner les choses inutiles, et il ne reste plus qu'à l' idée, par exemple, moi. Maintenant, je suis obsédée par les textures et les motifs, principalement ceux que l' on trouve dans la nature. Je les cherche en ligne mais aussi dans la nature et tout autour de moi. Je dois mettre cette idée sur la toile. Maintenant que j'ai l'idée de peindre des textures que l'on peut trouver dans la nature, je vais créer un concept à partir de celles-ci, qui m'aidera à ajouter un contexte plus profond à ma peinture. Si vous n'avez pas encore d' idée en tête, votre travail consiste maintenant à parcourir les sources dont vous vous inspirez habituellement et à dresser une liste de sujets et de sujets que vous aimeriez peindre. Tu n'as pas encore besoin de choisir. Jusqu'à ce que vous arriviez au tableau, vous le saurez. 3. Le concept: [MUSIQUE] Chaque œuvre d'art compte trois participants : l'artiste, l'œuvre et le spectateur. Maintenant, l'artiste doit avoir une idée qu'il met sur la toile, et le spectateur la voit. Disons que je veux peindre une galaxie. Je le peins sur une toile et le spectateur le voit. Le concept est quelque chose de plus profond. J'ajoute un sens plus profond à la galaxie. Je peux manipuler l'idée avec des couleurs, des formes, des coups de pinceau pour communiquer ce concept et je peux également donner un indice dans le titre de l'œuvre. Disons que je peins une galaxie dans l'iris d'un œil. Ce n'est plus une simple galaxie et le spectateur ne se contente pas de la voir, mais aussi de la sentir. C'est la différence entre une peinture et une œuvre d'art. Comme je l'ai déjà dit, une œuvre d'art n'est pas simplement l'image de quelque chose, elle a une signification plus profonde. Par exemple, il peut y avoir une simple nature morte représentant un couple, mais si vous y ajoutez un concept, comme une réflexion plus profonde, il s' agit d'une lune de fin d'après-midi qui domine l'image et qu'elle symbolise la prochaine fin de journée. Cela devient une œuvre d'art. Il suffit que les artistes aient ce concept à l'esprit lorsqu'ils créent. Bien sûr, c'est bien si le spectateur comprend le message, mais cela dépend vraiment de lui. fait d'avoir un concept à l'esprit lors de la création vous aide à visualiser et à formuler votre idée et à lui ajouter un contexte plus profond. Il suffit de penser à des peintres célèbres tels que Piet Mondrian, Barnett Newman ou Ad Reinhardt. Ils s'en sortent tous avec les choses les plus simples en ayant un concept. Jetons un coup d'œil à l'œuvre de Piet Mondrian. S'il n'avait pas eu le concept, il aurait simplement peint des carrés et des rectangles de couleurs primaires. Mais il a un très bon site Web, theartstory.org, où vous pouvez simplement trouver ces artistes et consulter les idées clés, la biographie et les œuvres d'art. Piet Mondrian pensait que l'art reflétait la spiritualité sous-jacente de la nature. Il a simplifié les sujets de ses peintures jusqu'aux éléments les plus fondamentaux afin révéler l'essence de l'énergie mystique et l'équilibre des forces qui régissent la nature et l'univers. Voici Barnett Newman. Je suis sûr que vous connaissez ses œuvres de fermeture éclair où il a peint une toile géante en bleu outremer et a inscrit cette ligne blanche sur la mule. Il a créé un symbole, le zip, qui peut atteindre et évoquer le spectateur qui se tient devant lui. Le spectateur était plein d'une étincelle de vie. Et Reinhardt [RIRES], il a peint une toile noire. Oui, voici son idée à ce sujet. En tant qu'artiste, j'aimerais pratiquement éliminer le symbolique. Car le noir est intéressant, non pas en tant que couleur, mais en tant que non-couleur et en tant qu' absence de couleur. Ce sont tous des concepts qui aident ces artistes à créer leurs œuvres d'art. Dans ce cours, mon idée est simple. Je veux peindre des textures que l'on retrouve dans la nature. Faisons un concept à partir de cette idée. Que se passe-t-il dans la nature maintenant que je photographie ce cours ? C'est le moment de l'année où nous récoltons le blé. Avez-vous déjà pensé à ce qu'est la récolte ? Si nous le considérons comme un symbole de vie, c'est un moment où nous profitons des résultats de notre dur labeur. Le travail que nous consacrons à la culture de plantes, l'entretien de relations ou aux efforts considérables que nous consacrons à votre travail. Ce que nous obtenons, ce sont des tomates, des enfants bien élevés et un salaire plus élevé. Mais même si c'était notre objectif d'obtenir ces choses, elles ne dureront pas, surtout si nous n'y consacrons pas à nouveau beaucoup de travail. Le secret de la vie est d'apprécier le processus, le voyage, le dur