Gemmes de jardin : peindre des nasturciums à l’aquarelle

1. Bienvenue: Bienvenue dans mon cours Skillshare. Dans ce didacticiel, nous allons explorer le processus complexe de création d' une superbe peinture florale étape par étape Je suis Chris, aquarelliste et professeur en ligne, là pour vous guider dans le didacticiel Skillshare Aujourd'hui, nous nous concentrons sur la peinture magnifiques sturtiums en capturant leurs formes uniques, leurs formes simples de feuilles, leurs veines complexes et leur composition chromatique sereine et Que vous soyez un artiste débutant ou confirmé, ce tutoriel vous fournira les techniques nécessaires pour donner vie à ces fleurs sur le papier. Tout au long du cours, je vous expliquerai chaque étape de la peinture de ces magnifiques fleurs, en vous fournissant des ressources utiles et des conseils tout au long du cours. Le didacticiel est soigneusement divisé en segments faciles à gérer Chaque partie zoomera sur un aspect spécifique de la peinture, en la reconstituant progressivement comme un puzzle Rejoignez-moi dans ce voyage créatif et plongeons-nous dans le vif du sujet. 2. Projet et ressources: Merci d'avoir choisi de participer à ce voyage artistique avec moi. J'ai préparé des ressources utiles pour votre projet, auxquelles vous pouvez accéder dans la section projets et ressources. Vous y trouverez quelques fichiers PDF utiles. L'un d'eux contient une liste des fournitures que j'ai utilisées pour cette peinture en particulier, et vous y trouverez également ma peinture terminée pour vous guider. Les dessins au trait sont disponibles en différentes tailles que vous pouvez imprimer et transférer sur votre papier aquarelle, ce qui vous permet de choisir le format qui correspond à vos préférences Je l'ai peint au format 12 x 9. N'hésitez pas à explorer ces ressources et à les utiliser pour créer votre propre peinture unique et magnifique. Ce serait formidable de voir vos résultats. N'hésitez pas à partager vos photos de progression et la peinture finale avec la classe dans la section des projets et des ressources. Je vous recommande également vivement de regarder le travail de chacun dans la galerie de projets de l' étudiant. C'est toujours une source d'inspiration de voir les autres travailler et c'est extrêmement réconfortant de bénéficier du soutien de ses camarades de N'oubliez pas d'aimer et de commenter le travail de chacun. Enfin, je vous recommande vivement de regarder chaque leçon avant de commencer à peindre. Cela vous aidera à mieux comprendre à quoi vous attendre dans chaque partie du didacticiel. Si vous trouvez ce cours utile, je vous serais très reconnaissant de bien vouloir laisser un commentaire honnête. Vos commentaires m' aideront à créer un meilleur contenu et à aider les autres étudiants à décider de suivre ou non ce cours. Merci d'avance. 3. Mes fournitures artistiques: Dans cette vidéo, j' aimerais partager avec vous un aperçu général de mes fournitures artistiques que j'utilise régulièrement. Je pense que je dois d' abord mentionner que je ne suis pas le genre de personne qui achète constamment de nouvelles fournitures artistiques et qui expérimente avec elles. J'utilise les mêmes fournitures tout le temps. Elles fonctionnent bien pour moi et j'ai appris à en tirer le meilleur parti, ce qui m'aide également à économiser de l'argent. Au lieu d'acheter cinq nouvelles couleurs dont je n' utiliserais qu'une seule pour créer un échantillon de couleurs, je préfère investir dans des livres, par exemple Ne vous méprenez pas. L'expérimentation de nouvelles fournitures artistiques et achat régulier de nouveaux matériaux peuvent offrir de nombreux avantages aux artistes Examinons les avantages et les inconvénients de l'essai de nouveaux matériaux artistiques. Cela peut susciter de nouvelles idées et de l'inspiration. différents supports, couleurs et textures peuvent donner lieu à des expressions artistiques uniques et aider à surmonter les blocages créatifs exploration de nouvelles fournitures artistiques implique souvent l'apprentissage de nouvelles techniques et approches. Ce processus d'apprentissage continu contribue au développement des compétences artistiques et élargit la boîte à outils des artistes disposer d'une gamme variée de fournitures artistiques permet une plus grande polyvalence dans l'expression artistique. Les artistes peuvent alterner entre différents supports et outils en fonction des exigences spécifiques d'un projet, ce qui permet d'obtenir des œuvres d'art plus dynamiques et plus variées expérimentation de nouveaux matériaux peut pousser un artiste hors de sa zone de confort, sa volonté d' explorer et de prendre des risques, favoriser le développement personnel et encourager le développement artistique Le monde de l'art évolue continuellement avec les nouvelles technologies et les nouveaux matériaux Se tenir au courant des dernières nouveautés permet un artiste de rester à un artiste de rester pertinent sur la scène artistique contemporaine. Essayer de nouvelles fournitures artistiques implique souvent de résoudre des problèmes. Les artistes peuvent avoir besoin de comprendre comment manipuler un nouveau médium ou d' adapter leurs techniques, afin d' améliorer leurs compétences en résolution de problèmes et leur pensée créative L'enthousiasme suscité par l'utilisation d'un nouveau matériel artistique ou la découverte d'une nouvelle technique peut raviver la motivation et la passion pour la création artistique Cet enthousiasme est essentiel au maintien d' une pratique artistique cohérente et épanouissante. À mesure que la technologie progresse, la qualité et les capacités des fournitures artistiques augmentent également. L'essai de nouveaux produits permet aux artistes d'explorer des formulations améliorées susceptibles d' améliorer les résultats de leur travail. différentes fournitures artistiques offrent des moyens uniques de transmettre des émotions et des messages, et l'expérimentation d'une variété de matériaux permet aux artistes de trouver ceux qui correspondent le mieux leur style personnel et leur permet de s'exprimer de manière plus authentique C'est le moins qu'on puisse dire. D'un autre côté, voici quelques raisons potentielles pour lesquelles certains pourraient prétendre que ce n'est pas toujours bon. Les fournitures artistiques peuvent être coûteuses et l'achat constant nouveaux matériaux sans plan ni objectif peut grever votre budget. Il est bon de faire attention à vos dépenses, surtout si vous n'utilisez pas toutes les fournitures que vous avez accumulées. s'appuyer sur des fournitures artistiques nouvelles et variées peut détourner l'attention du développement des compétences artistiques fondamentales Un artiste compétent peut créer des œuvres impressionnantes avec des outils de base L'accent doit être mis sur la maîtrise des techniques plutôt que sur le recours à des fournitures spécifiques L'accumulation d'une vaste gamme de fournitures artistiques peut entraîner des cliquetis et des problèmes de stockage Un trop grand nombre de fournitures peut vous empêcher de trouver ce dont vous avez besoin. L'achat constant de nouvelles fournitures artistiques contribue au gaspillage, surtout si les matériaux ne sont pas pleinement utilisés. Il est essentiel de tenir compte de l'impact environnemental de vos pratiques artistiques et d'essayer de minimiser la consommation inutile. Certains artistes soutiennent que le fait de travailler avec des limites telles qu'un ensemble restreint de matériaux peut en fait améliorer la créativité. Les contraintes peuvent vous obliger à sortir sentiers battus et à trouver des solutions innovantes dans le cadre de votre boîte à outils existante. Mettre trop l'accent sur l'essai de nouvelles fournitures peut détourner l'attention de l'essentiel de l'expression artistique Le concept ou le message que vous souhaitez transmettre à travers votre art. Il est essentiel de se concentrer sur le sens de votre travail , quels que soient les matériaux utilisés. recherche et l'achat constants de nouvelles fournitures peuvent favoriser une mentalité de consommation dans laquelle le plaisir provient de l' acquisition de nouveaux articles plutôt que du processus de création lui-même. Cela peut mener à un cycle de recherche du prochain matériau tendance plutôt que d'affiner votre voix artistique Peut également créer des attentes irréalistes quant au pouvoir transformateur des matériaux Bien que des fournitures de qualité