La bataille de l'art - Explorer le processus du dessin au crayon, de l'aquarelle, de l'acrylique et de la peinture numérique

1. Vidéo d'introduction: [MUSIQUE] Bonjour, les gars. Dans ce cours, je vais vous montrer comment créer une succulente avec quatre médiums différents. C'est du graphite, des aquarelles, acrylique et du numérique. Si j'ai choisi ces quatre médiums, c'est parce qu'ils jouent tous un rôle important dans ma vie quotidienne. Par exemple, j'utilise des dessins au crayon graphite pour améliorer mes compétences en dessin et en observation pour esquisser les œuvres que je vais peindre et pour réellement observer le monde qui m'entoure. Je crée la plupart de mes illustrations à aquarelle toujours parce que cela a ses avantages, et j'adore créer avec. Ensuite, avec l'acrylique, je peins environ une peinture par mois à l'acrylique parce que je peux me débarrasser de cette sensation picturale lorsque je dois terminer Canvas entre mes mains. Avec le numérique, c'est tellement tendance, populaire et pratique. J'ai commencé à peindre numériquement il y a quelques années, mais j'ai acheté mon iPad Pro en janvier, et je m'intéresse vraiment à l'illustration numérique maintenant. C'était tellement intéressant de traduire tout ce que je savais sur le support traditionnel en support numérique. Je veux vraiment partager mes connaissances avec vous. m'appelle Alexandra Gabor, je suis professeur d' art professionnelle, artiste illustratrice et mère de dragons. Non. Mère de deux enfants. Ce que nous allons faire dans ce cours, c'est en fait que je vais créer et peindre cette succulente. Je vais le dessiner au crayon. Je vais vous montrer le moyen le plus simple de le recréer très bien. Ensuite, nous allons faire de même avec les aquarelles et créer une illustration complète à l'aquarelle. Ensuite, à l'acrylique, nous allons peindre sur toile. Avec le numérique, je ne vais pas utiliser mon style d'illustration, mais plutôt reproduire le processus que j'applique en numérique le processus que j'applique sur ces supports traditionnels. Voici le dessin au graphite, et voici la peinture à l' aquarelle, la peinture acrylique. Ce type. Non, ce n'est pas une photo. Il s'agit d'un tableau. Dans chacune de ces vidéos que j'ai consacrées au médium, comme la partie graphite , la partie aquarelle et la partie acrylique, je vais passer en revue plusieurs points du processus. De la création d'un croquis général que nous utiliserons, tout au long du processus. Comment l'amener à la surface du support, comme le papier à dessin, le papier aquarelle, la toile. Ensuite, je vais vous montrer les fournitures dont vous avez besoin, puis je vais vous indiquer les points clés du processus. La plupart de ces œuvres m'ont pris plus d'une heure à créer. Nous n'allons pas le faire [inaudible]. Je vais accélérer la peinture et noter les points clés. Ensuite, à la fin, nous aurons un gros résumé, qui est la bataille artistique. Je vais comparer certaines choses, par exemple, combien coûtent les fournitures pour ce support ? Combien de temps m'a-t-il fallu pour créer une œuvre et, en fait, combien m' a coûté cette pièce sur ce support ? Ce sera juste une information intéressante à faire. demandez peut-être pourquoi tout cela est important pour vous. La réponse est que vous pouvez créer sur un seul support, par exemple en peignant aquarelles sans jamais utiliser numérique ou l'acrylique, ou vous n'avez jamais pensé à créer des études de valeur sur le graphite. Peut-être que si vous pouviez simplement avoir un aperçu de ces médiums, vous vous enrichiriez. Pas seulement avec des connaissances, mais peut-être avec la motivation de les pratiquer, de les essayer, ou d'abandonner la peur de devoir être exclusif à un média comme vous n'en avez pas besoin. Une autre grande question est de qui s'adresse ce cours ? Je vais juste le lire sur mon iPad. J'ai créé, je le fais bien [inaudible]. Ce cours s'adresse à tous les créatifs si vous êtes un vrai débutant en dessin régulier. Dans la partie en graphite, vous verrez comment un objet est construit. Vous apprendrez ce que sont les valeurs en niveaux de gris, comment appliquer un ombrage pour débutants, une histoire vraie. Ensuite, dans d'autres sections, vous pouvez voir quel support a besoin, quelles fournitures, techniques, quelles capacités, et vous pouvez décider pour vous de la route à suivre. Si vous créez déjà, disons à l'aquarelle, vous verrez à quel point travailler avec de l'acrylique sur toile est différent , comment créer une peinture numérique. Si vous aimez les médias numériques, il pourrait être bénéfique pour vous voir comment fonctionne la peinture réelle et cela pourrait enrichir vos illustrations numériques. Ou si vous utilisez déjà de l' acrylique, vous découvrirez peut-être mon propre procédé et la façon dont je travaille avec, et peut-être que cela vous enrichira. [MUSIQUE] Je pense que chacun peut trouver ses propres informations importantes et utiles dans la classe. Je pense que j'ai juste exagéré cette vidéo d'introduction. [RIRES] Si vous êtes prêt à me voir créer ces pièces, allons-y. Juste une note. C'était tellement exigeant de le peindre quatre fois que je ne peindrai plus une plante succulente de ma vie, mais ne le lui dites pas. [MUSIQUE] 2. L'ébauche générale: [MUSIQUE] L'esquisse générale. Pour gagner du temps, je vais maintenant créer une esquisse générale sur le sujet et je vais utiliser mon iPad pour cela. Je pourrais passer du temps à créer un croquis en observant la référence, qui est désormais une véritable succulente et je vous recommande vivement de le faire mais comme je veux vraiment que tout corresponde et pour gagner du temps, et pour vous montrer aussi comment je trace des croquis, je vais le faire comme ça. Je fais une photo de la succulente sur fond noir avec l'iPad. Vous pouvez le faire alternativement