Portraits d'animaux à l'aquarelle - Peindre au fil des saisons

1. Portraits d'animaux à l'aquarelle: Je suis Amarilys Henderson. Je travaille principalement à l'aquarelle en tant qu'illustrateur et je me concentre sur le design de surface. Donc quand on me demande de faire des animaux, c'est généralement pour l'art mural. Il existe différentes façons d'aborder la façon de peindre les animaux. Dans ce cas, il y a plus de portraits parce que nous pouvons les utiliser pour des enfants ou des produits de nouveauté. Donc, ils peuvent être un peu plus amusants, maladroits ou fantaisistes et vous verrez souvent ceux sur des articles de papeterie, sur un emballage cadeau ou dans un décor pour enfants. Nous allons créer plusieurs animaux afin que vous puissiez non seulement ramasser plus d'outils pour votre boîte à outils, comment faire différents types d'animaux, mais aussi pour que vous puissiez comparer et contraster que vous choisissiez de les peindre ou non, vous pourrez voir les nuances et les différences, disons, entre la tête d'un cheval ou la tête de lama, qui sont similaires dans la structure mais aussi très différentes. Comme nous allons faire quatre animaux, être un cheval, un lama, un écureuil et un renne, nous allons aussi les faire dans quatre saisons différentes. Ils auront chacun leur propre petite ambiance. Je vais vous fournir un schéma de couleurs pour chacun d' entre eux qui va avec cette saison particulière. Pour l'hiver, nous avons le renne, pour le printemps, nous avons le lama, l'été, le cheval, et l'automne, l'écureuil. Avec ces quatre animaux différents dans quatre styles différents, nous allons faire quatre fleurs ou feuillage différents pour accompagner cet animal. Cela peut ne pas être aussi en profondeur que ma classe florale d'aquarelle moderne, qui est très populaire, mais vous aurez à voir une variété de feuillage dans un traitement différent parce que ce sera le fond pour aider à pousser le sentiment, l'ambiance, le thème de chacun de ces animaux. 2. Fournitures utilisées: Je vais utiliser beaucoup de matériel d'art dans cette classe. Vous n'avez pas besoin de sentir que vous devez tous les utiliser. Évidemment, il s'agit d'une classe de couleur à l'eau, donc il serait beaucoup plus facile d'appliquer ces principes à une palette d'aquarelle, peut-être un crayon et une gomme et cela pourrait être tout, qui pourrait être l'ensemble de vos fournitures d'art. Si vous travaillez numériquement, évidemment, vous pouvez trouver votre propre solution de contournement en fonction des façons que je vais décrire chacune des fournitures que j'utilise et pourquoi. D' abord, je vais commencer par les pinceaux. J' utilise quatre pinceaux dans cette classe et je les mets dans l'ordre du plus petit au plus grand. Nous avons une doublure de taille 4, une taille 6, et une taille 10 ronde. Je fais toujours un point de te dire de chercher un point dans ton pinceau. Je n'utilise pas de brosses très chères, mais je le réduit à ça. Je veux voir un bon point sur eux. Enfin, nous allons utiliser cette brosse plate, qui est une taille 12. Toute brosse plate fera l'affaire parce que nous allons réellement utiliser l'extrémité de la brosse et non le corps de celle-ci. On utilisera un crayon et une gomme pour dessiner et ensuite pour peindre, j'utiliserai les couleurs saturées concentrées du Dr. Ph . Martin. J' utilise une gamme complète de couleurs parce que je veux vous montrer quatre schémas de couleurs différents donc j'utilise au moins deux, sinon quatre dans chacun de ces jeux de couleurs. Puis parfois j'aime ajouter un peu de blanc. J' utilise Copic white dans cette classe. C' est un blanc à base d'acrylique opaque. Vous aurez besoin de quelque chose pour le mettre sur votre palette de peinture et ensuite travailler à partir de là. Puis facultativement en arrière-plan, je vais utiliser des peintures de lavage. J' utilise la marque Artesia. Je les ai trouvés pour fonctionner très bien et ils ont un prix très raisonnable et seulement quatre couleurs. Il va juste fournir une couleur plate pour compenser les saignements compliqués qui se produisent dans le sujet que je peins. La star du spectacle va être étonnamment pour moi, au moins de l'encre. J' utilise différentes couleurs d'encre, vous pouvez simplement utiliser de l'encre d'Inde. Vous voulez simplement une encre qui ne soulèvera pas le papier une fois qu'il est mouillé. Le papier que j'aime utiliser est l'aquarelle de marque Canson ou du papier de presse à froid de 140 livres. Il est sur l'extrémité inférieure des papiers, donc il devrait être très accessible. Je l'ai même trouvé chez Walmart et c'est moins de 10$ pour 30 feuilles. Comme je l'ai dit, il est très disponible et il est aussi très polyvalent. J' aime la taille 9 par 12, sorte que lorsque j'imprime ma taille huit par huit et demi par 11 lettres, imprimer l'image de référence, elle est plus petite que la 9 par 12 parce que si vous êtes comme moi, je continue de pousser et de travailler vers les extrémités, sur les bords et donc si j'ai une référence, c'est un peu plus petit, ça me donne un peu de marge de manœuvre pour peindre autour de la frontière. 3. Échanger des valeurs contre des couleurs: J' aime utiliser des couleurs assez sauvages quand je peins des animaux. Au moins, je peux dire que je n'aime pas toujours utiliser les couleurs qu'elles sont vraiment. J' ai une aversion pour le brun, je pense, mais nous allons explorer comment les couleurs différentes relient deux valeurs différentes. Parce que pour remplacer une couleur par une autre couleur, vous devez être en mesure de comprendre où elle se trouve sur l'échelle de valeur. Si vous ne savez pas ce qu'est une échelle de valeur, vous apprendrez assez rapidement ici parce que je vais créer une échelle de valeur. Je fais ces cercles dans l'eau parce que j'utilise un milieu humide sur humide. Mais de toute façon, je vais mettre beaucoup de noir ici. Moins noir ici, encore moins ici, et honnêtement, je vais juste décrire celui-ci à une couleur très claire. Maintenant, je vais créer des petits cercles de toutes les couleurs que je vais utiliser, sorte que j'ai un petit échantillon de peinture de chacun. J' ai découpé tous les petits échantillons de cercle que nous avons fait de chaque couleur que nous utilisons, et j'ai mon dégradé. Je veux que vous alliez vos couleurs de l'obscurité à la lumière selon ces valeurs. Ce sont mes suppositions. La façon dont je vais vérifier si ces valeurs sont justes, c'est que je vais prendre une photo et la rendre monochromatique, et j'ai fait un bon travail. Ce sont les mêmes couleurs, mais en échelle de gris, peut-être que ce bleu pourrait monter ici. Maintenant, je sais avec certitude que ce sont des valeurs exactes. Quand je peins une licorne ou un renne ou quoi que ce soit, je peux changer tout ce qui est dans sa valeur de couleur, ce gris foncé. Je n'avais pas le noir le plus noir ici parce qu'il est tout simplement noir. Mais tout ce qui est de cette valeur, soit dans la nature soit un brun foncé, un violet foncé ou un rouge vif va fonctionner. Je peux le remplacer par n'importe quelle couleur qui est dans la même famille. Avec chaque groupe, nous pouvons regarder d'autres couleurs qui sont complètement différentes, mais dans la même échelle de valeur. J' aimerais que vous fassiez cette activité, que vous preniez une photo et que vous l'affichiez dans la zone du projet. Je veux que nous soyons en mesure de voir comment il y a une telle gamme de couleurs dans une seule valeur. Plus nous comprenons les couleurs et leurs valeurs, plus nous aurons de liberté pour utiliser toutes sortes de couleurs différentes et être en mesure de les utiliser avec précision, afin qu'elles aient encore un sens pour nous visuellement dans la communication des lumières et sombres. 