Peindre une fleur a radiante à l'aquarelle

1. Introduction: Êtes-vous prêt à apprendre à peindre un stand à coup sûr. Fleur avec de magnifiques pétales ressemblant à du feu et un beau fond lisse à l'aquarelle. Je suis ravie de vous montrer comment créer cette magnifique peinture étape par étape. Bonjour, je m'appelle Chris et je suis aquarelliste professionnel et professeur. En 2012, j'ai découvert mon amour pour l' aquarelle et l'erreur, car c'est devenu ma plus grande passion. En fait, je l'aime tellement que j'ai fait de ma passion mon métier. Depuis 2019, j' enseigne en ligne, partage mes connaissances et j'aide les autres à comprendre la beauté de ce média. Dans ce cours de Skillshare, nous nous concentrerons sur la peinture d'une fleur Un perforateur utilisant une fleur à champ de lumière rayonnante utilisera la technique humide sur sec et apprendra à adoucir les bords pour donner à notre peinture un aspect naturel. Mais je vais également vous montrer comment peindre l'arrière-plan en utilisant la technique humide sur mouillé, qui est le meilleur moyen d' obtenir un arrière-plan lisse et magnifique avec couleurs époustouflantes qui se mélangent parfaitement. Tout au long de ce tutoriel, nous travaillerons capturer la lumière intense et ombres de notre fleur travaillant progressivement avec quelques couches. Augmentez lentement la profondeur des couleurs et valeurs tonales pour créer un résultat vraiment impressionnant. Ce projet est parfait pour tous ceux qui souhaitent améliorer leurs compétences en aquarelle. Si vous êtes prêt à créer quelque chose de beau, alors allons-y et commençons. 2. Projet du cours: Notre projet de classe est-il si magnifique, un bouquet de fleurs ? Il s'agit d'une excellente peinture pour effectuer lavages à l'aquarelle lisses sur fond humide et pour obtenir des couleurs vives et profondes. Ce que j'aime vraiment cette fleur, c'est la façon dont la lumière du soleil illumine ses traits avec des pétales rétroéclairés ajoutent une touche unique à son apparence. La composition des couleurs de ce bouquet de fleurs est également frappante, mettant en valeur une palette de couleurs complémentaires avec des rouges et des verts éclatants qui créent un look énergique. Pour vous aider à démarrer, rendez-vous dans la zone des ressources, où vous trouverez un fichier PDF utile contenant liste de toutes les fournitures que j'ai utilisées pour cette peinture. N'hésitez pas à utiliser votre matériel artistique préféré. Tu n'as pas besoin des mêmes fournitures que moi. Vous trouverez également une photo de référence et ma peinture terminée à titre de référence. Et surtout, vous trouverez également un dessin au trait. Le dessin au trait se présente sous la forme d'un fichier JPEG afin que vous puissiez le redimensionner comme vous le souhaitez. Mais j'ai également préparé trois fichiers PDF avec le dessin au trait trois tailles différentes afin que vous puissiez simplement télécharger le fichier au format que vous souhaitez peindre, imprimer et transférer sur votre papier aquarelle en utilisant la méthode de votre choix. Bien sûr, vous pouvez également dessiner une main libre. J'ai peint ma fleur au format 9 x 12, mais vous pouvez la peindre dans une taille différente. Si vous avez des questions en cours de route, hésitez pas à les poser dans la section de discussion. Je me ferai un plaisir de répondre à toutes vos questions. Et lorsque vous aurez terminé votre peinture, je vous encourage à partager vos résultats dans la section de votre projet pour obtenir appréciation et les commentaires des autres étudiants. Et pour ma part, bien sûr, je vous encourage vivement à regarder d'abord chaque leçon pour vous familiariser avec le sujet et ce que nous allons faire , juste pour être mieux préparés à ce à quoi vous vous attendez. Cela vous aidera à peindre avec plus de confiance et de confort. Dans la leçon suivante, je vais vous montrer comment je prépare généralement mes dessins pour des peintures à partir photos de référence et comment je prépare mon papier avant de commencer à peindre. Passons donc à la leçon suivante. 3. Préparation du papier: Bonjour. Nous allons donc commencer la partie supérieure aujourd'hui. J'aimerais vous montrer le processus depuis le début, y compris la préparation d'un croquis. J'ai également imprimé ma photo de référence. Le format est de 12 x 9 et il est sur deux feuilles. Pour diviser l'image en deux feuilles et l'obtenir à la taille souhaitée. J'ai utilisé un programme appelé split print disponible sur Mac. C'est un programme simple et très convivial, très utile car l' image se trouve sur deux pages. Je dois d'abord les combiner. J'utilise donc Taper That. Maintenant, j'utilise un crayon fin pour tracer des lignes dans des endroits qui, à mon avis, seraient difficiles à voir à travers le papier aquarelle. Je vais utiliser une ampoule. Les zones peu contrastées peuvent être difficiles à voir. Certains tracent des lignes distinctes pour m'assurer de bien voir où tracer. Je place l'impression au dos de mon papier aquarelle et je l'attache avec du ruban adhésif juste pour assurer qu'elle ne bouge pas pendant le traçage. J' allume mon bloc-notes et je place mon papier avec l'impression attachée au verso. Je vais utiliser un crayon HB ordinaire pour le croquis. Lorsque les lumières sont éteintes, je peux clairement voir l'image et la tracer facilement. Mes lignes fines supplémentaires m'ont aidée à voir encore mieux où tracer. À ce stade, j'aime placer un morceau d' essuie-tout sous ma main. Je le fais pour deux raisons. La première est que je ne veux pas laisser d' huile de mes mains sur le papier. Cela pourrait entraîner des lavages inégaux à un stade ultérieur. La deuxième raison est que je ne veux pas tacher mes traits de crayon. Au final, je marque quatre coins. C'est vraiment important. Grâce à ces marques, je saurai plus tard où je dois attacher du ruban de masquage pour former le rectangle exact qui mesure 12 x 9. Je m'assure d'avoir tout retracé et d'apporter les corrections appropriées. Lorsque l'esquisse est prête, je retire l'image du dos. Je vais utiliser un panneau d'alligator comme support pour mes peintures. Ne confondez pas le panneau