avec votre téléphone ou votre appareil photo, puis placer l'image sur votre ordinateur. Ensuite, j'ouvre Procreate , un programme de peinture numérique. Réglez l'image moins opaque et tracez simplement les lignes de contour des feuilles sur un nouveau calque. [MUSIQUE] Je n' oublie pas d'inclure les formes des ombres et les formes des reflets, car il est essentiel d'avoir ces formes sur l'esquisse lorsque vous utilisez un support transparent tel que graphite ou aquarelles. Je n'oublie pas non plus de dessiner le pot, car j'ai vraiment besoin que le cercle soit précis, et je remarque également les ombres projetées sur les feuilles. Lorsque j'ai terminé, je désactive la photo de référence et j'ai un beau croquis propre que je vais utiliser dans les quatre sections. Maintenant, une alternative pourrait être simplement dessiner sur un calque sur l'écran de votre ordinateur, ou d'imprimer la photo et de la tracer sur votre fenêtre, ou de dessiner par observation. Le but est d'obtenir cette esquisse avec toutes les formes nécessaires sur un écran ou sur du papier. J'inclus ce croquis général pour vous dans la section des ressources afin que vous puissiez l'utiliser si vous souhaitez me suivre avec votre médium. 3. Dessin crayon: [MUSIQUE] Commençons par le dessin au crayon. J'aimerais commencer par expliquer un peu plus pourquoi j'ai choisi d' inclure le graphite en tant que support indépendant dans cette classe. Tout d'abord, le dessin est la compétence la plus essentielle dans tous les secteurs de la création. Maintenant, nous avons oublié le dessin d'observation, qui est très important, et certaines personnes qualifieraient ce traçage de triche, mais gardez à l'esprit que c'est leur problème. Si vous utilisez votre propre image de référence et que vous avez de faibles capacités de dessin, mais que vous souhaitez tout de même avoir de bonnes proportions, vous pouvez tracer des contours. Créer un croquis, c'est comme se présenter au sujet que vous allez dessiner. Même après le traçage, je connais déjà les formes que je vais créer. Je sais à peu près où se trouveront mes ombres. Si j'ai des reflets très contrastés, il est donc très important des supports transparents tels que le graphite savoir sur des supports transparents tels que le graphite et l'aquarelle. Parce que nous devons travailler du clair au foncé et que nous devons laisser le blanc du papier comme le blanc le plus blanc de notre dessin. En créant un dessin en niveaux de gris avant de peindre, vous pouvez connaître votre sujet Même en termes de couleur, vous saurez où vous devrez appliquer des couleurs plus claires ou plus foncées, par exemple. Pour le matériel de dessin, j'ai un carnet de croquis de Fabriano, un crayon gratuit pour Lindberg et un crayon 9B pour l'ombrage. L'utilisation d'un papier à croquis est importante car sa texture permet au graphite de sortir du plomb et de pénétrer dans la texture du papier, ce qui ajoute à l'expérience de dessin. Vous pouvez créer de bien plus beaux dessins avec moins d' effort avec des matériaux de qualité. La façon dont je vais tracer cette esquisse générale sur mon papier à dessin est simple. Je vais utiliser l'iPad comme boîte à lumière pour dessiner. Vous pouvez même acheter une boîte à lumière pour dessiner pour cette raison précise sur Amazon à partir d'environ 20$. Je vais éteindre toutes les lumières de la pièce, assombrir également la fenêtre, puis je pourrai voir à travers le papier et tracer les grandes lignes. Il se peut également que je doive régler la luminosité de mon écran au maximum. [MUSIQUE] Quand j'ai fini, j'ajoute simplement les lignes restantes que je n'ai pas bien vues et je corrige le croquis sur mon papier à croquis. Ce que je vais appliquer dans ce dessin au crayon, c'est la méthode d'ombrage inversé. C'est une technique d'ombrage que j' adore enseigner aux débutants car elle permet de mieux contrôler les valeurs. En gros, il y a cinq valeurs que nous allons appliquer ici. Il y en a beaucoup plus, mais cinq suffisent pour un ombrage débutant. Vous vous souvenez que j'ai dit qu' avec des supports transparents, nous devons travailler de la lumière à l'obscurité. Ce graphite est un support transparent en ce sens que le papier peut être vu à travers celui-ci et que vous devez conserver le blanc du papier. Il existe des crayons surligneurs blancs, mais restons simples. Maintenant, dans la méthode d' ombrage inversé, nous commençons par les ombres qui ont la valeur la plus foncée. Ensuite, la valeur la plus claire est le blanc du papier, puis nous avons un ton moyen au milieu, qui est à mi-chemin entre notre ombre la plus foncée et le blanc du papier. Ce que nous devons faire maintenant, c'est remplir les deux médiums entre le ton moyen et l'ombre et le blanc du papier et le ton moyen. Nous avons maintenant les cinq valeurs que nous allons appliquer. Voyons comment cela fonctionne sur le dessin. Avec la méthode d'ombrage inversé, vous commencez par les ombres les plus sombres. C'est exactement ce que je suis en train de faire. Je commence par les formes les plus sombres et les remplis avec ma valeur la plus foncée, que je peux obtenir avec le crayon 9B. Lorsque je l'ai, la seule chose à faire est de laisser la forme surlignée du blanc du papier et de remplir la partie restante avec le demi-ton. Pour obtenir d'autres valeurs, j'utilise la gomme pour faire le dégradé entre le blanc du papier et le demi-ton, et j'utilise un crayon pour créer une belle gradation entre le demi-ton et le ombre. J'essaie de travailler d'une zone à l'autre, donc j'applique ce processus à toutes les feuilles séparément. Lorsque je dessine, j' observe constamment la photo de référence que j'ai prise. Je l'ai affiché sur l'iPad à côté de moi, vous ne pouvez tout simplement pas le voir. Ce qui peut aider les débutants à améliorer les valeurs des images de