Principes de base de la photographie de portrait : utiliser la lumière naturelle pour créer un effet dramatique

1. Bande-annonce: m'appelle Justin Bridges et j'enseigne la photographie de portrait dramatique pour Skillshare. Le but de cette classe est que vous emportiez toutes les choses dont vous alliez parler et vous montrer et photographiez quelqu'un qui vous intéresse. Peut-être un ami et de créer un portrait dramatique d'entre eux. Il y a quatre points à retenir que j'aime faire sur chaque question : l'un est un mouvement, deux est léger, trois est concentré en profondeur, et quatre c'est s'assurer que votre sujet est flatté. Vous voulez partir avec une photo qui n'est pas seulement engageante mais rend également non seulement le sujet, mais votre travail a l'air très flatté. Les idées pour créer le drame non seulement en utilisant son langage corporel, son expression, ses yeux, mais aussi en peignant la lumière. La chose folle de la lumière du jour, c' est que parfois elle vient et va donc c'est comme un peu sombre en ce moment, mais nous allons travailler avec elle en positionnant son corps plus vers la lumière. Cette classe vise à faire des erreurs, mais apprendre de ces erreurs est une question d'essai et d'erreur. Il s'agit de saisir l'émotion d'un sujet et c'est vraiment pour l'expérience jusqu'au novice. C' est capturer le contraste que vous connaissez la différence entre les lumières et ombres capturant le langage corporel, l'expression faciale. Tu sais que mon truc préféré est la mode parce que j'aime raconter une histoire. Le portrait est un excellent moyen d'expliquer en quelque sorte l'émotion de cette histoire. 2. Introduction: m'appelle Justin Bridges et j'enseigne la photographie de portrait dramatique pour Skillshare. En fait, j'ai commencé à prendre des photos quand j'étais étudiant à la fac. J' avais l'habitude de prendre des photos de mes amis et d'autres choses comme ça, mais je n'ai jamais vraiment pensé que c'était un cheminement de carrière. Alors, j'ai déménagé à New York avec des rêves de devenir un riche mec de Wall Street et j'ai eu du plaisir en le faisant, mais ce n'était pas le truc pour moi. Donc, deux ans après mon travail, j'ai décidé de partir et de poursuivre un mélange de photographie et de mode. Donc, j'ai fait un tas de trucs sur le chemin pour découvrir ce que je voulais vraiment, vraiment faire, à être un photographe, un photographe de mode. C'est ce que je fais maintenant. Je le fais professionnellement depuis deux ans. Mon truc préféré à tourner est la mode parce que j'aime raconter une histoire. Dans ce contexte, le portrait est un excellent moyen d'expliquer l'émotion de cette histoire, et je pense que chaque photographe devrait au moins prendre un moment pour s'approfondir un peu dans la prise de photos de personnes et surtout de portraits. Je pense que cela vous aide vraiment à comprendre votre sujet plus quand vous pouvez interagir, parler, comprendre la forme du corps, comment le langage corporel parle au ton d'une image, et vraiment juste interagir avec le sujet est une compétence qui va vous durer pour toujours. Non seulement en photographie, mais cela vous aidera aussi lorsque vous interagissez avec des clients, amis et des choses comme ça. Donc, je pense que la photographie de portrait, même si elle est une niche dans une vaste gamme de photographies, est l'une des plus importantes à apprendre. Cette classe, du moins à mon avis, s'adresse à un certain nombre de personnes. C' est pour les amateurs jusqu'au professionnel qui veut ajouter une autre dimension à ce qu'il ou elle fait. Ce cours a pour but de faire des erreurs, mais d'apprendre de ces erreurs. Il s'agit d'essais et d'erreurs. Il s'agit de saisir l'émotion d'un sujet, et c'est vraiment pour l'expérience jusqu'au novice. Dans ce cours aujourd'hui ou en général, je vais vous emmener à travers une sorte de préparation pour un tournage, compréhension de votre emplacement et de votre environnement. Je vais parler de l'éclairage et de la raison pour laquelle cela compte, quelque sorte de mesurer la lumière, plus d'interpréter la lumière. Je vais parler des différents éléments à l'intérieur de la photo, tels que le style des vêtements du modèle, l' expression, les choses qui sont en arrière-plan qui aident à faire l'image et à la faire ressortir. Ensuite, nous allons aussi parler des différents angles et compositions à partir desquels vous pouvez prendre un coup de feu, et ensuite nous allons tout terminer en parlant choses basiques mais très fondamentales que vous pouvez faire pour éditer votre une fois que vous avez fini avec le tournage. Il y a quatre gros plats à emporter que j'aime assurer à chaque tournage. L' un est une émotion, deux est la lumière, trois est la concentration en profondeur, et quatre est de s'assurer que votre sujet est flatté. Dans une lumière flatteuse, une émotion flatteuse, et des choses comme ça. Ces quatre grands plats à emporter sont très importants parce que vous voulez partir avec une photo qui n'est pas seulement engageante, mais qui rend également non seulement le sujet mais votre travail très flatteur. Dans ce cours, je vais tourner un projet de portrait personnel. Heureusement, j'ai ma merveilleuse amie, Christina, qui va modéliser pour nous aujourd'hui, et nous allons essayer de la capturer dans un sens très dramatique en utilisant son émotion et son langage corporel, style et sa texture, et fond dans les photos pour vraiment transmettre un message de solennité détachée si vous voulez. Donc, le but de ce cours est de vous enlever toutes les choses qui allaient être en train de vous montrer et de photographier quelqu'un qui vous intéresse, peut-être un ami, et de créer votre propre portrait dramatique. 3. Lieu et sujet: Trouver l'emplacement est le numéro un de votre destin et de votre portrait dramatique. La première chose à la recherche d'un emplacement est que vous avez fondamentalement une idée et que vous voulez faire correspondre ce concept à l'emplacement. Donc, si vous cherchez à utiliser une lumière dramatique et que vous voulez utiliser la lumière ambiante, trouver un endroit avec de hauts plafonds, de superbes fenêtres, excellent éclairage qui vient dans une direction vous aidera vraiment à concevoir cette configuration d'éclairage spectaculaire. Donc, la moitié de la bataille et du portrait est d'avoir un sujet à tirer, ça pourrait être la moitié de la bataille ou il pourrait y avoir comme toute la bataille, mais, choisir quelqu'un que vous pensez vraiment intéressant et amusant à tirer, vous ne serez pas toujours ont le choix en fonction du projet. Mais si vous avez le choix, il est toujours important de travailler avec quelqu'un avec qui vous pouvez établir un rapport, quelqu'un qui est à l'aise devant la caméra. Donc, je dirais numéro un, choisissez quelqu'un qui est intéressant. Je suis vraiment dans les gens avec des mâchoires très fortes ou des traits différents sur leur visage qui les rendent intéressants à photographier. Donc, c'est une chose. Trouver quelqu'un qui a un visage intéressant, peut-être une personnalité intéressante qui peut apparaître à la caméra. La prochaine chose est une fois que vous commencez à travailler avec cette personne, c'est de construire un rapport. Vous ne pouvez pas marcher sur une séance photo et commencer à prendre des photos parce que ce n'est pas si facile, vous voulez construire un rapport, vous voulez vous mettre à l'aise, vous voulez que le modèle se sente bien devant votre objectif et une fois que vous à la fois détendu et apprendre à se connaître un peu, il fait que tout s'envoler beaucoup plus facilement. La troisième chose est en fonction de votre modèle, vous voulez choisir des angles que vous allez les tirer qui sont très flatteurs pour eux. Un exemple est, si vous avez quelqu'un qui est un peu plus court et que vous tournez coups de corps complets et que vous voulez qu'ils se sentent un peu plus grand et ne se sentent pas comme ils sont brisés dans la page, est-ce que vous voulez obtenir un peu plus bas et tirer vers eux. Pas si, vous obtenez seulement si bas que vous êtes en train de tirer leurs narines, mais si vous prenez un peu d'angle inférieur de 30, 45 degrés, vous pouvez les faire apparaître et regarder plus statuesque et plus grand, ce qui les fera sentir vraiment bien et faire en sorte que notre image soit vraiment belle aussi. Notre modèle aujourd'hui Christina, J'ai rencontré par des amis mutuels. Elle est blogueuse, et donc elle est vraiment à l'aise devant la caméra, a vraiment un super style et une personnalité vraiment impressionnante. Donc, je savais que je voulais filmer avec elle, j'ai tourné avec elle dans le passé et elle a une très bonne expression, bouge beaucoup avec la caméra, et peut vraiment frapper les émotions que vous lui lancez. Donc, c'était vraiment excitant de travailler avec son beau visage, son beau teint, pas beaucoup de défauts en termes de peau, et a vraiment juste un bon look dans l'ensemble. Donc, avec Christina et beaucoup d'autres modèles, les angles sont si importants parce que vous voulez que la personne ait l'air flatteur. Pour les gens plus courts comme je l'ai déjà dit, j'aime tirer un peu plus bas et les faire paraître un peu plus grands. Pour quelqu'un comme Christina qui est douée pour bouger et porter des vêtements, j'aime créer des angles. Donc, en les faisant non seulement bouger de manière à créer des angles et des contours dans les vêtements, mais aussi en se déplaçant autour du sujet pour créer mes propres angles du sujet à la caméra. Tout ce dont l'objectif est de rendre la personne flatteuse, les vêtements semblent flatteurs, et de rendre l'image très complémentaire à ce qui se passe dans le matériau. 4. Équipment: Donc, pour ce cours et pour la plupart de mes séances photo, j'aime avoir du matériel avec moi en tout temps, donc je suis toujours prêt. Je veux dire, il est particulièrement facile de capturer des portraits dramatiques. Donc, pour cette classe, je tourne avec mon Canon 5D Mark III, professionnel dans l'appareil photo reflex numérique. J' ai deux objectifs avec moi aujourd'hui, un 24-70 2.8L et un 200 2.8L. J' ai d'habitude deux lentilles sur chaque tournage. Ce ne sont pas nécessairement ceux avec qui je voyage toujours. Si vous êtes curieux, j'aime apporter un 35 millimètre ou un 50 millimètre à l'extrémité courte du spectre focale, et j'aime aussi avoir une lentille de 85 millimètres avec moi. L' objectif de 85 millimètres est vraiment bon pour filmer un portrait sans provoquer de distorsion sur le visage. Donc, par exemple, si vous tirez trop large, vous pouvez rendre votre modèle un peu plus large ou plus grand qu'elle ne l'est ou lui. Un 85 millimètre est comme la distance focale parfaite qui les rend vraiment flatteuses et vraiment belles. Je porte aussi très important, un compteur de lumière. Ceci est un Sekonik LiteMaster Pro L-478DR, qui est juste charabia pour comme vraiment cher. Je l'utilise pour mesurer la lumière comme je vais le démontrer en classe et vraiment avoir une idée avant de filmer comment la lumière va ressembler une fois que je prends la photo. Je porte aussi avec moi sur la plupart des pousses, pas toujours, je n'ai pas de filtre pour chaque objectif que je porte, mais je porte un filtre à densité neutre variable. Ce filtre passe à l'avant d'un objectif et il aide essentiellement à réduire la quantité d'arrêts de lumière qui passent par l'appareil photo. Donc, en termes de profane, quand je mets ça sur la caméra, disons que nous tournons dans un espace très lumineux et que je veux le faire paraître plus sombre, je peux mettre ce gars à l'avant de l'objectif et ensuite le tourner à un degré variable pour rendre l'image plus sombre et plus sombre et plus sombre, si je ne peux pas contrôler la lumière d'une autre manière. C' est une façon très générale d'en parler. J' ai la cassette de Gaffer. Cela vient en plusieurs couleurs. Vous les verrez beaucoup sur les configurations de production vidéo et de films. Mais je porte une bande de Gaffer partout parce que vous ne savez jamais, disons qu'il y a un rideau que vous voulez fermer et que vous n'avez pas d'autre moyen de le faire, si vous filmez sur une toile de fond et que vous devez coller le papier sans couture au sol. Il y a toujours une raison d'avoir de la bande sur le plateau et il est toujours pratique et il est très facile de sortir. Il est fabriqué spécifiquement pour que l'adhésif soit suffisamment solide pour tenir, mais ne laisse aucun résidu sur la surface sur laquelle vous le mettez. Le dernier petit gadget pratique que je porte avec moi sur les pousses est un petit petit petit couteau suisse de l'armée. Je ne l'utilise pas tout le temps, mais c'est très