Premiere Pro Lumetri : corriger les couleurs comme un pro

1. Vidéo de promotion: Nivellement des couleurs ou correction des couleurs. C' est ce que je crois que les parties les plus difficiles à faire une bonne vidéo. Comment pouvons-nous réparer ce coup de feu surexposé ? Qu' est-ce que Lutz, et comment les utilisons-nous ? J' ai deux photos de caméras différentes, mais je ne peux pas les faire correspondre. Je n'arrive pas à obtenir que mes vidéos soient épiques. Est-ce que ces frustrations ou voulez-vous me suivre dans ce cours et leur faire des défis ? Bonjour, je m'appelle Joldi, je suis un cinéaste belge. Dans ce cours, je veux vous apprendre comment commencer avec correction des couleurs professionnelle dans les jeux d'outils élémentaires de Premiere Pro. Ce sera un cours d'introduction professionnel. Cela signifie que nous allons commencer par les bases. Je vais vous apprendre ce qu'est une couleur numérique et comment nous pouvons manipuler cela. Ensuite, nous allons examiner toutes les fonctionnalités des outils de couleur géométrique, et aussi comment atteindre les outils de mesure comme les ajouts de forme d'onde dans la portée vectorielle. Enfin, nous allons prendre ces outils en action où nous créons des masques et même n'importe quelle méthode les couleurs. Pendant que je vous enseigne cette information technique, je réfléchirai toujours à travers la philosophie des couleurs. Je veux que tu comprennes la couleur pour que tu saches ce que tu fais. Si vous êtes curieux d'en savoir plus, appuyez sur ce bouton pour suivre ce cours et commence à corriger les couleurs comme un pro aujourd'hui. Merci d'avoir regardé. 2. Introduction: Les couleurs, ce qui rend ce monde si incroyable. En tant que monteurs de films ou coloristes, nous pouvons jouer avec cette chose étonnante. On peut manipuler les contrastes, le look et la sensation d'un film. Bienvenue dans le monde merveilleux de l'étalonnage des couleurs et des ensembles d'outils élémentaires d'Adobe Premier Pro CC 2015 et au-delà. Tout d'abord, merci beaucoup d'avoir acheté ce cours. Je m'appelle Jordy, l'auteur et producteur de ce cours. Cinecom est ma société de production située en Belgique. Nous nous concentrons sur les publicités et les vidéos promotionnelles. Le classement des couleurs est une partie très importante de la post-production. C' est un processus qui différenciera votre film d'un projet amateur ou professionnel. C' est aussi ce que nous disons à nos clients. S' ils sont à égalité avec les budgets, nous leur conseillons d'oublier la grue ou les tirs de drone, mais le classement des couleurs est quelque chose de trop important pour ne pas laisser de côté. Vous êtes venu ici pour apprendre les bases de la manipulation des couleurs dans Premier Pro, classement des couleurs, la correction des couleurs, quel que soit votre nom. D' un côté, nous avons l'aspect technique. C' est assez facile à apprendre. Je peux vous montrer comment ajouter un peu plus de contraste à une vidéo, mais cela vous laisse toujours avec la question, quel contraste dois-je ajouter à ma vidéo ? Malheureusement, je ne peux pas vous donner la réponse à cette question parce que c'est un choix personnel, comme je ne peux pas vous apprendre quelle histoire vous devriez raconter parce que si je le fais, alors ce serait mon histoire et pas la tienne. Mais ce que je peux vous enseigner, ce sont des techniques, émotions qui correspondent à une certaine couleur afin que vous puissiez utiliser ces techniques pour raconter votre histoire. Au cours de ce cours, je vais vous enseigner la philosophie de la couleur tout en expliquant les parties techniques qui sont nécessaires pour atteindre le résultat souhaité. Maintenant, Kim va être la charmante actrice pour toutes les images d'exemple, et vous pouvez aussi la télécharger pour vous entraîner sur les mêmes clips vidéo utilisés dans ce cours. Vous verrez qu'il y a plusieurs chapitres dans ce cours. Il est très important que vous compreniez tout d' un chapitre après avoir passé au prochain. À la fin de chaque chapitre, il y a un petit quiz. C' est tout à fait normal et ce n'est pas un problème si votre score n'est pas si génial. Vous êtes des étudiants qui traversent un processus d'apprentissage, ce qui signifie que vous devez parfois reregarder certaines leçons pour comprendre complètement l'information. Tu dois me promettre une chose, n'abandonne pas. Si vous êtes coincé ou avez besoin d'aide, faites-le moi savoir dans la discussion. Encore une fois, je ne suis pas seulement un gars dans une vidéo, je suis votre professeur, et je vais vous aider à faire des notes de couleurs impressionnantes sur vos vidéos. Je suis prêt et je pense que vous l'êtes aussi, alors plongons ensemble dans le monde merveilleux des couleurs. 3. Le moteur Lumetri: Le moteur Lumetri a d'abord été introduit dans Adobe SpeedGrade, puis il a été introduit dans Premier Pro. Nous avons pu faire des looks et accélérer et les utiliser à l'intérieur de Premiere. Mais depuis la sortie de CC 2015, nous avons également les contrôles Lumetri dans Premiere. Cela signifie que nous pouvons effectuer nos corrections de couleur dans notre espace de travail d'édition familier. Maintenant, regardons où nous pouvons localiser ces contrôles Lumetri. Depuis la version 2015, nous pouvons voir un panneau d'espace de travail en haut.Cliquez sur « Couleur » pour changer votre espace de travail. Cela fait apparaître tous les outils de classement des couleurs, tels que toutes les options de réglage à droite, mais aussi un outil de mesure ici à gauche. Les deux viennent de votre moteur Lumetri. Maintenant, si vous ne pouvez pas voir ce panneau d'espace de travail en haut, vous pouvez également naviguer vers le « Menu », sélectionnez « Windows » « Workspaces », puis cliquez sur « Couleur ». Vous pouvez également activer à nouveau ce panneau d'espace de travail en haut à partir du menu Windows, et tout le chemin vers le bas, vous verrez Workspaces. Maintenant, disons que vous aimez rester dans votre espace de travail d'édition et que vous voulez que vos options de couleur Lumetri soient visibles. Ensuite, vous pouvez le faire à nouveau à partir du menu Fenêtre et rechercher la couleur Lumetri. Cela ouvrira le panneau pour vous. Ce sont donc les deux nouvelles choses, les options Lumetri Color et les Scopes Lumetri, qui sont les choses avec lesquelles nous allons travailler dans ce cours. Merci d'avoir regardé. 4. Correction ou étalonnage des couleurs: Correction des couleurs ou classement des couleurs. Quel est le problème avec ces deux termes ? Est-ce qu'ils veulent dire la même chose ou est-ce quelque chose de différent ? Eh bien, c'est quelque chose de différent. Commençons par la correction des couleurs. Comme son nom l'indique, nous allons corriger les couleurs. Jetons un coup d'oeil à ce clip. Nous pouvons dire que certaines choses ne vont pas bien. L' environnement semble assez jaune et sous-exposé. Donc, nous allons corriger ça pour rendre le clip normal. Tout d'abord, nous fixons les couleurs pour que la scène n'ait plus l'air jaune. Ensuite, nous avons augmenté la luminosité, comparant l'avant et après, nous pouvons dire que nous avons corrigé les problèmes ou en d'autres termes fait une correction de couleur. La correction des couleurs est une chose assez facile à apprendre car c'est tout technique. Mais puis il y a le classement des couleurs, ce qui est un processus créatif. En théorie, rien n'est bon ou mal dans le classement des couleurs. Au cours de ce processus, vous allez ajouter une émotion à votre photo en ajoutant des couleurs et des effets non naturels. Jetons un coup d'oeil à ce clip. Les couleurs et l'exposition sont naturelles. Mais quand je change les couleurs pour quelque chose comme ça, nous percevons une émotion différente qui sont gros contrastes et il y a une nuance de couleur verte sur la vidéo. Ça n'a plus l'air naturel. Donc, nous parlons de gradation des couleurs. Nous manipulons les couleurs d'une manière non naturelle pour créer un certain look et sensation. Dans cet exemple, nous sommes tous d'accord pour dire qu'il y a quelque chose d'effrayant, comme un film extraterrestre ou quelque chose comme ça. Maintenant, la correction des couleurs et le classement des couleurs ne sont pas deux choses que vous devez choisir. Un résultat est généralement une combinaison des deux. Lorsque vous appliquez une certaine note ou regardez une vidéo, nous avons souvent besoin de corriger notre comportement extrême. Par exemple, vous voulez que cette photo soit très froide, alors nous y ajoutons ce look bleu. Mais ce regard nous donne quelques problèmes. Le teint de la peau commence à paraître trop anormal. On dirait que Kim est un peu malade maintenant ou qu'elle est presque morte. Nous devons donc corriger ce problème. Nous sélectionnons la peau et ajoutons un peu de chaleur dans la couleur. Maintenant, sa peau a l'air mieux, mais nous restons toujours ce qui est froid. La correction des couleurs résout donc les problèmes dans nos vidéos. Parfois, nous n'effectuons qu'une correction de couleur. Mais quand l'éditeur ou un coloriste veut ajouter une certaine émotion, il ou elle doit changer les couleurs de manière non naturelle, et ce processus nous appelons le classement des couleurs. Merci encore d'avoir regardé. 5. Qu'est-ce que la couleur ?: Avant de commencer à jouer avec les commandes Lumetri Color, nous devons d'abord savoir ce que nous faisons. Alors regardons les couleurs et d'où elles viennent. Voici une roue de couleur. Nous allons le voir plus souvent tout au long de ce cours. Si nous commençons par le haut, nous voyons la couleur jaune. En faisant le tour de droite, nous verrons rouge, magenta, bleu, cyan, vert, et encore jaune. Nous pouvons utiliser cette roue pour mélanger une couleur sélectionnée avec notre clip vidéo ou une couleur existante. Lorsque vous mélangez des couleurs en vidéo, nous parlons de mélange additif. Une autre façon de mélanger les couleurs est avec de la peinture, ici nous parlons de mélange soustractif. Cela nous rend souvent confus. Si vous demandez à quelqu'un comment faire une couleur jaune, vert. Habituellement, ils répondront en bleu et c'est correct. Si vous mélangez de la peinture jaune avec de la peinture bleue, vous obtenez de la peinture verte. Les trois couleurs de base de l'encre ou de la peinture sont le bleu, le rouge et le jaune ; avec ces trois couleurs, nous pourrions faire n'importe quelle autre couleur. Mais si on mélange les trois couleurs ensemble, on devient noir. Maintenant, les couleurs numériques ne fonctionnent pas avec la peinture. Regardez l'écran de votre ordinateur, qu'en sortira ? En effet, la lumière, juste la lumière, rien de plus. Dans la lumière colorée, nous avons des couleurs de base différentes, à savoir rouge, vert et bleu, RGB. Avec ces trois couleurs, nous pouvons créer n'importe quelle autre couleur. Si on mélange les trois ensemble, on obtient une lumière blanche. Comme avec la peinture, on serait devenu noir. Alors, quelle couleur additive devrions-nous ajouter pour former le jaune en vert ? Eh bien, nous enlevons la couleur rouge. Tu vois, c'est la bonne chose à propos des couleurs numériques, on peut enlever quelque chose. Cette image montre ici les trois couleurs de base. Quand ils se chevauchent, nous obtenons de nouvelles couleurs. Vert et rouge forme jaune. Vert et bleu formes cyan, et bleu et rouge formes magenta. Si nous combinons toutes les couleurs ensemble, nous obtenons du blanc. Ce tableau n'a pas l'air familier ? En effet, c'est la roue de couleur. Mais comment on devient noir alors ? Eh bien, nous réduisons l'intensité de la lumière ; assurez-vous de les réduire tous également. Si le bleu et le vert sont à 70 pour cent et le rouge à 20 pour cent, on pourrait avoir l'air cyan. Alors amenez-les tous également jusqu'à ce que le rouge, vert et le bleu soient tous assis à zéro pour cent d'intensité. Là où il n'y a pas de lumière, il y a des ténèbres, ou noir. Merci d'avoir regardé. 6. Psychologie des couleurs: Maintenant que nous savons d'où viennent les couleurs et comment elles réagissent les unes aux autres, nous pouvons maintenant regarder plus loin dans la psychologie de ces couleurs. Commençons à nouveau avec les bases. Il existe deux types de lumières. Sur le côté gauche, on trouve des lumières froides. Ces lumières sont teintées en bleu. Si vous voulez changer les couleurs d'une vidéo pour la rendre froide, vous voulez la rendre bleue. Maintenant, de l'autre côté de cette ligne, nous pouvons trouver des lumières chaudes, l'opposé du froid. Ici, nous pouvons trouver des lumières orange comme des bougies. Au milieu, nous pouvons trouver des lumières neutres ou de la lumière blanche. Cette ligne représente parfaitement une partie de la roue de couleur et cette partie est appelée la température de couleur. Il est même mesuré en Kelvin, où 8 000 Kelvin est une couleur plus bleuâtre ou froide et 2 000 est une couleur orange chaude. Maintenant, les caméras vidéo s'ajusteront toujours à cette température, c'est ce qu'on appelle la balance des blancs. L' appareil photo veut équilibrer ses couleurs afin que le blanc soit blanc et non bleu ou orange. Vous pouvez régler cela manuellement sur un appareil photo professionnel ou vous pouvez également le régler sur la balance des blancs automatique. Cela signifie que vous pouvez faire les couleurs chaudes d'une bougie, par exemple, regarder blanc neutre, ou en d'autres termes, votre appareil photo va faire une correction de couleur. Malheureusement, ce n'est pas si facile. Parfois, nous voulons avoir des couleurs froides ou chaudes ou nous avons par erreur réglé notre appareil photo sur une mauvaise balance des blancs. Ensuite, nous devons corriger cela dans la post-production ou l'édition. Mais nous allons plonger plus profondément dans la balance des blancs plus tard dans ce cours. Maintenant, il y a deux autres couleurs qui ont un certain sentiment derrière elles. Si vous regardez à nouveau sur la roue de couleur, nous pouvons également trouver le vert et le magenta comme les deux couleurs opposées. Cette partie est appelée la teinte. Maintenant, ces couleurs n'ont pas un certain nom car elles ont l'air artificielles. Donc, ils sont souvent utilisés pour réparer quelque chose. Par exemple, les lumières de florescence ont tendance à projeter une couleur verte. Maintenant avec la balance des blancs, nous ne pouvons pas enlever ce vert, donc nous utilisons la teinte. En ajoutant du magenta, nous neutralisons le vert. Mais bien sûr, c'est là que nous voulons avoir des couleurs réalistes. Lorsque vous souhaitez ajouter un certain sentiment à votre vidéo, vous pouvez y ajouter du vert. Comme je l'ai déjà dit, ça a l'air assez artificiel, c'est pourquoi on voit habituellement ces couleurs dans les films de science-fiction. Ça a tendance à vous donner l'impression qu'il y a quelque chose d'naturel, extraterrestre, artificiel. Maintenant, revenons à la roue de couleur. Nous avons vu que le bleu et l'orange sont des couleurs opposées. La même chose vaut pour le vert et le magenta et aussi toutes les autres couleurs que vous voyez dessus. C' est une roue, donc chaque couleur a également une couleur négative ou opposée. Cela signifie que si vous voulez supprimer une certaine couleur d'une vidéo, vous devez y ajouter la couleur opposée. Jetons donc un coup d'œil à cette technique dans le prochain chapitre où vous apprendrez ces choses dans Premiere Pro. Vous disposez désormais d'une base solide et ces informations vous aideront à mieux comprendre tout ce que nous allons faire dans Premiere Pro. Merci encore d'avoir regardé et bonne chance avec un petit quiz qui suivra dès maintenant. 