Pivoine : maîtriser la peinture florale à l'aquarelle

1. Bienvenue: Bienvenue dans mon cours Skillshare. Dans ce didacticiel, nous aborderons le processus complexe de création étape par étape le processus complexe de création d'une superbe peinture florale Je suis Chris, aquarelliste, professeur en ligne, et je suis votre guide pour ce didacticiel de partage de compétences Aujourd'hui, nous allons nous concentrer sur la peinture d'une belle pivoine, capturant ses pétales délicats et ses teintes éclatantes Que vous soyez un artiste débutant ou confirmé, ce tutoriel vous guidera à travers les techniques nécessaires pour donner vie à cette fleur sur le papier. Tout au long de ce cours, je vais vous montrer, étape par étape, comment peindre cette fleur fabuleuse. Je vous fournirai des ressources utiles qui vous aideront dans ce projet, et je vous guiderai à chaque étape. Le didacticiel est soigneusement divisé en segments courts et faciles à gérer Dans chaque partie, nous nous concentrerons sur une petite partie de la peinture, en assemblant le tout étape par étape comme un puzzle Rejoignez-moi dans ce voyage créatif, et commençons. 2. Projet et ressources: Merci d'avoir choisi de participer à ce voyage artistique avec moi. C'est un honneur de t'avoir ici dans ce cours. J'ai préparé des ressources utiles pour votre projet, auxquelles vous pouvez accéder dans la section projets et ressources. Vous y trouverez un fichier PDF contenant une liste des fournitures que j'ai utilisées pour cette peinture en particulier, une photo de référence et ma peinture terminée pour vous guider. Les dessins au trait sont disponibles en différentes tailles que vous pouvez imprimer et transférer sur votre papier aquarelle, ce qui vous permet de choisir le format qui correspond à vos préférences Je l'ai peint au format 12 x 9. De plus, il existe des photos de l' avancement des travaux qui vous aideront à suivre le processus et à vous concentrer sur des domaines spécifiques. N'hésitez pas à explorer ces ressources et à les utiliser pour créer votre peinture unique et magnifique. Ce serait formidable de voir vos résultats. N'hésitez pas à partager vos photos de progression et la peinture finale avec la classe dans la section des projets et des ressources. Je vous recommande également vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets étudiants. C'est toujours une source d'inspiration de voir les autres travailler et est extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de N'oubliez pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. Enfin, je vous recommande vivement de regarder chaque leçon avant de commencer à peindre. Cela vous aidera à mieux comprendre à quoi vous attendre dans chaque partie du didacticiel. Si vous trouvez ce cours utile, je vous en serais très reconnaissant. Si vous pouviez laisser un commentaire honnête, vos commentaires m'aideront à créer un meilleur contenu et aideront les autres étudiants à décider suivre ou non ce cours. Merci d'avance. 3. Mes fournitures d'art: Dans cette vidéo, j' aimerais partager avec vous un aperçu général de mes fournitures artistiques que j'utilise régulièrement. Je pense que je dois d' abord mentionner que je ne suis pas le genre de personne qui achète constamment de nouvelles fournitures artistiques et qui expérimente avec elles. J'utilise les mêmes fournitures tout le temps. Ils fonctionnent bien pour moi et j'ai appris à en tirer le meilleur parti, ce qui m'aide également à économiser de l'argent. Au lieu d'acheter cinq nouvelles couleurs que je n' utiliserais qu'une seule fois pour créer un échantillon de couleurs, je préfère investir dans des livres, par exemple Ne vous méprenez pas, l' expérimentation nouvelles fournitures artistiques et achat régulier de nouveaux matériaux peuvent offrir de nombreux avantages aux artistes Examinons les avantages et les inconvénients de l'essai de nouveaux matériaux artistiques. Cela peut susciter de nouvelles idées et de l'inspiration. Différents supports, couleurs et textures peuvent donner lieu à des expressions artistiques uniques et aider à surmonter les blocages créatifs exploration de nouvelles fournitures artistiques implique souvent l'apprentissage de nouvelles techniques et approches. Ce processus d'apprentissage continu contribue au développement des compétences artistiques et élargit la boîte à outils des artistes disposer d'une gamme variée de fournitures artistiques permet une plus grande polyvalence dans l'expression artistique. Les artistes peuvent alterner entre différents supports et outils en fonction des exigences spécifiques d'un projet, œuvres d'art plus dynamiques et plus variées L'expérimentation de nouveaux matériaux peut pousser un artiste hors de sa zone de confort La volonté d' explorer et de prendre des risques favorise le développement personnel et encourage le développement artistique Le monde de l'art est en constante évolution avec les nouvelles technologies et les nouveaux matériaux. Se tenir au courant des dernières nouveautés en matière d'art permet un artiste de pertinent sur la scène artistique contemporaine. Essayer de nouvelles fournitures artistiques implique souvent de résoudre des problèmes. Les artistes peuvent avoir besoin de comprendre comment manipuler un nouveau médium ou d' adapter leurs techniques, afin d'améliorer leurs compétences en résolution de problèmes et leur pensée créative. L'enthousiasme suscité par l'utilisation d'un nouveau matériel artistique ou la découverte d'une nouvelle technique peut raviver la motivation et la passion pour la création artistique Cet enthousiasme est essentiel au maintien d' une pratique artistique cohérente et épanouissante. À mesure que la technologie progresse, la qualité et les capacités des fournitures artistiques augmentent également. L'essai de nouveaux produits permet aux artistes d'explorer des formulations améliorées, ce qui peut mener à de meilleurs résultats dans leur travail. Différentes fournitures artistiques offrent des moyens uniques de transmettre des émotions et des messages. En expérimentant avec une variété de matériaux, les artistes peuvent trouver ceux qui conviennent le mieux leur style personnel et leur permettent de s'exprimer de manière plus authentique Et c'est le moins qu'on puisse dire. D'un autre côté, voici quelques raisons potentielles. Certains diront que ce n'est pas toujours bon. Les fournitures artistiques peuvent être coûteuses, et l'achat constant de nouveaux matériaux sans plan ni objectif peut grever votre budget. Il est bon de faire attention à vos dépenses, surtout si vous n'utilisez pas toutes les fournitures que vous avez accumulées. s'appuyer sur des fournitures artistiques nouvelles et variées peut détourner l'attention du développement des compétences artistiques fondamentales Un artiste compétent peut créer des œuvres impressionnantes avec des outils de base L'accent doit être mis sur la maîtrise des techniques plutôt que sur le recours à des fournitures spécifiques L'accumulation d'une vaste gamme de fournitures artistiques peut entraîner des cliquetis et des problèmes de stockage Trop de fournitures peut vous empêcher de trouver constamment ce dont vous avez besoin. L'achat de nouvelles fournitures artistiques contribue au gaspillage, surtout si les matériaux ne sont pas pleinement utilisés. Il est essentiel de tenir compte de l'impact environnemental de vos pratiques artistiques et d'essayer de minimiser la consommation inutile. Certains artistes soutiennent que travailler avec des limites, telles qu'un ensemble restreint de matériaux, peut en fait améliorer la créativité. Les contraintes peuvent vous obliger à sortir sentiers battus et à trouver des solutions innovantes dans le cadre de votre boîte à outils existante. Mettre trop l'accent sur l'essai de nouvelles fournitures peut détourner l'attention de l'essentiel de l'expression artistique Le concept ou le message que vous souhaitez transmettre à travers votre art. Il est essentiel de se concentrer sur le sens de votre travail, quels que soient les matériaux utilisés. recherche et l'achat constants de nouvelles fournitures peuvent favoriser une mentalité de consommation dans laquelle le plaisir provient de l' acquisition de nouveaux articles plutôt que du processus de création lui-même. Cela peut mener à un cycle de recherche du prochain matériau tendance, plutôt que d'affiner votre Peut également créer des attentes irréalistes quant au pouvoir transformateur des matériaux Bien que des fournitures de qualité puissent améliorer votre travail, la clé du succès artistique réside dans vos compétences, techniques et votre vision créative. Si vous vous fiez trop à la conviction que de nouvelles fournitures amélioreront considérablement votre art risquez de vous retrouver déçus et frustrés. exploration et l'adaptation constantes de nouvelles fournitures artistiques peuvent entraîner une évolution involontaire vers les tendances populaires plutôt que développement d'un style personnel unique Comme vous pouvez le constater, de nombreux éléments méritent selon moi d'être pris en compte. Et en fin de compte, c'est un choix personnel. Avant, je voulais acheter toutes les fournitures artistiques que je pouvais me permettre. Cependant, en me rendant compte que je n'en avais pas besoin de tous, et après avoir trouvé des fournitures qui me satisfaisaient vraiment, j'ai arrêté d'acheter des articles inutiles. Au lieu de cela, je me suis concentré sur ceux que j'ai et que j'utilise réellement. Maintenant, regardons ce que j'ai. Commençons par le papier. Parmi les pinceaux, les peintures et le papier, je considère le papier comme le matériau artistique le plus crucial. La qualité du papier influence de manière significative votre expérience de peinture et vos résultats. Utilise des arches. Le papier , composé à 100 % de coton est souvent considéré comme le premier choix des artistes. Il présente une capacité d'absorption, une résistance et une durabilité excellentes , ce qui le rend adapté à diverses techniques d'aquarelle Il donne les meilleurs résultats car la peinture s'y comporte bien mieux que sur des papiers cellulosiques