labeur, d' accepter que nos objectifs seront atteints et de les abandonner. Nous pouvons en profiter. Ils nous donneront l'énergie nécessaire pour poursuivre notre dur labeur. Connaissez-vous la sensation de vide lorsque vous atteignez vos objectifs ? Par exemple, vous avez toujours voulu voyager quelque part vous y arrivez et c'est satisfaisant, mais vous êtes-vous déjà posé cette question, et maintenant quoi ? [RIRES] Mon père avait l'habitude de me raconter qu'il avait toujours voulu traverser le Danube à la nage. Quand il l'a fait, il s'ennuyait. Il s'est rendu compte, d'accord, que j'ai vraiment besoin de nager [RIRES]. J'ai également une histoire à ce sujet. Une fois, j'ai sauté d'un avion, et c'était vraiment incroyable. Mais quand nous avons atterri, j'ai juste vu que c'était une belle terre. Belle terre encore et encore. Atterrissons déjà. De plus, que reste-t-il après la récolte ? Des terres vides, et il faut à nouveau travailler dur pour les remplir. C'est une chose cyclique que l'on retrouve dans nos vies et dans la nature, car ces deux éléments sont étroitement liés. Des pensées si profondes [RIRES]. C'est le concept que je souhaite mettre sur Canvas. Je vais rechercher des textures naturelles, qui représentent la récolte. Pour ce faire, je vais visiter une ferme qui est au centre de tout ce dur labeur. J'espère que cela me donnera de l'inspiration. Pour créer un concept à partir de votre idée, posez des questions. Qu'est-ce que ce sujet ou ce sujet signifie pour moi ? Qu'est-ce que cela signifie pour les autres ? Est-ce le symbole de quelque chose ? Posez toutes les questions qui vous viennent à l'esprit. Ce que j'ai fait au cours de cette conférence, c'est que j'ai posé des questions et que j'y ai répondu, et je suis passé de l'idée de textures naturelles au concept de récolte. 4. Sur la ferme: [MUSIQUE] Maintenant, je suis en train de visiter la ferme et je vais juste chercher des textures Je vais simplement inclure les photos des choses que je trouve intéressantes dans cette vidéo. Je ne vais pas les commenter, je résumerai simplement mes réflexions à la fin de la vidéo, alors attends un peu. [MUSIQUE] J'ai vu des choses incroyables qui m'ont inspirée et j'ai vu plusieurs choses que je pourrais utiliser pour mon concept. J'ai beaucoup aimé la texture des roues du tracteur, mais elle semble trop dure et destructrice. Ensuite, j'ai adoré les collines des graines de blé , mais le gagnant est en fait la texture que me donne le gros plan des graines de blé. 5. Recherche en ligne: [MUSIQUE] Maintenant que j'ai choisi mon sujet, les graines de blé, je vais faire quelques recherches parce que je ne veux pas peindre quelque chose qui a déjà été peint, mais je veux voir comment d'autres artistes ont abordé le même sujet. Je ferai des recherches sur la récolte et les graines de blé comme mots-clés. Commençons par Google. Notre premier mot clé est la récolte et mettons la peinture ici. Récolte de la peinture. Regardons les images. Nous avons quelques peintures sur des travailleurs agricoles, de nombreux paysages. Écrivons une peinture sur le blé ou la récolte du blé. Encore une fois, voici peinture de Van Gogh et de nombreuses peintures de Van Gogh. En fait, je ne savais pas combien de peintures il avait sur la récolte et les travaux sur le terrain. Regardons la peinture sur le blé. Voici quelques tiges de blé, elles sont magnifiques, celles-ci. C'est intéressant. Écrivons maintenant à la peinture de graines de blé. C'est intéressant, c'est un grain stylisé. Si je vois bien. C'est une distorsion vraiment intéressante. Je vais juste voir s'il existe peintures plus stylisées sur les graines de blé. Waouh, c'est génial. Regarde celui-ci. Est-ce que c'est bon ? Ça a l'air incroyable. Il y a des stocks de blé, avec ce bord pointu. Eh bien, ces formes sont vraiment intéressantes, je les adore. Ce sont des vecteurs, mais il est intéressant de noter que si vous remarquez que les graines de blé ont plutôt cette forme ovale et qu'une fois stylisées, elles sont principalement peintes avec ce bord, une extrémité pointue. C'est génial. J'adore ça. Jetons un coup d'œil sur Pinterest. J'écrirai les mêmes mots clés, comme récolter de la peinture. Ce n'est pas ce que je voulais. Récolte du blé. similaires, puis quelque chose de stylisé, des paysages, des tiges de blé. Je m'intéresse beaucoup aux graines de blé elles-mêmes, donc je n'ai pas vraiment envie de peindre une tige de blé ou un paysage. Je m'intéresse beaucoup aux textures ou aux motifs, comme je l'ai déjà dit. Ça a l'air bien, celui-ci. Je vais juste mettre de la peinture sur des graines de blé ou des graines stylisées. pas ce que je voulais, mais ce que j'ai retenu de ces photos, c'est que je m'intéresse à ces graines de blé stylisées. Faisons quelques croquis et voyons où cela nous mène. En résumé, après véritable inspiration et des recherches en ligne, je suis arrivée aux graines de blé stylisées comme représentation visuelle de mon concept. Pour trouver la représentation visuelle de votre concept, visitez des lieux réels, parlez à des gens, recherchez des mots clés en ligne et suivez les routes qui vous intéressent. Peu importe si cela vous éloigne de votre idée initiale. Cela vous fera simplement sortir de votre zone de confort. 