PRINCIPES DE CONCEPTION - Des choses d'art que vous devriez apprendre !

1. Introduction: Nous connaissons tous les principes fondamentaux de l'art. Meilleur éclairage, perspective, télévision couleur. On en parle tous beaucoup dans la communauté artistique. Et si je vous disais qu'il y a une pièce de ce puzzle qui est souvent négligée par la plupart d'entre nous. Les principes de conception sont le chaînon manquant qui relie les fondamentaux au processus de peinture proprement dit. Et nous allons en apprendre davantage à ce sujet dans ce cours. Bonjour. Je suis un artiste indien. Je travaille dans l'industrie du divertissement depuis près de dix ans maintenant. Je crée des visuels pour les jeux et je gagne ma vie dans l'animation. Et j'aime me balader dans des lieux changeants. Au fil des années d' études artistiques idéalisées simple fait d'apprendre les fondamentaux ne suffit pas à améliorer mon art. Nous devons adopter une approche plus structurelle et plus réfléchie de l'ensemble du processus. Et j'ai l'impression que les principes de conception nous donnent l'outil nécessaire pour aider et appliquer les principes fondamentaux aux peintures de manière constructive. Ce cours portera sur la compréhension des principes du design, leur fonctionnement et de leur utilisation dans les peintures. Je passe en revue chacun d' eux un par un. En utilisant des peintures de maître comme exemple. Je vais les détailler et vous montrer comment ils ont été utilisés pour créer ces chefs-d'œuvre. Si vous ne connaissez que les bases des principes fondamentaux tels que l' éclairage, la perspective, etc., vous devriez être assez bon pour commencer le cours tout de suite. Il y a la première classe de la série fondamentale que je vais publier. Il y aura deux autres cours par la suite. Nous commençons par les principes de conception, ce cours. Nous passons ensuite aux fondamentaux de l'art. Ensuite, je vais vous montrer comment peindre un paysage en utilisant tout ce que nous avons appris jusqu'à présent. Cela dit, j' espère que vous êtes aussi enthousiaste que moi à l'idée de commencer. C'est bon. 2. Projet du cours: Les devoirs de ce cours seront donc très légers car la plupart d'entre eux concernent simplement l' observation en général. Ce que je fais, c'est que j' ai une sélection de peintures de maître que j' apprécie vraiment et je vais les partager avec vous. Votre mission serait donc de les parcourir. Et partout où vous trouvez certains aspects du principe de conception les plus dominants dans ces peintures, ce sont les dessins. Votre travail consiste à découvrir pourquoi il est dominant et quels principes ont été utilisés par le passé. Donc, en gros, après avoir passé en revue tous les principes que je vous ai montrés ici, vous ne ferez que prendre ces images. Et comme je l'ai dit, chaque fois que vous trouvez l'un des anneaux dominants, vous ne ferez que prendre cette photo. suffit de marquer dessus comment, comment les principes sont utilisés et où ils ont été utilisés pour réaliser certains aspects de la peinture. Disons qu'il y a un personnage dans un tableau et qu'il apparaît vraiment. Votre travail consiste donc à comprendre pourquoi c' est la raison pour laquelle cela vous apparaît en plein visage. Et ce qui signifie que les factures ont été utilisées et comment. Ce sont tes devoirs. Et lorsque vous les faites, vous l'êtes, vous devriez les publier dans la section des devoirs. Et je vais y jeter un œil. Et je vais vous dire si vous allez dans la bonne direction, si vous réfléchissez vraiment à ces objectifs, si vous vous trompez quelque part, si vous prenez réfléchissez vraiment à ces objectifs, trompez quelque part, mauvaise direction ailleurs. Je serai là pour te guider dans la bonne direction. Passons donc à la leçon. 