Gator avec le panneau en mousse. La planche Gator est beaucoup plus rigide. Il est plus robuste et imperméable. Avant d'étirer le papier, je dois m'assurer que mon croquis est correct. S'il y a quelque chose que j' aimerais effacer. C'est le moment de le faire, car l' application d'eau rendra le graphite permanent. Donc, plus tard, je ne pourrai supprimer aucune ligne, aucune ligne au crayon. J'utilise également une gomme malaxée pour alléger mon croquis. Je l'enroule simplement sur mon dessin et il retient l'excédent de graphite, ce qui rend l'esquisse plus claire mais toujours visible. Maintenant, en utilisant de l'eau claire et un gros pinceau plat de 1,5 pouce, j'applique une couche d'eau au dos du papier. Tout d'abord, je m'assure qu'il est couvert uniformément. Ensuite, je le retourne, le place au milieu de la planche et je mouille le devant. Si je vois des bulles d'air sous le papier et des renflements, je laisse le papier et je mouille nouveau le papier et le gator board à cet endroit. De cette façon, j'ai retiré la déformation et le papier est plat. Je le laisse pendant environ une minute ou deux. En attendant, j'ai nettoyé la planche de l'excès d'eau. Après environ 2 minutes, je l'agrafe sur le gator board. J'utilise une agrafeuse de bureau ordinaire et place les agrafes à environ 1 pouce l'une de l'autre. Je laisse sécher ce papier étiré pendant la nuit. Le lendemain, lorsque le papier est complètement sec, je le colle sur les prévisions. J'utilise du scotch pour la surface délicate, celle à la lavande. Grâce aux marques sur les quatre coins, je sais exactement où placer le ruban. Et je sais que ma peinture mesurera 12 x 9. Vérifions s'il fait vraiment 12 heures sur 9 heures. On dirait que c'est le cas. Nous sommes maintenant prêts pour l'étape suivante, qui consiste à appliquer le liquide de masquage et à peindre l'arrière-plan. 4. Masquer et arrière-plan: Nous allons masquer le sujet principal. J'utiliserai un liquide de masquage Winsor et Newton teinté de jaune. C'est mon liquide de masquage préféré. J'ai également besoin d'un vieux bonnet, d'un morceau de savon et d'un pinceau pour appliquer le masquage. Il s'agit d'un vieux pinceau synthétique que j' utilise uniquement pour appliquer la poitrine. N'utilisez jamais vos bons pinceaux pour cela. Je mets un peu de masque dans la casquette et je termine rapidement la bataille. Nous ne voulons pas que l'oxygène entre dans la bouteille. Je mouille le pinceau et je le frotte sur un morceau de savon. Le savon empêchera les poils de coller les uns aux autres. Et maintenant, je suis prête à appliquer le masquage. Je l'applique sur les bords de la fleur. Dans l'illustration que vous pouvez également trouver dans les supports de cours, vous pouvez voir exactement où j'ai appliqué le liquide de masquage. Si vous avez accidentellement éclaboussé le masque à un endroit où il ne devrait pas se trouver. Comme ici, j'ai une goutte de masque en arrière-plan. Ne paniquez pas. Laissez-le sécher complètement et retirez-le simplement lorsqu'il est sec et avant de commencer à peindre. Lorsque le liquide de masquage est sec, je peux supprimer cette tache inutile de l'arrière-plan. J'aime aussi m'assurer qu' il n'y a pas de trous dans le masquage. S'il y en a. Je les sens à nouveau avec le masque. Si je ne le faisais pas, la peinture ferait des taches à ces endroits. Lorsque j'ai fini d'appliquer le masquage, je rince mon pinceau, le frotte à nouveau sur un morceau de savon et je le rince à nouveau pour le nettoyer. Grâce au savon, les poils sont propres et ne sont pas collés par le masquage. Préparons de belles couleurs juteuses pour le fond. N'oubliez pas que vous n'avez pas besoin d'utiliser les mêmes couleurs. Utilisez des couleurs similaires si vous n'avez pas celles que j' utilise ou utilisez les couleurs que vous aimez et qui vous semblent belles, personnalisez-les. Je pense que je vais partir de l'or vert. Si vous n'avez pas cette couleur, vous pouvez également utiliser un mélange de jaune transparent avec une teinte verte et bleue Winsor. Le résultat serait très similaire. Le vert et l'or sont mon point de départ. J'ajoute une teinte bleu-vert Winsor pour le rendre plus vif et plus frais. l'autre côté de la palette, j'ai une flaque de teinte bleu-vert Windsor mélangée à une petite touche de terre de Sienne brûlée. bleu Winsor et la terre de Sienne brûlée créent une jolie turquoise légèrement atténuée, que je vais utiliser dans le coin inférieur droit du tableau. Nous aurons également besoin de quelque chose de très sombre. Je mélange le gris de Payne avec un bleu Winsor. Peut-être que mon vert principal est un peu trop clair et trop saturé. Je vais donc ajouter une touche de Sienne brûlée et de gris Payne à mon mélange. Cette combinaison de terre de Sienne brûlée et de gris Payne atténuera mon mélange, mon mélange de vert, et en même temps, elle l' assombrira. Ce vert est donc un mélange de vert, d'or, bleu Windsor, de terre de Sienne brûlée et de gris Payne. Nous pouvons changer cette couleur pour n'importe lequel de ces quatre ingrédients à tout moment. Maintenant, avec un gros pinceau de taille 12, j'applique une couche d'eau sur tout le fond. Assurez-vous d' utiliser un gros pinceau pour cela. Lorsque vous peignez mouillé sur un fond humide comme celui-ci, il est préférable d'utiliser le plus gros pinceau dont vous disposez. De cette façon, vous effectuez le moins de coups de pinceau possible, ce qui est crucial. Appliquez de l'eau propre sur le fond. Assurez-vous de couvrir chaque centimètre carré. Vous ne devriez pas voir de zones sèches. Voyez-vous la différence en termes d'humidité ? Sur le côté gauche, on peut voir une grande brillance. Sur le côté droit, il y a une faible brillance. Nous avons donc une différence d'humidité. Notre objectif est de mouiller le papier de manière uniforme. Lorsque vous appliquez la première couche, ne vous pressez pas, nettoyez les bords et attendez que la première couche se stabilise et pénètre légèrement dans le papier. Parce que je suis en train de filmer ça. Je sais que j'ai attendu 2 minutes plus tard. Appliquez un autre glaçage à l'eau. Nous appliquons deux couches d'eau pour que le papier reste humide