référence, c' est de réduire leur saturation. En gros, vous obtiendrez une image en noir et blanc que vous pouvez utiliser, mais c'est une bonne idée de vous entraîner à régler la saturation de plus en plus au fur et à mesure que vous vous entraînez à voir les valeurs dans une image en couleur également. Un conseil de pro est également d' utiliser un simple papier de bureau pour couvrir certaines zones finies afin de ne pas tout tacher. Pour le garder propre et propre, et pour avoir un endroit où reposer votre main pendant que vous dessinez, car cela peut vous fatiguer, principalement en ce qui concerne les détails et les grandes pièces. En fixant votre main, vous obtenez également plus de stabilité. Je tourne en rond dans les succulentes. La raison pour laquelle j'ai commencé les feuilles extérieures est que, comme vous ne pouvez pas dessiner en blanc et que les couches supérieures des feuilles sont plus claires, vous pouvez les faire ressortir en assombrissant les feuilles inférieures. De cette façon, vous pouvez vous assurer ne pas assombrir votre dessin. Cela pourrait arriver si tu allais dans l'autre sens. L'une des règles du dessin est de ne pas tracer de lignes. Cela signifie que si vous regardez un objet réel, vous ne pouvez voir aucune ligne, seulement la lumière, l'ombre et la couleur. Lorsque vous dessinez des contours, lorsque vous dessinez, vous créez simplement des directives pour appliquer de la lumière, des ombres et des couleurs. C'est pourquoi nous devons toujours dessiner ces contours très légèrement, et si vous regardez une succulente, vous remarquerez que les feuilles ombragées n'ont plus vraiment de contours maintenant. C'est parce que je les inclus dans l'ombrage, principalement dans les parties qui se trouvent derrière ce que je dessine réellement. Dans ce cas, les feuilles sont une couche plus basse. [MUSIQUE] À la fin, je passe simplement en revue l'ensemble en ajustant les valeurs que j'ai pu me tromper, et le dessin est terminé. Passons maintenant à l'aquarelle et recréons cette succulente avec elle. 4. de l'aquarelle: [MUSIQUE] Aquarelle. Dans un premier temps, j'adorerais vous parler de l'aquarelle. Les aquarelles sont des peintures transparentes, vous devez donc travailler à nouveau du clair au foncé. Même si au début, cela peut sembler facile, comme si les enfants peignaient principalement à l'aquarelle, en fait, les aquarelles comptent parmi les techniques de peinture les plus difficiles, car elles peuvent être très difficiles à maîtriser. Vous devez non seulement planifier à l'avance l'ensemble de la peinture en tenant compte des transparences et des reflets, mais vous devez également maîtriser la consommation d'eau. La qualité des fournitures fait toute la différence. Il est recommandé de se procurer au moins 300 grammes de papier aquarelle pressé à froid afin qu'il puisse supporter la quantité d'eau que vous utilisez. Pour les peintures, il existe principalement deux façons de les obtenir, en demi-casseroles et en tubes. Personnellement, je recommande de vous procurer un set de demi-moules pour étudiants et de remplacer certaines couleurs préférées par des tubes de qualité artistique. Pour les pinceaux, le marché regorge à nouveau d'options. Mais pour être honnête, dans ce cours, j'utiliserai le même pinceau rond en nylon de taille moyenne pour les aquarelles et les acryliques. En général, les pinceaux ronds sont destinés à l'aquarelle car ils retiennent plus d'eau et vous pouvez plus facilement appliquer de la peinture acrylique avec des pinceaux plats. Mais je n'imposerais aucune restriction à l'utilisation des pinceaux. Comme je l'ai déjà mentionné, le point clé de la peinture à l'aquarelle est le mélange. Maintenant, je dois mettre le croquis général sur mon papier aquarelle. La façon dont je vais l'obtenir est exactement la même que celle que j'ai utilisée avec le papier à dessin. Je vais utiliser l'iPad comme boîte à dessin. Mais comme le papier aquarelle est plus épais, il sera très difficile de le voir à travers. Je n'aurai besoin que des formes principales, du pot et des contours des feuilles. J'ai également déjà mentionné nécessité de gérer les transparences. Nous avons également discuté des contours de la partie en graphite. Les aquarelles ne masqueront pas les marques de crayon. Vous n'avez peut-être pas besoin de vous en soucier. Mais si vous voulez une illustration nette et que vous ne pouvez pas effacer les marques de crayon sous l'aquarelle, vous pouvez inclure cette partie dans la planification. Ce que je fais, c'est effacer l'esquisse tracée au crayon, mais juste pour que je puisse la voir et je la redessine avec un crayon aquarelle. Sa marque se fondra dans le tableau et sera visible. Lorsque j'ai un croquis au crayon aquarelle, j'ajoute les formes restantes en observant l'image de référence et le croquis général. [MUSIQUE] L'étape suivante est facultative. Il utilise un liquide de masquage. Comme nous devons mettre en évidence le reste du blanc du papier, il est conseillé de les recouvrir d'un liquide de masquage. Le liquide de masquage est essentiellement gomme arabique et il est facile à décoller lorsque la peinture est terminée et qu'il est complètement sec. Maintenant, vous n'avez plus besoin d' utiliser le liquide de masquage. Vous pouvez simplement être prudent lorsque peignez et éviter de peindre par-dessus ces formes. C'est important principalement au niveau des premières couches de peinture. Une autre étape consiste à créer une palette de couleurs. De quelles couleurs aurons-nous besoin ? Si vous regardez cette image, elle est plus éclatante que la plante elle-même, ce qui n'a pas vraiment d'importance. Nous aurons besoin de vert foncé, de vert clair, peu de jaune et d'un peu de rose ici. Je ne sais pas. Ce que j'ai ici, je vais simplement vous le montrer car je vais utiliser les Winsor et Newton