3. Principe I - Contraste: Avez-vous déjà peint quelque chose qui vous semble un peu plat ou avez-vous souffert d'une maladie ? Donc, d'après mon expérience, c'est probablement un problème de contraste. Dans cette leçon, nous allons donc découvrir ce qu'est le contraste et comment nous pouvons l' utiliser à notre avantage. contraste est idéalement la différence que nous créons entre les éléments, les sujets et tout le reste. En gros, sur la première image, vous pouvez voir beaucoup de contraste dans les valeurs, valeurs très lumineuses ici. Et ici aussi. Ici, nous avons un contraste de teinte ou de couleur si vous voulez le dire de cette façon. Donc, sur la première image, vous avez beaucoup de valeurs obscures et beaucoup de fierté à les affronter. Cela crée donc un tel sentiment de contraste. De l'obscurité au clair, du clair au noir. Vous différenciez les formes et créez une impression de contraste dans la scène. Et en faisant cela, vous dirigez le spectateur là où vous voulez regarder du noir au clair ou du clair au foncé. Et en insistant sur ce que vous voulez qu'ils voient ? Lors du second débat, vous constaterez évidemment beaucoup de contraste de valeur, mais aussi beaucoup de saturation et de contraste de couleurs. En arrière-plan, nous avons évidemment une valeur plus sombre. Mais ce n'est pas le cas, pas seulement parce qu'il y a beaucoup de contraste des couleurs et que l'on crée également une valeur distincte pour indiquer une ligne directrice qui guide le spectateur tout au long de la scène. Donc, comme devoir pour cette leçon, vous allez regarder des peintures maîtresses que j'ai inscrites sur la boîte d'exemple. Et vous allez essayer de savoir où le contraste a été utilisé, comment il a été utilisé. Cependant, j'ai fait une démonstration dans la vidéo. Vous pouvez donc suivre cette route. C'est très pratique pour prendre des notes et j' aime tout ça. Donc, ce que vous pouvez faire, c'est simplement les prendre, prendre les images, les regarder, découvrir où le contraste a été utilisé. Et essayez de les écrire en prenant des notes mentales ou, mieux encore, prenez une note appropriée sur les images elles-mêmes. Il est donc plus facile pour votre esprit d'enregistrer toutes ces choses. Ainsi, la prochaine fois que vous regarderez quelque chose, disons une bonne peinture que vous aimez vraiment. Et vous serez immédiatement en mesure de découvrir comment le contraste a été utilisé à cet égard. Alors, avec cela, passons à la leçon suivante. 4. Principe II - Équilibre: Il s'agit donc d'un élément très subtil mais très important des principes de conception. Passons à la démo et essayons de comprendre à quel point l' équilibre est à l'œuvre dans la plupart des peintures, en fait, dans toutes les peintures. Vous serez ainsi en mesure de reconnaître comment balances sont utilisées dans la composition, et vous pourrez les utiliser dans vos propres peintures. Ensuite, nous avons les palettes. Généralement, l'idée consiste à répartir les formes et les volumes dans la scène. Nous créons donc un sentiment d'équilibre. Dans cette scène. Nous avons essentiellement créé des formes plus grandes ici, une à droite et une à gauche. Il les a donc placés comme tels pour créer un équilibre dans la scène, pour créer un sentiment de stabilité dans la scène. Et pour passer à l'image suivante, nous avons principalement les sujets sur le côté gauche, vous pouvez voir la femme et le tigre, le jaguar, peu importe. Il faut envoyer des scientifiques dans le laboratoire, puis passer à un satellite. Il y a un personnage là-dedans. Idéalement, il devait être leader aussi fort qu'il l'est dans la scène. Mais juste pour équilibrer la composition, il était littéralement doté d'une lumière très forte. Et cela revient à créer, c' est-à-dire à trouver un équilibre entre tous les sujets que nous avons à gauche et à droite. Nous avons donc vu que c'est équilibré et bienvenue sur l'image suivante. Ici, nous avons l'idéal pour les masses de robots, je ne compte pas dans les nuages parce que c'est un sujet différent. Il suffit de regarder les maisons pour l'instant. Nous avons donc des formes de taille moyenne à grande et également des formes de petite taille. Je vais donc généralement de gauche à droite à cause de cet instrument de la forme que nous avons ici. Si vous supprimez simplement la