6. Brainstorming: [MUSIQUE] Dans cette vidéo, je vais simplement réfléchir à quelques idées à quoi pourrait ressembler ma peinture. Au début, je voulais peindre des graines de blé réalistes. Mais au fil du processus d'inspiration, j'ai réalisé qu'ils pouvaient être portés de manière joliment stylisée Je vais donc simplement écrire les points sur lesquels je dois m'en tenir. Mon sujet principal sera les graines de blé. Je veux qu'ils créent une texture ou un motif. Je veux qu'ils soient stylisés et qu'on puisse reconnaître qu' il s' agit de graines de blé. Je veux qu'il y ait un cercle quelque part où l'on puisse les choses cycliques de la vie dont je parlais. Comment est-ce que je peux le faire ? Regardons simplement la forme des graines. À quoi ça ressemble ? Je veux qu'ils soient reconnaissables. Peut-être que je devrais juste peindre en forme de bouillon de blé. Je pourrais peut-être créer un motif pour les stocks de blé afin que ces formes stylisées soient simplement reconnaissables. C'est important car le titre du tableau sera Récolte. Je voulais que le spectateur comprenne que oui, sont des graines de blé. Je suis obsédé par le fait de repeindre des bulles noires. J'ai l'habitude de placer ces bulles noires à des endroits où je pense qu' il devrait y avoir une idée. Voici [RIRES] une réflexion plus profonde. C'est juste mon truc. J'adore leur apparence vraiment déclarative. Je veux l' intégrer dans les peintures. Je n'ai pas besoin d'organiser les graines de blé en cercle, car le cercle figurera d'une manière ou d'une autre sur le tableau. Les dimensions de la toile que je vais utiliser sont de 50 cm et 70 cm, donc à peu près comme ça. Mon idée initiale était de peindre les graines de blé manière aléatoire tout autour de la toile. Je voulais placer la bulle noire au milieu de ce tableau. Et ce serait intéressant, dramatique. Que fait la bulle noire au centre ? Qu'est-ce que cela signifie ? Quels sont-ils ? Je vais peut-être m'en tenir à cela, mais voyons voir, que pouvons-nous faire d'autre ? Nous parlons des stocks de blé. Je ne veux pas vraiment la lignée, mais seulement l'organisation des graines autour du stock. Je pourrais peut-être faire quelque chose comme un schéma [NOISE]. Mais je ne veux vraiment pas oublier que je veux une texture, et pas simplement un motif, comme c'est le cas sur un dessin textile ou quelque chose ça, parce que ce ne serait pas une véritable œuvre d'art, ce serait juste un design pour placer ces graines dans ces formes. Il s'agit d'un art ou d'un design. J'ai aussi pensé à peindre un gros stock et à y peindre des motifs, par exemple d'autres graines. C'est génial parce que cela donnerait à la graine l'apparence qu'elle a des trous, ce qui permet de deviner le vide dont je parlais. Quel plaisir ? J'adore ces activités de brainstorming parce que je découvre toujours quelque chose d'intéressant. Je pourrais faire la même chose autour de la bulle d'une manière ou d'une autre. J'aurai la bulle au milieu, au centre du tableau [BRUIT], c'est écrit, le tableau. On dirait que c'est chez les plus jeunes maintenant [RIRES]. Voici ma bulle noire. Ça ressemble à un fover, je n'aime pas ça. Non, je n'aime pas celui-ci. J'adore celui-ci et celui-ci. D'une manière ou d'une autre, je dois les mélanger. Rien d'autre [BRUIT] ? J'ai aussi pensé que j' aimais vraiment les motifs de ces pierres ou textiles orientaux, comme un simple masque ou comment s'appelle-t-il ? J'ai également vu des choses inspirantes sur Pinterest. Je me suis aussi dit : et si je pouvais simplement donner un aperçu de l'action de cette semaine d'une manière ou d'une autre ? Pas comme ça, mais tu vois ce que je veux dire ? Il suffit de créer un motif avec et je ne sais pas. Le truc, c'est que je ne sais pas ce que je vais faire, alors je vais juste dormir dessus. Cela vous aide toujours à rafraîchir vos idées. Je laisserai ce document sur son bureau et j'y reviendrai demain et je verrai exactement ce qui en découlera. 