puissent améliorer votre travail, la clé du succès artistique réside dans vos compétences, techniques et votre vision créative. Si vous vous fiez trop à la conviction que de nouvelles fournitures amélioreront considérablement votre art risquez de vous retrouver déçus et frustrés. exploration et l'adaptation constantes de nouvelles fournitures artistiques peuvent entraîner une évolution involontaire vers les tendances populaires plutôt que développement d'un style personnel unique Comme vous pouvez le constater, je crois que de nombreux éléments méritent d'être pris en compte et, en fin de compte, il s'agit d'un choix personnel. Avant, je voulais acheter toutes les fournitures artistiques que je pouvais me permettre. Cependant, en me rendant compte que je n'en avais pas besoin de tous, et après avoir trouvé des fournitures qui me satisfaisaient vraiment, j'ai arrêté d'acheter des articles inutiles. Au lieu de cela, je me suis concentré sur ceux que j'ai et que j'utilise réellement. Alors maintenant, regardons ce que j'ai. Commençons par le papier. Parmi les pinceaux, les peintures et le papier, je considère le papier comme le matériau artistique le plus crucial. La qualité du papier influence de manière significative votre expérience de peinture et vos résultats. Utilisez du papier Arches, composé à 100 % de coton. Le papier coton est souvent considéré comme le premier choix des artistes. Il présente une capacité d'absorption, une résistance et une durabilité excellentes , ce qui le rend adapté à diverses techniques d'aquarelle Il donne les meilleurs résultats car la peinture s'y comporte bien mieux que sur des papiers cellulosiques moins chers Le papier de haute qualité est également plus indulgent, ce qui facilite la correction des erreurs Pour ce qui est des peintures, j'utilise des peintures de qualité professionnelle Windsor et Newton. Les peintures de qualité professionnelle, quelle que soit la marque que vous utilisez, offrent une excellente qualité. Elles ont plus de pigments, couleurs plus riches et une durée de vie plus longue que les peintures destinées aux étudiants. Bien que les peintures de qualité professionnelle soient plus chères que celles destinées aux étudiants, elles en valent vraiment la peine. Il m'a fallu un certain temps pour rassembler toutes les couleurs dont j'avais besoin. J'ai progressivement acheté un ou deux tubes à fois jusqu'à obtenir un ensemble complet. Maintenant, j'ai rarement besoin d'acheter de nouveaux tubes. Ils durent longtemps. J'achète une ou deux couleurs peut-être une ou deux fois par an. Actuellement, j'ai 17 couleurs dans ma palette, même si certaines sont destinées à des fins de test. Dans le matériel pédagogique, vous trouverez des fichiers PDF contenant des informations supplémentaires sur mes couleurs, raisons pour lesquelles je les ai sélectionnées et la façon dont je les ai disposées dans ma palette. Il existe également un tableau de conversion utile si vous souhaitez des couleurs similaires de différentes marques. Permettez-moi de vous expliquer très brièvement comment je choisis les couleurs de ma palette. Je le fais en quatre étapes principales. Mon point de départ pour choisir les couleurs est toujours une palette primaire divisée, un ver et un jaune froid, un rouge chaud et un rouge froid, et un bleu chaud et un bleu froid. Et là, je pense que c'est le bon moment pour mentionner que le bleu outremer que j'utilise est la teinte verte Ce n'est pas un ultramarin français. Il existe quatre différences principales entre le bleu outremer, le vert et le bleu outremer français Cependant, ils sont vraiment petits. Bleu outremer, la teinte verte a une nuance plus verte Il est plus frais en apparence. Il crée des nuances plus froides de violet et de gris, et il est moins granuleux. Les deux vitres partagent la même couche pigmentée, P B 29. Utilisez le bleu outremer, la teinte verte principalement par habitude, car c'est ce que j'ai toujours utilisé et auquel je me suis habitué De plus, je le trouve moins granuleux que l'ultramarin français, une qualité que Cependant, encore une fois, les différences entre les deux sont vraiment subtiles. Dans un deuxième temps, je recherche des couleurs de la même famille de couleurs avec des propriétés spécifiques, comme le fait d'être fabriquées avec un seul pigment, d' avoir une bonne résistance à la lumière, ne pas granuler. À quelques exceptions près, je préfère utiliser des peintures non granulantes Et être transparent ou semi-transparent. J'utilise principalement des peintures monopigmentées, à une exception près, les peintures grises Les couleurs de ce groupe doivent être sensiblement différentes de celles du premier groupe S'ils sont trop similaires, je les élimine. Je ne vois aucune bonne raison de conserver, disons, sept jaunes très similaires dans la palette Je choisis celles qui sont les plus uniques et je peux mélanger d'autres teintes. La troisième étape consiste à ajouter des couleurs qui me plaisent ou que je sais que je vais utiliser fréquemment. Burnt Sienna est un incontournable de ma palette car c'est un brun basique polyvalent Il crée de magnifiques tons neutres avec le bleu, atténue certains verts, crée différentes nuances de jaune C'est une couleur très polyvalente. De plus, comme le vert est ma couleur préférée, j'aime en avoir deux prêtes à l' qui constituent une bonne base pour mélanger d'autres nuances. La quatrième étape est facultative. Il reste trois zones de ma palette, réservées aux nouvelles couleurs ou aux couleurs que je suis en train de tester, qui peuvent changer au fil du temps. En plus de la peinture à l'aquarelle, j'ai aussi un tube de guash blanc Je l'utilise souvent pour les petits détails ou les points forts. Je conserve mes peintures dans une palette de porcelaine avec 17 puits et deux grandes zones de mélange. Les palettes en porcelaine sont excellentes car elles sont faciles à nettoyer et ne tachent pas comme les palettes en plastique. Avant d'utiliser cette palette, j'en ai longtemps utilisé une en plastique à 33 trous, j'ai changé quand j'ai réalisé que je n'utilisais pas la moitié de ces couleurs. Je remplis toujours tout le puits de peinture, et je le remplis à nouveau lorsque je n'ai plus de couleur spécifique J'achète généralement des tubes de cinq milllires parce que je peux presser le tube entier dans le puits Passons aux pinceaux. Mes pinceaux principaux sont velours noir argenté rond de différentes tailles. J'ai trouvé qu'ils fonctionnent exceptionnellement bien pour la technique humide sur mouillé que j'utilise souvent. Ils arrivent également à un point parfait. Un pinceau que j'ai toujours sous la main, que j'appelle affectueusement mon arme secrète est le pinceau Galleria taille 4 de Windsor and Newton C'est mon pinceau à récurer, et je l'utilise dans presque tous les tableaux J'ai également un petit snapshaderh Princeton taille 4, j'utilise pour enlever très petits détails tels que les petites veines J'ai également des pinceaux d'observation de Rosemary and Co spécifiquement de la série 307. Ils sont petits. Ils ne retiennent pas beaucoup d'eau, ils ne sont donc pas adaptés à la peinture humide sur humide, mais ils sont excellents pour peindre de petites surfaces, mouillé sur sec, et pour ajouter de petits détails. Je les utilise toujours pour créer une texture visuelle à l'aide de la technique du pointillage De temps en temps, j'utilise des pinceaux de designer, pinceaux de réglage ou des pinceaux de script Ils portent des noms différents et sont très similaires. Ces pinceaux ont des poils fins et longs et sont utiles pour peindre longues lignes fines ou des lignes plus naturelles comme des branches d'arbres Enfin, j'ai un gros pinceau plat pour appliquer de l'eau sur de grandes surfaces ou parfois même pour peindre de grandes surfaces. Je dois également mentionner deux pinceaux supplémentaires. L'un d'eux est un vieux pinceau bon marché que j' utilise uniquement pour appliquer du liquide de masquage L'application d'un liquide de masquage avec un pinceau peut endommager vos pinceaux. Évitez donc d' utiliser vos bons pinceaux à cette fin L'autre est un pinceau plat bon marché que j'utilise pour préparer les couleurs de ma palette. Si je dois préparer de plus grandes quantités de peinture, ce pinceau est idéal car il permet de transférer de plus grandes quantités de peinture du puits vers la zone de mélange. L'inconvénient de celui-ci c'est qu'il perd des poils, donc je