Principes de base de l'art de fond pour l'animation : passer du débutant au pro

1. Principes de base de l'art de fond pour Art: Bonjour, bienvenue sur les principes fondamentaux de l'art d' arrière-plan pour l'animation. Un guide complet sur la création d' œuvres d'art de qualité professionnelle pour un film d'animation ou une émission de télévision. Ce cours est également un guide complet sur les spécifications professionnelles exactes d' un artiste de fond dans un studio d'animation. Je m'appelle Siobhan. Je suis l'un des meilleurs professeurs sur Skillshare et j'ai plus de 15 ans d'expérience tant qu'artiste de fond dans l' industrie de l'animation à Dublin. J'ai créé ce cours pour vous aider si vous êtes déjà illustrateur numérique, mais que vous avez l'impression qu'il vous manque certains éléments fondamentaux dans vos œuvres d'art. Ou vous voulez être en mesure de constituer votre portfolio et de le montrer à des studios d'animation. J'ai également veillé à ce que ce cours soit parfait pour les débutants qui souhaitent se plonger dans le monde de l'art numérique et commencer leur parcours pour devenir un artiste de fond professionnel. Aujourd'hui, vous allez apprendre exactement ce que c'est que de travailler dans l'industrie. Vous découvrirez les caractéristiques professionnelles exactes d'un artiste de fond ce que vous ferez chaque jour en studio, ainsi que ce que l' on attend de vous en termes de flux de travail et d' œuvres d'art que vous produisez. Vous apprendrez également les principes fondamentaux d'un bon design. Je vais vous enseigner les concepts utilisés dans la production cinématographique, et ces concepts formeront votre cadre pour l'art de fond afin de vous assurer que vous créez des œuvres qui soutiennent l'histoire ainsi que des œuvres d'art belles à regarder. Après cela, je vais vous enseigner les compétences exactes que vous devez développer. Vous apprendrez à effectuer des recherches visuelles. Vous apprendrez sur quelles compétences de dessin vous concentrer et sur quelles compétences de peinture vous concentrer. L'art numérique peut être extrêmement vaste, mais en vous concentrant sur les bonnes compétences, vous serez en mesure de constituer votre portfolio très rapidement. Ensemble, nous allons examiner les quatre principaux pièges auxquels se heurtent tous les débutants, afin que vous puissiez éviter ces erreurs courantes et créer des œuvres d'art plus professionnelles. Dans la dernière section du cours, nous allons rassembler toutes ces connaissances et travailler sur un projet de classe majeur. Vous allez pouvoir dessiner la mise en page et peindre l'arrière-plan final de ce village viking. Non seulement ce sera un énorme portfolio pour vous, ce sera aussi quelque chose que vous pourrez montrer aux clients et aux studios. Parce que cette expérience démontre tous les aspects et compétences importants dont vous avez besoin pour être embauché. Mon objectif dans ce cours n'est pas seulement de vous aider étape par étape tout au long du processus d'apprentissage de cet ensemble de compétences unique et apprécié. Mais je tiens également à m'assurer qu' partageant ma propre expérience professionnelle, vous puissiez avancer en toute confiance dans votre carrière artistique et franchir les prochaines étapes pour devenir un artiste professionnel de fond dans le domaine de l'animation. 2. Introduction: Dans cette introduction, je vais expliquer comment le cours est structuré, comment aborder chaque section, et je souhaite également expliquer le pack de pinceaux que je vous ai laissé. La première section de ce cours porte sur les outils du métier et sur les caractéristiques professionnelles réelles d'un artiste de fond en activité. Je vais vous expliquer ce que vous allez faire en studio et je vais détailler les principes de conception clés avec lesquels vous devez travailler pour créer des œuvres d'art professionnelles. Je vais expliquer spécifiquement la différence entre l' illustration et l'art de fond. Je vais expliquer des termes courants tels que artiste de fond, artiste conceptuel, concepteur d' environnement, maquettiste afin qu'il n'y ait aucune confusion et que vous sachiez exactement ce que vous ferez en studio lorsque vous serez embauché. Ensuite, dans la deuxième section, je souhaite expliquer les compétences de base d'un artiste de fond. Ce n'est peut-être pas ce à quoi vous vous attendez. Je l'ai ramené aux compétences de base absolues sur lesquelles vous devez travailler et que vous devez développer. Nous allons éliminer toutes les complications, nous allons définir clairement les principaux points sur lesquels vous devez vous concentrer pour vous améliorer rapidement. Ensuite, dans la dernière section, nous utiliserons toutes ces connaissances et les utiliserons sur une peinture de fond majeure. Maintenant, ne vous inquiétez pas si cela vous semble un peu accablant, détaillé et complexe. Je vais vous guider étape par étape tout au long du processus. Dans ce cours, nous faisons d'abord un dessin de mise en page, mais vous pouvez utiliser mon propre dessin de mise en page si vous souhaitez simplement vous entraîner à peindre. Je suis parfaitement conscient que tous les peintres d'arrière-plan ne s' intéressent pas aux dessins de mise en page. C'est très bien si vous décidez de vous concentrer uniquement sur la couleur et la peinture. Mais je vous encourage à regarder les vidéos de dessin afin de connaître le processus et les étapes à suivre pour travailler dans un studio professionnel. Si vous êtes capable de réaliser à la fois le dessin et la peinture numérique, vous aurez deux pièces remarquables pour votre portfolio. Cela montrera aux studios que vous pouvez dessiner n'importe quoi et que vous avez une compréhension très claire de l'ensemble du processus de production. Tout au long du processus de peinture, je vais utiliser un certain nombre de pinceaux de texture. Si vous avez suivi l'un de mes autres cours de design de base, il est probable que vous possédiez déjà la plupart de ces pinceaux. Mais j'ai conservé les pinceaux spécifiques que j'utilise dans ce cours dans un pack distinct. Ce que vous pouvez faire, c'est accéder à l' onglet Projets et ressources sur le bureau, y télécharger le fichier, puis simplement faire glisser ce fichier sur votre icône Photoshop et le relâcher. Lorsque vous ouvrez le panneau des pinceaux, vous verrez ce dossier ajouté en bas de la pile. Ensuite, lorsque vous aurez terminé votre projet, assurez-vous de le publier dans la section projet. Je serais très heureuse de vous faire vos commentaires ou de répondre à toutes vos questions. Maintenant, juste une remarque, j'ai volontairement laissé mon tableau final vide de tout, parce que je veux que vous essayiez d'y ajouter d'autres éléments. À la toute fin de ce cours, je vais vous lancer le défi d'ajouter d'autres accessoires vikings à votre arrière-plan. Vous pourriez mettre dans le long bateau du port, par exemple , un chariot en panne ou une pile d'armes cassées, tout ce dont vous pensez avoir besoin pour cette formation. J'adorerais voir votre interprétation du brief et voir ce que vous en proposez. 3. Les outils d'un artiste de fond: Dans cette leçon, je vais expliquer les outils dont vous aurez besoin à la fois pour ce cours et pour tout travail que vous réaliserez en tant qu'artiste de fond. Les principaux outils que je souhaite souligner sont vos outils logiciels et matériels, ainsi que les pinceaux. Personnellement, je vais travailler dans Adobe Photoshop pour ce cours. Mais vous pouvez utiliser n'importe quelle application de peinture numérique que vous aimez, et vous pouvez me suivre. Puisque nous allons nous concentrer sur les compétences et les approches spécifiques que vous devez développer en tant qu'artiste de fond. Le logiciel n'a pas beaucoup d' importance, tant que vous pouvez appliquer ces techniques à l'application spécifique sur laquelle vous travaillez. Si je choisis Photoshop plutôt que Procreate ou toute autre application, spécialement pour cette classe en particulier, c'est parce qu'Adobe Photoshop est la norme de l'industrie. Si vous souhaitez présenter votre travail à un studio potentiel et décrocher un emploi en tant qu'artiste de fond, ce sera une grâce de pouvoir leur démontrer que vous pouvez utiliser logiciels de qualité professionnelle tels que Photoshop. dessins d'arrière-plan pour les studios d'animation professionnels sont presque toujours réalisés dans Photoshop. La raison principale, outre le fait qu' il s'agit d'un programme très robuste, peut créer des fichiers de grande taille avec peu ou pas de problèmes. Mais la principale raison est que, dans un arrière-plan donné, vous devez être capable de travailler avec plusieurs, voire des dizaines de multiples couches. C'est vraiment là que je pense que Photoshop a une longueur d' avance en termes de capacité à gérer dynamiquement un si grand nombre de couches. En animation, non seulement toutes ces couches sont nécessaires pour créer des peintures complexes, mais très souvent, certains éléments de l'arrière-plan doivent être animés eux-mêmes, et pour cette raison, ils doivent figurer sur des couches distinctes. Si vous êtes déterminé à apprendre l'art de la conception d'arrière-plan, je vous encourage vivement à essayer Photoshop. Tu n'es pas obligée de l'acheter. Vous pouvez le tester pendant quelques semaines et voir si vous l'aimez. L'autre outil dont vous aurez besoin, et celui-ci que vous ne pouvez pas vraiment utiliser est d'avoir une tablette à dessin et un stylet. Si vous utilisez un iPad, vous aurez besoin d'un crayon Apple. Mais si vous utilisez un ordinateur portable ou un ordinateur de bureau, vous pouvez vous procurer une tablette à dessin bon marché. Mais encore une fois, je pourrais vous encourager à investir dans un appareil décent et de bonne qualité, comme un Wacom. Ma configuration est très, très simple. J'utilise une Wacom Intuos Pro. Ce n'est rien d'extraordinaire. Je l'ai depuis des années et il ne m'a jamais déçue, et c'est génial. Je le recommande vivement. Ensuite, le dernier outil que je souhaite mettre en avant est votre pack de pinceaux. Maintenant, il a été dit à de nombreuses reprises que vous devriez être capable de peindre quelque chose complexe avec les simples pinceaux par défaut de Photoshop. Mais soyons honnêtes, vous voulez disposer d'une vaste sélection de pinceaux de texture afin de créer rapidement une large gamme de textures. Pour ce cours, je vous ai laissé quelques packs de pinceaux à télécharger, à expérimenter et utiliser dans votre propre projet de classe et dans vos travaux futurs. Mais je veux aussi que vous sachiez où trouver des pinceaux et où vous pouvez commencer à créer votre propre bibliothèque de pinceaux. Mon site de prédilection pour trouver de superbes packs de pinceaux est Gumroad. Je vous recommande d'acheter vos packs de pinceaux auprès d' artistes là-bas. ArtStation est un autre endroit que vous pouvez également consulter. Faites certainement vos recherches, investissez dans des packs de pinceaux que vous pensez utiliser et sachez simplement qu' il existe des tonnes de ressources pour vous. Vous n'êtes pas obligé de vous limiter à ce que vous avez dans Photoshop ou dans l'application dans laquelle vous travaillez. Je ne veux pas que tu aies l'impression que cela te restreint. Dans la leçon suivante, je vais vous donner un bref aperçu de mon propre espace de travail Photoshop et de la façon dont vous pouvez configurer le vôtre pour qu'il ressemble au mien. 4. Aperçu de l'espace de travail: Dans cette leçon, je vais passer en revue mon espace de travail Photoshop spécifique façon dont je l'ai configuré pour que vous puissiez faire correspondre votre espace de travail au mien si vous me suivez vous-même dans Photoshop. Je vais ouvrir mon Photoshop. Une fois chargé, l'écran d' accueil par défaut s'ouvre. Je vais aller ici dans Nouveau fichier et cliquer dessus pour commencer. Je vais les remplacer par, allons-y, avec une taille de toile normale de 1920 x 1080, qui est à peu près la taille d'écran par défaut standard. Si vous vouliez les saisir, vous pouvez saisir les chiffres ici. La seule autre couleur que vous souhaiterez peut-être modifier est la couleur RGB. Assurez-vous simplement que c'est en RGB et non en CMJN ou en niveaux de gris ou quoi que ce soit d'autre. La couleur RGB est le profil de couleur de toute illustration d'écran. Travaillons en RGB. Cliquez sur « Créer », puis voici comment mon Photoshop est configuré. Je voulais souligner que si vous arrivez ici cette petite icône et que vous cliquez dessus, cette mise en page est enregistrée comme espace de travail de Siobhan. Disons que vous vous ouvrez et que vous êtes sur quelque chose qui ressemble un peu à ça. Laisse-moi fermer ça. Peut-être que le vôtre ressemble à quelque chose comme ça. Essentiellement, vous aurez tous vos outils de dessin, de peinture, de manipulation et d'édition sur le côté gauche de votre écran. Sur la droite, vous aurez un tas de panneaux. Personnellement, lorsque je crée des œuvres d'art, comme des arrière-plans pour des animations , je préfère des arrière-plans pour des animations avoir le plus d' espace possible sur l'écran. La première chose que je fais, c'est que j'ai tendance à réduire ces menus sur le côté. Toutes ces icônes sont plus petites. Cependant, je vais récupérer quelque chose comme des couches et je vais simplement cliquer dessus et les faire glisser. Je vais m'assurer que cela soit bien visible. Je vais le faire glisser jusqu'à ce que je voie cette ligne bleue sur le côté droit, puis je vais le relâcher. Maintenant, ce sera sur son propre document, si vous le souhaitez. L'autre panneau que j'aime ouvrir est mon panneau de couleur. Puisque ce n'est pas là, et c'est un bon exemple de ce qu'il faut faire. Si vous constatez que quelque chose que vous recherchez n'est pas déjà imbriqué dans la droite, vous pouvez simplement accéder à Window et le rechercher à partir de ce menu déroulant. Voici la couleur. Je vais cliquer dessus, et ça s'ouvre comme une fenêtre flottante. Encore une fois, je vais cliquer dessus et le faire glisser. Cette fois, je vais l' imbriquer en haut des couches supérieures. J'ai maintenant plusieurs couches et j'ai ma couleur. Ce sont vraiment les deux fenêtres les plus importantes auxquelles je dois pouvoir accéder tout au long du processus. Maintenant, sachez simplement que votre fenêtre de couleurs peut ne pas être la même que la mienne. Ce n'est pas un problème. Le vôtre pourrait très bien ressembler à ceci. Ou parfois, il peut s' afficher comme ça. En réalité, il s'agit simplement d'une façon de visualiser le spectre des couleurs. Personnellement, j'aime le regarder dans cette roue chromatique, car cela me permet comprendre rapidement de comprendre rapidement où se trouve ma couleur et aussi où se situe la saturation de cette couleur luminosité ou son obscurité. Ce curseur supérieur où il est écrit H, c'est la teinte. Essentiellement, vous pouvez le faire glisser et vous remarquerez que ce petit curseur tourne autour du volant. Disons que vous vouliez un vert, c'est bon. Sur ce curseur, vous pouvez régler la saturation, sorte qu'elle soit complètement désaturée ou qu'elle soit verte très fortement saturée. Sur ce curseur, où il est écrit B, vous pouvez régler la luminosité. Essentiellement, cela peut aller jusqu' à la version la plus sombre, qui est noire. Vous pouvez le faire glisser vers la version la plus claire de cette teinte. Ensuite, sur le côté droit, vous trouverez vos pinceaux, vos outils de dessin et vos outils de gomme. Au fur et à mesure que nous avancerons dans le cours, et que nous aborderons étape par étape l'ensemble du processus de dessin et de peinture, j'expliquerai chaque étape j'expliquerai chaque étape et j'expliquerai tous les outils utilisés. Mais je veux juste que vous sachiez que les principaux outils avec lesquels nous allons travailler sont le pinceau. Si vous cliquez dessus ou si vous appuyez sur B votre clavier, le pinceau apparaîtra. Ici, vous pouvez définir la taille ou la forme du pinceau, différents paramètres comme ça. Vous pouvez également apparaître ici et modifier l'opacité du pinceau que vous utilisez. Vous pouvez modifier le flux. En général, je ne modifie jamais la fluidité du pinceau, mais