utile au cas où vous deviez couper quoi que ce soit, réparer tout ce qui est cassé, vous pourriez avoir une vis qui pourrait se détacher quelque chose, mais c'est vraiment juste plus à utiliser un couteau fonctionnel qui peut vous aider dans une petite pincée. Donc, l'une des autres choses que j'aime apporter sur toutes mes tournages quand c'est possible est un cordon de connexion, un ordinateur portable et un disque dur. Donc, je vais juste expliquer un peu sur le flux de travail. Ce que je fais d'habitude, c'est que j'attache ce truc orange vif pour que personne ne passe dessus. J' en ai mis un sur l'appareil photo, c'est un cordon USB et l'autre extrémité entre dans l'ordinateur. Si vous le remarquez, j'ai une petite attache ici et cela empêche, si quelqu'un marche dessus, de se branler du corps de la caméra, ce qui peut provoquer des retours sur votre logiciel. Donc, ce qui se passe, c'est que vous branchez ça dans l'appareil photo à l'autre bout de l'ordinateur, et ce que je vais faire, c'est que je prends des photos, les images vont couler directement dans l'ordinateur et au lieu de capturer toutes les images sur une carte, Je ne les capture que directement sur un disque dur de sauvegarde. Alors, qu'est-ce que vous avez et vous pouvez également configurer cela pour sauvegarder ces fichiers directement sur votre disque dur de l'ordinateur ainsi. Donc, aussi sûr que vous voulez être, vous pouvez l'être, vous pouvez avoir les photos capturées sur l'ordinateur et le disque dur, juste le disque dur. Vous pouvez même les faire capturer dans le disque dur et sur une carte flash compacte ou n'importe quelle carte mémoire que vous avez pour votre appareil photo. De cette façon, vous pouvez voir les images en plein écran et le rendu exact du brut au lieu d' un aperçu JPEG que vous verrez normalement l'arrière du corps de votre ordinateur ou sur le corps de votre appareil photo. Honnêtement, c'est une de ces choses où c'est le choix du dealer. Quoi que vous soyez plus à l'aise avec et fonctionne mieux pour vous c'est comment je vous suggère de configurer votre système. Pas une nécessité sur chaque prise de vue, mais le compteur de lumière, comme je le disais, est un appareil très utile qui vous permettra d' accéder à une image et de visualiser comment la lumière va regarder sur votre sujet, puis en arrière-plan avant même prendre une photo. Maintenant, encore une fois si vous êtes un amateur ou que vous commencez votre carrière professionnelle, vous pouvez ou non en posséder un, et ce n'est pas définitivement une nécessité. Cependant, si vous pouvez mettre la main sur un, c'est certainement efficace. Si vous n'en avez pas, l'alternative est de travailler avec votre appareil photo et essai et erreur pour obtenir l'exposition exacte que vous recherchez. Ce que je ferais normalement et surtout avant même d'investir dans l'équipement, c'est ce que j'utilise, c'est le compteur réfléchissant de l'appareil photo. signifie que je pointe la caméra sur le sujet, je reçois une lecture sur l'exposition qui apparaît sur l'écran supérieur de votre appareil photo, je mesure pour ça et puis je vois ce qui sort. Je prends une photo, je vois à quoi ça ressemble, mes ombres sont-elles trop sombres ? Mes faits saillants sont-ils trop brillants ? Mes tons moyens sont-ils bons ou pas ? Je travaille d'avant en arrière à partir de là. Encore une fois, pendant que vous filmez, si vous avez défini l'idée que vous avez pour votre ouverture et votre ISO, vous ne faites que jouer avec la vitesse d'obturation. Juste un peu de connaissances sur la raison pour laquelle j'ai choisi un reflex numérique. En général, dans l'art et la photographie, tant que vous savez comment capturer une bonne image, vous pouvez créer une belle image, période. Point vide. Peu importe l'équipement que vous avez ou que vous n'avez pas. La raison pour laquelle je vais avec le DSRL est une, c'est une norme professionnelle, mais deux, parce que j'aime le contrôle. Lorsque vous utilisez un DSRL contre, disons, un iPhone ou un point-and-shoot, vous êtes très limité dans la façon dont vous pouvez manipuler ce qui se passe dans le corps de l'appareil photo pour créer cette image, contrôler la lumière, l'obturateur vitesse, l'ouverture, l'ISO. Toutes ces choses sont limitées à certaines caméras qui sont en dessous d'un certain niveau de rémunération si vous voulez. Mais vous pouvez certainement obtenir des photos d'un point-and-shoot si c'est votre objectif. 5. Tendances et lumière: On va prendre quelques photos dans ce merveilleux appartement du Lower East Side. J' ai une belle mannequin, Christina, qui est prête à être le cochon d'Inde aujourd'hui. Je vais juste passer en revue quelques choses que j'aime faire pour me préparer à chaque tournage. L' une des composantes clés du portrait dramatique est la création dramatique non seulement en peignant avec la lumière, mais aussi en travaillant avec l'expression du modèle. Par dramatique, je ne veux pas dire qu'il doit être extrêmement morose, émotionnel, triste, ou heureux. Il peut s'agir de toutes sortes de choses. Il s'agit juste de transmettre une idée dans une image et dans une expression, tout dans une photo percutante. Donc, l'une des raisons pour lesquelles je veux mesurer la lumière avant de commencer à tourner est parce que j'ai tendance à préférer la lumière à une atténuation nette, des images à contraste élevé. Donc, j'aime les points forts qui tombent dans les ténèbres, et parce que j'étais une sorte de gamin artistique emo, ça finira par être cool, le résultat final. Quand je marche dans n'importe quelle scène ou même quand je planifie n'importe quel tournage, j'aime penser à quels types de lumière seront disponibles pour moi. Aujourd'hui, nous avons décidé de photographier complètement la lumière ambiante, et par la lumière ambiante je veux dire, lumière naturelle qui vient de la source que nous appelons le Soleil. Il y a aussi l'idée de la lumière disponible, y compris la lumière artificielle, donc si vous avez des lumières allumées dans l'appartement, une lampe, quelque chose comme ça serait une sorte de lumière artificielle mais disponible. Ensuite, si vous apportez des stroboscopes ou des clignotants avec vous, ce sera votre lumière artificielle, votre lumière de studio stroboscopique. Donc, aujourd'hui, nous allons utiliser toute la lumière ambiante. Donc, je dois vraiment manipuler ce qui passe par la fenêtre, ce qui vient de la lumière des autres pièces, et travailler avec ça. Donc, je fais beaucoup de travail en studio et certains sur place aussi. Vous pouvez utiliser le flash sur la caméra, vous pouvez utiliser le flash hors caméra, tous ces différents flashs sont là pour vous aider à apporter de la lumière et du mode à la scène. Je suis rarement, je n' utilise presque jamais le flash sur la caméra parce que je pense que c'est un peu trop dur, et je vais entrer dans ce qui est la différence entre les lumières douces et sévères aussi. Je n'utilise jamais le flash sur la caméra, mais si vous utilisez des strobes de studio ou quelque chose comme ça, vous avez certainement la possibilité d'utiliser le compteur et de créer et peindre de la lumière sur votre sujet, et peut-être que nous économiserons pour une autre classe. En termes de lumière dure et douce, comme je l'ai dit, j'aime créer une chute très forte et c'est que vous pouvez le faire avec une lumière dure, vous pouvez le faire avec une lumière douce, tout dépend de vos ratios de lumière. Ce que nous allons faire aujourd'hui, c'est que nous allons utiliser ce que je considérerais comme une lumière douce. Nous avons une grande fenêtre et la lumière dure et douce est tout par rapport à la taille de la source de lumière par rapport à la taille du modèle et aussi à la distance. C' est beaucoup de maths et trop de réflexion, alors nous allons garder ça très facile. On a une grande fenêtre ici. Donc, il y a beaucoup de lumière qui arrive, et le modèle, en perspective, est plus petit que la fenêtre. Donc, ça va créer une lumière douce qui la frappe et la baigne de lumière d'un côté de son visage, et puis parce qu'il n'y a pas une tonne de lumière qui pénètre et parce qu'elle est si proche de la lumière elle-même, c'est va tomber dramatiquement une fois qu'il grace le côté de sa tête. Donc, cela va créer une lumière douce mais une lumière très dramatique où nous avons une transition de la lumière à l'obscurité très rapidement. Donc, nous sommes sur le point de prendre quelques photos, mais pour me préparer pour les photos, je veux m'assurer d'avoir une bonne compréhension de la façon dont elles vont sortir avant même que je ne le tourne. Une des choses que je fais pour me préparer à chaque tir est que j'aimerais rencontrer la lumière et avoir une bonne idée de la façon dont nous pouvons créer du drame avec le mannequin. Donc, j'ai mon compteur de lumière Sekonic L4-7 ADR. Ses gros trucs de leage que vous pourriez utiliser n'importe quel type de lumière, même obtenu un écran tactile. Donc, ce que vous voulez faire est que vous voulez avoir une idée de la façon dont la lumière frappe, ou vous voyez que nous avons une belle lumière de fenêtre qui vient juste brouter le côté de son visage sur un peu de ses vêtements, et nous avons de l'ombre de l'autre côté que nous appelons l'atténuation de la lumière. Donc, afin d'avoir une idée de ce que cela va ressembler à la caméra, nous voulons mesurer la lumière. Donc, ce que je fais généralement, c'est que je sors le compteur de lumière et la plupart d'entre vous seront déjà familiers avec les différents composants de l'exposition, à savoir l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO. Donc, ce que je veux faire, c'est que je veux utiliser un mode où je peux définir les choses que je sais déjà que je vais utiliser. Je sais déjà que je veux tirer Christina avec une ouverture très ouverte de 2.8. Donc, tout ce que j'ai à faire, c'est changer la lecture du compteur, c'est assez sombre ici, donc nous allons tourner une ISO assez élevée, ouvrir cette sensibilité, obtenir un peu de grain de film si vous voulez. Donc, je bosse jusqu'à 1250, et ensuite je vais utiliser ce lumisphère pour mesurer la lumière qui frappe son visage. Donc, ce que je veux d'abord faire est de mesurer la lumière qui vient de la fenêtre, puis de mesurer la lumière du côté qui ne reçoit aucune lumière, puis de la tirer sous l'angle que je vais prendre la photo. Donc, j'ai mis ça sur son visage juste sous le menton, et le compteur, et on a 1 plus de 200, ce qui devrait être la vitesse d'obturation sur son côté gauche. Et puis sur le côté droit, nous avons une chute assez drastique, nous avons 1 sur 15. Donc, ce qui me dit maintenant, c'est que là où la lumière va entrer, elle va être mise en évidence, puis du côté de l'atténuation, il va faire vraiment sombre. Donc, ça crée déjà un petit drame avec la lumière, et vous pouvez jouer avec ça en tournant la tête vers la lumière, ajustant différentes choses dans la pièce juste pour l'ouvrir. Donc, j'ai l'intention de prendre quelques photos de ce coin et je pourrais me déplacer un peu, mais d'abord, on va dire, je commence par ici donc je vais la mesurer là où je vais tirer, et on a 1 plus de 80. Donc, je sais que je vais devoir tenir ce truc vraiment immobile, et je vais filmer sous cet angle et c'est la vitesse d'obturation que je dois verrouiller dans la caméra. D' accord, donc j'ai mesuré les deux côtés de ton visage. Alors maintenant, j'ai une idée de la façon dont la lumière va entrer. Encore une fois, les compteurs de lumière, cela va vous donner une bonne idée et une bonne indication de l'endroit où vous devez être, mais vous pouvez toujours faire confiance à votre jugement en regardant votre ordinateur où vous capturez les images ou en regardant le arrière de votre écran si vous ne faites que filmer directement sur une carte mémoire. Donc, je vais prendre la prochaine mesure de la direction de l'endroit où je vais tenir la caméra, qui va être à ma droite, ce qui serait... donc le compteur est à 1 sur 80. Donc je sais, juste une directive générale, je sais que pour avoir la bonne exposition, je vais devoir tirer à une ouverture de 2,8, une 1250 ISO, et une vitesse d'obturation de 1 sur 80. Donc, c'est juste ma ligne directrice générale, et encore une fois, vous pouvez changer les composants, vous pouvez essayer et l'erreur pour obtenir la bonne exposition. Maintenant, que nous avons une sorte de compréhension générale de notre source de lumière et de la façon dont nous voulons tirer cela, surtout de la façon dont je veux la photographier, la prochaine chose est de préparer le modèle. Il y a toutes sortes de façons de photographier vos sujets qui peuvent la rendre plus flatteuse , plus dramatique, etc. Aujourd'hui, je veux en fait juste se concentrer sur la façon de créer prendre une expression et se concentrer sur cela, puis obtenir un tas de plans en utilisant différentes compositions cadrage différents. 