Cotman que j'ai. J'ai ce tableau que j'ai créé pour mes peintures afin que je puisse facilement reconnaître les couleurs que je vais utiliser. Je pense que je vais utiliser le feu vert et le vert sève de Hooker. Ils conviendraient le mieux. Peut-être un peu de Sienne crue à ces endroits et peut-être un peu de teinte gamboge, mais c'est vraiment éclatant et je ne veux pas que cela écrase mes verts. Je vais peut-être opter pour le déambulateur jaune. C'est un peu plus discret. Il existe différents outils que vous pouvez utiliser. Il existe une application appelée RT. Je vais juste te le montrer. Vous pouvez le télécharger sur Internet. Vous devez ajouter votre image ici afin de pouvoir en importer une. Si vous cliquez sur les couleurs, vous avez un sélecteur de couleurs, il est en fait conçu pour les crayons de couleur. Si vous cliquez ici, où se trouve ce polychromos ? Je mets ce sélecteur de couleurs n'importe où et je peux voir des olives vertes permanentes, donc du vert olive, du vert terre, du vert clair, puis du vert chrome, de l'opec, du cuivre, de l'ombre brute. Oui, il y a un chiffre brut ici. Vous pouvez simplement y jeter un coup d'œil et voir quelles couleurs cela vous donne. Encore une fois, nous n'optons pas pour l'hyperréalisme ou pour de vrais coloriages que je ne connais pas. Notre but est de suivre le processus. Voici quelque chose de noir, d'ombre brûlée, de Van **** brun. Tu peux voir ça ? Voici Van **** Brown ici. Je pourrais l'utiliser parce que je l'ai dans mon set. C'est ici. Du bois brûlé, du bois brut. C'est vraiment bon de savoir que j'ai ces couleurs. Je vous recommande de vous procurer cette application. Lorsque vous souhaitez reproduire une image, suffit de la parcourir, de noter les couleurs qu'elle vous donne et d'essayer de les faire correspondre. J'avais du rouge vénitien, qui ressemble au rouge indien que j'ai ici. Faites vos graphiques et parcourez-les simplement. Je vais garder cette application ouverte et j'y reviendrai à titre de référence. Avec l'aquarelle, je ne travaillerai pas de zone en zone, mais de couche en couche. premier temps, je pose le mélange verdâtre-jaunâtre de base en gardant déjà à l'esprit les valeurs et en vérifiant constamment les couleurs de l'image de référence. Au fur et à mesure que je progresse vers les feuilles extérieures, j'essaie d'ajouter plus de couleurs verdâtres. [MUSIQUE] Quand j'en aurai fini, j'ai besoin que cette première couche sèche complètement. Dans la deuxième couche, j'assombris les valeurs en ajoutant couleurs plus concentrées à la peinture. Je le fais jusqu'à ce que j' atteigne un niveau où je ne peux pas assombrir les couleurs que j'utilise. [MUSIQUE] C'est le moment où je mélange mes ombres. J'utilise un mélange de gris Payne et de brun Van **** pour combler les ombres les plus sombres. [MUSIQUE] Comme le fond est noir et que je veux faire ressortir ma succulente, je peins le fond avec aquarelles noires concentrées de Dr. Ph. Martin's. [MUSIQUE] J'ai presque terminé. Je dois attendre que tout soit complètement sec, puis je vais retirer le liquide de masquage et adoucir les bords de ces formes avec de la peinture légèrement diluée. [MUSIQUE] J'adore utiliser un stylo gel blanc pour ajouter d'autres reflets que j'ai omis de masquer. [MUSIQUE] Cela peut donner un peu de réalisme et de détail à la pièce. À la fin, vous pouvez vernir votre aquarelle, mais ce n'est pas vraiment nécessaire. Si vous souhaitez l'accrocher, vous pouvez le placer derrière un verre de conservation dans un cadre qui protégera votre peinture. Mais j'ai surtout numérisé mes aquarelles et j'en ai fait des tirages. C'est le processus que je suivre lorsque je peins à l'aquarelle. Voyons maintenant le processus de peinture acrylique dans la vidéo suivante. 5. Acrylique: [MUSIQUE] Acryliques. Commençons par parler des peintures en général. Chaque type de peinture contient des pigments et un liant. En aquarelle, nous avons des pigments et un liant hydrosoluble, généralement de la gomme arabique. concerne les acryliques, nous utilisons des pigments un liant synthétique qui rend la peinture imperméable après séchage. Les acryliques sèchent rapidement, ce qui vous permet de créer rapidement des couches, de peindre des couleurs plus claires sur couleurs plus foncées et de vous débarrasser facilement de vos erreurs. Les peintures acryliques sont disponibles en trois versions différentes. Ils peuvent être transparents, semi-opaques et opaques. Il est généralement noté sur les tubes, mais le mieux est de faire un tableau. Quoi qu'il en soit, avec les aquarelles le blanc du papier apparaissait constamment à travers les couches de couleur transparentes. Maintenant, avec l'acrylique, pour obtenir ce blanc, vous devez le mélanger à votre peinture. La plupart du temps, vous ne peignez pas une couleur claire, vous peignez des teintes, des tons et des nuances. Les teintes sont couleur plus blanc, les tons sont couleur plus gris ou blanc plus noir et une nuance est couleur plus noir. En plus des peintures acryliques colorées, il est recommandé d'avoir des tubes supplémentaires en blanc et en noir. Cette peinture blanche supplémentaire rend également vos peintures acryliques opaques, ce qui est idéal pour peindre des couches. La transparence de la peinture acrylique peut être utile dans la méthode de peinture indirecte déjà mentionnée lorsque vous créez une sous-couche puis que vous superposez les couleurs transparentes dessus. Avec l'acrylique, vous peignez sur toutes sortes de surfaces comme le bois, le verre, le carton, la toile. Dans ce cours, je vais peindre sur toile. Maintenant, la plupart de ces toiles préfabriquées sont bousculées, mais ils en utiliseront toujours une autre couche. Nous avons encore besoin que l' esquisse générale apparaisse sur la toile, mais comment s'y prendre ? En général, nous allons tracer