vais devoir acheter quelque chose d'un Tableau d'alligator, j'attache toujours mon papier aquarelle à un tableau d'alligator à l'aide d' agrafes Cette planche est légère et imperméable et me permet de déplacer et d' incliner ma peinture selon mes besoins, est crucial pour moi, en particulier lorsque je peins des fonds lisses avec la technique humide sur humide. J'utilise toujours une agrafeuse de bureau pour fixer mon papier à l'alligator Après l'agrafage, j'ai fixé le papier sur les quatre côtés avec du ruban adhésif pour créer une bordure nette autour de la peinture terminée Je préfère utiliser du scotch lavande conçu pour les surfaces délicates. J'ai remarqué qu'il adhère bien pendant la peinture, et s'il se détache un jour, c'est probablement à cause de mon utilisation excessive d'un sèche-cheveux Ce ruban n'a pas endommagé mon papier. J'aime bien sa surface. Il est légèrement élégant, ce qui est très pratique pour nettoyer facilement les gouttes de peinture. Mon seul souhait est qu' il soit en blanc. Voici d'autres fournitures que j' utilise plus ou moins fréquemment. Coussin léger, je l'utilise en fait pour chaque peinture. Celui-ci est le moins cher que j'ai trouvé sur Amazon. Je l'utilise pour transférer une image sur mon papier pour aquarelle. Fluide de masquage de Windsor Newton. C'est un support essentiel pour bon nombre de mes peintures. Des outils pour appliquer du liquide de masquage, comme un vieux pinceau, un crayon , des outils de gaufrage et un stylo profond Ces outils peuvent être mis à part ce vieux pinceau qui peut également être utilisé pour appliquer de la peinture et créer des effets spécifiques. Un morceau de savon et un vieux bouchon fait d'un vieux liquide de masquage. Lorsque j'utilise un liquide de masquage, je trempe l'eau de brossage, frotte sur une barre de savon créer une couche protectrice sur les poils, puis je la plonge dans le Cela empêche le masquage de coller les poils ensemble Versez toujours un peu de masquage dans un vieux gobelet et fermez rapidement le flacon pour éviter la formation de grumeaux secs dans Outil de masquage en caoutchouc pour éliminer le liquide de masquage, outil très pratique, sèche-cheveux, utile pour accélérer le temps de séchage, vaporisez l'eau propre pour mouiller doucement le papier ou faire couler la peinture Je vaporise également de la peinture dans ma palette avant de commencer à peindre. Gomme à crayons HB ordinaire et gomme nécessaire. J'utilise un crayon HB ordinaire pour mon croquis et j'utilise souvent gomme dont j'ai besoin pour enlever l'excès de graphite et éclaircir les traits du crayon Réservoir d'eau que je dois avoir pendant la peinture. J'en ai souvent deux, un pour l'eau potable et un pour l'eau sale. Du papier essuie-tout, c'est toujours bon de l'avoir. Enfin, une serviette blanche qui n'est plus si blanche que ça. En parlant de serviettes, une grande serviette est étalée sur mon bureau, sous mon alligator board Je fais cela pour empêcher l' alligator de glisser, de bouger ou de tourner pendant que je peins Cela garantit non seulement la stabilité, mais protège également mon bureau et ajoute un champ agréable à mon espace de travail. La deuxième plus petite serviette est toujours placée à côté de ma palette et de mon réservoir d'eau, servant d'espace dédié au nettoyage de mes pinceaux. J'ai laissé mes pinceaux reposer sur cette serviette. Dans le passé, lorsque je posais mes pinceaux sur mon bureau, la magie semblait opérer. Ils se sont transformés en êtres vivants qui se cachaient de moi, sautaient du bureau et se déplaçaient au point que je ne pouvais pas les trouver. Maintenant, je les place toujours sur la serviette et ils restent en place, toujours là avec moi. Voici donc mes fournitures artistiques actuelles. Bien qu'il puisse y avoir des changements dans le futur, c'est ce que j'utilise pour le moment. 4. Inspiration: Bonjour, et bienvenue sur ce magnifique tutoriel de peinture sur Nosturtiums Ce tableau s' inspire de deux artistes. L'une d'elles est l'une de mes artistes polonaises préférées, Stansva Vespinki Vespinski est né en 1869 à Raco en Pologne. Il a étudié un Mateo à l'école des beaux-arts de Raco Son travail était polyvalent. En tant que peintre, il s'est spécialisé dans la création d'art par le biais de peintures utilisant la technique du pastel. En tant qu'architecte, il est également devenu célèbre pour avoir créé, entre autres, polys pour l'église Saint-François d'ACC à Il s'est également fait connaître en tant que créateur de drames sur l'histoire et les perspectives de la société polonaise sous les partitions de nombreuses années, j'ai essayé de reproduire sa maternité en peignant au pastel Je l'ai peint avec de la peinture à l'huile. Parmi ses réalisations remarquables, citons la conception du magnifique vitrail l'église Saint-François d' Assise à Craco, témoigne de son habileté à fusionner art Cette église de Craco est très, très spéciale. Chaque fois que j'y suis, j'y suis allée. La raison en est que les murs de cette église sont peints par Vespinski Il a orné les murs de magnifiques peintures polychromes ou murales, si vous le souhaitez, représentant motifs floraux et géométriques, L'une de ces peintures murales représente magnifiques fleurs de sturtiu qui ont été ma source d'inspiration initiale pour notre peinture L'Art nouveau est généralement l'un de mes styles préférés. toujours fascinée par la façon dont des formes simples peintes avec ce que l'on pourrait appeler lavis plats à l' aquarelle peuvent créer de si beaux motifs. J'adore les motifs. Notez que les feuilles sont peintes avec une seule couleur verte de base, puis que seules les veines sont peintes avec de la peinture blanche. n'y a pas de détails, de lumières, ombres, juste des formes simples remplies de couleurs. De plus, dans les fleurs, on peut voir des nuances d' orange très subtiles et quelques nervures, rien de plus. Dans ses autres fleurs que l'on peut admirer sur les murs de l'église, il utilisait parfois un peu plus d'ombrage Par exemple, ces roses ont un peu d'ombrage sur les pétales, mais les feuilles ont de simples couches de peinture plates Et pourtant elles sont si belles. La force de ces dessins réside dans la composition et le motif créés par toutes ces formes . Ils sont géniaux. Vespanski sturtium m'a fait penser un artiste japonais, Conan Tangami Il est né dans la préfecture de Hyogo et est reconnu au Japon comme un peintre de premier plan Il s'est fait connaître pour avoir créé cinq volumes d'albums photos illustrant des plans occidentaux. Ces albums ont notamment été publiés sous forme gravures sur bois par le célèbre éditeur On Sodo à Kyoto Des copies de ces albums sont conservées dans la prestigieuse collection de la British Library Son utilisation de la couleur est subtile mais percutante, utilisant des tons pastel doux et des teintes vibrantes pour créer une qualité onirique dans ses compositions Comme dans le travail de Vespanski. Dans les peintures de Tani Game, nous voyons des contours nets des formes remplis de couleurs Il existe quelques variations de tons, mais si nous regardons ces peintures à travers le prisme de la peinture à l'aquarelle, nous pouvons dire qu' elles ont été peintes en une ou deux couches au maximum sans trop entrer dans Plus important encore, dans ses œuvres se trouve la composition. L'une des œuvres de Tan Gami représente l'esturtium. Bien que les plantes soient occidentales, le traitement artistique est typiquement japonais, avec un merveilleux sens de l' équilibre asymétrique et un fin contraste entre les fleurs et Ces deux œuvres de Spanki et Tani Gami ont été ma source d'inspiration pour ma peinture 5. Préparer un croquis: J'ai d'abord commencé par créer une composition. J'ai appliqué la règle des tiers en divisant mon papier en trois parties égales, à la fois horizontalement et verticalement. Les points d' intersection de ces lignes servent de points focaux, c'est là que j'avais l' intention de placer les fleurs principales Les sturtiums poussent dans différentes directions. J'ai imaginé la décomposition comme si les fleurs étaient en cascade en forme d'arc du coin supérieur droit au coin inférieur gauche J'ai esquissé de grandes formes pour représenter les fleurs et les feuilles en utilisant des couleurs orange et vert pour établir la composition principale Cela m'a permis de tester différentes combinaisons de couleurs. Une fois satisfait de la disposition générale, je me suis concentré