je réduis souvent l' opacité de mon pinceau vers le bas, simplement parce que cela peut aider à peindre et donner de jolis effets d'accumulation. Lorsque vous êtes en mode pinceau, vous pouvez également cliquer avec le bouton droit de la souris n'importe où sur le canevas avec le pinceau sélectionné, et cela vous donnera un accès très rapide à votre menu de pinceaux. Plus tard, je parlerai des pinceaux que je vous ai laissés. J'ai un tas de pinceaux de paysage et des pinceaux à peindre, à casser ou à peindre que je vous laisse télécharger. Vous pouvez les expérimenter , en essayer différents et voir lesquels vous donneront les effets que vous recherchez. Lorsque vous peignez et que vous mélangez ou mélangez des couleurs à tout moment, comme vous pouvez le constater, si l'opacité est faible, vous pouvez recouvrir la couleur et créer une toute nouvelle couleur, essentiellement. L'un des flux de travail que j'aime beaucoup utiliser est que lorsque je travaille avec le pinceau, je peux maintenir la touche Option ou Alt enfoncée sur votre clavier. Il s'agit de basculer entre l'outil que vous utilisez et la pipette. Si je suis en mode pinceau et que j'appuie sur Option ou Alt, je peux rapidement sélectionner la nouvelle couleur sur ma toile et peindre avec elle, ce qui permet un mélange vraiment agréable. Un autre outil que je tiens à souligner et à m' assurer que vous le savez peut identifier où il se trouve sur votre clavier. Eh bien, deux autres outils, mais le premier est le stylo en bas. Appuyez simplement sur P sur votre clavier et cela devrait faire apparaître le stylet. Pour utiliser le stylet, il suffit littéralement de cliquer et de faire glisser le pointeur sur ces points vectoriels. Une fois que vous cliquez sur n'importe quel espace de votre toile, un point vectoriel est créé. Si vous cliquez et faites glisser en même temps, vous pouvez créer des poignées. Ces poignées peuvent être déplacées pour modifier la forme de la courbe que vous dessinez. Si vous regardez ici, il y a un échantillon blanc sous mes échantillons, et c'est pourquoi cette forme semble ne rien contenir, mais elle est en fait remplie de blanc. Pour en changer la couleur, double-cliquez simplement sur l'icône de la couche et choisissez une nouvelle couleur dans votre sélecteur de couleurs. Cliquez sur « OK ». L'autre outil avec lequel nous travaillerons beaucoup pour peinture est l'outil lasso. Ici, vous pouvez cliquer et maintenir cette icône et vous verrez qu' il existe trois types d'outils Lasso . Il y a le lasso régulier, le lasso polygonal et le lasso magnétique. Je n'utilise jamais vraiment celui magnétique. J'ai juste travaillé entre le lasso normal et le polygone. Mais j'expliquerai plus en détail comment travailler avec ceux-ci lorsque nous aborderons une autre section dans une section ultérieure de la classe. Faites-moi savoir si vous avez des questions sur configuration de votre propre espace de travail Photoshop. Quand tu seras prête, je te verrai dans la prochaine leçon. 5. Utiliser les outils de peinture et de dessin: Dans cette leçon, je souhaite passer en revue certains des outils spécifiques que j' utiliserai tout au long de ce cours et vous donner un bref aperçu au début afin que vous sachiez à quoi vous attendre lorsque vous les utiliserez, mais je vous expliquerai étape par étape, chacun des outils du processus de dessin et de peinture plus tard. Mais vous pouvez ajouter cette leçon à vos favoris et y revenir si l'un des outils avec lesquels vous travaillez ne ressemble pas tout à fait au mien. Les principaux outils de dessin et de peinture que j'utilise sont l'outil Lasso, l'outil Pen, l'outil Brush et l'outil Bucket. Un autre outil que j'aimerais souligner est l'Eyedropper, ou outil de sélection de couleurs. Passons en revue chacun d'eux maintenant. L'outil Lasso, qui correspond à la lettre L de votre clavier, se trouve ici. Si vous appuyez sur « L », vous verrez qu'il est sélectionné. Il suffit de passer au-dessus de l'outil, de cliquer et de le maintenir enfoncé, et vous verrez qu'il en existe trois types différents : régulier, polygonal et magnétique. Le Lasso classique vous permet de dessiner des courbes à main levée, un peu comme si vous dessiniez avec un crayon ou un stylo. Ce qui se passe, c'est que vous obtenez une sélection basée sur ce que vous venez de dessiner. Vous pouvez soit remplir cette sélection, appuyer sur « G » de votre clavier pour faire apparaître l' outil Bucket, qui se remplira soit appuyer sur « G » de votre clavier pour faire apparaître l' outil Bucket, qui se remplira avec la couleur qui se trouve au premier plan de vos échantillons ici. Mais vous pouvez également l'utiliser pour créer des effets de peinture intéressants. Si j'appuie plutôt sur « B » sur mon clavier, que j'ouvre l'outil Pinceau et que je choisis l'un de mes pinceaux, vous verrez qu'il offre une façon unique de peindre et de créer des formes. Le polygone Lasso dessine une forme d'un point à Vous devez donc cliquer sur le canevas créer les points , puis vous pouvez le fermer lorsque vous avez terminé. Ensuite, votre sélection est active et vous pouvez procéder exactement de la même manière qu'auparavant. Vous pouvez utiliser l'outil Pinceau ou l'outil Paint Bucket , selon votre choix. Il existe maintenant un moyen de combiner à la fois le polygone et le Lasso régulier lorsque vous dessinez. C'est très pratique et c'est quelque chose que j' utilise beaucoup si je dessine une forme complexe qui nécessite ou nécessite fois une ligne droite et une ligne courbe. Vous verrez que je l'utilise beaucoup dans les dernières étapes de ma peinture de fond. Mais je voulais vous montrer comment procéder maintenant, alors laissez-moi créer une nouvelle couche. Appuyez sur « L » sur mon clavier et je suis actuellement en mode Polygone de l'outil Lasso. Je vais commencer à cliquer sur une forme et j'obtiens mes belles lignes droites. Mais si, à ce stade, je voulais créer une ligne courbe, je vais maintenir enfoncée la touche Option ou Alt votre clavier et commencer à tracer une ligne courbe comme celle-ci. Je vais relâcher Option ou Alt , puis je reviens dans la ligne droite. Appuyez sur Alt ou Option pour obtenir cette belle courbe. En gros, maintenir la touche Option ou Alt enfoncée vous permet de basculer entre le Lasso normal et le Lasso polygonal. Voyons voir. Cela fonctionnera également si nous sommes dans le Lasso normal. Je dessine une ligne courbe et maintenant je veux une ligne droite et je veux maintenir enfoncée Option ou Alt de votre clavier. C'est l'outil Lasso. C'est très utile pour dessiner et peindre L'autre outil que j'utilise pour dessiner et peindre est le stylo. Je vais appuyer sur « P » sur mon clavier et cela le sélectionnera juste là. Si vous cliquez dessus et maintenez la touche enfoncée, vous pouvez voir qu'il existe différents types d'outils Pen, de la même manière qu'il existe différents outils Lasso. Je m'en tiens généralement à l'outil Pen ordinaire. C'est un outil formidable. Vous pouvez cliquer sur votre toile pour créer ces points vectoriels, puis cliquer et faire glisser pour créer ces poignées. Une fois ces poignées créées, vous pouvez les modifier en maintenant la touche Option ou Alt enfoncée sur votre clavier, puis faisant glisser vos points vectoriels. Une fois que vous avez créé la forme et que vous souhaitez y revenir et modifier certains points vectoriels, cliquez sur la forme elle-même. Vous verrez que la forme est désormais active, puis maintenez la touche Commande ou Contrôle enfoncée sur votre clavier. Cela fera apparaître l'outil de sous-sélection puis si vous cliquez sur les points, vous pourrez les modifier directement, les saisir, déplacer les poignées si nécessaire. C'est donc l'outil Pen. Maintenant, la seule chose que je veux mentionner à propos de l'outil Pen est que vous devez vous assurer que vos paramètres sont les mêmes que les miens. Montez au sommet ici. En haut, vous trouverez les propriétés de chaque outil que vous sélectionnez. J'ai toujours réglé le mien sur la forme, pas sur le chemin ou les pixels. L'autre chose à faire est de vous assurer que votre remplissage est actif, mais que votre trait ne l'est pas. Je ne dessine jamais avec l' outil Stylo avec un trait activé, alors venez toujours ici et assurez-vous cliquer sur cette case afin que le trait ne soit pas actif. Maintenant, l'outil Bucket est assez simple, très simple. Il s'agit simplement d'un G sur votre clavier et il remplit essentiellement tout l'espace ou toute la sélection. L'outil Pinceau, donc si vous cliquez sur « Dash » ou sur « B » de votre clavier, le pinceau apparaît. Ici, vous pouvez définir la taille ou la forme du pinceau, différents paramètres comme ça. Vous pouvez également venir ici et modifier l'opacité du pinceau que vous utilisez et vous pouvez affecter le flux. En général, je ne modifie jamais la fluidité du pinceau, mais je réduis souvent l' opacité de mon pinceau vers le bas, car cela peut aider à peindre donner de jolis effets d'accumulation. Lorsque vous êtes en mode pinceau, vous pouvez également cliquer avec le bouton droit de la souris n'importe où sur le canevas avec le pinceau sélectionné, ce qui vous donnera un accès très rapide à votre menu de pinceaux. Lorsque vous peignez et que vous mélangez ou mélangez des couleurs à tout moment, comme vous pouvez le constater, si l'opacité est faible, vous pouvez peindre par-dessus une couleur et créer essentiellement une toute nouvelle couleur. L'un des flux de travail que j'aime beaucoup utiliser est que lorsque je travaille avec le pinceau, je peux maintenir la touche Option ou Alt enfoncée sur votre clavier. Il s'agit d'un basculement entre l'outil que vous utilisez et l'Eyedropper. Si je suis en mode pinceau et que j'appuie sur Option ou Alt, peux rapidement sélectionner la nouvelle couleur sur ma toile et peindre avec ce qui permet un très bon mélange. Faites-moi savoir si vous avez des questions sur la configuration de votre propre espace de travail Photoshop. Lorsque vous serez prêt, je vous recontacterai dans la prochaine leçon. 6. La spécificité de l'artiste de fond: Dans cette leçon, je veux vous donner une idée de ce à quoi ressemblera exactement votre travail lorsque vous serez embauché par un studio d'animation et deviendrez un artiste de fond. Au quotidien, un artiste de fond ne crée pas nécessairement de grands environnements et des peintures numériques. Il est vraiment plus probable que vous peigniez arrière-plans en fonction d'un environnement donné. Vous créez toujours de nouvelles œuvres d'art, mais vos peintures seront basées sur des œuvres existantes. Il existe essentiellement une séparation des tâches entre un artiste conceptuel ou un directeur artistique, un maquettiste et un peintre d'arrière-plan. Le directeur artistique est généralement l'artiste qui créera l'aspect général de l'exposition et c'est quelqu'un qui peindra les principaux lieux clés. Les lieux clés sont les très grands tableaux qui déterminent la palette de couleurs, l'ambiance et l'atmosphère. s'agit généralement de prises de vue grand angle de chacun des lieux où se déroule l'histoire. Sur certaines productions, pas toutes, mais sur certaines productions, une autre personne appelée maquettiste peut être appelée à tracer des lignes détaillées de ces scènes importantes. Cependant, dans la plupart des expositions, l'artiste de fond peut être appelé à la fois à dessiner un plan ou une scène en ligne et à le peindre. Vos compétences doivent certainement être capables de couvrir des lignes épurées ainsi que des couleurs éclatantes dans votre peinture. Supposons que dans une émission, vous ayez environ 10 lieux clés déjà déterminés, qu' ils aient été peints par le directeur artistique, et que vous ayez également un storyboard verrouillé qui a été terminé en pré-production et qui montre exactement chaque plan où se trouvent les personnages et d'autres choses du genre. Ce storyboard donnera également une indication, pas toujours exacte, plupart du temps juste une indication de ce que sera l'arrière-plan. Ce qui se passe alors, c'est que chaque scène vous sera attribuée comme indiqué dans le storyboard plan par plan et que vous devrez créer arrière-plans pour chaque scène en fonction la direction artistique et des lieux clés. Par exemple, sur cette photo, il s'agit d'un emplacement clé de la cabine des pirates à bord du navire, mais dans le storyboard, il se peut qu'il y ait une photo, par exemple, de ce coin. Vous devrez être capable de le visualiser sous cet angle, faire un dessin au trait, de le montrer au réalisateur, faire approuver, puis de le peindre en utilisant les couleurs et les éléments déjà créés dans ce tableau principal. En tant qu'artiste de fond, vous devez également être capable d'apporter rapidement des modifications et des révisions à votre travail et c'est un élément clé du travail. Dans le flux de travail, cela se passe généralement comme suit. Il faut une journée pour peindre un arrière-plan. Vous enverrez ensuite ce contexte au directeur artistique pour qu'il l'approuve. Vous marquez cela comme terminé sur la feuille d'appel, puis vous venez le lendemain et vous consultez la feuille d'appel pour voir si ce contexte a été revu et, dans consultez la feuille d'appel pour voir si l'affirmative, quelles sont les notes ? Il peut y avoir des notes, comme déplacer la table vers la gauche parce que le capitaine a besoin de plus d'espace pour entrer, ou vous pourriez recevoir une note indiquant que cet arrière-plan ne correspond pas au précédent parce qu'il est le mauvais angle, puis vous devrez le modifier. Vos révisions ne seront jamais vraiment aussi importantes, je dirais, mais vous devez être capable d'inverser rapidement ces révisions et passer à l'arrière-plan suivant. Lorsque vous effectuez des révisions majeures, vous devez enregistrer ce fichier au format VO2, replacer dans le dossier de production et ne jamais enregistrer ni supprimer votre version 1, et ne jamais enregistrer ni supprimer votre version car ils devront peut-être y revenir et l'utiliser à nouveau. Une fois tout cela fait, vous pouvez faire une pause, prendre un thé ou un café, puis vous pouvez commencer sur le nouvel arrière-plan de la journée, qui vous attendra dans votre dossier de tâches et qui sera basé sur le panneau suivant du storyboard. Il s'agit d'un très bref aperçu des caractéristiques professionnelles d'un artiste de fond et j'espère que cela permet de démystifier ou clarifier certains aspects du travail. Essentiellement, lorsque vous débutez en tant qu'artiste de fond, vous travaillez avec des peintures prédéterminées, des concepts prédéterminés. Vous ne créez jamais complètement à partir de zéro, mais dans votre portfolio, vous devez démontrer à une maison de production ou à un studio de production que vous pouvez dessiner quelque chose à partir de zéro, vous pouvez créer de l'art conceptuel et que vous pouvez visualiser et créer un tout nouvel arrière-plan basé sur une simple idée. J'espère que c'est ce que nous allons réaliser ensemble dans ce cours en explorant le contexte du village viking. Mais avant de commencer à dessiner et à peindre le village viking, je vais passer en revue certains des principes fondamentaux que vous devez toujours avoir à l'esprit. Quand tu seras prête, je te verrai dans la prochaine leçon. 