un peu plus longtemps. Nous aurons plus de temps pour travailler sur sol mouillé et nous n'aurons pas à nous soucier du dessin sur papier dans certaines zones. Pensez-y de cette façon. La première couche d'eau a pénétré dans le papier, le mouillant de l'intérieur. Et maintenant, la deuxième couche restera à la surface car il n'y a pas de place pour qu'elle puisse s'imprégner. Nous pouvons maintenant voir un éclat intense sur tout l'arrière-plan. Ce gène ne disparaît pas rapidement car la première couche d'eau l'en empêche. Nous pouvons maintenant commencer à appliquer la peinture. Je pars du coin supérieur gauche et je me déplace vers le bas. Il est essentiel que vous puissiez vous déplacer dans votre tableau à ce stade. Lorsque vous appliquez la peinture, TLT ou la peinture pour faire bouger la peinture, laissez les couleurs se mélanger sur le papier sans l' aide de votre pinceau. C'est la clé d'un fond mouillé sur mouillé réussi avec des transitions de couleurs douces et sans traces de pinceau. Bien sûr, changez la couleur en cours de route. Essayez d'utiliser des couleurs similaires à celles de la photo de référence, mais n'oubliez pas qu'il n'est pas nécessaire qu'elles aient exactement la même apparence. Les valeurs tonales sont toujours plus importantes. Si vous voyez toujours une forte brillance sur le papier, vous devriez le faire, car il y a maintenant beaucoup d'eau sur le papier. Vous pouvez ajouter de la peinture pour assombrir la couleur. Mon objectif est de peindre l' arrière-plan en une seule fois. Je dois donc m'assurer que les couleurs sont suffisamment foncées. Maintenant. Gardez à l'esprit que la peinture sèchera beaucoup plus légèrement. Alors maintenant, il devrait avoir un ton plus foncé que sur la photo de référence. J'ai ajouté une touche de rose permanente ici pour ajouter quelques points d'intérêt, mais aussi pour refléter certaines couleurs de la fleur principale. Maintenant, j'ai ajouté suffisamment de peinture partout, et pendant les 5 prochaines minutes, je vais incliner ma peinture et la forcer à bouger sur le papier. Je le fais jusqu'à ce que je puisse voir que la peinture ne bouge plus, qu'elle se stabilise. Avant de le laisser sécher, nettoyons les bords. Enlevez toute trace de peinture ou d'eau du ruban de masquage. Lorsque je fais cela, j' aime aussi attraper les bords mouillés de la peinture avec mon essuie-tout et absorber l'excédent de peinture sur ces bords. Cela empêche la formation de fleurs à un stade ultérieur pendant le séchage du fond. Je l'ai laissé sécher pendant la nuit. Comme vous pouvez le constater, ma peinture est très plate et c'est grâce à l'étirement du papier. Nous pouvons retirer le liquide de masquage maintenant. Et j'utilise un outil de masquage en caoutchouc. C'est un outil très utile et nous sommes prêts à peindre le cactus. Alors rendez-vous dans la prochaine partie. 5. Couche verte: Nous allons peindre les parties vertes du cactus en quelques étapes. Je pense que nous pouvons commencer par appliquer le vert sur le corps principal du cactus. Il est divisé en trois parties principales. L'une à gauche avec le bourgeon violet, la partie principale et la partie inférieure. Concentrons-nous sur une partie à la fois. Je vais utiliser un pinceau de taille 12. J'ai toujours mes couleurs sur la palette. Alors maintenant, je vais juste ajouter de la peinture pour avoir une plus grande flaque d'eau. Encore une fois, j'utilise du vert, l'or et du bleu Winsor. Le vert foncé est un mélange de vert, d'or, de bleu Windsor et de gris Payne. Cette partie du cactus a cette belle bordure ensoleillée. Lors de l'application de la peinture, nous devons laisser ce poids de bord. Nous pourrions appliquer du liquide de masquage ici, mais je pense que ce n'est pas nécessaire. Nous ne pouvons tout simplement pas remonter jusqu'aux bords et laisser cet espace entre le corps principal et l'arrière-plan. Mon dessin au crayon n' est pas correct. Je peux voir des lignes importantes, donc je les ajoute maintenant. Appliquons une couche d'eau sur cette zone. Je ne sais pas comment ces petites choses sont appelées correctement, mais appelons-les épines pour notre objectif. En appliquant l'eau, j'ai essayé de contourner ces épines. N'oubliez pas de laisser un bord qui doit rester blanc. J'espère que lorsque j'incline le tableau, vous pouvez voir où je l'applique sur l'eau. La surface du papier est maintenant belle et humide, nous pouvons donc y ajouter des couleurs. J'utilise notre vert de base et j' ajoute de l'or vert pur dans quelques zones. L'idée est juste une couleur très verte. Je passe le pinceau à la taille 6 parce que je veux peindre un peu plus précisément, près du bord droit. Maintenant, j'utilise mon vert foncé, donc un mélange de vert, d'or et de bleu Winsor avec l' ajout du gris Payne. Je tombe dans le noir à quelques endroits, peut-être près des épines. La surface est encore humide, je peux donc y déposer plus de peinture. Maintenant, inclinez votre tableau, laissez les couleurs entrer, mélangez, laissez-le reposer pendant quelques minutes. Lorsque la peinture cesse de bouger et que son éclat a disparu. Nous pouvons répéter le processus sur une plus grande surface. Nous devons faire exactement la même chose. Je commence donc par appliquer un vernis à l'eau, qui n'est plus propre. Mais c'est bien, car cette zone sera de toute façon beaucoup plus sombre. Je me rappelle avoir entendu dire qu'on ne peignait pas jusqu' aux bords et qu'on laissait cette bande blanche sur le bord. Je ne vais pas peindre autour de ces épines cette fois-ci car elles sont beaucoup plus foncées que le vert de toute façon Dans la zone précédente, les épines sont violettes et même un peu roses. Nous avons donc dû peindre autour d'eux. Ici. Ils sont presque noirs. Nous pouvons donc appliquer le vert sur toute la zone. Je prépare d'autres de mes couleurs principales : le vert, vert, l'or et le bleu Winsor. C'est un très beau vert frais. Je vais commencer par recouvrir toute cette zone de verdure. Je continue à incliner ma peinture pour la déplacer et la répartir uniformément. Sur une surface mouillée. Je peux voir une touche de bleu sur le côté gauche. J'utilise donc un bleu Winsor