sur le détail des fleurs. Au départ, j'ai créé des formes grossières, pas trop détaillées. Une fois que j'ai eu une base solide, j'ai affiné le dessin au trait en portant une attention particulière aux formes. Bien que je me sois référé à certaines photos de référence pour comprendre la structure des fleurs et des feuilles, je n'en ai copié aucune directement. Ces interprétations sont les miennes. À ce stade, mon dessin au trait était terminé. Sachant à l'avance que je travaillerais sur un papier au format 12 x 9, j'ai défini les dimensions en conséquence dans Procreate Ensuite, j'ai transféré le dessin vers une application appelée Affinity Publisher, que j'utilise pour concevoir des PDF Ici, j'ai ajouté un cadre noir autour du dessin en créant un rectangle, en supprimant le toucher et en laissant une fine bordure. Une fois terminé, j'ai enregistré le fichier. Il y a une raison importante à l'origine de ce processus. Voici pourquoi. J'ai deux versions du dessin, l' une avec le cadre et l'autre sans cadre. Lorsque j'ouvre la version sans bordure dans une application telle que le split print, il devient évident que le dessin n'indique pas clairement ses limites. Il est donc difficile de déterminer où découper et les marges nécessaires. C'est précisément pour cela que j'ai inclus la bordure. Lorsque j'ouvre le fichier avec la bordure, tout devient clair, ce qui rend le processus de découpage beaucoup plus simple. Maintenant, dans cette application, je convertit les mesures en pouces, révélant que mon dessin mesure précisément 12 9 pouces et s'adapte parfaitement à deux pages Cependant, j'ai la flexibilité de cette application pour ajuster la taille selon les besoins. Par exemple, si je décide de le peindre sur papier au format 16 x 12, je peux effectuer ce changement sans effort Par conséquent, le dessin se divise sur des feuilles de papier supplémentaires peux les disposer comme je le souhaite, même en modifiant l' orientation des pages, ce qui pourrait réduire le nombre total requis pour imprimer à cette taille. En accédant à la mise en page et en passant à l'orientation paysage, je peux maintenant voir que mon dessin s'étend sur quatre pages Cependant, comme j'ai l'intention de le peindre sur du papier au format 12 x 9, je reviens à l'orientation portrait car maintenant mon dessin est sur deux pages, et maintenant mon dessin est de nouveau sur deux pages. Je positionne généralement le dessin telle sorte que toutes les formes complexes situées près du centre soient décalées d'un côté afin qu'elles ne s' étendent pas sur deux pages Je peux maintenant imprimer mon dessin au trait et dans la partie suivante, vous verrez comment je vais le transférer sur mon papier aquarelle. OK. 6. Transférer l’image: Après avoir terminé mon dessin au trait, je l'ai imprimé. Maintenant, je vais l'affiner en supprimant toutes les parties inutiles Comme l'image couvre deux feuilles de papier, je dois les coller ensemble. OK. Je vais peindre sur du papier Arches à 12 x 9 ». Le bloc que j'utilise mesure dix sur 14 ». Cet espace supplémentaire autour du tableau laisse de la place pour les agrafes et le ruban adhésif Pour transférer l' image sur mon papier, j'utiliserai un module lumineux. Je vais d'abord joindre l'image au dos de mon papier pour aquarelle Ensuite, en plaçant le tout sur le tampon lumineux, la lumière d'en bas me permettra de voir clairement l'image à travers le papier aquarelle Avec un crayon HB ordinaire, je vais commencer à tracer en commençant par marquer les quatre coins Ces points de référence sont essentiels car ils me guident dans l'application précise du ruban adhésif Les coins étant marqués, je vais transférer lentement l' image sur le papier. Je peux clairement voir les lignes d'en bas, donc je peux facilement les tracer. Une fois cette étape terminée, je retirerai l'image imprimée au dos du papier, puis je pourrai attacher le papier à mon alligator board Je place le papier plus ou moins au centre. Il convient de noter que je choisis ne pas mouiller le papier au préalable. Je pense que ce n'est pas nécessaire car les agrafes maintiendront solidement le papier en place Lorsque je peins, le papier s'étire et rétrécit naturellement. Cependant, la clé ici, ce sont les agrafes. Le ruban adhésif à lui seul peut ne pas fournir une résistance suffisante pour maintenir le papier en place C'est pourquoi j'utilise toujours des agrafes. J' agrafe soigneusement le papier sur mon alligator sur les quatre côtés, en veillant à mon alligator sur les quatre côtés, ce que chaque agrafe ne soit pas espacée de plus OK. Ensuite, j' applique du ruban adhésif sur les quatre côtés. Les marques dans les coins sont utiles pour un positionnement précis, garantissant que la peinture finale mesurera exactement 12 x 9. De plus, à ce stade, j'utilise fréquemment la gomme dont j'ai besoin Cette gomme polyvalente peut être façonnée comme vous le souhaitez. Je préfère le rouler sur mon croquis pour éliminer tout excès de graphite, ce qui rend l'esquisse légèrement plus claire et. Une fois le croquis préparé, nous sommes prêts à commencer à peindre le fond. OK. 7. Arrière-plan: Avant de nous plonger dans la peinture, permettez-moi de partager mon approche et ma vision de cette œuvre Après mûre réflexion, j'ai décidé d'opter pour un look semblable à celui de l'aquarelle Après tout, nous peignons à l'aquarelle. Mais cette fois, je vais peindre dans un style plus souple que mon style habituel Embrasser des fleurs créées intentionnellement et des bords durs aléatoires, résultat d'une technique moins précise Cette fois, j'adopte une approche plus détendue et simplifiée. Mon objectif est d'obtenir de belles textures d'aquarelle sur les feuilles tout en me concentrant un peu plus sur la peinture précise des fleurs Mon objectif est de trouver un équilibre entre peinture libre et la précision lorsque cela est nécessaire. Dans mon processus, je m' inspire de la simplicité des œuvres de Spanskis et de Tanigams Nous allons commencer notre voyage de peinture en partant de l'arrière-plan, en accumulant progressivement les couches au fur et à mesure de notre progression. Dans un premier temps, nous allons peindre le fond, suivi de feuilles pâles en arrière-plan, puis nous ajouterons des tiges, des feuilles principales et concentrerons enfin sur les fleurs les plus proches de nous terminer, nous ajouterons délicatement des nervures aux fleurs et aux feuilles Pour peindre le fond, je vais utiliser un pinceau de taille dix. J'ai choisi de ne pas utiliser de liquide de masquage pour préserver les espaces blancs des fleurs Je vais plutôt peindre un arrière-plan d'un ton très clair. Même si je passe par-dessus les lignes au crayon, ce n'est pas un problème car les fleurs et les feuilles sont plus foncées que le fond. La peinture plus foncée couvrira parfaitement les éventuels chevauchements, créant ainsi une composition harmonieuse Je crois qu'en utilisant une version atténuée de l'orange, ce serait du brun, car le brun est en fait une version atténuée de l' Car le fond serait idéal. Ce choix de couleur doit compléter la composition globale créant une toile de fond douce et sourde qui reflète les couleurs des fleurs L'ajout de touches de vert permettra lier davantage le fond aux feuilles. répétition des couleurs du sujet principal en arrière-plan est une excellente approche, car elle favorise la cohésion. Bien que des correspondances exactes ne soient pas nécessaires, les variations de teinte ou intensité peuvent renforcer l'unité de la pièce. L'objectif est que l' arrière-plan fasse écho aux teintes du sujet principal, garantissant ainsi une harmonie visuelle. Commençons par préparer la Sienne brûlée avec juste une petite touche de vent jaune foncé Ajoutez beaucoup d'eau pour obtenir une consistance très légère. Presque comme un tee-wash avec une touche de brun. Ce mélange dilué constituera une excellente base. Commencez à l'appliquer dans le coin supérieur gauche. L'inconsistance de l'eau aidera à créer un lavage doux, mais ne vous inquiétez pas si vous rencontrez des fleurs ou des bords durs Nous pouvons les intégrer dans le cadre du processus. De plus, si vous franchissez accidentellement les lignes du crayon, ce n'est pas un problème. Les tons plus foncés du sujet principal masqueront facilement les éventuels chevauchements Après avoir appliqué ce léger lavage initial, j'ajoute un peu plus de brun certaines zones pour introduire une variation dans les valeurs