7. Les principes de la mise en scène et du cadrage: Dans cette section, je vais aborder concepts et principes les plus importants que vous devez connaître pour créer des illustrations de fond pour l'animation. Ces principes ne sont vraiment pas souvent abordés en tant que cadre cohérent. Vous en entendez parler de l'un ou deux de temps en temps, ou vous pourriez en rencontrer un ici, un autre là-bas. Mais je pense vraiment qu'il est crucial de considérer chacun de ces principes comme cadre permettant comprendre comment créer de bonnes œuvres d'arrière-plan. Vous pouvez les considérer exactement de la même manière que vous pourriez penser aux 12 principes de l'animation si vous êtes un animateur. Je vais aborder les trois principes les plus importants. Le premier et le plus important principe que vous devez connaître lorsque vous créez un arrière-plan artistique est le principe de la mise en scène. À cela, je vais également ajouter le principe du cadrage. Je vais considérer ces deux comme un premier principe, en gros. mise en scène et le cadrage figurent en tête de liste, car votre travail en tant qu' artiste de fond consiste à une scène ou un décor pour les personnages. Votre travail n'est pas vraiment de faire une belle illustration. Une illustration est très différente de l'art de fond pour une animation. Votre travail consiste essentiellement à créer une scène pour que l' action se déroule. En ce sens, votre œuvre doit être conçue de manière à laisser de la place aux personnages, c' est-à-dire à mettre en scène, et à pointer ou à diriger le regard du spectateur vers l' endroit où se trouvent ces personnages, c'est-à-dire le cadrage. La mise en scène est littéralement l'idée que votre parcours est une scène. Vous voulez laisser de l'espace aux personnages pour qu'ils puissent se déplacer s'ils le doivent. Vous devez toujours savoir où se trouvent ces personnages dans une scène donnée. Pour ce faire, vous allez soit dessiner à partir d'un panneau de storyboard, afin que vous le sachiez, soit le réalisateur vous le dira. N'oubliez pas que l' art de fond est un art déjà en production. Ce n'est pas du concept art, c'est de la peinture qui sera en fait utilisée conjointement avec l'animation. Si vous savez que les personnages marchent à l'écran et se tiennent au milieu, ne dessinez ni ne peignez éléments en plein milieu de la scène, peu importe à quel point vous pensez que cela fonctionnerait vraiment et que ce serait vraiment agréable de les avoir là. Gardez l'espace libre et ouvert pour les personnages. Puis le cadrage. Encore une fois, le cadrage signifie comment vous montrez au public ce que vous voulez qu'il voie. Le moyen le plus simple de le faire, si vous peignez un plan un plan large ou un grand angle de scène, est d'utiliser des objets situés sur les bords de votre cadre qui encadrent littéralement le point focal central ou le point d'intérêt, où que ce soit. D'une autre manière, si vous créez un plan différent, pas nécessairement un plan d' établissement, vous pouvez également utiliser ce que l' on appelle des lignes directrices. C'est là que les éléments de l'arrière-plan sont alignés de manière à pointer dans une direction spécifique. Ils créent des lignes presque imperceptibles pour le public. Ils ne sont pas évidents, mais ils sont efficaces pour attirer l'attention vers la zone de l'écran que vous souhaitez afficher. 8. Le principe de la composition: Ensuite, nous avons la composition, le principe de la règle des tiers. Maintenant, la règle des tiers est si simple, mais je voudrais vous donner quelques idées alternatives à ce sujet, ou du moins vous donner autre chose à réfléchir. Il ne fait aucun doute dans mon esprit que vous connaissez déjà la règle des tiers. C'est juste constamment mentionné comme le moyen de configurer votre dessin. Mais si vous ne savez pas ce que c'est, appuyez simplement. C'est une façon de diviser le cadre ou l'écran en tiers égaux qui nous permet de créer une composition basée sur ces parties distinctes du cadre. fait de placer votre point focal ou votre point d'intérêt dans l'une de ces sections ou sur l'une de ces intersections, par exemple, permet généralement de créer une image agréable ou intéressante à regarder, plutôt que de simplement centrer les choses de manière statique au milieu. Maintenant, la règle des tiers fonctionne. C'est une bonne composition. Ne vous méprenez pas, je compare toujours mon travail à la règle des tiers. Toutefois, lorsque vous travaillez avec un panneau de storyboard ou une miniature suggérée, en tant qu'artiste de fond, votre composition est le plus souvent déjà déterminée. Comme nous l'avons déjà indiqué en ce qui concerne la mise en scène et le cadrage, votre première priorité est de laisser de la place à l'action. Lorsque vous entendez parler de la règle des tiers et qu'on vous dit de toujours placer vos points d'intérêt sur ces points, souvenez-vous que cela ne s' applique pas toujours au travail d'un artiste de fond. Dans cette leçon, je voulais expliquer que la règle des tiers le cercle magique ou le Fibonacci, peu importe, peuvent créer une image agréable à regarder. Mais en tant qu'artiste de fond, vous n'êtes pas là pour créer une image agréable dans le vide. Vous racontez ou aidez à raconter une histoire beaucoup plus vaste dont cette prise de vue ou cette scène n'est qu'une petite partie. Oui, en tant qu'artiste conceptuel ou illustrateur, c'est une très bonne directive à suivre. Mais comme je l'ai déjà dit, nous travaillons dans le domaine de la production ou de la création artistique Nous devons donc être très attentifs à la place de tout cela et à ce qui est requis en termes d'animation. Lorsque vous prenez la première décision en termes de composition du plan vous devez toujours décider quel est le point de l'histoire de ce plan ou de la scène. Parfois, placer votre point focal au centre est en fait plus important que le point central de l'histoire. En règle générale, un plan composé de manière centralisée peut parfois être considéré comme étant plus organisé, il peut impliquer la tradition, la stabilité, le statu quo, tandis qu'une composition qui privilégie un côté ou l'autre de l'écran implique une scène dynamique, voire un sentiment de conflit, ou un sentiment de voyage et d'excitation. N'oubliez pas qu'en composant votre œuvre d'art, vous souhaitez appuyer les points de l'histoire. Vous pouvez le faire de manière astucieuse en cadrant pour l' attention du spectateur sur l'action et en suivant la composition définie dans le storyboard qui donne la priorité à l'action. 9. Créer l'illusion de profondeur: Le troisième principe que je veux aborder ici est l'illusion des profondeurs. C'est vraiment un principe vital pour l'artiste de fond. Pour moi, c'est encore plus important que la règle des tiers. Vous devez toujours réfléchir à la manière dont vous pouvez créer une illusion de profondeur dans votre travail pour une raison simple. est l'illusion de profondeur qui va aider votre spectateur à sentir qu'il peut entrer dans le monde que vous êtes en train de créer. C'est un aspect extrêmement important de l'animation. Dans un monde animé, tout est possible et votre public veut croire que c'est réel et qu'il peut presque entrer dans cet autre monde et en faire l'expérience. Il existe de nombreuses façons de créer l'illusion de profondeur, exemple en dessinant une perspective forte, que nous aborderons dans la section suivante. Mais vous pouvez également créer de la profondeur en superposant des éléments dans votre arrière-plan. Lorsque vous faites cela, vous avez immédiatement l' impression qu' il y a de la profondeur, car l'œil perçoit ces chevauchements comme prenant littéralement de l'espace et du volume. Cela crée de l'espace derrière chacun d'eux. Un autre moyen très puissant de créer de la profondeur est d' indiquer l'échelle. L'échelle signifie la taille ou la taille d'une chose. En arrière-plan, vous pouvez avoir objets qui, de toute évidence , se rétrécissent au fur à mesure, selon les règles de la perspective, où quelque chose qui est plus proche du spectateur est beaucoup plus grand que ce qui est plus éloigné. N'oubliez pas que l'un des moyens les plus simples ou les plus clairs d'établir une échelle de perspective consiste à utiliser le même élément. Assurez-vous simplement d'en avoir un près du spectateur, puis un plus éloigné qui soit plus petit. L'œil va lire les deux choses et savoir immédiatement que la plus petite est beaucoup plus éloignée ce qui créera une impression de profondeur. Je voulais également mentionner qu' il y a une chose qui permettra toujours à l'œil du public de comprendre immédiatement l'échelle que vous essayez d' établir dans votre contexte. Il y a une chose : si vous l' insérez dans votre peinture numérique ou dans votre arrière-plan, cela nous montrera immédiatement à quel point les objets sont grands. Cette seule chose est une personne ou un personnage. Parce que nous sommes nous-mêmes des personnes, nous pouvons immédiatement lire et comprendre l'échelle par rapport à une figure humaine dans une scène. C'est aussi simple que cela. Vous pouvez voir la différence entre un petit chiffre et un très grand chiffre. Mais en tant qu'artiste de fond, vous n'avez pas vraiment affaire à des personnages. Vous n'avez pas toujours de personnages dans vos photos. Contrairement à un artiste conceptuel spécialisé dans l'art de fond, on ne peut pas toujours le confier à un vendeur de bâtons itinérant. Que pouvons-nous faire d'autre alors ? Eh bien, une autre option consiste simplement à impliquer une activité humaine ou montrer quelque chose dont vous savez qu'il est facilement reconnaissable comme quelque chose qu'un humain utiliserait. Quelque chose d' aussi simple qu'une porte, ou même un véhicule, un vélo ou quelque chose comme ça. Si vous insérez de telles choses dans votre œuvre d'arrière-plan, le spectateur comprendra cette taille, car elle se rapporte à la taille d'une figure humaine. Par conséquent, l'échelle peut être établie presque immédiatement. 10. L'ensemble de compétences clés d'un artiste de fond: Les trois compétences d' un artiste de fond sont la recherche visuelle, le dessin et la peinture. Si vous pouvez effectuer des recherches visuelles, collecter des images et vous souvenir de détails fonction de vos références, si vous pouvez dessiner une structure solide en 3D crédible, si vous pouvez travailler de manière créative avec la couleur, alors c'est tout ce dont vous avez vraiment besoin pour être un artiste numérique ou un artiste de fond. Tout le reste, le style, les textures, les concepts, sont toutes des techniques que vous pouvez ajouter et développer. Mais ces trois aspects constituent la clé absolue la plus importante des compétences fondamentales que vous devez développer pour devenir un artiste de fond. Maintenant, tout au long du cours, nous allons explorer et développer votre dessin, votre peinture, et je vais vous montrer comment mettre en pratique ces deux compétences. Mais dans cette leçon, je veux parler de la recherche visuelle. Tout d'abord, un mot sur la recherche visuelle par rapport au recours à l'imagination. Le grand artiste Kim Jung Gi, malheureusement décédé récemment, mais dans l'une des dernières interviews qu'il a accordées, on lui a demandé quels les principaux conseils qu'il pourrait donner aux artistes débutants. Son tout premier point était qu'il est très important de recueillir des références visuelles et de les ajouter à votre expérience des objets, des lieux et des personnes du monde réel . Si vous voyez quelqu'un dessiner à partir de son imagination, vous devez savoir qu' habile à se souvenir de ce qu'il a recherché ou de ce qu'il a vécu et de ce que vous voyez. N'est-ce pas que l'imagination ne vient pas de nulle part, elle dépend de leur capacité à se souvenir d'une expérience. recherche visuelle est vraiment la première compétence que vous devez développer. Voici quelques conseils pour effectuer des recherches visuelles. La première consiste évidemment à partir de là où vous vous trouvez et à vous imprégner littéralement de votre environnement. Essayez d'être conscient et de vous intéresser aux objets et aux lieux que vous voyez quotidiennement. simple fait de regarder les choses est un moyen puissant d'augmenter très rapidement votre niveau de compétence. N'oubliez pas de remarquer la lumière qui vous entoure à différents moments de la journée. Remarquez ou regardez la structure des objets et la façon dont ils occupent l'espace. Si vous le pouvez, commencez à tirer ces choses de la vie. Commencez par vous entraîner à dessiner un carnet de croquis si vous n'en avez pas déjà un et essayez de tirer le meilleur parti possible de la vie. Ce n'est pas toujours possible, mais si vous parvenez à tirer parti de la vie, ce sera l'un des moyens les plus rapides d' améliorer votre dessin en général. Si vous êtes doué pour capturer des images, vous pouvez prendre l'habitude de prendre des photos des choses que vous voyez et les rassembler dans un dossier dédié. Lorsqu'il s'agit de dessiner et de peindre des arrière-plans spécifiques ou des œuvres d'art spécifiques, l'étape suivante consiste évidemment à faire des recherches en ligne sur l'objet ou le lieu que vous dessinez. Par exemple, pour ce projet, j'ai saisi Viking Village dans Google et, en me basant sur toutes les images proposées par Google, j'ai commencé à créer un mood board, qui est littéralement une collection images que j'ai aimées, d' images qui correspondaient à ce que j' avais en tête sur ce que je voulais faire, et aussi d'images que je viens de trouver C' est intéressant de me regarder. Un moodboard n'a pas besoin d'être spécifique ou trop spécifique, il peut s'agir simplement d'une collection d'images dont vous aimez les couleurs que vous voyez. Pinterest est idéal pour collecter des images. Je recommande de créer un moodboard comme celui-ci, puis de l'étudier pendant un moment simplement en regardant et en remarquant les éléments qui sortent du lot ou ceux que vous n'avez peut-être même pas remarqués sur une image au début. Ensuite, lorsque vous serez prêt à commencer à dessiner, rangez ce moodboard et essayez dessiner en fonction de ce dont vous vous souvenez. Laissez votre souvenir prendre le dessus et essayez de dessiner quelque chose de nouveau en fonction de la façon dont vous vous en souvenez. C'est ainsi que j'aborde recherche visuelle pour n'importe quel projet. J'ai essayé de ne pas trop regarder œuvres d'autres artistes conceptuels, même si je dois mentionner qu'un site Web comme ArtStation est une ressource incroyable pour les artistes et que l'on peut trouver beaucoup d'inspiration en regardant le travail d'autres artistes. Mais essayez de résister à la recherche d'œuvres d'art que vous trouvez si géniales que vous voulez simplement les reproduire ou les dupliquer. Essayez de vous laisser inspirer par ce que vous y voyez. Faites vos recherches sur les objets physiques réels et les choses que vous essayez de dessiner. Ensuite, mettez toutes ces recherches de côté et essayez de commencer à puiser dans votre mémoire. Dans la section suivante, nous allons passer au dessin. Je vais parler un peu compétences fondamentales que les artistes de fond doivent connaître pour dessiner. Je vais spécifiquement mentionner certains des principaux pièges dans lesquels je vois de nombreux artistes débutants tomber lorsqu'il s'agit de dessiner. Quand tu seras prête, retrouve-moi dans la prochaine leçon. 