7. Croquis: [MUSIQUE] Je l'ai juste giflée et je viens de me rendre compte que cette graine de blé tribale est stylisée avec ces graines de blé à l'intérieur des graines de blé. Je l'ai déjà peint. C'est une synchronicité. Qu'est-ce qu'une synchronicité ? Ce sont des accidents amusants que vous avez dans la vie et que vous vous contentez de dire, ouah, [RIRES] Ce ne sont que des énigmes qui s'emboîtent. Par exemple, lorsque vous pensez à une personne elle appelle de rien et/ou vous la rencontrez dans la rue. Ou, par exemple, lorsque vous pensez à une action qui va se produire, qui devrait se produire ou qui pourrait se produire et qu'elle se produit tout simplement. Dans ce cas, la synchronicité est que j'ai déjà peint forme de cette graine de cannabis avec un effet similaire. Lorsque j'étais obsédé par la peinture de motifs folkloriques, j'ai peint le centre de cette tulipe de la même manière. La synchronicité me dit que c'est la voie à suivre. Je vais juste l'appliquer sur ma peinture. Je vais juste esquisser à nouveau grossièrement la toile. Ce ne sera pas parfait et je vais simplement placer les graines de blé sous la forme du bouillon de blé afin qu'il soit possible de reconnaître qu'il s' agit d'une graine de blé. Il est stylisé mais immobile. Je ne vais pas dessiner le bouillon de blé, seulement les bâtonnets. Je vais le faire en gros. Je ne vais pas dessiner autant de graines de blé comme ça. Un seul gros. C'est ce que fait le fait d'avoir un concept. Il vous aide à situer votre idée dans un contexte plus profond ou à vous guider vers un endroit où vous pouvez visualiser vos idées. J'aime beaucoup celui-ci. Je pense que cette partie de la graine de blé est vide et je vais peindre quelques astuces supplémentaires ici et je vais la peindre en or. C'est mon idée. Vous allez voir dans la vidéo suivante comment je vais choisir mes couleurs. Je t'ai dit que je voulais placer ma bulle quelque part. L'une de mes idées, je vais juste vous montrer, que je vais juste vous montrer, était de le placer entre les graines. Je ne suis pas sûre qu'il soit beau. Je ne sais pas. Le second à placer cette bulle ici. Je pense que je vais juste le peindre un peu plus petit et placer la bulle ici. Je ne veux pas interrompre ce schéma. Comme vous le voyez, je n'ai pas vraiment peint la texture que je voulais. Mais mon idée initiale m' a amené à en arriver là et j'en suis très content, car si j'avais juste peint la texture du widget. Cela ne ferait pas partie de ma voix artistique , mais ce design l'est. Cela correspond parfaitement à mon style et à tout le reste. C'est ainsi que je vais peindre mon tableau. Maintenant, ce que je veux faire, c'est analyser un peu chaque graine de blé, pas chacune mais une seule d'entre elles. À quoi cela ressemblera-t-il avec les détails ? Parce que je veux que ce tableau soit détaillé. Je ne veux pas que la graine de blé soit plate. Je veux que ça éclate pour qu'il ait un peu de dimension. Je vais juste vous faire étudier un moment sur mon ordinateur. En gros, ce que je vais faire, c'est prendre les photos. J'ai sorti le formulaire, je l' ai placé dans Photoshop, je l'ai désaturé et j'ai vu où se trouvaient les ombres, ce qui m'a aidée à faire ressortir la graine de blé. Nous sommes maintenant dans Adobe Photoshop. Si vous n'avez pas Photoshop, vous pouvez le faire dans n'importe quel éditeur où vous pouvez désaturer votre image. Je vais cliquer sur « Modifier ». Non, photo. Réglages de l'image. Désaturer. Oui, j'ai des réglages d'image en noir et blanc, des contrastes. Je vais juste augmenter un peu le contraste , jouer avec celui-ci. Je vais juste zoomer sur certaines graines pour voir où se trouvent les ombres. Prenons par exemple cette graine, l'ombre se trouve ici au milieu mais je ne vais pas ajouter celle-ci. Je vais peut-être ajouter des ombres dans cette partie de ces trous, je vais y peindre. En gros, cela me suffit maintenant, car je ne recherche pas le réalisme. Mais c'est un bon conseil pour vous. Si vous peignez un sujet et que vous ne savez pas comment utiliser correctement les ombres, il vous suffit d'ouvrir un éditeur d'images, désaturer, d'augmenter le contraste et d'observer. 