6. Vitesse d'obturation et photos d'essai: Donc, aujourd'hui, nous allons nous concentrer sur une émotion, faute d'un meilleur mot appelé détaché. Nous avons un beau modèle qui a une merveilleuse gamme d'expressions. Elle a ce genre de malaise parisienne pour elle, alors on va essayer de profiter de cet avantage et de travailler avec elle. Alors, je vais le dire à Christina, lui donner un peu de direction et ensuite on va prendre quelques coups de feu. Christina, je sais que c'est une très belle journée et tu ne veux pas être triste et emo, mais essayons de le faire. D' accord. Essayons de projeter les yeux creux, cool mauvais cul, mais pas trop se soucier, vérifié un peu et le travailler à partir de là. D' accord. Donc, de toute façon aujourd'hui, donc j'ai déjà discuté de l'émotion et l' expression avec le modèle et avant de prendre quelques photos de test, je veux juste expliquer. Aujourd'hui, je vais filmer sur un ordinateur portable, dans un programme de capture. Donc, je vais capturer numériquement toutes les images que je photographie dans un ordinateur et de cette façon je peux obtenir une grande image et ajuster sur place. Le programme de capture que j'utilise aujourd'hui est l'une des normes professionnelles appelées Capture One. Vous pouvez également utiliser le merveilleux programme Lightroom ainsi. Les deux font à peu près la même chose et présentent de beaux résultats, et vous permettent de voir très facilement ce que vous faites pendant que vous filmez. Donc, si vous n'avez pas de compteur de lumière, je veux juste parcourir quelques rudiments de ce à quoi je pense avant de prendre la photo avec notre magnifique modèle. Encore une fois, il y a trois choses différentes que vous voulez penser, vitesse d'obturation, l'ouverture et l'ISO. La vitesse d'obturation va contrôler la vitesse à laquelle l'obturateur clique, qui est l'appareil qui laisse la lumière entrer dans la caméra. Donc, je sais que nous sommes dans un espace où la lumière continue fluctuer, mais c'est un peu plus sombre. Donc, je veux tirer un peu ouvert ou plus lentement, si vous voulez, pour laisser entrer plus de lumière mais je veux aussi tirer assez vite que je ne reçois pas un flou quand je tiens la caméra. Donc, je pense que je vais filmer un sur 160, ce qui est assez rapide pour qu'un objet fixe ne soit pas floue mais aussi assez de lumière dans l'appareil photo que nous avons réellement une photo à prendre. L' autre chose, c'est l'ouverture. ouverture est le trou dans lequel la lumière entre, sorte qu'elle s'ouvre et se ferme. Lorsque nous avons une grande ouverture, ce qui signifie que le nombre est vraiment faible, nous pouvons créer le flou dans notre appareil photo et nous pouvons également laisser entrer plus de lumière. Au contraire, lorsque nous avons une ouverture très faible ou un nombre élevé, nous pouvons obtenir plus de choses en focus, mais pour ce faire, nous devons aussi ouvrir l'obturateur encore plus lentement, afin que nous puissions laisser plus de lumière entrer. La dernière chose, c'est l'ISO. Avec l'ISO ou l'ISO, vous voulez y penser en termes de deux choses, la quantité de lumière qui vient dans l'appareil photo, ainsi que la qualité de l'image. Parce que lorsque vous augmentez l'ISO, en fonction de la caméra que vous utilisez, si vous avez une caméra de niveau consommateur et que vous passez au-dessus de dire 400 ou 800 ISO, vous obtiendrez beaucoup plus de grain dans l'image. Si vous utilisez un modèle plus professionnel et que vous photographiez 1600 ou 3200, vous pourriez avoir une image qui a du grain mais c'est très agréable et de bonne qualité. La raison pour laquelle j'utiliserais une ISO plus élevée dans n'importe quelle image est parce qu'elle me permet de tirer plus rapidement et avec moins de lumière. C' est une situation de faible luminosité. Donc, si j'ai un ISO plus élevé, je peux quand même filmer rapidement et avoir assez de lumière dans la caméra à cause de cette sensibilité à la lumière. Quand je photographie une image ISO basse, c'est parce que j'ai assez de lumière et aussi parce que je veux garder le grain hors du film ou hors du résultat final. Gardez juste à l'esprit lorsque vous photographiez avec des ISOs plus élevés, peu importe quoi, vous obtiendrez toujours un peu plus de grain dans l'image ou ce que les gens appellent du bruit. La prochaine chose la plus importante, outre votre vitesse d'obturation, votre ouverture, votre ISO, est certainement l'accent mis sur le modèle. Vous pouvez créer différents types de points focaux en changeant simplement votre angle ou votre composition. Aujourd'hui, parce que nous avons un modèle merveilleux, je veux m'assurer que son visage est au centre et j'ai le choix de faire même l'arrière-plan et les choses autour d'elle en focus, ou ce que je peux faire, c'est que je peux me concentrer sur une partie du modèle et ensuite brouille le reste. La façon dont nous réalisons ces différents types d' effets est que nous pouvons changer l'ouverture de la caméra. Donc, si nous tournons une ouverture inférieure ou excusez-moi, une ouverture supérieure, ce qui signifie un nombre inférieur, je sais que c'est un peu déroutant, nous pouvons créer un flou sur tout ce qui est en dehors du point focal. Donc, si je pointe ma lentille et me concentre sur ses yeux et que j'utilise une ouverture 2,8 qui est une grande ouverture, ce qui sera mis au point ce sont ses yeux et tout ce qui se trouve sur ce plan focal, puis à l'extérieur, tout tombera dans un flou. quelque chose est loin du point focal, plus il sera flou. Cependant, si je veux utiliser une partie de cette texture riche en arrière-plan, capturer certaines des plantes mises au point, et avoir une image généralement mise au point, ce que je peux faire est d'avoir une ouverture inférieure qui est un nombre plus élevé, et il mettra tout en lumière d'un plan focal tout au long de la route. Donc, prenons toute l'aide supplémentaire, pas de lumière, pas d'ordinateur. Ce que vous voulez faire comme vous voulez vous concentrer sur votre sujet à travers la caméra. Ce qu'il y a dans chaque appareil photo, c'est un compteur d'exposition qui vous indique combien de lumière rebondit de votre sujet dans la caméra. Donc, ce que vous allez faire, c'est que vous allez pointer la caméra sur votre sujet, appuyez à moitié sur le bouton, le bouton de l'obturateur et puis il y aura un compteur qui vous dira si vous avez besoin d' augmenter ou diminuez la quantité de lumière qui pénètre dans l'appareil photo. C' est ainsi que vous allez avoir une idée quantité de lumière dont vous avez besoin pour capturer l'image parfaitement exposée. Donc, ce que je vais faire, juste très vite pour vous montrer qu'un test est sans compteur de lumière ou quoi que ce soit, c'est que je vais pointer le sujet, je vais me concentrer sur nos yeux et il semble que nous avons une bonne exposition à 2,8 ouverture, une vitesse d'obturation supérieure à 125 et une ISO de 1250. Donc, cela me donnerait généralement une image décente, mais ce ne sera pas parfait. Donc, ce que vous allez faire après cela, après avoir fait un test, c'est que vous allez faire des essais et des erreurs, augmenter la vitesse d'obturation, la diminuer. Si vous n'êtes pas satisfait de l'ouverture, vous pouvez ajuster cela et ensuite l'ISO, je laisse habituellement seul. D' accord. Donc, je vais commencer à faire des tests. Le premier test que je vais faire sera avec une carte grise, ce qui me permettra de calibrer la balance des couleurs après l'effet. Donc, je vais juste prendre une photo, le modèle va le tenir sous son menton, ça va juste définir une mesure de base et ensuite on va commencer à faire quelques tests. Eh bien, souriez, allez, voilà. Cool. Donc, nous définissons la ligne de base avec ces cartes de couleur. Encore une fois, vous pouvez utiliser une carte grise, une carte blanche, carte noire et cela me permet juste une place sur mon ordinateur plus tard lorsque je retouche pour définir la balance des couleurs pour cette gamme d'images que je viens de photographier. Pointez vos yeux sur la lentille. Puis penchez-vous vers la fenêtre, puis regardez-moi en arrière. D' accord. Comme vous l'avez vu, j'ai fait quelques tests. La raison pour laquelle je la déplace et joue avec les directions que son visage pointe et ses yeux pointent , c'est parce que j' essaie de gérer la lumière qui vient de la fenêtre. Donc, fondamentalement, je veux viser au moins trois quarts à la moitié de son visage attraper un peu de lumière et ensuite le reste d'elle attraper l'ombre, afin que nous puissions créer ce contraste naturellement. Donc, on l'a sur le bras de la chaise pour s'approcher un peu de la fenêtre. Nous avons joué autour de tourner la tête vers la fenêtre et aussi regarder loin, sorte que plus de son visage est dans l'ombre. J' ai joué avec elle en regardant par la fenêtre, regardant directement la caméra pour un peu plus d'effets. Je ne sais même pas si l'impact est le mot, mais peu importe et juste jouer un peu avec ses mouvements corporels et des choses comme ça. L' idée est de créer du drame non seulement en utilisant son langage corporel, son expression, ses yeux, mais aussi en peignant la lumière dans la scène. Je compose aussi avec différents angles, donc je fais des clichés serrés, verticaux, horizontaux. Je tourne, je laisse un peu d'espace pour ses yeux, donc elle regarde dans une direction, je lui donne un peu d'espace dans la caméra et j'essaie aussi de capturer un peu de texture derrière elle. Toutes ces choses différentes, nous essayons juste de faire pour arriver à l'image parfaite, si vous voulez. Donc, quand je fais les tests, c' est généralement juste de se faire une idée de l'endroit où nous en sommes, non seulement en termes de lumière, mais aussi de préparer le modèle à jouer son rôle. Tu sais quoi ? Plus souvent qu'autrement, les prises de test se transforment simplement en prise de vue directe et nous pouvons obtenir un bon produit une fois que nous avons compris notre situation d'éclairage, comment la scène va ressembler. 7. Exposition et séance photo briques: Penser à l'exposition, ce qui est une sorte de ce dont nous avons besoin pour créer un grand coup. En plus de toutes les entrées comme le modèle et tel et les vêtements. En pensant à l'exposition, il y a tous les types d'exposition, sous exposition, surexposition, et puis il y a cette exposition parfaite. La façon dont j'aime y penser est que c'est de l'art, et tout est subjectif. n'y a pas nécessairement une mauvaise réponse ou une bonne réponse, mais techniquement, il y a de meilleures réponses que non. Donc, quand je tourne Kristina, et que j'ai dit beaucoup d'ombre sur son visage, l'image est sombre dans l'ensemble, est ce que nous appelons sous exposition, sous exposition signifiant pas assez de lumière dans la scène. Quand vous sous-exposez cette image, vous obtenez des ombres plus dures, des ombres plus sombres, vous commencez à perdre des détails dans les zones qui ne sont pas frappées par la lumière, et vous obtenez comme une image plate particulièrement comme dans les tons moyens et par les tons moyens, je veux dire la peau et les parties de couleur de gamme moyenne de l'image. Donc, vous avez sous exposition, puis il y a surexposition. surexposition est quand vous laissez entrer beaucoup trop de lumière. Là où la lumière frappe votre visage, vous soufflez la peau, vous perdez des détails dans toutes les zones éclairées de la photo, et il finit par être un peu plus dur, ce qui est trop, et vous pouvez dire que dès que vous le voyez. Le problème avec la sous-exposition et la surexposition est que vous perdez des détails dans l'image, ce soit dans l'ombre, ou dans les reflets, et ce n'est jamais une bonne chose. Vous voulez capturer autant de détails, tout en capturant aussi beaucoup de contraste, et c'est pourquoi viser une exposition parfaite est l'objectif des photographes. Donc, ce que j'appellerais l'exposition parfaite d'une manière objective, c'est un équilibre de vos points forts , des tons moyens dans vos ombres. Donc, là où la lumière frappe le modèle, où dans les faits saillants, vous voulez que ce soit bien éclairé mais aussi beaucoup de détails capturés. Là où la lumière ne touche pas le sujet, c'est-à-dire les ombres, vous voulez avoir un peu d'obscurité riche, mais vous voulez toujours capturer le détail de la peau, les vêtements, tout ce qui est inclus dans cette zone d'ombre. Dans les tons moyens, vous voulez une image réaliste de l'apparence des tons de peau, l' apparence des