moins chers Le papier de haute qualité est également plus indulgent, ce qui facilite la correction des erreurs Pour ce qui est des peintures, j'utilise des peintures de qualité professionnelle Windsor et Newton. Les peintures de qualité professionnelle, quelle que soit la marque que vous utilisez, offrent une excellente qualité. Elles ont plus de pigments, couleurs plus riches et une durée de vie plus longue que les peintures destinées aux étudiants. Bien que les peintures de qualité professionnelle soient plus chères que celles destinées aux étudiants, elles en valent vraiment la peine. Il m'a fallu un certain temps pour rassembler toutes les couleurs dont j'avais besoin. J'ai progressivement acheté un ou deux tubes à fois jusqu'à obtenir un ensemble complet. Maintenant, j'ai rarement besoin d'acheter de nouveaux tubes. Ils durent longtemps. J'achète une ou deux couleurs, peut-être une ou deux fois par an. Actuellement, j'ai 17 couleurs dans ma palette, même si certaines sont destinées à des fins de test. Dans le matériel pédagogique, vous trouverez des fichiers PDF contenant des informations supplémentaires sur mes couleurs, raisons pour lesquelles je les ai sélectionnées et la façon dont je les ai disposées dans ma palette. Il existe également un tableau de conversion utile si vous souhaitez des couleurs similaires de différentes marques. Permettez-moi de vous expliquer très brièvement comment je choisis les couleurs de ma palette. Je le fais en quatre étapes principales. Mon point de départ pour choisir les couleurs est toujours une palette primaire divisée. Un ver et un jaune froid. Un ver et un rouge froid. Et un ver et un bleu froid. Ici, je pense que c'est le bon moment pour mentionner que le bleu outremer que j' utilise est la teinte verte Ce n'est pas un ultramarin français. Il existe quatre différences principales entre le bleu outremer, le vert et le bleu outremer français Cependant, ils sont vraiment petits d'un bleu outremer. La teinte verte a une nuance plus verte. Il est plus frais en apparence. Il crée des nuances plus froides de violet et de gris et il granule moins. Les deux peintures partagent la même couche pigmentaire B 29. Utilisez le bleu outremer, la teinte verte principalement par habitude, car c'est ce que j'ai toujours utilisé et auquel je me suis habitué De plus, je le trouve moins granuleux que l'ultramarin français, une qualité que Cependant, encore une fois, les différences entre les deux sont vraiment subtiles. Dans un deuxième temps, je recherche des couleurs de la même famille de couleurs la même famille des propriétés spécifiques, comme fait d'être fabriquées avec un seul pigment, d' avoir une bonne résistance à la lumière et de ne pas granuler À quelques exceptions près, je préfère utiliser peintures non granulantes et être transparentes ou semi-transparentes J'utilise principalement peintures à pigment unique, à une exception près, savoir que les couleurs grises ce groupe doivent sensiblement différer de celles du premier S'ils sont trop similaires, je les élimine. Je ne vois aucune bonne raison de conserver, disons, sept jaunes très similaires dans la palette Je choisis celles qui sont les plus uniques et je peux mélanger d'autres teintes. La troisième étape consiste à ajouter des couleurs que j'aime ou que je sais que je vais utiliser. Sienna Frequently Burnt est un incontournable de ma palette, car c'est un brun basique et polyvalent Il crée de magnifiques tons neutres avec du bleu, atténue certains verts et crée différentes nuances C'est une couleur très polyvalente. De plus, comme le vert est ma couleur préférée, j'aime en avoir deux prêtes à l' qui constituent une bonne base pour mélanger d'autres nuances. La quatrième étape est facultative. Il reste trois zones de ma palette qui sont réservées aux nouvelles couleurs ou aux couleurs que je suis en train de tester qui peuvent changer au fil du temps. En plus de la peinture à l'aquarelle, j'ai aussi un tube de guash blanc Je l'utilise souvent pour les petits détails ou les points forts. Je conserve mes peintures dans une palette de porcelaine avec 17 puits et deux grandes zones de mélange. Les palettes en porcelaine sont excellentes car elles sont faciles à nettoyer et ne tachent pas comme les palettes en plastique. Avant d'utiliser cette palette, j'ai longtemps utilisé une palette en plastique à 33 puits. J'ai changé quand j'ai réalisé que je n'utilisais pas la moitié de ces couleurs. Je remplis toujours tout le puits de peinture et je le remplis quand je n'ai plus de couleur spécifique J'achète généralement des tubes de 5 millilitres parce que je peux presser le tube entier dans le Passons aux pinceaux. Mes pinceaux principaux sont en velours noir argenté rond différentes tailles. Je trouve qu'ils fonctionnent exceptionnellement bien pour la technique humide sur humide, que j'utilise souvent. Ils arrivent également à un point parfait. Un pinceau que j'ai toujours sous la main, que j'appelle affectueusement mon arme secrète est le pinceau Galleria taille 4 de Windsor and Newton C'est mon pinceau à récurer et je l'utilise dans presque tous les tableaux J'ai également un petit pinceau Princeton Snap Shader, taille 4, que j'utilise pour enlever très petits détails tels que les petites veines des feuilles J'ai également des pinceaux d'observation de Rosemary and Co, en particulier de la série 37 Ils sont petits, ils ne retiennent pas beaucoup d'eau, ils ne sont donc pas bons pour la peinture humide sur peinture humide. Mais ils sont excellents pour peindre de petites zones humides ou sèches et pour ajouter de petits détails. Je les utilise toujours pour créer des textures visuelles. Pour ce qui est de la technique du pointillage, j'utilise parfois des pinceaux de designer, des pinceaux réglage ou des pinceaux de script Ils portent des noms différents et sont très similaires. Ces pinceaux ont des poils fins et longs et sont utiles pour peindre des lignes longues fines ou des lignes plus naturelles comme des branches d'arbres Enfin, j'ai un gros pinceau plat pour appliquer de l'eau sur de grandes surfaces, ou parfois même pour peindre de grandes surfaces. Je dois également mentionner deux pinceaux supplémentaires. L'un d'eux est un vieux pinceau bon marché que j'utilise uniquement pour appliquer du liquide de masquage L'application d'un liquide de masquage avec un pinceau peut endommager vos pinceaux, évitez donc d'utiliser vos bons pinceaux à cette fin L'autre est un pinceau plat bon marché, que j'utilise pour préparer les couleurs de ma palette. Si je dois préparer de plus grandes quantités de peinture. Ce pinceau est idéal pour cela car il permet transférer de plus grandes quantités de peinture du puits vers la zone de mélange. L'inconvénient de celui-ci en particulier est qu'il perd des poils Il va falloir que j'achète quelque chose d'un peu meilleur pour Gator Board. J'attache toujours mon papier aquarelle à un alligator à l'aide d' agrafes et Cette planche est légère, imperméable et me permet de déplacer et d' incliner mon tableau selon mes besoins. C'est crucial pour moi, surtout lorsque je peins des fonds lisses avec la technique humide sur humide. J'utilise toujours une agrafeuse de bureau pour fixer mon papier à l'alligator Après l'agrafage, j'ai fixé le papier sur les quatre côtés avec du ruban adhésif pour créer une bordure nette autour de la peinture terminée Je préfère utiliser du scotch lavande conçu pour les surfaces délicates. J'ai remarqué qu'il adhère bien pendant la peinture, et s'il se détache un jour, c'est probablement à cause de mon utilisation excessive d'un sèche-cheveux Ce ruban n'a pas endommagé mon papier. J'aime bien sa surface, elle est légèrement lisse, ce qui est très pratique pour nettoyer facilement les gouttes de peinture Mon seul souhait est qu' il soit en blanc. Voici d'autres fournitures que j' utilise plus ou moins fréquemment. Coussin léger, je l'utilise en fait pour chaque peinture. C'est le moins cher que j'ai trouvé sur Amazon. Je l'utilise pour transférer une image sur mon liquide de masquage pour papier aquarelle de Windsor Newton C'est un support essentiel pour nombre de mes peintures. Des outils pour appliquer du liquide de masquage, tels qu'un vieux pinceau, stylo à lisser, des outils de gaufrage et un stylo profond Ces outils peuvent être indépendants de cela. Un vieux pinceau peut également être utilisé pour appliquer de la peinture et créer des effets spécifiques. Un morceau de savon et une vieille tasse contenant un vieux liquide de masquage. Lorsque j'utilise un liquide de masquage, je trempe l'eau de brossage, frotte sur une barre de savon créer une couche protectrice sur les poils Puis je le plonge dans le liquide de masquage. Cela empêche le masquage de coller les poils ensemble Versez toujours un peu de masquage dans un vieux gobelet et fermez rapidement le flacon pour éviter la formation de grumeaux secs dans Outil de collecte de masquage en caoutchouc pour éliminer le liquide de masquage, un outil très pratique Sèche-cheveux, utile pour accélérer le temps de séchage. Flacon pulvérisateur avec de l'eau propre, pour mouiller doucement le papier ou pour faire couler la peinture Je vaporise également de la peinture dans ma palette avant de commencer à peindre une gomme à crayons HB ordinaire Et j'utilise un crayon HB ordinaire pour mon croquis et j'utilise souvent une gomme à effacer pour enlever l'excès de graphite et tracer les lignes au crayon réservoir d'eau plus léger doit être utilisé pendant la peinture, j'en ai souvent 21 pour l'eau potable et un pour l'eau sale. Du papier essuie-tout, c'est toujours bon de l'avoir. Enfin, une serviette blanche qui n'est plus si blanche que ça. En parlant de serviettes, une grande serviette est étalée sur mon bureau, sous ma planche Gator Je fais cela pour empêcher la planche Gator de glisser, de bouger ou de tourner Lorsque je peins, cela garantit non seulement la stabilité, mais protège également mon bureau et ajoute un champ agréable à mon espace de travail. La deuxième plus petite serviette est toujours placée à côté de ma palette et de mon réservoir d'eau, servant d'espace dédié au nettoyage de mes pinceaux. J'ai laissé mes pinceaux reposer sur cette serviette. Dans le passé, lorsque je posais mes pinceaux sur mon bureau, la magie semblait opérer. Ils se sont transformés en êtres vivants qui se cachaient de moi, sautaient du bureau et se déplaçaient au point que je ne pouvais pas les trouver. Maintenant, je les place toujours sur la serviette et ils restent en place, toujours là avec moi. Voici donc mes fournitures artistiques actuelles. Bien qu'il puisse y avoir des changements dans le futur, c'est ce que j'utilise pour le moment. 