8. Étude d'aquarelle: [MUSIQUE] Ce que j'ai fait, c'est j'ai dessiné le dessin ici et j'ai appliqué du liquide de masquage sur les endroits sur lesquels je ne voulais pas peindre, afin qu'ils restent blancs. La première chose que je vais essayer est la graine elle-même. De quelle couleur sera la graine ? Je vais créer une petite palette de couleurs ici. Dans ma déclaration d'artiste, j'ai indiqué que j'adore utiliser le noir et que j'utiliserai du noir en arrière-plan. L'idée que j'ai eue était de créer la galaxie d'arrière-plan de manière ce qu'elle ne soit pas ennuyeuse. Joe est simplement noire, mais quelque chose se passe derrière elle parce que ces trous dans ces graines apparaîtront à travers cette galaxie et je pense que ce sera vraiment cool. Je vais prendre du noir ici. Oui. D'une manière ou d'une autre, je dois gérer ça. Cette bulle noire sort d'une manière ou d'une autre de ce fond de galaxie. Je vais juste mettre quelques couleurs ici, mais maintenant concentrons-nous sur la graine. Quelle est la couleur de cette graine ? Il a une couleur beige, jaunâtre , brunâtre, décolorée, ce qui est un peu inintéressant pour moi. Ce que je vais faire, c'est récupérer ma palette de couleurs utile que j'ai ici. Je pense que l'ombre brute a la couleur dont j'ai besoin maintenant, peut-être que je vais ajouter un peu de blanc. Eh bien, essayons l'ombre brute. J'utilise ce tableau parce qu'il m'aide à identifier mes peintures sur mon set de peinture. Voici le chiffre brut et je vais juste en commencer un. Je ne veux pas que ce soit trop juste pour avoir cette couleur beige ou, je ne sais pas, brunâtre. Ce qui va bien avec le beige. Quelles couleurs tendance que nous pouvons utiliser. J'adore le vert menthe ou le bleu sarcelle. Je vais opter pour le bleu sarcelle. Je vais ajouter un peu de dinde ici et un peu de sève verte. Si vous avez une apparence différente avec les acryliques, car ce sont des supports différents, vous pouvez mélanger les couleurs plus facilement. Maintenant, je fais ça pour voir si ça a l'air bien. Il ne sera pas aussi beau qu' avec de l'acrylique. Eh bien, c'était une phrase difficile. Mon idée n'est pas de créer des ombres en ajoutant plus de couche de pigment ici, mais d'ajouter un peu de couleur. Je vais certainement utiliser sarcelle, non seulement parce que c'est ma couleur préférée, mais aussi parce que c'est tendance, beau et qu'il donne vraiment vie à cette graine. J'attendrai qu'il soit sec. Mon idée anxieuse était d'ajouter un peu de lilas. Qu'est-ce qu'un lilas ? C'est un peu mauve ou comment l'appelle-t-on ? Voici cette couleur. Je pense que ça a l'air vraiment génial. Mais je n'ajouterai pas cela à la graine. Mon idée initiale était de l'ajouter également à la graine pour ajouter de la variété. Mais je vais l'utiliser en arrière-plan dans la galaxie. Je vais maintenant créer un peu Qu'est-ce que cette lampe ? Noir, lampe noire, voici la lampe noire. Il suffit de noircir une couche de cette lampe ici. [CONTEXTE] Il existe également une autre façon peindre une galaxie avec son acrylique à l'aquarelle, car les aquarelles nécessitent vraiment beaucoup d'eau. Je vais juste attendre que cette pièce sèche. Je vais juste peindre le mauve ici. Je ne sais pas comment le prononcer. Je suis donc désolée si je le prononce mal. C'est une sorte de magenta. Ce sera ma palette de couleurs. Ma règle pour peindre est de ne pas utiliser trop de couleurs. Habituellement, j'utilise trois couleurs plus le noir et le blanc. C'est mon maximum. Je n'en utilise pas plus. Maintenant, j'ai la rosienne ici, la queue et le mauve ou le magenta et le noir. Bien sûr, je vais créer des reflets avec du blanc. Ce seront les couleurs que je vais utiliser dans cette peinture. J'ai ce type de pinceau. C'est très bon pour créer le monde des paillettes dans ma galaxie, je suis en train de saupoudrer. Je vais juste vous montrer les aquarelles blanches hydratées du Ph Martin, des aquarelles concentrées. Ce sera ma palette de galaxies. Pour raconter ça très loin. Je vais juste ajouter un peu plus d' ombres juste pour jouer. Ce que j'avais en tête pour ajouter de l'or, c'est cette palette de peintures dorées. Je vais juste les ajouter à ma palette. Je ne considère pas l'or comme une couleur, mais comme un élément décoratif supplémentaire. Je vais juste ajouter de l'or à ma palette. Je pense que ça a l'air incroyable. C'est mon idée initiale pour le tableau. Je vais juste essayer de le faire sur celui-ci pour voir à quoi ça ressemble dans son ensemble, puis aborder ma toile. Je vais juste accélérer les choses. [MUSIQUE]. Voici l' esquisse finale de l'idée. Je l'adore vraiment. Je pense que ça a l'air incroyable et qu'il le sera encore plus sur la toile. Je vais juste garder cela comme référence. Ce serait vraiment bien de savoir à quoi faire attention, aux couleurs à utiliser, à façon de jouer avec les ombres et de les comparer à l'œuvre d'art finale. C'est la partie la plus gratifiante de ce processus. Passons simplement à la toile et à des peintures précises et passons à la vraie peinture. 