4. Supprimer l'arrière-plan d'une référence: Allons trouver quelques images et les éditer pour que nous puissions les peindre. J' utilise ce site appelé pexels.com. Je veux avoir un portrait. Je veux avoir la tête du cerf, et je cherche quelque chose qui se découpe facilement. Je ne veux pas une photo qui a un fond très occupé. Je vais sélectionner quelque chose qui a un arrière-plan très clair afin que je puisse facilement le sélectionner, le supprimer et passer à autre chose. Voici l'image que j'ai utilisée et elle est disponible dans la section Ressources de votre projet de classe. Maintenant, je vais prendre cette photo et l'amener dans Photoshop. Je vais ouvrir un nouveau fichier de la taille d'une feuille de papier américaine, huit et demi sur 11. Vous pouvez le faire quelle que soit la taille est un papier d'imprimante par défaut pour vous, et j'ai collé mon image dans. Ma version de Photoshop est CS6, mais ce sont des étapes que vous pouvez utiliser dans n'importe quelle version de Photoshop. Je vais vous faire commencer avec la façon la plus basique d'isoler quelque chose, ce qui signifie supprimer l'arrière-plan de quelque chose, donc c'est la seule chose qui reste dans l'image, et c'est en utilisant l'outil de baguette magique. La clé de l'utilisation de la baguette magique est de connaître le nombre de tolérance que vous souhaitez autoriser pour votre sélection. Je vais sélectionner 50, au milieu de la route, et la prendre à partir de là. Avec cela, j'ai pu sélectionner tous les arbres verts et je suis en fait juste cliquer sur chaque partie que je ne veux pas être dans ma photo. Je veux juste cette tête de cerf. Ça marche plutôt bien. Chaque fois que je fais une erreur et que je sélectionne quelque chose que je ne veux pas, j'appuie sur Command ou Control Z. Mais vous pouvez voir qu'il y a certaines parties qui sont sélectionnées que je ne voulais pas sélectionnées, et certaines choses qui sont proches en couleur, parce qu'il va ramasser tout ce qui est de couleur similaire. Avec mon outil Lasso gratuit, je clique vers le bas, appuyez vers le bas pendant que je dessine le long de la ligne du cerf et je désélectionne en appuyant sur Alt. Comme je le fais, les pièces que je ne voulais pas inclus, les pièces que je ne veux pas effacer. Pour les pièces que je veux effacer, j'appuie sur Maj en utilisant l'outil Lasso, donc il l'inclut dans la sélection. Bientôt, je n'ai que le renne, ses bois, et pas de fond. Il me reste quelques zones et ce sera un coup de fouet facile du Lasso. Ensuite, je reviendrai avec ma baguette magique dans ces zones que j'aurais pu manquer. Un clic sur Supprimer sur mon clavier et ces parties ont disparu. Ce ne sera pas une image que je veux utiliser pour autre chose, c'est juste une photo de référence. Je ne vais pas m'inquiéter pour les bords déchiquetés. Maintenant, je sélectionne mon outil fléché. C' est le premier outil de votre boîte à outils sur le côté gauche. Sur mon clavier, je vais appuyer sur Command ou Control T pour libérer la transformation. Je maintiens la touche Maj enfoncée de mon clavier pour m'assurer que mes proportions sont les mêmes et que je n'étire pas sa tête horizontalement ou verticalement lorsque je joue avec les coins, et je la place dans ma page comme je le voudrais dans ma peinture. Ma prochaine étape est de jouer avec les niveaux. Allez dans Niveaux d'ajustement de l'image et jouez avec ces curseurs pour le rendre très blanc et très sombre. Nous voulons un contraste brutal. Tout ce que je veux me concentrer sur ce sont les domaines qui nécessitent le plus d'attention, ce qui serait les sombres les plus sombres. Je vais revenir aux réglages de la teinte et de la saturation. Je veux complètement désaturer, enlever toute la couleur et faire de lui une image en noir et blanc. Maintenant, j'ai perdu les contours des bois, donc je vais double-cliquer sur mon calque et cliquer sur Stroke. Il fournira essentiellement un contour pour ce calque, et le rendra un peu plus mince afin qu'il ne soit pas si perceptible. Je vois aussi des taches que je n'ai pas effacées, et juste avec la gomme je vais les pointer. Ce type est prêt à partir. Je vais l'imprimer et l'utiliser comme photo de référence. Je connais exactement les grandes lignes de lui et je connais les parties les plus importantes. Disons que vous avez fait de votre mieux pour isoler votre animal, votre sujet, et que vous avez quelque chose sur le chemin. En frappant la lettre J, voici l'outil Patch, je vais sélectionner la chose que je ne veux pas et je vais simplement glisser jusqu'à la zone que je voulais imiter. C' est vraiment assez simple, ça ne marche pas parfaitement, mais ça marchera pour nous d'avoir une image de référence qui a du moins un sens et nous ne sommes pas distraits par des choses qui ne font pas partie de notre peinture. Je vais continuer à faire ça, et quand j'arrive aux bords, ça peut sembler un peu drôle, donc je vais éviter ces bords. Pendant que je continue, je vais juste continuer à travailler, travailler vers l'intérieur, essayer d'imaginer, ok, ce qui pourrait ressembler à cette zone. Je pourrais choisir de la fourrure qui est à l'extrême droite, traîner à l'extrême gauche pour qu'elle ne soit pas si motifs et trébucheux. Mais vraiment en ce moment, je veux juste avoir ça hors du chemin pour que visuellement je puisse juste me concentrer sur l'animal. Je fais les ajustements d'image comme avant, désaturation et coup. On y va. 5. Dessiner des animaux: D' accord, sur la base de nos photos de référence qui sont fournies dans la section de votre projet, nous allons maintenant utiliser les photocopies que nous venons d'exploiter et de comparer pour faire nos croquis. Je n'aime pas passer beaucoup de temps à faire des croquis. D' abord, je trouve que mes élèves deviennent pénibles et ensuite ça leur fait perdre de l'élan ou de la confiance pour la peinture. Deuxièmement, pendant qu'ils deviennent pointilleux, ils effacent beaucoup, et si vous effacez sur du papier aquarelle, ça va frotter les fibres de sorte que lorsque vous appliquez la peinture, c'est comme peindre sur du papier toilette, parce qu'il sera un peu déchiqueté et qu'il ne coule pas. Troisièmement, je n'aime pas passer beaucoup de temps à esquisser parce que si ça se passe bien, nous sommes tellement passionnés par notre dessin. Soit nous ne pouvons pas imaginer peindre dessus, soit nous ne pouvons pas imaginer le redessiner pour peindre dessus, quand nous l'avons sur le