4. Introduction et masquage: Oh bonjour, et bienvenue dans mon cours de peinture à l'aquarelle. Dans ce didacticiel, nous aborderons le processus complexe de création étape par étape le processus complexe de création d'une superbe peinture florale Aujourd'hui, nous allons nous concentrer sur la peinture d'un beau poney, capturant ses pétales délicats et ses teintes éclatantes Ce tutoriel vous guidera à travers les techniques nécessaires pour donner vie à cette fleur sur le papier. Tout au long de ce cours, je vais vous montrer étape par étape comment peindre cette fleur de pivoine Dans le matériel pédagogique, vous trouverez des ressources utiles qui vous aideront dans ce projet. Le didacticiel est soigneusement divisé en segments courts et faciles à gérer Dans chaque partie, nous nous concentrerons sur une petite partie de la peinture, en assemblant le tout étape par étape comme un puzzle Sans plus attendre, commençons. Commençons par masquer notre sujet principal. Je fais généralement cette étape lorsque je peins l'arrière-plan, ce qui me permet de me concentrer uniquement sur la peinture de fond sans trop me soucier de peindre précisément autour du sujet. Parfois, je n' utilise pas de liquide de masquage, en particulier lorsque la forme principale est simple et qu'il est facile de peindre autour d'elle Ce poney est relativement simple. Cependant, le fond est une grande forme. Il n'est divisé en sections plus petites par aucun des éléments du poney. En général, je positionne les éléments de manière stratégique pour créer des sections d'arrière-plan plus petites. Par exemple, je pourrais dessiner une partie de la feuille s'étendant au-delà du tableau, ce qui diviserait le fond en deux moitiés. Cependant, dans ce cas, j'ai choisi de conserver les feuilles et la farine dans le cadre, ce qui m'a amené à décider de masquer la farine. Cela facilitera grandement la peinture. J'utiliserai le liquide de masquage Windsor et Newton. De plus, j'aurai besoin d'un vieux gobelet provenant d'un vieux contenant de liquide de masquage, d'un petit morceau de savon, d'eau et d'un pinceau pour appliquer le liquide de masquage Tout d'abord, je vais éliminer le liquide de masquage séché s' est accumulé dans l'ancien gobelet Cette accumulation se produit à chaque fois que je l'utilise, et je dois l'enlever de temps en temps pour faire de la place pour une autre utilisation. Ensuite, je verserai une petite quantité de liquide de masquage dans le gobelet et fermerai rapidement le flacon pour minimiser son exposition à l'oxygène L'exposition à l'oxygène peut le dessécher ou perdre de son efficacité au fil du temps. En minimisant le contact avec l'oxygène, le liquide de masquage peut conserver sa consistance et son efficacité pendant de longues périodes Le rendant plus fiable pour une utilisation en peinture. Commencez par mouiller le pinceau et frottez-le sur une barre de savon pour créer une couche protectrice sur les Grâce au savon, les poils ne collent pas ensemble après le contact avec le liquide de masquage Trempez ensuite le pinceau dans le liquide de masquage et commencez à l'appliquer sur les bords des feuilles et de la fleur J'ai entièrement recouvert la petite feuille. Pour le reste, j'applique le masquage uniquement sur les bords. Soyez généreux avec le liquide de masquage. La couche ne doit pas être très fine. Appliquez-en une grande quantité car cela créera une belle couche épaisse qui sera facile à enlever. Plus loin dans les ressources du cours, vous trouverez une illustration montrant exactement où j'ai appliqué le masquage sera probablement plus facile de suivre cette illustration vous sera probablement plus facile de suivre cette illustration que de me suivre dans la vidéo. De temps en temps, rincez le pinceau dans l'eau et appliquez à nouveau du savon Cela gardera la couche de savon fraîche et permettra à votre brosse de rester en bon état plus longtemps. Je ne pense pas que cela ait du sens d' enregistrer l'ensemble du processus. Je vais couper la vidéo ici et vous montrer le résultat final. Appliquez votre masque de la même manière et nettoyez votre pinceau une fois terminé Laissez le tout sécher complètement. Et lorsque le liquide de masquage aura séché, nous commencerons à peindre le fond 5. Arrière-plan: Le liquide de masquage est maintenant complètement sec, nous pouvons donc commencer à peindre le fond dans la référence d'origine Le fond est noir, ce qui met bien en valeur la fleur, évitant ainsi toute distraction Et en créant un excellent contraste avec la plante, ce qui met en valeur la belle lumière. Cependant, je ne voulais pas m'en tenir à un simple fond noir car je trouve que c'est sans vie et sans intérêt J'ai utilisé Photoshop pour expérimenter des couleurs alternatives, envisageant d'ajouter un ciel bleu ou rendre l'arrière-plan plus clair que le poney lui-même. J'ai exploré différentes options Si vous préférez l'une d'entre elles ou si vous avez une idée différente, n'hésitez pas à peindre votre propre arrière-plan. Finalement, j'ai opté pour un fond vert foncé avec la partie supérieure droite légèrement plus claire que la partie inférieure. Ce choix permet de conserver le contraste avec les pétales et les feuilles tout en ajoutant de la vivacité à la scène Éviter un arrière-plan noir sans vie. Avec cette image devant moi et une idée générale de la façon de répartir les couleurs, j'ai commencé à préparer les couleurs. Si vous souhaitez peindre un fond similaire au mien, commencez par préparer beaucoup de vert foncé. Mon vert est un mélange de vert, d'or, vert Windsor, de jaune et peint en gris dans la partie supérieure du gros pétale J'ajoute également de la Sienne brûlée, rose permanente et un peu de peinture grise Cette couleur inhabituelle fera référence à la tige, dont je sais déjà qu'elle sera brune, et aux pétales des fleurs sur une zone de mélange séparée. Je prépare encore plus de couleurs qui refléteront le sujet principal en arrière-plan. sienne brûlée et la rose permanente reprendront les couleurs du sujet principal, contribuant ainsi à créer un trou cohérent L'ajout de peintures, grises, rend ce mélange moins saturé. Des couleurs moins saturées en arrière-plan aideront à faire ressortir les couleurs riches et éclatantes du sujet principal Je vais utiliser mon gros pinceau plat pour appliquer un vernis à l'eau Mais si vous n' avez pas un tel pinceau, utilisez simplement n'importe quel gros pinceau que vous avez. Je préfère celui-ci car il me permet de couvrir rapidement une grande surface. Nous allons peindre mouillé sur mouillé. Nous devons d'abord mouiller uniformément tout le fond. Mon eau n'est plus propre, mais ce n'est pas grave, car le fond sera la même couleur mais beaucoup plus foncé. L'eau n'a pas besoin d'être propre. Au moins, on le voit mieux dans la vidéo. Assurez-vous de recouvrir tout le fond d' une couche d'eau uniforme. Commencez maintenant par appliquer les tons les plus clairs. Je prends cette couleur brun rosâtre particulière et je l'applique dans le coin supérieur droit Comme vous pouvez le voir sur le tableau final, cette couleur a disparu sous le vert. Mais c'est bon. Au moins, j'ai un soupçon de cette couleur qui reflète le sujet principal. Choisissez ensuite votre vert clair et votre vert foncé et appliquez ces couleurs sur l'ensemble de l'arrière-plan. J'utilise toujours ce pinceau plat de 12 pouces, mais je vais passer à un pinceau rond ordinaire de taille 12 dans une minute. Je veux juste recouvrir rapidement tout le fond avec de la peinture humide. Je vais passer à mon pinceau en velours noir argenté car il convient mieux à la technique humide sur mouillé. Ce gros pinceau plat a des poils synthétiques assez rigides et ne retiennent pas beaucoup de peinture J'ai l'impression que ce pinceau raye trop la surface du papier. Lorsque je passe à mon pinceau en velours noir, c'est une expérience complètement différente. Ce pinceau retient beaucoup de peinture même s'il est plus petit et il est également beaucoup plus doux. Je peux utiliser plus de mouvements de tamponnage plutôt que de simples coups de pinceau pour faire passer plus de peinture du pinceau sur le papier C'est important car je veux peindre ce fond en une seule couche. Parfois, deux couches, voire plus, sont nécessaires pour que l'arrière-plan produise des couleurs ou des effets spécifiques. Mais si possible, j'essaie de le peindre en une seule couche, surtout s'il est vert. La couleur verte est très susceptible de se décoller. Une deuxième couche peut facilement perturber la première. Lorsque je peins un fond vert, je garde cela à l'esprit et j'ai pour objectif de le compléter avec une seule couche afin d'éviter une seule couche afin d'éviter de le perturber avec une seconde. Dans ce cas, l'arrière-plan doit être sombre. J'applique une couleur encore plus foncée que celle que j'ai l'intention d'obtenir, car je sais que lorsque la peinture sèche, elle devient plus claire. Sachant que je ne veux pas appliquer une autre couche pour approfondir la couleur, je dois m'assurer que celle-ci sera suffisamment foncée. Après avoir appliqué la peinture, voici une partie très importante. Pendant les 10 prochaines minutes, je vais incliner mon tableau jusqu'à ce qu'il s'arrête Déplacement Le processus d'inclinaison aidera les couleurs à bien se fondre sur le papier, créant ainsi des transitions de couleurs douces Ce n'est pas grave si le vert couvre cette zone brun rosâtre. Ça me convient. Un peu d'imprévisibilité fait partie du processus. Nous ne pouvons pas tout contrôler avec précision. leçon la plus importante à tirer de ce processus est que pour obtenir un beau fond lisse, il faut laisser la peinture s'étaler d'elle-même. Sans l'aide de notre pinceau, nous ne pouvons qu'incliner le tableau pour le forcer à s'écouler dans une direction précise. De cette façon, nous ne verrons aucun coup de pinceau. Toute la surface sera belle et lisse et nous obtiendrons un beau fond après 10 minutes d'inclinaison Quand je verrai que la peinture est déjà légèrement imprégnée et qu'elle ne bouge pas trop, je laisserai la peinture sécher En attendant, je nettoie également le tableau collé de l' eau et des taches de peinture J'aime laisser ces arrière-plans sécher pendant la nuit. C'est ce que je vais faire cette première journée, notamment créer un croquis, fixer le papier au tableau d' alligator avec des agrafes et du ruban adhésif, masquer le sujet principal et peindre l'arrière-plan et Demain je vais commencer à peindre la fleur. 