maison à l'extrême droite, la petite maison que nous avons, notre utilisateur, allez-y et sortez de la compétition. En mettant une petite forme pour empêcher le spectateur de sortir. Nous les réorientons généralement vers le cours de composition. devoir pour cette leçon serait simplement passer en revue les images de la même manière que la dernière tonalité. En gros, tous ces devoirs seraient les mêmes. Mais je veux que vous continuiez à les faire et à prendre des notes séparément, fassiez un dossier à partir de chaque principe de conception et que vous les conserviez de manière à ce que tout soit classé dans votre tête. Ce n'est pas comme si vous faisiez dans un seul tableau et que tout vous venait à l'esprit. Alors ne faisons pas ça. Essayons de savoir comment l'équilibre a été utilisé. Comment le déséquilibre a été utilisé dans le processus de création d'images pour mieux transmettre l' émotion de l'histoire. Très bien, passez à la leçon suivante. 5. Principe III - accent: Je suis sûr que vous avez entendu parler de La Cène de Léonard de Vinci au moins une fois dans votre vie. Ainsi, parmi tous les personnages , vos yeux se tourneront généralement directement vers Jésus. Il s'agit de l' accent, de l'accentuation d'un sujet ou d'un objet de votre composition. Vous orientez donc vos spectateurs vers celui-ci. Et c' est, à mon avis, l'un des principes les plus importants du design, comme la mise en valeur des objets. Examinons la leçon et voyons comment les maîtres y parviennent et comment nous pouvons en prendre note et y parvenir nous-mêmes. Ensuite, nous mettrons l'accent. C'est très similaire au contraste dans la nature. Parce qu'il suffit de voir ici, le personnage se démarque évidemment parce que la façon dont il a été placé sur une toile de fond vraiment saturée. Vous pouvez vraiment voir les débits en diminuant le caractère entier. Encore une fois, des valeurs contrastées, des couleurs ou des éclairages, ou généralement trop accentués. façon dont vous les utilisez dépend donc de vous. Ici aussi. Nous pouvons voir le plus court, le plus brillant. Et puis nous avons une ombre qui mène au visage. Parce que le visage présente un contraste très élevé, il y met des reflets. Et cela crée un sentiment de contraste et d'emphase. Sur l'image suivante. Nous avons un contraste automatique dans la couleur et les valeurs dans le personnage principal. Parce que cela a été souligné de cette manière. Nous devons d'abord regarder le personnage, puis regarder le message actuel. Regarde à quel point sa robe est saturée. Et un C tranchant également. Cela ouvre nos yeux. Nos yeux se tournent d'abord vers la robe elle-même en raison du contraste élevé. Il y a ensuite un changement de valeur. Et idéalement, la forme nous amène aux personnages secondaires et aux caractères tertiaires après avoir examiné le sujet principal. Ainsi, la façon dont vous mettez en valeur vos sujets dans une peinture déterminera également la façon dont le spectateur regarde l'image. Pour ce qui est des devoirs pour cette leçon, je veux que vous trouviez trois œuvres maîtresses que vous appréciez vraiment et que vous je veux que vous trouviez trois œuvres maîtresses que vous appréciez vraiment et que vous avez l'impression que l'accent y est vraiment un parent. Et je veux que vous les étudiiez, que vous découvriez comment et pourquoi cela fonctionne et que vous essayiez d'en prendre note. Et juste pour que vous puissiez les appliquer dans vos propres peintures. Passons à la leçon suivante. 