tonales Je laisse même la couleur s' écouler légèrement sur les bords de la feuille, créant ainsi un lien parfait entre la feuille et l'arrière-plan. En allant dans le coin supérieur droit, peignons l'arrière-plan dans le sens des aiguilles d'une montre Encore une fois, commencez par un ton brun très clair , puis ajoutez un ton légèrement plus foncé dans des zones spécifiques. Près des feuilles, j'envisage d' incorporer une touche de vert pour refléter le feuillage. mélange de la gravure et de l'or vert Au départ, le mélange de la gravure et de l'or vert n'a pas permis d'obtenir la teinte souhaitée. Je présente la teinte jaune vert Windsor pour une teinte verte plus forte. Le vert mélangé au brun crée une pierre naturelle harmonieuse Il est essentiel de conserver toutes les couleurs. Je veux que le fond serve de complément doux et subtil aux fleurs. En particulier près des feuilles, j'ajoute plus de vert que de brun pour maintenir une palette de couleurs cohérente et pour refléter un peu de vert sur les feuilles Dans le coin inférieur gauche, j'opte pour plus de brun afin de créer un fond adapté la fleur qui sera au premier plan Je jette un dernier coup d' œil à l'arrière-plan. Je réfléchis à l'opportunité d' ajouter plus de couleur dans certaines zones. Par exemple, j'ai décidé de mettre un peu plus de brun à certains endroits. Il est important de se rappeler qu'au fur et à mesure que la peinture sèche, elle devient plus claire. De plus, j'ajoute ici une simple silhouette verte en forme de feuille. Une fois que vous êtes satisfait de vos antécédents, nous pouvons tout sécher à l'aide d'un sèche-cheveux. Ces derniers temps, je me suis retrouvée utiliser un sèche-cheveux plus fréquemment, sauf dans les cas où je peins des fonds plus grands en utilisant la technique humide sur humide. Dans les cas où je cherche à obtenir transitions de couleurs douces et des plans doux, je préfère laisser la peinture sécher naturellement. L'inclinaison de la peinture jusqu'à ce que la peinture se stabilise permet un processus de séchage sans faille sans risque de perturber la peinture humide sur l' acier et de créer des marques indésirables ou des finitions inégales Cependant, lorsque je peins des éléments plus petits avec moins de peinture, comme dans ce cas, je préfère accélérer le temps de séchage à l'aide d'un sèche-cheveux. Une fois que le fond est sec, nous pouvons passer à l'étape suivante, peignant des feuilles pâles en arrière-plan 8. Feuilles de arrière-plan: OK. Dans cette courte partie, nous allons peindre quelques feuilles délicates en arrière-plan. Je trouve que le contraste valeurs tonales entre les feuilles claires en arrière-plan et les feuilles vertes plus foncées au premier plan crée une illusion de profondeur captivante, renforçant l' intérêt visuel global de la Pour peindre ces feuilles, nous aurons besoin d'une plus grande partie de notre vert naturel. Je prépare un mélange de vert Windsor et de Sienne brûlée, créer un mélange très dilué qui donne un ton vert clair Dans la partie supérieure de ce mélange, j'ajoute une touche de gris pâle pour introduire une nuance de vert légèrement plus foncée pour plus de variation. Maintenant, d'une main calme et ferme, nous allons peindre lentement cette feuille en utilisant la technique humide sur sec. Essayez de rester dans les lignes du crayon, inspirant de l'exécution méticuleuse des nosturtiums par Tanigam , où les couleurs étaient en vous inspirant de l'exécution méticuleuse des nosturtiums par Tanigam, où les couleurs étaient conservées exactement dans les lignes. À partir de maintenant et jusqu'à ce que nous ajoutions les derniers détails, considérez cela comme un remplissage de formes avec de la couleur. Notre objectif est simplement de remplir ces formes avec du vert. Cette couche verte n'a pas besoin d'être parfaitement lisse. En fait, nous visons un effet aquarelle, en particulier sur les feuilles Acceptez les floraisons ou les irrégularités qui se produisent. Comme ils ajoutent à la sensation organique de la peinture. La principale préoccupation est de rester dans les limites du crayon. Remarquez comment le vert interagit harmonieusement avec le brun appliqué pendant le processus de peinture de fond Cette interaction ajoute une couche supplémentaire de variété de couleurs, renforçant ainsi l' intérêt visuel de la composition Pour encore plus d'intrigue, utilisez une teinte verte légèrement plus foncée dans les zones sélectionnées. Cela constitue un point d'intérêt supplémentaire, ajoutant de la profondeur et de la dimension à la peinture. Il est important de noter que je ne pense pas une source de lumière spécifique ici. Ces esturgeons sont stylisés et il ne s'agit pas d' une représentation parfaitement réaliste À l'instar de la polychromie de Vespanskis et de l'œuvre de Tani Igam, les couleurs sont relativement plates. Cependant, comme nous travaillons avec des aquarelles, nous avons la liberté d' intégrer cette touche d' aquarelle caractéristique Mon approche consiste à introduire davantage de variations de couleur dans les feuilles et à incorporer des fleurs qui sont la quintessence de la peinture à l'aquarelle Cela sera particulièrement évident dans les feuilles principales plus foncées, car ces feuilles claires en arrière-plan sont essentiellement des silhouettes claires R. Dans le coin inférieur droit, j'utilise un mélange de Ciena brûlé avec une touche de gris ardillon pour créer de la texture À l'aide du côté de mon pinceau, j'applique des coups de pinceau aléatoires pour introduire de la variété dans les tons. De plus, vous remarquerez des espaces délibérés qui créent des arêtes. Je trouve que cet effet ajoute l'intérêt et de la dimension au coin. Je ne voulais pas le laisser complètement plat. Ici, j'ajoute une touche plus verte pour renforcer le dynamisme. En ce qui concerne le coin inférieur gauche, j'ai pensé à ajouter une autre silhouette de feuille en arrière-plan. Cependant, après réflexion, j'ai décidé que le feuillet situé derrière les deux feuilles du premier plan suffisait comme feuille de fond Je le peins donc en utilisant nos tons clairs de vert et de brun. Ouais Après avoir peint ces feuilles, nous pouvons les sécher rapidement avec un sèche-cheveux avant de passer à la peinture des feuilles principales. 9. Feuilles principales: Nous passons maintenant à une autre étape simple mais agréable où la perfection n'est pas l'objectif peindre les feuilles principales Commençons par préparer une variété de couleurs. Sur la gauche, j'ai mélangé Ciena brûlé avec du jaune Windsor profond Je vais utiliser ce mélange juste un peu sur les feuilles. Sur la droite, j'ai préparé mon vert primaire en utilisant une teinte jaune vert Windsor mélangée à de la Sienne brûlée Dans la partie supérieure de ma palette, j'ai ajouté des peintures grises au mélange vert, ce qui a donné une teinte verte plus foncée. À l'aide d'un pinceau de taille 10, commençons à peindre du côté gauche et déplaçons progressivement vers le côté droit. Si vous êtes gaucher, il vous sera plus facile de partir du côté droit du tableau et de vous déplacer vers la gauche. Maintenant, avec nos mélanges de vert et de brun, notre tâche consiste simplement à sentir les formes des feuilles avec ces couleurs. Cette étape est simple. L'essentiel est de rester dans les lignes du crayon dans les limites de la forme de la feuille. Votre interprétation ici est entièrement la vôtre. N'hésitez pas à expérimenter avec différentes couleurs. Votre couche sera probablement différente de la mienne, et c'est parfaitement normal. Essayez d'obtenir une consistance de peinture très aqueuse et remplissez lentement toute la forme de couleurs Nous pourrions également opter pour une technique humide sur mouillé ici. Je vais peindre la dernière feuille en utilisant cette méthode juste pour le démontrer. Cependant, grâce à la technique humide sur sec que nous utilisons actuellement, nous avons plus de contrôle sur la peinture et les bords de la forme que nous peignons. De plus, la peinture humide et sèche donne un ton plus foncé au départ, car il n'y a pas de couche d'eau supplémentaire sous la peinture pour la disperser Cela nous permet d'obtenir plus facilement un ton plus foncé. De plus, la variation naturelle de l'humidité sur le papier peut entraîner la formation de fleurs, l'effet que nous voulons réellement obtenir dans cette peinture R. Après avoir appliqué le vert, accroissons l'intérêt en ajoutant certains de