6. Pétales - Couche initiale - Partie 1: Bienvenue au deuxième jour de peinture. Le fond est complètement sec. Nous pouvons maintenant retirer le liquide de masquage. J'utilise cet outil de collecte de masques en caoutchouc. J'essaie généralement de le faire passer depuis la zone non peinte afin ne pas faire glisser involontairement de la peinture de l'extérieur vers la zone blanche Parfois, il y a de la peinture sèche sur le masque qui peut être écrasée dans cette zone blanche Si le masquage a été appliqué en couche épaisse, il devrait se détacher en une seule pièce comme ceci Je peux facilement le retirer. Vous pouvez peut-être voir qu'il a laissé une tache jaune très clair. C'est parce que le masquage n'était pas assez bien piloté. Le masque que j'ai est en fait assez ancien. Un nouveau masque ne devrait pas laisser de telles taches, mais je ne m'inquiète jamais pour elles car elles sont très, très légères Et après l'application de la peinture, ils ne seront pas visibles très souvent, voire presque toujours. À ce stade, avant de commencer à appliquer la peinture, j'aime bien lisser les bords de mon sujet. Par exemple, le bord de ce pétale sur la gauche n'est pas lisse, il a un bord légèrement irrégulier Dans ce cas, j'utiliserais ma brosse à récurer, je la tremperais dans l'eau, enlevais l'excès d'eau sur une serviette en papier, puis je frottais le bord arrière avec une brosse à décharge propre Je le fais très doucement, uniquement sur le bord pour activer la peinture sèche sur le bord. Lorsque la peinture est activée, je la tamponne avec du papier absorbant pour la retirer De cette façon, le bord devient plus lisse et je pense que cela contribue à créer un beau résultat final lisse. Cette fois, je trouve que les bords sont plutôt bien ressortis et qu'ils n'ont pas besoin de lissage supplémentaire Faisons maintenant une pause et je vais vous expliquer le processus que nous allons suivre. Nous allons peindre les pétales et les feuilles en trois étapes. Dans un premier temps, nous appliquerons les couleurs de base, en tenant compte des tons clairs et foncés. Ce sera notre couche de base. Dans un deuxième temps, nous appliquerons une deuxième couche concentrant sur l'approfondissement des tons si nécessaire et sur la peinture des ombres. Dans la troisième étape, nous ajouterons des touches finales, détails et peut-être aussi des ombres. Commençons par le premier pétale à gauche. J'utiliserai un pinceau taille 6. Mais d'abord, préparons quelques couleurs. Chaque fois que je vois du rose, je pense à la rose permanente, mon rose plus chaud, ou au magenta Queen Acrodon, mon rose froid Dans ce cas, le choix était simple. J'ai opté pour Permanent Rose parce que c'est une solution plus proche. Je prépare également du bleu outremer. Cela sera utile pour créer ces zones violettes en bas. Je vais mélanger à la fois du rose permanent et du bleu outremer. Vous vous demandez peut-être pourquoi je n'utiliserais pas simplement le violet de Windsor par exemple. La raison en est que j'aime pouvoir déplacer la couleur davantage vers le bleu ou le rose en fonction d'une zone spécifique. Avec le violet, je n'aurais que du violet. Mais avec le rose et le bleu, j'ai toute une gamme allant du rose au bleu. Commencez par appliquer un vernis à l'eau sur une section. Ce pétale est enroulé et divisé en deux parties. Dans de tels cas, je traiterai chaque section séparément et nous nous concentrerons sur une section à la fois. J'applique d' abord un vernis à l'eau parce que nous voulons peindre humide sur mouillé Cette technique nous donnera plus de temps pour appliquer les couleurs et il sera plus facile de créer de belles transitions en tunnel fluides du foncé au clair ou des transitions de couleur du rose au violet. Maintenant, prenez votre rose permanente et commencez à l'appliquer par le côté gauche. Rincez ensuite votre pinceau et prélevez le mélange violet. Appliquez le violet aux endroits où vous pouvez le voir et laissez-le se fondre doucement avec le rose. Le vernis à l'eau que nous avons appliqué devrait y contribuer. Maintenant, je suis en train de rincer et d'éponger mon pinceau, et avec un pinceau propre, je tire la peinture jusqu'aux bords pour qu'elle recouvre toute la section Le bord de la photo est en fait blanc, vous n'avez donc pas à retirer la peinture. Mais j'ai pensé que je le ferais d'une manière ou d'une autre. Je ne sais pas pourquoi, aucune raison pour ça. Tant que la peinture est encore humide, nous pouvons ajouter plus de couleur. C'est ce qu'on appelle la technique de recharge. Lorsque nous avons déjà appliqué une couleur et qu'elle est encore humide nous ajoutons de la peinture de la même couleur ou d'une couleur différente. C'est ce qu'on appelle le chargement. J'ajoute du violet à mon pétale. Et c'est tout pour ce pétale, pour le moment. Nous pouvons maintenant passer au pétale suivant La section suivante, j'ai choisi celle-ci Peu importe celui que vous choisissez, car nous devrons tous les peindre un jour ou l'autre. La seule chose que je garde en tête, c'est que je ne peux pas peindre les pétales qui se touchent. La raison en est que je ne veux pas que la peinture d'un pétale coule dans le pétale que je viens Comme c'est un moyen simple d'obtenir des fleurs, sautez un pétale et peignez le suivant Encore une fois, je commence par appliquer d'abord un vernis à l'eau Après avoir appliqué de l'eau, j'applique ma rose permanente. Il s'agit de la couleur de base. Je veux en recouvrir tout le pétale, mais cette fois je laisse petit bord blanc qui capte la lumière Tant que le rose est encore humide, je peux ajouter du violet. Le violet donne ici un subtil changement de couleur. Notez que le rose est très clair. C'est le ton le plus clair que je puisse voir sur la photo de référence. Maintenant, je choisis un ton de rose plus foncé et je l'applique sur les zones les plus sombres. Je vais faire de même avec le violet. Il s'agit de la toute première couche de base, mais j'essaie déjà suggérer où se situeront les tons clairs et où les tons deviendront plus foncés dans la peinture finale. Après avoir terminé ce pétale, je passerai à la partie supérieure et peindrai petites parties du pétale enroulé, sans surprise Je vais commencer par le vernis à l'eau, puis j' appliquerai les couleurs de base que je peux y voir Avez-vous remarqué que je peins très lentement, patiemment et de manière assez organisée ? Je me concentre uniquement sur un pétale à la fois. Je construis très lentement l'ensemble du tableau comme un puzzle Étape par étape, pièce par pièce, avec un plan en tête. Le plan est d'abord d'appliquer les couleurs de base, puis de les approfondir dans la deuxième couche. Enfin, dans la troisième couche, j'ajouterai des détails. Je peux faire une pause à tout moment. Je n'ai pas besoin de terminer aujourd'hui, personne ne me poursuit. Comme je n'ai pas de date limite, je peux ralentir et me concentrer vraiment sur une seule section et me détendre. Cela prend du temps. C'est vrai. Mais n'est-ce pas une activité très apaisante ? Je pense que oui. Je passe d'un pétale à l'autre, remplissant lentement chaque section avec des couleurs de base en utilisant la technique humide sur humide Ici, je commence avec plus de bleu outremer , puis je vais passer à une rose permanente Remarquez également que ma peinture est vraiment diluée. Le ton est très léger. J'aimerais commencer par un ton léger pour tester le terrain. Regarde si je mets la peinture au bon endroit. Je sais que je peux toujours revenir sur cette zone et appliquer plus de peinture pour l'assombrir ici Je veux laisser plus d'espace blanc pour mettre en valeur cette lumière À ce stade, il ne me reste plus beaucoup d'options. Parce que j'ai déjà peint certaines parties des pétales ou que j'ai touché directement les pétales qui restent. Cependant, je peux toujours peindre nouveau le pétale frisé sur la droite, après avoir appliqué un vernis à l'eau Je le remplis de roses et de violets. Ici, je mélange un violet légèrement plus foncé avec du rose permanent et du bleu outremer. J'essaie également de laisser le bord plus clair. La peinture coule jusqu'au bord, mais j'essaie de la soulever avec un pinceau propre et stupide Il y a aussi la petite section ici. Il touche en fait le pétale que j'ai déjà peint, mais cette section est déjà sèche Je ne devrais pas avoir de problèmes. Cette section sera assez sombre ici. J'applique tout de suite un rose foncé et c' est tout ce que nous pouvons peindre dans cette partie Maintenant, laissez tout sécher. Je l'ai laissé sécher naturellement pendant environ 10 minutes, puis j'ai utilisé un sèche-cheveux pour tout sécher correctement. 