sur les bords. J'utilise à nouveau un pinceau taille 6. Une fois cette couche appliquée, utilisez un gros pinceau de taille 12. Prenez le vert foncé et déposez-le aux endroits où nous avons ces épines. Laissez le vert s'étendre un peu. Ces taches sombres indiquent la présence d'indentations à ces endroits. Ces taches vert foncé ne doivent pas nécessairement se trouver exactement autour du centre des épines. plus important est de créer ici un motif plus ou moins régulier. Voici à quoi devrait ressembler ce modèle. Cela m'aide à déterminer où je dois me placer dans le vert foncé. Maintenant, inclinez le tableau et laissez-le reposer. Avant de passer à la partie inférieure. Les deux parties supérieures doivent être sèches. Je ne l'ai pas laissé sécher pendant la nuit. J'ai laissé les choses se calmer. Et lorsque la machine s'est détachée du papier, j'ai utilisé un sèche-cheveux pendant environ 10 minutes pour sécher ces deux zones humides. La partie inférieure est la plus simple. Nous devons d'abord appliquer un vernis à l'eau. Tu te souviens d'avoir laissé ce bord blanc ? Ensuite, nous pourrons déposer nos légumes verts. Je commence par appliquer de l'eau. J'observe la photo de référence et je laisse le bord blanc là où se trouvent les points forts. Nous ne voulons pas que la peinture y aille. Et appliquez d'abord de l'or vert. Ensuite, j'ajoute des couleurs plus foncées près des bords. J'utilise un pinceau de taille six pour créer avec soin ce joli bord vert irrégulier. Enfin, avec un pinceau plus gros et un vert très foncé. Je le dépose dans des endroits où je peux voir des ombres. Enfin, j'incline le tableau pour le remettre en mouvement. Et je laisse tout sécher. 6. Tête gauche: Dans cette partie, nous allons terminer le petit fruit de l'OpenShift sur le côté gauche. Assurez-vous que tout est complètement sec. Et préparons quelques couleurs. Je nettoie ma palette parce que nous avons besoin d'une famille de couleurs différente. Je ne veux donc pas mélanger les couleurs de la palette. Je vais chercher Permanent Alizarin Crimson. Nous aurons besoin de ce rouge pour créer des tons violets profonds. Je peux également voir des roses sur les épines. Je pense donc que nous aurons également besoin d'une rose permanente sur une palette séparée. Je veux mélanger un violet foncé foncé. Je mélange un bleu Winsor avec du Permanent Alizarin Crimson. Cela donne un très beau violet foncé, qui est atténué car le bleu Windsor a une nuance verte. Ainsi, lorsqu'il est mélangé au rouge, il rejoint le mélange. J'essaie également une combinaison d'alizarine et de Payne's Gray. Cela donne un violet encore plus foncé et plus profond et cela peut également être utile. C'est vraiment un bon mélange. Lorsque je mélange deux couleurs, j'aime laisser des couleurs pures des deux côtés du pétale. Ainsi, lorsque je peins, je peux choisir plus de violet rougeâtre ou plus de violet bleuté selon mes besoins du moment. Cette fois, je passe à un pinceau beaucoup plus petit. Je vais utiliser un pinceau de la taille d'un pinceau pour la fleur dépliée. Voici une petite surface, facile à peindre humide sur sec. Nous n'avons pas besoin d'utiliser la technique mouillé sur mouillé ici. Je commence doucement en appliquant un léger ton de rose. J'utilise un mélange de rose permanente et d'alizarine pourpre. J'essaie maintenant d'appliquer cette couleur sur chaque petite pédale. Une plus grande quantité de lumière passe à travers les pétales. Sur le côté droit. Ils y captent simplement plus de lumière. Ils ont donc un ton plus clair et plus chaud en ce qui concerne leur température de couleur. Alors que je me dirige davantage vers la gauche, les pétales sont plus dans l'ombre. Ils sont plus foncés et plus frais. Sur la gauche, j'utilise un panneau plus violet, soit en mélangeant du rose permanent avec du bleu Winsor, soit j'utilise même mes mélanges violet foncé. Ces pétales finiront par être très foncés. Je peux être plus courageuse en termes de tonalité, car je finirai par devoir assombrir tous ces endroits de toute façon. Je suis maintenant en train de cartographier les couleurs à l'aide de valeurs claires ou moyennes pour avoir une idée de la couleur et de créer cette sous-couche pour la couche suivante. Notez également que je laisse toutes les zones blanches éclairées par le soleil. S'il vous est difficile de déterminer où appliquer de la peinture et où vous devez laisser du papier blanc. Faites une pause et regardez votre dessin. Assurez-vous que c'est exact. N'hésitez pas à faire un dessin plus détaillé si vous en avez besoin. Vous pouvez clairement indiquer où se trouvent les reflets, où vous ne devez pas appliquer la peinture. Un bon dessin est toujours d'une grande aide. Appliquez le violet sur toutes les épines. Maintenant, nous devons le laisser sécher car nous peignons humide sur sec et nous utilisons une petite quantité de peinture, elle devrait sécher rapidement. Dans ce cas, j'utilise un sèche-cheveux pour accélérer le temps de séchage. Nous avons une bonne base, nous pouvons donc maintenant construire d'autres couches dessus. Lorsqu'au moins une couche est déjà appliquée, c'est plus facile que de créer les couleurs et les tons. C'est bien d'avoir ce fond de teint. Cela donne un sentiment d'achèvement. Il suffit d'assombrir toutes les couleurs avec la deuxième et dernière couche. J'utilise maintenant des tons sombres et des couleurs intenses. Je souhaite obtenir la même valeur tonale que sur la photo de référence. Nous pouvons commencer par le plus foncé , puis ajouter un ton plus clair et mélanger les deux couleurs. Ou nous pouvons d'abord appliquer un ton plus clair, par exemple Alizarin Crimson, puis déposer le ton foncé sur le dessus et mélanger ces couleurs. Parfois, il est plus facile de partir des tons sombres car ils sont plus visibles. Et il est plus facile de déterminer où les peindre. Mais d'un autre côté, il y a un risque que nous fassions trop nuit. Nous devons donc être prudents. Ne vous souciez pas de la correspondance des couleurs. Concentrez-vous toujours sur les valeurs tonales. Lorsque vous savez qu'il doit y avoir quelque chose de vraiment sombre, vous choisirez naturellement les bonnes couleurs pour