6. Principe IV - Motif: Le motif peut être n'importe quoi, qu'il s'agisse de motifs techniques, boutons physiques ou de textures. Il est donc utilisé partout, disons par exemple que vous utilisez de la texture pour vos vêtements, vous utilisez de la texture pour ces pierres. Il y a donc un certain schéma dans tout cela. Certains d'entre eux sont très irréguliers, d' autres sont très répétitifs. Il peut donc s'agir de textures, façon dont vous organisez vos objets. Même ceux-là ont des motifs. Examinons-les donc en profondeur et voyons comment ils fonctionnent. L'étape suivante est le motif. Le motif est essentiellement une interprétation unifiée ou grasse de tout objet ou forme. Vous pouvez donc simplement répéter des objets. C'est aussi un modèle, et cela peut aussi être une répétition. La répétition fait donc également partie du modèle. Du moins, j' aimerais le croire. Il peut également diriger des personnages, répéter des textures. Tout cela fait donc partie du schéma. Ici, sur cette image, vous pouvez voir beaucoup de texture, de nombreux motifs sur l' image et sur le sol. Cela nous donne une idée de la matière et de l'échelle. Au fur et à mesure qu'il disparaît, le motif s'estompe, devient plus petit. Et je veux que vous regardiez les tableaux, les points de suspension que nous avons. Cela crée donc également une répétition. Et cela nous donne une idée de l'échelle, au fur et à mesure que cela s'éloigne de la vue, devient plus petit. C'est donc la perspective et les objets combinés. Nous avons donc une idée de la profondeur de la scène. Nous avons également les personnages dedans. Et ils font également partie du schéma. J'aimerais m'asseoir parce que cela nous donne également une idée de l'échelle en général. Ici, dans cette image, vous avez beaucoup d' objets répétés comme les chaises. Et ici, ici aussi. De nombreux motifs, par exemple, à travers l'objet, nous créons un mouvement et nous ne faisons que guider le spectateur. Donc, dans cette image, le motif peut ne pas être aussi apparent. Mais c'est surtout lié aux textures. Vous pouvez voir les lèvres en bas. C'est un certain flux pour eux, mais ils ont aussi un modèle. Ils obtiennent de la texture. C'est fluide comme ça et ça crée une impression de texture et de détail par rapport à la même chose ici. Des motifs fluides, des textures fluides et de nombreuses répétitions de formes. Cela nous donne donc généralement une impression de mouvement. devoirs de l'auditeur doivent donc être les mêmes que les précédents, comme je vous l'ai dit précédemment. Tous ces devoirs sont basés sur l'observation, il vous suffit donc de continuer à observer tout ce que vous apprenez dans cette leçon. Vous devrez simplement les comprendre dans les exemples d'images et prendre des nœuds mentaux et physiques. Ainsi, la prochaine fois que vous verrez quelque chose qui vous mieux vous adapter à ces fonctionnalités, utilisez ces principes à votre avantage. Avec cela, passons également à la leçon suivante. 7. Principe V - Proportion: Vous savez, ces peintures où l'on ne sait pas si quelque chose ne va pas, tout ne correspond pas. Le personnage semble un peu trop grand ou beaucoup trop petit par rapport à l'environnement. C'est donc principalement le problème des proportions. La proportion est très importante pour s'agenouiller. Si vous voulez rendre vos images plus crédibles, vos concurrents sont plus crédibles. Les proportions peuvent jouer un rôle important. Vous pouvez utiliser des proportions à peu près partout comme si c'était le cas dans la texture. Avec cette proportion, vous pouvez utiliser l'océan pour montrer la perspective. Examinons donc le sujet en profondeur et voyons comment les maîtres l' ont utilisé et comment certaines des manières courantes de l'utiliser pour améliorer notre composition, la rendre plus crédible et plus fantastique. Allons-y. Proportion. Notre échelle est la relation entre les sujets ou les objets que nous mettons dans la scène ou la composition. Il s'agit essentiellement de différencier ou d'identifier les objets de la scène et de donner à nos spectateurs une idée de l' échelle de l'image. Quelle est la taille de la graine ? Quelle est la taille de la scène ? Ici, sur cette image, vous pouvez voir que nous avons une planète ici. On dirait que Saturne a des anneaux. Nous pouvons donc nous identifier instantanément à l'objet qui s'y trouve, et nous savons instinctivement quelle est sa taille. Comparé à ça. Nous avons également le vaisseau spatial pour le spectateur. Quelle est la taille du vaisseau spatial sur la scène ? Parce que nous avons une planète géante. Et nous