7. Pétales - Couche initiale - Partie 2: J'utilise toujours mon sèche-cheveux pour m'assurer que tout est complètement sec et que nous puissions continuer à peindre. Maintenant, nous allons peindre tous les pétales que nous avons ignorés Il y en a sept, mais nous devrons faire une pause après quatre, les sécher et terminer les trois autres. Commençons par le premier à gauche. Maintenant, je veux vous montrer cela sous un angle différent. Vous verrez peut-être mieux le processus. Je ne sais pas si vous pouvez le voir, mais lorsque j'applique un vernis à l'eau maintenant, je ne l'applique pas vraiment sur les bords Il y a un petit espace entre le bord ou entre le trait du crayon et ma couche d'eau. Je pense qu'il n'est pas nécessaire de faire attention et d'appliquer de l'eau sur les bords. L'écart est très petit et je vais peindre de toute façon avec mon pinceau et ma peinture. Je n'ai pas besoin de faire très attention lorsque j'applique l'eau. Plus important encore, l'eau doit se trouver dans la partie principale du pétale. Pendant que je travaille sur les bords, la peinture s'étale dans l'eau au milieu. Cela me laisse le temps de travailler avec soin sur les bords, en commençant par un violet bleuté dans la partie supérieure, puis je passerai doucement au rose pour le reste Laissons cette pédale trop sèche maintenant et passons à celle du haut. Je pense qu'ici, vous pouvez clairement voir qu'il y a un espace sec autour de la partie centrale de la pédale. Ce pétale a un rose légèrement plus chaud, j'ai donc décidé d' ajouter du jaune Windsor profond à mon rose pour modifier la température de couleur Le jaune est également au centre de la fleur, sorte que le pétale reflète ce jaune Je commence par le côté droit en appliquant cette teinte plus chaude de rose, puis je passe au rose permanent sur le côté gauche. Le pétale est plus dans l'ombre. J'utilise tout de suite un ton de rose plus foncé, car cette zone devra de toute façon être plus foncée et la laisser sécher Le prochain pétale sera celui-ci devant. Si vous le souhaitez, vous pouvez maintenant utiliser un pinceau plus gros, peut-être une taille 8. J'y pensais, ce serait plus facile. Mais d'une manière ou d'une autre, je suis restée avec une taille 6. Commençons par le violet sur la droite, puis passons au mode permanent. Ne faites pas trop sombre avec le rose car ce pétale capte beaucoup de lumière Laissez également un large espace sur le bord pour suggérer une forte luminosité. Si nous ajoutons maintenant un peu de violet juste en dessous de ce surlignage , cela créera un bel effet, légèrement plus tridimensionnel. Le dernier pétale avant une pause est celui-ci sur la droite. Encore une fois, je commence par le violet, puis je passe au rose dans la partie supérieure. J'essaie d'utiliser un ton plus clair et de changer le ton pour un rose plus foncé en bas. Nous devons maintenant faire une pause car les trois pétales qui restent touchent directement les pétales que nous venons de peindre. Laissez ces pétales sécher naturellement pendant quelques minutes. Ensuite, utilisez un sèche-cheveux pour les sécher correctement. Après cela, vous pouvez terminer les trois pétales. J'ai pensé que je ne l' enregistrerais pas parce qu'en gros, je vais répéter exactement le même processus ici, avec la magie du montage qui s' est avéré être exactement le même processus ici, avec la magie du montage. Dans les ressources, vous trouverez la photo de cette étape. Nous pouvons suivre cette photo. C'est également une bonne occasion pour vous de peindre ces trois pétales sans regarder et de voir comment je l'ai fait. Essayez-le vous-même. Je suis sûr que vous pourrez le faire lorsque vous aurez fini de tout bien sécher. Parce que dans la partie suivante, nous allons commencer à appliquer la deuxième couche, donc tout doit être sec. 8. Pétales - Deuxième couche - Partie 1: OK, j'espère que ta peinture est complètement sèche. Nous allons maintenant ajouter une deuxième couche. Mais d'abord, préparons quelques couleurs pour cette étape. Nous aurons peut-être besoin d'une couleur un peu inattendue, du rouge vif. Mélangeons la rose permanente avec le rouge Windsor. Si nous regardons la photo de référence, nous remarquerons certaines zones qui ne sont en fait ni roses ni violettes mais d'un rouge vif. C'est pourquoi nous avons besoin de cette couleur supplémentaire. De plus, une combinaison de rose et de rouge est très forte. Ces couleurs placées l'une à côté de l' autre augmentent l' éclat de l'autre Dans un espace de mixage séparé, je mélange des lignes permanentes avec du bleu outremer. De plus, nous avons également besoin d'une version plus foncée de notre rouge. Mélangeons à nouveau les rangées permanentes avec le rouge Windsor, mais cette fois, ajoutons une touche de peinture grise au mélange pour le rendre plus foncé. Bien, commençons par l'intérieur du pétale sur la gauche J'ai pensé que nous pouvions commencer ici parce que c' est l'ombre la plus sombre que l'on puisse voir dans la fleur Si nous le peignons d'abord, nous aurons un bon point de référence pour toutes les autres ombres. Nous saurons que rien ne peut être plus sombre que cela. Prenez le mélange foncé de roses permanentes, les vents sont rouges et peintes en gris et appliquez-le humide sur mouillé. Choisissez ensuite le mélange de rose et de rouge et créez une transition avec la couleur plus foncée. J'aime penser au mélange du rose et du rouge comme couleur fucheuse C'est une belle couleur entre le rouge et le rose, et certaines fleurs de Fuussia ont exactement la même couleur la partie supérieure du pétale Ajoutez également du violet pour répéter les couleurs de la couche précédente. Le premier pétale est prêt pour le moment. Passons à la partie supérieure ici. Appliquez un vernis à l'eau uniquement sur le côté gauche, dans la zone d'ombre, mais n'appliquez pas d'eau jusqu'au bord de l'ombre Nous avons besoin d'une longueur d'avance ici. Nous devons le peindre humide et sec. Mais il faut de l'eau au milieu pour que les couleurs puissent bien s'étaler et se fondre sur le papier. Choisissez la couleur fussia et peignez d'abord le bord de l'ombre Je n'ai pas de trait au crayon ici, je le peins juste à l'œil nu. Mais bien sûr, si vous le souhaitez, tracez d' abord une ligne à cet endroit pour savoir exactement où se trouve le bord de l'ombre. Je suggère également que vous utilisiez un ton plus clair que moi sur le bord. J'ai utilisé deux tons foncés et plus tard, je devrai faire ressortir un peu de couleur et corriger le bord. Tu vas le voir. Si je devais le peindre à nouveau, j'utiliserais un ton plus clair ici sur le bord. J'ai pensé ajouter un peu de jaune Windsor profond ici pour rendre la couleur plus chaude, mais aussi pour suggérer le reflet jaune du centre de la fleur sur la gauche, une transition vers l'ombre foncée, de couleur rouge. OK, passons maintenant au pétale devant. Appliquez une couche d'eau uniquement sur le côté gauche et laissez ce bord blanc dans la partie supérieure. Ajoutez de la couleur fuca le long ce bord droit et laissez-la légèrement s'étaler dans l'eau dans la partie supérieure, ajoutez un peu de violet Maintenant, prenez un ton fuschia clair sur votre pinceau et peignez quelques lignes claires Nettoyez votre brosse et passez une brosse propre entre ces lignes pour adoucir les bords. Peignons maintenant le côté droit du pétale. Appliquez d'abord un vernis à l'eau. Encore une fois, laissez le bord supérieur du pétale et n'appliquez pas l'eau sur la ligne la plus claire au milieu Prenez un mélange de fusion très puissant et commencez à l'appliquer par le bas et le long du bord gauche. Maintenant, prenez un peu de violet et appliquez-le sur la partie supérieure et sur la droite. Rincez maintenant votre pinceau tracé sur la serviette et, à l'aide d'un pinceau propre, faites passer la couleur de la zone rose à la zone violette qui les relie et créez de jolies lignes J'utilise les couleurs que j'ai déjà appliquées pour créer ces lignes subtiles. Nous pouvons également récupérer de la peinture dans la palette si les lignes sont trop claires, mais utilisez un ton très clair. Passons au pétale de droite, après avoir appliqué un vernis à l'eau, je commence par le bas, qui est la zone la plus foncée, et j'applique notre mélange rouge foncé En passant à la partie supérieure, je vais passer à ma couleur préférée et même à un peu Je suggère également quelques lignes ici. Notez que la direction de ces lignes est très importante. Ils nous montrent comment le pétale est enroulé. Ce ne sont pas simplement des lignes peintes au hasard, mais elles doivent être peintes dans une direction précise pour montrer la forme du pétale Nous ne pouvons plus rien peindre maintenant car tous les autres pétales touchent directement les zones que nous venons de peindre. Maintenant, nous pouvons tout faire une pause complète, puis passer à la partie suivante pour terminer la deuxième couche. 9. Pétales - Deuxième couche - Partie 2: Dans cette partie, nous allons terminer le reste des pétales. Commençons par celui de gauche. Ce que je veux faire ici, c'est ajouter plus de violet et créer une belle ombre projetée dans le coin supérieur. Cette ombre a un bord tranchant, tandis que le violet en dessous se fond doucement avec le rose. Dans ce cas, j'applique un vernis à l'eau uniquement la zone où je prévois d' appliquer le plus de violet Je laisse la partie supérieure sans eau car c'est là que je veux créer le bord dur de l'ombre, la peinture ne doit pas toucher l'eau. Je vais commencer par un violet plus foncé et peindre d'abord l'ombre. Comme vous pouvez le constater, le bord est net car la peinture ne touche pas l' eau que j'ai appliquée plus bas. Je peins humide et sec, mais maintenant, lorsque la peinture touche l'eau, elle se fond parfaitement dans la couche précédente. Je prends de la rose pure et permanente et je l' ajoute au bord. Tant que la peinture est encore humide, je peux ajouter du violet. Notez que le bord du pétale est plus clair. Le bord plus fin, associé à l'ombre violette, contribue à créer une forme arrondie et bouclée du pétale Travaillons maintenant sur les petites sections de la partie supérieure. Comme vous pouvez le constater à chaque couche suivante, nous ajoutons plus de détails. Et nous sommes plus précis ici. Par exemple, en plus d'ajouter du rose et du violet pour assombrir le ton et rendre la couleur plus riche et plus saturée Je pense également à la forme du pétale et des ombres J'essaie de laisser le bord plus clair, ce qui, encore une fois, permet de créer une belle forme ronde avec un pinceau propre et stupide Je soulève la peinture pour créer des reflets plus clairs. La forme et la direction m' aident à construire la forme du pétale. Ils