obtenir le ton sombre. Il n'est pas nécessaire que ce soit exactement de la même couleur, mais lorsque vous obtenez le bon ton, tout ira bien. Je laisse les bords de ces pétales blancs. Mais alors que la peinture est encore légèrement humide, je la retire de la peinture pour recouvrir ces bords de quelques couleurs. Ces bords ne sont pas tous totalement blancs. Ici, je pars d' Alizarine pourpre, puis je passe au mélange foncé d'alizarine pourpre avec le gris de Payne, ou d'alizarine avec du bleu Winsor. Si j'ai également besoin d'une teinte violette différente, un peu plus claire , toutes ces épines partent de cet accent rouge prononcé, puis prennent des tons violets plus foncés. violette , toutes ces épines partent de cet accent rouge prononcé, puis prennent des tons violets plus foncés. , toutes ces épines partent de cet accent rouge prononcé , puis prennent des tons violets plus foncés. Le rouge en dessous transparaît et crée cette belle lueur chaude. Je peux voir ici qu' un cercle noir entoure ces épines. Quelques premières peintures, ces cernes, des peintures autour de formes triangulaires. Ensuite, j'ajoute du rouge et du violet sur les épines. Sur le côté droit, là où les épines sont plus éclairées par le soleil et plus chaudes. J'ajoute juste une petite touche de jaune Winsor foncé pour ajouter un peu de chaleur. Enfin, je travaille davantage sur les parties vertes. J'ajoute des ombres ici et là avec un ton vert plus foncé pour créer le formulaire. J'applique la peinture humide sur sèche. Ensuite, je rince et éponge mon pinceau avec un pinceau propre et humide. J'essaie d'adoucir un côté de la marque. Je viens de le faire. De cette façon. Je suis en train de créer une sorte de pli qui est présent dans le formulaire. J'utilise également un gros pinceau rond de taille 12 pour assombrir certaines zones vertes. J'applique la peinture, puis j'essaie rapidement d'adoucir les bords avant que la peinture ne sèche et ne crée des bords durs. Si la partie verte est complètement sèche, vous ne devriez avoir aucun problème à appliquer d'autres couches. Mais si vous ne vous êtes pas assuré que la couche précédente est complètement sèche, vous risquez de perturber le pigment de la couche précédente et de créer des dégâts. Vous pouvez faire des lavages uniformes et des taches étranges peuvent apparaître ici et là. Assurez-vous donc toujours que la couche précédente est complètement sèche. En bas, j'ajoute un vert très foncé pour peindre l'ombre. Bien sûr, j'adoucis le bord avec une brosse propre et humide. J'ajoute également du vert foncé d'autres endroits pour indiquer d' éventuelles taches sur la colonne vertébrale. 7. Partie verte: Dans cette partie, nous nous concentrerons sur la partie principale du deuxième plus grand bras du cactus. Notre objectif est maintenant de peindre toutes ces taches sombres situées là où se trouvent les épines. Et peut-être ajouter un peu plus de forme à cette partie en ajoutant plus d'ombres. La peinture verte que j'ai appliquée plus tôt recouvrait entièrement mon dessin au crayon. Je peux voir où peindre ces taches sombres. Donc, avant de commencer à peindre, je veux m'assurer d'ajouter les taches aux bons endroits. J'ai d'abord essayé de dessiner des marques utiles avec mon crayon, mais j'ai remarqué que je ne voyais pas vraiment mes traits de crayon sur la peinture verte. J'ai donc décidé d'utiliser la couleur verte pour marquer ces taches. Encore une fois, je garde à l'esprit le motif qu'ils créent. Je peux utiliser une peinture beaucoup plus foncée. Quand je saurai exactement où je dois peindre les taches. Je suis en train de choisir mon mélange foncé de Permanent Alizarin Crimson et de Winsor Blue. Je commence par peindre l'ombre noire sur la gauche. Je peins maintenant mouillé sur sec. Et après avoir appliqué la peinture, j'adoucis certains bords. S'il y une nette majorité , ces taches sombres ont des formes rondes. Je n'essaie pas de dessiner un cercle parfait. Ce sont des formes organiques. Ils n'ont pas besoin d' avoir des formes parfaites. Leur distribution est plus importante. Assurez-vous donc que ces points créent un joli motif régulier. L'air est placé légèrement plus près l'un de l'autre des deux côtés. Et la distance entre les points est plus grande au milieu. C'est également important car cela contribue à créer l'impression d'une forme ronde. J'utilise un pinceau spotter taille 2. Dans la partie supérieure, je peux voir des couleurs plus claires au milieu de ces points, Sam quittant les centres et peignant maintenant, et je les remplirai de rouge violacé dans une minute. Je pense également que nous pouvons maintenant ajouter une ombre en bas. J'utilise mon mélange vert foncé composé de vert, d'or, de bleu Winsor et de gris Payne. J'ai commencé avec un pinceau de petite taille, mais un gros pinceau serait mieux pour cela. Je voudrais suggérer quelques formes organiques en bas, des forums ronds représentant les personnages. Et l'ombre en dessous. J'applique la peinture humide sur sèche. Et j'adoucis rapidement les bords là où c'est nécessaire. À l'aide d'un petit pinceau. Je ferais trop de coups de pinceau. Je pourrais rayer le papier trop de fois. Et je pourrais facilement avoir un look surchargé avec un gros pinceau. Il suffit de quelques coups de pinceau et d'un adoucissement rapide. Également un gros pinceau, plus délicat. Comme il est plus doux, les coups de pinceau sont plus doux pour une surface de papier délicate. Il y a encore une chose que je voudrais faire. J'ai l'impression que le vert semble un peu plat et que le cactus n'a pas de forum et qu'il n'a pas un peu de texture. Je vais utiliser un ton vert foncé pour ajouter des ombres qui aideront à créer ainsi la surface de l'OpenShift. Il s'agit d'un mariage, d'une très petite surface, et j'applique du vert foncé pour permettre à la peinture de s'étendre. Si nous placions une horloge sur chacun de ces points, je pourrais dire que j' essaie de peindre les ombres à 5 heures. J'ajoute l' ombre en diagonale, partant du point et en descendant jusqu'au coin inférieur droit. Je veux créer une forme un peu plus distincte, une largeur, une indentation sur le côté droit. J'ajoute donc des ombres plus fortes et j'adoucis le bord d'un côté. L'autre côté reste un peu plus clair. Cela me donne l'impression d'un pli. Enfin, je souhaite ajouter plus vert foncé autour de chaque point avec un pinceau plus petit pour créer une meilleure illusion d' ombre et d'indentation. J'utilise le pinceau comme s' il s'agissait d'un crayon de couleur. Je fais semblant de dessiner avec le pinceau. Cela ne me dérange pas d'avoir de la texture ou des irrégularités lors des lavages, car la surface n' est pas parfaitement lisse. Ainsi, toutes les imperfections ajoutent plus d'intérêt et un aspect naturel. 