7. Les outils de base: Salut les gens. Bienvenue au deuxième chapitre de ce cours. Nous allons commencer cette leçon avec les outils de correction de base. La première chose que vous voulez faire est de sélectionner l'un des clips sur lesquels vous souhaitez effectuer des changements de couleur , puis sur votre droite, nous pouvons trouver tous les outils Lumetri Color. Maintenant, comme vous pouvez le voir, nous avons cinq onglets ici. Nous avons la correction de base et si nous cliquons dessus, nous pouvons trouver plusieurs polices d'options et ensuite nous avons Creative, Curves, Color Wheels, et enfin Vignette. Mais commençons par les outils de correction de base. Ouvrez cela et la première option que nous pouvons voir ici est le LUT d'entrée. Cliquez sur ce menu déroulant et il vous donne plusieurs options. Maintenant, comme vous pouvez le voir, ce sont tous des profils de caméra. Vous avez un profil ARRI Alexa, nous avons des profils CANON ou aussi NIKON DSLR, mais même des profils GOPRO, et vous pouvez également ajouter un profil personnalisé si vous le souhaitez. Maintenant, je vais expliquer cela très rapidement parce que j'ai une leçon séparée à ce sujet parce qu'il nécessite plus d'informations et il n'y a pas de bonnes informations aussi sur Internet mais fondamentalement ce qu'il faut faire est de modifier les couleurs de votre clip afin que vous puissiez commencer à effectuer vos corrections de couleur. Par exemple, je vais sélectionner ce profil CANON 5D, et cela va changer les couleurs de mon clip et maintenant je peux commencer à faire mes corrections de couleur ou mes classements dessus. C' est un profil de départ, c'est ce qu'il fait. Mais plus à ce sujet encore plus tard dans ce cours, donc je vais juste le remettre à zéro. La prochaine option que nous avons est la Balance des blancs, donc c'est quelque chose que nous avons vu précédemment dans ce cours. On a le curseur Température et Teinte. Ajoutez un peu plus de chaleur ou un peu plus de froid à la prise de vue. Même chose pour la Tint, ajoutez un peu plus de vert ou un magenta à votre photo. Maintenant, nous pouvons soit utiliser ces curseurs pour classer vos séquences par exemple, rendre vos photos plus chaudes, mais aussi si vous avez réglé une température de couleur incorrecte dans votre appareil photo, vous pouvez corriger cela ici avec ce curseur. Maintenant, pour réinitialiser cette valeur, suffit de double-cliquer sur le curseur, nous y allons. Il est maintenant réinitialisé. La même chose pour la Tint aussi. Jetons un regard fragile sur les paramètres que nous avons. La prochaine chose est l'exposition à partir des paramètres Tone et comme son nom l'indique, il suffit d'ajouter une certaine exposition ou de diminuer l'exposition. En d'autres termes, la luminosité peut être modifiée ici. Encore une fois, double-cliquez pour réinitialiser cette valeur. La prochaine chose est le Contraste, et c'est quelque chose d'intéressant. Le contraste est la différence entre les reflets et les ombres de votre photo. Par exemple, les faits saillants sont juste ici dans la face de la caméra sur le côté droit et les ombres sont prises de vue qui est assez noir ou sombre ici. Eh bien, je vais diminuer cette valeur, vous pouvez alors voir que l'exposition des reflets et des ombres a été ajustée de sorte que ces deux niveaux se rapprochent les uns des autres en termes de luminosité ou d'exposition. Eh bien, je vais augmenter, cette valeur le Contraste, vous pouvez alors voir qu'il y a une plus grande différence entre les lumières et les ombres. Habituellement, un contraste riche, ce que nous parlons quand le Contraste est élevé est plus agréable à l'œil à regarder, donc c'est tout pour le contraste il suffit de double-cliquer dessus pour réinitialiser cela à nouveau. Ensuite, les quatre prochaines options que nous avons sont les Faits saillants, Ombres, les Blancs et les Noirs. Maintenant, vous pourriez penser au début que les Highlights, les Blancs, et les Ombres, et les Noirs sont un peu les mêmes et c'est vrai , mais ils ont une petite différence en eux. Ce que les faits saillants font en fait, c'est qu'il augmentera l'exposition des faits saillants ou diminuera l'exposition des faits saillants tandis que les blancs, eh bien, je vais le réinitialiser, feront exactement la même chose, augmentent ou diminuent l'exposition des Blancs, mais il y a un peu de différence entre ces deux cas. Les points forts ne toucheront pas toutes les zones blanches de vos photos. Pour mieux expliquer ça, j'ai une autre photo qui est surexposée. Laisse-moi juste zoomer sur le visage de la caméra ici, je vais régler ça à 100 pour cent comme ça. Quand nous allons changer maintenant les faits saillants juste regarder son visage, ce qu'il va faire. Je vais diminuer les faits saillants et il réparera en quelque sorte les parties surexposées mais pas entièrement parce que les pièces surexposées sont perdues, ce qui est juste ici sur le côté droit et donc les points forts ne toucheront pas non plus les parties surexposées réelles. C' est quelque chose que les blancs feront. Réinitialise les faits saillants à nouveau et je vais diminuer les Blancs maintenant et ici vous verrez que son visage commence à devenir grisâtre. C' est parce que les blancs touchent les parties surexposées. C' est la différence entre les Highlights et les Blancs. Les faits saillants et aussi la même chose pour cela vaut pour les Ombres d' ailleurs, mais alors nous parlons de parties sous-exposées. Ils ne toucheront que les pièces qui ne sont pas coupées ou trop ou sous-exposées et ils peuvent être utilisés pour corriger certains problèmes. Comme pour les Blancs et les Noirs, vous devez être prudent quand vous allez les utiliser. Réinitialisez ces valeurs parce que le dernier paramètre que je veux vous montrer maintenant est la Saturation et pour cela je vais revenir à mon plan normal et changer la taille de la toile pour qu'elle s'adapte. La saturation ajoutera plus de couleurs à votre prise de vue, rendra vos couleurs plus saturées comme le dit le nom ou elle diminuera également la saturation afin que vous ayez un plan noir et blanc. C' est tout pour les outils de correction de base, c'est ce qu'ils font et comment ils fonctionnent. Merci encore d'avoir regardé et je vous verrai tous dans la prochaine leçon. 8. La balance des blancs (extra): Premiere Pro continue à mettre à jour ses programmes et c'est une bonne chose. Cela arrive aussi après que j'ai créé ce cours. En ce moment, il y a de nouvelles fonctionnalités dans les outils Lumetri. L' un d'eux est le sélecteur automatique pour la balance des blancs. Vous pouvez trouver que juste au-dessus de vos paramètres de balance des blancs, nous avons ce sélecteur de couleurs juste ici. Très simplement ce qu'il fait est que vous pouvez sélectionner un point blanc dans votre vidéo et dire à la première que, c'est blanc. Pour ajuster sa température et sa teinte en conséquence pour rendre ce point réellement blanc, et cela changera également les autres couleurs votre photo afin que votre balance des blancs soit réglée correctement. Il s'agit d'un outil typique que vous souhaitez utiliser lorsque votre balance des blancs est désactivée dans votre appareil photo. Faisons ça un instant. Je vais cliquer ici sur le sélecteur de couleurs et bien, ces portes juste ici, elles auraient dû être blanches et elles sont assez jaunes en ce moment. Je vais juste cliquer dessus. Commençons par la porte droite juste ici. Comme je clique dessus, vous pouvez voir que tout de suite il a en fait fixé en quelque sorte les couleurs, et c'était assez drastiquement donc vous ne serez jamais en mesure d'obtenir ce est vraiment juste. Il est toujours préférable, bien sûr, de régler aller à la température, juste corriger à la caméra. Maintenant, nous voulons vous avertir qu'en utilisant ces outils automatiques, vous voulez toujours utiliser vos yeux pour vous assurer que l'outil a fait son processus correctement. Pour le moment, tout semble bien. Assurez-vous également de lancer un script à travers cette vidéo et de voir si tout semble bien. Mais supposons, par exemple, que j'ai sélectionné un point différent dans cette vidéo, par exemple, ici à ma gauche, où il est encore plus jaunâtre et c'est à cause de cette ombre que nous avons ici. Quand je vais cliquer dessus, vous verrez maintenant que c'est en fait beaucoup trop bleu. A ce stade, oui, les couleurs sont meilleures, mais de l'autre côté ici sur cette porte, c'est en fait trop bleu. Maintenant, vous pouvez ajuster cela en ajoutant un peu plus de température à cela, ou aussi changer la teinte. Comme vous pouvez le voir, Lumetri a ajouté trop de magenta à leur graphique. Vous voulez également ajuster cela en conséquence, ou peut-être simplement prendre ce sélecteur de couleur à nouveau et sélectionner un meilleur point jusqu'à ce que vous l'ayez correctement. C' est tout pour le sélecteur automatique de balance des blancs, ce n'est rien de plus que ça. Mais il y a un outil de plus et c'est le secondaire HSL ici. C' est aussi une nouvelle fonctionnalité des mises à jour de juin 2016 et nous allons plonger dans ce qui est beaucoup plus, d'ailleurs, comme vous pouvez le voir plus loin dans ce cours. Merci encore d'avoir regardé, et je vous verrai dans la prochaine leçon. 9. La forme d'onde: On a ce clip vidéo de Kim assis devant une fenêtre. Par conséquent, il est très lumineux ici à l'intérieur de la fenêtre, mais aussi très sombre ici dehors sur les bords de cette fenêtre. Maintenant, si nous voulons savoir ce que nous pouvons faire avec ça, nous devons mesurer cette image ici. Nous disposons maintenant de quelques outils de mesure directement dans Premiere Pro. L' un d'eux est l'outil de forme d'onde que je veux vous expliquer comment celui-ci fonctionne. Pour appeler cet outil de forme d'onde, il vous suffit d'aller au menu, de sélectionner Fenêtre, puis de là, de sélectionner les Portées Lumetri. Vous cliquez dessus et cela ouvrira vos outils de mesure, et déjà nous pouvons voir la forme d'onde. Si vous ne pouvez pas voir la forme d'onde ici, cliquez avec le bouton droit de la souris dans cette fenêtre et sélectionnez la forme d'onde à partir de là. Vous pouvez également sélectionner d'autres outils de mesure comme le vectorscope ici, que nous allons jeter un oeil dans la leçon suivante, mais pour l'instant, je veux me concentrer sur la forme d'onde. Ce que vous voulez faire est de désélectionner tout sauf la forme d'onde, donc je vais juste désélectionner à nouveau le vectorscope. Faire une couleur. Avant de commencer, je dois d'abord expliquer la différence entre une forme d'onde colorée et une forme d'onde de luminance. Nous voyons actuellement le RVB ou la forme d'onde colorée. Si nous faisons un clic droit à nouveau ici, nous pouvons aller aux options de type de forme d'onde, et à partir de là, nous pouvons choisir Luma. Si je clique dessus, vous verrez que toutes les couleurs ont disparu, et nous avons maintenant une forme d'onde en noir et blanc. C' est une forme d'onde luma. Maintenant, les deux sont en fait exactement les mêmes, mais la forme d'onde des couleurs contient plus d'informations que celle-ci. Comme son nom l'indique, voici la forme d'onde luma, qui signifie qu'elle ne montrera que l'exposition ou la lumosité de la scène. Si vous souhaitez voir chaque canal de couleur séparément, sorte que l'exposition ou la luminance de chaque canal, nous devons sélectionner, cliquez à nouveau, aller au type de forme d'onde, la forme d'onde RVB. Maintenant, nous pouvons voir ces couleurs. Maintenant, si cela peut être un peu fou pour vous, faites un clic droit à nouveau sur cela et ouvrez également le défilé pour une fois. Le défilé montre chaque canal de couleur séparé, donc ici nous avons les rouges, les verts et les bleus. Si nous posons tous ces trois l'un sur l'autre, nous obtenons la forme d'onde RVB. Ces deux-là sont exactement les mêmes, mais nous prenons juste chaque couleur séparément. Pour l'instant, je veux laisser de côté le défilé RGB. Regarde l'exposition. Encore une fois, je vais désélectionner le défilé et je vais changer ma forme d'onde ici pour la forme d'onde luma. Nous avons une façon verticale et horizontale de lire cette forme d'onde. Commençons par la voie verticale. La façon verticale montre la luminance ou l'exposition de 0 à 100, 100 signifie très blanc ou beaucoup d'exposition, qui est cette fenêtre juste ici. Ceci est surexposé en fait, donc l'information de cette fenêtre se trouve en haut juste ici, nous pouvons aussi le voir à 100. Le reste se trouve au milieu quelque part, donc Kim, ces feuilles, etc, ils sont tous assis quelque part au milieu. Et enfin, nous avons les Noirs, qui sont les ombres ici, et ils sont tous allongés en bas. C' est déjà une grande partie, c'est ainsi que nous pouvons définir une certaine luminance à notre vidéo. Si vous n'êtes pas sûr de savoir s'il y a encore des détails dans vos ombres ou vos surlignements, vous pouvez le voir ici, qu' il y en ait ou non. C' est tout pour la façon verticale de lire ceci. Ensuite, il y a la voie horizontale, et la voie horizontale est une représentation de notre image vidéo ici. Commençons sur le côté gauche où il n'y a que du noir, juste ici, juste avant que cette fenêtre ne commence. À ce stade, nous n'avons pas de blancs ou de points forts, donc nous devrions aussi voir cela dans nos formes d'onde, et c'est aussi de cette façon. La première partie de nos formes d'ondes n'a que des informations en bas dans l'ombre, tout se trouve en dessous de 10 pour cent, et c'est cette partie juste ici. Mais aussi, très important, vous pouvez voir qu'il ne reste pas encore sur zéro, et cela signifie que nous avons encore quelques petits détails ici. Il n'est pas sous-exposé. Mais si nous allons plus loin sur cette image, nous arrivons à la fenêtre juste ici, vous pouvez alors voir que nous sommes surexposés ici. C' est la fenêtre, et comment je le sais ? Parce qu'ici, nous avons ce petit écart comme vous pouvez le voir, et c'est cette partie par ici. Cela fait en sorte que nous avons ce petit écart dedans et que nous commençons ensuite la grande fenêtre là-bas, et c'est cette partie. Encore une fois, nous avons ce petit espace, comme vous pouvez le voir par ici, et puis nous avons l'autre fenêtre, qui a quelques feuilles et moins de ciel, et donc cette partie n'est pas surexposée. Comme vous pouvez le voir, cette information ne colle pas sur le 100 pour cent comme avec la fenêtre au total ici. Encore une fois, la fenêtre s'arrête ici, et puis nous avons encore une partie noire, et c'est cette partie où toutes les informations se trouvent en dessous. C' est ainsi que vous pouvez lire une telle forme d'onde. Mais faisons ça avec un autre clip. Je vais ouvrir le dossier des clips, et d'ici, je vais juste sélectionner un clip normal où Kim est juste debout, si vous pouvez en trouver un. Oh, juste là. Faites glisser ça sur votre timeline comme ça. Fermez ce dossier, et je vais m'y tenir maintenant. Vous pouvez voir que nous n'avons pas de parties trop ou sous-exposées, ce qui est génial. On a encore un peu d'espace de tête ici. Encore une fois, quand je vais lire ceci, je vois clairement que cette partie ici est là où Kim se tient parce qu'il y a plus d'informations ici assis vers les Noirs, et c'est à cause de sa chemise noire. Parce que la lumière vient du côté droit, ce qui fait passer sa chemise de très noir à un peu moins noir, vous pouvez également voir cette ligne aller vers le haut, allant de presque zéro, un peu jusqu'à 10 pour cent quelque part. Voyons maintenant ce que font ces formes d'onde quand je vais faire une correction de couleur sur eux. Par exemple, je vais augmenter l'exposition. Comme vous pouvez le voir, il soulèvera également ces formes d'onde, et c'est normal bien sûr. Je soulève les ombres, je soulève tout, les points forts, les tons moyens, tout monte juste quand j'augmente l'exposition. Mais il y a un certain point où je vais augmenter cela en fait trop. À 100 pour cent, nous pouvons aller plus haut, donc tout est écrêté et brisé l'un l'autre. Bien sûr, cela crée une image surexposée, donc ce n'est pas ce que nous voulons bien sûr. Il suffit de réinitialiser l'exposition à nouveau. Jetons un coup d'oeil quand nous allons seulement ajuster les ombres, par exemple. Quand je vais augmenter les ombres maintenant, ce que je devrais seulement voir maintenant, c'est que la chemise de Kim va être soulevée parce que ce sont les ombres qui sont en bas ici. Laisse-moi faire ça. Augmentez les ombres, et regardez ce qui arrive les gens. En effet, les ombres sont levées, mais cette information ici, que je pensais aussi remonter, ne monte pas tellement. Ici, vous pouvez maintenant certainement voir la différence entre les ombres et les noirs quand je vais changer ceux maintenant. Juste, encore une fois, réinitialisez les ombres et regardez ce qui va se passer quand je vais augmenter les Noirs maintenant. Maintenant, il prend toutes ces informations et soulève ça, et c'est la grande différence entre l'ombre et les noirs. Encore une fois, la même chose vaut pour les faits saillants et les blancs d'ailleurs. Les ombres vont préserver un peu plus les noirs. Il va être prudent en les soulevant. C' est aussi ainsi que nous pouvons utiliser ces formes d'onde. Par exemple, je voudrais ajouter un contraste à la scène, mais je veux m'assurer que je ne surpasse pas ou sous-expose aucune partie. Comme vous pouvez le voir, j'ai encore un peu d'espace de tête ici et aussi un petit peu plus bas ici, donc je pourrais augmenter mon contraste jusqu'à ce qu'ils touchent presque le zéro et 100 pour cent. C' est ainsi que nous pouvons utiliser la forme d'onde. Mes informations sont-elles coupées ou non ? Qu' est-ce que la coupure, je veux dire que l'information va coller vers 100 ou coller vers zéro. Cela signifie que l'information est coupée. Quand nous allons jeter un coup d'oeil sur le premier tableau, il est très clair que beaucoup de blancs sont juste coupés. Ils sont surexposés, nous ne pouvons plus rien faire avec eux. Dans la leçon suivante, nous allons jeter un oeil au vectorscope. Merci encore d'avoir regardé. 