nous montrent comment le pétale est plié. J'ai ajouté un violet un peu plus foncé ici. Mais c'est un détail que nous allons laisser pour la partie suivante ici. Dans cette partie du pétale, je veux ajouter du rose chaud et créer des lignes douces qui, encore une fois, aident à montrer la forme du pétale Nous pouvons maintenant voir à quel point le bord de l'ombre est sombre. Dans la partie suivante, je vais faire ressortir un peu de couleur et la mélanger davantage avec le pétale, car maintenant ça a l'air vraiment étrange Il connaît ce gros pétale ici. Encore une fois, remarquez qu'il y a un bord d'ombre net. J'applique une couche d'eau dans la zone d'ombre, mais je laisse un petit espace près du bord de l'ombre, que je veux peindre humide sur sec. Commencez par le violet, puis passez au rose plus foncé. Ici, vous pouvez voir que la peinture se répand dans l'eau. Mais je peux peindre une arête vive à l'endroit où je n'ai pas appliqué d'eau. Ce pétale peut être un peu plus difficile. Regardez de plus près comment j'y fais face. Nous devons garder un œil sur la zone humide, mais en même temps, nous devons peindre le bord de l'ombre après avoir appliqué la peinture, en couvrant toute la zone d'ombre et en ensanglantant votre pinceau. Et créons ici une ligne plus claire en soulevant la peinture. Après chaque coup de peinture, rincez et épongez votre pinceau, puis revenez ici avec un pinceau propre Nous devons le faire autant de fois que nécessaire jusqu'à ce que nous ayons oublié suffisamment de peinture. Et la peinture rose des deux côtés cesse de bouger et de recouvrir cette ligne plus claire. Après plusieurs balayages, vous remarquerez que la ligne devient plus claire et que la peinture cesse de couler dans cette zone. OK, passons maintenant au pétale suivant. Cette fois, j'applique la couche d'eau sur l'ensemble du pétale. Je prends le rouge Windsor et j'applique la couleur en bas. Je pense que c'est la zone la plus rouge de ce poney qui remonte vers le haut, j' utilise une teinte de couleur Je passe au rose permanent et au violet en haut. J'essaie de peindre le côté gauche du pétale. Maintenant, je passe à un mélange violet plus foncé et je peins le côté droit du pétale. J'applique cette couleur en deux coups de pinceau rapides, en laissant la partie supérieure telle qu'elle est ici. Encore une fois, comme nous l'avons fait avec le pétale de gauche, nous devons soulever la peinture pour créer un effet plus clair. Faites-le autant de fois que nécessaire jusqu'à ce que vous voyiez cette ligne plus claire. Maintenant, le pétale ci-dessous présente également un bord d'ombre net J'applique de l'eau sur la partie inférieure, pas jusqu'à ce bord. Maintenant, avec un violet rosé plus foncé, je peins le bord net de l'ombre puis j'ajoute de la peinture sur la zone d'ombre Les vents sont rouges et violets. Notez que je laisse la partie inférieure pour un peu de jaune, que j'ajouterai dans une seconde. Je prends du jaune Windsor profond, et je l'applique sur la partie inférieure de ce pétale Cela crée un bel effet lumineux et ajoute plus d'intérêt Séchez maintenant le tout avec un sèche-cheveux. N'oubliez pas qu'après avoir utilisé un sèche-cheveux, vous devez attendre que le papier refroidisse. Ne commencez pas à peindre s'il fait encore chaud, car la peinture va sécher trop rapidement. D'accord, il nous reste trois sections à peindre. Tout d'abord, celui-ci ici. Appliquons d'abord une couche d'eau. Maintenant, appliquez le rouge Windsor dans le coin. Passez ensuite au violet, un mélange de rangées permanentes et de bleu outremer. J'utilise ici des lignes plus permanentes que du bleu outremer. Utilisez maintenant des lignes permanentes et ajoutez-les à la partie supérieure. Essayez de garder le bord de ce pétale plus clair plus clair avec une ligne violette au milieu. avec une ligne violette au milieu Et encore une fois, à l'aide d'un pinceau propre , retirez la peinture pour créer des reflets plus clairs sur ce pétale. Je veux juste appliquer des couleurs similaires à celles qui existent déjà, pour les rendre un peu plus profondes. Et nous devons également peindre cette ombre dans la partie supérieure. Cette ombre a un bord tranchant, alors n'appliquez pas d'eau dans cette zone. Maintenant, la peinture sur le côté droit, rien de trop complexe ici. Je veux juste approfondir les couleurs. J'applique donc plus de violet foncé, essayant de laisser la partie supérieure et les bords plus clairs pour créer une forme ronde et bouclée Enfin, pour ce qui est de la petite surface, j'applique le rouge Windsor ici. Et puis j' ajoute également des lignes permanentes sur la droite. Le ton est légèrement plus foncé, il n'y a donc qu'un tout petit ajout de peinture grise dans ce mélange. Avec cela, nous pouvons terminer cette partie. J'espère que vous n'êtes pas trop épuisée, mais si c'est le cas, faites une pause et revenez peut-être plus tard ou demain avec un regard neuf. Dans la partie suivante, nous finirons complètement les pétales en ajoutant quelques détails. 10. Pétales - Détails: Après deux couches sur les pétales, je pense que la couleur est maintenant suffisamment intense. ne nous reste plus qu'à y aller un par un et à vérifier s'il y a autre chose que nous pouvons ajouter ou corriger. Je pense ici principalement à ajouter des lignes qui indiqueront la forme de ces pétales et peut-être une couche de couleur supplémentaire pour assombrir certaines zones. Ou peut-être pour ajouter une ombre. Par exemple, ici sur la face interne de ce pétale. Sur la gauche, j' ajoute des lignes subtiles. Je commence par un ton léger pour voir à quoi ça ressemble. Lorsque je serai satisfait de leur apparence et de leur placement, j'ajouterai une couleur plus forte pour rendre ces lignes plus visibles. Mais je ne veux pas exagérer. La clé ici est de trouver un équilibre. Je ne veux pas que les lignes retiennent trop l'attention. Avec un violet clair, j'ajoute également des lignes à la boucle du pétale Remarquez la direction de ces lignes. La direction est extrêmement importante sur cette pédale. J'ajoute juste quelques petites lignes ici et là pour donner plus de caractère à la pédale. Sur celui-ci, je veux ajouter des lignes, mais je veux aussi augmenter légèrement la profondeur de couleur dans l'ombre. Remarquez que ces couches subtiles et transparentes, associées à des bords plus clairs, créent cette belle apparence sute des pétales Maintenant, je veux faire face à cette ombre forte. Honnêtement, j'ai peur de le toucher, mais je ressens juste le besoin de faire quelque chose avec le bord sombre de l'ombre. Je vais utiliser ma brosse à récurer. Et avec une brosse à récurer propre, j'essaie d'activer et de retirer la peinture de ce bord Bien sûr, je crée un parce que ce n'est pas le meilleur endroit pour utiliser un, il est préférable de l'utiliser lorsqu'une couleur rencontre du papier blanc. Ici, il y a de la couleur partout. Je frotte non seulement le bord de cette ombre, mais aussi le rose plus chaud sur la droite Maintenant, j'ai un point plus clair ici, mais au moins j'ai retiré ce bord dur. J'ajoute de la peinture ici pour mélanger tout afin de couvrir cet endroit plus clair. J'ajoute un ton plus profond sur la gauche. Et cette fois, je crée une touche plus douce et plus légère qu'avant, puisque je suis déjà là. Je peux également ajouter quelques lignes supplémentaires à cette pédale sur le pétale suivant. Je ne veux pas ajouter de lignes, mais je veux approfondir un peu la couleur. Je vais juste ajouter exactement les mêmes couleurs que dans le calque précédent. À chaque couche suivante, nous pouvons ajuster l' intensité de la couleur, la température et le ton ici. En ajoutant la même couleur, j'augmente la saturation et j'approfondis le ton ici. Sur le côté intérieur de la pédale à droite, je souhaite ajouter d'autres lignes. Et assombrir légèrement la partie inférieure de cette section Maintenant, je choisis un violet rosé plus foncé, et je le peins ici sur le pétale, créant ainsi cette Ensuite, je rince et j' éponge rapidement mon pinceau et j'essaie d' adoucir ces bords . J'adoucis d'abord les bords juste pour les rendre un peu plus lisses, puis j'ajoute juste un peu plus de rose. Maintenant, je prends une peinture violette très aqueuse, et d'un coup de pinceau rapide, je peins cette ombre en bas. J' ajoute plus de rose, avec un rose plus foncé qui est un mélange de rose permanente et de rouge Windsor. Avec une petite touche de peinture grise. J'ajoute une ombre plus foncée ici. Je vais également ajouter quelques lignes, dans ce cas j'ai peintes dans le mauvais sens. Ils devraient être plus horizontaux et avoir quelques lignes de plus sur ce pétale. Enfin, dernière pédale, je veux ajouter quelques lignes et assombrir le ton dans l'ombre Souvent, lorsque j'ajoute ces lignes, je fais une brèche ici. Une partie de la ligne se trouve au milieu du pétale. Puis un espace, puis la ligne est sur le bord. Je pense que cet écart dans la ligne indique subtilement la lumière et une courbure du pétale Enfin, j'ajoute ici un ton violet plus foncé. Non seulement pour assombrir cette ombre, mais je veux aussi corriger la forme de l'arc ici C'était un peu trop anguleux. Je voulais être plus rond, ajouter une couche supplémentaire ici. Avec ça, on peut dire que les pétales sont terminés. Dans la partie suivante, nous pouvons passer à peindre le centre de la fleur. 