nos tons bruns Ces taches brunes ajouteront de la variété aux couleurs et compléteront joliment les fleurs d'oranger. Passant à la feuille suivante, je vais répéter le processus. Ici, j'ai commencé par un ton vert plus clair pour introduire quelques variations tonales Cette variation peut également suggérer que la source lumineuse vient de la gauche, ce qui rend cette feuille légèrement plus claire. À mesure que nous approchons des fleurs, j'incorpore plus de brun pour ajouter de la profondeur et de la dimension. Lorsque les premières feuilles commencent à sécher, je remarque que la surface est encore légèrement déchargée. Je veux profiter de l' occasion pour éclabousser intentionnellement des gouttelettes d'eau afin de créer plus de texture maintenant à la feuille située sous les fleurs , mon objectif est d'introduire une plus grande variété de couleurs. Je suis encore plus brun et d'un vert légèrement plus foncé, en particulier sous les fleurs. R. Pour améliorer encore la texture et créer des fleurs intentionnelles, je peux charger mon pinceau avec l'eau et presser doucement les poils pour laisser les gouttelettes d'eau tomber sur Encore une fois, comme vous pouvez le constater, je ne cherche pas à obtenir une exécution parfaite de ces lavages. En général, je peins avec soin pour obtenir des lavages doux et des transitions de couleurs parfaites Cependant, dans cette peinture, j'embrasse toutes ces imperfections de l'aquarelle. Cette approche me donne plus de liberté et moins de stress, car je considère ces imperfections comme intentionnelles et souhaitables. Mon objectif principal reste de respecter les lignes du crayon et garantir une distinction claire entre les formes. Oh. Pour en revenir à la feuille précédente, je continue à projeter de plus en plus de gouttelettes d'eau Je tiens à éviter les lavages plats et inintéressants et à privilégier des textures d' aquarelle captivantes. Je suis très curieux de savoir si vous aimez cette approche et cet effet ou non. Fais-moi savoir. Passant à un pinceau plus petit (taille 4), je peins les petites zones entre les pétales d'un vert foncé représentant les feuilles qui se trouvent derrière les fleurs Revenir à un pinceau taille 10. Je peins ensuite la feuille qui se trouve derrière cette fleur en particulier. J'ai ajouté une petite bande ici devant la feuille, je dois donc peindre soigneusement autour de celle-ci. Vers la fin, je fais tomber des gouttelettes d'eau, en espérant qu'elles créeront des fleurs ou des textures Pour le dernier feuillet, j'ai choisi de peindre mouillé sur mouillé. Il n'y a aucune raison particulière à ce choix. Je veux simplement démontrer que c'est également une technique que nous pouvons utiliser ici. Après avoir appliqué une couche d'eau, je commence à faire tomber mes couleurs. Le résultat final sera similaire à une peinture humide sur sec, technique choisie n'a donc pas vraiment d'importance . Cependant, je trouve que le mouillé sur le sec est plus facile et cela permet d'obtenir plus d'imperfections, ce que nous voulons obtenir dans ce cas. De plus, vous n'avez pas à gérer des quantités d'eau excessives. Maintenant, laissez tout sécher. Vous pouvez utiliser un sèche-linge si vous le souhaitez, mais laissez-le d'abord sécher naturellement pendant environ 10 minutes. Une fois que l'éclat de la peinture humide a disparu, ce qui indique qu'elle s'est stabilisée, vous pouvez utiliser un séchoir pour terminer le processus de séchage 10. Tiges et sépales: Comme nous avons toujours de la peinture verte sur la palette, finissons toutes les parties vertes avant de passer à la peinture des fleurs. Dans cette étape, je vais montrer comment peindre les tiges et les sépales des fleurs en utilisant une taille de pinceau commençant par les tiges, je commence par appliquer un ton vert extrêmement clair, en prenant soin d'être précis et de respecter les lignes du crayon. Une fois cette couche initiale appliquée, je passe à une couleur verte plus foncée et je l'ajoute avec parcimonie, concentrant sur les zones situées près des feuilles et au niveau des joints Concentrons-nous maintenant sur le coin inférieur gauche. Ici, je veux commencer par une teinte verte plus chaude, afin d'ajouter une touche d'or vert au mélange. Je commence par sentir les formes des sépales, puis je peins la tige Pour ajouter de la profondeur, j' inclus une ombre sous la fleur et sur la tige en utilisant une teinte verte plus foncée. En continuant avec les tiges et les sépales, j'utilise différentes nuances de vert et de brun pour remplir les formes À ce stade, je me concentre sur l'application lavages plats sans ajouter de détails Plus tard, il se peut que j'incorpore quelques détails supplémentaires, mais pour le moment, je me concentre sur la définition des couleurs de base. M. Après avoir peint une tige, j'ai remarqué qu'elle semblait assez solitaire, alors j'ai décidé de lui présenter deux compagnons. À l'aide d'un crayon HB, j'ai tracé des lignes simples pour indiquer les côtés des tiges Je n'ai dessiné qu'une seule ligne pour représenter un côté de la tige car les tiges sont assez fines. Ces lignes de crayon servent guides pour la forme et avec le pinceau, je peux peindre l'épaisseur souhaitée des tiges en suivant la forme des lignes. Enfin, je peins les dernières tiges et sépales sur le côté droit. À ce stade, voici à quoi ressemble le tableau. Dans la partie suivante, nous appliquerons la couche de base sur les pétales des fleurs. D'accord. 11. Fleurs - Couche initiale: Commençons maintenant à peindre ces magnifiques fleurs d'oranger. Puisque nous passons à d'autres couleurs, il est préférable de nettoyer la palette au moins d'un côté Nous garderons le vert pour une utilisation ultérieure, donc je le laisse intact Cependant, je nettoie le côté gauche de ma zone de mixage où je vais jaunir, orange et rouge. C'est également le bon moment pour changer l'eau. abord, je vais préparer le joli orange transparent, une belle couleur qui conviendra parfaitement aux fleurs de sturtium De plus, je vais mélanger le jaune Windsor profond, ce qui donnera plus de chaleur aux pétales. Enfin, nous aurons besoin d'un rouge chaud et j'ai choisi le rouge Windsor à cette fin. Nous utiliserons ce rouge au centre des fleurs. Commençons par la plus petite fleur dans le coin inférieur gauche, l'aide d'un pinceau de taille 4. Tout d'abord, prenez le jaune Windsor profond et remplissez les pétales de cette couleur. Ce jaune servira de base sur laquelle nous construirons d'autres variations de couleurs. Une fois le lavis jaune plat en place, prenez maintenant l'orange transparent et appliquez-le sur les pétales partant du centre. L'idée ici est de rendre le centre de la fleur orange ou les autres parties de la fleur. Appliquez les mêmes couleurs sur les pétales visibles derrière les feuilles situées au-dessus. Commencez par la base jaune, puis ajoutez un peu d'orange pour créer de la profondeur et de la dimension. Passons maintenant aux plus grandes fleurs. Le principe de base reste le même. Appliquez d'abord une couche de jaune, puis ajoutez de l'orange aux pétales, vous concentrant principalement sur le centre de la fleur, qui finira par devenir plus foncé. Ne vous inquiétez pas pour les pétales individuels à ce stade. Notre objectif est de remplir les fleurs de jaune et d'orange. Nous nous concentrerons sur le raffinage des pétales individuels dans la partie suivante. Donc, pour l'instant, appliquez la peinture sur toute la fleur en une seule fois. Après avoir peint cette fleur, passons à autre chose. Nous devons éviter de peindre la fleur juste à côté , car la couleur la plus claire peut se fondre dans l'orange plus foncé de cette première fleur et perturber l'effet recherché. Nous reviendrons sur cette fleur plus tard lorsqu'elle sera sèche. Passons maintenant aux deux fleurs plus petites suivantes, il n'y a rien de particulièrement nouveau ici. Je les peins simplement en jaune et j'ajoute plus d' orange près des sépales. Pour les plus grandes fleurs, je suis passé à un pinceau plus grand de taille dix. Il sera ainsi plus facile de couvrir de plus grandes surfaces plus rapidement. R. Après avoir appliqué le jaune sur la fleur de gauche, je laisse tomber l'orange au centre et en bas. Il est essentiel que le centre reflète la dimensionnalité de la fleur Passons maintenant à la fleur en bas à droite et répétons le processus. J'ai décidé de jouer avec les valeurs tonales ici, afin que cette fleur ait un ton plus clair sur les pétales par rapport aux autres fleurs Pourquoi pas ? C'est une peinture stylisée donc je peux tout changer comme nous Appliquez également le jaune de base sur les trois petites chauves-souris. Maintenant, laissons le tout sécher complètement. Une fois sèches, nous pouvons procéder à la peinture des deux fleurs restantes. Commençons par la fleur de gauche. Il n'y a rien de très surprenant ici. Après avoir appliqué le jaune, je vais passer à l'orange. Je vais répéter le même processus pour la fleur. Voici le résultat à ce stade. Nous avons une base solide pour les éléments verts et oranges. Nous pouvons maintenant procéder à l'ajout de quelques détails. 