10. Le vectorscope: Continuons avec les scopes Lumetri. Nous allons jeter un oeil maintenant dans cette leçon sur le vectorscope. Nous avons vu que dans la leçon précédente pour changer cela, nous avons juste un clic droit ici et sélectionnez le vectorscope. Maintenant, comme vous pouvez le voir, nous avons deux options pour cela. Laissez-moi les ouvrir tous les deux. Cliquez d'abord sur le HLS, puis cliquez à nouveau avec le bouton droit de la souris, puis sélectionnez YUV. Je vais désélectionner la forme d'onde pour l'instant, pour qu'on puisse les voir l'un à côté de l'autre. Maintenant, fondamentalement, ces deux-là sont exactement les mêmes, mais le second juste ici sur le côté droit, c'est le YUV, a plus d'informations dedans. Celui de gauche montre tout ce qui se trouve dans ce cercle ici. Celui-ci est en fait un peu zoomé comme vous pouvez le voir. Je vais fermer celle ici à gauche pour que nous ayons plus d'informations avec lesquelles nous pouvons travailler. Cliquez avec le bouton droit de la souris et je vais désélectionner le HLS. Travaillons avec ce vectorscope ici. La première chose que vous verrez est la roue de couleur. Nous l'avons vu dans ce cours jusqu'à présent. On peut voir plusieurs des couleurs de base comme les magentas, les bleus, les cyans, les verts, les jaunes et les rouges là-bas. Chacun d'eux a une couleur opposée. Les jaunes ont leur bleu comme couleur opposée. Les magentas ont leur vert comme la couleur opposée, et le rouge ont leurs cyans comme la couleur opposée. C' est un contrôle ici aussi dans les outils de couleurs Lumetri. Si je sélectionne mon clip, que nous pouvons également changer. Il se peut déjà que le vectorscope affiche les couleurs de vos prises de vue et c'est correct. Mais avant d'aller changer de couleur, commençons par la saturation. Comme avec l'exposition, il y a aussi une certaine quantité de saturation et on peut aussi sursaturer ou sous-saturer un certain plan et cela peut être vu ici. Ajoutons simplement un peu de saturation et regardons ce que cette information blanche fait ici. Augmentez la saturation et il devient également plus grand. Quand je vais diminuer la saturation, ça descend à un très petit point. Au milieu juste ici, nous pouvons trouver zéro et à l'extérieur nous pouvons trouver 100, et tout ce qui est au-dessus est en fait sursaturé. C' est pourquoi ce vectorscope est si génial pour voir si votre saturation est sursaturée ou non. Pour saturer cela correctement, je vais ajouter une certaine saturation jusqu'à ce que je touche presque ces bords comme ça. C' est en fait la saturation maximale que je peux aller maintenant. Mais ça va plus loin que ça. Changeons le contraste. Je vais ajouter un peu plus de contraste et regarder ce qu'il fera dans notre vectorscope. Non seulement l'exposition, les noirs et les faits saillants sont affectés, mais aussi la saturation. Nous gagnons plus de saturation en ajoutant du contraste. Je vais réinitialiser le contraste et maintenant diminuer les ombres. Aussi, regardez ici, la saturation va un peu plus haut. Quand je vais augmenter les ombres, regardez ce qu'il va faire maintenant, ça fera le contraire. Cela diminuera un peu la saturation. C' est encore plus clair quand on va diminuer le contraste. Il y a maintenant moins de saturation. C' est certainement quelque chose à prendre en compte, quand je vais augmenter le contraste, vous devez vous assurer que vous pourriez faire baisser votre saturation un peu jusqu'à ce qu'elle touche presque les extérieurs comme ça. Maintenant, je suis aussi sûr que la saturation est correcte. C' est tout pour la saturation. Sachez que chacun de vos outils d'exposition peut également affecter votre saturation. C' est pourquoi vous devez toujours vérifier cela à l'intérieur de votre vectorscope. Mais il y a une autre chose, non seulement la saturation, mais aussi la façon dont les couleurs sont équilibrées peut être vu ici. Laissez-moi juste réinitialiser toutes ces valeurs ici. Lorsque, par exemple, j'ai réglé ma température de couleur un peu mal à l'appareil photo, vous pourriez voir quelque chose comme ça. Mon tir est beaucoup trop chaud, mais aussi toutes mes couleurs sont maintenant plus penchées vers les parties rouges ou jaunes. Vous pourriez vous demander, combien de bleu dois-je ajouter jusqu'à ce que les couleurs soient neutres ? Ce n'est pas toujours si facile de voir quand il n'y a pas de parties blanches. Amenez cela jusqu'à ce que l'information se trouve d'une manière ou d'une autre au milieu. Si j'ajoute trop, vous verrez aussi toutes les couleurs se penchant vers le bleu, ce qui n'est pas bon aussi. Essayez de trouver un milieu. Ne regardez pas votre curseur ou votre image même, regardez seulement votre vectorscope et essayez de rechercher un point où cette information se trouve quelque part au milieu comme ça. Ce tir avait même besoin d'un peu plus de chaleur, comme vous pouvez le voir. Comme en premier lieu, nous avons pensé que la température de couleur était en fait correcte. Mais en fait, ce n'était pas parce que les champs nous diraient la différence. Bien sûr, nous pouvons aussi jouer avec la teinte. On a les magentas et les verts. Si j'y ajoute plus de vert, vous pouvez voir que toutes les couleurs se pencheront plus vers cela ou si j'ajoute plus de magenta, toutes les couleurs se pencheront plus de ce côté. Alors peut-être que vous voulez corriger ça aussi. C' est généralement quand vous allez les remplir avec des éclairages fluorescents bon marché ou d'autres lumières artificielles qui ont une certaine couleur coulée à elle. Ensuite, juste ici, vous pouvez réparer cela, s' assure que les couleurs sont posées quelque part au milieu, comme ça. C' est ainsi que fonctionne le vectorscope. Nous allons utiliser le vectorscope en conjonction avec les outils de forme d'onde. Cliquez avec le bouton droit de la souris ici et sélectionnez vos outils de forme d'onde. Maintenant, si nous voulons corriger cette image en couleur, nous allons jeter un oeil à ces deux portées, mais c'est pour la prochaine leçon. Merci d'avoir regardé. 11. Une correction de couleur de base: Utilisons les informations que nous avons apprises jusqu'à présent pour effectuer une correction de couleur de base sur ce clip ici. Comme vous pouvez le voir, il y a des choses qui ne vont pas. C' est un peu surexposé et la balance des blancs a été mal réglée. Le tir est trop chaud. Donc, nous allons utiliser les outils ici à droite, mais aussi regarder nos étendues élémentaires ici à gauche pour corriger cette photo de couleur. Encore une fois, sélectionnez toujours vos clips pour que nous puissions commencer. La première chose que nous allons faire, c'est l'exposition. Parce que vous savez que les contrôles d'exposition ici peuvent également affecter les couleurs. Donc, faites toujours d'abord les paramètres d'exposition , puis corrigez ensuite vos saturations ou couleurs. Donc, si nous regardons la forme d'onde, vous pouvez voir que beaucoup d'informations sont assis sur le dessus, ce qui signifie que c'est un peu surexposé. On ne perd pas de détails, peut-être un petit peu ici et là-bas, mais je ne pense pas que ce soit tellement. Nous avons encore beaucoup d'espace en bas ici. Donc la première chose que nous voulons faire est juste de réduire l'exposition. Prenez ce contrôle ici et déplacez tout un peu plus vers le milieu comme ça. Mais attention à ne pas filtrer les Noirs ici. Peut-être que si vous voulez réduire encore plus l'exposition, vous pourriez élever les Noirs une seconde. Alors déplacez ça comme ça. Maintenant, vous pouvez réduire l'exposition encore un peu plus. Ce qu'on fait en fait, c'est qu'on soulève ce pic ici en remontant les Noirs. Maintenant, ne regardez pas seulement vos formes d'onde, mais aussi votre image. Ce que je peux voir par exemple est ici sur le côté droit du visage de Kimara, il est encore un peu surexposé. Je pense que ces parties ici sont celles d'ici. Le visage est en fait quelque chose qui devrait être autour du 70 pour cent ou 75 pour cent. Donc, je vais rouler sur les faits saillants, faire tomber les faits saillants pour corriger ça un petit peu. Comme vous pouvez le voir, l'information va maintenant plus vers le 70 pour cent, ce qui est bon. Cela signifie aussi maintenant que je peux augmenter l'exposition à nouveau car je reçois plus de place au-dessus. Alors augmentez encore ça. C' est en fait aussi ce que les corrections de couleur tout au sujet. Vous allez ajouter quelque chose ou supprimer quelque chose, et ensuite vous allez changer les paramètres. Donc, comme vous pouvez le voir, j'ai d'abord défini l'exposition à une certaine valeur. Ensuite, j'ai apporté des changements aux faits saillants, puis j'ai vu que je devais repenser ma valeur d'exposition. Donc j'ai dû changer ça à nouveau. En fait, vous faites constamment cela tout en corrigeant la couleur d'une image. Donc, l'exposition commence à bien paraître. Mais je perds un peu de contraste alors que je soulève les noirs ici, je supprime certains des faits saillants, alors augmentez à nouveau les contrastes. Mais gardez un oeil dans vos formes de vague que vous n'allez pas couper vos informations comme ça, juste un petit peu. Maintenant, ça commence à être superbe. Bon, donc c'est tout pour l'exposition. Nous utilisons tout le spectre de zéro ou je dirais presque zéro à presque 100s et c'est une bonne chose. Assurez-vous que vous utilisez ce spectre si vous souhaitez avoir une image propre. On ne parle pas d'étalonnage des couleurs ici, les gars. Nous parlons de correction des couleurs. À la correction des couleurs, nous voulons avoir un aspect naturel. Pour chaque look naturel, nous voulons utiliser tout le spectre comme ça. Assurez-vous que la plupart des informations est quelque part au milieu autour de la 70 pour cent pour les tons de peau et le reste est tous assis de zéro à 100. Donc c'est bien ici. Maintenant, regardons les couleurs, parce que c'est une autre histoire. Ces choses ne sont pas bonnes pour le moment. Comme on peut le voir dans l'image, mais aussi dans les portées vectorielles, les couleurs sont toutes orientées vers le jaune, orange, le rouge, le tout vers cette partie. Nous devons donc ajouter un peu de bleu pour l'amener vers les autres côtés. Comme nous l'avons vu, nous pouvons le faire avec les outils de balance des blancs ici, juste ajouter un peu de bleu à ce plan. Pendant que vous faites cela, assurez-vous de regarder la portée de votre vecteur ici pour que l'information se trouve quelque part au milieu, quelque part comme ça. Maintenant, même si cela a été tourné avec de la lumière naturelle, quand la caméra est réglée à une température de couleur incorrecte, nous pouvons parfois obtenir un changement de couleur dans la teinte. Nous pouvons aussi voir que, qu'il y a plus d'informations se penchant sur les verts. Donc je vais ajouter du magenta dans cette photo, mais juste un petit peu, pas trop, pour que cette information soit plus au milieu. Maintenant, les couleurs sont aussi beaucoup mieux. Peut-être ajouter un peu plus de bleus parce que quand je regarde l'image, il est encore un peu trop chaud, donc je vais ajouter un peu plus de bleu à elle. On y va. On a des pointes bleues ici. C' est en fait à cause des faits saillants ici. Le visage de Kimara est un peu surexposé. Donc une chose qu'on peut faire ici, c'est juste diminuer les blancs. Ça fera tomber cette pointe. Mais là encore, vous pouvez voir que votre visage commence maintenant à devenir un peu gris. Donc, malheureusement, c'est quelque chose que nous ne pouvons pas réparer. C' est surexposé et on ne peut rien faire avec ça. Donc je vais ramener ces blancs parce que ça ne semble pas trop bien. On va juste devoir le faire comme ça. Mais bien sûr, nous utilisons toujours les outils de correction de base. Il y a d'autres options où nous pouvons résoudre ce problème plus, mais c'est pour plus tard dans ce cours lorsque nous allons également jouer avec les courbes créatives, les roues de couleur et les outils de vignettage. Pour l'instant, je pense que nous avons fait un excellent travail pour corriger cette image ici. Si je regarde l'avant et l'après en décochant et en cochant à nouveau cette case ici, vous pouvez voir l'avant et l'après. Donc, il semble déjà beaucoup mieux maintenant. Ce n'est pas parfait, mais pour l'avoir parfait, vous avez juste besoin de prendre vos images avec la température de couleur correcte et les réglages corrects. Alors vous n'avez plus à faire autant de travail de post-production. Moins vous avez de travail de post-production, mieux vos photos seront aussi. Donc c'était tout pour cette leçon vidéo et aussi pour ce chapitre où j'ai expliqué tous les outils de base. Dans le prochain chapitre, nous allons plonger dans les outils les plus avancés et nous allons commencer avec les effets créatifs ici. Alors merci beaucoup d'avoir regardé. Encore une fois, comme n'importe quel chapitre précédent, nous allons faire un suivi avec un petit quiz. Je vous souhaite tout le succès et je vous verrai tous dans le prochain chapitre. 12. Comment travailler avec des LUT: Salut les gars, bienvenue au chapitre 3 de ce cours. Dans ce chapitre, nous allons jeter un oeil à certaines des choses les plus avancées avec les outils de couleur Lumetri, et nous allons commencer dans cette leçon en particulier avec les LUT. Maintenant, nous avons vu ce petit peu dans l'une des leçons précédentes, mais je veux avoir un aperçu plus détaillé dans cette leçon. Voyons donc encore où on peut trouver les LUT. Lorsque vous sélectionnez votre clip, les outils de couleur seront activés et à partir de votre onglet Correction de base, vous trouverez le LUT d'entrée et qui vous donne un menu déroulant de toutes sortes de LUT où nous pouvons choisir. Maintenant, un LUT signifie une table de recherche et c'est en fait un fichier mathématique qui va modifier votre image. Maintenant, essentiellement ce qu'il va faire, c'est qu'il va changer l'apparence de votre image. Donc, il fera une correction pré-couleur sur vos séquences. Donc, par exemple, quand je prends l'un de ces, disons simplement le fichier LUT de la caméra de cinéma magique noire, alors vous verrez que les couleurs changent. Les couleurs, le contraste, tout peut changer ici et qui est stocké dans le fichier LUT. Maintenant, pourquoi devrions-nous utiliser un de ces fichiers LUT ? Eh bien, par exemple, je vais réinitialiser ça à zéro. Tu vois que ce plan est plutôt plat. Quand je vais comparer ça à une autre photo, quand j'ouvrirai mon dossier Clipse et je vais juste prendre un tir normal d'ici à celui-ci. Il suffit de fermer cela à nouveau et je vais comparer cela à ce plan, vous verrez qu'il y a beaucoup plus de contraste et de couleurs disponibles dans ce plan. Comme nous en sommes là, le premier ici est très plat, et cela se fait avec un réglage à l'intérieur de la caméra. Certaines caméras ont un profil de journal spécial pour leurs caméras et qui vont tirer très à plat. Par exemple, les caméras Sony ont un profil SLOG2, ou aussi un profil SLOG3 et qui va également tirer très à plat. Pourquoi tirer à plat ? Eh bien, lorsque vous photographiez en mode très plat, donc quand nous jetons un coup d'oeil sur les portées élémentaires juste ici, vous verrez que nous avons beaucoup plus d'espace pour faire notre correction des couleurs. Nous avons encore un peu d'espace ici à l'ombre, mais nous avons aussi un peu plus d'espace ici aux points forts et quand je compare cette photo à l'autre, vous verrez que ce profil luthilifie beaucoup plus la gamme dynamique. Donc, nous sommes presque à zéro ici à l'ombre, et nous sommes aussi presque au sommet, nous avons encore un peu d'espace de tête, ce n'est pas si extrême, mais certaines caméras tournent même et je vais juste faire quelque chose ici et un profil comme celui-ci que c'est un contraste extrême, mais il y a des caméras qui sont capables de tirer comme ça et une fois que vous avez de telles couleurs, vous ne pouvez plus faire grand-chose avec elle. Vos ombres sont sous-exposées et parfois vos reflets seront également surexposés. Donc, il vous donne plus de terrain de jeu dans le flux de travail de correction des couleurs. C' est pourquoi nous allons filmer sur des profils plats. Maintenant, les profils plats ont un grand avantage, mais ils viennent aussi avec quelques inconvénients. Les profils plats doivent être corrigés de couleur à chaque fois. Donc, à chaque tir, vous devez y ajouter un peu de contraste et peut-être y ajouter un peu de saturation, juste pour le rendre naturel et le faire à chaque fois est juste trop de travail. Il y a une raison sur l'utilisation des LUT. Je vais juste réinitialiser cela à nouveau, aussi la saturation ici. Par exemple, disons que je vais sélectionner dans ce menu déroulant, le SLOG3 dont je parlais. Maintenant, il va en fait ajouter un peu de contraste et saturation etc à ce plan qui correspond au profil SLOG3. Maintenant, le grand avantage d'utiliser un LUT maintenant est que lorsque le LUT va surestimer des parties de votre image, vous pouvez toujours le sauver avec les commandes ci-dessous. Donc, vous pouvez par exemple dire que je vais appliquer un LUT à chaque prise ma chronologie et ensuite je vais résoudre les problèmes que le LUT a créés. Il est parfois plus facile et plus rapide de flux de travail. Par exemple, les surlignements ici sont peut-être un peu trop maintenant, et nous pouvons simplement le faire descendre avec le curseur de surbrillance ou même avec le curseur blanc ici, sans faire beaucoup de mal. Cependant, lorsque vous utilisez des LUT, vous devez savoir quel LUT vous n'utilisez pas. Je vais juste réinitialiser cela à nouveau mais je vais prendre un des LUT Alexa juste ici par exemple celui-ci ici, alors vous verrez que l'image semble un peu trop bleuâtre et que les points forts sont assez soufflés, et nous pouvons également voir cela ici dans la portée vectorielle et c'est parce que bien cela n'a pas été tourné sur un Alexa et donc j'utilise un mauvais profil. Maintenant, cela ne signifie pas toujours que vous devez exactement prendre le LUT de votre appareil photo parce que cela a été tourné sur un GH4 dans un profil CineD et je l'ai effectivement testé avec le profil SLOG3 et ça avait l'air correct. Donc je pourrais utiliser celui-ci, mais bien sûr la meilleure chose est toujours de chercher un profil qui correspond à votre profil de caméra et une façon de le faire est simplement d'aller sur Internet et de chercher votre appareil photo et de voir si vous pouvez trouver un LUT pour cela. J' ai aussi fait cela et j'ai trouvé le profil CineD. Lorsque je clique à nouveau sur ce menu déroulant, je peux sélectionner ici, parcourir et puis sur mon bureau ici, j'ai téléchargé le fichier CineD et sélectionnez cela, il suffit de l'ouvrir, et il s'appliquera à votre photo et ce définit le contraste et les couleurs de mon plan dans un granulés naturels et c'est essentiellement ainsi que fonctionnent les LUT. Maintenant, certaines personnes vont vous dire qu'elles vous diront ne jamais utiliser de LUT dans un flux de travail de correction des couleurs, ou d'autres personnes vous diront que vous devez les utiliser. Donc, il n'y a pas de règles sur l'utilisation des LUT ou ne pas les utiliser ou comment les utiliser. Je dis juste que tu les utilises correctement et que tu saches juste ce que tu fais. Si vous voulez faire un look comme celui-ci et qu'un LUT va vous aider avec cela, alors utilisez le LUT. Mais si vous découvrez que le LUT va faire quelque chose bizarre à votre image et que vous devez diriger beaucoup avec ces contrôles, alors peut-être ne pas les utiliser et cela dépend aussi beaucoup de savoir si vous allez créer vos séquences ou Corrigez vos séquences. C' est aussi ce que nous avons vu dans les leçons précédentes du premier chapitre, la différence entre la correction des couleurs et le classement des couleurs. Pour la correction des couleurs, je pense qu'un LUT d'entrée est un excellent moyen de commencer avec votre correction de base. Maintenant, si vous allez ouvrir l'onglet Creative, vous verrez également à nouveau un menu look à partir d'ici et qui donne à nouveau beaucoup de LUT, mais ils sont un peu différents, mais c'est pour la prochaine leçon. Merci d'avoir regardé. 