11. Compétences de base - lignes confiantes: Nous avons abordé les caractéristiques du poste d'artiste de fond. Nous avons examiné les principes clés de la création d'œuvres d'art de fond, et j'ai parlé des compétences nécessaires pour développer notre recherche visuelle et notre mémoire visuelle. Nous espérons que tous ces sujets devraient commencer à constituer une base solide pour votre travail et vous aider à prendre confiance dans les prochaines étapes que vous allez franchir. Les prochaines étapes consistent développer vos compétences en dessin et en peinture. Dans cette section du cours, nous allons commencer le projet de classe. Je veux vous montrer étape par étape comment dessiner une mise en page complexe comme celle-ci. Avoir ce dessin au trait dans votre portfolio est un élément très important. Cela démontrera aux studios que vous pouvez dessiner n'importe quoi et que vous avez une bonne compréhension des compétences fondamentales qui sont si importantes. Je veux vous montrer exactement comment faire un dessin comme celui-ci. Mais en cours de route, je tiens également à souligner certaines erreurs courantes que artistes débutants commettent dans leurs dessins, et à vous montrer ce qu'elles sont afin que vous sachiez comment les améliorer dans votre propre travail. Avant de nous plonger dans ce dessin, je voudrais vous donner quelques exercices de dessin sur lesquels je souhaite que vous travailliez. Si vous effectuez régulièrement ces exercices de dessin, vous serez étonné de la rapidité avec laquelle votre dessin s' améliorera. Je vais passer à Photoshop. J'ai créé une nouvelle toile ici. Ce ne sera vraiment que pour ces exercices de dessin, mais je vais créer une nouvelle couche au-dessus de la couche d'arrière-plan. Pour la taille du pinceau, j'utilise simplement l'un des pinceaux Photoshop par défaut, juste ce pinceau rond et dur. La taille des pixels est d'environ 12 pour ce canevas, et j'ai également veillé à ce que l'opacité soit maximale de 100. Ces exercices vous aideront à améliorer la confiance de votre ligne. Il est très important d'avoir un travail hiérarchique confiant et solide. Tout ce que vous avez à faire pour ces exercices est de remplir une page, une série de lignes droites allant de gauche à droite ou même de droite à gauche, et de continuer à le faire jusqu'à ce que vous sentiez que vous pouvez tracer une ligne droite uniforme en un seul mouvement de balayage. Vous pouvez également aller en diagonale. Vous remarquerez que je ne m'arrête ni ne pars au milieu. Je n'y vais pas comme Dash. C'est vraiment un mouvement radical. J'essaie de garder mon bras aussi stable que possible. Je ne dessine ni avec mon poignet ni avec ma main. Je suis presque en train de dessiner. C'est comme si je dessinais avec mon épaule. Comme ça, alors quand tu auras fait tout ça, je veux que tu fasses un autre exercice, et celui-ci est à peu près le même. Mais ce que vous allez faire, c'est créer une série de points sur votre toile comme ceci. Encore une série de points ici. Ensuite, je vais utiliser une couleur différente juste pour le plaisir, et je vais créer une nouvelle couche, et cet exercice est une question de contrôle. Vous voulez pouvoir tracer une ligne droite d' un point à l'autre. Peu importe lequel. Choisissons simplement celui-ci. Mais l'idée est de commencer ici et de terminer là, donc celle-ci n'est pas si facile. Mais vous devez essayer et c'est en fait très difficile à faire. Je ne mangerai aucun de ces riz. Oh, nous y voilà, presque. Nous y voilà. Je suppose que si tu dessines assez lentement, tu peux. Mais le but est d'essayer de dessiner vite et de garder le contrôle. Si vous le souhaitez, il existe un moyen de faire pivoter votre toile. Si vous vous sentez à l'aise de ne dessiner que dans une seule direction, par exemple, personnellement, semblerait que je sois capable de tracer une ligne assez uniforme si je vais du bas à gauche vers le haut à droite. Si c'est pareil pour vous et que vous voulez dessiner, allez dans l'autre sens. Vous pouvez appuyer sur R sur votre clavier et faire pivoter votre Canvas. Mettez-le même un peu en biais et cela pourrait également vous aider. Essaie celui-ci, c'est sûr. Une autre, remplissez la page de cercles. Je vais essayer de dessiner rapidement des cercles parfaits. N'y va pas trop lentement. C'est beaucoup plus facile si vous allez plus lentement, mais vous verrez alors que la ligne devient beaucoup plus instable. Essayez d'être fluide, rapide et confiant avec votre ligne. Le dernier exercice de dessin consiste à vous entraîner à dessiner sur le même chemin. Supposons que vous dessinez une boîte comme celle-ci, puis que vous revenez et que vous essayez tracer à nouveau la ligne. C'est également un très bon exercice à faire. 12. Point de vue: La prochaine compétence vitale que vous devez développer pour dessiner est le dessin en perspective. C'est le premier écueil majeur lequel je vois tomber les débutants et le plus grand défi que rencontrent les personnes qui débutent dans la conception d' arrière-plan en particulier . Dans cette leçon, je veux vous montrer comment vous pouvez vraiment bien relativiser. C'est incroyablement simple et vous pourriez même éviter cet exercice, car, à l'instar des exercices de dessin que nous avons effectués dans la leçon précédente pour obtenir des lignes fiables, cela semble trop simple pour avoir un quelconque effet, mais je vous garantis que si vous dessinez des cases et des cubes, vous augmenterez très rapidement votre capacité à dessiner en perspective. Vous pourrez ensuite le développer davantage dans une perspective à trois points beaucoup plus complexe ou dans des perspectives extrêmes. Passons en revue les principaux points de base que vous devez connaître. Tout d'abord, une perspective ponctuelle. Commencez par tracer une ligne horizontale sur votre toile comme ceci. Maintenant, cette ligne s'appelle la ligne d'horizon, mais il s'agit en fait de votre ligne oculaire ou de la ligne des yeux de l'appareil photo. N'importe où sur cette ligne, vous pouvez dessiner un point et ce point s'appelle le point de fuite. Maintenant, le point de fuite est la direction dans laquelle vous regardez. À partir de ce point, tracez simplement des lignes rayonnantes qui partent tout droit. Maintenez la touche Shift enfoncée sur votre clavier pendant que vous faites cela et vous pourrez tracer une ligne droite puis une fois que vous aurez fait cela, tracez des lignes parallèles à cette ligne d'horizon principale ou à cette ligne oculaire, comme ceci. Maintenant, vous avez une grille de perspective. En haut de cette grille, vous pouvez commencer à dessiner des cases et des cubes en suivant ces lignes. Vous pouvez les suivre exactement ou approximativement, peu importe. Ce n'est pas un cours de dessin technique. Je ne serais pas trop rigide à ce sujet tant que vous suivez constamment la direction des lignes de la grille situées en dessous. Comme je l'ai dit, nous ne faisons pas dessins d' architecture ou d'ingénierie, nous créons des œuvres d'art Vous pouvez donc dessiner à main et vous pouvez être un peu lâche. Si vous le faites, je pense que cela vous aidera à être plus instinctif lorsque vous dessinez à long terme de toute façon. C'est un point de vue. Essentiellement, un point signifie que nous regardons le devant de ces boîtes qui se trouvent face à nous. Regardons une perspective à deux points. Encore une fois, tracez une ligne d'horizon au milieu de votre toile et, cette fois, placez deux points le long de cette ligne. Vous avez maintenant deux points de fuite, où le terme perspective à deux points. Encore une fois, tracez des lignes rayonnantes à partir de chacun de ces points. Si vous ne parvenez pas à tracer une ligne droite, appuyez sur votre stylet à un moment donné, exemple sur le point de fuite, maintenez la touche Shift enfoncée et touchez le point final pour obtenir une ligne droite. Maintenant, une fois que vous avez fini de tracer toutes vos lignes rayonnantes à partir de chacun de ces points, vous n'avez plus besoin de tracer des lignes parallèles car ces lignes qui se croisent constituent essentiellement votre grille. Commencez maintenant à dessiner des cubes et des cases par-dessus, comme vous l' avez fait pour une perspective à point unique. Vous pouvez immédiatement voir que ce que nous voyons ici n'est pas la face avant de la boîte mais que nous voyons en fait les deux côtés sous un angle . C'est donc ce qui caractérise la perspective à deux points. Cet exercice très simple de mise en perspective à un point et à deux points, comme je l'ai dit, va développer votre capacité à dessiner une perspective dans tous les sens du terme. Mettez-vous au travail avec ces exercices simples. Entraînez-vous à dessiner des cubes et des cases sur des grilles à un point et à deux points. Je pense qu'il est très important de maîtriser parfaitement ces deux dessins en perspective simples avant de ces deux dessins en perspective simples avant passer à une perspective complexe à trois points ou à des angles extrêmes. Je vous encourage vivement à consacrer d'abord du temps à ces principes de base. 13. Dessiner rugueux: Comme je l'ai expliqué dans la leçon précédente sur la description de poste d'un artiste de fond. Lorsque vous travaillez sur le tas, vous aurez presque toujours un guide ou un lieu fixe à partir duquel travailler, sinon un panneau de storyboard. Vous ne recommencerez donc pas nécessairement un dessin à partir de zéro, à moins, bien sûr de faire partie d'une équipe de pré-production et travailler sur une œuvre conceptuelle ou de développer le projet. Cela dit, pour le projet de ce cours, je voudrais qu'il s'agisse d' une pièce que vous pourrez avoir dans votre portfolio. Je veux vous montrer comment commencer un dessin depuis le début et comment l'amener jusqu'à une peinture terminée. C'est la façon dont j' aborde habituellement un processus de dessin comme celui-ci. Après avoir effectué toutes mes recherches visuelles, créé un moodboard et l' avoir étudié, j'ai maintenant une idée de la composition globale dans mon esprit. Cette partie est vraiment importante. Avant de commencer à dessiner, vous devez essayer de visualiser votre plan ou votre scène et d'être très clair sur l'apparence que vous voulez lui donner, même si cela va changer au fur et à mesure que vous progressez dans la peinture. C'est juste pour commencer, avec une sorte d'image en tête. Essayez de vous entraîner à penser visuellement comme ça. La première étape de tout le processus consiste donc à faire un croquis très approximatif. Ici, dans la pile de couches, je vais créer une nouvelle couche au-dessus de cette couche d' arrière-plan verrouillée. Je ne veux pas dessiner là-dessus, puis je vais choisir une couleur foncée. Le noir, c'est bien, et c'est juste un pinceau rond très simple. Vous pouvez maintenant utiliser le pinceau Photoshop par défaut ou un petit pinceau de texture si vous préférez le faire ressembler davantage à un crayon, peu importe pour cette esquisse approximative. Ensuite, j'aime toujours dessiner un cadre sur ma page juste pour commencer, ce qui m'aide à composer l'esquisse initiale. Cela me semble également être une bonne façon de commencer, Cela me semble également être car quelque chose trouve déjà sur la page blanche. C'est donc ce que je fais. N'hésitez pas à le faire. Ensuite, en partant de la gauche, je ne fais que dessiner des formes simples. Je veux une forme pour la maison ou une cabane. Je vais en dessiner un derrière celui-ci et je vais le garder très simple et compact. Si je devais créer une miniature très approximative pour vous montrer ce que je visualise dans mon esprit, c'est plus ou moins ce que je vois. Je pense à des maisons ici. Peut-être des montagnes en arrière-plan, un juste milieu, et aussi des éléments de premier plan juste pour encadrer la scène. J'ai l'impression que ces cabanes ou ces maisons peuvent avoir des marches qui descendent jusqu'au sol, ou du moins qu'elles sont légèrement surélevées sur un certain terrain et qu'elles sont dotées de toits vikings très emblématiques avec des détails. Mais pour l'instant, je ne vais pas entrer dans les moindres détails. Je veux juste vraiment le bloquer. De retour ici, il pourrait y avoir un bateau dans le port. Je sais que le C sera là-bas. Ce serait bien d'avoir l'un de ces bateaux vikings emblématiques. C'est ainsi que je vais travailler sur l'idée du sketch. Et à tout moment, si vous souhaitez modifier votre tracé, au lieu de l' effacer et de recommencer à zéro, utilisez simplement votre outil de sélection. Appuyez sur L sur le clavier, sélectionnez une partie de votre travail au trait. Une fois qu'il est sélectionné, vous pouvez appuyer sur V et le déplacer , puis appuyer sur Commande ou Contrôle D pour le désélectionner et revenir au dessin. Ici, sur la droite, il y aura d' autres maisons de ce type, peut-être une plus proche de nous. Il va être plus grand. Je ne veux pas que cela entraîne une baisse des marches. Je veux que le toit soit un peu solide et je pense, et maintenant je vais ajouter juste une indication du premier plan, comme si le sol s' élevait ici. Nous allons regarder cette scène ou ce village de haut . À ce stade, j'ai sélectionné le dessin à l'aide commande T, ce qui fait apparaître l'outil de transformation gratuit. Je le déplace juste pour voir s'il y a vraiment une meilleure composition, ou si je dois changer l'angle sous lequel nous nous regardons. Il est parfois difficile de déplacer la ligne tracée en utilisant simplement V ou l'outil de sélection. J'utilise souvent l'outil de transformation gratuit pour déplacer des lignes, car cela sélectionne le tout et c'est beaucoup plus facile à déplacer. Un autre bon conseil à mentionner à ce stade est de retourner votre toile horizontalement pour voir votre dessin dans une version miroir. Cela peut vraiment aider à identifier les erreurs de composition que votre œil pourrait ne pas détecter parce qu'il est habitué à voir dans un sens. Si vous les retournez, ils se détachent, même au début, cela vous aide à équilibrer votre dessin. Eh bien, ça a l'air bien. Je pense que je vais dessiner et indiquer l'arrière-plan, les montagnes et les forêts. C'est très simple, quelques lignes juste pour indiquer ces éléments d'arrière-plan et elles remplissent très bien l'espace. Je vais juste y travailler encore une fois, encore très dur et c'est vraiment la toute première étape de mon processus. Maintenant, je voulais dire qu'il existe de nombreuses façons de commencer une peinture. Vous pouvez le bloquer avec des valeurs en niveaux de gris. Vous pouvez commencer à peindre avec des couleurs. Vous n'avez même pas besoin de faire un vrai dessin. Cela ne veut pas dire que c'est la seule façon de commencer votre parcours. Mais je voulais me concentrer sur les compétences en dessin dans la section du cours. Parce que je pense qu'il est très important de comprendre comment dessiner la structure sous-jacente de n'importe quel arrière-plan et de commencer par un dessin au trait approximatif. Nous allons peaufiner ce dessin à quelques reprises pour en faire une mise en page complète. Mais ce sera beaucoup plus facile si nous commençons tout le processus de cette manière. Faites en sorte que votre ébauche initiale soit très simple. Ne compliquez pas trop les choses pour l'instant. Je sais que je veux avoir beaucoup d' accessoires vikings sur les toits, sur les portes. Je veux des boucliers et des choses comme ça, mais je ne vais en aucun cas commencer à les dessiner maintenant. C'est un début très simple et vous pouvez devenir beaucoup plus complexe étape par étape au fur et à mesure. 14. Comment vérifier la perspective: Dans cette leçon, je veux vous montrer comment vérifier votre point de vue sur un dessin approximatif comme celui-ci. C'est ma méthode de travail préférée. La raison en est simple. Si je devais commencer par une grille de perspective très structurée et essayer de dessiner la scène sur laquelle je travaille ou sur laquelle je visualise mon esprit au-dessus de cette grille ou selon cette perspective, je me limiterais beaucoup à laisser la composition s'exprimer et à générer des idées pour la pièce finale. Je veux pouvoir aborder ce contexte d' une manière plus naturelle, instinctive ou intuitive plutôt que d'essayer de commencer par des choses très rigides et strictes, comme la perspective. Je trouve que lorsque vous commencez par dessiner la perspective, cela renforce vraiment la composition et vous empêche d'être un peu plus imaginatif. C'est ainsi que je m'y prendrais. J'aime commencer de manière intuitive , puis ajouter de la structure et de la perspective en plus de cela. Ce que je vais faire, c'est créer une nouvelle couche par-dessus la couche rugueuse. Je sais déjà qu'il s'agit une perspective à deux points de vue. Je vois que je vais avoir deux points de fuite de chaque côté de ce dessin et une ligne d'horizon quelque part au milieu. Je vais choisir une couleur rouge pour mes lignes de quadrillage et commencer à les dessiner. Maintenant, la chose importante à noter à propos de la perspective à deux points est qu'il est presque toujours préférable de placer vos points de fuite bien en dehors de votre Canvas ou de votre cadre. Si les deux points de fuite se trouvent à l'intérieur du cadre ou du dessin, cela a vraiment tendance à déformer le dessin car il est trop serré. Ce que je vais faire ici, c'est appuyer sur C sur mon clavier. Cela fait apparaître l'outil de recadrage. Je vais réduire la taille de ce recadrage. Maintenant, j'ai un dessin sur toile beaucoup plus long au milieu, et j'ai beaucoup de place de chaque côté pour les points de fuite. Ensuite, je vais suivre les lignes générales établies dans le dessin comme ce bâtiment sur la gauche, suivre les lignes qui ont déjà été tracées. Maintenant, pour tracer une ligne diagonale droite dans Photoshop, vous devez appuyer sur votre point de départ, maintenir la touche Shift de votre clavier enfoncée et appuyer sur le point final de votre ligne. Cela fonctionne mieux avec une brosse dure très ronde, l'une des brosses par défaut. Il a tendance à ne pas très bien fonctionner avec un pinceau à texture en raison de l'effet effilé que vous avez sur les pinceaux de texture, ce qui rend parfois le trait imperceptible. Ce que je fais souvent, c'est simplement tracer une ligne horizontale droite, qui semble beaucoup plus forte. Ensuite, je vais appuyer sur Commande ou Contrôle T et utiliser simplement l' outil de transformation gratuit pour faire pivoter cette ligne à l' angle exact que je souhaite. Ensuite, je peux tracer une ligne droite horizontale par ici. C'est ma ligne d'horizon. Maintenant, je vais juste compléter les diagonales jusqu' au deuxième point de fuite, après cette maison principale C'est comme mon unité de base pour la perspective. Comme vous pouvez le constater, je fais attention à faire correspondre d' les lignes diagonales avec abord les lignes diagonales avec le côté gauche du dessin. Je pense que choisissez une chose dans votre dessin dont vous savez qu'elle sera l'unité de base par rapport à laquelle vous pourrez mesurer. Vous constaterez que vous pouvez facilement modifier le reste du dessin en conséquence plutôt que d'essayer de faire votre perspective s'adapte à tout en même temps. En d'autres termes, mon point de vue se rapproche le plus possible du dessin. Mais je sais que, par exemple, ces bâtiments sur la droite devront être ajustés lors de la prochaine phase. Mais c'est super, c'est bon. C'est le but de ce processus. Ce que je fais ici, c'est simplement cartographier la grille au-dessus du dessin préliminaire afin que la prochaine itération ou de la prochaine passe, je puisse créer une version nettoyée qui correspondra à ces lignes. Une fois votre grille simple établie, vous pouvez à nouveau appuyer sur C sur votre clavier et recadrer votre dessin dans sa taille d'origine. 