vêtements, juste tout ce qui est dans ce milieu de gamme, et quand vous combinez tout cela et tout est en équilibre, vous avez un grand exposition. Si vous êtes nouveau en photographie, je vais faire quelques choses mal exprès, juste pour que nous puissions tous avoir une idée de ce que cela pourrait ressembler. Je suis un grand fan d'essayer beaucoup de bêtises juste apprendre de tes erreurs, et de sortir tout ça du chemin quand tu es jeune et c'est amusant de jouer. Donc, ce que je vais faire, c'est que je vais voir une image sous-exposée et une image surexposée, et je vais aussi vous dire une façon cool de tout faire à la fois. Donc, d'abord laissez-moi prendre quelques photos, et nous vous montrerons plus tard quand nous parlerons de modifier vos photos, quoi elles ressemblent et ensuite je prendrai une image parfaite, puis je vous montrerai un petit conseil aussi. Cool, donc j'ai pris trois photos. Un qui est comme super sombre, un qui est vraiment brillant, puis un qui est au milieu, et j'espère une bonne photo, nous verrons. Donc, un petit truc cool si vous voulez juste jouer avec différents niveaux d'exposition et voir à quoi il ressemble en général, est que vous pouvez aller à l'arrière de votre appareil photo et cela changera si vous êtes sur un Nikon et Canon et en fonction de la caméra, vous avez des paramètres de menu différents, mais c'est généralement appelé la même chose. Donc, il y a une fonctionnalité de menu appelée compensation de l'exposition, et bracketing d'exposition automatique. Vous pouvez y aller, cliquez dessus et il vous montrera plus lumineux et plus sombre à grande échelle. Ce que l'exposition automatique bracketing fait, c' est qu'il vous permet de prendre trois images, ou en fonction de ce que votre appareil photo définit sur plusieurs images un niveau d'exposition différent, le tout à la fois. Donc tu dois juste tenir l'obturateur et tu as trois images boum, boum , boum. C'était trois ? Quoi qu'il en soit, pour configurer cela, après avoir été dans le menu, ce que vous allez faire, c'est que vous allez prendre votre volant, et tournez simplement à droite ou à gauche, ce qui augmentera la distance d'un différentiel d'exposition, et vous pouvez choisir un arrêt, deux arrêts, trois arrêts. Ne vous inquiétez pas de ce qui m'arrête, mais je dis juste plus lumineux, sombre, et que cela soit plus large ou plus petit. Donc, je vais choisir un différentiel d'un arrêt à part. Donc, une image sera prise à une valeur d'exposition négative qui est parfaite, et positive, ce qui signifie trop lumineuse. Ensuite, cliquez sur OK, et puis je peux faire un test, où je regarde juste le modèle. Je vais juste tenir le bouton, je vais cliquer sur le bouton trois fois très près ensemble. Vous entendez trois prises de vue, et cela apparaîtra automatiquement sur votre écran à l'arrière de la caméra. Trois images qui sont trois lectures d'exposition différentes, et qui vous permet une certaine marge de manœuvre pour jouer avec la façon dont vous filmez. Donc, quand j'ai pris ces trois tests, j'ai tout fait manuellement, pour te montrer sous et surexposition. J' ai gardé mon ISO stable à 1250, j'ai gardé mon avatar à 2,8, puis j'ai changé une vitesse d'obturation pour le rendre plus rapide et plus lent. Donc, j'ai tourné l'image parfaitement exposée à un plus de 160, ou à un plus de 200. J' ai tourné l'image surexposée à un sur 40, puis j'ai tourné la photo vraiment sombre à un sur 640. Donc, vous avez trois extrêmes, et la raison pour laquelle je vous ai montré ce bracketing d'exposition automobile, c'est que vous pouvez faire tout ça sans même avoir à réfléchir manuellement. Donc, vous configurez le support d'exposition, puis vous avez juste à cliquer sur le bouton et c'est vraiment si simple, et c'est vraiment un moyen de raccourci pour jouer et apprendre avec l'exposition. Juste pour dire pourquoi on fait tout ça, je connais beaucoup de gens quand ils apprennent la photographie, je sais que je l'ai fait parce que j'ai regardé les cours avant et le passé, c'est que tu ne veux pas t'accrocher aux chiffres que j'utilise, parce que chaque scène est différente, chaque situation est différente. Donc, vous avez juste besoin de garder à l'esprit ce que nous faisons et les concepts de niveau supérieur. Abaissez ce genou juste un peu, ça, oui. Vas-y, le cou droit vers le haut, puis ouvre la bouche un peu, ouais. Donne-moi la tête vers la gauche, comme si tu regardais le coin, oui. Cool. Descends à nouveau sur le canapé, puis regarde dans cette direction. Oui. Amenez vos pieds plus loin de cette façon, comme toboggan, oui. Le fond, la moitié de votre corps et maintenant faire, maintenant se pencher sur. Oui. Ramenez votre main juste un peu sur votre front pour que je puisse le faire. Oui. Regarde la caméra. Attends, pour un autre. Encore un. 8. Séance photos miroirs: Donc, comme vous l'avez remarqué, nous avons changé d'endroit. On est dans une chambre, un drame naturel. J' ai aussi fait changer le modèle en un haut blanc. Ne vous attardez pas là-dessus, mais si vous tirez sur quelqu'un qui porte du blanc, vous devez juste savoir que le blanc reflète le plus de lumière, le noir le moins. Donc, quand vous tirez et que vous vous rencontrez pour avoir cette grande exposition sur son visage et sur sa peau, vous allez probablement gâcher l'exposition sur sa chemise. La grande chose à propos de la retouche et tout le logiciel de post-production est que vous pouvez ramener une partie du détail dans une chemise blanche si vous le tournez un peu trop lumineux. Alors, ne te raccroche pas dessus. Tout est bon. Vous remarquerez dans cette scène nous n'avons pas la texture riche de la brique que que nous avions dans la dernière scène. Nous avons du bois intéressant avec une coloration claire et quelques détails, et nous avons un miroir qui est un peu sale que j'aime. Donc, nous allons essayer de jouer avec les différents composants à l'arrière. Vous remarquez aussi, parce que nous avons moins de texture et des choses moins intéressantes dans la pièce, je vais probablement prendre des photos beaucoup plus serrées et me concentrer principalement sur son visage et son haut corps pour obtenir un tir plus impactant. Comme je l'ai dit, la chemise blanche. Dans l'autre pièce, nous avions un mur de brique moins de surfaces blanches, donc nous avions une lumière de fenêtre qui brillait directement sur le modèle. Dans cette pièce, et vous ne pouvez pas le voir, mais nous avons deux lumières de fenêtre qui sont assez grandes, rectangulaires qui arrivent et la peignent avec de la lumière des deux côtés. Donc, nous avons une lumière qui frappe le côté gauche de son visage et l'autre lumière agit comme un peu de remplissage, donc vous avez une situation d'éclairage plus uniforme. En outre, il est très doux et doux. On peut encore le rendre dramatique en travaillant avec son langage corporel, son expression, et aussi en tirant un peu moins exposé que dans l'autre pièce. Une autre chose que vous remarquerez ou pourriez être en mesure remarquer est que lorsque nous avons les portes marron, nous avons des murs blancs à quatre côtés. Donc, la lumière va entrer dans la pièce et à peu près rebondir tout autour, donc c'est pourquoi vous obtenez une lumière plus uniforme. Ce bois sera intéressant parce qu'il fait un peu plus chaud, donc il réfléchira, quand nous avons parlé de l'équilibre des couleurs plus tôt, il reflétera une partie de la chaleur du bois dans la peau du modèle, en particulier sur les côtés de son visage qui sont exposé au bois. Donc, ça devrait être un coup intéressant. Tournez la tête plus comme ça. Juste par là ? Non. Fais-le encore, mais regarde plus à toi, ouais. Donc, je tourne sa tête loin de la fenêtre pour qu' on puisse encore créer l'ombre sur le dos de son visage. Donne-moi tes yeux. Cool. Penchez-vous contre la porte. Donc, nous avons un miroir dans cette pièce, et c'est toujours amusant de jouer avec ce genre d'éléments dans la pièce aussi parce que ça rend les choses plus intéressantes. Encore une fois, nous avons plus d'une configuration de base. Ainsi, plus vous pouvez ajouter d'intérêt à la photo, plus les gens seront réceptifs à l'image. Regarde dans ce miroir pour moi. Oui, parfait. La seule chose que vous devez vous rappeler à propos des miroirs est que vous voulez ne pas être dans eux parce que c'est une douleur dans le cul de Photoshop vous-même dehors. Vous remarquez aussi que je prends beaucoup plus de photos verticales que horizontales parce que je veux qu'il soit plus serré, il y a moins d'arrière-plan à montrer. La verticale coupe littéralement la majeure partie de l'environnement parce que vous avez juste un peu d'espace pour capturer le modèle. Dans l'autre pièce, nous avons cette grande brique ouverte. Donc, je voulais capturer la texture, la direction qu'elle cherchait. Dans celui-ci, je suis plus préoccupé par l'expression qu'elle donne et par cette zone étroite entre elle et le miroir. Oui. Enterrez tout votre menton. Oui, parfait. Retourne une fois de plus et donne-moi un peu de tes yeux. Parfait. Je n'ai pas compté dans cette pièce, ce qui est cool. Donc, vous savez tout de suite, vous n'avez pas besoin d'un mètre pour faire tout ça. Vous avez juste besoin de pouvoir vérifier au dos de votre écran et comprendre ce qui se passe dans la scène. Encore une fois, dans quelques normes de déviation en raison de la technologie numérique, vous pouvez revenir à ce dont vous avez besoin pour avoir une exposition parfaite après le fait, aussi. Alors, ne te raccroche pas à tous les chiffres et tout ça. Je donne beaucoup de direction à Christina. Heureusement, je n'ai pas à lui donner beaucoup parce qu'elle est déjà douée dans ce genre de choses. C' est cette vie de blogueur. Il plaisante. Donc, ce que je veux sortir de n'importe quel modèle que vous filmez, qu'ils soient raides comme une planche ou très émotive et fluide, c'est que vous voulez leur faire transmettre le message que vous essayez de tirer. Encore une fois, nous allons aujourd'hui pour détaché et plus emo. Donc, elle me donne les yeux morts et une gamme de formes avec son corps qui transmettent non seulement la forme des vêtements, l'idée de l'émotion, tout ce genre de choses. Donc, juste obtenir un modèle pour être fluide, c'est comme la moitié de la bataille, et une fois que vous les aurez là, alors vous pouvez en quelque sorte modifier pour donner l'émotion que vous essayez d'obtenir d'elle. Une chose que je vais ajouter. Si c'était plutôt un tournage de mode, si vous aimez tirer des vêtements et des choses comme ça, selon ce qu'elle porte, vous voulez obtenir le modèle pour façonner son corps d'une manière qui n'est pas seulement flatteur pour le mais flatteur pour elle, mais montre également le mouvement et montre la structure dans les vêtements parce qu'il rend juste une image de mode plus belle quand vous pouvez mettre en évidence ces choses. Pour cela, tout est littéralement langage corporel et les vêtements sont secondaires, bien que, utiles et gratuits. Une autre chose que je n'ai pas mentionnée, mais vaut la peine de mentionner, sur beaucoup de tournages, surtout plus vous devenez professionnel, vous avez toujours une équipe autour de vous. Donc, coiffeur, maquilleur, et styliste de vêtements. Donc, nous n'avons rien de tout ça ici parce que nous sommes comme un petit budget et j'aime ça comme ça. Mais selon votre modèle, elle pourrait avoir une peau propre. C' est toujours bon d'avoir comme une base de fondation. Donc, dans chaque coup, je cherche à donner l'image la plus flatteuse pour elle et aussi montrer le plus d'émotion qui donne au thème. Quoi qu'il en soit, heureusement, elle est magnifique, a une peau assez propre. Donc, je ne m'inquiète pas trop pour le maquillage. Ses cheveux fonctionnent parfaitement avec le thème, donc je n'ai pas vraiment à m'inquiéter à ce sujet. Ensuite, pour les vêtements, parce que nous sommes un peu secondaires et que nous allons avec plus de l'idée des vêtements plutôt que comme une réflexion précise sur les vêtements, alors il est bon qu'ils soient un peu ridés. Si je tourne la mode ou quelque chose comme ça, j'aime que tout soit bien cuit à la vapeur. Tout doit être parfait. Mais quand vous pouvez vous en sortir avec ne pas avoir une image parfaite, je pense que cela rend plus réel pour les gens. J' aime l'imperfection de, je veux dire, la perfection de l'imperfection. Donc, cela fonctionne parfaitement. Mais c'est toutes ces choses que vous voulez garder les yeux, les rides, les cheveux, le maquillage, assurez-vous juste de créer une image flatteuse. Disons que vous avez un tournage que la production minimale, il ya quelques conseils et astuces que j'aime aller avec qui peuvent vous aider à passer à