avons le vaisseau spatial et d'autres éléments qui nous donnent une idée de l'immensité de la mer. donc de la lumière là-bas aussi. Falsey est tout simplement trop rapide, simplement parce que nous avons introduit la planète dans la scène. Ça nous met instantanément en retard. Et nous pouvons toujours déterminer importance des autres sujets ou objets dans la ville par rapport à ce que nous reconnaissons. Comme vous pouvez le voir ici, il s'agit de répétition, de forme et, d'une manière générale, de montrer la perspective qui s'y nous donner une idée de l'échelle. OK, regardez la deuxième image ou les deux premières têtes, non ? Maintenant. Je veux que tu regardes de près les textures. Sur le col de montagne, nous avons. Ensuite, vous pouvez jeter un œil aux personnages. Puisque nous connaissons le personnage et que nous savons à quel point les humains et les chevaux sont généralement grands. Nous pouvons donc relier cela au reste de la scène. Et nous pouvons instantanément avoir une idée de la taille de la scène, ces textures taille de ces textures, de la taille de ces pierres, etc. C'est donc une façon d'atteindre l'échelle. Vous insérez des objets familiers dans la scène et vous aidez le spectateur à reconnaître la taille des CNA. Et nous pouvons généralement partir de là. Comme si je devais mettre un humain, ajoutons-y un humain. Ainsi, une fois que vous avez inséré des objets familiers, vous aidez le spectateur à comprendre ce que vous essayez de montrer à quel point les objets sont grands par rapport aux objets familiers. Nous pouvons donc retirer cela de la scène et passer à la suivante. 8. Principe VI - Mouvement: Ce serait donc penser à un mouvement dans une image fixe. Comment cela fonctionne-t-il ? Eh bien, écoutons-y et découvrons comment cela fonctionne. Le mouvement ou le flux occupent une place importante dans une composition. Il s'agit généralement d'une idée visant à donner une impression d'action ou de ce qui se passe. La scène est-elle stable ? Instable, où voulez-vous que le spectateur regarde et tout ça ? Nous pouvons donc réaliser des mouvements de nombreuses manières. Encore une fois, passez en revue les couleurs. Nous pouvons introduire des formes actives. Mais idéalement, dans une composition, vous devez avoir beaucoup de lignes directrices. Des lignes directrices sont générées. Des lignes qui vont comme ça. En gros, les points pointent simplement le pur vers un objet ou un sujet que nous voulons qu'ils voient. Ici, dans cette scène. Nous avons beaucoup de lignes directrices au premier plan, comme ici. Ici. Et ici. Tout ce qui mène au sujet. Et le sujet est très centralisé. Et toutes les lignes, toutes les formes nous mènent essentiellement vers Lui. Et les bières. Même les montagnes sont fondamentalement laides qui nous incitent à regarder dans cette direction, à suivre cette direction. Et nous avons une surface inclinée. Cela nous donne donc également un sentiment de déséquilibre. Ici, la scène est équilibrée. Et en bosselant la toile cela indique la surface, nous pouvons créer un déséquilibre dans la scène et lui donner une impression de mouvement ou d'action. Tellement de formes tournées vers l'intérieur pointant vers le personnage, et aussi un lot de six œufs. Vous pouvez toujours introduire des formes en zigzag au premier plan. Et pour simplement créer une sensation de mouvement. Et les enfants, lorsqu'ils peuvent voir les formes , ne font que mener au sujet. Et même leur passage à l'image suivante. Tu peux déjà voir. La surface est légèrement inclinée, même si nous avons une impression d'équilibre à l'horizon. Nous avons toujours une surface inclinée qui nous donne une impression de déséquilibre et nous aide agir ou à bouger sur les lieux. Vous pouvez évidemment voir le personnage et les filets de pêche ici. Ils sont idéaux pour s' équilibrer mutuellement. Mais vous pouvez voir que le personnage est légèrement déséquilibré. Cela crée donc un sentiment de lutte et nous donne le sens de l'action. Vous pouvez également dire que Seal n'est pas calme simplement à cause de la façon dont elle a dit que l' insert et la surface pointent. Cela nous donne donc également une idée de leur lutte sur la scène. Je veux donc que vous preniez en compte tout cela lorsque la planification se fait en C, ajoutiez beaucoup de mouvement à la scène pour que les formes soient surmontées et que vous voyiez. Vous devez planifier la façon dont vous voulez que le spectateur regarde, pour en voir plus. Mais c'est un excellent moyen d'y parvenir. 