15. Développer le croquis rugueux: La prochaine étape de ce processus consiste à développer ce concept ou cette idée approximative un peu plus loin maintenant que nous disposons d'une grille de perspectives plus établie. Ce que je vais faire, c'est réduire l'opacité à la fois sur ma couche de dessin préliminaire et sur la grille. Cliquez simplement sur la couche, réduisez l'opacité, puis assurez-vous de cliquer sur cette icône en forme de cadenas pour verrouiller la couche afin de ne pas finir par dessiner dessus par erreur. Ensuite, je vais créer une nouvelle couche au-dessus. Mais je veux que cette couche soit en dessous la grille et je vais également verrouiller cette couche de grille. Maintenant, ça peut devenir un peu plus intéressant. Je vais essentiellement dessiner à nouveau l'ensemble de ce dessin. C'est quand même très rugueux et lâche. Cependant, je vais maintenant me donner une petite marge de manœuvre pour commencer à ajouter détails et affiner certaines des choses que je souhaite développer. Juste pour noter que ce ne sera pas la dernière partie. Je vais quand même devoir relire ce dessin, peut-être une troisième fois. Mais dans cette partie, je veux vraiment développer l'esquisse pour en faire quelque chose d'un peu plus concret. Comme j'ai quelque chose sur quoi travailler, c'est en fait un processus très simple. Je suis juste en train de tracer ce dessin très approximatif. De plus, comme j'ai les lignes de perspective, je sais que je peux les suivre et je peux être sûre que le dessin va commencer à devenir plus structuré. À ce stade, je dessine toujours de mémoire. Je ne fais pas encore de références exactes en soi. Je tiens simplement à répéter ce que j'ai souvent dit, savoir qu'il s'agit toujours d'une approche intuitive et libre du dessin. Je trouve que c'est une façon beaucoup plus amusante et intéressante de créer des arrière-plans plutôt que de devoir être précis et détaillé dès le départ. Vous pouvez être beaucoup plus imaginatif de cette façon. Maintenant, vous pouvez voir si je désactive la couche rugueuse, quel point cela commence déjà à s'améliorer. J'ai les trois maisons ici. Elles sont beaucoup plus définies, beaucoup plus clairement exprimées, et elles commencent à ressembler à de véritables maisons. Je vais partir avec le bateau en arrière-plan. Mais j'ai décidé, je ne suis pas vraiment sûr de ces éléments. Je ne le peindrai peut-être pas dans la dernière itération, mais je vais le dessiner de n'importe quelle façon. Cela pourrait être une option pour plus tard si je décide qu'il est nécessaire de l'avoir. Je vais le laisser dedans si vous voulez l'ajouter. Si vous comptez utiliser ce dessin au trait, disons, pour votre arrière-plan final , puis voyons ce que vous pouvez trouver. Maintenant, sur le côté droit, souvenez-vous c'est le côté qui n'a pas la bonne perspective sur le dessin préliminaire. C'est tout à fait normal. Ce que je vais faire, c'est travailler avec ce qui se trouve ici et l'adapter aux lignes de la grille pour être plus correct, disons. Maintenant, pour ce qui est de la zone de premier plan, je veux que le sol s'élève tout en haut du plan. Je veux cadrer la scène. Je vais placer sur le côté un gros objet, je pense, comme un poteau ou une structure quelconque, un de ces objets d' apparence monolithique. Je ne sais pas encore ce que cela va être réellement, mais j'ai besoin de quelque chose qui équilibre le reste de la composition, quelque chose de très grand et d' imposant ici. Je vais aussi planter des poteaux de clôture. Encore une fois, elles fonctionneront très bien en tant que lignes directrices dans la composition. Ils vont pointer vers l' intérieur, vers le centre. Je n'ai pas encore besoin d'être très précis à leur sujet. Il suffit de les mettre en forme. De ce côté-ci, je voulais être précis. Je veux avoir un crâne sur un poteau. Encore une fois, cette notion d' une structure très haute donne cette impression d'échelle. Je vais d'abord dessiner le poteau de haut en bas, puis transformer à l'aide de l'outil de transformation et le mettre en place. Alors là-haut, pour l'instant, je vais juste dessiner une forme vague pour un crâne, un crâne d'animal avec de longues cornes. Ça a l'air bien. Ensuite, à la base, mettons un bouclier, peut-être des armes cassées, une épée ou quelque chose comme ça, des flèches, quelque chose comme ça. Eh bien, ça a l'air vraiment bien maintenant. J'ai l'impression que nous en sommes presque à la dernière étape de notre dessin de mise en page. J'en suis vraiment content. Je suis content de la façon dont cela s'est passé. Je peux vous dire dès maintenant que tout le dur labeur a été accompli. Le plus dur, c'est toujours la façon dont vous composez votre photo, la façon dont vous vous inscrivez sur la page, ce que vous avez en tête. Après cela, il suffit de remplir les champs, de faire preuve de patience et de s'engager parfois dans et de s'engager un processus assez long et laborieux. Mais cette première étape est la plus importante. Si vous êtes arrivé jusqu'ici avec votre propre dessin , bravo, c'est une bonne partie du travail accompli. Même si c'est encore approximatif, notre base pour le contexte se trouve ici dans cette esquisse initiale. Tout ce que j'ai vraiment à faire, c'est faire une dernière passe sur ce dessin et de le faire avec une ligne plus nette. C'est ce que je vais expliquer comment faire dans la prochaine vidéo. Lorsque vous serez prêt, rejoignez-moi pour la prochaine leçon et nous développerons tout cela pour obtenir un dessin de mise en page terminé. 16. Structure de dessin Partie 1: Dans cette leçon, je voudrais aborder un sujet qui m' a particulièrement marqué chez de nombreux artistes débutants, de nombreux peintres numériques débutants , à savoir artistes débutants, de nombreux peintres numériques débutants , la façon dont ils abordent ou dessinent une structure dans leur travail. C'est un très bon endroit dans le processus pour expliquer comment penser à la structure du dessin. Parce que c'est vraiment la seule chose standard qui donnera à votre dessin une apparence réussie ou négative et je vais expliquer exactement ce que je veux dire dans cette leçon. Mais la première chose que je veux faire, c'est de ranger un peu mes couches. J'ai des objets sur différentes couches, ce qui est bien, car cela me donne la marge de manœuvre ou la liberté déplacer les choses si nécessaire. J'ai mon dessin de premier plan sur un calque différent. Je pense donc que ça commence à bien se passer. Ce que je peux faire maintenant, c'est regrouper toutes ces couches. Sélectionnez-les tous en maintenant la touche Maj enfoncée, puis Commande ou Contrôle G enfoncée pour les placer dans un groupe. Ensuite, vous pouvez simplement double-cliquer sur le nom du tiret et le saisir. Tapons un dessin approximatif. Vous pouvez également réduire l'opacité de l'ensemble du groupe , ce qui est pratique. Maintenant, ce que je tiens à souligner, c'est que si je à ma référence ou à mon mood board, je voudrais parler un peu de la manière de réellement rechercher la structure passe à ma référence ou à mon mood board, je voudrais parler un peu de la manière de réellement rechercher la structure de votre œuvre qui donnera cette impression de réalisme. Lorsque vous dessinez quelque chose d' aussi simple que le toit d'un bâtiment, par exemple, la plupart des débutants dessinent simplement la forme extérieure. Je tiens à vous encourager à commencer à réfléchir à ce qui se passe en 3D. Si vous regardez cette image, il y a ce plan extérieur, mais il y a aussi une face inférieure et il y a même une zone en dessous avec ces piliers et poteaux à l'arrière. Au lieu de simplement dessiner un cadre A, commencez à penser aux bords des objets et à la structure 3D. Si vous pouvez dessiner cela, votre dessin sera beaucoup plus solide. Cela va paraître beaucoup plus réel et beaucoup plus crédible. Si nous revenons à mon dessin, vous verrez que je n'ai pas vraiment cela dans ce dessin. Je viens d'indiquer une forme triangulaire pour le toit, mais je voudrais maintenant entrer dans le vif du sujet et définir la forme de ce toit triangulaire. Si je commence ici par le haut, disons par le haut du toit, je vais m'assurer dessiner cela avec un sens de la structure. Il y a peut-être cet avion ici que nous pouvons voir. Mais il y a aussi un aspect 3D à cela que je vais indiquer. Cela va vraiment lui donner la structure solide que je recherche dans mon travail. Quand j'ai débuté en tant que débutant, dès que j'ai compris ce facteur dans mon dessin, tout s'est tellement amélioré. Je pense qu'en plus de ce dont je parlais, à savoir avoir un travail au trait confiant sont les deux choses qui vous permettront, si , ce sont les deux choses qui vous permettront, si vous êtes débutant et que vous souhaitez vous améliorer en tant qu' artiste ou illustrateur travail au trait sûr et solide concentrer sur un travail au trait sûr et solide et de dessiner vous concentrer sur un travail au trait sûr et solide et de dessiner vos objets 3D aussi clairement que possible pour exprimer , de vous concentrer sur un travail au trait sûr et solide et de dessiner vos objets 3D aussi clairement que possible pour exprimer objet tel qu'il est dans l'espace, tel que vous le verriez. J'espère vraiment que c'est logique. C'est difficile à expliquer et j'espère que vous comprenez ce que je veux dire dans ce dessin au fur et à mesure que je l'ai travaillé. Vous pouvez voir que je ne suis même pas très précis, mais je dessine toujours de manière très approximative et lâche. Mais je commence à vraiment réfléchir apparence de ces objets en 3D. Même sur ce toit, si je pense qu'à ce stade, ce sera un toit en paille, je vais quand même essayer de montrer qu'il possède une qualité 3D spécifique. Donc, ici, je vais indiquer le bas de l'ensemble du toit pour qu' il soit très solide. On dirait un toit de paille épais. À ce stade, je vais continuer. Ici, je veux ces pièces de bois qui encadreront ma porte ou encadreront la façade de la maison. Je veux m'assurer qu'elles ont l' air solides, qu'elles ont dimension et qu'il ne s'agit pas simplement de deux lignes plates. En d'autres termes, si je le dessine ici comme ça, vous pouvez voir que c'est juste une forme d'éclair. Alors que si je dessine le côté des comme ça et que je mets immédiatement en perspective, c'est quelque chose qui a cette dimension dont je parle. Vous pouvez ajouter de la texture si vous le souhaitez mais je pense que c'est bien plus important, il s' agit simplement de structurer un peu votre travail. Cela prend du temps et cela peut sembler un peu laborieux et je vais refaire ce dessin une fois de plus par la suite. Vous devez faire preuve d'un peu de patience avec le processus. Mais je pense que si vous suivez ce cours avec moi, vous aimez l' art de fond, vous aimez dessiner, et vous allez aimer le faire de toute façon. Je voulais aussi simplement souligner qu'il faut faire attention à l'épaisseur de votre trait. Comme vous pouvez le voir ici, je viens de dessiner ces piliers sur ma maison et la ligne est très lourde et je n'aime pas ça. Je pense que vous devriez faire un peu attention votre trait, car si votre trait est lourd et épais comme celui-ci, cela nuira vraiment à l' ensemble du dessin et vous ne voulez pas vraiment avoir de lignes très épaisses sur votre mise en page, surtout s'il y a une zone très détaillée. La façon dont je fais en sorte de travailler en toute légèreté est de ne pas exercer une pression énorme sur ma tablette avec mon stylet. Vous pouvez en fait faire varier la pression de votre stylo, ce qui fait considérablement varier l'épaisseur du trait. J'essaie de le garder assez léger et de ne pas appuyer trop fort sur ma tablette Wacom. Je vais éteindre la couche rugueuse et vous pourrez voir comment cette maison s'est assemblée, comme si elle était presque complètement terminée, je dirais. Il ne s'agit que d'un passage après le dessin très approximatif. Je vais continuer à dessiner la structure. Je vais continuer à m'assurer que mon dessin est tridimensionnel . Je vais parcourir méthodiquement, étape par étape, tout le reste du dessin. Je te verrai dans la prochaine vidéo. 17. Structure de dessin partie 2: Bon retour. Dans cette leçon, je vais continuer ma version nettoyée de ma mise en page ou du moins je pense que c'est peut-être la dernière partie. Cela semble bien se passer. Comme vous pouvez le voir, je travaille actuellement sur la façade de cette maison. Je veux juste terminer les marches. Encore une fois, je parle cette tridimensionnalité dont nous avons parlé dans la leçon précédente. Je m'assure que ces planches sont structurées et qu'elles donnent l'impression qu'il ne s'agit pas de simples lignes sur la page, mais qu'elles donnent l'impression d'être très solides et 3D. Je commence maintenant à le détailler pour m'assurer qu'il se lit correctement. C'est un support sous les planches. Les poteaux situés sous l'escalier soutiennent la plate-forme devant la porte. En dessous, ici, au niveau du sol, c'est en train de descendre. toute façon, il n'y aura que de la neige, De toute façon, il n'y aura que de la neige, donc je n'ai pas besoin de trop de détails, mais maintenant je veux tracer les étapes. Quand j'aborde les étapes du dessin, qui peut être délicate, surtout dans une perspective à deux points, j'ai toujours tendance à penser abord au sommet de l'étape. Ce que je vais faire, c'est dessiner le rectangle en haut de la marche, puis dessiner les côtés vers le bas comme suit. Maintenant, je vais juste dessiner quelques articles à la fin de la page qui vont appuyer ces étapes. Ensuite, je vais dessiner mon second. Vous pouvez voir si je désactive le dessin préliminaire, ça a l'air bien. Ce n'est probablement pas, du point de vue de l' ingénierie, la marche la plus stable [RIRES], mais je pense que pour ce dessin, fonctionne vraiment bien. Au moins, comme je l'ai dit, on dirait que c'est une structure solide. Maintenant, dans cette deuxième maison, je pense à une forme assez complexe pour les deux poteaux qui soutiennent le toit. Je veux qu'ils aient la forme d' un chien, d'un loup ou d'un chien de chasse sculpté. Si je le dessine d'un côté normal, juste pour vous montrer ce que je veux dire, il ressemblera un peu à ceci. Le dessiner grossièrement ainsi m'aide à en visualiser la forme. Ce sera la tête du loup et les mâchoires s'ouvriront comme ça. L'idée est qu'il s'agit d'une tourelle en bois taillée très grossièrement, ou je ne sais pas comment on pourrait l'appeler, une sorte de gargouille, mais je veux quand même qu'elle se lit clairement. Ça va ressembler à ça, mais ça va être incliné vers le haut et [RIRES] ce sera dans une perspective à deux points, ce qui semble vraiment difficile à faire, mais je pense que ce sera facile. Cela fonctionne. On dirait une tête de loup sculptée dans une planche de bois. Dis-le ainsi. [RIRES] J' essaie de penser en termes de blocs construits les uns sur les autres. Si vous pouvez visualiser cela, cela vous aidera grandement à le dessiner. Ensuite, je survolerai le reste de la maison. Tu n'as pas besoin de me regarder le faire étape par étape, je ne pense pas. Alors ce sera mon toit en paille qui s'effondrera. Ce toit s'étend jusqu'au sol. Pour varier la forme des maisons, un bon conseil est d'essayer de créer des contrastes et des variations dans vos créations afin qu'elles ne soient pas toutes identiques. Chaque maison est légèrement différente. Cela rendra votre dessin, votre mise en page ou votre arrière-plan très intéressants et visuellement agréables. Voici les étapes à suivre. Encore une fois, je suis en train de modifier les étapes pour celui-ci. Je ne veux pas que ce soit exactement la même chose que la maison précédente, mais je l' aborde exactement de la même manière. Dessinez chacune des étapes en dessinant abord le plan supérieur, puis en lui donnant cette structure pour les côtés. 