11. Centre de la fleur: Dans cette partie, nous allons peindre le centre de la fleur. Et malheureusement, je dois dire que ce sera la partie la plus désorganisée, dans le sens où les étapes ne seront pas aussi claires que dans d'autres parties Mais j'espère que nous y arriverons. Je vais d'abord nettoyer une partie de ma palette car je souhaite préparer des couleurs plus propres. Nous aurons besoin du jaune Windsor, profondément mélangé à une touche de sienne brûlée Ce sera notre jaune brunâtre chaud, qui, je pense, fonctionnera très bien Utilisons un ton clair de cette couleur à appliquer à l'ensemble de la zone. Ce centre jaune complétera à merveille les pétales roses et donnera à la peinture un côté plus chaleureux. Les pétales roses deviendront plus chauds et plus éclatants. À côté du jaune central, le ton est clair, mais il est légèrement plus foncé dans la partie supérieure et plus clair dans la partie inférieure. Je pense ici à la couleur des étamines, qui ont cette couleur de pile, mais elles sont plus foncées en haut, là où elles se trouvent à l' ombre des pétales J'applique la peinture humide sur sèche. Maintenant, j'ajoute du jaune ici et là, et aussi du rose près des pétales. C'est notre base. Et maintenant je vais le sécher complètement avec mon sèche-cheveux. Nous avons maintenant les couleurs principales, et nous devons commencer à ajouter des détails afin de bien les distinguer. Je vais utiliser un pinceau de taille 4 pour cette étape. J'ajoute de la Sienne brûlée. Il faut que le vent soit jaune profond sur la gauche. Sur la droite, j'ai un mélange de Sienne brûlée avec des peintures grises C'est un brun foncé. Nous avons ces trois couleurs avec lesquelles travailler plus le rose ici. La partie amusante commence. Dans cette partie, il m'est très difficile de décrire le processus. La raison en est que lorsque j' ai autant de petites formes à peindre, je ne suis pas dans un ordre précis d'application de la peinture. Mais je saute plutôt d'un endroit à l'autre et je peins une zone qui me tient particulièrement à cœur en ce moment même. Par exemple, ici j'ai décidé d'ajouter petits détails marron foncé car ils attiraient mon attention. Ils sont les plus visibles, faciles à identifier. L'endroit où ils se trouvent est très clair, je les peins en même temps, j'essaie de créer lentement les couleurs et les tons des déclarations. fait de sauter d'un endroit à un autre a également une raison pratique. Lorsque j'applique de la peinture à un endroit puis que je passe à l'autre, je laisse à ces petites zones le temps de les sécher. Quand je reviens quelque part, je sais que tout sera suffisamment sec pour que je puisse peindre des sections à côté de celles que je viens de peindre. C'est un processus d'ajustements constants. Je me concentre sur une petite section à la fois. J'ajoute de la peinture et je passe à une autre section. Après avoir ajouté la peinture dans une autre section, je remarque que la précédente doit être plus foncée. Je vais revenir sur cette section précédente. De cette façon, je construis lentement toute cette zone en ajustant constamment petites parties de celle-ci jusqu'à ce que j' obtienne une vue d'ensemble plus grande qui finira par s'assembler. C'est un processus assez lent, mais d'un autre côté, je viens de vérifier qu'il m'a fallu exactement une demi-heure. Est-ce que c'est vraiment long ? Une demi-heure d'arnaque et de détente. Une demi-heure rien que pour toi et ta peinture. N'est-ce pas agréable et relaxant ? Je pense que c'est le cas. Je ne pense pas qu'il vous soit même possible de me suivre exactement à ce stade. Mais je veux que vous voyiez comment je peins cela et peut-être trouverez-vous une meilleure idée de la façon d' aborder cette zone. N'hésitez pas à le peindre à votre façon. Suivez la photo de référence ou ma peinture terminée et peignez-la comme vous le souhaitez. Je peins maintenant humide et sec car ce sont de petites sections. Même si je veux créer une transition tonale entre le foncé et le clair, il me suffit d'appliquer la peinture, de rincer mon pinceau, de l' éponger et de mélanger la peinture. Ma peinture a une consistance aqueuse. Le ton clair sur le papier en est l'indication. Je peux même passer trois ou quatre fois sur une zone, en ajoutant à chaque fois une couche mince supplémentaire. De cette façon, j'augmente lentement la profondeur de couleur, la valeur tonale J'ajuste le tout en fonction de ce que je vois sur la photo, mais aussi de ce que j'ai fait jusqu'à présent dans ma peinture. Très lentement, calmement, un joli centre du poney commence à émerger Les déclarations situées à proximité des pétales reflètent le rose des pétales. Même si je ne vois pas de rose sur la photo, il se peut que j'y ajoute une touche. Ce qui me préoccupe le plus, c'est de faire une distinction claire entre chaque déclaration. Pour ce faire, je sais que je dois établir des valeurs de tonnalité correctes. Je ne veux pas que la distinction provienne des traits du crayon, mais plutôt des différentes valeurs tonales et du contraste correct qui façonnent chaque forme J'aime me demander si je supprimais complètement les traits de crayon maintenant, serais-je capable de faire la distinction entre chaque forme ? Serait-il clair de voir le bord de chaque forme ? Si ce n'est pas le cas, je n'ai pas encore terminé. Je dois corriger le contraste. Ajoutez peut-être des tons plus foncés quelque part pour créer des formes plus distinctes. Je pense qu'il est très important d' ajouter ces roses près des pétales, car nous pouvons ainsi créer un joli trou cohérent dans lequel l' interaction entre les couleurs de différentes formes joue un rôle important dans la perception globale de la OK, le centre de la fleur est donc prêt. J'espère que vous n'aurez pas trop de mal à le peindre. Lorsque vous avez terminé, faites une pause ou, si vous le souhaitez, passons directement à la tige 12. La tige: Dans cette courte partie, nous allons peindre la tige. J'utiliserai un pinceau taille 6. Appliquons d'abord un vernis à l'eau, même si cette zone est assez petite et que nous pourrions la peindre humide et sèche Je pense qu'un vernis à l'eau nous aidera à mieux mélanger les couleurs. Commencez par appliquer du Sienna brûlé. Notez qu'en bas à droite, il y a un surlignage très clair. Je garderai toujours cet aspect à l' esprit et j'essaierai de ne pas le recouvrir de peinture. Maintenant, prenez un brun plus foncé, un mélange de Sienne brûlée et de peinture grise, et ajoutez-le sur la sienne brûlée sur la gauche, je viens de remarquer un peu de vert J'ajoute également de l'or vert et même un peu de jaune vert Windsor en une seconde. Il s'agit de la couche de base qui apparaîtra à travers la couche suivante. Bien sûr, comme je peins mouillée et mouillée, la peinture se répand partout et s'est envolée dans cette zone très éclairée. Mais c'est bon. Maintenant, avec un pinceau propre, je vais commencer à enlever la peinture qui se trouve sur ce point. Après chaque coup, je rince et j'éponge mon pinceau. Et répétez le processus avec une brosse propre. Je le fais plusieurs fois jusqu'à ce que je constate que la peinture cesse de bouger et ne coule plus dans cette zone. Je ne peux pas, je l'ai fait 13 fois maintenant. Nous pouvons tout sécher après séchage. N'oubliez pas d'attendre que le papier refroidisse. Préparons un mélange brun foncé de Sienne brûlée avec des peintures grises nous faudra aussi de la Sienne brûlée et un peu d'or vert Maintenant, appliquez à nouveau ces couleurs sur la tige. Cette fois humide et sec. Et évitez de peindre cette zone très éclairée. Avec la deuxième couche, nous créons un ton très sombre. Ajoutez de plus en plus de brun foncé jusqu'à ce que vous trouviez que le ton est suffisamment foncé. Faites en sorte que le côté droit soit légèrement plus clair que le côté gauche, en laissant la zone autour de la lumière vive être brun plus clair. Lorsque vous appliquez la peinture, nettoyez votre pinceau et, à l' aide d'un pinceau propre, commencez à soulever la peinture pour créer une lumière intense. J'aime cette étape car nous pouvons facilement créer une belle texture et une belle forme naturelles de la tige. Ces reflets subtils créent un bel effet naturel. Je retire également la peinture par la gauche. Comme vous pouvez le constater, nous pouvons voir ici une subtile couleur verte par rapport à la couche précédente. C'est notre lumière réfléchie qui aide à montrer la forme ronde de la tige. Maintenant, après l'avoir à nouveau séché avec un sèche-cheveux, je veux adoucir le bord ici juste pour le rendre plus doux et naturel. Et c'est tout. Maintenant, si vous aimez faire une pause ou si vous avez encore de l'énergie pour peindre, nous pouvons passer à l'étape suivante où nous appliquerons la couche initiale sur les feuilles. 13. Feuilles - Couche initiale: Dans cette partie, nous allons commencer à peindre les feuilles. Avant de commencer, je vais nettoyer ma palette car nous utiliserons des couleurs d' une famille de couleurs différente. Je ne veux pas avoir de couleurs floues. J'adore la porcelaine parce que je peux très bien la nettoyer. Et il n'y a pas de taches, contrairement aux palettes en plastique. C'est également le bon moment pour changer l'eau. J'aime placer mes pinceaux à côté du sujet. Je vais peindre pour déterminer la meilleure taille. Cette fois, j'ai pensé que j' opterais pour un pinceau taille 8. Préparons les couleurs. Je vais commencer par un mélange d' or vert et de teinte jaune-vert Windsor, en ajoutant une touche de jaune Windsor en profondeur dans le bas. Cette fois-ci, j'aurai également besoin d'un vert plus turquoise et bleuté à mon mélange vert doré et jaune Windsor . Je vais ajouter du bleu outremer. Nous avons utilisé du bleu outremer sur les pétales. Je savais que je l'utiliserais aussi pour les feuilles. Garder les mêmes couleurs aussi longtemps que possible est une bonne chose pour maintenir l'harmonie des couleurs dans une peinture. Maintenant, avec un pinceau taille 8, j'applique une couche d'eau sur les feuilles de gauche. Nous allons peindre mouillé ou mouillé car il sera plus facile de mélanger les différentes nuances de vert. Commençons par le turquoise sur la gauche. Et en général, nous devons recouvrir ces feuilles avec les couleurs les plus basiques que nous pouvons voir. Ne regardez pas les détails à ce stade. Vous pouvez regarder la photo de référence avec les yeux plissés. Ou nous pouvons brouiller un peu la photo pour ne voir que les principales couleurs de base de ces feuilles Sur le côté droit, il y a beaucoup de vert, alors je suis en train d'appliquer mon premier mélange vert vif. Oh, oh, il y a aussi les feuilles pour compte. Mais on peut appliquer la peinture sur les deux. Maintenant, la raison en est qu'à un stade ultérieur, nous serons en mesure de faire une distinction claire entre ces deux feuilles appliquant un ton plus foncé à celles qui