12. Fleurs - Approfondir les couleurs: Très bien, concentrons-nous sur le raffinage des fleurs. Bien que nous ayons une belle base, il n'y a actuellement aucune distinction entre les pétales individuels. Dans cette partie, nous allons passer un peu plus de temps sur chaque pétale afin d'approfondir leurs couleurs et de les différencier. À ce stade, nous pouvons utiliser le mouillé ou le mouillé sur sec. Je vais commencer par mouillé sur mouillé juste pour vous montrer et plus tard, je passerai à humide sur sec et discuterai des avantages et des inconvénients des deux. En commençant par mouillé sur mouillé, appliquez une couche d'eau sur l'un des pétales. Prenez ensuite un mélange d'oranges et appliquez-le près du centre et le long des bords des pétales voisins pour les distinguer. De plus, nous pouvons ajouter du rouge Windsor au centre de la fleur pour créer un ton encore plus foncé. Il est important de noter que pour créer un ton plus foncé, j'utilise une couleur analogue. Dans ce cas, puisque nous peignons des fleurs d'oranger, j'utilise une couleur analogue avec une plage de valeurs tonales plus large, qui est le rouge Windsor Cette approche me permet de conserver l'éclat de la couleur tout en obtenant un ton légèrement plus foncé Si le rouge Windsor n'est pas assez foncé , comme cela se produira plus tard, j'utiliserai une autre méthode pour créer une couleur d'ombre, comme l'ajout d'une couleur complémentaire ou l'utilisation de panneaux gris L'ajout de rouge Windsor au centre du pétale donne de l'éclat et le centre plus foncé donne de la profondeur à la fleur Je vais maintenant passer d' un pétale à l'autre, consacrant un peu plus de temps à introduire soigneusement ces tons orange et rouge Je peins des pétales qui ne se touchent pas pour empêcher la peinture humide de s'écouler sur les pétales adjacents. Une fois que j'aurai peint les pétales que je pourrais peindre, j'utiliserai un sèche-cheveux pour les sécher tous et je continuerai à peindre. Le but de cette étape est ajouter de la profondeur aux pétales, créer des séparations distinctes entre eux et d'intensifier les couleurs La deuxième couche devrait améliorer la richesse et le dynamisme des couleurs. Plutôt que d'appliquer un ton plus foncé uniquement près du centre, nous pouvons également l'appliquer sur différentes zones des pétales. Un ton plus foncé indique soit une ombre visible entre les pétales soit une empreinte sur le pétale Par conséquent, selon l' endroit où nous appliquons le ton, nous pouvons modifier la forme du pétale. Comme nous n'utilisons aucune photo de référence, cela nous donne la liberté de créer l'impression d' une fleur de la manière qui nous plaît le plus. Maintenant, je vais passer à un pinceau plus petit car il y quatre et peindre la tour dans le coin inférieur gauche. Je passerai également à l'utilisation de la technique humide sur sec. Chargons notre pinceau peinture orange et appliquons-le sur le pétale. OK, il pleut et ensanglante le pinceau et avec un pinceau propre, adoucissez doucement les bords de la peinture appliquée. Répétez cette opération sur le deuxième pétale. Il est important de noter qu'avec cette technique, nous créons d'abord des arêtes dures, puis nous avons la possibilité de décider de les adoucir toutes ou d'en conserver certaines pour un effet supplémentaire. Contrairement à la technique humide sur humide utilisée précédemment, où les bords durs sont impossibles à obtenir en raison de la dissolution de la peinture dans la couche humide Ici, nous avons plus de contrôle sur les bords. Nous pouvons opter pour des lignes nettes ou les adoucir pour créer une variété d' effets, tels qu'une distinction supplémentaire entre les pétales ou des ombres projetées plus fortes avec des arêtes vives. Par exemple, sur ce pot, l'utilisation de lignes dures nous permet de délimiter efficacement les plis des pétales d'atteindre ce niveau de ne serait pas possible d'atteindre ce niveau de détail avec une technique humide sur sol mouillé où la création bords aussi définis est plus difficile, voire impossible. Continuez à affiner les pétales en utilisant la même technique, vous référant à ma peinture terminée pour des conseils sur l'obtention d'un résultat similaire. Imaginez qu'il n'y ait pas de veines sur les pétales. Tout ce qui se trouve sous les veines est le résultat de cette étape de peinture. Tenez-vous en aux trois couleurs, jaune Windsor profond, orange transparent et les vents rouges. Utilisez des tons plus foncés, en particulier plus de rouge au centre des fleurs pour créer une impression de profondeur et une forme de trompette de la fleur Une fois que vous avez terminé la deuxième couche sur les fleurs, pensez à ajouter des ombres et détails aux sépales pour les terminer. Comme il ne reste plus grand-chose à faire sur les sépales, vous pouvez effectuer l' étape assez rapidement Utilisez un ton vert plus foncé pour peindre les ombres sur les sépales, vous concentrant sur la création d'une distinction entre les sépales individuels Imaginez que la source de lumière vient de la gauche, ombres devraient tomber sur le côté droit de chaque sépale, laissant le côté gauche plus clair Restez simple et efficace en évitant trop de détails et en suggérant simplement des ombres avec un ton vert plus foncé. Cette étape est donc terminée. La prochaine étape consistera peindre les nervures des pétales et des feuilles. Passons à la suivante, où nous aborderons la peinture des veines des pétales. 13. Veines - Fleurs: Dans les deux derniers segments du didacticiel, nous nous concentrerons sur la peinture des nervures des fleurs et des feuilles. Cette étape est particulièrement agréable car elle est relativement simple et les détails ajoutés donneront plus de caractère à notre tableau. Pour ce bureau, j'utiliserai un pinceau de designer taille zéro. Ce pinceau est d' une finesse exceptionnelle. Cette idée pour un travail précis. Bien qu'elle ressemble à une brosse à aiguiser, ses poils plus courts offrent encore Cependant, si vous n'avez pas ce pinceau, ce pinceau en particulier, ne vous inquiétez pas, un pinceau rond ordinaire à pointe fine fera l'affaire L'essentiel est de disposer d'un outil permettant de réaliser des détails complexes. Commençons par une teinte orange et ce petit pétale situé derrière la feuille Cette zone constitue un terrain d'essai idéal pour nos lignes. Comme vous pouvez le constater, les lignes créées avec ce pinceau sont très fines. La direction de ces lignes est très importante. Ils ne font pas que rendre les pétales plus intéressants. Ils nous montrent également la forme des pétales. Selon la façon dont nous les peignons, nous pouvons donner aux pétales un aspect différent. Ils peuvent s'enrouler, se plier et se tordre. À ce stade, nous devons utiliser un peu plus notre imagination. J'aime imaginer comment le pétale est incurvé et peindre les lignes comme si je peignais à la surface du pétale Les lignes droites ne suffisent pas. Ils doivent se courber un peu suivant la forme des pétales. Ces lignes ou veines nous aident à transformer un pétale d'apparence plate en une jolie forme en trois D. Si j'ai besoin d'une teinte rouge plus foncée parce que les vents sont rouges, ce n'est pas assez foncé, alors j'ajouterai un peu de vert foncé. Le vert, lorsqu'il est mélangé au rouge, donne un rouge ou un brun plus C'est la couleur parfaite pour nous. J'utiliserai ce brun rougeâtre plus foncé pour peindre les nervures au centre des pétales Cette couleur plus foncée constitue également le centre de la fleur. Nous n'avons pas besoin de peindre trop de veines. Quelques unes éparpillées ici et là feront l'affaire. Mais dans ce cas, je pense que le fait d'avoir des nervures sur les pétales et les feuilles créera un joli design général. Maintenant, prenez votre temps et peignez lentement et soigneusement les veines de tous les pétales. vais vous montrer le pas sur quelques pétales, mais vous pouvez suivre ma peinture terminée si vous voulez reproduire ces lignes avec ma peinture terminée si vous précision Une chose importante à noter est que vous ne devez pas peindre les veines trop épaisses. Elles doivent être très fines pour montrer la nature délicate de ces fleurs. Utilisez un pinceau à pointe pointue et essayez de peindre avec une pointe ou utilisez un pinceau similaire au mien. Ce processus peut nécessiter une certaine concentration dans le temps, mais le résultat sera une belle peinture. À ce stade, vous pouvez également ajouter des ombres si nécessaire. Peut-être aimeriez-vous assombrir légèrement le centre des fleurs C'est le bon moment pour le faire. C'est vraiment incroyable de voir comment des lignes aussi simples peuvent donner tant de vie à ces pétales. R. Voici à quoi ressemble ma peinture après avoir ajouté les nervures aux pétales. Nous pouvons maintenant passer à la dernière étape, qui consiste à peindre les nervures des feuilles. 