travers le tournage. Donc, si vous avez un modèle qui n'a pas la peau la plus flatteuse, et c'est normal, je veux dire, tout le monde n'a pas une peau parfaite, ce que vous pouvez faire est de vous concentrer moins sur le genre de photos vraiment serrées. et reculez. Plus tôt, nous avons parlé d'utiliser différentes vitesses d'ouverture pour créer comme un plan focal où une chose est mise au point et tout tombe en flou, qui fera des merveilles pour la peau. Parce que vous ne vous concentrerez pas tellement sur la texture de la mauvaise peau, vous êtes plus tellement capturer la netteté des yeux et tout le reste tombera hors de la concentration. Donc, si vous tirez comme 2.8 à 5.6, ce qui signifie essentiellement des ouvertures plus élevées. Vous serez en mesure de brouiller une partie de la mauvaise texture de la peau, et cela vous aidera également. Donc, reculer et utiliser votre ouverture à votre avantage. Pour les cheveux, la plupart des filles savent comment faire leurs cheveux. La plupart des gars savent au moins comment faire un semblant de bons cheveux. Ainsi, vous pouvez toujours avoir votre modèle de travail avec elle ou vous pouvez avoir un ami sur le plateau qui peut aider votre modèle à mettre sur une couche de base, couche de fondation, ajouter un peu de couleur aux sourcils, lèvres, quoi que ce soit, et puis les cheveux aussi la même chose. La seule chose à propos des cheveux, une fois que vous avez une idée de ce à quoi les cheveux devraient ressembler, vous êtes presque 100 % du chemin là-bas. Mais le dernier 10 pour cent, parce que retoucher les cheveux est si difficile, quand vous filmez votre mannequin, assurez-vous juste s'il ou elle mèche avec les cheveux, bouge trop, et vous avez l'impression que vous obtenez beaucoup de poils errants qui vont partout l'endroit ou sont comme une grosse touffe de cheveux n'est pas dans un endroit que vous voulez, il est préférable de le fixer à l'avance que de le réparer après. Il y a des gens qui sont payés beaucoup d'argent juste pour retoucher les cheveux parce que c'est si difficile à faire. Donc, essayez d'obtenir la plupart des choses que vous voulez juste dans l'image ou avant que la photo ne soit prise, donc vous avez moins à faire après le fait. Disons que je regarde la scène pour la première fois, même en prenant quelques coups de feu. Nous avons un peu d'une chemise froissée, un peu délavée, parfaite pour le thème. Ses cheveux sont déjà superbes. Je lui demande si tu peux taper juste le dos, juste une solution. Il suffit de réparer tout ce qui a l'air fou ou hors de place, la peau a l'air super. Ce qu'on va faire, c'est essayer d'obtenir beaucoup de son visage et de la lumière. Nous avons une lumière douce qui rendra la peau très uniforme et agréable. Toutes les imperfections que vous n'aimez pas ou tous les tatouages que vous n'aimez pas, vous pouvez toujours enlever après coup. Dans la mode, nous essayons toujours d'obtenir une image très parfaite presque au point où elle est irréaliste. Mais chaque fois que je fais des projets personnels, que je tire des amis ou que je m'amuse, j'aime vraiment, vraiment, vraiment la perfection de l'imperfection où on obtient une vraie image. C' est très flatteur, mais ce n'est pas parfait. Il y a des imperfections, des petites choses qui sont hors de propos. Tout ce genre de choses le rend plus intéressant et plus réel. Tu peux vraiment lever les genoux. Non, comme les embrasser. Ouais, ouais, exactement. Exactement. Parfait. Enterrez le menton et donnez-moi vos yeux. Suivez mon doigt avec vos yeux. Apportez votre menton dans les genoux. Maintenant, venez juste un peu. Redressez votre tête, redressez votre tête. Donc, tu es comme une ligne droite. Descendez dans les genoux. Toujours, c'est si difficile pour moi. Je suis genre, « Quoi ? » Je sais, concentrez-vous. D'accord. Maintenant, regardez un peu, gardez le menton dans les genoux. Parfait, juste comme ça. Maintenant, suivez mon doigt. Juste là, ne bouge pas. La lentille est abaissée. Gardez vos yeux où je les avais. Je veux juste m'assurer qu'on aura ton iris et moins de blanc, pendant une seconde. La chose folle de la lumière du jour, c'est que parfois elle vient et va, donc il fait un peu sombre en ce moment. Mais nous allons travailler avec elle en positionnant son corps plus vers la lumière pour obtenir tout ce qu'on peut sur son visage. Alors, tournez votre corps comme ça un peu, diagonale. Cool. Ce que vous entendez, je ne sais pas si vous entendez le bip, mais ce que je fais chaque fois que je prends une photo, c'est que j'ai appuyé sur le déclencheur qui permet l'objectif, l'autofocus, et puis je recompose l'image, ce qui signifie que je déplace l'objectif à l'endroit où je veux prendre la photo, puis j'appuie sur le bouton pour prendre la photo réelle. Ainsi, vous pouvez choisir votre point focal, repositionner l'appareil photo, puis prendre la photo. C' est pour ça que vous entendez d'abord le bip, puis le tir, le son de l'obturateur. Je tourne aussi deux photos chaque fois que j'en prends un parce que je tourne une vitesse d'obturation très lente, ce qui signifie que si elle bouge même un peu ou si je bouge un peu pendant que je tiens la caméra, je pourrais sortir de focus shot. C' est la dernière chose que je veux vraiment, c'est de ne pas avoir les yeux pointus. J' aime ça, mais fais tomber ça. Fais-le encore là où tu es un peu de croix. Non, un en haut et un en bas. Oui. Ne bouge pas, ferme les yeux. Génial. 9. Séance photos rétroéclairée: Donc, on change une dernière position. Je mets Christina dans le coin à côté de cette commode. Je veux jouer avec une source de lumière plus proche, pour que nous puissions créer un peu plus de drame dans l'ombre. Je vais prendre une chance, je ne sais pas si ça va bien sortir, on verra ce qui se passe. Bien que, je sais ce qui va se passer, mais peu importe. Dans cette scène, nous avons mis notre modèle devant la source lumineuse, qui signifie que nous créons un scénario rétroéclairé. Habituellement, c'est très bien lorsque vous avez une seconde source de lumière, elle éclaire au moins l'avant du modèle, car le rétro-éclairage agira comme une lumière capillaire. Ça va s'illuminer, ça va la découper de l'arrière-plan. Malheureusement, parce que nous n'avons qu'une seule source de lumière, je dois mesurer pour elle, et je dois aussi essayer de mesurer pour la fenêtre, et c'est presque impossible. Donc, ce que vous allez obtenir comme une silhouette essentiellement. Où nous pouvons obtenir une image sombre du modèle, mais une toile de fond très brillante, et nous allons vous montrer quelques exemples plus tard. Donc, je vais essayer de prendre un couple comme ça, je vais te montrer à quoi ça ressemble d'exposer juste pour elle, et exposer juste pour la fenêtre. Regarde ici, juste là, parfait, et reste comme ça. Donc, vous pourriez penser, « Eh bien, je ne veux pas simplement utiliser le Soleil, j'ai une lumière dans ma chambre au plafond, ou j'ai une lampe dans le coin. » La raison pour laquelle nous essayons d'éviter d'utiliser sources de lumière artificielles qui sont comme fluorescentes ou tungstène est parce que, ce qu'ils font est, ils baignent le modèle dans une lueur méchante, comme orangé ou quelle que soit leur température de couleur que la lumière est et elle change tout le teint de sa peau, ce qui en fait une expérience très douloureuse après le fait de corriger pour cela. Donc, la seule chose que vous voulez ajouter à la lumière ambiante comme le Soleil, est une autre source de lumière éclairée par jour. Donc, cela pourrait être un stroboscopique équilibré pour la lumière du jour, comme un flash d'appareil photo ou un éclairage stroboscopique que vous pouvez louer dans un magasin ou acheter. Mais, vous ne voulez pas mélanger différentes températures de lumière. Donc, nous allons seulement essayer de travailler avec cette seule lumière, et corriger le fait qu'elle est rétroéclairée en la tournant, et en tirant à différents angles. Donc, je vais te faire lever, mettre ton dos contre la commode, et on utilisera cette lumière qui va t'attraper, et ensuite je vais venir, donc on a moins de fenêtre dans le image et plus de ce cadre et la commode. Tournez votre, penchez-vous, juste comme ça. Tu vois, je n'ai même pas à te donner de direction. Donc, je prends ces photos et je remarque qu'il y en a beaucoup, ce n'est pas ma maison bien sûr, mais je remarque qu'il y a beaucoup de choses en arrière-plan. Bien que les choses en arrière-plan puissent parfois ajouter beaucoup d'intérêt à la prise de vue, parfois cela peut être un peu déroutant, et échapper au message global que vous essayez de capturer. Donc, ce qu'on peut faire, c'est nettoyer ce qui ne marche pas. En regardant cette scène, ce que je ferais, c'est que je nettoyerais tout sauf peut-être les livres en arrière-plan. Ils sont gentils et ordonnés et ils ont une belle forme. Je laisserais probablement la bougie. Juste des choses qui sont propres et faciles et pas trop distrayant et enlever toutes les minutiae si vous voulez. Au lieu de déplacer les choses depuis, je ne vis pas ici et je ne veux pas les remettre, je vais positionner notre modèle pour couvrir les choses que je ne veux pas voir, et déplacer quelques objets dont je ne peux pas me débarrasser très facilement. Alors, venez au coin et restez debout sur le dos, ouais, parfait. Donc, tu caches tout ça, et on va juste déplacer trucs que je ne veux pas voir hors de la photo. Parfait. Donc, avec peu ou pas d'effort, j'ai déjà enlevé la moitié des trucs qui étaient une distraction et elle utilise son corps pour couvrir le reste, et maintenant nous avons une toile de fond très simple et propre. Enlevez ça aussi. Apportez votre bras droit plus dans votre corps, ouais, parfait, juste comme ça. Donnez-moi un trois-quarts regarder cette direction, un peu plus à gauche, un peu plus à gauche, à gauche. Oui. Un peu plus juste, parfait. Juste comme ça. Ensuite, déplacez simplement l'arrière de votre tête, le haut de votre tête un peu. Ouais, ouais, cette partie, ouais, parfaite, parfaite. Donne-moi un peu le regard par la fenêtre. Ouais, juste comme ça. Donc, en fait, ce que nous avons fait, c'est que nous avons annulé le rétro-éclairage non seulement en la déplaçant de devant la lumière vers le côté, en laissant la lumière la frapper de côté, mais nous avons aussi sorti la fenêtre du équation, donc nous n'avons pas à exposer pour la fenêtre, nous n'avons qu'à exposer pour le modèle. Ensuite, nous l'avons déplacée pour cacher une partie de la distraction que nous ne voulons pas, et garder la distraction que nous voulons, et ensuite nous en avons une image claire. 10. Recadrage (édition): Juste une préface, on est de retour au studio. Je vais vous emmener à travers quelques images. Excusez le bruit dehors, c'est vendredi en fin d'après-midi à New York, ce qui veut dire que tout le monde essaie de sortir de la ville mais de supporter avec nous. Donc, nous avons fait un appel rapide des images du tournage d'aujourd'hui et je vais juste passer quelques bons points de discussion pour vous donner une idée de ce que je cherche dans les images finales, puis vous montrer un peu sur mon processus d'édition, si vous voulez. Donc, la première image que nous regardons est une image où elle est un peu surexposée. Ce que je veux dire par surexposition, c'est que vous remarquez que les faits saillants du visage sont soufflés. Vous ne pouvez à peine voir aucun détail. Si vous poussez ici, vous ne pouvez voir aucune texture dans la peau, alors qu'ici vous voyez une texture riche sur tout le visage où la lumière ne le frappe pas. Donc, c'est une ferraille automatique. Donc, pour cette image suivante, c'est un exemple de l'endroit où je suis sous-exposé. Ce qui veut dire que je n'ai pas assez de lumière dans l'image. Vous pouvez voir un peu de lumière broutant son visage. En fin de compte, il s'agit d'une photo très sombre, et vous ne capturez pas assez de détails pour en faire une photo impactante. La brique est un peu trop sombre, la chemise perd des détails dans l'ombre, tout le côté droit de son visage, on ne voit rien. Donc, c'est une de ces photos que nous ferions aussi disparaître. Donc, j'ai mis une photo ici que j'aime parce que ça ressemble presque à un rêve de jour. Il ne correspond peut-être pas nécessairement au thème, mais il soulève quelques points clés en termes de cadrage et de composition. Vous remarquerez, sur cette photo, qu'il y a beaucoup d'espace négatif. Donc, par espace négatif, je veux dire, il y a le sujet ici et puis beaucoup d'espace, il ne contient pas nécessairement le sujet ou quelque chose comme ça. J' aime utiliser l'espace négatif surtout à l'extérieur lorsque je tire quelqu'un dans un vaste environnement, mais il finit aussi par être cool parce qu'il exprime la nature rêveuse du tir. Elle regarde le ciel. Vous ne savez pas forcément ce qui est au-dessus d'elle, mais vous savez qu'elle pense et que ce coup de feu le transmet. Cet espace négatif, cet espace principal, vous aide à visualiser cela. Donc, dans cette dernière photo, j'avais mentionné parler de l'espace principal et de l'espace négatif, mais l'espace principal est le mot que je veux inscrire sur cette photo. Vous remarquerez qu'elle regarde par la fenêtre. Vous pouvez dire que c'est une fenêtre, parce que la lumière vient de cette direction. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai laissé de la place entre son visage et où elle cherche. Donc, vous êtes poussé dans la perspective de voir où elle regarde. Tu imagines ce qu'elle imagine. Vous êtes presque en train de construire l'image de ce qu'elle voit à travers votre propre visualisation, et c'est ce que vous voulez faire avec la photo. Vous voulez non seulement raconter l'histoire, mais vous voulez laisser à quelqu'un une certaine marge de manœuvre pour imaginer. Je pense que c'est une excellente façon de le faire, en créant cet espace de premier plan devant ses yeux. En outre, ce serait un bon moment pour évoquer la règle des tiers. Je vais le démontrer en payant une récolte. Il s'agit d'une règle de tiers des dépenses de récolte. Dans Lightroom, vous pouvez tirer cela en étant dans votre module de développement et en utilisant le bouton R pour faire apparaître le recadrage. Donc, ce que vous voyez est, c'est une règle de base de la composition, mais vous avez trois quadrants également espacés, fois en lignes et en colonnes. Lorsque vous organisez votre photo, la composition de la photo, où des morceaux importants du sujet frappent des intersections ou occupent certains quadrants, vous créez une photo plus agréable et plus intéressante. Sur cette photo, nous avons mis ses yeux sur ce quadrant supérieur gauche, beaucoup de détails du sujet est tout le chemin à gauche. Donc, on la met dans un côté très concentré de ce truc. Donc, nous avons un point dans le coin supérieur gauche, et puis nous avons aussi un tiers entier de la photo avec elle dedans. Nous avons quitté les deux tiers pour nous donner de l'imagination, pour nous permettre de faire avancer nos esprits. Dans la culture comme celle-ci, je pourrais même venir dans un peu plus serré, vous n'avez pas besoin d'avoir quelque chose d'exact, mais juste un moyen de minimiser ce que nous n'avons pas besoin, mais de créer un focus. Donc, en ce moment, nous sommes en train de créer un focus du sujet jusqu'à la fenêtre et je vais appuyer sur Entrée pour le tirer dedans. Donc, automatiquement, nous avons seulement enlevé un peu de cette photo. Donc, je vais revenir à l'original. C' est là que nous étions, nous avons un peu d'espace supplémentaire sur le côté dont nous n'avons pas vraiment besoin, un peu d'espace sur le dessus qui n'est pas nécessaire. Nous automatiquement, en utilisant la règle des tiers et en inscrivant un peu l'image, nous pouvons prendre un peu du fond. Créez une image plus ciblée et une image plus serrée et la rendre plus intéressante sans même essayer. C' est sans montage réel, juste changer la composition, changer la façon dont ses yeux regardent l'image. Donc, je vais vous montrer deux images différentes, juste pour que vous ayez une idée quand vous êtes à votre caméra et que vous essayez vraiment de composer vos photos. Ça vous donnera quelque chose à penser pendant que vous tirez. Donc, beaucoup de gens ont une préférence pour tirer horizontal par rapport à vertical. Je n'ai pas vraiment de préférence, mais je sais quand quelque chose est approprié en fonction de ce que j'essaie vraiment de capturer dans l'image. Donc, cette image que nous regardons en ce moment est une image horizontale. Je vais te dire ce que j'aime dans l'image. J' adore son expression, j'adore qu'il y ait juste un peu de lumière qui peigne son visage. J' aime la texture en arrière-plan, et la profondeur qui est créée à partir de sa prise de vue et de se concentrer sur la droite, à tomber hors de la concentration sur la gauche. La raison pour laquelle j'ai tourné cette horizontale parce que je voulais apporter toutes ces choses dans l'environnement dans la photo. C' est très important d'y penser comme ça. Lorsque vous souhaitez inclure plus d'environnement, il est généralement plus facile de le faire avec un plan horizontal, car vous pouvez inclure beaucoup plus de détails dans l'image et le cadre, ainsi que le sujet. Lorsque vous tournez un plan vertical, il est un peu plus dicié d'attraper des choses à gauche et à droite, bien que vous puissiez certainement inclure des choses plus bas et plus haut dans la photo. Mais pour cette photo, en particulier, c'est juste pour illustrer le point. Je peux apporter la texture de la brique, je peux capturer la profondeur de la longueur de ses jambes dans ce genre de zone floue par rapport à son visage concentré. Cela crée un excellent environnement, un grand portrait horizontal contre si je tire un grand plan vertical, c'est vraiment serré. Vous ne savez pas où elle est assise, sur quoi elle est assise, vous ne connaissez pas la nature de la pièce. L' accent pour cela est vraiment juste sur le visage, l'expression. Je pense que c'est vraiment une grande chose à penser quand vous prenez des photos. Voulez-vous parler directement à l'émotion ? Voulez-vous donner vie à votre sujet juste devant la caméra ? Ou voulez-vous peindre un tableau de l'environnement dans lequel elle se trouve ? Voulez-vous décrire et peindre une histoire qui a toutes les composantes de l'environnement, de l' émotion, du langage corporel, de la texture ? Pensez simplement à ces choses avant de capturer, car une fois que vous capturez un horizontal par rapport à vertical, c'est toutes les informations que vous allez avoir. Une option et un conseil rapide que j'aime dire est, si vous allez mettre votre sujet dans un tiers de la photo verticalement, donc si vous la mettez au milieu, haut en bas verticalement, sur l'un de ces quadrants, un de ces tiers, ce que vous pouvez faire après le fait est toujours être en mesure de recadrer l'image. Mais cela n'arrive que lorsque vous tirez horizontalement. Vous pouvez recadrer l'image verticalement, enregistrer et recréer le cadre. Donc, cet horizontal se transforme en cela et c'est tout aussi magnifique d'une photo que si c'était toute la longueur, et nous l'avons fait d'une manière différente. Si vous tirez ça, malheureusement, je vais y retourner et vous montrer. Si vous tirez quelque chose verticalement comme celui-ci et que vous essayez de le recadrer horizontalement, un que vous perdez beaucoup d'informations de pixel et deux, il ne sera pas aussi un impact d'une photo. J' ai moins de choix dans la façon dont je le recadre et la façon dont il est disposé et ça finit par être plus une photo flou. Donc, en cas de doute, si vous pouvez tirer horizontalement et encadrer votre sujet de manière ce qu'il ou elle fonctionne bien dans un quadrant vertical et s'adapter vraiment bien à l'environnement, faites-le, donc vous avez des options plus tard lorsque vous modifiez vos photos. Une chose que je veux attirer l'attention c'est où vous vous concentrez sur votre sujet et sur la scène en général. Pour la plupart de vos portraits, et je m'aventurerais à dire tous les portraits. Au moins, vous voulez vous assurer que votre attention sera sur ces yeux. Les yeux sont la chose la plus importante pour avoir une forte adhérence et laisser tout le reste tombe en place tel quel. Donc, vous remarquerez comme tout sur la même longueur focale que les yeux, donc les yeux, cette partie du nez, la joue, la chemise qui est dans la même longueur focale, sont mis au point. Mais, quand vous sortez de ce chemin focal, de sorte que la main juste devant le visage, le bras juste à droite du visage et le mur de briques et le canapé derrière elle, tous tombent hors de l'attention. La façon dont vous faites cela est d'utiliser cette ouverture ouverte comme deux huit, un deux, et vous devez composer votre focus directement sur les yeux. C' est important d'avoir les yeux pointus parce que, je veux dire, c'est comme ça que vous respirez la vie à votre sujet, c'est comme ça que votre sujet communique ce qu'elle ressent, son expression, à travers ces yeux. Vraiment honnêtement, vous remarquerez la différence entre les yeux étant hors de la concentration et non, parce que c'est exactement ce que les gens regardent sur votre photo. Ils regardent directement dans ses yeux et ensuite ils vont examiner le reste de la photo. Donc, je voulais souligner une chose rapide sur la texture. J' adore photographier des choses avec de la texture, que ce soit des vêtements, des arrière-plans. Juste des choses qui insufflent la vie et la mort dans le sujet. La texture a un excellent moyen de vous donner la mort parce que la texture a des surfaces surélevées qui ont des contours et permet à la lumière de le frapper et le contour, tout comme elle frappe le visage et contourne le visage. Donc, dans cette image, j'aime vraiment et beaucoup de photos qui est génial, j'aime vous avez plusieurs points de texture. Nous avons le mur de briques qui donne une belle texture de fond, un peu de chaleur. Nous avons ses cheveux un peu plus secs, donc ça crée une texture riche quand la lumière le frappe. Tu as la chemise qui a les contours, les ombres et que tu peux dire, je veux dire, tu peux juste regarder l'image et dire « Oh, c'est une chemise en coton. » La texture apporte beaucoup plus de choses à l'accent, ce qui est génial. Plus vous compactez, c'est gratuit, mieux votre photo sera, moins à mon avis. Donc, rappelez-vous, si vous voulez capturer votre environnement, faire ressortir la texture, créer cet espace principal ou une histoire autour d'une image, aller avec l'horizontale. Il vous donne beaucoup plus d'espace, surface pour jouer avec votre photo et il vous aide vraiment à transmettre une histoire. Si vous voulez attirer toute l'attention sur l'expression sur la face du modèle, il sera plus facile d'utiliser un plan vertical. 11. Lightroom (édition): Donc, nous sommes ici dans Lightroom et je vais vous montrer brièvement quelques corrections et ajustements rapides que vous pouvez faire pour vraiment donner vie à votre photo. Lorsque vous ouvrez vos images dans lightroom, peut-être dans votre bibliothèque, mais lorsque vous êtes prêt à commencer à travailler, nous allons passer au module de développement. Donc, j'ai décidé d'aller avec cette photo, j'aime qu'elle regarde par la fenêtre, c'est impactant , et donc nous allons faire quelques corrections rapides qui aident vraiment à renforcer la photo. Donc, je vais passer au module de développement, je vais cliquer avec le bouton droit de la souris sur l'image ou sur cela, parce que je n'ai pas de clic droit, je vais cliquer sur le contrôle, et je vais ouvrir une copie virtuelle. Cela vous permet de modifier fondamentalement la photo sans possibilité de faire aucun dommage à la copie originale de la photo. Donc, je vais aller ouvrir ce module pour que vous puissiez voir tout ce qui se passe. Donc, sur la droite, vous avez toutes vos fonctionnalités de réglage. Ce que j'aime faire, c'est juste aller dans l'ordre, comme mon esprit fonctionne très linéairement, excusez-moi, et c'est ainsi que nous allons travailler sur ce module. Donc, vous remarquez que la première chose est la balance des blancs, en ce moment c'est là comme As Shot, parfois il est facile de dire une auto bien que je pense toujours qu'elle se trompe ou ne fait pas grand-chose. En fonction de votre situation, comme dans l'appareil photo, vous pouvez modifier votre balance des blancs pour refléter la situation dans laquelle vous vous trouvez. Je vais aller avec As Shot, et vous remarquerez que le curseur de température affecte vos réchauffements et refroidissements et votre teinte affecte une sorte de magentas et les verts. Je vais réchauffer un peu cette image, et pour la réchauffer, vous allez juste augmenter un curseur. moment, nous sommes à 4 900, c'est une sorte de température quotidienne moyenne, mais je veux donner à ça un peu plus de chaleur, donc je vais juste augmenter cette température, ce qui signifie que je vais réchauffer l'image. Donc, il a augmenté de 500, 600 points, et maintenant il se sent automatiquement un peu plus chaud. Ensuite, nous allons faire défiler vers le bas, je ne vais pas gâcher avec le curseur de teinte, selon si votre image a l'impression qu'elle a un peu de couleur, peu au rose, peu au vert, vous pouvez ajuster cela à ce que vous pensez se sentir juste. Donc, la prochaine chose à laquelle nous avons affaire