se trouvent derrière. Appliquez également ce vert vif sur la petite feuille. J'ai décidé d'ajouter des peintures grises pour créer un ton plus foncé. Et alors que la peinture est encore humide, je l'ai ajoutée en haut de la feuille pour déjà suggérer ce ton plus foncé qui sera là. Appliquons maintenant les couleurs à la petite feuille située derrière la tige. Sur la gauche, j'applique une couleur turquoise claire, humide et sèche. Sur la droite, j'applique d'abord un vernis à l'eau, veillant à ne pas dépasser le point culminant de la tige Enfin, les couleurs principales de la feuille de droite commencent par le gla d'eau , puis utilisent un mélange vert vif de vert, or et de jaune vert Windsor. À ce stade, je veux seulement suggérer l'information de base selon laquelle le vert foncé est plus proche de la tige et qu'en bas de la feuille, en haut et à droite, la feuille devient plus claire. Je veux juste créer ce tunnel lisse, passer du vert foncé au vert très pâle. Et tout cela se trouve dans cette partie. Dans la partie suivante, nous allons assombrir les couleurs et ajouter des ombres 14. Feuilles - Deuxième couche: Assurez-vous que tout est complètement sec. Nous allons maintenant appliquer la deuxième couche. J'utiliserai un pinceau taille 8. Et les mêmes couleurs que lors de l'étape précédente. que je réfléchis fait quelques minutes que je réfléchis à la façon de peindre les feuilles, de les simplifier, car je savais que je ne voulais peindre aucun détail, mais que je voulais obtenir une image convaincante d'une feuille. Finalement, j'ai pensé que je pourrais simplement peindre l'ombre et approfondir les couleurs, mais je ne me concentrerai pas trop sur la peinture des veines ou sur des détails supplémentaires. Commençons par appliquer une deuxième couche sur le côté gauche du manchon, en longeant la nervure centrale et en laissant le bord gauche de la feuille. Commencez par un vert plus bleuté à l'extrémité , puis passez à un vert plus vert en bas Peignez humide et sec et utilisez une consistance de peinture très aqueuse À ce stade, il est très important de ne pas trop manipuler votre pinceau au même endroit Le vert est une couleur très facile à enlever si nous passons deux fois notre pinceau au même endroit. Maintenant, nous risquons déjà de perturber la couche précédente. Appliquez la peinture le plus rapidement possible et essayez de ne pas rester trop longtemps au même endroit. Maintenant, répétez la même chose sur le côté droit, laissant cette fois le bord droit de la feuille et en laissant un petit espace entre ce côté et le côté gauche pour créer une nervure centrale traversant la feuille. Encore une fois, utilisez un vert plus foncé près de l'extrémité de la feuille. Puis passez la couleur au vert vif et utilisez un ton légèrement plus foncé au bas de la feuille. Utilisez un vert foncé avec un peu plus peinture grise pour peindre la feuille qui se trouve derrière. Nous pouvons maintenant faire la distinction entre les deux feuilles. Si nous utilisons maintenant un vert plus foncé, nous pouvons visuellement pousser la feuille davantage vers l'arrière-plan pendant que nous peignons. La feuille est également peinte en deux parties, à gauche et à droite, laissant un espace entre elles pour donner l'impression d'une veine. Enfin, ajoutez un ton vert plus foncé aux petites feuilles. Nous n'allons rien faire de plus sur la feuille, juste une simple couche sombre. Maintenant, ajoutez également un ton légèrement plus foncé à la petite feuille située derrière la tige. Faites-le également en deux sections, laissant un espace pour l' empreinte d'une veine. Tout cela est très simple. Nous ne voulons pas entrer dans les détails maintenant. Mélangez un peu plus le mélange vert vif de l'or vert et de la teinte jaune vert Windsor. Si vous en manquez et que vous utilisez cette couleur pour peindre une ombre sur la droite, recouvrez toute cette partie de la feuille de vert. Remarquez que je n'applique pas la peinture jusqu' au bord de la feuille. J'ai laissé un petit espace tout près du trait du crayon alors que la peinture est encore humide , ajoutez un ton plus foncé sur la gauche. Ajoutons maintenant une autre ombre, un mélange vert très, très aqueux Appliquez la peinture ici en laissant un espace entre ces deux zones. Ensuite, nettoyez et épongez votre brosse. Et essayez de tout mélanger, laissant un ton plus clair au milieu et assombrissant légèrement les deux côtés. Enfin, peignez une petite forme triangulaire de l'ombre sur le bout de la manche. Et avec cela, nous pouvons terminer cette étape. Laissez tout utiliser, un sèche-cheveux, si vous le souhaitez. Dans la prochaine et dernière étape, nous terminerons la peinture. 15. Feuilles - Détails: Il y a encore certaines choses que nous pouvons faire pour rendre les feuilles un peu plus belles sans les surtravailler. Tout d'abord, je souhaite utiliser un pinceau avant de plus petite taille pour peindre la partie recourbée du manchon Je viens de prendre une consistance très aqueuse, verte. Je l'applique sur le côté gauche de la manche, en laissant un espace sur le bord de la manche. Maintenant, je passe à un pinceau taille 6 et je vais ajouter un ton plus foncé aux feuilles laissées pour compte. J'ai besoin de plus de vert foncé. Je mélange à nouveau le vert, le doré, vert Windsor, le jaune et les peintures grises. Mon mélange est assez foncé, mais il est aqueux. Avec ce vert plus foncé, j'ajoute simplement une ombre mouillée sur sèche et j'essaie simplement peindre la forme le plus rapidement possible, essayant de ne pas perturber la couche précédente. Notez qu'il ne s'agit que d'un simple lavage à plat mouillé à sec. Selon la technique de base, il suffit de peindre une forme spécifique, laissant un bord et la veine centrale, et de peindre autour de cette forme de diamant plus claire au milieu. Je pense maintenant à cette feuille principale sur la gauche. Que puis-je faire d'autre ici ? J'ai pensé ajouter une ombre projetée sur le côté droit, une près de la pointe et une en dessous. Je pense que les ombres projetées sont très importantes ici, car sans elles, nous ne pourrions pas réellement voir les parties claires de la feuille. Tout était unifié. Et l'ajout de ces ombres donne une dimension supplémentaire. Sur le côté gauche de la feuille, je veux ajouter une ombre plus foncée en bas et l'estomper vers le haut sur cette feuille. J'ai pensé simplement ajouter un ton vert plus foncé dans la partie supérieure, juste en dessous de la fleur et en bas. Cela devrait ajouter un peu plus de dimension à la feuille. Enfin, ajoutons quelques détails à la feuille de droite, tout d' abord, cette ombre noire supplémentaire en bas. Après avoir ajouté cette ombre, j'ai pensé que l'autre ombre devrait être légèrement plus foncée. J'ajoute donc une autre couche ici maintenant avec un vert beaucoup plus clair et plus jaune Je vais ajouter une ombre très subtile au milieu de cette feuille. Il y a cette veine qui coule au milieu. J'ajoute juste mon vermeil le long cette veine et je l' estompe vers le haut. Et un tout petit détail, une ombre plus foncée à la pointe. C'est tout ce que nous avons pu terminer à ce stade. Cela semble bien tel qu'il est maintenant, et cela pourrait être notre dernière étape. Mais je veux tout sécher maintenant et faire encore une chose. Remarquez à quel point le tableau est plat lorsqu'il est fixé au Gboard à l'aide d'agrafes J'adore ça. Maintenant, je veux utiliser ma deuxième brosse à récurer, que j'utilise très rarement, mais c'est une bonne occasion pour cela Il s'agit d'un shader Princeton Snap, Bright Shader taille 4 C'est une toute petite brosse plate avec des poils très doux. Je l'utilise rarement car il est très petit. Mais c'est un avantage dans des cas comme celui-ci. Je le plonge dans l'eau et je le souffle sur une serviette en papier, et maintenant je vais le faire passer le long du bord pour enlever un peu de peinture éclaircir les bords et les rendre beaux et lisses. Je le frotte plusieurs fois sur une surface , puis je soulève la peinture activée avec un essuie-tout . J'ai pensé que je pourrais aussi créer une veine avec ce pinceau. Ce pinceau vous permet d' éliminer ces lignes très fines. C'est parfait pour créer de telles veines sur les feuilles. Je vais faire de même sur l'ascenseur de droite, retirant quelques veines et en travaillant sur les bords. Si vous n'avez pas ce pinceau, vous pouvez essayer d'utiliser le pinceau Windsor Newton Galleria si vous avez celui-ci, s'il est relativement nouveau Parce que quand il est neuf, il a des poils très tranchants, le mien est déjà usé, il ne fonctionnerait pas pour Vous pouvez également utiliser une peinture opaque pour ajouter ces veines si vous le souhaitez. Ce n'est qu'un ajout subtil, ils ne sont pas vraiment nécessaires. Cela dit, je pense que je peux dire que ce tableau est terminé maintenant. Tout ce que nous avons à faire, c'est de le signer. Cette fois, j'ai pensé utiliser mes peintures pour entailles parce que j'en ai, mais je ne les utilise pas Je les ai tous utilisés une fois. Pour un tableau, pour mon frère, je n'utilise le blanc que pour les petits détails et les reflets. Je vais utiliser le sous-vert comme base, mais ce n'est pas très visible. Je vais donc le mélanger à ocre jaune et je vais peindre ma signature avec un mélange de ces C'est à peine visible dans le coin inférieur droit, mais c'est bon. C'est comme ça que je l'aime. Je n' aime pas que ce soit trop visible. Maintenant, je peux retirer le ruban adhésif et apparaître une belle bordure propre autour. J'aime laisser une peinture terminée pendant la nuit et en couper les bords avec des agrafes le lendemain. Je ne les coupe pas ici sur le tableau Gator, bien sûr, parce que je découpais le tableau, j'en retirais le tableau , puis j'en coupais les bords avec un couteau Exacto et une règle, ou simplement Ce serait tout pour ce tutoriel. J'espère que vous l'avez apprécié et que vous l'avez trouvé inspirant. J'espère que tu vas essayer. C'est une belle peinture avec belles couleurs et elle n'est pas si complexe. Je pense que ça te plaira. Merci beaucoup d'avoir regardé et bonne peinture par