Conception de personnages pour l'art conceptuel

1. Promo: Salut là. Je suis [inaudible], je suis artiste et professionnel de l'animation. Je viens de mettre au point ce guide complet, étape par étape, sur la conception de personnages pour l'art conceptuel. Ce cours porte sur la peinture numérique, mais l'accent est vraiment mis sur la démystification du processus de création de votre personnage, façon de développer vos compétences de dessin pour que vous puissiez dessiner des personnages toute confiance et rapidement de votre imagination en quelques minutes, et comment vous assurer que vous avez un personnage crédible entièrement atterri avant de commencer à peindre. En outre, je vous montre également comment ajouter des effets et ce vernis final à votre œuvre pour vous assurer qu'elle se distingue dans votre portfolio. Si vous êtes intéressé par l'animation ou l'animation, ou si vous êtes intéressé par la bande dessinée ou l'art numérique de quelque nature que ce soit, alors ce cours est fait pour vous. J' ai structuré le cours autour d'un flux de travail utilisé par des artistes professionnels dans un environnement de studio réel. Vous allez commencer à apprendre quelques exercices et dessins qui vont vraiment augmenter votre capacité à dessiner des personnages hors de votre tête. Avec ces compétences de dessin sous votre ceinture, vous passerez à réfléchir à votre concept pour le projet final. Maintenant, que vous ayez une idée pour un personnage ou non, le processus que je vais vous montrer va tout démystifier pour que vous puissiez passer étape par étape en ayant une idée vague d'avoir une idée complète et concrète pour une caractère. Ensuite, vous allez plonger dans le dessin, et je vous expliquerai étape par étape comment dessiner des poses rugueuses, comment affiner votre dessin, puis comment l'amener à ce qu'on appelle dans l'industrie une ligne entièrement nettoyée. Ensuite, il s'agit de la couleur et de la peinture de votre personnage et de l'ajout textures et de l'ombrage et de l'éclairage tout important. Dans la dernière section, vous pourrez également ajouter des effets, des calques, jouer avec les modes de fusion et ajouter les touches finales qui amènent votre dessin conceptuel à un niveau supérieur. Je veux vraiment que vous trouviez du succès en tant qu'artiste numérique et que vous ayez des portes ouvertes pour un parcours de carrière possible en animation. C' est vraiment mon objectif ultime avec ce cours. Je partage les connaissances et les techniques issues de mes 15 années d'expérience dans des studios d'animation à Dublin et à Vancouver. J' ai travaillé pour des studios dont les clients incluent Disney, DreamWorks, Atomic Cartoons, et environ 90 % de ce que je sais aujourd'hui, j'ai appris en travaillant dans ces studios. Je veux partager cela avec vous aujourd'hui afin que vous puissiez créer votre portefeuille et mettre en place votre propre carrière. J' espère vraiment vous voir dans le cours et j'ai hâte de travailler avec vous. 2. Introduction: Salut, bienvenue au cours sur le design de personnages pour l'art conceptuel. Je suis si heureux que vous soyez dans ce cours et que vous êtes sur le point de faire vos premiers pas dans ce voyage passionnant et créatif. Si vous avez des questions ou si vous désirez des commentaires sur votre travail, n'hésitez pas à m'envoyer un message. Avant de commencer, dans cette vidéo d'introduction, je veux juste voir comment le cours est mis en place, et vous donner quelques conseils sur la façon de vous assurer que vous pouvez en tirer le meilleur parti. Ce n'est pas vraiment un cours sur la façon dont je crée de l'art conceptuel, mais plutôt sur l'enseignement des processus et des techniques que les concepteurs professionnels utilisent chaque jour dans les studios. Je veux vraiment que vous soyez capable de prendre ces processus et de les faire vôtres dans n' importe quel type d'art que vous voulez créer. Avec cela à l'esprit, voici ce que vous devez savoir sur le cours. Je travaille dans Photoshop, mais tu n'es pas obligé de le faire. Les principes et les idées de dessin et de peinture numérique, s' appliqueront à d'autres programmes, et vraiment vous avez juste besoin de suivre avec moi. Les aspects techniques de photoshop que j'utilise sont en fait assez minimes. Je travaille aussi avec une tablette Wacom, et c'est un peu une exigence. Mais encore une fois, vous n'avez pas à avoir ce même que moi, il y a beaucoup de comprimés de dessin alternatifs que vous pouvez ramasser pour un prix tout à fait raisonnable. La première section met l'accent sur l'amélioration de vos compétences en dessin et vous apprend à styliser vos dessins. Vous pouvez prendre du temps d'arrêt à n'importe quelle étape de cette section pour pratiquer ces exercices et être à l'aise de les utiliser, ou vous pouvez les classer et travailler avec eux plus tard et simplement passer à la section suivante. Celui-ci sera tout pour vous assurer que vous savez comment construire un concept entièrement arrondi avant de commencer vos conceptions initiales. Je vous ai laissé quelques feuilles de calcul pour ces exercices, et ici, je vous recommande de prendre quelques minutes pour mettre en pause les vidéos et les remplir parce que si vous voulez travailler sur un personnage spécifique pour ce cours, puis passer par ces les listes de vérification seront vraiment bénéfiques. Ensuite, dans la section suivante, vous allez commencer à ébaucher votre pose pour la couleur finale et la peinture. Ce sera un guide étape par étape à travers les techniques. J' ai fait quelques vidéos qui décomposent les techniques et les pratiques, afin que vous puissiez commencer à les utiliser dès aujourd'hui sur votre propre travail. Mais si vous êtes intéressé à me regarder terminer mon dessin à partir du concept rugueux jusqu'au travail terminé de la ligne nettoyée, il y a une option à la fin de cette section pour regarder quelques vidéos de juste cela. Dans la section peinture, je vais me concentrer sur vous familiariser avec les meilleures pratiques professionnelles pour la coloration numérique. Une fois que j'ai expliqué tout cela, vous êtes invités à regarder une autre vidéo de processus de coloration d'un personnage du début à la fin. Enfin, j'ai laissé tous les pinceaux et les textures que j'utilise dans ce cours dans votre section de téléchargement, alors assurez-vous de chercher cela et de télécharger les pinceaux. Ce sont des pinceaux que j'ai utilisés tout au long de ma carrière professionnelle, et je pense que vous aurez beaucoup de plaisir à travailler avec eux. Je vous ai aussi laissé tous mes fichiers Photoshop pour que vous puissiez les ouvrir, les décomposer et voir comment je les structurer. Faire de l'art du personnage et de l'art conceptuel est l'un des meilleurs moyens de mettre en valeur votre talent, votre ensemble de compétences et votre imagination. C' est quelque chose qui fera que votre portefeuille se démarquera et aura l'air vraiment poli et professionnel. Je suis vraiment contente que tu sois là, tu fais partie de ce cours et de cette communauté. Je suis excité de travailler avec toi. Allons plonger dedans. Ensuite, j'expliquerai comment j'ai configuré mon espace de travail dans Photoshop et expliquerai mes meilleurs conseils et raccourcis que j'utiliserai tout au long du cours. 3. Mes raccourcis Photoshop: Dans cette vidéo, je veux juste vous donner un aperçu rapide de mon espace de travail afin que vous puissiez suivre avec moi, si vous travaillez dans Photoshop. Si vous travaillez dans une autre application, vous pouvez passer de l'avant par tous les moyens. Mais dans cette vidéo, je vais juste expliquer les principaux raccourcis que j'utilise. Peut-être qu'il est utile de les connaître au cas où un jour vous finiriez par utiliser Photoshop. Tout d'abord, je crée généralement un document en appuyant sur Commande ou Ctrl+N, et je vais généralement travailler paysage. Maintenant, voici un document légal standard ou format A4. La résolution est assez élevée. Je vous recommande de définir la taille de votre document à quelque chose qui est au moins, disons 1080 pixels avec une haute résolution simplement parce que lorsque vous faites des images conceptuelles, cela peut être très détaillé et que vous voulez avoir l'option plus tard disons 1080 pixels avec une haute résolution simplement parce que lorsque vous faites des images conceptuelles,cela peut être très détaillé et que vous voulez avoir l'option plus tard soit à l'échelle réduite ou même à l'imprimer pour votre portefeuille. Gardez ça à l'esprit. Si vous choisissez une option comme 1080 d'ici 1920 ou quelque chose comme ça, changez simplement ces pixels ici, pixels par pouce de 72 à quelque chose assez élevé comme 300 pour vous assurer que vous avez ce ratio de flexibilité. Alors appuyez sur « Ok ». Ensuite, j'ai généralement mon espace de travail comme ceci. Si le tien n'est pas comme le mien, alors vous pouvez toujours changer. Mais je vais juste vous montrer que si vous venez ici à Window et choisissez Workspace, vous pouvez réellement voir qu'il y a beaucoup de mises en page différentes. Disons que la tienne est celle-là ressemble à ça. Eh bien, si vous voulez personnaliser cela, tout ce que vous avez à faire est juste de faire glisser ces panneaux autour. C' est très facile et très personnalisable. Ils s'enfoncent les uns avec les autres comme ça. Le but de ma mise en page est d'avoir autant d'espace que possible pour pouvoir voir ce sur quoi je travaille et ne pas avoir beaucoup d'encombrement sur les bords. Ce que j'aime faire, c'est avoir tous mes outils ici sur une colonne, et toutes les fenêtres auxquelles j'ai besoin d'accéder alignées ici sur une colonne aussi. Ce que je fais est juste de faire glisser les fenêtres les unes sous les autres, et vraiment les fenêtres les plus importantes à accéder lorsque vous dessinez et peignez sont des choses comme des couches. Vous voulez certainement avoir des couches ici et l'histoire peut-être au cas où vous auriez besoin de revenir en arrière et de la couleur, mais je parlerai de la couleur plus tard. Je pense à n'importe quelle autre fenêtre dont je parle plus tard ou dont vous voulez tirer pour vous-même. Tu dois juste aller à la fenêtre et le chercher. Si vous cliquez dessus, il apparaîtra. Mais ce sont les bases pour l'instant. J' aime bien faire glisser ma pile de calques, pour m'assurer qu'elle est en haut de sorte que lorsque je l'ouvre, il y a beaucoup de place pour voir toutes les couches parce que je vais construire plusieurs couches tout au long de mon processus. Il s'agit du mode d'affichage standard. Si je devais maintenir la barre d'espace enfoncée et lever cette main, je ne peux pas déplacer ma toile à moins que je ne fasse un zoom avant. Alors vous pouvez voir que je peux le déplacer. C' est le mode d'affichage standard principal. Si vous deviez appuyer sur F sur votre clavier, c'est le second, alors vous pouvez faire tourner votre canevas tout en gardant votre pile de calques ouverte. C'est plutôt sympa. Ensuite, la troisième, si vous appuyez à nouveau sur F, affiche cette vue, qui est très agréable de regarder votre œuvre une fois qu'elle est beaucoup plus développée et que vous voulez simplement la voir sans aucune distraction et un panneau de visualisation maximisé. Ensuite, si vous voulez revenir à la valeur par défaut, vous appuyez à nouveau sur F. Les principaux raccourcis alors que j'utilise pour mes outils, ils peuvent être divisés en deux groupes principaux. Les outils que j'utilise pour créer des illustrations et ceux que j'utilise pour l'édition. Pour faire des illustrations, je vais utiliser le pinceau, évidemment, qui est B, et la gomme, qui est E. Maintenant, ces deux peuvent être augmentées ou diminuées en taille en utilisant les crochets de votre clavier. Les crochets fermés augmenteront la taille de votre brosse ou de votre gomme, et le support carré ouvert diminuera la taille. J' utilise aussi l'outil Lasso beaucoup, et c'est L sur votre clavier. Si vous cliquez longuement sur cette icône, vous pouvez voir ici qu'il existe en fait trois types différents de Lasso. Le Lasso régulier vous permet de sélectionner des trucs à main levée. En d'autres termes, c'est comme dessiner un contour autour de ce que vous voulez sélectionner. Ensuite, quand vous revenez au tout début, vous avez marqué votre sélection et elle est