18. Dessiner des formes organiques: Passons à autre chose. Dans ce contexte, c'est plus ou moins pareil. Comme je l' ai dit, parcourir un dessin comme celui-ci est un véritable processus. Mais vous ne faites que suivre les choses et ajouter ces petits détails au fur et à mesure. Cela peut être un processus amusant. Vous pouvez simplement trier la musique et écouter de la musique pendant que vous travaillez, tout en prenant votre temps. Ce que je dirais tout au long ce processus, c'est qu'il ne faut pas se précipiter. Si vous avez l'impression de vous précipiter , vous pouvez commencer à faire des erreurs ou vous pouvez commencer à sauter des choses et à faire des pauses. Je veux dire, on peut se fatiguer très vite en travaillant comme ça. J'étais certainement très fatiguée la fin de ce processus et je me suis qu'au moment où je suis arrivée à la dernière maison ou à la dernière partie du dessin, je commençais suis arrivée à la dernière maison ou la dernière partie du dessin, je commençais à laisser des choses de côté et à prendre des raccourcis. Faites des pauses aussi souvent que possible. Ce dessin de mise en page ne devrait pas vous prendre des jours et des jours. Cela lui donnera juste le temps dont il a besoin. Cela dépend bien sûr de votre propre vitesse. Mais assurez-vous de faire des pauses et de pouvoir avancer étape par étape. À ce stade, il est en train de se mettre en place. J'ai l'impression qu'au moins, la composition est terminée ou que la composition est complètement résolue, elle fonctionne parfaitement. J'en suis vraiment content. Je pense que les détails commencent à fonctionner très, très bien. J'avais un peu peur que ce dessin soit trop détaillé et difficile à comprendre, par exemple en termes d'échelle. Mais je pense que non, je pense que ça commence à être cohérent. Je voulais juste mentionner qu' après tout ce dessin structurel détaillé et, disons, de style architectural, lorsqu'il s'agit de dessiner formes organiques, vous pouvez être beaucoup plus libre et beaucoup plus stylisé si vous le souhaitez, en particulier sur un fond comme celui-ci. Par exemple, des arbres en arrière-plan. Je dessine littéralement dans ces formes triangulaires. C'est tout ce que vous devez faire pour indiquer comme une forêt entière. Pareil pour la montagne, je ne vais rien faire de détaillé. Je dessine littéralement dans ces formes comme celle-ci. S'il s'agissait d' un autre type d' arrière-plan avec une forêt légèrement différente, je m'assurerais simplement que les arbres restent aussi lâches et organiques que possible, car cela contrastera très bien et fonctionnera très bien avec toutes les structures en place du milieu au premier plan. Encore une fois, cela revient à ce principe de contraste dans vos arrière-plans ou dans vos designs. Si votre peinture met l'accent sur des structures artificielles, essayez de trouver un équilibre avec des formes organiques très lâches. C'est la fin de tout ça. Je pense que nous sommes presque arrivés à la fin de ce processus. Tout ce que je vais faire ensuite, c'est travailler au premier plan. Dans la vidéo suivante, je vais parler l'importance de séparer les plans de votre arrière-plan en un premier plan, milieu de plan et un arrière-plan. Quand tu seras prête, retrouve-moi dans la prochaine leçon. 19. Dessiner FG, MG. BG: Dans cette leçon, je vais travailler sur les éléments de premier plan de cette peinture. Je veux expliquer comment vous devez essayer de garder trois plans distincts très clairs dans votre arrière-plan. Ces différents plans ou sections de votre peinture constituent le premier plan, le milieu, puis l'avant-plan. Si je reviens à mon dessin préliminaire, vous pouvez voir que j'ai déjà commencé à créer les éléments de premier plan sur une couche séparée. Je vais maintenant passer un peu de temps à travailler dessus. Pendant ce temps, je vais simplement expliquer pourquoi vous placez des éléments de premier plan comme celui-ci sur une couche séparée. La raison principale est qu'en animation, il est probable que vous souhaitiez placer cette structure ou ces éléments au-dessus des personnages. En d'autres termes, si un personnage se trouve dans cette scène, peut qu'il ait besoin de marcher sur l'écran de gauche à droite, et vous ne voulez pas qu'il passe par-dessus vos éléments de premier plan. Vous conservez tous ces éléments de premier plan sur un nouveau calque ou sur un calque séparé, sorte que, lorsqu'il passe à la phase d'édition ou à la phase de composition, l'éditeur puisse prendre ce calque et le placer au-dessus de l'animation tout l'animation elle-même au-dessus la couche d'arrière-plan, si cela est logique. C'est pourquoi il est très utile de toujours placer vos éléments de premier plan sur une couche distincte ou même dans leur propre groupe. Vous verrez que lorsque nous arriverons à la phase de peinture, nous aurons des couches après couches , mais au moins, elles seront regroupées, et à la fin de la journée, vous pourrez simplement regrouper ce groupe en une seule couche. Une autre chose que l'on fait souvent en animation est que s'il s'agit d'une prise de vue initiale, il est très courant de voir ce que l' on appelle une caméra bouger sur une telle prise de vue. Il se peut qu'il y ait un très petit zoom sur la scène ou un choc. En animation, cela se fait en faisant zoomer ces éléments de premier plan à une vitesse différente de celle de l'arrière-plan. Cela donne l'effet que la caméra se déplace dans la scène. Encore une fois, cela ne peut être réalisé si vos éléments de premier plan se trouvent sur une couche distincte. Ensuite, derrière le premier plan se trouvera ce que l'on appelle votre milieu de terrain, et c'est le plan du sol, ce sont les maisons. C'est là que se déroulera l'action principale de l'animation. Derrière cela se trouve une partie de votre peinture que nous appellerons l'arrière-plan. En gros, c'est juste le ciel. Dans ce cas, peut-être la chaîne de montagnes. Je pense que la forêt et celle-ci seraient probablement incluses au milieu, donc dans ce cas, ce ne serait que le ciel en arrière-plan. Encore une fois, cela peut être manipulé après ou manipulé pendant la phase de composition, s'il est séparé et distinct du reste des couches de l'arrière-plan général. Encore une fois, tout cela sera clair comme de la boue lorsque nous arriverons à la phase de peinture proprement dite et lorsque nous commencerons à créer des couches, tout aura du sens. Mais pour l'instant, même pendant la phase de dessin, je voulais m'assurer que vous puissiez commencer à comprendre l'ensemble de votre arrière-plan en termes de ces trois plans distincts votre premier plan, votre milieu et votre arrière-plan. Je suis en train de terminer ici. Je ne suis pas sûr à 100 % de ce que ce type de structure totémique se trouve sur la droite. C'est un peu comme l'un de ces éléments vagues que j'ajoute parfois lorsque j'ai une idée de ce que cela devrait être, mais je n'en suis pas sûr à 100 %. À ce stade, je vais simplement continuer comme ça. Je sais que j'ai besoin d'un gros élément haut sur la droite pour équilibrer l'échelle et vraiment cadrer l'ensemble de la scène. Il se peut qu'il contienne tous ces détails au moment où nous passerons à la peinture, mais je pense que cela semble bon pour le moment. 20. Comment commencer le processus de peinture: Dans cette leçon, nous allons passer à la peinture et à l'ajout de couleur. Ce que je vais faire, c'est penser que je peux me débarrasser de ce dessin approximatif. Je vais simplement supprimer complètement ce groupe. C'est mon dernier dessin. Je vais réduire l'opacité de cette couche et la verrouiller. Ensuite, je vais créer une nouvelle couche au-dessus, car la première chose que je veux faire est de choisir des couleurs. Si vous avez suivi mes autres cours de peinture d' arrière-plan, vous savez que j'aime me concentrer sur une palette limitée. Ce que j'ai ici, ce ne sont que quelques couleurs qui, je pense, conviendront à l'image que j'ai en tête. Je vais les conserver sur une couche séparée et les utiliser comme point de départ. Maintenant, ces couleurs peuvent changer au fur et à mesure que je me déplace. Mais l'une des raisons pour lesquelles il est si important de se limiter à [RIRES] à un petit nombre de couleurs au début, c'est parce que A, cela élimine l'écrasement. Cela vous enlève le sentiment de savoir par où commencer. B, cela vous aide à relier vos choix de couleurs à un schéma existant, ce qui signifie que vous aurez un aspect plus cohérent dans l'ensemble. En d'autres termes, vous ne choisissez pas les couleurs au hasard. C'est vraiment utile. C'est également un moyen très efficace de suivre un processus qui peut s'avérer long et laborieux. La première chose que je veux faire est de noter la couleur du ciel. Je vais prendre mon outil Marquee, assurer qu'il s'agit d'une zone de cadrage carrée ou rectangulaire et cliquer simplement sur une zone. La prochaine chose que je vais faire est de créer des formes pour la zone de premier plan. Je vais le faire avec l'outil Pen. Vous pouvez appuyer sur « P » de votre clavier, cliquer et faire glisser vos points. Comme vous pouvez le voir, quand je fais cela, j'ai une très grande ligne noire monte jusqu'à l'endroit où il est écrit : «  Remplissez, changez-la pour obtenir la couleur que je veux ». Là où il est écrit accident vasculaire cérébral, assurez-vous que c' est éteint comme ça. Cela garantira que je n'ai rempli que la couleur ici et non aucun contour. Je vais créer trois grandes formes rondes à la frontière. Je pourrais légèrement varier le ton avec une teinte pour m'assurer qu'ils semblent distincts et séparés. Le troisième est là. Encore une fois, double-cliquez sur l'icône et modifiez simplement la couleur si vous le souhaitez. Modifiez n'importe quelle couleur de votre forme vectorielle. Au-dessus de ma couche de ciel, je vais maintenant utiliser mon outil Polygon Lasso, et je vais simplement commencer à tracer ce plan au sol. Il y a ce qui ressemble à des rochers en arrière-plan. Le reste arrive ici comme ça. J'ai une nouvelle couche au-dessus de ma couche de ciel, et je vais juste la remplir avec cette couleur. J'ai mon ciel, mon plan au sol et mes trois formes au premier plan. Pour la section suivante ou la phase suivante de cette peinture, je souhaite utiliser des blocs de couleurs plates. Il est très important de définir vos blocs de couleurs avant de commencer à ajouter des textures, car c'est la base de votre peinture. Il s'agira simplement de tracer avec diligence chacune des formes principales en arrière-plan. Ce seront les maisons de gauche, les maisons de droite, les éléments de premier plan, la forêt et les montagnes. Nous allons procéder étape par étape. J'ai tendance à utiliser l'outil Lasso, mais si vous le souhaitez, vous pouvez également utiliser l'outil Pen. Ensuite, commencez simplement à vous tailler la silhouette générale. Je n'entre pas dans les détails ou je n'essaie pas de dessiner quoi que ce soit d'autre ici. Je suis juste en train de créer une silhouette de base de la maison parce que je veux la remplir d'une couleur plate. Je vais maintenant choisir une couleur marron foncé et la remplir. Maintenant, pour ce qui est de l' élément supérieur de cette maison, étant donné qu'il comporte de grandes courbes, je voudrais utiliser l'outil Pen. Il est beaucoup plus facile de créer des formes courbes avec l'outil Stylo et, à l'aide du stylet, il remplit automatiquement les couleurs pour vous. C'est à vous de décider si vous souhaitez continuer à utiliser l'outil Pen tout au long du processus. J'ai tendance à utiliser à la fois le stylo et l'outil Lasso. Mais pour des formes comme celle-ci, pour des formes courbes où vous souhaitez que ce soit assez précis, utilisez certainement l'outil Pen. Ça a l'air bien. Si vous souhaitez le modifier, vous pouvez modifier ces points vectoriels. Maintenez simplement la touche Option ou Alt enfoncée sur votre clavier. Sélectionnez le point vectoriel et déplacez-le si nécessaire. Je vais cliquer dessus avec le bouton droit de la souris, puis revenir à l'endroit où il est écrit pixelliser la couche. Maintenant, c'est pixellisé , puis je vais le fusionner avec ma couche interne. Tout cela se trouve désormais sur une seule couche. Je vais double-cliquer sur le nom de la couche et appeler cette maison de gauche 1. Ensuite, je vais passer à la suivante. Ce que vous pouvez faire, c'est créer quelques formes , puis les fusionner. Je pense que c'est plus facile dans cette maison, surtout avec ces formes complexes. Je pense qu'il est plus facile de les faire un par un. Je vais juste tracer cette tête de loup sculptée [RIRES] à l'aide de l'outil Pen , puis je pourrai la fusionner à nouveau quand j'en aurai besoin. Comme je l'ai mentionné, ce processus peut prendre beaucoup de temps et être un peu laborieux [RIRES], et peut-être même un peu fastidieux. Mais je pense qu'il est très nécessaire de passer par là. Je ne sais pas s'il existe autant de raccourcis ou s' il faut accélérer ce processus. En fin de compte, tout cela fait partie de la peinture. Tout ce travail va créer un arrière-plan très riche. Continuez et allez-y étape par étape, comme je n'arrête pas de le dire, faites beaucoup de pauses. Assurez-vous de ne pas vous en lasser trop rapidement ou trop facilement. Il n'y a pas grand-chose à signaler en termes de technique ou de conseils à ce stade. Tout ce que je fais, c'est m' assurer que mes couleurs restent dans un registre cohérent et qu' elles soient légèrement différenciées entre chacune des structures, car je ne veux pas que chacune de ces maisons soit exactement la même. C'est la seule chose que je fais, c'est simplement varier légèrement les couleurs . J'utilise beaucoup l'outil Stylo, car il est pratique que la couleur soit déjà définie lorsque vous créez la forme. Je suis juste en train de suivre le dessin inférieur d'aussi près que possible et de le tracer. Si tu peux surmonter tout ça, alors c'est génial. J'ai fait construire toutes les maisons. Maintenant qu'ils se trouvent tous sur leurs propres couches et qu'ils ont leurs propres formes distinctes, je peux même les déplacer si nécessaire et modifier la composition. 