13. Looks créatifs: Nous venons de voir ce qu'est un LUT et comment les utiliser dans l'onglet de correction de base. Mais si nous passons maintenant à l'onglet créatif, vous verrez également ce même menu déroulant, sauf dans ce cas, il s'appelle un Look au lieu d'un LUT. Mais essentiellement, c'est exactement la même chose. Cependant, dans l'onglet Créatif, vous trouverez quelques LUT différentes. Maintenant, ce sont plus, semble que le nom dit aussi. Comme vous pouvez le voir ici, nous avons les rhumes bleus, Blue Day for Night, Blue eyes, Blue intense, Cinespace, Gold sport, etc Maintenant ce sont tous des presets de gradation de couleur que vous pouvez utiliser directement sur votre clip. Il y a une fonctionnalité soignée ci-dessous où vous pouvez facilement frotter tous ces regards si vous appuyez sur cette flèche juste ici, puis vous pouvez voir l'un des aperçus de ce qu'il va ressembler. Si vous cliquez dessus, il est appliqué à votre clip, puis vous pouvez simplement scribe à nouveau à travers lequel jusqu'à ce que vous trouviez quelque chose d'intéressant. Par exemple, ici, nous avons le Cinespace. Je vais cliquer dessus à nouveau, il est appliqué à mon clip. En fait, ça a l'air plutôt bien maintenant. Vous pouvez également changer l'intensité de ce look. Vous pouvez ajouter plus ou vous pouvez l'ajouter moins. Parfois, juste un peu de ce look est déjà suffisant pour votre type de clichés. Cela dépend à nouveau de vos besoins. Mais dans ce cas, je vais juste garder ça sur 100 parce que je veux vous montrer quelque chose. Disons par exemple que nous avons choisi de travailler avec ce look, mais en fait le contraste est un peu trop. Je ne peux plus voir les détails ici, aussi ici en arrière-plan, les Noirs n'ont plus beaucoup de détails. Vous voyez aussi cela ici dans les étendues élémentaires où toutes ces informations se trouvent ici sur zéro. Donc ça veut dire qu'il est écrasé, c'est une coupure. Mais encore une fois, parce que cela n'a pas été tourné comme ça à l'origine, nous pouvons changer toutes ces choses à l'intérieur de la correction de base. Je vais revenir à la correction de base maintenant. Tu sais quoi ? Je vais juste augmenter les ombres comme ça. Vous verrez que toutes les informations sont juste là-dedans. Aussi, les faits saillants sont un peu trop, donc je vais faire tomber ça. Ça a l'air plutôt cool. On vient d'utiliser un préréglage pour un classement des couleurs et un bang, on a quelque chose. C' est quelque chose d'utilisable. Je vais être honnête ici. J' utilise aussi parfois un de ces presets juste parce qu'il est si facile à utiliser, mais nous sommes très limités à ce que nous pouvons faire, et nous ne savons pas non plus ce que nous faisons ici. Parce que quand il s'agit de l'évaluation des couleurs, vous devez toujours savoir quelles émotions je veux mettre dans ma vidéo. Habituellement, ce n'est pas si facile en feuilletant quelques presets ici pour trouver le genre de sentiment que vous recherchez. Habituellement, nous allons jouer avec les couleurs très en détail et ne pas utiliser aucun de ces presets, mais je veux que vous sachiez qu'il est là, et pour certains projets, qui doit aller vite, nous pouvons les utiliser de Bien sûr. Maintenant, vous n'êtes pas limité à cette liste comme avec le LUT, nous pouvons également brancher ici et nous pouvons trouver n'importe quel LUT que nous pouvons télécharger à partir d'Internet. J' ai un dossier juste ici que j'ai trouvé sur Internet. En passant, si vous recherchez simplement sur Google LUT, vous trouverez des tonnes de presets Looks que vous pouvez simplement télécharger gratuitement. Par exemple, ce que j'ai ici sont des looks Kodak et Fujifilm. C' est de l'ancien temps et je vais juste prendre n'importe lequel de ces, sélectionner ça. Apparemment, c'est l'apparence d'un film de Kodak. Cela pourrait donc être une identification pour appliquer d'abord un aspect d'un certain appareil photo de film à vos séquences numériques et commencer à évaluer à partir de là pour avoir ce look de film. En ce moment, je devrais avoir l'air d'un film Kodak, et maintenant je peux commencer avec mes corrections de base. Peut-être ajouter un peu plus de contraste, peut-être jouer avec les faits saillants, etc. Je peux même faire des effets plus créatifs sur elle, mais c'est pour la prochaine leçon. Merci d'avoir regardé. 14. Ajustements créatifs: Continuons avec les paramètres sous l'onglet Création. Nous avons vu les looks créatifs et maintenant nous avons quelques réglages plus bas ci-dessous. Maintenant, le premier réglage ici est le film fané, et ce que cela fait réellement, il va soulever votre noir de sorte que votre séquence ressemble à un film qui est fané comme le dit son nom. Quand je vais augmenter cela, vous verrez ce qu'il fait réellement. C' est un changement assez radical, alors soyez prudent en utilisant ceci. Sachez aussi quand vous allez l'utiliser. C' est ce que fait le film fané. Je l'utilise parfois un peu parce que parfois je trouve ma poitrine un peu trop éclosion et puis je l'augmente juste un petit peu à 10 quelque part 15 peut-être pour avoir ce film plus cinématographique ou pour avoir ce look de film. Mais pour l'instant, réinitialisons ça à nouveau. Parce que je veux vous montrer l'aiguiser, alors comme le nom dit aiguiser va juste aiguiser votre image comme vous pouvez le voir. Amenez-le du côté droit pour l'aiguiser, mais vous pouvez aussi l'amener de l'autre côté pour l'avoir plus floue. Pourquoi utiliseriez-vous ça ? En fait, certaines caméras ou en fait beaucoup de caméras de nos jours, en particulier les reflex numériques, ils ont la possibilité de ramener l'affûtage de la caméra jusqu'à zéro. Je vous recommande également de le faire parce que Premiere Pro fait ici un meilleur travail d'affûtage de vos séquences que celui de votre appareil photo. Au fait, je parle ici de l'affûtage de la caméra finale. C' est toujours un affûtage numérique. Ça n'a rien à voir avec votre objectif ou quoi que ce soit du genre. Si vous avez l'option, réduisez l'affûtage de votre appareil photo à zéro, et faites-le juste ici juste un petit peu à quelque chose autour de 20 ou environ. Ce que je recommande toujours avec l'affûtage, c'est que je vais juste l'augmenter maintenant au maximum. Vous verrez qu'en fait cette chemise peut sembler bien, mais quand je vais la jouer, vous verrez que c'est vraiment plus aiguisé. Ce n'est pas ce qu'on veut. Ramenez-le toujours un peu et testez-le par exemple, environ 20. C' était quelque chose que je disais, joue-le et regarde-toi, est-ce que ça a l'air bien ou pas ? Suivant est assez affûtage, alors nous avons la vibrance et la saturation. Maintenant, la différence entre ces deux-là. Commençons par cela parce que les deux changent réellement les couleurs. Quand j'augmente la vibration, vous verrez que nous avons une image plus saturée, mais la même chose vaut aussi pour la saturation bien sûr. Maintenant, la saturation est un cognement uniforme de l'intensité de toutes les couleurs de votre prise de vue, quel que soit le point de départ de vos couleurs. Maintenant, cela peut entraîner l'écrêtage et la sursaturation des tons de peau, les laissant trop orange ou naturel. Comme avec la vibrance, est un outil intelligent qui augmente habilement l'intensité des couleurs plus sourdes et laisse les couleurs bien saturées ordonnées seules. C' est une lumière de remplissage, mais pour vos couleurs. Vibrance empêche également les tons de peau de devenir trop saturés et non naturels. Si vous regardez dans une portée vectorielle, vous verrez également que le rouge est plus saturé dès le début. Donc, quand je vais augmenter la saturation, vous verrez aussi qu'il pointe beaucoup vers ces côtés. Maintenant, vous pouvez voir qu'en fait le blues, nous pouvons certainement voir ça ici et les rouges sont peu plus saturés quand je déplace ça au maximum. Mais regardez ce qui se passe quand je vais augmenter la vibrance maintenant pour être maximale. Les couleurs sont maintenant mieux réparties. Il laisse en fait ces rouges et bleus un peu seuls. Il les touche, juste un petit peu mais pas trop, mais ça va travailler plus sur les autres couleurs pour avoir une meilleure augmentation de ces couleurs. Si tu entends mon histoire, tu dirais que je vais toujours utiliser la vibrance. Eh bien, ce n'est pas vrai. Vous devez toujours regarder votre situation à nouveau. De quoi avez-vous besoin ? Parfois, vous avez besoin d'augmenter la saturation un peu parce que vous voulez avoir ces [inaudibles], rouges ou bleus ou en fonction de votre vision de ces couleurs. Parfois, vous voulez faire un mélange entre ces deux. Cela pourrait être par exemple, eh bien, je veux vraiment augmenter votre saturation beaucoup. Mais comme vous pouvez le voir, ses cheveux ici commencent à paraître bruns au lieu de blondes. Je peux faire tomber la vibrance pour ce morceau, et maintenant j'ai un regard très intéressant. Les couleurs sont très vives ici dans les rouges et les bleus, mais ses tons de peau ne le sont pas. Déjà d'autres couleurs ici sont les magentas et le côté vert ici, sachant que dire que son teint semble bien ici, mais ça pourrait être une idée. Peut-être que c'est pour regarder votre avenir, alors c'est une bonne idée de mélanger ces deux paramètres. Vous pouvez également aller dans le côté opposé, peut-être réduire la saturation pour avoir ce look très délavé ou noir et blanc. Mais encore une fois, vous voulez faire ressortir quelques couleurs, elles font juste ressortir la vibrance pour avoir quelque chose comme ça. Maintenant, vous avez un look noir et blanc coloré, peut-être que c'est quelque chose d'intéressant. C' est ainsi que vous pouvez jouer avec la vibrance et la saturation. Je vais juste réinitialiser cela à nouveau parce que le dernier réglage ici est l'ombre et la teinte de surbrillance. Comme son nom l'indique, nous allons ajouter une couleur et vous pouvez simplement parler de la roue de couleur, et c'est aussi quelque chose que nous avons vu au début de ce cours, cette roue de couleur. Vous pouvez attribuer cela à ces ombres ainsi qu'aux hautes lumières. Par exemple, je veux avoir un peu plus de teinte jaune dans l'ombre pour que vous puissiez juste l'amener sur le côté jaune, et je vais juste exagérer ici. Je mets en surbrillance et je vais y ajouter du bleu. Rappelez-vous maintenant que nous modifions ici les ombres et les points forts. Ce ne sont pas les Noirs et les Blancs. C'est différent. C' est la même chose que dans vos corrections de base ici. Nous avons aussi les reflets et les ombres, et comme vous vous en souvenez, ceux-ci ne touchent pas les blancs qui sont tout le chemin ici au zéro. C' est vraiment génial car il laissera vos Noirs et Blancs comme ils sont. Mais quand je regarde mon image en ce moment, elle est en fait plus bleue que jaune, soit bien que je les aie touchés tous les deux. Où est mon jaune ? Eh bien, c'est l'équilibre des teintes. Actuellement, son ensemble au milieu, qui est quelque part juste ici à 50 pour cent. Ce qu'il dira aussi, tout au-dessus de cela, déjà met en évidence et tout ce qui est en dessous que déjà des ombres. Mais vous pouvez également déplacer ces pièces, par exemple, vers le côté gauche. Quand je vais le faire, vous verrez qu'il est maintenant plus bleu, et c'est parce que nous avons déplacé ce point vers le bas. Maintenant, nous sommes quelque part à environ 20 pour cent ou peut-être 10 pour cent, et il dira tout en dessous des 10 pour cent déjà ombres et tout ce qui est au-dessus, qui est beaucoup plus d'informations que vous pouvez voir, sont maintenant les faits saillants. C' est pourquoi plus est maintenant bleu, ou si nous apportons cela sur le côté droit, vous verrez maintenant que nous pouvons voir le jaune beaucoup mieux. C' est parce que nous avons apporté cet équilibre de teinte jusqu'ici. Peut-être que nous sommes maintenant à environ 70, 80 pour cent quelque part, et il a dit, eh bien, tout au-dessus des 70 pour cent est bleu, qui n'est pas beaucoup d'informations, mais tout en dessous de 70, qui est tout cette information maintenant, déjà des ombres. Maintenant, utilisez toujours cet équilibre de teinte tout en regardant votre image. Je veux peut-être avoir un petit peu de bleu ici dans son visage qui est plus vers les points forts, et le reste peut être beaucoup plus chaud. Amenons ça sur le côté gauche jusqu'à ce que tu vois un peu de bleu dans son visage comme ça. Maintenant, j'ai accompli l'effet que je te veux. Encore une fois, si vous souhaitez réinitialiser l'une de ces valeurs, suffit de double-cliquer dessus, et cela le ramènera à zéro. Dans la leçon suivante, nous allons jeter un oeil au troisième robinet dans les outils de couleur lumetri et que les courbes RD, et sont en fait deux grandes parties ici. Nous avons les courbes RVB et nous avons la courbe de saturation de teinte, mais c'est pour la prochaine leçon. Merci encore d'avoir regardé. 15. Courbe RGB: Nous avons tout vu depuis l'onglet Créatif, ce qui signifie que nous pouvons maintenant nous diriger vers l'onglet Courbes. Nous allons commencer par les courbes RGB juste ici. Maintenant, commençons par expliquer ce que c'est réellement. Comme vous pouvez le voir, nous avons une ligne juste ici et nous avons une zone noire derrière ça. La première chose que vous voudrez peut-être savoir, c'est que nous pouvons saisir cette ligne et la positionner ailleurs. Déjà, vous pouvez voir qu'il fait quelque chose à notre image. Maintenant, il crée ce point comme vous pouvez le voir. Actuellement, nous n'avons qu'un point. Vous pouvez toujours saisir ce point à nouveau et le placer ailleurs. Mais nous pouvons également cliquer ailleurs dans cette courbe et créer un deuxième point. Il fonctionnera toujours dans une courbe, donc vous ne pouvez pas y faire de lignes droites. C' est pourquoi ça s'appelle les courbes RVB. Il y a aussi un point ci-dessous que nous pouvons saisir, et il y a aussi un point ici que nous pouvons aussi saisir et déplacer. Nous travaillons actuellement sur la ligne blanche. Cela signifie que nous travaillons sur l'exposition. Cela signifie que les trois couleurs ensemble : rouge, vert et bleu. Mais nous pouvons également changer l'une de ces couleurs séparément. Par exemple, ce plan est beaucoup trop bleu. Je vais réinitialiser cela d'abord en double-cliquant ici. Ensuite, je vais cliquer sur le point bleu juste ici. Maintenant, je peux changer les couleurs bleues seulement. Par exemple, il y a trop de bleu ici. Je peux juste prendre cette courbe et l'abaisser. Maintenant, vous pouvez voir que nous en retirons le bleu, et cela semble déjà un peu plus naturel maintenant. C' est en fait une façon de réparer vos coups de feu. En travaillant avec ces courbes, nous pouvons jouer avec les couleurs individuelles. Nous avons changé ces courbes maintenant. Mais comment cela a-t-il réellement fonctionné ? Pour cela, je vais le réinitialiser à nouveau et retourner aux courbes blanches, qui est l'exposition. Ici, nous pouvons trouver les points forts ou les blancs et en bas nous pouvons trouver les ombres ou les noirs. Ensuite, il y a cette ligne juste ici, la ligne blanche, et qui représente notre clip vidéo. Ici, nous retrouvons les blancs, et un peu plus bas nous avons les points forts. Puis, en bas, nous avons les Noirs à nouveau et ici, quelque part, il y a les ombres. Puis, ici, au milieu, nous avons les tons moyens, bien sûr. Maintenant, je vais saisir le point tout en bas ici, et je vais le faire glisser vers le haut. Vous verrez que je vais ajouter de l'exposition à mes noirs et qu'il va fonder l'image en quelque sorte, ou je peux aussi ajouter plus de noir à cela en allant de l'autre côté, le côté droit ici parce que juste ici sont tous les noirs. Nous pouvons déjà voir que nous pouvons réellement ajouter du contraste à notre clip, si je déplace cette barre vers la droite et l'autre partie plus vers les points forts. On y va. Mais pour ça, je vais me diriger vers mon autre clip juste ici. Eh bien, je vais ajouter du contraste à ici. Je peux juste prendre mes noirs, déplacer plus vers les Noirs, prendre mes blancs et le déplacer