active. Le prochain Lasso est le polygonal ou polygonal. Cela vous permet de sélectionner des points de base et donc de faire des sélections d'arêtes droites. Maintenant, pour fermer votre sélection de bord droit comme ceci, vous pouvez soit revenir au tout début et là, vous verrez un petit cercle apparaître comme ça sur votre outil. Ensuite, vous savez que vous pouvez fermer cette sélection. Ou vous pouvez également simplement double-cliquer à mi-chemin sélection et qui s'accrochera automatiquement au tout premier point que vous avez fait. J' utilise rarement ce troisième Lasso, c'est le Lasso magnétique. C' est accroché aux pixels. C' est vraiment génial lorsque vous travaillez sur des photos où il y a des tonnes d'informations en termes de pixels. Mais je ne l'utilise pas du tout dans ce cours, mais comme vous le savez, c'est ce que le troisième est. Mais une fois que vous avez sélectionné une zone, l'outil suivant que j'utilise beaucoup lors de la création d'illustrations est l'outil Bucket et c'est G sur votre clavier. Assurez-vous simplement que si vous cliquez longuement sur l'icône, vous verrez qu'il y en a quelques-unes, encore une fois, il y a trois options. Assurez-vous que vous êtes sur le deuxième, c'est juste un outil de seau de peinture ordinaire. L' outil de dégradé peut être utile. On peut y entrer plus tard, mais pour l'instant, on ne fait que remplir la zone avec de la couleur, on veut le pinceau ordinaire. Supposons que vous avez fait une sélection, que vous voulez y ajouter, vous avez juste besoin de maintenir la touche Maj enfoncée lorsque vous êtes en mode Lasso, puis vous n'avez pas à maintenir la touche Maj enfoncée. Mais juste au moment où vous commencez une nouvelle sélection, maintenez simplement cela enfoncé initialement et cela vous permettra de l'ajouter. Ou pour retirer de toute sélection que vous avez faite, suffit de maintenir Alt ou Option, ce qui vous permet d'effacer ou d'enlever une partie de votre sélection. Juste un point à noter. Gardez toujours un œil sur le calque que vous utilisez lorsque vous sélectionnez. Vous pouvez sélectionner une illustration à partir d'un calque précédent, mais souhaitez pouvoir peindre sur un calque tout nouveau calque au-dessus. Assurez-vous simplement que lorsque vous êtes prêt à utiliser l'outil Beau de peinture, vous êtes sur votre nouveau calque et non sur le calque d'illustration d'origine. Ensuite, pour désélectionner, vous pouvez simplement appuyer sur Commande ou Ctrl+D et cela libérera votre zone de sélection. L' outil principal que j'utilise pour éditer une illustration est évidemment l'outil Transformer. C' est juste Commande ou Ctrl+T, et cela fait apparaître cette boîte englobante avec ces coins saisissables. À partir de là, vous pouvez faire pivoter, vous pouvez mettre à l'échelle, ou vous pouvez incliner si vous maintenez la touche Contrôle et Commande enfoncée lorsque vous saisissez un coin. Si vous souhaitez mettre à l'échelle à partir du centre, maintenez simplement Option ou Alt enfoncée sur votre clavier lorsque vous saisissez un coin, suffit de monter ou de baisser l'échelle. Ensuite, lorsque vous avez fait votre transformation, vous appuyez simplement sur Entrée et cela va s'y engager et libérer ce cadre englobant. C' est vraiment ça. Il y a un autre outil d'édition bien sûr, que la fonction d'annulation, et c'est maintenant juste Contrôle ou Commande+Z pour plusieurs annulations. Si vous le vouliez, vous pouvez également passer à l'histoire et revenir dans le temps à une étape antérieure de votre document ici. Dans ce cours, je n'utiliserai aucun des outils vectoriels. Ce sont des choses comme le stylo et les outils de forme. Je me concentre sur la peinture et le dessin à l'aide des pinceaux. Note rapide sur vos brosses. J' ai laissé votre paquet de pinceaux, que j'espère que vous pourrez ouvrir et expérimenter. Pour les amener dans votre Photoshop, c'est tout simplement très simple. Il suffit de double-cliquer dessus et cela les importera automatiquement dans vos pinceaux. Ensuite, vous devriez pouvoir faire défiler jusqu'au bas et ils apparaîtront comme les derniers pinceaux de votre liste. Faites-moi savoir si vous avez du mal à les importer ou à les utiliser et je vais vous aider, mais ça devrait être très simple. Ensuite, rejoignez-moi dans la vidéo suivante où je vais vous montrer comment vous approcher de dessiner la figure. 4. Dessiner les formes: Dans cette vidéo, je vais vous montrer une façon très simple d'aborder le dessin des figures que vous pouvez pratiquer et travailler dans votre carnet de croquis au fil du temps. Cela va vraiment vous aider à vous familiariser avec la structure du corps humain et à comprendre de manière fondamentale comment il se déplace et ce qui lui donne des poses dynamiques. Peu importe le caractère que vous avez en tête, ou quel que soit le style d'art de personnage que vous aimez rejoindre, que vous souhaitiez vous concentrer sur personnages purement stylisés ou des personnages plus réalistes, l'approche ici dans termes de la décomposition en un squelette de base est quelque chose qui vous aidera à vraiment apporter le mouvement et la vie dans vos personnages. Je vais expliquer la structure de l'anatomie humaine normale, quelque chose comme ça. Pensez à la cage thoracique ou à la zone thoracique d'une personne comme vraiment une forme d'œuf simple. Il est arrondi tout autour, devant et derrière. Ensuite, sous la forme se trouve une forme plus petite écrasée, ce qui représente le bassin. C' est tout ce dont vous avez besoin pour que vos figures fonctionnent correctement et bougent d'une manière crédible. Ces deux formes et la façon dont elles s'opposent dynamiquement, forment la base de toute la figure. Maintenant, ce qui relie ces deux formes est la colonne vertébrale. Je peux simplement l'indiquer avec une ligne. Mais les deux points vitaux suivants que je veux souligner sont les épaules et les hanches. Les épaules sont en haut ici, juste en dessous du haut de la forme de l'œuf. Ils sont généralement juste plus larges que la largeur de la cage thoracique. Si vous faites deux points ici sur le côté du bassin, alors c'est là que sont les prises de hanche. Tu as les épaules et les hanches. Maintenant, la façon dont l'angle entre ceux-ci déterminera souvent toute la pose. Je vais te montrer comment ça marche un peu plus tard. À partir des hanches, vous pourriez tracer les lignes des jambes. Remarque, en fait, ils ne descendent pas tout droit, comme vous le pensez. Ce n'est pas tout à fait correct. Ils s'inclinent vers l'intérieur vers la rotule comme ça. Je vais juste indiquer la rotule ou le genou avec un bloc. Le bas de la jambe va plus ou moins droit comme ça jusqu'à la cheville. Maintenant, je fais des déclarations balayantes ici. Souviens-toi, je ne te montre pas ce système pour être considéré comme un plan pour la figure. C' est un squelette très simplifié que vous pouvez travailler avec afin de comprendre le mouvement général du corps. Pour les pieds, dessinez juste des triangles comme ça. Puis quand il s'agit des bras, tirez le haut du bras vers le bas autour de cette zone entre la cage thoracique et le bassin, la zone de la taille. C' est là que se trouve généralement le coude. Ce n'est pas un système de mesure exact. Ensuite, lorsque vous dessinez vos bras inférieurs et la main, le bout des doigts se termine généralement autour du tiers médian ou supérieur de la jambe. Ensuite, la tête peut être représentée avec une forme ovale simple. C' est une figure complète dans sa forme la plus simple. Maintenant, vous pouvez utiliser ce simple mannequin pour pratiquer le dessin, pour comprendre le mouvement et obtenir confiance en dessinant les poses. Je vais vous montrer comment vous y prendre. Ce que je veux que tu fasses pour ton premier exercice, c'est que tu t' entraînes à dessiner des poses avec ce squelette très épuré. Vous dessinez la cage thoracique et le bassin comme ceci dans des directions différentes l'un par rapport à l'autre. Peut indiquer la colonne vertébrale avec une ligne simple, puis ajouter sur les jambes et les bras. Cela complète une pose intéressante, alors vous pouvez ajouter sur la tête. Il suffit de commencer avec une ligne simple pour la colonne vertébrale et de travailler à partir de là. Essayez d'obtenir clairement dans votre esprit ce que la direction des hanches et la direction des épaules font les uns par rapport aux autres. Ça va vraiment aider. Comme je l'ai dit, peu importe que vous commenciez par le bassin ou que vous commenciez par la cage thoracique. Ici, j'utilise la colonne vertébrale comme une ligne d'action comme une courbe S ou une courbe C. J' essaie de mettre la pose en plus de ça. Peut-être que pour ce dernier, le corps se penche. J' ai les épaules, les épaules vont être très inclinées comme ça. Je vais faire plier les genoux. Rappelez-vous, c'est en fait une très bonne pratique pour obtenir votre équilibre correct dans vos dessins. Utilisez les bras et les jambes pour vous assurer que votre équilibre central reste en échec. Une façon de s'assurer que cela est juste de vérifier si la tête n'est jamais vraiment plus loin qu'elle ne l'est sans bras pour la contrebalancer. Voilà, tu y vas. C'est fini à toi. Prenez un peu de temps maintenant ou plus tard dans votre carnet de croquis pour élaborer quelques pages de poses en utilisant cette technique de squelette très simplifiée. Amusez-vous avec eux et voyez combien de poses d'action diverses vous pouvez trouver. Quand vous serez prêt, je vous rencontrerai dans la prochaine conférence où je vais vous montrer comment dessiner traits stylisés du visage et comment dessiner la tête sous n'importe quel angle. 5. Dessiner des visages sous n'importe quel angle: Maintenant, je vais vous montrer comment dessiner traits stylisés très simples du visage pour le personnage masculin ou féminin. Encore une fois, ce n'est qu'un guide pour montrer comment travailler avec les proportions du visage et comment simplifier les fonctionnalités. Ce n'est plus un modèle pour toutes les figures humaines à partir de maintenant. En fait, je ne dis pas que vous devez dessiner vos personnages comme ça de toute façon, je suis juste juste de vous montrer une perceuse de dessin rapide qui va vraiment vous faire dessiner à la vitesse quand il s'agit de dessiner des visages. Dans Photoshop, je vais saisir le pinceau à bords arrondis par défaut comme avant, en le gardant assez petit, et comme avant, je vais régler l'opacité vers le bas. Encore une fois, ça m'aide juste à dessiner rugueux et lâche. Je vais commencer par dessiner un cercle comme celui-ci de ce côté, et un autre par ici. Ceux qui vont être un visage masculin et un autre sera un visage féminin. Maintenant, du bord du cercle, je vais dessiner une mâchoire carrée carrée. De ce côté, il sera beaucoup plus conique et plus arrondi de la mâchoire descendant comme ça. Ces deux formes sont fondamentalement les fondamentaux ou les formes fondamentales des visages humains les plus réalistes. À peu près à mi-chemin est à peu près où va la ligne oculaire. Eh bien, cette ligne pour l'œil représente aussi où va l'oreille, et puis en bas de la ligne médiane est l'endroit où le nez va aller. Maintenant, c'est une vue de trois quarts, ce n'est pas un centre mort, un peu plus à droite. Je vais marquer les indications pour les yeux sans être trop précis à ce stade. Ensuite, la bouche peut aller environ un tiers le chemin vers le bas entre le bas du nez et le bas du menton. Maintenant, je peux ajouter la racine des cheveux, ce que la plupart des gens ne réalisent pas au début, il prend une bonne partie de cette tête entière. Beaucoup de gens quand ils commencent comme mettra les caractéristiques du visage un peu trop haut et ils ne réalisent pas que la racine des cheveux vient en fait très bas. Les caractéristiques elles-mêmes ne prennent que la moitié inférieure de la forme. Sur le dessin féminin. Je vais attirer l'oreille et ça m'aide à comprendre l'orientation de toute la tête. Encore une fois, je suis très simplifié et stylisé quand il s'agit des yeux. Un bon conseil lorsque vous dessinez des yeux féminins en particulier est de rendre ce couvercle supérieur un peu sombre ou plus lourd que le bas et qui donne l'impression de cils, et c'est assez efficace. Encore une fois, il s'agit également d'une vue des trois quarts, pas d'une vue complète. Alors