21. Couleurs plates: Dans cette leçon, je vais finaliser les couleurs plates de la composition. Je veux me déplacer entre les éléments de premier plan, ainsi que les montagnes en arrière-plan. Encore une fois, poursuivez le processus et utilisez le stylet autant que possible , puis pixellisez ou convertissez cette couche d' une forme vectorielle en une couche de peinture normale. La raison pour laquelle je le fais est simplement de m' assurer de pouvoir peindre sur cette couche plus tard. Vous ne pouvez pas réellement peindre directement sur une couche vectorielle J'aime donc toujours cliquer avec le bouton droit de la souris et la convertir en couche pixellisée. Au premier plan, lorsqu' il s'agit de créer la forme de ce bouclier, je veux vous montrer comment je dois l' aborder. Il s'agit de saisir l'outil Elliptical Marquee, qui est le second enfoncé, et de maintenir la touche Shift enfoncée sur votre clavier pour créer un cercle parfait. Ensuite, sur une nouvelle couche, je vais la remplir avec une couleur, appuyer sur Commande ou Ctrl T pour l'incliner. Laissez-moi le mettre en place et ensuite je pourrai manipuler les bords. Je maintiens la touche Option ou Alt enfoncée sur votre clavier, maintenant je veux réellement dupliquer la couche. Si vous cliquez sur la couche où se trouve cette forme et que vous appuyez Commande ou Contrôle plus J sur votre clavier, la couche sera dupliquée. Maintenant, j'ai exactement deux formes identiques Si vous cliquez sur la petite icône miniature de la couche, la sera sélectionnée et vous cliquerez dessus forme entière sera sélectionnée et vous cliquerez dessus comme ça, peut-être un peu plus sombre. Ma couche supérieure est cette couleur grise, mais si je clique sur la couche inférieure, je vais déplacer cette couche vers l'extérieur et vous pouvez voir que c'est un moyen très rapide et facile que c'est un moyen très rapide et facile de créer une forme 3D. Avec mon outil Lasso, je vais recommencer à dessiner , mais en utilisant simplement l'outil Lasso. Je vais le dessiner , puis appuyer sur Retour arrière, qui supprime cette couleur et qui provient de la couche supérieure. Ensuite, je vais passer à la couche inférieure et découper un autre ***** ou un autre morceau qui manque puis avec l'outil Lasso, je vais commencer à dessiner le crâne. Vous pouvez désormais utiliser l'outil Lasso lorsque vous êtes dans le lasso polygonal. Si vous maintenez la touche Option ou Alt enfoncée sur votre clavier, vous pouvez basculer entre celui-ci et le lasso normal, ce qui signifie que vous pouvez créer des lignes droites et des lignes courbes. C'est un flux de travail êtes dans le lasso polygonal. Si vous maintenez la touche Option ou Alt enfoncée sur votre clavier, vous pouvez basculer entre celui-ci et le lasso normal, ce qui signifie que vous pouvez créer des lignes droites très pratique. Je le fais simplement pour tracer la forme, puis je vais la remplir d'une couleur, puis pour les cornes, je vais passer au stylo et m'assurer d'obtenir ces courbes. Encore une fois, vais utiliser l'outil Lasso les tracer et je n'ai pas besoin de faire quelque chose de trop compliqué qui puisse être assez stylisé. Passant au côté droit, j'ai d'abord pensé qu'il s' agirait d'une clôture mais je pense que je vais les laisser comme des piquets génériques dans le sol, comme des piquets en bois ou quelque chose comme tirets et les remplir tous de la même couleur. Maintenant, je vais essayer de ranger mes couches avant d'aller plus loin. Je vais regrouper cette couche et la nommer OL de droite et vous pouvez voir que j'ai nommé le côté gauche, OL de gauche. OL signifie que c'est un terme d'animation, cela signifie superposition et c'est le terme utilisé pour désigner des éléments qui seront essentiellement superposés au-dessus de l'animation. Souvenez-vous de ce que j'ai mentionné dans la vidéo précédente lorsque vous distinguez le premier plan du milieu et de l'arrière-plan, cela aidera les animateurs ou leur donnera la liberté de faire marcher des personnages derrière ces éléments de premier plan. Ce que je fais également ici c'est qu'une fois que j'aurai tout regroupé, je vais les séparer en trois sections distinctes. C'est également une pratique très bonne et très courante Je vais créer un grand groupe pour le premier plan, le milieu de plan et l' arrière-plan, puis dans chacun de ces dossiers ou sous-dossiers contenant des couches. 22. Tester les textures de neige: Croyez-le ou non, nous avons terminé nos couleurs plates. Nous sommes arrivés à la fin de cette partie du processus, et je dois admettre que cela demande un peu de temps et de patience pour le mener à bien. Mais c'est chose faite maintenant, et la prochaine phase du projet peut devenir beaucoup plus excitante et intéressante lorsque nous commencerons à ajouter des textures et des détails. Je voulais vous montrer comment ajuster les valeurs de votre composition à ce stade précoce. Mais avant cela, j'ai décidé d'ajouter de la neige au sol, parce que je pense que je veux juste commencer à tester à quoi cela va ressembler avec des pinceaux de texture. Je suis sûr que vous en avez probablement assez de la phase de couleur plate. J'ai pensé qu'il fallait simplement plonger dedans, ajouter de la neige sur le sol et jouer avec certaines textures , juste pour faire un essai, et voir comment on s'y prend. Sur une nouvelle couche, je vais me plonger dans certains de ces pinceaux de texture. C'est vraiment l' occasion d'expérimenter, il n'y a pas de règle absolue quant au pinceau à utiliser pour la texture que vous souhaitez créer. Cela dépend vraiment de vous, alors jouez avec ces pinceaux, commencez à expérimenter et mettez-vous à l'aise. Essayez de comprendre ce que chacun des pinceaux de texture peut offrir. Je suis littéralement en train de peindre avec peut-être un ou deux de ces pinceaux texturés, juste pour avoir cette sensation de neige. Je pense que ça marche. Au premier plan, je vais m' assurer de créer des couches au-dessus des formes. De cette façon, je peux modifier la couleur sous-jacente des formes ou la couleur ou la valeur de la texture elle-même. Il est toujours bon d'essayer de séparer votre texture de la forme sous-jacente. Vous finirez par trouver un pinceau que vous aimez vraiment et un pinceau qui vous convient. Ça a l'air bien. Je pense que ça va être vraiment joli Une fois que toutes les textures seront ajoutées, je suis très heureuse de le voir. Dans la leçon suivante, nous allons parler des valeurs et de la façon de faire en sorte que votre peinture soit vraiment claire et forte en termes de valeurs. Quand tu seras prête, je te verrai dans la prochaine leçon. 23. Régler les valeurs et ajouter du ciel: Si je devais identifier ou mettre en évidence deux des principaux domaines dans lesquels je vois des difficultés pour les débutants, ce seraient les domaines de la valeur et ceux des textures. Vous pouvez avoir une composition très bien composée, beaucoup de détails et un sens aigu de l'histoire, mais si les valeurs sont erronées et qu'elles ne fonctionnent pas bien ensemble, cela peut vraiment décevoir cette composition ou cette peinture de fond. L'autre domaine des textures, je vais l'expliquer un peu plus quand nous y reviendrons. Mais dans cette leçon, je voulais vous montrer comment ajuster vos valeurs, comment vous assurer que vos valeurs se lisent très clairement. Les valeurs font référence au contraste de votre peinture. Les éléments situés au premier plan présentent un contraste plus élevé, tandis que les éléments situés à l'arrière-plan présentent un contraste moindre. Parfois, cela dépend la configuration d'éclairage spécifique que vous utilisez, mais c'est une très bonne indication. Voici un moyen très pratique et très rapide d'ajuster les valeurs de votre peinture. Si vous sélectionnez une couche et que vous appuyez sur Commande ou Contrôle U, dialogue, cette boîte de dialogue de saturation des teintes, s'affiche. À partir de là, ces curseurs sont très utiles. Si vous faites glisser le curseur de saturation, par exemple, vous pouvez régler la saturation, vous pouvez également faire glisser la luminosité ou la luminosité de la couche. C'est un moyen très rapide et facile d'ajuster les valeurs. Je vais le rendre encore plus sombre. Ça a l'air mieux. Tous ces éléments situés à l'avant devraient être un peu plus sombres. Je fais donc glisser le curseur vers le bas sur chacun d'entre eux, juste pour les placer en arrière-plan et les rendre beaucoup plus spectaculaires. À mon avis, il est beaucoup plus facile de modifier la valeur que de changer la teinte Je dois donc m'assurer que la couleur de base vous convient avec le tiret, puis je travaillerais simplement avec la luminosité et la saturation. Le ciel doit être beaucoup plus clair. Mais ce que je vais faire maintenant, c'est créer une nouvelle couche au-dessus. Il s'agit d'un gros pinceau rond doux, l' un des pinceaux par défaut de Photoshop et je vais juste ajouter ce ton très clair au bas du ciel. C'est génial, cela vous donne cette impression de dégradé dans le ciel. Je pourrais même l'assombrir sur le dessus. Mais même ce léger ajustement a fait une énorme différence dans l'ensemble de la peinture. Cela lui donne immédiatement une impression de profondeur. en rester au ciel, je pense que je vais ajouter une autre couche, lui donner un peu de lueur parce que je veux que le soleil se lève ici et que ce soit comme un ciel d'aube avec un magnifique lever de soleil qui brille juste au-dessus de l'horizon Je vais donc donner un soupçon de tiret. Tout cela se fait avec une brosse ronde très douce et très légèrement. Vous n'avez pas besoin d'être trop autoritaire pour obtenir cet effet. Vous pouvez simplement donner une touche très subtile. En fait, c'est l'un de ces cas où moins c'est plus. Je pourrais même m'en tenir là et ne plus le faire. J'aime l'apparence des nuages. Une chose que je pourrais faire, comme je l'ai fait avec la forêt, c'est de styliser un peu les nuages, saisir l'outil Lasso et dessiner une forme très simple comme celle-ci. Ensuite, avec le pinceau, et nous allons juste brosser jusqu'à la limite de ma sélection. Si je sélectionne, vous pouvez voir que cela crée une belle bordure stylisée. Je suis littéralement en train de brosser le bord juste pour lui donner cette définition dans le ciel. Nous sommes maintenant prêts pour la phase finale de cette peinture de fond, qui sera la phase de texture. Lorsque vous serez prêt, retrouvez-moi dans la prochaine leçon et nous verrons comment appliquer des textures réelles et réalistes à des objets tels que ces cabanes en bois et des objets comme Dash. 24. Peindre la lumière et l'ombre: Dans cette leçon, je veux changer la neige au sol avant d'aller plus loin. C'était un peu une expérience pour voir comment mes textures allaient fonctionner et j'en suis assez contente, mais je ne pense pas que la couche de neige fonctionne comme une couche de neige. Je vais le supprimer. Je veux dessiner à nouveau une forme, d'une manière assez stylisée, la même manière que j'ai fait les nuages et la leçon précédente. La commande ou le contrôle passent à cette couche. Je vais créer une nouvelle couche en dessous , puis ici je pourrai commencer à peindre ma neige. Je vais créer des ombres à l'aide de l'outil lasso et simplement découper les ombres en dessous avec un pinceau rond doux. Je vais m'assurer de peindre belle couleur douce en dessous de ces sélections. Alors je peux faire de même de ce côté. Une fois que j'ai tout mis sur une seule couche, je vais maintenant passer à mon pinceau à texture et j'ai aimé ce pinceau à poils ronds. Je vais m'en emparer et payer, diviser légèrement les bords pour que cela ait un aspect un peu plus pictural, mais pas pour m'assurer que ces bords ne sont pas vraiment durs et définis. Ensuite, j'ai décidé d'ajouter de neige sur le toit de ces maisons. Pour ce faire, je souhaite utiliser à nouveau le stylet. Je veux suivre la forme de la maison ou suivre la forme du toit en dessous et m'assurer de lui donner l'impression que c' est très évident ou que c'est un look très emblématique dans un film d'animation, comme je dis Klaus, si vous avez vu ce film où la neige sur le toit de véritables sections de neige très stylisées. Presque. Maintenant que l' apparence commence à être très différente, j'adore vraiment la neige et les toits. Je pense que c'est une bien meilleure idée que de les faire simplement être un toit en paille. Ça a l'air vraiment bien. Comme je l'ai dit à propos de la structure en détail. Je ne veux pas que la neige soit plate comme une feuille éclair. Je veux qu'il ait de la dimension. Ce que je vais faire, c'est pixelliser la couche, puis utiliser mon outil Lasso et sélectionner le bord de celle-ci. C'est l'avantage que je veux avoir, face à la lumière, puis je vais appuyer Command ou Control+M sur mon clavier, et cela fera apparaître l'éditeur de courbes. C'est un outil fabuleux à utiliser. Si vous souhaitez modifier rapidement la valeur ou la couleur, vous pouvez utiliser le curseur de saturation des teintes. Ceci n'en est qu'un autre. Il suffit de pousser cette courbe vers le haut et vous verrez sur ma peinture que la sélection est beaucoup plus claire. Permettez-moi de parcourir le reste des morceaux de neige et de leur donner un peu plus de profondeur et dimension. Cela fonctionne à merveille, un effet fantastique et c'est si simple et si rapide à faire. 25. Finaliser la forêt: Dans cette leçon, je voulais souligner la différence entre utiliser quelque chose comme un pinceau estampé pour, disons, la forêt et dessiner des arbres individuellement. Je vais créer une couche en bas, et je vais juste extraire le pinceau approprié que je voulais vous montrer. Cela se trouve dans vos pinceaux de paysage et s'appelle Spruce Forest. Vous pouvez immédiatement voir que le pinceau lui-même est une image d'un bouquet d'arbres. Vous seriez tenté d'en faire toute votre forêt. Mais ce que je voulais souligner, c'est que dans la plupart des cas, nous optons pour une image assez stylisée et quelque chose comme une sorte de pinceau estampé où il s' agit vraiment de la silhouette d'une véritable image d'un arbre. Il se démarquera énormément si vous l'utilisez simplement, vous pouvez utiliser quelque chose comme ça en conjonction avec votre stylisation. Je recommande de l'utiliser comme arrière-plan pour donner l'impression d'une forêt s'éloignant vers cette l'impression d'une forêt montagne lointaine et vous pouvez créer cela avec littéralement deux types de stylets. Tu as créé toute une forêt. J'ai également décidé que ma forêt avait besoin de beaucoup plus de variations. C'est un peu plat, fade et sans intérêt. Je vais opter pour un troisième type d'arbre. Je vais le dessiner avec mon lasso comme ça. Sélectionnez cette option. Laisse-moi le mettre devant. Tu peux le voir beaucoup mieux. Cela contrastera énormément avec les arbres existants en le rendant beaucoup plus fin avec ces branches distinctes Il se démarquera vraiment des autres arbres. Je veux ajouter de la neige à cet arbre. Essentiellement, avec l'outil lasso, je vais dessiner, ce que j'imagine, c'est l' accumulation de neige sur chacune de ces branches. Je le fais sur la même couche que l'arbre lui-même, donc je n'ai pas à utiliser de masque à découper. Il se remplira simplement jusqu' au bord de l'arbre du dessin existant en dessous. 