plus vers ceux était faits saillants ou blancs à nouveau. Maintenant, nous avons un beau contraste ajouté à mon clip. C' est la même chose que lorsque je vais ajouter du contraste avec les outils de correction de base ici, curseur de contraste. Mais voyons ce qui est possible d'autre parce que nous travaillons dans les courbes maintenant. Actuellement, j'ai dessiné une courbe linéaire, ce qui signifie une ligne droite. Ce n'est pas toujours si bon parce que comme vous pouvez le voir, je prends les Noirs et j'écrase ces Noirs, la même chose avec les faits saillants. Je m'écrase ou je coupe ces surlignements. Vous pouvez aussi le voir ici. Vous pouvez aussi le voir à cet endroit juste ici. C' est pour ça que j'ai encore ce clip ici. Laisse-moi juste tracer une ligne différente ici. Je ne vais pas prendre les noirs ultimes maintenant, mais je vais prendre les ombres. Ça veut dire que je dois cliquer quelque part ici, un peu en dessous de ces noirs. Je vais juste déplacer ça, ajouter un peu plus d'exposition à ces faits saillants. Ensuite, je vais faire exactement la même chose, mais pour les ombres. Ne prends pas les Noirs ici, mais juste un peu autour des 10 pour cent quelque part et fais tomber ça. Il suffit de regarder votre forme d'onde et en même temps vos images, eh bien, à quel point vous pouvez aller avec cela. Mais comme vous pouvez le voir, les blancs resteront toujours blancs et les noirs resteront toujours noirs. On ne va pas écraser ces choses. Cela préserve les détails. Maintenant, nous avons aussi une image magnifiquement contrastée. Quand je vais comparer celui-ci avec l'autre, qui avait une courbe linéaire, comme vous pouvez le voir, la courbe S semble beaucoup mieux maintenant car elle conserve ces détails ici dans l'ombre. Regarde ces parties. Beaucoup mieux que vous pouvez voir. La même chose vaut pour vos faits saillants, elle les préserve mieux. Les coloristes parleront également toujours de la courbe S car elle modifie vos contrastes beaucoup plus naturels. Maintenant, si vous voulez faire monter ou baisser vos tons moyens ou juste l'exposition normale, vous pouvez toujours saisir le milieu de celui-ci et simplement le déplacer vers le haut ou vers le bas. Voilà quelque chose d'intéressant que je veux vous montrer. Pour ça, je vais revenir à ma première image. Maintenant, ce que je peux faire avec ces courbes, c'est rendre mes noirs complètement blancs en les mettant tout en haut. Ce que je peux aussi faire, c'est juste prendre mes blancs et les amener jusqu'aux Noirs. Cela crée une image négative. Vous pouvez également voir que ma ligne est maintenant dans une position négative. C' est déjà une façon de rendre votre clip négatif. Mais cela vous permet également de comprendre comment fonctionnent les courbes. Revenons à la première. Parce que nous allons essayer de corriger cette image parce que, laissez-moi juste réinitialiser cela à nouveau, nous avons plusieurs problèmes. Le premier, c'est qu'il est sous-exposé. Toutes les informations ici se situent en dessous des 50 pour cent et nous avons même des parties sous-exposées. Comme vous pouvez le voir, sa blouse juste ici, elle est presque à zéro. Ensuite, aussi cette image est beaucoup trop bleue, donc nous devons corriger la couleur aussi. Maintenant, puisque nous travaillons avec les courbes RVB ici, je vais proposer un nouvel outil de mesure. Allez faire un clic droit ici, et je vais dire le Parade RGB. Aussi, pour le rendre un peu plus facile, je vais désélectionner « Vectorscope » afin que nous puissions voir la forme d'onde et le défilé RVB ici sur la droite. Maintenant, nous avons le rouge, le vert et le bleu. Nous avons aussi cela ici dans nos courbes ; nous avons rouge, vert et bleu. Cela signifie que nous pouvons changer n'importe lequel de ces séparations. Par exemple, je peux déjà voir que le blues est beaucoup trop. Mais où exactement ? Eh bien, il s'exprime dans ses faits saillants. Ce que nous pourrions faire, c'est juste prendre les faits saillants ici et juste faire tomber ça pour qu'il corresponde d'une manière ou d'une autre au vert comme ça. Pour les rouges, je vais juste prendre ça et l'aborder un peu parce que les rouges sont juste allongés là-bas tous seuls en dessous comme ça. Aussi, pour les Noirs, vous savez que vos rouges sont trop bas. Alors amène ça, juste un petit peu comme ça. La même chose pour le blues. Je vais juste faire tomber ça aussi. Il suffit de cliquer sur le blues et de prendre ce point pour qu'il corresponde en quelque sorte. Comme vous pouvez le voir, ils sont maintenant tous sur la même ligne. En vous concentrant sur le défilé RVB et en essayant de faire jouer ces trois couleurs sur les mêmes niveaux, vous pouvez déjà réparer vos photos comme ceci. Mais il y a une dernière chose à faire, c'est l'exposition, bien sûr. Il suffit de cliquer sur les blancs maintenant. Ce que je veux faire, c'est juste attraper les blancs et les amener jusqu'à quelque part par ici, jusqu'au 90. Je vais ajouter un peu de courbe ici parce que la plupart des tons moyens [inaudibles] sont également orientés vers le noir. Je vais juste frapper une courbe dedans et déjà ça commence à paraître beaucoup mieux. Peut-être que c'est trop ici dans les faits saillants, alors faites tomber ça un peu. Seulement, il semble un peu trop rougeâtre et vous pouvez aussi le voir, alors peut-être que je vais faire tomber les rouges un peu plus. Quelque chose comme ça. Tu sais que ça a l'air bien si tu sais d'où on vient. Si vous regardez l'avant et l'après maintenant, c'est l'avant, beaucoup trop bleu et sous-exposé. C' est l'après maintenant. Les couleurs sont maintenant beaucoup mieux. Je ne vais pas dire que c'est parfait, mais beaucoup mieux, et aussi l'exposition maintenant est aussi beaucoup mieux. C' est ainsi que nous pouvons utiliser les courbes RVB. Tu vas changer les rouges en vert et les bleus ici. Vous allez toujours utiliser votre défilé RVB dans vos Scopes Lumetri quand vous allez changer ces couleurs afin que vous sachiez ce qu'elles font en arrière-plan. Une autre façon de savoir quand vos couleurs sont posées les unes sur les autres est en cliquant avec le bouton droit de la souris ici, encore une fois, dans vos Scopes Lumetri. Accédez à Type de forme d'onde et sélectionnez le RVB. Ensuite, vous pouvez voir s'ils sont posés les uns sur les autres ou non. Déjà, je peux voir que les rouges ne sont en fait pas si bien couché ici dans l'ombre, alors peut-être apporter cela à nouveau un peu plus comme ça. Peut-être faire tomber les verts un peu pour qu'il couvre les rouges là-bas. C' est un processus difficile et parfois aussi prendre du temps pour les avoir posés les uns sur les autres d'une manière ou d'une autre. Comment connaissez-vous l'idée derrière ? Je dirais juste jouer avec ces courbes. Vous avez aussi ce dossier de projet. Vous pouvez travailler plus loin ou tout simplement recommencer avec les séquences de test que vous pouvez également télécharger. C' est tout pour les courbes RVB et leur fonctionnement. Dans la leçon suivante, nous allons jeter un oeil à la courbe de teinte et de saturation, ce qui est aussi quelque chose de très intéressant. Merci encore d'avoir regardé. 16. Courbe de saturation: Donc, dans la leçon précédente, nous avons vu comment les courbes RGB fonctionnent et maintenant nous allons regarder les courbes de saturation. Oui, en effet, aussi la saturation peut être modifiée vers les courbes. Ici, nous avons encore la roue de couleur, et fondamentalement, comment ça fonctionne, c'est que nous pouvons rendre ce cercle intérieur plus grand, ou plus petit. Si vous regardez notre image aussi, vous pouvez voir que nous allons ajouter plus de saturation si nous allons déplacer cela vers le haut, ou nous pouvons également diminuer la saturation et rendre noir et blanc si nous voulons déplacer cela vers le bas. Encore une fois, double-cliquez pour réinitialiser. Maintenant, la grande chose ici est que nous pouvons également créer des points sur ce cercle. Par exemple, nous aimerions isoler les couleurs rouges. Donc ça veut dire que je vais vivre Spider-Man beaucoup plus dans les milieux. Pour cela, je clique juste ici quelque part dans les rouges pour créer un point pour cela, et pour isoler cela, je vais créer deux points supplémentaires à côté de lui. Cela signifie que quand je vais prendre le point médian maintenant, je ne peux augmenter la saturation que pour les rouges. Aussi, si vous regardez votre portée vectorielle ici, les portées Lumetri, vous pouvez voir ce qu'il fait aux rouges. Ainsi, nous pouvons augmenter les rouges ou diminuer les rouges. Cela nous donne beaucoup de personnalisation vers la saturation des couleurs. Si je vais augmenter les rouges pour l'instant, vous pouvez voir que Spider-Man est beaucoup plus vif, mais aussi, nous pouvons faire tomber le reste des couleurs. Si nous allons faire tomber le point gauche ici, comme ça, et aussi les bons points, vers ça, vous pouvez voir que nous avons un grand effet maintenant. Tout est en noir et blanc à l'exception des couleurs rouges. C' est aussi ce qu'on appelle l'effet Cité des Sins. Maintenant, nous devons être honnêtes que ce clip n'est pas si génial pour le faire parce que nous avons tellement de nuances de couleurs ici et cela signifie que nous devons augmenter les plages pendant que vous pouvez voir ce qu'il fait ici. Parfois, nous devons augmenter cela, cette gamme pour accepter pleinement tous les rouges ici, peut-être que vous aurez quelque part magentas. Juste là, vous pouvez voir ce que ça fait à notre Spider-Man. Mais aussi encore une fois, vous pouvez y ajouter plus de points. Donc peut-être que si vous prenez trop de jaune ici, il suffit de créer un autre point et d'en faire une courbe. C' est aussi ce que le nom dit, c'est une courbe de saturation. Alors n'ayez pas peur d'ajouter beaucoup de points ici, faire des courbes, c'est à ça que sert cette chose. C' est ainsi que vous pouvez isoler complètement seulement cette couleur rouge de Spider-Man. Si vous souhaitez réinitialiser cela, il suffit de double-cliquer dans votre courbe de saturation. Maintenant ci-dessous, vous trouverez plusieurs couleurs, et c'est par exemple, lorsque vous voulez sélectionner les rouges, vous pouvez simplement cliquer dessus et il va automatiquement créer trois points ici, et vous pouvez alors simplement déplacer vers le haut ces rouges pour augmenter la saturation de cela. La même chose vaut pour le blues, si vous voulez modifier le blues, alors il suffit de cliquer sur le bleu, et il créera automatiquement ces trois points à nouveau. Ainsi, vous pouvez le faire manuellement, avec l'outil Stylet ici, il suffit de cliquer où vous voulez, ou vous pouvez déjà sélectionner l'une de ces couleurs ici. Ça ne veut pas toujours dire que tu vas faire changements radicaux comme je l'ai fait avec l'Araignée. Mais parfois, par exemple, vous voulez avoir un teint plus naturel, puis vous pouvez sélectionner quelque part ici, le jaune, orange, ce côté ici, et juste déplacer cette saturation juste un peu jusqu'à modifier ces tons de peau et la faire paraître beaucoup plus vivante. Si nous regardons l'avant et l'après, vous verrez que les changements sont mineurs. En fait beaucoup plus à ses cheveux, mais c'est aussi à cause de la saturation là-bas. C' est ainsi que fonctionnent les courbes de saturation. Vous pouvez isoler une couleur et en changer sa saturation. Dans la leçon suivante, nous allons passer à l'étape suivante à nouveau, et ce sont les tortilles de couleur. Encore une fois, merci de regarder. 17. Roues de couleur: Les roues de couleur. Un autre robinet à l'intérieur de nos outils de couleur chez Lumetri. Ce que nous pouvons trouver ici, ce sont les trois niveaux, les ombres, les tons moyens et les points forts. Encore une fois, les ombres ne sont pas les noirs anti-reflets ou pas le blanc, alors rappelez-vous que. Maintenant, que font ces roues de couleur ? Eh bien, ils sont en fait un peu les mêmes les courbes que nous avons vues dans les leçons précédentes. Lorsque je vais diminuer les ombres et que je vais augmenter les hautes lumières, je peux créer un contraste tout comme en utilisant les courbes RVB ici. Mais parfois, je préfère utiliser les roues de couleur, car vous pourriez penser que ça ne me donne pas autant de liberté. Eh bien, les roues de couleur sont beaucoup plus contrôlées qu'avec les courbes elles ne sont pas contrôlées. Laisse-moi te montrer ça. Je vais d'abord réinitialiser ces valeurs ici en double-cliquant dessus. Quand je vais revenir à Curves, laissez-moi juste faire une courbe, par exemple, je vais faire tomber les ombres, ressortir les points forts, et peut-être ajouter un autre point ici, et faire autre chose juste là. Vous pouvez déjà voir ce qu'il fait ici. Quand je vais changer une valeur, par exemple, ce point, cela changera également les autres valeurs comme ici et là-haut et c'est pourquoi les courbes ne sont pas si contrôlées. Je commence à avoir peur de Kim maintenant. Je vais juste réinitialiser ces valeurs ici parce que ça n'avait pas l'air si bien. Quand je retourne à mes roues de couleur maintenant et que je vais changer mes ombres, et ensuite je vais changer mes tons moyens, je suis sûr que je ne vais pas changer la valeur ici maintenant. Par conséquent, c'est beaucoup plus contrôlé. Ce que je peux faire est d'augmenter l'exposition de chaque niveau. Encore une fois, pour créer un contraste, abaissez les ombres et faites apparaître les reflets , puis changez peut-être quelque chose des tons moyens pour bien définir l'exposition. C' est déjà une façon d'ajouter un peu de contraste à votre prise de vue. Si vous voyez l'avant et l'après, ça a l'air assez bien. Mais il nous donne un plus contrôlé comme vous pouvez le voir, avec les roues de couleur ainsi. Ce que nous pouvons réellement faire est d'attribuer une couleur aux tons moyens ou aux tons clairs des ombres. Par exemple, ce que nous voulons parfois faire est de rendre le tir un peu plus chaud, mais nous voulons conserver certaines couleurs à un certain niveau. Cela pourrait par exemple, être bien les faits saillants et les ombres sont bonnes. Maintenant, ils ont l'air noir et ils ont l'air blanc, donc ils vont bien. Je ne veux pas changer les couleurs de ça, mais je veux rendre la scène un peu plus chaude. Ce que je peux ensuite faire est seulement à une certaine chaleur vers les tons moyens comme ça. Ensuite, il ne touchera pas trop les reflets et les ombres. Comme si je changerais la température de couleur à partir des outils de correction de base, alors cela changera les ombres, anti-reflets plus comme vous pouvez le voir ici. Si vous voulez rendre votre tir un peu plus chaud, suggère au moins d'utiliser les roues de couleur et juste saisir les tons moyens pour cela. Mais il y a plus que nous pouvons faire avec cela, par exemple, et c'est quelque chose que nous avons vu au début de ce cours, il y a des couleurs opposées ou contrastées. Si nous regardons la roue de couleur, par exemple, les jaunes ici, ils sont l'opposé du blues. Si l'on pense aux ombres, on pense aussi au blues parce que quand il fait nuit, on pense au bleu, le clair de lune est aussi bleu. Je vais ajouter un peu plus de bleu dans ces ombres et n'ai pas peur d'y ajouter assez. Ensuite, pour les moments forts quand on pense à la lumière, au soleil, à la lumière des chandelles, c'est peut-être tout chaud. Tout est jaune, orange. Je vais augmenter cela, les faits saillants vers ce site afin qu'il semble plus chaud. Nous sommes en train de créer quelque chose de très intéressant ici. En fait, nous ajoutons plus de contraste à la scène sans altérer les niveaux. Parce qu'il n'y a pas de bleu dans les ombres, il semble que les ombres soient plus profondes ou plus noires, alors que ce n'est pas le cas, nous gardons juste les détails là-dedans. La même chose vaut pour les faits saillants. On dirait que nous avons augmenté l'exposition des faits saillants, mais ce n'est pas le cas, nous avons juste ajouté un peu de jaune. Mais nos cerveaux le composent parce que nous attribuons du jaune à des couleurs vives, à des choses brillantes. C' est aussi une technique qui est utilisée dans beaucoup de films hollywoodiens. Par exemple, vous avez vu un des films Transformers. Ils sont même allés très extrêmes là-dedans. Il suffit de prêter attention à ce classement, ce qu'ils ont fait est d'ajouter beaucoup de bleu dans ces photos et encore plus d'orange dans les tons de peau. Je pense qu'ils ont si même ajouté un peu plus ainsi que des tons moyens et ils ont créé quelque chose comme ça, peut-être ajouter un peu de contraste plus réel en faisant baisser cela et faire ressortir les mises en évidence. Mais c'est en quelque sorte l'apparence de ce que les Transformers utilisaient. Parce que cela nous donne l'impression qu'il y a beaucoup de contraste et de contraste est cinématographique, certainement dans les films d'action. C' est ainsi que fonctionnent les roues de couleur. Nous pouvons assigner différentes couleurs à chaque niveau, mais c'est beaucoup plus contrôlé et ça ne va pas sauvage comme avec les courbes. Cela nous amène aux derniers réglages dans les contrôles de couleurs Lumetri et c'est la vignette. Mais je vais laisser ça pour la prochaine et dernière leçon de ce chapitre. Merci d'avoir regardé. 