je vais dessiner les cheveux qui descendent. Le nez d'un personnage féminin conventionnel est généralement plus petit. Si vous voulez ce genre de visage joliment, alors vous pouvez aller pour un petit nez renversé comme ça. Encore une fois, la bouche vient environ un tiers entre le bas du nez et le menton. Ce sont quelques généraux et comme je le dis, des formulations génériques très calmes de joindre les caractéristiques du visage. Vous pouvez pratiquer avec le style, changer les yeux, changer la forme de la mâchoire, et voir comment cela affecte l'aspect général du personnage. Si vous êtes satisfait de votre dessin grossier comme celui-ci et que vous voulez le nettoyer. Il suffit d'ajouter un nouveau calque, augmenter un peu l'opacité du pinceau maintenant pour que vous travailliez avec un pinceau plus sombre. Ensuite, vous pouvez commencer à redessiner votre image en utilisant lignes précises où vous notez que c'est ce que vous voulez choisir. Je suis juste vraiment prendre les formes de cheveux et travailler autour du visage pour affiner et parfaire le travail de ligne. Un dernier dessin pourrait ne pas se produire lors de cette première passe, peut-être que je vais le faire quelques fois pour le faire correctement. Mais il s'agit de travailler progressivement et devenir plus précis avec chaque passe que vous faites. De même, si vous voulez dessiner le visage masculin, vous pouvez voir, je suis juste en train de choisir les lignes importantes. Cela va également vous donner une certaine pratique pour dessiner des lignes lisses et propres pour votre visage de nettoyage, que vous arriverez à la fin du cours. Juste pour résumer. Pour dessiner n'importe quel visage générique, vous pouvez le simplifier avec un cercle qui va lire comme un cercle sous n'importe quel angle, et la forme comme celle-ci pour la mâchoire. Ensuite, une ligne à travers le point médian pour les yeux et une ligne descendant pour représenter la ligne médiane du visage, qui se déplacera de gauche à droite en fonction de la façon dont le personnage regarde. Sous différents angles, tout ce que vous devez vous rappeler, c'est que la mâchoire est en fait une forme carrée conique qui est 3D, tridimensionnelle. Considérez ça comme une forme de cylindre carrée qui se trouve sous la forme ronde du crâne. Si vous le voyez de dessous, par exemple, vous allez le voir quelque chose comme ça. D' en haut, par exemple, vous regardez en bas sur le crâne comme ça. Vous ne verrez pas trop la forme de la mâchoire carrée. Vous pourriez probablement voir le bas du menton et le nez, quelque chose comme ça. Prenez un peu de temps maintenant, entraînez-vous à dessiner ces têtes dans des positions différentes en utilisant seulement ces deux formes simples. Voyez si vous pouvez obtenir des têtes de dessin confiantes sous différents angles. Dessinez des têtes en regardant vers le haut ou sur le côté ou dans une vue trois-quarts, puis quand vous êtes prêt, rejoignez-moi dans la prochaine conférence et je vais vous montrer comment dessiner des personnages stylisés à partir d'objets simples. 6. Exercices pour la formation du personnage: Dans cette vidéo, je vais vous montrer un dernier exercice avant de passer à la partie suivante du cours, et celui-ci va vous aider à trouver des idées de personnage. Si jamais vous êtes coincé à essayer de trouver des idées pour des personnages, et que vous avez l'impression que vous n'avez pas une bonne idée donc il ne sert à rien de faire quoi que ce soit, cet exercice vous aidera à contourner cette résistance ou ce bloc et à voir les personnages où que vous regardiez. La façon dont cet exercice se déroule est qu'il repose sur l'idée que nous pouvons travailler avec des formes de base. Ce que vous faites est de regarder partout où vous êtes en ce moment ou de regarder par la fenêtre, mais choisissez un objet que vous pouvez voir que vous pouvez étudier pendant un certain temps, et essayez de distiller cet objet jusqu'à sa forme la plus basique, sa forme la plus basique. J' ai choisi trois objets dans ma chambre. J' ai cette tasse à café, un petit bâton de baume à lèvres, et j'utilise aussi ce grand ventilateur. Je vais lâchement et grossièrement bloquer la forme de base telle que je la vois, qui dans ce cas est à peu près un rectangle. Tout de suite, je commence à penser que ça pourrait être un personnage masculin. Je vais ajouter un peu de forme carrée pour sa tête, puis je peux ajouter des pieds sur le fond et son bras envisager de dessiner comme ça, copiant la poignée de la tasse. Je commence à voir dans mon esprit que peut-être ces personnages sont en costume, à cause des épaules tranchantes. Je vais leur donner une veste comme ça, et des jambes, et c'est aussi simple que ça. J' ai juste besoin d'entrer et d'ajouter des fonctionnalités à son visage, mais déjà, vous pouvez voir ici qu'il y a un personnage entièrement crédible qui traverse. Il est très stylisé, mais c'est néanmoins un personnage. Je vais laisser ça maintenant et passer à la suivante. Le deuxième objet que j'ai est ce tube de baume à lèvres. Encore une fois, c'est une forme très basique, c'est juste un petit cylindre, mais si j'ajoute des jambes et peut-être une tête en forme drôle, il y a un personnage qui commence à émerger. Celui-ci, probablement un personnage féminin, et je peux ajouter des bras, et si je réduit légèrement la taille, alors il commence certainement à ressembler à un personnage féminin. En fait, je n'aime pas la tête du tout, alors je vais changer ça. Peut-être lui donner un peu plus d'une tête générique maintenant que je sais dans quelle direction je vais, et qu'elle peut tenir un livre ou un dossier quelconque. Il y a un second personnage fait en quelques minutes. Passons au troisième. Ce troisième objet que j'ai semble assez complexe au début, mais je vais juste y penser comme un cercle rond. Je vais à peu près commencer par cela et dessiner une forme de grand cercle rond pour le corps principal, et ajouter à nouveau juste de petits pieds à la fin. Rappelez-vous, j'essaie de m'en tenir aux formes de base, et de donner la priorité à cette forme tout au long du personnage. C' est pour ça que je garde les jambes et les bras un peu petits. C' est pourquoi je ne me concentre pas tellement sur les membres longs ou les membres détaillés, mais je veux juste donner la priorité à cette grande forme ronde. Maintenant je pense que ça ressemble à un personnage d'un garçon peut-être, peut-être qu'il porte un chapeau drôle, et je peux même faire référence à ces lames dans le ventilateur sur le dessus du chapeau. Très simple, très facile et rugueux, mais voici la base d'un troisième personnage. Maintenant, je peux regarder les trois croquis et commencer à les affiner, et les redessiner si je veux, si je pense qu'il y a quelque chose d'intéressant ici. Mon processus habituel, comme vous le savez probablement maintenant, dans la pile de calques, je vais faire glisser l'opacité vers le bas de ce calque pour qu'elle soit un peu disparue, et je vais m'assurer de le verrouiller pour que je ne dessine pas dessus. Ensuite, j'ajouterai un tout nouveau calque au-dessus. Maintenant, je vais zoomer sur ce gars, et juste commencer à redessiner juste en suivant le dessin très rugueux en dessous. C' est encore lâche et rugueuse, cette partie. Je ne fais pas un dernier dessin nettoyé. Je fais juste quelques ajustements et je cherche si ce dessin vaut la peine d'amener à une étape finale. On peut faire la même chose pour le personnage féminin. Tu as l'idée maintenant. C' est un processus très facile si vous commencez très rude et très lâche. Il s'agit de s'entraîner. Finalement, vous serez bon à savoir quel raccourci utiliser pour des choses comme les caractéristiques du visage. Mais vous n'y arriverez qu'en pratiquant beaucoup, et donc un exercice comme celui-ci est vraiment bon parce que vous n'avez même pas nécessairement trop à penser au caractère, personnalité, à l'histoire. Vous cherchez simplement des formes de base autour de vous et vous l'utilisez comme point de départ. Ce sont mes trois derniers personnages. Maintenant, si je le voulais, je pourrais choisir l'un d'eux et vraiment le travailler jusqu'à un dessin détaillé coloré fini, mais ce n'est pas le but de cet exercice. Le but est de le pratiquer. Ce que je veux que vous fassiez est peut-être l'essayer par vous-même, donnez-lui un peu, donnez-vous peut-être environ une demi-heure de pratique, et choisissez un ou deux objets et voyez si vous pouvez les utiliser comme base pour un cool vraiment intéressant caractère. Ensuite, quand vous serez prêt, retrouvez-moi dans la prochaine vidéo, où nous commencerons à travailler sur de nouvelles idées pour notre projet final. Je te verrai alors. 7. R et D - qui est votre personnage: Maintenant, nous arrivons à la section du cours où vous allez travailler sur votre propre personnage. Vous pouvez avoir une idée très claire du personnage sur lequel vous voulez travailler, ou vous pouvez à ce stade n'avoir aucune idée de ce que vous voulez faire. C' est très bien. Il y a deux étapes dont je vais parler dans cette vidéo. Si vous avez une idée du personnage exact que vous voulez dessiner et peindre, vous pouvez simplement passer à l'étape 2. Mais l'étape 1 vous aidera vraiment à trouver une sorte d'idée sur laquelle commencer à travailler. Si vous n'avez aucune idée du personnage, alors c'est l'étape 1. Je veux avant tout que vous vous asseyez et réfléchissiez au genre de films, au genre de livres, à la musique ou à l'art qui vous inspire. Pensez à ce que vous aimez regarder et à quel genre de films, choses comme ça vous intéressent. Par exemple, vous pourriez adorer regarder des films de Hayao Miyazaki, ces films d'anime japonais. Ensuite, si vous pensez à eux, alors peut-être vous pourriez imaginer par vous-même un personnage d'un jeune enfant, une fille ou un garçon dans une situation quotidienne, à l'école ou à la maison et puis quelque chose d'extraordinaire leur arrive, ils se propulser dans un monde magique. Eh bien, juste là, vous avez une idée très convaincante pour un personnage. C' est juste une très bonne façon générale de trouver des idées si vous vous sentez un peu coincé. Une fois que vous avez un personnage très en tête, l'étape suivante est de trouver ce que j'appelle un profil de personnage. C' est vraiment très important. Je vous encourage à ne pas ignorer l'écriture d'un profil de personnage avant de passer à la peinture. La première chose que je veux que vous fassiez est de trouver un nom pour votre personnage. C' est vraiment très important de les nommer. Votre personnage doit avoir un nom. Tant qu'il n'aura pas un nom, leur personnalité ne sera pas aussi forte. Prenez quelques minutes et pensez à un nom. Écrivez ça. Vous pouvez le changer plus tard. Ce n'est pas un problème. Mais juste pour un point de départ, trouvez quelque chose avec lequel vous pouvez travailler, avec lequel vous êtes satisfait en ce moment. Une fois que vous avez un nom, alors je veux que vous écriviez quel âge ils ont. Sont-ils jeunes, d'âge moyen, vieux, extrêmement vieux, ancien ? Mettez un nombre approximatif pour quel âge ils sont. Ensuite, ce que vous allez faire est de lister certains de leurs attributs physiques. Ont-ils des cheveux roses ? Sont-ils très grands, courts, squats, ronds ? Des choses comme ça. Juste général, vous n'avez pas besoin d'être précis du tout. Idées très générales pour les attributs physiques. Encore une fois, comme je l'ai dit, tout cela pourrait changer une fois que vous commencez à dessiner, mais vous devez avoir un point de départ pour votre dessin. Ça va t'aider beaucoup à commencer au moins. La prochaine chose que je veux que vous fassiez, c'est de passer à leur apparence. Qu' est-ce qu'ils s'habillent ? Ils s'habillent comme un Viking, un samouraï, un écolier ? Pense à leurs vêtements. Ensuite, vous pouvez écrire quelques traits de caractère. Vous n'avez pas à les décrire complètement, il suffit de dire une ou deux choses, sont-elles courageuses, intrépides, ou très timides ou timides ? Sont-ils fondamentalement viciés d'une manière ou d'une autre. C' est ton profil de personnage. Tu n'as pas à y penser. Comme je l'ai dit, vous n'avez pas besoin d'écrire des paragraphes pour chacun de ces titres, juste un ou deux mots pour vous donner quelque chose sur lequel commencer à travailler. Dans la prochaine vidéo, je vais parler de votre référence visuelle. Une fois que vous avez écrit votre profil de personnage, mettez-le de côté, rejoignez-moi à la prochaine conférence où nous allons commencer à parler de la façon construire une bibliothèque ou un tableau d'ambiance pour référence visuelle. 