à nouveau, mais avec une méthode différente. Au début, vous avez besoin d'un calque ou d'un papier sulfurisé, ou d'un papier ciré fin. Vous devez cirer de la qualité car nous voulons que le graphite adhère plus tard à la toile. Placez le calque sur le dessin général, copiez-le sur le dessus avec un crayon très doux, puis retournez le calque. Sur une feuille de papier propre, tracez-le à nouveau. [MUSIQUE] De cette façon, vous aurez le dessin sur les deux faces du papier, mais vous pourrez transférer une image identique sur la toile. Si nous avions voulu procéder de cette façon, nous aurions reflété l'image, ce qui compte parfois, parfois non. Maintenant, je pose le calque sur la toile et je trace simplement à nouveau dessus. [MUSIQUE] Le graphite qui se trouve à l'arrière du film collera à la toile. C'est la raison pour laquelle vous devez utiliser un crayon doux, son graphite collera plus facilement. Vous avez maintenant l' esquisse sur la toile. Ajustez-le, complétez les lignes manquantes, apportez des corrections mineures. Comme nous allons peindre de la peinture opaque dessus, nous n'aurons pas besoin de faire attention aux marques de crayon, et nous n'aurons pas besoin des formes des reflets et des ombres, car elles ne nous aideront pas. Quoi qu'il en soit, je les ai également tracés , juste pour montrer à nouveau leur peinture devant mes yeux. En ce qui concerne les fournitures, j'utilise un ensemble de base d'acryliques Liquitex. Toutes ces peintures sont transparentes, je vais donc utiliser beaucoup de blanc. Je n'ai pas encore fait de tableau avec ces peintures, donc je le fais maintenant pour choisir les meilleures couleurs. [MUSIQUE] des greens, je vais à nouveau utiliser le vert Hookers et utiliser du jaune de cadmium profond et de l'oxyde proche de l'ocre jaune. À partir des bruns, je vais utiliser de l'ombre brûlée , puis de la quinacridone magenta pour le rose. Avec l'acrylique, je travaille à nouveau d'une zone à l' autre, ce qui signifie que je vais essayer d'obtenir les bonnes couleurs autant que possible dès le premier essai sur chaque feuille. Cependant, il se peut que je doive passer un peu à la suivante, car j'ai parfois besoin de plus de temps de séchage pour pouvoir obtenir , car j'ai parfois besoin de plus de temps de séchage pour pouvoir un meilleur mélange de couleurs. Lorsque je mélange les couleurs, je commence par mélanger de l'oxyde jaune avec un peu de blanc titanesque et j'ajoute un peu de vert perruque. Cela donne cette couleur vert jaunâtre très clair qui commence aux racines. Ensuite, lorsque cette couche est un peu sèche, j'ajoute le mélange de vert Hooker et de Little White pour obtenir des verts plus foncés. [MUSIQUE] Plus tard, lorsque ces couches seront sèches, je pourrai ajouter les deux couleurs transparentes sur le dessus pour approfondir certaines d' entre elles ou créer des mélanges. J'ajoute également du blanc pur sur le dessus pour les reflets. Maintenant, je n'ai pas trop de stratégie quand peins, car je peux repeindre et corriger autant de fois que je le souhaite. La seule règle que j'ai essayé de respecter est ne pas peindre des feuilles côte à côte tout de suite car les couleurs voisines risquent de se mélanger si elles ne sont pas encore sèches. Pour les feuilles les plus foncées, je crée une sous-couche foncée, c'est-à-dire que je pose une couche transparente de brun, puis que je peins dessus avec le mélange vert avec un très peu de blanc. [MUSIQUE] J'ajoute également des ombres aux feuilles déjà peintes avec un mélange de brun, vert et un peu de blanc. À la fin, j'ajoute d'autres reflets avec le blanc, puis je travaille sur les ombres extérieures avec du noir, du gris et du marron purs. [MUSIQUE] Ensuite, je peins le pot avec une certaine texture avec du blanc dedans , puis je peins autour du pot avec du noir pur. Eh bien, c'est terminé. Je l'ai laissé sécher pendant la nuit. En fait, je l'ai peint pendant quelques jours dans plusieurs réglages plus courts, mais vous devez le laisser sécher pendant au moins une journée avant de le vernir. Passez simplement au vernis et à la peinture acrylique car cela fera ressortir les couleurs et les préservera. C'est le processus que je suis habituellement en train de suivre pour la peinture acrylique. Voyons voir, comment ferais-je exactement la même chose en numérique ? 6. Numérique: [MUSIQUE] Numérique. Maintenant, vous vous demandez peut-être pourquoi le numérique, si j'avais pu faire de même des crayons de couleur ou de la gouache. La raison en est que tous ces supports auraient des processus similaires et que je ne les utilise pas beaucoup. Mais ce que j'utilise et qui peut être intéressant pour un artiste traditionnel, c'est le support numérique. La peinture numérique a sa longue liste d'avantages. Comme si tu avais toutes les couleurs et tous les pinceaux. Vous avez un sélecteur de couleurs , vous n'avez donc pas vraiment besoin déterminer vous-même les couleurs. Vous pouvez refaire et corriger autant de fois que vous souhaitez et seulement en appuyant quelques fois sur l'écran. Vous pouvez ensuite imprimer vos œuvres d'art aussi grandes que vous le souhaitez, etc. Mais cela a aussi ses inconvénients. Comme si vous ne vous retrouvez pas nécessairement avec une peinture physique si vous ne l'imprimez pas, toutes ces options infinies peuvent être écrasantes. Bien sûr, vous n'avez pas une véritable expérience tactile lorsque vous peignez. C'est la raison pour laquelle je ne suis pas encore complètement en train de passer mon art au numérique. C'est tellement agréable de travailler avec de la vraie peinture. Mais ne pensez pas maintenant que peindre numériquement est quelque chose de facile. Il faut également beaucoup de compétences pour le maîtriser. Je vais utiliser un iPad Pro 12,9 pouces avec l'Apple Pencil de deuxième génération. En ce qui concerne le logiciel, j'utilise Procreate, un programme de création très populaire. Ce processus serait similaire dans Photoshop avec une simple tablette à dessin. Mais si je préfère l'iPad, c'est parce qu' il est plus proche de l'expérience de dessin réelle. Ce qui est génial avec la peinture numérique c' est qu'elle n'est pas compliquée. Vous n'avez pas besoin de fournitures, vous avez tout dans le programme. Je suis en train de définir un nouveau canevas de la taille de l'écran et d'insérer à la fois l'esquisse générale et la photo de référence dans le fichier sur des couches distinctes. Si j'insère une photo de référence, ce n'est pas uniquement à des fins d'observation, mais j'utiliserai constamment le bouton du sélecteur de couleurs qui, lorsque je le maintiens enfoncé et que je clique quelque part sur l'image, sélectionne exactement la même couleur pour mon pinceau. J'ai la possibilité de créer une palette personnalisée avant de commencer à peindre en cliquant sur le sélecteur de couleurs et en plaçant les couleurs sur la palette. Mais pour avoir un meilleur flux de travail j'utiliserai la méthode précédente. Ce que vous devez savoir à propos de la peinture numérique, c'est que vous travaillez en couches. Dans Procreate, vous disposez d'un nombre limité de couches. Vous pouvez le vérifier dans les informations du Canvas. Plus le Canvas est grand, plus le nombre de couches que vous pouvez utiliser est faible. Mais non, ce n'est pas un problème. Je dois maintenant travailler de haut en bas pour remplir tous les pixels. Laisse-moi juste te montrer ce que je veux dire. Disons que je prends un pinceau et que je peins quelque chose comme ça. Vous pouvez voir que j'ai des pixels vides parce que le pinceau lui-même a une certaine texture. Ce n'est pas une mauvaise chose car cela ajoutera de la texture à l'ensemble de la pièce. Mais si je peins juste autour d'elle, je ne la recouvrirai pas. Si je supprime la couche d' arrière-plan, elle sera transparente, ce que je ne veux pas. Ce que je veux maintenant, c'est ajouter une autre couche en dessous. Quand je peins avec une autre couleur, tu vois, je cache tout ça. C'est la raison pour laquelle nous allons travailler de haut en bas. Je vais placer différents niveaux de feuilles sur des couches séparées. Je travaillerai de la même manière qu'avec l'acrylique donc peindre les couches en détail, puis passer à la suivante. Passons maintenant aux pinceaux. Je vais utiliser deux pinceaux différents. J'aime les appeler liner et shader. J'ai acheté ces pinceaux sur Creative Market, nommés Gouache Brush Pack. Je vais inclure le lien dans le PDF du cours. Le pinceau de doublure est totalement opaque. Il a une certaine texture. J'ai légèrement modifié le pinceau lui-même et y ai ajouté un peu de rationalité, ce qui signifie qu'il ne réagit pas à tous les mouvements que je fais Je peux donc créer des lignes plus nettes avec lui. Lorsque je peins numériquement, ma stratégie consiste à bloquer une couleur principale, puis à utiliser le pinceau gouache, qui est un très beau pinceau texturé. Je verrouille maintenant la couche dans laquelle je bloque la couleur, ce qui signifie que je ne pourrai pas dessiner en dehors des pixels que j'ai déjà peints. Je prends une couleur plus claire et ajoute une couche transparente dessus, ce qui fera un très beau mélange. Ensuite, je vais le répéter avec une couleur plus foncée et ajouter un peu d'ombre. Ensuite, prenez la couleur d'origine et ajoutez-en un peu au milieu et le tour est joué, c'est déjà une très belle feuille ombrée avec une variété de couleurs. Ce sont les deux pinceaux que je vais utiliser. Passons à la peinture. Je crée la première nouvelle couche pour les feuilles supérieures. Prenez mon pinceau, maintenez mon doigt sur le sélecteur de couleurs [MUSIC] et je vais simplement choisir une couleur. [MUSIQUE] Je dessine la forme de la feuille avec. [MUSIQUE] Remplissez-le en faisant glisser la couleur sélectionnée depuis le haut. Mais je vais le contourner encore une fois pour remplir la plupart des pixels restants laissés de côté par le pinceau texturé. [MUSIQUE] Ensuite à l'aide du sélecteur de couleurs, je sélectionne les couleurs , je les place à l'aide du pinceau shader et j'augmente la couleur de la feuille de cette façon. Je n'oublie pas de verrouiller la couche alpha à chaque fois que j' ajoute de la couleur afin de ne peindre que dans la forme bloquée. Je vais accélérer les choses, car je vais faire exactement la même chose sur l'ensemble de la pièce. Je tiens simplement à souligner que j'ai essayé de travailler sur des feuilles qui ne sont pas exactement côte à côte. Comme je l'ai fait avec l'acrylique, car même si j'ai du retard ou si j'ai enregistré des formes trop rapprochées , ce n'est pas pratique, car mon pinceau sera visible sur la forme que je ne suis pas en train de peindre. [MUSIQUE] que je progresse, je crée de nouvelles couches pour les couches inférieures des feuilles. C'est vraiment génial. Je peux réorganiser l'image de référence comme je le souhaite et je peux déplacer l'image de référence n'importe où pour un travail plus rapide. [MUSIQUE] Ça a l'air tellement réaliste. Lorsque la succulente est cuite, je place le port en dessous en dessinant un cercle et un autre sur le dessus avec une couleur plus claire. J'utilise un autre pinceau texturé appelé bloc de béton pour ajouter un aspect réaliste au pot. J'ajoute également des ombres et des reflets domestiques et j'ajoute un fond noir. Pour ajouter ce véritable aspect réaliste à l'aide du pinceau shader et en ajoutant une couche transparente de blanc pour créer une véritable couleur grisâtre autour de vous. Voilà, nous avons terminé. Je pense que c'est la plus réaliste, mais principalement parce que j'ai utilisé une plus grande variété de couleurs que je pourrais reproduire avec le sélecteur de couleurs. Si j'avais passé plus de temps mélanger toutes ces formes avec les acryliques, j'aurais pu obtenir un effet similaire. Quoi qu'il en soit, notre objectif n'était pas de créer des peintures hyperréalistes. Chaque support a son caractère. Dans ce cours, mon objectif était de vous montrer tous ces différents processus et de vous montrer que vous devez réellement utiliser votre cerveau pour planifier à l'avance et peindre une œuvre. Résumons simplement ce qui s'est passé dans cette classe dans la vidéo suivante. [MUSIQUE] 7. Le résumé: [MUSIQUE] Nous voici donc arrivés à la fin, tous les projets sont terminés et j'aimerais maintenant jeter un œil à des informations et à des comparaisons assez intéressantes concernant ces supports. Commençons donc par le graphite, et commençons par le coût des fournitures. Pour les fournitures, nous avons des crayons et du papier à dessin. Si l'on considère les prix moyens, un ensemble de bons puzzles et carnet de croquis de 80 feuilles vous coûteraient environ 30$. Pour le moment, il m'a fallu 51 minutes pour terminer le dessin. Mais n'oubliez pas que cela a été fait avec un ombrage pour débutants et un minimum de détails, sorte que le temps peut être plus long. Ce que je voulais ajouter à la partie sur le graphite, c'est qu' il est important de créer des études de valeur comme celle-ci pour améliorer vos compétences et améliorer votre observation. Bien entendu, vous pouvez également utiliser vos dessins au crayon comme pièce finale, principalement des portraits. Vous devrez l' encadrer ou le numériser. Donc, si je suppose que vous utiliseriez le jeu complet de crayons pour les 80 feuilles, cela nous donnera un coût de 0,37 cent pour un seul dessin. Le coût d'une pièce serait donc de 0,37 cent. Il s'agissait de graphite. Passons maintenant aux aquarelles. Donc, l'ensemble que j'utilisais se trouve chez Winsor et Newton coûte environ 50 dollars, bloc-notes de 100 grammes pressé à froid avec 12 feuilles coûte environ 15 dollars, et un ensemble de pinceaux synthétiques bruns coûte encore une fois environ 15 dollars. Je ne compte pas les autres fournitures comme le stylo gel blanc ou le liquide de masquage. Prenons-les comme facultatifs. Il nous reste donc 80$ pour les aquarelles. Pour le moment, il m'a fallu 1 heure et 34 minutes de peinture propre et environ 25 minutes de séchage. Disons 2 heures pour terminer la peinture à l'aquarelle. Ce que vous pouvez faire avec le tableau, c'est l'encadrer, ce qui augmentera le coût ou le numérisera, puis l'utiliser à diverses fins. Je dirais que vous utilisez 10 % de peinture pour les 12 feuilles de papier, ce qui nous donnera un coût de 60 % pour une seule peinture. N'oubliez pas qu'il s'agit d'un calcul très général, ne tient pas compte des stylos plus petits pour peindre d'autres fournitures, sorte que le coût final pourrait être inférieur ou même supérieur. Passons à l'acrylique. [BRUIT] L'ensemble de peintures que j'utilise à partir de Liquid Tax coûte environ 30 dollars, tandis que la toile carrée de 25 centimètres coûte environ 9 dollars, et un ensemble bon marché de pinceaux plats en nylon coûte environ 15 dollars. Encore une fois, je ne compte pas le vernis acrylique et juste comme ça. Le coût principal pour démarrer les acryliques serait donc de 54$. Si je supposais qu'une seule peinture représente 5 % de l'ensemble acrylique de 36 pièces, me resterait 10$ pour une seule peinture acrylique. Cela peut sembler beaucoup, mais vous avez une peinture physique prête à l'emploi. Vous pouvez l'accrocher au mur tout de suite et sa valeur est beaucoup plus élevée. Cette œuvre d'art est prête à être exposée par exemple, ou à être immédiatement accrochée au mur avec un simple vernis. Mais vous pouvez toujours le numériser et l'utiliser à diverses fins. Vous pouvez réellement peindre à l'acrylique sur toutes sortes de surfaces, pas nécessairement sur une toile. populaires blocs-notes en papier acrylique coûtant environ 10 ou 20 dollars avec plusieurs feuilles sont populaires, ce qui vous permettra de réduire vos coûts. Mais je pense qu'avoir une peinture sur toile est irremplaçable. Pour l'époque, il m'a fallu 2 heures et 20 minutes pour terminer la peinture, plus une journée, au moins, pour un séchage complet. Il est vrai que j'ai travaillé sur cette pièce pendant plusieurs jours, pendant quelques séances plus courtes. Mais résumons-le simplement dans ce laps de temps. Passons maintenant au numérique. Cela m'a également surpris et maintenant, nous allons avoir des coûts beaucoup plus élevés au début. Le nouvel iPad Pro équipé de l' Apple Pencil coûte environ 1 300 dollars, plus la procréation coûte 10 dollars. Je dirais que vous pouvez créer une quantité infinie d' œuvres d' art qui réduiront au minimum le coût d'une seule œuvre d'art. Mais prenons un exemple, si vous utilisez l'iPad pendant cinq ans et que vous créez une œuvre d' art chaque semaine, donc même pas tous les jours, mais chaque semaine. Cela nous donne 265 œuvres d'art. Cela portera le coût d' une seule œuvre d'art à 20 cents. Nous avons donc le gagnant pour ce qui est du prix. Pour le moment, il m'a fallu 2 heures et 15 minutes pour terminer la peinture et je n'ai pas eu le temps de sécher. Si l'on tient compte du temps de séchage de l'acrylique, il est beaucoup plus rapide de terminer une peinture plus réaliste avec même effort que celui que j'ai fait avec l'acrylique. Alors c'est ça. Maintenant, vous vous demandez peut-être, c'est intéressant, mais que faire de cette information ? Je n'ai pas vraiment d'objectif précis : convaincre qui que ce soit de faire quoi que ce soit, vous n'avez pas besoin d'être exclusif à une technique quelconque. Nous devons faire preuve de flexibilité. D'après ma propre expérience, toutes ces techniques s'intègrent à ma propre vie. Par exemple, j'adore créer des dessins au graphite tout en utilisant des