8. Adoucissement: Avant de commencer à peindre les pétales, j'aimerais que vous fassiez encore une chose. Lorsque je peins quelque chose avec un fort surlignage, j'aime adoucir les bords. C'est quelque chose que je fais presque toujours. Il y a deux raisons principales pour lesquelles je le fais. La première est que ce processus permet d'obtenir des bords plus lisses et d' éliminer les bords trop sombres. Parfois, les pigments sont éloignés du centre de la forme pendant le processus de séchage et se rassemblent sur les bords. Par conséquent, le bord peut avoir une couleur plus foncée que l'objet et ressembler à un contour. adoucissement à l'aide d'une brosse à récurer éclaircit ce bord et le rend plus lisse s'il est trop rugueux. La deuxième raison est que l'adoucissement contribue également à créer ce bel effet lumineux et doux. Après chaque brossage, Irène le met dans l'eau pour enlever la peinture que je viens de retirer. Si je ne le faisais pas, je transférerais simplement la peinture d'un endroit à un autre. Nous ne voulons pas le faire. Nous voulons que tout reste propre. À chaque fois. Je suis également en train de tamponner cet endroit avec un mouchoir pour éliminer l'excès de peinture et nettoyer le bord. Il y a des pointes sur les bords et j'essaie de créer des pointes encore plus nettes. Je suis également en train de retirer la peinture des taches sombres. J'imagine qu'il y a de petites pointes qui sortent. Je suis très doux car la couleur foncée est très facile à soulever. Je place mon pinceau à un angle d'environ 45 degrés et je touche simplement la peinture avec le bord des poils. Je crée quelques marques plus claires, très irrégulières. Chacun d'eux est orienté dans direction différente pour créer cet aspect organique naturel. Je retire également la peinture sur la face inférieure pour créer plus d'imperfections. Nous pouvons maintenant passer à la peinture des pétales. 9. Couche initiale sur les pétales: Les pétales de la fleur ont une belle gamme de couleurs analogues. Ils vont du jaune clair à l'orange en passant rouge et le rouge foncé très foncé et même le violet. Pour obtenir ces couleurs riches et cette lumière sur les pétales, nous devons garder à l'esprit deux choses. Tout d'abord, nous devons préserver les points forts. Les zones les plus claires des pédales sont d'un blanc pur. Je n'ai pas appliqué de peinture sur ces endroits. Dans d'autres zones où le jaune est clair. J'ai juste utilisé la peinture diluée pour conserver le ton clair de la couleur. Contrairement aux pétales très foncés dans la partie inférieure, nous pouvons obtenir une sensation de forte lumière. La deuxième clé pour obtenir des couleurs riches est de tout peindre en couches. Nous allons commencer par les tons les plus clairs , puis nous augmenterons lentement la profondeur de la couleur. Préparons d'abord les couleurs dont vous aurez besoin. Je prépare un Winsor Yellow. Winsor jaune foncé, Alizarine permanente pourpre. Je mélange également du jaune Winsor Deep avec Permanent Alizarin Crimson pour obtenir une orange. Enfin, je prépare également du rouge Winsor. Je pense que je vais le déposer quelque part. Dans cette partie, nous nous concentrerons uniquement sur les tons les plus clairs. Je vais utiliser un pinceau taille 8. Je commence généralement à peindre par le coin supérieur gauche. Je choisis donc le premier pétale sur la gauche. Mon jaune principal sera désormais un mélange de jaune Winsor et de jaune Winsor profond. Le mélange des deux donne un très beau jaune ensoleillé. Je pense que ce sera parfait ici car nous travaillons avec la couleur jaune. Je ne m'inquiète pas des lavages irréguliers. Le jaune est une très belle couleur à peindre car les imperfections ne sont pas vraiment visibles. C'est pourquoi je vais peindre humide sur sec. Cette technique est également plus rapide que sur sol mouillé et la peinture sèche plus rapidement. J'observe la photo de référence, en gardant un œil sur la zone qui doit rester claire. J'applique le jaune dans la partie la plus foncée. Je suis en train de rincer et d' éponger mon pinceau. Et j'essaie de créer un dégradé du foncé au clair avec un pinceau propre et humide. Je suis en train de retirer la peinture de ce jaune. Après chaque coup de pinceau. Je nettoie le pinceau pour ne pas faire glisser la peinture d' un endroit à l'autre. Je veux juste l' alléger vers le bord. Je continue à appliquer la peinture sur chaque pétale. Je ne peins pas. Sinon, cette fois, normalement, je saute un pétale, mais dans ce cas, comme il est jaune et jaune les lavages ont généralement un aspect relativement uniforme. Je ne m'inquiète pas des imperfections. Je me souviens seulement de l' obscurité dans laquelle je peux aller et du mot des endroits où je dois laisser le blanc. Dans les zones plus sombres, j' applique plus de peinture jaune et plus concentrée dans les endroits plus clairs. J'utilise un mix moral édulcoré pour alléger le ton. Ou je laisse la blancheur du papier. En ce qui concerne les bords, je suis les photos de référence. Sur la plupart de ces pétales, les bords sont lisses. J'ai besoin de créer un dégradé de tons allant du foncé au clair, sans bords nets. Mais il existe également des ombres foncées qui ont des bords nets, certaines les indiquant en peignant un bord dur. Je les assombrirai plus tard. Ce petit pétale, j' ajoute une rose permanente dans la partie supérieure et mon jaune dans la partie inférieure. Nous devons créer cette transition du rose au jaune. Continuez à appliquer le jaune sur la rangée inférieure des pétales. N'oubliez pas de laisser la blancheur du papier dans