8. R et D - rassembler et étudier les références visuelles: Maintenant que vous avez votre profil actuel, il est temps de connecter la référence visuelle. Cette partie est aussi importante que d'écrire le nom et les traits de personnalité de votre personnage et je ne veux pas que vous sautiez cela et je ne veux pas que vous compreniez mal le pas. Il ne s'agit pas de trouver des images que vous pouvez copier, mais plutôt de trouver de l'inspiration. Ce que je veux dire par là, c'est, d'une part, vous devez faire référence à d'autres formes d'art pour ouvrir votre propre créativité et vous permettre peut-être de prendre cela comme point de départ et de développer vos idées. D' un autre côté, vous avez également besoin d'une référence structurelle très solide à partir de laquelle vous pouvez travailler pour que les choses que vous dessinez soient crédibles. Par exemple, si vous dessinez un personnage doté d'un bouclier de viking, d'un casque, ou d'un accessoire très spécifique, vous pourriez faire ce truc complètement hors de vos têtes. Mais quand les gens regardent votre truc inventé très unique, ils pourraient ne pas nous obtenir ou ils pourraient ne pas vraiment comprendre ce que c'est. Mais si vous faites référence aux choses que vous dessinez pour voir exactement comment les boucliers fonctionnent ou comment l'amour s'intègre, puis ajoutez votre propre flair en plus de cela. Quand quelqu'un le regarde, alors ils l'auront et ils comprendront ce que vous dessinez. Les concepteurs du monde entier le font. C' est toujours la première étape. Parfois, ils l'appelleront un tableau d'ambiance, où ils rassemblent toutes sortes de références visuelles, même des schémas de couleurs et les rassemblent dans une seule feuille afin qu'ils puissent le regarder et simplement absorber toutes ces informations. Ils prendront des images de tout ce qui est vaguement lié au projet sur lequel ils travaillent, et ils les rassembleront en un seul collage visuel. Une fois que vous avez fait ça et que vous avez traversé tout ce processus que j'insiste pour que vous le fassiez maintenant, je veux que vous le rangiez et que vous ne le regardiez plus. L' idée est que vous obtenez toutes vos références visuelles et toutes vos images, les étudier, les laisser tremper dans votre cerveau et ensuite les sortir de votre site. Parce que quand vous commencez à dessiner, vous voulez juste commencer à partir de votre propre attitude naturelle de point de vue. Ensuite, vous verrez quelque chose d'excitant commencer à émerger, et ce sera d'autant plus riche pour les recherches que vous avez faites. 9. Méthode de dessin grossier 1: J' ai déjà une idée pour le personnage sur lequel je vais travailler. C' est une super héroïne de l'espace féminine, un peu [inaudible] et Star Wars rencontre Katniss avec un capitaine Marvel jeté dedans. Je ne suis pas encore tout à fait sûr, mais c'est la direction générale. Ces personnages de toute façon, sont quelques-unes des influences que j'ai regardé. Il s'avère que mon idée est tout à fait réaliste, mais c'est juste parce que je voulais m'assurer que lorsque nous entrons dans le processus de peinture, j'ai quelque chose d'un peu plus conventionnel à travailler pour que vous puissiez voir comment détailler les choses et comment je travaille une pose réaliste. Mais vous pouvez certainement travailler sur un personnage stylisé. C' est tout à fait bien. Le processus est juste le même. Lorsque vous commencez à développer vos dessins pour votre dessin final de personnage, il y a deux méthodes de travail préparatoire approximatif que je veux vous guider. Vous pouvez choisir l'un ou l'autre, selon ce qui vous convient le mieux. Fondamentalement, ce que nous faisons dans ces esquisses grossières pour cette vidéo et la suivante est que nous essayons d'identifier notre personnage à travers les poses qu'ils prendraient. Je vais sauter dans Photoshop. Cette première méthode est juste vraiment de laisser les lignes circuler librement et lâcher autour de la page. Je pense, évidemment, mon personnage est un genre de guerrier, alors peut-être qu'elle tient une épée et qu'on l'a mise dans une position comme celle-ci. Je n'essaie pas de choisir des détails du tout, c'est juste un croquis très lâche et rugueux basé sur le profil de personnage que j'ai écrit, et aussi basé sur certaines des images que j'ai regardé en termes de référence. Avec cela fait et éloigner ça, je vais passer rapidement à un autre. Peut-être que dans cette pose, elle frappe avec son épée. Encore une fois, peu importe les proportions et les choses comme ça, ne sont pas vraiment si importantes pour le moment. Il essaie d'avoir une bonne silhouette. silhouette et le design du personnage vous permettent de lire exactement ce que fait le personnage si vous deviez le bloquer complètement et simplement le voir comme une forme de bloc. C' est ce que vous visez, des silhouettes fortes, des poses fortes. Ce troisième, peut-être que je vais le faire un peu plus debout. Pendant que je dessine ça, je commence à avoir l'idée de ce à quoi ressemblera son armure ou ses vêtements. Maintenant, je peux commencer à être un peu plus précis. Par exemple, dans mon profil de personnage, j'ai identifié que je voulais qu'elle ait ces solides armures d'épaule, ceintures et bottes. Celle-là a l'air de commencer à passer un peu. Je travaillerai peut-être sur celui-ci plus tard. Je vais juste faire une pose de plus dans cette méthode et voir si quelque chose saute. Vous avez l'idée. Laisse-moi voir. J'essaie de dessiner pour faire autant de poses différentes que je peux au début de sorte que si quelque chose de nouveau me saute dessus, il est beaucoup plus probable de le faire quand je dessine de cette façon. Plus tard, vous serez beaucoup trop obsédé par votre idée et un peu plus rigide et vous ne pourrez pas nécessairement laisser passer ces idées. Cette étape est vraiment importante. Si je prends tous ces croquis maintenant et que je les mets hors du chemin, je pense que je pourrais juste faire un dernier croquis basé sur ces dessins que j'ai inventés. Je pense, je vais juste la faire debout juste pour que je puisse trouver quelques détails sur ses vêtements et à quoi ça ressemble. Je vais laisser ça pour l'instant. Cette pose, je pense que pour moi, est probablement la plus proche de ce que je veux travailler pour mon design final de personnage. Je vais garder celui-là pour l'instant et j'y reviendrai. Mais je veux vous montrer une autre méthode développer vos rughs et c'est dans la prochaine vidéo, alors retrouvez-moi là-bas et nous ferons la dernière exploration approximative. 10. Méthode de dessin grossier 2: Cette deuxième méthode de développement de vos esquisses rugueuses consiste à utiliser l'ombrage et les valeurs tonales pour construire votre courbe en poses. Vous pourriez préférer cette méthode à la précédente que je vous ai montrée. Si vous êtes un peu plus peintre ou approchez votre travail en termes d'ombres et de lumières. Comme avant, je vais commencer à bloquer les silhouettes. Dans ce cas, je veux voir un peu d'action poser sur le personnage. Peut-être qu'elle court. Encore une fois, aucun détail, juste forme pure, silhouette pure. Les détails commenceront en fait à passer par ces valeurs tonales toutes seules, qui est une bonne chose à propos de cette méthode de développement de rughs. Pour poser, c'est vraiment, vraiment bon. Je ne suis pas du tout préoccupé par ce à quoi ressemble le personnage ou ce qui se passe, je suis vraiment préoccupé par l'action et le mouvement. Je pense que ce pinceau n'est pas génial. Ce que je vais faire, c'est juste passer à une brosse ronde douce, juste une brosse ronde à bords doux, l' un des pinceaux par défaut, et c'est beaucoup mieux. J' ai vraiment besoin de pouvoir voir ces valeurs tonales s'accumuler progressivement. Cela rend le tout beaucoup plus suggestif, beaucoup plus ouvert à l'interprétation. Ça pourrait ressembler à rien pour le moment, mais c'est tout à fait bien. Plus vous regardez ces choses, plus vous pouvez commencer à voir les formes et voir les détails émerger par eux-mêmes. Laisse-moi éloigner ces gars du chemin. Je vais faire un couple de plus avec cette brosse ronde à bords doux. Maintenant, je vais travailler sur une pose régulière. À l'heure actuelle, nous avons une idée de qui est ce personnage à travers ce travail exploratoire. Je vais commencer à conduire un peu plus vers une pose debout conventionnelle. Peut-être que je vais en faire une de plus ici. C' est assez bon pour moi. La prochaine chose que je vais faire, comme d'habitude, est de faire un nouveau calque au-dessus de ces dessins tonaux bruts. Je vais passer à une brosse à bords durs maintenant. Maintenant, je peux réduire la taille de la brosse un peu et je garderai toujours l'opacité faible. Mais maintenant avec cette ligne plus précise, je vais travailler autour de cette forme et de la silhouette. Sans en faire trop plus parce que je ne veux pas passer trop de mon temps maintenant dans les détails de dessin de scène, je vais en fait me retirer maintenant et m'empêcher de vraiment trop travailler. Je suis très content de ça. Je vais m'arrêter là. Dans la vidéo suivante, je vais regarder tous les dessins bruts qui sont faits jusqu'à maintenant et prendre les éléments qui, je pense, travaillent dans chacun d'eux et essayer de les distiller en un dernier dessin brut. Essayez cette méthode en utilisant l' ombrage et en bloquant vos silhouettes avec des valeurs tonales. Voyez si ça marche pour vous. Ensuite, quand vous serez prêt, rejoignez-moi à la prochaine conférence et nous commencerons à finaliser notre design de personnage. 11. Nettoyage final de la ligne de travail: Je suis prêt à nettoyer mon dessin. Mais la toute dernière chose que je veux faire sur ce dessin grossier est évidemment ajouter les caractéristiques du visage. Le visage de Jenna va être un peu stylisé, simplifié, stylisé. Parce que c'est toujours mon visage rugueux, ce n'est certainement pas très hyper-détaillé. Ça me semble bien pour le visage pour l'instant. A ce stade, c'est une très bonne étape pour faire quelques ajustements très finaux si vous vouliez changer quelque chose comme, par exemple, je ne pense pas que ses épaules soient correctes. Je vais juste faire ce petit changement là-bas. Je vais le laisser maintenant. C' est mon dessin grossier terminé. Maintenant que j'ai fait cette phase et saupoudré, il est temps de passer à la phase de nettoyage. Un nettoyage d'animation signifie nettoyer votre travail de ligne pour qu'il ne s'agisse qu'd'une ligne lisse, très propre et précise tout le long du parcours. Pour l'art conceptuel, votre travail en ligne pourrait ne pas vraiment survivre jusqu'à la fin de l'itération où vous avez votre peinture conceptuelle finale. Mais pour quelque chose comme les bandes dessinées, vous voudrez peut-être garder votre ligne de travail dans le cadre de votre design final de personnage. Permettez-moi de vous montrer exactement comment vous feriez cela si vous vouliez garder votre ligne de travail, visant une ligne unique très nette et nette. Il y a quelques outils que je veux vous présenter maintenant à ce stade qui vous aideront vraiment dans cette phase de nettoyage. nettoyage peut être un processus très fastidieux. Je ne vais pas mentir. Il y a une quantité surprenante de défaire. Vous allez trouver que vous allez dessiner une ligne et l'annuler, dessiner à nouveau, l'annuler, la dessiner à nouveau. Jusqu' à ce que vous obteniez exactement le bon. Mais ce n'est qu'une partie du processus. La seule option que vous avez est de réduire l'opacité de votre calque rugueuse vers le bas, puis de commencer à dessiner au-dessus de cela. Vous utilisez votre calque rugueuse comme guide et dessinez sur le dessus. L' autre méthode que j'aime utiliser est de verrouiller les couches transparentes. Dans la pile de calques, si vous cliquez sur ce calque et juste au-dessus, vous pouvez voir qu'il y a cette icône ici avec la grille. Si vous cliquez dessus, ce que cela fait, c'est qu'il verrouille tous les pixels de ce calque qui n'ont pas de marques sur eux. Ce qui vous permet de faire, c'est de choisir une autre couleur complètement, augmenter la taille du pinceau et de peindre fondamentalement. Cela change fondamentalement la couleur de ce dessin complètement. J' aime le faire comme ça parce que cela signifie alors que quand je vais dessiner sur eux, j'ai la couche bleue en dessous, ce qui est très différent des encres noires que j'utilise sur le dessus. Cela m'aide juste à améliorer la différenciation. Pour ma dernière ligne de nettoyage, je vais utiliser un noir très foncé et garder votre opacité assez élevée, puis juste en utilisant une ligne aussi propre que possible. À partir de là, c'est une mesure d'être patient et de prendre votre temps et de travailler autour de tout le dessin pour obtenir ces belles lignes propres. L' étape suivante dont je veux vous parler pour le nettoyage consiste à utiliser l'outil Rotation. Appuyez sur R sur votre clavier et cela fait apparaître cet outil de rotation, vous pouvez ensuite faire pivoter la toile autour pour vous donner un angle qui vous convient le mieux pour une ligne droite et nette. Pour moi, il arrive souvent que je puisse dessiner une ligne droite de bas à gauche en haut à droite. Je vais utiliser l'outil Rotation beaucoup pour faire ces lignes. La prochaine chose que je veux souligner est, n'ayez pas peur d'ajuster votre travail de ligne avec l'outil Transformation. C' est en fait une chose très utile à faire. En d'autres termes, si une ligne est correcte pour le poids et la douceur, mais qu'elle est légèrement désactivée en termes de position, alors il suffit d'utiliser le Lasso et de sélectionner cette section de ligne. Appuyez sur Commande ou Contrôle T sur votre clavier, puis vous pouvez le mettre en place ou modifier légèrement l'orientation. L' autre chose que vous pouvez faire, ce qui est vraiment utile, est que si votre ligne a besoin d'être ajustée dans une seule zone, appuyez sur Commande T puis allez à cette petite icône ici, qui active la grille de distorsion. Ensuite, vous pouvez réellement pousser et tirer votre ligne pour effectuer ces ajustements incrémentiels. Je n'utiliserais pas cet outil dans de gros morceaux de travail de ligne. Certainement pas parce que ça va vraiment déformer votre travail de ligne. Mais s'il s'agit de petites zones qui pourraient utiliser l' ajustement et que vous ne voulez pas le redessiner, c' est une astuce très pratique. Je vais continuer à faire ma dernière ligne pour ces dessins. Ça pourrait me prendre quelques passes. Je ne ferais pas forcément ma dernière ligne nettoyée sur cette passe, mais au moins je me rapproche de plus en plus à chaque fois. Vous devrez peut-être faire une passe de nettoyage, puis un dernier besoin de nettoyage final. Gardez ça à l'esprit. Ce sont les principaux conseils et techniques pour nettoyer vos œuvres d'art. J' espère qu'ils vous seront utiles et qu'ils vous aideront dans votre processus. 12. Choisir une palette de couleurs: Dans cette section, nous allons commencer à peindre pour de vrai, et je vais vous parler de la façon de choisir vos palettes de couleurs, comment mélanger vos couleurs avec votre pinceau, et quelques autres types et techniques pour mettre en place vos couleurs avant de plonger et de commencer à peindre. Voici mon dernier dessin de personnage. J' ai fait quelques réglages, mes derniers réglages. En gros, j'ai décidé que les gants de Jenna ne fonctionnaient pas pour moi. Ils avaient l'air un peu trop politique, donc je voulais qu'elle ait un peu plus un regard renégat. Je viens d'ajouter la lettre protecteurs d'avant-bras. J' ai aussi fait quelques ajustements à ses cheveux. J' ai l'impression que c'est tout à fait définitif, maintenant je le verrouille. Je ne vais plus y toucher, et je vais me préparer pour la peinture. La première chose que je fais toujours quand je commence à peindre est que je veux ajouter un fond gris neutre. La raison pour laquelle je fais cela est parce qu'en utilisant des couleurs sur un fond blanc pur, couleurs auront tendance à paraître plus foncées qu'elles ne le sont en fait, et aussi si vous peignez sur un fond très noir, couleurs peuvent sembler plus brillantes qu'elles ne le sont en fait, donc un gris neutre est le meilleur fond sur lequel travailler. Dans ma pile de calques, je vais simplement ajouter un nouveau calque, et en fait, je peux réellement supprimer ce calque d'arrière-plan parce que je n'en ai plus besoin. Remplissez-le de gris, ou il aurait pu simplement remplir ce calque d'arrière-plan avec du gris, mais de toute façon, je verrouillerai ce calque. Ensuite, je vais aller ici et double-cliquer dans ces nuances pour faire apparaître mon sélecteur de couleurs. Donc, cette fenêtre est le sélecteur de couleurs par défaut dans Photoshop, et la mienne semble probablement un peu différente de la vôtre. C' est simplement parce que j'ai la mentalité à S pour la saturation. Peut-être que le tien est sur H, ce qui signifie teinte, et ça ressemblera un peu à ça. Je vais juste expliquer la différence entre ces deux paramètres, car il est utile de savoir, démystifie un peu. Lorsque vous êtes réglé sur H, vous utilisez essentiellement ce sélecteur, vous pouvez le faire glisser tout le chemin à travers cette fenêtre ici pour sélectionner fondamentalement différents degrés de saturation, de luminosité ou d'obscurité. Se déplacer de haut en bas affectera la luminosité ou l'obscurité de la couleur, et le déplacement de gauche à droite affectera la saturation, si vous voulez un très désaturé ou très saturé. Pour choisir la teinte, il vous suffit de déplacer ce curseur vers le haut et vers le bas. J' ai le mien réglé sur S parce que j'aime pouvoir regarder toutes les couleurs à la fois quand je choisis mes couleurs, c'est juste ce à quoi je suis habitué. Cela me donne toutes les couleurs du spectre lorsque je déplace mon sélecteur de couleur de gauche à droite, et je peux choisir la couleur la plus brillante à la plus sombre en allant de haut en bas dans cette plage. Ensuite, si je veux ajuster la saturation, je déplace juste le curseur ici sur la droite. Donc, c'est à vous de décider avec qui vous vous sentez le plus à l'aise. Mais il y a une autre option que je veux vous montrer en termes de sélecteur de couleurs, dans votre flux de travail, il peut être un peu ennuyeux de devoir toujours venir sur cette nuance pour double-cliquer afin de tirer votre sélecteur de couleurs. Il y a une autre option que vous pouvez faire et non pas comme si vous allez à la fenêtre et choisissez la couleur, puis cette fenêtre apparaît et vous pouvez laisser cela ouvert pendant que vous travaillez. Celui-ci a l'air très différent. Si vous le vouliez, vous pouvez aller à ce menu déroulant et le définir à teinte ou à luminosité ; mais j'aime le laisser sur ce paramètre parce que c'est la roue de couleur, et en un coup d'œil je peux voir des couleurs complémentaires, et je peut ajuster les curseurs de luminosité et de saturation en même temps ici, mais je ne vais pas m'inquiéter de cette fenêtre pour le moment. Je l'aborderai plus tard quand je peindrai et que je me renseignerai plus en détail. Pour l'instant, je vais juste utiliser le sélecteur de couleurs régulier. Je voulais juste que tu sois au courant pour que tu saches comment ça marche. La première chose que je fais toujours quand je commence à peindre est que je choisis une palette de couleurs. Ceci est très utile car il vous permet de rester concentré sur un jeu de couleurs et vous n'avez pas à deviner plus tard quelles couleurs utiliser. Tout ce que vous faites essentiellement est sur une nouvelle couche, prenez un pinceau de texture ou n'importe quel pinceau vraiment. Ne vous inquiétez pas, je vais vous laisser tous ces pinceaux que j'utilise dorénavant dans votre section Ressources. La première couleur que je veux est que je pense à un bleu foncé et un brun foncé. Je veux aussi un gris. Je veux aussi un vert militaire foncé, et enfin, je veux une couleur d'accent, peut-être un beau rouge. Ensuite, je veux vous montrer quelques raccourcis que j'utiliserai pour le prochain moment. L' un est comment mélanger les couleurs et l'autre est comment changer de pinceaux pendant que vous travaillez. Mélanger les couleurs pendant que vous peignez est en fait la clé du processus de peinture que je vais vous enseigner. Ce que vous faites, c'est que lorsque vous êtes en mode pinceau, vous pouvez réduire l'opacité de votre pinceau car cela vous aide à créer un ton cohérent. Lorsque vous avez deux couleurs qui se rencontrent et se chevauchent , vous avez créé une nouvelle couleur. En mode pinceau, maintenez la touche Alt enfoncée de votre clavier, ce qui fait apparaître le sélecteur de couleurs. Vous pouvez alors goûter cette nouvelle couleur. Lâchez-vous de vieux et vous êtes de retour dans la brosse. Si tu vois ce que je veux dire, et que tu pourras continuer à peindre. Ensuite, vous pouvez échantillonner, cliquez sur le « Nouvelle couleur », peindre, échantillon. Finalement, il donne un moyen très naturel et cohésif de mélanger les couleurs à travers le dégradé. Ensuite, pour changer de pinceaux pendant que vous travaillez, encore une fois, vous devez simplement rester en mode pinceau, cliquer avec le bouton droit n'importe où sur votre canevas, et cela fera apparaître votre menu de pinceau. Ensuite, vous pouvez faire défiler vos pinceaux ou simplement venir ici en haut et vous verrez votre pinceau le plus récemment utilisé. Vous pouvez cliquer dessus, ajuster la taille si vous le souhaitez, et continuer à travailler. La même chose fonctionne en fait pour l'outil gomme. Si vous appuyez sur « E » sur votre clavier, vous pouvez cliquer avec le bouton droit de la souris et modifier la forme ou les propriétés de votre gomme et continuer à travailler. Ce sont des options de flux de travail très pratiques. J' espère que vous les trouverez utiles si vous ne les connaissez pas déjà. Tout le point de ceci est que je voulais démystifier un peu du processus de coloration pour vous parce qu'il est en fait très simple. Croyez-le ou non, tout le dur labeur a été fait. Réaliser cette phase de croquis et faire avec et nettoyer votre travail de ligne. C' était vraiment la phase difficile. A partir de là, c'est en fait assez facile. C' est très simple et simple. Je vous verrai dans la prochaine vidéo, nous commencerons à passer en revue certaines techniques et processus de peinture. 13. Couleurs plates: Dans cette vidéo, je veux vous montrer un moyen de créer une couche de couleur complètement plate qui fonctionnera très bien comme un calque de base pour ajouter de la texture et de l'ombrage plus tard. Si vous deviez plonger tout de suite et commencer à brosser des couches de couleur, et l'ombrage, et ajouter de la texture, vous rencontreriez très rapidement des problèmes et prendriez beaucoup plus de temps que le processus que je suis sur le point de vous montrer. Cette méthode que je suis sur le point de vous montrer vous donne un système de coloration vraiment efficace, et elle vous permet également de changer les couleurs très facilement en un simple clic de l'outil Seau. Ce que vous voulez faire est de sélectionner tout dans votre travail de ligne afin que vous ayez une silhouette complète de votre personnage. Une façon de le faire est d'utiliser l'outil Lasso et de contourner tous les bords Azure, en sélectionnant soigneusement tout jusqu'à ce que vous ayez cette silhouette complète. Mais il y a un moyen beaucoup plus facile. La seule chose est que cela dépend vraiment si vous avez ou non un travail en ligne fermée. S' il y a des lacunes ou des ouvertures dans votre ligne autour de vos tronçons Azure, cette méthode ne fonctionnera pas. Espérons que votre travail en ligne est fermé. Ensuite, assurez-vous que vous êtes sur votre couche de ligne finale, appuyez sur « W » sur votre clavier pour faire apparaître l'outil de baguette magique, et cliquez n'importe où sur votre toile en dehors du travail de ligne. Cela va sélectionner tout dans cette zone. Ensuite, vous allez à « Sélectionner », sélectionnez « Inverse », et maintenant tout à l'intérieur de votre personnage est sélectionné, même les petites zones complexes ou les zones qui ont des lignes ouvertes ou des espaces. Tu veux que toute cette zone soit complètement remplie d'une couleur plate, et je te montrerai pourquoi plus tard. J' irai avec ce gris neutre. Ça n'a pas besoin d'être gris. Cela pourrait être n'importe quelle autre couleur, mais pour la sélection des couleurs dont j'ai parlé plus tôt, je vais aller avec le gris, et puis je vais ici à ma pile de calque et ici, cliquez sur « Verrouiller les pixels transparents ». Maintenant, je peux peindre sur la couleur grise, et il ne fera que peindre la zone à l'intérieur des lignes. C' est un moyen rapide et facile de commencer à poser vos couleurs plates pour les tons de peau, pour les couleurs de son uniforme, pour ses cheveux, des choses comme ça. Comme il y a beaucoup de petites zones à colorier, je vais utiliser l'outil Lasso un peu. Par exemple, avec ses mains, je vais les sélectionner en utilisant l'outil Lasso comme ça. Notez que je n'ai pas vraiment besoin de sélectionner le bord Azure des mains. C' est parce que cette limite est définie par ces pixels transparents et aussi à cause de la couleur grise plate. Par conséquent, je peux utiliser l'outil de peinture Bucket juste pour cette zone. Je sélectionne les cheveux maintenant, et je vais utiliser un pinceau, je pense, pour brosser la couleur de cheveux que je veux, qui va être cette couleur brune. J' ai évidemment raté un peu là-bas avec ses oreilles, mais il y a aussi un espace sur le front. Je vais aller sélectionner « Inverse », qui le change, puis sélectionner la couleur de la peau et patcher cela. Ensuite, je vais passer à un autre pinceau, je pense, un pinceau dur et ramener la taille de ce pinceau vers le bas et peindre là où l'oreille devrait être. Quand vous faites votre sélection, rappelez-vous que j'ai expliqué plus tôt comment basculer entre le Lasso ordinaire et le Lasso polygonal. Le Lasso régulier vous permet de faire travailler la ligne à main levée ou la sélection à main levée, puis vous pouvez simplement maintenir la touche Alt enfoncée et passer à la ligne polygonale pour obtenir des points de sélection plus précis. C' est une question de travailler votre chemin autour de tout le dessin de cette façon. Utilisez l'outil Lasso, ne vous inquiétez pas trop des bords Azure, peignez dans votre sélection, puis vous pouvez revenir en arrière et faire des retouches, et vous pouvez remplir les zones qui ont été manquées avec le pinceau ou la peinture dans où deux couleurs se rencontrent et [inaudible] se remplissent jusqu'au bord même. Lorsque vous remplissez des zones avec l'outil Seau, comme je l'ai dit précédemment, faites votre sélection. Vous n'avez pas à vous soucier des bords Azure, mais vous n'avez pas à vous soucier des couleurs de votre sélection. Par exemple, quand je remplis son haut ici, si vous remarquez, je n'ai pas besoin de définir les zones autour des épaules ou la couleur non plus, avec la sangle, car ils sont déjà définis par la couleur. Assurez-vous simplement que si vous venez ici tout en haut lorsque votre outil Bucket est sélectionné, assurez-vous que la tolérance est définie sur zéro. Cela vous permettra d'utiliser l'outil Bucket pour remplir certaines zones de ce type. C' est ainsi que vous pouvez contourner et compléter l'ensemble de votre couche d'appartements. Si vous n'aimez pas la couleur, vous pouvez simplement utiliser l'outil Seau pour l'utiliser pour les modifications, et à la fin du processus, vous avez une couleur plate complétée pour votre personnage et vous êtes prêt à commencer à ajouter texture et ombrage au-dessus de cela. 14. Ajouter des ombres: Dans cette vidéo, je vais vous montrer comment ajouter de l'ombrage, une passe d'ombrage très simple avant de passer à la peinture finale. Je vais zoomer et ajouter à peu près un ton de peau plus sombre ici et à partir de là, je vais brosser quelques points forts. Parce que j'ai ma palette de couleurs sur la gauche, je peux sélectionner à partir de là. Peut-être que je vais réduire un peu l'opacité et me brosser, comme ça. Maintenant, je ne veux pas être trop brillant pour que je puisse le tonifier légèrement avec un peu de ton moyen. Les faits saillants que je garde habituellement pour la toute, toute fin. C' est juste plus sur la mise en bas d'un ton médian. Mais ce que je veux faire, c'est définir les zones du visage où il y aura de l'ombre ou de l'ombre et qui, dans ce cas, sera sur la gauche. J' ai déjà décidé dans mon esprit que la source de lumière de ma pièce vient du haut à droite. n'y a pas de véritable règle difficile et rapide sur la sélection d'où vous voulez éclairer votre sujet, vous pouvez éclairer votre sujet sous n'importe quel angle, c'est à vous de décider. Mais juste en termes de faire une image agréable ou de prioriser les caractéristiques du visage, par exemple. J' irais toujours avec juste une direction d'éclairage générale en haut à droite. Avec cela à l'esprit, je vais m'assurer que le côté gauche du visage sera légèrement sombre et je vais réserver les zones plus claires pour le front, le nez et les joues. Rappelez-vous que la priorité ici pour moi est de faire une passe d'ombrage très simple, sorte que je puisse passer à une ligne plus détaillée ou une illustration détaillée. Avec cela à l'esprit, je vais juste placer une zone assez simple d' ombrage sur la moitié inférieure du corps et estomper un peu ce pantalon. Brossez un peu d'ombrage très général, très léger sur le dessus. Cela va me donner l'occasion de voir le côté gauche comme étant beaucoup plus sombre. Je garde ça à l'esprit quand je pars. Le côté gauche va être dans l'ombre, côté droit va avoir une touche de point culminant. Pendant ce temps, j'utilise juste un pinceau à bords ronds doux et je passe entre le tableau de bord et mon pinceau à bord dur. Partout où il y a un peu de contraste extrême comme ici sur les bras ou là où j'étais au cou, j'aime souvent mettre vers le bas une couleur plus foncée pour l'ombrage, puis passer à la brosse plus douce pour le mélanger comme je l'ai montré vous avant avec mélange de couleurs sur votre pinceau, et qui donne un joli ton moyen et vous permet de le faire paraître un peu plus lisse. Il y aura de l'ombre sous le pistolet et sous la ceinture. Alors la dernière chose que je vais vous montrer dans cette vidéo est une façon d'ajouter de l'ombre que je fais beaucoup. Je passe parfois à l'outil Lasso. J' ai fait un nouveau calque, je travaille en fait sur un calque au-dessus de cela. Mais avec l'outil Lasso sélectionné, je vais dessiner où je veux que l'ombre soit. Le côté gauche de la jambe, brosser une peinture plus foncée sur cela. Rappelez-vous que je suis sur un nouveau calque, ce qui signifie que je peux maintenant revenir à ma pile de calques. Si je passe sur le calque d'appartements, maintenez la touche Commande ou Contrôle enfoncée sur mon clavier, cliquez sur l'icône miniature du calque d'appartements, et ce que cela fera est, sélectionnez tout, tout le contenu de ce calque. Ensuite, vous pouvez monter à Sélectionner, sélectionner Inverse et supprimer le chevauchement ou les pièces que vous ne souhaitez pas. Je vais le refaire pour toi sur cette jambe. J' utilise l'outil Lasso, puis je vais juste taper dans ce calque sur le dessus, descendre à mon calque plat, qui se souvient est comme cette unité de couleur cohésive. Je maintiens la touche Contrôle ou Commande enfoncée sur mon clavier pour sélectionner tout le contenu. Allez et sélectionnez Inverse, puis supprimez les choses dont je n'ai pas besoin. L' autre partie utile à ce sujet est parce que c'est sur la couche supérieure, je peux en fait passer à l'outil gomme et revenir un peu parce qu'il fait un peu sombre. On y va et c'est bon. C' est une passe d'ombre très basique. Je suis assez content de ça. Il me suffit maintenant de passer à autre chose et de commencer à travailler plus de détails avec la texture et les reflets. Ce que je vais faire pour la prochaine phase est en fait commencer à peindre au-dessus du travail de ligne. Cela va finir avec cet effet beaucoup plus pictural et beaucoup plus nuancé et entièrement rendu produit final. espère que tout ce que j'ai couvert dans cette vidéo en termes de simplement faire une passe d'ombre de base a du sens pour vous. Si ce n'est pas le cas, faites-le moi savoir, s'il vous plaît envoyez-moi un message ou envoyez-moi une partie de votre travail si vous voulez que je le regarde et vous donne quelques commentaires. Si quelque chose n'est pas clair du tout. N' importe lequel de mes raccourcis clavier ou de mes processus, faites-le moi savoir et je vous expliquerai à nouveau. Sinon, je vous verrai dans la prochaine vidéo où nous allons commencer à travailler sur le rendu final. 15. Peindre le visage: Dans cette vidéo, je vais commencer à plonger dans les détails, et plus particulièrement dans les détails du visage. Je vais vous guider à travers un peu de mon processus quand il s'agit de mélanger et de peindre le regard de peur et détaillé. De plus, je passe également à la peinture sur la ligne de travail pour la scène. Parce que le rendu final que je veux produire va être un type d' art conceptuel très pictural de look and feel. Sur mes calques, je fais travailler un nouveau calque au-dessus de la ligne. Je vais zoomer maintenant pour commencer à travailler sur les détails. La première chose que je vais faire est juste de tracer quelques faits saillants pour les cheveux juste pour me donner ce sens de la direction de la lumière à nouveau. Je vais probablement choisir un pinceau à bords durs. Je vais juste mettre quelques faits saillants ici parce que c'est d'où vient la lumière. Pour cette étape, ne soyez pas pris en train d'essayer de dessiner chaque mèche de cheveux. Pensez aux cheveux dans des formes bloquées et essayez de visualiser les côtés de ces formes qui vont attraper la lumière. De même avec le visage, essayez de le décomposer en plans et formes de base que vous pouvez facilement visualiser d'où vient la lumière. Maintenant, je commence à peindre sur les lignes comme vous pouvez le voir. Ce qui est important pour moi, c'est de vraiment garder cette impression de valeurs tonales et de couleur vraiment pour peindre sur ces lignes sombres et lui donner un look plus réaliste. Je garde les lèvres d'une couleur assez neutre. Plus tard, vous pourriez probablement regarder les teinter un peu plus rose ou un peu plus rouge. Mais quand je commence, c'est toujours agréable de les garder assez neutres, juste un ton plus sombre que le ton de la peau. Le dessous du nez est généralement toujours dans l' ombre parce qu'il est évidemment orienté vers le bas. Gardez ça à l'esprit. Le sommet du nez est l'endroit où il reçoit probablement plus de neige fondante. Mais alors vous devez également tenir compte de la variation du teint de la peau. Certaines personnes ont peut-être un bout du nez de Rosie , même si c'est là que ça va être la partie la plus légère du visage. Tout dépend de l'image que vous référencez ainsi que des spécificités du visage que vous essayez de peindre. Comme vous pouvez le voir, c'est très rude, très inégal, et c'est ce que j'aime bien. C' est comme ça que j'aime travailler. Plus tard, je reviendrai et je les mélangerai avec la brosse ronde à bords doux. Mais pour l'instant, cette façon picturale d'appliquer la couleur fonctionne pour moi. Les yeux, disons que si nous parlons des yeux en termes de couleur bleue, ils auront généralement une nuance de bleu plus foncée en haut et une nuance plus claire ici. Je vais alléger le fond de l'iris et le faire sur le côté aussi. Puis assombrir juste pour ce bord supérieur parce que c'est là qu'il y a une ombre coulée qui descend des cils. Ensuite, vous pouvez simplement indiquer un peu d'un point culminant dans la pupille de l'œil. Habituellement, le point culminant pour la pupille sera toujours dans la direction d'où vient la source lumineuse. Continuez. Rendre le couvercle inférieur un peu plus sombre. Mélange-le si on le peut. Peu à peu, je travaille à remplacer les contours lourds noirs par un peu plus d'un look peint. Ici, ce que je fais, c'est que je peins en dehors des lignes, puis utilise mon option de sélection inverse pour supprimer tout de cet excès. Je vais juste assombrir légèrement les lèvres, les rendre plus définies. Si je tire en arrière maintenant, vous pouvez voir les caractéristiques du visage se réunissent assez bien. Je commence à m'éloigner de ce look, et j'ai un rendu plus poli, plus fini, ce qui est assez agréable. C' est ce que je vais faire en fin de compte. Je vais ranger les yeux ici, et faire camoufler les blancs des yeux autour de la pupille. Peu à peu, ça se rassemble, et bien sûr, c'est terrible d'être coincé dans mes nouveaux détails. Je vous recommande d'essayer de rester aussi tiré en arrière, aussi zoomé que vous le pouvez et de ne pas faire beaucoup de travail si près et cela a zoomé. C' est bien de se rapprocher et de faire vos détails, mais vous voulez continuer à vous référer à l'image complète en zoomant en arrière et en regardant votre travail de temps en temps. Pour moi, cette étape nécessite vraiment beaucoup de peinture et de mélange patient attentif et peut-être si vous êtes à ce stade alors je suggère que vous prenez juste le plus lentement que vous pouvez et vous donner assez de temps pour vraiment voir ce qui fonctionne et ce qui ne le fait pas. Regardez beaucoup votre image de référence et n'oubliez pas de penser à la direction dans laquelle votre source de lumière va entrer. C' est tout important. Dans la prochaine vidéo, nous allons continuer à travailler sur le reste du corps et sur les vêtements en particulier. 16. Peindre les vêtements: Cette prochaine partie de mon processus sera tout sur la peinture des vêtements, et encore une fois, tout comme quand je peignais le visage, je dois essayer de penser à la source de lumière parce que je veux lui donner ce sens de l'aspect réaliste 3D. Je ne veux pas de couleurs plates. Il s'agit de s'assurer que mes ombres et mes points forts sont au bon endroit. Tout d'abord, je vais réorganiser un peu mon espace de travail. Je vais commencer à travailler avec cette nouvelle fenêtre de mise en page et de couleur. Celui-ci en particulier, qui a les couleurs complémentaires tout au long de la roue de couleur, et je vais faire glisser mes calques en dessous, puis choisir et choisir de ma palette ici à gauche, je peux me rendre au travail , et encore une fois, je vais commencer à affiner les détails. Je veux renverser ce contour très épais et lourd, et tout cela revient à juger les valeurs tonales, à trouver mes ombres, à les peindre dans de jolis bords, puis à choisir les points forts. Par exemple, l'arrière de son collier va être dans l'ombre, et sur le côté droit ici bien, ce sera dans un rouge plus profond et plus foncé que le reste. Mais je vais garder une certaine variation dans le ton. Ce n'est pas une couleur complètement plate, et la même chose vaut sous son armure ou son armure d'épaule. Je peux utiliser une couleur foncée pour indiquer les ombres, mais encore une fois, je ne veux pas qu'elle soit complètement plate. Je vais juste frapper un peu ce sombre en arrière et le fondre avec un ton plus clair. Maintenant, je vais passer au sommet, et je vais juste bloquer dans quelques ombres où cette ceinture pourrait être avec la sangle, et quand tu travailles comme ça, parfois avec des plis dans les vêtements pour les ombres, ça pourrait semble très facile et simple, mais quand vous le peignez, il a l'air vraiment plat. Je veux vous montrer un très bon conseil qui vous aidera à faire sortir vos ombres. Je vais vraiment améliorer ce ton sombre pour la ligne qui descend. Mais alors je vais passer à un pinceau plus petit avec un ton beaucoup plus grand et choisir une ligne de luminosité juste sur ce bord, et plus essentiellement est le bord qui attrape la lumière avant qu'il ne tombe dans ce qu'on appelle une ombre de occlusion, ce qui signifie qu'il n'y a pas de lumière dans cette ombre. Si je fais un zoom arrière maintenant, vous pouvez voir à quel point c'est efficace. C' est un très bon conseil. Chaque fois que vous avez une ombre sombre profonde, juste mettre un peu d'un point culminant à côté fait merveilles pour rendre quelque chose beaucoup plus réaliste. Maintenant, je vais juste ranger cette zone des épaules et essayer de renverser tous les contours. Puis quand il s'agit des membres, je trouve qu'il est très utile de faire une couleur plus foncée autour des bords des bras et même des zones comme les doigts et les mains. Juste parce que ça vous donne vraiment une idée de la forme ronde du bras. Si vous pensez aux bras comme un cylindre, alors la lumière tombera au fur et à mesure que les formes se déplacent. Ce que vous pouvez faire est de mettre un ton plus sombre le long des bords, puis utiliser votre pinceau de mélange pour le travailler jusqu'à un ton plus clair allant au milieu, et cela vous donnera vraiment une impression 3D de la forme. J' ai décidé que je n'aime pas la façon dont ses protège-bras montent au-dessus du coude, donc je suis vraiment à la volée pour les peindre ici, et je veux peindre comme si j' imaginais qu'elle pourrait avoir des bandages ou des bandages sous son protège-bras. Donc je vais les peindre d'un ton neutre. Effacez les parties que je ne veux pas, puis je vais travailler avec un pinceau plus petit, vais travailler dans des plis où les bandages se chevauchent. C' est un autre exemple où je vais utiliser un ton beaucoup plus léger juste pour mettre en évidence le bord même. Peu à peu, je travaille sur mes valeurs tonales, assurant que je fais en sorte que les ombres et les reflets s'assoient bien ensemble. Apporter cette touche supplémentaire de point culminant où je veux que la lumière tombe et puis m'assurer que mes ombres sont au bon endroit. C' est juste une question de travailler autour de tout le reste de la figure de cette façon, en passant d'une brosse à bord dur à une brosse ronde douce pour la mélanger. Il y a peu de zones qui me prendront un certain temps à travailler, comme, par exemple, les plis du pantalon. Dans cette section, généralement, cela semble très simple, mais pour le rendre réaliste, il faut beaucoup de temps en arrière et en avant, recombinant et en le retravaillant. Mais je suis assez content de ça jusqu'à présent. Pensez que ça va dans la bonne direction en général. Quand il commence à sentir que je me perds dans les détails et que je ne suis pas sûr de savoir comment résoudre ce sur quoi je travaille, j'essaie de prendre du recul et de penser en termes de deux ou trois tons, et de réfléchir à nouveau si c'était juste une forme de base comme un cylindre, où serait le point culminant, et où cela tomberait ou les ombres, et cela m'aide à l'obtenir à la fin. Ici, je fais juste quelques ajustements et je répare un peu mon dessin. Je fais ça à droite, et je vais ajouter, je pense qu'une bande rouge, cette couleur d' accent que j'ai choisie. Juste pour ajouter ça en descendant sur le côté. Ça a l'air bien. La seule chose qui me gêne vraiment, ce sont les bottes, mais je vais les arranger un peu plus tard. La dernière chose que je veux faire sur les bras, c'est finir ces protège-bras, et je dois peindre dans une boucle ici, et pour ça, je ne vais même pas rendre ça trop compliqué. Trois tons de base et un ton neutre pour le ton moyen, puis j'utiliserai un gris plus foncé pour les bits ombragés et un ton clair pour les reflets. Pour réparer ses bottes, j'ai décidé d'en faire une botte ronde basique en cuir. Je ne vais pas avoir les protège-pieds qui étaient là avant, je vais les peindre, et j'essaie de le faire paraître un peu coriace et un peu en détresse, même si je ne vais pas m'inquiéter trop à ce sujet parce que dans la prochaine quand je commence à ajouter des textures sur ma peinture, alors cela va vraiment lui donner ce look usé et usé que j'essaie d'y aller. Pour ici, je veux juste obtenir les bons tons et obtenir un peu d'un point culminant. Je pense que cela devrait être le cas pour ces parties, pour ces parties de couleur. Je pense que j'ai toutes mes valeurs et mes tons aux bons endroits, et je suis prêt à passer à la diapositive suivante. Retrouvez-moi à la prochaine conférence, et je vais vous montrer comment vous pouvez commencer à ajouter de la texture à votre œuvre. 17. Procéder à des ajustements: Avant de commencer mon rendu final, je pourrais commencer à ajouter de la texture et de l'éclairage final. Je veux juste vous montrer rapidement quelques techniques que vous pouvez utiliser pour faire très petits ajustements mineurs à votre œuvre lorsque vous êtes très proche de la fin. abord, quand je suis à peu près aussi satisfait que je vais l'être avec mes chemins de peinture, quand je suis sûr qu'il n'y a pas beaucoup plus que je puisse faire en termes de peinture et d'ombrage, alors ce que je veux faire est de pouvoir faire ces petits sur l'image finale dans son ensemble. Pour ce faire, j'ai besoin d'aplatir toutes mes illustrations sur un seul calque afin de pouvoir apporter des modifications à l'ensemble de l'opération. Mais je ne veux pas perdre ces couches non plus, au cas où j'aurais besoin de revenir en arrière et de changer quelque chose d'une étape antérieure. Ce que je fais, c'est ici, dans la pile de couches, je vais tout saisir ici. Appuyez sur Commande ou Contrôle G sur mon clavier et transformez ceci en un seul dossier. Ensuite, je peux double-cliquer sur le nom de ce dossier et l'appeler comme je veux. Je vais le renommer des calques d'illustration. Cliquez ensuite sur Commande ou Contrôle J pour dupliquer l'intégralité du dossier. Maintenant, je peux cacher ce dossier original, oublier pour le moment, à moins que je n'aie besoin de revenir à une étape antérieure. Ensuite, sur ce haut, je vais double-cliquer à nouveau, et je vais renommer ce personnage. Ensuite, je vais faire un clic droit sur cela et choisissez « Fusionner le groupe ». Maintenant, j'ai une couche plate dans son ensemble. Si je fais des ajustements, le tout sera ajusté en un seul. Quels ajustements souhaiteriez-vous faire maintenant ? Eh bien, une chose que beaucoup de gens aiment faire est d'utiliser l'outil Liquify pour faire de très petits ajustements pour tirer et pousser les bords de votre travail. Si vous voulez essayer cela, vous pouvez aller à Filtres. À partir d'ici, choisissez « Liquify ». Cela fait apparaître cette toute nouvelle interface. Vous pouvez effectuer un zoom avant si vous le souhaitez. Assurez-vous simplement que cet outil est sélectionné ici. Ensuite, vous pouvez réellement pousser et tirer les contours de votre œuvre si nécessaire. C' est un ajustement pratique à savoir, mais je vous avertirai de ne pas l'utiliser trop car plus vous faites, plus votre travail sera déformé. Vraiment, c'est le dernier recours tweak. En fait, je vais juste annuler de ça. Ce que j'ai tendance à faire plus que l'outil Liquify est juste d'utiliser ma gomme pour ranger les bords et réparer les choses de cette façon. Maintenant, cela nécessite des coups de pinceau très prudents parce que vous ne voulez pas perdre trop, mais c'est un bon moyen de rendre les choses très soignées sur les bords au cas où une partie de votre travail de pinceau aurait renversé. Ce sont mes derniers petits ajustements que j'ai faits. Dans la prochaine vidéo, je vais vous montrer mon rendu final. Ensuite, nous serions sur le point de terminer complètement avec notre œuvre d'art. Je te vois dans la prochaine vidéo. 18. Rendu final: Dans cette vidéo, je vais commencer à ajouter une couche de texture sur toute ma pièce et dans votre dossier ressources, je vous ai laissé quelques outils avec lesquels vous pouvez travailler, pinceaux et des textures. Tout d'abord, jetons un oeil à cette image de la texture avec laquelle je vais travailler. Je veux qu'il soit au-dessus de la moitié supérieure d'elle comme ça, disons sur son haut et que ça ait l'air un peu affligé. Ce que vous devez faire est de créer un masque d'écrêtage et si vous ne savez pas comment le faire, c'est très facile. Essentiellement, la texture ou tout ce qui se trouve sur le calque ci-dessus s'accroche à la silhouette ou à la forme exacte de l'illustration qui se trouve sur le calque inférieur. Revenez à vos calques ici et avec votre curseur, vous pouvez passer la souris sur la ligne entre ces deux calques. Maintenez la touche Alt enfoncée sur votre clavier, et cela fait apparaître ce petit symbole. Lorsque vous cliquez alors qui va découper l'illustration, le sur le calque supérieur à la couche inférieure. Évidemment, ça n'a pas l'air très bien, mais on n'a pas encore fini. Une fois que vous avez fait cela, c'est là que vous pouvez jouer avec modes de calque et voir si vous pouvez trouver des styles différents ou différents. Accédez à ce menu déroulant ici et choisissez parmi l'un de ces modes de fusion. Overlay est généralement une bonne option pour aller avec, mais vous pouvez expérimenter et voir lequel vous préférez sur votre œuvre. Une fois que vous avez choisi un mode de fusion, vous pouvez également ajuster l'opacité. C' est une autre façon de mélanger deux couches différentes. Maintenant, vous pouvez voir qu'il a l'air un peu mieux. Maintenant, je n'aime pas particulièrement ça par dessus. Voyons à quoi ça ressemble si je le traîne sur le pantalon, je pense que ça a l'air beaucoup mieux, ou les bottes. Quand c'est une couleur plus foncée comme celle-ci, je pense que je pourrais changer mon mode de fusion pour se multiplier. Maintenant, je vais dupliquer cette couche Commande ou Contrôle J et je vais le faire glisser vers le haut. Rappelez-vous qu'il est sur multiplier maintenant, Commande de contrôle T pour le faire pivoter et double-cliquez simplement pour valider cette transformation et appliquer le masque d'écrêtage. Maintenant, je vais juste effacer les parties de la texture qui sont sur la peau ou qui ne sont pas là où je veux qu'elles soient, que je n'ai pas besoin et c'est ainsi que vous ajouteriez une couche de texture à vos peintures. Comme vous pouvez le voir, cela fait une grande différence. Il lui donne soudainement un sentiment différent ou une qualité différente. Mais vous ne pouvez pas le faire sans avoir des couches de textures. Vous pouvez en fait construire des textures très intéressantes, grossières, réalistes avec quelques coups de pinceau très simples. Personnellement, c'est comme ça que j'aime travailler. Je préfère rester avec mes outils de pinceau et travailler avec eux parce que j'ai impression que cela donne un peu plus de cohésion à l'ensemble de la pièce. Je vais te montrer comment faire ça maintenant. abord, faites une sélection à l'aide de votre outil lasso des pièces exactes auxquelles vous souhaitez ajouter de la texture. C' est la partie où cela peut être un peu fastidieux, mais vous vous habituerez à travailler avec l'outil lasso, puis à créer un nouveau calque. Maintenant, cette nouvelle couche a cette sélection et allez à vos pinceaux et choisissez n'importe quel type de pinceau de texture vraiment agréable. En fait, je t'ai laissé les pinceaux exacts avec lesquels je travaille. Si vous le souhaitez, vous pouvez simplement les importer dans Photoshop et en choisir l'un. Ce que vous faites, c'est que vous choisissez une nouvelle couleur. Vous voulez qu'il soit légèrement différent, mais toujours dans la même plage que votre couleur de base. Donc quelque chose qui est un peu plus sombre ou un peu plus léger. Ensuite, brossez très légèrement une partie de cette texture brossée sur le dessus. Une fois que vous avez fait cela, vous pouvez également utiliser les modes de fusion et l'opacité pour modifier ou appliquer cela. Une autre astuce est que si vous avez de la peinture qui se trouve sur les bords de votre calque de base, il suffit de cliquer sur Commande sur la vignette de votre calque de caractères, votre calque de base, qui sélectionne tout ce qui se trouve dans ce calque, puis de sélectionner et choisissez Inverse et maintenant vous pouvez simplement appuyer sur Supprimer sur votre clavier et qui supprime tout de ce déversement. En fait, je vais expérimenter avec toute une gamme de pinceaux et j'ai laissé tout cela pour vous, alors n'hésitez pas à les essayer. Essayez de les appliquer et rappelez-vous cependant, pour garder l'opacité de la brosse assez faible au début lorsque vous les ajoutez sur le dessus parce que certains d' entre eux peuvent venir assez lourd et vous ne voulez pas avoir très lourd coups de pinceau texturés pourraient dominer votre pièce. En fait, vous visez juste ce look subtil. En fait, n'importe quelle combinaison de ces brosses fonctionne assez bien ensemble. n'y a pas de formule, il s'agit juste de les essayer et de voir ce qui semble bien. 19. Ajout d'un arrière-plan ou d'un environnement: On est presque finis. Cette vidéo va vous montrer comment ajouter quelque chose d'un peu plus à votre œuvre. On en a fini avec le personnage, ou au moins j'en ai fini avec mon personnage. Mais pour que l'ensemble de la pièce se démarque vraiment et soit vraiment un concept art, je vais ajouter un arrière-plan. Le point central de cette pièce est vraiment l'agenda du personnage. Mais juste pour finir à cette norme professionnelle, ajouter un environnement ou un arrière-plan peut être vraiment, vraiment bon. Vous n'avez pas à, si vous ne voulez pas, vous pouvez simplement ajouter une couche de texture derrière elle ou derrière votre personnage. Mais si vous voulez l'amener à ce niveau supplémentaire, alors je veux vous montrer à quel point il est facile d'ajouter un environnement ou un paysage. La première chose que je vais faire est de découper quelques blocs de couleur. J' utilise l'outil lasso comme ça et littéralement juste jeter la couleur dans les sélections avec l'outil seau. Je garde également chacun sur un calque séparé pour l'instant. Puis enfin, dans l'horizon très lointain peut être comme une vague impression d'une scape [inaudible] ou quelque chose comme ça, très lâche. Ensuite, je vais choisir une couleur pertinente pour le ciel et le mettre sur une couche en bas, sous tout le reste. Je suis allé chercher un ciel très étrange parce que évidemment je veux garder ce sentiment de science-fiction, d'un autre monde à ça. Une fois que je serai satisfait de ça, je vais fusionner toutes ces couches ensemble, exception de la couche de ciel. Je veux mélanger ces couleurs ensemble, mais je veux garder le ciel séparé. En utilisant mon pinceau à texture, je vais simplement briser ces contours. Briser ces bords entre les couleurs, échantillonner comme je vais. J' utilise cette technique que je vous ai dit, cette technique de mélange d'échantillons de couleurs en maintenant Alt enfoncée pendant que je suis en mode pinceau. C' est juste créer un changement subtil d'une couleur à l'autre. Je ne veux pas avoir un gradient complet, mais juste une fusion de l'un à l'autre. Maintenant, je vais travailler sur le ciel. Je veux un dégradé sur mon ciel. Ce que vous pouvez faire pour cela est très simple. Vous pouvez utiliser l'outil dégradé, mais j'aime simplement choisir une très grande brosse à bords doux avec une très faible opacité. Choisissez un beau coucher de soleil, la couleur du lever du soleil. Ensuite, sur la couche de ciel elle-même, mais sous les montagnes, je ne ferai qu'un ou deux coups de pinceau. C'est tout. C' est tout ce qu'il faut pour donner ce genre d'effet ou cette lueur à toute la zone du ciel, lui donner un peu d'atmosphère. Laisse-moi réparer cette ville lointaine. Je vais l'enlever complètement pour l'instant. En fait, ces marques ne fonctionnent pas. Je pense que je vais coller avec la brosse à bord doux avec la même couleur que la couche de sol. En fait, je suis juste complètement inventé maintenant comme je vais, juste n'a pas besoin d'être détaillé. Il se sent juste d'avoir la même couleur que le sol, et d'avoir ce regard lointain de ville. Aide à se fondre dans l'arrière-plan. De plus, c'est de la science-fiction donc ça peut être vraiment n'importe quoi. Enfin, peut-être qu'il attrape une partie de cette lumière du lever du soleil. Vous pouvez échantillonner cette couleur et ajouter quelques surlignements sur le dessus. La dernière chose que je vais faire, c'est juste changer cette couleur. Je vais sélectionner cette zone, appuyez sur Commande ou Contrôle U. Cela fait apparaître vos curseurs de saturation. Je peux changer la teinte en faisant glisser ceci ici pour changer la couleur. Je n'ai pas besoin d'y retourner et de tout repeindre. On y va. C'est la dernière pièce. Vraiment très, très rapidement mis en place ce fond, mais il ajoute vraiment quelque chose à l'ensemble de la pièce, je pense. Je serais plus qu'heureux de le laisser ici. Je pense que c'est final et fini, mais il y a une dernière couche de vernis que vous pouvez ajouter. Retrouvez-moi dans la prochaine vidéo et nous allons le faire et terminer complètement. 20. Effets finaux: Je dirais que cette pièce est à peu près faite et j'espère vraiment que vous avez appris quelque chose en suivant avec moi et en ayant tout ce processus, voyant comment je l'aborde et comment j'y ai travaillé. Je tiens simplement à souligner que, encore une fois, mon objectif est de vous donner un ensemble de pratiques et un ensemble de processus que vous pouvez utiliser et appliquer à votre propre travail. Il ne s'agit pas vraiment de copier mon style nécessairement, mais simplement de travailler avec vos pinceaux, travailler avec des calques et des textures, de voir quel genre d'illustration vous pouvez trouver. J' aimerais voir n'importe quel travail que vous avez fait jusqu'à présent dans ce cours. Si cela vous plaît, envoyez-les moi dans un message ou postez-les dans la section discussion. Si vous voulez des critiques ou des commentaires de ma part, je serai vraiment, vraiment heureux de vous aider ou de vous donner des conseils. Pour terminer ce cours, j'ai pensé partager un dernier processus avec vous. C' est une dernière couche de vernis et il a pour but d'ajouter ce petit peu d'atmosphère supplémentaire. Il rend l'image entière plus cohésive et il la rend aussi un peu plus sombre. Parce que l'art conceptuel est vraiment tout au sujet de l'humeur et l'atmosphère et de nous raconter l'histoire à travers une image. Avant d'entrer dans ce domaine, il suffit de noter, tout d'abord, que mes couches ici sont en fait toutes groupées et organisées assez soigneusement et c'est super important et c'est un détail que vous ne devriez pas négliger. J' aime nommer mes dossiers principaux dans toutes les majuscules et je fusionne les calques là où je peux. Ce que je veux faire maintenant, c'est ajouter quelques marques de pinceau juste pour le rendre plus nuageux et peut-être balayé par le vent. Je veux faire revenir le personnage en arrière-plan un peu. Je vais créer un nouveau calque et le faire glisser sur le dossier d'arrière-plan. Ensuite, à partir de mes pinceaux, je vais choisir celui-là qui est comme un pinceau de nuage. J' échantillonne les couleurs de ma propre scène. Puis toujours dans ce même outil de brosse, je vais ajouter une couche sur tout et brosser ici en bas pour donner l'impression de poussière tourbillonnant autour de vos pieds. Tout est très léger, rien de trop lourd. Alors je vais prendre ce pinceau. Ce que celui-ci fait, c'est juste ajouter une couche de particules qui ressemble à de la poussière ou quelque chose comme de la poussière. Pour celui-ci, je vais choisir une couleur plus vive pour la faire ressortir un peu. Cela peut vraiment mal tourner si vous allez dans les mains trop lourdes. Gardez ça à l'esprit. Il suffit de travailler très, avec beaucoup de parcimonie avec ce genre d'effets, moins c'est plus. Enfin, si vous vouliez ajouter une vignette à votre œuvre, vous pouvez à nouveau créer un tout nouveau calque sur le dessus de tout et vider simplement une couleur sombre plate sur le dessus comme celle-ci toute la toile et définissez cette couche pour qu'elle se multiplie. Maintenant, venez et faites glisser l'opacité jusqu'à environ 20 pour cent, 25 et passez à l'outil gomme, vous assurant que c'est un très gros pinceau, une brosse bord doux et effacer le centre de la peinture, en particulier où se trouve le personnage. Vous pouvez réellement voir ici dans la vignette du calque, exactement combien vous effacez, si vous voulez vérifier. C'est ça. Je vais mettre mes stylers vers le bas et ne plus le faire. Nous avons enfin obtenu une peinture entièrement finie et rendue de mon personnage dans une scène dans un environnement d'aspect atmosphérique. C' est la fin du cours et j' espère vraiment que vous l'avez apprécié. J' espère vraiment que vous avez appris quelque chose d'utile et que vous en avez tiré une certaine valeur. Si vous avez des commentaires pour moi, s'il vous plaît entrer en contact. S' il vous plaît envoyez-moi un message et je répondrai. C'est pour ça que je suis là. Même après avoir terminé le cours, vous pouvez toujours me contacter. J' ai laissé deux autres vidéos, brûle des vidéos dans ce cours, et c'est l'autre personnage de Targas, que j'ai dessiné plus tôt. J' ai laissé mes vidéos de processus comme une peinture rapide sur la façon dont je l'ai coloré depuis le début, juste le chemin à travers la toute fin. N' hésitez pas à les regarder si vous êtes intéressé. part cela, il est juste là pour moi de vous dire, merci beaucoup d'avoir participé ce cours et j'ai vraiment hâte de vous voir dans le prochain cours.