bon papier. Pour dissiper l'intimidation, je veux vraiment me concentrer sur ce qui compte le plus. Si vous pouvez obtenir ce qui compte le plus bien, les autres choses tomberont en place. Dans ce cas, ce sont les sombres les plus sombres dont nous avons parlé, alors que nous ajustons notre photo. Au fur et à mesure que nous dessinons, nous allons nous concentrer sur les plus grandes formes et les plus sombres. Je vais commencer par l'écureuil parce que c'est un beau corps rond. Il est accroupi ensemble, presque comme la forme de, je ne sais pas, un fou lui-même ici avec cette tête ici. Je vais vraiment rester rapide et lâche. Si vous voulez définir une minuterie ou mettre de la musique, C'est un excellent moyen de vous faire dessiner plus rapidement. Parce que de cette façon, vous ne vous donnerez que la limite de le faire dans un certain laps de temps. Je le fais très vite. Mais ce que je fais est juste de poser dans des formes très simples, en m'assurant que mes formes correspondent. Mes proportions ne sont peut-être pas correctes, mais je vais juste y aller, reculer, vérifier, effacer, puis continuer. Au lieu de mesurer la distance entre une partie et une autre. Je suis capable de le faire un peu plus vite de la guerre intuitivement, parce que mon image de référence est si simple. Je me concentre à nouveau sur les parties les plus sombres, ce qui compte le plus. Son bras est peu ajusté, je remarque que c'est l'obscurité la plus sombre. Ce que je trouve important, c'est l'arc de son dos, et cette forme inversée va dans la queue. Tout le reste avec lequel je peux jouer. Je veux m'assurer que l'arc de son dos est juste, le prof de cette queue, et cette petite forme inversée. Je vais effacer ce qui reste, ou mieux encore, je vais utiliser un marqueur noir juste pour que vous puissiez le voir clairement. Vous pouvez effacer, et si c'est un papier de croquis que vous utilisez juste à cette fin et que vous n'allez pas réellement peindre dessus, vous transférez votre dessin sur votre papier aquarelle. J' ai entendu parler de gens utilisant même un rebord de fenêtre et les alignant et utilisant la fenêtre comme une boîte lumineuse. Ou commencez votre dessin parce que maintenant que vous savez comment le dessiner, vous vous sentez confiant que vous serez en mesure de le faire la deuxième fois. Lorsque vous créez votre dessin sur votre papier aquarelle, vraiment err sur le côté du dessin moins. Rappelez-vous que lorsque vous peignez, vous ne serez pas en mesure d'effacer les lignes de crayon que vous avez peintes et y mettre cette courbe. J' ai deux pieds. Je crois que je suis prêt à peindre. Je suis prêt à prendre au moins ce dessin et attrapé mon papier aquarelle, et assurez-vous que j'ai ces taches noires et noires décrites. Parce que ce sont les pièces que je vais peindre à l'encre. Alors les autres parties que je ne vais pas esquisser aussi bien parce que l'aquarelle ne sera pas pardonner. Une fois que ça paie sur ce crayon, je ne pourrai plus l'effacer, et j'aimerais pouvoir l'avoir. Je vais aller de l'avant et dessiner le cheval aussi. Chevaux leur structure de phase, évidemment est très longue, et très musclé, très structuré, très rectangulaire, angulaire. Mais je ne vais que dessiner ces parties sombres qui me paraissent, et ce sont les yeux, et ces grosses narines. Des narines qui sont encore plus grandes que les yeux eux-mêmes. Maintenant, c'est intéressant à propos d'un cheval et je vais aller de l'avant et tracer sur ma photo est qu'il y a presque comme un diamant sur le dessus de sa tête. Ensuite, du haut des yeux jusqu'à la bouche est une forme qui est comme ça. Un peu plus facile à voir. On a deux petits diamants pour les oreilles. Cela rend vraiment facile pour nous d'être en mesure de trouver comment il est que cette structure de tête est, juste besoin d'ajouter ces contours le contour sur le dessus de cela. J' ai mis dans mes sombres sombres. Alors je vais y aller et faire ce petit tour de triangle. Il suffit de le faire très clair. J' ai mes oreilles. Maintenant, je vais regarder plus à ma photo contour les oreilles, va se connecter rasé. Cette partie pend sur le je presque comme un sourcil sans les poils. Vous serez mieux à ce sujet que de créer les formes des contours. Une fois que vous avez une bonne poignée sur ces formes sous-jacentes. J' ai choisi une photo qui, qui a rendu assez simple de voir le contour du corps sans avoir besoin de trop insister à ce sujet. L' entre les jambes avant, la jambe arrière et cela va dans son ventre. Je peux voir quelques changements qui doivent être faits, mais pour l'instant c'est un bon endroit pour commencer, une bonne façon de commencer à sécher les chevaux. Si vous dessinez, disons le profil d'un cheval, vous avez peut-être vu qu'ils ont le même museau long mais latéralement. Tant que vous avez cette courbure qui ressemble presque à leur ligne de mâchoire, vous serez en bonne forme. Il s'agit du contour du cheval, du visage de celui-ci, ou de la forme de son visage. Tout est à propos de ça, de l'abîme. Puis dans les sombres, 2, 4, 6, les oreilles, les yeux et le nez, les narines. 6. Première étape clé: D' accord. Je vais commencer par un écureuil. Juste en regardant l'impression que j'ai de cette photo de photocopie. Il a un oeil très sombre, un peu d'obscurité dans le nez, et ces taches autour où sa jambe tourne autour et certainement une certaine profondeur ici dans la queue. Je ne vais pas faire grand-chose ici, dans la queue touffue, on va faire ça avec de l'aquarelle. Mais je veux juste prendre une note mentale avant de retourner à mon croquis, qui ressemble à ceci. Cela ressemble un peu à une couleur par nombre, sauf qu'il manque beaucoup de zones parce que je voulais seulement marquer les zones sur lesquelles je travaillerais à l'encre. Je commence alors à remplir ces sombres sombres avec cette combinaison sépia et noire. Ajouter le noir est dominé par la couleur sépia , donc nous pourrions devoir le ramener un peu plus tard. Si vous avez vu ces affiches d'obéissance où vous avez un regard estampillé sur un visage, c'est ce que nous faisons ici. Je vais verser un peu de brun juste pour rester fidèle à mon design original et aller dans certaines zones, mais nous avons presque fini ici avec juste mettre dans certains des endroits les plus sombres. Maintenant, on va passer au cheval. Je vais utiliser ma violette pour les sombres les plus sombres. Si vous vous souvenez avec l'écureuil, j'utilise des coups plus petits pour donner une sensation à la fourrure d'un écureuil pour donner un peu de cette texture. Lorsque vous utilisez votre pinceau, vous voulez toujours traduire un peu de la texture que vous peignez. Les poils de cheval, au moins le type sur son corps va être vraiment court et presque pas visible. Donc vous verrez que mes sombres les plus sombres seront vraiment un, limité parce que c'est un cheval blanc. Nous allons seulement faire sombre sur les oreilles, les yeux et le nez. Je vais faire de mon mieux pour ne pas inclure cette mariée. Mais dans le corps, il n'y a pas beaucoup d'obscurité. Je ne vais pas travailler sur la traduction de ça, ça pourrait marcher un peu ici, et ça va être très petits, courts, traits violets. Juste pour le tracer et lui donner un peu de forme, je vais juste jeter quelques lignes violettes à l'extérieur. Je vais y aller. Je remarque que cette violette est vraiment sombre. Donc je vais l'arroser un peu avec mon pinceau pour que vous puissiez apprécier qu'il a un peu de couleur dedans. Je vais avoir ces petits croquis. Je vais travailler sur le lama. La fourrure du lama est bouclée. Donc mes coups de pinceau vont être aussi un peu bouclés. Afin de montrer un cône avec votre brosse, vous poussez vers le bas pour obtenir le corps de cette ligne, et vous poussez pour obtenir la pointe. Donc, comme vous faites un Q bouclé, ça va se sentir comme ça où il a poussé vers le bas et lâché, et il faut de la pratique pour s'assurer que vous le faites de façon cohérente. Mais ça va donner à ce lama cette mignonne boucle qu'il a dans ses cheveux. Une autre chose délicate à propos de travailler sur les sombres les plus sombres sur lama est qu'il a cette fourrure qui pend sur ses yeux, et vous verrez que je vais essayer de garder ce blanc en créant une forme autour d'elle et en remplissant ça avec des sombres. Même chose avec les oreilles pour que nous obtenions ces petits bouts qui viennent dans les oreilles de petits morceaux de fourrure. Ce sont ces petits détails qui rendent le lama si mignon et les inproportions de la façon dont les yeux sont si éloignés et la bouche est juste cette petite boue. Nous ne perdrons certainement pas ça parce que nous l'avons bien dessiné, et nous avons une bonne référence. Enfin, nous allons travailler sur le renne dans notre bleu. Ce sera vraiment un bleu irisé, mais parfois il ne sera pas assez sombre. Je vais probablement replonger dans ce noir qui est combiné avec du brun pour la tache des yeux, et il y a une zone sombre sur sa tête. C' est une bande intéressante qui se passe autour de la bouche et à l'intérieur de l'oreille. Ce n'est peut-être pas si sombre, mais je vais juste décrire un peu cette texture juste pour que quand je commence à peindre, je sache ce qui se passe là-haut dans ces bois. Avec la fourrure, je vais utiliser des coups très courts, même plus courts qu'avec l'écureuil. Je vais utiliser la pointe même de mon pinceau pour mettre certains de ces bleus foncés ici comme une ondulation, et montrer un peu de cette texture bien sûr, courte fourrure. 7. Peinture d'écureuil: Maintenant est ma partie préférée maintenant nous commençons à peindre. Eh bien, en fait, nous allons nous préparer à peindre. Je vais peindre l'écureuil d'abord, et le schéma de couleurs que nous avons est très concentré sur l'automne. En commençant par notre couleur la plus claire, je vais utiliser ces aquarelles concentrées du Dr Ph Martin. C' est jaune indien, si beau jaune chaud qui se sent un peu doré, comme un coucher de soleil et orange brûlé. Il va commencer la transition dans notre schéma de couleurs vers le brun. Une belle segue ici. Brun antilope, beau brun chaud. Puisque nous avons un brun sépia cool qui se passe déjà, et vert olive. Pour mes autres peintures, je n'utilise pas toujours les mêmes peintures. Je voulais juste te donner un schéma de couleurs pour que tu sois prêt à partir. Si vous avez des couleurs qui sont similaires à celles-ci, cela fonctionnera, eh bien. Pensez à l'automne, pensez au rouge, à l'orange, au jaune , au brun, et une touche de vert comme les feuilles changent de couleur. Toujours avec ma référence photo parce que maintenant nous allons travailler sur la deuxième sombre. Rappelez-vous que nous travaillons en arrière, ce que nous voulons habituellement colorer commence de la lumière à l'obscurité. Je vais utiliser la même brosse juste pour rester simple. Ce numéro six. C' est toujours bon même après l'avoir utilisé avec de l'encre plusieurs fois. Une façon que j'aime laver les encres de ma brosse n'est pas seulement de la balancer dans l'eau. Je roule la brosse contre le verre ou le bord du cu. C' est juste une façon non dure, plus délicate d'enlever la peinture de ces poils intérieurs de la brosse. En commençant par antilope brun, puisque je travaille dans un milieu humide. Je vais travailler sur mouillé sur mouillé, ce qui signifie que je mouille ma brosse enlever l'excès, mais il est encore très humide. J' ai presque créé un motif de peinture par numéro où je vais déposer l'eau dans les endroits où je veux que cette couleur entre. Puisque je regarde le brun antilope, ça va être ma deuxième couleur la plus foncée, juste en commençant par le visage. Je vais laisser mon pinceau perdre son eau alors qu'il se rétrécit de cette façon. Ensuite, je peux obtenir cette action qui se produit quand vous laissez tomber votre peinture mouillée sur mouillé. Même les coups de peinture, les coups de pinceau de poser la peinture, même dans cette voie humide où il va vraiment faire ça, toute façon et juste étaler. Je veux toujours continuer à utiliser des coups courts pour garder cette texture de cette fourrure. Je risque de le perdre à mesure qu'il sèche. Mais parfois, il apparaîtra dans ces zones plus sèches. Maintenant, le truc amusant avec cette peinture, c'est quand elle tombe en panne. En outre, vous pouvez voir différentes couleurs entrer. Même avec une couleur, je vois la dégradation du brun antilope se transformer en un vert olive. Je vais apporter une deuxième couleur, l'orange brûlé pour les deuxièmes sombres. À ce stade, je suis juste en train d'ajouter de la variété. Maintenant que j'ai les sombres les plus sombres et que je peux me sentir beaucoup plus lâche dans ma peinture. Je peux m'amuser plus avec des couleurs différentes. Juste ici pour son ventre, c'est une couleur plus claire, sorte de fourrure blanche, donc je vais juste utiliser de l'eau. Parfois, je pourrais ajouter un peu de jaune indien pour maintenir cette texture. J' aime pouvoir travailler dans une sorte de couleurs non traditionnelles pour ces animaux. J' ai l'impression que ça donne un peu d'avantage à la peinture. Quand vous travaillez avec des sombres et des lumières, c'est la liberté que vous obtenez. Vous pouvez utiliser les couleurs que vous voulez tant qu'elles correspondent à l'ensemble de valeurs qui est devant vous. Petite ombre ici où la jambe se glisse. A part un peu de texture, de petites touches, je vais laisser des zones blanches. J' ignore complètement la queue, parce qu'on va utiliser un traitement spécial pour ça. En ce moment. Je regarde juste mon écureuil, je l'ai rempli, réévaluant comme. Maintenant que je suis devenu fou avec les couleurs, laissez-moi revenir en arrière et m'assurer que cette chose a du sens, et qu'il pourrait avoir besoin de quelques sombres plus foncés réintroduits. Parce qu'une fois que nous commençons avec les sombres et que nous construisons dans ces couleurs moyennes, alors toutes ces valeurs commencent à devenir un peu plus difficile à distinguer, puis quand nous avons commencé avec un début sombre et commencer blanc. Je vais travailler sur la queue touffue et te montrer cette technique. Quand je reviendrai avec des yeux frais parce que ça va toujours tenir sur cette queue, et regarder le reste de son corps et peut-être apporter un brun plus foncé. D'accord. Mes techniques spéciales pour faire la queue touffue est en utilisant une brosse carrée. Ces brosses sont étonnamment à la fois taille 12. Je trouve que l'un est beaucoup plus large que l'autre. Il s'agit d'une marque Richard Simmons et c'est une marque Master's Touch. Tu crois que je veux que ce soit plus large ? Je vais y aller avec un plus grand. La façon dont je vais l'utiliser n'est pas en peignant de haut en bas comme ça avec le pinceau. Je vais l'utiliser verticalement pour créer la texture de la queue. En commençant par ma couleur la plus claire, je vais juste commencer à tamponner avec cette texture dans cette direction, allant dans la direction de la fourrure. Une fois que je me réchauffais, j'apporte la deuxième couleur la plus sombre, en laissant un peu de blanc. Je remarque qu'il devrait y avoir un peu de blanc ici et ici. En quelque sorte à l'intérieur de la boucle ou le pli. Mais il devient beaucoup plus sombre vers le bas. Pas besoin de trop penser à cette partie, et c'est amusant. Plus votre pinceau est concentré avec de la peinture, plus vos lignes seront distinguées, plus vous avez d'eau dessus, plus il sera flou. L' astuce de cette queue est de ne pas en faire trop. Ça a beaucoup de plaisir, mais on va le laisser tranquille, ça a comme ça un truc de confettis d'automne qui se passe. J'aime vraiment ça. Mais j'ai maintenant des yeux frais pour regarder en arrière sur le corps de l'écureuil. Je pense qu'il pourrait utiliser des sombres plus foncés juste pour montrer le coude de la main tenant ce que je suppose être une noix ou un gland d'une sorte quelconque. Dans cette partie de la peinture, ça ressemblera plus à ce que vous pourriez être habitué à l'aquarelle. Où nous utilisons notre pinceau pour traduire la forme et faire des lignes. J' utilise maintenant plus d'une technique humide sur sec, avant qu'il ne soit mouillé sur mouillé. Je peignais sur de l'eau et je ne peignais pas sur une feuille de papier sèche. Que j'ai plus de contrôle pour créer les lignes que je peins avec mon pinceau. Je pourrais continuer et encore, mais nous allons le laisser là, parce que bientôt nous allons apporter ce feuillage d'automne en arrière-plan. 8. Couronne d'écureuil: Avec notre premier rouleau, nous allons faire des feuilles. Je vais garder avec la même palette de couleurs. Nous avions utilisé, jaune indien, orange brûlé, vert olive et brun antilope, bien que nous n'ayons pas encore utilisé le vert olive. Je vais sauter dessus d'abord. Crois que c'est celle-là. Tu retournes ça. On y va. Vraiment, je ne vais pas créer un cadre très réaliste pour l'écureuil. Je vais créer un design. Parce que lorsque nous peignons d'une manière qui est communiquer un certain style ou une certaine sensation, la meilleure chose à faire est de simplifier, styliser et abstraire. Je trouve qu'une excellente façon de se réchauffer est de peindre ces types de petites feuilles qui sont la forme de la brosse que j'utilise. Retour à ce six aquarelles rondes, pinceau de sable. Souvent, lorsque vous achetez ces produits, vous verrez qu'ils sont bons pour l'aquarelle ou les peintures acryliques. Ne vous laissez pas jeter s'il est dit qu'ils sont bons pour les peintures acryliques. Dans ma classe, les récifs d'aquarelle, nous parlons un peu plus de la création de feuillage et d'essayer de déterminer le rythme des choses très rapidement et lâchement. Je vais vous donner un aperçu qui est fondamentalement, je vais créer ces feuilles vertes. Considérant qu'ils sont tous les mêmes dans un rythme où j'ai un écart entre chacun. Ils vont m'aider à définir la forme de ce récif. Ce sera essentiellement la frontière de ce tableau. Nous avons appris que peindre humide sur humide signifie que je fais mouiller l'argent de la chose que je dessine avec une brosse humide, ce soit de l'eau propre ou de l'eau avec un peu de peinture dedans. Ensuite, au besoin, j'ajoute de la peinture. Plutôt que d'aller de façon circulaire, ce sera toujours un cercle, mais je vais faire rencontrer ces gars au centre. Mes feuilles vont s'incliner de cette façon. Maintenant que j'ai mes feuilles vertes, qui font la forme, c'est vraiment facile à suivre maintenant. Maintenant, avec l'aquarelle, je ne pourrai pas peindre dessus d'eux à moins que ce ne soit une couleur sombre, parce que l'aquarelle est en quelque sorte opaque. Tout ce que je peins sur le dessus sera vu à travers sauf si la couleur qui va sur le dessus est sombre. Maintenant, la couleur que je vais utiliser suivante est jaune. Il ne sera pas plus sombre. Fondamentalement, vous pouvez simplement choisir une autre forme, des espèces de feuilles par couleur. Cela se divisera au milieu, puis avec une tige. Pour m'amuser avec un peu d'orange brûlée, je vais tamponner le milieu, et laisser ça sécher. Je ne veux pas que ça soit trop rythmique. Je vais mettre un peu dans une direction, autres dans une autre direction. Peut-être même pas nécessairement dans cet angle. Parce que maintenant que j'ai les feuilles vertes qui font la structure pour moi, je n'ai pas besoin de m'inquiéter autant de la faire ressembler parfaitement à une couronne. Enfin, pour que j'utilise un peu de ce brun, je vais apporter quelques branches et quelques petites baies peut-être en jaune sont brûlées orange. On verra comment ça se passe. 9. Peinture de chevaux: Je mets la violette dans Ice Blue. Je n'ai pas besoin de beaucoup de peinture parce que c'est un cheval blanc, donc on va laisser beaucoup d'espace blanc. Mais nous allons vouloir que ces couleurs passent des sombres sombres à un violet moyen, bleu au blanc. Donc, je vais utiliser un pinceau plus gros. Quand je veux être lâche, j'utiliserai un pinceau plus gros. Souvent encore plus grand que je suis à l'aise, mais c'est une taille dix autour, donc c'est seulement deux pas de la brosse que j' utilisais avant de pouvoir totalement utiliser la dernière. Avec le cheveu de cheval, comme il est encore si court, vous n'avez pas vraiment beaucoup de cette texture dedans. Donc ça va être très amusant de travailler mouillé sur mouillé et de laisser tomber ces Bob là où ils le peuvent, parce que nous avons les parties les plus importantes. Je vais encore mouiller mon pinceau, puisque c'est mouillé sur mouillé, je vais mettre de l'eau sur les parties sur lesquelles je veux que la peinture se couche. On dirait un peu que c'est une peinture secrète et on ne peut pas voir tant que je n'ai pas mis la peinture. [ inaudible] C'est bon. Quand tu as mis trop de peinture comme moi, alors je mouille mon pinceau et je le ramasse et je le lave. Je voulais ajouter un peu de bleu comme une sorte de coton bonbon. Je remarque que je veux plus de détails autour l'œil et je ne peux pas obtenir ça avec ce gros pinceau. Je vais donc utiliser très délicatement cette brosse de taille quatre. Je l'utilise assez souvent. Il crée une belle sorte de ligne aléatoire. Juste pour ajouter un peu de définition et un minet d'oeil, mettre quelques lignes là. Mets des lignes qui sont presque des points parce qu'ils sont si courts dépeignant les cheveux de ce gars. De minuscules détails pour me faire sentir, d'accord maintenant c'est fait. 10. Du cheval à la licorne et aux marguerites: Avant de faire des fleurs sur notre cheval, je vais vous donner la possibilité de convertir votre cheval en licorne. Je ne vais pas utiliser mon crayon. Je ne vais pas le dessiner. Si quelque chose je vais le dessiner avec mon pinceau parce que tout ce dont j'ai besoin c'est une silhouette légère de la corne ici. Utilisez très peu de la glace bleue, et laissez sécher, et puis pour les cheveux, je vais aller un peu arc-en-ciel, pas utiliser toutes les couleurs. Mais c'est là que le blanc copique sera utile. Tout simplement parce qu'à certains moments, je vais devoir parcourir des endroits que j'ai déjà peints, et avec mes aquarelles semi-opaques, je ne pourrai pas au moins de façon convaincante. Je vais mettre juste un peu au milieu de chacun de ces puits. J' utilise juste les peintures que j'avais déjà sur mes autres animaux. arcs en ciel sont parfaits à faire avec l' aquarelle parce que l'aquarelle se fond naturellement dans la couleur suivante, et donc si vous l'espacez juste, vous pouvez obtenir un arc-en-ciel très naturel. J' ai mélangé un peu de ma couleur avec le blanc copique pour créer les poils de la maintenant licorne. Je vais alterner en laissant de l'espace entre les deux. Maintenant, je vais utiliser le rose. Maintenant que tout ça est là-dedans, je vais le lisser pour que je mélange ce mélange blanc avec le rose. Je laisse ma brosse sécher pour qu'elle ait un peu de cette texture. Le cheval a une frange, mignon, et je vais utiliser un peu de bleu avec ce blanc. Tu n'as vraiment pas besoin d'utiliser le blanc. C' est juste un bon additif, sorte que s'il y a des moments où vous avez besoin d'aller sur une peinture ou quelque chose que vous avez déjà peint, vous pouvez le faire, et maintenant une touche de violet, et je vais quitter la crinière, laissez-le être. Maintenant, avec une brosse très sèche, vous pouvez ajouter plus de texture capillaire à sa crinière. La petite fille Lisa Frank [inaudible], si heureuse en ce moment. La dernière chose que je vais faire pour rendre notre licorne convaincante est de mettre un peu de texture dans sa corne en mélangeant le bleu clair et le violet clair, en ajoutant un peu d'ombre juste d'un côté. Je ne suis pas sûr si c'est nécessaire, mais j'ai l'impression que les cornes de licorne ont comme une spirale qui se passe. Nous allons faire des marguerites, très simples parce que ce sont des formes radiales. On a un centre, où voulons-nous mettre ? Nous devons laisser de l'espace pour cette action faire peut-être juste une moitié par ici, et à partir de là, nous avons juste créé les pétales. Je vais faire ça avec du bleu glacé pour garder nos couleurs, et je vais aller très léger. J' ai pris un peu de bleu et mis de côté parce que je voulais être sûr de ne pas aller trop sombre, et de cette façon j'ai essentiellement créé un autre puits pour une autre couleur. Je vais faire des pétales de marguerites très désordonnés. Il suffit de les boucler, grands et maigres. Certains deviendront plus légers, d'autres deviendront plus sombres, et c'est bon. Maintenant, mes marguerites ont l'air d'un petit gâchis. Ils peuvent sembler mignons, mais ils n'ont pas l'air aussi bien que le cheval jusqu'à ce que je leur donne un peu plus de définition. Je prends cette orange que j'ai créée avec le rose lever du soleil et le jaune. Je ne vais pas décrire tout le cercle, tout le centre de la marguerite. Je vais juste ajouter un soupçon d'une ligne, et quelques points. Lavez ma brosse, et maintenant je vais utiliser ce même bleu, mais cette fois sous une forme pure pour créer les formes des marguerites. Les pédales de marguerite. Encore une fois, je ne veux pas utiliser et je veux esquisser chaque ligne. Mais ce que je peux faire, c'est éclaircir le bleu pour quelques lignes et le laisser devenir plus sombre et plus léger à mesure qu'il entre et sort, et ajouter quelques feuilles violettes foncées. Juste pour ajouter un peu de contraste. Ça n'a pas à avoir de sens, il suffit de l'accepter . 11. Peinture de lamas: Très bien, sur notre lama printanier. Les couleurs que nous allons utiliser, sont jaune citron et voulait utiliser un jaune qui n'est pas chaud, jetant dans un peu d'orange qui est juste jaune très pâle, parce que ce sont le printemps, pensez Pâques, pensez tulipes, qui incorporera à la fin. C' est rose lever du soleil, et c'est vert jungle. Le vert Jungle n'est pas aussi vert qu'il en a l'air. C' est en fait plus d'un vert comme cette encre que nous avons utilisée, mais sous forme d'aquarelle afin que nous puissions créer un pont entre les encres sombres et l'aquarelle. J' imite l'aquarelle la plus sombre à la couleur de l'encre, sorte que nous avons un peu de transition et que ça ne ressemble pas à un look de timbre. Je vais retourner à ma brosse à six ronds. Je vais commencer par ce vert. J' ai utilisé un peu d'encre d'une manière aqueuse, semblable à ce que je veux essentiellement faire avec cette couleur. Cette jungle verte. Garder une sensation bouclée à la façon dont je pose mon eau, parce que c'est là que la peinture va suivre. Puisque je travaille sur l'eau, travaille mouillé sur mouillé, je veux garder mes coups de pinceau séparés de sorte que quand ils saignent et sèchent, il ne devienne pas seulement une seule couleur. Même si je veux mettre plus de lignes là-bas, je vais laisser ça parce que comme vous pouvez le voir quand il commence à saigner, ça crée un peu de cheveux pour moi. Quelque chose que je pense qu'il est presque essentiel lors de la peinture d'un lama est, étant sûr de montrer les bords de ces cheveux bouclés. Ne lissez pas trop ça et donnez-leur une coupe de cheveux en fourrure. Comme je l'ai fait avec l'écureuil, je vais ajouter un peu de variété de couleurs avec ma deuxième étape, une valeur qui est ce rose. Le rose lever du soleil est toujours si chaud et doux. C' est génial pour une sensation printanière. Elle n'a pas de violette, elle n'a pas de jaune. C' est juste un vrai rose. Je pars en m'incorporant dans les endroits amusants qui ne sont ni ses joues ni son nez. Lorsque vous pensez à la fourrure posée sur la peau, rappelez-vous que la fourrure reste sur la peau, sorte que les plis de la fourrure vont sembler horizontaux. Tu vois ça beaucoup avec le Lama. La façon dont la fourrure tombe est presque en rangées, en lignes. Ici, sous le menton, tu comprends vraiment ça. Certains d'entre nous peuvent voir les lignes dans notre menton lorsque la peau se plie. C' est exactement ce qui se passe sous la fourrure du Lama. Mais cela se traduit par ces lignes bouclées, ces ombres bouclées. Je vais avoir besoin que tu arrêtes de le toucher. Je pense que c'est fini, le Lama pour l'instant. 12. Détails sur les lamas: Maintenant à mon lama avec les trois couleurs que j'avais je crois jaune citron, rose lever du soleil et vert jungle qui est ce vert sarcelle. Je vais faire des tulipes, très élastique. Je vais faire apparaître les tulipes derrière elles au lieu de s'arquer autour d'elles parce que je veux montrer à quel point il est grand. On va garder les tulipes assez simples. Je vais commencer par les tiges juste pour qu'on sache où ces gars vont être. Je ne veux pas que ce soit très humide parce que devinez ce qui se passe quand ce vert touche le jaune ? Peu importe ce que j'ai, le jaune va juste se transformer en vert citron, ce qui serait bien pour les tiges mais pas tellement pour les tulipes elles-mêmes. Je pense que je vais les garder de ce côté, juste en face de ça. Utilisez un peu de jaune. Chaque fois que vous voulez mélanger les couleurs et que vous utilisez cette peinture humide sur humide, ce médium humide, mettre un peu au milieu. C' est bien ton mélange. C' est pour ça qu'il est là. Mais ce vert citron vert, je vais créer quelques feuilles très légèrement recueillir de la peinture sur les côtés. Une fois que mon pinceau vert touche bien jaune, il va devenir vert, donc je suis très prudent à ce sujet. Lorsque vous achetez des peintures, c'est une bonne idée d'acheter du blanc supplémentaire et du jaune supplémentaire parce que celles-ci sont entremêlées, ternies assez facilement et utilisées très rapidement. Pour les tulipes, je vais utiliser mon pinceau plus grand afin que je puisse vraiment utiliser le corps de la brosse pour faire la forme. Je suis de retour à ma taille 10, très humide. Ce que je vais faire, c'est faire la forme du pétale gauche, le pétale droit, puis ceux-ci se chevaucheront et ça crée une forme de diamant pour un dans le dos. tulipes ont plus de trois pétales, mais c'est un moyen très simple de styliser la fleur et de la rendre vraiment reconnaissable. Si je veux, je peux toujours en ajouter un autre ici en retournant sur le côté. Je ne fais que les côtés avec le jaune parce que je veux que cette couleur soit pâle alors que la couleur entre ou derrière ce pétale va être un jaune plus foncé, c'est-à-dire que je vais utiliser un peu de ce pic. Mon mélange est vert citron, donc je vais apporter un peu de jaune ici. Nettoyez-le sur le côté de l'assiette, petit rose ici et j'ai une orange qui est dans ce schéma de couleurs. La meilleure façon de garder votre jeu de couleurs est de mélanger les mêmes couleurs que vous avez déjà. Utilisez la même couleur parce que c'est essentiellement le jaune mais plus foncé sur le fond. Je peux lui donner un peu de poids. Étant donné que le pétale est amusant, semble ginormal. Je vais le rendre plus petit en ajoutant plus. [ inaudible] ça fait mal. Quoi qu'il en soit, je vais utiliser ce rose avec mon pinceau, c'est la taille 4 petite. C' est ma dernière chance de rendre ces fleurs plus réelles et donc j'ajoute juste ces petites lignes de texture. J' ai l'orange que je pourrais utiliser et j'ai le rose que je pourrais utiliser. Je pourrais mélanger le vert de la jungle et un peu si je veux une couleur plus foncée. Mais je pense que ça ira. Je ne cherche pas à faire des fleurs très réalistes. Ce sont des fleurs illustratives, essentiellement des fleurs stylisées et elles donnent vraiment à notre lama un sens de la place. De plus, il est vraiment amusant d'utiliser un minimum d'effort pour créer un peu d'impact. C'est comme tricher. Ne vous sentez pas comme si vous aviez besoin de tout tracer. Laisser ces petites fissures le rend un peu plus organique, naturel et nos yeux veulent naturellement relier les lignes, ne pas avoir tout dessiné pour nous parfaitement. Il y a notre lama, nous allons travailler sur le fond ensuite. 13. Peinture de renne: Nous sommes prêts pour notre cerf. Je vais utiliser un léger bleu, qui est le plus proche que je peux obtenir d'un bleu marine et aquarelle. C' est en fait une couleur que j'utilise beaucoup. Souvent, les gens me demandent quelles sont les couleurs que je devrais acheter [inaudible] les quatre ensembles de couleurs du Dr Paige Martin. Je pense que le bleu ardoise est un choix précis. Pour moi, le rose est aussi été lever du soleil. Le rose a été très utile. Bleu ardoise, écarlate. Toujours besoin d'un peu de rouge pour une sensation de vacances. Je vais ramener l'antilope Brown qu'on a utilisé sur l'écureuil. Je vais utiliser le pinceau numéro 6. Comment connaissez-vous un pinceau à utiliser ? Eh bien, je vais utiliser des coups de pinceau très petits ou courts. Je veux un pinceau plus petit. Encore une fois, je vais commencer par la couleur qui est la plus proche de la couleur de l'encre. En regardant ma référence travaillant quoi sur quand. Un endroit facile pour commencer est dans le corps du cerf parce qu'il n'y a pas beaucoup de formes, votre fluctuation. Parfois, vous voulez commencer par ce qui est le moins intimidant pour vous et passer à autre chose. Quand tu essayes juste de te mettre au point. J' apporte mon second noir, qui est l'antilope Brown. Ça va broyer cette sensation bleue que j'ai. Une chose alors je vais devoir faire attention à quand ces couleurs deviennent aqueuses et combinent le jaune du brun et le bleu du bleu ardoise devient vert. Je ne vais pas vraiment prendre un cerf vert, du moins pas cette fois. Encore une fois, travailler en bandes horizontalement. Penser aux plis de la peau. Dans l'image de référence du cerf, je peux même dire qu'il y a quelques rides qui vont ici. Je peux dire que c'est la direction dans laquelle je devrais peindre. Comme je travaille sur le dos des bois, mes coups de pinceau s' allongent et je traîne beaucoup mon pinceau pour que la peinture s'efface et qu'elle ne soit pas brutale. J' ai besoin d'aligner, j'essaie de les faire surtout dans ce brun juste pour le différencier un pas de plus du corps ici du cerf. Ce que je trouve avec les bois et les branches qui lui ressemblent beaucoup , c'est que pendant que vous peignez, les séchant, il semblait juste que ça ressemble vraiment parce que c'est juste comme si vous travaillez sur un appendice d'un appendice et il n'a pas l'impression traduire ce que vous peignez aussi facilement que disons quand vous faites un œil, vous êtes bien conscient de ce que sont les parties de l'œil. Mais c'est une de ces choses que vous devez regarder votre référence beaucoup. Faites confiance à ce que vous faites et quand vous vous éloignez, vous aurez le regard, tout se réunira. Maintenant, cette dernière partie quand je regarde tout et utilise surtout, est pleine de peinture pour m'assurer que j'ai tous ces sombres briller à travers. Je vais faire quelque chose que je n'ai pas encore fait dans ce cours. C' est pour apporter mon marqueur pinceau Pentell, c'est essentiellement de l'encre noire sous forme de marqueur. Mais c'est de la peinture qui est à l'intérieur ou de l'encre plutôt. C' est quelque chose que je fais quand j'ai vraiment besoin de cette dernière touche de noir. C' est juste que ça ne vient pas. Il doit être vraiment percutant ici dans les yeux, ici dans la narine, puis dans cette zone supérieure. Je vais apporter ça parce que je ne peux pas aquarelle sur l'encre, ce qui est quelque chose que nous aimons. Parce que la couleur de l'eau a été repoussée de l'encre. Mais maintenant, je vais utiliser ce marqueur de pinceau parce que c'est juste un moyen pratique d'utiliser l'encre noire très rapidement. Comme c'est de l'encre, ça ira juste au-dessus de l'autre encre pour s' assurer que nous avons ces vraiment sombres qui sortent comme ils le devraient. Tout comme je le fais avec mon pinceau, je veux utiliser le même genre de coups pour créer de la texture et ne pas oublier que ce que je peins est un animal. Il a ses propres caractéristiques. Je ne vais pas changer la façon dont je travaille juste parce que c'est un média différent. Ça aide vraiment à le faire éclater. Il a vraiment l'impression qu'il me sourit maintenant. 14. Houx de renne: Maintenant, le feuillage de notre renne pour le garder festif dans un esprit de fête va être un peu de gui. Dans un autre morceau, peut-être d'autres morceaux, j'ai utilisé des aiguilles de pin ou une guirlande d'une sorte et cette fois ce sera un peu de gui juste accroché à son bois ici. On va commencer par le ruban. Je veux être sûr que j'ai bien compris. Aussi, je n'ai pas encore utilisé mon rouge. Je veux y arriver, assurez-vous que ce rouge classique se montre. Comme nous l'avons fait avec beaucoup de fleurs, je vais essentiellement utiliser mon pinceau avec un peu de peinture dessus pour tracer la forme au lieu d'utiliser un crayon. Ici frotter contre l'encre afin qu'il ne colle pas. Laisser ce ruban voler un peu. Créez un petit mouvement. On laissera ça sécher et j'ajouterai quelques lignes pour lui donner un peu plus de dimension. Mais pour l'instant, je vais utiliser le brun pour créer les tiges du gui. C' est peut-être un vert foncé, mais comme on utilise le brun et le bleu, on a besoin du brun. Avant de faire trop avec ça, et avant de partir, je vais décrire les cercles des bourgeons pour que je sache que je ne les couvrirai pas parce qu'ils sont la partie la plus importante. Etre très prudent de ne pas toucher d'autres pièces qui ont déjà été peintes. Parfois, je les laisse toucher parce que j'aime voir comment ils saignent un peu. Maintenant, pour avoir les feuilles vertes, je vais utiliser un peu de brun, un peu de bleu et je vais laisser ce vert désaturé. Les feuilles du houx sont en fait similaires aux pétales de la marguerite, que nous faisons sur un morceau de cheval. Maintenant, je vais ajouter un peu plus de définition à ce rouge en utilisant mon mélange bien à nouveau, avec un peu de brun pour créer un rouge plus foncé afin que je puisse faire la forme de mon arc. Maintenant celui-ci va scintiller de n'importe où la ligne la plus épaisse devrait être. Ce serait dans l'épaisseur du pli du centre. Nous allons faire de l'ombre où le ruban sort du noeud et ajouter un peu de bleu à cela. Toujours dans mon schéma de couleurs, mais maintenant nous avons quelque chose qui est presque noir et un peu violet pour la définition de ces feuilles. C' est maintenant mon départ le plus sombre dans cet élément du feuillage en arrière-plan. C' est tout ce que je vais faire pour ça. 15. Fonds gouachés: Maintenant, j'ai ces couleurs à la gouache. Nous allons les utiliser pour peindre la couleur de fond de tous ces animaux. J' ai choisi ces couleurs, une pour chacune et ce qui est merveilleux à propos de l'utilisation de la gouache, c'est que c'est une couleur plate, ce qui signifie qu'il n'y a pratiquement aucun moyen de créer beaucoup de dégradés avec de la gouache sans qu'elle ne soit pas géniale. Donc, il est vraiment facile de créer une couleur plate, alors qu'avec l'acrylique, vous avez toujours un éclat à elle. C' est une texture crépus. C' est une grande texture à utiliser un crayon de couleur sur le dessus de. Mais ce qui est génial dans l'utilisation de la gouache à l'aquarelle , c'est que ces animaux que nous avons peints , ils ont beaucoup de dimensions , beaucoup de saignements, beaucoup de couleurs se passe à l'intérieur d'eux et donc d'avoir quelque chose qui se passe être une couleur plate derrière eux avec quelques bords de peinture au pinceau sec, que je vais vous montrer. Cela ajoutera un peu plus d'intérêt à la pièce. Je combine le vert pâle avec le blanc pour créer ce vert clair qui, je suppose, est encore plus pâle que le vert pâle. Mais j'ai l'impression que c'est une touche de pomme ou de menthe. Il y a quelque chose à propos de mélanger une couleur avec de la gouache blanche qui la rend plus tendance pour les couleurs qui sont à la mode en ce moment. Donc je vais faire le tour de chaque forme. Je travaille de l'extérieur. Donc je travaille à peu près sur la partie la plus stressante d'abord. Ce que je parlais de la technique de la brosse sèche, c'est que mon pinceau n'est pas très mouillé avec de la peinture ou avec de l'eau, et cela crée cette texture calcaire. Ce look est très tendance pour le moment et il était également branché vers le milieu du siècle. Donc, comme votre brosse traîne à travers certains de ces coins, ne ressentez pas le besoin de la mouiller à nouveau. Exploitez-le jusqu'à ce qu'il ne fonctionne plus pour vous et qu'il ne vous serve plus lorsque la brosse cesse d'aller dans la direction dont vous avez besoin et laissez ces bords s'effilocher. Vous trouverez qu'il ajoute une belle petite dimension de la main. D' accord. Pour mettre l'arrière-plan sur notre cheval, notre licorne maintenant, je vais devoir trouver la forme que je veux que ce fond prenne. Si je veux que ce soit un ovale ou un cercle. Je sens un cercle, une forme de lune. Juste pour me rendre ça plus facile, je vais utiliser une boussole et sentir quel point on veut que ça soit avant de poser mon crayon sur le papier. En gardant à l'esprit que tout ce que je dessine sera l'extérieur. Donc ce que je vais peindre va être légèrement plus petit que le cercle, alors je peux effacer ces lignes facilement. Je vais utiliser cette peinture métallique. Ça fait partie de l'ensemble de soda aquarelle. Je vais mettre un lien si vous souhaitez acheter ceci auprès de KMS peintures. Elle a un set où ils sont tous nommés d'après les sodas. Celle-là, c'est Coca. Avec l'art des vacances, c'est toujours une bonne idée d'ajouter un peu de métal. Il ajoute une petite touche spéciale. Puisque j'ai senti que ce bleu est peut-être en train de perdre un peu de sa sensation festive, je vais ajouter des floakes de neige très stylisés avec le métal. 16. Réflexions finales: Regardez l'étendue du travail que nous avons créé dans cette classe. On a quatre animaux, quatre saisons, quatre vibrations. J' espère vraiment qu'à la fin de votre pièce, vous ressentez, ces éléments se sont réunis pour dépeindre ou communiquer ce sentiment, cette ambiance. Vous avez les vacances, la sensation chaleureuse de l'automne, la sensation magique de la licorne et les couleurs violettes qui s'y trouvent, et une sensation plus bohème du lama. Publiez votre projet, que vous ayez fait quatre pièces ou un, et publiez cette première petite expérience que nous avons faite avec les valeurs de couleur. Suivez-moi sur Instagram. Je suis @watercolordevo, aquarelle dans l'orthographe américaine, W-A-T-E-R-C-O-L-O-R-D-E-V-O. J' adorerais voir ce que vous créez. J' aime particulièrement entendre comment quelque chose qui semblait intimidant, vraiment réuni pour être pas si effrayant si nous prenons juste un pas à fois et seulement se concentrer sur ce qui compte le plus et s'amuser avec le reste.