les zones les plus blanches. Les seules pédales restantes sont celles de la troisième rangée. Ce sont les pétales les plus foncés et ils sont plus rouges que jaunes. Nous pouvons suggérer une couleur différente ici. J'utilise Permanent Alizarin Crimson avec une touche de jaune. Avant de passer à la rangée inférieure de pétales, je veux m'assurer que le jaune est sec. J'utilise un sèche-cheveux pour accélérer le temps de séchage. J'utilise un sèche-cheveux pour sécher la peinture. Je couvre le reste des pétales principalement avec une légère teinte pourpre d'alizarine permanente. Mais j'essaie de faire varier les couleurs dans les zones où le rouge est plus clair. J'ajoute également du jaune. Vous verrez que je n' applique pas un vernis rouge plat, mais que je passe du rouge au jaune. Seule la couche de base appliquera au moins deux couches supplémentaires ici pour obtenir ces riches rouges foncés. Il y a deux bords surlignés sur le côté droit que je vais laisser non peints. Plus tard. Je vais probablement y ajouter quelques couleurs, mais je les laisse en blanc pour le moment. Laissez la peinture sécher complètement. Et dans la partie suivante, nous appliquerons une autre couche pour approfondir les couleurs, concentrant sur les tons moyens. 10. Pétales - tons moyens: La première couche est complètement sèche. Nous allons maintenant développer les couleurs et les tons et rendre les pétales plus oranges ou rouges là où c'est nécessaire. Je commence par mélanger du jaune Winsor foncé avec Permanent Alizarin Crimson pour obtenir une belle orange. Je l'applique dans les zones les plus sombres du premier pétale. Je peins humide sur sec. Après avoir appliqué la peinture, je rince et je charge mon pinceau. Et j'essaie d'adoucir la peinture vers le bord du pétale. J'ajoute de l'alizarine pourpre plus permanent pour rendre la couleur plus riche. En passant au pétale suivant et en utilisant les mêmes couleurs, j'essaie de créer les riches nuances d'orange et de rouge. Parce que c'est la deuxième couche de peinture. Les couleurs sont déjà très vives, mais je garde à l'esprit qu'elles peuvent paraître plus pâles lorsqu'elles sèchent. Une couche supplémentaire peut donc être nécessaire pour obtenir la profondeur de couleur souhaitée. J'ajoute juste du jaune pour le rendre plus profond. Dans certaines régions. Même si nous pouvons appliquer une couche épaisse pour obtenir le ton foncé que nous recherchons. Il est toujours préférable de créer les couleurs et les tons avec au moins deux ou trois couches plus fines. De cette façon, nous ne perdons pas les propriétés transparentes des aquarelles et la peinture aspect frais et non surchargé. Je peins maintenant principalement du jaune Winsor, pourpre Alizarin profond et permanent. Je passe d'une couleur à l'autre. Ici, sur ce gros pétale, je commence par appliquer du jaune des deux côtés. Ensuite, j'ajoute Permanent Alizarin Crimson au milieu. Et je suis également en train de tomber dans cette zone, Winsor Red. J'ai laissé le bord supérieur du pétale blanc car il y a un surlignage. Cette fois avant de passer au pétale suivant. Je vais laisser sécher ce gros pétale. Je ne veux pas courir le risque que la peinture coule d' un pétale à l'autre et crée une floraison. Le pétale suivant est plus foncé en ville, sorte que la peinture foncée peut pénétrer dans la pédale centrale plus claire. Ici, je pars de la rose permanente parce qu'ils pensent que ce pétale a besoin d'un peu de cet amidon coloré. Outre la rose permanente, j'utilise également Permanent Alizarin Crimson. Les pétales les plus foncés sont vraiment foncés. Mais encore une fois, nous augmentons lentement la profondeur de la couleur. J'applique maintenant la valeur moyenne d'un mélange de rose permanente et d' alizarine pourpre. Le côté droit du pétale. J'ajoute de l'orange pour déplacer la couleur vers le rouge. Il suffit de couvrir tous ces pétales avec la valeur moyenne. Plus tard, nous allons assombrir ces pétales. Maintenant, nous allons tout laisser sécher complètement. J'utilise le sèche-cheveux pendant environ 10 minutes et je le laisse sécher encore 20 minutes. Dans la partie suivante, nous ajouterons les détails et approfondirons les couleurs des deux premières rangées de pétales. 11. Tons et détails sombres: Nous pouvons dire que nous peignons du général au spécifique. Il s'agit d'une approche descendante. Nous peignons de plus en plus de détails à chaque couche suivante. Il est maintenant temps de terminer les pédales. Nous allons évaluer chaque pétale individuellement et réfléchir ce que nous pouvons faire pour le rendre plus beau et plus proche de la photo de référence. Quand je regarde le premier pétale, je vois que je dois ajouter une ombre et créer une texture sur la pédale. Je vais utiliser un pinceau de taille 6. Je mélange trois couleurs primaires, le bleu Winsor, alizarine permanente, le cramoisi et le jaune Winsor profond. J'essaie d'obtenir une couleur neutre qu'il puisse utiliser pour peindre l'ombre. Cette ombre passe d' couleur neutre claire à un rouge très foncé en utilisant un mélange de jaune Winsor, deep end et d'alizarin cramoisi. J'ajoute également une texture aux pétales. Je joue juste avec de nombreux petits points, l'un à côté de l'autre. Je vais revenir à l'ombre pour ajouter de la couleur si besoin est. Je passe à un autre pétale. Maintenant. Je me concentre sur une petite zone et j' essaie de le terminer. Je veux que ce soit la dernière couche. J'essaie donc d' atteindre le résultat final. Maintenant. J'observe la photo de référence et j' essaie de recréer ce que je dis. S'il y a des lignes, je peins des lignes. S'il y a une ombre qui n'est pas assez foncée, j'ajoute de la peinture pour l'assombrir. Il se peut que je revienne au même endroit à quelques reprises pour m'assurer d'avoir obtenu ce dont j'avais besoin. Je compare également le pétale que je suis en train de peindre avec d'autres pétales que j' ai déjà peints. Je dois conserver l'harmonie des couleurs et des tons en comparant d'autres zones avec celle sur laquelle je travaille. Je sais à quel point je peux foncer et dans quelle mesure ma couleur doit être atteinte. Il y a beaucoup de ces lignes près du bord