26. Peindre les textures: En regardant cette pièce maintenant, je sais qu'il y aura beaucoup de travail à faire pour créer la texture du timbre des maisons. Je vais vous montrer ma méthode pour créer ces textures, qui consiste essentiellement à peindre chacune d'elles à la main plutôt que de simplement utiliser une texture de pinceau sur tout. C'est un peu plus détaillé et prend un peu plus de temps, mais cela aura un effet beaucoup plus riche de cette façon. Ce que je vais faire, c'est tout d' abord, dans ma pile de couches, mettre en évidence la couche sur laquelle se trouve ma couleur de base afin de savoir que je ne peins pas dessus. Pour ce faire, il vous suffit de cliquer avec le bouton droit de la souris et d'ajouter une couleur à cette couche. Ensuite, je vais m' efforcer autant que possible de peindre mes textures par-dessus. La raison pour laquelle je le fais est au cas où cela ne fonctionnerait pas ou au cas où je voudrais modifier mes textures ou même changer la couleur de base plus tard. Je suis le dessin car je pense qu'il est clair et que ce sera probablement un très bon guide. Essentiellement, le processus est le suivant : je vais faire une sélection à l' aide de l'outil Lasso, prendre un pinceau à texture, puis peindre avec un ton légèrement varié. Quelque chose de légèrement différent de la couleur de base, peut-être un peu plus foncé ou un peu plus clair. Maintenant, quelques points à noter tout au long de ce processus. Tout d'abord, il faudra faire quelques essais pour trouver le bon pinceau de texture. Personnellement, j'ai commencé par essayer quelques pinceaux à texture différente , puis à la fin du processus, je me suis contentée deux pinceaux spécifiques, le grain du bois et le pinceau à poils ronds. L'autre point que je tiens à souligner tout au long ce processus est que vous pouvez procéder à votre sélection pour chacune de ces planches de bois en une seule fois, mais que la texture pourrait ne pas ressembler à celle de chaque planche si vous le faites. Ce que je veux essayer de faire, c'est de leur donner l'impression qu'il s'agit de planches de bois séparées et distinctes. Donc, si vous trouvez que vous peignez vos textures et que cela semble un peu monotone, essayez de faire les planches une par une. Parfois, vous pouvez également modifier la couleur. Vous n'êtes pas obligé de toujours travailler avec des bruns. Par exemple, vous pouvez ajouter une couleur surlignée ou contrastante juste ici et là pour vraiment la faire ressortir. Ensuite, à l'étape suivante, une fois que j'ai fabriqué les planches individuelles, je veux ajouter de très fines bandes de couleur foncée. Cet élément est appelé, ou le terme technique est, une ombre d'occlusion. Une ombre d'occlusion est l'endroit où les deux bords d'un objet s'entremêlent. Je tiens à le souligner , c'est vraiment important d'avoir cet élément. Pour cela, je vais simplement utiliser l'outil Paint Bucket et appuyer sur la sélection. Génial. Maintenant, je vais utiliser exactement la même méthode pour ajouter les poutres qui traversent cette base en bois. J'ai ici cette longue poutre de support que je veux indiquer qu'elle est arrondie. En ajoutant cette texture, je pense également à la chute de lumière sur le dessus. Comme il dépasse du reste de la maison par l'avant, je veux qu'il attire la lumière. J'ajoute une couleur plus claire en haut et une couleur un peu plus foncée en bas. Sur la partie supérieure de la maison, ces poutres doivent également avoir le même sens des dimensions puisqu'elles se trouvent au-dessus de la base. Je vais m'assurer d'y réfléchir, de faire en sorte que l'ombre la plus foncée soit sur la gauche pour leur donner faire en sorte que l'ombre la plus foncée soit sur la gauche pour leur donner impression qu'ils sont robustes et lourds et qu'ils sortent de la maison. C'est la façade de la maison, plus ou moins terminée. Si je dézoome, vous pouvez immédiatement voir l'effet. Cela demande un peu de temps et de patience, mais cela en vaut vraiment la peine, et vous pouvez obtenir une structure réaliste, ou du moins crédible , simplement à l'aide de l'outil Lasso et en ajoutant de sélectionnant simplement à l'aide de l'outil Lasso et en ajoutant de la texture à l' aide d'un pinceau à texture. Le dernier point que je souhaite dans cette leçon avant de passer à la suivante est que lorsque vous atteignez la base de la maison, est que lorsque vous atteignez la base de la là où la structure rencontre le sol, et cela peut s'appliquer à n'importe quel bâtiment que vous peignez, pensez toujours à façon dont ces structures ou ces bâtiments rencontrent le sol, la nature des bords ou à la transition. En d'autres termes, je ne veux pas juste que la maison flotte au-dessus de la neige. Je vais peindre quelques marques pour indiquer cette transition difficile et peindre de la neige qui remonte sur la base pour que cela soit beaucoup plus beau. Dans la prochaine leçon, je continuerai à peindre ces textures. Quand tu seras prête, rejoins-moi là-bas. 27. Peindre les textures: Comme toutes les maisons sont dans le même matériau , ce sont toutes des structures en bois. Vous l'avez deviné, c' est exactement le même processus . Je tiens simplement à souligner à nouveau qu'il n'est pas nécessaire d' être trop autoritaire avec ces textures d'ailleurs. C'est pourquoi j'ai une base de couleur plate en dessous. Parce que vous voulez que la texture soit un peu subtile , qu'elle repose au-dessus de la couleur de base et que cette couleur de base ressorte légèrement. Les textures n'ont vraiment besoin d'être indiquées que légèrement. Une trop grande quantité va commencer à paraître choquante. C'est aussi pourquoi il est préférable de n'utiliser que deux ou trois pinceaux et de ne pas avoir de nombreuses textures différentes sur un seul matériau de surface, dans ce cas, les maisons en bois. Cela dit, tout au long de la peinture dans son ensemble, vous devez faire attention, ou faire attention , je dois dire, à l'ajout de types de textures variables ou différents. Ne peignez pas exactement la même texture utilisez pas exactement le même pinceau sur absolument tout. C'est vraiment agréable d'avoir un look cohérent et global. Mais essayez de comprendre comment vous pouvez avoir des zones votre peinture qui ont des textures différentes. Si vous utilisez le même pinceau, par exemple, modifiez au moins vos traits de pinceau lorsque vous passez du premier plan au milieu du plan, et même en revenant à l'arrière-plan très éloigné. Réduisez les marques de pinceau lorsque vous vous éloignez et réduisez la taille du pinceau lorsque vous vous déplacez dans le tableau. Cette peinture est grisâtre car la neige ajoute vraiment ce contraste entre les structures en bois très détaillées avec de nombreuses petites textures très spécifiques, un contraste avec la neige blanche et douce sur le toit. J'ai beaucoup aimé cette variation. Il en va de même pour les arbres en arrière-plan. garder plats et stylisés permet vraiment d' ajouter ce contraste visuel, et c'est quelque chose que vous voulez vraiment avoir dans n'importe quelle peinture. J'ai souvent constaté cela dans des œuvres pour débutants où l'on obtient une très belle composition, tout fonctionne parfaitement, mais les coups de pinceau et les textures sont exactement les mêmes sur l'ensemble du tableau. Cela rend les choses très, très plates. C'est dans cet esprit que lorsque je commencerai par la texture de la paille, je vais complètement la changer, et je vais maintenant tracer lignes très simples avec un pinceau rond et c'est tout. Je pourrais me procurer un pinceau à texture pour la paille, mais je trouve que cet effet ressort beaucoup mieux parce que c'est tellement plus simple. Contre le bois, ça marche vraiment, et contre la neige, c'est agréable. C'est réaliste et il est très rapide et facile de dessiner à la main ces quelques lignes pour l'indiquer. 28. Peindre les détails pour ajouter de la richesse: Dans cette leçon, je vais ajouter les boucliers aux maisons et commencer à ajouter un peu plus de détails. Pour créer un bouclier, je vais cliquer et faire glisser un cercle parfait, lui donner une couleur foncée, puis utiliser l'outil de transformation gratuit pour l'incliner et le mettre en place. Ensuite, en plus de cela, je vais dupliquer la couche. J'ai maintenant deux couches identiques. Je vais réduire celui-ci et lui donner une couleur légèrement plus éclatante, pour lui donner l' impression qu'il y a comme une pièce métallique sur le dessus. Ensuite, je vais fusionner ces deux couches en les sélectionnant, bouton droit de la souris et en choisissant Fusionner les couches. Pour ajouter les détails, encore une fois, je vais choisir de les peindre à la main. Je ne vais pas trop m'attarder sur les détails de ce bouclier. Comme ce bouclier est en fait si petit lorsque vous effectuez un zoom arrière, vous ne verrez pas vraiment les petits détails sur lesquels vous travaillez. Je vais juste ajouter rapidement ces embouts biseautés ici et là pour que ça ressemble à un bouclier. Sous le bouclier, je vais ajouter une croix Peut-être y a-t-il une armure en dessous ou deux épées croisées. Maintenant, le dernier détail cette maison sera le crâne, et je vais le dessiner avec l'outil Lasso. Ensuite, je vais suivre la procédure habituelle, ajouter de la couleur plate et utiliser un petit pinceau rond pour marquer certains détails. Juste pour me répéter encore une fois, cela va être vu de loin donc pas de gros détails ici. Si vous entrez beaucoup de détails, ils ne se liront pas vraiment très bien. Maintenant, tous ces éléments que vous commencez à ajouter, au-dessus de votre dessin ou de votre peinture, vous pouvez facilement les dupliquer et les utiliser partout, vous n'avez pas à tout dessiner à partir de zéro, vous n'avez pas à refaire chaque élément individuellement. Mais je voudrais simplement faire deux commentaires à ce sujet, si vous dupliquez des éléments. La première est de vous assurer que vos couches restent organisées. Si vous dupliquez, par exemple, le bouclier d'une maison pour le placer sur une autre, assurez-vous de faire glisser cette couche de votre pile vers l'autre maison ou de la placer dans ce groupe. Cela va rendre la vie beaucoup plus facile plus tard. Si vous gardez tout organisé au fur et à mesure, au lieu d'avoir une multitude de couches qui ne sont pas vraiment regroupées. Ensuite, le deuxième point à souligner est que lorsque vous dupliquez quelque chose, assurez-vous simplement de modifier légèrement l'élément dupliqué. Ajoutez-y quelque chose de petit ou supprimez-en quelque chose, faites-le pivoter ou retournez-le. Assurez-vous simplement d'apporter quelques petites modifications afin que cela ne soit pas exactement le même. Si deux choses sont exactement identiques dans votre peinture, elles se démarqueront. Ce sera assez évident. Apportez simplement les petites modifications que vous souhaitez et cela fonctionnera parfaitement. 29. Peindre les éléments de base: Peindre les éléments de premier plan maintenant est vraiment l'avant-dernière phase de tout ce processus. Une fois que j'ai peint ces éléments de premier plan, la dernière phase consiste simplement à ajouter les touches finales. Cela commence vraiment à prendre de toile de fond et ça a l'air génial. J'ai hâte de découvrir ces éléments de premier plan et de terminer cette peinture. Je peux maintenant commencer à être un peu plus détaillée et un peu plus variée ici, au premier plan, car ces éléments sont si proches du spectateur que vous souhaitez réellement faire ressortir certains de ces détails. Par exemple, je pense que je veux ajouter un peu de couleur ici. Rien de choquant, mais vraiment quelque chose qui va donner un peu de contraste. Alors peut-être ajouter ce ton rosé ou rougeâtre sur le bouclier. Cela pourrait très bien fonctionner. Il y a tellement de bleu de couleurs froides dans toute la peinture qu' ici, au premier plan, cette légère touche pourrait très bien fonctionner. J'ajouterai un peu plus de saturation au ciel lors de la phase finale. C'est dans la leçon suivante, mais pour l'instant, je veux juste garder les couleurs et les teintes assez subtiles. Pour les petits détails, comme l'épée, je vais utiliser à nouveau un petit pinceau rond et simplement ajouter le manche pour lui donner dimension dont je parlais , cette tridimensionnalité. Si vous voulez mettre l' accent sur l'épée ou vous pouvez y ajouter beaucoup plus de détails. Pour moi. En fait, je veux que l'épée soit plus une silhouette qu'autre chose. Le crâne est maintenant l' occasion de peindre une jolie touche de surbrillance sur les bords pour donner l'impression qu'il capte la lumière parce qu'il est si haut et si haut. Ça va être vraiment sympa. On dirait qu'il capterait la lumière du soleil lorsque le soleil se lève à l'horizon. Je vais garder l'arrière du crâne dans une couleur très foncée parce que ce sera dans l'ombre. Sur le côté droit, ces poteaux peuvent désormais également avoir une touche de lumière sur le dessus. Ils captent juste un peu la lumière. Encore une fois, ce sont des silhouettes aléatoires. Ils fonctionneront très bien, comme je l'ai déjà dit, pour créer des lignes directrices qui pointent vers la composition, vers la zone focale située au milieu, mais c'est tout ce qu'ils n' ont pas besoin d'être trop détaillés. C'est juste pour donner l'impression que des poteaux sortent de la neige. Sur le pilier, je vais imaginer qu'il fait face à la lumière de ce côté et je vais ajouter une couleur plus claire comme ça. Ce sera une structure en bois. J'utilise exactement les mêmes techniques et le même processus que ceux que j' ai utilisés sur les maisons en utilisant le même processus de sélection et de texture au pinceau. La seule chose à noter ici, c'est que j'utilise un masque à découper avec de la texture, ce qui me permet simplement de peindre à l'extérieur du bord sans le faire apparaître parce qu'il est accroché à la forme située en dessous. Maintenant, le dernier détail consiste à ajouter une couche au-dessus de ces éléments et sur cette couche, je veux donner l'impression que la neige s' accumule à la base. Encore une fois, c'est ce que je disais à propos des maisons. Vous devez être attentif à la façon dont les objets reposent sur le sol et à la manière dont vous pouvez l'indiquer en ruguant les bords autour de la base de ces objets. C'est ça. Je pense que ça a l'air incroyable. Je n'arrive pas à croire que nous sommes ici. Nous sommes presque arrivés à la fin de ce très long processus. C'est très excitant à voir. Passons à la dernière leçon et terminons cette peinture avec les touches finales et donnons-lui cet aspect final. 30. Le pass final: Comme je l'ai toujours dit, il est beaucoup plus efficace d' utiliser des textures subtiles et de varier les utiliser des textures subtiles et de varier marques que d'utiliser textures trop lourdes et d'utiliser le même coup de pinceau tout au long de votre peinture. Je veux que vous y réfléchissiez pour cette dernière étape. Je vais maintenant ajouter une touche de lumière à ce tableau. Mais je veux être très subtile à ce sujet. Je vais ajouter une lueur de lever de soleil dans le dos. Mais il faut que ce soit assez léger, rien de lourd. Ce que je vais faire, c'est ajouter une nouvelle couche, puis avec un pinceau par défaut très simple, le gros pinceau rond doux, je vais ajouter la moindre touche de couleur. C'est littéralement tout, je veux en ajouter d'autres. J'adorerais me déchaîner un peu avec ce lever de soleil, mais je ne vais pas le faire. Je vais m'en tenir aux choses et en rester là. Je pense que c'est suffisant. Ensuite, je vais sélectionner la forme de la montagne et ajouter textures aléatoires et lui donner un peu plus de cette couleur douce et luisante. Ce que cela fait, c' est donner une perspective atmosphérique très importante. Ce que je veux dire par là, c'est que l'idée ou le concept selon lequel des choses plus éloignées ont plus d'air ou plus de ciel entre elles, entre vous et elles, et qu'elles ont donc beaucoup moins de contraste et beaucoup moins de saturation. Ma toute dernière touche maintenant sera juste une touche de texture à mi-chemin, juste comme ça et je pense que je vais prendre du recul pour le moment et laisser cette peinture maintenant. Je pense que c'est ça. En fait, je vais vous laisser continuer comme ça si vous le souhaitez. J'adorerais voir votre peinture finale et j'adorerais voir si vous ajoutez d'autres éléments à partir de maintenant. Je veux dire, vous pourriez ajouter le bateau que nous avons fait dans le dessin de mise en page. Vous pouvez le mettre dedans et le peindre, ou vous pouvez même ajouter des armes supplémentaires, comme un chariot ou une charrette. Il y a encore beaucoup de choses que vous pouvez ajouter et j'adorerais maintenant vous les remettre et voir ce que vous pouvez en créer, ce que vous pouvez peindre en fonction de toutes les étapes et du processus que nous avons abordés jusqu'à présent. Lorsque vous serez prêt, publiez votre travail terminé dans la section projet ou dans la section questions-réponses afin que nous puissions tous être inspirés par votre vision. J'espère vraiment que vous avez beaucoup appris dans ce cours. Je tiens à vous remercier d' avoir fait ce voyage avec moi. Je suis honoré de vous présenter mon point de vue réel sur les choses. J' espère sincèrement que cela vous aidera dans votre carrière artistique et qu'un jour prochain, vous pourrez montrer votre portfolio à un studio d'animation et être embauché en tant qu'artiste de fond. Ça va être incroyable. Restez en contact avec moi, envoyez-moi un message et dites-moi comment vous vous en sortez et sachez toujours que je suis là pour répondre à toutes vos questions . Merci encore d' être ici et merci pour votre contribution à ce cours. Je veillerai sur vous dans la section des projets et j'espère vous voir également lors du prochain cours.