18. Correction des couleurs secondaires (extra): Bienvenue à, encore une fois, une leçon supplémentaire à ce cours, parce que comme vous le savez, Adobe a publié une nouvelle mise à jour et de nouvelles fonctionnalités, programme étudiant en Juin 2016. Si vous n'avez pas encore fait cette mise à jour, certainement le faire parce qu'ils ont ajouté maintenant ces correcteur de couleur secondaire. Il y avait en fait la dernière chose qui me manquait dans votre outil métrique. Commençons et regardons ce truc. Vous pouvez trouver qu'il y a un onglet supplémentaire dans votre outil, donc sous les roues de couleur, vous pouvez trouver HSL secondaire. Cliquez sur cela, et vous trouverez un tas de boutons et de curseurs et de roues de couleur et tout. Mais n'ayez pas trop peur encore parce que c'est en fait assez simple et assez cool aussi, une fois que vous savez comment l'utiliser. Commençons. La première chose que nous devons faire, laissez-nous fondamentalement toute l'idée de cet outil est de sélectionner une couleur spécifique dans votre prise de vue vidéo afin que nous puissions ensuite manipuler cette couleur spécifique. On va définir que c'est la couleur. Il suffit de sortir le sélecteur de couleurs, et par exemple, nous allons sélectionner la chemise bleue de ce gars. Vous voulez juste cliquer quelque part, peu importe où, nous allons les affiner plus tard. Ensuite, nous pouvons ajouter une autre couleur, et ceci est de sélectionner une nuance différente de ce bleu. Maintenant, nous avons sélectionné une partie plus brillante, et pour la couleur de l'art, nous allons sélectionner une couleur plus foncée, donc quelque part ici. Il suffit de cliquer dessus, et maintenant nous avons deux nuances de bleu. Ensuite, vous pouvez également sélectionner pour supprimer une couleur. Disons qu'il y a quelque chose qui vient assez près de ce bleu, peut-être un peu de vert, par exemple, l'herbe juste ici. Si vous avez peur de cela, vous pouvez sélectionner cette herbe en arrière-plan et dire de supprimer cela. Toutes ces choses que vous sélectionnez ici sont en fait visuellement affichées dans le HSL et c'est d'où vient cette chose. C' est utiliser la saturation et la légèreté. Il fait une sélection automatique pour vous. Mais vous remarquerez qu'une fois que vous faites cela aussi, ce ne sera pas aussi pratique. Disons que neuf sur 10 devront toujours entrer dans ces choses et les définir correctement manuellement. Il y a un cadre assez cool qui peut vous aider avec ça. Il y a cette petite case à cocher juste ici, il suffit de cliquer dessus et cela isolera déjà cette couleur pour vous, sorte qu'ici vous pouvez voir ce que la sortie va être. Maintenant, actuellement, le masque ou la touche est affiché comme la couleur elle-même, et un gris, qui va être laissé de côté. Mais vous pouvez également sélectionner quelque chose de différent, par exemple, la couleur et le noir, ou vous pouvez également sélectionner le blanc et le noir, sorte que le blanc est maintenant la sélection. Notez que c'est essentiellement à vous de décider ce que vous préférez le plus. Je suis habituellement le gars qui opterait pour la couleur anti-noir. Maintenant tout de suite, vous pouvez voir que la sélection n'a pas été faite si grandement. Ici, dans l'ombre, vous pouvez voir que tout n'a pas été trop bien sélectionné. Vous pouvez réellement changer ces choses ici afin qu'il puisse rendre la gamme plus grande pour vous si la couleur n'a pas été bien sélectionnée, ou il peut également augmenter cela plus loin de sorte qu'il prend un peu plus de portée, mais dans la zone plus éloignée. Maintenant, généralement, la teinte est assez bien sélectionnée lors de l'utilisation des outils automatiques ici. Si vous pensez que cela ne fait qu'empirer lorsque vous changez cette option ici, alors juste sous vos actions, entrez, ramenez-le à la valeur par défaut. Si nous regardons alors la saturation anti-légèreté, et généralement ici vous verrez un grand ou un changement radical parfois. Je vais juste augmenter cette gamme, et déjà vous pouvez voir que plus de choses sont sélectionnées ici. Il suffit d'augmenter cela, maintenant n' augmente pas trop parce que vous pouvez déjà voir ce qui se passe ici, je sélectionne des pièces qu'ils ne veulent pas sélectionner. Je joue juste avec cela aussi avec les bits les plus éloignés de sorte que ces bords ne sont pas trop durs, jusqu'à ce que vous soyez en mesure de sélectionner la plus grande partie de sa chemise et que la même chose va pour votre lumière, est bien, augmente cela et déjà ici, vous pouvez voir que nous obtenons beaucoup plus chemise fini. Tu vois aussi quelques petits morceaux ici ? D' habitude, ce n'est pas si important. Si vous avez également d'autres parties sélectionnées, vous pouvez toujours créer un masque, en passant, autour de sa chemise. Mais dans cet exemple, je ne suis pas trop inquiet à propos de ces petits morceaux ici, mais je suis plus inquiet au sujet du masquage plus tard dans ce cours. Je crois que j'ai tout sélectionné maintenant, je pourrais vouloir changer le plus loin un peu plus, là nous allons, je suis assez satisfait maintenant. Si votre résultat n'est pas encore si bien, vous pouvez toujours l'affiner en y ajoutant un peu de flou, donc c' est un réel plus loin, et je ne conseille pas de l'utiliser à moins que vous ayez vraiment un problème en sélectionnant votre couleur. Vous pouvez également utiliser une denoise si vous avez quelques doigts qui se passent ici dans les bords quelque part, alors vous pouvez l'utiliser. Encore une fois, ne l'utilisez pas si vous ne voyez aucun de ces doigts dans les bords. Ensuite, il suffit d'éteindre votre masque parce que nous avons terminé, nous avons sélectionné la couleur. Maintenant, si vous allez dans défiler vers le bas, nous avons tous ces outils que nous ne connaissons pas assez pour changer cette couleur. On peut utiliser la roue de couleur à sens unique pour changer la couleur de cette chemise. D' habitude, tu n'obtiendras pas d'excellents résultats avec cette chose. C' est pourquoi je conseille généralement d'utiliser les roues de couleur à trois voies en cliquant simplement sur ce bouton juste ici, et maintenant nous pouvons changer beaucoup plus que juste les tons moyens. Par exemple, dans l'ombre, nous pouvons ajouter plus de cela, disons plus vert, puis dans les tons moyens, peut-être aller un peu plus sur le côté jaune pour donner à cette chemise verte. Ici aussi dans les faits saillants, parce que les gens, nous mélangeons les couleurs ici. Nous ne changeons pas la couleur des chemises bleues et maintenant nous ajoutons du jaune à ce bleu, ce qui se traduit par vert, si vous vous souvenez des premières leçons. Maintenant, nous avons une belle chemise verte. Regardez ça, et c'est si facile que simplement que les résultats finaux sont assez impressionnants. Si vous avez quelqu'un qui porte les chemises de mauvaise couleur ou quelque chose, vous pouvez toujours le changer et poster. Aussi des choses comme la température peuvent changer ici. Teinte, contraste, plus nette et saturation, tous ces excellents outils. Maintenant, je vais assez vite sur ça parce que je veux aller à une chose assez cool. Si vous vous souvenez du film Sin City. Ce qu'ils ont fait à Sin City est en fait de tout faire noir et blanc et n'avait qu'une seule couleur, et c'était la couleur rouge, il apparaît dans ce film. Cela a rendu ça aussi assez spécial, c'est assez bon film aussi. Si vous n'avez pas encore vu ce film, regardez certainement. Faisons-le aussi, mais au lieu de noir et blanc et rouge, nous allons en noir et blanc et bleu. Je vais juste réinitialiser toutes ces choses ici pour faire ça, et j'ai cliqué sur tout ça, et je retourne à ma clé ici. Parce que ce que je vais dire maintenant est au lieu de travailler sur une sélection, nous allons inverser cela et dire travailler sur tout le reste sauf la sélection. C' est fait en fait en un simple clic et il a ce bouton juste ici, à côté de votre masque. Il suffit de cliquer dessus. Maintenant, nous avons renversé tout ça. Maintenant ce que je vais faire défiler vers le bas à saturation humide, et le vert s'éloigne tout vers le bas, vous verrez maintenant que toutes les couleurs ont disparu sauf pour ce beau bleu. Maintenant, nous avons ce look de Sin City, sauf qu'il est bleu maintenant au lieu de rouge. Mais c'est ainsi que fonctionne l'outil Correction des couleurs secondaires. Ceci est également utilisé pour permettre aux tons de peau de sélectionner ceux pour les faire paraître plus chauds que le reste de la scène. Ce n'est généralement pas si facile à faire que les tons de peau sont une couleur qui revient, généralement en arrière-plan aussi. Laissez-moi juste double-cliquer sur à la saturation, si nous voulons sélectionner ces tons de peau juste ici, ce qui revient dans ces bâtiments aussi, nous avons ces lettres ici, donc ce ne sera certainement pas facile. Mais encore une fois, j'ai une leçon dans ce cours qui couvrira le travail avec les tons de peau, et nous allons utiliser la technique du masquage. C' est plutôt cool aussi. Merci beaucoup d'avoir regardé et je vous verrai dans la prochaine leçon. 19. Masquage et traçage: Salut les gars, bienvenue au dernier chapitre de ce cours. Dans ce chapitre, nous allons jeter un oeil à certaines des choses les plus avancées dans le processus de correction des couleurs et nous allons commencer par le masquage dans cette leçon. Tout d'abord, qu'est-ce que le masquage ? J' ai une chance de Kim. Kim, elle marche d'un point à l'autre et j' aimerais faire une correction de couleur seulement sur son visage. Il y a quelques choses que nous devons faire. Tout d'abord, nous devons isoler son visage, mais aussi nous devons la camionner parce qu'elle bouge. Jetons un coup d'oeil à la façon dont nous pouvons le faire. Tout d'abord, nous allons dupliquer cette couche. Parce que si on devait masquer son visage, alors on ne verrait que son visage et ça laisserait un fond noir. Par conséquent, nous avons besoin d'une duplication de ce calque et la façon la plus simple de le faire est de maintenir votre touche « Alt » enfoncée sur votre clavier, est de maintenir votre touche « Alt » enfoncée sur puis de faire glisser votre clip vers le canal numéro 2. Comme ça, et cela dupliquera exactement le même clip vidéo. Maintenant, ce que vous avez sélectionné le calque supérieur, nous allons passer à nos contrôles d'effets et ouvrir l'onglet Opacité. Vous avez déjà quelques outils d'où vous pouvez faire une mascotte. Je vais sélectionner l'outil de stylo normal. Maintenant, d'abord, je vais zoomer un peu plus sur le personnage. Je vais mettre ça à 100 % ici et localiser Kim, la voilà. Je vais prendre l'outil de stylo, comme je l'ai déjà dit, et maintenant je dessine un masque autour de son visage. Commençons par ici. Vous pouvez le faire assez rude si vous le voulez, parce que nous allons jouer avec quelques plumes après. Quelque chose comme ça. On y va. Maintenant, si je pouvais désactiver le calque ci-dessous, vous verrez que tout est noir et nous venons juste de remettre cela en place, et nous verrons que maintenant tout est noir et que seul son visage est visible. C' est pourquoi nous devions ajouter la deuxième couche, cette duplication sans le masque bien sûr. Maintenant, ce que nous pouvons faire, c'est que nous pouvons apporter des changements à cela. Par exemple, je vais juste exagérer pour que vous puissiez voir ce qui se passe. Je vais y ajouter beaucoup d'exposition. Vous pouvez déjà voir que nous n'affectons que maintenant son visage. Donc c'est génial. Maintenant, vous pouvez voir ces bords durs en bas ici. Je vais juste zoomer en arrière, je vais le faire plus souvent je pense. Ici, vous pouvez voir ces bords durs. Nous pouvons en quelque sorte les enlever, en augmentant la plume du masque. Donc, à l'intérieur de vos contrôles d'effets , voici le masque, masque numéro 1, nous pouvons augmenter la plume et en augmentant que vous verrez cela, ce bord dur sera moins visible. Maintenant, nous pouvons aussi jouer avec l'expansion. Peut-être que votre masque était un peu trop petit, alors vous pouvez augmenter l'expansion pour rendre votre masque plus grand ou le rendre plus petit que vous pouvez voir ce qu'il fait. Donc nous avons notre masque, maintenant regardons ce que nous aimerions changer. Je vais réinitialiser cette exposition ici. Tout d'abord, nous aimerions sortir votre visage et maintenant ce sont des choses qui se font beaucoup. Le visage est quelque chose que nous regardons. Le visage est quelque chose qui doit être pointu. Nous allons commencer par y ajouter un peu de netteté. Augmentez la netteté à partir de l'onglet Création. Quelque chose comme ça, pas trop parce que vous ne voulez pas voir trop de différence entre son visage dans le reste de la vidéo. Quelque chose autour de 30 ans semble plutôt bien. Ensuite, dirigez-vous vers la correction de base et peut-être que sa peau semble un peu trop bleutée, alors nous allons y ajouter un peu plus de chaleur. Juste un petit peu comme ça, et peut-être aussi augmenter l'exposition, mais pas trop. Assurez-vous qu'il semble toujours naturel. Un petit peu comme ça, peut être diminué vos points forts, comme vous obtenez un peu trop, vous êtes dans le bon côté, puis augmenter un peu de contraste. Ce quelque chose que vous pouvez jouer avec. Mais si nous allons jeter un oeil à l'avant et à l'après maintenant, vous verrez qu'il fait vraiment un bon travail. Sa peau a maintenant l'air beaucoup mieux et Kim a l'air et plus vivante. Mais quand je vais jouer ça, vous verrez que le masque restera en fait à ce stade juste ici. Je vais désactiver à nouveau la première portée, maintenant nous pouvons voir ce qui se passe. Tout commence à un bon moment, mais quand elle commence à bouger, elle sort de ce masque. Nous devons donc suivre ce masque avec son visage et c'est assez facile à faire. Je vais revenir en mode Fit ici, et à partir du masque, nous avons le chemin du masque, et à partir de là nous pouvons réellement animer ce masque ou le faire suivre. Maintenant, nous avons plusieurs contrôles ici, celui-ci juste ici va juste jouer le clip et il suivra automatiquement le masque avec son visage, mais il y a aussi d'autres contrôles que nous pouvons aussi inverser la lecture, nous vous ne doivent suivre le masque d'une manière vers l'avant. Nous pouvons également faire cela en arrière ou nous pouvons également déplacer un cadre vers l'avant ou aller un cadre vers l'arrière. Maintenant, la raison pour laquelle nous avons cette image vers l'arrière et vers l'avant, c'est que parfois votre masque ne colle pas si bien à un objet en mouvement, et que vous voulez ajuster le masque pendant que vous effectuez le suivi. Mais dans la plupart des cas, les visages suivent assez bien. Voyons comment ça se passe. Je vais sélectionner mon masque pour que je puisse le voir ici et maintenant j'appuie simplement sur le bouton « Play ». Comme vous pouvez le voir, ça va assez bien. Un conseil ici, gardez votre souris sur le bouton Stop, parce que si vous voyez que le masque serait sauvage à un certain point, vous pouvez toujours appuyer sur « Stop », puis ajuster le masque alors peut-être attrapez-le et positionnez-le au bon endroit. Pour moi, c'était plutôt bien. Donc je vais juste le laisser là où il était et vous pourrez continuer. Comme vous pouvez le voir ici, il crée toutes ces images clés. C' est de l'animation, c'est mauvais. Maintenant, jusqu'à ici. Maintenant, elle est hors de l'image. Appuyez sur « OK », et tout est fait. Quand je vais lire cette vidéo en ce moment, je vais éteindre le calque ci-dessous pour que vous puissiez certainement le voir. Vous verrez que le masque suit parfaitement son visage. Je vais activer ce calque maintenant, vous ne remarquerez pas que nous avons fait une correction de couleur sur son visage, mais elle a l'air beaucoup plus naturelle. C' est ainsi que le masquage fonctionne et aussi comment nous pouvons suivre ce masque. C' est quelque chose qui est assez souvent utilisé pour apporter des changements sur un point particulier. Encore une fois, merci beaucoup d'avoir regardé. Dans la leçon suivante, nous allons continuer avec ceci, où nous allons animer les couleurs au lieu d'un masque. 