est une sorte de choses que nous essayons de faire face à la caméra, mais parfois vous ne l'obtenez pas toujours parfait pour que vous puissiez toujours l'ajuster après coup. La première chose que je remarque est l'exposition dans les curseurs de contraste. J' aime vraiment la façon dont cela est sorti, mais je veux ajouter juste un peu plus de lumière dans l'ensemble et à l'image juste pour travailler avec elle et ensuite nous allons la diminuer en utilisant d'autres facteurs. Donc, je vais juste augmenter l'exposition de 0,3. Pas de soucis en termes de maths là-dessus, je veux juste dire que je l'augmente. Je vais augmenter le contraste juste un peu. Juste pour que vous compreniez que le contraste est fondamentalement un rapport, c'est comme la différence entre les lumières et les sombres ou différents pixels. Donc, quand vous augmentez le contraste, vous augmentez la différence entre les pixels ce qui rend le, Je pense qu'une zone lumineuse et une zone sombre, la différence devient plus grande, et cela crée un point de mise au point, il crée juste des ratios différents sur la photo. Donc, je vais juste l'augmenter un peu, et ensuite je vais descendre à nos points forts, ombres, blancs et noirs. Donc, ce que vous devez savoir ici, ce sont les faits saillants et les ombres de ce que vous allez ajuster afin de récupérer les points forts. En le disant, si vous surexposez à l'image, quand je vous ai montré cette image plus tôt, si vous surexposez vous pouvez enregistrer les faits saillants. Je vais juste le faire glisser à gauche et à droite pour que vous puissiez voir ce que je veux dire. Donc, ce sont vos zones de points forts, donc les zones où vous voyez la lumière frapper, ce sont vos zones de surbrillance. Si je fais glisser ceci vers la gauche, qui signifie que je veux récupérer les points forts, ce qu'il fait, c'est qu'il abaisse les lumières dans ces zones et ramène en quelque sorte la texture et le détail. Si je veux surestimer ces faits saillants, vous verrez que l'image devient beaucoup plus brillante dans ces zones. Je pense qu'on a vraiment fait du bon travail pour la capturer. Donc, je vais vraiment faire ressortir les faits saillants juste un peu parce que j'aime cette pop, la différence entre les ombres et les lumières, et donc je vais juste l'aborder juste un peu pour créer des effets drastiques. Ensuite, je vais faire la même chose avec des ombres, encore une fois, sont les zones d'ombre où vous voyez les cheveux, partout où la lumière ne tombe pas directement, une ombre est créée, et vous pouvez glisser ceci vers la gauche pour faire ces ombres plus foncées ou vous pouvez le faire glisser vers la droite pour faire ressortir quelques détails sur l'ombre. Vous pouvez voir automatiquement qu'il y a un peu plus de texture qui pénètre dans les cheveux, un peu plus de texture et de détails qui viennent à travers la chemise. Mais à ce sujet, parce que encore une fois nous faisons un portrait dramatique, je veux augmenter la différence entre mes faits saillants dans mon ombre, et je vais bien si je perds un peu de détail dans la chemise, ça me va. Donc, je vais diminuer cette zone d'ombre et la rendre un peu plus sombre et plus impactante, et juste laisser tomber un peu. Maintenant, les Blancs et les Noirs, vous n'avez pas nécessairement besoin de traiter, il contrôle vraiment votre point blanc et vous êtes point noir, et ceux d'entre vous qui connaissent Photoshop vont penser que c'est quelque chose que vous peut faire facilement avec l'ajustement de la courbe, mais fondamentalement, vous avez un point blanc dans l'image si vous voulez augmenter, vous faites simplement glisser vers la droite, si vous voulez le diminuer, voir à nouveau à quel point c' est drastique, vous le faites glisser vers la gauche. Nous sauterons cela dans le but de cela parce que ce n'est pas quelque chose que je fais toujours, et ensuite ça passera à la clarté, vibration et à la saturation. Donc, j'aime saturer mes photos juste un peu parce que pour le portrait dramatique, je ne suis pas vraiment inquiet pour les images colorées, c'est un peu trop heureux et pour cette image en particulier, je voulais se sentir dramatique mais d'une manière plus émotionnelle, plus triste. Donc, je veux enlever certaines lumières, enlever une partie de la couleur, mais ce sera quand même très impactant. Donc, ce que je fais habituellement c'est que j'ai laissé tomber ça n'importe où de 10 à 20, ne soyez pas pris par les chiffres, ce n'est pas important. J' aime juste sortir un peu de cette chaleur et sortir un peu de cette couleur et garder la direction sur le visage, le message de l'émotion, et des choses comme ça. Vous ne vous inquiétez pas pour la vibrance, je peux l'expliquer, mais vous feriez mieux de lire un terme de glossaire à ce sujet. Je veux dire, parce que nous sommes en train de désaturer, c'est moins important pour ce que je fais ici, donc j'ai un peu perdu la saturation, et la clarté est un peu comme un contraste, mais c'est un peu plus micro. Donc, vous remarquerez, si je fais glisser cette clarté vers la droite, vous voyez comment les choses deviennent un peu plus sombres sur les bords, c'est ce que la clarté fait, ça adoucit ou durcit ces bords. Ce que vous devez vous rappeler, un conseil rapide, c'est que vous ne voulez pas augmenter la clarté sur quelqu'un qui a beaucoup de chutes de peau ou des choses comme ça, parce que cela fera ressortir ces chutes encore plus, vous voulez adoucir la image un peu. Pour cela, elle a vraiment une belle peau, je veux faire apparaître l'image un peu, donc je vais monter juste modérément. Une autre chose que vous pouvez faire dans Photoshop, un conseil rapide, est que si vous allez ici à ce genre de panneau d'outils, il y a un pinceau, et vous pouvez réellement peindre dans ce que vous voulez. Donc, si vous voulez peindre en toute clarté, dites, « Je veux que ce mur de briques éclate beaucoup et je n'ai pas de stylet avec moi, ce qui est vraiment cool à éditer avec, mais je vais utiliser ma souris. Si je veux peindre en toute clarté, juste à une partie de la photo, je peux changer la clarté ici, commencer avec le nouveau pinceau et juste le peindre. Maintenant, vous avez un mur qui éclate, vous pourriez aimer ça ou vous pourriez ne pas le faire. Certaines personnes, ils veulent tout l'accent sur la moitié de la photo et non sur la toile de fond, vous le voulez sur la personne. Alors, allumer et éteindre ça, et je vais te montrer à quoi ça ressemble, c'est allumé, c'est éteint, allumé, éteint. Je pense que c'est un peu distrayant d'avoir l'arrière-plan plus que le visage, donc, nous allons laisser ça pour l'instant, mais juste pour que vous sachiez qu'il y a des options pour peindre. Toutes ces corrections différentes que nous faisons, vous pouvez le faire individuellement en utilisant le pinceau de réglage. Je reviendrai donc aux ajustements globaux. Donc, ici, cette courbe de tonalité, c'est essentiellement vous faites la même chose avec les curseurs, c'est juste une autre façon de le faire. Maintenant, pour les débutants, je suggère, juste pour avoir une idée de ce qui se passe, vous pouvez utiliser la courbe de tonalité prédéfinie qu'ils ont pour vous, donc linéaire, moyen contraste et fort contraste. Si vous vous sentez vraiment, j'aime aller au milieu de la route, moyen, et vous verrez comment ce genre d'amène automatiquement les lumières et les sombres et plus d'une juxtaposition forte, et crée vraiment un focus sur son visage. J' aime cela, si vous vouliez faire des changements individuels en utilisant la courbe, vous pouvez toujours faire glisser les différentes parties du graphique, vous pouvez également le faire en utilisant des curseurs. Ces curseurs, je l'ai déjà expliqué dans le haut, mais c'est plus à voir avec les tons par rapport à l'image globale, vraiment ne plongent pas dans la profondeur. Si vous voulez jouer avec ces choses, c'est vraiment amusant à faire vous-même et vous pouvez avoir une idée de ce qui se passe. Si vous faites défiler vers le bas, vous pouvez ajuster la couleur dans lightroom de différentes façons. Je pense que cette photo a l'air très bien. Si quelque chose, je réduirais la saturation de cette chemise rouge, donc ce n'est pas aussi distrayant, encore une fois, ce n'est pas la chose la plus importante, mais vous devez aussi noter que quand vous prenez le rouge de quelque chose, beaucoup de teintes de peau sont rouges, donc si vous désaturez trop, vous allez désaturer ses lèvres, vous pourriez désaturer certains tons de chair. Donc, soyez très prudent comment vous travaillez avec ça. Je vais juste l'enlever une très petite quantité juste pour que la chemise éclate un peu moins, mais nous gardons toujours la couleur dans les lèvres. Beaucoup de ces choses que vous voudrez faire dans Photoshop afin que vous puissiez obtenir corrections très individuelles, et vous ne le faites pas à l'ensemble de l'image. Donc, de toute façon, la saturation de la teinte s'illumine, ce sont toutes des façons de jouer avec la couleur. Encore une fois, je joue rarement avec la couleur, dans lightroom, je fais généralement des modifications d'actualité juste pour faire apparaître la photo un peu plus et m'assurer que l'accent est là où je le veux, et c' est là que je fais aussi mes cultures. Split toning, c'est une chose plus avancée, encore une fois, pour une autre classe, mais vous pouvez vous sentir libre de jouer avec cela, et cela a à voir avec les couleurs que vous voyez dans tons et les points forts par rapport à la des ombres. Ainsi, vous pouvez modifier la couleur de l'ombre et la couleur de surbrillance en faisant glisser autour de la teinte et de la saturation. Ensuite, dans les détails, vous pouvez gérer l'affûtage de l'image, vous ne voulez vraiment pas jouer avec l'affûtage de l'image jusqu'à ce que vous soyez prêt à exporter l'image finale, donc quelle que soit l'image de taille finale que vous allez utiliser, c'est quand vous ajustez l'affûtage. Encore une fois, c'est un sujet plus détaillé que vous n'avez pas vraiment besoin de connaître, ce n'est pas si profond. Maintenant, une des grandes choses, et on a parlé tout à l'heure du genre d'appareil photo que vous utilisez. Donc, si vous utilisez un appareil photo vraiment professionnel et que vous filmez à une ISO élevée. Ensuite, vous n'aurez pas autant de bruit que vous le feriez si vous tournez avec une ISO très élevée, ou dans une très faible luminosité avec un point et une prise de vue, ou un iPhone qui n'a pas la capacité de corriger ces choses. Donc, ce qui se passe est, disons que vous tirez avec un point et , il n' y a pas beaucoup de lumière, et vous devez réduire une partie du grain et du bruit qui traverse. Ce que vous allez faire, c'est d'aller dans Réduction du bruit et d'augmenter le curseur en fonction de ce que vous voyez dans l'image. Cela aidera à réduire le bruit, aider à le nettoyer. Vous pouvez l'ajuster en fonction de la couleur et de la taille du détail. C' est des trucs très insignifiants que vous n'aurez probablement pas à gérer. Mais si vous le faites, sachez simplement que cet outil est disponible pour vous dans Lightroom, et vous pourrez l'expérimenter plus tard. Deux autres choses, et ensuite nous allons aller de l'avant et exporter ça parce que je pense que ça ressemble à une très belle photo. Il y a deux autres outils qui sont vraiment utiles. Correction de l'objectif. Les fonctions de correction de l'objectif sont là pour vous si vous en avez besoin. Encore une fois, ils corrigent certains des problèmes lors de la prise de vue à des ouvertures plus larges, prise de vue avec des lentilles qui ont des problèmes naturels d'éclat de lentille, et d'autres choses de cette nature. Encore une fois, lisez dessus, vérifiez l'expérience sur votre propre temps. Pas très essentiel pour ce cours, mais il est là si vous en avez besoin. La dernière chose est, et c'est cool, si vous voulez ajouter une vignette que vous n'aviez pas lors du tournage, vous pouvez certainement ajouter cela après le fait, et vous pouvez aussi le faire avec du grain. Donc, pour cette photo, j'ai tourné à l'ISO 600. J' ai tourné avec une ouverture très ouverte 2.8 et j'ai tiré à une vitesse d'obturation quelque peu lente de 1 sur 400. Nous avons déjà mis des contrastes. Nous avons un peu d'obscurité naturelle sur les bords de la photo. Mais si vous voulez, disons, rendre cela un peu plus drastique, nous pouvons en fait augmenter la quantité de vignettage qui se passe sur les objectifs. Vous l'avez probablement vu si vous utilisez Instagram. L' ajout de vignette à un objet peut soit rendre les bords plus larges, plus clairs , s' estomper, soit la rendre plus foncée et ajouter un peu plus d'impact, et attirer l'attention sur