14. Veines - Feuilles: Bon, nous sommes maintenant arrivés à la partie excitante, ajouter des nervures aux feuilles. Notre tableau est presque prêt. Pour cette partie, j' utiliserai de l'encre acrylique blanche. Il ne s'agit là que d'une option parmi d'autres. Normalement, j' utiliserais du guash blanc, mais je sais que beaucoup d'entre vous ont du mal à trouver la bonne consistance avec du guash blanc C'est pourquoi je tiens à vous montrer cette encre acrylique car elle a une consistance parfaite dès la sortie du flacon. L'encre acrylique est une peinture acrylique diluée pour obtenir une belle consistance fluide Il est résistant à la lumière, opaque et sèche très rapidement. Il ne se décolore pas et fonctionnera parfaitement pour notre objectif. Ici, j'ai peint deux feuilles similaires pour les tester. Si vous n'êtes pas familier avec l'encre acrylique, je vous suggère vivement de la tester avant de l'utiliser dans votre peinture. OK. Laissez-moi vous montrer comment cela fonctionne. Vous pouvez également expérimenter avec des crayons blancs, mais d'après mon expérience, aucun d'entre eux ne m'a donné le résultat que je recherchais car ils ne sont pas assez intenses et opaques pour mes besoins Cependant, vous pouvez utiliser un crayon blanc pour marquer certains endroits si vous le souhaitez. Par exemple, vous pouvez tracer légèrement des lignes à l'endroit où vous allez peindre les veines. Maintenant, revenons à l'encre acrylique. J'ai une petite assiette ici, et je vais m' en servir comme palette. L'encre acrylique est livrée dans un flacon compte-gouttes, il est donc très facile d'en transférer une petite quantité sur la palette Comme vous pouvez le constater, la consistance est déjà fluide et parfaite pour une utilisation immédiate. Contrairement au guash, vous n'avez pas à vous soucier de la quantité d'eau à utiliser Cependant, gardez à l'esprit que l'encre acrylique sèche assez rapidement. À un moment donné, il se peut que nous devions ajouter un peu d'eau pour le rendre à nouveau plus fluide. Nous pouvons également ajouter de la peinture à l'aquarelle pour en changer la couleur Cela fonctionne bien avec les aquarelles, mais idéalement, ce serait bien d' avoir différentes couleurs d' encre acrylique afin de pouvoir les mélanger pour créer de nouvelles couleurs. Ici, j'ai ajouté un peu de vert, et comme vous pouvez le voir, nous pouvons légèrement changer la couleur en vert. Bien entendu, lorsque nous ajoutons de la peinture à l'aquarelle, la couleur obtenue aura toujours un aspect pastel car l'encre est blanche Si vous souhaitez obtenir des couleurs vives et fortes, il vous suffit d'utiliser d'autres couleurs d'encre acrylique. Cependant, pour nos besoins, encre blanche suffit. Comme vous pouvez le constater, cette peinture couvre très bien. Il est très opaque et sa consistance est très agréable à travailler. J'enfonce mon pinceau dans l'eau plus fréquemment si la consistance devient trop épaisse ou si l' encre commence à sécher. Je vais maintenant passer à ma peinture. J'ai pensé ajouter un peu de jaune Windsor profond ici et un peu de vert pour obtenir une belle couleur vert chaud. Et nous pouvons commencer à peindre les veines ici. Je ne regarde aucune photo de référence. Ce n'est pas nécessaire. Je dois juste décider où les veines se rejoignent. À partir de cet endroit, je peins les lignes jusqu'aux bords. Les files d'attente vont et. Je pense que la couleur purement blanche est trop vive pour être refroidie pour cela. C'est pourquoi j'y ai ajouté du vert et du jaune et j'utilise du blanc pur avec parcimonie Après un certain temps, vous remarquerez peut-être qu'il y a petites touffes sur votre palette, et ce n'est que de l'encre sèche Maintenant, très lentement, construisez la nervure sur chaque feuille. Commencez par le centre et peignez les veines vers l'extérieur. Ne vous pressez pas. Utilisez un pinceau de designer ou un pinceau ou tout autre pinceau dont la pointe est très pointue. Mes veines sont très proéminentes, très visibles, et elles attirent l'attention. C'est exactement comme ça que je voulais le peindre. Je voulais mettre en valeur ces veines parce que je les trouve vraiment intéressantes. C'est juste mon idée pour ce design. Mais tu n'es pas obligée de me suivre. Si vous pensez que ces veines sont trop proéminentes, vous pouvez diluer l'encre ou le guash en fonction de ce que vous utilisez Bien plus encore pour le rendre beaucoup plus transparent et peindre les veines beaucoup moins visibles. Vous pouvez les peindre plus finement si vous le souhaitez. N'hésitez pas à faire ce que vous voulez. C'est ta peinture et je te montre juste une idée. Je trouve ces nervures particulièrement belles, et j'adore le fort contraste entre elles et la couleur vert foncé des feuilles. Comme cette encre sèche très rapidement, nous pouvons également revenir sur certaines zones et réappliquer la peinture si nécessaire Une chose que j'aime faire, c'est arrondir les angles au centre. Lorsque nous peignons quelques veines principales sortant du centre, ces lignes au centre créent des angles vifs. J'aime arrondir ces angles. Ce n'est qu'un petit détail. Continuez maintenant à travailler sur chaque feuille. Y. Vous pouvez décider si vous souhaitez ajouter des nervures aux feuilles plus claires en arrière-plan J'ai décidé d'y ajouter de fines veines très légères, mais j'ai laissé quelques silhouettes sans les veines Les feuilles du dos n'ont pas besoin d'avoir autant de détails que les feuilles du devant. Avec ces veines, nous pouvons terminer le tableau. Vous pouvez désormais le signer, le retirer de l'alligator, accrocher fièrement à votre mur ou le partager en ligne Félicitations pour avoir terminé ce projet. Dans la prochaine partie, nous résumerons ce que nous avons appris. 15. Résumé: Résumons ce que nous avons abordé dans ce didacticiel. Les principales leçons que nous avons apprises sont de nous inspirer des œuvres de Stanisva Vespinskis et de San Tanigams. Trouvez l'équilibre entre une peinture souple et des détails précis en suivant une approche par couches allant de l'arrière-plan au premier plan et en adoptant des floraisons et des chevauchements intentionnels Préparation de mélanges de couleurs pour les feuilles et les fleurs. Remplir les formes avec de la peinture aqueuse et incorporer texture et des variations intentionnelles pour un effet aquarelle Utilisation de techniques humides et sèches et humides sur mouillées pour contrôler et varier la taille des pinceaux, changer la taille des pinceaux pour les zones détaillées et les plus grandes, et utiliser un sèche-cheveux pour sécher entre les couches, appliquer des couches de base fleurs en mettant l'accent sur l'assombrissement du centre, séparer les pétales avec des tons plus foncés et approfondir les couleurs avec la deuxième couche et utiliser pinceaux fins pour une peinture précise des veines et en expérimentant avec de l'encre acrylique blanche ou du guash pour les nervures des feuilles Merci beaucoup de m'avoir rejoint dans ce voyage créatif. J'apprécie le temps que tu as passé avec moi. Je vous encourage à essayer ce tableau C'était agréable à peindre et je suis content du résultat. Si vous avez déjà terminé votre peinture, félicitations, bravo. J'espère que vous êtes fier de votre résultat. Merci beaucoup d'avoir regardé et bonne peinture par