20. Travailler avec une vignette: Vignettes, le dernier contrôle et les contrôles Lumetri Color. Voyons ce que ça peut faire. Comme son nom l'indique, nous pouvons ajouter une vignette ou supprimer un vignettage sur votre photo. Mais voyons ce que ces contrôles font réellement. Nous allons commencer par le montant, quantité de vignettage souhaitez-vous ajouter. Nous pouvons soit déplacer ceci sur le côté droit, qui va ajouter un vignettage négatif ou un vignettage blanc, soit sur le côté gauche, qui va ajouter le fameux vignettage noir. Mais commençons par le côté droit parce que je veux vous montrer les autres paramètres ici aussi. Ensuite, le prochain est le point médian et voyez ce qu'il va faire. Il ajoutera plus de vignettage ou il déplacera le milieu plus près du milieu, ou nous pouvons également le déplacer vers l'extérieur. Ce n'est qu'un petit peu que nous aimerions changer. C' est ce que fait le point médian. Ensuite, nous avons la rondeur. Si nous déplaçons cela tout le chemin vers la gauche, il retirera plus de la forme du tir, qui est presque un carré. Mais nous pouvons également déplacer cela tout le chemin vers la droite et cela fera un cercle parfait de votre vignettage. Maintenant, généralement, vous ne voulez pas avoir un cercle parfait car vous avez une capture d'écran large. Habituellement, vous voulez vous assurer que les bords ici à droite sont la même longueur que celui ici en haut de sorte que se trouve généralement ici au milieu. Mais encore une fois, cela dépend vraiment de vos besoins. On a enfin la plume. Si je vais déplacer cela jusqu'à gauche, vous verrez que nous avons une ligne très dure, ce qui n'est généralement pas quelque chose que nous voulons. Mais encore une fois, si c'est vos besoins, alors vous pouvez aussi l'utiliser et nous allons aussi l'amener du bon côté. Nous pouvons ajouter plus de plumes à ce masque ou vignettage. Maintenant, de quelle manière puis-je utiliser le vignettage ? Eh bien, tout d'abord, on a déjà fait quelque chose. C' est une sorte de tir de rêve, un effet de fumée peut-être. allez laisser cela à vous, mais vous pourriez y ajouter un vignettage négatif pour créer ceci et laisser votre personnage rêver, ou nous pouvons aussi aller de l'autre côté pour y ajouter des noirs. Réinitialisez cette plume à nouveau et maintenant nous avons ce style de patineur, le vignettage typique que nous voyons parfois peut augmenter encore plus ce point médian, ajouter un peu plus de plumes dedans et maintenant nous avons vraiment ce style de patineur. Nous avons juste utilisé beaucoup de ces vidéos de skate ou d'autres vidéos de sports extrêmes. Mais le vignettage n'est pas toujours utilisé pour ajouter un certain effet à votre vidéo. Il est aussi utilisé pour corriger parfois votre image et pour cela j'ai cette deuxième photo juste ici. Maintenant, cela a été tourné avec un objectif qui a automatiquement créé un vignettage ici. Vous pouvez aussi le voir, et ce n'est pas celui que je veux donc je vais supprimer ce vignettage et je peux le faire avec ici. Au lieu d'ajouter plus en allant à gauche, je vais déplacer le curseur vers la droite et soulever ce vignettage un peu comme ça. C' est peut-être un peu trop, va un peu trop loin. Je vais aussi changer un peu le point médian. C' est plus vers l'extérieur. Ce n'est pas beaucoup de vignettage comme ça et maintenant ça semble beaucoup mieux. Quand je regarde l'avant et l'après maintenant, vous pouvez voir que nous avons supprimé le vignettage et il semble beaucoup mieux maintenant, certainement regarder ici dans les coins, vous pouvez voir qu'il a fait un excellent travail. Alors aussi complet, essentiellement, c'est comment fonctionne le vignettage. Ce sont les contrôles et c'est ce que vous pouvez faire avec. Vous pouvez soit corriger un élément avec celui-ci, soit ajouter un style particulier à un élément. C' était aussi pour le chapitre numéro 3. Il va faire un suivi à nouveau avec un petit quiz. Je vous souhaite toute la chance avec ça. Ensuite, dans le chapitre numéro 4, nous allons vraiment plonger dans les techniques avancées parce que nous savons techniquement maintenant comment fonctionnent tous les contrôles dans les outils Lumetri Color, donc nous pouvons commencer à fabriquer des masques maintenant, nous pouvons faire toutes les nations de la couleur, nous allons correspondre à quelques coups de feu. Nous allons même faire un peu de classement d'écran vert, et enfin, je vais vous laisser une conclusion à la fin de ce cours. Merci encore de regarder et aussi encore une fois, bonne chance avec le petit quiz. 21. Transitions de couleurs: Nous avons un scénario très typique dans la chronologie en ce moment. Jouons ce clip et voyons ce qui se passe. Les couleurs ici sont assez naturelles. Tout semble bien jusqu'à ce que Kim entre dans des espaces différents, des pièces différentes. Verde balance des blancs est maintenant complètement hors de son chemin pour se réchauffer, donc nous devons corriger cela. Nous avons vu comment nous pouvons le faire, par exemple, avec le curseur de température. Donc je vais ajouter un peu plus de bleu à cette photo comme ça, que les blancs ici en haut soient blancs. Ce coup semble naturel, mais quand je vais retourner au début, maintenant vous verrez que le reste ici a l'air assez bleuâtre, donc assez froid. Ça n'a plus l'air naturel. On doit animer cette couleur. À un moment où elle emménage dans cette pièce, il faut animer la température ici. Laisse-moi juste réinitialiser ça à nouveau. Maintenant, pour animer, nous devons créer des images clés. À partir des outils de contrôle lumétrique, nous ne sommes pas en mesure de créer ces images clés. Nous devons aller dans nos contrôles d'effets, et ici, vous verrez également des effets de couleurs lumétriques. Si vous ouvrez cet effet, vous pouvez voir tous les timbres que nous avons aussi écrit ici, correction de base, créative, etc. Quand je vais ouvrir cette correction de base, nous avons à nouveau tous les outils que nous avons à l'intérieur la correction de base comme aussi que les températures plus légères. Vous pouvez également faire vos notes de couleur ici, mais bien sûr, c'est un visuellement plus attrayant pour travailler comme avec tous ces chiffres ici, mais pour l'animer, nous devons travailler ici. Alors regardons comment on peut faire ça. Je vais commencer au point où elle va entrer dans cette pièce. Donc c'est quelque part juste ici. Je vais créer une image clé pour la température là-bas, puis aller un peu plus loin dans le temps juste ici quand la pièce est visible, puis diminuer cette valeur afin que nous ajoutions plus de bleu dans ce plan, sorte que vos blancs soient blancs. Vous pouvez également voir ce curseur se déplacer pendant que nous changeons la valeur juste là. Maintenant, nous avons créé une animation. Quand je vais jouer cette photo maintenant, vous verrez que les couleurs sont naturelles, les couleurs vont changer maintenant et elles continuent à paraître naturelles. C' est une façon d'utiliser l'animation des couleurs pour changer la balance des blancs lorsque vous marchez à l'intérieur différentes pièces qui ont un éclairage différent, mais maintenant allons plus loin. Je vais supprimer l'effet élémentaire ici, on y va. Parce que je voudrais en fait ajouter un peu de gradation et je ne veux pas utiliser les contrôles ici, je veux utiliser mes contrôles de couleur lumétriques familiers ici. Bien sûr, nous pouvons le faire, mais pas avec des images clés normales. Maintenant, nous devons travailler avec des couches de réglage alors. panneau de votre projet ici, sélectionnez le nouveau bouton, puis appuyez sur le calque de réglage, puis appuyez sur « OK, et un nouvel élément est dans son panneau de projet junior, calque de réglage, faites simplement glisser cela au-dessus de votre clip vidéo. Maintenant, ce calque d'ajustement est quelque chose sur lequel nous pouvons ajouter des effets, et ces effets seront appliqués à tout ce qui suit. Nous pourrions également lire ceci sur le canal vidéo numéro 3, et à un autre calque ci-dessous, alors les effets qui seront appliqués sur le calque de réglage seront également appliqués à ces deux canaux. Mais pour l'instant, laissons ça sur la chaîne numéro 2. Appliquons un classement pour la première partie ici, où tout semble assez naturel. Je vais être extrême maintenant parce que je veux te montrer la grande différence. Faisons quelque chose de fou ici. Je vais aller à mes roues de couleur, et je vais ajouter cette sarcelle très populaire sur orange. Donc je vais ajouter beaucoup de bleu sarcelle dans mon ombre. Comme ça. Je vais exagérer, et je vais ajouter beaucoup d'orange ici dans les faits saillants. On y va. Ajoutez ensuite un peu plus de contraste en déplaçant les reflets vers le haut et en déplaçant les ombres vers le bas. On y va. Peut-être aussi déplacer les tons moyens, juste minuscule, aller ajouter à ma correction de base ici, peut-être ajouter un peu plus de contraste. Quelque chose comme ça. Ça commence à avoir l'air plutôt méchant, mais d'accord, c'est juste pour que vous puissiez voir la grande différence. C' est le premier coup que nous voulons avoir jusqu'à ce qu'il ou elle emménage ici dans cette autre pièce et à partir de ce moment, nous aimerions avoir autre chose. Ce que nous allons faire est de faire glisser à nouveau le calque d'ajustement juste au point où nous aimerions avoir cette modification. C' est quelque part juste ici. Je vais couper ce calque de réglage, ajouter le nouveau calque de réglage juste à côté de cela, et maintenant je vais travailler sur ce deuxième calque de réglage. Encore une fois, nous pouvons utiliser tous les contrôles ici, donc peut-être utiliser les courbes maintenant. C' est un plus contraste d'ici, cette belle courbe S comme nous l'avons vu dans ce cours, puis de la tablette créative, suffit d'appliquer beaucoup à elle. Voyez ce qu'on a ici. Lune bleue. Il suffit d'appuyer dessus. Ça a l'air intense, n'est-ce pas ? Rendez-vous à la correction de base. Je vais diminuer un peu les faits saillants parce que c'est juste beaucoup trop. On a quelque chose de fou maintenant. On a deux looks différents. On a ce look jaune orangé. Encore une fois assez méchant, et maintenant nous avons ce look bleuâtre, aussi méchant, mais deux sens différents regards. Maintenant, ce que je vais entrer en jeu, vous verrez, bien sûr, qu'il y a une coupure entre les deux couleurs, ce qui n'est pas bon. Ce que nous pouvons faire, c'est ajouter une transition entre ces deux éléments. Accédez à vos effets, tapez ici, dissoudre ou diss, et faites défiler vers le bas. Ici, on peut trouver la croix se dissoudre. Faites glisser cela entre ces deux calques pour ajouter une transition, puis vous verrez que les couleurs vont belle transition entre un et les secondes. Au fait, DJI a fait un super film ici aussi. DJI est une entreprise qui fabrique des stabilisateurs motorisés comme DJI Ronin, Tri-Axis Gimbal, et ce qu'ils ont fait est fait un court métrage entier en un seul coup. Ils avaient tous ces types de scènes, comme une vue à gauche, une scène dramatique, une scène d'action, etc., et chacune de ces scènes a une gradation différente de couleur. Ils ont également appliqué la même technique aujourd'hui, ont fait un certain classement des couleurs à une scène et ont ensuite appliqué une belle transition vers l'autre scène comme celle-ci. C' est ainsi que vous pouvez animer les couleurs. Une façon est juste d'animer l'effet réel dans vos contrôles d'effets avec les images clés, ou vous pouvez également travailler avec des calques d'ajustement, puis simplement ajouter une transition de dissoudre croisée entre ces deux, et vous pouvez toujours faire cette transition d'ailleurs, plus grande si vous le souhaitez, donc maintenant il faut un peu plus de temps pour passer de l'un à l'autre gradation des couleurs. On y va. Il est maintenant plus subtil, ou vous pouvez aussi bien sûr, rendre plus petit si vous souhaitez avoir un changement plus rapide entre les deux couleurs. De là, on y va. C' était tout pour animer les couleurs. Assez simple, mais quelque chose que vous avez juste à savoir, et vous voyez aussi que vous allez l'utiliser plus souvent que vous ne le pensez. Dans la leçon suivante, nous allons jeter un oeil sur la façon dont nous pouvons faire correspondre deux coups de feu. Je pense que c'est aussi quelque chose que nous recherchons tous. Nous avons deux caméras, nous avons tourné cette interview, mais pour une raison quelconque, ces deux caméras, ces couleurs, elles ne correspondent pas. C' est pour la prochaine leçon. Merci encore d'avoir regardé. 22. Clips assortis: Nous avons pris une interview de Kim avec deux caméras, mais malheureux, ces deux caméras ne vont pas correspondre. C' est le premier angle que nous avons, c'est un tir long. Comme vous pouvez le voir, les couleurs sont assez gris, il fait assez froid tout. C' est aussi plus doux que dans ce plan ici, qui est tourné avec un autre appareil photo. Il est tourné en 4K, ce qui nous donne une image très nette et très nette. En outre, les couleurs sont beaucoup plus saturées, c'est plus chaud et tout. Ces deux coups ne correspondent pas, et c'est quelque chose que nous ne pouvons pas livrer si c'était pour un client. Donc nous devons faire quelque chose avec les couleurs ici. Avant de commencer, nous allons d'abord réorganiser certaines choses dans notre espace de travail. La première chose que nous allons faire est d'afficher le moniteur de référence, parce que nous aimerions voir ces deux images à côté de l'autre si nous allons bien sûr les comparer. Vous pouvez le faire à partir du menu ici, sélectionnez « Fenêtre », puis à partir de là, trouver le moniteur de référence, c'est juste là. Ça va l'amener dans une nouvelle fenêtre, c'est par ici. Maintenant, ce qui est génial à propos de ce Moniteur de référence est qu'il n'est pas lié à votre tête de lecture de la chronologie comme avec votre moniteur de programme. Si vous allez déplacer votre tête de lecture, vous verrez également cela ici dans le moniteur de programme qu'il suivra cela, mais cela ne se produit pas dans votre moniteur de référence, mais il s'agit d'une présentation de vos calendriers. Cela signifie donc que vous pouvez prendre cette petite tête de lecture de ce moniteur de référence et la déplacer à n'importe quel endroit de votre chronologie. Mais vous ne verrez pas votre tête de lecture bouger aussi lorsque vous le faites. Nous allons positionner celui-ci ici sur le premier clip , puis positionner la tête de lecture réelle sur le second clip. Pour qu'on puisse les voir l'un à côté de l'autre. Une autre chose dont nous allons avoir besoin, c'est Lumetri Scopes ici. Nous allons travailler en particulier avec le Vector Scope et aussi un peu avec le Waveform Monitor, qui est juste ici. Maintenant, nous allons également positionner cela ailleurs parce que sinon nous ne voyons plus le moniteur de référence. Nous allons juste saisir ça et je vais le faire glisser dans mon panneau de projet juste ici. Donc il va utiliser cet espace là-bas. Maintenant, nous avons un Shot Number 1 sur la gauche, Shot Number 2 sur la droite, nous avons les Scopes Lumetri, nous avons la chronologie, et aussi nos contrôles de couleur Lumetri ici sur le côté droit. Maintenant, nous allons constamment comparer ces deux images pendant que nous allons faire correspondre ces deux photos. Avant de prêter attention aux détails, nous allons d'abord procéder à des changements globaux. Cela commence par la saturation ou la vibration de l'image. J' ai actuellement eu le deuxième coup visible dans mon moniteur de programme, et vous voyez aussi qu'ici dans mon Vector Scope qu' il y a un certain modèle de saturation. Quand je vais comparer cela au premier graphique, vous verrez que la saturation est totalement différente. En fait, il n'y a pas beaucoup de saturation là-bas, donc nous allons augmenter ça. Dans vos commandes de couleur, ouvrez l'onglet Créatif car à partir de là, nous avons à la fois la Vibrance et la saturation. Commençons par le Vibrance. Nous ne voulons pas exagérer parce que nous voyons aussi dans le deuxième coup que nous avons une belle pointe ici. Donc, si elle a seulement augmenté la vibrance, cela ne créera pas un tel pic que vous pouvez le voir. En fait, ça va juste rendre ce point plus grand, donc ce n'est pas ce que nous voulons. Vous n'aurez pas ce pic, donc nous allons travailler avec la saturation. Alors augmentez cette saturation. Voyons où on peut aller. Je pense qu'on peut aller assez haut avec ce truc. Quelque chose autour de ce 155, 160 peut-être. N' ayez pas peur d'y aller trop. Cela a peut-être aussi augmenté la vibrance juste un peu parce que nous comparons ces deux. Comme vous pouvez le voir, juste une saturation globale est un peu moins. Il suffit de regarder les deux images aussi. Ne suivez pas seulement vos mesures ici, mais regardez également les deux images. Nous allons avoir besoin d'une houle vibrante pas trop. Peut-être que deux et demi. Juste un petit peu de vibrance. Quelque chose comme ça. Ça commence à avoir l'air assez bien. Ils ne regardent que la saturation des couleurs, ne regardent pas la chaleur elle-même parce que c'est parfois trompeur. C' est bien sûr un tir très chaud, et c'est un coup très froid. Ne regardez pas trop à cela, il suffit de regarder la saturation des deux couleurs. Je pense que ça pourrait en obtenir un peu plus. Ensuite, la prochaine chose que nous remarquons aussi, ceci ici a été tourné en 4K, donc très nette, et celui-ci ici est tourné juste en 1080P, mais aussi l'affûtage tourné vers le bas à l'intérieur de la caméra. Donc, ce que je veux faire est juste d'y ajouter un peu d'affûtage. N' ayez pas peur d'exagérer là-dedans parce que nous comparons ceci à une image 4K. Ce que je vais faire, c'est que je vais ajouter quelque chose autour de 75. Comme je vous ai déjà senti, toujours jouer votre clip quand vous allez ajouter de la netteté et peut-être un peu trop. Faites tomber ça un tout petit peu. [ inaudible] est 37, 35. Joue-le à nouveau. Ça a l'air beaucoup mieux maintenant. De plus, si nous comparons cette netteté maintenant à ce plan, elle correspond déjà bien mieux. Ensuite, la prochaine chose que vous voulez faire, et d'ailleurs nous travaillons toujours à l'échelle mondiale, c'est l'exposition. Il y a aussi une différence entre les deux. Comme vous pouvez le voir, les tons moyens sont moins exposés que sur ce plan. Vous voyez qu'on a une chance très brillante ici. Les ombres sont assez semblables. C' est assez bien, mais les tons moyens ne le sont pas. Maintenant, nous pourrions augmenter seulement les tons moyens, mais cela va toujours affecter d'une manière ou d'une autre les faits saillants. Il y a donc une meilleure façon de le faire. Rendez-vous à votre correction de base et augmentez simplement l'exposition. Pas trop. Voyons jusqu'où on peut aller. Peut-être quelque part autour de six ou quelque chose comme ça. Il suffit de regarder les tons moyens maintenant d'ailleurs. Ils ont l'air assez semblables si je les regarde tous les deux. Regardez aussi ici votre forme d'onde. Le deuxième