9. Fournitures: Dans cette vidéo, j'adorerais parler des fournitures que j'utilise, alors parlons de la toile. La plupart des toiles que vous pouvez acheter sont pré-gessoées, mais je pourrais presque toujours utiliser une couche de gesso supplémentaire. Cela facilite le processus de peinture. Cependant, je vais maintenant utiliser une toile de meilleure qualité, et je vais d'abord peindre la galaxie Je vais donc utiliser beaucoup de peinture noire. Maintenant, je ne vais pas perdre mon temps à ajouter du gesso. J'utilise la gamme de tailles 50 et 70 cm, qui est ma taille préférée car elle est suffisamment petite pour me permettre de rester active pendant que je peins et assez grande pour être belle sur le mur. Pour ce qui est de dessiner sur la toile, je vais simplement utiliser un crayon 2B car il est suffisamment doux pour apparaître sur la toile et sur la galaxie pré-peinte, car ce sera la première chose que je vais peindre. Ensuite, nous avons tous besoin de pinceaux. J'ai tellement de pinceaux, mais je viens de recevoir ces pinceaux d'art. Je ne les ai pas utilisés et je les aime tellement. Ils ont l'air tellement beaux. [BRUIT]. Il faut que je les essaie. S'ils ne fonctionnent pas, je reviendrai simplement à mes brosses en nylon d'origine car la plupart du temps, j'utilise des brosses en nylon. Bien sûr, j'utiliserai mes pinceaux préférés. C'est mon pinceau préféré. Il s'agit pinceau et de tous les autres pinceaux dont j'aurai besoin [BRUIT]. Pour la peinture acrylique, il vous faut bien sûr de l'eau et de l'appelant, que j'ai nettoyés pour vous maintenant. Mais je vais juste vous montrer la quantité de peinture que j'en ai retirée. C'est comme ça, ça a l'air tellement dégoûtant [RIRES] mais c'est tellement amusant. Voici ma pastille acrylique. La différence, c'est que les palettes d'aquarelle contiennent ces petites choses parce que vous consommez beaucoup d'eau. Mais avec l'acrylique, vous n'utilisez pas vraiment trop d'eau. Voici ma palette. Bien sûr, nous avons besoin de peintures acryliques. J'ai tellement de peintures acryliques. Je ne vais pas vous montrer ça, ce sont les bases du Liquitex, 36 tubes. Je l'ai acheté parce que j'aime toujours essayer de nouvelles marques. Je l'ai utilisé. J'ai essayé cette pièce. De très belles peintures. Je vais juste les utiliser et les essayer. Bien sûr, lorsque vous peignez et que vous peignez beaucoup avec du blanc et du noir, ayez toujours un tube supplémentaire, quatre. J'ai des tonnes de peinture acrylique blanche et noire. Nous utiliserons du vernis acrylique. Je n'ai pas la bouteille ici parce que je suis disparaître dehors, parce qu'elle sent mauvais. Voici un récapitulatif des fournitures que j'ai listées pour vous et qui sont tout simplement essentielles pour la peinture acrylique. 10. Le processus de peinture: [MUSIQUE] Je ne veux pas que vous regardiez tout mon processus de peinture parce que cela peut être vraiment ennuyeux et cela prend du temps, environ trois jours. Je vais plutôt vous donner quelques conseils pour la peinture acrylique. Astuce 1. Les peintures acryliques sont solubles dans l'eau, ce qui signifie que vous pouvez les assouplir avec de l'eau et obtenir la consistance dont vous avez besoin. Mais une fois secs, ils deviendront imperméables. Nettoyez toujours bien vos pinceaux à l'eau pour ne pas les abîmer. Astuce 2. Comme les peintures acryliques sèchent rapidement, il est préférable de les mouiller plusieurs fois sur votre palette afin qu' elles ne sèchent pas. De plus, ne mettez toujours que les couleurs que vous utilisez sur votre palette . Astuce 3. Lorsque vous peignez à l'acrylique, plutôt qu'à l'aquarelle au plomb, vous travaillez du foncé au clair. Je commence toujours par ajouter des couleurs pures, puis j' y ajoute du blanc pour les éclaircir et obtenir immédiatement des effets de dimension. Astuce 4. Cela va être une règle de peinture plutôt générale. Comme je l'ai déjà mentionné, je n'utilise pas trop de couleurs. Je m' en tiens principalement à trois couleurs maximum et j'essaie de garder la dominance, en utilisant une comme couleur principale puis une couleur de support et un accent. Astuce 5. Dormez toujours dessus. Parfois, vous ne pouvez pas décider si votre œuvre est terminée ou si vous pouvez y travailler un peu plus, alors allez-y et dormez dessus. Avec un regard neuf le matin, vous saurez quoi faire. Maintenant, regardez les petits moments de peinture ponctuelle que j'ai encaissés pendant le processus de peinture. Profitez. [MUSIQUE] 11. Obtenez vos œuvres d'art prête à votre portfolio: Dans cette vidéo, je vais vous donner quelques conseils pour tirer le meilleur parti du potentiel de votre processus de création et de votre œuvre finale. Ce que je fais en premier, c'est la séance photo. J'adore créer une composition à laquelle je participe également à la peinture. Les réseaux sociaux adorent ces photos car elles peuvent donner un visage à une œuvre d'art. J'ai une toile géante peinte en noir et j'y ai fait un petit effet tableau en y ajoutant une couche de craie. Je ne dépense pas d'argent pour des prises de vue professionnelles, j'utilise simplement mon arrière-plan, un trépied et je fais des photos automatiques. J'aime aussi faire des compositions avec des accessoires. Maintenant, je vais juste y mettre de vraies graines de blé et faire quelques photos avec. Assurez-vous de prendre suffisamment de photos et de composer des compositions adaptées au format carré, que vous pourrez utiliser sur Instagram. Passons maintenant au portfolio. C'est bien si votre marque est cohérente, et cela vaut également pour les polices que vous utilisez sur vos photos sur les réseaux sociaux ou sur votre site Web. Si vous l'avez remarqué, j' utilise également les mêmes polices dans mes vidéos. J'adore la police American Typewriter. C'est la police que j'utilise le plus. Je vais juste l'utiliser à nouveau sur la photo que je crée pour campagne sur les réseaux sociaux et dans mon portfolio. Ce n'est qu'un exemple de portfolio que je vous montre. Voici la machine à écrire américaine. Il est inclus dans Mac. Je pense et je suis sûr que vous pouvez télécharger une police similaire à celle-ci sur Internet, et aussi l' acheter, oui, parce que vous avez besoin d'une licence. Je vais juste écrire un portfolio ici. Dirigez-vous vers le centre, et 24, ce serait bien, plus grand, 36. Si vous souhaitez numériser une œuvre d'art sur toile, la meilleure façon de le faire est de trouver un service de numérisation capable numériser plus grandes tailles et d' utiliser simplement ce service. S'il n'existe pas ce type de service, vous aurez besoin d'un reflex numérique. Démarrez l'appareil photo pour prendre des photos au format RAW et prendre des photos de l'œuvre d'art. Vous pouvez inclure ce processus dans la partie prise de vue. Photographiez dans un endroit où il y a beaucoup de lumière naturelle et essayez de trouver l'angle parfait. Importez ensuite ce fichier dans Photoshop et jouez avec les paramètres pour le rendre plus clair, définissez un peu de contraste, de clarté et de luminosité , recadrez-le, puis placez cette photo dans votre portfolio. C'est ce que je vais faire maintenant. Je peux cliquer sur Insérer, Images, Image à partir d'un fichier, et je l'ai enregistrée sur mon bureau sous le nom de Harvesting. C'est ici. J'ai l'habitude de le définir Wrap Text, Behind Text, parce que de cette façon, je peux simplement déplacer l'image , je vais juste la réduire, comme ceci, voyons voir. Vous pouvez également utiliser ce fichier si vous souhaitez réaliser des tirages d'art à partir de vos œuvres d'art. Mais je vous recommande de faire quelques retouches dans Photoshop sur vos illustrations. Parce que dans le portfolio, vous avez un format plus petit , mais sur les sites imprimés à la demande, vous ne savez pas, comme si vous pouviez contrôler le format de vos œuvres d'art, assurez-vous simplement qu'elles soient belles. La première chose à faire est de donner un titre à votre œuvre. Je ne suis pas fan de nommer mes peintures comme dans des séries comme Unnamed Painting 1 ou Painting 2. Je n'aime pas non plus les titres trop descriptifs, comme Femmes récoltant du blé sur le terrain en fin d'après-midi en 1893 », c'est fou. Soyons concrets et simples et nommons le tableau Harvesting. Pour chaque artiste, il est très important d'avoir un portfolio. Le mieux est qu'il soit complet. Je pourrais travailler là-dessus, mais l'essentiel est de prêter attention à vos œuvres, leur donner un titre correct, signer, de les numériser et de les placer dans votre portfolio avec un texte descriptif décrivant le concept. La première chose à écrire est le titre de l'œuvre. Ensuite, écrivons la taille, soit 50 et 70 centimètres. y a aussi la technique, comme l'acrylique sur toile. également l'année où il a été peint. Je pourrais écrire 2018 ici ou écrire dans le titre, je n'aime pas l' écrire dans le titre. Je vais juste l' agrandir. Certains artistes écrivent également l'année sur le tableau juste après la signature qui se trouve en dessous, mais je n'aime pas non plus ça. Je vais simplement signer l' œuvre avec mon nom complet au dos de la toile et y inscrire l'année, ainsi que sur mon portfolio, comme ceci. Pour résumer le concept, j'ai besoin de toutes mes compétences en écriture créative. Commençons par une phrase thématique, puis poursuivons avec une phrase d' appui. Soyons courts, vous n'avez pas besoin d' écrire un roman, juste un paragraphe. Ce qu'est une phrase thématique, c'est une phrase qui décrit l'ensemble du paragraphe. C'est une idée générale, donc ce que je vais écrire, puis ma phrase de soutien est quelque chose qui explique cette phrase thématique. Ce que je vais écrire, c'est récolte est le moment où nous apprécions les résultats de notre dur labeur et, lorsqu'elle est appliquée à la vie, le moment où nous atteignons nos objectifs, nos ambitions et nos destinations. Après cette phrase descriptive l' appui de la phrase thématique, disons un peu plus sur les symboles que nous avons utilisés dans cette peinture et les motifs, et peut-être pourrions-nous parler des couleurs. Je ne vais pas trop m'attarder là-dessus. fait, il s'agit simplement d'une idée générale du tableau afin que le spectateur ou la personne qui regarde le tableau et consulte ce portfolio comprenne ce que nous avions en tête lors de la création du peinture. Lisons l'ensemble, l' œuvre représente le symbole de la récolte pour donner vie. La récolte est le moment où nous apprécions les résultats de notre travail manuel et, lorsqu'il est appliqué à la vie, le moment où nous atteignons nos objectifs, ambitions et nos destinations. Les graines de blé ornées de motifs tribaux et de trous symbolisent le caractère ancien et universel du cycle et la notion de vide après la récolte. Après avoir écrit ce texte, je peux bien sûr jouer avec tout, comme concevoir l'ensemble du portfolio comme si vous vouliez concevoir un livre. Mais sauvegardons simplement ce fichier, car il est bon de créer un fichier ou un livre numérique, si nous pouvons l'appeler ainsi, dans lequel vous avez une collection de vos principales œuvres d'art. Vous n'avez pas besoin d' inclure tous vos croquis ou illustrations, mais incluez des œuvres d'art. C'est la clarté des concepts que vous considérez comme cruciaux lorsque vous devez décrire votre style de peinture à quelqu'un, par exemple pour postuler à un emploi créatif, pour une subvention ou un concours ou galerie. C'est bien si vous avez tout sur votre site Web et sur les réseaux sociaux. Mais gardez à l'esprit qu' avoir ce type de portefeuille sera très utile et que vous pourrez y revenir à tout moment. Supposons que vous assistiez à un concours, vous deviez décrire le travail que vous y mettez en ligne. Vous n'avez pas besoin de trouver de nouvelles façons de décrire votre œuvre, vous suffit d'ouvrir le fichier sur votre ordinateur, de copier le texte et de l'y placer, et ce sera génial. Cela vous fait gagner du temps et vous serez également cohérent dans la description de l' œuvre que vous avez créée. Incluez toujours une déclaration d'artiste dans votre portfolio, il ne s'agit donc que d'un échantillon. J'ai une déclaration d'artiste sur mon site Web, sur mon portfolio. La déclaration de l'artiste est en fait la description de votre travail et de votre style de peinture. J'ai décidé d'utiliser le visuel pour décrire ma voix et j'ai créé un pictogramme. C'est mon site Web. J'ai inclus un fil Instagram directement sur la page d'accueil afin d' avoir des œuvres réelles ici, car je ne mets pas à jour mon site Web. C'est en fait nouveau et mon portfolio n'est pas terminé, mais je veux juste vous montrer cette déclaration d'artiste. Dans ma déclaration d'artiste, j'ai indiqué que j'aime utiliser noir et l'or et des couleurs vives, que je réalise des illustrations numériques et que la caractéristique de mon travail est qu' il est style de peinture décoratif, si décoratif, je pourrais dire. Je résume mes œuvres d'art à des sujets tels que l'illustration, conception de produits, la peinture acrylique. Mais j'ai vraiment besoin de mettre à jour ce site Web. J'ai juste trop de travail. [RIRES] En résumé, assurez-vous d'inclure cette partie dans votre processus de création, car elle ne donnera qu' un point à la fin de la phrase. 12. Réflexions finales: Eh bien, nous sommes arrivés à la fin du cours. J'espère que vous l'avez apprécié et que cela vous a été bénéfique. En ce qui concerne le projet de classe, je veux que vous vous en fassiez une idée, que vous en fassiez un concept et que vous en arriviez au moins à la phase d'esquisse. Esquissez-le, ajoutez-y des aquarelles et écrivez simplement une description de vos concepts à côté. Téléchargez-le ensuite dans la galerie de projets et si vous êtes sérieux au sujet de cette peinture, de ce concept ou de cette composition, faites-en une véritable peinture et partagez-la également avec nous. N'oubliez pas de me suivre sur les réseaux sociaux et ici sur Skillshare et j'espère vraiment vous voir également dans mes autres cours. [MUSIQUE]