9. Principe VII - Variété: Je suis sûr que vous pouvez deviner la variété et les queues. C'est assez évident si l'on se fie à l'idée. Mais je suis là pour vous montrer comment vous pouvez intégrer la conception et la composition de vos œuvres d'art. Je pense que certaines d'entre elles pourraient même vous surprendre. Alors plongeons-nous dans le vif du sujet. Ensuite, nous passerons à la variété. La variété peut être constituée de différentes instances d'éléments visuels. La variété peut être avec des couleurs, peut être avec des valeurs. Comme ici, vous pouvez voir des fourgons sombres heurter à des valeurs claires et très lumineuses. Pareil ici. Et pareil ici. Les formes se superposent, créant ainsi une accentuation et un contraste. Et pareil ici. Vous pouvez constater une variété de sujets. Comme si tu avais beaucoup de personnages ici. Vous avez des personnages adultes, et puis vous avez aussi des enfants ici. Bien C'est donc aussi une façon d'apporter de la variété à une scène. Ici, vous avez une grande variété de teintes et de valeurs. Donc, ici, vous avez un ton plus chaud, leur général, puis le fond s'est accordé, cela joue les uns contre les autres et la variété des cerveaux dans la mer. Vous pouvez également voir ici que les ombres se situent face à des services plus lumineux. Même dans le panier, vous pouvez constater une variété de sujets. Toutes les pommes ne sont pas identiques. Elles ont des textures différentes. Et cela apporte également des informations connexes. J'aimerais aussi jeter un œil aux livres. Ils ne sont pas tous pareils. Il y a de la variété entre eux. Certains d'entre eux ont des textures différentes. Pareil partout. Même leurs alignements, comme s'ils n'étaient pas alignés de la même manière. Vous avez une texture séparée là, là aussi. Vous pouvez voir le déroulement de l'arrangement. Si tu voyais une perspective différente, des angles différents. Ils se passent donc comme ça. Ils se comportent également comme ça. Et même les livres ne sont pas tous alignés de la même manière. Cela crée donc également une variété. Donc, sur cette image, vous avez beaucoup de buissons chauds ou de lésions. Mais pour contraster et apporter de la variété. Vous essayez généralement d'introduire des tons plus froids ici. Comme ici, vous pouvez voir variétés de poussettes plus sombres et plus froides pour créer un sentiment de différenciation, si vous voulez. 10. Principe VIII - Harmonie: Nous avons découvert la variété, mais la variété sans harmonie ni unité n'a autant de sens que n' importe quoi d'autre. Il y a donc essentiellement deux faces d'une même médaille. L'un sans l' autre ne peut exister. Passons donc à cette leçon et voyons comment nous pouvons les combiner pour mieux comprendre l'harmonie et comment combiner cela avec variété pour créer quelque chose de plus attrayant. L'harmonie ou l'unité est fondamentalement l' opposé de la variété. C'est l'acte de réunir différents éléments de l'art. Ou il peut également s'agir d'une répétition d'objets. L'harmonie pourrait donc être atteinte de nombreuses manières. Harmonie, lac, couleurs, formes, motifs unificateurs. Et cette image, ici, nous avons beaucoup d' harmonie et de couleurs. Des teintes de couleurs similaires, rassemblant l' ensemble de la composition chromatique de l'image, comme ici, ici. Et ici, la même teinte d'orange ou de rouge. Et puis vous avez des couleurs plus vives. De plus, nous avons beaucoup de jaunes et la toile de fond est plus froide. Cela agit également comme un élément unificateur naturel. Dans la plupart des images. Ici, vous avez une teinte de