plan utilise vraiment toute la gamme ici. Donc ce ne sera pas si facile, mais essayez avec votre exposition. Soulevez aussi cela un peu pour qu'il utilise plus de cette gamme. Je pense que 0.6 devrait aller bien. Ensuite, vos faits saillants, nous allons réparer ça. On va faire tomber les faits saillants. Je ne sais pas combien. Peut-être autour de 50. Ça a l'air assez bien. Regardez certainement votre visage en ce moment quand vous faites ça, parce que c'est quelque chose que nous pouvons comparer dans ces deux coups parce qu'il n'y a pas de ciel dans ce plan. Donc, cela semble assez correct maintenant avec les faits saillants pendant un peu bas, et nous devons aussi corriger le contraste maintenant parce que nous soulevons l'exposition et réduisons les points forts, nous diminuons en fait le contraste. Nous allons donc ajouter un peu plus de contraste. Voyons juste combien nous avons à ajouter. Je pense que nous pouvons aller assez haut avec ça en fait, parce que comme c'est un tir assez vif, peut-être environ 50 quelque part. Faites également attention lorsque vous allez augmenter le contraste. Cela augmentera également votre saturation. Vous voudrez peut-être modifier à nouveau la saturation. Cela dépend vraiment de votre situation, mais dans ce cas, c'est plutôt bon maintenant. Je pense que la saturation et l'exposition commencent à correspondre assez bien. On a un joli contraste ici. Nous avons des couleurs bien saturées, tout comme dans l'autre plan. Donc, c'est bon maintenant. Maintenant, commençons à travailler sur les choses plus précises, qui sont les couleurs réelles. Je pense qu'il est assez évident que le tir droit ici, le deuxième tir est beaucoup plus chaud que celui de gauche ici. Donc nous allons ajouter un peu de chaleur à son, mais nous devons être prudents à nouveau. Ce que je vais ajouter beaucoup de température ici. Ok, le tir sera plus chaud, mais vous verrez que quelque chose ne va pas bien quand je fais ça. C' est parce que, eh bien, le contrôle de la température va juste prendre toute la gamme ici et le rendre plus chaud. Mais si on regarde le bon coup, tout n'est pas chaud ici. Les noirs sont magnifiquement noirs et Kim a fait face aux faits saillants ici. Ils sont un peu chauds, mais ils ne sont pas orange. Quand j'ajoute autant de température dans mon premier coup, tu verras qu'on commence à avoir un ciel orange. Aussi notre visage, ce n'est plus naturel, c'est juste trop orange. Donc, nous allons utiliser différents contrôles pour ça. Nous allons travailler plus sur les niveaux, mais cela ne veut pas dire que nous ne pouvons pas utiliser un régulateur de température. Si je vais réinitialiser ça, tu verras qu'il fait très froid. Donc on peut ajouter un petit peu de ça. Peut-être quelque chose autour de 10, mais attention, n'ajoutez pas trop. Jetons ensuite un coup d'oeil où nous pouvons changer ces tons chauds, et c'est dans les roues de couleur juste ici. Nous allons travailler un peu sur les tons moyens et les points forts, mais nous allons rester hors de l'ombre. Nous voulons garder les Noirs noirs. Commençons par les faits saillants. Vous pouvez vraiment pousser beaucoup de chaleur là-dedans, beaucoup d'orange, parce que par rapport à l'autre plan, il fait assez froid. Donc peut-être quelque chose autour de ça. Je pense qu'on est à mi-chemin maintenant. Ça commence à avoir l'air bien. Ne regarde pas son visage à ce stade. Son visage est plus à l'intérieur des faits saillants. Regardez l'environnement autour d'elle. Jetez un coup d'oeil à sa veste. Cette veste ici commence à avoir l'air un peu violet. Alors n'ayez pas peur d'aller un peu plus vers le côté vert. Comparez ces deux éléments les uns aux autres. Sa veste doit être la même bleue et les deux coups. Essayez également de fusionner cela en jouant avec les tons moyens. Sa veste est dans les tons moyens. Donc quelque chose autour de ça, ça commence à avoir l'air assez bien. Maintenant, nous pouvons également ajouter un peu plus de chaleur dans les faits saillants, mais nous allons être prudents avec les faits saillants car ils affecteront aussi le ciel et nous ne voulons pas que ce ciel orange. Donc nous n'allons pas ajouter 50 pour cent ou quelque chose dans le côté orange. Peut-être juste des petits morceaux, peut-être quelque chose autour de 20 pour cent, 10 pour cent, quelque chose autour de ça, pas trop. Il suffit de faire sa peau ici un peu plus chaude comme dans ce coup, et c'est déjà suffisant. Maintenant, en comparant ces deux coups, il y a encore quelque chose qui ne va pas dans ce plan. Maintenant, parce que nous réparions ce coup de froid assez drastiquement en y mettant beaucoup de couleurs chaudes, nous étions en train de changer les couleurs. Nous étions en fait tirer les couleurs d'une manière non naturelle et donc je vois cette fonte magenta en elle. Eh bien, nous pouvons facilement corriger que si vous revenez à la correction de base, nous pourrions vouloir ajouter un peu de vert dans ce plan. Pas trop. Soyez prudent avec ça. Ça pourrait juste être comme moins quatre, moins cinq, juste un petit peu de vert pour soulever ces magentas que vous avez vus. Cela commence déjà à paraître beaucoup mieux. Il y a une dernière chose que je veux voir, c'est l'herbe ici. L' herbe semble artificielle et c'est principalement parce que j'ai ajouté un peu plus de vert dans le plan, mais aussi à cause de la saturation qui a été pompée assez grande. Kim a l'air bien, mais il y a trop de vert, ce qui rend ça artificiel. Nous allons donc diminuer la saturation de cette herbe aussi. Parce que par rapport à ce plan, où on ne voit pas autant de vert, c'est juste un petit peu là-haut et un peu en bas. Mais pour le reste, c'est plus brunâtre ici et Kim couvre plus d'image. Comme sur cette photo, nous avons une très grande tache d'herbe. Je vais me diriger vers mes courbes parce que d'ici, je sais que je ne peux diminuer que ce canal vert. Laisse-moi activer cette chaîne verte juste ici. Je vais juste diminuer ce vert juste un petit peu, pas trop. On ne veut pas avoir d'herbe saturée en 2D. L' herbe doit être vive parce que l'autre plan est aussi assez vif, mais il n'a pas à avoir l'air si artificiel. Quelque chose autour de ça. Je voudrais aussi faire tomber cette partie ici parce que l'herbe n'est pas vraiment verte. Maintenant, c'est plus comme ce vert d'automne. C' est aussi l'automne d'ailleurs donc c'est pourquoi ce n'est pas parfait vert. Donc je vais activer le canal jaune aussi pour que je puisse toucher celui-ci ici. Je voudrais peut-être en faire un peu plus, quelque chose autour de ça. Continuez à comparer les deux coups de feu. Alors on y va. Les deux coups ont été appariés. Souviens-toi comment je l'ai fait. J' ai travaillé sur différents timbres. J' ai commencé globalement avec l'exposition et la saturation, puis j'ai commencé avec les couleurs réelles travaillant dans les différents niveaux. Les ombres, les tons moyens et les reflets. C' est ainsi que nous pouvons y parvenir. Rappelez-vous de toujours regarder les différents endroits détaillés comme je disais vestes d'hiver. Parfois, vos tons de peau ont fière allure, mais votre veste pourrait être d'une couleur toute différente. Alors soyez prudent avec ça. Bien sûr, je pense que vous attendez tous ça. Regardons l'avant et l'après. Je vais me diriger vers mes contrôles Effets pour rester sur ce coup. Laissez-moi allumer et éteindre cet outil Couleur Lumetri. C' est l'avant et c'est l'après, qui est une différence extrême. Jetez également un oeil à vos Lumetri Scopes ici. Le Vector Scope, vous avez beaucoup plus de saturation et aussi à la forme d'onde, nous pouvons voir que maintenant nous utilisons un beaucoup plus de cette plage. Maintenant, en parlant de faire correspondre deux coups, dans la leçon suivante, nous allons faire correspondre un tir clé verte avec quelques arrière-plans. Alors restez à l'écoute pour ça, et merci d'avoir regardé. 23. Étalonnage des couleurs de Greenkey: Dans cette leçon, nous allons jeter un oeil sur la façon dont nous pouvons faire correspondre une photo d'un écran vert avec son arrière-plan. Ce que j'ai ici, c'est quelque chose sur lequel j'ai travaillé l'an dernier autour de Noël. Voici un couple qui danse. Ce sera le contexte que je vais utiliser. Maintenant, je dois dire à mes amis que je suis désolé de ne pas partager ce contexte car je n'ai pas besoin de licence pour ça. Mais j'ai un lien dans un fichier Bloc-notes d'où vous pouvez voir cet arrière-plan et aussi l'acheter si vous voulez 8$. Mais à part cela, il s'agit de la technique que je vais vous expliquer, et pas de ce contexte en particulier. Commençons. La première chose que nous voulons faire est en fait, faire la clé elle-même. Je le fais habituellement au sein de Premier Pro parce que Premier a un super keyer. Passons à nos Effets et recherchons l'Ultra Key. Faites glisser cela sur votre clip et cela nous aidera à faire tout le travail de saisie. La première chose que nous allons faire ici est de prendre le sélecteur de couleur et de sélectionner le vert à partir de l'arrière-plan, et cela donnera déjà un peu de clé. Ensuite, passons aux paramètres ici, et voyons ce que nous pouvons faire d'autre. La première chose que nous allons commencer, c'est la Transparence. Je vais déplacer ça jusqu'à ce qu'on ne voit plus rien sortir de la fin. Tout a l'air bien. Nous allons d'abord prêter attention aux personnages, ce que nous n'allons pas mettre en évidence. En regardant cela seulement, je pourrais vraiment mettre ma Transparence quelque chose autour de huit peut-être. Ça a l'air bien. Ensuite, la prochaine chose que nous voulons faire est de changer le Highlight et je peux ramener ça jusqu'à zéro. Puis vient l'Ombre et juste l'amener vers le haut ou vers le bas. Je vois que je dois réparer certaines choses parce que vous pouvez voir que c'est aussi mettre des pièces ici, alors soyez prudent avec cette Ombre, soulevant ça, et je pense que nous devons être à 60 ans pour ça. Ensuite, la chose suivante sera la Tolérance. Voyons jusqu'où on peut en parler. Nous pouvons porter ça jusqu'à 100, ce qui est génial. Puis le piédestal, voyons jusqu'où nous pouvons aller avec cette chose sans toucher l'image réelle. Apparemment, nous pouvons aussi aller jusqu'à 100, ce qui est génial. Maintenant, nous allons retourner à Transparence parce qu'il y a encore des choses fringantes autour de lui, que nous aimerions avoir loin. Maintenant, nous pouvons augmenter cette transparence parce que nous avons également modifié d'autres paramètres ici. Voyons quel numéro on peut aller, quelque chose autour de 23, qui le fera. C' est une bonne clé que nous avons faite. Bien sûr, il y a toujours ce bord et c'est quelque chose que nous allons corriger, et les paramètres suivants, c'est le nettoyage de mat. Ici, on va commencer par le ramollissement. Maintenant, soyez prudent avec votre adoucissement, ne ramollissez pas trop. Ça rendra votre clé moche. Le maximum que je suggère habituellement est juste un ramollissement de 10. Cela fera déjà un peu d'étouffement, et c'est pourquoi nous faisons d'abord le ramollissement. Maintenant, on peut y ajouter un peu d'étranglement. Je pense qu'on peut s'étouffer. Voyons jusqu'où on peut aller ici. Je pense que quelque chose autour de 84, 85, quelque chose autour de ça. Puis enfin, la suppression des déversements parce que je vois encore un peu de vert ici. Faites apparaître la désaturation. On peut aller autour de 50, je crois. Ensuite, pour le Range aussi, il suffit de le faire un peu. Ça commence à paraître mieux, quelque chose autour de ça. Je pense que le Luma, on peut juste faire tomber ça sans trop nuire. Réduire ça à zéro. Maintenant, nous avons fait un excellent clayage comme vous pouvez le voir. Nous avons encore des trucs ici, mais nous allons juste masquer ça avec l'Opacité ici et dessiner un masque autour de ces deux personnes. On y va. Vous voudrez peut-être amener ces deux points en dehors du cadre. C' est ça pour la clé. Maintenant que nous avons fait la clé, nous pouvons maintenant voir clairement que, eh bien, ils ne correspondent pas du tout à l'arrière-plan. L' arrière-plan est quelque chose la nuit et bien, ils sont tournés dans un studio avec un éclairage en tungstène. Vous pouvez voir que c'est un plan intérieur que nous mettons sur un plan extérieur, donc ce n'est pas bon. On va faire une correction de couleur dessus. Sélectionnez votre clip et allez dans les outils couleur Lumetri, et commençons par la correction de base. Parce qu'ici, la première chose que nous allons faire est juste abaisser cette température de couleur. Tu peux faire tomber ça beaucoup. On va le ramener à environ 65 ans, quelque chose autour de ça. Sa chemise peut vraiment avoir l'air bleuâtre parce que nous sommes la nuit et quand nous sommes la nuit, eh bien, les choses commencent à avoir l'air bleu, comme aussi le fond, donc c'est génial. Ensuite, la prochaine chose est l'exposition. On est la nuit, donc il fait sombre. Réduisez l'exposition. Pas trop. Peut-être autour de 0,2 ou quelque chose, puis augmenter le contraste aussi bien. Je pense que nous pouvons ajouter beaucoup de contraste à ce plan, certainement beaucoup, quelque chose autour de ça. Parce que c'est la nuit, on a des ombres très dures. Parce que le seul point de lumière que nous avons est la lune et que le clair de lune projette également beaucoup de lumières, donc nous allons augmenter les points forts. Fais quelque chose autour de 60, quelque part autour de ça. Quand je vais regarder l'avant et l'après maintenant, vous pouvez voir qu'il avait déjà des correspondances beaucoup mieux. Mais nous pouvons le faire encore plus. Je vais faire défiler ici et chercher les roues de couleur dans l'ombre. Je vais juste ajouter un petit peu de bleu. Pas trop, juste un petit peu. Je vais aussi corriger cela maintenant parce que quand j'ajoute du bleu dans l'ombre, il va aussi toucher un peu des tons moyens, donc, je vais soulever cela sur le site opposé ici en ajoutant un petit peu de jaune dedans pour garder ces tons de peau chauds comme vous pouvez le voir. C' est comme ça qu'on a fait correspondre cette photo. Ce que vous devez faire est d'imaginer où est l'arrière-plan. Quel type de scène s'agit-il ? C' est dans un hôpital ? C' est un endroit abandonné, peut-être ? Est-ce quelque chose d'horreur ou quelque chose de dramatique, quelque chose d'action ? Pensez à cela et regardez les couleurs. Nous avons beaucoup de bleu dans cette photo en arrière-plan, et nous avons aussi des lumières cardiaques ici. Ces parties là-bas, dans le sapin de Noël, et le clair de lune, ces deux parties reçoivent beaucoup de lumière et vous donnent ces ombres dures, qui sont assez naturelles la nuit. Par conséquent, j'ai augmenté le contraste et augmenté les points forts. Il s'agit d'une partie sur la façon dont vous pouvez faire correspondre votre cliché de clé verte avec l'arrière-plan. Laissez-moi regarder à nouveau l'avant et l'après. Comme vous pouvez le voir, il semble beaucoup mieux. Mais il y a encore une chose que nous pouvons faire pour la mélanger encore plus. Quand on pense à Noël, on pense aussi à la neige. Donc ce que j'ai juste ici dans mes clips, c'est en fait une chute de neige juste ici. Je vais faire glisser ça sur ma chronologie. On y va. Nous pouvons utiliser cette chute de neige pour quelque chose que j'ai généré dans After Effects. J' ai exporté cela, donc nous pouvons également télécharger ceci et l'utiliser partout où vous voulez. Lorsque vous sélectionnez ce clip, dirigez-vous vers l'Opacité, puis sélectionnez le Mode de fusion, Éclaircir. Ensuite, vous verrez qu'il se fond avec cette image. Maintenant, nous avons de la neige qui tombe en arrière-plan, mais aussi sur ces deux personnes. Ça peut être n'importe quoi. Par exemple, aussi de la poussière si vous tournez un film de guerre, un film d'action où une explosion a éclaté, alors vous pouvez voir cette poussière entrer dans le plan, qui n'apparaît pas seulement en arrière-plan, mais aussi sur haut de vos personnages, ou une éruption de soleil ou quelque chose comme ça. Assurez-vous que vous avez un élément qui n'apparaît pas seulement en arrière-plan, mais aussi au-dessus de votre sujet, et qui les fera fusionner encore plus. Maintenant, pour ceux d'entre vous qui vont télécharger ce projet parce que, comme je vous l'ai déjà dit, je ne peux pas le partager malheureusement, donc vous verrez quelque chose autour de cela pour aussi vous donner le même effet comme arrière-plan. C' est tout pour cette leçon vidéo, mais aussi pour ce cours. Je tiens à vous remercier beaucoup d'avoir suivi. Vous avez tout appris maintenant grâce aux outils de couleur Lumetri. La seule chose que je peux vous conseiller maintenant est de continuer à pratiquer. classement des couleurs ou la correction des couleurs est l'une des choses les plus difficiles dans le cinéma, et donc, je dirais, n'abandonnez pas. Aucun de ce cours n'est pas quelque chose de magique qui va soudainement vous faire le meilleur niveleur du monde. Il vous aidera juste pour que vous puissiez pratiquer plus facilement et plus rapidement. Je vais te laisser avec un dernier quiz après cette leçon. Si vous terminez cela, vous avez terminé tout le cours et vous recevrez également un certificat. Vous voudrez peut-être me suivre plus loin, et c'est possible sur ma chaîne YouTube. Vous pouvez vous abonner là-bas et voir une nouvelle vidéo tous les mardis. Je télécharge beaucoup de tutoriels et de conseils pour la réalisation de films. Je m'appelle Jordy, et merci beaucoup d'avoir regardé.