votre sujet. Donc, pour ce portrait dramatique, je ne fais généralement pas ça trop souvent. Mais juste pour ajouter un peu d'effet, je vais ajouter un peu de vignette. Je vais le rendre un peu plus drastique. Donc, juste autour de ce négatif 26, vous commencez à avoir beaucoup plus de concentration sur le visage et les yeux. Vous commencez à avoir des zones plus sombres autour de la photo, et ça appelle votre attention sur ce domaine, qui est je pense très important. Vous pouvez jouer avec votre vignette. Vous pouvez changer le point médian, point médian étant la zone médiane où la vignette commence à avoir lieu. Vous pouvez changer la rondeur de celui-ci. Vous pouvez modifier les plumes, c'est-à-dire les détails autour des bords. Il peut s'agir d'une plume plus douce ou d'une plume plus dure. Juste à titre d'exemple, ce serait une plume dure, où vous obtenez cet ovale. Ce n'est jamais bon. Vous voulez vous assurer qu'il se fond avec les coups de feu. Donc, il semble aussi naturel que possible. Donc, plus doux, c'est toujours mieux. On va juste le laisser au milieu de la gamme, comment ils l'avaient. Ensuite, la toute dernière chose que nous faisons, la toute dernière chose dont je veux parler pour cette édition, parce que je pense que vous pouvez vraiment obtenir d'excellents résultats sans faire trop de travail, est d'ajouter le grain dans. Encore une fois, j'ai tourné à 1600 ISO. Donc, ça veut dire qu'il y a du bon grain sur le capteur. Si tu filmes un film, il va y avoir du bon grain sur ce film. Mais si vous voulez ajouter une texture de grain à la fin de celui-ci, vous pouvez également le faire. Je vais vous montrer à quoi cela ressemble d'ajouter trop de grain et vous montrer à quoi cela ressemble d'ajouter juste un peu de bon grain pour compléter le grain et la texture qui est déjà dans l'image. Si on fait glisser ce grain vers la droite, c'est extrême, ce serait comme si vous filmez une ISO de 3200 sur une caméra de film. C' est vraiment agressif, et personne ne croira que c'est un bon coup, et seulement un zoom arrière. Je veux dire, c'est du grain lourd. Vous pouvez le voir à la fois dans le gros plan et dans le lointain. Regardons un zoom avant. Faisons quelque chose d'un peu plus gérable. Donc, je dirais, il y a déjà une très bonne texture ici. Peut-être que pour donner un peu de coup de pouce, on le fera vers 20 ans. Il se peut que vous ne puissiez pas le récupérer sur votre écran. Mais si vous travaillez sur ces images à la maison, vous pourrez voir les différences en faisant glisser le curseur. Vous pouvez également ajuster la taille du grain et la rugosité du grain, et c'est littéralement ce que cela signifie. Donc, si vous augmentez la taille du grain, les cercles qui causent le grain deviennent plus grands. Je vais y retourner. Si vous changez la rugosité du grain, bords le long des molécules de grain, si vous voulez, je ne sais pas comment mieux le décrire, changer en termes de grossièreté, et c'est la meilleure façon de l'expliquer. Mais nous allons faire un zoom arrière. Comme un résumé rapide, nous avons parcouru cette image, nous l'avons réchauffée, nous avons ajouté un peu d'exposition pour ajouter de la lumière au visage et à l'arrière-plan, puis nous augmentons le contraste, ce qui a fait baisser cette lumière juste un Un petit peu. Une autre façon de modifier le contraste est que nous jouions avec les reflets et les ombres, ce qui signifie que nous avons rendu les reflets un peu plus lumineux, et nous avons aussi assombri les ombres pour mettre l'accent sur les zones sombres et pour attirer votre attention sur Cristina. Nous avons ajouté un peu de clarté. Nous avons un peu réduit la saturation. Donc, cette lettre n'est pas trop coquelicot. Si vous regardez une saturation plus élevée, l'image entière devient chaude, le rouge devient un peu trop sursaturé et pas réel. Mais nous voulons aller avec un 10 négatif. J' aime l'étouffer un peu. Créez ce drame. Ensuite, nous avons sorti un peu plus de rouge, puis nous avons juste ajouté un peu de grain et une vignette autour de lui pour attirer votre attention. Maintenant, c'est une image en couleur. Je pense que c'est parfait juste là. Je pense que vous seriez vraiment heureux avec un portrait s'il sortait comme ça, et je suis très heureux avec ça. La seule autre chose, ce que je ferais, est que si vous vouliez vraiment aller en noir et blanc, c'est toujours une option, il y a différents préréglages que vous pouvez utiliser sur votre Lightroom. Je vais attirer votre attention sur le côté. J' ai beaucoup de filtres VSCO que je n'utilise pas normalement. Mais Lightroom est également livré avec des préréglages de filtre. Donc, vous pouvez toujours venir ici et jouer autour. Ils ont un filtre à contraste élevé, contraste faible. Il y a tous ces looks différents avec lesquels vous pouvez jouer. Je vais juste cliquer sur l'un d'eux juste pour que vous ayez un exemple de ce à quoi ressemblera une image en noir et blanc de cela. Cela changera totalement tous vos paramètres ici, et c'est bon. Tu es juste en train de jouer, juste essayer d'avoir une idée de ce qui va bien paraître. Je prévois ça, et je pense que j'aime le look noir et blanc 5. Donc, je vais cliquer dessus. Donc, maintenant nous avons un noir et blanc très impactant. Une partie du vignettage a disparu, mais c'est facile. Descendez ici et rajoutez cette vignette. Maintenant, vous avez encore un très facile à faire, et maintenant il est deux clics. Lightroom est donc une application très puissante. C' est très facile à utiliser. La meilleure façon de l'apprendre est de jouer avec les curseurs. Mais vous pouvez littéralement faire un million de choses et obtenir la photo juste à votre goût. Il y a un million de façons d'approcher le noir et le blanc. Vous pouvez le faire via un préréglage. Vous pouvez le faire à travers le curseur de saturation, puis affecter le reste de la chose. Je vais prendre ça souvent, et nous irons avec l'image finale ici. Mais il y a un million de choses différentes que vous pouvez faire pour faire apparaître votre image comme vous le souhaitez. 12. Effets dramatiques (édition): Donc, je vais juste vous montrer un exemple de plus rapide, très rapide et bref juste pour que vous puissiez comprendre ce sur quoi nous nous concentrons vraiment quand nous parlons de portrait dramatique. Je veux dire, c'est une photo verticale rapide de Christina qui a l'air triste, et par la fenêtre et peu de mauvaise humeur. Je vais prendre ça comme on l'a fait avant. Allez dans le module de développement, excusez-moi. Je vais faire mon clic Contrôle et je vais créer cette copie virtuelle ici. Donc encore une fois, je veux réchauffer les éléments, changement très rapide. Je vais augmenter l'exposition juste un petit peu juste pour que nous puissions obtenir un peu plus de détails sur les côtés, augmenter mon contraste. Donc, quand je parle de contraste croissant, la différence entre les lumières et les sombres, sont comme trois ou quatre éléments sur lesquels il faut vraiment entrer quand on parle du portrait dramatique. Toutes les autres choses sont très bonnes à faire et très bonnes à savoir pour ce genre de portrait, et tout autre type de travail que vous faites. Mais je veux augmenter un peu le contraste dans cette image. Encore une fois, j'aime la différence, créant cette différence entre les reflets et les ombres. Donc, je vais booster les faits saillants juste un peu, puis déposer les ombres un peu plus. Si vous voyez, elle a eu ce tatouage sur le dos de son bras, mais je vais le laisser tomber dans l'ombre pour que vous ne puissiez voir qu'un soupçon de ça. Donc, nous avons automatiquement des noirs plus foncés, des blancs un peu plus brillants. Je vais sauter un peu la clarté. On pourrait même aller juste un peu plus. D' accord. Ensuite, comme nous l'avons dit avant la courbe de tonalité, avant d'utiliser le milieu de la route, je vais utiliser une courbe de contraste moyen. Automatiquement, même les taches plus sombres que nous poussions avant, ils deviennent un peu plus sombres avec cette courbe. Vous pouvez l'ajuster au goût, si vous voulez faire ressortir les ombres un peu plus, vous pouvez augmenter sur la courbe ou vous pouvez le faire ici. Vous pouvez le gâcher comme vous le voulez. J' aime bien où on va ici. J' aime l'impact de son visage qui attrape la lumière et tout le reste qui suit l'ombre. Tout ce qui est en arrière-plan n'est pas si important. Donc, ce que nous allons faire, c'est retourner à la vignette dont nous avons parlé auparavant et nous allons juste augmenter la concentration. Maintenant, parce que c'est une verticale et que vous pouvez voir ces bords et que nous voulons que ça soit aussi naturel que possible, je ne peux pas aller jusqu'ici. Ça a l'air totalement contre nature. Donc, ce que je vais faire, c'est tricher, et je vais aller à mi-chemin. Donc, on dirait que c'est une vignette naturelle, mais ça m'aide aussi à façonner la mise au point de cette image sans être exagérée. Donc, nous avons une petite vignette naturelle, les coins deviennent un peu plus sombres et c'est bon. La dernière chose que j'ai oublié de mentionner, c'est des bruits. Je considère que le bruit et le grain sont à peu près la même chose, mais les bruits, plus appelés les petits points et les points colorés qui apparaissent lorsque vous montez l'ISO d'une image. C' est la même chose qui se passe sur le film, c'est du grain, mais c'est aussi sur un capteur comme un reflex numérique. C' est le bruit que l'on verrait sur disons, un écran de télévision quand l'image s'éteint et que l'écran clignote. C' est essentiellement le bruit et cela se produit lorsque vous photographiez à une ISO très élevée, que le capteur de votre appareil photo ne peut pas gérer. Ce que je veux dire par bruit de grain est à peu près la même chose sauf que cela va être monochromatique ou un mélange avec les couleurs de la photo. Donc, nous ajoutons seulement la partie texturale du bruit et pas la partie couleur du bruit. Donc encore une fois, nous allons faire un ajout de grain très doux, je ne frappe que 20 sur une échelle de 100. Ainsi, lorsque vous effectuez un zoom avant, vous pouvez capturer une partie de cette texture, vous pouvez voir une partie du grain. C' est sans, c'est une très belle différence parce que j'ai tourné à 1600 ISO, je suis juste en train de monter juste si légèrement, pas une grosse affaire. Maintenant, nous avons ce portrait dramatique. Encore une fois, je vais vous montrer l'avant et l'après. Aussi, je n'ai pas mentionné cela, vous pouvez le faire dans Photoshop. C' est là que je préfère le faire. Si vous avez l'impression que vous avez un endroit que vous voulez déplacer ici et que vous ne voulez rien faire d'autre sur Photoshop, comme ce petit morceau de paillettes ou quelque chose qui est sur son bras, vous pouvez cliquer ici, mêmes barres d'outils où vous avez trouvé votre pinceau de réglage, il y a aussi une brosse de clonage, vous pouvez guérir ou cloner. Pour cela, nous allons faire le pinceau de guérison. Vous pouvez ajuster votre taille à l'aide de la souris ou du curseur, plumage change littéralement simplement les bords de la brosse. Pour cela, nous n'avons pas vraiment besoin de nous en soucier. opacité montre la quantité de pinceau que nous utilisons. Donc, par exemple, si je le mets sur 40 opacité et que je clique sur quelque chose, l'objet disparaîtra, mais il ne disparaîtra pas complètement. Donc, je vais réinitialiser ça, me déplaçant un peu lentement. Désolé pour ça, les gars. Je vais mettre une opacité à 100 pour cent parce que je veux vraiment échanger pixel contre pixel. Je vais zoomer sur cette chose, pour m'en débarrasser, cliquez dessus. Cela va s'ouvrir et il va échantillonner une autre zone à côté de lui et ensuite nous avons maintenant débarrassé de ce pixel, avant et après. Bon, donc juste une photo macro de ce qu'on a fini par faire ici. Retournons. Nous avons abordé le contraste, les ombres et les reflets. Un peu plus haut de l'exposition, a ajouté un peu de vignettage et comme je l'ai fait sur la dernière, quelque sorte a pris un peu la saturation. Donc, voici l'avant et l'après. Avant, après. Avant et après. C' est un portrait dramatique dans cinq secondes après l'avoir tourné. Donc, c'est très rapide et facile et duplicatif, vous pouvez le faire sur toutes vos photos si vous voulez ajouter ce petit peu de drame. Simple. J'espère que vous avez apprécié la classe aujourd'hui sur le portrait dramatique. Je vous encourage à partager autant que nous travaillons que vous le pouvez, et à expérimenter autant que vous le pouvez. n'y a pas de vrai secret au succès, sauf pour continuer à pratiquer et à expérimenter. Merci. 13. Explorez des cours photo sur Skillshare: