Portrait à l'aquarelle : de la peinture finale à l'esquisse

1. Introduction: Bonjour. Je m'appelle Bia Barrett et je suis artiste aquarelle spécialisée dans les portraits. Avez-vous déjà regardé un portrait à l'aquarelle et vous êtes dit, wow, j'aimerais vraiment savoir comment peindre comme ça. J'aimerais avoir une technique. Lorsque vous essayez d' apprendre par vous-même, c'était une expérience frustrante. Eh bien, j'y suis allé et c'est pourquoi, en 2019, j'ai commencé à investir dans des ateliers et des cours avec certains des meilleurs artistes du monde. Maintenant, après quelques années de pratique, je peux enfin dire que c' est mon médium préféré. Avant, j'ai utilisé beaucoup de graphite dans mon travail. Mais cela a pris beaucoup de temps et cela n'a pas eu la polyvalence et le plaisir que je trouve avec l'aquarelle. aquarelle est également un processus beaucoup plus rapide, la peinture prend environ une heure pour que je finisse. Au cours de ce cours, je partagerai tout mon processus, du croquis à la peinture finale, obtenant des conseils précieux que j'ai appris non seulement des maîtres mais aussi de ma propre pratique. À la fin de ces cours, vous pourrez peindre une partie colorée en fonction de la référence de la photo. J'espère que vous tomberez également amoureux de l'aquarelle. 2. PROJET DE COURS: [MUSIQUE] Parlons du projet de classe. Le projet de classe sera un autoportrait, et pourquoi un autoportrait ? Eh bien, ils sont traditionnellement utilisés par les artistes comme forme d'étude, mais dans ce cours, je vais également examiner comment choisir une bonne photo de référence, et il est probable que vous ayez plus de photos de référence de vous-même que n'importe qui d'autre. De plus, ce cours est basé sur des références photographiques et des observations. Vous devez observer l'image ou le sujet pendant longtemps, et vous aimeriez probablement choisir quelqu'un qui ne vous dérange pas de la regarder pendant de longues périodes. Bien sûr, si vous ne vous sentez pas aise avec la peinture et la publication d'un autoportrait, vous pouvez choisir une autre image de référence, il suffit de faire attention aux bonnes pratiques que je vais partager tout au long de ce cours. Enfin, n'oubliez pas de partager votre projet avec nous afin que moi et vos curieux puissent vous faire part de vos commentaires. Il s'agit d'une étape précieuse du processus, et j'ai hâte de voir tous vos projets. 3. Fournitures: [MUSIQUE] Examinons quelques-unes des fournitures dont vous aurez besoin pour ce cours. Tout d'abord, voici un papier aquarelle. Pour cette technique, le papier aquarelle doit être 100% coton. papier qui n'est pas étiqueté à 100 % de coton, est généralement fait de cellulose ou d'un mélange des deux, et cela ne fonctionnera tout simplement pas avec cette technique car la cellulose se désintègre lentement au fonctionnera tout simplement pas avec cette technique car la cellulose se désintègre lentement fur et à mesure que vous ajoutez plus d'eau et plus de couches. Un autre approvisionnement important dont vous aurez besoin pour ce cours est vos pinceaux. Ici, j'ai trois pinceaux à aquarelle. L'une est constituée de fourrure 100 % naturelle, autre est de fourrure synthétique et l'autre est un mélange des deux. Eh bien, la fourrure naturelle contient beaucoup d'eau. Il est également beaucoup plus doux et on ne peut pas vraiment garder un bon point longtemps. Quant au synthétique, il est plus robuste, mais il contient moins d'eau. C'est pourquoi j'opte pour un mélange de fourrures synthétiques et naturelles, donc j'ai le meilleur des deux mondes. Il contient beaucoup d'eau et il est également assez robuste, donc je peux obtenir cette pointe très fine avec une brosse à pointe ronde. C'est le pinceau optimal car il n'est pas trop petit, je peux donc peindre de grandes surfaces, mais comme il a un point rond, je peux utiliser ce petit point pour faire beaucoup de détails fins comme vous le verrez dans les démonstrations. Passons maintenant aux peintures, que vous utilisiez de petites tablettes comme celles-ci ou que vous utilisiez des tubes, le plus important est d' investir dans l'aquarelle de qualité professionnelle. Vous n'avez pas besoin d'en acheter beaucoup, dans ce tableau, je n' utiliserai que trois couleurs pour vous montrer que vous n'avez besoin des couleurs primaires pour peindre un beau portrait. Cela vous aidera également à obtenir plus d'harmonie dans votre portrait, surtout si vous débutez, car vous n'avez pas besoin de réfléchir à la façon dont les couleurs vont ensemble. Ils proviendront tous d'un mélange de jaune, de bleu et de rouge, ce qui donnera harmonie à l'ensemble de la peinture. Bien sûr, vous aurez également besoin d'eau. J'aime garder deux tasses, une pour l'eau sale et l' autre pour l'eau claire. De cette façon, vous veillez à ce que vos couleurs soient toujours propres. J'ai également une palette pour mélanger les couleurs, et si vous n'utilisez pas toute la peinture, vous pouvez la laisser sécher et simplement réactiver lorsque vous avez besoin de l'utiliser à nouveau. Il est également important d'avoir un morceau de papier de ferraille où vous pouvez tester la peinture que vous mélangez et vous assurer que les tons sont corrects. Ayez un vieux chiffon ou des essuie-tout ou même une petite éponge pour absorber l'humidité et la peinture de vos pinceaux. Pour la partie dessin, assurez-vous d'avoir un bon crayon et une gomme à effacer d' égalité. Enfin, nous avons les extras optionnels mais très utiles. Un flacon pulvérisateur d'eau pour activer les peintures, et du ruban adhésif pour coller vos tableaux et s'assurer qu'ils ne bougent pas pendant que vous peignez. Cela est également facultatif, mais si vous pouvez travailler sur une surface légèrement inclinée, cela entraînera l'eau vers le bas et permettra de sécher le papier plus rapidement. [MUSIQUE] 4. Comment choisir de bonnes références photographiques: [MUSIQUE] La première étape réalisation d'un portrait aquarelle à partir d'une photo de référence consiste choisir une bonne photo de référence. Pour choisir une bonne photo de référence, il y a deux choses à prendre en compte. Le premier est l'éclairage. Vous voulez choisir une image qui a beaucoup de contraste, qui a beaucoup de lumière et d'ombre. Source de lumière claire car ces ombres projettent des ombres pour vous aider à gagner la dimension trig de votre peinture. Les contrastes créent des intérêts et votre peinture en bénéficiera. Évitez les images de beauté ou commerciales, car elles ont tendance à avoir un éclairage très uniforme, et il est très difficile pour vous d'avoir une différence de tonalité et de toutes les caractéristiques du visage. La deuxième chose à prendre en compte est la distorsion. Lorsque vous prenez une photo en fonction de l' objectif que vous utilisez, surtout si vous utilisez un selfie, un objectif avant ou si vous avez une distorsion de votre visage là où les choses se trouvent plus près de l'objectif sera plus grand que le reste de votre visage. Cela peut vraiment rendre votre peinture étrange ou votre dessin un peu décalé, et cela peut vraiment gêner vos compétences en dessin de portrait. Je ne recommande pas aux débutants d'utiliser des photos qui présentent une distorsion simplement parce que vous êtes encore en train d'entraîner votre œil, vous essayez toujours de comprendre la proportion et la distorsion de ces objectifs vraiment. entrave ce processus. Une autre chose stupide qui crée également des distorsions sont ces filtres, qu'ils soient TikTok ou Instagram, ils changent vraiment nos visages, ils réduisent nos nez, ils agrandissent nos yeux. Cela peut sembler un peu idiot, mais ils déforment encore une fois notre vision des proportions et ils peuvent vraiment faire paraître votre portrait un peu décalé. [MUSIQUE] 5. Dessiner le portrait: Commençons par dessiner le portrait. Pour cela, vous aurez besoin d'un crayon mécanique ou d'un crayon ordinaire, ce qui est plus confortable pour vous, d'une gomme de haute qualité et d'une règle. La première chose que je fais est donc de regarder mon image de référence et de m'assurer de centrer l'image dans mon papier. Ensuite, j'attrape une règle et je cartographie les principales proportions du visage. Je ne fais pas toujours ça, mais ça aide, surtout quand on commence à dessiner pour obtenir les bonnes proportions. Donc ici, je m'assure juste avoir les bonnes proportions verticales. La longueur du front, du nez, des lèvres, où se trouve mon menton. Réaliser ces proportions, c'est ce qui garantira non seulement un plus haut niveau de réalisme, mais aussi capturer la ressemblance, ce qui est très important dans un portrait. En fait, il n'est pas toujours nécessaire de mesurer votre image de référence et d'utiliser une règle, mais cela vous aidera beaucoup, surtout si vous commencez à dessiner des portraits, et vous avez besoin d'un guide pour vous aider à former votre œil. Plus vous pratiquez, plus votre œil sera affiné, et vous serez en mesure de dire, simplement en regardant la référence et en regardant votre dessin, quelles proportions peuvent être un Un peu dérangé. Mais lorsque vous commencez tout juste, et surtout lorsque vous posez les os nus du dessin, il est vraiment utile d' avoir ces mesures. Maintenant que j'ai établi les proportions verticales, je passe aux mesures horizontales. Alors, quelle est la longueur de mon menton, ma mâchoire, etc. Encore une fois, cette méthode fonctionne pour moi plus vite que si j'utilisais la méthode Loomis pour dessiner des têtes ou vraiment toute autre référence de proportions prêtes à l'emploi, parce que j'essaie de dessiner dans référence et non pas imagination. J'essaie vraiment de me concentrer et d'obtenir la ressemblance du sujet sur lequel je travaille. Donc, dans ce cas, c'est un autoportrait comme nous l'avons déjà parlé. Il est vraiment important de choisir une référence qui ne vous dérange pas de regarder pendant de longues périodes, car c'est le seul moyen cartographier ces proportions et de capturer la ressemblance. Je trouve ce processus très intéressant car avec le temps, on se rend compte que personne n' a de visage super proportionnel ou de visage super symétrique. Chacun a ses propres bizarrerie et caractéristiques particulières qui forment leur ressemblance. Vous n'avez donc pas à vous inquiéter si vous avez réalisé que votre nez est un peu tordu vers la droite ou un œil est plus haut que l'autre. C'est tout simplement normal, tout le monde l'a. Plus vous fixez votre référence et que vous l'avez comme guide pour votre dessin, plus vous vous rendrez compte que c'est naturel. C'est également pourquoi il est important de choisir une référence qui vous plaît vraiment , car vous allez regarder très longtemps. Maintenant que j'ai les proportions principales, je cherche très légèrement les grandes formes. Quelle est la forme générale de la tête ? Où grossièrement le nez, la bouche et l' œil doivent être. Encore une fois, j'ai une main très légère. Je me concentre sur le tableau d'ensemble et j'essaie de ne rien détailler le plus longtemps possible. Parce que je veux m'assurer que tout est bien au bon endroit avant de m'engager vraiment dans les détails. Cela facilite vraiment le processus de dessin car si vous ne vous engagez pas trop sur les détails, vous ne serez pas attaché à ce dessin et, au cas où vous auriez besoin d'effacer et de recommencer une seule pièce ou peut-être que tout cela, vous ne vous sentirez pas trop mal pour le temps dans lequel vous investissez. Le principal conseil que j' ai à ce stade est de me concentrer sur les grandes formes, les grandes formes géométriques, et d'essayer également d'utiliser des formes géométriques pour la bouche, les yeux et le nez, et non pour détaillez-les excessivement. Une chose qui peut également être très utile à ce stade est de voir les ombres comme des formes géométriques réelles. Si vous avez choisi une image à contraste élevé, que vous espérerez après le cours sur les images de référence, vous aurez beaucoup d'ombres projetées et beaucoup de définition entre la lumière et les parties sombres de l'image. Utilisez donc ces formes. Les ombres peuvent vraiment vous aider à définir toutes les entités de la face, et lorsque vous les cartographiez, il vous sera plus facile de voir si les proportions sont correctes. Si les yeux sont au bon endroit, si le nez est au bon endroit et ainsi de suite. Dans la vidéo, vous pouvez également voir que je vérifie constamment les angles en utilisant le crayon ou en utilisant la règle, ce qui aide vraiment à corriger ces ombres et à rapprocher tous les angles du visage. autant que possible à ce que je vois dans la photo de référence. Je sais que poser les fondations et faire le dessin ne serait peut-être pas aussi excitant que la peinture elle-même. Mais honnêtement, c'est la partie la plus importante du processus. Peu importe les astuces ou compétences de l' aquarelle que vous possédez, si vous n'avez pas une bonne construction en dessous, vous ne pourrez pas obtenir un bon résultat final. La qualité de votre dessin est le principal facteur qui influencera la qualité votre peinture lorsque vous l'aurez terminé. Alors, s'il vous plaît, ne vous précipitez pas sur ce visage. Prenez votre temps. Regardez attentivement la référence. Regardez attentivement votre dessin. Assurez-vous que ces angles et proportions sont corrects et commencez lentement à construire votre dessin. De cette façon, votre peinture commencera déjà par une bonne planification. Plus vous pourrez planifier votre peinture à l'avance, plus vous apprécierez l'expérience de peinture réelle, car vous n' essaierez pas de trouver de petits détails sur ce dont vous avez besoin pour bien ou mal. Vous pouvez simplement vous concentrer sur le processus, l'eau et la façon dont les différentes couches de peinture vont s'entremêler. J'ai réalisé que certaines personnes pourraient être frustrées par le fait que je n'ai pas façon étape par étape de dessiner un œil, un nez et une bouche. Mais c'est parce que je crois vraiment que lorsque vous référencez une photo, la meilleure chose que vous puissiez faire est de vraiment regarder votre référence, obtenir ces angles, les proportions correctes, et construisez lentement votre dessin à partir de formes géométriques. C'est parce que de cette façon, vous pourrez dessiner n'importe quelle image de référence, et non pas un modèle emporte-pièce d'un nez, d'une bouche ou d'un œil. Un dernier conseil que vous devez suivre avant d'entrer dans la phase de détail est de faire une pause, se promener, de déjeuner, de parler à quelqu'un, puis de revenir à votre dessin, et vous verrez soudainement des choses qui n'étaient pas aussi claires pour vous avant. Passons en revue quelques petits détails et erreurs que j'ai attrapées. Tout d'abord, ma bouche n' est pas droite. Il est légèrement incliné vers le haut, tordu vers le haut sur l' un des côtés. En regardant l' image et mon dessin, j'ai également réalisé que l'une des narines semble plus grande que l' autre à cause de l'ombre qui est projetée sur l'un des côtés. Il a donc également corrigé cela dans mon dessin. J'ai également vérifié chaque angle du dessin pour m'assurer qu'il semble harmonieux et qu'il soit conforme à mon image de référence. À ce stade, j'ai réalisé que j'étais vraiment mécontent de la façon dont les yeux se sont révélés, et j'ai décidé de les effacer et de recommencer. C'est pourquoi il est si important de garder votre dessin très lâche, ne pas faire beaucoup de détails, car cette façon, nous aurons beaucoup plus de flexibilité. Même psychologiquement, il sera plus facile d'effacer et de recommencer. Je ne m'en suis pas rendu compte à ce moment-là. Mais la raison pour laquelle je n'étais pas satisfait de ce positionnement, c'est que mes yeux ne sont pas vraiment symétriques. L'un d'entre eux est légèrement plus élevé que l'autre. Quand je dessinais avec cette idée que nos yeux sont dans la même ligne, cela a vraiment fait souffrir mon dessin parce que je ne regardais pas vraiment l'image de référence, et remarquant qu'un œil est légèrement plus haut que l'autre. Heureusement, je l'ai remarqué lorsque je faisais le deuxième dessin. Nous réalisons deux dessins pour ce cours car l'un sera utilisé pour la peinture monochrome et l'autre sera utilisé pour la peinture colorée finale. Il est vraiment important que vous ne vous attachiez pas trop à ces dessins. Après avoir réalisé le premier, vous pouvez commencer le nouveau tout de suite, ou attendre quelques jours avant de commencer le nouveau. Mais vous réaliserez que la seconde sera beaucoup plus facile car vous connaissez déjà l'image de référence. Vous l'avez déjà étudié pendant au moins une demi-heure, et maintenant vous aurez beaucoup plus de facilité à construire ou à dessiner. Ce n'est que lorsque je suis vraiment satisfait de l'image globale que je mets des détails et voici comment s'est déroulé le premier dessin final. 6. Les bases de l'aquarelle: [MUSIQUE] Avant de commencer à peindre, il est important de parler du fonctionnement de l'aquarelle. À l'aquarelle, lorsque vous essayez d'obtenir des tons plus clairs, vous devez mettre plus d'eau dans le mélange et moins de pigment. aquarelle est un support transparent, ce qui signifie également que si vous avez une couleur plus foncée, vous ne pouvez pas la recouvrir avec une couleur plus claire et la couvrir, ce qui est possible lorsque vous êtes travailler avec de l'huile ou de la gouache. Cela ne fonctionne pas avec l' aquarelle et c'est pourquoi nous travaillons généralement du clair au noir. Lorsque vous voulez obtenir des couleurs plus claires avec aquarelle, vous devez ajouter beaucoup d' eau et juste un peu de pigment et vous aurez une consistance que nous appelons thé. Lorsque vous ajoutez plus de pigment et un peu moins d'eau, vous avez une consistance que nous appelons lait lait, et vous pouvez voir qu' il est plus vif. C'est un ton plus sombre. [MUSIQUE] Si vous devenez encore plus sombre, avec beaucoup de pigment et juste un peu d'eau, vous avez la consistance que nous appelons habituellement miel et c'est très facile à contrôler. Vous pouvez créer de petits détails et des lignes fines. C' est ainsi que vous peignez les parties les plus sombres de l'image. Cette différence de ton dans la même peinture est celle que nous allons utiliser dans notre peinture monochrome. Travailler du clair au noir, de plus en plus d'eau à moins d'eau. [MUSIQUE] Maintenant, pour présenter certaines des techniques que nous utiliserons pour la peinture de portrait, allons peindre une sphère simple qui reçoit de la lumière de gauche. abord, nous commençons par une couche de peinture très légère consistant en un thé, donc beaucoup d'eau et juste un peu de pigment. La peinture ne coulera que là où vous avez mouillé le papier. Depuis que nous avons commencé à utiliser un morceau de papier sec, vous avez le contrôle total de l'endroit où coule le pigment et l'eau. [MUSIQUE] Pour adoucir les transitions entre la lumière et l'ombre, vous pouvez prendre un pinceau propre avec juste de l'eau et mouiller cette zone du papier. [MUSIQUE] Ensuite, obtenez plus de pigment dans un mélange de consistance laitière, donc plus de pigment et moins d'eau et peignez la partie de la sphère qui est dans l'ombre. Puisque toute la sphère est encore humide, vous aurez une transition très douce. [MUSIQUE] Tant que le papier est encore mouillé, vous pouvez déplacer la peinture et créer la transition souhaitée. Mais cela ne fonctionne que lorsque le papier est encore mouillé. [MUSIQUE] Une autre technique qui n'est possible que lorsque le papier est encore humide, consiste à saisir une brosse propre et sèche et à absorber un peu le pigment qui se trouve dans une zone afin de soulever cette zone et le rendre plus léger. [MUSIQUE] Pour peindre l'ombre coulée, qui est la partie la plus sombre de cette figure, j'ai un mélange de beaucoup de pigments et juste un peu d'eau. Comme le papier est complètement sec lorsque j'ai posé cette couche de peinture, il y a une distinction très claire entre la lumière et l'ombre. Ce ne sont que les techniques de base que vous utiliserez tout au long de ce cours. Vous pouvez toujours revenir à des formes plus simplifiées et pratiquer ces différences dans les transitions douces et les ombres plus dures, et essayer également d'expérimenter et de mélanger différentes peintures afin d'en apprendre les différences. entre chaque consistance. 7. Peinture monochrome: Faisons notre peinture monochrome. C'est une excellente façon de s'entraîner uniquement à se concentrer sur les valeurs et à ne pas avoir à se soucier des teintes. J'en ai fait des dizaines avant de passer à la couleur. Prenez le dessin que nous avons réalisé dans la leçon précédente et collez-le sur une surface inclinée. L'inclinaison aidera l'eau à s'écouler dans une seule direction et facilitera le processus de peinture. l'inclinaison est raide, plus le papier sèche rapidement. Ici, j'ai un morceau de tissu pour sécher mes pinceaux, deux tasses d'eau, une pour l'eau claire, une pour l'eau sale. Les peintures à l'aquarelle que j'utilise, mais pour ce portrait, j'utiliserai une sienne d'une seule couleur, brûlée. Choisissez toujours un pigment foncé comme le brun foncé ou le bleu foncé lorsque vous travaillez en monochrome. J'ai également nettoyé ma palette pour que vous puissiez vraiment me voir mélanger les couleurs. En général, je ne le fais pas simplement parce que l'aquarelle peut toujours parce que l'aquarelle peut toujours être réactivée et utilisée à nouveau et j'ai aussi un morceau de papier de ferraille où je teste toutes les peintures que j'utilise. Pour celle-ci, comme je l'ai déjà dit, j'utilise de la sienne brûlée et comme vous pouvez le voir, elle peut obtenir des couleurs très claires lorsqu'elle est mélangée à beaucoup d'eau et à des couleurs très sombres lorsqu'il n'y a presque pas d'eau. et c'est surtout du pigment. Avant de commencer à peindre, j'aime toujours tremper mes pinceaux quelques secondes dans l'eau pour qu'ils puissent redevenir malléables. Remarquez également que j'utilise un pinceau différent, moins cher, totalement synthétique, juste pour mélanger la peinture et l'activer avec de l'eau car ce mouvement peut vraiment endommager les pinceaux à aquarelle coûteux. Je vous recommande vraiment d'acheter un pinceau bon marché juste pour mélanger les peintures et vous n'avez donc pas à vous soucier de l'endommager. Puisque nous nous concentrons sur les valeurs, j'ai édité ma photo pour qu'elle soit en noir et blanc. Vous pouvez le faire dans différentes applications en réduisant simplement la saturation de votre image de référence. Donc, pour notre première couche, c'est surtout de l'eau et juste un peu de pigment. À l'aquarelle, nous appelons souvent ce calque T parce qu' il est censé avoir la même consistance que T, ce qui vous permet de voir qu'il est très liquide et de couleur très légère. Puisque nous n'avons pas de points forts très lumineux dans le tableau, nous pouvons recouvrir en toute confiance l'ensemble de notre portrait avec cette couche initiale. N'oubliez pas que l'aquarelle s'éclaircit toujours au fur et à mesure qu'elle sèche, alors n'ayez pas peur de la couvrir. S'il y a des zones que vous souhaitez éclaircir alors que la peinture est encore humide, vous pouvez le faire en prenant un pinceau relativement sec, un pinceau propre et en essuyant la zone car le pinceau absorbe la peinture. et cette zone deviendra plus blanche. Une autre façon d' éclaircir une zone consiste à prendre un peu d'eau pure et mettre là, car elle rouvrira les fibres du papier et l'encrera hors de cet endroit. Veuillez noter que ces deux techniques ne fonctionneront que lorsque la peinture n'a pas encore séché. Une fois la peinture sèche, il est vraiment difficile, voire impossible, de retravailler votre aquarelle et de faire des marques plus claires. Vous pouvez savoir si le papier a séché ou s'il est encore mouillé par la quantité de lumière qu'il réfléchit encore. Ici, dans la vidéo, vous pouvez clairement voir que surtout en haut du tableau, il y a encore une zone où il y a beaucoup de réflexion ce qui indique qu'il y a encore l'eau dans le papier, c'est toujours mouillé. Malheureusement, dans ce cas précis, comme le papier n'y a pas vraiment séché même après que le reste de la peinture ait déjà séché, cela m'indique que ce papier a été endommagé. Cela se produit parfois en stockage ou parfois en production, mais ces zones ne s'imprégnent pas vraiment la peinture et il peut être très difficile de travailler avec eux. Dans ce cas particulier, ne me dérangeait pas parce qu'il se trouve dans une zone qui va faire sombre et qu'il n'y a pas détails, donc ça n'apparaîtra pas autant. Mais je vais vous montrer un gros plan pour que vous puissiez dire à quoi il ressemble lorsque votre papier est endommagé. Après avoir complètement séché cette première couche, j'ai mélangé de la peinture avec de l'eau, cette fois pour obtenir un ton plus sombre et je définit les ombres. Cependant, j'ai découvert plus tard ou je me suis rendu compte que c'était encore trop léger pour les ombres. Juste après avoir fait cette couche, j'ai mélangé un peu plus de peinture pour refaire les ombres. La grande leçon ici est de ne pas avoir peur d'assombrir votre tableau. C'est le contraste qui rendra votre portrait intéressant. Mélangeons de la peinture. Pour la couche plus légère, comme nous l'avons dit précédemment, vous n'avez besoin que d'un peu de pigment et de beaucoup d'eau. Il a la consistance de T et est utilisé dans les parties les plus légères de la peinture. Pour notre deuxième couche, nous avons besoin d'une consistance plus profonde qui nous donnera une couleur plus foncée. Pour cela, nous avons besoin de moins d'eau et de pigments. Ce que nous recherchons, c'est quelque chose avec la consistance du lait. Oui, c'est généralement ce qu'on appelle la couche de lait. Après avoir ajouté plus de pigment, j'ai la consistance que je recherchais. Mais je vérifie toujours avec mon morceau de papier de ferraille, car n'oubliez pas que aquarelle s'éclaircit aussi au fur et à mesure qu'elle sèche. Il est toujours agréable de tester votre couleur et de s'assurer que vous avez ce que vous voulez. C'est la consistance que vous recherchez dans la deuxième couche, le lait. Une chose à garder à l'esprit, même pendant cette étape du processus, est de toujours regarder votre référence. Ayez un œil très attentif et prenez le temps d'absorber les informations qu'il vous fournit. Parce que même si nous avons marqué les ombres dans la partie dessin, il est tout de même important d'entraîner votre œil à voir les différentes valeurs. Puisque nous abordons le sujet des ombres, dans cette référence, il y a endroits où vous voulez une transition plus douce entre la lumière et l'obscurité, et dans d'autres, vous voulez une ligne plus dure, une ligne plus dure. aspect défini de votre ombre. Pour obtenir cette transition plus douce, j'ai une brosse propre et avec cette brosse propre, je une brosse propre et avec cette brosse propre, prélève un peu d'eau et je mouille simplement les zones adjacentes à l' endroit où va aller l'ombre. La peinture pourra s' écouler dans les zones humides, mais elle est de manière plus contrôlée. Vous aurez une transition plus douce, mais vous ne risquez pas de perdre cet effet de lumière et d'obscurité que vous subissez. Maintenant que la couche précédente est complètement sèche, nous passons aux moindres détails de la peinture et aux zones les plus sombres. Pour les petits détails, les zones les plus sombres qui ressemblent à cette séparation des lèvres, narines, des détails des yeux. Nous utilisons beaucoup de pigments et juste une petite goutte d'eau, juste assez pour le rendre utilisable et utilisable avec notre pinceau. La consistance de cette couche est similaire à celle du miel. C'est la couche de miel. Comme vous pouvez le constater, j'utilise toujours le même pinceau que celui que j' utilisais dans tous les calques précédents. C'est pourquoi j'adore les pinceaux à pointe ronde. Il est tellement polyvalent. Vous pouvez peindre de grandes surfaces et comme vous pouvez le voir ici, cela peut arriver à un point fin, et avec ce petit point, je peux faire de très petits détails comme les petites narines ou même les ridules des yeux. Après avoir peint les sombres les plus sombres, j'ai réalisé que mes ombres n'étaient pas encore assez sombres. J'y suis retourné et j'ai corrigé cela en assombrissant encore une fois les ombres. N'oubliez pas qu'il s'agit d'une étude de valeurs. Il n'a pas besoin d'être parfait. Vous devrez peut-être le retravailler comme je l'ai fait. L'idée principale est de comprendre à quel point les valeurs doivent être sombres ou claires pour transmettre la profondeur souhaitée dans votre image. Il peut s'avérer difficile de commencer le premier essai pour deux raisons. Premièrement, l'aquarelle sèche toujours plus léger que ce que vous posez sur du papier lorsqu'il est mouillé, vous devez donc en tenir compte. Mais il faut un certain temps pour que vous vous y habituez et soyez vraiment capable de mesurer à quel point vous devez faire sombre pour qu'il sèche la bonne teinte lorsque vous avez fini. Un autre problème est que la valeur est toujours relative. Lorsque le papier est blanc et que vous posez ces couches pour la première fois , il semble sombre par rapport au blanc du papier. Mais lorsque vous allez sur les calques les plus sombres, les calques plus foncés peuvent vraiment indiquer que vos médiums, l'ombre du milieu ne sont tout simplement pas assez sombres. Bien que l'aquarelle ait cette règle générale, vous devez passer du clair au foncé, simplement parce qu'il n'y a pas de bouton d'annulation et que l'aquarelle est un support transparent. Vous ne pouvez pas vraiment le recouvrir avec une couleur plus claire et l'éclaircir plus tard. Je vous encourage toujours à expérimenter et même à faire quelque chose de similaire à ce que j'ai fait ici, qui était d'aller dans l'obscurité la plus sombre, puis de le regarder à nouveau et de voir si vous avez vraiment besoin assombrir ces milieux. les tons, ces ombres. N'oubliez pas que c'est juste un moyen pour vous comprendre comment vous allez réaliser votre peinture finale. Il n'a pas besoin d'être parfait. Maintenant, sur les cheveux. Pour donner l'illusion de mèches de cheveux, j'ai généralement une main très légère et je fais tous ces mouvements d'avant en arrière. Cela aidera à créer des ridules très fines à se et donnera l'illusion de mèches de cheveux coulant dans la même direction. Maintenant, pour la partie surbrillante, j'ai une brosse propre avec peu d'eau et je mouille le papier avance, donc nous avons une transition très douce du clair au noir. Puisque l'autre côté des cheveux est surtout dans l'ombre, je n'ai pas à m'inquiéter tant des détails et je peux simplement couvrir toute la zone d'un ton plus sombre. Une fois que j'ai assombri cette ombre, il ne reste plus qu' à faire la robe. D'abord, j'ai mouillé le papier avec une couche plus légère et plus aqueuse, puis je reçois peinture très concentrée et juste mis quelques gouttes dedans et je laisse couler la peinture. J'ai pensé que ce serait un bel effet et donnerait la même idée et le même sentiment que le motif de robe dans l'image de référence. Voici le résultat final. Maintenant que vous avez fini avec la peinture monochrome, passons à la couleur. 8. Mélange de couleurs: [MUSIQUE] Avant de me lancer dans la peinture colorée, je veux parler de la façon dont je mélange les couleurs et de la façon dont j'obtiens une variété de tons de peau. Gardez à l'esprit ici que je n' utilise que les couleurs primaires, donc le jaune, le rouge et le bleu. Pour la plupart des tons de peau du Caucase et de l'Asie de l'Est, si clairs , je mélange généralement un peu d'orange , donc un peu de jaune, un peu de rouge et je joue avec ça. Lorsque vous le diluez beaucoup d'eau, vous obtenez de très beaux tons de peau à partir de différents tons d'orange. Parfois, j'ajoute juste un peu de bleu pour voir différentes variations de tons de peau frais et plus chauds. Certaines personnes ont cette nuance verte sur leur peau et vous pouvez vraiment capturer cela en ajoutant un peu de bleu à votre mélange. Lorsque vous recherchez des nuances de peau plus foncées, donc si vous peignez des gens non blancs, des indigènes, noirs, des bruns, ce que vous voulez faire est d'ajouter plus de bleu et d'ajouter un peu. Plus de rouge. Vous obtiendrez des variations différentes de brun. Encore une fois, vous devez vraiment observer votre référence et voir si ce brun est plus rougeâtre ou plus bleuâtre. Il y a aussi les variations de lumière. Gardez toujours à l'esprit que la peau n'est pas uniforme. ne s'agit pas d'un dessin animé. Les vraies personnes ont des imperfections et elles ont également des variations de teint en fonction de la quantité sang de ces zones du visage. Si vous regardez la photo, vous pouvez voir que mes joues sont un peu plus rougeâtres que le reste de mon visage. C'est parce que nous avons généralement plus de veines là-bas. Vous obtenez plus de sang, vous devenez plus rouge. Une grande partie de la variation de couleur que vous verrez dépend également de la lumière. Ici, je mélange aussi des peintures plus foncées même si je peins moi-même. Je suis blanc et asiatique de l'Est. Parce que toutes ces ombres auront une teinte brunâtre, parfois dans une teinte plus rougeâtre. Je voulais vraiment capturer ça. Pour les tons de peau plus foncés, j'aime vraiment commencer par un violet, alors j'ai mélangé beaucoup de bleu et de rouge, puis j'ajoute un peu de jaune pour obtenir une teinte plus neutre et plus brunâtre. Mais dans les tons de peau plus foncés, violet est un excellent moyen de commencer comme dans les tons clairs, orange peut être un excellent point de départ. Ici, comme il s'agit d'une démonstration, je mélange une très petite quantité parce que je veux juste que vous voyiez la gamme que vous pouvez obtenir de ces trois tubes de peinture. Mais une fois que je sais quelles couleurs j'ai réellement besoin pour mon portrait, je veux en faire grandes quantités afin de ne pas m'inquiéter de l'épuisement pendant que je peins, car cela peut être très difficile. pour que vous obteniez la même teinte une fois que vous n'avez d'un mélange spécifique et que vous devez en faire plus. Faites toujours plus d'un mélange de peinture, puis vous pensez avoir besoin de finir votre portrait. Ne vous inquiétez pas de gaspiller car aquarelle sèche sur la palette et elle peut toujours être réactivée avec de l'eau. Ça ne va pas vraiment mal. Vous pouvez vraiment mélanger autant que vous vous sentez à l'aise pour en avoir assez pour votre portrait. Si vous avez des restes , vous pouvez les utiliser à nouveau. Vous pouvez les mélanger avec différentes peintures et obtenir différents tons et teintes. Ce ne sera vraiment pas gaspillage et vous en serez vraiment reconnaissant une fois que vous peignez un portrait et que vous en aurez assez pour le terminer, vous n'avez pas à vous soucier ni à vous soucier, Et bien, que se passe-t-il si je n'ai plus de teint principal ? Que faire si je suis à court de cette couleur d'ombre ? Vous avez vraiment une expérience moins stressante si vous mélangez simplement de grandes quantités de peinture. C'est essentiellement ce que je m'apprête à faire à ce stade parce que je veux que toutes mes peintures soient prêtes, ou du moins les tons principaux dont je dois être prêt avant de commencer le processus de peinture. C'est pourquoi j'ai dit au début de cette vidéo que votre peinture commence vraiment par la palette. Tout comme vous dessinez, votre dessin initial sert carte et de marquage de l' endroit où vous devez peindre. Où est l'ombre ? Où est la lumière ? C'est un guide. Cette planification se produit également sur votre palette. Vous devez avoir les teintes principales et les couleurs principales que vous allez utiliser déjà mélangées. Ensuite, lorsque vous entrez dans le rythme de la peinture, vous n'avez pas besoin de vous arrêter et de mélanger plus de peinture. Je veux vraiment que vous expérimentiez ces trois couleurs et que vous voyiez quelles teintes vous obtenez et que vous ayez toutes vos peintures prêtes pour notre prochaine étape, qui est la peinture colorée. 9. Peinture finale: [MUSIQUE] Passons maintenant à la peinture finale. Dans cette vidéo, je n'ai pas inclus la photo de référence, juste pour que vous puissiez voir clairement ce que je fais dans la palette. Le processus de peinture commence par la palette. Lorsque vous mélangez vos choses, lorsque vous obtenez les bons tons, les bonnes teintes, plus vous entrez dans votre peinture avec toutes ces peintures prêtes, plus le processus sera facile. Tout comme dans le tableau précédent, nous commençons par une couche de thé. Il contient beaucoup d'eau et juste un peu de pigment. avons déjà trouvé ici une amélioration par rapport à l'étude que nous avons réalisée. Un côté du visage est plus léger que l'autre car la source lumineuse vient de gauche à droite. Pour obtenir cette transition et cet effet doux, j'ai peint l'un des côtés avec mon mélange de peinture, puis je l'ai dilué un peu plus avec de l'eau pour qu'il y ait une transition très douce et un ton plus clair sur le côté gauche. Même après avoir dilué une partie de la peinture, il y avait encore des zones que je voulais être encore plus légères, comme les reflets. Pour cela, j'ai utilisé une technique que j'ai mentionnée dans la peinture monochrome, c'est-à-dire avoir un pinceau propre relativement sec pour absorber une partie de la chaussée et éclaircir cette zone. Maintenant, je voulais parler un peu du rythme du tableau. Vous remarquerez peut-être qu'il y a une certaine vitesse que j'utilise pour travailler ici, ce qui, dans ce cas, est assez rapide. Pourquoi est-ce que je travaille vite ? Eh bien, l'aquarelle est un médium qui sèche très rapidement. Pour obtenir des transitions douces, vous devez travailler pendant que la peinture est encore humide. Cela varie en fonction du climat dans lequel vous peignez. Ici, je peignais l'été au Brésil, il fait assez chaud et le papier sèche très vite. Si vous êtes dans un climat plus froid ou même si c'est l'hiver ici, j'ai un peu plus de temps pour travailler, et le rythme de la peinture change. Mais il faut en être conscient pour travailler avec l'aquarelle et non contre elle. Maintenant que nous travaillons avec les couleurs, vous devez être conscient des légères variations de teintes que vous pouvez voir dans votre référence. Dans la même couche d'un mélange de thé, vous pourriez avoir une zone plus rougeâtre comme les joues ici, ou une zone un peu plus grise. Faire vraiment attention à ces légères variations contribuera à apporter du réalisme à votre image. Parce que, au lieu d'avoir une peau uniforme, qui n'est pas ce qui se passe dans la vie réelle, vous pouvez vraiment capturer vous pouvez vraiment capturer toutes les légères variations causées par la répartition de notre sang dans notre peau et les visages, ou une légère décoloration qui survient avec l'âge et ainsi de suite. [MUSIQUE] Maintenant que nous peignons le cou, je dois penser à la même chose que lorsque j'ai commencé à peindre le visage. La source lumineuse vient de la gauche et l'un des côtés est plus léger que l'autre. Après avoir eu un lavage général très dilué qui traverse tout le corps, j'attrape plus de pigments et j'ai un côté plus sombre que l'autre. La transition devient très douce car toute cette peinture est encore humide. [MUSIQUE] Une fois que cette première couche est complètement sèche, je vais juste passer par un lavage très léger, donc beaucoup d'eau, juste un peu de pigment, et je fais quelques corrections de couleur. En gros, je mélange différentes teintes. Encore une fois, il y a beaucoup d'eau et un peu de peinture, et je ne fais que colorer ces zones, donc il y a cette variation nous parlions avec la peau. [MUSIQUE] Nous passons maintenant à la couche de lait. Il y a plus de pigment et moins d'eau dans ce mélange. Une chose que j'ai apprise avec l'étude monochrome de ce portrait, c'est que je n'obtenais pas cette ombre assez sombre. Ici, j'ai été très prudent en mélangeant la peinture pour qu'elle soit très sombre, de sorte que je n'ai pas besoin de passer sur cette ombre encore et encore comme je l'ai fait dans la peinture monochrome. [MUSIQUE] Tout comme dans une peinture monochrome, lorsque je veux adoucir la transition entre la lumière et l'ombre, je prends un pinceau propre chargé d'un peu d'eau, et je mouille simplement le zones adjacentes à l'endroit où se trouve la peinture. [MUSIQUE] À ce stade, je tiens à vous avertir que chaque tableau a une « scène moche ». Pour moi, c'était juste ici. C'est un moment dans le tableau lorsque vous commencez à remettre en question vos choix, que tout semble un peu détourné et que vous commencez à vous demander si cela vaut même la peine de le faire. Laissez-moi vous dire, n'abandonnez pas quand vous arrivez à ce stade, faites confiance au processus. Ce n'est que temporaire et ça ne semble pas juste parce que vous ne l' avez pas terminé. Continuez donc et même si vous n'aimez pas vraiment le résultat final, vous avez encore beaucoup appris du processus. [MUSIQUE] Dans le clip suivant, il y a quelque chose que je regrette d'avoir fait à ce tableau. Fondamentalement, lorsque vous avez une ombre projetée, il se peut que la lumière réfléchie rebondisse vers cette ombre et que la zone devienne plus claire. J'essaie de capturer cela avec un pinceau humide qui enlève une partie du pigment dans cette ombre. Cela peut très bien fonctionner. Mais j'ai l'impression d'en avoir trop fait ici, j'ai surtravaillé le tableau. Lorsque vous surmenez le tableau, lorsque vous parcourez trop le papier et que vous travaillez trop, vous obtenez ces astuces et marques que je ne trouve tout simplement pas esthétiquement agréables, alors s'il vous plaît, ne surmenez pas le tableau . [MUSIQUE] Maintenant que les couches précédentes ont séché, nous passons à la couche de miel. Il s'agit d'un mélange de peinture avec beaucoup de pigment et juste une touche d' eau. Il fait très sombre. Il fonctionne pour les petits détails et les parties les plus sombres de la peinture, comme les yeux, les narines, etc. Pour mélanger maintenant les bruns foncés et le noir, vous pouvez utiliser des bruns et des bleus, ce qui vous donnera un pigment très sombre proche du noir. Si vous ne possédez pas de peinture brune, rappelez-vous simplement que le mélange du jaune, du rouge et du bleu devient brun, il suffit donc d'ajouter plus de bleu au mélange. [MUSIQUE] Bien que, en règle générale, on nous demande de travailler du clair au foncé à l'aquarelle, vous pouvez à ce stade faire d'autres lavages avec plus d'eau et moins de pigments pour obtenir le les bonnes teintes que vous voulez. Parfois, pour changer le ton des choses. Ce n'est pas un problème. La raison pour laquelle cette règle générale existe est simplement parce qu'une fois que vous devenez sombre avec de l'aquarelle, vous ne pouvez pas vraiment éclaircir cette zone. J'ai montré ici quelques astuces où vous pouvez le faire, mais ces techniques ont leurs limites. Vous passez de la lumière à l' obscurité juste pour être en sécurité, juste pour vous assurer que les zones les plus claires sont préservées. Mais après avoir peint la couche la plus sombre, rien ne vous empêche de revenir en arrière et de corriger ou de réparer ou d'effectuer de petits ajustements à votre peinture avec des lavages plus légers. [MUSIQUE] Maintenant que nous en avons surtout fini avec la peau, il est temps de peindre l'arrière-plan. Ici, j'utilise un lavage très léger et le fond est plus clair que les cheveux, c'est pourquoi je le peins en premier. J'ai également couvert la partie des cheveux qui sera le point culminant parce que lorsque j'ai regardé l'image de référence, j'ai réalisé qu'il s'agissait d'une teinte similaire à celle de l'arrière-plan, que j'ai vu comme très légère. vert grisâtre. J'ai aussi commencé à peindre les cheveux alors que le papier était encore légèrement mouillé parce que je voulais une transition douce entre les cheveux et l'arrière-plan. [MUSIQUE] Comme les cheveux sont plus foncés que le reste de l'image de référence, j'ai déjà commencé à les peindre avec un mélange de lait. Cela couvrira également n'importe quel calque T de l'arrière-plan. [MUSIQUE] Je voulais juste mentionner un détail qui fait toute la différence, le blanc des yeux n'est jamais vraiment blanc. J'utilise généralement un mélange de thé gris clair pour peindre les ombres. Peindre ces ombres donnera à vos yeux profondeur et du réalisme. [MUSIQUE] En passant sur le côté droit des cheveux, j'utilise ce mélange presque noir car toute cette zone est dans l'ombre. Pour cette même raison, je ne suis pas inquiet de détailler cette partie, fabriquer chaque mèche de cheveux. Je n'ai pas besoin de donner autant d'informations ici, car cette zone est dans l'ombre. Ce qui compte le plus à la fin, c'est l'impression que vous obtenez de l'ensemble de la peinture, et je ne pense pas qu' avoir beaucoup de détails dans zones d'ombre vraiment sombres ajoute à cette impression. [MUSIQUE] Maintenant que nous en avons fini avec leurs cheveux, reste plus qu'à peindre la robe. J'ai ici une approche différente de la peinture monochrome. Je commence par les couleurs les plus claires car je veux que cet orange vif et le vert clair soient préservés. Je peins lâchement des fleurs ici parce que c'était à quoi ressemblait le motif de ma robe. Mais je ne suis pas trop précis, car je veux que les gens se concentrent sur le visage et non les détails ou les motifs de la robe. Ce sont également des choix auxquels vous devez penser lorsque vous peignez un portrait. Vous pouvez choisir les zones dont vous avez besoin le plus de détails, qui attireront le plus l' attention sur elles et quelles zones pourraient être simplifiées. [MUSIQUE] Voici notre peinture finale. J'espère que cette démo vous a plu. 10. Réflexions finales: [MUSIQUE] Eh bien, nous sommes arrivés à la fin de notre cours. J'espère vraiment que vous avez apprécié tout ce processus et beaucoup appris sur la peinture de portrait à l' aquarelle. J'ai hâte de voir vos projets et de vous faire part de vos commentaires. J'aimerais également avoir vos commentaires sur ce cours. Vous pouvez me contacter soit ici sur Skillshare, soit sur mon Instagram à Biabarrett, et je serai heureux de vous entendre. Jusqu'à la prochaine fois.