du pétale. Il peut s'agir de plis sur les pédales ou de déclarations au centre de la fleur projetant une ombre sur les pétales. Alors maintenant, continuez à travailler sur chaque pétale. Réfléchissez à ce dont chacun a besoin. Parfois, nous avons besoin de peindre une ombre projetée avec une arête vive. D'autres fois, nous devons appliquer une autre couche de peinture sur l'ensemble de la pédale pour approfondir les couleurs. Utilisez la technique humide sur sec et adoucissez les bords où la transition entre les couleurs est lisse. Sur ce pétale, je commence par appliquer du jaune Winsor Deep avec une petite touche permanente d'alizarine cramoisie. Ensuite, j'ajoute de la rose permanente à ce mélange pour obtenir ce rouge vif au milieu. Maintenant, pour mélanger ces couleurs, je prends du jaune sur mon pinceau. Et j'essaie de tirer un peu ce rouge vers la partie supérieure pour faciliter la transition. Comme j'ai du jaune sur mon pinceau, le jaune prend une autre couche et devient encore plus profond. Dans le même temps, la transition entre le rouge et le jaune est plus douce. Dans la partie inférieure, j'ajoute de l'Alizarine pourpre pour le rendre légèrement plus foncé. Je suis en train de préparer un mélange d'alizarine et de bleu Winsor qui aura besoin de ce mélange pour assombrir le pétale suivant. Je charge mon pinceau avec de la rose permanente. Et je commence par appliquer cette couleur. En bas. J'ajoute mon mélange foncé d'alizarine et de bleu. Et j'essaie de mélanger ces couleurs. J'applique une couche supplémentaire sur cette ombre projetée. Je pense qu'elle est trop claire maintenant par rapport à la pédale foncée que je viens de peindre. Le pétale foncé est presque sec maintenant, alors je peins une autre ombre près de cette pédale. Le Yellow Peril semble trop pâle maintenant. Et deux jaunes, j'y ajoute un peu d'orange, et je mélange le tout. Enfin, j'ajoute les détails sur les pétales. Je peux voir quelques lignes courtes ici dans le surlignage. Et les lignes plus allongées sur les autres pétales. Je les peins pour ajouter plus de texture et d' intérêt aux pétales. Ils aident également à déterminer la forme de la pédale. Lorsque les lignes sont légèrement incurvées, elles suggèrent que le pétale est un peu courbé. Ici. Ces lignes courtes sont irrégulières et j' essaie d'éviter la tentation de placer une ligne à côté d'une autre de deux manières régulières. Leurs formes incurvées suggèrent également que les pétales sont légèrement pliés vers le centre de la fleur. Les pétales principaux sont terminés. Nous pouvons maintenant passer à la partie suivante et peindre les pétales les plus sombres restants. 12. Pétales les plus sombres: Nous avons déjà appliqué deux couches sur les pétales restants, mais bien sûr, ces pétales ne sont pas assez foncés. Nous allons donc ajouter deux couches supplémentaires pour obtenir cette couleur sombre et profonde. Nous devons également faire la distinction entre les grands pétales et les petits sépales de forme triangulaire situés en dessous. Dans le premier objectif, une couche de peinture sera appliquée sur chacun d'eux. Au deuxième tour, nous peindrons les plus petits sépales. Et au troisième round, nous allons enfin assombrir les pétales. D'accord, commençons par mélanger rose permanente avec le jaune profond de Winsor. J'aurai besoin de cette lecture dans certains domaines. Commencez par appliquer Permanent Alizarin Crimson sur la gauche et, vers la droite, changez la couleur en rouge et mélangez du Winsor, du jaune, du rose foncé et du rose permanent. À ce stade, les plus gros pétales et les sépales sont unis. Je les traite tous les deux comme un seul objet et j'applique la peinture sur les deux. Dans la couche suivante, nous allons faire la distinction entre eux. Je mélange plus de bleu Winsor et de Permanent Alizarin Crimson. Et pendant que la peinture est encore humide, j'ajoute cette couleur violet foncé sur le premier pétale. Je cours le long de la partie centrale, essayant d' incurver légèrement la ligne pour suggérer la forme du pétale. Ensuite, j'ajoute plus d' Alizarin Crimson et je lis des deux côtés. Je compare la largeur de ce pétale à celle du pétale qui se trouve derrière. Et je peux voir que ce sont des valeurs tonales très similaires. Cela me dit donc que je vais devoir assombrir celui de devant avec une couche supplémentaire. Je suis en train d'assombrir d'autres pétales avec Alizarin Crimson et mon mélange violet foncé. Nous devons le laisser sécher. Maintenant. On voit clairement que la couleur n'est pas encore assez foncée lorsqu'elle est sèche. Peignons maintenant les sépales les plus foncés pour mieux juger de la noirceur que nous pouvons donner aux pétales. J'utilise mon mélange violet foncé de bleu Windsor et de pourpre permanent Alizarin. J'aime utiliser un mélange de deux couleurs car je peux toujours déplacer la teinte vers l'une de ces couleurs lorsque j'applique la peinture. Si j'ai besoin de plus de rouge, j'utilise plus d'alizarine. Si j'ai besoin d'un violet plus foncé, j'utilise plus de bleu Winsor. J'applique cette couleur super foncée sur tous les sépales. Lorsque les sépales sont secs, nous pouvons terminer la peinture en appliquant la couche finale sur les pétales foncés. Je commence par appliquer Permanent Alizarin Crimson. Et puis, pendant que la peinture est encore humide, j'ajoute le mélange violet foncé d'Alizarine à la place du bleu Winsor. Je le fais sur d'autres pétales jusqu'à ce que le violet foncé soit presque noir. Et le mélange d'Alizarine pourpre et bleu Winsor crée en fait du noir, mais il a cette teinte violette. Je suis également en train d'assombrir la pédale au milieu. Je pense que c'est trop clair en bas. Je n'applique pas la peinture sur l'ensemble de la pédale, en bas et à gauche. J'essaie de lisser les bords. Enfin, j'adoucis quelques bords durs avec une brosse à récurer propre et humide et la peinture est terminée. OK, merci beaucoup d'avoir regardé. J'espère que vous avez apprécié le tutoriel et j'espère que vous serez satisfait du résultat. Bien sûr, veuillez partager votre peinture avec d'autres personnes et avec moi afin que nous puissions tous admirer vos œuvres. Bonne peinture.