études, même pour dessiner une belle nature morte, puis l'encadrer et la mettre sur le mur ou l'offrir en cadeau. Il est nécessaire et essentiel pour tous mes autres travaux de disposer de leurs fournitures et de travailler avec eux pour améliorer mes compétences générales en dessin et en peinture et , en fait, pour me détendre. C'est une sensation formidable de faire des dessins au crayon graphite juste pour se détendre. Je continue de créer la plupart de mes illustrations qui finissent par devenir des tirages d'art à l'aquarelle. Comme il est relativement bon marché, je peux l'utiliser rapidement, il est beau et rentable, et je peux le numériser et l'utiliser à diverses fins. Je peux les imprimer sur différents produits ou créer des tirages d'art. Alors les aquarelles originales ont toujours leur valeur, donc oui, c'est incroyable. Ensuite, l'acrylique, c' est une sensation irremplaçable d' avoir une peinture terminée sur toile. Je peins des commandes et des peintures pour des expositions à l'acrylique même si cela coûte plus cher et prend plus de temps, mais à la fin de ce processus, vous obtenez une belle une peinture qui peut être accrochée au mur et qui a tout simplement plus de valeur que n' importe quelle peinture sur papier. Je n'éliminerais donc jamais la peinture acrylique sur toile de ma vie. Puis numérique. Je réalise des illustrations éditoriales sous forme numérique. C'est génial d'avoir ces possibilités infinies de refaire et de corriger. Cela m'aide à explorer plus de choses, sous différents angles, parce que je n'ai pas peur, à ruiner mes fournitures, comme du papier, du vieux papier ou de la peinture usagée, parce que j'en ai une infinité et que je peux en créer davantage concept. Chacune de ces techniques possède un caractère unique. Je n'aurais pas pu faire cette illustration à l'aquarelle, à l' acrylique ou au crayon. Il a sa texture, sa beauté, son efficacité dans le temps. Je dirais que je peux créer tout ce que je veux sans vraiment avoir peur, que je peux y revenir à tout moment. Je l'ai ici et c'est tout simplement génial. Toutes ces techniques ont donc leur place dans [NOISE] dans mon cœur, je n'en éliminerais aucune. Il y a l'efficacité financière, des choses comme ça me surprennent aussi. C'est génial d'expérimenter, mais cela dépend du temps que je passe habituellement avec une pièce similaire, du coût final d'une pièce, des fournitures, etc. J'espère donc qu'il vous sera utile de voir ces choses et ces processus. Passons aux dernières réflexions et discutons de votre projet final dans la vidéo suivante. 8. Réflexions finales et description du projet: [MUSIQUE] J'espère que vous pourrez vraiment tirer quelque chose de ce cours. Nous y avons abordé tellement de choses, comme quelques jours de peinture avec différents médiums. Waouh. Résumons simplement ce que nous avons fait dans ce cours. Nous avons peint le même sujet. C'était une succulente utilisant quatre médiums différents : graphite, aquarelle, acrylique et numérique. Nous avons parcouru l' ensemble du processus, de la création d'un croquis général à son tracé le papier à croquis, le papier aquarelle et la toile. Je vous ai expliqué tout au long du processus et des fournitures, comment les utiliser, comment superposer, comment aborder une pièce entière, comment aborder les couches avec lesquelles nous peignons. À la fin, nous avons simplement prononcé quelques mots sur les comparaisons de ces supports et processus et sur la manière dont vous pouvez les utiliser et les traiter à l'avenir ? En tant que projet, j' adorerais vous demander de recréer la succulente avec votre médium. Vous n'avez pas besoin d'en choisir deux ou trois, vous pouvez simplement en choisir un et le recréer. Je vais inclure le croquis général dans les ressources et je serais vraiment heureuse de voir une galerie pleine de plantes succulentes, la même succulente avec des médiums différents. Vous pouvez changer les couleurs si vous le souhaitez, vous pouvez modifier la composition si vous le souhaitez, mais je veux que ce soit une plante succulente dans votre médiane. Si vous le souhaitez, il pourrait peut-être être bénéfique pour vous de le recréer avec deux types de supports différents. Je suis sûr que vous avez déjà au moins le dessin au crayon et les aquarelles, donc au moins deux d'entre eux, mais vous pouvez ajouter des crayons, huiles, je ne sais pas, techniques mixtes, des crayons, j'aime les portes s'ouvrent. Mon autre point est de lancer une discussion sur ce sujet Comment abordez-vous une œuvre finale, notre peinture complète avec votre médium et quelle a été votre expérience ? Partagez avec nous. Ce serait vraiment génial de lire ces choses. Maintenant, comme d'habitude, assurez-vous de me suivre sur les réseaux sociaux , Instagram et Facebook. Vous pouvez m'y retrouver en tant que The Artmother. N'oubliez pas non plus de me suivre ici sur Skillshare pour être averti lorsque les cours d'art auront lieu et que je prévois beaucoup de choses. Vous pouvez également consulter les autres classes que j'ai créées. J'ai des cours de dessin, des cours d' aquarelle et j'en planifie bien d'autres dans tous les autres domaines de l'art professionnel. Enfin, ce serait génial si vous pouviez me laisser un avis. Cela aide la classe à se classer plus haut , ce qui me permettra de toucher plus de personnes dans le monde, ce qui est une bonne chose. Mais autre chose, je veux vraiment savoir ce que vous pensez du cours, comment pourrais-je l'améliorer ou l'avez-vous apprécié ? Quelle a été votre expérience lorsque vous avez suivi le cours ? Si vous avez beaucoup appris, qu'est-ce qui vous a été le plus bénéfique ? S'il vous plaît, gardez un peu de temps pour que j'écrive quelques phrases sur ce que vous en pensez, parce que cela me tient vraiment à cœur. Merci d'avoir suivi ce cours. Bonne création. [MUSIQUE]