bleu plus froide. Et ici aussi. Il s'agit donc essentiellement d'une toile de fond pour l'ensemble des sujets. Et ce faisant, il unifie également l' ensemble de la scène. C'est donc une façon de s'y prendre. Ici, dans cette image, nous avons une harmonie de style, des traits ou une efficacité du pinceau, qui le fera ? C'est généralement ce que vous pouvez voir ici. L'interprétation des herbes est très similaire ici et ici. Donc, idéalement, vous voulez que l'image ait un facteur unificateur de style. Comment vous restituez les éléments, comment vous décrivez de telles choses. Une autre façon d' harmoniser les communications unifiées consiste donc à utiliser un ensemble de couleurs analogues. Vous pouvez voir ici ces couleurs résident toutes trop près unes des autres dans la roue chromatique. Ici, vous pouvez voir le bonjour nuances de vert et même le ciel. Je veux que vous portiez une attention particulière au ciel car le ciel ici est également très désaturé. Et cela vient compléter les couleurs que nous avons utilisées dans la scène. Et cette scène. L'harmonie est atteinte par la répétition des sujets. Beaucoup de personnages ici, beaucoup de personnes, beaucoup de monde. Ces sujets rassemblent donc tout. Mais regardez le haut et nuance de bleu séparée qui a été utilisée ici. Donc, parmi toutes les vaches présentes sur la scène, comme ici, il y a une personne ici. Vous pouvez par exemple identifier le facteur de différenciation et ce qui les réunit, même les croix ici. Ils apportent également de l'harmonie dans la mer, avec des formes similaires. Et puis il n'y a qu'un seul sujet distinct du reste du sujet que nous avons ici. Et remarquez également la couleur arminienne ici. OK, nous allons passer à la suivante. Dans cette scène, il y a harmonie et valeurs. ensemble, le CDS était vraiment exposé à des valeurs très élevées. Et c'est le stock cible. Et vous voyez, vous pouvez voir à quel point tout, sauf ça, est vraiment brillant. Donc, en utilisant un ensemble de valeurs, modifiez votre scène et définissez-les. C'est une exposition élevée, une faible exposition, des éléments comme ceux-ci peuvent également apporter de l'harmonie à votre scène. 11. Principe IX - Rythme: Le rythme est un motif arrangé certaines manières qui crée un mouvement dans la scène. Alors, qu'est-ce que je veux vraiment dire par là ? Regardons donc les exemples et j'essaierai de comprendre comment cela fonctionne et comment il peut être utilisé en compilation. Alors allons-y. Le rythme peut être décrit comme une combinaison de mouvement et de mieux. Vous voyez donc que le datum crée essentiellement un flux dans l'image qui est agréable à regarder comme celui-ci. Dans ce Van Gogh, les gamètes peuvent percevoir de nombreux modèles, mais ils les suivent, suivent leurs émotions. Vous pouvez sentir le mouvement. Ainsi, dans cette image également, de nombreuses formes fluides produisent essentiellement du mouvement. Ici. C'est là que l' idée générale est de créer idéalement une variation non uniforme des motifs qui nous donne une impression de mouvement dans l'image. C'est un sujet un peu difficile à définir correctement. Mais vous savez, une fois que vous l'avez vu ici, vous pouvez également voir toutes les formes qui le suivent . C'est une réputation pour des sujets comme celui-ci, suivent une perspective qui crée une impression de mouvement. C'est aussi une forme de rythme. Une pièce non uniforme est très importante. Parce que c'est comme un signal musical, mais selon un motif non uniforme sur l'image. Comme ça. Pour créer une sensation de mouvement, insérez-vous dans la composition. Vous pouvez également le voir ici. Les formes qui se succèdent amènent finalement à moins aborder le sujet principal que nous essayons de mettre en avant. Il y a beaucoup de changements vers l'intérieur. Et là aussi, on en arrive aux personnages. Il s'agit donc essentiellement d'une autre façon de provoquer un mouvement inosine. Cela nous amène donc à la fin de tous les principes de conception que j'ai mentionnés ici. Il y en a d'autres, comme deux ou trois, que vous pouvez trouver en recherchant sur Google. Mais le fait est que tous les principes de conception sont corrélés et qu'ils soit simplement des variantes les uns des autres soit simplement identiques, comme dans des emballages différents. Alors, comprenez simplement cela. Ils sont tous liés. Ils interagissent tous les uns avec les autres. Et au fur et à mesure que vous approfondissez, continuez à approfondir ces sujets. Vous finirez par comprendre que l'un ne peut pas vraiment exister sans l'autre. Alors, avec ça, passons à la fin de la leçon et je vous y verrai. 12. Conclusion: Très bien, cela conclut tout ce que vous devez savoir sur les principes de conception. Essayez de ne pas considérer les principes comme quelque chose qui soulève la question. En fait, c'est tout le contraire. Les principes sont, à mon avis, très souples par nature. Ils sont très interconnectés les uns avec les autres. Et beaucoup de principes peuvent et ne peuvent pas s'influencer mutuellement d' une manière très cohérente par nature. Donc, plus vous essayez de suivre cela, de remarquer, d'observer ce genre de choses. Ce qui va finir par se passer, c'est que vous allez essayer de le remarquer. Cela essaiera, vous commencerez à remarquer beaucoup plus de nuances dans leurs relations que cela n'arrive tout le temps. Ainsi, plus vous remarquerez ces choses, plus vous serez en mesure de les appliquer dans votre peinture. Mon objectif ici est donc simplement de vous présenter le concept des principes. Et en vous les présentant, vous serez, espérons-le, en mesure d'y réfléchir activement. Et tout en remarquant quelque chose, en observant quelque chose ou en essayant simplement de trouver une solution de conception, vous y penserez activement. Et cela, à son tour, vous aidera beaucoup le processus de prise et dans la création de meilleurs designs. En utilisant les principes de conception, vous serez en mesure d'analyser et d'en retirer beaucoup plus de dessins que vous appréciez réellement et de les impliquer activement. Mettez-les en œuvre dans vos propres peintures. Avec cela, vous êtes maintenant prêt à passer au cours suivant, qui portera sur les fondamentaux. La raison pour laquelle j'ai choisi d'introduire les principes de conception avant les fondamentaux est qu'il y a une raison. La principale raison pour laquelle j'ai choisi de le faire est essentiellement que le principe de conception vous introduit de nombreuses nouvelles nuances qui s'appliquent aux fondamentaux. Voici donc les paramètres que nous allons utiliser pour appliquer les principes fondamentaux à nos œuvres d'art. C'est pourquoi j'ai pensé qu'il valait mieux les connaître, connaître les principes à l' avance avant de passer aux fondamentaux. Et dans mon cours de fondamentaux, qui sera bientôt disponible, vous en utiliserez un grand nombre pour analyser le fonctionnement des fondamentaux. exemple, la façon dont l'accent, l'accent, le contraste, etc. peuvent être utilisés dans l'éclairage, peuvent être utilisés parallèlement à l'éclairage. Comment l'éclairage peut être utilisé pour mettre en valeur certaines choses. Comment les couleurs peuvent être utilisées pour mettre en valeur certaines choses ou quelque chose. En cours de route, comme pour tous les principes fondamentaux, utilisez activement les principes de conception d'une manière védique, cohérente et vraiment intégrée. Disons. Si vous n'êtes pas sûr de quoi que ce soit, essayez simplement de suivre le cours une fois de plus. Je sais que pour certains d'entre vous, ce serait un tout nouveau territoire. Et il faudra un certain temps pour être absorbé, il faudra un certain temps pour réfléchir activement à ces choses. Donc, si vous n'êtes pas sûr de certaines choses, reprenez le cours. Et même dans ce cas, quelque chose n'a aucun sens. N'hésitez pas à m'envoyer un message et je ferai de mon mieux pour y répondre également. Sur ce, je vais prendre ma feuille de route et je vous verrai très bientôt au prochain cours. Bonne peinture. Et j'espère que tu prendras bien soin de toi.